Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Mga tradisyon at prospect sining ng pagganap

sa akurdyon.

Ostrikov S.A.

Ostrikova M.M.

AT institusyong pang-edukasyon kung saan ang mga departamento ay aktibong gumagana mga instrumentong bayan, mayroong lumalaking pangangailangan na pag-aralan ang kasaysayan ng pag-unlad ng akcordion instrumental creativity, upang matukoy ang kasalukuyan nito at mahulaan ang hinaharap.

Ang layunin ng artikulo ay upang isaalang-alang ang mga isyu na may kaugnayan sa papel at lugar ng button accordion sa musical instrumental creativity.

Sa simula ng ika-20 siglo, ang mga instrumentong katutubong Ruso, kabilang ang harmonica, ay masinsinang binuo at sumailalim sa mga makabuluhang pagpapabuti sa kanilang mga disenyo.

Si Imkhanitsky M. I. sa kanyang aklat-aralin ay nagsasaad na "ang terminong "harmonica" ay isang pangkalahatang konsepto para sa buong klase ng self-sounding wind instruments (self-sounding aerophones)" . Ang tunog ng mga instrumentong ito ay muling ginawa ng isang metal na dila (boses) na malayang nakakalusot, na nanginginig sa ilalim ng pagkilos ng isang daloy ng hangin. Sa una, ang mga harmonica ay may isa o dalawang hilera na diatonic na kanang keyboard na may pinakasimpleng saliw ng bass chord sa kaliwang keyboard. Dinala sa Russia noong humigit-kumulang sa ikalawang quarter ng ika-19 na siglo, at unti-unting ipinakilala sa buhay ng mga taong Ruso, sila ang naging pinakakaraniwang mga instrumentong pangmusika, na pinadali ng pagiging simple ng device at ang kadalian ng pag-master ng laro. Nagbigay ito sa harmonica ng mahusay na katanyagan. At sa simula lamang ng ika-20 siglo, ang salitang "bayan" ay nagsimulang nangangahulugang isang espesyal na uri ng instrumento, "kung saan ang chromatic right keyboard na may hindi bababa sa tatlong hanay ng mga pindutan ay tumutugma sa isang chromatic set ng bass-chord accompaniment: major , minor triads, pati na rin ang ikapitong chord - ang tinatawag na full chromatic set ng ready-made chords".

Noong 1907, sa St. Petersburg, sa pamamagitan ng pagkakasunud-sunod ng accordionist na si Ya. F. Orlansky-Titarenko, ang master na P. E. Sterligov ay gumawa ng isang pinahusay na instrumento ng konsiyerto na may apat na hilera na kanang-kamay na keyboard na mayroong buong chromatic scale. Sa kaliwang keyboard, bilang karagdagan sa buong chromatic bass scale, mayroong mga handa na chord - major, minor at seventh chord. Tinawag ng master at performer ang instrumentong ito na button accordion, pagkatapos ng sinaunang Russian singer-storyteller na si Boyan.

Ang samahan ng mga handicraftsmen sa artels, at pagkatapos ay ang organisasyon ng mga pabrika ng akurdyon, ay nag-ambag sa pagtaas ng produksyon ng mga instrumento sa bansa. Nagiging pinakasikat na instrumento ang Bayan sa pang-araw-araw na buhay at mga amateur na pagtatanghal ng populasyon sa lunsod.

Sa pagtatapos ng 1930s, laganap ang button accordion na may mga yari na chord sa kaliwang keyboard. Sa masining at teknikal, ang mga obrang ginanap sa mga instrumentong ito ay buo at nakakumbinsi. Bilang halimbawa, maaari nating banggitin ang mga gawang isinagawa sa isang konsiyerto na naganap noong Mayo 1935 sa Leningrad ng bayanistang si P. Gvozdev, Chaconne ni J. S. Bach, Passacaglia ni G. F. Handel, Polonaise sa A major ni F. Chopin at iba pang kompositor. -mga klasiko. Ngunit ang mga makabuluhang gawang ito ay pangunahing mga transkripsyon mula sa organ at piano literature, kung saan ang musikal na teksto ay kailangang baguhin o itama sa isang tiyak na kahulugan. Ang tumaas na antas ng pagganap ng mga accordionist ay nangangailangan ng orihinal na repertoire nang higit pa at higit pa.

Kasabay nito, may mga pagtatangka na gumawa ng orihinal na musika para sa bayan ng mga propesyonal na kompositor. Gayunpaman, ang mga sumusunod na malakihang komposisyon - isang accordion concerto na may Russian folk orchestra ng Leningrad composer F. Rubtsov at isang bayan concerto na may symphony orchestra ng Rostov composer na si T. Sotnikov - ay itinuturing na pamantayan sa pagbuo ng bayan academic. repertoire. Ang kapalaran ng dalawang bahagi na konsiyerto ni F. Rubtsov ay naging mas matagumpay. Hindi nagtagal ay naging isang repertory work ito. Sa gawaing ito, pinamamahalaang ibunyag ng kompositor ang mga posibilidad ng pindutan ng akurdyon na may mga yari na chord sa maraming paraan.

Ang isang espesyal na lugar sa pagganap ng akurdyon ay inookupahan ng genre ng pagproseso ng folk melody. Ito ay patuloy na bumubuo ng batayan ng orihinal na repertoire ng mga accordionist.

Ang pagpoproseso ng mga katutubong awit ay umabot sa malaking kasakdalan sa gawain ng bayanist-nugget na I. Ya. Panitsky. Ang isang matingkad na halimbawa ay ang pagguhit, na naghahatid ng kabagalan at lawak ng salaysay na "Oh oo, ikaw, Kalinushka" o ang kaibahan ng espirituwal na liriko na may incendiary at sigasig sa mga pagkakaiba-iba sa mga tema ng mga katutubong kanta ng Russia na "Among the Flat Valley" at “The Moon Shines”. Ang gawain ni I. Ya. Panitsky sa maraming aspeto ay nagsilbing panimulang punto para sa karagdagang pag-unlad ng genre ng pagpoproseso ng bayan, at tinukoy ang mga pangunahing pamamaraan ng pagbabagong-anyo nito.

Ang mga karagdagang hakbang sa pagbuo ng genre ng pagpoproseso ng akurdyon ay ginawa ng mga propesyonal na manlalaro ng akurdyon na si N. Rizol, V. Podgorny, A. Timoshenko.

Sa kanyang pinakamahusay na mga kaayusan, bukod sa kung saan sa unang lugar ang isa ay maaaring pangalanan ang "Ulan", "Oh, kayong mga patas na buhok", pinamamahalaan ni N. Rizol na pagtagumpayan ang paghihiwalay ng isang kanta o sayaw na melody. Dahil dito, ang variational form, na karaniwan para sa genre na ito, ay nawawala ang mekanikal nito, na sumusunod sa karamihan ng mga kaso ng dynamics ng isang makulay na maligaya na aksyon.

Ang gawain ni V. Podgorny ay nagtutulak sa mga hangganan ng genre, nagbubukas ng mga bagong reserba dito. Natuklasan ng kompositor sa kanyang trabaho na may katutubong melody ang posibilidad ng pagpapahayag ng sarili, tinatrato ito bilang kanyang sariling materyal, ganap na isinailalim ito sa kanyang sariling disenyo, ang kanyang mga gawaing masining (ang pantasiya na "Nochenka", "Blow the wind on Ukraine".

Ang mga pagsasaayos ni A. Timoshenko ay kapansin-pansin para sa kanilang maliwanag na kalidad ng konsiyerto, saturation na may mga kulay na tono. Ang thematism ay sumasailalim sa mga makabuluhang pagbabago, binabago ang hitsura nito. Ang lahat ng ito ay binibigyang diin ng maharmonya at maindayog na pagbabago ("Maghahasik ako ng quinoa sa baybayin", "Meadow duck").

Sa pagsasaalang-alang na ito, ang landas ng mga kompositor na pinangalanan sa itaas ay ipinagpatuloy ng mga kompositor na sina G. Shenderev, V. Chernikov, V. Vlasov, E. Derbenko, na namumukod-tangi para sa kanilang katalinuhan, isang banayad na kahulugan ng mga detalye ng pagpapatupad ng folklore material sa button na akurdyon.

Ito ay kilala na ang artistikong at teknikal na kakayahan ng isang instrumentong pangmusika ay ipinahayag, una sa lahat, sa pamamagitan ng repertoire na ginanap sa instrumentong ito.

Ang repertoire ng "klasikal" na mga instrumento na umiral nang higit sa isang siglo ay nakaipon ng malaking halaga ng iba't ibang uri ng konsiyerto at mga gawaing pang-edukasyon. Ang listahan ng repertoire ng mga orihinal na komposisyon para sa button accordion ay limitado pa rin, habang kakaunti ang maliliwanag na gawa.

Ang sitwasyon ay maaaring ituring na isang punto ng pagbabago kapag ang dalawang komposisyon ay lumitaw nang magkasunod, na naging epoch-making sa mga literatura ng akordyon na pindutan. Ito ang Sonata para sa button accordion sa h-moll at ang Concerto para sa button accordion at symphony orchestra sa B-dur ng kompositor na si N. Ya. Chaikin.

"Na may magandang dahilan, maaari nating ipagpalagay na ang hitsura ng Sonata para sa button accordion sa h-moll ni Chaikin ay pinasigla nang husay. bagong yugto sa pagbuo ng orihinal na panitikan ng Sobyet para sa pindutan ng akurdyon ... ", - isinasaalang-alang ang mananaliksik ng gawain ni N. Chaikin na si V. Bychkov.

Sa pagdating ng isang multi-timbre ready-to-select button accordion, ang pagnanais ng mga may-akda na maghanap ng ganap na bagong mga imahe ay nagiging halata, ang mismong istilo ng musika para sa button na accordion ay nagbabago. Ito ay tipikal para sa gawain ng mga kompositor at mga manlalaro ng bayan: V. Zolotarev "Partita" (1968), V. Zubitsky "Chamber Partita" (1977), V. Semenov "Sonata No. 1" (1984), V. Vlasov Suite "Five Views on the Gulag country" (1991), medyo kalaunan ni A. Kusyakov Cycle sa 12 bahagi na "Mga Mukha ng lumilipas na oras" (1999), p. Gubaidulina Concerto para sa akurdyon na may symphony orchestra "Sa ilalim ng tanda ng Scorpio" (2004), atbp.

Ang gawain ng mga kompositor na ito ay puno ng mga makabagong ideya, kapwa sa makasagisag na sistema at sa paraan ng textural embodiment. Sa kanilang mga komposisyon ay gumagamit sila ng mga elemento ng pagpapahayag tulad ng hindi pinahihintulutang glessandi, ang mga mapagkukunan ng ingay ng instrumento, ang tunog ng isang air vent, iba't ibang paraan ng paglalaro ng balahibo, atbp. Mayroong lumalaking interes sa mga di-tradisyonal na paraan ng musikal. expression - dodecaphonic, serial, aleatoric. Ang paghahanap para sa isang bagong timbre palette ng button accordion ay lumalawak, sa partikular, na nauugnay sa iba't ibang uri ng sonoristics, at, higit sa lahat, cluster.

Simula sa 70-80s ng XX century, ang domestic bayan school ay naging pangkalahatang kinikilalang pinuno sa pagpapaunlad ng sining ng bayan. Ito ay isang mahusay na merito ng mga nanalo ng maraming mga kumpetisyon Yu. Vostrelov, V. Petrov, F. Lips, A. Sklyarov, Yu. Shishkin at iba pang natitirang mga bayanista, istilo ng pagganap na pinagsasama ang mahigpit na rasyonalidad at detalyadong pag-iisip ng lahat ng bahagi ng interpretasyon, birtuoso na pag-aari ng instrumento at katapatan ng paraan ng pagganap. Ang lahat ng mga katangiang ito ay napapailalim sa pangunahing layunin - upang ipakita ang artistikong kakanyahan nagtanghal ng musika.

Mahalaga at mahalaga para sa pag-unlad ng propesyonal na pagganap sa akademiko sa pindutan ng akordyon ay ang aktibidad ng mga propesyonal na institusyong pang-edukasyon, sa loob ng mga pader kung saan aktibong umuunlad ang pang-agham at metodolohikal na pag-iisip.

Mayroong mga seryosong pananaliksik sa larangan ng teknolohiya ng pagganap ng akurdyon at paglalathala ng mga pag-unlad na pang-agham at pamamaraan.

Ang isang bilang ng mga libro at polyeto ay nai-publish na tumatalakay sa teorya at praktika ng pagganap ng akurdyon, mga artikulo sa masining at teknikal na pagsasanay ng mga manlalaro ng akurdyon, mga problema sa paglikha ng tunog, sistematisasyon ng mga stroke ng akurdyon at iba pang mahahalagang isyu sa pagganap ng akurdyon.

Kaya, maaari nating tapusin na ang pagbuo, pagbuo ng akurdyon ng pindutan at pagganap dito ay naganap sa mga yugto. Ang pagpapabuti sa disenyo ng instrumento ay nakakaapekto sa paglago ng mga kasanayan sa pagganap ng mga accordionist. Ang paglikha ng mataas na artistikong komposisyon ng mga propesyonal na kompositor ay husay na pinalawak ang listahan ng repertoire ng mga orihinal na gawa para sa button accordion. Pinahintulutan nito ang button na akordyon, kasama ang iba pang mga klasikal na instrumento, na kumuha ng nararapat na lugar nito sa akademikong yugto.

Panitikan

1. Bychkov V. Nikolai Chaikin: Mga Larawan mga kontemporaryong kompositor. - M .: Konseho. kompositor, 1986.

2. Imkhanitsky M. I. Mga tanong ng modernong button accordion at accordion art: Sat. gumagana / otv. ed. M. I. Imkhanitsky; comp. F. R. Lips at M. I. Imkhanitsky. – M.: Ros. acad. musika sa kanila. Gnesinykh, 2010. - Isyu. 178.

3. Imkhanitsky M. I. Kasaysayan ng button accordion at accordion art: aklat-aralin. allowance. – M.: Ros. acad. musika sa kanila. Gnessin, 2006.

Institusyong pang-edukasyon sa badyet ng munisipyo

karagdagang edukasyon para sa mga bata

Ogudnevsky na paaralan ng sining ng mga bata

Shchelkovsky munisipal na distrito ng rehiyon ng Moscow

abstract
Naaayon sa paksa:
« Mga paraan ng paglalaro ng pindutan ng akurdyon, akurdyon

F.R. Lipsa»

Binuo ni:

guro ng akurdyon

Pushkova Lyudmila Anatolyevna

Panimula

Ang sining ng paglalaro ng button accordion ay isang medyo batang genre na malawakang binuo lamang noong panahon ng Sobyet. Ang sistema ng edukasyong pangmusika para sa mga nagtatanghal sa mga katutubong instrumento ay nagsimulang mabuo noong huling bahagi ng 1920s at unang bahagi ng 1930s. Ang mahalagang gawaing ito ay mainit na suportado ng mga kilalang pigura ng pampublikong edukasyon at sining (A. V. Lunacharsky, A. K. Glazunov, M. I. Ippolitov-Ivanov, V. E. Meyerhold, at iba pa). Ang mga mahuhusay na musikero ng iba't ibang mga specialty ay walang interes na ipinasa ang kanilang propesyonal na karanasan sa mga performer sa mga katutubong instrumento at sa maikling panahon ay tinulungan silang pumasok sa mundo ng mahusay na musika; sa kasalukuyan, sa larangan ng pambansa instrumental na sining libu-libong mga espesyalista ang matagumpay na gumagana - mga performer, conductor, guro, methodologist, artist ng mga musical group; samakatuwid, ang mga praktikal na tagumpay ng pagganap at pedagogy ay unti-unting lumikha ng batayan para sa pangkalahatan ang naipon na karanasan sa mga manwal na pang-edukasyon at pamamaraan.

Dapat ding tandaan na ang pagpapakilala sa pagsasanay ng pinaka-progresibong uri ng instrumento - ang ready-to-choice na button na akordyon - ay makabuluhang nakaimpluwensya sa buong proseso ng pagsasanay sa mga manlalaro ng bayan: sa maikling panahon, ang repertoire ay nagbago nang malaki, ang nagpapahayag at ang mga teknikal na kakayahan ng mga gumaganap ay lumawak nang hindi katimbang, at ang pangkalahatang antas kulturang gumaganap. Nagsimulang maganap ang mga makabuluhang pagbabago sa pamamaraan ng pagtuturo at pagtuturo ng bagong henerasyon ng mga manlalaro ng bayan; ang mga pamantayan na nagsimulang iharap sa mga pag-unlad ng pedagogical at metodolohikal ay lumago din: ang mga prinsipyo ng bisa ng siyensya at malapit na koneksyon sa mga praktikal na aktibidad ay naging nangungunang para sa kanila (halimbawa, ang isang bilang ng mga disertasyon ay ipinagtanggol ngayon sa iba't ibang mga problema ng musikal. pedagogy, sikolohiya, kasaysayan at teorya ng pagganap sa larangan ng katutubong instrumental na sining: sa gayon, ang mga makabuluhang tagumpay ng musikal at artistikong kasanayan at pedagogy ay tumatanggap ng isang matatag na pang-agham at teoretikal na batayan, na kung saan ay nagpapasigla sa kanilang karagdagang pag-unlad).

Pinarangalan na Artist ng RSFSR, nagwagi ng mga internasyonal na kumpetisyon, associate professor ng State Musical and Pedagogical Institute. Si Gnesinykh Friedrich Robertovich Lips mismo ang pinakamahusay na halimbawa ng isang modernong accordion player - isang erudite, edukadong musikero, pinalaki ang pinakamahusay na mga tradisyon ng domestic at foreign musical culture. Batay sa pinakamahusay na mga nagawa ng paaralan ng bayan ng Sobyet, na naging pinuno sa internasyonal na arena mula noong 70s ng huling siglo, nang maingat na buod ang mahusay na personal at kolektibong karanasan sa pagganap, nagawa ng maestro na isaalang-alang nang detalyado ang sentral mga problema ng mga kasanayan sa pagganap ng bayanista - pagkuha ng tunog, diskarte sa pagganap, mga katanungan ng interpretasyon ng isang gawaing musikal at ang mga tiyak na pagtatanghal ng konsiyerto - sa kanyang "Sining ng pagtugtog ng pindutan ng akordyon", na nararapat na maging isa sa mga pangunahing kinikilalang paraan ng pagsasanay sa kabataan. mga performer.

Ang pamamaraan ng F. Lips ay nakikilala sa pamamagitan ng pagpapatuloy, maingat na pangangalaga ng lahat ng pinakamahusay at pinakamahalaga, ang pagbuo ng mga progresibong uso, pananaw, direksyon at ang pinakamalapit na koneksyon sa pagganap at pedagogical na kasanayan: halimbawa, isinasaalang-alang ang mga problema sa paggawa ng tunog, nire-refract niya ang karanasan ng mga musikero ng iba pang mga specialty alinsunod sa mga detalye ng button accordion (lalo na kapag gumaganap ng mga kaayusan), babala laban sa bulag na imitasyon ng tunog ng iba pang mga instrumento - na may ibang likas na katangian ng paggawa ng tunog. Ayon kay F. Lips, ang diskarte sa pagtatanghal (isang hanay ng pagtatanghal ay nangangahulugan na ang bawat musikero, sa isip, ay dapat na makabisado nang buo), ay hindi isang katapusan para sa isang guro/mag-aaral, ngunit naglalayong isama ang isa o ibang musikal na imahe sa pamamagitan ng pagkuha ng isang tunog ng isang naaangkop na kalikasan. Upang gawin ito, kailangan mong magkaroon ng isang mahusay na pag-unawa sa lahat ng mga bahagi ng kumplikadong ito, halos pakiramdam at pagsamahin ang pinakamahusay na mga kasanayan sa paglalaro, bumuo sa batayan ng pangkalahatang mga prinsipyo iyong personal na diskarte sa sining. Ang mga nasabing elemento ng complex ay kinabibilangan ng mga kasanayan sa pagtatanghal ng dula (upuan, pag-install ng instrumento, mga posisyon ng kamay), mga elemento ng pamamaraan ng button accordion, at fingering.

Ang mga sumusunod ay mahalagang probisyon din ng pamamaraan:

• 
  pagtatanghal ng dula bilang isang proseso na naglalahad sa oras;
• 
  malikhaing diskarte upang gumana sa mga elemento ng pamamaraan ng akordyon ng pindutan;
• 
  ang prinsipyo ng suporta sa timbang kapag naglalaro ng pindutan ng akurdyon (akurdyon);
• 
  mga prinsipyo ng artistikong kondisyon ng daliri.

Ano ang lalong mahalaga para sa akin bilang isang guro sa pamamaraan ng F. Lips ay ang katotohanan din na ang may-akda ay nag-aalok ng co-creation: nang hindi inilalahad ang kanyang mga rekomendasyon bilang "ultimate truth", nag-aalok siya na paniwalaan ang mga ito sa kongkretong pagsasanay, upang ilapat sa kanyang araw-araw aktibidad ng pedagogical mga konklusyon at rekomendasyon na ginawa niya at, alinsunod sa kanyang karanasan, gumuhit ng kanyang sariling mga konklusyon, kaya. nagbibigay inspirasyon sa mga personal na paghahanap at indibidwal na pagkamalikhain.

Ang mahusay na personal na karanasan ng isang gumaganap na musikero at guro ay makikita sa atensyon na binabayaran ni F. Lips sa pagbuo ng artistikong panlasa ng isang accordion player, dahil ang sagisag ng intensyon ng isang kompositor sa tunay na tunog ng isang instrumento ay ang pinakamahalaga. , responsable at mahirap na problema para sa sinumang musikero: halos lahat ay nakatuon dito ang mga gawain ng mga sining ng pagganap - mula sa isang malalim na pag-aaral ng teksto, nilalaman, anyo at istilo ng isang akda, isang maingat na pagpili ng kinakailangang tunog na nagpapahayag at teknikal na paraan, sa pamamagitan ng ang maingat na sagisag ng nilalayon na interpretasyon sa pang-araw-araw na pagpapakinis sa isang pagtatanghal ng konsiyerto sa harap ng madla. Ang patuloy na pag-asa sa mataas na mga prinsipyo ng sining, pagiging may layunin at paghahanap para sa isang bagong bagay, artistikong mahalaga, pagpapalawak ng paraan ng pagpapahayag at pag-unawa sa mga subtleties ng estilo, nilalaman at anyo, pagpapabuti ng mga kasanayan at pagpapalalim ng propesyonalismo - ito ang mga pangunahing gawain ng bawat musikero dapat harapin.

Ang pamamaraan mismo ay nakikilala sa pamamagitan ng kalinawan ng samahan ng proseso ng pag-aaral, pagiging maikli, na, gayunpaman, ay kinabibilangan ng maraming mga pamamaraan para sa pagpapasigla ng mga malikhaing paghahanap ng mag-aaral, na nag-iiwan ng puwang para sa larangan ng malikhaing: ang mag-aaral, na higit sa kanyang pagnanais o kahandaan, ay nahahanap ang kanyang sarili. sa isang sitwasyon ng hindi inaasahang kaguluhan mula sa mataktika ngunit paulit-ulit na mga gawain ng guro: "mag-isip", "subukan", "magbigay ng pagkakataon", "lumikha", atbp. (kaya lumilikha ng isang "pagpukaw" para sa improvisasyon); ang mag-aaral sa lahat ng oras ay nararamdaman ang malikhaing enerhiya ng aralin, kung saan kinakailangan niyang maibigay ang orihinalidad ng kanyang laro, pagka-orihinal. Ang mga semantic accent ay inilalagay sa mga stroke, mga diskarte, mga nuances, habang ang mga maliliit na depekto ng mag-aaral ay hindi pinapansin. Ang ganitong sining ng paglikha ng mga malikhaing dinamika at malinaw na hawak ang pangunahing ideya (layunin) ay nagbibigay-daan sa mga mag-aaral na maniwala sa kanilang sarili, na madama kahit sa isang sandali ang estado ng isang musikero "nang walang sakong Achilles", kung wala ang tunay na mga himala ng kaalaman sa sarili. at ang pagpapakita ng sarili ay imposible - ang tunay na mga layunin ng proseso ng edukasyon.

