A consolidação nacional, fortalecida pelo recrudescimento patriótico da Guerra Patriótica de 1812, manifestou-se no aumento do interesse pela arte e no agravamento do interesse pela vida popular geralmente. A popularidade das exposições na Academia de Artes está crescendo. A partir de 1824, passaram a ser realizadas regularmente - a cada três anos. A “Revista” começa a aparecer belas-Artes" Colecionar está se tornando mais conhecido. Além do museu da Academia de Artes, em 1825 foi criada a “Galeria Russa” em l'Hermitage. Na década de 1810. O “Museu Russo” de P. Svinin foi inaugurado.

A vitória na Guerra Patriótica de 1812 foi um dos motivos para o surgimento de um novo ideal, que se baseava na ideia de uma personalidade independente, orgulhosa e dominada por fortes paixões. Um novo estilo se estabeleceu na pintura - o romantismo, que gradualmente substituiu o classicismo, considerado o estilo oficial, onde predominavam temas religiosos e mitológicos.

Já nas primeiras pinturas de K. L. Bryullov (1799-1852) “Tarde Italiana”, “Bate-Seba” foram revelados não apenas a habilidade e o brilho da imaginação do artista, mas também o romantismo de sua visão de mundo. A obra principal de K. P. Bryullov, “O Último Dia de Pompeia”, está imbuída do espírito do historicismo e o seu conteúdo principal não é a façanha de um herói individual, mas o destino trágico de uma massa de pessoas; Esta imagem refletiu indiretamente a atmosfera trágica do despotismo do regime de Nicolau I, tornou-se um acontecimento vida pública estados.

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O romantismo se manifestou em pintura de retrato OA Kiprensky (1782-1836). Desde 1812, o artista cria retratos gráficos de participantes da Guerra Patriótica que eram seus amigos. Uma das melhores criações de O. A. Kiprensky é considerada o retrato de A. S. Pushkin, depois de ver qual grande poeta escreveu: “Eu me vejo como se estivesse num espelho, mas esse espelho me lisonjeia”.

As tradições do romantismo foram desenvolvidas pelo pintor marinho I.K. Suas obras que recriaram a grandeza e o poder trouxeram-lhe fama universal. elementos do mar(“A Nona Onda”, “Mar Negro”). Ele dedicou muitas pinturas às façanhas dos marinheiros russos (“Batalha de Chesma”, “Batalha de Navarino”). Durante a Guerra da Crimeia 1853-1856. na sitiada Sebastopol, ele organizou uma exposição de suas pinturas de batalha. Posteriormente, com base em esboços da natureza, ele retratou a heróica defesa de Sebastopol em várias pinturas.

V.A. Tropinin (1776-1857), criado na tradição sentimentalista do final do século XVIII, experimentou a enorme influência da nova onda romântica. Ele próprio ex-servo, o artista criou uma galeria de imagens de artesãos, servos e camponeses, conferindo-lhes traços de nobreza espiritual (“Rendaira”, “Costureira”). Detalhes da vida cotidiana e das atividades de trabalho aproximam esses retratos da pintura de gênero.

A arte do período do romantismo, em sua essência, tem o valor espiritual e criativo do indivíduo, como tópico principal para filosofia e reflexão. Surgiu no final do século XVIII e caracteriza-se por motivos românticos associados a diversas esquisitices e acontecimentos ou paisagens pitorescas. No fundo, o surgimento desta tendência opôs-se ao classicismo, e o prenúncio do seu aparecimento foi o sentimentalismo, que se expressou com bastante clareza na literatura da época.

No início do século XIX, o Romantismo floresceu e ficou completamente imerso em imagens sensuais e emocionais. Além disso, muito fato importante Houve um repensar da atitude em relação à religião nesta época, bem como o surgimento do ateísmo expresso na criatividade. Os valores dos sentimentos e das experiências sinceras são colocados em primeiro plano, e há também um reconhecimento público gradual da presença da intuição em uma pessoa.

Romantismo na pintura

A direção se caracteriza pela ênfase em um tema sublime, fundamental para esse estilo em qualquer atividades criativas. A sensualidade se expressa de todas as formas possíveis e aceitáveis, e esse é o diferencial mais importante dessa direção.

(Christiano Banti "Galileu antes da Inquisição Romana")

Entre os fundadores do romantismo filosófico, destacam-se Novalis e Schleiermacher, mas Theodore Gericault se destacou na pintura nesse aspecto. Na literatura, podemos notar escritores particularmente proeminentes do período romântico - os Irmãos Grimm, Hoffmann e Heine. Em muitos países europeus este estilo desenvolveu-se sob forte influência alemã.

As principais características são:

• notas românticas claramente expressas na obra;
• notas de contos de fadas e mitológicas, mesmo em prosa completamente diferente de contos de fadas;
• reflexões filosóficas sobre o sentido da vida humana;
• aprofundando-se no tema do desenvolvimento da personalidade.

(Friedrich Caspar David "Nascer da lua sobre o mar")

Podemos dizer que o romantismo é caracterizado por notas de cultivo da natureza e da naturalidade da natureza humana, e da sensualidade natural. A unidade do homem com a natureza também é glorificada, e as imagens da época da cavalaria, rodeadas por uma aura de nobreza e honra, assim como os viajantes que embarcam facilmente em viagens românticas, também são muito populares.

(John Martin "Macbeth")

Os acontecimentos na literatura ou na pintura se desenvolvem em torno das paixões mais fortes vivenciadas pelos personagens. Os heróis sempre foram indivíduos propensos ao aventureirismo, brincando com o destino e a predeterminação do destino. Na pintura, o romantismo é perfeitamente caracterizado por fenômenos fantásticos que demonstram o processo de formação da personalidade e desenvolvimento espiritual de uma pessoa.

Romantismo na arte russa

Na cultura russa, o romantismo foi especialmente pronunciado na literatura, e acredita-se que as primeiras manifestações dessa tendência se expressem na poesia romântica de Zhukovsky, embora alguns especialistas acreditem que suas obras se aproximem do sentimentalismo clássico.

(V. M. Vasnetsov "Alyonushka")

O romantismo russo é caracterizado pela liberdade das convenções clássicas, e esse movimento é caracterizado por enredos dramáticos românticos e longas baladas. Essencialmente isso é mais novo desempenho sobre a essência do homem, bem como sobre a importância da poesia e da criatividade na vida das pessoas. Nesse sentido, a mesma poesia adquire um significado mais sério e significativo, embora anteriormente escrever poesia fosse considerado uma diversão vazia comum.

(Fedor Aleksandrovich Vasiliev "Descongelamento")

Na maioria das vezes, no romantismo russo, a imagem do personagem principal é criada como uma pessoa solitária e profundamente sofredora. É sofrimento e experiências emocionais a maior atenção é dada aos autores tanto da literatura quanto da pintura. Em essência, este é um movimento eterno junto com vários pensamentos e reflexões, e a luta de uma pessoa com as constantes mudanças no mundo que a rodeia.

(Orest Kiprensky "Retrato da Vida Hussardo Coronel E.V. Davydov")

O herói geralmente é bastante egocêntrico e constantemente se rebela contra os objetivos e valores vulgares e materiais das pessoas. Promove-se a eliminação dos valores materiais em favor dos espirituais e pessoais. Entre os personagens russos mais populares e coloridos criados no âmbito deste Direção criativa, podemos destacar o personagem principal do romance “Um Herói do Nosso Tempo”. É este romance que demonstra com muita clareza os motivos e notas do romantismo daquele período.

(Ivan Konstantinovich Aivazovsky "Pescadores à beira-mar")

A pintura é caracterizada por motivos de contos de fadas e folclore, românticos e repletos de sonhos diversos. Todas as obras são o mais esteticamente agradáveis ​​possíveis e possuem construções e formas corretas e bonitas. Nesta direcção não há lugar para linhas duras e formas geométricas, bem como tons excessivamente brilhantes e contrastantes. Neste caso, são utilizadas estruturas complexas e muitos detalhes pequenos e muito importantes na imagem.

Romantismo na arquitetura

A arquitetura da era romântica é semelhante aos castelos de contos de fadas e é incrivelmente luxuosa.

(Palácio de Blenheim, Inglaterra)

Os edifícios mais marcantes e famosos desta época são caracterizados por:

• a utilização de estruturas metálicas, que foram uma invenção recente neste período e representaram uma inovação bastante singular;
• silhuetas e designs complexos que envolvem combinações incríveis de belos elementos, incluindo torres e janelas salientes;
• riqueza e diversidade de formas arquitetônicas, abundância várias combinações tecnologias de utilização de ligas de ferro com pedra e vidro;
• o edifício adquire leveza visual, formas delgadas permitem criar até edifícios muito grandes com volume mínimo.

A ponte mais famosa deste período foi criada em 1779 na Inglaterra e foi lançada sobre o rio Severn. Tem comprimento bastante curto, pouco mais de 30 metros, mas foi a primeira estrutura desse tipo. Posteriormente, foram criadas pontes com mais de 70 metros e, após alguns anos, estruturas de ferro fundido começaram a ser utilizadas na construção de edifícios.

Os edifícios tinham até 4 a 5 andares e a disposição interior era caracterizada por formas assimétricas. A assimetria também pode ser vista nas fachadas desta época, e as barras de ferro forjado nas janelas ajudam a enfatizar o clima correspondente. Você também pode usar vitrais, o que é especialmente importante para igrejas e catedrais.

Romantismo.

Romantismo (romantismo francês), movimento ideológico e artístico da cultura europeia e americana do final do século XVIII - primeira metade do século XIX. Originado como uma reação ao racionalismo e ao mecanismo da estética do classicismo e da filosofia do Iluminismo, estabelecida na era do colapso revolucionário da sociedade feudal, a primeira ordem mundial aparentemente inabalável, o romantismo (ambos como um tipo especial de visão de mundo e como movimento artístico) tornou-se um dos fenómenos mais complexos e internamente contraditórios da história cultural. A decepção com os ideais do Iluminismo, com os resultados da Grande Revolução Francesa, a negação do utilitarismo da realidade moderna, os princípios da praticidade burguesa, cuja vítima foi a individualidade humana, uma visão pessimista das perspectivas de desenvolvimento social, e a mentalidade da “tristeza mundial” foi combinada no romantismo com o desejo de harmonia na ordem mundial, integridade espiritual do indivíduo, com uma gravitação para o “infinito”, com a busca de ideais novos, absolutos e incondicionais. A aguda discórdia entre ideais e a realidade opressiva evocou nas mentes de muitos românticos um sentimento dolorosamente fatalista ou indignado de mundos duais, uma amarga zombaria da discrepância entre sonhos e realidade, elevada na literatura e na arte ao princípio da “ironia romântica”. Uma espécie de autodefesa contra o crescente nivelamento da personalidade tornou-se o interesse mais profundo pela personalidade humana inerente ao romantismo, entendido pelos românticos como a unidade de características externas individuais e conteúdo interno único. Penetrando nas profundezas da vida espiritual humana, a literatura e a arte do romantismo transferiram simultaneamente esse sentido agudo do característico, original, único para os destinos das nações e dos povos, para a própria realidade histórica. As enormes mudanças sociais que ocorreram diante dos olhos dos românticos tornaram claramente visível o curso progressivo da história. Nas suas melhores obras, o romantismo ascende à criação de imagens simbólicas e ao mesmo tempo vitais associadas à história moderna. Mas as imagens do passado, extraídas da mitologia, da história antiga e medieval, foram incorporadas por muitos românticos como um reflexo dos conflitos reais do nosso tempo.

O Romantismo tornou-se o primeiro movimento artístico em que se manifestou claramente a consciência da personalidade criativa como sujeito da atividade artística. Os românticos proclamaram abertamente o triunfo do gosto individual e da total liberdade de criatividade. Atribuindo ao próprio ato criativo uma importância decisiva, destruindo os obstáculos que impediam a liberdade do artista, eles corajosamente equipararam o alto e o baixo, o trágico e o cômico, o comum e o incomum. O romantismo capturou todas as esferas da cultura espiritual: literatura, música, teatro, filosofia, estética, filologia e outras humanidades, artes plásticas. Mas, ao mesmo tempo, não era mais o estilo universal que era o classicismo. Ao contrário deste último, o romantismo quase não teve formas de expressão estatais (portanto, não afetou significativamente a arquitetura, influenciando principalmente a arquitetura paisagística, a arquitetura de pequenas formas e a direção do chamado pseudo-gótico). Não sendo tanto um estilo, mas um movimento artístico social, o romantismo abriu caminho para um maior desenvolvimento da arte no século XIX, que se deu não na forma de estilos abrangentes, mas na forma de movimentos e tendências individuais. Além disso, pela primeira vez no romantismo, a linguagem das formas artísticas não foi completamente repensada: até certo ponto, os fundamentos estilísticos do classicismo foram preservados, significativamente modificados e repensados ​​em certos países (por exemplo, na França). Ao mesmo tempo, no quadro de uma única direção estilística, o estilo individual do artista recebeu maior liberdade de desenvolvimento.

Desenvolvendo-se em muitos países, o romantismo adquiriu em todos os lugares uma identidade nacional vívida, determinada pelas condições históricas e pelas tradições nacionais. Os primeiros sinais de romantismo surgiram quase simultaneamente em diferentes países. No final do século XVIII - início do século XIX. as características do romantismo já são inerentes em vários graus: na Grã-Bretanha - nas pinturas e obras gráficas do suíço I. G. Fusli, em que um grotesco sombrio e sofisticado rompe a clareza classicista das imagens, e nas obras do poeta e o artista W. Blake, imbuído de visionário místico; na Espanha - as últimas obras de F. Goya, repletas de fantasia desenfreada e pathos trágico, protesto apaixonado contra a humilhação nacional; na França - os retratos heroicamente entusiasmados de J. L. David criados nos anos revolucionários, as primeiras composições e retratos intensamente dramáticos de A. J. Gro, permeados pelo lirismo sonhador e um tanto exaltado das obras de P. P. Prudhon, bem como a combinação contraditória de romântico tendências com técnicas acadêmicas às obras de F. Gerard.

A escola de romantismo mais consistente desenvolveu-se em França durante a Restauração e a Monarquia de Julho, numa luta obstinada contra o dogmatismo e o racionalismo abstracto do classicismo académico tardio. Protestando contra a opressão e a reação, muitos representantes do romantismo francês viram-se direta ou indiretamente associados aos movimentos sociais da primeira metade do século XIX. e muitas vezes chegou ao ponto do revolucionismo genuíno, que determinou a natureza jornalística eficaz do romantismo na França. Os artistas franceses estão reformando os meios pictóricos e expressivos: dinamizam a composição, combinando formas com movimentos violentos, usam cores vivas e ricas baseadas em contrastes de luz e sombra, tons quentes e frios, e recorrem a um estilo brilhante e leve, muitas vezes generalizado. pintura. Nas obras do fundador da escola romântica, T. Géricault, que ainda mantinha uma afinidade pelas imagens heróicas e generalizadas do classicismo, pela primeira vez na arte francesa, um protesto contra a realidade circundante e um desejo de responder aos acontecimentos excepcionais do nosso tempo, que em suas obras encarnam o trágico destino da França moderna, foram expressos. Na década de 1820. E. Delacroix tornou-se o reconhecido chefe da escola romântica. O sentimento de envolvimento em grandes acontecimentos históricos que mudam a face do mundo, o apelo a temas culminantes e dramaticamente agudos deram origem ao pathos e à intensidade dramática das suas melhores obras. No retrato, o principal para os românticos era identificar personagens brilhantes, a tensão da vida espiritual, o movimento fugaz dos sentimentos humanos; na paisagem - admiração pela força da natureza, inspirada nos elementos do universo. Para os gráficos do romantismo francês, a criação de novas formas produzidas em massa em litografia e xilogravuras de livros (N. T. Charlet, A. Deveria, J. Gigou, mais tarde Granville, G. Doré) é indicativa. As tendências românticas também são inerentes à obra do grande artista gráfico O. Daumier, mas são especialmente pronunciadas em sua pintura. Os mestres da escultura romântica (P. J. David d'Angers, A. L. Bari, F. Ryud) passaram das composições estritamente tectônicas para uma interpretação livre das formas, do desapego e da grandeza calma da plasticidade clássica - ao movimento tempestuoso.

