Ajuda na Tele2, tarifas, dúvidas

E você tem ícones na escuridão
Com o sorriso da Esfinge eles olham para longe
Esposas semi-pagãs, -
E a tristeza deles não é isenta de pecado.

Profeta, ou demônio, ou mágico,
Mantendo o enigma eterno,
Oh Leonardo, você é o arauto
Outro dia desconhecido.
Dmitry Merezhkovsky

Madonna com uma flor ( Madonna Benoit)
Leonardo da Vinci
1478
Lona, óleo
Museu Hermitage do Estado

Leonardo da Vinci (1452 - 1519): “Profeta, ou demônio, ou mágico”

A pequena cidade toscana de Vinci já foi o lar de um dos maiores gênios humanidade. Aos dez anos, Leonardo, filho de um notário e de uma camponesa, mudou-se para Florença - epicentro da economia, industrial e vida cultural Renascimento. Aqui ele aprendeu o primeiro básico Criatividade artística, e mesmo assim mostrou uma extraordinária diversidade de interesses. Entre outras coisas, Leonardo foi seduzido pela ciência, mas seus contemporâneos acreditavam que ela apenas o distraía de servir aos elevados ideais da arte. Em parte tinham razão, porque o entusiasmo excessivo do génio por todas as esferas da existência serviu de razão indirecta para o seu modesto património pictórico, que hoje conta com pouco mais de dez obras. Mas, por outro lado, foram as pesquisas científicas que contribuíram para que cada uma das pinturas criadas por Leonardo fosse um exemplo inestimável de quão alto o espírito humano pode voar, esforçando-se para compreender o mundo. A pintura “Madonna com uma Flor” é uma dessas evidências.

Retrato seu na velhice
Leonardo da Vinci (?)
Giz vermelho, papel
Biblioteca Real, Torino (Itália)

“Madonna com uma Flor (Benois Madonna)” (1478) na coleção Hermitage

A maioria dos pesquisadores data esta pintura em 1478, o que significa que Leonardo da Vinci a pintou quando tinha apenas 26 anos. Em 1914, “Madona com Flor” foi adquirida para o acervo da Ermida Imperial da coleção particular da família Benois. Pouco antes disso, o goleiro galeria de Arte Hermitage Ernst Karlovich Lipgart sugeriu que a obra pertence ao pincel do grande Leonardo, e nisso ele foi apoiado pelos principais especialistas europeus. Sabe-se que já no primeiro terços do século XIX século, “Madonna com uma Flor” esteve na Rússia com o General Korsakov, de cuja coleção mais tarde acabou na família do comerciante de Astrakhan Sapozhnikov. Maria Alexandrovna Benois, nascida Sapozhnikova, herdou esta pintura e, quando decidiu vendê-la em 1912, um antiquário londrino ofereceu 500 mil francos por ela. No entanto, por uma quantia muito mais modesta, a proprietária cedeu a “Madonna” ao Hermitage - ela queria que a criação de Leonardo permanecesse na Rússia.

Auto-retrato
Ernst Friedrich Liphart - artista e decorador russo, curador-chefe da galeria de arte Hermitage em 1906-29
1883

“As esposas semipagãs olham para longe com o sorriso da Esfinge, e sua tristeza não é isenta de pecado.”

Bastante modesta e despretensiosa à primeira vista, “Madona com Flor” surpreende porque não revela seu encanto de imediato, mas aos poucos, à medida que se mergulha nesta experiência especial. mundo interior. A Mãe de Deus e o menino Jesus estão rodeados pelo crepúsculo, mas a profundidade deste espaço está claramente indicada janela brilhante. A Virgem Maria ainda é apenas uma menina: bochechas rechonchudas, nariz arrebitado, sorriso alegre - tudo isso são características não de um ideal divino abstrato, mas de uma menina terrena muito específica que já serviu de modelo para esta imagem. Ela está vestida e penteada à moda do século XV, e cada detalhe de seu traje, cada cacho de seu cabelo é examinado de perto pelo artista e transmitido com detalhes renascentistas. O amor e a alegria da maternidade se refletiam em seu rosto, focada nas brincadeiras com o filho. Ela lhe entrega uma flor e ele tenta agarrá-la, e toda essa cena é tão vital e convincente que é hora de esquecer a próxima tragédia de Cristo. No entanto, a flor com a sua inflorescência cruciforme não é apenas o centro composicional de todo o quadro, mas também um sinal, um símbolo, um presságio da Paixão que se aproxima. E parece que neste rosto consciente e concentrado de um bebê que busca uma flor já é visível o futuro Salvador, que aceita a cruz que lhe foi destinada. Mas, por outro lado, neste gesto há também um símbolo do Renascimento com a sua vontade ilimitada de compreender o mundo, descobrir os seus segredos, ir além das suas fronteiras - em geral, tudo o que o próprio Leonardo almejou.