Pagbuo ng pagpapahayag ng tunog

Tulad ng alam mo, ang sining ay sumasalamin totoong buhay masining na midya at mga anyo ng sining. Ang bawat uri ng sining ay may sariling paraan ng pagpapahayag. Halimbawa, sa pagpipinta ang isa sa pangunahing paraan ng pagpapahayag ay kulay. Sa sining ng musika, mula sa buong arsenal ng mga nagpapahayag na paraan, walang alinlangan na iisa-isahin natin ang tunog bilang pinakamahalaga: ito ang sound embodiment na nagpapakilala sa isang gawa ng musikal na sining mula sa iba pa, "ang tunog ay ang mismong bagay ng musika"(Neuhaus), ang pangunahing prinsipyo nito. Walang musika na walang tunog, kaya ang pangunahing pagsisikap ng isang gumaganap na musikero ay dapat idirekta sa pagbuo ng sound expressiveness.

Ang bawat musikero para sa matagumpay na pagganap at pagtuturo ng mga aktibidad ay dapat malaman ang mga tiyak na katangian ng kanyang instrumento. Ang modernong button accordion at accordion ay may maraming likas na katangian na nagpapakilala sa masining na anyo ng instrumento. Sa pagsasalita tungkol sa mga positibong katangian ng pindutan ng accordion/accordion, siyempre, una sa lahat, pag-uusapan natin ang tungkol sa mga pakinabang ng tunog nito - isang maganda, malambing na tono, salamat sa kung saan ang tagapalabas ay nakapagbibigay ng pinaka magkakaibang lilim ng musikal at masining. pagpapahayag. Dito at kalungkutan, at kalungkutan, at kagalakan, walang pigil na saya, at mahika, at kalungkutan.

paraan ng artikulasyon

Ang proseso ng tunog ng bawat nakuhang tunog ay maaaring nahahati sa tatlong pangunahing yugto: ang pag-atake ng tunog, ang direktang proseso sa loob ng tunog ng tunog (nangunguna sa tunog), at ang pagtatapos ng tunog. Dapat tandaan na ang tunay na tunog ay nakakamit bilang isang resulta ng direktang gawain ng mga daliri at bubulusan, at ang paraan ng pagpindot ng mga daliri sa mga susi at ang paraan ng patuloy na pagpupuno ng mga bubulusan, na dapat laging alalahanin. .

Maaari kaming magbigay ng isang buod ng tatlong pangunahing paraan ng naturang pakikipag-ugnayan (ayon kay V.L. Pukhnovsky):

1. 
   Pindutin ang ninanais na key gamit ang iyong daliri, pagkatapos ay ilipat ang balahibo na may kinakailangang pagsisikap (ang tinatawag na "fur articulation" - sa terminolohiya ng Pukhnovsky). Ang pagtigil ng tunog ay nakamit sa pamamagitan ng paghinto sa paggalaw ng balahibo, pagkatapos kung saan ang daliri ay naglalabas ng susi. Sa kasong ito, ang pag-atake ng tunog at ang pagtatapos nito ay nakakakuha ng isang makinis, malambot na karakter, na, siyempre, ay magbabago depende sa aktibidad ng mga bubulusan.
2. 
   Ilipat ang balahibo sa kinakailangang pagsisikap, pagkatapos ay pindutin ang key. Ang tunog ay huminto sa pamamagitan ng pag-alis ng daliri sa susi at pagkatapos ay pagpapahinto sa balahibo (finger articulation). Gamit ang paraan ng pagkuha ng tunog, nakakamit namin ang isang matalim na pag-atake at pagtatapos ng tunog. Ang antas ng sharpness dito ay matutukoy kasama ang aktibidad ng bubulusan sa pamamagitan ng bilis ng pagpindot sa key, sa madaling salita, ang touch feature.
3. 
   Sa pamamagitan ng fur-finger articulation, ang pag-atake at pagtatapos ng tunog ay nakakamit bilang resulta ng sabay-sabay na gawain ng balahibo at daliri. Dito muli ay dapat bigyang-diin na ang likas na katangian ng pagpindot at ang intensity ng mga bubulusan ay direktang makakaapekto sa simula ng tunog at sa pagtatapos nito.

Presyon karaniwang ginagamit ng mga manlalaro ng bayan sa mabagal na mga seksyon ng isang piyesa upang makakuha ng magkakaugnay na tunog. Ang mga daliri ay matatagpuan malapit sa mga susi at maaari pang hawakan ang mga ito. Ang brush ay malambot, ngunit hindi maluwag, dapat itong magkaroon ng pakiramdam ng may layunin na kalayaan. Hindi na kailangang umindayog. Dahan-dahang pinindot ng daliri ang gustong key, na nagiging sanhi ng maayos na paglubog nito hanggang sa paghinto. Ang bawat kasunod na key ay pinipindot nang maayos, at kasabay ng pagpindot sa susunod na key, ang nauna ay marahang bumalik sa orihinal nitong posisyon. Sa pagpindot, tila hinahaplos ng mga daliri ang mga susi.

Napakahalaga para sa manlalaro ng accordion na tiyakin na sa panahon ng konektadong paglalaro ng mga daliri ang puwersa ay inilalapat lamang upang pindutin ang key at ayusin ito sa stop point. Ang pagpindot sa key pagkatapos maramdaman ang "ibaba" ay hindi dapat. Ito ay hahantong lamang sa hindi kinakailangang pag-igting ng brush. Napakahalaga na ang probisyong ito ay isaalang-alang ng lahat ng mga guro sa paunang yugto ng pagsasanay - pagkatapos ng lahat, ang mga nakakuyom na mga kamay ay hindi biglang lumilitaw sa mga paaralan at conservatories.

Itulak, pati na rin ang presyon, ay hindi nangangailangan ng pag-indayog ng mga daliri, gayunpaman, hindi katulad ng presyon, "ang daliri ay mabilis na nilulubog ang susi sa paghinto at tinataboy ito ng mabilis na paggalaw ng pulso (ang mga paggalaw na ito ay sinamahan ng isang maikling haltak ng balahibo. )". Sa ganitong paraan ng pagkuha ng tunog, ang mga staccato-type na stroke ay nakakamit.

Hit ay nauuna sa pamamagitan ng isang alon ng isang daliri, isang brush, o pareho nang magkasama. Ang ganitong uri ng tinta ay inilalapat sa magkakahiwalay na mga stroke (mula sa hindi legato hanggang sa staccatissimo). Pagkatapos kunin ang mga gustong tunog, mabilis na bumalik ang gaming machine sa orihinal nitong posisyon sa itaas ng keyboard. Ang mabilis na pagbabalik na ito ay walang iba kundi isang swing para sa isang follow-up na strike.

madulas(glissando) ay isa pang uri ng touche. Ang Glissando ay nilalaro mula sa itaas hanggang sa ibaba gamit ang hinlalaki. Dahil sa ang katunayan na ang mga susi ng accordion sa anumang hilera ay nakaayos sa maliliit na ikatlong bahagi, ang isang solong hilera na glissando ay parang isang pinaliit na ikapitong chord. Sa pamamagitan ng pag-slide pababa ng tatlong row nang sabay-sabay, makakamit natin ang isang chromatic glissando na may sariling appeal. glissando up ang keyboard ay ginaganap gamit ang ika-2, ika-3 at ika-4 na daliri. Ang unang daliri, na hawakan ang pad ng hintuturo, ay lumilikha ng komportableng suporta (ito ay lumalabas, parang, dumudulas na may isang bungkos ng mga daliri). Upang makamit ang hindi random na pag-slide, lalo na ang chromatic, inirerekumenda na ang mga daliri ay ilagay hindi parallel sa mga pahilig na hilera ng keyboard, ngunit medyo sa isang anggulo at may nangungunang posisyon ng hintuturo.

Mga mekanismo para sa paglalaro ng balahibo

Ang mga pangunahing paraan ng paglalaro ng balahibo ay ang pag-unclench at pagpisil. Ang lahat ng natitira ay karaniwang binuo sa iba't ibang mga kumbinasyon ng pagpapalawak at compression.

Ang isa sa pinakamahalagang tagapagpahiwatig ng husay ng kultura ng pagganap ng isang accordion player ay isang mahusay na pagbabago sa direksyon ng paggalaw o, gaya ng sinasabi nila ngayon, pagbabago ng balahibo. Kasabay nito, dapat itong alalahanin musikal na pag-iisip sa panahon ng pagbabago ng bellows ay hindi dapat magambala. Pinakamabuting magpalit ng balahibo sa sandali ng syntactic caesura. Gayunpaman, sa pagsasagawa ito ay malayo mula sa palaging posible na baguhin ang balahibo sa mga pinaka-maginhawang sandali: halimbawa, sa mga polyphonic na piraso kung minsan ay kinakailangan upang baguhin ang balahibo kahit na sa isang matagal na tono. Sa ganitong mga kaso, kinakailangan:

a) makinig sa tagal ng tala bago baguhin ang balahibo hanggang sa dulo;

b) mabilis na baguhin ang balahibo, pinipigilan ang hitsura ng caesura;

c) siguraduhin na ang dynamics pagkatapos ng pagbabago ng bellows ay hindi nagiging mas kaunti o, na nangyayari nang mas madalas, higit sa kinakailangan ayon sa lohika ng pag-unlad ng musika.

Tila ang maliliit na paggalaw ng katawan ng tagapalabas sa kaliwa (kapag lumalawak) at sa kanan (kapag pinipisil) ay maaari ding mag-ambag sa isang mas natatanging pagbabago ng balahibo, na tumutulong sa gawain ng kaliwang kamay.

Sa akademikong paggawa ng musika, ang agham ng balahibo ay dapat na mahigpit; kapag natanggal, ang balahibo ay nahahati sa kaliwa at bahagyang pababa. Ang ilang mga akordyonista ay "nagdadala ng mga balahibo", na naglalarawan ng isang kulot na linya na may kaliwang kalahating katawan at pinangungunahan ito sa kaliwa. Bilang karagdagan sa katotohanan na mukhang hindi kaakit-akit na aesthetically, wala ring saysay ang pag-angat ng isang mabigat na semi-hull. Mas mainam na baguhin ang balahibo bago ang malakas na pagkatalo, kung gayon ang pagbabago ay hindi masyadong kapansin-pansin. Sa mga pagsasaayos ng mga katutubong kanta, kadalasan ay may mga pagkakaiba-iba na itinakda sa panlabing-anim na mga tagal, kung saan maririnig mo pa rin minsan ang pagbabago ng balahibo hindi bago ang isang malakas na kumpas, ngunit pagkatapos nito. Malinaw, ang mga manlalaro ng accordion sa mga kasong ito ay masigasig na dalhin ang daanan sa lohikal na tuktok nito, ngunit nakalimutan nila na ang downbeat ay maaaring makuha sa pamamagitan ng pag-jerking ng bellow sa kabaligtaran na direksyon, habang iniiwasan ang kasunod na hindi natural na pahinga sa pagitan ng mga labing-anim.

Ito ay kilala na ang paglalaro ng button accordion ay nangangailangan ng malaking pisikal na pagsisikap. At, kung patuloy na pinapaalalahanan ni G. Neuhaus ang kanyang mga mag-aaral na "madaling tumugtog ng piano!", kung gayon kaugnay sa pindutan ng akordyon, halos hindi natin maibulalas ang isang bagay na tulad nito. Mahirap para sa isang accordion player na tumugtog ng malakas at mahabang panahon, dahil ang tingga ng bellow ay nangangailangan ng maraming enerhiya, lalo na kapag naglalaro habang nakatayo. Kasabay nito, ang paglapit sa aphorism ni Neuhaus nang malikhain, darating tayo sa konklusyon na kapag naglalaro ng anumang instrumento, kailangan mo ng isang pakiramdam ng kaginhawahan, kung gusto mo ng kaginhawahan, bukod pa, kasiyahan. Ang isang tao ay dapat na patuloy na makaramdam ng kalayaan, at kalayaan, wika nga, na naglalayon sa pagsasakatuparan ng mga tiyak na gawaing masining. Ang pagsisikap na kinakailangan kapag nagtatrabaho sa balahibo, kung minsan, sa kasamaang-palad, ay nagiging sanhi ng pagkurot ng mga kamay, kalamnan ng leeg o buong katawan. Kailangang matutunan ng isang accompanist kung paano mag-relax habang naglalaro; kapag nagtatrabaho ng ilang mga kalamnan, sabihin nating, para sa pagkalat, ito ay kinakailangan upang i-relax ang mga kalamnan na gumagana para sa compression, at vice versa, at ang mga static na stress ng gaming machine ay dapat na iwasan sa panahon ng pagganap, kahit na kailangan mong maglaro habang nakatayo.

Matagal nang sikat ang mga accordionist sa Russia para sa kanilang birtuoso na naglalaro ng balahibo. Ang ilang mga uri ng harmonicas, kapag pinindot ang parehong key, ay gumawa ng iba't ibang mga tunog sa pag-unclench at pag-compress; Ang pagtugtog ng gayong mga instrumento ay nangangailangan ng mahusay na kasanayan mula sa mga gumaganap. Mayroon ding ganoong ekspresyon: "shake furs." Sa pamamagitan ng pag-alog ng mga bubulusan, nakamit ng mga harmonist ang isang kakaibang sound effect na inaasahan ang pagdating ng modernong bellows tremolo. Nakakapagtataka na sa dayuhang orihinal na panitikan ang tremolo na may balahibo ay ipinahiwatig ng mga salitang Ingles - Bellows Shake, na literal na nangangahulugang: "shake with fur". Sa ngayon, naging uso sa mga manlalaro ng bayan na ihambing ang papel ng bubulusan sa papel ng pana ng violinist, dahil ang kanilang mga tungkulin ay halos magkapareho, at ang sining ng violin sa lahat ng oras ay may isang masa ng mga katangiang paghampas na eksaktong ginagampanan ng busog.

Mga stroke at kung paano isagawa ang mga ito

Kasama sa pagganap ng musika ang isang buong complex ng mga stroke at iba't ibang paraan ng pagkuha ng tunog. Sa mga manlalaro ng bayan, hindi pa nabubuo ang pinag-isang depinisyon ng stroke at mga diskarte sa paglalaro, may kalituhan kung may pagkakaiba ang paraan ng paglalaro at teknik, ang technique at stroke. Minsan naglalagay pa sila ng pantay na tanda sa pagitan ng mga konseptong ito. Nang hindi nagpapanggap na maging kategorya, subukan nating tukuyin ang mga konsepto ng stroke, pamamaraan at pamamaraan. Ang isang stroke ay isang katangian ng tunog dahil sa isang tiyak na makasagisag na nilalaman, na nakuha bilang isang resulta ng isang tiyak na artikulasyon.

Isaalang-alang ang mga tampok na katangian ng mga pangunahing stroke at kung paano ito isinasagawa.

Legatissimo- ang pinakamataas na antas ng konektadong paglalaro. Ang mga susi ay pinindot at ibinababa nang maayos hangga't maaari, habang iniiwasan ang pagpapataw ng mga tunog sa isa't isa - ito ay isang tanda ng hindi hinihingi na lasa.

Legato- konektadong laro. Ang mga daliri ay matatagpuan sa keyboard, hindi na kailangang itaas ang mga ito nang mataas. Kapag naglalaro ng legato (at hindi lamang legato), hindi mo dapat pindutin ang key na may labis na puwersa. Dapat tandaan ng accordionist mula sa mga unang hakbang ng pag-aaral na ang lakas ng tunog ay hindi nakasalalay sa puwersa ng pagpindot sa susi. Sapat na ang puwersa na nagtagumpay sa paglaban ng tagsibol at humahawak sa susi sa estado ng chime. Kapag naglalaro ng cantilena, napakahalaga na maging sensitibo sa ibabaw ng mga susi gamit ang iyong mga daliri. “Dapat hinaplos ang susi! Ang susi ay nagmamahal sa pagmamahal! Sumasagot lang siya sa ganda ng tunog! - sabi ni N. Mettner. “... ang dulo ng daliri ay dapat, kumbaga, tumubo kasama ng susi. Sapagkat sa ganitong paraan lamang magkakaroon ng pakiramdam na ang susi ay isang extension ng ating kamay ”(J. Gat). Hindi kinakailangan na bayuhin ng matitigas, matitigas na mga daliri.

portato- isang konektadong laro, kung saan ang mga tunog ay, kumbaga, pinaghihiwalay mula sa isa't isa sa pamamagitan ng isang mahinang pagtulak ng daliri. Ang stroke na ito ay ginagamit sa mga melodies ng isang declamatory na kalikasan, ito ay ginanap nang madalas na may isang banayad na suntok sa daliri.

Tenuto– pagpapanatili ng mga tunog nang eksakto alinsunod sa tinukoy na tagal at lakas ng dynamics; nabibilang sa kategorya ng mga hiwalay na stroke. Ang simula ng isang tunog at ang pagtatapos nito ay may parehong anyo. Ginagawa ito sa pamamagitan ng isang suntok o isang pagtulak na may pantay na pag-uugali ng balahibo.

Maghiwalay- isang stroke na ginagamit sa parehong konektado at hindi magkakaugnay na mga laro. Ito ay ang pagkuha ng bawat tunog sa pamamagitan ng isang hiwalay na paggalaw ng balahibo upang buksan o isara. Ang mga daliri ay maaaring manatili sa mga susi o matanggal ang mga ito.

Marcato- nagbibigay-diin, nagbibigay-diin. Ito ay ginaganap sa pamamagitan ng isang aktibong hampas ng daliri at isang haltak ng balahibo.

hindi legato- hindi konektado. Ginagawa ito ng isa sa tatlong pangunahing uri ng pagpindot na may makinis na paggalaw ng balahibo. Ang tunog na bahagi ng tono ay maaaring magkaiba ang tagal, ngunit hindi bababa sa kalahati ng tinukoy na tagal (ibig sabihin, ang oras ng pagtunog ay dapat na hindi bababa sa katumbas ng hindi tumutunog na oras). Ang stroke na ito ay nakakakuha ng pantay-pantay sa kaso kapag ang tumutunog na bahagi ng tono ay katumbas ng artipisyal na paghinto (hindi tumutunog na bahagi) na nangyayari sa pagitan ng mga tunog ng melodic na linya.

Staccato- matalim, biglang tunog. Ito ay inalis, bilang isang panuntunan, na may isang alon ng isang daliri o isang brush na may kahit na balahibo. Depende sa nilalamang musikal ang stroke na ito ay maaaring higit pa o hindi gaanong talamak, ngunit sa anumang kaso, ang aktwal na tagal ng tunog ay hindi dapat lumampas sa kalahati ng tala na ipinahiwatig sa teksto. Ang mga daliri ay magaan at nakolekta.

Martel- Naka-accentuated na staccato. Ang paraan ng pagkuha ng stroke na ito ay katulad ng pagkuha ng marcato, ngunit ang katangian ng tunog ay mas matalas.

Ang marcato at martele stroke ay dapat bigyan ng higit na pansin sa trabaho, dahil ang mga ito ay mahalagang nagpapahayag na paraan para sa akordyonista. Sa kasamaang palad, ang isang tao ay madalas na nakakarinig ng kahit, hindi maipahayag na kaalaman sa balahibo, at walang kadaliang kumilos kapag naglalaro ng iba't ibang mga stroke at mga diskarte na may balahibo.

Staccatissimo- ang pinakamataas na antas ng sharpness sa tunog. Ito ay nakakamit sa mga magaan na stroke ng mga daliri o isang kamay, habang ito ay kinakailangan upang subaybayan ang konsentrasyon ng gaming machine.

Nagrerehistro

Dapat palaging tandaan na ang mga rehistro ay hindi isang luho, ngunit isang paraan upang makamit ang isang mas kahanga-hangang artistikong resulta. Dapat silang gamitin nang matalino. Ang ilang mga akordyonista ay literal na inililipat ang mga ito sa bawat isa o dalawang hakbang, habang ang parirala, pag-iisip, pagpaparehistro ay nagiging isang wakas sa sarili nito. Alam ng lahat kung gaano kahusay ang mga Hapones na kumukuha ng magagandang bouquet ng ilang bulaklak, na mukhang mas kaakit-akit kaysa sa walang lasa na kumbinasyon ng maraming bulaklak sa isang bouquet. Sa palagay ko, sa ilang lawak maaari mong ihambing ang sining ng pag-aayos ng mga bouquet sa sining ng pagpaparehistro.

Ang ilang mga manlalaro ng button accordion ay gumagamit ng mga register na may mga octave na pagdodoble sa lahat ng oras (madalas - "accordion na may piccolo"). Gayunpaman, kapag ang isang melodious folk melody o isang recitative theme ay nilalaro, angkop na gumamit ng monophonic registers, gayundin ang unison.

Ang kaso ng tutti ay dapat na nakalaan para sa climactic episodes, para sa mga kalunos-lunos, solemne-bayanihang mga seksyon. Pinakamainam na baguhin ang mga rehistro sa ilang mahalaga o medyo mahalagang mahahalagang sandali: sa mga gilid ng seksyon ng form, na may pagtaas o pagbaba sa bilang ng mga boto, pagbabago sa texture, atbp. espesyal na higpit ay dapat sa pagpili ng mga rehistro sa polyphony. Ang tema ng fugue sa eksposisyon ay karaniwang hindi nilalaro sa "tutti" register. Mas mainam na gamitin ang mga sumusunod na timbre: button accordion, button accordion na may piccolo, organ.

Dynamics

Halos bawat instrumentong pangmusika ay may relatibong malaking dynamic range, na umaabot nang may kondisyon sa loob ppp – fff. Ang ilang mga instrumento (organ, harpsichord) ay walang kakayahan para sa flexible dynamic na nuance. Ang isang bilang ng mga instrumento ng hangin sa ilang mga tessitura ay dynamic na malamya, dahil nakakagawa lamang sila ng mga tunog, halimbawa, sa isang nuance na f o p lamang. Maswerte si Bayan sa bagay na ito. Perpektong pinagsasama nito ang isang medyo malaking dynamic amplitude na may pinakamagandang sound thinning sa loob ng buong range.