Nas obras de muitos românticos franceses também apareceram tendências conservadoras do romantismo (idealização, individualismo de percepção, transformação em desesperança trágica, apologia à Idade Média, etc.), levando à afetação religiosa e à glorificação aberta da monarquia (E. Deveria , A. Schaeffer, etc.). Certos princípios formais do romantismo também foram amplamente utilizados por representantes da arte oficial, que os combinaram ecleticamente com as técnicas do academicismo (pinturas históricas melodramáticas de P. Delaroche, desfiles superficialmente eficazes e obras de batalha de O. Vernet, E. Meissonnier, etc. ).

O destino histórico do romantismo na França foi complexo e ambíguo. Nas obras posteriores de seus maiores representantes, manifestaram-se claramente tendências realistas, em parte inerentes ao próprio conceito romântico da especificidade do real. Por outro lado, as tendências românticas em vários graus capturaram os primeiros trabalhos de representantes do realismo na arte francesa - C. Corot, mestres da escola Barbizon, G. Courbet, J. F. Millet, E. Manet. O misticismo e o alegorismo complexo, às vezes inerentes ao romantismo, encontraram continuidade no simbolismo (G. Moreau e outros); Alguns traços característicos da estética do romantismo reapareceram na arte “moderna” e pós-impressionista.

Ainda mais complexo e contraditório foi o desenvolvimento do romantismo na Alemanha e na Áustria. O romantismo alemão primitivo, que se caracteriza por uma atenção especial a tudo o que é altamente individual, uma tonalidade melancólica-contemplativa da estrutura figurativo-emocional, humores místico-panteístas, está associado principalmente a pesquisas no campo do retrato e das composições alegóricas (F. O. Runge), bem como paisagem (K. D. Friedrich, I. A. Koch). Ideias religiosas e patriarcais, o desejo de reavivar o espírito religioso e as características estilísticas da pintura italiana e alemã do século XV. alimentou a criatividade dos Nazarenos (F. Overbeck, J. Schnorr von Carolsfeld, P. Cornelius, etc.), cuja posição tornou-se especialmente conservadora em meados do século XIX. Os artistas da escola de Düsseldorf, até certo ponto próximos do romantismo, caracterizavam-se, além de glorificarem o idílio medieval no espírito da poesia romântica moderna, pelo sentimentalismo e pelo enredo divertido. Uma fusão única dos princípios do romantismo alemão, muitas vezes propenso à poetização do realismo cotidiano e específico do “hambúrguer”, tornou-se obra de representantes de Biedermeier (F. Waldmüller, I. P. Hasenklever, F. Kruger), bem como de K. Blechen. Do segundo terço do século XIX. a linha do romantismo alemão continuou, por um lado, na pomposa pintura acadêmica de salão de V. Kaulbach e K. Piloty, e por outro, nas obras épicas e alegóricas de L. Richter e na narrativa de gênero, câmara -obras sonoras de K. Spitzweg e M. von Schwind. A estética romântica determinou em grande parte o desenvolvimento da obra de A. von Menzel, mais tarde o maior representante do realismo alemão do século XIX. Assim como na França, o romantismo alemão tardio (em maior medida do que o francês, que absorveu as características do naturalismo e depois do “modernismo”) no final do século XIX. fechado com simbolismo (H. Thoma, F. von Stuck e M. Klinger, o suíço A. Böcklin).

Na Grã-Bretanha, na primeira metade do século XIX. Alguma proximidade com o romantismo francês e ao mesmo tempo originalidade, uma pronunciada tendência realista são marcadas pelas paisagens de J. Constable e R. Bonington, a fantasia romântica e a procura de novos meios de expressão - as paisagens de W. Turner. O movimento romântico tardio dos pré-rafaelitas (D. G. Rossetti, J. E. Millais, H. Hunt, E. Burne-Jones, etc.) foi distinguido por aspirações religiosas e místicas, apego à cultura da Idade Média e do início da Renascença, bem como esperanças de renascimento do trabalho artesanal.

Nos EUA ao longo do século XIX. a direção romântica foi representada principalmente pela paisagem (T. Kohl, J. Inness, A.P. Ryder). A paisagem romântica também se desenvolveu noutros países, mas o conteúdo principal do romantismo nos países europeus onde a autoconsciência nacional estava a despertar era o interesse pelo património cultural e artístico local, pelos temas da vida popular, da história nacional e da luta de libertação. Tal é o trabalho de G. Wappers, L. Galle, H. Leys e A. Wirtz na Bélgica, F. Ayes, D. e G. Induno, G. Carnevali e D. Morelli em Itália, D. A. Siqueira em Portugal, representantes Costumbrismo na América Latina, I. Manes e I. Navratil na República Tcheca, M. Barabas e V. Madaras na Hungria, A. O. Orlovsky, P. Michalovsky, X. Rodakowski e o falecido romântico J. Matejko na Polônia. O movimento romântico nacional nos países eslavos, na Escandinávia e nos Estados Bálticos contribuiu para a formação e fortalecimento das escolas de arte locais.

Na Rússia, o romantismo se manifestou em vários graus na obra de muitos mestres - na pintura e nos gráficos de A. O. Orlovsky, que se mudou para São Petersburgo, nos retratos de O. A. Kiprensky e, em parte, de V. A. Tropinin. O romantismo teve uma influência significativa na formação da paisagem russa (as obras de Silv. F. Shchedrin, M. N. Vorobyov, M. I. Lebedev; as obras do jovem I. K. Aivazovsky). As características do romantismo foram combinadas contraditoriamente com o classicismo nas obras de K. P. Bryullov, F. A. Bruni, F. P. Tolstoy; ao mesmo tempo, os retratos de Bryullov proporcionam uma das expressões mais marcantes dos princípios do romantismo na arte russa. Até certo ponto, o romantismo afetou a pintura de P. A. Fedotov e A. A. Ivanov.

Romantismo na Arquitetura.

Um dos maiores eventos da história mundial - Ótimo Francês revolução- tornou-se um momento fatídico não só na vida política, mas também na vida cultural de todo o mundo. No final do século XVIII - primeira metade do século XIX na América e na Europa, o romantismo tornou-se a direção estilística dominante na arte.

A Era do Iluminismo terminou com a Grande Revolução Burguesa. Junto com isso, desapareceu a sensação de estabilidade, ordem e calma. As ideias recentemente proclamadas de fraternidade, igualdade e liberdade incutiram um optimismo ilimitado e uma fé no futuro, mas uma revolução tão drástica instilou medo e um sentimento de insegurança. O passado parecia ser aquela ilha salvadora onde reinavam a bondade, a decência, a sinceridade e, o mais importante, a constância. Assim, na idealização do passado e na busca da pessoa pelo seu lugar no vasto mundo, nasce o romantismo.

A ascensão do romantismo na arquitetura esteve associada ao uso de novos designs, métodos e materiais de construção. Várias estruturas metálicas aparecem e pontes são construídas. Foram desenvolvidas tecnologias para a produção barata de ferro fundido e aço.

O Romantismo nega a simplicidade das formas arquitetônicas, oferecendo, em vez disso, variedade, liberdade e silhuetas complexas. A simetria perde importância primordial.

O estilo atualiza a camada cultural mais rica de países estrangeiros, que por muito tempo esteve distante dos europeus. Não apenas a arquitetura grega e romana antiga é reconhecida como valiosa, mas também outras culturas. A arquitetura gótica tornou-se a base do romantismo. É dada especial atenção à arquitetura oriental. Há uma consciência emergente da necessidade de proteger e reviver monumentos culturais de épocas passadas.

O romantismo se caracteriza por confundir as fronteiras entre o natural e o artificial: são projetados parques, reservatórios artificiais e cachoeiras. Os edifícios são cercados por arcos, gazebos e imitações de torres antigas. O romantismo dá preferência às cores pastéis.

O Romantismo nega regras e cânones; não possui tabus estritos nem elementos estritamente obrigatórios. Os principais critérios são a liberdade de expressão, maior atenção à personalidade humana e liberdade criativa.

Nos interiores modernos, o romantismo é entendido como um apelo às formas folclóricas e aos materiais naturais - forja, pedra selvagem, madeira bruta, mas tal estilização nada tem a ver com a direção arquitetônica da virada dos séculos XVIII para XIX.

Romantismo na Pintura.

Se a França foi a fundadora do classicismo, então “para encontrar as raízes... da escola romântica”, escreveu um dos seus contemporâneos, “deveríamos ir para a Alemanha. Lá ela nasceu, e lá os modernos românticos italianos e franceses formaram seus gostos.”

A Alemanha fragmentada não conheceu o levante revolucionário. O pathos das ideias sociais avançadas era estranho para muitos dos românticos alemães. Eles idealizaram a Idade Média. Entregaram-se a impulsos emocionais inexplicáveis ​​e falaram sobre o abandono da vida humana. A arte de muitos deles era passiva e contemplativa. Eles criaram seus melhores trabalhos na área de retratos e pinturas de paisagens.

Um notável pintor de retratos foi Otto Runge(1777-1810). Os retratos deste mestre, embora exteriormente calmos, surpreendem pela sua intensa e intensa vida interior.

A imagem de um poeta romântico é vista por Runge em " Auto-retrato". Ele se examina cuidadosamente e vê um jovem de cabelos escuros, olhos escuros, sério, cheio de energia, atencioso e obstinado. O artista romântico quer conhecer a si mesmo. A forma de execução do retrato é rápida e abrangente, como se a energia espiritual do criador devesse ser transmitida na textura da obra; Em um esquema de cores escuras, aparecem contrastes de claro e escuro. O contraste é uma técnica de pintura característica dos mestres românticos.

Um artista romântico sempre tentará captar as mudanças no humor de uma pessoa e olhar para sua alma. E nesse sentido, os retratos infantis servirão para ele como material fértil. EM " Retrato crianças Huelsenbeck” (1805) Runge não apenas transmite a vivacidade e a espontaneidade do caráter de uma criança, mas também encontra uma técnica especial para um clima alegre. O fundo da pintura é uma paisagem, que atesta não só o dom do artista para a cor e a atitude de admiração pela natureza, mas também o surgimento de novos problemas na reprodução magistral das relações espaciais, tons claros dos objetos ao ar livre. O mestre romântico, querendo fundir seu “eu” com a vastidão do Universo, se esforça para capturar a aparência sensualmente tangível da natureza. Mas com esta sensualidade da imagem prefere ver um símbolo do grande mundo, “a ideia do artista”.

Runge foi um dos primeiros artistas românticos que se propôs a sintetizar as artes: pintura, escultura, arquitetura, música. O artista fantasia, reforçando seu conceito filosófico com as ideias do famoso pensador alemão da primeira metade do século XVII. Jacob Boehme. O mundo é uma espécie de todo místico, cada partícula expressa o todo. Esta ideia é semelhante aos românticos de todo o continente europeu.

Outro proeminente pintor romântico alemão Caspar Davi Frederico(1774-1840) preferiu a paisagem a todos os outros gêneros e pintou apenas pinturas da natureza ao longo de sua vida. O principal motivo do trabalho de Friedrich é a ideia da unidade do homem e da natureza.

“Ouçam a voz da natureza que fala dentro de nós”, orienta o artista aos seus alunos. O mundo interior de uma pessoa personifica o infinito do Universo, portanto, ao ouvir a si mesmo, a pessoa é capaz de compreender as profundezas espirituais do mundo.

A posição de escuta determina a forma básica de “comunicação” humana com a natureza e sua imagem. Esta é a grandeza, mistério ou iluminação da natureza e do estado de consciência do observador. É verdade que muitas vezes Friedrich não permite que uma figura “entre” no espaço paisagístico das suas pinturas, mas na penetração subtil da estrutura figurativa das vastas extensões pode-se sentir a presença de um sentimento, de uma experiência humana. O subjetivismo na representação de paisagens chega à arte apenas com a obra dos românticos, prenunciando a revelação lírica da natureza entre os mestres da segunda metade do século XIX. Os pesquisadores notam nas obras de Friedrich uma “ampliação do repertório” de motivos paisagísticos. . O autor se interessa pelo mar, pelas montanhas, pelas florestas e pelas diversas tonalidades do estado de natureza nas diferentes épocas do ano e do dia.

1811-1812 marcado pela criação de uma série de paisagens montanhosas fruto da viagem do artista às montanhas. ” Manhã V montanhas” representa pitorescamente uma nova realidade natural emergindo nos raios do sol nascente. Tons roxo-rosados ​​os envolvem e os privam de volume e peso material. Os anos de batalha com Napoleão (1812-1813) levaram Frederico a temas patrióticos. Ilustrando, inspirado no drama de Kleist, ele escreve “ cova Armínia” - paisagem com os túmulos dos antigos heróis alemães.

Friedrich era um mestre sutil das paisagens marítimas: “ Idades” , “ Nascer do sol lua acima pelo mar” , ” Morte “ Esperanças” em gelo” .

Os últimos trabalhos do artista – “ Descansar sobre campo” , “ Grande pântano” E “ Memória sobre Gigantesco montanhas” , ” Gigantesco montanhas” - uma série de cumes de montanhas e pedras em primeiro plano escurecido. Este é, aparentemente, um retorno ao sentimento experimentado de vitória de uma pessoa sobre si mesma, a alegria da ascensão ao “topo do mundo”, o desejo de alturas brilhantes e inconquistadas. Os sentimentos do artista compõem estas massas montanhosas de uma forma especial, e novamente se pode ler o movimento desde a escuridão dos primeiros passos até à luz futura. O pico da montanha ao fundo é destacado como o centro das aspirações espirituais do mestre. A imagem é bastante associativa, como qualquer criação dos românticos, e sugere diferentes níveis de leitura e interpretação.

Friedrich é muito preciso no desenho, musicalmente harmonioso na construção rítmica das suas pinturas, nas quais tenta falar através das emoções da cor e dos efeitos de iluminação. “Muitos recebem pouco, poucos recebem muito. A alma da natureza é revelada a cada pessoa de maneira diferente. Portanto, ninguém se atreve a transmitir a outro a sua experiência e as suas regras como uma lei obrigatória e incondicional. Ninguém é o padrão para todos. Cada pessoa carrega dentro de si uma medida apenas para si e para as naturezas mais ou menos relacionadas com ela”, esta reflexão do mestre comprova a incrível integridade de sua vida interior e criatividade. A singularidade do artista só é palpável na liberdade de sua criatividade - é isso que o romântico Friedrich representa.

Parece mais formal distinguir entre artistas - “clássicos” - representantes do classicismo de outro ramo da pintura romântica na Alemanha - Nazarenos. Fundada em Viena e radicada em Roma (1809-1810), a “União de São Lucas” uniu artistas com a ideia de reviver a arte monumental com temática religiosa. A Idade Média foi um período histórico favorito dos românticos. Mas na sua busca artística, os Nazarenos voltaram-se para as tradições da pintura do início da Renascença na Itália e na Alemanha. Overbeck e Geforr foram os iniciadores da nova aliança, à qual mais tarde se juntaram Cornelius, Schnoff von Carolsfeld e Veit Furich.

O movimento nazareno tinha as suas próprias formas de oposição aos académicos classicistas em França, Itália e Inglaterra. Por exemplo, em França, os chamados artistas “primitivos” surgiram da oficina de David, e em Inglaterra, os Pré-Rafaelitas. No espírito da tradição romântica, consideravam a arte a “expressão dos tempos”, o “espírito do povo”, mas as suas preferências temáticas ou formais, que a princípio soavam como um slogan de unificação, depois de algum tempo transformaram-se no mesmos princípios doutrinários da Academia, que negavam.

A arte do romantismo na França desenvolveu-se de maneira especial. A primeira coisa que o distinguiu de movimentos semelhantes noutros países foi o seu carácter activo e ofensivo (“revolucionário”). Poetas, escritores, músicos e artistas defenderam suas posições não apenas criando novas obras, mas também participando de polêmicas em revistas e jornais, que os pesquisadores caracterizam como uma “batalha romântica”. Os famosos V. Hugo, Stendhal, George Sand, Berlioz e muitos outros escritores, compositores e jornalistas franceses “afiaram a caneta” em polêmicas românticas.

