Primitivism - isang istilo ng pagpipinta na nagmula noong ika-19 na siglo, na naglalaman ng sadyang pagpapasimple ng larawan, na ginagawang primitive ang mga anyo nito, tulad ng gawa ng primitive na panahon.

primitivism: primitivism painting primitivism in art primitivism paintings anarcho primitivism style primitivism Russian primitivism primitivism artists features of primitive primitivism primitivism wikipedia sa paintings primitivism in russia paintings paintings in the style of primitivism primitivism primitivism

Ang pagpipinta, bilang isang indibidwal na bagay, na ganap na isinagawa ng may-akda mismo, ang unang nagsamantala sa estadong ito, na lumalabag sa nakagawiang, mas tiyak at higit pa kaysa sa iba, lumalayo sa mga tinatanggap na estetikang estetika.

Ang direksyon ng kilusang ito - ang paglipat mula sa naturalismo tungo sa kombensiyon, mula sa pagiging sopistikado tungo sa pagpapasimple, mula sa modernistang pagiging sopistikado tungo sa primitivism - ay kapareho ng sa sining ng Europa. Ang pagsusuri ay nagpapakita na ang mga pinagmulan ng trend na ito ay matatagpuan sa labas ng artistikong tradisyon ng Russia.

Gayunpaman, sa pagliko patungo sa primitivism, dalawang magkasalungat na tendensya ay higit pa o hindi gaanong naiiba mula sa simula. Ang una ay tahasang nagdadala ng ideya ng pagpapasimple (sa kahulugan ng Rousseauist) at tumutugma sa konsepto ng "primitive". Ang pangalawa, na hindi makilala sa isang maagang yugto, ay nagpapahayag din ng sarili sa pangkalahatan, kondisyonal na mga anyo, ngunit ang layunin nito ay isang maigsi na anyo tulad nito, ang unibersalisasyon ng anyo, ang pagpapasimple nito. Sa unang kahulugan, ang primitivism ng ating avant-garde ay may mga pundasyon sa kaisipang Ruso, sa mga detalye ng paraan ng pamumuhay ng mga magsasaka, sa mythologization ng sarili nitong mga tao, sa mga sermon ng pagpapasimple ni Tolstoy.

Ang hindi pagkakatulad sa parehong Aleman at Pranses na mga bersyon ay halata. Doon ito nagsisimula sa isang apela sa Oceanian at African "primitive" na sining. Dito - na may apela sa iba't ibang anyo ng tradisyonal na Ruso masining na kultura: sa urban folklore, ritwal, pambansang damit, arkitektura, tanyag na mga kopya, katutubong laruan, atbp. Ang mga elementong ito ay ginagamit sa iba't ibang paraan ng mga artista tulad ng Bilibin, Nesterov, Grigoriev, Kustodiev, Malyavin, Arkhipov, Petrov-Vodkin, Kuznetsov, Larionov, Goncharova, Udaltsova at iba pa. Ang mga larawan ng mga magsasaka nina Goncharova at Malevich ay may isang karaniwang panimulang punto . Sa mga gawa ni K. Malevich, na ipinakita sa eksibisyon na "Jack of Diamonds" noong 1910, ang impluwensya ng kakaibang primitivism ng Fauvist coloring, na katangian ng gawa ni N. Goncharova ng 1900s, ay kapansin-pansin. Ang ilang mga gawa (halimbawa, Walking, 1910) ay nagpapahintulot sa amin na pag-usapan ang tungkol sa impluwensya ni Goncharova kay Malevich dito. maagang panahon. Gayunpaman, ang karagdagang kapalaran ng mga direksyon kung saan nabuo ang gawain ng mga artistang ito ay nagbibigay-daan sa amin na makita na ang pagkakapareho ng kanilang mga unang gawa ay mapanlinlang. Ang embryonic na pagkakatulad na ito ay bahagyang napanatili lamang sa mga nabuong anyo.

primitivism:
primitivism painting
primitivism sa sining
primitivism ng larawan
anarcho primitivism
estilong primitivism
primitivism ng Russia
primitivism artists
mga katangian ng primitive primitivism
primitivism wikipedia sa mga larawan
primitivism sa russia paintings
mga kuwadro na gawa sa istilo ng primitivism
primitivism sa panitikan at pagpipinta
primitivism sa pilosopiya at repleksyon sa mga painting

Sa terminong "primitivism" sa pagpipinta, hindi lahat ay napakasimple. Una, ang mga istoryador ng sining ay hindi palaging sumasang-ayon sa pag-decipher ng kahulugan nito. Bilang karagdagan, ang lahat ay pinalala ng pagkakaroon ng mga kasingkahulugan kung saan maaari itong italaga. O hindi magkasingkahulugan - depende sa kung alin sa mga punto ng view ang susundin.

Niko Pirosmani (Pirosmanashvili). leon at araw

Unawain natin ang mga konsepto

Sa huling bahagi ng ika-19 at unang bahagi ng ika-20 siglo, ang ilan ay progresibo Mga artistang Europeo magsimulang mabaliw para sa pagpapahayag at pagiging maikli ng mga artifact ng primitive na kultura. Ang hindi kumplikado at magaspang na kawalang-interes ng mga maskara ng ritwal ng Africa at mga pigurin na gawa sa kahoy ay tila sa kanila ay isang simple at halatang sagot sa paghahanap ng mga paraan upang madaig ang katigasan at pagwawalang-kilos sa akademikong pagpipinta. Sa oras na iyon, nawala na ang dating pagiging bago at pagiging iskandalo ng impresyonismo, kaya hindi ito maaaring mag-claim na siya ay isang shaker ng mga pundasyon.

Ang mga gawa ng primitive na kultura - ang mga ninuno ng modernong primitivist na obra maestra - kasama ang parehong sinaunang-panahong rock art o mga idolo ng bato, at mga kultural na tradisyon modernong mga tribo na naninirahan sa Africa, Oceania at iba pa. Ang mga maskarang Aprikano na tulad nito ay isang mapagpasyang salik sa paglitaw ng maraming kilusang avant-garde noong unang bahagi ng ika-19 na siglo.

Pinagmulan ng larawan: newpackfon.ru

Sa isa sa mga sistema ng coordinate, pinaniniwalaan na ito ay pagkamalikhain mga propesyonal na artista Ang mga may edukasyong pang-akademiko sa sining at lahat ng kinakailangang mga kasanayan, ngunit sinasadya na pumunta para sa pagpapasimple ng mga estilista at teknikal na pamamaraan upang gayahin ang primitive na sining, ay tumutukoy sa primitivism. Ang legacy ng mga self-taught na artist na nagpinta ng clumsily, childishly, sa kasong ito, ay tinutukoy bilang naive art.

Sa isa pang sansinukob ng kasaysayan ng sining, ang primitivism at walang muwang na sining ay mga kumpletong kasingkahulugan at mapagpapalit na mga konsepto. Mula sa puntong ito, ang terminong "naive art" ay isang uri ng euphemism na kailangan para sa mas malaking euphony, sa kaibahan ng konsepto ng "primitivism", na sa maraming mga wika ay may medyo pejorative connotation.

Gawin natin ang pangalawang bersyon bilang isang axiom at isaisip na ang primitivism, pati na rin ang walang muwang na sining, ay mga istilo na kinabibilangan ng mga gawa ng hindi propesyonal na mga artista, ang dami ng talento na sumasaklaw sa kawalan ng ilang mga kasanayan, tulad ng kakayahang gumawa ng tama ng pananaw o maghatid ng chiaroscuro.

Para sa pamana ng mga sopistikadong manggagawa na may kaalaman sa pag-istilo sa isa o ibang uri ng primitive na sining (halimbawa, pagpipinta ng sinaunang icon, mga etnikong motif o sikat na mga kopya), gagamitin namin ang terminong "neo-primitivism". Ito mismo ang ginawa ng mga miyembro ng Russian art associations na "Jack of Diamonds" at "Donkey's Tail" sa simula ng huling siglo.

Kazimir Severinovich Malevich. Mga bata
1908, 30.2×23.8 cm

Natalya Sergeevna Goncharova. Pagpapaputi ng linen. Mula sa "Serye ng Magsasaka"

Ang mga avant-garde artist tulad nina Kazimir Malevich, Mikhail Larionov at Natalya Goncharova ay nakakuha ng inspirasyon mula sa katutubong sining, na nauuri rin bilang primitive art. At ang terminong neo-primitivism ay unang ginamit sa pangkalahatan sa isang polyeto ni Alexander Shevchenko, na inilathala ng artist noong 1913: "Neo-primitivism. Ang kanyang teorya. Ang kanyang mga posibilidad. Ang kanyang mga nagawa.

Kung sa Kanlurang Europa ang mga artista ay bahagyang gumamit lamang ng mga diskarte ng walang muwang na sining sa kanilang mga gawa, na umuunlad sa kanilang batayan tulad ng mga uso tulad ng Fauvism, Cubism o Expressionism, kung gayon sa Russia ang neo-primitivism ay naging isang makabuluhang kalakaran, kung saan ang Suprematism sa kalaunan ay lumago at nabuo. Samakatuwid, kung minsan ang mga istoryador ng sining sa Kanluran ay gumagamit ng terminong neo-primitivism partikular na may kaugnayan sa mga tagasunod ng Russia ng mga mithiin ng walang muwang na sining, na masigasig na nagpapalaganap at inilapat ang mga ito sa pagsasanay.

Mikhail Fedorovich Larionov. Sina Venus at Michael
1912, 85.5×68 cm

Ayon kay Alexandre Benois, "Ang kakaiba ng neo-primitivism ay ang mga kinatawan nito ay hindi nagsusumikap para sa stylization, hindi para sa imitasyon. katutubong master, ngunit sa pagpapahayag ng mahahalagang aspeto ng katutubong aesthetics. Dito, ang pinaka-naglalarawang halimbawa ay ang gawain ni Larionov, na - alinsunod sa katutubong aesthetics - ay katumbas ng mahalaga at hindi mahalaga, ang mataas at mababa, na sukdulan dito - nililinang ang mga prinsipyo ng pagguhit ng bakod at "pagpinta ng mga kuwartel. " ".

Balik sa simula

Ang daan sa mga tinik patungo sa mga bituin para sa mga primitivist ay na-clear ng mga kinikilalang tagalikha gaya nina Gauguin, Picasso at Matisse. Minsan sa isang pakikipagsapalaran upang makatanggap ng kagalingan mula sa malubhang sakit, kung saan niraranggo ni Gauguin ang mga benepisyo ng sibilisasyon, ang artista ay nagpunta sa Tahiti at doon ay sumanib siya sa kalikasan sa lahat ng posibleng paraan, pinayaman ang kanyang istilo sa daan gamit ang maliliwanag na kulay ng isang kakaibang isla at walang muwang na mga imahe ng lokal na kultura, sinundan siya ng iba. .

Paul Gauguin. Tahitian pastoral
1898, 87.5×113.7 cm

Sinubukan din ng mga German expressionist na sina Emil Nolde at Max Pechstein ang kanilang kapalaran sa kalawakan ng Oceania, ngunit ang kanilang mga kasamang sina Ernst Ludwig Kirchner at Erich Heckel ay muling nagtayo ng mga primitive na tanawin sa kanilang mga workshop. Ang mga Pranses na artista ay hindi kailangang maglakbay nang malayo para sa inspirasyon, hindi rin kinakailangan na umalis sa Paris. Mula sa mga kolonya ng France sa Kanlurang Africa, dinala ng mga mangangalakal ang lahat ng uri ng etnikong handicraft sa kabisera, na pagkatapos ay nanirahan sa mga museo at maliliit na tindahan.

Will Gompertz sa The Incomprehensible Art. Sinasabi ng From Monet to Banksy kung paano hindi sinasadyang naging katalista ang artist na si Maurice de Vlaminck para sa pagsiklab ng interes sa primitive na sining at, bilang resulta, ang paglitaw ng naturang kilusan bilang Fauvism. Noong 1905, nakakita siya ng tatlong inukit na African mask sa isang Parisian cafe. Naimpluwensyahan ng pagpapahayag ng "katutubong sining", tulad ng tawag niya dito, binili ni Vlaminck ang mga maskara mula sa may-ari ng establisimiyento at nagmamadaling ipakita ang nadambong sa kanyang mga kaibigang artista.

Henri Matisse. Babae sa isang sumbrero
1905, 24×31 cm

Maurice de Vlaminck. Restawran

Andre Deren. Port ng Collioure
1905, 72×91 cm

Ibinahagi nina Henri Matisse at André Derain ang pagkahumaling ni Vlaminck sa nagpapahayag na palette ni Van Gogh at sa mga kakaibang hangarin ni Gauguin. Ang kanyang pagkalkula ay makatwiran: ang kanyang mga kaibigan ay itinuturing ang mga nakuha na artifact bilang isang manipestasyon ng kalayaan ng pag-iisip, hindi littered sa materyalistik ideals ng sibilisasyon, ngunit pananatili ng isang parang bata spontaneity at kawalang-muwang. Ang resulta ng pagpupulong ng tatlong artista ay ang konklusyon na ang kulay at emosyon sa canvas ay nangingibabaw, taliwas sa pagiging totoo at pagiging tunay ng imahe.