Tulad ng alam mo, sa proseso ng pagbuo ng tunog sa pindutan ng akurdyon, ang pinakamahalagang papel ay kabilang sa balahibo. Kung gumuhit tayo ng isang pagkakatulad sa pagitan ng isang piraso ng musika at isang buhay na organismo, kung gayon ang balahibo ng akurdyon ay gumaganap, parang, ang pag-andar ng mga baga, paghinga ng buhay sa pagganap ng piraso. Ang balahibo, nang walang pagmamalabis, ay ang pangunahing paraan para sa pagkamit ng masining na pagpapahayag. Ngunit alam ba ng lahat ng manlalaro ng bayan ang mga dynamic na kakayahan ng kanilang instrumento sa mga subtleties, lahat ba sila ay may sapat na kakayahang umangkop, mobile na kaalaman sa mekanika? Malamang na hindi natin masasagot ang tanong na ito sa sang-ayon. Ang isang sensitibo, maingat na saloobin sa tunog ay dapat itanim sa mga mag-aaral mula sa mga unang hakbang ng pag-aaral. Dapat alam ng bawat bayanista ang lahat ng subtleties ng kanyang instrumento at magagamit ang dinamika sa anumang nuance, mula pp hanggang ff. Kung tayo, sa pamamagitan ng pagpindot sa isang key, ilipat ang balahibo nang may kaunting pagsisikap, makakamit natin ang gayong paraan ng agham ng makina kung saan ang balahibo ay nag-iiba (o nagtatagpo) nang napakabagal, at walang tunog. Alinsunod sa angkop na terminolohiya ni G. Neuhaus, sa kasong ito ay makakakuha tayo ng "ilang zero", "hindi pa tunog". Ang pagkakaroon ng bahagyang pagtaas ng pag-igting ng balahibo, madarama natin, maririnig ang pinagmulan ng tunog sa pindutan ng akurdyon. Ang pakiramdam ng gilid, pagkatapos kung saan ang tunay na tunog ay lilitaw, ay lubhang mahalaga para sa isang accordion player. Marami sa kasong ito ang nakasalalay sa katumpakan ng kontrol sa pandinig, sa kakayahan ng musikero na makinig sa katahimikan. Kung ang isang artist ay may isang blangkong papel o isang canvas bilang background para sa isang drawing, kung gayon ang katahimikan ay isang background para sa musika para sa isang performer. Ang isang musikero na may sensitibong tainga ay maaaring lumikha ng pinakamahusay na pag-record ng tunog sa katahimikan. Ang kakayahang makinig sa mga paghinto ay mahalaga din dito. Ang pagpuno sa isang paghinto ng nilalaman ay ang pinakamataas na sining: "Ang panahunan na katahimikan sa pagitan ng dalawang parirala, na nagiging musika mismo sa gayong kapitbahayan, ay nagbibigay sa atin ng premonisyon ng isang bagay na higit pa sa isang mas tiyak, ngunit samakatuwid ay hindi gaanong pinalawak na tunog ang maibibigay" 1 . Ang kakayahang tumugtog ng pianissimo at panatilihin ang mga manonood sa pag-aalinlangan ay palaging nakikilala ang mga tunay na musikero. Ito ay kinakailangan upang makamit ang paglipad ng tunog na may isang minimum na sonority, upang ang tunog ay nabubuhay, nagmamadali sa bulwagan. Ang nakatayo, patay na tunog sa piano ay makakaantig sa ilang tao.

Sa texture ng chord, kinakailangan upang matiyak na ang lahat ng mga boses ay tumutugon nang may kaunting sonority. Ito ay totoo lalo na sa huling chord sa anumang mabagal na piraso, na dapat tunog morendo. Dapat marinig ng accordionist ang dulo ng chord sa kabuuan, at hindi ito i-drag palabas hanggang sa huminto ang mga tunog ng isa-isa. Madalas nating marinig ang hindi katimbang na mahabang tunog ng huling chord sa mga piraso, parehong sa f at p. Ang huling chord ay dapat na "iguguhit gamit ang tainga", at hindi depende sa supply ng balahibo.

Ang pagtaas ng pag-igting ng balahibo, nakakakuha kami ng unti-unting pagtaas sa sonority. Gamit ang fff nuance, may linya din, pagkatapos nito ay nawawala ang aesthetic appeal ng tunog. Sa ilalim ng impluwensya ng labis na presyon ng hangin sa mga butas ng resonator, ang mga metal na tinig ay nakakakuha ng isang labis na matalim, matinis na tunog, ang ilan sa kanila ay nagsisimula pa ring sumabog. Inilarawan ni Neuhaus ang zone na ito bilang "hindi na tunog". Ang accordion player ay dapat matutong maramdaman ang tonal na limitasyon ng kanyang instrumento at makamit ang isang buo, mayaman, marangal na tunog sa fortissimo. Kung hihingi ka ng mas maraming tunog mula sa instrumento kaysa sa maibibigay nito, ang likas na katangian ng button na akordyon, tulad ng nabanggit na, ay "maghihiganti". Kapaki-pakinabang na maingat na sundin ang tunog mula sa simula nito hanggang sa fortissimo. Sa proseso ng pagpapalakas ng sonority, maririnig natin ang napakalaking kayamanan ng mga dinamikong gradasyon (pangkalahatang tinatanggap na mga pagtatalaga: prr, pp, p, mf, f, ff, fff - sa anumang paraan ay hindi magbibigay ng kumpletong larawan ng pagkakaiba-iba ng ang dynamic na sukat).

Kinakailangang matutunan kung paano gamitin ang buong dynamic na hanay ng button accordion, at kadalasang ginagamit ng mga mag-aaral ang dynamics sa loob lamang ng mga limitasyon ng mp - mf, at sa gayon ay pinapahirapan ang kanilang sound palette. Karaniwan din ang kawalan ng kakayahang ipakita ang pagkakaiba sa pagitan ng p at pp, f at ff. Bukod dito, para sa ilang mga mag-aaral, ang f at p ay tumutunog sa isang lugar sa parehong eroplano, sa average na dynamic na zone - kaya ang kulay abo, walang mukha ng pagganap. Sa mga katulad na kaso, K.S. Sinabi ni Stanislavsky: "Kung gusto mong maglaro ng kasamaan, tingnan mo. Saan siya mabait! Sa madaling salita: kung gusto mong maglaro ng forte, magpakita ng totoong piano para sa contrast.

Sa pagkakataong ito, sinabi ni G. Neuhaus: "Hindi dapat malito si Maria Pavlovna (mp) kay Maria Fedorovna (mf), Petya (p) kay Pyotr Petrovich (pp), Fedya (f) kay Fedor Fedorovich (ff)".

napaka mahalagang punto ay din ang kakayahang ipamahagi ang crescendo at diminuendo sa kinakailangang bahagi ng musikal na materyal. Ang pinakakaraniwang mga pagkukulang sa bagay na ito ay ang mga sumusunod:

1. 
   Ang kinakailangang crescendo (diminuendo) ay ginagawa nang napakabagal, malumanay, na halos hindi ito nararamdaman.
2. 
   Ang pagpapalakas (pagpapahina) ng dinamika ay hindi ginagawa ng poco a poco (hindi unti-unti), ngunit sa mga pagtalon, na nagpapalit-palit ng kahit na dinamika.
3. 
   Ang Crescendo ay nilalaro nang maayos, nakakumbinsi, ngunit walang kasukdulan, sa halip na isang taluktok ng bundok, inaalok kami na pag-isipan ang isang tiyak na talampas.

Kinakailangan na laging tandaan ang layunin (sa kasong ito, ang paghantong), dahil ang pagnanais para dito ay nagpapahiwatig ng paggalaw, isang proseso, na siyang pinakamahalagang salik sa sining ng pagganap.

Madalas kaming gumamit ng mga expression: "magandang tunog", "masamang tunog". Ano ang ibig sabihin ng mga katagang ito? Ang advanced na pag-iisip ng pedagogical sa sining ng musika ay matagal nang dumating sa konklusyon na sa abstract, nang walang koneksyon sa mga tiyak na gawaing masining, maaaring walang "mahusay" na tunog. Ayon kay Ya. I. Milshtein, sinabi ni K. N. Igumnov: "Ang tunog ay isang paraan, hindi isang katapusan sa sarili nito, ang pinakamahusay na tunog ay ang pinaka-ganap na nagpapahayag ng nilalamang ito." Nakakatagpo tayo ng magkatulad na mga salita at kaisipan sa Neuhaus at sa maraming musikero. Samakatuwid ang konklusyon na kailangang iguhit ng lahat: kinakailangan na magtrabaho hindi sa tunog sa pangkalahatan, ngunit sa pagsusulatan ng tunog sa nilalaman ng isinagawa na gawain.

Ang pangunahing kondisyon sa pagtatrabaho sa tunog ay isang binuo na representasyon ng pandinig - "prehearing", na patuloy na naitama ng auditory control. May malapit na kaugnayan sa pagitan ng paggawa ng tunog at pandinig. Kinokontrol ng pandinig ang nakuhang tunog at nagbibigay ng senyales upang kunin ang kasunod na tunog. Napakahalaga na patuloy na makinig sa iyong sarili, huwag pabayaan ang iyong pansin kahit sa isang sandali. Humina ang atensyon, kontrol sa pandinig - nawalan ng kapangyarihan sa publiko. Ang tainga ng isang musikero ay nabuo sa trabaho sa tunog, ang tainga ay nagiging mas hinihingi. Dito umiiral at Feedback: mas manipis ang tainga, mas hinihingi ang tainga sa tunog, mas mataas ang tagapalabas bilang isang musikero, ayon sa pagkakabanggit.

Tungkol sa pagbigkas

Anumang piraso ng musika ay maaaring magkaugnay na isipin bilang isang istraktura ng arkitektura, na nakikilala sa pamamagitan ng isang tiyak na proporsyonalidad ng mga bahagi nito. Ang tagapalabas ay nahaharap sa gawain ng pagsasama-sama ng lahat ng mga bahaging ito, kabilang ang vocal melody, sa isang solong artistikong kabuuan, na bumubuo ng arkitekto ng buong kanta. Ito ay sumusunod mula dito na ang pagganap ng isang motibo, parirala, atbp. depende sa pangkalahatang konteksto ng trabaho. Imposibleng maglaro ng isang solong snatched na parirala nang nakakumbinsi, nang hindi isinasaalang-alang kung ano ang nangyari bago ito at kung ano ang mangyayari pagkatapos. Ang karampatang pagbigkas ay nagsasangkot ng nagpapahayag na pagbigkas ng mga bahagi ng musikal na teksto, batay sa lohika ng pag-unlad sa kabuuan. May malaking pagkakatulad sa pagitan ng isang kolokyal na parirala at isang musikal: sa isang kolokyal na parirala ay may isang reference na salita, sa isang musikal ay mayroon tayong mga katulad na bahagi: isang sanggunian na motibo o tunog, ang sarili nating mga bantas. Ang mga hiwalay na tunog ay pinagsama sa mga intonasyon at mga motif sa parehong paraan tulad ng mga titik at pantig sa mga salita, at ang mga salitang ito (salita) ay maaaring bigkasin na may maraming iba't ibang mga intonasyon: sang-ayon, malungkot, nakikiusap, masigasig, interogatibo, masaya, atbp. atbp. Ang parehong ay maaaring masabi tungkol sa pagbigkas ng mga motibo na bumubuo sa isang musikal na parirala. Ang bawat parirala ay hindi maaaring isipin ng lokal, sa paghihiwalay: ang pagganap ng isang partikular na parirala ay nakasalalay sa nakaraan at kasunod na musikal na materyal at, sa pangkalahatan, sa likas na katangian ng buong piyesa sa kabuuan.

Motibo, parirala - ito ay isang maliit na bahagi lamang ng pangkalahatang pag-unlad sa gawain. Ang mga gumaganap na naglalaro na may malinaw na pananaw at layunin ay napipilitang makinig sa kanilang sarili. Kung walang pananaw (pakinig) ng pananaw, ang pagganap ay tumitigil at nagdudulot ng hindi maipaliwanag na pagkabagot. Hindi dapat kalimutan ng isang tao ang kilalang katotohanan: ang musika bilang isang anyo ng sining ay proseso ng tunog, umuunlad ang musika sa oras. Gayunpaman, na may patuloy na pagnanais na magkaisa ang musikal na pananalita, dapat ding makamit ng isa ang natural na lohikal na dibisyon nito sa tulong ng mga caesuras. Ang wastong natanto na mga caesuras ay naglagay ng mga musikal na kaisipan sa pagkakasunud-sunod.

Ito ay kapaki-pakinabang para sa mga instrumentalista na makinig sa mahuhusay na mang-aawit, dahil ang isang parirala na ginagampanan ng isang boses ng tao ay palaging natural at nagpapahayag. Kaugnay nito, kapaki-pakinabang para sa mga manlalaro ng bayan (at hindi lamang sila) na kantahin ang ilang mga tema sa trabaho gamit ang kanilang boses. Makakatulong ito upang matukoy ang lohikal na parirala.

Pamamaraan

Ano ang ibig sabihin ng "teknolohiya"? mabilis na oktaba? Openwork, gaan? Ngunit alam namin na ang bravura sa kanyang sarili ay hindi kailanman ginagarantiyahan ang isang mataas na artistikong resulta. Sa kabaligtaran, maraming mga halimbawa kapag ang isang musikero ay hindi nagpapatunay na siya ay isang may hawak ng record sa napakabilis na tempo. Gumawa siya ng hindi maalis na impresyon sa mga nakikinig. Sa aming diksyunaryo mayroong isang bagay bilang isang bapor. Kasama sa konseptong ito ang buong kumplikado ng mga teknolohikal na paraan-kasanayan ng isang musikero-performer na kinakailangan para sa pagsasakatuparan ng kanyang mga artistikong intensyon: iba't ibang mga pamamaraan ng paggawa ng tunog, mga daliri, mga kasanayan sa motor, pag-eensayo ng kamay, mga diskarte para sa paglalaro ng pindutan ng accordion na may balahibo, atbp. Kapag pinag-uusapan natin ang teknolohiya, nasa isip natin espiritwal craft, napapailalim sa malikhaing kalooban ng musikero-performer. Ito ang inspirasyon ng interpretasyon na nagpapaiba sa dula ng isang musikero sa dula ng isang craftsman. Ito ay hindi para sa wala na, kahit na mabilis, ngunit walang pag-iisip, walang laman na tumatakbo sa paligid ng mga susi, hindi nakaayos sa pamamagitan ng malinaw at lohikal na artistikong intensyon, sinasabi nila ang "hubad na pamamaraan".

Ang pinakamataas na pagpapakita ng teknikal na pagiging perpekto sa musikal at gumaganap na sining, pati na rin sa anumang larangan ng aktibidad ng tao, ay tinatawag kasanayan.

pagtatanghal ng dula

Kailangan mong umupo sa harap na kalahati ng isang matigas na upuan; kung ang mga balakang ay pahalang, kahanay sa sahig, maaari nating ipagpalagay na ang taas ng upuan ay tumutugma sa taas ng musikero. Ang accordion player ay may tatlong pangunahing punto ng suporta: resting sa isang upuan at resting sa kanyang mga paa sa sahig - ito ay mas mahusay na bahagyang space ang iyong mga binti para sa kaginhawaan ng suporta. Gayunpaman, kung halos ganap nating nararamdaman ang ating timbang sa upuan, magkakaroon tayo ng mabigat, "tamad" na landing. Ito ay kinakailangan upang makaramdam ng isa pang punto ng suporta - sa ibabang likod! Sa kasong ito, ang katawan ay dapat na ituwid, ang dibdib ay dapat ilipat pasulong. Ito ay ang pakiramdam ng suporta sa ibabang likod na nagbibigay ng liwanag at kalayaan sa paggalaw ng mga braso at katawan.

Ang instrumento ay dapat tumayo nang tuluy-tuloy, parallel sa katawan ng accordionist; ang balahibo ay matatagpuan sa kaliwang hita.

Ipinapakita ng pagsasanay na ang pinaka-katanggap-tanggap na akma ng mga strap ng balikat ay dapat isaalang-alang, kung saan sa pagitan ng katawan ng pindutan ng akurdyon at ang tagapalabas, maaari mong malayang ipasa ang iyong palad. Sa mga nagdaang taon, ang isang sinturon na nagkokonekta sa mga strap ng balikat sa antas ng baywang ay naging mas at mas malawak. Ang pagbabagong ito ay maaari lamang tanggapin, dahil ang mga sinturon ay nakakuha na ngayon ng kinakailangang katatagan at hindi nahuhulog sa mga balikat. Ang work strap ng kaliwang tuka ay inaayos din para malayang makagalaw ang kamay sa keyboard. Kasabay nito, kapag tinanggal ang hangganan at kapag pinipiga, dapat na maramdaman ng kaliwang pulso ang sinturon, at dapat na maramdaman ng palad ang katawan ng instrumento.

Ang pangunahing criterion para sa tamang setting ng mga kamay ay ang natural na pagiging natural at katumpakan ng mga paggalaw. Kung ibababa natin ang ating mga braso sa kahabaan ng katawan sa libreng pagkahulog, ang mga daliri ay magkakaroon ng natural na kalahating baluktot na hitsura. Ang kanilang ganoong posisyon ay hindi nagiging sanhi ng kaunting pag-igting sa lugar ng carpal apparatus. Sa pamamagitan ng pagyuko ng aming mga braso sa siko, nakita namin ang panimulang posisyon para sa paglalaro ng pindutan ng akurdyon at akurdyon. Ang kaliwang kamay, siyempre, ay may ilang pagkakaiba sa setting, ngunit ang pakiramdam ng kalayaan ng kalahating baluktot na mga daliri, kamay, bisig at balikat ay dapat na pareho para sa parehong mga kamay. Ang balikat at bisig ay lumikha ng magagandang kondisyon para sa pakikipag-ugnay ng mga daliri gamit ang keyboard, dapat nilang tulungan ang mga daliri at kamay na gumana nang may kaunting pagsisikap.

Mahalagang bigyang-pansin ang katotohanan na ang kanang kamay ay hindi nakabitin nang mahina, ngunit isang natural na extension ng bisig. Ang likod ng kamay at bisig ay bumubuo ng halos tuwid na linya. Ang parehong nakakapinsala ay ang mga static na posisyon ng kamay na may arko o malukong pulso.

Pagdaliri

Ang iba't ibang musika ay nangangailangan ng walang katapusang bilang ng mga kumbinasyon ng daliri. Kapag pumipili ng mga daliri, una sa lahat, ginagabayan tayo ng mga prinsipyo ng artistikong pangangailangan at kaginhawahan. Kabilang sa mga pamamaraan ng fingering, ang mga sumusunod ay maaaring makilala: paglalagay at paglilipat ng mga daliri, pag-slide, pagpapalit ng mga daliri, gamit ang lahat ng limang daliri sa isang sipi, pagsasagawa ng isang sipi na may dalawa o tatlong daliri lamang (o pagkatapos ay isa), atbp. Ang pagnanais para sa karampatang dapat ilagay ang fingering sa Children's music school.

Upang piliin ang fingering, ito ay kanais-nais upang i-play ang ilang mga fragment sa tempo kung maaari, dahil ang koordinasyon ng mga kamay at mga daliri sa iba't ibang mga tempo ay maaaring naiiba. Kung ang pagkakasunud-sunod ng daliri ay naayos, ngunit pagkaraan ng ilang sandali ay nagiging malinaw ang mga bahid nito, kung gayon ang pag-finger ay dapat baguhin, bagaman hindi ito laging madaling gawin.

Ang pagpili ng isang apat o limang daliri na sistema ng daliri ay dapat na nakasalalay hindi lamang sa personal na kagustuhan ng akordyonista mismo, ngunit higit sa lahat sa artistikong pangangailangan. Sa panahon ngayon, tila lumipas na ang bagyo ng alitan dito o sa fingering system. Gayunpaman, kung minsan sa mga malikhaing pagpupulong ang parehong tanong ay itinatanong: mas mahusay bang maglaro gamit ang apat na daliri o lima? Sa katunayan, ang problema ay nalutas nang matagal na ang nakalipas. Ang mga manlalaro ngayon ay karaniwang naglalaro gamit ang lahat ng limang daliri, na may higit o mas kaunting paggamit ng unang daliri. Ang paggamit ng bulag na sistema ng limang daliri ay isang pagpupugay sa fashion. Siyempre, kung minsan ay mas maginhawang ilagay ang lahat ng limang daliri sa isang hilera, ngunit ang pagfingering ito ay magiging isang katulong ng manlalaro ng bayan sa kanyang masining na intensyon? Kinakailangang isaalang-alang ang katotohanan na sa likas na katangian ang lakas ng bawat daliri ay naiiba, samakatuwid ito ay kinakailangan upang makamit ang maindayog at dashed evenness sa pag-atake sa anumang daliri. Sa mabilis na mga sipi na dapat tunog tulad ng glissando, maaari mong gamitin ang lahat ng mga daliri sa isang hilera, sa gayon ay nagpapalawak ng mga hangganan ng posisyon.

Ang istraktura ng kamay na may kaugnayan sa kanang pindutan ng accordion keyboard ay tulad na ito ay mas natural na gamitin ang hinlalaki sa una at ikalawang hanay. Ang natitirang mga daliri ay malayang gumagana sa buong keyboard.

Mga tanong ng interpretasyon ng isang gawaing musikal

Ang pinakamataas na layunin ng isang musikero ay isang maaasahan, nakakumbinsi na sagisag ng intensyon ng kompositor, i.e. paglikha ng isang masining na imahe ng isang musikal na gawain. Ang lahat ng mga gawaing pangmusika at teknikal ay naglalayong makamit nang tumpak ang masining na imahe bilang huling resulta.

Ang unang panahon ng trabaho sa isang gawaing pangmusika ay dapat na nauugnay, una sa lahat, sa kahulugan ng mga gawaing masining at ang pagkilala sa mga pangunahing paghihirap sa paraan upang makamit ang pangwakas na resulta ng masining. Sa proseso ng trabaho, nabuo ang isang pangkalahatang plano ng interpretasyon. Ito ay medyo natural na sa ibang pagkakataon, sa panahon ng isang pagtatanghal ng konsiyerto, sa ilalim ng impluwensya ng inspirasyon, maraming mga bagay ang maaaring tumunog sa isang bagong paraan, mas espirituwal, patula, makulay, kahit na ang interpretasyon sa kabuuan ay mananatiling hindi magbabago.

Sa kanyang trabaho, sinusuri ng tagapalabas ang nilalaman, anyo, at iba pang mga tampok ng akda, at ang kaalamang ito ay binibihisan ng interpretasyon sa tulong ng teknolohiya, damdamin at kalooban, i.e. lumilikha ng isang masining na imahe.

Una sa lahat, ang tagapalabas ay nahaharap sa problema ng estilo. Kapag tinutukoy ang mga tampok na pangkakanyahan ng isang gawaing musikal, kinakailangan upang matukoy ang panahon ng paglikha nito. Tila hindi na kailangang patunayan na ang kamalayan ng mag-aaral sa pagkakaiba ng, sabihin nating, ang musika ng mga French harpsichordists at ang musika ngayon ay magbibigay sa kanya ng pinakamahalagang susi sa pag-unawa sa gawaing pinag-aaralan. Ang isang mahalagang tulong ay dapat na kakilala sa pambansang pagkakakilanlan ng may-akda na ito (alalahanin, halimbawa, kung gaano naiiba ang estilo ng dalawang mahusay na kontemporaryo - S. Prokofiev at A. Khachaturian), na may mga tampok ng kanyang malikhaing landas at ang mga imahe at paraan ng expression na katangian ng kanya, at sa wakas, malapit na pansin sa kasaysayan ng komposisyon mismo.

Nang matukoy ang mga tampok na pangkakanyahan ng isang gawaing pangmusika, patuloy nating sinisiyasat ang ideolohikal at matalinghagang istruktura nito, sa mga koneksyong nagbibigay-kaalaman nito. Ang programming ay gumaganap ng isang mahalagang papel sa pag-unawa sa masining na imahe. Minsan ang programa ay nakapaloob sa pamagat ng dula: halimbawa, "The Cuckoo" ni L.K. Daken, "The Musical Snuffbox" ni A. Lyadov, atbp.

Kung ang programa ay hindi inihayag ng kompositor, kung gayon ang tagapalabas, gayundin ang tagapakinig, ay may karapatang bumuo ng kanyang sariling konsepto ng akda, na dapat ay sapat sa ideya ng may-akda.

Ang pagpapahayag, emosyonal na paghahatid ng matalinghagang nilalaman ay dapat na itanim sa mga mag-aaral sa pinakaunang mga aralin sa isang paaralan ng musika. Hindi lihim na ang madalas na pakikipagtulungan sa mga baguhan ay nagmumula sa pagpindot sa tamang mga key sa oras, kung minsan kahit na may hindi marunong mag fingering: "We'll work on the music later"! Pangunahing maling setup.

Ipadala ang iyong mabuting gawa sa base ng kaalaman ay simple. Gamitin ang form sa ibaba

Ang mga mag-aaral, nagtapos na mga estudyante, mga batang siyentipiko na gumagamit ng base ng kaalaman sa kanilang pag-aaral at trabaho ay lubos na magpapasalamat sa iyo.

