Ang pambansang konsolidasyon, na pinalakas ng makabayang pagsulong ng Digmaang Patriotiko noong 1812, ay nagpakita ng sarili sa pagtaas ng interes sa sining at sa mas matinding interes sa buhay bayan pangkalahatan. Ang katanyagan ng mga eksibisyon sa Academy of Arts ay lumalaki. Mula noong 1824, nagsimula silang gaganapin nang regular - tuwing tatlong taon. Nagsisimulang lumabas ang "Magazine". sining" Ang pagkolekta ay nagpapakilala sa sarili nito nang mas malawak. Bilang karagdagan sa museo sa Academy of Arts, noong 1825 ang "Russian Gallery" ay nilikha sa Hermitage. Noong 1810s Binuksan ang "Russian Museum" ng P. Svinin.

Ang tagumpay sa Digmaang Patriotiko noong 1812 ay isa sa mga dahilan para sa paglitaw ng isang bagong ideyal, na batay sa ideya ng isang independiyente, mapagmataas na personalidad, na nalulula sa malakas na hilig. Ang isang bagong istilo ay itinatag sa pagpipinta - romantikismo, na unti-unting pinalitan ang klasisismo, na itinuturing na opisyal na istilo, kung saan namamayani ang mga tema ng relihiyon at mitolohiya.

Nasa unang bahagi na ng mga pagpipinta ng K. L. Bryullov (1799-1852) "Italian Afternoon", "Bathsheba", hindi lamang ang husay at ningning ng imahinasyon ng artist ay ipinahayag, kundi pati na rin ang romanticism ng kanyang pananaw sa mundo. Ang pangunahing gawain ni K. P. Bryullov, "Ang Huling Araw ng Pompeii," ay puno ng diwa ng historicism ang pangunahing nilalaman nito ay hindi ang gawa ng isang indibidwal na bayani, ngunit ang trahedya na kapalaran ng isang masa ng mga tao. Ang larawang ito ay hindi direktang sumasalamin sa kalunos-lunos na kapaligiran ng despotismo ng rehimen ni Nicholas I ito ay naging isang kaganapan pampublikong buhay estado.

Ang mga espesyalista sa pag-optimize ng website ay gumagana sa ilang dosenang mga parameter na naglalarawan sa bawat site. Alamin kung paano kinakalkula ang link ng spam kung magpasya kang master ang mahirap na agham na ito.

Ang romantikismo ay nagpakita mismo sa pagpipinta ng portrait O. A. Kiprensky (1782-1836). Mula noong 1812, lumikha ang artista ng mga graphic na larawan ng mga kalahok sa Digmaang Patriotiko na kanyang mga kaibigan. Ang isa sa mga pinakamahusay na likha ng O. A. Kiprensky ay itinuturing na larawan ni A. S. Pushkin, pagkatapos makita kung alin dakilang makata ay sumulat: “Nakikita ko ang aking sarili na parang nasa salamin, ngunit ang salamin na ito ay nambobola ako.”

Ang mga tradisyon ng romantisismo ay binuo ng pintor ng dagat na si I.K. Aivazovsky (1817-1900). Ang kanyang mga gawa na muling lumikha ng kadakilaan at kapangyarihan ay nagdala sa kanya ng pangkalahatang katanyagan. mga elemento ng dagat(“Ang Ikasiyam na Alon”, “Itim na Dagat”). Inialay niya ang maraming mga pagpipinta sa mga pagsasamantala ng mga mandaragat ng Russia ("Labanan ng Chesma", "Labanan ng Navarino"). Sa panahon ng Crimean War 1853-1856. sa kinubkob na Sevastopol, nag-organisa siya ng isang eksibisyon ng kanyang mga painting sa labanan. Kasunod nito, batay sa mga sketch mula sa kalikasan, inilarawan niya ang kabayanihan na pagtatanggol ng Sevastopol sa isang bilang ng mga kuwadro na gawa.

Si V.A. Tropinin (1776-1857), na pinalaki sa sentimentalist na tradisyon noong huling bahagi ng ika-18 siglo, ay nakaranas ng napakalaking impluwensya ng bagong romantikong alon. Ang kanyang sarili ay isang dating serf, ang artist ay lumikha ng isang gallery ng mga larawan ng mga artisan, tagapaglingkod at magsasaka, na nagbibigay sa kanila ng mga katangian ng espirituwal na maharlika ("Lacemaker", "Seamstress"). Ang mga detalye ng pang-araw-araw na buhay at mga aktibidad sa trabaho ay naglalapit sa mga larawang ito sa genre ng pagpipinta.

Ang sining ng panahon ng romantikismo, sa kaibuturan nito, ay may espirituwal at malikhaing halaga ng indibidwal, bilang pangunahing paksa para sa pilosopiya at pagmuni-muni. Ito ay lumitaw sa pagtatapos ng ika-18 siglo at nailalarawan sa pamamagitan ng mga romantikong motif na nauugnay sa iba't ibang kakaiba at magagandang kaganapan o landscape. Sa kaibuturan nito, ang paglitaw ng kalakaran na ito ay sumasalungat sa klasisismo, at ang harbinger ng hitsura nito ay sentimentalismo, na malinaw na ipinahayag sa panitikan noong panahong iyon.