Bilang isang resulta, ang mga pagpipinta ay ipinanganak kung saan sinubukan nilang dalhin ang kanilang mga bagong artistikong prinsipyo sa buhay hangga't maaari. May kulay na may nakakabaliw na mga kumbinasyon ng dalisay, walang halong mga kulay para sa oras na iyon, na inilapat sa matalim na magkakahiwalay na mga stroke, ang mga canvases ay napakalaban na ang mga tagapag-ayos ng Salon ng 1905 noong una ay tumanggi na tumanggap ng mga gawa para ipakita. Salamat lamang sa personal na awtoridad ng Matisse na nagawa nitong itulak ang pakikilahok ng mga eksperimento ng Trinity sa Salon.

Pagkatapos ay magkakaroon ng mabagyo at puno ng galit na mga pagsusuri mula sa mga istoryador ng sining, ang isa sa kung saan, tulad ng madalas na nangyayari (tingnan ang impresyonismo), ay magbibigay ng pangalan sa isang bagong trend ng avant-garde - fauvism: sasabihin ng kagalang-galang na kritiko na si Louis Vaucelles na ang mga ligaw na hayop. pininturahan ang mga splashing na kulay - "les fauves" sa French. Ngunit iyon ay isang bahagyang naiibang kuwento.

Paano natuklasan ni Picasso si Rousseau

Ang pagpipinta ng isang promising na kabataang Kastila ay gumawa din ng isang namumukod-tanging pagbagsak sa ilalim ng direktang impluwensya ng primitive na sining at ng mga confessor nito. Nang makita ni Picasso ang huling langitngit ng pagiging may-akda ni Matisse - marangya, hindi katulad ng mga canvases, na walang anumang pagkiling sa akademiko, nawala ang kanyang kapayapaan at tulog. Nang walang pag-iisip, pumunta si Picasso museo ng etnograpikal kung saan itinago ang isang malawak na koleksyon ng mga African mask. Doon siya dumaan sa isang uri ng initiation rite. Sino ang nakakaalam, marahil ang mga bagay na ritwal na ito ay talagang naglalaman ng mahiwagang kapangyarihan?

"Nag-iisa lang ako, paggunita ng artista. - Gusto kong tumakas doon. Pero nanatili ako. Hindi lang ako nakaalis. Napagtanto ko ang isang bagay na napakahalaga; may nangyari sa akin. Tiningnan ko ang mga fetish na ito, at biglang naging malinaw sa akin na laban din ako sa lahat. Nararamdaman ko rin na ang lahat ng nasa paligid ko ay hindi kilala at pagalit. Habang ako ay nakatayong mag-isa sa kakila-kilabot na museo na iyon, na napapalibutan ng mga maskara, mga manika ng India, mga maalikabok na mannequin, malamang na nagpakita sa akin ang mga Dalaga ng Avignon; not that they were prompted by the forms I saw: that picture was my first experience of exorcism - yes, tama!"

Pablo Picasso. Girls of Avignon, 1907

Kaya, ilang mga artifact ng tribo ang nagpilit kay Picasso na magpinta ng isang pagpipinta na naging ninuno ng cubism, at, bilang isang resulta, futurism at isang dosenang iba pang iba't ibang -isms. Ngunit ang kanilang mahiwagang interbensyon sa noon ay masining na buhay ng kabisera ng Pransya ay hindi limitado dito. Nagpapasa sa alindog primitive na sining, hindi makaligtaan ni Picasso ang kababalaghan ng sumisikat na bituin ng walang muwang na sining, at nagkaroon ng makabuluhang kamay sa pagtiyak na sineseryoso ng Paris ang hindi propesyonal na mga likha ng hindi nagpapanggap na opisyal ng customs na si Henri Rousseau.

Hindi pagkakaroon edukasyon sa sining, Ang opisyal ng customs (bilang siya ay binansagan ng Parisian bohemia), gayunpaman, ay may malubhang ambisyon para sa pagpipinta. Ang pagiging bata ay naglaro sa mga kamay ni Rousseau - kung hindi ay halos hindi siya maglalakas-loob na ipakita ang kanyang mga awkward na mga eksperimento sa paghatol ng mahigpit na publiko ng Salon des Indépendants noong 1986, kung saan maaaring makilahok ang lahat ng interesadong artista.

Ang himala ay hindi nangyari, ginawa ng mga kritiko ang kanilang makakaya upang libakin ang baguhan na tagalikha ng apatnapung taong gulang, na walang ideya tungkol sa linear na pananaw o ang mga prinsipyo ng pagbuo ng komposisyon. Mula sa maayos na koro ng pananakot, ang boses ng master na si Camille Pissarro ay natumba, na napansin ang kayamanan ng mga tono ng pagpipinta ni Rousseau.

Henri Rousseau. gabi ng karnabal
1886

Ang kabiguan sa Salon of Independents ay hindi maaaring masira ang layunin ng Customs Officer. Sa kabaligtaran, iniiwan niya ang kanyang trabaho upang italaga ang lahat ng kanyang oras sa isang karera bilang isang artista. Walang katapusang naniniwala sa kanya at sa kanyang pangunahing tagahanga - Picasso. Sa sandaling nakilala niya ang isang larawan ni Rousseau sa isang tindahan ng probinsiya, na ibinebenta doon sa halaga ng isang ginamit na canvas - kahit na ang isang junk dealer ay hindi nangahas na humingi ng mataas na presyo para dito. Agad itong binili ng Kastila at pagkatapos ay itinago ito hanggang sa katapusan ng kanyang mga araw, sumagot na siya ay kanya. “nahuli bilang isang kinahuhumalingan ... ito ay isa sa mga pinakatotoo mga sikolohikal na larawan sa French painting.

Henri Rousseau. Larawan ni Jadwiga

Bukod dito, naghagis siya ng isang hapunan bilang parangal sa isang kakaibang larawan, kung saan inanyayahan niya ang buong Parisian beau monde at ang bayani mismo ng okasyon - ang unang superstar ng walang muwang na sining. Isinabit ni Picasso ang larawan ng Customs Officer sa pinakakilalang lugar sa kanyang sariling studio, at pinaupo ang may-akda nito sa isang armchair na mas mukhang isang trono. Ito ay isang tunay na tagumpay para sa isang baguhang artista, bagaman ang ilan sa publiko ay malamang na napagtanto kung ano ang nangyayari bilang isang partikular na sopistikadong pangungutya o panloloko.

Ngunit hindi Picasso. Siya ay kredito sa pagsasabi na siya ay gumugol ng apat na taon sa pag-aaral upang magpinta tulad ni Raphael, ngunit tumagal siya ng isang buhay upang matutong gumuhit tulad ng isang bata. Samakatuwid, hinangaan niya ang regalo ni Rousseau, na nagpapahintulot sa kanya na ligtas na laktawan ang mga yugtong ito at agad na magsimulang lumikha ng mga primitivist na obra maestra.

Henri Rousseau. Tigre sa isang tropikal na bagyo

Ano ang ginawa ng mga primitivist painting?

Anong mga palatandaan ang tumutukoy na sa harap mo ay isang gawa ng walang muwang na sining, at hindi, sabihin nating, ang gawain ng isang expressionist, abstractionist o isang kinatawan ng ilang iba pang kilusang avant-garde? Siyanga pala, si Mark Rothko, na naging tanyag sa larangan ng abstract expressionism, ay naghahanap ng inspirasyon at sikreto ng kasanayan sa larawan sa pagguhit ng mga bata at kahit na inilaan ang isang buong libro dito - bago pa man siya nagsimulang walang pag-iimbot na linangin ang pagpipinta ng larangan ng kulay.

Niko Pirosmani (Pirosmanashvili). Bear kasama ang kanyang mga anak
1917, 140×100 cm

Ang mga halimbawa ng primitivism ay talagang nailalarawan sa pamamagitan ng mga katangiang pagkakamali na ginagawa ng mga bata sa pagguhit. Ngunit hindi kinakailangang magkaroon ng lahat ng sumusunod sa isang larawan. May nagawa pa rin ang mga self-taught na artista.

1. Kakulangan ng linear na pananaw: ang mga bagay sa foreground ay katumbas ng laki sa mga bagay sa background, dahil sa kung saan ang kanilang relasyon sa espasyo ay nagiging hindi maintindihan, at ang imahe ay nawawalan ng volume.

2. Ang mga detalye ng background ay ginawa sa parehong pangangalaga tulad ng malapit na mga bagay. Ang mga kahihinatnan ay pareho sa nakaraang talata.

Lola (Anna Mary) Moses. kapistahan

3. Ang mga kulay ay hindi nawawala ang ningning at saturation sa proporsyon sa distansya ng mga bagay mula sa harap na gilid ng canvas. Ang imahe ay nagiging flat at kahawig ng isang postcard.

4. Walang mga palatandaan ng anumang mga mapagkukunan ng pag-iilaw: kahit na may araw sa larawan, ang lahat ng mga ibabaw ay pantay na naiilawan, ang mga tao at mga bagay ay hindi naglalagay ng mga anino, at hindi ka rin makakahanap ng liwanag na nakasisilaw.

Camille Bombois. Nagulat ang mga naliligo
1930, 65×81.5 cm

5. Paglabag sa anatomya: ang mga proporsyon ng katawan ng tao, mga pagkakamali sa imahe ng mga hayop. Ngunit ano ang tungkol sa Picasso, Salvador Dali, Francis Bacon, at marami pang iba na ang trabaho ay hindi nagpapakita na sila ay pamilyar sa istraktura ng katawan ng tao sa anumang paraan? Primitivists din ba sila? - Hindi. Sa pagtingin sa isang larawan ng isang kinatawan ng walang muwang na sining, makikita mo na sinubukan ng tao ang kanyang makakaya, at salamat sa mga pagsisikap na ito na ang kanilang mga walang muwang na pagtatangka na maabot ang "malaking" mga artista ay mukhang nakakaantig at may hindi mapaglabanan na kagandahan. At ang mga nabanggit na numero ay hindi itinuloy ang gayong mga layunin, at tiyak na walang item na "upang mapasaya ang lahat" sa kanilang listahan.

6. Tulad ng mga bata, ang mga primitivist ay hindi gumagawa ng pagkakaiba sa pagitan ng realidad at pantasya. Sa kanilang mga pagpipinta, ang mga tao at unicorn ay maaaring ligtas na magkakasamang mabuhay, at hindi sa loob ng balangkas ng isang surrealistic na pantasya, ngunit bilang isang ordinaryong bagay. Ang mga leon sa gayong mga canvases ay hindi isang banta sa mga tao, at ang isang usa ay maaaring magmukhang isang kamangha-manghang nilalang.

Ivan Generalich. Unicorn

7. At, sa wakas, isang pangunahing pagkakaiba na nagbibigay ng sagot sa natural na lumalabas na tanong, ano ang pagkakaiba sa pagitan ng mga di-layunin na canvases ng mga modernista sa estilo ng "my-5-year-old-kahit sino-can-better" mula sa mga likha ng mga primitivist. Ang mga hindi propesyonal na artista ay naglalarawan ng mga bagay ng antas ng pagiging totoo na magagamit nila dahil sa limitadong kaalaman, kasanayan at kakayahan. At ang mga kinatawan ng avant-garde art ay nagsisikap na kalimutan ang itinuro sa kanila sa mga paaralan ng sining o magpanggap na hindi sila nag-aral sa kanila. Ngunit ang pagkakasundo at pagiging maalalahanin ng komposisyon, off-scale na simbolismo o taksil na nagniningning sa pamamagitan ng isang nagkukunwaring walang muwang at sadyang hindi tamang imahe ng isang kultural na background ay magtataksil pa rin sa isang propesyonal. Oo, oo, maaari kang mag-log out, nakilala ka pa rin namin, Kasamang Chagall at Mr. Klee.

Mark Zakharovich Chagall. matandang lalaki na may salamin
1950s

Paul Klee. Papet na palabas
1923

Primitivism: isang cheat sheet. Mga artista na nagtrabaho sa istilo ng primitivism

Henri Rousseau, Niko Pirosmanishvili, Ivan Generalich, Lola Mozes, Maria Primachenko, Camille Bombois, Nikifor Krynitsky, Ekaterina Bilokur, Polina Raiko, Serafina Louis, Oles Semernya.