Naka-host sa http://www.allbest.ru/

gawaing kurso

Pamamaraan para sa pagbuo ng mga kasanayan sa pagganap ng isang musikero

Panimula

I. Produksyon ng tunog

1.1 Ilang mga kinakailangan para sa paunang edukasyon

1.2 Artikulasyon at pagpindot

1.3 Metro-ritmikong kahirapan

1.4 Mga tampok ng tempo at dynamics

II. Pamamaraan

2.1 Maikling konsepto ng teknolohiya at mga elemento nito

2.2 Paggawa sa mga stroke

2.3 Mga fur trick

2.4 Naisasagawa ang mga pangatnig

2.5 Kasarinlan ng mga daliri at kamay

2.6 Fingering at teknikal na parirala

III. Iba pang mga aspeto ng trabaho sa trabaho

3.1 Pag-unlad ng aesthetic

3.2 Interpretasyon at pagpapaunlad ng malikhaing pag-iisip

3.3 Pagganap ng konsyerto

IV. Konklusyon

Bibliograpiya

articulation concentric fingering consonance button accordion

Panimula

Sa loob lamang ng isang siglo, ang button accordion ay napunta mula sa isang simpleng katutubong instrumento sa isang kumplikado, multifunctional na mekanismo na nagbibigay-daan sa iyo upang maglaro ng musika ng anumang genre, gayahin ang tunog ng maraming iba pang mga instrumento, malawakang ginagamit ang mga tampok ng hanay, pagpaparehistro, at pagkuha ng tunog. Ang lahat ng ito ay nagbubukas ng malawak na mga pagkakataon para sa tagapalabas, ngunit humahantong din sa hindi maiiwasang mga paghihirap. Ang modernong pagsasanay ng pagganap ng musikal ay nangangailangan mula sa musikero ng malalim na emosyonalidad, espirituwalidad, kalayaan sa pagganap. Ang isa sa mga kinakailangan para sa isang mataas na antas ng pagganap ay ang teknikal na paghahanda ng musikero. Ang pamamaraan ay isang bahagi ng craft, at direktang nakakaapekto sa masining na imahe. Habang gumagawa ng isang trabaho, ang bayanista ay nakikibahagi sa pagpapakintab ng mga indibidwal na detalye, mga pagsasanay upang mag-ehersisyo ang pagnipis, mga stroke, dynamics at iba pang mga elemento. Ang tagumpay ng pag-master ng sining ng pagganap ay nakasalalay sa kung gaano katuon ang gawain hindi lamang sa mga teknikal na kagamitan ng tagapalabas, kundi pati na rin sa kasiningan ng teknikal na materyal.

1. Produksyon ng tunog

1.1 H Ilang Prerequisite para sa Primary Education

Ang paggawa sa isang masining na imahe ay dapat magsimula mula sa mga unang aralin, na kapag natutunan ang pinakasimpleng mga gawa, kinakailangan upang makamit ang pagpapahayag, kahulugan ng pagganap. Ang mga katutubong melodies ay lalong angkop para dito, ang emosyonal at patula na kahulugan kung saan ay medyo simple at naiintindihan. Gayunpaman, mas mababa ang teknikal na antas ng mag-aaral, mas mahirap para sa kanya na magtrabaho sa isang masining na imahe.

Ang musika ay ang sining ng tunog, ang muling paglikha nito ay dapat na ganap na ibunyag ang nilalaman, ang kahulugan ng imahe, kaya dapat mo munang isipin ang relasyon

Tunog na may ilang mga tampok ng akordyon ng pindutan. Mayroong ilang mga kundisyon na may husay na nakakaapekto sa pagganap ng sinumang musikero. Una, ang kumpletong kalayaan ng kamay, batay hindi lamang sa indibidwal na estado ng kalusugan, kalamnan, sikolohikal na pagpapalaya, ngunit kinakailangan ding sumusunod mula sa karampatang setting ng instrumento at ang tamang akma ng akordyonista.

Pangalawa, ang mga guro ng modernong paaralan ay lalong nagtataas ng tanong tungkol sa kalidad ng instrumento, dahil ang isang masamang tunog ay madalas na naitanim sa mag-aaral nang awtomatiko, dahil sa imposibilidad ng pagpapakita ng isang mahusay, buong puspos na tunog sa isang mababang kalidad na akordyon ng pindutan. , o ang kawalan ng kakayahan ng mag-aaral na kumuha ng mas "buhay na buhay", espirituwal na tono sa masamang tool.

Pangatlo, ang aspetong panlipunan ay gumaganap ng isang mahalagang papel, iyon ay, ang mga kondisyon ng pamilya, pamumuhay at kultura na dating nakaimpluwensya sa pag-unlad ng mag-aaral.

1.2 PEROartikulasyon at hawakan

Ang kasiningan sa musika ay nakasalalay lamang sa pagpaparami ng iba't ibang lilim at gradasyon ng tunog, samakatuwid, dapat idirekta ng tagapalabas ang lahat ng pagsisikap sa pagbuo ng pagpapahayag ng tunog. Ang kakaiba ng pindutan ng akurdyon ay posible na kontrolin ang mga subtlest shade ng dynamics at sa ilang paraan ay nakakaimpluwensya sa timbre sa tulong ng balahibo.

Artikulasyon - mga paraan ng paghawak ng mga daliri sa mga susi at pamamaraan ng mekanikal na agham. Ang mga ito ay patuloy na umaasa sa isa't isa at sa imahe ng isinagawang gawain.Ang artikulasyon ay maaaring nahahati sa 3 uri - daliri, balahibo at balahibo-daliri. Depende sa kung aling artikulasyon ang ginagamit, ang pag-atake at pagtatapos ng tunog ay magbabago, magkakaroon sila ng makinis, malambot na karakter, o isang matalas, maalog na tunog. Ang pinakakaraniwan ay ang articulation ng daliri, kapag ang balahibo ay unang itinulak nang may kinakailangang pagsisikap, at pagkatapos ay pinindot ang isang susi. Kapag natapos ang tunog, kabaligtaran ang nangyayari. Mula sa pinakaunang mga aralin, ang mag-aaral ay dapat na bigyan ng babala laban sa monotonous mechanical finger work. Ang mga unang takdang-aralin ay dapat na may kasamang ilang elemento ng pagkamalikhain - ang paggamit ng contrast dynamics, iba't ibang rhythmic pattern sa kahit isang tunog kapag nagsasanay ng mga diskarte sa articulation. (Ang sikat na counting rhyme na "Andrey the Sparrow").

Touche - isang paraan ng pagpindot sa mga key, pagpindot, pagtulak, pagpindot o pag-slide (glissando). Inirerekomenda ng mga modernong guro ang paggamit ng glissando bilang isang staging exercise upang magkaroon ng pakiramdam ng "ibaba" ng keyboard. Mayroon din itong masining na kahulugan, dahil ipinakikilala nito ang mag-aaral sa isang kawili-wiling artistikong pamamaraan na malawakang ginagamit sa pagtatanghal ng akurdyon. Sa hinaharap, maaaring ilapat ang glissando malikhaing gawain sa improvisation at variation, at sa metro-rhythmic exercises.

Para sa masining na pagpapahayag ng komposisyon, ang papel ng paggalaw ng balahibo ay napakahusay. Ang lahat ay nakasalalay sa gawain ng kaliwang kamay. Ang kapunuan at lalim ng tunog ay hindi mawawala kahit na sa mababang puwersa kung ang bubulusan ay patuloy na dinadala gamit ang kaliwang kamay, nang hindi humihinto sa paggalaw kahit na sa paghinto. Ang sobrang lakas ng pagmamaneho ay palaging gumagawa ng sapilitang tunog, habang ang passive accompaniment ay nagreresulta sa isang guwang na tunog. Ang konklusyon ay sumusunod mula dito: nang walang isang tiyak na setting at tumpak na pisikal na pamamahagi ng mga paggalaw ng mga kamay, daliri, katawan, imposibleng gawing nagpapahayag ang instrumento. Ang pangunahing bagay ay ang kakayahang mahanap ang pinaka-angkop na sandali upang baguhin ang direksyon ng balahibo. Ito ay tinutukoy hindi lamang sa pamamagitan ng istraktura ng parirala, kundi pati na rin sa likas na katangian ng melodic na paggalaw. Ang isa sa mga tampok ay ang ilang mga tunog ng melody ay binibigyang-diin, habang ang iba ay binibigkas nang walang salungguhit. Ginagawa nitong pinakaangkop ang pagbabago ng direksyon bago ang impit na beat. Ang pinaka-kapansin-pansin na accent ay nangangailangan ng isang kasukdulan. Samakatuwid, kadalasan ang direksyon ng balahibo ay nagbabago sa harap niya. Dapat itong ipatupad nang maingat hangga't maaari. Ang pinakamahirap na bagay ay kapag ang climactic na tunog ay pinaghihiwalay mula sa nauna sa pamamagitan ng isang pagtalon, at mas mahaba ang pagitan, mas hindi mahahalata ang pagbabago ng balahibo. At sa kabaligtaran, ang agwat ng pataas na maliit na segundo ay ginagawang napakapansin at samakatuwid ay hindi kanais-nais: Ang isang pagbabago ng bubulusan ay ganap na hindi katanggap-tanggap kung ang kasukdulan ay nauunahan ng isang grupo ng isang mas maliit na kategorya ng sukatan. Ang pinakasimple at hindi gaanong napapansin ng tainga ay ang pagbabago sa pagitan ng paulit-ulit na tunog, lalo na kung ang una sa mga ito ay nasa mahinang oras, at ang pangalawa sa malakas o medyo malakas na oras. Sa polyphony, madalas mong kailangang baguhin ang balahibo sa mga napapanatiling tunog, kailangan mong gawin ito nang mabilis, siguraduhin na ang dynamics ay hindi nagbabago sa panahon ng pagbabago,

Kapag nagsasagawa ng cantilena, kinakailangan na magsikap hangga't maaari, upang mailapit ang tunog ng akordyon ng pindutan sa pag-awit, sa boses ng tao.

1.3 Mritmikong kahirapan

Ang melodic, rhythmic, tempo structures ay magkakaugnay at tinutukoy ang pangkalahatang katangian ng akda sa pamamagitan ng kanilang mga tiyak na paraan. Kadalasan, ang meter-ritmikong katumpakan ng pagganap ay nangangailangan ng espesyal na pansin, dahil sa ang katunayan na ang musika ay isang tunog na proseso na nagbubukas sa oras, kaya't ang pangangailangan na isaalang-alang ang iba't ibang mga kadahilanan nito - ang panukat na pagkakasunud-sunod ng mga ritmikong pagpapangkat, tempo at mga paglihis mula dito, sanhi ng ilang mga gawaing masining. Ang koneksyon sa pagitan ng tunog at ritmo ay nagiging lalong malinaw sa mga kaso ng rubato. Ang isang dahilan ng hindi pantay na paglalaro ay ang kawalan ng magkakaugnay na paggalaw ng kanan at kaliwang kamay, na kung minsan ay nagreresulta sa "aabutan" ng kanang kamay sa kaliwa. Ang paraan sa kasong ito ay ang paglalaro sa isang mabagal na tulin, na may balahibo na nagpapatingkad ng malakas na mga beats, ngunit ito ay pinahihintulutan lamang sa mga lugar kung saan may mga daliri o iba pang mga paghihirap, ang pag-abuso sa pamamaraan na ito ay humahantong sa isang pagbaluktot ng artistikong plano ng piraso. Ang ritmikong pagkakatugma ay maaaring maabala ng mga pagtalon na nagaganap sa kaliwang kamay, nakakaapekto ito sa koordinasyon, at tulad ng alam mo, ang pagkakaiba sa pagitan ng mga paggalaw ng mga kamay at katawan na may tunog na imahe ay nakakagambala sa ideya ng tagapalabas at tagapakinig tungkol sa likas na katangian ng ang musika. Kadalasan, ang maindayog na organisasyon sa mga piraso ng motor ay naghihirap mula sa hindi pantay na pagpindot, hindi pantay na pagpindot ng mga daliri. Nangyayari ito ^ kapag ang isang malaking pagkarga ay bumagsak sa "mahina" na mga daliri.

Sa lahat ng conventionality at schematicity ng meter-rhythmic notation, isang tumpak na pagbasa lamang ng ritmong isinulat ng kompositor ang nagpapakita ng emosyonal at nagpapahayag na kahulugan na likas dito. Ang imahe ng trabaho ay madaling masira kung ang eksaktong ratio ng mga tagal ay nilabag, lalo na kapag naglalaro ng may tuldok na ritmo sa mabagal na tempo, o kapag ang isa pang rhythmic figure ay sumusunod sa may tuldok na linya sa susunod na beat ng bar. Ang tumpak na pagganap sa mga ganitong kaso ay pinapaboran ng kamalayan sa artistikong kahalagahan ng bagong ritmo. Ito ay lalong mahalaga kapag nagtatrabaho sa polyrhythm, kailangan mong madama ang nagpapahayag na kahulugan ng anumang polyrhythmic na kumbinasyon. Ang isa ay maaaring kumbinsido, halimbawa, na ang paggalaw sa pangunahing melodic na boses sa mga grupo ng isang mas maliit na bilang ng mga nota kaysa sa saliw ay nagbibigay sa himig ng mas kalmado, kinis.

Ang isang hiwalay na lugar sa laro ay inookupahan ng mga error na nauugnay sa pagpapatupad ng mga pag-pause, kailangan mong tandaan na ito ay hindi lamang isang pahinga sa tunog. Ang mga paghinto ay artistikong makatwiran na kahulugan. Minsan ang mga mag-aaral ay maaaring gumalaw sa panahon ng pag-pause, ayusin ang mga sinturon, tumingin sa keyboard. Tinatanggal nito ang tagapalabas (at tagapakinig) mula sa imahe. Ang isang linya ng pag-unlad ay nawawala, at kung ang caesura ay nasira sa pagitan ng mga bahagi, ang pagkakataong magkulay ng magkakaibang mga tema, magbigay ng kasiglahan, mawawala ang pagpapahayag. (V. L. Zolotarev Suite No. 3, " Kalungkutan”).

1.4 O mga tampok bilis at mga nagsasalita

Ang likas na katangian ng panloob na paggalaw ng trabaho, ang pag-unlad nito ay nakasalalay sa laki ng tempo. Kinakailangang bigyang-pansin ang tamang interpretasyon ng mga tagubilin sa copyright ng tempo. Halimbawa, ang paglalaro sa tempo ay hindi nangangahulugan ng pinakamataas na tempo na sasamahan ng buong piyesa. Mahalagang ihambing nang tama ng guro ang mga teknikal na kakayahan ng mag-aaral sa bilis ng pag-unlad ng gawain sa kabuuan.

Ang pinakakaraniwang pagkakamali:

1. Ang kawalan ng kakayahang pumili ng paunang tempo, lalo na kapag gumaganap ng cantilena, sa kasong ito, dapat idirekta ng guro ang mga pagsisikap na buhayin, patalasin ang makasagisag-emosyonal na pang-unawa ng mag-aaral, karanasan ng musika. Kung ito ay hindi sapat, maaari kang mag-alok sa pag-iisip na kumanta ng ilang mga sukat ng trabaho, upang, sa pagsisimula ng pagganap, ang mag-aaral ay nasa nais na ritmikong globo. Hindi kinakailangang kantahin ang piyesa mula sa simula, mas kapaki-pakinabang na kantahin ang mga hakbang na pinakamalinaw na naghahatid ng paggalaw sa maikling tagal.

2. Ang atensyon ng tagapalabas ay nakadirekta sa pagtagumpayan ng mga teknikal na paghihirap, bilang isang resulta kung saan ang kontrol sa ritmo ay humina. Kaya naman napakahalaga ng pamamaraan, nagbibigay ito ng kalayaan, pagiging natural ng pagpapahayag.

3. Paglabag sa tempo kapag nagsagawa ng rubato. Ang solusyon ng mga agogic nuances, ang sukat ng rubato ay higit na nakasalalay sa indibidwalidad ng gumaganap, ang kanyang intuwisyon, talento, panlasa, lawak ng pananaw at malikhaing imahinasyon, pati na rin ang mga katangian ng bawat akda, estilo at paraan ng kompositor ng may-akda. Ang malikhaing pagganap ay ipinanganak bilang isang resulta ng pakikipag-ugnayan ng intuwisyon at pantasya na may malalim na pagsusuri sa akda. Imposibleng makamit ang kumbinasyon ng tamang pagganap at ritmikong kalayaan ng isang parirala nang hindi nahanap ang tamang nuance nito. Ang tempo ng mga indibidwal na bahagi ng isang trabaho o cycle ay maaari lamang isaalang-alang na may kaugnayan sa tempo ng iba pang mga bahagi at ang pakiramdam ng ilang pansamantalang kabuuan ng buong trabaho o cycle. Upang magtalaga ng iba't ibang tempo deviations, ginagamit ng mga may-akda ang mga terminong meno mosso - less mobile, piu mosso - more mobile, o accelerando - speeding up, ritardando - slowing down. Ang unang obligado na agad na baguhin ang bilis, at ang pangalawa - unti-unti. Kadalasan ang pagtatalaga ng tempo (sa parehong tempo) ay nauunawaan ng tagapalabas sa isang tuwirang paraan, na humahantong sa hindi makatarungang mga jerks sa bilis ng paggalaw. Ang nilalaman, ang likas na katangian ng trabaho ay palaging magsasabi sa iyo kung paano bumalik sa isang tempo, biglaan o malumanay, nang paunti-unti. Ang kalayaan ng agogic ay nangangailangan ng pagsunod sa batas ng kabayaran - "kung magkano ang iyong hiniram, napakaraming ibinalik mo." Ang musical intuition ng performer, na nag-udyok sa kanya sa iba't ibang mga agogic nuances, ay dapat na napapailalim sa isang mahigpit na temporal na rehimen at lohikal na pagkalkula. Ang isang tiyak na kahirapan ay ang libreng pagpapatupad ng mga konstruksyon ng cadence. Para sa higit na kalinawan sa kanilang pagpapatupad, dapat isa sa isang tiyak na paraan pangkat at balangkasin ang mga hangganan ng aksyon ng accelerando at rallentando, kalkulahin ang mga ito sa oras. (D. Barton "Toccata at Fugue sa D Minor"). Maaaring magmungkahi ang lohika na sa mga piraso ng toccata, tulad ng martsa, ang paggamit ng rubato ay hindi angkop. Hindi ito nangangahulugan na dapat silang gumanap nang may ilang mekanikal na pagkakapareho, magkakaroon ng iba pang mga agogic shade (caesuras sa pagitan ng magkahiwalay na mga constructions at mga bahagi, accelerations at decelerations, pagbabago ng tempo. Ang isang tamang napiling tempo ay makakatulong sa katumpakan ng pagpapatupad at kalinawan ng pagpapahayag ng dynamic na plano.Ang mag-aaral ay dapat bigyan ng malawak na konsepto ng dynamic na iskala.

Ang isang karaniwang pagkakamali ay ang kawalan ng kakayahang ipakita ang pagkakaiba sa pagitan ng p at pp, f at ff.”* Bukod dito, para sa ilang estudyante, ang f at p ay tumutunog sa isang lugar sa parehong eroplano, sa average na dynamic na sona. Kaya ang dullness, facelessness ng performance. Sa larangan ng tunog na may kaugnayan sa forte, mahalagang bigyan ng babala ang mag-aaral laban sa panganib ng pagmamalabis at pagmamalabis. Kailangan mong magkaroon ng malakas, malakas na tunog, ngunit hindi dapat mawala ang pagpapahayag, kayamanan, at kagandahan ng tunog. Magandang ideya na magsanay sa isang tunog upang tumpak na tumugma sariling pwersa na may dynamic na hanay ng instrumento. Ang isang napakahalagang punto ay ang kakayahang ipamahagi ang crescendo at diminuendo sa kinakailangang bahagi ng musikal na materyal. Ang mga pagbabago sa tempo at dynamics ay karaniwang hindi nagsisimula sa pinakadulo simula ng isang sukat o parirala, ngunit nangyayari sa ibang pagkakataon, madalas sa isang downbeat. Ang partikular na kahirapan sa kasong ito ay ang mga maikling sipi, kung saan kinakailangan ang maingat na na-verify na kaalaman sa makina at mga stroke. Ang pinakakaraniwang pagkakamali ay ang pagpapabilis kapag naglalaro ng crescendo at pagbagal kapag naglalaro ng diminuendo, na maaaring itama sa pamamagitan ng pagsasanay gamit ang metronom sa silid-aralan at sa bahay.

II. Pamamaraan

2.1 K maikli p ang konsepto ng teknolohiya at mga elemento nito

Maraming tagapalabas sa ilalim ng salitang "teknikal" ay nangangahulugan lamang ng katatasan, bilis, kapantay ng tunog, iyon ay, mga indibidwal na elemento ng pamamaraan, at hindi ang pamamaraan mismo sa kabuuan. Technique - isang hanay ng mga teknolohikal na paraan, mga kasanayan na kinakailangan para sa pagpapatupad ng mga artistikong intensyon - iba't ibang mga pamamaraan ng paggawa ng tunog, mga kasanayan sa motor ng daliri, pag-eensayo ng kamay, mga diskarte sa paglalaro ng balahibo, atbp. Upang makamit ang isang pamamaraan na nagbibigay-daan sa iyo upang malayang maglaro ng mga gawa ng anumang antas, dapat mong gamitin ang lahat ng anatomical features ng mga kamay at katawan, simula sa gawain ng pinakamaliit na kalamnan ng mga daliri at kabilang ang partisipasyon ng mga kalamnan ng katawan. Ang pamamaraan ng Bayan ay maaaring nahahati sa maliit (daliri) at malaki (interval), gayundin ang pamamaraan ng paglalaro ng balahibo at ang pamamaraan ng paggawa ng tunog.

Pangunahing elemento:

1. Pagkuha ng isang tunog.

2. Melismas, rehearsals, sunud-sunod na pagganap ng dalawa o higit pang mga nota sa isang posisyon.

3. Single-voiced scales, pagganap ng mga sipi na parang sukat na lumalampas sa isang posisyon. Arpeggio.

5. Paglalaro ng double notes.

6. Chords.

7. Paglipat ng kamay at pagtalon.

8. Pagganap ng polyphony.

Sa ibaba ay isasaalang-alang natin ang ilang paraan ng pagpapahayag ng musikal na kinakailangan para sa pagbuo ng kultura ng pagganap ng manlalaro ng akurdyon.

2.2 Rmagtrabaho sa mga stroke

Ang isang espesyal na lugar sa trabaho sa sanaysay ay dapat ibigay sa mga stroke. Dapat silang gumanap ng parehong masining at teknikal na function. "Ang mga stroke ay mga katangiang anyo ng mga tunog na nakuha sa pamamagitan ng naaangkop na mga diskarte sa artikulasyon, depende sa intonational at semantic na nilalaman ng akda." Conventionally, maaari silang nahahati sa matagal, konektado - legato at legatissimo, hiwalay - hindi legato, at maikli, maikling boses - staccato at staccatissimo. Ang mga lingering (konektado at hiwalay) na mga stroke ay kinakailangan pangunahin sa pagganap ng cantilena, at ang maikli (maikli ang tunog) ay nagsisilbi para sa kalinawan, talas ng paghihiwalay ng mga tunog o chord, kapwa sa patuloy na paggalaw at hiwalay. (I. Ya. Panitsky "Pedlars" var. No. 1).

Mga tampok na katangian ng mga pangunahing stroke at pamamaraan ng pagpapatupad:

legato - konektado). Ang mga daliri ay nakalagay sa mga susi. Ang brush ay malambot, ngunit hindi maluwag, dapat itong magkaroon ng pakiramdam ng may layunin na kalayaan. Ang daliri ay malumanay, nang walang indayog, na pinindot ang nais na key, na nagiging sanhi ng maayos na paglubog nito hanggang sa paghinto. Ang bawat kasunod na key ay pinipindot nang maayos, kasabay ng pagpindot nito, ang nakaraang key ay dahan-dahang bumabalik sa orihinal nitong posisyon. Mahalagang subaybayan ang pagkapantay-pantay ng mga mekanika, at upang matiyak na ang mga tunog ay hindi magkakapatong sa isa't isa, ang kontrol sa pandinig ay may malaking papel dito.