Sa simula ng ika-19 na siglo, umunlad ang Romantisismo at naging ganap na nalubog sa sensual at emosyonal na imahe. Bilang karagdagan, napaka mahalagang katotohanan Nagkaroon ng muling pag-iisip ng saloobin sa relihiyon sa panahong ito, gayundin ang paglitaw ng ateismo na ipinahayag sa pagkamalikhain. Ang mga halaga ng damdamin at taos-pusong karanasan ay inilalagay sa unahan, at mayroon ding unti-unting pagkilala sa publiko sa pagkakaroon ng intuwisyon sa isang tao.

Romantisismo sa pagpipinta

Ang direksyon ay nailalarawan sa pamamagitan ng diin sa isang kahanga-hangang tema, na mahalaga sa istilong ito sa alinman malikhaing aktibidad. Ang senswalidad ay ipinahayag sa anumang posible at katanggap-tanggap na paraan, at ito ang pinakamahalagang pagkakaiba ng direksyong ito.

(Christiano Banti "Galileo bago ang Roman Inquisition")

Kabilang sa mga tagapagtatag ng philosophical romanticism, sina Novalis at Schleiermacher ay maaaring makilala, ngunit nakilala ni Theodore Gericault ang kanyang sarili sa pagpipinta sa bagay na ito. Sa panitikan, mapapansin natin ang partikular na maliliwanag na manunulat ng panahon ng romantikismo - ang magkapatid na Grimm, Hoffmann at Heine. Sa maraming bansa sa Europa ang istilong ito ay nabuo sa ilalim ng malakas na impluwensya ng Aleman.

Ang mga pangunahing tampok ay:

• romantikong mga tala na malinaw na ipinahayag sa akda;
• fairy-tale at mythological notes kahit na sa ganap na di-fairytale prosa;
• pilosopikal na pagmuni-muni sa kahulugan ng buhay ng tao;
• pagpapalalim sa paksa ng pag-unlad ng pagkatao.

(Friedrich Caspar David "Pagsikat ng Buwan sa ibabaw ng dagat")

Masasabi nating ang romantikismo ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga tala ng paglilinang ng kalikasan at pagiging natural ng kalikasan ng tao, at natural na senswalidad. Ang pagkakaisa ng tao sa kalikasan ay niluluwalhati din, at ang mga imahe ng panahon ng kabalyero, na napapalibutan ng isang aura ng maharlika at karangalan, pati na rin ang mga manlalakbay na madaling magsimula sa mga romantikong paglalakbay, ay napakapopular din.

(John Martin "Macbeth")

Ang mga kaganapan sa panitikan o pagpipinta ay nabuo sa paligid ng pinakamalakas na hilig na naranasan ng mga karakter. Ang mga bayani ay palaging mga indibidwal na madaling kapitan ng pakikipagsapalaran, naglalaro sa kapalaran at predeterminasyon ng kapalaran. Sa pagpipinta, ang romanticism ay perpektong nailalarawan sa pamamagitan ng kamangha-manghang mga phenomena na nagpapakita ng proseso ng pagbuo ng pagkatao at espirituwal na pag-unlad ng isang tao.

Romantisismo sa sining ng Russia

Sa kulturang Ruso, ang romantikismo ay lalo na binibigkas sa panitikan, at pinaniniwalaan na ang mga unang pagpapakita ng kalakaran na ito ay ipinahayag sa romantikong tula ni Zhukovsky, bagaman ang ilang mga eksperto ay naniniwala na ang kanyang mga gawa ay malapit sa klasikal na sentimentalismo.

(V. M. Vasnetsov "Alyonushka")

Ang romantikong Ruso ay nailalarawan sa pamamagitan ng kalayaan mula sa mga klasikal na kombensiyon, at ang kilusang ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga romantikong dramatikong plot at mahabang ballad. Mahalaga ito ay pinakabagong pagganap tungkol sa kakanyahan ng tao, gayundin tungkol sa kahalagahan ng tula at pagkamalikhain sa buhay ng mga tao. Kaugnay nito, ang parehong tula ay nakakakuha ng isang mas seryoso, makabuluhang kahulugan, bagaman ang dating pagsulat ng tula ay itinuturing na ordinaryong walang laman na saya.

(Fedor Aleksandrovich Vasiliev "Thaw")

Kadalasan sa romantikong Ruso, ang imahe ng pangunahing karakter ay nilikha bilang isang malungkot at malalim na naghihirap na tao. Ito ay naghihirap at emosyonal na mga karanasan ang pinakamalaking pansin ay binabayaran sa mga may-akda kapwa sa panitikan at sa pagpipinta. Sa esensya, ito ay isang walang hanggang kilusan kasama ang iba't ibang mga pag-iisip at pagmumuni-muni, at ang pakikibaka ng isang tao sa patuloy na pagbabago sa mundo na nakapaligid sa kanya.