Madonna com uma Flor (Benois Madonna) - fragmento
Leonardo da Vinci
1478
Lona, óleo
Museu Hermitage do Estado

"Oh Leonardo, você é o prenúncio de um dia ainda desconhecido"

Além das elevadas aspirações espirituais, a imagem é um certo resultado daquelas conquistas cênicas, realizadas por mestres florentinos durante o século XV, e ao mesmo tempo é um trampolim para a evolução futura da arte. A harmonia do todo em Leonardo é criada através da síntese de particulares: composição matematicamente verificada, construção anatômica dos corpos, modelagem de corte volumes, contornos suaves e cores quentes. O enredo tradicional é aqui repensado: a imagem de Nossa Senhora é mais humana do que nunca, e a cena em si é mais comum do que religiosa. As figuras são volumosas e quase tangíveis devido ao sutil jogo de luz e sombra. Cada dobra da roupa se ajusta ao volume do corpo e é repleta de movimento. Leonardo foi um dos primeiros na Itália a utilizar a técnica da pintura a óleo, que lhe permite transmitir com maior precisão a textura dos tecidos, as nuances de luz e sombra e a materialidade dos objetos. Para imaginar ainda mais claramente até onde se estenderam todas essas descobertas naquela época, basta simplesmente comparar a Madona de Leonardo com a obra de seu antecessor e professor, o pintor Andrea Verrocchio.

Madonna e criança
Andrea Verrocchio
Por volta de 1473-1475
Madeira, têmpera
Museus Estatais, Berlim

Estudo tecnológico da pintura

A Madona da Flor foi originalmente pintada em madeira, mas para maior preservação foi transferida para tela em 1824. Na fotografia, tirada em nossa época em raios infravermelhos refletidos, um segundo contorno é visível acima da nuca do bebê, o que sugere que Leonardo pretendia deixar a criança ainda maior do que é agora. O penteado da Maria é um pouco diferente - na foto é mais fofo e cobre a orelha direita. Na versão final, Madonna segura um monte de folhas de grama na mão esquerda, e na foto há uma flor. Todas estas mudanças não são significativas, mas muito interessantes, pois permitem olhar para a pitoresca cozinha do criador. Em 1978, o filme comemorou 500 anos. Para coincidir com esta data, foi programada uma grande restauração, durante a qual foram removidas manchas superficiais e gravações tardias, e o verniz antigo foi restaurado. Ao final desta obra, a “Madona Benois” foi colocada em uma caixa de vidro feita especialmente para ela.

Madonna Benoit
Foto em radiação infravermelha refletida

© projeto SpbStarosti

09 de novembro de 2012

“Leonardo da Vinci é o único artista de quem se pode dizer que tudo o que sua mão tocou tornou-se beleza eterna. A estrutura do crânio, a textura do tecido, um músculo tenso... - tudo isso é feito com uma incrível sensação de linha, cor e iluminação se transformam em valores verdadeiros” Bernard Berenson, 1896

Madonna Benoit

1475-1478; 49,5x31,5cm;
madeira, óleo transferido para tela
Ermida, São Petersburgo

"Madonna Benois" foi escrita por Leonardo quando ele ainda era muito jovem. Apesar de o artista ter acabado de completar a sua formação na oficina de Verrocchio, esta é uma das primeiras obras em que o estilo original de Leonardo foi revelado.

Muitos esboços datados desse período foram preservados, nos quais Leonardo, com seu cuidado característico, esboça não apenas as diversas poses e expressões faciais da Madona com o Menino, mas também as dobras de suas roupas, detalhes de joias e, claro, paisagens pintadas na técnica sfumato, uma das quais foi utilizada pelo mestre como fundo na pintura “Madona do Cravo”.

A pintura “Benois Madonna” surpreende pela ousadia na interpretação dos personagens. Apesar do halo dourado (presume-se que os halos ao redor das cabeças dos personagens foram acrescentados posteriormente, e talvez não pela mão de Leonardo), a Madona aparece diante de nós desprovida de quaisquer sinais de santidade.