Non legato - hindi konektado. Ginagawa ito ng isa sa tatlong pangunahing uri ng pagpindot na may pantay na balahibo. Upang hindi ito maging masyadong maalog, maaari mong sabihin sa mag-aaral na ang tagal ng tunog ng bawat nota ay dapat na hindi bababa sa pagitan, ang pag-pause sa pagitan ng mga tunog, ngunit sa halip ay higit pa sa isang pag-pause o katumbas ng ito kung mabagal ang tempo.

Staccato - matalas, staccato na tunog. Ito ay inalis, bilang isang panuntunan, na may isang alon ng isang daliri o isang brush na may kahit na balahibo. Depende sa nilalaman ng musika, ang stroke na ito ay maaaring higit pa o hindi gaanong matalas, ngunit sa anumang kaso, ang aktwal na tagal ng tunog ay hindi dapat lumampas sa kalahati ng tala na ipinahiwatig sa teksto. Ang mga daliri ay magaan at nakolekta:

Mayroong iba't ibang mga pangunahing stroke na makakatulong upang mas mahusay na mapagtanto ang masining na layunin - marcato - salungguhit, aktibong pag-strike ng daliri kapag hina-jerking ang balahibo, martele - accentuated staccato, isang mas matalas na haltak ng balahibo. Ang Portato ay isang konektadong pagpindot na may mas aktibong tunog kumpara sa legato. Ginagamit ito sa mga melodies ng isang declamatory na kalikasan, tenuto - isang hiwalay na stroke - ang eksaktong pagpapanatili ng mga tagal at dinamika, De tache - ang pagkuha ng bawat tunog sa pamamagitan ng isang hiwalay na paggalaw ng balahibo upang buksan o pisilin. ito ay maaaring parehong konektado at hiwalay, gumanap gamit ang mga daliri o balahibo. Ang mga pagtatalaga ng stroke na ipinahiwatig ng kompositor ay higit na may kondisyon at kadalasan ay nangangailangan ng mga karagdagan at paglilinaw. Para sa isang mas mahusay na pag-unawa sa masining na imahe, maaari mong gamitin ang laro na may kabaligtaran na stroke, sa halip na legato - staccato, at vice versa, malinaw na ipinapakita nito sa mag-aaral kung paano nagbabago ang karakter ng trabaho, at kung bakit dapat itong laruin sa stroke na ipinahiwatig sa mga tala, at hindi sa iba. (S. Frank "Prelude, Fugue and Variation in B Minor"). Bilang karagdagan, ang paraan ng pagbabago o pagsasama-sama ng iba't ibang mga stroke ay nagkakaroon ng lakas ng loob ng motor at nagpapagana ng pansin.

2.3 M exov mga pamamaraan

Ang mga pangunahing pamamaraan ng paglalaro ng balahibo ay ang pag-unclench at pagpisil. Tremolo - ang pinakakaraniwang pamamaraan, mabilis na pare-parehong paghalili ng pag-unclench at pagpisil. Ang pangunahing kahirapan nito ay ang patuloy na kontrolin ang estado ng mga kalamnan, ang ilan ay dapat magkaroon ng oras upang "magpahinga" sa panahon ng pag-unclench, ang iba sa panahon ng compression, kailangan mong subaybayan ang pagkakapareho ng tunog, madalas na ang mga mag-aaral ay gumugol ng mas maraming pagsisikap na "itulak" ang bumubulusok sa unclamp, kaya mas malakas ang tunog nito. Ang mga paggalaw ng kaliwang kamay ay hindi lamang dapat pare-pareho, ngunit isinasagawa din hindi pahalang, na tila sa unang sulyap, ngunit pahilis, na nagbibigay ng kalayaan, pagkaluwag ng paggalaw. Para sa matagumpay na pangmatagalang pagganap ng tremolo, ang pangangalaga ay dapat gawin na ang instrumento ay matatag hangga't maaari, at hindi gumagalaw sa lahat sa panahon ng laro, magkasya ang mga strap nang mas mahigpit, kalkulahin ang pagbabago ng mga bellow sa trabaho upang ang tremolo ay magsimula sa isang halos kumpletong compression.

Ang mga unang pagtatangka na ipakilala ang tremolo sa paggamit ay ginawa ni Konyaev sa "piraso ng konsiyerto", Kuznetsov sa "Mga paghahanap sa Saratov". Ginaya nila ang isang akurdyon, o nagsilbing isang uri ng saliw sa himig.

Ang Vibrato ay isang pagbabagu-bago sa dynamics na natamo ng maliliit na pagtulak ng balahibo sa panahon ng patuloy na paggalaw nito. Maaari itong isagawa sa parehong kaliwa at kanang kamay, minsan sa parehong mga kamay o sa iba pang mga paraan. Ang dalas ng vibrato ang matukoy ang tunog nito, ang isang malaki ay maaaring gayahin ang isang vibraphone, ang isang maliit ay maaaring gayahin ang isang string tremolo. (Dalla-Podgorny "Dedikasyon kay Caruso").

Ricochet - isang kawili-wiling pamamaraan, unang ginamit

V. Zolotarev sa finale ng pangalawang sonata. Ito ay batay sa paghalili ng mga paggalaw ng itaas at ibabang bahagi ng balahibo sa pag-unclench at pagpisil. Ang ricochet ay tatlo at apat na beats, mas madalas na lima o higit pa, maaari nitong gayahin ang saltando stroke sa mga string, na nagpaparami ng tuyo, biglang ritmo.

2.4 I katuparan ng mga katinig

Ang pinakamahalagang elemento ng paglalaro ng button accordion ay ang pagganap ng Accompaniment. Ang karakter nito ay dapat na ganap na tumutugma sa likas na katangian ng pagtatanghal ng melody, ang nilalaman nito, ang estilo ng buong dula sa kabuuan. Kaya, sa mga piraso ng mabagal na tempo at sa himig ng isang malambing na bodega, ang mga bass ay kadalasang maayos na konektado sa mga chord, at ang mga chord ay tinutugtog sa buong tagal, nang magkakaugnay. (Ivanovichi waltz "Danube Waves"). Sa isang melody na binuo sa maliit na fractional rhythmic na mga tagal, lalo na sa mabilis na tempo, ang ganitong pag-link ng bass sa chord ("pedalization") at pagpapanatili ng buong tagal sa mga accompaniment chord ay makakasagabal lamang sa melody, magpapabigat at muffle nito. . Para sa karamihan, ang mga chord ay tinutugtog ng maikli, madali, lalo na sa mga piraso na may gumagalaw na tempo. Maraming iba't ibang uri ng saliw at mga pamamaraan para sa pagsasagawa nito. Mahalagang tandaan ang pangunahing bagay: ang saliw ay dapat na mas mahusay na lilim, ihayag at suportahan ang himig. Ang texture ng chord ay mahirap para sa mga manlalaro ng bayan dahil kinakailangan na mabilis na tipunin ang mga daliri sa hugis ng tamang chord, na lalong mahirap kapag ang mga tunog ng mga chord ay matatagpuan sa iba't ibang mga hanay. Upang malampasan ang mga paghihirap na ito, inirerekumenda na gumamit ng mga pamamaraan tulad ng pag-slide, pagpapalit ng mga daliri, pag-ikot ng mga paggalaw ng kamay. Pangunahing tiyakin na sa mga gawa ng karakter ng cantilena ang melodic line na nakatago sa mga chord ay maayos na nilalaro, ang mga chord ay dapat na "ilapit" sa isa't isa hangga't maaari. (D. Buxtehude "Chaconne sa E minor").

2.5 N pagsasarili ng mga daliri at kamay

Ang lahat ng mga daliri ay naiiba sa likas na katangian, ang kanilang pagsasanay ay hindi dapat bawasan sa katotohanan na sila ay naging pareho ng lakas, ngunit upang ang anumang daliri ay maaaring kunin ang tunog ng ninanais na lakas, ngunit, na may kaugnayan sa pindutan ng akurdyon, kopyahin ang ninanais. stroke. Ang kahirapan ay nakasalalay sa katotohanan na ang pindutan ng accordion air na may parehong presyon ay dumadaan sa lahat ng mga bukas na butas ng resonator, na hindi nagpapahintulot sa iyo na i-highlight ang anumang isang tunog sa chord. Samakatuwid, ang mga paraan ng pagpili ng mga indibidwal na boses sa texture ay mababawasan upang gumana sa pakikipag-ugnayan ng mga daliri sa mga susi. Sa polyphony, ang pagkakaiba sa tunog ng mga boses ay kadalasang nakakamit sa pamamagitan ng paglalaro ng mga ito na may iba't ibang mga stroke, ang pagsasarili ng mga daliri ay dapat munang isagawa sa mga kaliskis na may dobleng mga nota. Isang boses, sabihin nating, ang tuktok, kailangan mong laruin ang staccato, ang ibabang legato, at kabaliktaran. Maaari mong idagdag ang kaliwang kamay, na magkakaroon ng isa pang stroke - hindi legato. Ang isa pang paraan ng pagpapakita ng isang partikular na melodic na linya ay isang bahagyang keystroke, kadalasang ginagamit sa kaliwang keyboard, kadalasan bilang isang bahagyang bass, kung minsan ay isang chord. (E. Grieg "Folk melody"). Ang pamamaraang ito ay mahirap para sa mga mag-aaral, kaya kailangan mong bigyang-pansin ito mula sa pinakaunang mga aralin, lalo na kung isasaalang-alang na para sa maraming mga instrumento ang mga tunog ng kaliwang keyboard ay madalas na mas malakas kaysa sa mga tunog ng kanan, kapag sila ay nilalaro, sila ay nalulunod. ang bahagi ng kanang kamay. Ang isa pang paraan upang ipakita ang isang melody na laban sa background ng mga chord ay isang banayad na nuance sa mekanikal na agham, kung ang mga tunog ng isang melody ay unang nilalaro, at pagkatapos ay isa pang boses o saliw ang ipapatong sa kanila, pagkatapos ay sa sandaling ang isa pang boses o chord ay pumasok. , kailangan mong i-pause ng kaunti ang bellow, o pangunahan ito nang medyo hindi gaanong aktibo. (A. Rubinstein "Melody"). Ang kahirapan ay kapag ang pag-pause ng balahibo, ang mag-aaral ay ginulo nito at huli sa pagpapatupad ng mga tala sa kanang kamay, ang mekanisasyon na may mga pagbagal at paghinto ay isinasagawa nang maaga, dapat itong maging awtomatiko. Imposibleng hindi banggitin ang pagsasarili ng mga kamay kapag naglalaro ng bellows, lalo na ang tremolo, kung saan ang eksaktong tugma ng tinutugtog na mga nota na may pagkalat at pagpisil ay kinakailangan. (V. L. Zolotarev Suite No. 1 "The jester plays the harmonica").

2.6 A daliri at teknikal na parirala

Ang parirala ay isang syntactic fragmentation ng isang musikal na gawain, ito ay nahahati sa mga bahagi, panahon, pangungusap, parirala, motibo. Karaniwan, ang pag-iisip ng manlalaro ng akordyon ay nauugnay sa paghahati ng isang akda sa mga parirala, ito ay dahil hindi lamang sa karaniwang pang-unawa ng musika, kundi pati na rin sa pangangailangan na baguhin ang balahibo, na madalas na nag-tutugma sa mga parirala. Ang pagganap ng bawat isa Ang partikular na parirala ay nakasalalay sa nakaraan at kasunod na materyal, at sa likas na katangian ng buong piraso sa kabuuan. Ang tagapalabas ay kinakailangan na magkaroon ng isang malinaw na pananaw ng pananaw, isang karampatang pag-aayos ng mga caesuras, na nagbibigay ng kinakailangang pagpapahayag, ngunit hindi lumalabag sa integridad ng trabaho.

Mahalagang pumili ng isang mahusay, pinaka-angkop na palasingsingan. dahil ito ay nag-aambag sa isang mas mahusay na solusyon ng mga kinakailangang masining na gawain at ang mabilis na automation ng mga paggalaw ng laro. Ang pangunahing bentahe ng pag-finger na may hugis-gamma na paggalaw ay nagbibigay ito ng isang kalmado na estado ng kamay at isang pare-pareho, maindayog na paggalaw ng mga daliri, na nagpapahintulot sa iyo na tumuon sa mekanikal na agham at mas mahusay na kontrolin ang mga dinamikong pagbabago sa tunog. Hindi katanggap-tanggap ang hindi makatwirang paglabag sa fingering. Gayunpaman, may mga kaso kapag ang prinsipyo ng fingering ay nilabag hindi lamang sa hitsura ng mga jumps, kundi pati na rin sa progresibong paggalaw,. Nangyayari ito. Kung imposibleng makamit ang isang pagkakataon ng teknikal at musikal na parirala, dito dapat mangibabaw ang kasiningan kaysa sa kaginhawahan, maaaring kailanganin itong labagin ang positional na prinsipyo, o kahit pansamantalang baguhin ang positional fingering sa tradisyonal. (V. L. Zolotarev suite No. 1 "The jester plays the harmonica"). Ang teknikal na parirala ay ginagamit lamang sa panahon ng pag-aaral ng isang piyesa, kapag ang diin sa malalakas na beats ay nakakatulong upang mapanatili ang meter-ritmikong integridad at kalinawan ng parirala.

Ang pangunahing prinsipyo sa pagpili ng mga ikatlong daliri ay ang pinakamahabang pangangalaga ng isang tiyak na ipinares na paghalili ng mga daliri. Gayunpaman, ang pangunahing kondisyon ay hindi dapat ang kaginhawaan ng pagganap, ngunit ang pangangalaga ng pamamaraan na ipinahiwatig sa mga tala. Kung saan imposibleng mapanatili ang prinsipyo ng pagpapares, ang isa ay kailangang gumamit ng mga slip, pagpapalit, pagkuha ng maliliit na ikatlo gamit ang isang daliri. (G. Shenderev "Sa mamasa-masa na kagubatan ng landas"). Maaaring mahirap panatilihin ang mga stroke, lalo na kapag naglalaro ng legato. Samakatuwid, ang pag-finger na iyon ay maaaring ituring na maginhawa, sa tulong kung saan ito ay pinakamahusay na ipahayag ang kaisipan ng may-akda.

III. Iba amga aspeto ng gawain sa gawain

3.1 E pag-unlad ng aesthetic

Ang aesthetic at artistikong pag-unlad ng accordion player ay paborableng naiimpluwensyahan ng all-round pagsasanay sa musika. Kinakailangan na makinig sa musika nang mas madalas (mga pagtatanghal ng mga soloista, mga konsiyerto ng symphony, opera), naghahanda nang maaga para sa pang-unawa ng mga gawang pangmusika. Napaka-kapaki-pakinabang para sa mga mag-aaral ng akordyon na makinig sa isa't isa sa klase, dahil ginagawa nitong madaling mapansin ang mga bahid ng pagganap. Sa pamamagitan ng pagsusuri sa mga sanhi ng pagkakamali ng ibang tao, maaari mong mabilis na mahanap at maitama ang iyong sarili. Ang mabuting kaalaman ay may mahalagang papel sa pangkalahatang pag-unlad ng musika. vocal music. Ito ay nakakamit sa pamamagitan ng sistematikong pakikinig, pati na rin ang pagganap sa pamamagitan ng boses at sa button na akordyon. mga gawa ng boses lalo na ang mga awiting bayan. Ang partikular na nilalaman na ipinahayag sa teksto, na sinamahan ng musika, ay tumutulong upang mas maunawaan ang mga paraan ng pagpapatupad ng intensyon ng may-akda. Ang pagiging perpekto ng mga katutubong kanta at mga gawa ng mga klasiko ay nagbibigay ng isang malawak na saklaw para sa pagbuo ng isang aesthetic na kahulugan kasama ng pantasiya, nakakaganyak sa pagnanais na bumuo ng kanilang sariling mga musikal na tema at nagdudulot ng artistikong panlasa at isang mas kritikal na pagtatasa ng sariling gawa. Mag-ambag ng maayos karaniwang pag-unlad kaalaman mula sa iba pang larangan ng sining. Kinakailangang magbasa ng mas maraming fiction hangga't maaari, pinasisigla nito ang imahinasyon, sistematikong bisitahin ang teatro at sinehan, magkaroon ng kamalayan sa modernong dramaturhiya, na pinagtibay ang ilang kapaki-pakinabang na karanasan sa sining.

3.2 AT interpretasyon gumagana at pag-unlad ng malikhaing pag-iisip

Ang isang tunay na musikero-performer ay hindi maiisip kung walang malikhaing inisyatiba at kalayaan. Kinakailangang magtrabaho sa pagbuo ng mga katangiang ito araw-araw, sa buong panahon ng pag-aaral. Para sa mas batang mga mag-aaral, ang mga gawa ng software ay angkop na angkop, na hindi lamang tumutugon sa isang tiyak na paraan, ngunit nagkakaroon din ng pantasya at imahinasyon. Sa paunang yugto, ginigising ng guro ang inisyatiba ng mag-aaral sa proseso ng mismong aralin.

Kung ang akademikong pagganap ay mataas, maaari mong hayaan ang iyong sarili na kumpletuhin ang kalahating natutunang gawain nang mag-isa. Ang isang mag-aaral na mahusay sa gawaing ito ay maaaring hilingin na pag-aralan ang buong piraso nang mag-isa. Ang paraan ng panghihikayat ay nakakatulong sa pagbuo ng malikhaing inisyatiba.

Dapat itong ipakita na may mga konkretong halimbawa kung paano isasagawa ito o ang bahaging iyon ng trabaho, bakit sa ganoong pamamaraan at tulad ng pagdaliri.

Walang alinlangan, dapat isaalang-alang ang sariling persepsyon ng mag-aaral, dahil maaaring iba ang interpretasyon ng akda, kahit na may mga tagubilin ng may-akda sa teksto. Ang mga pagsasaayos ng mga katutubong awit, gayundin ang sinaunang musika ng hindi kilalang mga may-akda, ay karaniwang mayroon iba't ibang interpretasyon, ang mag-aaral ay maaaring madaling mahanap ang pinakamahusay na pagpipilian, ngunit ang isa ay hindi dapat ganap na pinamunuan niya, dahil madalas na sinusubukan ng mga mag-aaral na maglaro sa pinakamadaling paraan, bilang isang resulta mayroong isang pagkakaiba sa pagitan ng estilo at tunog ng trabaho.

Imposibleng limitahan ang pagganap sa balangkas ng ideya ng guro ng tunog ng gawaing ito. Mahalagang makahanap ng medium na magbibigay ng pagkakataon para sa pagbuo ng malikhaing inisyatiba ng mag-aaral, ngunit pananatilihin din siya sa loob ng ibinigay na istilo. Upang bumuo ng malikhaing kalayaan, maaari mong gamitin ang pagpili ng trabaho sa kalooban. Kung ang dulang iminungkahi ng mag-aaral ay isang ganap na gawa ng sining at tumutugma sa antas ng teknikal na pag-unlad sa yugtong ito ng pagsasanay, maaari mo itong idagdag sa plano ng trabaho.

3.3Kpagtatanghal ng konsiyerto

Tulad ng alam mo, ang isang pagtatanghal sa entablado ay dapat na korona sa anumang gawa sa isang gawa. Ang bawat guro, bago ilabas ang isang mag-aaral sa entablado, ay dapat isaalang-alang ang ilang mga kadahilanan na kasama ng anumang pagtatanghal. Una, napakahalaga kung paano binubuo ang programa, kailangan mong magsimula sa isang hindi gaanong kumplikado, marahil ay piraso ng cantilena, na magpapahintulot sa tagapalabas na marinig ang kanyang sarili at masanay sa mga acoustics ng bulwagan. Ang unang piraso ay nagtatatag ng pakikipag-ugnayan sa madla, itinatakda ito upang makinig sa musika. Pangalawa, hindi mo dapat paghaluin ang mga genre, kadalasan ang programa ay binuo sa paraang iyon

Una, isinagawa ang klasikal na musika, pagkatapos ay romantikong musika, katutubong adaptasyon, at ang pagtatanghal ay nagtatapos sa mga modernong dula. Para sa isang walang karanasan na tagapalabas, ang mapagpasyang kadahilanan ay tulad ng isang pagtatayo ng programa, kung saan maaari niyang i-play ito sa isang nakapangangatwiran na pamamahagi ng mga pisikal na puwersa at walang mga pagkakamali. Ang huling piyesa ay dapat na isang piyesa na maglalagay ng lohikal na pagtatapos sa konsiyerto, o maging kulminasyon nito. Pangatlo, ang gawain ay dapat gawin sa paraang maaaring simulan ito ng tagapalabas mula sa anumang sukat, o hindi bababa sa anumang parirala. Ang tungkulin ng guro ay turuan ang mag-aaral na huwag mawala sa kaso ng mga pagkakamali at blots, upang magpatuloy sa pasulong, upang magbigay ng ideya ng ilang mga pamamaraan na makakatulong sa entablado kung sakaling magkaroon ng mga pagkakamali. Maaaring sirain ng isang maliit na blot ang buong plano sa pagganap, kung ito ay itinuturing na isang trahedya, ang mga pagkakamali ay dapat na masuri lamang pagkatapos ng pagganap. Pang-apat, sa araw ng konsiyerto, hindi mo dapat pagurin ang iyong sarili sa mga klase, kung ilalaro ang programa o hindi, lahat ay nagpapasya para sa kanyang sarili, ngunit tiyak na kailangan mong maglaro ng mahusay, lalo na bago magtanghal sa isang hindi pamilyar na bulwagan, kung hindi lamang nito. acoustics ay hindi kilala, ngunit din ang temperatura. Sa anumang kaso ang guro ay dapat magbigay ng payo bago pumunta sa entablado, nilalabag nila ang panloob na estado at mahalagang walang silbi, imposible pa ring iwasto ang anuman sa panahon ng pagtatanghal, ngunit napakadaling maghasik ng gulat at kawalan ng katiyakan sa isang walang karanasan na tagapalabas, ngunit ang isang may karanasang "kapaki-pakinabang" na mga tip ay makaabala sa mga naunang ginawang pag-unlad. Ang lahat ay dapat isaalang-alang at gawin nang maaga, ngunit kung ang anumang mga pagkukulang ay natagpuan, hindi mo dapat ipagpaliban ang pagganap, mas mahusay na iwasto ang mga pagkakamali sa hinaharap. Ito ang nagpapakilala sa isang mahusay na performer, patuloy niyang pinagbubuti ang programa pagkatapos ng konsiyerto, tinatapos ito, o muling pinag-iisipan.

IV. Konklusyon

Ang lahat ng gawain ng musikero sa trabaho ay naglalayong gawin itong tunog pagtatanghal ng konsiyerto. Ang isang matagumpay, maliwanag, puno ng damdamin at kasabay ng malalim na pag-iisip na pagganap, pagkumpleto ng trabaho sa isang trabaho, ay palaging magkakaroon kahalagahan para sa isang mag-aaral, at kung minsan maaari itong maging isang malaking tagumpay, isang uri ng malikhaing milestone sa isang tiyak na yugto ng kanyang edukasyon. Ito ay sumusunod mula dito na ang nakaraang teknikal na pagsasanay ay hindi dapat bawasan sa mekanikal na pag-unlad ng mga paggalaw, ngunit dapat maglaman ng masining na prinsipyo nang maaga. Ang teknikal na materyal ay maaaring ipatupad nang malikhain, maging kawili-wili at hindi malilimutan para sa mag-aaral. Ang mga manlalaro ng Bayan ay mayroon nang mga ganitong pamamaraan, ang mga nauna ay ang manwal ni Vladimir Podgorny sa pagbuo ng pamamaraan ng manlalaro ng bayan na "Modulating scales at arpeggios sa isang closed circle system", at mga makabago, halimbawa, Alexander Gurov "Development of bayan player technique using the paraan ng pagsasanay". Ang synthesis ng dalawang prinsipyo - teknikal at masining - ay magbibigay sa musikero-performer ng isang mulat na pag-unawa sa musika, ang mataas na artistikong pagganap nito, na magpapabilib sa matalinong tagapakinig.