(Orest Kiprensky "Portrait of Life Hussar Colonel E.V. Davydov")

Ang bayani ay kadalasang medyo makasarili at patuloy na nagrerebelde laban sa bulgar at materyal na mga layunin at halaga ng mga tao. Ang pag-alis ng mga materyal na halaga na pabor sa espirituwal at personal ay itinataguyod. Kabilang sa pinakasikat at makulay na mga character na Ruso na nilikha sa loob ng balangkas nito malikhaing direksyon, maaari nating iisa ang pangunahing tauhan mula sa nobelang "Isang Bayani ng Ating Panahon". Ang nobelang ito ang napakalinaw na nagpapakita ng mga motibo at tala ng romantikismo sa panahong iyon.

(Ivan Konstantinovich Aivazovsky "Mga mangingisda sa dalampasigan")

Ang pagpipinta ay nailalarawan sa pamamagitan ng fairy-tale at folklore motif, romantiko at puno ng iba't ibang mga pangarap. Lahat ng mga gawa ay kasing aesthetically kasiya-siya hangga't maaari at may tama, magagandang istruktura at anyo. Sa direksyon na ito walang lugar para sa mga matitigas na linya at mga geometric na hugis, pati na rin ang sobrang maliwanag at magkakaibang mga kulay. Sa kasong ito, ginagamit ang mga kumplikadong istruktura at maraming maliliit, napakahalagang detalye sa larawan.

Romantisismo sa arkitektura

Ang arkitektura ng Romantic na panahon ay katulad sa mismong mga fairytale na kastilyo, at hindi kapani-paniwalang maluho.

(Blenheim Palace, England)

Ang pinaka-kapansin-pansin at sikat na mga gusali sa oras na ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng:

• ang paggamit ng mga istrukturang metal, na isang bagong imbensyon sa panahong ito, at kumakatawan sa isang kakaibang pagbabago;
• kumplikadong mga silhouette at disenyo na may kasamang hindi kapani-paniwalang mga kumbinasyon ng magagandang elemento, kabilang ang mga turret at bay window;
• kayamanan at pagkakaiba-iba ng mga anyo ng arkitektura, kasaganaan iba't ibang kumbinasyon mga teknolohiya para sa paggamit ng mga haluang metal na may bato at salamin;
• ang gusali ay nakakakuha ng visual lightness;

Ang pinakatanyag na tulay ng panahong ito ay nilikha noong 1779 sa Inglatera, at itinapon sa ibabaw ng Ilog Severn. Ito ay medyo maikli sa haba, higit lamang sa 30 metro, ngunit ito ang unang tulad ng istraktura. Nang maglaon, ang mga tulay na higit sa 70 metro ay nilikha, at pagkaraan ng ilang taon, nagsimulang gamitin ang mga istrukturang cast iron sa pagtatayo ng mga gusali.

Ang mga gusali ay may hanggang 4-5 palapag, at ang mga panloob na layout ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga asymmetrical na hugis. Ang kawalaan ng simetrya ay makikita rin sa mga facade ng panahong ito, at ang mga wrought iron bar sa mga bintana ay tumutulong na bigyang-diin ang kaukulang mood. Maaari mo ring gamitin ang mga stained glass na bintana, na lalong mahalaga para sa mga simbahan at katedral.

Romantisismo.