Iconic primitivist painting

Niko Pirosmani (Pirosmanashvili). Aktres Margarita
1909, 94×117 cm

Ang kasaysayan ng pagpipinta ni Pirosmani ay naging isang alamat. Siya ang na-immortal sa taludtod ni Andrei Voznesensky, na naglagay kay Raymond Pauls sa musika, na lumilikha ng kantang "A Million Scarlet Roses". Ito ay tungkol sa mga pagtatangka ng isang mahirap na artista na makuha ang puso ng hindi magugulo na Pranses na aktres na si Marguerite de Sevres, na gumanap sa Tiflis noong 1905, kung saan nawala ang ulo ni Pirosmani mula sa kanya. Ayon sa ilang mga bersyon, kabilang sa "dagat ng mga bulaklak" na ipinadala ng desperadong si Niko sa hotel ng kanyang kasintahan, hindi lamang mga rosas, at hindi lamang mga iskarlata, kundi pati na rin ang mga poppies, peonies, lilies, lilac, akasya at iba pang mga regalong bulaklak ng lupain ng Georgia. Isang halik lang ni Margarita ang karapat-dapat ng artista sa kanyang pag-arte. Ngunit pagkalipas ng maraming taon, nawala ang karamihan ng mga tagahanga at ang kanyang dating pagiging kaakit-akit, ang aktres ay pumupunta araw-araw sa Louvre, kung saan ipinakita ang pagpipinta ni Pirosmani noong 1969, at sinilip ang kanyang larawan nang maraming oras. Ito ay kung paano nakaligtas ang sining sa panandaliang pag-ibig at panandaliang kagandahan.

Maria Avksentievna Primachenko. Ang hari ng isda ay nakahuli ng isang hoopoe at natuwa
ika-20 siglo

Ang walang hanggan na pantasya, matapang na mga scheme ng kulay, disarming folk coloring ay ilan lamang sa mga lihim ng tila hindi mapagpanggap na sining ng artist mula sa Ukrainian hinterland. Ang pagkakaroon lamang ng isang beses na nakita ang mga kuwadro na gawa ni Maria Primachenko, malamang na hindi sila malito sa mga gawa ng ibang may-akda, sila ay orihinal at orihinal. Pinahahalagahan din sila sa kabila ng mga hangganan ng amang bayan: Ang mga gawa ni Maria ay isang matunog na tagumpay sa mga eksibisyon sa Paris, Warsaw, Prague at iba pang mga lungsod sa Europa.

Henri Rousseau. Pangarap
1910, 298×204 cm

Ang "Sleep" ay itinuturing na isa sa ang pinakamahusay na mga larawan Rousseau. Ang may-akda ay nagkomento sa kanyang huli (at posibleng huling) trabaho tulad ng sumusunod: “May mahiwagang panaginip si Jadwiga. Mahinahon siyang nakatulog sa tunog ng plauta ng hindi kilalang manliligaw. Kapag ang buwan ay nagbibigay liwanag sa mga bulaklak at berdeng mga puno, mga hayop, at kahit na mga mandaragit, nag-freeze, nakikinig sa magagandang tunog ng musika.. Ang canvas ay humanga sa teknikal na pagiging kumplikado nito, at ang kayamanan ng palette, na binanggit ni Pissarro sa unang pagpipinta ni Rousseau, ay umabot sa rurok dito: hindi biro, mayroong higit sa dalawang dosenang kulay ng berdeng nag-iisa! Kahit na ang pinaka-caustic na mga kritiko ay hindi nagawang pigilan ang hypnotizing effect ng "Sleep", at ang kababayan at kontemporaryo ng Rousseau, ang manunulat na si Andre Breton ay nagsabi na ang larawan "sinisipsip ang lahat ng tula at lahat ng mga lihim ng ating panahon".

Isa kang eksperto kung:

Huwag mag-atubiling gamitin ang salitang "primitivism" kapag pinag-uusapan ang mga medieval na obra maestra ni Rogier van der Weyden o Duccio di Buoninsegni.

Maaari mong agad na matukoy kung saan ang malinis na kagandahan ng brush ng tunay na primitivist na si Pirosmani, at kung saan ang pekeng "naive" na si Mikhail Larionov.

Niko Pirosmani (Pirosmanashvili). Ortachal beauty. Kanang bahagi ng diptych

Mikhail Fedorovich Larionov. Hudyo Venus
1912, 147 cm

Ikaw ay isang karaniwang tao kung:

Isinasaalang-alang mo ang sadyang pagpapasimple na kinakailangan upang lumikha ng mga guhit at karikatura, na isinasaalang-alang ang mga ito na mga halimbawa ng hindi kumplikadong primitivism.

Sa palagay mo ba ay kabilang sa primitivism ang anumang gawa ng sining na nakatutukso na tawaging kalyaks-paintings. Sa katunayan, ang primitivism (nakakamalay, pinaghandaan din) ay hindi lamang isang hindi tamang anyo, kundi isang espesyal na pagtingin sa kakanyahan ng mga bagay: dalisay, direkta, bata, o kahit primitive. Sa likod ng mga kuwadro na gawa ng Malevich, Kandinsky, Mondrian, mayroong malalaking teoryang pang-adulto.

Sa ito, nakaraan at kasunod na mga post, gumagamit ako ng materyal mula sa aklat ni Will Gompertz na "Incomprehensible Art", isang serye ng mga lektura sa Garage Museum ni Irina Kulik, mga lektura ni Dmitry Gutov, aklat ni Susie Hodge na "Modern Art in Detail", mga dokumentaryo ng BBC, atbp.

PRIMITIVISM, FAVISM

Sa isang nakaraang post, napag-usapan ko ang tungkol sa cubism ng Picasso at Braque. Ang isa sa mga mapagkukunan ng inspirasyon ni Picasso ay isang eksibisyon ng sining ng Africa. Ang pagiging simple at sa parehong oras, ang primitive na kapangyarihan at kamahalan ng mga kahoy na maskara ay tumama sa artist. At hindi lang siya.

Sa totoo lang, ang pagnanais para sa pagiging simple na ito ay tumatakbo tulad ng isang pulang sinulid sa buong kasaysayan ng kontemporaryong sining. Sa isang banda, sinubukan ng mga artista na kopyahin ang istilo ng trabaho ng mga primitive na tribo ng Africa, Australia at South America, at sa kabilang banda, mga guhit ng mga bata.

Sa pangkalahatan, ang masayang pag-asa ng pagbabago, na nauugnay sa mabilis na pag-unlad ng industriya sa France, ay mabilis na napalitan ng pagkapagod mula sa bilis na natamo ng buhay.

Nasa pagtatapos na ng ika-19 na siglo, ang kilusang "bumalik sa mga pinagmulan" ay laganap.

Sa pagpipinta, gaya ng isinulat ko kanina, ito ay si Gauguin, kasama ang kanyang "Tahitian" na tema, patag na imahe at mayamang simbolismo.

Paul Gauguin, Lumang Panahon, 1892

Ang kilusan na nagtataguyod ng pagpapasimple ng sining ay kinuha iba't ibang anyo. Halimbawa, ang mga gawa ng sikat na Austrian na pintor at ang pangunahing miyembro ng Vienna Secession society, si Gustav Klimt (1862-1918), ay mas pino at pandekorasyon kaysa sa parehong Gauguin. Gustung-gusto ni Klimt ang dekorasyon, tanso at gintong mga kulay, mga damit na pinalamutian nang sagana. Sa parehong pagiging simple ng linya at two-dimensionality ng imahe, ang primitivism ni Klimt ay maluho.

Gustav Klimt, Mga Inaasahan, 1909

Gustav Klimt, Apple tree, 1912

Gustav Klimt, Babaeng may fan, 1918

Gayunpaman, ang mga itinuturing na tagapagtatag ng primitivism noong ika-20 siglo ay nanirahan sa France. Hinangaan din nina Maurice de Vlaminck (1876-1958), Henri Matisse () at Henri Derain (1880-1954) ang sining ng Africa. Naugnay din sila sa Dutchman sa pamamagitan ng paniniwala na ang mga emosyon sa larawan ay mas mahalaga kaysa sa itinatanghal na bagay.

Ang resulta ng pagsasama-sama ng pagiging simple ng sining ng tribo at mayaman, dalisay na mga kulay, lumikha sila ng hindi kapani-paniwalang maliwanag at masasayang mga gawa. Sa kanila, ang kulay ay isang paraan upang ihatid ang isang damdamin, at hindi upang ilarawan ang isang tunay na bagay.

Maurice de Vlaminck, Orchard, 1905

Maurice de Vlaminck, Tulay sa Chatou, 1907

André Derain, Estac, 1905

André Dören, Charing Cross Bridge, 1906

Henri Matisse, Red Bow, 1906

Henri Matisse, Harmony in Red, 1908

"Isinalin ko sa wika ng kulay ang nakita kong likas na walang paraan upang sabihin ang katotohanan hindi bilang isang artista, ngunit bilang isang tao. Pinipisil hanggang sa dulo, binabasag ang mga tubo ng aquamarine at cinnabar" - ganito ang paglalarawan ni Maurice de Vlaminck sa kanyang mga gawa ng panahong iyon. Sa katunayan, ito ang kulay na malapit nang maging calling card itong trinidad ng mga artista. Nagpasya silang mag-exhibit sa Salon ng 1905. As usual, grabe ang batikos. Si Louis Vossel (isang maimpluwensyang kritiko noong panahong iyon) ay nagsabi na ang mga kuwadro ay ipininta ng "mga ligaw na hayop" (les fauves fr.)

At kahit na si Matisse, o Vlaminck, o Derain ay hindi magbubuklod sa kanilang sarili sa loob ng balangkas ng anumang direksyon, nagustuhan nila ang salita.

Ang Fauvism ay direkta at matalinhaga isang maliwanag na flash sa kalangitan ng sining. Sa katunayan, ang ideyang ito ng paggamit ng malalaking patches ng undiluted na kulay sa loob ng isang frame ng isang simpleng anyo ay natagpuan ang lohikal na pagpapatuloy nito sa gawain ng maraming mga artist ng ika-20 siglo.

Friedensreich Hundertwasser, Way to you, 1966

Roy Lichtenstein, Still Life with Crystal Vase, 1973

Willem de Kooning, Walang Pamagat 5, 1983

Gayunpaman, noong 1905, ang publiko ay hindi pa nakakabawi mula sa neo-Impressinists, at pagkatapos ay dumating si Matisse sa oras kasama ang kanyang sikat na "Woman in a Hat".

Henri Matisse, Babae na may sumbrero, 1905

Hindi ko alam kung natuwa si Madame Matisse sa sandaling iyon na pinakasalan niya ang artista, dahil ang larawan ay naging kontrobersyal. Ang isang dilaw-berdeng mukha na nabawasan sa ilang simpleng brush stroke at orangey touch ng buhok ay hindi sa panlasa ng lahat. Gayunpaman, ito ay sa panlasa ni Leo Stein, isang kolektor at patron ng mga kontemporaryong artista. Binili niya ang The Woman with the Hat, at wala pang isang taon ay binili niya ang The Joy of Life, isa pang sikat na painting ng panahon ng Fauvist ni Matisse.

Henri Matisse, Kagalakan ng Buhay, 1906

Dahil sa inspirasyon ng mga eksenang pastoral, nagpinta si Matisse ng mga grupo ng mga taong nagpapasasa sa iba't ibang kasiyahan: musika, sayaw, pag-ibig. At muli ang pangunahing karakter ay kulay. Ang mga pigura ng mga tao ay pininturahan nang walang ingat at dalawang-dimensional, bagaman ang komposisyon mismo ay itinayo nang maayos at maayos.

Ang balangkas mismo ay hindi kasing bago ng paraan ng pagsulat.

Agostino Caracci, Pagmamahalan, 1602

Ang kaibahan ng dalawang akda na ito ay nagpapakita kung gaano nagbago ang pananaw ng artista. Nakukuha ng isa ang impresyon na si Matisse ay nagpapasaya, nanliligaw sa manonood. Ang kanyang kagalakan sa buhay ay hindi gaanong sa balangkas, ngunit sa pagpipinta mismo: mga linya, kulay.

Si Matisse, sa pamamagitan ng kanyang sariling pag-amin, ay pinangarap na ang sining ay dapat na tulad ng "isang magandang upuan sa pahingahan." Kahit na ang Fauvism ay nanatili sa nakaraan, ang artist ay patuloy na nagtatrabaho sa parehong prinsipyo. Sa pamamagitan ng paraan, isang batang babae mula sa Tomsk, Lydia Deliktorskaya, na nanatili sa kanya hanggang sa katapusan ng kanyang buhay, at pagkatapos ay nagpakita ng ilang mga pagpipinta (na iniwan ni Matisse sa kanya para sa isang komportableng katandaan) ay naging kanyang muse, kasintahan at kasama para sa kanya. Museo ng Pushkin at ang Ermita.

Pumihit ako ng kaunti: kamakailan, ang pagpuna sa sining noong unang bahagi ng ika-20 siglo na aking nabasa ay naging dahilan upang tumingin ako ng kaunti sa mga canvases ng Matisse. Bilang karagdagan sa mga tagumpay sa mga teknikal na larangan, ang oras na ito ay isang pagwawalang-kilos din sa mga relasyon sa lipunan. Ang mga nakagawiang anyo ng buhay ay hindi na ginagamit. Ang imahe ng isang well-fed bourgeois sa isang tailcoat, na ang pangunahing customer, sawa na sa artist.

Ang pagnanais na masira ay naging pangunahing puwersa sa pagmamaneho. Ang mga Cubists, siyempre, pinaka-malinaw na katawanin ang prinsipyong ito, literal na gumuho sa karaniwang hitsura ng mga bagay.

