Arte contemporânea peça por peça. Primitivismo, Fauvismo
Este movimento surgiu nas artes plásticas do final XIX - cedo Século XX É diferente intencional simplificação Artes visuais e o apelo dos artistas às formas de arte primitiva: criatividade primitiva, medieval, folclórica, infantil.
Normalmente são identificados os conceitos de “primitivismo” e “arte ingênua”. Mas discordamos categoricamente disso, porque a arte ingênua é a arte dos não profissionais, e o primitivismo é até certo ponto estilização. Vemos pinturas “primitivas” de muitos artistas que tiveram formação acadêmica em arte ou passaram por escolas de pintura com vários mestres. Eles tinham experiência trabalhando em outros estilos. Estes são, por exemplo, Paul Gauguin, Mikhail Larionov, Pablo Picasso, Natalya Goncharova, Paul Klee, Kliment Redko, Yuri Vasnetsov e muitos outros. Talvez não seja inteiramente correto chamar de “estilização” as obras de tais grandes mestres: este é o seu próprio estilo, que se baseia na plasticidade da arte primitiva. Mas sua criatividade também não pode ser chamada de ingênua, porque eles escolheram métodos primitivos de autoexpressão criativa conscientemente, e não por falta Educação Artistica. Por exemplo, artista profissional Sergei Zagraevsky desde o início de sua atividade criativa mantém o mesmo estilo característico. Chamaremos esse estilo de primitivismo. E alguém pode discutir conosco e classificar suas pinturas como arte ingênua.
Sergei Zagraevsky “Pomar de Maçãs” (1992)
Claro, é impossível encaixar a variedade de formas criativas de autoexpressão, caligrafia e técnicas em um estilo específico. Nunca pensamento artístico não se limita aos limites do estilo, de uma vez por todas a direção escolhida.
A este respeito, gostaria de recordar o trabalho do Sr. Chagall.
M. Chagall “Crucifixo Branco” (1938). Óleo sobre tela, 254,3 x 139,7 cm, Art Institute (Chicago)
A pintura foi criada pelo artista sob a influência de impressões da perseguição aos judeus na região Central e Europa Oriental. É alegórico. Para Chagall, a imagem de Jesus crucificado é um novo símbolo dos judeus que vivenciam os estertores da morte.
Esta imagem combina simbolismo, historicismo e a seriedade simplória do primitivismo.
Marc Chagall (1887-1985) 
Nasceu em Vitebsk. Recebeu uma educação judaica tradicional em casa. Estudou na Escola de Desenho da Sociedade para o Incentivo às Artes, com L.S. Bakst na escola particular de arte de E. N. Zvantseva, depois continuou sua educação artística em Paris, onde conheceu artistas e poetas de vanguarda.
Onde quer que tenha vivido: em São Petersburgo, Paris, EUA - em todos os lugares ele permaneceu filho do povo judeu, mas sempre manteve sua cidade natal em seu coração, desenhando suas ruas tranquilas e casas baixas. Vitebsk é considerado o segundo “modelo” mais importante do artista. E a primeira foi Bella, esposa e musa - de 1909 até o fim da vida.
M. Chagall “Sobre a Cidade” (1918)
Chagall mostra claramente uma primitivização consciente da linguagem plástica; somente desta forma ele poderia (e queria) expressar-se. Ele falou sobre suas tentativas de se tornar um artista: “Acho que não sou nada receptivo ao ensino. Ou não souberam me ensinar... Só posso seguir o instinto. Você entende? Mas as regras da escola não me incomodam.”
Chagall estudou não apenas com artistas de vanguarda - ele também trabalhou com um fabricante de sinalização. No povo de Vitebsk escola de Artes Chagall, junto com os letristas e seus alunos, prepararam a decoração da cidade para o 1º aniversário da revolução. O artista estudou e criatividade infantil. No seu livro “Minha Vida” ele escreve: “Nunca me cansei de admirar seus desenhos, seus balbucios inspirados...”. Em seus trabalhos, principalmente na gráfica, surgiram características de desenhos infantis.
M. Chagall adorava histórias do cotidiano e as enchia de fantasia, premonições de milagres, símbolos mitológicos e animais.
As origens do primitivismo europeu são as obras de P. Gauguin, A. Matisse, A. Modigliani.