Romantisismo (French romantisme), isang ideolohikal at masining na kilusan sa kulturang Europeo at Amerikano noong huling bahagi ng ika-18 - unang kalahati ng ika-19 na siglo. Nagmula bilang isang reaksyon sa rasyonalismo at mekanismo ng aesthetics ng klasisismo at ang pilosopiya ng Enlightenment, na itinatag sa panahon ng rebolusyonaryong pagkasira ng pyudal na lipunan, ang dating, tila hindi matitinag na kaayusan ng mundo, romantisismo (parehong isang espesyal na uri ng pananaw sa mundo. at bilang isang masining na kilusan) ay naging isa sa pinakamasalimuot at panloob na kontradiksyon na mga penomena sa kasaysayan ng kultura. Ang pagkabigo sa mga mithiin ng Enlightenment, sa mga resulta ng Great French Revolution, pagtanggi sa utilitarianism ng modernong realidad, ang mga prinsipyo ng burgis na praktikalidad, ang biktima kung saan ay ang indibidwalidad ng tao, isang pesimistikong pananaw sa mga prospect para sa panlipunang pag-unlad, at ang kaisipan ng "kalungkutan sa mundo" ay pinagsama sa romantikismo na may pagnanais para sa pagkakaisa sa pagkakasunud-sunod ng mundo, espirituwal na integridad ng indibidwal , na may grabitasyon patungo sa "walang hanggan", na may paghahanap para sa bago, ganap at walang kondisyon na mga mithiin. Ang matinding alitan sa pagitan ng mga mithiin at mapang-aping katotohanan ay nagbunsod sa isipan ng maraming romantiko ng isang masakit na fatalistic o nagagalit na pakiramdam ng dalawahang mundo, isang mapait na pangungutya sa pagkakaiba sa pagitan ng mga panaginip at katotohanan, na itinaas sa panitikan at sining sa prinsipyo ng "romantic irony." Ang isang uri ng pagtatanggol sa sarili laban sa lumalagong leveling ng personalidad ay naging pinakamalalim na interes sa personalidad ng tao na likas sa romantisismo, na nauunawaan ng mga romantiko bilang ang pagkakaisa ng mga indibidwal na panlabas na katangian at natatanging panloob na nilalaman. Ang pagtagos sa kailaliman ng espirituwal na buhay ng tao, ang panitikan at sining ng romantikismo ay sabay-sabay na inilipat ang matinding pakiramdam na ito ng katangian, orihinal, natatangi sa mga tadhana ng mga bansa at mga tao, sa makasaysayang katotohanan mismo. Ang napakalaking pagbabago sa lipunan na naganap sa harap ng mga romantiko ay naging malinaw na nakikita ang progresibong takbo ng kasaysayan. Sa pinakamahusay na mga gawa nito, ang romantikismo ay umaangat sa paglikha ng simboliko at kasabay na mahahalagang larawan na nauugnay sa modernong kasaysayan. Ngunit ang mga larawan ng nakaraan, na iginuhit mula sa mitolohiya, sinaunang at medyebal na kasaysayan, ay kinakatawan ng maraming mga romantiko bilang salamin ng mga tunay na salungatan sa ating panahon.

Ang Romantisismo ang naging unang kilusang masining kung saan malinaw na ipinakita ang kamalayan ng malikhaing personalidad bilang isang paksa ng aktibidad sa sining. Ang Romantics ay lantarang ipinahayag ang tagumpay ng indibidwal na panlasa at kumpletong kalayaan ng pagkamalikhain. Ang paglalagay ng malikhaing gawa mismo ay mapagpasyang kahalagahan, pagsira sa mga hadlang na humadlang sa kalayaan ng artista, matapang nilang tinutumbasan ang mataas at mababa, ang trahedya at ang komiks, ang karaniwan at hindi karaniwan. Nakuha ng Romantisismo ang lahat ng larangan ng espirituwal na kultura: panitikan, musika, teatro, pilosopiya, aesthetics, philology at iba pang humanidades, plastic arts. Ngunit sa parehong oras, hindi na ito ang unibersal na istilo na ang klasiko. Hindi tulad ng huli, ang romantikismo ay halos walang mga anyo ng pagpapahayag ng estado (samakatuwid, hindi ito makabuluhang nakakaapekto sa arkitektura, na nakaimpluwensya sa pangunahing arkitektura ng landscape, ang arkitektura ng mga maliliit na anyo at ang direksyon ng tinatawag na pseudo-Gothic). Ang pagiging hindi gaanong istilo bilang isang kilusang panlipunang masining, ang romantikismo ay nagbukas ng daan para sa karagdagang pag-unlad ng sining noong ika-19 na siglo, na naganap hindi sa anyo ng mga komprehensibong istilo, ngunit sa anyo ng magkahiwalay na paggalaw at uso. Gayundin, sa kauna-unahang pagkakataon sa romantikismo, ang wika ng mga artistikong anyo ay hindi ganap na inisip muli: sa isang tiyak na lawak, ang mga estilistang pundasyon ng klasisismo ay napanatili, makabuluhang binago at muling inisip sa ilang mga bansa (halimbawa, sa France). Kasabay nito, sa loob ng balangkas ng isang solong istilong direksyon, ang indibidwal na istilo ng artist ay nakatanggap ng higit na kalayaan sa pag-unlad.

Ang pag-unlad sa maraming bansa, ang romantikismo sa lahat ng dako ay nakakuha ng matingkad na pambansang pagkakakilanlan, na tinutukoy ng mga makasaysayang kondisyon at pambansang tradisyon. Ang mga unang palatandaan ng romantisismo ay lumitaw nang halos sabay-sabay sa iba't ibang mga bansa. Sa pagtatapos ng ika-18 - simula ng ika-19 na siglo. ang mga tampok ng romantikismo ay likas na sa iba't ibang antas: sa Great Britain - sa mga kuwadro na gawa at mga graphic na gawa ng Swiss I. G. Fusli, kung saan ang isang madilim, sopistikadong katawa-tawa ay sumisira sa klasiko na kalinawan ng mga imahe, at sa mga gawa ng makata at artist W. Blake, tiomak na may mystical visionaryness; sa Espanya - ang huli na mga gawa ni F. Goya, na puno ng walang pigil na pantasya at trahedya, marubdob na protesta laban sa pambansang kahihiyan; sa France - ang kabayanihan na nasasabik na mga larawan ni J. L. David, na nilikha sa mga rebolusyonaryong taon, ang mga maagang matinding dramatikong komposisyon at mga larawan ni A. J. Gro, na napuno ng mapangarapin, medyo mataas na liriko ng mga gawa ni P. P. Prudhon, pati na rin ang magkasalungat na kumbinasyon ng romantikong ugali na may mga pamamaraang pang-akademiko sa mga gawa ni F. Gerard.