Esta é uma menina, quase uma menina, que brinca com um bebê bastante grande sentado em seu colo. Uma nuance interessante chama a atenção: a criança, que deveria estar se divertindo, parece completamente adulta, séria e focada, enquanto a Madona - contrariando todas as leis da iconografia tradicional - é alegre e até brincalhona.

Definido realismo sensual, a atmosfera de calor espiritual e alegria brilhante anima esta imagem, embora a paleta geral marrom-esverdeada e a solução composicional bastante complexa das poses e gestos dos personagens introduzam uma nota de ansiedade e expectativa no tom emocional da tela.

A modelagem perfeita do corpo do Bebê usando o claro-escuro é admirável – a influência dos experimentos escultóricos de Verrocchio é sentida aqui. Smyslov e centro composicional Este trabalho, sem dúvida, é o cruzamento de três mãos - as mãos rechonchudas do Menino e a mão magra de menina da Mãe de Deus.

Este comovente detalhe permite-nos compreender a brilhante ideia de Leonardo: tal representação da Madona com o Menino, na verdade, é a personificação dos sentimentos das mães de todo o mundo. Então já no começo caminho criativo da Vinci conseguiu não só dar à sua criação uma expressividade surpreendente, mas também dotá-la de um caráter transtemporal, característico apenas de verdadeiras obras-primas.

No outono de 1478, escreve num dos seus cadernos, junto a vários esboços, as seguintes palavras: “... no ano de 1478 comecei duas Virgens Marias”. Nas folhas de seus desenhos da mesma época, encontramos um grande número de esboços para a composição “Madonna and Child”, e com seu cuidado e atenção característicos esboça tanto as diversas posições dos corpos da matéria e da criança, quanto detalhes: mãos com dobras de roupas leves e pesadas, pedaços de tecido. Esses desenhos ainda são um tanto ingênuos e secos, mas já falam de um domínio gradual da técnica.
Sua linha fica mais confiante, sombreamento e sombreamento destacam os volumes. Numerosas variantes de posições diferentes e semelhantes dos corpos da mãe, do filho e de ambos juntos são evidências indubitáveis ​​​​de que o jovem mestre procurou, com leves traços de lápis ou caneta, transmitir impressões fugazes recebidas de observações da realidade, para capturar esta realidade em toda a sua dinâmica vital.
A primeira das duas Madonas sobre as quais Leonardo escreve e que foi criada com base em muitos esboços é a “Madona Benois”.
Quando Leonardo o escreveu, ele tinha vinte e seis anos. Por esta altura, o artista já tinha adquirido um domínio perfeito na grande arte da pintura, que, como veremos, colocou acima de todas as outras.
“Madonna with a Flower” (“Benois Madonna”) é cronologicamente a primeira Madonna, cuja imagem é internamente desprovida de qualquer santidade.
A Madonna tem a aparência de uma menina um tanto doentia brincando com um bebê enorme sentado em seu colo. Uma peculiar coloração verde-morte, interpretação enfaticamente realista corpo humano, maior atenção à representação do jogo de luz e sombra em partes individuais do corpo, a posição complexa de ambas as figuras - tudo nesta foto nos mostra o jovem Leonardo, embora ainda em busca de um estilo amplo e livre, mas já firmemente em o caminho que ele seguiria em suas atividades futuras.
Ambas as figuras, inscritas de perto na imagem, preenchem quase completamente toda a sua superfície, apenas à direita, no topo há uma pequena janela em forma de lanceta, aparentemente inacabada pelo artista. É preciso pensar que pretendia colocar aqui a sua paisagem montanhosa preferida com um rio, que lembra as vistas da sua Vinci natal, mas, como sempre, atrasou o trabalho e, passando para outra coisa, deixou este detalhe inacabado.
A luz sobre as figuras da imagem incide principalmente da esquerda, mas é bem possível que seja a pequena janela e, provavelmente, as montanhas e a água localizadas atrás dela que determinam que a sala em que a Madonna está localizada esteja mal iluminada e, além disso, com uma peculiar luz esverdeada. Pinta tudo em tons esverdeados, lança reflexos esverdeados nas partes nuas do corpo, cria sombras espessas em locais mais escuros, obscurecidos por algo da luz que cai da janela.
O centro composicional e ideológico da imagem é o entrelaçamento três mãos: duas mãozinhas rechonchudas de menino e uma mão terna e juvenil de mãe segurando uma flor pelo caule, para as quais se dirigem o olhar atento e afetuoso de Nossa Senhora e o olhar curioso e sério de um bebê tentando agarrar desajeitadamente o flor. A sede de conhecimento, infantilmente inconsciente, mas não infantilmente apaixonada, aquele conhecimento que atormentou e impulsionou Leonardo, se expressa em toda a aparência do bebê. O olhar do espectador é involuntariamente atraído para o centro semântico da imagem - o entrelaçamento de três mãos nela retratada adquire significado e profundidade ideológica; Uma pequena imagem atrai atenção, interessa, emociona.