A pintura romântica na França surgiu como uma oposição à escola classicista de David, à arte acadêmica chamada de “escola” em geral. Mas isto precisa de ser entendido de forma mais ampla: foi uma oposição à ideologia oficial da era reaccionária, um protesto contra as suas limitações pequeno-burguesas. Daí o caráter patético das obras românticas, a sua excitação nervosa, a atração por motivos exóticos, por temas históricos e literários, por tudo o que pode afastar o “quotidiano monótono”, daí este jogo da imaginação, e por vezes, pelo contrário , sonhar acordado e uma completa falta de atividade.

Representantes da “escola”, acadêmicos, rebelaram-se, antes de tudo, contra a linguagem dos românticos: seu colorido quente excitado, sua modelagem de forma, não a estátua-plástica, usual nos “clássicos”, mas construída sobre fortes contrastes de manchas coloridas; seu desenho expressivo, que abandonou deliberadamente a precisão; sua composição ousada, às vezes caótica, desprovida de majestade e calma inabalável. Ingres, inimigo implacável dos românticos, disse até o fim da vida que Delacroix “pinta com uma vassoura louca”, e Delacroix acusou Ingres e todos os artistas da “escola” de serem frios, racionais, sem movimento, e não escrevendo, mas “pintando suas pinturas”. Mas este não foi um simples choque de dois indivíduos brilhantes e completamente diferentes; foi uma luta entre duas visões de mundo artísticas diferentes.

Essa luta durou quase meio século. O romantismo na arte não conquistou vitórias facilmente e nem imediatamente, e o primeiro artista desse movimento foi; Teodoro Géricault(1791-1824) - um mestre das formas monumentais heróicas, que combinou em sua obra tanto traços classicistas quanto traços do próprio romantismo e, por fim, um poderoso princípio realista, que teve enorme influência na arte do realismo de meados do século XIX. século 19. Mas durante sua vida ele foi apreciado apenas por alguns amigos íntimos.

O nome de Theodore Jaricot está associado aos primeiros sucessos brilhantes do romantismo. Já em suas primeiras pinturas (retratos de militares, imagens de cavalos), antigos ideais recuaram diante da percepção direta da vida.

No salão de 1812, Géricault mostra uma pintura “ Policial imperial montado caçadores em tempo ataques”. Este foi o ano do apogeu da glória de Napoleão e do poder militar da França.

A composição da pintura apresenta o cavaleiro numa perspectiva inusitada de um momento “repentino” em que o cavalo empinou e o cavaleiro, mantendo uma posição quase vertical do cavalo, virou-se para o observador. A representação de tal momento de instabilidade, a impossibilidade de uma pose, potencializa o efeito do movimento. O cavalo tem um ponto de apoio; deve cair no chão, enroscar-se na luta que o levou a esse estado. Muita coisa se juntou nesta obra: a fé incondicional de Géricault na possibilidade de uma pessoa dominar seus próprios poderes, um amor apaixonado por representar cavalos e a coragem de um mestre novato em mostrar o que antes só a música ou a linguagem da poesia poderiam transmitir - a emoção da batalha, o início de um ataque, a tensão máxima das forças de uma criatura viva. O jovem autor baseou a sua imagem na transmissão da dinâmica do movimento e foi importante para ele encorajar o espectador a “pensar” sobre o que queria retratar.

A França praticamente não tinha tradição de tal dinâmica na narrativa pictórica do romance, exceto talvez nos relevos dos templos góticos, portanto, quando Géricault veio pela primeira vez à Itália, ficou impressionado com o poder oculto das composições de Michelangelo. “Eu tremi”, escreve ele, “duvidei de mim mesmo e por muito tempo não consegui me recuperar dessa experiência”. Mas Stendhal apontou Michelangelo como o precursor de uma nova direção estilística na arte ainda mais cedo em seus artigos polêmicos.

A pintura de Géricault não só anunciou o nascimento de um novo talento artístico, mas também prestou homenagem à paixão e decepção do autor com as ideias de Napoleão. Vários outros trabalhos estão relacionados a este tema: “ Policial carabineiros”, “ Policial couraceiro antes ataque”, “ Retrato carabineiros”, “ Ferido couraceiro”.

No tratado “Reflexões sobre a situação da pintura na França”, ele escreve que “o luxo e as artes tornaram-se... uma necessidade e, por assim dizer, alimento para a imaginação, que é a segunda vida de uma pessoa civilizada. .. Não sendo objeto de primeira necessidade, as artes só aparecem quando as necessidades essenciais são satisfeitas e quando ocorre a abundância. O homem, livre das preocupações cotidianas, começou a buscar o prazer para se livrar do tédio, que inevitavelmente o dominaria em meio ao contentamento.”

Essa compreensão do papel educativo e humanístico da arte foi demonstrada por Géricault após retornar da Itália em 1818 - ele começou a se dedicar à litografia, replicando uma variedade de temas, incluindo a derrota de Napoleão ( “ Retornar de Rússia” ).

Ao mesmo tempo, o artista volta-se para a imagem da morte da fragata “Medusa” na costa da África, que agitou muito a sociedade. O desastre ocorreu por culpa de um capitão inexperiente nomeado para o cargo sob patrocínio. Os passageiros sobreviventes do navio, o cirurgião Savigny e o engenheiro Correar, falaram detalhadamente sobre o acidente.

O navio que estava afundando conseguiu lançar uma jangada, que carregava um punhado de pessoas resgatadas. Durante doze dias eles foram carregados ao longo do mar tempestuoso até encontrarem a salvação - o navio "Argus".

Géricault interessou-se pela situação de extrema tensão da força espiritual e física humana. A pintura retratava 15 sobreviventes em uma jangada quando avistaram o Argus no horizonte. “ Jangada “ Medusa” foi o resultado de um longo trabalho preparatório do artista. Ele fez muitos esboços do mar revolto, retratos de pessoas resgatadas no hospital. No início, Géricault queria mostrar a luta das pessoas em uma jangada entre si, mas depois se decidiu pelo comportamento heróico dos vencedores dos elementos do mar e pela negligência do Estado. O povo suportou com bravura o infortúnio e a esperança de salvação não os abandonou: cada grupo da jangada tinha características próprias. Na construção da composição, Géricault opta por um ponto de vista de cima, o que lhe permitiu combinar a cobertura panorâmica do espaço (distâncias marítimas) e retratar todos os habitantes da jangada, muito próximos do primeiro plano. A clareza do ritmo da dinâmica crescente de grupo para grupo, a beleza dos corpos nus e a coloração escura da imagem conferem uma certa nota de convencionalidade à imagem. Mas esta não é a essência da questão para o espectador que percebe, para quem as convenções da linguagem até ajudam a compreender e sentir o principal: a capacidade de uma pessoa de lutar e vencer.

A inovação de Géricault abriu novas oportunidades para transmitir o movimento que entusiasmava os românticos, os sentimentos ocultos de uma pessoa e a expressividade colorida e texturizada da imagem.

O herdeiro de Géricault em sua busca tornou-se Eugênio Delacroix. É verdade que Delacroix ganhou o dobro da vida e conseguiu não só provar a correção do romantismo, mas também abençoar um novo rumo na pintura na segunda metade do século XIX. – impressionismo.

Antes de começar a pintar por conta própria, Eugene estudou na escola de Lerain: pintou de vida, copiou os grandes Rubens, Rembrandt, Veronese, Ticiano do Louvre... O jovem artista trabalhava de 10 a 12 horas por dia. Lembrou-se das palavras do grande Michelangelo: “A pintura é um amante ciumento, exige a pessoa inteira...”

Após as demonstrações de Géricault, Delacroix estava bem consciente de que haviam chegado tempos de forte convulsão emocional na arte. Primeiro, ele tenta compreender uma nova era para ele por meio de tramas literárias conhecidas. A foto dele “ Dante E Virgílio” , apresentado no salão de 1822, é uma tentativa de olhar para o caldeirão fervente, o “inferno” da era moderna, através das imagens associativas históricas de dois poetas: a Antiguidade - Virgílio e o Renascimento - Dante. Era uma vez, em sua “Divina Comédia”, Dante tomou Virgílio como seu guia por todas as esferas (céu, inferno, purgatório). Na obra de Dante, um novo mundo renascentista emergiu através da experiência medieval da memória da antiguidade. O símbolo do romântico como síntese da antiguidade, do Renascimento e da Idade Média surgiu no “horror” das visões de Dante e Virgílio. Mas a complexa alegoria filosófica revelou-se uma boa ilustração emocional da era pré-renascentista e uma obra-prima literária imortal.

Delacroix tentará encontrar uma resposta direta nos corações de seus contemporâneos através de sua própria dor. Ardendo de liberdade e ódio aos opressores, os jovens daquela época simpatizavam com a guerra de libertação da Grécia. O bardo romântico da Inglaterra, Byron, vai lá para lutar. Delacroix vê o significado da nova era na representação de um evento histórico mais específico - a luta e o sofrimento da Grécia amante da liberdade. Ele se detém na trama da morte da população da ilha grega de Chios, capturada pelos turcos. No Salão de 1824, Delacroix mostra uma pintura “ Massacre sobre ilha Quios”. Tendo como pano de fundo a extensão infinita de terreno montanhoso, que ainda grita com a fumaça dos incêndios e da batalha em curso, a artista mostra vários grupos de mulheres e crianças feridas e exaustas. Eles tiveram os últimos minutos de liberdade antes da aproximação dos inimigos. O turco em um cavalo empinado à direita parece pairar sobre todo o primeiro plano e os muitos sofredores ali presentes. Os corpos e rostos de pessoas apaixonadas são lindos. Aliás, Delacroix escreveria mais tarde que a escultura grega foi transformada pelos artistas em hieróglifos, escondendo a verdadeira beleza grega do rosto e da figura. Mas, revelando a “beleza da alma” nos rostos dos gregos derrotados, o pintor dramatiza tanto os acontecimentos que, para manter um único ritmo dinâmico de tensão, recorre à deformação dos ângulos das figuras. Estes “erros” já foram “resolvidos” pela obra de Géricault, mas Delacroix demonstra mais uma vez o credo romântico de que a pintura “não é a verdade de uma situação, mas a verdade de um sentimento”.

Em 1824, Delacroix perdeu seu amigo e professor Géricault. E ele se tornou o líder da nova pintura.

Os anos se passaram. Uma por uma as fotos apareceram: “ Grécia sobre ruínas Missalunghi”, “ Morte Sardanápalo” etc. O artista tornou-se um pária nos círculos dos pintores. Mas a Revolução de Julho de 1830 mudou a situação. Ela inflama o artista com o romance de vitórias e conquistas. Ele está pintando um quadro “ Liberdade sobre barricadas”.

Em 1831, no Salão de Paris, os franceses viram pela primeira vez esta pintura, dedicada aos “três dias gloriosos” da Revolução de Julho de 1830. A pintura causou uma impressão impressionante em seus contemporâneos com seu poder, democracia e ousadia de design artístico. Segundo a lenda, um respeitável burguês exclamou: “Você diz - o diretor da escola? Melhor dizendo - o chefe da rebelião! Após o encerramento do Salão, o governo, assustado com o apelo formidável e inspirador que emanava da pintura, apressou-se em devolvê-la ao autor. Durante a revolução de 1848, foi novamente exposto ao público no Palácio do Luxemburgo. E novamente eles devolveram ao artista. Somente depois que a tela foi exibida na Exposição Mundial de Paris, em 1855, ela foi parar no Louvre. Uma das melhores criações do romantismo francês é mantida aqui até hoje - um relato inspirado de uma testemunha ocular e um monumento eterno à luta do povo pela sua liberdade.

Que linguagem artística encontrou o jovem romântico francês para fundir estes dois princípios aparentemente opostos - uma generalização ampla e abrangente e uma realidade concreta cruel na sua nudez?

Paris dos famosos dias de julho de 1830. Ao longe, quase imperceptíveis, mas erguem-se orgulhosamente as torres da Catedral de Notre Dame - um símbolo da história, da cultura e do espírito do povo francês. A partir daí, da cidade enfumaçada, sobre as ruínas das barricadas, sobre os cadáveres dos seus camaradas caídos, os rebeldes avançam obstinada e decisivamente. Cada um deles pode morrer, mas o passo dos rebeldes é inabalável - eles são inspirados pela vontade de vitória, de liberdade.

Este poder inspirador está incorporado na imagem de uma bela jovem, que a chama apaixonadamente. Com sua energia inesgotável, rapidez de movimento livre e juvenil, ela é semelhante à deusa grega da vitória Nike. Sua figura forte está vestida com um vestido de chiton, seu rosto de traços ideais, com olhos ardentes, está voltado para os rebeldes. Em uma mão ela segura a bandeira tricolor da França, na outra - uma arma. Na cabeça está um boné frígio - um antigo símbolo de libertação da escravidão. Seu passo é rápido e leve - como andam as deusas. Ao mesmo tempo, a imagem da mulher é real - ela é filha do povo francês. Ela é a força orientadora do movimento do grupo nas barricadas. Dele, como de uma fonte de luz no centro de energia, emanam raios carregados de sede e vontade de vencer. Aqueles que estão mais próximos dela, cada um à sua maneira, expressam o seu envolvimento neste apelo inspirador.

À direita está um menino, um gamer parisiense, brandindo pistolas. Ele está mais próximo da Liberdade e, por assim dizer, inflamado pelo seu entusiasmo e alegria do impulso livre. Em seu movimento rápido e infantilmente impaciente, ele está até um pouco à frente de sua inspiração. Este é o antecessor do lendário Gavroche, retratado vinte anos depois por Victor Hugo no romance Os Miseráveis: “Gavroche, cheio de inspiração, radiante, assumiu a tarefa de colocar tudo em movimento. Ele correu para frente e para trás, levantou-se, afundou-se, levantou-se novamente, fez barulho, brilhou de alegria. Parece que ele veio aqui para encorajar a todos. Ele tinha algum motivo para isso? Sim, claro, a sua pobreza. Ele tinha asas? Sim, claro, sua alegria. Foi uma espécie de redemoinho. Parecia encher o ar, estando presente em todos os lugares ao mesmo tempo... Enormes barricadas sentiam-no nas suas cristas.”

Gavroche na pintura de Delacroix é a personificação da juventude, “belo impulso”, aceitação alegre da brilhante ideia de Liberdade. Duas imagens - Gavroche e Liberdade - parecem complementar-se: uma é o fogo, a outra é uma tocha acesa. Heinrich Heine contou como a figura de Gavroche suscitou uma resposta viva entre os parisienses. "Caramba! - exclamou algum comerciante de mercearia “Esses meninos lutaram como gigantes!”

À esquerda está um estudante armado. Anteriormente, era visto como um autorretrato do artista. Este rebelde não é tão rápido como Gavroche. Seu movimento é mais contido, mais concentrado, mais significativo. As mãos seguram com segurança o cano da arma, o rosto expressa coragem, uma firme determinação de resistir até o fim. Esta é uma imagem profundamente trágica. O estudante tem consciência da inevitabilidade das perdas que os rebeldes sofrerão, mas as vítimas não o assustam - a vontade de liberdade é mais forte. Atrás dele está um trabalhador igualmente corajoso e determinado com um sabre. Há um homem ferido aos pés da Liberdade. Ele se levanta com dificuldade para olhar novamente para a Liberdade, para ver e sentir de todo o coração a beleza pela qual está morrendo. Esta figura traz um início dramático ao som da tela de Delacroix. Se as imagens de Gavroche, Liberty, um estudante, um trabalhador - quase símbolos, a personificação da vontade inflexível dos lutadores pela liberdade - inspiram e apelam ao espectador, então o homem ferido clama por compaixão. O homem se despede da Liberdade, se despede da vida. Ele ainda é um impulso, um movimento, mas já é um impulso que se desvanece.

Sua figura é transitória. O olhar do espectador, ainda fascinado e levado pela determinação revolucionária dos rebeldes, cai ao pé da barricada, coberto pelos corpos dos gloriosos soldados mortos. A morte é apresentada pelo artista com toda a nudez e evidência do fato. Vemos os rostos azuis dos mortos, seus corpos nus: a luta é impiedosa e a morte é a mesma companheira inevitável dos rebeldes, como a bela inspiradora Liberdade.

Da terrível visão na borda inferior da imagem, levantamos novamente o olhar e vemos uma jovem e bela figura - não! a vida vence! A ideia de liberdade, incorporada de forma tão visível e tangível, está tão focada no futuro que a morte em seu nome não é assustadora.