Henri Matisse (1869-1954)
A. Matisse- Artista francês e escultor, líder do movimento fauvista. Ele procurava o seu próprio caminho: primeiro pintou pinturas no espírito do impressionismo, depois trabalhou na técnica do pontilhismo (no artigo “Pós-Impressinismo”), e depois criou um novo estilo, entrou para a história da arte com o nome de “Fauvismo”. Por suas pinturas do início do século XX. caracterizado por formas planas, linhas claras e pontilhismo menos rígido.
Em 1906, Matisse visitou a Argélia e descobriu a escultura dos povos da África e interessou-se pelo primitivismo e pelas xilogravuras clássicas japonesas.
A. Matisse “Natureza morta com laranjas” (1912)
Amedeo Modigliani (1884-1920)
Pintor e escultor italiano, trabalhou principalmente no estilo expressionista. Mas, tendo experimentado a influência de muitos artistas da escola parisiense (Toulouse-Lautrec, Cézanne, Picasso, Renoir), absorveu suas características. Seu trabalho também contém ecos de primitivismo e abstração.
A. Modigliani “Retrato de Maria Vasilyeva” (1918)
No entanto, alguns críticos de arte consideram o primitivismo um disfarce estilístico do expressionismo. Por exemplo, as criações do brilhante expressionista austríaco Oskar Kokoschka apenas lembram aos especialistas imagens folclóricas.
Pintura de Oskar Kokoschka
Alguns artistas do início do século XX, pertencentes a diversas direções artísticas e estilos, há obras no estilo primitivismo. Aqui estão exemplos desses trabalhos.
P. Picasso “Dançarino” (1907-1908)
M. Larionov “Cabeleireiro do Oficial” (1909)
P. Klee “Número acrobático” (1923)
P. Gauguin “Cristo Amarelo” (1889). Lona, óleo. 91,1 x 74,3 cm Galeria Albright-Knox (Búfalo)
Esta pintura de P. Gauguin é considerada uma das obras-chave do simbolismo, mas foi executada no estilo do primitivismo.
O tormento sem limites aceito por Cristo contradiz a natureza “despercebida” desse sacrifício pelas pessoas. O artista aborda o tema “eterno”, tentando compreender e explicar a si e aos outros nas suas obras o significado do serviço sacrificial. tópico principal as pinturas retratam a alienação humana de Deus e do céu. Mas na expressão do rosto do próprio Cristo pode-se ler não tanto o amor pela humanidade, mas a dúvida se o seu sacrifício foi em vão - o seu rosto reflete aquela fase de sofrimento que beira a apatia, a indiferença a tudo o que o rodeia.
“Vênus” de M. Larionov (1912), criada no estilo do primitivismo, parece um desenho em uma cerca e até com uma inscrição. Claro, não se pode falar de arte ingênua aqui - isso é uma estilização óbvia e deliberada, ridículo.
N. Goncharova “Dança Redonda” (1910)
Mas o primitivismo de N. Goncharova exprime-se na rude monumentalidade das figuras camponesas. Apesar da natureza estática artificial das suas imagens, as pinturas de N. Goncharova estão repletas de um poderoso movimento perpétuo. Seu primitivismo é uma variante do expressionismo.
E hoje em dia os artistas recorrem frequentemente a este estilo. O primitivo não é limitado pela tradição da “escola”; é livre de cânones, daí a sua espontaneidade.
Duas variedades de arte primitiva: a impressão popular e a romântica-idílica - tiveram vida longa. Eles continuam a viver na primitividade dos nossos dias.
D. Zavgorodniy “Touro Estranho”
D. Zavgorodniy “Luzes do Norte”
2 de agosto de 2016, 09:38Nestes posts anteriores e subsequentes, utilizo material do livro “Arte Incompreensível” de Will Gompertz, uma série de palestras no Garage Museum de Irina Kulik, palestras de Dmitry Gutov, o livro “Arte Moderna em Detalhe” de Susie Hodge, documentários BBC, etc
PRIMITIVISMO, FAUVISMO
Num post anterior falei sobre o cubismo de Picasso e Braque. Uma das fontes de inspiração de Picasso foi uma exposição de arte africana. A simplicidade e ao mesmo tempo o poder primitivo e a majestade das máscaras de madeira surpreenderam o artista. E não só ele.
Na verdade, o desejo por esta simplicidade corre como um fio vermelho ao longo da história. arte contemporânea. Por um lado, os artistas tentaram copiar o estilo de trabalho das tribos primitivas da África, Austrália e América do Sul e, por outro, os desenhos infantis.