Ang pinaka-pare-parehong paaralan ng romantikismo ay binuo sa France sa panahon ng Pagpapanumbalik at ng Monarkiya ng Hulyo sa isang matigas na pakikibaka laban sa dogmatismo at abstract rasyonalismo ng huling akademikong klasisismo. Nagprotesta laban sa pang-aapi at reaksyon, maraming mga kinatawan ng French romanticism ang natagpuan ang kanilang sarili nang direkta o hindi direktang nauugnay sa mga kilusang panlipunan noong unang kalahati ng ika-19 na siglo. at madalas na umabot sa punto ng tunay na rebolusyonismo, na tumutukoy sa mabisa, peryodista na katangian ng romantikismo sa France. Ang mga artistang Pranses ay nagre-reporma ng mga larawan at nagpapahayag na paraan: dina-dinam nila ang komposisyon, pinagsasama ang mga anyo na may marahas na paggalaw, gumagamit ng maliliwanag, mayaman na mga kulay batay sa mga kaibahan ng liwanag at anino, mainit at malamig na mga tono, at gumagamit ng isang kumikinang at magaan, kadalasang pangkalahatang estilo ng pagpipinta. Sa mga gawa ng tagapagtatag ng romantikong paaralan, si T. Gericault, na nagpapanatili pa rin ng isang pagkakaugnay para sa pangkalahatan, kabayanihan na mga klasikong imahe, sa unang pagkakataon sa sining ng Pranses, isang protesta laban sa nakapaligid na katotohanan at isang pagnanais na tumugon sa mga pambihirang kaganapan. ng ating panahon, na sa kanyang mga gawa ay naglalaman ng trahedya na kapalaran ng modernong France, ay ipinahayag. Noong 1820s. Si E. Delacroix ang naging kinikilalang pinuno ng romantikong paaralan. Ang pakiramdam ng pakikilahok sa mahusay na makasaysayang mga kaganapan na nagbabago sa mukha ng mundo, ang apela sa culminating, kapansin-pansing talamak na mga tema ay nagdulot ng kalunos-lunos at kapansin-pansing intensity ng kanyang pinakamahusay na mga gawa. Sa larawan, ang pangunahing bagay para sa mga romantiko ay upang makilala ang mga maliliwanag na karakter, ang pag-igting ng espirituwal na buhay, ang panandaliang paggalaw ng damdamin ng tao; sa tanawin - paghanga sa kapangyarihan ng kalikasan, na inspirasyon ng mga elemento ng uniberso. Para sa mga graphic ng French romanticism, ang paglikha ng mga bago, mass-produced forms sa lithography at book woodcuts (N. T. Charlet, A. Deveria, J. Gigou, mamaya Granville, G. Doré) ay nagpapahiwatig. Ang mga romantikong tendensya ay likas din sa gawain ng mahusay na graphic artist na si O. Daumier, ngunit lalo itong binibigkas sa kanyang pagpipinta. Ang mga masters ng romantikong iskultura (P. J. David d'Angers, A. L. Bari, F. Ryud) ay lumipat mula sa mahigpit na tectonic na komposisyon sa isang libreng interpretasyon ng mga form, mula sa dispassion at kalmadong kadakilaan ng klasikong plasticity hanggang sa marahas na paggalaw.

Sa mga gawa ng maraming mga romantikong Pranses, lumitaw din ang mga konserbatibong tendensya ng romantikismo (idealisasyon, indibidwalismo ng pang-unawa, nagiging kalunos-lunos na kawalan ng pag-asa, paghingi ng tawad para sa Middle Ages, atbp.), na humahantong sa relihiyosong pagkadama at bukas na pagluwalhati sa monarkiya (E. Deveria , A. Schaeffer, atbp.). Ang ilang mga pormal na prinsipyo ng romantikismo ay malawakang ginagamit din ng mga kinatawan ng opisyal na sining, na eklektikong pinagsama ang mga ito sa mga pamamaraan ng akademiko (melodramatic historical paintings ni P. Delaroche, superficially effective parade at battle works ni O. Vernet, E. Meissonnier, atbp. ).