Ay ang listahanpanitikan

1. Davydov N. A. "Mga Batayan ng pagbuo ng mga kasanayan sa pagganap ng accordionist" - bersyon ng Internet, 2006

2. Mga labi F.R. "Ang Sining ng Paglalaro ng Bayan" - Moscow, 1985

3. Neuhaus G.G. "Sa sining ng pagtugtog ng piano" - Moscow, 1958

4. Pankov "Sa gawain ng isang accordionist sa ritmo" - Moscow, "Musika", 1986

5. Chinyakov A. "Pagtagumpayan ang mga teknikal na paghihirap sa pindutan ng akurdyon" - Moscow, "Musika", 1982

6. Yakimets N. "Ang sistema ng elementarya na pag-aaral upang i-play ang pindutan ng akurdyon" - Moscow, "Musika", 1990.

Naka-host sa Allbest.ru

Mga Katulad na Dokumento

Mga katangian personalidad ng musikero. Paghahambing ng laro ng isang bata at isang musikero mula sa isang sikolohikal na pananaw. Paglalarawan ng mga pangunahing yugto ng paglitaw at pagbuo ng mga kasanayan sa musika. Pagsusuri ng kahalagahan ng koordinasyon ng mga aksyon sa aktibidad ng musikal.

kontrol sa trabaho, idinagdag 10/21/2010


Ang konsepto ng pop well-being ng isang performer sa panahon ng isang concert performance. Kaguluhan sa isang pagtatanghal ng konsiyerto at mga sanhi nito. Tumaas na emosyonal na tono, nagbubukas ng pangalawang hangin, malikhaing pagtaas. Paghahanda ng isang musikero para sa isang pagtatanghal.

abstract, idinagdag 06/27/2009


Ang pagbuo ng gumaganap na kagamitan ng isang drummer na musikero: pagpoposisyon ng mga kamay, landing, pagkuha ng tunog, pagbuo ng isang pakiramdam ng ritmo. Ang pisyolohikal na mekanismo ng motor-teknikal na kasanayan ng tagapalabas. Masining na intonasyon ng pagtugtog ng snare drum.

pagsubok, idinagdag noong 07/12/2015


Mga taon ng pagkabata at kabataan ng natitirang Italyano na musikero na si Niccolò Paganini, ang pambihirang katalinuhan ng pandinig ni Niccolò, mga organ concert sa simbahan. artistikong pag-unlad. Mga taon ng mga konsyerto sa Italya at Europa, mga pagtatanghal sa Paris. Ang sikreto ng husay ni Paganini.

abstract, idinagdag noong 01/24/2012


Landing, pagtatakda ng instrumento at pagtatakda ng mga kamay bilang isang hanay ng mga kondisyon para sa paglalaro ng button na akordyon, ang pagkakasunud-sunod ng pagbuo at pagsasama-sama ng mga kasanayang ito. Mga tampok ng pag-unlad ng musicality at musical-figurative na pag-iisip. Pagganap ng dalawang boses at dobleng nota.

tutorial, idinagdag noong 10/11/2009


Isang maikling sketch ng buhay at simula ng gawain ng natitirang Aleman na kompositor at musikero na si I.S. Bach, ang kanyang mga unang hakbang sa larangan ng musika ng simbahan. Paglago ng karera ni Bach mula sa musikero ng korte sa Weimar hanggang sa organista sa Mühlhausen. Ang malikhaing pamana ng kompositor.

abstract, idinagdag 07/24/2009


Mga yugto ng pagbuo ng button accordion bilang isang propesyonal na instrumento. Polyphony bilang isang anyo musikal na pag-iisip. Mga tampok ng pagganap ng polyphonic music sa pindutan ng akurdyon. Pagtitiyak ng pagpaparami ng polyphonic fabric. Mga transkripsyon para sa isang ready-to-select na button na accordion.

gawa ng master, idinagdag noong 07/19/2013


Mga sangkap na psycho-physiological sa aktibidad ng isang guro-musika. Mga paraan ng pagtatrabaho sa melodic kinetics: ritmo, himig, pagkakatugma, pagbigkas. Scat at ang kahalagahan nito sa vocal jazz art. Mga yugto ng trabaho sa pamantayan ng jazz at improvisasyon.

thesis, idinagdag noong 09/07/2016


pagsubok, idinagdag noong 09/24/2016


Pangkalahatang katangian ng pagganap, kahulugan ng French clavier music. Metrorhythm, melismatics, dynamics. Ang pagtitiyak ng pagganap ng French clavier music sa akurdyon. Artikulasyon, mekanikal na agham at intonasyon, teknik ng melisma.

Ang modelo ng isang nagtapos ng isang mas mataas na institusyong pang-edukasyon na may degree sa bayan/accordion ay isang mahusay na itinatag, matatag na gumaganang konsepto, na sinamahan ng isang tiyak na makabuluhang "decoding". Ang mga programa para sa pagbuo ng mga espesyalista na ito ay matagumpay na ipinatupad sa lahat ng antas ng edukasyon sa musika sa Russia. Kasabay nito, ang pangunahing layunin ay palaging ang pagsasanay ng mga highly qualified na mga espesyalista na, sa mga tuntunin ng kanilang mga propesyonal na katangian, ay hindi mas mababa sa mga musikero ng iba pang mga akademikong specialty - mga biyolinista, pianista, atbp. Ang ganitong mga uso ay nangingibabaw sa buong mundo. Makasaysayang pag-unlad button accordion at accordion, paunang matukoy ang pangkalahatang pagnanais ng mga musikero na mapabuti ang kanilang mga instrumento, repertoire, at mga pamamaraan sa pagtuturo. Ang mga Bayanist at accordionist, na sadyang pinagkadalubhasaan ang mga tagumpay ng modernong instrumental na sining, ay lumikha ng isang bago, orihinal na musikal at gumaganap na kultura, na kinabibilangan ng isang buong sukat na tatlong-yugtong sistema ng propesyonal na edukasyon. Ngayon, ang sistemang ito ay tila ang pinakamainam na anyo ng mga espesyalista sa pagsasanay ng may-katuturang profile.

Ayon sa nabanggit na graduate model, ang proseso ng pagsasanay sa mga bayanista at akordiyonista ay isinasagawa sa mga kondisyon ng kumpletong pagkakapantay-pantay. Nalalapat ito sa lahat ng bahaging pang-edukasyon: paghahanda ng mga programa sa espesyalidad, pagpasa sa mga pagsusulit, pagsusulit, pagtatanghal sa mga konsyerto. Ang prinsipyo ng pagkakapantay-pantay ay tumutukoy din sa pakikilahok sa iba't ibang mga pagdiriwang at mga kumpetisyon, kung saan, bilang panuntunan, walang dibisyon ng mga tagapalabas, na motibasyon ng iba't ibang istraktura ng mga keyboard. Ang pinagtibay na diskarte ay mukhang medyo makatwiran at makatwiran, dahil ang pindutan ng akurdyon at akurdyon, sa katunayan, ay pinagkalooban ng isang mahalagang kumplikado ng masining at nagpapahayag na paraan at mga paraan ng pag-impluwensya sa mga tagapakinig. Tanging isang napakahusay na connoisseur ang kasalukuyang nakikilala ang mga audio recording ng mga bayanista at akordyonista. Ang pagkakaiba sa istraktura ng mga keyboard ay nadarama kapag naglalaro ng ilang mga uri ng naka-texture na pagtatanghal: ang ilan ay mas maginhawa para sa isang manlalaro sa pindutan ng akurdyon, ang iba ay sa akurdyon. Sa pangkalahatan, ang artistikong epekto na nakamit ng mga tool na ito ay mukhang halos magkapareho. Ang pagnanais ng mga tagapalabas ng akurdyon na "nasaktan ng mga accordionist" (hayaan kong tandaan, napakakaunti) na ipakita ang kanilang sariling "kabuluhan" at "natatangi" sa tulong ng organisadong "hiwalay" na mga pagdiriwang at kumpetisyon, sa pagsasalita, ay tila hindi nangangako at nagdudulot ng panghihinayang. Pinag-uusapan natin ang hindi sapat na malalim na pag-unawa sa aktwal na mga pattern ng pag-unlad ng pagganap ng bayan-accordion. Ang kawalan ng pagkakaisa, lalo na sa modernong makasaysayang mga kondisyon, ay nakakapinsala lamang sa natural na proseso ng ebolusyon ng parehong nabanggit na mga instrumento.

Dapat pansinin na sa teritoryo ng dating USSR ang isang sitwasyon ay nabuo sa kasaysayan kung saan ang akurdyon ay hindi sinasadyang itinalaga ang papel ng isang "nahuhuli". Sa Russia, ang push-button harmonicas ay una nang laganap at aktibong binuo. Sa paglipas ng mga taon, ang pindutan ng akurdyon ay dumating upang palitan ang primitive na "talyanka" at "livenki". Ang mga instrumento sa keyboard sa ating bansa ay naging sikat lamang noong dekada thirties, na pinadali ng pagpapasikat ng mga pop genre. Pagkatapos ng pagpapalabas ng pelikula " Mga nakakatawang lalaki» maraming pianista ang lumingon sa akordyon. Kadalasan ang mga melodies na nagustuhan ng publiko ay ginanap sa kanang keyboard, nang walang paglahok ng mga basses, na sinamahan ng iba't ibang orkestra o ensemble. Sa panahon ng mga taon ng Dakila Digmaang Makabayan, pati na rin sa panahon ng post-war, ang akurdyon at pindutan ng akurdyon ay nasa sentro ng atensyon ng domestic audience. Ang mga pagsasaayos at pagsasaayos ng mga mass songs at dance music ay isinagawa ng maraming mga baguhan sa mga instrumento ng tropeo na dinala mula sa Europa. Ang mga pagtatangka ay ginawa upang ayusin ang mga klase ng accordion sa mga institusyong pang-akademiko. Gayunpaman, pagkatapos ng paglalathala ng Decree of the Central Committee ng All-Union Communist Party of Bolsheviks "Sa paglaban sa cosmopolitanism" (1949), ang mga nabanggit na klase ay tinanggal mula sa mga teknikal na paaralan at kolehiyo. Ang pagtuturo sa espesyalidad na ito ay napanatili lamang sa mga paaralan ng musika, at ang kaukulang mga programa sa pagsasanay ay pangunahing nakatuon sa pangkalahatang artistikong at aesthetic na pag-unlad ng contingent.

Sa pagliko ng 1950s at 1960s, ang akurdyon ay muling pinasok sa larangan ng akademikong edukasyong pangmusika. Naturally, sa ganitong mga sitwasyon ay palaging mahirap na makabawi sa nawalang oras, lalo na dahil ang pagganap ng bayan ay aktibong umuunlad sa loob ng 15 taon: ang instrumento ay binago, isang orihinal na repertoire ay nilikha, maraming masigasig na practitioner, na inspirasyon ng mga ideya ng ang pag-unlad ng katutubong instrumental na sining, ay sumali sa proseso ng pagbuo ng isang tatlong yugto na sistema para sa pagsasanay ng mga domestic accordionist. Aktibong ibinahagi ng mga guro sa elementarya at sekondarya ang kanilang naipong propesyonal na karanasan sa isa't isa, na binihag ang isa't isa sa mga bagong tagumpay. Ang lahat ng ito, siyempre, ay tila napakahalaga at makabuluhan para sa kanilang mga mag-aaral - Nakababatang henerasyon mga musikero.

Ang mga accordionist ay nasa mas mahirap na mga kondisyon, pinilit na umangkop sa aktwal na "lag". Sa katunayan, wala pang mga certified accordion teachers sa bansa. Ang kanilang hitsura ay nagsimula noong kalagitnaan ng 1960s (mga paaralan ng musika) at simula ng 1970s (mga unibersidad). Ang mga accordionist sa una ay napaka-prejudiced tungkol sa mga prospect ng akademikong pagsasanay sa akordyon. Dapat alalahanin na ang mahuhusay na accordionist na si Yuri Dranga, nagwagi ng napakaprestihiyosong All-Union Variety Artists Competition, ay nag-aral sa Rostov Musical and Pedagogical Institute noong 1971-1976 (klase ng Propesor V.A. Semenov). Ang mabilis na pag-akyat ng Y. Dranga sa taas ng akademikong pagganap ay isang magandang halimbawa para sa lahat ng mga nag-alinlangan sa pagiging angkop ng naturang "mga eksperimento". Pagkatapos ng lahat, sa loob ng tatlong taon, ang pop musician, na dati ay limitado lamang sa nakakaaliw na repertoire, ay naging isang natatanging interpreter. Klasikong musika. Matagumpay na napatunayan ang kanyang sarili sa pinakamahirap na kumpetisyon - ang All-Union qualifying round, kung saan nagtanghal ang pinakamalakas na domestic accordion players, nanalo si Yuri ng III na premyo sa napakaprestihiyosong International Competition noong panahong iyon (Klingenthal, 1975). Siyempre, ang mahusay na pagganap na ito ay lubos na pinadali ng natitirang mga personal na katangian Y. Dranga mismo, pati na rin ang progresibong pamamaraan ng isang mataas na mahuhusay na guro at musikero na si V. Semenov.

Sa domestic mas mataas na edukasyon ng mga sumusunod na taon, bilang isang patakaran, ang takbo ng pumipili na pagpasok at pagsasanay ng mga accordionist ay nangingibabaw. Ang mga mandatoryong kondisyon para sa pagpapatala ay ang paunang pag-unlad ng sistema ng elektoral o ang paglipat sa tinukoy na sistema sa mga darating na buwan. Ang naturang screening, sa isang banda, ay naging posible na ibukod ang posibilidad ng malawakang pagdagsa ng mga nabanggit na instrumentalista sa akademikong pagganap; sa kabilang banda, pinasigla nito ang pag-unlad ng pagganap ng mga musikero na nakatiis sa kompetisyon, na kalaunan ay naging mga propesyonal mataas na uri. Kaya, ang mga guro ng bayan at accordion department ng Rostov State Conservatory na pinangalanan. S. V. Rachmaninov ngayon mayroon tayong dahilan upang ipagmalaki ang ating mga nagtapos-akordiyonista, na ang mabungang pagganap, pedagogical, mga aktibidad sa organisasyon sa maraming rehiyon ng ating bansa at sa ibang bansa ay pinapaboran ang tuluy-tuloy na pag-unlad ng akademikong katutubong instrumental na sining. Nagbibigay inspirasyon sa optimismo at ang paglitaw ng mga matatalinong kabataan - napaka-promising na mga taong mahilig, na nasa paaralan ng musika na pinagkadalubhasaan ang elective accordion, nagtataglay ng mga kinakailangang katangian para sa masinsinang paglago ng creative. Ang mga makabuluhang tagumpay ng mga nangungunang accordionist ng ating bansa at sa ibang bansa ay nagbibigay inspirasyon at nagsisilbing tunay na mga patnubay para sa mga kabataan.

Gayunpaman, dapat tandaan na ang binibigkas na positibong mga uso sa pagbuo ng domestic propesyonal na pagganap sa akurdyon, hindi bababa sa, ay pinagtatalunan sa mga pahina ng kamakailang mga publikasyon ni N. Kravtsov. Una sa lahat, pinag-uusapan natin ang artikulong "Organ-piano type na keyboard system sa disenyo ng isang ready-to-select accordion", na naghihikayat sa pagmuni-muni sa tunay na kahalagahan at karagdagang mga prospect para sa pangmatagalang ebolusyon ng accordion art sa ating bansa at sa ibang bansa. Ayon kay N. Kravtsov, "... sa kultura at sining ng musikal, ang pagkamalikhain ng kompositor at pagka-orihinal ng pagtatanghal ng teksto ng isang akda ay unang pinahahalagahan higit sa lahat, at dito, kapag gumaganap ng mga genre ng akademikong musika sa akurdyon, seryoso. nananatili ang mga problema sa pagpapatupad ng masining at makasagisag na ideya ng isinagawang komposisyon. Alam namin ang tungkol dito at tahimik. Siguro dahil ang sikat na piano keyboard ang naging salarin ng sitwasyon? O baka dahil sa kakulangan ng mga batang bayan na manlalaro, ang mga sinanay na akordyonista ay nagsasara ng mga gaps sa dami ng trabaho sa mga klase ng mga guro ng akordyon? Saan ko matapat na pag-uusapan ang pagiging epektibo at layunin ng pagtuturo ng mga accordionist. At kaya nangyari iyon sa propesyonal at pre-propesyonal mga programang pang-edukasyon Ang double standard ng "professional competence" ay tahimik na "nag-ugat" sa accordion training ngayon. Parehong ang accordionist at ang accordion player ay tumatanggap ng parehong diploma sa pagtatapos mula sa isang institusyong pang-edukasyon (!?). Ito ay masama para sa estado at hindi patas bilang isang tao."

Dagdag pa, nagpapatuloy si N. Kravtsov sa mga praktikal na rekomendasyon: "Tila sa amin ang pinakamainam na pamamaraan para sa pagtuturo ng mga accordionist, na maaaring ipahayag sa sumusunod na instrumental na pormula. Ang unang yugto (pangkalahatang paghahanda sa edukasyon), tulad ng dati, ay binubuo ng pag-aaral na tumugtog ng mga instrumento na may tradisyonal na organ-piano na keyboard. Ang ikalawang yugto (pre-propesyonal na pagsasanay), sa sandaling ang isang predisposisyon sa bokasyonal na pagsasanay ay ipinahayag, ay dapat na nilagyan ng mga akordyon na may tamang organ-piano na keyboard, at ang iminungkahing pagbabago nito ay dapat nasa kaliwang elective. Ang ikatlong yugto (propesyonal na pagsasanay) ay natutukoy ng eksklusibo sa pamamagitan ng propesyonal na oryentasyon batang musikero. Ang pagbibigay ng prosesong pang-edukasyon, halimbawa, na may ZK-17 accordions (mga pabrika ng ZONTA. - V.U.) ... ay magbibigay-daan sa sekundarya at mas mataas na mga institusyong pang-edukasyon na alisin ang dobleng diskarte sa pagsasanay ng mga accordionist at accordionist. Ang "gabay sa pagkilos" na iminungkahi sa itaas, na talagang batay sa ideya ng "pag-promote sa sarili" ng orihinal na kanang keyboard ng accordion (na naimbento ni N. Kravtsov noong 1980s), ay nag-uudyok sa amin na muling isaalang-alang ang karamihan. mahahalagang tampok ng disenyo ng huli.

Tila, kinakailangang lapitan ang saklaw ng isyung ito ayon sa kasaysayan. Tulad ng alam mo, sa mundo mayroong mga accordion na may dalawang uri ng mga keyboard - push-button at keyboard. Sa Russia, ang mga button accordion ay tinatawag na button accordions, ang mga keyboard ay tinatawag na accordions. Ang accordion keyboard ay isang eksaktong kopya ng piano na ginamit sa loob ng ilang siglo. Kahit na sa panahon ng Baroque, ang keyboard system na ito ay malawakang ginagamit ng mga masters - mga tagagawa ng mga organo at harpsichord. Kasunod nito, inangkop ito sa paggawa ng mga piano at grand piano. At ngayon, ang sistemang ito ay kinikilala bilang tunay na unibersal, na nagpapakita ng kakayahang mabuhay sa iba't ibang konteksto ng sosyo-kultural at musikal-istilo. Ang kasaysayan ng sining ng pianoforte ay naglalaman ng impormasyon tungkol sa maraming mga pagtatangka upang mapabuti ang kaukulang disenyo, ngunit sa ngayon ang lahat ng naturang mga eksperimento ay hindi pa naging matagumpay. Ang pinakamainam ng malawak na modelo ng keyboard ay tinutukoy, una, sa pamamagitan ng perpektong sound-spatial na relasyon (ang pagtaas ng tunog ay sinamahan ng isang malaking distansya ng key, at kabaligtaran), at pangalawa, sa pamamagitan ng isang maginhawa at kapaki-pakinabang na pagbagay sa sound embodiment ng pinaka magkakaibang mga texture. Ito ay hindi nagkataon na ang piano keyboard ay itinuturing na ngayon bilang isang uri ng nakabubuo na pamantayan at bilang isang mahalagang bahagi ng mga siglo-gulang. pamanang kultural- mundo organ, piano, harpsichord musika. Ang katotohanan na ang akordyon ay nagmana ng napakagandang sistema ng keyboard ay isang walang alinlangan na bentahe ng instrumento, lalo na sa paunang yugto ng pagsasanay, kapag ang mga pangunahing kasanayan sa paglalaro na nauugnay sa spatial na oryentasyon at ang sistema ng sound-motor complex sa kabuuan ay ginagawa. nabuo.

Ano ang mga mahahalagang parameter ng bagong keyboard ni N. Kravtsov? Paano ito nauugnay sa keyboard ng piano? Kailangan ba para sa isang batang performer na nakabisado ang akurdyon na may tradisyonal na keyboard na "tapusin ang kanyang pag-aaral" sa naturang instrumento upang mapunan ang kanyang repertoire ng pinakabagong orihinal na mga komposisyon? At mayroon bang tunay na pangangailangan na ipakilala ang keyboard ni N. Kravtsov upang palitan ang "hindi na ginagamit" na piano? Kailangan ba talagang muling itayo ang buong performing complex para sa pagsasakatuparan ng mga bagong likhang komposisyon ng bayan, o ang mga kinakailangan sa unibersidad ay saligang tugma sa isang oryentasyon tungo sa napatunayang konsiyerto at panitikan ng pedagogical, na medyo maginhawa para sa pagtugtog ng akordyon? Kung ang perestroika ay kinakailangan sa prinsipyo, kung gayon hindi ba mas mahusay na agad na mag-aral muli, na pinagkadalubhasaan ang pinaka-maaasahan na instrumento - ang pindutan ng akurdyon?

Ang paghahambing ng dalawang accordion keyboard ay nagbibigay-daan sa musikero na makita ang kanilang natatanging pagkakaiba. Ang bagong modelo ay mukhang isang pindutan ng accordion na keyboard, na may ibang hugis lamang ng mga susi - mas malaki at pinaghihiwalay ng naaangkop na mga puwang. Ang mga susi ay hindi nakaayos sa isang tuwid na linya, tulad ng sa isang akurdyon, ngunit sa isang medyo masalimuot na pagkakasunud-sunod. Gaya ng sinabi ng imbentor, "kapag sinusuri ang keyboard, ang isa ay nabigla sa hindi pangkaraniwang mahigpit na mga graphic ng paglalagay ng mga itim at puting key, na sa panlabas ay napakaliit na kahawig ng tradisyonal na accordion organ-piano keyboard. Gayunpaman... panlabas lamang ang pagkakaibang ito. Sa disenyo nito, minana nito ang lahat ng katangian ng tradisyonal na keyboard ng accordion. Madali mo itong makikita kapag sinubukan mong tumugtog ng bagong instrumento. Samakatuwid, siguraduhin na bilang isang accordionist hindi mo na kailangang muling mag-aral, ngunit tapusin lamang ang pag-aaral sa natatanging akurdyon na ito. Ang isang detalyadong pagsusuri ay nagpapakita ng lohikal na prinsipyo na ginamit ni N. Kravtsov - isang uri ng "compression" ng piano keyboard.