Em geral, a alegre expectativa de mudança associada ao rápido desenvolvimento da indústria na França foi rapidamente substituída pelo cansaço causado pelo ritmo que a vida adquiriu.
Já no final do século XIX, o movimento de “retorno às origens” generalizou-se.
Na pintura, como escrevi anteriormente, foi Gauguin, com os seus temas “taitianos”, imagens planas e rico simbolismo.
Paul Gauguin, Velhos Tempos, 1892
O movimento para simplificar a arte assumiu várias formas. Por exemplo, as obras do famoso pintor austríaco e principal participante da sociedade da Secessão de Viena, Gustav Klimt (1862-1918), são muito mais refinadas e decorativas do que as de Gauguin. Klimt adorava ornamentação, cores bronze e douradas e roupas ricamente decoradas. Com a mesma simplicidade de linha e bidimensionalidade da imagem, o primitivismo de Klimt é luxuoso.
Gustav Klimt, Expectativas, 1909
Gustav Klimt, Macieira, 1912
Gustav Klimt, Garota com Leque, 1918
No entanto, aqueles que são considerados os fundadores do primitivismo do século XX viveram na França. Maurice de Vlaminck (1876-1958), Henri Matisse () e Henri Derain (1880-1954) também admiravam a arte africana e partilhavam a paixão pelas cores ricas, como nas obras de Van Gogh. Eles também estavam ligados ao holandês pela crença de que as emoções em uma imagem são mais importantes do que o objeto retratado.
Ao combinar a simplicidade da arte tribal com cores ricas e puras, eles criaram um trabalho incrivelmente vibrante e alegre. Neles, a cor é usada como forma de transmitir emoção, e não para descrever um objeto real.
Maurice de Vlaminck, O Pomar, 1905
Maurice de Vlaminck, Ponte em Chatou, 1907
André Deurin, Estac, 1905
André Deurin, Ponte Charing Cross, 1906
Henri Matisse, Cebola Vermelha, 1906
Henri Matisse, Harmonia em Vermelho, 1908
"Traduzi para a linguagem da cor o que vi instintivamente, sem nenhum método para dizer a verdade, não como artista, mas como pessoa. Apertando até o fim, quebrando tubos de água-marinha e cinábrio" - assim descreve Maurice de Vlaminck seu trabalho daquele período. Na verdade, é a cor que em breve se tornará cartão de visitas esse trio de artistas. Decidiram expor no Salão de 1905. Como sempre, as críticas foram ferozes. Louis Vassel (um crítico influente da época) brincou que as pinturas eram pintadas por “animais selvagens” (les fauves em francês).
E embora nem Matisse, nem Vlaminck, nem Doren pretendessem vincular-se a qualquer direção, gostaram da palavra.
O fauvismo foi direto e figurativamente um clarão brilhante no horizonte da arte. Na verdade, esta ideia de usar grandes manchas de cor não diluída emolduradas por uma forma simples teve sua continuação lógica nas obras de muitos artistas do século XX.
Friedensreich Hundertwasser, O caminho para você, 1966
Roy Lichtenstein, natureza morta com vaso de cristal, 1973
Wilem de Kooning, sem título 5, 1983
Porém, em 1905 o público ainda não havia se recuperado dos neo-impressionistas, e então Matisse chegou com sua famosa “Mulher com Chapéu”.
Henri Matisse, Mulher com chapéu, 1905
Não sei se naquele momento Madame Matisse ficou feliz por ter se casado com o artista, porque o retrato acabou sendo polêmico. O rosto verde-amarelado reduzido a algumas pinceladas simples e os toques alaranjados dos cabelos não agradarão a todos. No entanto, foi do gosto de Leo Stein, colecionador e mecenas artistas contemporâneos. Ele comprou “Mulher com Chapéu” e menos de um ano depois adquiriu “A Alegria da Vida”, outra pintura famosa do período fauvista de Matisse.
Henri Matisse, "A Alegria da Vida", 1906
Inspirado em cenas pastorais, Matisse pintou grupos de pessoas entregando-se a vários prazeres: música, dança, amor. E novamente o personagem principal é a cor. As figuras humanas são pintadas de forma descuidada e bidimensional, embora a composição em si seja construída de forma organizada e harmoniosa.
O enredo em si não é tão novo quanto o estilo de escrita.