Ang makasaysayang kapalaran ng romantikismo sa France ay kumplikado at hindi maliwanag. Sa mga huling gawa ng pinakamalaking kinatawan nito, malinaw na ipinakita ang mga makatotohanang tendensya, na bahagyang likas sa napaka-romantikong konsepto ng pagiging tiyak ng tunay. Sa kabilang banda, ang mga romantikong uso sa iba't ibang antas ay nakuha ang maagang gawain ng mga kinatawan ng realismo sa French art - C. Corot, masters ng Barbizon school, G. Courbet, J. F. Millet, E. Manet. Ang mistisismo at kumplikadong alegorismo, kung minsan ay likas sa romantikismo, ay natagpuan ang pagpapatuloy sa simbolismo (G. Moreau at iba pa); Ang ilang mga tampok na katangian ng aesthetics ng romanticism ay muling lumitaw sa sining ng "moderno" at post-impressionism.

Ang mas kumplikado at kontradiksyon ay ang pag-unlad ng romantikismo sa Alemanya at Austria. Ang romantikong sinaunang Aleman, na kung saan ay nailalarawan sa pamamagitan ng malapit na atensyon sa lahat ng bagay na lubos na indibidwal, isang mapanglaw-nagmumuni-muni na tonality ng makasagisag-emosyonal na istraktura, mystical-pantheistic na mga mood, ay nauugnay pangunahin sa mga paghahanap sa larangan ng portrait at allegorical na komposisyon (F. O. Runge), pati na rin ang landscape (K . D. Friedrich, I. A. Koch). Relihiyoso at patriyarkal na mga ideya, ang pagnanais na buhayin ang relihiyosong espiritu at mga tampok na istilo ng pagpipinta ng Italyano at Aleman noong ika-15 siglo. nagpalusog sa pagkamalikhain ng mga Nazarene (F. Overbeck, J. Schnorr von Carolsfeld, P. Cornelius, atbp.), na ang posisyon ay naging partikular na konserbatibo noong kalagitnaan ng ika-19 na siglo. Ang mga artista ng paaralan ng Düsseldorf, na sa isang tiyak na lawak ay malapit sa romantikismo, ay nailalarawan, bilang karagdagan sa pagluwalhati sa medieval idyll sa diwa ng modernong romantikong tula, sa pamamagitan ng sentimentality at plot na nakaaaliw. Ang isang natatanging pagsasanib ng mga prinsipyo ng romantikismo ng Aleman, na madalas na madaling kapitan ng poeticization ng pang-araw-araw at tiyak na "burger" na realismo, ay naging gawain ng mga kinatawan ng Biedermeier (F. Waldmüller, I. P. Hasenklever, F. Kruger), gayundin si K. Blechen. Mula sa ikalawang ikatlong bahagi ng ika-19 na siglo. ang linya ng romantikong Aleman ay nagpatuloy, sa isang banda, sa bonggang salon-academic na pagpipinta nina V. Kaulbach at K. Piloty, at sa kabilang banda, sa epiko at alegorikal na mga gawa ni L. Richter at ang genre-narrative, chamber -tunog na mga gawa ni K. Spitzweg at M. von Schwind. Ang mga romantikong aesthetics ay higit na tinutukoy ang pag-unlad ng gawain ni A. von Menzel, kalaunan ang pinakamalaking kinatawan ng realismo ng Aleman noong ika-19 na siglo. Tulad ng sa France, ang huling romantikong Aleman (sa mas malaking lawak kaysa sa Pranses, na sumisipsip ng mga katangian ng naturalismo at pagkatapos ay "modernismo") sa pagtatapos ng ika-19 na siglo. sarado na may simbolismo (H. Thoma, F. von Stuck at M. Klinger, ang Swiss A. Böcklin).

Sa Great Britain noong unang kalahati ng ika-19 na siglo. Ang ilang pagiging malapit sa French romanticism at sa parehong oras na pagka-orihinal, isang binibigkas na makatotohanang ugali ay minarkahan ng mga landscape ng J. Constable at R. Bonington, romantikong pantasya at ang paghahanap para sa mga sariwang paraan ng pagpapahayag - ang mga tanawin ng W. Turner. Ang huli na romantikong kilusan ng Pre-Raphaelites (D. G. Rossetti, J. E. Millais, H. Hunt, E. Burne-Jones, atbp.) ay nakikilala sa pamamagitan ng relihiyoso at mystical na mga adhikain, attachment sa kultura ng Middle Ages at ang Early Renaissance, pati na rin ang pag-asa para sa muling pagkabuhay ng gawaing bapor.

Sa USA sa buong ika-19 na siglo. ang romantikong direksyon ay pangunahing kinakatawan ng landscape (T. Kohl, J. Inness, A.P. Ryder). Ang romantikong tanawin ay umunlad din sa ibang mga bansa, ngunit ang pangunahing nilalaman ng romantikismo sa mga bansang Europeo kung saan nagising ang pambansang kamalayan sa sarili ay isang interes sa lokal na kultural at artistikong pamana, mga tema ng katutubong buhay, pambansang kasaysayan at pakikibaka sa pagpapalaya. Ganito ang gawain ni G. Wappers, L. Galle, H. Leys at A. Wirtz sa Belgium, F. Ayes, D. at G. Induno, G. Carnevali at D. Morelli sa Italy, D. A. Siqueira sa Portugal, mga kinatawan Costumbrism sa Latin America, I. Manes at I. Navratil sa Czech Republic, M. Barabas at V. Madaras sa Hungary, A. O. Orlovsky, P. Michalovsky, X. Rodakowski at ang yumaong romantikong J. Matejko sa Poland. Ang pambansang romantikong kilusan sa mga bansang Slavic, Scandinavia, at mga estado ng Baltic ay nag-ambag sa pagbuo at pagpapalakas ng mga lokal na paaralan ng sining.