O artista retrata apenas um pequeno grupo de rebeldes, vivos e mortos. Mas os defensores da barricada parecem invulgarmente numerosos. A composição é construída de forma que o grupo de lutadores não seja limitado, nem fechado em si mesmo. Ela é apenas parte de uma avalanche sem fim de pessoas. O artista dá, por assim dizer, um fragmento do grupo: o porta-retratos recorta as figuras à esquerda, à direita e abaixo.

Normalmente, a cor nas obras de Delacroix adquire um som altamente emocional e desempenha um papel dominante na criação de um efeito dramático. As cores, ora violentas, ora desbotadas, silenciadas, criam uma atmosfera tensa. EM « Liberdade sobre barricadas» Delacroix afasta-se deste princípio. Com muita precisão, escolhendo cuidadosamente a tinta e aplicando-a com pinceladas largas, o artista transmite o clima da batalha.

Mas o esquema de cores é restrito. Delacroix concentra sua atenção na modelagem em relevo da forma. Isso foi exigido pela solução figurativa da imagem. Afinal, ao retratar um acontecimento específico de ontem, o artista também criou um monumento a esse acontecimento. Portanto, as figuras são quase esculturais. Portanto, cada personagem, fazendo parte de um todo único do quadro, constitui também algo fechado em si mesmo, é um símbolo moldado em uma forma acabada. Portanto, a cor não só tem um impacto emocional nos sentimentos do espectador, mas também carrega um significado simbólico. No espaço marrom-acinzentado, aqui e ali, brilha uma tríade solene de vermelho, azul, branco - as cores da bandeira da Revolução Francesa de 1789. A repetida repetição dessas cores mantém o acorde poderoso da bandeira tricolor hasteada sobre as barricadas.

Pintura de Delacroix « Liberdade sobre barricadas» - uma obra complexa e grandiosa em escopo. Aqui se combinam a confiabilidade do fato visto diretamente e o simbolismo das imagens; realismo, atingindo o naturalismo brutal e a beleza ideal; áspero, terrível e sublime, puro.

Pintura “ Liberdade sobre barricadas” consolidou a vitória do romantismo na pintura francesa. Na década de 1930, mais duas pinturas históricas foram pintadas: “ Batalha no Poitiers” E “ Assassinato bispo Liège”.

Em 1822, o artista visitou o Norte da África, Marrocos e Argélia. A viagem causou-lhe uma impressão indelével. Na década de 50, pinturas inspiradas nas lembranças dessa jornada apareceram em sua obra: ” Caçando sobre Lviv”, “ marroquino, selar cavalo” etc. Cores brilhantes e contrastantes criam um som romântico para essas pinturas. A técnica do traço largo aparece neles.

Delacroix, como romântico, registrou o estado de sua alma não apenas através da linguagem das imagens pitorescas, mas também formalizou seu pensamento literário. Ele descreveu bem o processo de trabalho criativo de um artista romântico, suas experiências com cores e reflexões sobre a relação entre a música e outras formas de arte. Seus diários tornaram-se a leitura favorita dos artistas das gerações subsequentes.

A escola romântica francesa fez mudanças significativas no campo da escultura (Rud e seu relevo “Marseillaise”), pintura de paisagem (Camille Corot com suas imagens claras e arejadas da natureza da França).

Graças ao romantismo, a visão subjetiva do artista assume a forma de lei. O impressionismo destruirá completamente a barreira entre o artista e a natureza, declarando que a arte é uma impressão. Os românticos falam da imaginação do artista, “a voz dos seus sentimentos”, que lhe permite interromper o trabalho quando o mestre considera necessário, e não conforme exigido pelos padrões acadêmicos de completude.

Se as fantasias de Géricault se concentravam na transmissão do movimento, Delacroix - no poder mágico da cor, e os alemães acrescentaram a isso um certo “espírito da pintura”, então os românticos espanhóis representavam Francisco Goya(1746-1828) mostrou as origens folclóricas do estilo, seu caráter fantasmagórico e grotesco. O próprio Goya e sua obra parecem distantes de qualquer enquadramento estilístico, até porque o artista muitas vezes teve que seguir as leis do material de execução (quando, por exemplo, criou pinturas para tapetes de treliça) ou as exigências do cliente.

Suas fantasmagorias foram publicadas em séries de gravuras “ Caprichos” (1797-1799), “ Desastres guerras” (1810-1820), “ Disparantes (“ Loucuras”) (1815-1820), pinturas da “Casa dos Surdos” e da Igreja de San Antonio de la Florida em Madrid (1798). Uma doença grave em 1792 resultou na surdez completa do artista. Depois de sofrer traumas físicos e espirituais, a arte do mestre torna-se mais focada, ponderada e internamente dinâmica. O mundo externo, fechado pela surdez, ativou a vida espiritual interior de Goya.

Em gravuras “ Caprichos” Goya alcança um poder excepcional ao transmitir reações instantâneas e sentimentos rápidos. A execução em preto e branco, graças à ousada combinação de grandes manchas e à ausência da linearidade característica dos gráficos, adquire todas as propriedades de uma pintura.

Goya cria os murais da Igreja de Santo Antônio em Madrid, ao que parece, de uma só vez. O temperamento da pincelada, o laconicismo da composição, a expressividade das características dos personagens, cujo tipo Goya tirou direto da multidão, são surpreendentes. O artista retrata o milagre de Antônio da Flórida, que forçou o assassinado a ressuscitar e falar, que nomeou o assassino e assim salvou da execução um inocente condenado. O dinamismo da multidão que reage brilhantemente é transmitido tanto nos gestos quanto nas expressões faciais das pessoas retratadas. No esquema composicional de distribuição das pinturas no espaço da igreja, o pintor segue Tiepolo, mas a reação que evoca no espectador não é barroca, mas puramente romântica, afetando os sentimentos de cada espectador, chamando-o a voltar-se para si mesmo.

Acima de tudo, este objetivo é alcançado na pintura Conto del Sordo (“Casa dos Surdos”), na qual Goya viveu desde 1819. As paredes dos quartos estão cobertas por quinze composições de carácter fantástico e alegórico. Percebê-los requer profunda empatia. As imagens aparecem como certas visões de cidades, mulheres, homens, etc. A cor, piscando, arranca primeiro uma figura, depois outra. A pintura como um todo é escura, dominada por manchas brancas, amarelas, vermelho-rosadas, perturbando os sentidos com flashes. As águas-fortes da série podem ser consideradas um paralelo gráfico a “A Casa dos Surdos”. “ Disparantes” .

Goya passou os últimos 4 anos na França. É improvável que ele soubesse que Delacroix nunca se separou de seus “Caprichos”. E não conseguia prever como Hugo e Baudelaire se deixariam levar por essas águas-fortes, que enorme influência a sua pintura teria em Manet, e como nos anos 80 do século XIX. V. Stasov convidará artistas russos para estudar seus “Desastres da Guerra”

Mas nós, tendo isto em conta, sabemos a enorme influência que esta arte “sem estilo” de um realista ousado e de um romântico inspirado teve na cultura artística dos séculos XIX e XX.

O artista romântico inglês também concretiza o fantástico mundo dos sonhos em suas obras. William Blake(1757-1827). A Inglaterra era a terra clássica da literatura romântica. Byron e Shelley tornaram-se a bandeira deste movimento muito além das fronteiras de Foggy Albion. Na França, nas críticas de revistas durante as “batalhas românticas”, os românticos eram chamados de “shakespearianos”. A principal característica da pintura inglesa sempre foi o interesse pela personalidade humana, o que permitiu o desenvolvimento frutífero do gênero retrato. O romantismo na pintura está intimamente relacionado ao sentimentalismo. O interesse dos românticos pela Idade Média deu origem a uma grande literatura histórica, da qual W. Scott é um reconhecido mestre. Na pintura, o tema da Idade Média determinou o aparecimento dos chamados Pré-Rafaelitas.

William Blake é um tipo incrível de romântico na cena cultural inglesa. Ele escreve poesia, ilustra livros próprios e de outras pessoas. Seu talento procurou abraçar e expressar o mundo em uma unidade holística. Suas obras mais famosas são ilustrações para o “Livro de Jó” bíblico, a “Divina Comédia” de Dante e o “Paraíso Perdido” de Milton. Ele povoa suas composições com figuras titânicas de heróis, que correspondem ao seu entorno de um mundo irreal, iluminado ou fantasmagórico. Um sentimento de orgulho rebelde ou uma harmonia intrincadamente criada a partir da dissonância domina suas ilustrações.

O romantismo de Blake tenta encontrar sua fórmula artística e forma de existência do mundo.

William Blake, tendo vivido em extrema pobreza e obscuridade, após sua morte foi classificado entre os clássicos da arte inglesa.

Nas obras de pintores paisagistas ingleses do início do século XIX. os hobbies românticos são aliados a uma visão mais objetiva e sóbria da natureza.

Cria paisagens romanticamente elevadas William torneiro(1775-1851). Ele adorava retratar tempestades, aguaceiros, tempestades no mar, pôr do sol brilhante e ardente. Turner muitas vezes exagerava os efeitos da iluminação e intensificava o som das cores mesmo quando pintava o estado calmo da natureza. Para maior efeito, utilizou técnicas de aquarela e aplicou tinta a óleo em camada bem fina e pintou diretamente no chão, obtendo tonalidades de arco-íris. Um exemplo seria a imagem “ Chuva, vapor E velocidade” (1844). Mas mesmo o famoso crítico da época, Thackeray, não conseguiu compreender corretamente o quadro, que talvez fosse inovador tanto no conceito quanto na execução. “A chuva é indicada por manchas de massa suja”, escreveu ele, “manchadas na tela com uma espátula; a luz do sol brilha com um brilho fraco sob pedaços muito grossos de cromo amarelo sujo. As sombras são transmitidas por tons frios de manchas escarlates e manchas de cinábrio em tons suaves. E embora o fogo na fornalha de uma locomotiva pareça vermelho, não posso dizer que não seja pintado na cor cobalto ou ervilha.” Outro crítico achou que a coloração de Turner era da cor de “ovos mexidos e espinafre”. As cores do falecido Turner geralmente pareciam completamente impensáveis ​​​​e fantásticas para seus contemporâneos. Demorou mais de um século para ver neles o grão de observações reais. Mas, como em outros casos, também estava aqui. Uma história interessante de uma testemunha ocular, ou melhor, de uma testemunha do nascimento, foi preservada.

Arte inglesa de meados do século XIX. desenvolvido em uma direção completamente diferente da pintura de Turner. Embora sua habilidade fosse geralmente reconhecida, nenhum dos jovens o seguiu.

II. Romantismo na pintura russa

O romantismo na Rússia diferia da Europa Ocidental devido a uma situação histórica diferente e a uma tradição cultural diferente. A Revolução Francesa não pode ser incluída entre as causas da sua ocorrência; um círculo muito restrito de pessoas depositou quaisquer esperanças nas transformações no seu curso. E os resultados da revolução foram completamente decepcionantes. A questão do capitalismo na Rússia no início do século XIX. não resistiu. Portanto, também não havia razão para isso. A verdadeira razão foi a Guerra Patriótica de 1812, na qual foi demonstrada toda a força da iniciativa popular. Mas depois da guerra, o povo não recebeu liberdade. Os melhores da nobreza, insatisfeitos com a realidade, chegaram à Praça do Senado em dezembro de 1825. Esse ato também não passou despercebido para a intelectualidade criativa. Os turbulentos anos do pós-guerra tornaram-se o cenário em que o romantismo russo se formou.

Em suas telas, os pintores românticos russos expressaram o espírito de liberdade, ação ativa e clamaram com paixão e temperamento pela manifestação do humanismo. As pinturas cotidianas dos pintores russos distinguem-se pela sua relevância, psicologismo e expressão sem precedentes. As paisagens espiritualizadas e melancólicas são novamente a mesma tentativa dos românticos de penetrar no mundo humano, de mostrar como uma pessoa vive e sonha no mundo sublunar. A pintura romântica russa diferia da pintura estrangeira. Isso foi determinado tanto pela situação histórica quanto pela tradição.

Características da pintura romântica russa:

Ÿ A ideologia iluminista enfraqueceu, mas não entrou em colapso, como na Europa. Portanto, o romantismo não foi expressado com força;

Ÿ o romantismo desenvolveu-se paralelamente ao classicismo, muitas vezes entrelaçado com ele;

Ÿ a pintura acadêmica na Rússia ainda não se esgotou;

Ÿ O romantismo na Rússia não foi um fenómeno estável. Os românticos foram atraídos pelo academicismo. Em meados do século XIX. a tradição romântica quase desapareceu.

Obras relacionadas ao romantismo começaram a aparecer na Rússia já na década de 1790 (obras de Teodósio Yanenko " Viajantes, capturado tempestade" (1796), " Auto-retrato V capacete" (1792). O protótipo é evidente neles - Salvator Rosa, muito popular na virada dos séculos XVIII e XIX. Mais tarde, a influência deste artista proto-romântico será perceptível na obra de Alexander Orlovsky. Ladrões, cenas ao redor do fogo, batalhas acompanharam todo o seu caminho criativo. Como em outros países, os artistas pertencentes ao romantismo russo introduziram um clima emocional completamente novo nos gêneros clássicos de retrato, paisagem e cenas de gênero.

Na Rússia, o romantismo começou a aparecer pela primeira vez no retrato. No primeiro terço do século XIX, perdeu em grande parte o contacto com a aristocracia dignitária. Retratos de poetas, artistas, mecenas e imagens de camponeses comuns começaram a ocupar um lugar significativo. Esta tendência foi especialmente pronunciada nas obras de O.A. Kiprensky (1782 – 1836) e V.A. Tropinina (1776 – 1857).

Manjericão Andreevich Tropinina buscou uma caracterização viva e descontraída de uma pessoa, expressa através de seu retrato. « Retrato filho» (1818), « Retrato A. COM. Púchkin» (1827), « Auto-retrato» (1846) surpreendem não pela semelhança do retrato com os originais, mas pela penetração extraordinariamente sutil no mundo interior de uma pessoa.

A história da criação é extremamente interessante “ Retratos Púchkin”. Como de costume, para o primeiro contato com Pushkin, Tropinin foi à casa de Sobolevsky, onde o poeta morava na época. O artista o encontrou em seu escritório brincando com os cachorrinhos. Foi então, aparentemente, que um pequeno esboço foi escrito com base na primeira impressão que Tropinin tanto valorizava. Por muito tempo ele permaneceu fora da vista de seus perseguidores. Apenas quase cem anos depois, em 1914, foi publicado pela P.M. Shchekotov, que escreveu que de todos os retratos de Alexander Sergeevich, ele “transmite melhor suas características... os olhos azuis do poeta aqui são preenchidos com um brilho especial, a cabeça gira rapidamente e os traços faciais são expressivos e móveis. Sem dúvida, aqui são capturadas as características faciais autênticas de Pushkin, que encontramos separadamente em um ou outro dos retratos que chegaram até nós. Ficamos perplexos”, acrescenta Shchekotov, “por que este encantador esboço não recebeu a devida atenção dos editores e conhecedores do poeta”. Isso se explica pelas próprias qualidades do pequeno esboço: não havia brilho nas cores, nem beleza nas pinceladas, nem “circunstâncias” habilmente escritas nele. E Pushkin aqui não é uma “vitia” popular, nem um “gênio”, mas antes de tudo uma pessoa. E dificilmente é passível de análise por que um conteúdo humano tão grande está contido nos tons monocromáticos verde-acinzentados e oliva, nas pinceladas apressadas e aparentemente aleatórias de um esboço de aparência quase imperceptível.