Ngunit ang iba pang mga artista, tulad ng isang lamad na nakakakuha ng nangyayari, ay nagpapakita ng kanilang kawalang-kasiyahan sa pagpipinta. Binago nila ang lahat ng pamilyar sa karaniwang tao, winasak ang maliit na mundo ng petiburges sa kanilang canvas. Kusa man o hindi sinasadya, nagprotesta ang artista laban sa mga kombensiyon na nagiging laos na. Siguro ang Fauvist contrasts ay hindi isang pahayag ng kagalakan ng pagiging, ngunit ang parehong hamon sa katotohanan?

Kaya naman ang mga berdeng mukha ng mga kababaihan, isang pabaya/kondisyon na pagguhit. Mula sa puntong ito, ang pagpipinta ni Matisse na "The Joy of Life" ay medyo kabalintunaan o panunuya sa hedonismo ng European bourgeoisie, na ang buong kasiyahan sa buhay ay nagmumula sa carnal na pag-ibig, mga kanta at sayaw. Isang mundo ng kendi na may mga figure na kahawig ng patas na kendi. Ngunit ang pananaw na ito ay hindi masyadong popular. Ngunit mas madalas ang gawain ng Matisse ay binibigyang kahulugan bilang isang pagpapahayag ng kagalakan at ningning ng pagiging.

Ang sining bilang isang kasiyahan para sa mga mata at puso ay isang prinsipyo na malapit hindi lamang kay Matisse. At kung kailangan niyang magsikap na gumuhit ng parang bata nang madali, pagkatapos ay ginawa ito ni Henri Rousseau (1844-1910) dahil hindi niya ito magagawa nang iba.

Henri Rousseau, Self-portrait, 1890

Si Henri Rousseau ay isang customs officer, isang taong hindi marunong bumasa at sumulat na nagpasyang kumuha ng pagpipinta sa edad na 40 nang hindi tumatanggap ng anumang edukasyon at propesyonal na pagsasanay. Isang homebody, hindi fan ng bohemian parties at malayo sa art community, naging isa siya sa mga pinakasikat na artist ng primitivism style. Si Rousseau ay simple ang pag-iisip at walang muwang, marahil iyon ang dahilan kung bakit ang kanyang trabaho ay may pagiging simple ng mga guhit ng mga bata. Siyempre, pinagtawanan muna ng publiko at batikos ang artista.

Henri Rousseau, Carnival Night, 1886

Ang kagandahan ng pagiging simple at pagiging bata ay tila sa manonood noon ay isang banal na kawalan ng kakayahang gumuhit, wala nang iba pa. Gayunpaman, ang kakulangan ng pamamaraan ni Rousseau ay higit na nabayaran ng kalinawan, katangian, muli, ng pag-ukit ng Hapon. Ang baguhang artista ay lubos na nakatulong sa pamamagitan ng ganap na kaligtasan sa pagpuna, na nagpapahintulot sa kanya na ipagpatuloy ang paggawa ng kanyang minamahal.

Henri Rousseau

Malinaw na ang kanyang mga gawa ay hindi maihahambing sa pagpapatupad sa mga masters ng nakaraan o mga mahuhusay na kontemporaryo. Kinuha ni Rousseau ang iba. Ang kanyang hindi kumplikadong mga balangkas ay nabighani sa marami sa artistikong mundo noong panahong iyon. Kabilang sa mga humahanga ay, halimbawa, si Picasso, na nagmamay-ari sikat na parirala: "Marunong akong gumuhit tulad ni Raphael, ngunit aabutin ako ng habambuhay para matuto akong gumuhit na parang bata." Si Rousseau ang may gawa nito. Binili pa ni Picasso ang kanyang painting na "Portrait of a Woman", na ayon sa Kastila ay nabighani lang sa kanya.

Henri Rousseau, Larawan ng Isang Babae, 1895

Ang gawain ni Rousseau, kumbaga, ay may isang paa na sa surrealismo. Talagang nabighani sila hindi masyado sa kanilang kawalang-sining kundi sa subtext, kalabuan, alegorismo. Parang yung mga moments sa horror movies na medyo umuugoy yung swings sa bakanteng playground, parang hangin.. O hindi? Iniiwan ni Rousseau ang tanong na ito sa manonood.

Ang ugali ni Rousseau ay hinangaan hindi lamang ni Pablo Picasso. Kabilang sa kanyang mga tagahanga ay ang Romanian sculptor na si Constantin Brancusi (Bryncusi). Pinili ni Brancusi ang papel ng isang karaniwang artista: isang malawak na balbas, bakya at isang linen na kamiseta. Ang mga materyales na ginamit ng iskultor ay naitugma - kahoy at bato. Marble ay hindi lalo na humanga sa master.

Si Brancusi ay isang baguhan sa pagawaan ni Rodin nang ilang panahon, ngunit ang kanilang mga diskarte sa trabaho ay naging ganap na naiiba.

Auguste Rodin, Ang Halik, 1886

Constantin Brancusi, Ang Halik, 1912

Ang mga larawan ay nagsasalita nang mas malakas kaysa sa anumang paliwanag. Naniniwala si Brancusi na sa iskultura ay maaaring gawin ng isang tao nang walang paunang pagmomolde, direktang nagtatrabaho sa materyal. Sinubukan niyang panatilihin ang orihinal na hugis ng bato hangga't maaari, na iniiwan ang texture nito. Walang romantikong kurba, simpleng linya, walang pandekorasyon na elemento. Ang mga eskultura ni Brancusi ay tiyak na nagustuhan para sa kanilang pagiging simple at pagka-orihinal ng pagpapatupad. Sa simula ng ika-20 siglo, ito ay isa pang hamon sa tradisyon.

Sinundan siya ng iba pang mga primitivist sculptor: Modigliani (oo, sinubukan niya ang kanyang sarili sa sculpture, at medyo matagumpay), Giacometti, Hepworth ..

Amadeo Modigliani, Pinuno, 1910

Giacometti, Walking Man 1, 1960

Barbara Hepworth, Single Form, 1964

Sa Russia, ito ang iskultor na si Vadim Sidur. Sa aking opinyon, napaka-cool.

Vadim Sidur

Vadim Sidur

Sa Russia, sa pamamagitan ng paraan, ang isa sa mga unang primitivists sa pagpipinta ay sina Mikhail Larionov at Natalya Goncharova, na nagtrabaho sa "lubok" na pamamaraan. Ito ay isang uri ng mga graphics na nailalarawan sa pagiging simple at isang flat pattern. Si Goncharova ay inspirasyon ng mga icon ng Russia. Sa kanyang mga gawa, gumamit siya ng isang katangian na elemento ng pagpipinta ng icon - mga slider - mga patayong puting linya.

Mikhail Larionov, Jewish Venus, 1912

Natalia Goncharova, Mowers, 1911

Tulad ng nakikita natin, ang pagiging simple, kaayusan at istraktura ay naging mga pangunahing konsepto at layunin ng mga artista, simula sa mga Post-Impresyonista. Gayunpaman, ang mga tila hindi nakakapinsalang adhikain na ito ay mayroon ding mapanirang potensyal. Pagkatapos ng lahat, ang anumang pagnanais na magkasya sa mundo sa isang istraktura ay may isang downside - ang paglikha ng isang matibay na sistema. At tulad ng ipinakita ng kasanayan, ang mga pagtatangka na ipailalim ang lahat ng nabubuhay na bagay sa subjective na mahigpit na lohika ay humahantong sa kamatayan at pagkawasak. Ang karagdagang mga kaganapan sa ika-20 siglo ay isang malinaw na kumpirmasyon nito.

Itutuloy)

At isang pahabol.

Isang kahanga-hangang Amerikano - Lola Moses - isang baguhang artista, isang kinatawan ng primitivism ng ikalawang kalahati ng ika-20 siglo, ay nanalo lamang sa aking puso. Kahit papaano ay ipinaalala niya sa akin ang mga Dutch sa kanilang maaliwalas na mga eksena sa bahay sa kanayunan. Halimbawa:

Lola Moses, Maagang Tagsibol sa Bukid, 1945

Pieter Brueghel the Elder, Census, 1566

P.S salamat sa lahat ng nagbabasa at interesado. Na-post ko ang post na ito nang huli - aalis ako - kailangan kong magpahinga)

Ang Enero 10, 2016 ay minarkahan ang ika-109 na anibersaryo ng kapanganakan ng sikat na Kuzbass artist na si Ivan Yegorovich Selivanov.

Siya ay tinawag na Siberian Pirosmani at Van Gogh, at ito ay sa maraming paraan isang tunay na paghahambing. Sa loob ng ilang panahon, ang mga parokyano, kritiko ng sining, at mga tagahanga ay umikot sa kanilang dalawa - gayunpaman, parehong namatay sina Pirosmani at Selivanov nang mag-isa, na nakakuha ng posthumous na katanyagan.

Naglakad ng mahaba at mahirap

Ang sikat na primitive artist ng Kuzbass na si Ivan Egorovich Selivanov ay ipinanganak noong Enero 10, 1907. "Ipinanganak ako sa lalawigan ng Arkhangelsk sa distrito ng Shenkur sa konseho ng nayon ng Eden sa nayon ng Vasilyevskaya sa isang mahirap na magsasaka na naghihirap na pamilya," naalala niya mismo.

Sumulat siya nang maglaon: "Isinilang ako ng aking ina na si Tatyana Egorovna hindi para sa malaking pera, hindi para sa isang marangyang buhay, ngunit para lamang sa buhay, tulad ng iba pa. nilalang sa kalikasan. Siya ay pinalaki sa mahihirap na uri. Buong buhay ko, lahat ng trabaho ko ay walang kabuluhan, ngunit bakit - hindi ko alam. May mga ganyan ba talaga na lalamunin ang gawa ko na parang sakim na buwaya, o itatapon? Ang mga susunod na henerasyon ay hindi pupurihin ang gayong mga tao."

“Maagang namatay ang tatay ko, noong 1912. Ang aking ina ay nag-iwan ng tatlong anak na lalaki mula sa aking ama: ang nakatatandang kapatid na lalaki ay ipinanganak noong 1904, ako, noong 1907, at ang nakababata, noong 1912. Ang aking ina at kapatid na si Sergei at ako kaagad pagkatapos ng kamatayan ng aking ama ay kailangang pumunta upang mangolekta ng limos alang-alang kay Jesu-Kristo. Noong 1922, pumunta ako sa kalapit na nayon ng Ivanovsk para maging pastol. Imposibleng tumira ang aming ina at kaming tatlo na magkakapatid sa aming nayon, dahil sa kawalan ng lupa. Iniwan ko ang aking tinubuang-bayan - ang nayon noong 1924 noong ika-5 ng Pebrero. Ang pagbabahagi at kaligayahan ay mahirap para sa akin sa isang banyagang bahagi, mayroon ding namamalimos ... "

Si Ivan Yegorovich sa kanyang buhay ay sinubukan ang marami iba't ibang gawa. Nagtrabaho siya bilang isang panday, isang locksmith, isang stoker, isang stove-maker, isang bantay, siya ay namuhay nang mahirap at mahirap. Pinagkadalubhasaan niya ang sining ng kalan sa pagiging perpekto, inilatag ang napakaraming magagandang kalan sa kanyang budhi upang mabuhay siya ng isang siglo sa karangalan at kasiyahan, ngunit ang kanyang kaluluwa ay naghihintay ng isang bagay, hindi siya maaaring umupo sa isang lugar.

At pagkatapos ay naging ganito ang buhay: sa loob ng maraming taon ay gumala siya. Bumisita ako sa maraming lungsod. Nagpunta siya sa mga site ng konstruksiyon sa Murmansk, Arkhangelsk, Onega, Sverdlovsk, Zaporozhye. Dito pinili niya ang kanyang asawa na si Varvara Illarionovna para sa kabuuan landas buhay. Kasama niya, umalis siya patungong Leningrad, kung saan sila ay nahuli ng Great Patriotic War. Ito ay mula doon na si Ivan Yegorovich ay inilikas sa Kuzbass noong 1941. Una siya ay nakatira sa Novokuznetsk, Mundybash, nagtatrabaho bilang isang martilyo, loader, mekaniko, plasterer. Hindi ko naisip ang tungkol sa sining, walang oras ...

At noong 1943 lumipat siya sa Prokopyevsk.

Sa lungsod ng mga minero, nagpasya siya riles crawler. Nakatira sila sa nayon ng Golubevka. At ang lugar kung saan kalaunan, noong 1951, si Ivan Yegorovich ay nagtayo ng isang bahay para sa kanyang sarili, ay tinawag na Mars. Naglabas ito ng exoticism, romance, space. Hindi nakakagulat na si Ivan Yegorovich ay nakaupo sa balkonahe ng bahay sa mga gabi ng tag-araw at tumingin sa mga bituin sa itaas ng kanyang ulo.

Hindi kaagad dumating si Selivanov sa ideya ng pagpipinta. Noong 1946, nakakita siya ng isang pagpipinta sa isang tindahan. Ang makulay ng dayami ay nagulat sa kanya, na nagpasindak sa kanyang kaluluwa. Sa kanyang sariling mga salita, "isang rebolusyon ang naganap sa buhay, isang bagyo ang bumangon sa buong organismo, tulad ng sa dagat." Nais kong iguhit ang aking sarili.