Ang modelong ito, siyempre, ay nagbibigay ng maraming mga katanungan, ngunit gayon pa man, ang pangunahing at pagtukoy na kadahilanan sa pag-akit ng mga musikero na minsan ay matagumpay na nag-aral ng klasikal na akurdyon sa isang bagong instrumento ay dapat na ang walang sakit na pagbagay ng binuo, matatag na mga kasanayan sa paglalaro. at mga kakayahan sa mga kondisyon ng isang "binagong" keyboard. Gaano kalawak ang maiaambag ng mga nabanggit na kasanayan sa pagbuo ng isang stable performing complex? Ang tanong na ito, tila, ay hindi tila sa imbentor ng anumang makabuluhan. Ang pangunahing argumento na pabor sa bagong disenyo para sa N. Kravtsov ay ang panlabas na pagkakapareho ng mga daliri, na nagpapahiwatig ng isang pinasimple na interpretasyon ng problema. Ang pagsasagawa ng mga proseso sa anumang instrumento ay malinaw na hindi limitado sa fingering relatedness o difference. Halimbawa, ang mga accordionist ay kusang-loob na gumamit ng mga daliri ng piano, ngunit ang isa ay hindi makapagpapasiya mula dito na ang bawat accordionist, na natutunan ang isang piraso sa piano, ay may kumpiyansa at tumpak na tumutugtog nito sa akurdyon. Napipilitan siyang iakma ang kanyang mga kasanayan sa pagganap sa mga bagong kondisyon ng paggalaw ng keyboard. Para sa bawat keyboard, ang instrumentalist ay bubuo ng mga partikular na kasanayan sa pagganap.

Ang problema ng hindi mapag-aalinlanganan, matatag at emosyonal na liberated na paglalaro ng button na accordion at accordion ay nauugnay sa tamang setting ng gumaganang apparatus, na nagbibigay para sa pagbuo ng mga pundasyon ng spatial orientation, coordinated sa pitch auditory representasyon, na sa unang panahon ng mastering ang instrumento. "Ang oryentasyon sa accordion ay nangangahulugan ng proseso ng pagbabago ng mga representasyon ng pitch sa mga representasyon ng space-keyboard, na nagpapadali sa tumpak na pagpindot ng mga daliri sa mga susi. Sa ilalim ng mga kondisyon ng isang partikular na instrumento, ang nabanggit na proseso ay nailalarawan sa pamamagitan ng kakayahang medyo mabilis na bumuo at pagsamahin ang mga matatag na link sa pagitan ng sound-pitch at spatial na "coordinate" » . Ang kasanayan ng matatag na paglalaro ng akurdyon ay unti-unting nabuo. Ang lahat ng gumaganap na mga aksyon ay dapat na makabuluhan, at ang paghahalili ng mga daliri, ang kanilang mga paggalaw sa keyboard ay dapat na coordinated salamat sa isang mahusay na pinag-isipan at nasubok na sistema ng auditory-motor na relasyon. Kapag gumaganap ng mga musikal na gawa, ang anumang paggalaw ng mga daliri kasama ang mga susi ay maaaring ituring na sunud-sunod na pagkuha ng mga pagitan at ang kanilang mga kumbinasyon.

Ang isa sa mga pangunahing kinakailangan sa pamamaraan na nag-aambag sa pagbuo ng matatag na mga kasanayan sa oryentasyon ay isang tumpak na representasyon ng kaisipan ng istrukturang organisasyon ng keyboard na binuo ng mag-aaral. "Kapag nagsisimulang makabisado ang mga pangunahing kasanayan sa orienteering, kanais-nais na magsagawa ng sabay-sabay na kontrol sa pagganap sa tatlong antas: pitch ("mga agwat na inaawit" ng panloob na pagdinig), istruktura (mental na representasyon ng kaukulang mga parameter ng keyboard), motor (koordinasyon ng mga paggalaw sa kalawakan). Ang bawat isa sa mga nakalistang antas ay tumutugma sa isang tiyak na uri ng memorya: pitch, structural-logical at motor-motor ”(; tingnan din:). Kaya, ang mga kasanayan sa pagganap ay isang buong sistema ng mga pakikipag-ugnayan ng iba't ibang mga bahagi, kung saan ang pangunahing papel ay kabilang sa koordinasyon ng pitch at spatial na representasyon.

Ano ang ibig sabihin ni N. Kravtsov sa pamamagitan ng pagpapaalam sa mga mambabasa: "Sa disenyong ito, ang mga diskarte sa pag-iisip at paglalaro sa tradisyonal na organ-piano keyboard ay napanatili hanggang sa maximum"? Ang ganitong mga pahayag, bilang isang patakaran, ay nangangailangan ng mga seryosong pamamaraan ng pagpapatunay. Samantala, ang imbentor ay talagang nag-aalok sa akordyonista na "kunin lang" ang instrumento at... patugtugin ito. Kasiglahan at walang ingat na pagtitiwala - sapat na ba ang "kabuuan ng mga termino" kapag napagpasyahan ang kapalaran ng gumaganap? Ang bagong keyboard, ayon kay N. Kravtsov, na nakakatulong sa pagbuo ng modernong imahe ng isang batang tagapalabas, ay nangangailangan ng iba pang mga pangunahing kasanayan; ang huli ay dapat na organikong tumutugma sa isang maayos na sistema ng mga koneksyon sa auditory-motor. Ang pagkakatulad ng daliri ay ang panlabas na bahagi lamang ng pagganap. Sa ilalim ng mga kondisyon ng bagong keyboard (kung saan ang lahat ng pinakamahalagang spatial na katangian ay nabago), ang instrumentalist ay kailangang bumuo ng kaukulang mga koneksyon sa pagganap sa isang bagong paraan. Ang mga pagtitiyak ni N. Kravtsov tungkol sa "simple" na mekanismo ng adaptasyon ("pag-aaral nang higit pa, hindi muling pag-aaral") ay walang wastong argumentasyon at tiyak na nililinlang ang madla.

Ang kaginhawaan ng pagfinger ay isa lamang sa mga bahagi ng diskarte sa pagganap, at malayo sa pagiging pinakamahalaga. Para sa mga galaw ng keyboard na walang error at pinakamainam na kontrol sa mga proseso ng intonasyon, ang pinakamahalagang bagay ay ang oryentasyon sa sistema ng keyboard na nilagyan ng instrumentong ito. Ang paghihigpit sa ating sarili sa maginhawang pag-finger, sa labas ng isang full-scale na sistema ng oryentasyon, hindi kami gagawa ng mga kinakailangan na nag-aambag sa pagbuo ng tamang auditory-motor skills. Ang "cellular" na keyboard ng N. Kravtsov, dahil sa ilang mga tampok na istruktura, ay walang parehong spatial na "mga demarkasyon" (magagamit sa isang tradisyonal na akurdyon) at ang prinsipyo ng mga hilera (karaniwan ng isang pindutan ng akurdyon). Ang kakulangan ng planar differentiation at tactile specificity ay nagbibigay-daan sa performer na maramdaman lamang ang mga malapit na key. Gayunpaman, ang pakiramdam na ito, sa katunayan, ay lumalabas na hindi matatag dahil sa hindi naayos na mga distansya sa pagitan ng mga susi. Sa ganoong sitwasyon, tila napakahirap gumamit ng sound-altitude (auditory) at spatial na reference point. Pag-aaral ng isang bagong gawain, ang tagapalabas ay napipilitang muling i-master ang mekanismo ng interval-spatial na pagkakakilanlan sa bawat oras, na nag-aambag sa mga walang error na paggalaw ng mga daliri at pagpindot sa mga kinakailangang key.

Ito ay tiyak na mga prospect para sa isang matatag at mataas na kalidad na laro sa mga kondisyon ng keyboard ni N. Kravtsov na mukhang labis na nagdududa. Ang mga accordionist, na ang mga pagtatanghal sa instrumento na ito ay nagawa kong pakinggan, ay nakikilala sa pamamagitan ng kawalan ng katiyakan ng pagitan-spatial na paggalaw, na may pana-panahong "kumakapit" na mga kalapit na susi at pinipigilan, hindi maipahayag na pagganap ng kaukulang mga yugto. Ang pagkakaroon ng pagpapakita ng interes sa mga nabanggit na paghihirap, personal kong naging pamilyar ang aking sarili sa bagong keyboard at nalaman na ang ganap na kakulangan ng paggaod ay humahadlang sa kumpiyansa na pakiramdam ng mga spatial na katangian ng keyboard. Samantala, modernong manlalaro ng akurdyon Hindi inirerekomenda na tumingin sa keyboard sa panahon ng laro. Ang visual na pagwawasto ng mga paggalaw ng keyboard, na sinamahan ng isang patayong posisyon at makatuwirang paglalagay ng instrumento, ay napakahirap, nakakapagod, sinusubukan kong alisin ang aking mga mag-aaral mula sa ugali na ito. Gayunpaman, ang mga gumaganap na gumaganap sa isang instrumento na dinisenyo ni N. Kravtsov ay halos napipilitang patuloy na tumingin sa keyboard! Sa pangkalahatan, ang "flat" na layout ng mga susi, sa palagay ko, ay mali, at para sa mga musikero na maliit ang tangkad, ang visual na kontrol ng laro ay imposible lamang. Ang nabanggit na mga musikero, sa pagsisikap na kontrolin ang mga kinakailangang spatial na paggalaw, ay pinilit na itakda ang instrumento sa isang hilig na posisyon, na pumukaw sa higpit ng gumaganap na kagamitan at lumilikha ng isang malaking pagkarga sa hubog na gulugod.

Ang istruktura ng piano at bayan na keyboard ay nagbibigay-daan sa tagapalabas na umasa sa prinsipyo ng pagitan, pagsasama-sama at pagsasama-sama ng auditory at spatial na representasyon. Sa aspetong ito, ipinapalagay ng keyboard ni N. Kravtsov ang isang hindi masusukat na mas malaking pagkakaiba-iba, samakatuwid, ang antas ng karunungan ng mga nauugnay na kasanayan ay depende, una sa lahat, sa paunang yugto ng pagsasanay (samantala, tulad ng lumilitaw mula sa itaas na pangangatwiran ng imbentor. , ang paunang mastering ng instrumento ay dapat isagawa sa isang klasikal na akurdyon). Ito ay humahantong sa susunod na tanong: ang instrumento ba na may bagong keyboard ay isang akurdyon, o iba pa ba ito? Siguro mas mahusay na pangalanan ito bilang parangal sa imbentor na "Kravtsovofon"? Pagkatapos ng lahat, sa katunayan, pinag-uusapan natin ang tungkol sa isang bagong instrumento, na may iba't ibang mga kasanayan at sensasyon, ibang "topography", daliri "choreotechnics", na nagmumungkahi ng pagbuo ng ibang gumaganap na pag-iisip. Mahirap matukoy kung gaano karaming oras ang aabutin upang makabisado ang pangunahing hanay ng mga kasanayan at kakayahan - ang prosesong ito ay puro indibidwal. Kung ang nabanggit na modelo ay mabuti o masama, mayroon man itong mga prospect (pagkatapos ng isang tiyak na pagpipino ng disenyo) o hindi, kung ang "kravtsovophone" ay may karapatang umiral, tulad ng pindutan ng accordion at accordion, o sa kalaunan ay mawawala - ito ay posible na magtatag lamang ng eksperimento. Ngunit pagkatapos ay ang pagpapatuloy na idineklara ng may-akda sa pagitan ng akurdyon at ng bagong instrumento ay lumalabas na higit pa sa pagdududa. Pagkatapos ng lahat, ang nakuha na mga kasanayan ay dapat na mabago at kahit na mabago! Ang pagbagay ng mga kasanayan na nauugnay sa tradisyonal na keyboard (na pinagkadalubhasaan ng mga bata sa pre-professional na panahon ng pag-aaral) na iminungkahi ni N. Kravtsov sa bagong imbentong instrumento ay talagang nawawalan ng anumang kahulugan, dahil para sa tagapalabas ang bagong bagay na ito, kasama ang lahat ng pagkakatulad ng mga prinsipyo ng fingering, ay malinaw na "higit" sa kahalagahan ng mga nabanggit na kasanayan .

Kapag pinagkadalubhasaan ang inilarawan na keyboard, ang isang muling pagsasaayos ng gumaganap na sistema ng sound-spatial orientation ay magaganap, na gumagana sa ilalim ng mga kondisyon ng isang tradisyonal na keyboard ng accordion (kung saan ang pagpapalawak ng agwat ay tumutugma sa isang pagtaas sa distansya na sakop) o button accordion (na may isang chromatic key arrangement system at isang matatag na pakiramdam ng paggaod). Ang pagkakatulad ng mga daliri sa sitwasyong ito ay hindi ginagarantiyahan ang pagkakapareho ng mga kasanayan. Tulad ng tiniyak ni N. Kravtsov (tingnan ang:), na umangkop sa bagong keyboard, ang tagapalabas ay hindi magagawang mabilis na "makatapos ng kanyang pag-aaral". Samantala, ang anumang retraining ay natural na nagdudulot ng iba't ibang "mga kapintasan" sa spatial na oryentasyon sa keyboard, na nagpapalala sa katatagan ng laro. Sa palagay ko, mas mainam na irekomenda ang button na accordion sa mga mahuhusay na musikero ng accordion na tiyak na gustong magsagawa ng mga komposisyon ng "ultimate" na kahirapan nang walang instrumental na "adaptation" ng orihinal na mga teksto. Sa kasong ito, ang artistikong resulta at ang katatagan ng pagganap ay magiging mas mahuhulaan.

Ang isang kapansin-pansing halimbawa ng balanse at promising na diskarte sa pagbuo ng button accordion at accordion ay ang gawa ng kahanga-hangang Polish na musikero, guro at metodologo na si Włodzimierz Lech Pukhnovsky: “Si Pukhnovsky ay isang pioneer sa maraming gawain sa Poland at higit pa. Siya ay higit na tinutukoy ang pag-unlad ng sining ng bayan sa Poland at halos gumaganap ng isang mapagpasyang papel dito. Salamat sa kanya masiglang aktibidad, binuksan ang mga klase ng akurdyon sa maraming institusyong pang-edukasyon, kabilang ang Academy of Music. F. Chopin. Ito ay si Pukhnovsky na, sa pamamagitan ng kanyang matibay na desisyon, inilipat ang lahat ng mga manlalaro ng keyboard ng Poland sa mga button accordion (bayans). Kasabay nito, pinag-aaralan ang mga tagumpay ng mga accordionist ng Sobyet sa mga internasyonal na kumpetisyon, dumating siya sa konklusyon na ang sistema ng Russia, ang tinatawag na B-griff, ay mas maginhawa para sa posisyon ng mga kamay, lalo na sa kaliwang pumipili na keyboard. Palagi niyang binibigyang-diin na sa sistemang ito ang "albertian basses", gayundin sa piano, mas madaling tumugtog, iyon ay, ang mahinang maliit na daliri ay tumutugtog ng mababang bass, habang ang malalakas na daliri ay nananatiling libre para sa mga figurasyon ng birtuoso. Mula noon, lahat ng Polish accordionist, na naglalaro ng mga keyboard nang walang pagbubukod, ay unti-unting lumipat sa isang push-button system.

Aling instrumento ang mas magandang pag-aralan ay isang tanong na matagal nang nareresolba sa mga bayanista at akordiyonista. Mukhang mas promising ang Bayan para sa pagtuturo at practice ng concert, na dahil sa lawak ng kaukulang repertoire. Ang paraan ng paglipat mula sa akurdyon hanggang sa pindutan ng akurdyon ay nasubok na ng mga kilalang musikero-guro: V. A. Semenov, O. M. Sharov, S. F. Naiko at iba pa. mahusay na mga resulta. Kinailangan ko ring lumahok sa mga katulad na "eksperimento" sa aking mga mag-aaral. Gayunpaman, sa ilan sa aking klase, ang nabanggit na muling pagsasanay ng mga akordiyonista ay hindi ginagawa. Ang mga dahilan para sa desisyon na ito ay ang naipon na karanasan ng pakikipagtulungan sa mga accordionist, isang kapansin-pansing pagpapayaman ng artistikong repertoire na ginanap sa akurdyon, ngunit, marahil, ang pinakamahalagang kadahilanan ay ang kadahilanan ng indibidwal na attachment, ang pag-ibig ng batang musikero para sa kanyang instrumento. Sa ngayon, lalong mahalaga na tratuhin nang may pag-unawa sa mga pagsisikap na ginawa ng mag-aaral mismo at ng kanyang dating guro sa panahon ng "pangalawang espesyal" na yugto ng paghahanda sa edukasyon. Bilang karagdagan, ang guro ay nanganganib na salakayin ang natural na proseso ng pag-unlad ng mag-aaral, dahil ang katatagan at pagiging natural ng mga nakuhang paunang kasanayan ay maaaring masira sa panahon ng muling pagsasanay.

At bakit kailangan mong magsanay muli? Ayon kay N. Kravtsov, ang pangunahing motibo ay ang pagnanais ng mga accordionist na makabisado ang isang bagong modernong repertoire na naka-address sa button accordion, dahil ang pangunahing "problema ng pagsasagawa ng button na accordion texture sa kanan - organ-piano keyboard" ay "malawak na paghihiwalay ng mga boses". Pagsisikap na regular na magkita kawili-wiling musika sa ating mga araw ay katangian ng bawat mahuhusay at matanong na artista, anuman ang instrumento na pag-aari niya. Naturally, kapag gumaganap ng modernong pang-akademikong musika para sa pindutan ng akurdyon sa akurdyon, ang mga paghihirap ay lumitaw dahil sa pagbagay ng ilang mga elemento ng pagtatanghal ng textural ng orihinal sa mga detalye ng keyboard ng akurdyon. Paminsan-minsan, ang accordionist ay napipilitang ipakilala ang ilang mga pagbabago sa musikal na tela na hindi nakakaapekto sa mga pundasyon ng masining at makasagisag na konsepto ng komposisyon na ginaganap. Sa ganitong mga kaso kinakailangan mayroong isang malinaw na representasyon (prehearing) ng pinakamahalagang textural na "mga bahagi" ng intensyon ng may-akda, na ginagawang posible upang makamit ang isang sapat na resulta ng pagganap (dahil sa pinag-isang likas na katangian ng paggawa ng tunog ng pindutan ng akurdyon at ang akurdyon).

Tandaan na ang "awtomatikong" adaptasyon ng modernong akademikong musikang bayan sa akordyon ay napakabihirang - kahit na ang ganitong "awtomatiko" ay lumabas na teknikal na maginhawa at posible. Sa madaling salita, hindi gaanong mahalaga kung ang isang partikular na pagsasaayos ay isinasagawa sa isang tradisyonal o "bagong" keyboard. Ito ay totoo lalo na para sa "naaangkop" na mga tampok ng three-row fingering system (batay sa mga lohikal na prinsipyo ng istraktura ng accordion keyboard: sa pagsasalita, ang bawat daliri ay gumagalaw kasama ang "sariling" hilera ng mga susi nito). Sa katunayan, ang "grip" ng bayan sa akordyon ay tila isang uri ng "imbensyon", bahagyang maginhawa at organiko. Ang pagnanais ni N. Kravtsov na "mapanatili hangga't maaari ang mga diskarte sa pag-iisip at paglalaro sa tradisyunal na organ-piano keyboard" ay nagpapahiwatig ng pagganap ng mga tiyak na elemento ng textural ng accordion na may sunud-sunod na alternating mga daliri. Ang mga positional na prinsipyo na nabanggit sa itaas (isang natural na produkto ng three-row system) ay hindi maisasakatuparan sa kasong ito, dahil ang mga distansya sa pagitan ng mga key ng bagong keyboard ay lumampas sa mga modernong button accordion. Iyon ang dahilan kung bakit ang texture ng accordion ay mapipilitang gumanap sa paglahok ng iba pang mga kumbinasyon ng fingering.

Ang ganitong mga paghihirap ay lalo na kapansin-pansin sa proseso ng pag-aaral ng mga orihinal na gawa ng mga kompositor ng akurdyon (Vl. Zolotarev, V. Semenov, V. Zubitsky, A. Yashkevich, atbp.), Na napakalinaw na kumakatawan sa mga detalye ng kanang pindutan ng accordion keyboard, at kung minsan ay nag-compose sila sa direktang “contact » sa isang instrumento (o nagsasagawa ng «approbation» ng mga bagong likhang opus sa kanilang sariling pagganap). Ang bagong keyboard na iminungkahi ni N. Kravtsov ay nangangailangan ng mga bagong solusyon sa fingering na naiiba sa tunog mula sa orihinal na ideya at tumutugma sa mga pagsasaayos. Kapag gumaganap ng musikang bayan na nilikha ng mga kompositor - "hindi bayanista" (sa pangkalahatan ay isinasaalang-alang nila ang mga tampok ng keyboard ng instrumento nang hindi ito pagmamay-ari), ang potensyal na interpreter ay higit na kailangang "i-adapt" ang sound material alinsunod sa aktwal na mga tampok. ng pindutan ng akurdyon o akurdyon.

Sa pangkalahatan, ang problema ng repertoire na "kakulangan" ay madalas na matagumpay na nalutas ng mga modernong practitioner. Halimbawa, ang mga mag-aaral ng akordyon ay nag-aaral sa aking klase sa loob ng maraming taon, at walang koneksyon sa diumano'y "pagsasara ng mga puwang sa dami ng load" sa mga klase sa unibersidad. Tila, ngayon ang pagiging kaakit-akit ng akurdyon sa paunang panahon ng pagsasanay ay mas mataas kaysa sa "akit" ng pindutan ng akurdyon (hindi namin susuriin ang mga dahilan para sa hindi pangkaraniwang bagay na ito). Ang organisasyon ng proseso ng unibersidad ng pagtuturo ng mga accordionist at accordionist ay halos walang makabuluhang pagkakaiba. Pagkatapos ng 45 taon ng trabaho sa unibersidad at kolehiyo, nakabuo ako ng isang buong repertoire para sa akurdyon, na nagpapahintulot sa mga mag-aaral na makamit ang kinakailangang antas ng propesyonal alinsunod sa mga pamantayan para sa mas mataas na dalubhasang edukasyon. Ang akordyon, siyempre, ay hindi isang "omnivorous" na instrumento, at ito ay hindi bababa sa walang ingat na pagtatalo sa pagiging lehitimo ng pagbibigay ng kwalipikasyon sa unibersidad, batay sa sukat ng modernong orihinal na repertoire na ginanap.

Hindi gaanong mabigat na argumento na pabor sa pagsasaayos ng modernong akademikong musikang bayan para sa akordyon ay ang saloobin sa prosesong ito na ipinakita ng mga may-akda ng kani-kanilang mga akda. Sa partikular, ang kahanga-hangang kompositor ng Don na si A. Kusyakov, na paulit-ulit na sumang-ayon na makinig sa aking mga mag-aaral sa accordion upang makilala ang isa o ibang bersyon ng pag-aayos, ay napakalma tungkol sa mga pagwawasto na ipinakilala, na naniniwala na ang pangunahing bagay sa lugar na ito ay upang panatilihin ang isang pakiramdam ng proporsyon at sundin ang masining na layunin ng trabaho. Bukod dito, sa suporta ni A. Kusyakov, ang isang bilang ng kanyang mga komposisyon sa "mga bersyon" ng akurdyon ay nai-publish ng bahay ng pag-publish ng Rostov Conservatory.

Tungkol sa pagganap ng musika ng organ sa akurdyon, dapat tandaan na hindi lahat ng komposisyon para sa organ ay maaaring muling likhain sa orihinal na bersyon ng mga manlalaro ng akurdyon. Kadalasan ang interpreter ay kailangang "muling ipahayag" ang teksto ng may-akda, na pumipili ng artistikong katanggap-tanggap na mga opsyon para sa sound embodiment nito. Ang bayan, tulad ng akordyon, ay hindi maituturing na isang "unibersal" na instrumento, na kinumpirma rin ng pagsasagawa ng kaukulang mga transkripsyon ng orkestra, biyolin at piano opus ng romantikong panahon.