No início do século 19, Tver era um importante centro cultural da Rússia. Aqui está o jovem Orestes Kiprensky conheceu A.S. Pushkin, cujo retrato, pintado mais tarde, tornou-se a pérola da arte retratística mundial. " Retrato Púchkin» Os pincéis de O. Kiprensky são uma personificação viva do gênio poético. No giro decisivo da cabeça, nos braços energicamente cruzados sobre o peito, em toda a aparência do poeta, reflete-se um sentimento de independência e liberdade. Foi sobre ele que Pushkin disse: “Eu me vejo como num espelho, mas esse espelho me lisonjeia”. Na obra sobre o retrato de Pushkin, Tropinin e Kiprensky encontram-se pela última vez, embora este encontro não aconteça pessoalmente, mas muitos anos depois na história da arte, onde, via de regra, dois retratos do maior russo poetas criados simultaneamente, mas em lugares diferentes, são comparados - um em Moscou, o outro - em São Petersburgo. Ora, este é um encontro de mestres igualmente importantes em sua importância para a arte russa. Embora os admiradores de Kiprensky afirmem que as vantagens artísticas estão do lado do seu retrato romântico, onde o poeta é apresentado imerso nos seus próprios pensamentos, sozinho com a musa, a nacionalidade e a democracia da imagem estão certamente do lado do “Pushkin” de Tropinsky. .

Assim, dois retratos refletiam duas direções da arte russa, concentradas em duas capitais. E os críticos escreverão posteriormente que Tropinin foi para Moscou o que Kiprensky foi para São Petersburgo.

Uma característica distintiva dos retratos de Kiprensky é que eles mostram o encanto espiritual e a nobreza interior de uma pessoa. O retrato de um herói, corajoso e fortemente sentimental, deveria incorporar o pathos dos sentimentos patrióticos e amantes da liberdade do povo russo progressista.

Na porta da frente “ Retrato E. EM. Davidova” (1809) mostra a figura de um oficial que mostrava diretamente a expressão daquele culto à personalidade forte e corajosa, tão típico do romantismo daqueles anos. A paisagem mostrada fragmentariamente, onde um raio de luz luta contra as trevas, sugere as ansiedades espirituais do herói, mas em seu rosto há um reflexo de sensibilidade sonhadora. Kiprensky procurava o “humano” em uma pessoa, e o ideal não obscurecia dele os traços de caráter pessoal do modelo.

Os retratos de Kiprensky, se você olhar para eles com os olhos da mente, mostram a riqueza espiritual e natural de uma pessoa, sua força intelectual. Sim, ele tinha um ideal de personalidade harmoniosa, do qual também falavam seus contemporâneos, mas Kiprensky não se esforçou para projetar literalmente esse ideal em uma imagem artística. Ao criar uma imagem artística, ele seguiu a natureza, como se medisse o quão longe ou perto ela estava de tal ideal. Em essência, muitos dos retratados por ele estão à beira do ideal, lutando por ele, mas o próprio ideal, segundo as ideias da estética romântica, dificilmente é alcançável, e toda arte romântica é apenas o caminho para isso.

Observando as contradições nas almas de seus heróis, mostrando-as nos momentos de ansiedade da vida, quando o destino muda, velhas ideias são quebradas, a juventude desaparece, etc., Kiprensky parece estar vivenciando junto com seus modelos. Daí o especial envolvimento do retratista na interpretação das imagens artísticas, o que confere ao retrato um toque “comovente”.

No período inicial do trabalho de Kiprensky, você não verá pessoas infectadas com ceticismo e análises que corroem a alma. Isso acontecerá mais tarde, quando o tempo romântico vivenciar seu outono, dando lugar a outros estados de espírito e sentimentos, quando as esperanças de triunfo do ideal de uma personalidade harmoniosa desmoronarem. Em todos os retratos de 1800 e nos retratos executados em Tver, o pincel ousado de Kiprensky é visível, construindo formas com facilidade e liberdade. A complexidade das técnicas técnicas e a natureza da figura mudavam de obra para obra.

Vale ressaltar que nos rostos de seus heróis você não verá a euforia heróica, pelo contrário, a maioria dos rostos são bastante tristes, entregam-se à reflexão; Parece que essas pessoas estão preocupadas com o destino da Rússia, pensam mais no futuro do que no presente. Nas imagens femininas que representam as esposas e irmãs dos participantes de eventos significativos, Kiprensky também não buscou uma exaltação heróica deliberada. Uma sensação de facilidade e naturalidade prevalece. Ao mesmo tempo, em todos os retratos há muita nobreza de alma. As imagens femininas atraem pela modesta dignidade e integridade da natureza; nos rostos dos homens pode-se discernir um pensamento curioso, uma disposição para o ascetismo. Essas imagens coincidiram com o amadurecimento das ideias éticas e estéticas dos dezembristas. Seus pensamentos e aspirações eram compartilhados por muitos naquela época, o artista também os conhecia, e por isso podemos dizer que seus retratos de participantes dos acontecimentos de 1812-1814, imagens de camponeses criados nesses mesmos anos são uma espécie de arte paralelo aos conceitos emergentes do Decembrismo.

Os estrangeiros chamam Kiprensky de Van Dyck russo; seus retratos estão em muitos museus ao redor do mundo. Sucessor da obra de Levitsky e Borovikovsky, antecessor de L. Ivanov e K. Bryullov, Kiprensky deu fama europeia à escola de arte russa com seu trabalho. Nas palavras de Alexander Ivanov, “ele foi o primeiro a trazer o nome russo para a Europa...”.

O crescente interesse pela personalidade de uma pessoa, característico do romantismo, predeterminou o florescimento do gênero retrato na primeira metade do século XIX, onde o autorretrato se tornou dominante. Via de regra, a criação de um autorretrato não foi um episódio acidental. Os artistas escreveram e desenharam repetidamente, e essas obras tornaram-se uma espécie de diário, refletindo vários estados de espírito e fases da vida, e ao mesmo tempo foram um manifesto dirigido aos seus contemporâneos. O autorretrato não era um gênero encomendado; o artista pintava para si mesmo e aqui, como nunca antes, ele estava livre para se expressar. No século XVIII, os artistas russos raramente pintavam imagens originais; apenas o romantismo, com o seu culto ao individual e ao excepcional, contribuiu para o surgimento deste género. A variedade de tipos de autorretrato reflete a percepção que os artistas têm de si mesmos como uma personalidade rica e multifacetada. Eles então aparecem no papel usual e natural do criador ( " Auto-retrato V veludo pegar" A.G. Varnek, década de 1810), então eles mergulham no passado, como se estivessem experimentando por si mesmos ( " Auto-retrato V capacete E latakh" F. I. Yanenko, 1792), ou, na maioria das vezes, aparecem sem quaisquer atributos profissionais, afirmando o significado e o valor de cada pessoa, libertada e aberta ao mundo, como F. ​​A. Bruni e O. A. Orlovsky nos autorretratos da década de 1810. A disponibilidade para o diálogo e a abertura características das soluções figurativas das obras das décadas de 1810-1820 são gradualmente substituídas pelo cansaço e decepção, imersão e retraimento ( " Auto-retrato" M.I. Essa tendência se refletiu no desenvolvimento do gênero retrato como um todo.

Vale a pena notar que os autorretratos de Kiprensky apareceram em momentos críticos da vida; eles testemunharam o aumento ou declínio da força mental. O artista olhou para si mesmo através de sua arte. Ao mesmo tempo, não usava espelho, como a maioria dos pintores; ele pintou principalmente a si mesmo de acordo com sua imaginação; queria expressar seu espírito, mas não sua aparência.

“Auto-retrato Com pincéis atrás orelha” construída sobre uma recusa, e claramente demonstrativa, da glorificação externa da imagem, da sua normatividade clássica e construção ideal. As características faciais são aproximadamente delineadas. Reflexos individuais de luz incidem sobre a figura do artista, extinguindo o tecido quase invisível que representa o fundo do retrato. Tudo aqui está subordinado à expressão da vida, dos sentimentos, do humor. Este é um olhar sobre a arte romântica através da arte do autorretrato.

Quase simultaneamente com este autorretrato, “ Auto-retrato V rosa Shane lenço” , onde outra imagem é incorporada. Sem indicação direta da profissão de pintor. Foi recriada a imagem de um jovem que se sente à vontade, com naturalidade, liberdade. A superfície de pintura da tela é finamente construída. O pincel do artista aplica tinta com segurança, deixando traços grandes e pequenos. O esquema de cores é perfeitamente desenvolvido, as cores são suaves e harmoniosamente combinadas entre si, a iluminação é calma: a luz se derrama suavemente sobre o rosto do jovem, delineando seus traços, sem expressão ou deformação desnecessária.

Outro notável pintor de retratos foi SOBRE. A. Orlovsky. Uma folha de retrato tão emocionalmente rica remonta a 1809 como “ Auto-retrato” . Preenchido com um toque rico e livre de sanguíneo e carvão (com destaque para giz), “ Auto-retrato” Orlovsky é atraído por sua integridade artística, imagem distinta e arte de execução. Ao mesmo tempo, permite discernir alguns aspectos únicos da arte de Orlovsky. “ Auto-retrato” Orlovsky, é claro, não tem como objetivo reproduzir com precisão a aparência típica do artista daquela época. Diante de nós está uma imagem amplamente deliberada e exagerada de um “artista”, contrastando seu próprio “eu” com a realidade circundante. Ele não se preocupa com a “decência” de sua aparência: seus cabelos exuberantes não foram tocados por pente ou escova, em seu ombro está a ponta de uma capa de chuva xadrez bem por cima da camisa de casa com a gola aberta. Uma virada brusca da cabeça com um olhar “sombrio” sob as sobrancelhas tricotadas, um corte rente do retrato em que o rosto é retratado em close-up, contrastes de luz - tudo isso visa alcançar o efeito principal de contrastar o pessoa retratada com o ambiente (e, portanto, o espectador).

O pathos de afirmação da individualidade - uma das características mais progressistas da arte da época - constitui o principal tom ideológico e emocional do retrato, mas surge num aspecto único, quase nunca encontrado na arte russa desse período. A afirmação da personalidade passa não tanto pela revelação da riqueza do seu mundo interior, mas pela rejeição de tudo o que a rodeia. Ao mesmo tempo, a imagem parece, sem dúvida, empobrecida e limitada.

Tais soluções são difíceis de encontrar na arte retratística russa da época, onde já em meados do século XVIII os motivos cívicos e humanísticos soavam alto e a personalidade de uma pessoa nunca rompia laços fortes com o meio ambiente. Sonhando com um sistema social-democrata melhor, as pessoas na Rússia daquela época não estavam de forma alguma divorciadas da realidade; rejeitavam conscientemente o culto individualista da “liberdade pessoal” que floresceu na Europa Ocidental, afrouxado pela revolução burguesa. Isso se manifestou claramente na arte do retrato russo. Basta comparar “ Auto-retrato” Orlovsky com “ Auto-retrato” Kiprensky, de modo que a séria diferença interna entre os dois retratistas chamaria imediatamente a atenção.

Kiprensky também “heroiza” a personalidade de uma pessoa, mas mostra seus verdadeiros valores internos. No rosto do artista, o espectador discerne as características de uma mente forte, caráter e pureza moral.

Toda a aparência de Kiprensky está envolta em incrível nobreza e humanidade. Ele é capaz de distinguir entre “bem” e “mal” no mundo ao seu redor e, rejeitando o segundo, amar e apreciar o primeiro, amar e apreciar pessoas que pensam como você. Ao mesmo tempo, temos diante de nós, sem dúvida, uma individualidade forte, orgulhosa da consciência do valor das suas qualidades pessoais. Exatamente o mesmo conceito de imagem de retrato está subjacente ao famoso retrato heróico de D. Davydov, de Kiprensky.

Orlovsky, em comparação com Kiprensky, resolve a imagem de uma “personalidade forte” de uma forma mais limitada, mais direta e externa, ao mesmo tempo que se concentra claramente na arte da França burguesa. Quando você olha para ele “ Auto-retrato” , involuntariamente vêm à mente os retratos de A. Gros e Géricault. O perfil também revela uma afinidade interna com a arte retratística francesa. “ Auto-retrato” Orlovsky em 1810, com seu culto à “força interior” individualista, porém, já desprovido de uma forma de “esboço” nítida “ Auto-retrato” 1809 ou “ Retratos Duport”. Neste último, Orlovsky, assim como em “Autorretrato”, usa uma pose espetacular e “heróica”, com um movimento brusco, quase cruzado, da cabeça e dos ombros. Ele enfatiza a estrutura irregular do rosto de Duport e seus cabelos desgrenhados, com o objetivo de criar uma imagem de retrato autossuficiente em sua característica única e aleatória.

“A paisagem deve ser um retrato”, escreveu K. N. Batyushkov. A maioria dos artistas que se voltaram para o gênero paisagem aderiu a essa atitude em seus trabalhos. Entre as exceções óbvias, que gravitaram em torno da paisagem fantástica, estavam A. O. Orlovsky ( " Náutico visualizar" , 1809); AG Varnek ( " Visualizar V arredores Roma" , 1809); Bacia PV (" Céu no pôr do sol V arredores Roma" , " Noite cenário" , ambos da década de 1820). Ao criar tipos específicos, preservaram o imediatismo da sensação e a riqueza emocional, alcançando um som monumental através de técnicas composicionais.

O jovem Orlovsky via na natureza apenas forças titânicas, não sujeitas à vontade do homem, capazes de causar catástrofes, desastres. A luta do homem contra os elementos furiosos do mar é um dos temas preferidos do artista no seu período romântico “rebelde”. Tornou-se o conteúdo de seus desenhos, aquarelas e pinturas a óleo de 1809-1810. a cena trágica é mostrada na foto “ Naufrágio” (1809(?)). Na escuridão total que caiu no chão, entre as ondas furiosas, pescadores afogados escalam freneticamente as rochas costeiras onde seu navio caiu. A cor em tons vermelhos fortes aumenta a sensação de ansiedade. Os ataques de ondas poderosas prenunciando uma tempestade são ameaçadores, e em outra foto - “ Sobre costa mares” (1809). O céu tempestuoso, que ocupa a maior parte da composição, também desempenha nela um enorme papel emocional. Embora Orlovsky não dominasse a arte da perspectiva aérea, a transição gradual dos planos é aqui resolvida de forma harmoniosa e suave. A cor ficou mais clara. As manchas vermelhas nas roupas dos pescadores contrastam lindamente com o fundo marrom-avermelhado. Elementos marinhos inquietos e alarmantes em aquarela “ Navegação barco” (c.1812). E mesmo quando o vento não agita a vela e ondula a superfície da água, como na aquarela “ Náutico cenário Com navios” (c.1810), o espectador tem a premonição de que uma tempestade seguirá a calmaria.

As paisagens tinham um caráter diferente COM. F. Shchedrin. Eles estão repletos da harmonia da convivência entre o homem e a natureza (" Terraço sobre costa mares. Capuccino aproximar Sorrento" , 1827). Numerosas vistas de Nápoles feitas por seu pincel tiveram um sucesso extraordinário.

Em fotos brilhantes E. PARA. Aivazovsky os ideais românticos de embriaguez com a luta e o poder das forças naturais, a resiliência do espírito humano e a capacidade de lutar até o fim foram vividamente incorporados. No entanto, um grande lugar no patrimônio do mestre é ocupado por paisagens marítimas noturnas dedicadas a lugares específicos onde a tempestade dá lugar à magia da noite, uma época que, segundo a visão dos românticos, é repleta de uma misteriosa vida interior, e onde as pesquisas pictóricas do artista visam extrair extraordinários efeitos de luz ( " Visualizar Odessa V lunar noite" , " Visualizar Constantinopla no lunar iluminação" , ambos - 1846).

O tema dos elementos naturais e da pessoa pega de surpresa, tema preferido da arte romântica, foi interpretado de diferentes maneiras pelos artistas dos anos 1800-1850. As obras foram baseadas em acontecimentos reais, mas o significado das imagens não era uma releitura objetiva delas. Um exemplo típico é a pintura de Peter Basin " Terremoto V Rocca di Pai aproximar Roma" (1830). Dedica-se não tanto à descrição de um evento específico, mas à representação do medo e do horror de uma pessoa diante da manifestação dos elementos.

O romantismo na Rússia como cosmovisão existiu em sua primeira onda, do final do século XVIII até a década de 1850. A linha do romântico na arte russa não parou na década de 1850. O tema do estado de ser, descoberto pelos românticos para a arte, foi posteriormente desenvolvido pelos artistas da Rosa Azul. Os herdeiros diretos dos românticos foram, sem dúvida, os simbolistas. Temas, motivos e técnicas expressivas românticas entraram na arte de diferentes estilos, tendências e associações criativas. A cosmovisão ou cosmovisão romântica revelou-se uma das mais vibrantes, tenazes e frutíferas.