Agostino Caracci, Amor mútuo, 1602
O contraste entre as duas obras revela o quanto a percepção do artista mudou. Parece que Matisse está brincando, flertando com o espectador. Sua alegria de viver não está tanto no enredo, mas na própria pintura: linha, cor.
Matisse, como ele próprio admite, sonhava que a arte seria como “uma boa poltrona para relaxar”. Mesmo quando o fauvismo era coisa do passado, o artista continuou a trabalhar segundo o mesmo princípio. Aliás, sua musa, amiga e companheira era uma garota de Tomsk - Lydia Deliktorskaya, que ficou com ele até o fim da vida, e depois lhe deu várias telas (deixadas a ela por Matisse para sua confortável velhice) Museu Pushkin e o Eremitério.
Vou me afastar um pouco: recentemente li críticas à arte do início do século XX, o que me fez olhar de forma um pouco diferente para as pinturas de Matisse. Além dos avanços nas áreas técnicas, desta vez também houve estagnação nas relações sociais. As formas habituais de vida tornaram-se bastante desgastadas. O artista estava farto da imagem de um burguês bem alimentado de fraque, que era o principal cliente.
O desejo de quebrar tornou-se a principal força motriz. Os cubistas, é claro, incorporaram esse princípio de maneira mais clara, destruindo literalmente a aparência familiar das coisas.
Mas outros artistas, que captaram o que estava acontecendo como uma membrana, refletiram sua insatisfação na pintura. Eles mudaram tudo o que era familiar ao cidadão comum, destruíram o mundo burguês em suas telas. Quer queira ou não, o artista protestou contra convenções obsoletas. Talvez os contrastes dos Fauves não sejam uma declaração da alegria de ser, mas um desafio semelhante à realidade?
Daí os rostos verdes das mulheres, o design descuidado/convencional. Deste ponto de vista, a pintura “A Alegria da Vida” de Matisse é antes uma ironia ou sátira do hedonismo da burguesia europeia, cujo prazer na vida se resume ao amor carnal, às canções e às danças. Um mundo de doces com figuras que lembram doces de feiras. Mas este ponto de vista não é particularmente popular. Ainda assim, o trabalho de Matisse é mais frequentemente interpretado como uma expressão da alegria e do brilho da vida.
A arte como deleite para os olhos e o coração é um princípio próximo não só de Matisse. E se ele teve que se esforçar para desenhar com facilidade infantil, então Henri Rousseau (1844-1910) o fez porque simplesmente não sabia fazer de outra forma.
Henri Rousseau, autorretrato, 1890
Henri Rousseau é um funcionário da alfândega, um analfabeto que decidiu começar a pintar aos 40 anos sem receber qualquer educação ou formação. Caseiro, pouco fã de festas boêmias e distante da comunidade artística, tornou-se um dos artistas mais artista famoso estilo primitivismo. Rousseau era simplório e ingênuo, talvez por isso suas obras tenham a simplicidade dos desenhos infantis. Claro, o público e a crítica inicialmente riram do artista.
Henrique Rousseau, Noite de Carnaval, 1886
O encanto da simplicidade e da infantilidade parecia ao espectador da época uma incapacidade banal de desenhar, nada mais. No entanto, a falta de técnica de Rousseau é mais do que compensada pela clareza, característica, novamente, das gravuras japonesas. O aspirante a artista foi muito ajudado por sua imunidade absoluta às críticas, o que lhe permitiu continuar fazendo o que amava.
Henrique Rousseau
É claro que suas obras não podem ser comparadas em termos de execução com os mestres do passado ou com contemporâneos talentosos. Rousseau levou outros. Seus enredos simples fascinaram grande parte do mundo artístico da época. Entre os admiradores estava, por exemplo, Picasso, dono da famosa frase: “Posso desenhar como Rafael, mas levarei a vida inteira para aprender a desenhar como uma criança”. Rousseau foi quem conseguiu isso. Picasso chegou a comprar o quadro “Retrato de uma Senhora”, que, segundo o espanhol, simplesmente o fascinou.
Henri Rousseau, Retrato de uma Mulher, 1895
As obras de Rousseau, por assim dizer, já têm um pé no surrealismo. Eles realmente fascinam não tanto por sua simplicidade, mas por seu subtexto, ambigüidade e natureza alegórica. É como aqueles momentos dos filmes de terror em que os balanços de um playground vazio balançam um pouco, como se fossem levados pelo vento... Ou não? Rousseau deixa essa questão para o espectador.