"MADONA LITTA"

São tantas as pinturas que retratam a Virgem Maria que as mais famosas costumam receber apelidos. Muitas vezes o nome de um dos proprietários anteriores gruda neles, como aconteceu com a “Madonna Litta”.

A pintura, pintada na década de 1490, permaneceu na Itália durante muitos séculos. Desde 1813, era propriedade da família milanesa Litta, cujos representantes sabiam muito bem o quão rica era a Rússia. Foi desta família que veio o cavaleiro maltês Conde Giulio Renato Litta, que gozava de grande favor de Paulo I e, tendo abandonado a ordem, casou-se com seu sobrinhoItse Potemkin, tornando-se milionário. No entanto, não tem nada a ver com a pintura de Leonardo. Um quarto de século após a sua morte, em 1864, o duque Antonio Litta recorreuEremitério, recentemente se tornou um museu público, com oferta de compra de vários quadros do acervo da família.

Ângelo Bronzino. Competição entre Apolo e Mársias. 1531-1532. Museu Hermitage do Estado

A pintura de Da Vinci chegou à Rússia em péssimas condições; teve de ser não apenas limpa, mas também transferida imediatamente do quadro para a tela. Foi assim que apareceu o primeiro em l'Hermitage« leonardo» .

Aliás, aqui vai um exemplo de disputa de atribuição: Leonardo criou a “Madonna Litta” sozinho ou com um assistente? Quem foi esse coautor – seu aluno Boltraffio? Ou talvez Boltraffio o tenha escrito inteiramente, baseado no esboço de Leonardo?
Esta questão ainda não foi definitivamente resolvida e Madonna Litta é considerada um pouco duvidosa.

Leonardo da Vinci teve muitos alunos e seguidores - eles são chamados de "Leonardeschi". Às vezes interpretavam o legado do mestre de uma forma muito estranha. Foi assim que apareceu o tipo de nudez “Mona Lisa”. O Hermitage possui uma dessas pinturas de autoria desconhecida - “Donna Nuda” (“Mulher Nua”). Apareceu no Palácio de Inverno durante o reinado de Catarina, a Grande: em 1779, a Imperatriz adquiriu-o como parte da coleção de Richard Walpole. Além dele, o Hermitage também contém grande coleção outros Leonardesques, incluindo uma cópia da Mona Lisa vestida.

"MADONA BENOIS"

Anteriormente, a pintura pertencia a seu pai, o comerciante milionário de Astrakhan Alexander Aleksandrovich Sapozhnikov, e antes dele, a seu avô Alexander Petrovich (neto de Semyon Sapozhnikov, que foi enforcado na aldeia de Malykovka por um jovem tenente chamado Gavrila Derzhavin por participar no motim de Pugachev). A família disse que “Madonna” foi vendida aos Sapozhnikovs por músicos italianos errantes que de alguma forma acabaram em Astrakhan.

Vasily Tropinin. Retrato de A.P. Sapozhnikov (avô). 1826; retrato de A.A. Sapozhnikov (pai), 1856.

Mas, na verdade, o avô de Sapozhnikov comprou-o em 1824 por 1.400 rublos num leilão após a morte do senador, presidente do Berg College e diretor da Escola de Mineração Alexei Korsakov (que aparentemente o trouxe da Itália na década de 1790).
Surpreendentemente, quando após a morte de Korsakov a sua coleção, que incluía Ticiano, Rubens, Rembrandt e outros autores, foi colocada em leilão, o Hermitage comprou várias obras (em particular, Millet, Mignard), mas negligenciou esta modesta “Madonna”.

Tendo se tornado o proprietário da pintura após a morte de Korsakov, Sapozhnikov começou a restaurar a pintura a seu pedido, ela foi imediatamente transferida do quadro para a tela;

Orest Kiprensky. Retrato de A. Korsakov. 1808. Museu Russo.