Sa Russia, ang romantikismo ay nagpakita ng sarili sa iba't ibang antas sa gawain ng maraming mga masters - sa pagpipinta at graphics ng A. O. Orlovsky, na lumipat sa St. Petersburg, sa mga larawan ng O. A. Kiprensky, at bahagyang - ni V. A. Tropinin. Ang Romantisismo ay may malaking impluwensya sa pagbuo ng tanawin ng Russia (ang mga gawa ni Silv. F. Shchedrin, M. N. Vorobyov, M. I. Lebedev; ang mga gawa ng batang I. K. Aivazovsky). Ang mga tampok ng romantikismo ay magkasalungat na pinagsama sa klasisismo sa mga gawa ni K. P. Bryullov, F. A. Bruni, F. P. Tolstoy; sa parehong oras, ang mga larawan ni Bryullov ay nagbibigay ng isa sa mga pinaka-kapansin-pansing pagpapahayag ng mga prinsipyo ng romantikismo sa sining ng Russia. Sa isang tiyak na lawak, naapektuhan ng romanticism ang pagpipinta ng P. A. Fedotov at A. A. Ivanov.

Romantisismo sa Arkitektura.

Isa sa mga pinakadakilang kaganapan sa kasaysayan ng mundo - Mahusay Pranses rebolusyon- naging isang nakamamatay na sandali hindi lamang sa pampulitika, kundi pati na rin sa buhay kultural ng buong mundo. Sa pagtatapos ng ika-18 - unang kalahati ng ika-19 na siglo sa Amerika at Europa, ang romantikismo ang naging dominanteng direksyon ng estilo sa sining.

Nagtapos ang Panahon ng Enlightenment sa Great Bourgeois Revolution. Kasabay nito, nawala ang pakiramdam ng katatagan, kaayusan at kalmado. Ang bagong ipinahayag na mga ideya ng kapatiran, pagkakapantay-pantay at kalayaan ay nagtanim ng walang hangganang optimismo at pananampalataya sa hinaharap, ngunit ang gayong matinding rebolusyon ay nagtanim ng takot at kawalan ng kapanatagan. Ang nakaraan ay tila nagliligtas na isla kung saan naghari ang kabaitan, kagandahang-asal, katapatan, at higit sa lahat, ang pagiging matatag. Kaya, sa idealisasyon ng nakaraan at paghahanap ng isang tao para sa kanyang lugar sa malawak na mundo, ipinanganak ang romantikismo.

Ang pagtaas ng romanticism sa arkitektura ay nauugnay sa paggamit ng mga bagong disenyo, pamamaraan at materyales sa gusali. Lumilitaw ang iba't ibang istrukturang metal at itinayo ang mga tulay. Ang mga teknolohiya para sa murang produksyon ng cast iron at steel ay binuo.

Itinatanggi ng Romantisismo ang pagiging simple ng mga anyo ng arkitektura, na nag-aalok sa halip ng pagkakaiba-iba, kalayaan at kumplikadong mga silhouette. Ang simetrya ay nawawalan ng pinakamahalagang kahalagahan.

Ginawa ng istilo ang pinakamayamang layer ng kultura ng mga dayuhang bansa, na sa loob ng mahabang panahon ay malayo sa mga Europeo. Hindi lamang sinaunang Griyego at Romanong arkitektura, kundi pati na rin ang iba pang mga kultura ay kinikilala bilang mahalaga. Ang arkitektura ng Gothic ay naging batayan ng romantikismo. Ang partikular na pansin ay binabayaran sa oriental na arkitektura. May umuusbong na kamalayan sa pangangailangang protektahan at buhayin ang mga kultural na monumento ng mga nakaraang panahon.

Ang romantikismo ay nailalarawan sa pamamagitan ng paglabo ng mga hangganan sa pagitan ng natural at artipisyal: ang mga parke, artipisyal na reservoir at talon ay idinisenyo. Ang mga gusali ay napapalibutan ng mga arko, gazebo, at mga imitasyon ng mga sinaunang tore. Ang romantikismo ay nagbibigay ng kagustuhan sa mga kulay ng pastel.

Itinatanggi ng Romantisismo ang mga tuntunin at mga kanon; Ang pangunahing pamantayan ay kalayaan sa pagpapahayag, pagtaas ng pansin sa pagkatao ng tao, at kalayaan sa pagkamalikhain.