Os modos de Rousseau não foram admirados apenas por Pablo Picasso. Entre seus fãs estava também o escultor romeno Constantin Brancusi (Brancusi), mas, ao contrário de Rousseau, a comunidade artística de Paris o recebeu com estrondo. Brancusi escolheu o papel de um artista plebeu: barba espessa, tamancos e camisa de linho. Os materiais com os quais o escultor trabalhou eram adequados - madeira e pedra. O mármore não impressionou particularmente o mestre.
Brancusi foi aprendiz na oficina de Rodin por algum tempo, mas suas abordagens de trabalho acabaram sendo completamente diferentes.
Auguste Rodin, O Beijo, 1886
Constantin Brancusi, O Beijo, 1912
As imagens falam mais alto que qualquer explicação. Brancusi acreditava que na escultura era possível prescindir da modelagem preliminar, trabalhando diretamente com o material. Ele procurou preservar ao máximo a forma original da rocha, deixando sua textura. Sem curvas românticas, linhas simples, falta de elementos decorativos... Gosto das esculturas de Brancusi justamente pela simplicidade e originalidade de execução. No início do século XX, este foi mais um desafio à tradição.
Ele foi seguido por outros escultores primitivos: Modigliani (também se experimentou na escultura, e com bastante sucesso), Giacometti, Hepworth...
Amadeo Modigliani, Chefe, 1910
Giacometti, Homem que Anda 1, 1960
Barbara Hepworth, Formulário Único, 1964
Na Rússia, este é o escultor Vadim Sidur. Na minha opinião, muito legal.
Vadim Sidur
Vadim Sidur
Aliás, na Rússia, um dos primeiros primitivistas da pintura foram Mikhail Larionov e Natalya Goncharova, que trabalharam na técnica da “tala”. Este é um tipo de gráfico caracterizado pela simplicidade e design plano. Goncharova foi inspirada em ícones russos. Em suas obras, ela utilizou um elemento característico da pintura de ícones - motores - linhas brancas verticais.
Mikhail Larionov, Vênus judaica, 1912
Natalya Goncharova, Cortadores, 1911
Como podemos ver, a simplicidade, a ordem e a estrutura tornaram-se os conceitos e objetivos fundamentais dos artistas, começando pelos pós-impressionistas. Contudo, estas aspirações aparentemente inofensivas também tinham potencial destrutivo. Afinal, todo desejo de encaixar o mundo numa estrutura tem lado reverso- criação de um sistema rígido. E, como a prática tem mostrado, as tentativas de subordinar todos os seres vivos à lógica rígida subjetiva levam à morte e à destruição. Outros eventos O século XX é uma clara confirmação disso.
Continua)
E um pós-escrito.
Uma maravilhosa americana - Granny Moses - uma artista amadora, representante do primitivismo da segunda metade do século 20, simplesmente conquistou meu coração. Ela até me lembrou os holandeses com suas aconchegantes cenas cotidianas da vida rural. Por exemplo:
Vovó Moses, início da primavera na fazenda, 1945
Pieter Bruegel, o Velho, Censo, 1566
P.S obrigado a todos que lêem e se interessam. Estou postando esse post tarde - estava saindo e tive que fazer uma pausa)
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Frida Kahlo “Natureza morta com uma noiva assustada”, 1943 Primitivismo O significado das obras de Frida Kahlo está sempre escondido no fundo. Dando uma rápida olhada na imagem, o espectador nunca entenderá o significado, pois todo objeto se torna um símbolo. A noiva é uma bonequinha que aparece dentro de uma melancia cortada. As duas partes da melancia mostradas na imagem não são duas metades. Eles simbolizam o amor e a paixão que...
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Henri Rousseau "Noite de Carnaval", 1886 Museu de Arte, Primitivismo da Filadélfia Este é um dos primeiras pinturas Rousseau, embora o tenha escrito aos 42 anos. Henri Rousseau trabalhou como funcionário da alfândega até os quarenta anos e só começou a escrever quando se aposentou. Um ano antes da “Noite de Carnaval”, ele expôs suas cópias de pinturas antigas no Salão de Arte gratuito da Champs Elysees...
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Marc Chagall “Felicidade”, 1980 Papel, litografia, 116 x 75,5 cm Museu Nacional Marc Chagall, Nice, França Primitivismo Nas nossas vidas existe uma e única tinta, como na paleta de um artista, que dá sentido à vida e à arte. Esta é a cor do amor. -Marc Chagall.