O público russo tomou conhecimento desta pintura em 1908, quando o arquiteto da corte Leonty Benois expôs a obra da coleção de seu sogro, e o curador-chefe do Hermitage, Ernst Lipgart, confirmou a mão do mestre. Isso aconteceu na “Exposição de Arte da Europa Ocidental das Coleções de Colecionadores e Antiquários de São Petersburgo”, inaugurada em 1º de dezembro de 1908 nos corredores da Sociedade Imperial para o Incentivo às Artes.

Em 1912, o casal Benois decidiu vender a pintura; a pintura foi enviada para o exterior, onde especialistas a examinaram e confirmaram sua autenticidade. O antiquário londrino Duveen ofereceu 500 mil francos (cerca de 200 mil rublos), mas na Rússia começou uma campanha para que o Estado comprasse a obra. O diretor do Hermitage, Conde Dmitry Tolstoy, dirigiu-se a Nicolau II. O casal Benois também queria que “Madonna” permanecesse na Rússia e acabou perdendo-a para o Hermitage em 1914 por 150 mil rublos, que foram pagos em prestações.

Incluído em " Liga principal» tesouros do museu mundial. Seu acervo inclui três milhões de peças, e o magnífico acervo, iniciado por Catarina a Grande, está sendo reabastecido até hoje. Oferecemos um breve passeio pelo Hermitage - e 10 pinturas que você deve ver.

Leonardo da Vinci. Madonna e Criança (Benois Madonna)

Itália, 1478-1480

O segundo nome vem do sobrenome dos proprietários da pintura. Ainda não se sabe em que circunstâncias a obra do grande Leonardo chegou à Rússia. Reza a lenda que a família Benoit o comprou de um circo itinerante. A obra-prima foi herdada por Maria Sapozhnikova (após o casamento - Benoit) de seu pai. Em 1914, l'Hermitage adquiriu dela esta pintura. É verdade que depois da revolução, nas difíceis décadas de 1920 e 30, o governo da URSS quase o vendeu ao secretário do Tesouro dos EUA, um colecionador apaixonado, Andrew Mellon. Os críticos de arte que se opuseram a esta venda tiveram sorte: o negócio fracassou.

Rafael. Madonna e Criança (Madonna Conestabile)

Itália, por volta de 1504

"Madonna e o Menino" é um dos trabalhos iniciais Rafael. Alexandre II comprou esta pintura na Itália do Conde Conestabile para sua amada esposa Maria Alexandrovna. Em 1870, este presente custou ao imperador 310 mil francos. A venda da obra de Rafael indignou a comunidade local, mas o governo italiano não tinha recursos para comprar a pintura do proprietário. A propriedade da Imperatriz foi imediatamente exposta no edifício Hermitage.

Ticiano. Danae

Itália, por volta de 1554

Catarina II comprou a pintura de Ticiano em 1772. A pintura é baseada em um mito em que o rei Acrísio previu que morreria nas mãos de seu próprio neto e, para evitar isso, aprisionou sua filha Danae. No entanto, o engenhoso deus Zeus penetrou nela na forma de uma chuva torrencial dourada, após a qual Danae deu à luz um filho, Perseu.

Catarina II era uma monarca esclarecida, tinha excelente gosto e entendia perfeitamente o que exatamente deveria ser adquirido para sua coleção. Existem várias outras pinturas em l'Hermitage com enredo semelhante. Por exemplo, “Danae” de Ferwilt e “Danae” de Rembrandt.

El Greco (Domenikos Theotokopoulos). Apóstolos Pedro e Paulo

Espanha, entre 1587-1592

A pintura foi doada ao museu em 1911 por Pyotr Durnovo. Alguns anos antes, Durnovo exibiu-o numa exposição da Sociedade Imperial para o Incentivo às Artes. Aí El Greco, que era considerado um artista muito medíocre, começou a falar dele como um gênio. Nesta pintura, o pintor, sempre distante do academicismo europeu, revelou-se especialmente próximo da tradição da iconografia bizantina. Ele tentou transmitir mundo espiritual e os personagens dos apóstolos. Paulo (em vermelho) é assertivo, decidido e autoconfiante, enquanto Pedro, ao contrário, é duvidoso e hesitante... Acredita-se que El Greco se capturou na imagem de Paulo. Mas os pesquisadores ainda estão discutindo sobre isso.