Romantismo como movimento na literatura

O Romantismo é, antes de tudo, uma visão de mundo especial baseada na convicção da superioridade do “espírito” sobre a “matéria”. O princípio criativo, segundo os românticos, é possuído por tudo o que é verdadeiramente espiritual, que eles identificaram com o verdadeiramente humano. E, pelo contrário, tudo o que é material, na sua opinião, passando à frente, desfigura a verdadeira natureza do homem, não permite que a sua essência se manifeste, nas condições da realidade burguesa, divide as pessoas, torna-se fonte de inimizade entre eles, e leva a situações trágicas. Herói positivo no romantismo, via de regra, ele se eleva no nível de sua consciência acima do mundo de interesse próprio que o cerca, é incompatível com ele, ele vê o propósito da vida não em fazer carreira, não em acumular riquezas, mas em servir os elevados ideais da humanidade - humanidade, liberdade, fraternidade. Os personagens românticos negativos, ao contrário dos positivos, estão em harmonia com a sociedade; a sua negatividade reside principalmente no facto de viverem de acordo com as leis do ambiente burguês que os rodeia. Conseqüentemente (e isso é muito importante), o romantismo não é apenas uma busca pelo ideal e pela poetização de tudo que é espiritualmente belo, é ao mesmo tempo uma exposição do feio em sua forma sócio-histórica específica. Além disso, a crítica à falta de espiritualidade foi feita à arte romântica desde o início, decorre da própria essência relação românticaà vida pública. É claro que nem todos os escritores e nem todos os gêneros o manifestam com a amplitude e intensidade exigidas. Mas o pathos crítico é evidente não apenas nos dramas de Lermontov ou nas “histórias seculares” de V. Odoevsky, mas também é perceptível nas elegias de Zhukovsky, revelando as tristezas e tristezas de uma personalidade espiritualmente rica nas condições da Rússia feudal. .

A cosmovisão romântica, devido ao seu dualismo (a abertura do “espírito” e da “mãe”), determina a representação da vida em nítidos contrastes. A presença do contraste é um dos traços característicos do tipo romântico de criatividade e, portanto, do estilo. O espiritual e o material nas obras dos românticos se opõem fortemente. Além disso, um herói romântico positivo é geralmente retratado como uma criatura solitária, condenada ao sofrimento em sua sociedade contemporânea (Giaour, Corsair em Byron, Chernets em Kozlov, Voinarovsky em Ryleev, Mtsyri em Lermontov e outros). Ao retratar o feio, os românticos muitas vezes alcançam tal concretude cotidiana que é difícil distinguir seu trabalho do realista. Com base em uma visão de mundo romântica, é possível criar não apenas imagens individuais, mas também obras inteiras e realistas no tipo de criatividade.

O Romantismo é impiedoso com aqueles que, lutando pelo seu próprio engrandecimento, pensando no enriquecimento ou definhando de sede de prazer, transgridem as leis morais universais em nome disso, atropelando os valores humanos universais (humanidade, amor à liberdade e outros) .

EM literatura romântica Existem muitas imagens de heróis infectados pelo individualismo (Manfred, Lara de Byron, Pechorin, Demon de Lermontov e outros), mas parecem criaturas profundamente trágicas, sofrendo de solidão, ansiando por se fundir com o mundo pessoas comuns. Revelando a tragédia do homem individualista, o romantismo mostrou a essência do verdadeiro heroísmo, manifestando-se no serviço altruísta aos ideais da humanidade. A personalidade na estética romântica não tem valor por si só. Seu valor aumenta à medida que aumenta o benefício que traz às pessoas. A confirmação de uma pessoa no romantismo consiste, antes de tudo, em libertá-la do individualismo, dos efeitos nocivos da psicologia da propriedade privada.

No centro da arte romântica está personalidade humana, o seu mundo espiritual, os seus ideais, preocupações e tristezas nas condições do sistema de vida burguês, a sede de liberdade e independência. O herói romântico sofre de alienação, de incapacidade de mudar de posição. Portanto, os gêneros populares da literatura romântica, que refletem mais plenamente a essência da visão de mundo romântica, são tragédias, poemas dramáticos, lírico-épicos e líricos, contos e elegias. O Romantismo revelou a incompatibilidade de tudo o que é verdadeiramente humano com o princípio da propriedade privada da vida, e este é o seu grande significado histórico. Introduziu na literatura um homem-lutador que, apesar da sua condenação, age livremente, porque percebe que a luta é necessária para atingir um objetivo.

Os românticos são caracterizados pela amplitude e escala do pensamento artístico. Para incorporar ideias de significado humano universal, eles usam lendas cristãs, contos bíblicos, mitologia antiga e tradições folclóricas. Os poetas do movimento romântico recorrem à fantasia, ao simbolismo e a outras técnicas convencionais de representação artística, o que lhes dá a oportunidade de mostrar a realidade de uma forma tão ampla que era completamente impensável na arte realista. É improvável, por exemplo, que seja possível transmitir todo o conteúdo do “Demônio” de Lermontov, aderindo ao princípio da tipificação realista. O poeta abrange com o olhar todo o universo, esboça paisagens cósmicas, em cuja reprodução seria inadequada a concretude realista, familiar nas condições da realidade terrena:

No ar oceano

Sem leme e sem velas

Flutuando silenciosamente no nevoeiro

Coros de luminares esguios.

Nesse caso, o caráter do poema era mais condizente não com a precisão, mas, ao contrário, com a incerteza do desenho, que em maior medida transmite não as ideias de uma pessoa sobre o universo, mas seus sentimentos. Da mesma forma, “ancorar” e concretizar a imagem do Demônio levaria a uma certa diminuição da compreensão dele como um ser titânico, dotado de poder sobre-humano.

O interesse pelas técnicas convencionais de representação artística é explicado pelo fato de que os românticos muitas vezes colocam questões filosóficas e de cosmovisão para resolução, embora, como já foi observado, não se coíbem de retratar o cotidiano, o cotidiano prosaico, tudo o que é incompatível com o espiritual, humano. Na literatura romântica (em um poema dramático), o conflito geralmente é construído sobre um choque não de personagens, mas de ideias, conceitos ideológicos inteiros (“Manfred”, “Cain” de Byron, “Prometheus Unbound” de Shelley), que, naturalmente, levou a arte além dos limites da concretude realista.

A intelectualidade do herói romântico e sua propensão à reflexão são explicadas em grande parte pelo fato de ele atuar em condições diferentes das dos personagens de um romance educativo ou de um drama “filisteu” do século XVIII. Estes últimos atuavam na esfera fechada das relações cotidianas, o tema do amor ocupava um dos lugares centrais em suas vidas. Os românticos trouxeram a arte para as vastas extensões da história. Eles viram que os destinos das pessoas, a natureza de sua consciência são determinados não tanto pelo ambiente social, mas pela época como um todo, pelos processos políticos, sociais e espirituais que ocorrem nela, que influenciam de forma mais decisiva o futuro de todos. humanidade. Assim, a ideia de valor próprio do indivíduo, sua dependência de si mesmo, sua vontade ruiu e sua condicionalidade foi revelada pelo complexo mundo das circunstâncias sócio-históricas.

O romantismo como uma certa visão de mundo e tipo de criatividade não deve ser confundido com romance, ou seja, um sonho de um objetivo maravilhoso, com aspiração ao ideal e um desejo apaixonado de vê-lo realizado. O romance, dependendo da opinião de uma pessoa, pode ser revolucionário, antecipando, ou conservador, poetizando o passado. Pode crescer numa base realista e ser de natureza utópica.

Partindo do pressuposto da variabilidade da história e dos conceitos humanos, os românticos opuseram-se à imitação da antiguidade e defenderam os princípios da arte original baseados na reprodução fiel da sua vida nacional, do seu modo de vida, da sua moral, das suas crenças, etc.

Os românticos russos defendem a ideia de “cor local”, que envolve retratar a vida com originalidade histórico-nacional. Este foi o início da penetração da especificidade histórico-nacional na arte, o que acabou por levar à vitória do método realista na literatura russa.

O romantismo como movimento da pintura formou-se na Europa Ocidental no final do século XVIII. O romantismo atingiu o seu apogeu na arte da maioria dos países da Europa Ocidental nas décadas de 20 e 30. século 19.

O próprio termo “romantismo” origina-se da palavra “romance” (no século XVII, os romances eram obras literárias escritas não em latim, mas em línguas derivadas dele - francês, inglês, etc.). Mais tarde, tudo o que era incompreensível e misterioso passou a ser chamado de romântico.

Como fenômeno cultural, o romantismo foi formado a partir de uma visão de mundo especial gerada pelos resultados da Grande Revolução Francesa. Desiludidos com os ideais do Iluminismo, os românticos, buscando harmonia e integridade, criaram novos ideais estéticos e valores artísticos. O principal objeto de sua atenção foram personagens marcantes com todas as suas experiências e desejo de liberdade. O herói das obras românticas - pessoa extraordinária, que, por vontade do destino, se viu em circunstâncias de vida difíceis.

Embora o romantismo tenha surgido como um protesto contra a arte do classicismo, esteve em muitos aspectos próximo deste último. Os românticos eram em parte representantes do classicismo como N. Poussin, C. Lorrain, J. O. D. Ingr.

Os românticos introduziram na pintura características nacionais únicas, ou seja, algo que faltava à arte dos classicistas.
O maior representante Romantismo francês foi T. Géricault.

Theodore Géricault

Theodore Gericault, o grande pintor, escultor e artista gráfico francês, nasceu em 1791 em Rouen em uma família rica. Seu talento como artista se manifestou bem cedo. Muitas vezes, em vez de frequentar as aulas na escola, Géricault sentava-se no estábulo e desenhava cavalos. Mesmo assim, ele procurou não apenas transferir as características externas dos animais para o papel, mas também transmitir sua disposição e caráter.

Depois de se formar no Liceu em 1808, Géricault tornou-se aluno do então famoso mestre da pintura Carl Vernet, famoso por sua habilidade de retratar cavalos em telas. Porém, o jovem artista não gostou do estilo de Vernet. Logo ele sai da oficina e vai estudar com outro pintor não menos talentoso que Vernet, P. N. Guerin. Tendo estudado com dois artistas famosos, Géricault, no entanto, não deu continuidade às suas tradições na pintura. Seus verdadeiros professores provavelmente deveriam ser considerados J. A. Gros e J. L. David.

Os primeiros trabalhos de Géricault distinguem-se pelo facto de serem o mais próximos possível da vida. Essas pinturas são extremamente expressivas e patéticas. Eles mostram o entusiasmo do autor ao avaliar o mundo ao seu redor. Um exemplo é a pintura intitulada “Oficial dos Caçadores de Cavalos Imperiais durante um Ataque”, criada em 1812. Esta pintura foi vista pela primeira vez pelos visitantes do Salão de Paris. Aceitaram com admiração o trabalho do jovem artista, valorizando o talento do jovem mestre.

A obra foi criada nesse período História francesa quando Napoleão estava no auge de sua glória. Seus contemporâneos o idolatravam, um grande imperador que conseguiu conquistar a maior parte da Europa. Foi neste estado de espírito, sob a impressão das vitórias do exército de Napoleão, que o quadro foi pintado. A tela mostra um soldado galopando a cavalo para atacar. Seu rosto expressa determinação, coragem e destemor diante da morte. Toda a composição
extraordinariamente dinâmico e emocional. O espectador tem a sensação de que ele próprio se torna um verdadeiro participante dos acontecimentos retratados na tela.

A figura do bravo soldado aparecerá mais de uma vez nas obras de Géricault. Entre essas imagens, destacam-se os heróis das pinturas “Oficial Carabinieri”, “Oficial Cuirassier Antes de um Ataque”, “Retrato de um Carabinieri”, “Cuirassier Ferido”, criadas em 1812-1814. Último trabalho notável por ter sido apresentado na próxima exposição realizada no Salão no mesmo ano. Porém, esta não é a principal vantagem da composição. Mais importante ainda, mostrou as mudanças ocorridas no estilo criativo do artista. Se suas primeiras telas refletiam sentimentos patrióticos sinceros, então em suas obras que datam de 1814, o pathos na representação dos heróis dá lugar ao drama.

Tal mudança no humor do artista foi novamente associada aos acontecimentos que aconteciam na França naquela época. Em 1812, Napoleão foi derrotado na Rússia e, portanto, ele, que já foi um herói brilhante, adquiriu entre seus contemporâneos a fama de um líder militar malsucedido e de um homem arrogante e orgulhoso. Géricault personifica a decepção ideal na pintura “O Cuirassier Ferido”. A tela retrata um guerreiro ferido tentando sair rapidamente do campo de batalha. Ele se apoia em um sabre – uma arma que, talvez apenas alguns minutos atrás, ele segurava, erguida bem alto no ar.

Foi a insatisfação de Géricault com as políticas de Napoleão que ditou a sua entrada ao serviço de Luís XVIII, que assumiu o trono francês em 1814. Os sentimentos pessimistas também estavam associados ao facto de, após a segunda tomada do poder por Napoleão em França (período dos Cem Dias), o jovem artista deixou seu país natal com os Bourbons. Mas mesmo aqui ele ficou desapontado. O jovem não pôde assistir com calma enquanto o rei destruía tudo o que havia sido conquistado durante o reinado de Napoleão. Além disso, sob Luís XVIII, a reação feudal-católica se intensificou, o país retrocedeu cada vez mais rápido, retornando à antiga estrutura estatal. Uma pessoa jovem e de mentalidade progressista não poderia aceitar isto. Muito em breve, o jovem, tendo perdido a fé nos seus ideais, deixa o exército liderado por Luís XVIII e retoma pincéis e tintas. Esses anos não podem ser chamados de brilhantes ou nada marcantes na obra do artista.

Em 1816, Géricault fez uma viagem à Itália. Tendo visitado Roma e Florença e estudado as obras-primas de mestres famosos, o artista se interessa por pintura monumental. Sua atenção é especialmente ocupada pelos afrescos de Michelangelo que decoravam Capela Sistina. Nessa época, Géricault criou obras cuja escala e majestade lembravam em muitos aspectos as pinturas de pintores. Alta Renascença. Entre eles maior interesse representam “O estupro de uma ninfa por um centauro” e “O homem matando o touro”.

As mesmas características do jeito dos antigos mestres são visíveis na pintura “Corrida de Cavalos Livres em Roma”, escrita por volta de 1817 e representando competições de cavaleiros em um dos carnavais que acontecem em Roma. A peculiaridade dessa composição é que ela foi compilada pelo artista a partir de desenhos naturais previamente realizados. Além disso, a natureza dos esboços difere marcadamente do estilo de toda a obra. Se as primeiras são cenas que descrevem a vida dos romanos - contemporâneos do artista, então a composição geral contém imagens de corajosos heróis antigos, como se emergissem de narrativas antigas. Nisso, Géricault segue o caminho de J. L. David, que, para dar à imagem um pathos heróico, vestiu seus heróis com formas antigas.

Logo após pintar esta pintura, Géricault retornou à França, onde se tornou membro do círculo de oposição formado em torno do pintor Horace Vernet. Ao chegar a Paris, o artista se interessou especialmente pela gráfica. Em 1818 ele criou uma série de litografias em tema militar, entre os quais o mais significativo foi “Retorno da Rússia”. A litografia retrata soldados derrotados do exército francês vagando por um campo nevado. As figuras de pessoas aleijadas e cansadas da guerra são retratadas de maneira realista e verdadeira. Não há pathos ou pathos heróico na composição, o que era característico dos primeiros trabalhos de Géricault. O artista se esforça para refletir a realidade, todos os desastres que os soldados franceses abandonados por seu comandante tiveram que suportar em uma terra estrangeira.

Na obra “Retorno da Rússia” o tema da luta do homem contra a morte foi ouvido pela primeira vez. No entanto, aqui este motivo ainda não é expresso tão claramente como nas obras posteriores de Géricault. Um exemplo de tais pinturas é a pintura chamada “A Jangada da Medusa”. Foi pintado em 1819 e exibido no Salão de Paris no mesmo ano. A tela retrata pessoas lutando contra os elementos da água em fúria. O artista mostra não apenas seu sofrimento e tormento, mas também seu desejo de sair vitorioso na batalha contra a morte a todo custo.