Kung isasaalang-alang ang mga prospect para sa paggamit ng keyboard na iminungkahi ni N. Kravtsov sa kaliwang bahagi, pati na rin ang pagiging angkop ng "salamin" na paglalagay ng mga boses (mababang rehistro - sa itaas na bahagi ng keyboard, mataas - mas mababa), ang may malubhang pagdududa ang may-akda ng mga linyang ito. Ang ideya ay nangangailangan ng karagdagang pag-aaral at masusing pagpipino. Ang mga argumento ng imbentor tungkol sa "pinahusay" na pag-aayos ng mas mababang mga boses at ang lohikal na hindi motibasyon na sistema ng pagdoble ng mga hilera sa piling keyboard ay mukhang lubhang problemado: "Ang pag-aaral ng problema ay nagpakita na ang mga proseso ng motor-game ay mas mabilis na bumubuti at mas pare-pareho sa pangkalahatan. pisyolohiya ng tao kung ang mga ito ay batay sa isang "salamin" na countermovement ". At higit pa: "Iyon pala paggawa ng salamin mapipiling keyboard, lahat ng fingering na kilala sa kasaysayan ng piano, organ at accordion para sa kanang kamay ay maaaring matagumpay na magamit kapag naglalaro gamit ang kaliwa. Hindi malinaw kung ano ang ibig sabihin ng mga proseso ng motor-game N. Kravtsov. Gayunpaman, ang praktikal na karanasan ng pakikipagtulungan sa isang accordionist, na nag-aaral sa klase ng may-akda ng artikulong ito at nagsasanay sa "salamin" na kaliwang keyboard ng isang napiling instrumento, ay nagbibigay-daan sa amin upang tapusin: ang mga problema ng kaginhawaan ng pagsasagawa ng mga paggalaw sa panahon Ang mga sipi na tulad ng sukat ay nananatiling hindi nagbabago para sa ipinahiwatig na "inverted" na modelo. Sa parehong mga kaso, tila mas maginhawang magsagawa ng mga sipi na may mga pataas na paggalaw sa keyboard, at mas mahirap sa mga pababang paggalaw. Kapag gumaganap ng isang bass-chord texture sa isang "mirror" na piling keyboard, ang mga kontradiksyon ng auditory-motor ay lumitaw kapag ang mas mababang boses ay inilagay sa tuktok ng keyboard, ang mga chord ay nasa ibaba (na may malinaw na paglihis mula sa mga patnubay sa pitch). Samakatuwid ang hindi makatwiran na paggamit ng mga daliri, na hindi isinasaalang-alang ang mga katangian ng pisyolohikal ng kamay at ang pangunahing papel ng mas magaling na mga daliri sa organisasyon ng proseso ng pagganap. Sa "mirror" na keyboard, ang bass ay kinukuha ng movable at flexible na 2nd finger, habang ang mga hindi gaanong binuo na mga daliri, na hindi masyadong angkop para sa paghahanap at sabay-sabay na pagkuha ng mga tumutugmang tono, ay itinalagang mga tunog ng chord. Malinaw, ang keyboard ng tradisyonal na sistema, na nagbibigay-daan sa muling paglikha ng mga lohikal na prinsipyo ng orihinal sa mga transkripsyon ng piano music, ay dapat kilalanin bilang malinaw na mas kanais-nais para sa pagganap ng naturang texture. Ang mapipiling keyboard ay ang kaliwa (ibabang) bahagi ng piano scale, kung saan kinukuha ang mga accompaniment bass gamit ang ika-5 o ika-4 na daliri. Lumalabas din na mas maginhawa ang spatial na oryentasyon sa mga kundisyon ng isang tradisyunal na keyboard - pinag-uusapan natin ang patuloy na nadarama (na may 2nd daliri) na mga hilera at distansya sa panahon ng mga pagtalon o mga naka-texture na paggalaw, sa kabila ng medyo malaking distansya ng mga tunog ng chord mula sa mga basses.

Ang isa pang napaka-kaduda-dudang thesis ni N. Kravtsov ay ang pahayag: "... ang mga daliri para sa mga bahagi ng kanan at kaliwang mga kamay ay hindi kailangang pag-aralan nang hiwalay, ngunit isang daliri lamang ang sapat, na magiging pangkalahatan para sa parehong mga kamay. Ito rin ay lubos na pinapasimple ang proseso ng pagbabasa ng paningin, na palaging problema kapag naglalaro ng tatlong sistema ng instrumento. Kaugnay ng iminungkahing “uniform” fingering, balikan natin muli ang proseso ng pagbuo ng mga kasanayan sa paglalaro. Sa pindutan ng akurdyon, sa kabila ng walang alinlangan na pagkakapareho ng kanan at kaliwang mga keyboard, ang nabanggit na proseso ay hindi nangangahulugang tinutukoy sa pamamagitan ng pag-finger ng "parallels". Ang pagbuo ng malakas at matatag na mga kasanayan sa paglalaro ay nakakamit sa pamamagitan ng pagsasanay na isinasagawa ng bawat kamay nang hiwalay. Ipinahihiwatig nito, kasama ang pare-parehong pag-unlad ng landas ng keyboard, ang ipinag-uutos na paggamit ng mga prinsipyo ng kontrol sa sound-spatial, intonational na antas. Sa hinaharap, sa susunod na yugto ng pag-master ng piyesang pinag-aaralan, nabuo ang isang bagong - pinagsamang, pinag-iisang - kasanayan. Samakatuwid, ang pangangatwiran ni N. Kravtsov tungkol sa mga prospect para sa pag-aaral ay gumanap ng mga komposisyon ayon sa isang pinabilis at pinakamataas na "magaan" na iskedyul ay mukhang maliwanag na mali, pati na rin ang di-umano'y "relasyon" sa pagitan ng kumpiyansa na pagbabasa ng paningin at ang pagkakatulad ng mga daliri.

Ang mga katulad na maling kuru-kuro ay karaniwan para sa mga naunang publikasyon ni G. Shakhov (tingnan, halimbawa:), kung saan ang mga kasanayan sa pandinig-motor na gumaganap ay pinapalitan ng pag-finger ng "parallelism". Ang kamalian ng interpretasyong ito ng problema ay malinaw na inihayag kapag nagbabasa mula sa isang sheet ng mga walang karanasan na bayan at akordyonista: hindi masyadong tumpak na tunog pitch anticipation ng isinagawang teksto ay pinalala ng tinatayang panloob na paningin ng keyboard. Ang resulta ay isang paghahanap para sa wastong mga susi, na ipinatupad sa pamamagitan ng "pagsuntok" sa keyboard - "paghanap" ng teksto sa keyboard, at hindi sa kabaligtaran. Ang resulta ng naturang gawain ay hindi masyadong nakakaaliw: ang ginanap na pagganap ay nagpapatuloy "nang nakapag-iisa" ng mga tunay na koneksyon na may pag-asa sa pitch at kontrol ng intonasyon.

Isa-isahin natin ang nasa itaas:
1. Ang pahayag ni N. Kravtsov tungkol sa propesyonal na "kababaan" ng mga sertipikadong accordionist, na parang nangangailangan ng isang ipinag-uutos na paglipat sa isang keyboard ng isang bagong disenyo, ay mukhang walang katotohanan (at, sa katunayan, nakakapinsala).
2. Ang akurdyon ay isang instrumento na sapat sa sarili, ang pag-unlad nito ay nagaganap sa mga kondisyon ng isang mahusay na itinatag at medyo epektibong sistema ng pagsasanay ng mga highly qualified na espesyalista.
3. Ang mga pahayag ng may-akda tungkol sa mga pakinabang ng keyboard na naimbento niya ay hindi suportado ng mga pamamaraang katwiran para sa pagiging angkop ng unibersal na pagsasanay sa "Kravtsov accordions".
4. Keyboard tungkol sa kung alin sa tanong, ay hindi isang "pinahusay na bersyon" ng tradisyonal, ngunit isang bagong modelo, para sa karunungan kung saan kinakailangan na muling matuto - hindi "matuto nang higit pa".
5. Ang pagpapalit ng tradisyonal na pag-aayos ng pitch sa kaliwang piling keyboard ng isang bagong imbento ("salamin") ay mukhang isang di-karapat-dapat at hindi kapani-paniwalang inisyatiba.
6. Ang kasalukuyang sitwasyon sa larangan ng edukasyon sa musika ay nailalarawan sa kaugnayan ng mga problema na may kaugnayan sa nilalaman at kalidad ng proseso ng edukasyon. Kailangan nating magturo at matuto upang ang ating propesyon ay makakuha ng isang karapat-dapat na posisyon sa kaukulang pambansang ranggo. Kailangang mahanap ng mga Bayanista at akordiyonista ang kanilang lugar sa lipunan, ipahayag ang mahalagang papel ng pagtatanghal sa mga instrumentong bayan at pukawin ang mainit na tugon mula sa mga manonood ngayon.
7. Ang kahulugan ng edukasyon ay hindi kung gaano karaming mga diploma at tasa ang mapanalunan ng isang batang musikero sa mga internasyonal na kompetisyon, ngunit sa kanyang pagkahilig sa kanyang napiling propesyon. Ang pagmamahal ng tagapalabas sa kanyang instrumento ay dapat na "pulang sinulid" ng bawat isa malikhaing talambuhay; bilang karagdagan, ang isang tunay na propesyonal ay obligadong pukawin ang isang katulad na pakiramdam sa kanyang sariling mga mag-aaral.
8. Ang instrumental na "re-equipment" ng mga accordionist at ang pagpapakilala ng isang binagong keyboard sa pagganap ng pagsasanay ngayon ay halos hindi mga kagyat na gawain. Ang sitwasyon sa pag-imbento ng N. Kravtsov ay maaaring matagumpay na malutas at nalutas na salamat sa isang indibidwal na diskarte sa pag-aaral. Sa pamamagitan ng pagpapataw sa mga lokal na musikero ng ilang "obligado" na mga recipe sa lugar na ito, inaakay lang namin ang aming mga kasamahan palayo sa pag-unawa sa mga nasusunog na problema ng domestic professional education at concert performing arts.

Panitikan
1. Akordyon ni N. Kravtsov. URL: http://www.accordionkravtsov.com/method.shtml
2. Kravtsov N. Ang sistema ng mga organ-type na keyboard sa disenyo ng isang ready-to-select accordion // Alok sa Department of Folk Instruments [SPbGUKI]: Sat. Art. SPb., 2013.
3. Lips F. Sa memorya ng V. L. Pukhnovsky. URL: http://www.goldaccordion.com/id1344.
4. Ushenin V. Pagpapabuti ng mga teknikal na kasanayan ng akordyonista: aklat-aralin. allowance. Rostov n/a, 2013.
5. Ushenin V. Paaralan ng pagtugtog ng akurdyon: aklat-aralin.-paraan. allowance. Rostov n/a, 2013.
6. Ushenin V. Paaralan ng kasanayang masining ng akordyonista: aklat-aralin.-paraan. allowance. 2009.
7. Shakhov G. Naglalaro sa pamamagitan ng tainga, pagbabasa ng paningin at transposisyon sa klase ng akordyon ng pindutan: aklat-aralin. allowance. M., 1987.

Pinarangalan na Artist ng Russia,
Ph.D. sa History of Arts,
Propesor ng Rostov State Conservatory na pinangalanan S.V. Rachmaninoff
V.V. Ushenin

Artikulo "Propesyonal na pagganap ng akurdyon sa kasalukuyang yugto: Prospects for Development" ay nai-publish sa koleksyon ng mga materyales ng siyentipiko at praktikal na kumperensya "Bayan, akurdyon, pambansang harmonica sa modernong kulturang musikal ng Russia" (Rostov-on-Don, Rakhmaninov Russian State Conservatory, 2016, p. 196).

TUNGKOL SA LIBRO
Ang aklat na dinala sa atensyon ng isang iginagalang na mambabasa ay nagbubuod sa maraming taon ng pagganap at pedagogical na karanasan ng may-akda nito - Doctor of Art History, Propesor - Nikolai Andreevich DAVYDOV.
Ang halaga ng libro ay nakasalalay sa katotohanan na ito ay sumasalamin sa isang qualitatively bagong antas ng pagganap ng sining ng accordion player, na nakamit sa huling isa at kalahati hanggang dalawang dekada. Ang paglago nito ay pinasigla ng muling pagtatayo ng button accordion sa tinatawag na ready-to-select multi-timbre concert instrument at ang pagsulong ng mga mahuhusay na kompositor na lumikha ng artistikong makabuluhang mga gawa para sa modernong button accordion.

Ang pagyabong ng pagtatanghal ng bayan ay nagtaas nito sa isang antas na maihahambing sa isang tiyak na lawak sa pagganap ng violin, organ o piano. Gayunpaman, kung mayroong hindi bababa sa dose-dosenang mga gawa sa kasaysayan, teorya at pamamaraan ng pagtugtog ng mga klasikal na instrumentong pangmusika, at daan-daang mga gawang pangkalahatan sa pagsasanay sa mundo, kung gayon ang mga daliri ng isang kamay ay sapat na upang muling kalkulahin ang mga ito sa larangan ng pagtatanghal ng bayan. .

Ang antas ng pag-unlad ng gumaganap na sining ng mga accordionist na naabot sa ating mga araw ay napakataas na hindi na ito tumutugma sa tradisyonal na nilalaman at organisasyon ng kaalaman sa lugar na ito, ang kanilang pagkapira-piraso, hindi kumpleto, madalas ang nangingibabaw na teknolohikal, oryentasyon ng recipe, isang tiyak na paghihiwalay. , paghihiwalay sa iba pang larangan ng kaalaman at pagsasagawa ng pagkamalikhain. Sa sitwasyong ito, ang libro ni N. A. Davydov ay hindi lamang nauugnay. Ito ay pangkasalukuyan, dahil napagtagumpayan nito ang nabanggit na hindi pagkakapare-pareho sa pamamagitan ng pagsasama ng pagganap ng bayan sa karaniwang sistema musical at performing arts sa pangkalahatan, kung saan ang lahat ng uri ng performance (piano, string-bow, wind at iba pang instrumento) ay lumalabas bilang katabi ng sining ng mga accordionist.
Sa pagtukoy sa pamamaraan at pamamaraan ng pagtugtog ng piano, violin at iba pang instrumento, gayundin sa sikolohiya, musical acoustics at music theory, itinuturing ng may-akda ng aklat na hindi katanggap-tanggap ang awtomatikong pagpapakalat o mekanikal na paglipat ng karanasan ng mga kapanalig sa sining ng bayan. Kinuha lamang ni N. A. Davydov mula sa karanasang ito ang pinakamahalagang bagay na karaniwan sa lahat ng mga lugar ng sining ng pagtatanghal, o hindi sumasalungat sa mga detalye ng akordyon ng pindutan. Nakikita ng may-akda ang mahalagang bahagi ng pagganap ng bayan at ang tiyak na katangian ng bayan sa lapit ng mga kamay sa keyboard, hindi mapaghihiwalay na pakikipag-ugnayan dito, ang kanilang paglubog sa keyboard, at ang ekonomiya ng mga paggalaw.
Ang libro ay paulit-ulit na nag-uusap tungkol sa hindi sapat na koneksyon ng mga manlalaro ng bayan na may kaugnay na mga larangan, na sila ay madalas na interesado lalo na sa pagganap ng mga detalye ng kanilang aktibidad, habang ang isang accordion player na pamilyar, sabihin, sa composer technique, ay mas bihasa sa istruktura ng mga gawang musikal, independiyenteng nakakahanap ng tamang interpretasyon ng textural at iba pang nagpapahayag na paraan.

Tamang tinutukoy ng may-akda ang pinakamahalagang isyu na nangangailangan ng agarang pagsasaalang-alang: ang kahulugan ng mga detalye ng gumaganap na interpretasyon ng mga paraan ng pagpapahayag ng musika; pagkakakilanlan ng mga partikular na aspeto ng musikal at gumaganap na pag-iisip at intonational na pagpapahayag ng button accordion; teoretikal na pagpapatibay ng mga mekanismo ng sapat na intonasyon ng tagapalabas ng mga elemento ng istruktura ng mga gawang musikal; paggawa ng isang konsepto masining na pamamaraan akordyonista; pagpapatibay ng likas na pagiging co-authorship ng mga gumaganap na sining, at iba pa.
Ang mahusay na siyentipikong pag-aaral ng may-akda ng paksa ng kanyang pananaliksik - ang teorya ng pagbuo ng mga kasanayan sa pagganap, ay nagdudulot ng malalim na kasiyahan. Sa batayan ng pangunahing premise ng teorya ng intonasyon ni Asafiev, isang malawak at malalim na pagsusuri ng mga regularidad ng mga gumaganap na sining sa pindutan ng accordion ay isinagawa. Ang may-akda ay sapat na binubuo ang mga regularidad na ito sa tatlong direksyon: "ang intonasyon-nagpapahayag na mga posibilidad ng pindutan ng akordyon" (I ch.); "pagganap ng intonasyon ng musikal na kahulugan" (II ch.); "mga sangkap na elemento ng masining na pamamaraan ng bayanista" (III ch.).
Walang alinlangan na ang may-akda, sa isang mas mataas na antas ng spiral ng pananaliksik, ay umabot sa sikat na "Nehausian" triad: instrument-work-performer. Sa pagbuo ng huling bahagi ng triad, ang Kabanata IV ng aklat, "The Education of the Performer," ay mahusay na isinulat.
Imposibleng hindi sumang-ayon sa pangunahing hanay ng mga isyu kung saan lalo na nakatuon ang pansin ni N. Davidov. Ito ay, una sa lahat, mga katanungan ng mga detalye ng instrumento at ang mga pattern ng artikulasyon dito; ang tanong ng mutual adaptation ng artistikong at nagpapahayag na mga posibilidad ng button accordion at musikal at mga paggalaw ng laro (bilang isang proseso ng pagbuo ng artistikong at pagganap ng mga kasanayan).
Pangalawa, ito ay isang katanungan ng mga detalye ng gumaganap na pag-iisip ng musikero, na gumagana hindi lamang sa mga kategorya ng pangkalahatang musikal na pag-iisip, kundi pati na rin sa mga pribado (tiyak na instrumental-performing) - tulad ng timbre, articulation, agogics, dynamics (sa pinakamalawak na kahulugan ng salita).
Pangatlo, ang tanong ng kumplikado, sintetikong katangian ng artistikong pamamaraan, na nagbibigay-daan para sa katumbas na pagpapalitan ng gumaganap na paraan ng pagpapahayag. At, sa wakas, ang tanong ng pagbuo ng mga kapaki-pakinabang na psycho-physical na micro-action ng isang musikero bilang pangunahing batayan para sa karagdagang kapaki-pakinabang na pag-deploy sa meso- at macrolevels, na magkakasamang sumasalamin sa likas na katangian ng kapaki-pakinabang na artistikong pamamaraan.
Ang halaga ng mga sagot na natagpuan ng may-akda ay hindi maaaring labis na tantiyahin. Siya, nang walang pagmamalabis, ay malawak na "binubuksan ang mga pintuan" sa "mga lihim ng karunungan" ng pinakamalawak na layer ng mga performer, kabilang ang mga nasa mga instrumentong pangmusika na may kaugnayan sa pindutan ng akurdyon.

Ang tagumpay ng may-akda sa pagtatrabaho sa mga isyung isinasaalang-alang ay dahil sa ang katunayan na hindi niya nililimitahan ang kanyang sarili lamang sa mga teoretikal na paghahanap, kundi pati na rin ang malawakang ginagamit na mga eksperimento sa laboratoryo at empirikal. Kaya, sa ilalim ng kanyang pamumuno, isang eksperimentong laboratoryo ang inayos, na sinisiyasat ang mga problema sa pagbuo ng mga kasanayan sa pagganap ng isang accordion player. Ang mga bunga nito ay makikita sa mga disertasyon at publikasyon ng kandidato: Yu. Bai, N. Vroyako, V. Bilous, L. Matviychuk, V. Knyazev, V. Sharov, G. Shakhova. Ang mga may-akda na ito, sa ilalim ng patnubay ni N. Davydov, ay lumikha ng mga pangunahing katwiran para sa mga pangunahing bahagi ng sining ng pagtatanghal: ang instrumento (V. Sharov), ang mga kasanayan sa motor ng isang instrumentalist (Yu. Bai), ang tainga ng accordion player at ang pagiging tiyak nito (G. Shakhov), psychotechnics (V. Bilous).
Ang solidong "live" na materyal na inaalok sa atensyon ng mga mambabasa ng libro ay bumubuo ng personal na siyentipiko at empirio-pedagogical na karanasan ng may-akda. Sa kurso ng isang pangmatagalang pag-aaral ng problema, nagsagawa siya ng 17 mga programa sa konsiyerto ng iba't ibang mga estilo, naghanda ng higit sa 100 mga high-class performer, kabilang ang 39 na nagwagi ng mga internasyonal at republikang kumpetisyon, karamihan sa kanila ay ginawaran ng mga unang premyo, Grand Prix , pinarangalan na mga artista at artista ng Ukraine, mga propesor, mga kandidato ng agham, mga docent.
Mula sa punto ng view ng hinaharap na pagganap ng akurdyon, ang ideya ng may-akda ng pagiging bukas, na tumatakbo tulad ng isang pulang thread sa buong libro, ay napakahalaga at pangunahing. Si N. A. Davydov ay hindi hilig na ganap na ganapin ang kanyang mga praktikal na rekomendasyon, na binuo batay sa bago, orihinal at kawili-wiling teoretikal na mga probisyon. Ang mga ito at maraming iba pang mga pakinabang ng iminungkahing aklat ay nagbibigay inspirasyon sa pagtitiwala na ito ay magiging parehong handbook para sa mga manlalaro ng bayan, tulad ng, sabihin nating, aklat ni G. Neuhaus para sa mga pianista, lalo na dahil ang mga pangunahing gawain tulad ng aklat ni N.A. Davydov ay para sa mga manlalaro ng bayan. halos hindi .
A. I. ROVENKO, Doktor ng Sining, Propesor
Yu. N. BAY, Kandidato ng Art History, Propesor

• KABANATA I Intonasyon-nagpapahayag na mga posibilidad ng button accordion
  • 1. Mga paraan ng pagpapahayag ng musikal sa proseso ng pagtatanghal
  • 2. Intonation expressiveness ng button akurdyon
  • 1. Oryentasyon
  • 2. Contact sa keyboard
  • 3. Teknikal na nangingibabaw
  • 4. Timbang ng kamay
  • 5. Mga Pangunahing Hugis ng Paggalaw ng Kamay Chords
  • 6. Pagtitiyak ng gawain ng kaliwang kamay Kontrol ng dinamika Gawain ng mga daliri
  • 7. Koordinasyon
• II. Ang ibig sabihin ng pagpapahayag bilang batayan ng karunungan
  • 1. Paggabay sa paggalaw
  • 2. Pagdidiin
  • 3. Line technique
  • 4. Dinamika ng pagganap
  • 5. Ang paggawa sa isang melody ay ang pangunahing salik sa integridad ng kasanayang masining

KABANATA IV. Ang pagpapalaki ng gumaganap

• 1. Kultura ng damdamin
• 2. Pagkakaisa ng emosyonal at rasyonal na mga salik
• 3. Ang pangunahing mga kinakailangan para sa pagbuo ng malikhaing kalayaan
• 4. Takdang-aralin bilang salik sa pag-aaral sa sarili
  • a) Iba't ibang paraan ng pag-aaral ng isang piraso ng musika
  • b) Pag-eehersisyo lalo na ang mahirap na mga sipi (chain method)
  • c) Elaborasyon ng melodic na istraktura
• 5. Ang antas ng pagiging kumplikado ng repertoire bilang isang kadahilanan sa artistikong paglago ng gumaganap
• 6. Pamamaraan para sa pagtukoy ng pagsusuri sa pagganap

Listahan ng mga binanggit na panitikan