At sa kanyang unang pagguhit sa kanyang buhay, inilarawan ni Selivanov ang isang maya. Sa oras na ito siya ay halos 40 taong gulang. Kaya, na sa pagtanda, nagsimula siyang gumuhit. Una - sa lapis, mamaya - pinagkadalubhasaan ang pagpipinta ng langis.

Nagtawanan ang mga kaibigan at kamag-anak: "Ano ang naisip mo, sira-sira, na mag-aral sa edad na apatnapu! At ano? Ilang trifle, drawing. Nagalit din ang asawa: "Mas mabuti kung inilagay niya ang kalan!". Ngunit ipinanganak akong matigas ang ulo, kung ano ang naisip ko, pagkatapos ay bigla, at gagawin ko ito, "paggunita ni Selivanov tungkol sa simula ng kanyang trabaho. Tulad ng isinasaalang-alang ng mga eksperto, ang kanyang pagtitiyaga ay likas sa apelyido mismo: nagmula ito sa canonical na pangalan ng lalaki na Selivan (mula sa Latin na silvanus - "diyos ng mga kagubatan").

Lahat ng nakikita, naranasan ay nangangailangan ng muling pag-iisip, nakikitang embodiment. Kaya, tila, ipinanganak ang mga makata, musikero, manunulat, artista. Ang isang kislap ng talento ay sumisikat nang maliwanag sa mga taong may talento, anuman ang oras at edad ...

Sa pamamagitan ng pagkakataon, nakita niya sa pahayagan ang isang patalastas para sa pagpasok ng mga baguhang artista sa Moscow Correspondence People's University of Arts na pinangalanang N.K. Krupskaya (ZNUI). Nagpadala si Ivan Yegorovich ng mga dokumento at isang pagguhit ng isang maya sa People's University. At sa lalong madaling panahon nakatanggap siya ng paunawa ng pagpapatala, si Yulia Ferapontovna Luzan ay hinirang bilang isang guro-consultant.

Si Ivan Yegorovich ay naging isang matigas ang ulo, promising na mag-aaral. Napansin ito mga gurong may karanasan, mga pintor. Ginawa nila ang lahat para maipasa sa kanya ang kanilang kaalaman.

“Nagsimula akong mag-aral ng art-creativity noong Setyembre 1947. Nag-aral ako nang walang limitasyon sa panahon sa ilalim ng dahilan kung ano ang mangyayari at kung ano ang mangyayari. Gumuhit pa rin ako sa kahilingan ng aking guro na si Aksenov Yu.G. para sa mga ilustrasyon para sa mga aklat-aralin at panitikan, na mayroong napaka, napaka pinakamahalaga hindi lamang para sa Correspondence University of the Arts, ngunit para sa buong bansa, at hindi ako nauutal tungkol sa aking suweldo sa sinuman. Hindi bagay sa mukha ko. Maaga o huli, mauunawaan ng mga tao ang aking napakahalaga - napakalaking gawain, "paggunita ni I.E. Selivanov mamaya.

Nagiging artista

Matapos makapasok sa ZNUI, ang buhay ni Ivan Egorovich ay napuno ng bagong nilalaman, masayang pagkamalikhain. "Ang sining ay hindi isang wakas para sa kanya, ngunit isang paraan upang paunlarin ang kanyang sarili at tumugon sa sakit ng mundo," paggunita ng kanyang pangalawang guro, si Yuri Grigorievich Aksyonov, na itinalaga sa kanya pagkatapos ng pagkamatay ni Yu.F. Luzan. Mula kay Yu.G. Aksenov, ang artista ay kumunsulta at nakipag-ugnayan sa loob ng 40 taon.

Ang mga unang gawa ni Selivanov ay mga guhit na may kulay na mga watercolor o mga lapis na may kulay. Sa gitna ng kanyang trabaho ay isang bagay, isang hayop o isang tao bilang isang self-sufficient phenomenon.

Ang mga instruktor ng kurso na nagturo kay Selivanov, siyempre, ay nahulaan ang tungkol sa napakalaking talento na nakatago sa kanilang mag-aaral sa Prokopiev. Ngunit noong 1956 pinadalhan niya sila ng larawan ng isang batang babae, maging sila ay namangha. Iyon ay ang pananaw ni Selivanov, ang kanyang "pinakamagandang oras".

Agad na tinawag ng mga eksperto ang "Girl" na "amateur Gioconda", na nakikita sa kanya, ayon kay Yu.G. Aksyonova, "ang etnikong kuwento ng isang artista tungkol sa kanyang katutubong Hilaga. Sa ginintuang-maaraw na pagkulay ng gawaing ito, nakita ng maasikasong tingin ang isang maingat na hilagang tanawin, na nanatiling pinakamahalagang alaala ng artista magpakailanman.

Mula noon, si Ivan Yegorovich ay nagtatrabaho nang husto: gumawa siya ng mga self-portraits, portrait, still lifes, landscape, animalistic na mga gawa, inilalarawan din niya ang kanyang mahinang ekonomiya: isang pusa, isang manok, isang tandang.

Ang lahat ng mga gawa - at mayroon nang halos 400 sa kanila - ay agad na ipinadala sa Moscow: "para sa mga inapo, para sa mga bagong henerasyon", marami sa kanyang mga gawa ay iniingatan sa kabisera kahit ngayon. Ang Moscow ang "nakatuklas" kay Selivanov. Mga pelikula tungkol sa kanya, mga eksibisyon - lahat ay ipinaglihi at inayos dito. Ang mga lokal na awtoridad at mga kinatawan ng "creative intelligentsia", "mga propesyonal" ay hindi nakilala ang artist.

Tumanggi si Selivanov na ibenta ang kanyang mga gawa. Sa kanyang buhay, dalawang painting lamang ang naibenta: "Self-portrait" - sa Suzdal, at isa sa dalawang larawan ng direktor na si M.S. Litvyakov - sa All-Union Museum of Folk Art. Si Ivan Yegorovich ay hindi sumasang-ayon na ibenta ang kanyang mga gawa, sinisikap niyang tiyakin na lahat sila ay nasa isang lugar (sa Moscow).

Si Ivan Yegorovich ay madalas na gumanap ng kanyang mga gawa batay sa mga impression mula sa mga pelikula. Ito ay kung paano niya nilikha ang tungkol sa 50 mga gawa, at ang mga gawang iyon na kanyang naibigay sa Novokuznetsk Museum of Fine Arts noong 1978 ay ginawa ayon sa mga impression mula sa sinehan: Spartak, Anka the Machine Gunner, Pavka Korchagin.

Sa kanyang mga guhit na "Napoleon", "Lomonosov", "Copernicus", "Robespierre" ang isa ay sinaktan ng isang mahigpit na pagkakapareho sa orihinal na imahe at ilang uri ng walang muwang na kadalian ng paghawak. Tulad ng muling pagsasalaysay ng isang klasikong teksto sa sarili mong mga salita. Ang pagguhit na "Spartacus" ay pininturahan ng artista nang hindi binabasa ang nobela ni Giovagnoli. Tulad ng tala ng mga eksperto, "isinulat niya ito nang sabay-sabay sa sinaunang kalinawan, Slavic innocence at kahinahunan."

Ang mga gawa ni Ivan Yegorovich ay inirerekomenda para ipakita sa major mga eksibisyon ng sining. Nakukuha nila ang pinakamaraming mga review. Ang artist na si Robert Falk, na nakikita ang kanyang "Girl", ay inilagay ito sa madaling sabi: "Mag-ingat", ibig sabihin ay ang larawan at ang may-akda. At ang istoryador ng sining na si Mikhail Alpatov ay sumulat sa journal na Pagkamalikhain: "At maaari nating ipagmalaki ang mga baguhang artista. Kabilang sa kanila ang mga maaaring ilagay sa tabi nina Niko Pirosmani at Henri Rousseau, na karapat-dapat na kumuha ng kanilang mga lugar sa mga museo ng sining.

Ang mga pagpipinta ni Ivan Yegorovich ay ipinakita sa maraming lungsod ng ating bansa at sa ibang bansa: sa Paris, London, Prague, Berlin, Bonn, Budapest, Montreal, New York. Academician ng pagpipinta Georgy Nissky at Amerikanong artista Anton Refregier.

Ngunit si Ivan Yegorovich mismo sa mahabang panahon hindi alam ang tungkol sa kanyang malawak na katanyagan at katanyagan, bagaman paminsan-minsan ay malugod siyang binabati at ipinaalam tungkol sa mga pagsusuri na ibinibigay ng mga artista at kritiko tungkol sa kanyang trabaho. Hindi siya nagyayabang. Inalok siyang ibenta ang isa sa mga obra sa ibang bansa para sa malaking pera, ngunit tumanggi siya: "Lahat ng nagawa ay pagmamay-ari lamang ng aking Soviet Russia." At gayon pa man ang kaluwalhatian ay kaluwalhatian. Nakaramdam siya ng kasiyahan, isang pagdagsa ng mental at pisikal na lakas, inspirasyon at kagalakan.

Noong 1969, ginawa ng sikat na documentary filmmaker na si Mikhail Litvyakov ang pelikulang "People of the Kuznetsk Land", isa sa mga maikling kwento kung saan nakatuon kay Ivan Selivanov. At noong 1984 ay lumabas Ang tampok na pelikula sa direksyon ni Viktor Prokhorov "Seraphim Polubes at iba pang mga naninirahan sa Earth", na batay sa talambuhay ni Selivanov, ipinakita ang kanyang mga gawa. Ang pelikula ay nagsasabi tungkol sa isang self-taught village artist, ang tinatawag na "naive" na pintor. Ang atensyon ng madla ay literal na naakit ng mga frame kung saan ipinakita ang mga gawa ng artist. aso. baka. tandang. Pinapakain ng batang babae ang mga manok. Pusa. Self-portrait. Ang mga kuwadro na gawa ay humanga sa kadalisayan ng nagtatakang tingin ng bata at ang kapanahunan ng sulat-kamay ng master.

Sa pamamagitan ng paraan, nang ang premiere ng pelikulang ito ay nasa gitnang sinehan ng Prokopyevsk, walang nagbigay pansin sa matandang lalaki, na dinala ng dalawang guro. Kaya ang premiere ng pelikula ay naganap para sa Selivanov mismo.

Ang isa sa mga sentral na lugar sa gawain ni Ivan Egorovich Selivanov ay inookupahan ng mga hayop at ibon. Ang likas na talento ng artista ay ipinahayag sa madla na "Girl with chickens", "Leon sa kagubatan", "Landscape na may lobo", "Puma", "Dog", "Rooster Family", "Deer", "Cat" , "Landscape. (Mga baka)." Inilalarawan niya ang mga ito nang may mahusay na imahinasyon, maingat, mapagmahal, na pinagkalooban sila ng palihim, kawalang-kasalanan, na parang ginagawang tao ang kanilang mga imahe: malaki, maalalahanin, malungkot na mga mata ni "Selivanov" ay tumitingin sa amin mula sa mga guhit ng artist ng isang aso, isang baka at isang ibon.

Bagaman opisyal na relasyon sa pagtatapos ng unibersidad ng bayan, halos apat na dekada nang ipinapadala ni Selivanov ang kanyang mga pintura doon. Ipinadala niya si Yu.G. Aksyonov isang malaking bilang ng mga talinghaga at mga entry sa talaarawan, na tinatawag silang "scribble para sa pagbuo ng isang personal na sistema ng utak." Ang mga ito ay kahanga-hangang hubad na damdamin at "clumsy" sa wikang itinatangi ni Selivanov na mga kaisipan tungkol sa buhay, trabaho, at sining.

Narito ang ilan sa kanila: “Mahal na mahal ko ang mga hayop. Maaari kong iguhit ang sinumang gusto mo mula sa memorya. Ang kalikasan ay nagbibigay sa atin ng mood, isang pakiramdam ng kagandahan. Kung wala ito, walang artista."

Sinamahan ng artist ang landscape na "My Motherland, My Home" sa mga sumusunod na salita: "Mahal kita, lupain ng Russia, pagkatapos ng kadiliman ng gabi, kapag sumikat ang araw. Lahat humihinga, lahat tumatawa, nakatingin sa mga mata. Ang iyong puso ay nagagalak, ang iyong kaluluwa ay sumasayaw. Napakabuti mo, lupain ng Russia, aking Inang-bayan!