O enredo da composição é ditado por um acontecimento ocorrido no verão de 1816 e que empolgou toda a França. A então famosa fragata “Medusa” atingiu um recife e afundou na costa da África. Das 149 pessoas que estavam no navio, apenas 15 conseguiram escapar, entre elas o cirurgião Savigny e o engenheiro Correar. Ao chegarem em casa, publicaram um pequeno livro contando suas aventuras e feliz salvação. Foi a partir dessas lembranças que os franceses souberam que o infortúnio aconteceu por culpa do inexperiente capitão do navio, que embarcou graças ao patrocínio de um nobre amigo.

As imagens criadas por Géricault são invulgarmente dinâmicas, flexíveis e expressivas, o que o artista conseguiu através de um longo e minucioso trabalho. Para retratar com veracidade acontecimentos terríveis na tela, para transmitir os sentimentos das pessoas que morrem no mar, o artista se encontra com testemunhas oculares da tragédia, muito tempo estuda os rostos de pacientes exaustos em tratamento em um dos hospitais de Paris, bem como de marinheiros que conseguiram escapar após naufrágios. Nesta época o pintor criou um grande número de obras de retrato.

O mar revolto, como se tentasse engolir uma frágil jangada de madeira com gente, também está repleto de um significado profundo. Esta imagem é extraordinariamente expressiva e dinâmica. Assim como as figuras humanas, foi copiada da vida: o artista fez vários esboços retratando o mar durante uma tempestade. Enquanto trabalhava na composição monumental, Géricault recorreu mais de uma vez a esboços previamente elaborados para refletir plenamente a natureza dos elementos. É por isso que a imagem impressiona muito o espectador, convencendo-o do realismo e da veracidade do que está acontecendo.

“A Jangada da Medusa” apresenta Géricault como um notável mestre da composição. Por muito tempo, o artista pensou em como organizar as figuras do quadro para expressar da forma mais plena a intenção do autor. Várias mudanças foram feitas ao longo do caminho. Os esboços que antecedem a pintura indicam que inicialmente Géricault queria retratar a luta das pessoas na jangada entre si, mas depois abandonou tal interpretação do acontecimento. Na versão final, a tela representa o momento em que pessoas já desesperadas avistam o navio Argus no horizonte e estendem as mãos para ele. A última adição à pintura foi uma figura humana colocada na parte inferior, do lado direito da tela. Foi ela quem deu o toque final da composição, que depois adquiriu um caráter profundamente trágico. Vale ressaltar que essa alteração foi feita quando o quadro já estava exposto no Salão.

Com a sua monumentalidade e elevada emotividade, a pintura de Géricault lembra em muitos aspectos o trabalho dos mestres da Alta Renascença (em em maior medida « Último Julgamento"Michelangelo), que o artista conheceu durante uma viagem à Itália.

A pintura “A Jangada da Medusa”, que se tornou uma obra-prima da pintura francesa, foi um enorme sucesso nos círculos de oposição, que viam nela um reflexo de ideais revolucionários. Pelas mesmas razões, a obra não foi aceita entre a mais alta nobreza e representantes oficiais das artes plásticas da França. É por isso que naquela época a pintura não foi comprada pelo Estado ao autor.

Decepcionado com a recepção dada à sua criação na sua terra natal, Géricault vai para Inglaterra, onde apresenta aos ingleses a sua obra preferida. Em Londres, os conhecedores de arte receberam a famosa pintura com grande alegria.

Géricault aproxima-se dos artistas ingleses, que o cativam pela capacidade de retratar a realidade com sinceridade e veracidade. Géricault dedica uma série de litografias à vida e ao quotidiano da capital de Inglaterra, entre as quais as mais interessantes são as obras denominadas “A Grande Suite Inglesa” (1821) e “O Velho Mendigo Morrendo à Porta da Padaria” ( 1821). EM artista mais recente retratava um vagabundo londrino, cuja imagem refletia as impressões que o pintor recebeu no processo de estudo da vida das pessoas dos bairros operários da cidade.

O mesmo ciclo incluiu litografias como “O Ferreiro de Flandres” e “Nos Portões do Estaleiro Adelphin”, que apresentam ao espectador uma imagem da vida das pessoas comuns em Londres. Interessantes nessas obras são as imagens de cavalos pesados ​​​​e pesados. Eles são visivelmente diferentes daqueles animais graciosos e graciosos que foram pintados por outros artistas - contemporâneos de Géricault.

Enquanto estava na capital da Inglaterra, Géricault criou não apenas litografias, mas também pinturas. Uma das obras mais marcantes desse período foi a tela “Racing at Epsom”, criada em 1821. Na pintura, o artista retrata cavalos correndo a toda velocidade, e seus pés não tocam o chão. O mestre utiliza esta técnica astuta (a fotografia provou que tal posição das patas dos cavalos durante a corrida é impossível; esta é a imaginação do artista) para dar dinamismo à composição, para criar no espectador a impressão do movimento relâmpago de os cavalos. Este sentimento é potencializado pela transferência precisa de plasticidade (posturas, gestos) figuras humanas, bem como o uso de combinações de cores vivas e ricas (cavalos vermelhos, louros, brancos; jaquetas jóquei em azul rico, vermelho escuro, branco-azul e amarelo dourado).

O tema das corridas de cavalos, que há muito chama a atenção do pintor pela sua expressão especial, foi repetido mais de uma vez nas obras criadas por Géricault após a conclusão dos trabalhos sobre “As Corridas de Epsom”.

Em 1822, o artista deixou a Inglaterra e retornou à sua França natal. Aqui ele cria grandes telas semelhantes às obras dos mestres da Renascença. Entre eles estão “O Comércio Negro”, “Abrindo as Portas da Prisão da Inquisição na Espanha”. Essas pinturas permaneceram inacabadas - a morte impediu Géricault de concluir a obra.

De particular interesse são os retratos, cuja criação pelos historiadores da arte remonta ao período de 1822 a 1823. A história da sua pintura merece atenção especial. O fato é que esses retratos foram encomendados por um amigo do artista, que trabalhava como psiquiatra em uma das clínicas de Paris. Eles deveriam se tornar uma espécie de ilustração demonstrando várias doenças mentais humanas. Assim foram pintados os retratos “Velha Maluca”, “Louco”, “Louco que se imagina Comandante”. Para o mestre da pintura, era importante não tanto mostrar os sinais e sintomas externos da doença, mas transmitir o estado mental interno do doente. Nas telas aparecem na frente do espectador imagens trágicas pessoas cujos olhos estão cheios de dor e tristeza.

Entre os retratos de Géricault lugar especial ocupada por um retrato de um homem negro, atualmente no acervo do Museu de Rouen. Um homem determinado e obstinado olha para o espectador da tela, pronto para lutar até o fim com forças que lhe são hostis. A imagem é extraordinariamente brilhante, emocional e expressiva. O homem desta foto é muito parecido com aqueles heróis obstinados que foram anteriormente mostrados por Géricault em grandes composições (por exemplo, na tela “A Jangada da Medusa”).

Géricault não foi apenas um mestre da pintura, mas também um excelente escultor. Suas obras nesta forma de arte no início Século XIX representou os primeiros exemplos de esculturas românticas. Entre essas obras, a composição invulgarmente expressiva “Ninfa e Sátiro” é de particular interesse. As imagens congeladas em movimento transmitem com precisão a plasticidade do corpo humano.

Theodore Gericault morreu tragicamente em 1824 em Paris, caindo de um cavalo. Dele morte prematura foi uma surpresa para todos os contemporâneos do famoso artista.

A obra de Géricault marcou uma nova etapa no desenvolvimento da pintura não só na França, mas também na arte mundial - o período do romantismo. Em suas obras, o mestre supera a influência das tradições classicistas. Suas obras são extraordinariamente coloridas e refletem a diversidade do mundo natural. Ao introduzir figuras humanas na composição, o artista se esforça para revelar as experiências e emoções internas de uma pessoa da forma mais completa e clara possível.

Após a morte de Géricault, as tradições de sua arte romântica foram retomadas pelo mais jovem contemporâneo do artista, E. Delacroix.

Eugène Delacroix

Ferdinand Victor Eugène Delacroix, famoso Artista francês e artista gráfico, sucessor das tradições do romantismo que se desenvolveram na obra de Géricault, nasceu em 1798. Sem completar a formação no Liceu Imperial, em 1815 Delacroix ingressou no mestre famoso Guerin. No entanto métodos artísticos O jovem pintor não atendia às exigências do professor e, sete anos depois, o jovem o abandonou.

Estudando com Guerin, Delacroix dedicou muito tempo ao estudo da obra de David e dos mestres da pintura do Renascimento. Ele considera a cultura da antiguidade, cujas tradições David seguiu, fundamental para o desenvolvimento da arte mundial. Portanto, os ideais estéticos de Delacroix eram obras de poetas e pensadores Grécia antiga, entre eles, o artista valorizou especialmente as obras de Homero, Horácio e Marco Aurélio.

As primeiras obras de Delacroix foram telas inacabadas, onde o jovem pintor procurou refletir a luta dos gregos com os turcos. No entanto, faltava ao artista habilidade e experiência para criar uma pintura expressiva.

Em 1822, Delacroix expôs sua obra intitulada “Dante e Virgílio” no Salão de Paris. Esta é uma tela extraordinariamente emocional e brilhante em esquema de cores, lembra em muitos aspectos a obra de Géricault “A Jangada da Medusa”.

Dois anos depois, outra pintura de Delacroix, “O Massacre de Chios”, foi apresentada ao público do Salão. Foi aqui que o plano de longa data do artista de mostrar a luta dos gregos com os turcos foi concretizado. Composição geral A pintura consiste em várias partes que formam grupos de pessoas separados, cada uma delas com seu próprio conflito dramático. No geral, a obra dá a impressão de uma tragédia profunda. A sensação de tensão e dinamismo é potencializada pela combinação de linhas suaves e nítidas que formam as figuras dos personagens, o que leva a uma mudança nas proporções da pessoa retratada pelo artista. No entanto, é precisamente por isso que a imagem adquire um caráter realista e uma capacidade de persuasão realista.

O método criativo de Delacroix, plenamente expresso em “O Massacre de Chios”, está longe do estilo classicista então aceito nos círculos oficiais da França e entre os representantes das artes plásticas. Portanto, a pintura do jovem artista foi recebida com duras críticas no Salão.

Apesar do fracasso, o pintor permanece fiel ao seu ideal. Em 1827 apareceu outra obra, dedicado ao tema a luta do povo grego pela independência - “Grécia sobre as ruínas de Missolonghi”. A figura de uma mulher grega determinada e orgulhosa retratada aqui na tela personifica a Grécia invicta.

Em 1827, Delacroix executou duas obras que refletiam as buscas criativas do mestre no campo dos meios e métodos expressão artística. São as pinturas “A Morte de Sardanapalus” e “Marino Faliero”. Na primeira delas, a tragédia da situação é transmitida no movimento das figuras humanas. Apenas a imagem do próprio Sardanapalo é estática e calma aqui. Na composição “Marino Faliero” apenas a figura do personagem principal é dinâmica. O resto dos heróis parecia congelado de horror ao pensar no que estava para acontecer.

Na década de 20 Século XIX Delacroix concluiu uma série de obras cujos temas foram retirados de famosos obras literárias. Em 1825, o artista visitou a Inglaterra, terra natal de William Shakespeare. No mesmo ano, sob a influência desta viagem e da tragédia do famoso dramaturgo Delacroix, foi realizada a litografia “Macbeth”. No período de 1827 a 1828, criou a litografia “Fausto”, dedicada à obra homônima de Goethe.

Em conexão com os acontecimentos ocorridos na França em 1830, Delacroix pintou o quadro “A Liberdade Guiando o Povo”. A França revolucionária é representada na imagem de um jovem, mulher forte, autoritário, decidido e independente, conduzindo com ousadia a multidão, na qual se destacam as figuras de um operário, de um estudante, de um soldado ferido, de um gamen parisiense (imagem que antecipou Gavroche, que mais tarde apareceu em “Les Miserables” de V. Hugo ).

Este trabalho diferia visivelmente de trabalhos semelhantes de outros artistas que estavam interessados ​​​​apenas na transmissão verdadeira deste ou daquele acontecimento. As pinturas criadas por Delacroix foram caracterizadas por um alto pathos heróico. As imagens aqui são símbolos generalizados da liberdade e independência do povo francês.

Com a chegada ao poder de Louis Philippe, o rei burguês, o heroísmo e os sentimentos sublimes pregados por Delacroix não encontraram lugar na vida moderna. Em 1831, o artista empreendeu uma viagem a países africanos. Visitou Tânger, Meknes, Oran e Argel. Ao mesmo tempo, Delacroix visita a Espanha. A vida do Oriente fascina literalmente o artista com seu fluxo rápido. Ele cria esboços, desenhos e uma série de trabalhos em aquarela.

Depois de visitar Marrocos, Delacroix pintou telas dedicadas ao Oriente. As pinturas em que o artista mostra corridas de cavalos ou batalhas de cavaleiros mouros são invulgarmente dinâmicas e expressivas. Em comparação, a composição “Mulheres Argelinas em Suas Câmaras”, criada em 1834, parece calma e estática. Não tem aquele rápido dinamismo e tensão característicos de países mais trabalhos iniciais artista. Delacroix aparece aqui como um mestre da cor. O esquema de cores utilizado pelo pintor reflete plenamente a brilhante diversidade da paleta, que o espectador associa às cores do Oriente.

A tela “Casamento Judaico em Marrocos”, pintada por volta de 1841, é caracterizada pela mesma lentidão e regularidade. Uma misteriosa atmosfera oriental é criada aqui graças à representação precisa do artista sobre a singularidade do interior nacional. A composição parece surpreendentemente dinâmica: o pintor mostra como as pessoas sobem as escadas e entram na sala. A luz que entra na sala faz com que a imagem pareça realista e convincente.

Os motivos orientais ainda estiveram presentes nas obras de Delacroix durante muito tempo. Assim, na exposição organizada no Salão de 1847, das seis obras que apresentou, cinco foram dedicadas à vida e ao modo de vida do Oriente.

Nos anos 30-40. No século XIX, novos temas surgiram na obra de Delacroix. Neste momento, o mestre cria obras de temas históricos. Entre elas, merecem especial atenção as pinturas “O Protesto de Mirabeau contra a Dissolução dos Estados Gerais” e “Boissy d’Anglas”. O esboço deste último, exibido em 1831 no Salão, é um exemplo marcante de composições sobre o tema de uma revolta popular.

As pinturas “A Batalha de Poitiers” (1830) e “A Batalha de Taibourg” (1837) são dedicadas à imagem do povo. A dinâmica da batalha, o movimento das pessoas, sua fúria, raiva e sofrimento são mostrados aqui com todo o realismo. O artista se esforça para transmitir as emoções e paixões de uma pessoa, dominada pela vontade de vencer a qualquer custo. São as figuras das pessoas as principais na transmissão do caráter dramático do acontecimento.

Muitas vezes, nas obras de Delacroix, o vencedor e o vencido se opõem fortemente. Isso é especialmente visível na tela “A Captura de Constantinopla pelos Cruzados”, pintada em 1840. Em primeiro plano está um grupo de pessoas dominadas pela dor. Atrás deles há uma paisagem encantadora e encantadora. Aqui também são colocadas figuras de cavaleiros vitoriosos, cujas silhuetas ameaçadoras contrastam com as figuras tristes em primeiro plano.

A Captura de Constantinopla pelos Cruzados apresenta Delacroix como um colorista notável. Cores vivas e saturadas, porém, não realçam o princípio trágico, cujos expoentes são figuras tristes localizadas próximas ao espectador. Pelo contrário, a rica paleta cria a sensação de um feriado organizado em homenagem aos vencedores.

Não menos colorida é a composição “A Justiça de Trajano”, criada na mesma década de 1840. Os contemporâneos do artista reconheceram esta pintura como uma das melhores entre todas as pinturas do artista. De particular interesse é o fato de que durante o trabalho o mestre faz experiências no campo da cor. Até suas sombras assumem uma variedade de tonalidades. Todas as cores da composição correspondem exatamente à natureza. A execução da obra foi precedida por longas observações do pintor sobre as mudanças nas tonalidades da natureza. O artista os escreveu em seu diário. Então, segundo os registros, os cientistas confirmaram que as descobertas feitas por Delacroix no campo da tonalidade eram totalmente consistentes com a doutrina da cor que nascia naquela época, cujo fundador foi E. Chevreuil. Além disso, o artista compara suas descobertas com a paleta utilizada Escola veneziana, que foi um exemplo de habilidade de pintura para ele.