Arte ingênua Este conceito é usado em vários sentidos e é, na verdade, idêntico ao conceito "arte primitiva". EM vários idiomas e diferentes cientistas usam frequentemente estes conceitos para designar a mesma gama de fenómenos na cultura artística. Em russo (como em alguns outros), o termo “primitivo” tem um significado um tanto negativo. Portanto, é mais apropriado insistir no conceito Arte ingênua. No próprio Num amplo sentido isso é o que significa arte, caracterizada pela simplicidade (ou simplificação), clareza e espontaneidade formal da linguagem figurativa e expressiva, com a qual se expressa uma visão especial do mundo, não sobrecarregada por convenções civilizacionais. O conceito apareceu na cultura europeia moderna últimos séculos, portanto, reflete as posições e ideias profissionais dessa cultura, que se considerava o mais alto nível de desenvolvimento. A partir dessas posições, a arte ingênua também se refere à arte arcaica dos povos antigos (antes das civilizações egípcia ou grega antiga), por exemplo, arte primitiva; a arte dos povos atrasados no seu desenvolvimento cultural e civilizacional (populações indígenas da África, Oceania, índios americanos); arte amadora e não profissional em larga escala (por exemplo, os famosos afrescos medievais da Catalunha ou a arte não profissional dos primeiros colonos americanos vindos da Europa); muitas obras do chamado “gótico internacional”; Arte folclórica; finalmente, a arte de talentosos artistas primitivistas do século 20,
que não receberam educação artística profissional, mas que sentiram o dom Criatividade artística e se dedicaram à sua implementação independente no art. Alguns deles (francês A. Rousseau, C. Bombois, georgiano N. Pirosmanishvili, croata I. Generalich, americano A. M. Robertson etc.) criou verdadeiras obras-primas artísticas que estão incluídas no tesouro da arte mundial.A arte ingênua em sua visão de mundo e seus métodos apresentação artística em alguns aspectos, aproxima-se da arte das crianças, por um lado, e da criatividade dos doentes mentais, por outro. No entanto, em essência, difere de ambos. O que há de mais próximo da arte infantil na visão de mundo é a arte ingênua dos povos arcaicos e aborígenes da Oceania e da África. A sua diferença fundamental em relação à arte infantil reside na sua profunda sacralidade, tradicionalismo e canonicidade. A ingenuidade infantil e a espontaneidade da visão de mundo parecem ter congelado para sempre nesta arte, suas formas e elementos expressivos linguagem artística preenchido com significado mágico-sagrado e simbolismo de culto, que possui um campo bastante estável de significados irracionais. EM arte infantil eles são muito móveis e não carregam carga de culto. A arte ingênua, via de regra, é otimista em espírito, afirmativa da vida, multifacetada e diversificada e, na maioria das vezes, tem um significado estético bastante elevado. Em contraste, a arte dos doentes mentais, muitas vezes semelhante em forma, é caracterizada por uma obsessão dolorosa pelos mesmos motivos, um humor pessimista-depressivo e um baixo nível de talento artístico. As obras de arte Naïf são extremamente diversas em forma e estilo individual, mas muitas delas são caracterizadas pela ausência de perspectiva linear (muitos primitivistas se esforçam para transmitir profundidade usando diferentes escalas de figuras, uma organização especial de formas e massas de cores), planicidade, ritmo e simetria simplificados, e uso ativo de cores locais, generalização de formas, enfatizando a funcionalidade de um objeto devido a certas deformações, aumento da importância do contorno, simplicidade das técnicas técnicas. Artistas primitivistas do século 20, familiarizados com a arte profissional clássica e contemporânea, muitas vezes apresentam trabalhos interessantes e originais soluções artísticas ao tentar imitar certas técnicas de arte profissional na ausência de conhecimentos e habilidades técnicas adequadas. Os artistas da arte Naïf geralmente pegam temas da vida ao seu redor, do folclore, da mitologia religiosa ou de sua própria imaginação. É mais fácil para eles do que para muitos artistas profissionais alcançar a criatividade espontânea e intuitiva, não prejudicada por regras e proibições culturais e sociais. Como resultado, original, surpreendentemente puro, poético e sublime mundos da arte, em que prevalece uma certa harmonia ideal ingénua entre a natureza e o homem. Foram estas qualidades da arte Naif que atraíram a atenção de muitos mestres da arte do século XX, desde os primeiros artistas de vanguarda até aos conceptualistas e pós-modernistas. Muitas pessoas usaram certas técnicas e elementos da linguagem primitivista em seus trabalhos. grandes artistas Século XX (expressionistas, P.Klee, M.Chagall, H.Miro, P.Picasso e etc.). EM Arte ingênua muitos representantes da cultura se esforçam para ver saídas cultura artística de becos sem saída civilizacionais.