Pagtatapat

AT ang pinakamahusay na mga gawa ah ie Selivanova - at ang mga ito ay halos mga portrait - ay nagpakita ng regalo ng isang buhay na pagkaunawa sa kalikasan. Sa loob ng dalawampung taon ay gumawa siya ng apatnapung larawan ng kanyang asawa. Sa mga portrait, pinamamahalaan ni Selivanov na ihatid ang "pagpasok" ng hitsura. Ang hitsura na ito ay parang lumang mga icon, ay hindi umalis sa manonood, "nangunguna" sa kanya, kahit saan siya tumingin sa larawan. Ang isa sa mga pinakamahusay na gawa ni Selivanov ay karaniwang kahanga-hanga - ang kanyang "Self-Portrait". Isang may balbas na matandang alam ang kanyang sariling halaga, isang uri ng sage-sorcerer mula sa Russian folklore, isang tagapagdala ng walang hanggang katotohanan, isang enchanted wanderer-truth-seeker, ay tumitingin sa manonood na halos walang laman na may maliwanag na mga mata. Si Ivan Yegorovich mismo sa buhay ay isang maliit na tangkad, na may makalangit na asul na mga mata, isang ganap na makalupang tao na may kanyang mga praktikal na alalahanin, hilig at ambisyon.

Nang mamatay ang kanyang asawa, si Varvara Illarionovna, na nagbahagi sa kanya ng mga paghihirap at kagalakan, natahimik ang bahay sa Mars. TIMOG. Naalala ni Aksyonov na "noong kalagitnaan ng 1970s, biglang tumahimik si Ivan Yegorovich: walang mga parsela na may mga gawa, walang mga liham mula sa kanya. Nag-aalala, may nangyari ba? At biglang, makalipas ang isang taon, dumating ang isang larawan: Ang pusa ni Selivanov na si Vasya ay nakaupo sa niyebe na may malungkot na mga mata. Ito ay naging malinaw: isang kasawian ang nangyari. Ang asul na anino mula sa pusa na may nakakatusok na asul ay nagpalamig sa mga kaluluwa ng madla, na binibigyang diin ang pag-abandona ng lumiit na pigura. Ang mga mata ng pusa ay tila sumisigaw: "Bakit nakalimutan mo akong lahat, kaawa-awang kapwa?" Ito ay isang pakiramdam ng kakila-kilabot na kalungkutan, kapag tila sa iyo na sa buong Uniberso, madilim at walang anyo, ikaw lamang ang umiiral. Para kay Ivan Yegorovich, ito ay isang taon ng matinding depresyon.

Noong 1985, pumasok si Ivan Yegorovich sa Insk nursing home para sa mga matatanda at may kapansanan, na matatagpuan sa mga bangko ng Belovsky reservoir, malapit sa bayan ng Belovo. Siya ay nasa suporta ng estado, tumatanggap, tulad ng sinabi niya, isang suweldo-pensiyon. Dalawang silid ang inilaan para sa kanya, isa sa mga ito para sa isang pagawaan. Ginugol niya ang buong araw sa easel. Nag-evoke siya sa mga nakapaligid sa kanya iba't ibang damdamin. Ang personalidad ay misteryoso at makabuluhan para sa mga residente ng boarding school, hindi karaniwan. Sa paligid ng kanyang pangalan ay nagsimulang ipinanganak ang mga alamat, kung minsan ay walang katotohanan. Ang mga naiinggit na tao ay nagpaitim sa kanyang trabaho, inihambing ito sa bazaar iso-hackwork, na nagsasalita nang mapang-abuso tungkol sa kanyang buhay sa labas ng mga dingding ng bahay na ito.

Sa Kuzbass, binuksan ni Ivan Selivanov sa pangkalahatang publiko lamang noong 1986. Pagkatapos, pagkatapos ng artikulo ni Vladimir Dolmatov sa pahayagan na "Soviet Russia" "Blue cat on white snow", ang pangalan ni Ivan Yegorovich ay narinig halos sa buong bansa. Sa parehong taon, dalawang personal na eksibisyon ng artist ang ginanap sa Kemerovo at Novokuznetsk.

Ang sabihing natigilan ang mga manonood ay kakaunti lang ang sasabihin. Bago binuksan ng madla ang aming kilalang-kilala sa amin at sa parehong oras ang ilang ganap na bagong katotohanan. Bagong Uniberso. Naglakad ang mga manonood at, nabigla, pinahirapan ang isa't isa, bakit sumasakit ang puso sa paningin ng isang malungkot na unggoy, at ano ang nakakabighani sa "Rooster Family"? Si Ivan Yegorovich mismo, maliit at hindi mapagpanggap, sa mga bagong tarpaulin na bota, at nakilala niya na mga bota lamang at tarpaulin boots, isang hindi pangkaraniwang dyaket at cap, ay hindi nagpaliwanag ng anuman. Marunong at palihim siyang tumingin, na para bang hindi siya kasali sa excitement na sumiklab sa paligid niya. At nang tumayo siya sa tabi ng kanyang mga larawan sa sarili, ito ay naging malinaw - lahat ito ay kanya. Sa kanila, palaging inilalarawan ni Selivanov ang kanyang sarili bilang makapangyarihan, puno ng panloob na lakas. Mayroong higit sa sapat na kapangyarihan sa kanya.

At ito sa kabila ng katotohanan na ang kanyang talento sa mga lupon ng mga espesyalista ay matagal nang kinikilala bilang isang pambansang kayamanan. Sa isang liham kay I.E. Selivanov Kaukulang Miyembro ng Academy of Arts S.M. Sumulat si Nikireev: "Para sa akin, ikaw ay isang artista ng napakalaking, bihirang talento, na hindi madalas na ipinanganak ng lupain ng Russia. Isa kang kamangha-manghang talento. Nais kong maging malusog ka at may tiwala na ikaw ay isang tipak ng hindi pangkaraniwang timbang at ningning.

Ang huling panghabambuhay na eksibisyon ng I.E. Naganap ang Selivanova noong 1987 - ang taon ng ika-80 kaarawan ng artist. Nakilala ni Ivan Yegorovich ang kanyang ika-80 kaarawan kasama ang isang sikat na amateur artist Pederasyon ng Russia. Sa teritoryo ng boarding school ng Insk, isinulat niya ang kanyang pinakabagong mga pintura: "Self-portrait" at "Portrait of mother".

Si Yuri Grigoryevich Aksyonov ang nagmungkahi na magpinta siya ng larawan ng kanyang ina. Seryosong inisip ito ni Ivan Yegorovich at nagsimulang maalala kung anong uri ng ina ang nanatili sa kanyang memorya. Hindi niya siya nakita mula noong edad na dalawampu, namatay siya noong 1937. At ngayon ang mukha ng isang tunay na taga-hilaga mula sa nayon ng Vasilyevsky, distrito ng Shenkursky, lalawigan ng Arkhangelsk ay lilitaw sa larawan. Maliwanag na mga mata, magaan na malagong buhok, nakagawian na nakakulong sa isang tinapay, isang simpleng mukha ng Ruso. Isang babaeng magsasaka, na ang mga kamay ay umiikot, naghahabi, nagmasa ng masa, nagtanim ng isang maliit na piraso ng lupa. Isang babaeng may mapait na kapalaran, naiwan na walang asawa na may tatlong anak at pinilit na ipadala ang mga ito, lumaki, na nagtanggal sa kanila sa puso, "sa mga tao." Kataas-taasang pagiging simple, maging ang kabanalan sa mukha na ito. Kailangan mong mabuhay nang matagal at mahirap na buhay, na nabuhay si Ivan Yegorovich upang maunawaan ang imahe ng ina at makita sa kanyang katutubong tampok ang isang sulyap sa walang hanggan.

... Namatay si Ivan Yegorovich noong Marso 1, 1988 lamang. Siya ay inilibing sa nayon ng Inskoy, Belovsky District, Kemerovo Region, sa lokal na sementeryo. Hindi lang siya nabuhay ng limang araw bago ang araw na nagpakita sila ng isang dokumentaryong pelikula tungkol sa kanyang buhay, kung saan itinuring niyang "kabanalan ang magtrabaho hanggang sa mga huling araw ng kanyang buhay."

Iniwan siya ng mga kaibigan at tagahanga, na namimilosopo sa bawat pulgada ng kanyang pagpipinta, sa bawat salitang isinulat niya. Pero I.E. Iniwan sa amin ni Selivanov ang isang makahulang salita: "Ang isang tao ay nabubuhay hangga't tinatamasa niya ang buhay." Iniwan niya ang hindi kumpletong nasuri na mga sulat-kuwento, ang kuwentong sinimulan niya tungkol sa dalawang batang lalaki sa Arkhangelsk.

Ang kanyang pangalan ay kasama sa "World Encyclopedia of Naive Art", na inilathala sa UK. Ang kanyang trabaho ay nakatanggap ng tatlong Grand Prix sa Mga internasyonal na eksibisyon sa Paris. Para sa apat na dekada ng malikhaing aktibidad, ang artist na si I.E. Nag-iwan si Selivanov ng daan-daang mga painting at sketch. Ang ilan sa mga ito ay itinatago sa Prokopyevsk Museum of Local Lore.

Noong 1990, inilathala ng publishing house na "Young Guard" ang isang libro ni I.E. Selivanova at N.G. Kataeva "At nagkaroon ng buhay ...". Ang libro ay naglalaman ng mga reproductions ng mga painting ng artist at ang kanyang mga diary. Sa kanila, nagsalita siya tungkol sa trahedya, sakit at kagandahan ng buhay ng Russia.

... Parehong ang Georgian artist na si Pirosmani at Selivanov, una sa lahat, ay may parehong kapalaran. Parehong alam ang tungkol sa kanilang mataas na regalo. Parehong walang tirahan at mahirap. Sa loob ng ilang panahon, ang mga parokyano, mga kritiko ng sining, at mga tagahanga ay pumulupot sa kanilang dalawa. Gayunpaman, parehong Pirosmani at Selivanov ay namatay nang mag-isa, na nakakuha ng katanyagan pagkatapos ng kamatayan. Ang imahe ng Russia ni Ivan Selivanov ay pasensya at kalooban, pagdurusa, lakas at pagsasakripisyo sa sarili. Lubhang pinipigilan, mahigpit, matinding trabaho. Ganun din siya sa mga salita. At doon, at dito - kapangyarihan ng asetiko at ganap na pagiging simple ng pagpapahayag.

Ang araw ng kaluwalhatian ay hindi madalas na nagliliwanag sa mga orihinal na artista ng mga tao. Samakatuwid, ito ay kanais-nais na ang simple, mabait, tapat at marangal na pangalan na ito - Ivan Yegorovich Selivanov, higit sa isang beses na niluwalhati katutubong sining sa mga eksibisyon sa ating bansa at sa ibang bansa, ay hindi nakalimutan. Dahil ang gawa nitong artistang ito mula sa mga tao ay atin pambansang kayamanan na kailangang ingatan.

Batay sa mga materyalesInternet

Sa kanyang mga gawa ay nabubuhay ang kalubhaan at espirituwalidad ng Russian North - ang kanyang tinubuang-bayan. Ang isa pang natatanging tampok ng Selivanov ay ang kanyang kakaibang pilosopiya, na makikita sa mga entry sa talaarawan na iningatan ng artist sa loob ng maraming taon.

buhay na buhay ang makulay na istilo katutubong talumpati, matingkad na mga larawan ng mga alaala at pangarap, aphoristic na mga pahayag - lahat ng ito ay ginagawang hindi gaanong mahalaga ang pamana ng talaarawan ni Selivanov kaysa sa kanyang mga gawa ng sining.

"Hindi mo maiisip ito para sa iyong sarili nang walang tulong ng iba. Siguro ito ay isang quirk? Ang demonyong kapangyarihan sa aking utak?.. ”- ang mga salitang ito ni Selivanov ay maaaring ilagay bilang isang epigraph sa buong pag-aaral ng walang muwang na sining.

Pagkamalikhain I.E. Si Selivanova, na natuklasan ng mga Muscovites sa mga eksibisyon sa tinatawag na mga club ng creative intelligentsia - TsDRI, TsDL, Board of the Union of Artists sa Gogol Boulevard - ay nakita bilang isang hininga ng sariwang hangin, bilang katibayan na ang katutubong sining ay buhay pa, sa kabila ng mga taon ng pagsasamantala at perwisyo ng estado nito.

Ito ay sa gawa ni Selivanov at ilang iba pang orihinal na mga artista na "natuklasan" sa mga taong iyon na nagsimula ang isang alon ng pangkalahatang sigasig para sa walang muwang na sining, na umabot sa rurok nito noong 1970s.

Ang unang guro ni Selivanov sa Moscow Correspondence People's University of Arts na pinangalanang N.K. Si Krupskaya (ZNUI) Yulia Ferapontovna Luzan noong 1947 ay nakaisip ng isang masayang ideya: hilingin sa isang mag-aaral na gumuhit ng mga hayop sa harap at sa profile. Ang mga karakter ng kanyang mga guhit sa panahong ito ay isang baka, aso, pusa, tandang, sila ay tunay na kaibigan at "kausap" ng artista hanggang sa katapusan ng kanyang buhay.

Mamaya, nang si Yu.G. Aksenov, ang mga gawa ni Selivanov ay lumitaw na elepante, leon, doe. Ang artista ay bumaling kay Aksenov na may isang kahilingan na tumulong na "maunawaan ang mga salitang hindi maintindihan sa lahat ng panitikan... Isulat, tulad ng ipinangako, kung ano ang hindi layunin na sining, aesthetics, dogmatics... Nagpapadala ako ng apat na raang salita sa kabuuan."