Caravaggio. Jovem com alaúde

Itália, 1595-1596

Caravaggio- mestre famoso Barroco, que virou a consciência de várias gerações com a sua luz “funeral” Artistas europeus. Apenas uma de suas obras é mantida na Rússia, que o artista pintou em primeiros anos. Para pinturas de Caravaggio Um certo drama é característico, e existe em “The Lute Player”. O caderno retratado sobre a mesa contém a popular melodia madrigal de Jacob Arkadelt “Você sabe que eu te amo”, que era popular na época. E o alaúde rachado nas mãos do jovem é um símbolo de um amor infeliz. A tela foi comprada por Alexandre I em 1808.

Pedro Paulo Rubens. Retrato da empregada da Infanta Isabel

Flandres, meados da década de 1620

Apesar do nome, acredita-se que se trate de um retrato da filha do artista, Clara Serena, falecida aos 12 anos. A pintura foi criada após a morte da menina. A artista retratou sutilmente os cabelos fofos, a pele delicada do rosto e o olhar pensativo do qual é impossível tirar os olhos. Uma imagem espiritual e poética aparece diante do espectador.

Catarina II adquiriu a pintura para a coleção do Hermitage em 1772.

Rembrandt van Rijn. Retorno do filho pródigo

Holanda, por volta de 1668

Catarina II comprou uma das pinturas mais famosas e reconhecíveis de Rembrandt em 1766. A parábola evangélica do filho pródigo preocupou o artista ao longo de sua vida: ele fez os primeiros desenhos e gravuras dessa trama nas décadas de 1630 e 40, e começou a pintar o quadro na década de 1660. A pintura de Rembrandt tornou-se uma inspiração para outros personalidades criativas. O compositor vanguardista Benjamin Britten escreveu uma ópera inspirada nesta obra. E o diretor Andrei Tarkovsky citou “Return filho prodígio" em uma das cenas finais de Solaris.

Edgar Degas. Place de la Concorde (Visconde Lepic com suas filhas atravessando a Place de la Concorde)

França, 1875

A pintura “Place de la Concorde” foi transportada de Berlim para a Rússia após a Segunda Guerra Mundial, onde foi mantida em uma coleção particular. A tela é interessante porque, por um lado, é um retrato e, por outro, um esboço típico do gênero impressionista da vida da cidade. Degas retratou seu amigo próximo, o aristocrata Louis Lepic, junto com suas duas filhas. O retrato de várias figuras ainda guarda muitos mistérios. Não se sabe quando e em que circunstâncias a pintura foi criada. Os historiadores da arte sugerem que a obra foi pintada em 1876 e não por encomenda. O artista nunca pintou outra pintura como esta, antes ou depois. Precisando de dinheiro, ele vendeu a tela ao conde Lepik, e até final do século XIX eles não sabiam sobre ele há séculos. Após a queda de Berlim em 1945, a obra-prima, entre outras obras “troféus”, foi enviada para União Soviética e acabou em l'Hermitage.

Henrique Matisse. Dança

França, 1909-1910

A pintura foi criada por ordem de Sergei Shchukin, um famoso colecionador russo de obras francesas pinturas do século XIX- início do século XX. A composição é escrita sobre o tema da idade de ouro da humanidade e, portanto, retrata pessoas especificas, A imagens simbólicas. Matisse inspirou-se nas danças folclóricas, que, como se sabe, contêm o ritualismo de uma ação pagã. Matisse incorporou a fúria das antigas bacanais em uma combinação de cores puras - vermelho, azul e verde. Como símbolos do Homem, do Céu e da Terra. A pintura foi transferida para o Hermitage da coleção de Moscou Museu do Estado nova arte ocidental em 1948.

Wassily Kandinsky. Composição VI

Alemanha, 1913

Há um salão inteiro em l'Hermitage, dedicado à criatividade Wassily Kandinsky. A "Composição VI" foi criada em Munique em maio de 1913 - um ano antes do início da Primeira Guerra Mundial. A imagem dinâmica e brilhante é pintada com traços livres e abrangentes. Inicialmente, Kandinsky queria chamá-lo de “O Dilúvio”: a tela abstrata foi baseada em história bíblica. Porém, posteriormente o artista abandonou essa ideia para que o título da obra não interferisse na percepção do espectador. A tela chegou ao museu vinda do Museu Estadual de Nova Arte Ocidental em 1948.

O material utiliza ilustrações do site oficial