Entre as pinturas de Delacroix, os retratos ocupam um lugar especial. O mestre raramente recorreu a esse gênero. Ele pintou apenas aquelas pessoas que conhecia há muito tempo, cujo desenvolvimento espiritual ocorreu diante dos olhos do artista. Portanto, as imagens dos retratos são muito expressivas e profundas. Estes são os retratos de Chopin e Georges Sand. A tela dedicada ao famoso escritor (1834) retrata um nobre e forte em espírito uma mulher que admira seus contemporâneos. O retrato de Chopin, pintado quatro anos depois, em 1838, apresenta uma imagem poética e espiritual do grande compositor.

Um retrato interessante e extraordinariamente expressivo do famoso violinista e compositor Paganini, pintado por Delacroix por volta de 1831. O estilo musical de Paganini era em muitos aspectos semelhante ao método de pintura do artista. A obra de Paganini é caracterizada pela mesma expressão e intensa emotividade que caracterizavam as obras do pintor.

As paisagens ocupam um lugar pequeno na obra de Delacroix. No entanto, revelaram-se muito significativos para o desenvolvimento da pintura francesa do segundo metade do século XIX séculos. As paisagens de Delacroix são marcadas pelo desejo de transmitir com precisão a luz e a vida indescritível da natureza. Exemplos vívidos disso são as telas “Céu”, onde uma sensação de dinâmica é criada graças às nuvens brancas como a neve flutuando no céu, e “O mar visível das margens de Dieppe” (1854), em que o pintor transmite com maestria o deslizamento de veleiros leves na superfície do mar.

Em 1833, o artista recebeu a encomenda do rei francês para pintar o salão do Palácio Bourbon. Os trabalhos de criação da obra monumental duraram quatro anos. Ao executar a encomenda, o pintor orientou-se principalmente pelo fato de as imagens serem extremamente simples e concisas, compreensíveis ao espectador.
A última obra de Delacroix foi a pintura da Capela dos Santos Anjos na Igreja de Saint-Sulpice em Paris. Foi executado no período de 1849 a 1861. Utilizando cores vivas e ricas (rosa, azul brilhante, lilás, colocadas sobre fundo azul-acinzentado e marrom-amarelado), o artista cria um clima alegre nas composições, evocando um sentimento no regozijo entusiasmado do espectador. A paisagem, incluída na pintura “A Expulsão de Iliodor do Templo” como uma espécie de fundo, aumenta visualmente o espaço da composição e as instalações da capela. Por outro lado, como se tentasse enfatizar o espaço fechado, Delacroix introduz na composição uma escada e uma balaustrada. As figuras de pessoas colocadas atrás dele parecem silhuetas quase planas.

Eugène Delacroix morreu em 1863 em Paris.

Delacroix foi o mais culto entre os pintores da primeira metade do século XIX. Muitos dos temas de suas pinturas são retirados de obras literárias famosos mestres da caneta. Um fato interessante é que na maioria das vezes o artista pintava seus personagens sem usar modelo. Ele procurou ensinar o mesmo aos seus seguidores. Segundo Delacroix, a pintura é algo mais complexo do que uma cópia primitiva de linhas. O artista acreditava que a arte, antes de tudo, reside na capacidade de expressar o humor e a intenção criativa do mestre.

Delacroix é autor de vários trabalhos teóricos, dedicado a questões cores, método e estilo do artista. Essas obras serviram de farol para os pintores das gerações subsequentes na busca por seus próprios meios artísticos, usado para criar composições.

Um desafio aos cânones congelados do classicismo foi o romantismo - um movimento ideológico e artístico que surgiu na cultura europeia e americana no final do século XVIII - primeira metade do século XIX, como reação à estética do classicismo. A era do Romantismo recai sobre o período histórico entre a grande Revolução Francesa de 1789 e as revoluções democrático-burguesas europeias de 1848, ponto de inflexão na vida dos povos europeus. O rápido crescimento do capitalismo minou os alicerces do sistema feudal e as relações sociais cimentadas durante séculos começaram a ruir por toda a parte. Revoluções e reações abalaram a Europa, o mapa foi redesenhado. Nestas condições contraditórias, ocorreu uma renovação espiritual da sociedade.

O romantismo desenvolveu-se inicialmente (década de 1790) na filosofia e na poesia na Alemanha, e mais tarde (década de 1820) espalhou-se pela Inglaterra, França e outros países. O romantismo lança as bases para a percepção da vida no conflito entre o ideal e a realidade, os sentimentos sublimes e a vida cotidiana.

A metade dos anos 1600 marcou o início da Era do Iluminismo (ou "Idade da Razão"), que celebrou o pensamento racional, o secularismo e o progresso científico. A primeira máquina a vapor em funcionamento, construída em 1712, pode ser vista como o início da Revolução Industrial que mais tarde varreria o Hemisfério Ocidental. A industrialização transformou as economias da Europa Ocidental e da América do Norte, forçando-as a passar da dependência da agricultura para a indústria transformadora. No entanto, nem todos acreditavam que a ciência e a razão pudessem explicar tudo. A sua reacção contra a industrialização em curso foi um movimento abrangente – o Romantismo.

O termo Romantismo foi usado pela primeira vez na Alemanha no final do século XVIII, quando os críticos August e Friedrich Schlegel cunharam a definição de romantische Poesie (poesia romântica). Madame de Staël, uma líder influente na vida intelectual francesa, popularizou o termo na França depois de publicar um relato de suas viagens pela Alemanha em 1813. Em 1815, o poeta inglês William Wordsworth, que se tornou a principal voz do movimento romântico e acreditava que a poesia deveria ser “um transbordamento espontâneo de sentimentos fortes”, “opôs a harpa romântica à lira clássica”. Superando a ordem estabelecida, o Romantismo tornou-se o movimento artístico dominante em toda a Europa na década de 1820.

Um dos primeiros protótipos do Romantismo foi o movimento alemão Sturm und Drang. Embora Sturm und Drang seja principalmente um fenômeno literário, teve grande influência na consciência social e artística. O nome do movimento vem do título de uma peça (1777) de Friedrich Maxmilian Klinger.

Como os britânicos formularam político Edmund Burke, que primeiro desenvolveu o sublime como um conceito estético independente, em seu tratado “Uma investigação filosófica sobre a origem de nossos conceitos do sublime e do belo” (1757): “Tudo o que é de alguma forma capaz de evocar ideias de sofrimento e o perigo é a fonte do sublime, então “produz a impressão mais forte que a consciência é capaz de perceber”. Em 1790 Filósofo alemão Immanuel Kant, que estudou a relação entre a razão humana e a experiência, desenvolveu os conceitos de Burke em sua crítica ao julgamento. A ideia do sublime ocupou o centro das atenções em grande parte do Romantismo para se opor à racionalidade do Iluminismo.

Esta revolução trouxe consigo economia de mercado, baseado em novas tecnologias - potência da máquina. Mas houve quem olhasse com saudade para o passado, vendo-o como um período romântico, um período em que tudo era diferente. Nessa época, houve uma reação crescente contra a filosofia do Iluminismo, que enfatizava principalmente a ciência e o pensamento racional. Os românticos desafiaram a ideia de que a razão era o único caminho para a verdade, considerando-a insuficiente para a compreensão dos grandes mistérios da vida. Segundo os românticos, esses segredos podem ser revelados com a ajuda das emoções, da imaginação e da intuição. Na arte romântica, a natureza, com o seu poder incontrolável e imprevisível, ofereceu uma alternativa ao mundo ordenado do pensamento iluminista.

“O romantismo não está na escolha dos temas, nem na verossimilhança, mas numa especial “forma de sentir”, escreveu o poeta e crítico Charles Baudelaire em 1846. Da perspectiva de Baudelaire, o Romantismo abrangia uma ampla gama de estilos e assuntos, desde a história e o mito até o Orientalismo e o nacionalismo.

Os artistas românticos abandonaram o didatismo da pintura histórica neoclássica em favor de temas imaginários e exóticos. O orientalismo e o mundo literário estimularam novos diálogos tanto com o passado como com o presente. As odaliscas sinuosas de Ingres refletem o fascínio moderno pelo exotismo do harém. Em 1832, Delacroix foi para Marrocos, e a sua viagem a norte da África encorajou outros artistas a seguirem seu exemplo. A literatura ofereceu uma forma alternativa de escapismo. Os romances de Sir Walter Scott, a poesia de Lord Byron e o drama de Shakespeare transportaram a arte para outros mundos e épocas. Assim, a Inglaterra medieval é o local de “O Estupro de Rebecca” de Delacroix, a visão do autor de uma trama romântica popular emprestada de Walter Scott.

Inspirado em parte pelo idealismo da Revolução Francesa, o Romantismo abraçou a luta pela liberdade e igualdade e pela promoção da justiça. Os artistas começaram a usar eventos atuais e atrocidades para iluminar a injustiça em composições dramáticas que rivalizavam com as pinturas históricas neoclássicas mais calmas adotadas pelas Academias Nacionais.

Em muitos países, os artistas românticos voltaram sua atenção para a natureza e para a pintura ao ar livre, ou pintura ao ar livre. Trabalhos baseados na observação atenta da paisagem elevaram a pintura paisagística a novo nível. Enquanto alguns artistas enfatizavam o homem como parte da natureza, outros retratavam o seu poder e imprevisibilidade, evocando no espectador uma sensação de sublime - admiração misturada com horror.

Romantismo na Alemanha

Na Alemanha, uma geração mais jovem de artistas respondeu à mudança dos tempos com um processo de introspecção: retiraram-se para um mundo de emoções - inspirados por um anseio sentimental pelo passado, como a era medieval, que era agora vista como uma época em que as pessoas viviam em harmonia consigo mesmas e com o mundo. Neste contexto, a pintura "Catedral Gótica à Beira da Água" de Karl Friedrich Schinkel foi tão importante quanto as obras dos Nazarenos - Friedrich Overbeck, Julius Schnorr von Carolsfeld e Franz Pforr, que tiveram origem nas tradições pictóricas do início do Renascimento italiano e a arte alemã da época de Albrecht Dürer. Nas minhas memórias do passado artistas românticos estavam muito próximos do neoclassicismo, exceto que o seu historicismo criticava a posição racionalista do neoclassicismo.

O movimento romântico promoveu a intuição criativa e a imaginação como base de toda arte. A obra de arte tornou-se assim uma expressão da “voz interior”, como disse o principal artista romântico Caspar David Friedrich (1774-1840). O gênero preferido entre os românticos era a pintura de paisagem. A natureza era vista como um espelho da alma, enquanto na Alemanha politicamente constrangida também era vista como um símbolo de liberdade e ilimitação. Assim, a iconografia da arte romântica inclui figuras solitárias olhando ansiosamente para longe, bem como motivos vanitas (árvores mortas, ruínas cobertas de vegetação), simbolizando a transitoriedade e a finitude da vida.

Romantismo na Espanha

O desenvolvimento do romantismo na Espanha na década de 30. estimulado pelas aspirações patrióticas revolucionárias do início do século. Após um longo período de domínio dos estrangeiros, o domínio do academicismo em todas as áreas da cultura artística, o surgimento do romantismo em Espanha teve um significado geralmente progressivo, contribuindo para o aumento da autoconsciência nacional. O romantismo atualizou a ciência histórica espanhola, introduziu muitas novidades no desenvolvimento da literatura e do teatro, reavivando o interesse pelas tradições da “idade de ouro” e pela arte popular. Mas no campo das artes plásticas, o romantismo espanhol era menos brilhante e original. É significativo que a fonte de inspiração aqui não tenha sido tanto a arte de Goya, mas as obras do romantismo de outros países da Europa Ocidental.

Francisco de Goya foi o mais proeminente dos românticos espanhóis. Enquanto era o artista oficial da corte real, no final do século XVIII, começou a explorar o imaginário, o irracional e os horrores do comportamento humano e da guerra. Suas obras, incluindo a pintura O Terceiro de Maio de 1808 (1814) e a série de gravuras Os Desastres da Guerra (1812-15), são poderosas repreensões à guerra.

Romantismo na França

Após o fim das Guerras Napoleônicas, os artistas românticos começaram a desafiar o neoclassicismo de Jacques Louis David, um artista pioneiro ativo durante a Revolução Francesa, e o estilo neoclássico geral favorecido pela Academia. Ao contrário dos seus colegas alemães, os franceses não pintaram apenas retratos, mas também criaram telas históricas.

Na França, os principais artistas românticos foram o Barão Antoine Gros, que pintou quadros dramáticos de acontecimentos contemporâneos das Guerras Napoleônicas, e Theodore Géricault. O maior pintor romântico francês foi Eugene Delacroix, conhecido pela sua pincelada livre e expressiva, pelo uso rico e sensual da cor, pelas composições dinâmicas e pelos temas exóticos e aventureiros, que vão desde a vida árabe do Norte de África até à política revolucionária. Paul Delaroche, Théodore Chasserio e, às vezes, J.-A.-D. Ingres representa a última fase mais acadêmica pintura romântica na França.

Romantismo na Inglaterra

Com exceção de William Blake, os artistas românticos ingleses preferiram a paisagem. As suas representações, no entanto, não eram tão dramáticas e sublimes como as dos seus homólogos alemães, mas eram mais naturalistas. A Norwich School foi um grupo de pintores paisagistas que se desenvolveu a partir da Norwich Society of Artists em 1803. John Crome foi um dos fundadores do grupo e o primeiro presidente da Norwich Society, que realizou exposições anuais de 1805-1833. Os membros do grupo enfatizaram a pintura ao ar livre.

Se a obra dos românticos alemães foi caracterizada pelo misticismo retirado lendas misteriosas e contos populares, a bela arte romântica da Inglaterra tinha características completamente diferentes. Nas obras paisagísticas de mestres ingleses, o pathos romântico foi combinado com elementos de pintura realista. John Constable e William Turner - maiores representantes paisagem romântica na Inglaterra.

Romantismo nos Estados Unidos

O romantismo americano encontrou sua principal expressão em pintura de paisagem Escola do Rio Hudson (1825-1875). Embora o movimento tenha começado com Thomas Doughty, cujo trabalho enfatizava uma espécie de quietismo na natureza, o membro mais famoso do grupo foi Thomas Cole, cujas paisagens transmitem uma sensação de admiração pela imensidão da natureza. Outros artista famoso desta escola estavam Frederic Edwin Church, Asher B. Durand e Albert Bierstadt. O trabalho da maioria desses artistas concentrou-se na paisagem de Adirondacks, White Mountains e Catskills do Nordeste, mas gradualmente se ramificou para o oeste americano, bem como para as paisagens do sul e da América Latina.

Entre os maiores artistas românticos estavam Henry Fuseli (1741-1825), Francisco Goya (1746-1828), Caspar David Friedrich (1774-1840), JMW Turner (1775-1851), John Constable (1776-1837), Theodore Géricault ( 1791-1824) e Eugène Delacroix (1798-63). Arte romântica não suplantou o estilo neoclássico, mas funcionou como um contrapeso ao seu rigor e rigidez. Embora o Romantismo tenha declinado por volta de 1830, sua influência continuou por muito tempo.

O estilo romântico de pintura estimulou o surgimento de inúmeras escolas, tais como: a Escola Barbizon, a Escola de Pintores Paisagistas de Norwich; os Nazarenos, um grupo de artistas católicos alemães e austríacos; simbolismo (por exemplo, Arnold Böcklin).

Caspar David Friedrich "Andarilho acima do mar de neblina." 94,8 x 74,8 cm Óleo sobre tela. Kunsthallee de Hamburgo, 1818

Theodoro Géricault. Jangada "Medusa". 491 x 716cm Óleo sobre tela. Louvre, Paris, 1819

Carl Friedrich Lessing "O Cerco (Defesa do Pátio da Igreja na Guerra dos Trinta Anos)." Lona, óleo. Museu Kunstpalast, Düsseldorf, 1848

Guilherme Turner. "Ponte dos Símbolos", 1933

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