Primitivismo (neo-primitivismo)
- uma direção que surgiu na arte europeia e russa no início do século XX. Seu principal 
o sinal era simplificação de software meios artísticos, apelar para várias formas arte primitiva - criatividade popular e infantil, primitiva e arte medieval etc. Na sua essência estava o desejo de obter uma visão pura do mundo, inerente a uma consciência intocada pela civilização.
Na Rússia, o primitivismo é mais claramente representado pelos nomes NS Goncharova, MF Larionov, KS Malevich, artistas dos grupos "Jack of Diamonds", "Donkey's Tail" e alguns artistas da "Blue Rose". A fonte de inspiração dos neoprimitivistas é a arte do Oriente, bem como as gravuras populares, os sinais provinciais, a criatividade infantil, brinquedo folclórico, arte das culturas primitivas.
"Depois disso, Gurdjieff passou a explicar as diversas funções do homem e
centros que gerenciam essas funções. Essas ideias são apresentadas na mesma ordem em
palestras sobre psicologia. As explicações e discussões relacionadas levaram algum tempo.
muito tempo... não tem como transmitir essas conversas como elas foram
realmente aconteceu. Portanto, coletei todo o material sobre psicologia e
cosmologia em duas séries separadas de palestras. Deve-se notar aqui que as ideias não foram
nos são dados na forma como são apresentados nas palestras."
Significado
Eu sei que você existe. Você não é uma invenção da minha imaginação, nem um sonho, nem uma fantasia doentia, nem uma ilusão. Às vezes me parece que você está muito próximo. Quase nas minhas costas. Ou próximo a um fluxo de pessoas. Basta fechar os olhos no agora fugaz e ouvirei sua voz, ou me virarei em uma noite escura em uma encruzilhada deserta e encontrarei seu olhar. Mas o tempo passa. Dia após dia. Ano após ano. Como antes. Mas você não está lá. Às vezes você desiste e não tem forças para dar nem um passo. Quero deixar tudo para trás e assinar com sangue a minha própria impotência. Para arrancar o próprio pensamento de que você ainda está aqui. Mas eu me lembro. Você nunca perdeu. Ela não foi embora primeiro. Então também não posso me dar ao luxo de desistir. Começamos este Jogo muito antes de nascermos e dificilmente está destinado a terminar. Não me lembro há quanto tempo isso está acontecendo. Eu encontrei seus pensamentos e ações em outras pessoas. E ele acreditou. Eu encontrei. E ele se agarrou como um louco a uma esperança fantasmagórica. Você brinca comigo através de pessoas que eram próximas e queridas para mim. Você sabe, dói. Mas o tempo coloca tudo em seu devido lugar. E a compreensão é remontada a partir dos fragmentos quebrados do passado distante. Eu sei que pode não ser fácil para você agora também. Tanta coisa foi passada, tanta coisa foi encontrada que lembra sinceridade e reciprocidade. Mas esse também foi o meu pensamento. Eles pegaram, ficaram presos no seu coração e fizeram você acreditar que sua busca havia acabado. Mas o tempo colocou tudo em seu devido lugar. E você está sozinho novamente. Eu sei que dói. Desculpe. Direi apenas uma coisa. Não sou uma invenção da sua imaginação, nem um sonho, nem uma fantasia doentia, nem uma ilusão. Eu existo. E um dia nos encontraremos novamente e nunca nos perderemos.
Rubinstein S.L. Ser e Consciência
Sobre o lugar da psique na interconexão universal dos fenômenos do mundo material
Para a declaração do problema
O pensamento curioso e investigativo de uma pessoa, penetrando com paixão e sucesso cada vez maiores nas profundezas do universo, conhece o mundo material em seu infinito - no grande e no pequeno, compreende a estrutura do átomo e do Universo, resolve um após outro, os problemas que a natureza lhe coloca a cada passo. Este pensamento curioso e penetrante do homem não podia deixar de voltar-se para si mesmo, não podia deixar de insistir na questão da relação entre o pensamento e a natureza, o espiritual e o material. Esta é a questão fundamental da filosofia. Sua solução diferente separa idealismo e materialismo - as principais direções que lutam na filosofia. O significado teórico desta questão é óbvio.