Si Ivan Selivanov at ang kultural na mundo kung saan siya nakipag-ugnayan ay nagsalita ng iba't ibang wika. Maingat niyang pinag-aralan ang album na "Russian Portrait", ngunit wala itong epekto sa kanyang sariling mga larawan.

Wala sa mga kapitbahay ang gustong magpa-pose para sa artista. Inilalarawan niya ang kanyang asawa, mga guro, mga bayani ng mga sikat na pelikula - Spartacus, Cleopatra. Ang pinakamahalaga ay ang kanyang mga larawan sa sarili. Si Selivanov ay may katangian na hitsura ng isang Ruso na magsasaka - isang palumpong na balbas, isang sumbrero ng makapal na gupit na buhok "sa ilalim ng palayok", matalim na tingin may tuso.

Naakit niya ang pansin ng mga mamamahayag sa TV, mga gumagawa ng pelikula, isinulat nila ang tungkol sa kanya sa lokal at sentral na press. Ngunit gayon pa man, ang bilog ng mga tao na direktang nakipag-usap sa artista ay wala sa kanilang sarili na may sapat na mataas na antas ng edukasyon upang sapat na bigyang-kahulugan ang kanyang sining.

Ang kanyang gawain hanggang sa araw na ito ay hindi inilarawan nang detalyado sa wika modernong agham. Isang orihinal na pilosopo ng magsasaka, isang estranghero sa mundo ng "maunlad na sosyalismo", si Ivan Yegorovich Selivanov ay nag-proyekto sa kanyang trabaho ng mga larawan ng isang maayos na kaayusan ng mundo - isang tahanan na may hardin, mga kaibigan, mga guro, mga bayani at bawat nilalang ng Diyos.

Mga personal na eksibisyon ng I.E. Selivanova:

Central House of Writers, Moscow, 1971;

Bilang karangalan sa ika-70 anibersaryo ng I.E. Selivanova, Moscow, 1977; Bilang karangalan sa ika-80 anibersaryo ng I.E. Selivanova, Museo ng Fine Arts, Rehiyon ng Kemerovo, 1986;

Museo ng Fine Arts ng Novokuznetsk, 1986;

Central Exhibition Hall ng sangay ng Moscow ng Union of Artists ng RSFSR, Moscow, 1987.

Mga eksibisyon na may pakikilahok sa mga gawa ng artist:

Exhibition ng mga gawa ng mga baguhang artista, mga mag-aaral ng mga kurso pag-aaral ng distansya TsDNT sila. N.K. Krupskaya, Central House of Arts, Moscow, 1965;

All-Russian na eksibisyon ng mga gawa ng mga baguhang artista, Moscow, 1960;

All-Union exhibition ng mga baguhang artista sa Moscow: 1967, 1970, 1974, 1977, 1985;

Exhibition "100 gawa ng mga orihinal na artista", Moscow, Hall ng Union of Artists sa Gogol Boulevard, 1971;

Anibersaryo ng eksibisyon ng mga gawa ng mga mag-aaral ng Faculty of Fine Arts bilang parangal sa ika-50 anibersaryo ng ZNUA sa Central bulwagan ng eksibisyon Union of Artists ng RSFSR sa Podolsk, 1983-1984;

Naifs sovietiques (France), 1988;

All-Russian na eksibisyon ng mga gawa ng mga baguhang artista bilang parangal sa ika-40 anibersaryo ng Tagumpay ng mga taong Sobyet sa Great Patriotic War, All-Russian Museum of Folk Art, Moscow, 1985;

"Golden Dream", 1992;

Paradise Apples, 2000;

"Festnaiv-04".

Mga koleksyon ng mga painting ni I.E. Ang Selivanova ay naka-imbak:

State House of Folk Art;

Vladimir-Suzdal Museum-Reserve;

Museo "Tsaritsyno", Moscow.

Filmography:

"Mga tao ng lupain ng Kuznetsk", dir. M. Litvyakov, Leningrad Documentary Film Studio, 1969;

"Nag-drawing sila mula pagkabata", dir. K. Revenko, Central Television, pelikula sa TV, 1979;

"Kuzbass Pirosmanashvili", Kemerovo Television Studio, 1981;

"Seraphim Polubes and Other Inhabitants of the Earth" (feature film, kung saan ginamit ang mga gawa ni Selivanov), dir. V. Prokhorov, Mosfilm, 1984;

Asul na pusa sa puting niyebe, dir. V. Lovkova, TSSDF, 1987.

Panitikan:

Shkarovskaya N. Folk amateur art. L., 1975;

World Encyclopedia of Naive Art. London, 1984. P. 529;

Ivan Selivanov - pintor. Mga sanaysay tungkol sa artista. Kemerovo, 1988;

Selivanov I.E., Kataeva N.G. At nagkaroon ng buhay ... M., 1990;

Exhibition ng mga gawa ng mga baguhang artista, mga mag-aaral ng mga kurso sa pag-aaral ng distansya TsDNT sa kanila. N.K. Krupskaya, Central House of Arts, Moscow, 1965.

Catalog ng mga artikulo sa print media:

Alpatov M. Direkta at taos-puso // Pagkamalikhain. 1966. Blg. 10;

Gerchuk Yu. Primitives ba ang Primitive? // Paglikha. 1972. Blg. 2;

Baldina O. Pangalawang pagtawag. M., 1983;

Aksenov Y. Tingnan gamit ang iyong sariling mga mata // Artist. 1986. Blg. 9;

Shkarovskaya N. Atraksyon ng pag-ibig sa kalikasan // Ogonyok. 1987. Blg. 36;

baguhan sining// Amateur artistic creativity: Mga sanaysay sa kasaysayan ng 1960-1990s. SPb., 1999.

ISANG PULUBONG ARTISTA - KASADHAN BA?! ILANG KATOTOHANAN MULA SA BUHAY NI IVAN SELIVANOV

Ang pangalan ng prokopchanin na si Ivan Selivanov ay kasama sa Encyclopedia of Naive Art, na inilathala sa Great Britain. Sa ibang bansa, si Ivan Yegorovich ay tinawag na Russian Pirosmani at Van Gogh, pumasok siya sa nangungunang sampung walang muwang na mga artista Russia.

Ang kanyang mga gawa ay dinala sa London at New York, ipinagbili nang ilegal, at nabuhay siya sa kahirapan. Sa loob ng 45 taon, nagsulat si Selivanov ng daan-daang mga kuwadro na gawa at sketch, ngunit ang kanyang mga talaarawan na may sariling pilosopiko na pananaw ay hindi gaanong interes. Ang lokal na museo ng kasaysayan ng Prokopievsk ay may isang maliit na koleksyon ng kanyang mga gawa, halos isang daan - sa Moscow sa State Russian House of Folk Art.

May sakit ako sa pag-iisip... Bakit napunta ako sa mga ganitong kondisyon? Ang bawat asshole-baba ay nagtatapon sa akin! Nakakaapekto ito sa buong katawan, sa sistema ng utak ... Ito ay isang quote mula sa pelikulang "Ivan Selivanov. Mga Fragment ng Buhay"

Sa Central City Hospital. Ang Gogol Salon "Artist" ay nagdaos ng isang gabi sa memorya ni Ivan Selivanov. Ang website ng aklatan ay may elektronikong aklat nakatuon sa isang orihinal na artista mula sa Prokopevsk. Kabilang dito ang mga artikulo tungkol sa Selivanov, mga hindi nai-publish na mga larawan at mga reproductions ng mga painting. Sa loob ng 20 taon, unti-unti nang kinokolekta ng art historian na si Galina Stepanovna Ivanova ang materyal para sa libro.

Noong Abril 1986, inanyayahan ang artista sa club ng pelikula na "Dialogue", binisita niya ang Dostoevsky Museum at ang kuta ng Kuznetsk. Sa workshop ni Vitaly Karmanov, kung saan siya dinala, nagulat siya na ang isang artista ay maaaring magkaroon ng napakaraming tubo ng pintura.

Ang mga tagahanga ng gawa ni Selivanov ay nag-iingat ng mga poster ng kanyang solo na eksibisyon, na naganap noong Oktubre 22, 1986 sa Novokuznetsk Art Museum.

Ginugol ni Selivanov ang kanyang mga huling taon sa isang nursing home para sa mga matatanda at may kapansanan sa nayon. Inskoy. Naranasan niya ang kanyang posisyon ng kawalan ng kalayaan, na tinatawag ang kanyang sarili na isang burukratikong tao na, sa batayan ng isang kaguluhan ng kaluluwa, ay hindi maaaring gumana.

- Ako ay may sakit sa pag-iisip... Bakit ko nakita ang aking sarili sa ganitong mga kondisyon? Ang bawat asshole-baba ay nagtatapon sa akin! Nakakaapekto ito sa buong katawan, sa sistema ng utak...

Hindi siya nagtagal sa kanyang sariling bahay, kung saan siya ay inilipat isang taon bago siya namatay. Noong Marso 5, 1988, inilibing si Selivanov.

Sa isa sa kanyang mga pagbisita sa Selivanov, si Galina Ivanova (sa kahilingan ng artist) ay nagdala kay Ivan Yegorovich ng isang plato at isang kawali. Pagkatapos ay lumabas na ginamit niya ang plato sa halip na isang palette.
Tinakpan niya ng dyaryo ang kawali, nilagyan ito ng mug ng solvent, at saka lang siya nagsimulang magsulat. Sa mga nagdaang taon, nagtrabaho siya sa mga langis.

Sa Novokuznetsk, naglibot ang Lenkom Theatre, at ang mga aktor na sina Nikolai Karachentsov at Oleg Yankovsky ay dumating sa aming studio (film-photo bureau KMK). Literal na araw bago, isang connoisseur ng pagpipinta at kolektor na si Yankovsky ay bumisita sa Selivanov para sa isang pagbisita, hindi pinaghihinalaan ang sira-sira na disposisyon ng may-ari.

Ako ay isang sikat na aktor na si Oleg Yankovsky, - nagsimula mula sa threshold ng Lenkom.

Walang magawa ang sikat na aktor kundi sundin ang payo ng matanda. Nakita niya ang mga gawa ng nugget artist mamaya - sa dokumentaryo na pelikula nina S. Shakuro at V. Skoda. Si Nikolai Karachentsov ay tumingin nang may tunay na paghanga sa isang maliit (taas na 154 cm!), balbas na magsasaka, lahat ay nagulat:

Isang kumpletong karakter!

Kinabukasan, dinala ni Nikolai Petrovich ang buong tropa sa screening...

Kapag nabasa mo ang kanyang mga iniisip, iniisip mo na ito ay isang tunay na pilosopo:

"Ang isang tao ay hindi ipinanganak sa kanyang sarili, siya ay dumating sa mundong ito para sa ilang hindi kilalang dahilan, at siya ay konektado sa lahat ng nabubuhay na bagay.
Kung ang isang tao ay tapat sa kanyang trabaho at sa kanyang mga kasama, pagkatapos ay tinutupad niya ang batas sa patas na panlipunang paggawa.

"Para matapos ang araw tunay na katotohanan sa lupa, kailangan mong magtrabaho nang husto mula umaga hanggang gabi sa iyong sarili. Upang ang puso at kaluluwa sa kanilang kadalisayan ay katumbas ng amber o ang mga sinag ng araw.

"Itinuturing kong isang pagpapala ang maging malaya sa iba, ang kumain ng rye bread na may patatas sa pagbabalat na uniporme at kaunting asin, na hinaluan ng tubig. Hayaan itong maging hindi komportable at madumi sa aking kubo, hindi mahalaga. Para sa kahalagahan ay isasaalang-alang ko itong mainit sa taglamig sa aking kubo. Maraming matatandang tulad ko, mga kabataang babae at matatandang babae sa buong mundo.

IVAN SELIVANOV: BUHAY AT KAPALARAN

« Ipinanganak ako ng aking ina ... hindi para sa malaking pera, hindi para sa isang marangyang buhay, ngunit para lamang sa buhay, tulad ng anumang nabubuhay na nilalang sa kalikasan". Kaya naisip at isinulat ang bayani ng aming artikulo, isang natatanging Russian artist at palaisip na si Ivan Yegorovich Selivanov (1907-1988).

Hindi, opisyal na hindi siya isang "artista ng mga tao" - hindi siya nakatanggap ng anumang mga titulong akademiko at regalia mula sa estado. Ngunit siya ay isang tunay na "artista ng mga tao" ng panahon ng Sobyet. Kasama sina Niko Pirosmani at Efim Chestnyakov, siya ay pag-aari ng sangkatauhan. At ang kanyang mga talaarawan, sa mga tuntunin ng nilalaman at lalim, ay matatawag na totoo katutubong karunungan… Sasabihin natin ngayon ang tungkol sa kanya, ang kanyang kapalaran at iniisip.