Mas as questões da grande teoria, corretamente colocadas e corretamente compreendidas, são ao mesmo tempo questões práticas de grande significado. Realmente veja os grandes problemas teóricos- isto significa vê-los em relação às questões fundamentais da vida.
A questão da ligação entre o mental e o material, da dependência do mental das condições materiais, é uma questão não apenas de conhecimento, mas também sobre controlabilidade processos mentais. A solução para a questão da dependência de um ou outro curso de processos mentais de condições objetivas determina as formas de formação, mudança direcionada e educação da psicologia humana. As questões de compreensão do mundo colocadas corretamente estão, em última análise, relacionadas com as tarefas da sua transformação revolucionária.
) em seus trabalhos expressivos e abrangentes conseguiu preservar a transparência da neblina, a leveza da vela e o balanço suave do navio nas ondas.
Suas pinturas surpreendem pela profundidade, volume, riqueza e a textura é tal que é impossível tirar os olhos delas.
Simplicidade calorosa de Valentin Gubarev
Artista primitivista de Minsk Valentin Gubarev não persegue a fama e apenas faz o que ama. Seu trabalho é incrivelmente popular no exterior, mas quase desconhecido de seus compatriotas. Em meados dos anos 90, o francês se apaixonou por seus esboços do cotidiano e assinou contrato com o artista por 16 anos. As pinturas, que, ao que parece, só deveriam ser compreensíveis para nós, portadores do “modesto charme do socialismo subdesenvolvido”, apelaram ao público europeu, e as exposições começaram na Suíça, Alemanha, Grã-Bretanha e outros países.
Realismo sensual de Sergei Marshennikov
Sergei Marshennikov tem 41 anos. Ele mora em São Petersburgo e trabalha nas melhores tradições da escola clássica russa de realista pintura de retrato. As heroínas de suas telas são mulheres ternas e indefesas em sua seminudez. Em muitos dos mais pinturas famosas retrata a musa e esposa do artista, Natalya.
O mundo míope de Philip Barlow
EM era moderna fotos alta resolução e a ascensão do hiperrealismo, o trabalho de Philip Barlow atrai imediatamente a atenção. Porém, é necessário um certo esforço do espectador para se forçar a olhar as silhuetas borradas e os pontos brilhantes nas telas do autor. Provavelmente é assim que as pessoas que sofrem de miopia veem o mundo sem óculos e lentes de contato.
Coelhinhos ensolarados de Laurent Parselier
A pintura de Laurent Parcelier é Mundo maravilhoso, em que não há tristeza nem desânimo. Você não encontrará fotos sombrias e chuvosas dele. Há muita luz, ar e cores brilhantes, que o artista aplica com traços característicos e reconhecíveis. Isso cria a sensação de que as pinturas são tecidas a partir de mil raios de sol.
Dinâmicas urbanas nas obras de Jeremy Mann
Óleo sobre painéis de madeira Artista americano Jeremy Mann pinta retratos dinâmicos da metrópole moderna. " Formas abstratas“, as linhas, o contraste dos pontos claros e escuros - tudo cria uma imagem que evoca a sensação que uma pessoa experimenta na multidão e na agitação da cidade, mas também pode expressar a calma que se encontra ao contemplar a beleza tranquila”, diz o artista.
O mundo ilusório de Neil Simon
Nas pinturas do artista britânico Neil Simone nada é o que parece à primeira vista. “Para mim, o mundo ao meu redor é uma série de formas, sombras e limites frágeis e em constante mudança”, diz Simon. E em suas pinturas tudo é verdadeiramente ilusório e interligado. Os limites são confusos e as histórias fluem umas nas outras.
Drama amoroso de Joseph Lorasso
Italiano de nascimento, o artista contemporâneo americano Joseph Lorusso transfere para a tela temas que espionou Vida cotidiana pessoas comuns. Abraços e beijos, explosões apaixonadas, momentos de ternura e desejo preenchem seus quadros emocionantes.
Vida no campo de Dmitry Levin
Dmitry Levin é um reconhecido mestre da paisagem russa, que se estabeleceu como um talentoso representante da escola realista russa. Fonte Essencial a sua arte é um apego à natureza, que ama com ternura e paixão e da qual se sente parte.
Oriente Brilhante por Valery Blokhin