Ang artikulong ito ay hindi isang biographical sketch, hindi namin itinakda sa aming sarili ang gawain ng hindi bababa sa medyo ganap na sumasaklaw sa landas ng buhay ni Ivan Selivanov, ngunit hindi pa rin namin magagawa nang walang maikling pagpapakilala. Narito ang isinulat ng lokal na istoryador, mananaliksik ng kanyang buhay at trabaho na si Nina Grigoryevna Kataeva:

« Nakilala ako ng artista sa isang bahay na itinayo sa teritoryo ng isang boarding school para sa mga beterano sa paggawa sa nayon ng Inskoy, Distrito ng Belovsky, Rehiyon ng Kemerovo. Ang bahay ay itinayo ayon sa uri ng kubo kung saan nanirahan si Selivanov sa loob ng tatlumpu't apat na taon. Ang mga matatandang taon, karamdaman at kalungkutan ay nagpilit sa amin na humiwalay sa kanya, at pagkatapos ng isang taon ng malungkot na pag-iral sa ginhawa ng isang silid ng nursing home matandang pintor sa wakas ay naramdaman ang pangangalaga ng mga lokal na pinuno sa aking sarili».

Ang guro ni Selivanov, ang orihinal na artist na ito, isang gumagawa ng kalan ng nayon, si Yuri Grigorievich Aksyonov mula sa Moscow Correspondence People's University of Arts, ay nagsalita tungkol sa kanya ng ganito: "Ang tanging bagay na nagligtas sa kanya mula sa buhay ay mula sa kampo. Lahat ng iba pa noon." Paano ang natitira? Sa katunayan, lahat. Mga hindi patas na akusasyon, gutom, lamig, kahirapan, kalungkutan, pagala-gala nang walang trabaho. Ngunit, marahil, salamat sa isang kapalaran na ang artista ay pinamamahalaang manatiling malinaw hanggang sa kanyang huling hininga.

Ang isang kritiko ng sining mula sa Poland, na narinig sa isang gabi ng pelikula sa Moscow, sa Ministri ng Kultura ng RSFSR, na ang isang karapat-dapat na kanlungan ay hindi pa natagpuan para sa pamana ni Selivanov, ay bumulalas sa sorpresa:

- Oo, kung nakakita kami ng isang artista tulad ng iyong Ivan Yegorovich, ibibigay namin sa kanya ang pinakamahusay na museo sa Warsaw!

Well, ang mga pole, marahil, ay nagbigay. Walang propeta sa kanyang sariling bansa.

Ang lungkot ng isang long distance runner

Si Selivanov mismo ay tinatrato ang mga pagbabago ng kapalaran hindi gaanong stoically, ngunit sa halip ay mapagkumbaba, bilang isang hindi maiiwasan. Hindi niya itinuring ang kanyang sarili bilang isang artista.

- Ako ay isang tao na nagpinta ng mga larawan sa pagitan ng mga gawaing bahay, sinabi niya. At paulit-ulit niyang tinukoy si Leo Tolstoy, na, nang tanungin kung bakit mayroon siyang solidong bilang at mga prinsipe sa kanyang mga karakter, sumagot:

"Dahil kaya nilang kontrolin ang kasaysayan."

Naniniwala din si Selivanov na hindi maimpluwensyahan ng mga mahihirap ang kurso ng mga makasaysayang kaganapan. At nang sinubukan nilang kumbinsihin siya, na nagsasabi: "Ikaw ay isang manlilikha at hindi maaaring hindi makaimpluwensya sa takbo ng buhay!", - inulit ang kanyang: "Hindi, pulubi ako".

At ganoon din ang ginawa niya sa pera. Nang maakit siya ng manloloko sa lahat ng nakuha niya para sa mga eksibisyon, nagkibit-balikat lang siya: "Well, mukhang kailangan pa niya...".

Nag-iwan si Ivan Yegorovich ng maraming mga notebook sa talaarawan - dito at " Propetikong panaginip artist", at "Nasaan ka, kaligayahan?", At "Mga Kuwento at talinghaga" ... At itinuring niya na ang kuwaderno na iyon ay lalong mahalaga para sa kanyang sarili, na kung saan ay bahagyang makikilala natin.

"Nakakaapekto sa lahat"

Iyon ay kung paano - "Nakakaapekto sa lahat" - Selivanov na may pamagat na isa sa kanyang mga notebook sa talaarawan. At hindi walang kabuluhan, siyempre - ito ay tungkol sa maraming mahahalagang bagay. Halimbawa, tungkol sa walang halaga, sa kanyang opinyon, ang sistema ng edukasyon at pagpapalaki ng Sobyet (“Hindi ko alam kung sino sa mga taong marunong bumasa at sumulat ang maaaring gampanan ang mahalagang gawain ng pagtuturo sa isang tao. Habang ang lahat ay tumitingin sa bagay na ito nang may kalamigan, wala itong pakialam sa sinuman. Kaya ang mga tao ay natututo sa kanilang sarili - kung paano ito lumalabas . Hindi ba iyan ang dahilan kung bakit napakaraming butas sa ating estado? At mayroong lahat ng uri ng "layers", at ang mga nagtatamasa ng mga pribilehiyo sa buhay?").

At nagsusulat si Selivanov tungkol sa mga tiwaling manunulat, at tungkol sa trabaho bilang batayan ng buhay, at tungkol sa Moscow, na labis na nagdusa, ngunit nanatiling Moscow ... Si Selivanov ay nagsusulat ng maraming tungkol sa pag-ibig.

« Hindi ko niloko ang aking asawang si Varenka. Ang panloloko sa iyong asawa ay nangangahulugan din ng pagtataksil sa iyong tinubuang-bayan. Hinahamak ko ang mga ganitong lalaki palagi at saanman. AT panahon ng digmaan ang mga nagtaksil sa kanilang sariling bayan ay inilagay sa pader. At para sa pagtataksil, anong bala ang nararapat sa isang asawang lalaki?».

Tinatawag ni Selivanov ang kanyang sarili "ang kapitan na nawalan ng kontrol sa barko". Ngunit ipinagmamalaki niyang isinulat iyon "naghahain sa mga tao para sa simpleng pagkain, para sa isang piraso ng tinapay".

Binabalangkas ang kanyang mga saloobin sa moralidad, masakit niyang sinasalamin ang mga walang hanggang katanungan, sa mga pangunahing misteryo ng pagiging, sa kung ano ang nagmumula kay Immanuel Kant, - " ang mabituing langit sa itaas natin at ang batas moral sa loob natin". Si Ivan Yegorovich, siyempre, ay hindi tumutukoy kay Kant, ngunit ang kanyang, Selivanov's, "starry sky" ay isang walang katapusang nababagong kalikasan na nagbibigay ng gantimpala sa mga tao sa iba't ibang paraan: kung kanino "ang instinct na magnakaw", at kanino "sa mabuting gawa."

Ang kanyang talaarawan entry mula 1982 ay napaka katangian: " Pumunta sa matarik na mataas na bangko. Lalawak ang abot-tanaw sa harap mo. Hahangaan mo ang makikita mo. Sa sandali ng iyong pagmuni-muni, isang malaking masa ng mga tao ang lilitaw mula sa likod ng abot-tanaw - ang mga tao. Ang mga taong ito ay nakagapos at halos hindi gumagalaw. saan? At ang maayos na sistema ng iyong mga pag-iisip ay agad na mawawalan ng balanse sa utos ng iyong puso. Iisipin mo - ano ito? Saan pupunta, saan tatakbo? Mula sa napakalaking masa ng mga taong nakagapos? Napakaraming tao sa dagat ng tao na ito... Bakit sila nakadena sa bakal? I would ask each of them from the heart ... Oo, hindi mo maaaring labagin ang batas, hindi mo sila maaaring lapitan».

Kaunti sa iba

Kaya siya, si Ivan Yegorovich Selivanov, isang artista, makata at pantas. Ang mga taong nakakakilala sa kanya ay namamangha kung minsan - isang napakahinhin na edukasyon at isang pananalita na puno ng dignidad! Halimbawa, sinabi ni Selivanov: Ang Rembrandt ay isang pambihirang kababalaghan, kakaunti ang mga artista tulad ni Rembrandt sa mundo. Siguro sampung tao. Hindi tulad ng iba, mayroon silang pagpapahayag ng katotohanan". Ngunit ang mga salitang ito ay maaari ding maiugnay kay Ivan Yegorovich mismo. Kakaunti lang ang mga katulad niya sa mundo...

Andrey Bystrov,

) sa kanyang nagpapahayag na mga gawaing pagwawalis ay nagawang mapanatili ang transparency ng fog, ang liwanag ng layag, ang makinis na pag-uyog ng barko sa mga alon.

Ang kanyang mga kuwadro na gawa ay humanga sa kanilang lalim, lakas ng tunog, saturation, at ang texture ay tulad na imposibleng alisin ang iyong mga mata sa kanila.

Mainit na pagiging simple Valentina Gubareva

Primitive artist mula sa Minsk Valentin Gubarev hindi habol ng kasikatan at ginagawa lang ang gusto niya. Ang kanyang trabaho ay sikat na sikat sa ibang bansa, ngunit halos hindi pamilyar sa kanyang mga kababayan. Noong kalagitnaan ng 90s, umibig ang Pranses sa kanyang pang-araw-araw na sketch at pumirma ng kontrata sa artist sa loob ng 16 na taon. Ang mga pagpipinta, na, tila, ay dapat na maunawaan lamang sa amin, ang mga nagdadala ng "katamtamang kagandahan ng hindi maunlad na sosyalismo", ay nagustuhan ng publiko sa Europa, at nagsimula ang mga eksibisyon sa Switzerland, Germany, Great Britain at iba pang mga bansa.

Sensual realism ni Sergei Marshennikov

Si Sergei Marshennikov ay 41 taong gulang. Nakatira siya sa St. Petersburg at lumilikha sa pinakamahusay na mga tradisyon ng klasikal na paaralang Russian ng makatotohanan pagpipinta ng portrait. Ang mga pangunahing tauhang babae ng kanyang mga pagpipinta ay malambot at walang pagtatanggol sa kanilang kalahating hubad na kababaihan. Marami sa mga pinakasikat na pagpipinta ang naglalarawan sa muse at asawa ng artist, si Natalia.

Ang Myopic World ni Philip Barlow

AT modernong panahon mga larawan ng mataas na resolution at ang pagtaas ng hyperrealism, ang gawa ni Philip Barlow ay agad na umaakit ng pansin. Gayunpaman, kailangan ng isang tiyak na pagsisikap mula sa manonood upang pilitin ang kanyang sarili na tumingin sa malabong silhouette at maliwanag na mga spot sa mga canvases ng may-akda. Marahil, ito ay kung paano nakikita ng mga taong nagdurusa sa myopia ang mundo na walang salamin at contact lens.

Sunny Bunnies ni Laurent Parcelier

Ang painting ni Laurent Parcelier ay kahanga-hangang mundo kung saan walang kalungkutan o kawalan ng pag-asa. Wala kang makikitang makulimlim at maulan na larawan sa kanya. Sa kanyang mga canvases ay maraming ilaw, hangin at Matitingkad na kulay, na inilalapat ng artist na may katangiang nakikilalang mga stroke. Lumilikha ito ng pakiramdam na ang mga kuwadro ay hinabi mula sa libu-libong sunbeam.

Urban Dynamics sa mga Gawain ni Jeremy Mann

Oil on wood panels ng American artist na si Jeremy Mann ay nagpinta ng mga dynamic na portrait ng isang modernong metropolis. "Mga abstract na anyo, linya, kaibahan ng liwanag at madilim na mga spot - lahat ay lumilikha ng isang larawan na pumukaw sa pakiramdam na nararanasan ng isang tao sa karamihan ng tao at pagmamadalian ng lungsod, ngunit maaari ring ipahayag ang katahimikan na nagmumula sa pagmumuni-muni ng tahimik na kagandahan," sabi ng artista.

Ang Illusory World ni Neil Simon

Sa mga pagpipinta ng British artist na si Neil Simone (Neil Simone) ang lahat ay hindi kung ano ang tila sa unang tingin. "Para sa akin, ang mundo sa paligid ko ay isang serye ng mga marupok at pabago-bagong mga hugis, anino at mga hangganan," sabi ni Simon. At sa kanyang mga pagpipinta ang lahat ay talagang ilusyon at magkakaugnay. Ang mga hangganan ay nahuhugasan, at ang mga kuwento ay dumadaloy sa isa't isa.

Ang love drama ni Joseph Lorasso

Ang kontemporaryong Amerikanong artista na ipinanganak sa Italya na si Joseph Lorusso ay inilipat sa canvas ang mga eksenang nakita niya sa pang-araw-araw na buhay ordinaryong mga tao. Ang mga yakap at halik, madamdaming impulses, mga sandali ng lambing at pagnanasa ay pumupuno sa kanyang mga emosyonal na larawan.

Buhay nayon ni Dmitry Levin

Si Dmitry Levin ay isang kinikilalang master ng landscape ng Russia, na itinatag ang kanyang sarili bilang isang mahuhusay na kinatawan ng makatotohanang paaralan ng Russia. Ang pinakamahalagang pinagmumulan ng kanyang sining ay ang kanyang attachment sa kalikasan, na mahal niya nang magiliw at madamdamin at nararamdaman ang kanyang sarili na bahagi nito.

Maliwanag na Silangan Valery Blokhin