Sa modernong interior, ang romantikismo ay nauunawaan bilang isang apela sa mga katutubong anyo at likas na materyales - pag-forging, ligaw na bato, magaspang na kahoy, ngunit ang gayong stylization ay walang kinalaman sa direksyon ng arkitektura ng pagliko ng ika-18 - ika-19 na siglo.

Romantisismo sa Pagpinta.

Kung ang France ang nagtatag ng klasisismo, kung gayon "upang mahanap ang mga ugat... ng romantikong paaralan," ang isinulat ng isa sa kanyang mga kontemporaryo, "dapat tayong pumunta sa Alemanya. Doon siya isinilang, at doon nabuo ng modernong Italyano at Pranses na mga romantiko ang kanilang panlasa.”

Ang pira-pirasong Alemanya ay hindi alam ang rebolusyonaryong pag-aalsa. Ang kalunos-lunos ng mga advanced na ideya sa lipunan ay kakaiba sa marami sa mga romantikong Aleman. Ginawa nila ang Middle Ages. Ibinigay nila ang kanilang mga sarili sa hindi maipaliwanag na emosyonal na mga impulses at pinag-usapan ang pag-abandona sa buhay ng tao. Ang sining ng marami sa kanila ay passive at contemplative. Nilikha nila ang kanilang pinakamahusay na mga gawa sa larangan ng portrait at landscape painting.

Isang natatanging pintor ng portrait ay Otto Runge(1777-1810). Ang mga larawan ng master na ito, habang kalmado sa labas, ay humanga sa kanilang matindi at matinding panloob na buhay.

Ang imahe ng isang romantikong makata ay nakita ni Runge sa " Self-portrait". Maingat niyang sinuri ang sarili at nakita ang isang maitim na buhok, maitim ang mata, seryoso, puno ng lakas, maalalahanin at malakas ang loob na binata. Gustong makilala ng romantikong artista ang kanyang sarili. Ang paraan ng pagpapatupad ng larawan ay mabilis at malawak, na parang ang espirituwal na enerhiya ng lumikha ay dapat na ihatid sa texture ng akda; Sa isang madilim na scheme ng kulay, lumilitaw ang mga kaibahan ng liwanag at madilim. Ang contrast ay isang katangiang pamamaraan ng pagpipinta ng mga Romantic masters.

Ang isang romantikong artista ay palaging susubukan na mahuli ang nagbabagong paglalaro ng mood ng isang tao at tingnan ang kanyang kaluluwa. At sa bagay na ito, ang mga larawan ng mga bata ay magsisilbing mayabong na materyal para sa kanya. SA " Larawan mga bata Huelsenbeck” (1805) Ang Runge ay hindi lamang naghahatid ng kasiglahan at spontaneity ng karakter ng isang bata, ngunit nakakahanap din ng isang espesyal na pamamaraan para sa isang maliwanag na kalooban. Ang background sa pagpipinta ay isang landscape, na nagpapatotoo hindi lamang sa regalo ng artist para sa kulay at paghanga sa saloobin sa kalikasan, kundi pati na rin sa paglitaw ng mga bagong problema sa mahusay na pagpaparami ng mga spatial na relasyon, mga light shade ng mga bagay sa open air. Ang master romantiko, na gustong pagsamahin ang kanyang "I" sa kalawakan ng Uniberso, ay nagsusumikap na makuha ang senswal na nasasalat na anyo ng kalikasan. Ngunit sa ganitong senswalidad ng imahe ay mas gusto niyang makita ang simbolo ng malaking mundo, "ideya ng artista."

Si Runge ay isa sa mga unang romantikong artista na nagtakda sa kanyang sarili ng gawain ng synthesizing ng sining: pagpipinta, iskultura, arkitektura, musika. Ang artista ay nagpapantasya, na nagpapatibay sa kanyang pilosopikal na konsepto sa mga ideya ng sikat na German thinker noong unang kalahati ng ika-17 siglo. Jacob Boehme. Ang mundo ay isang uri ng mystical na kabuuan, ang bawat butil nito ay nagpapahayag ng kabuuan. Ang ideyang ito ay katulad ng mga romantiko ng buong kontinente ng Europa.

Isa pang kilalang German Romantic na pintor Caspar David Friedrich(1774-1840) ginusto ang tanawin sa lahat ng iba pang mga genre at nagpinta lamang ng mga painting ng kalikasan sa buong buhay niya. Ang pangunahing motibo ng gawain ni Friedrich ay ang ideya ng pagkakaisa ng tao at kalikasan.

"Makinig sa tinig ng kalikasan na nagsasalita sa loob natin," ang tagubilin ng artista sa kanyang mga estudyante. Ang panloob na mundo ng isang tao ay nagpapakilala sa kawalang-hanggan ng Uniberso, samakatuwid, nang marinig ang kanyang sarili, naiintindihan ng isang tao ang espirituwal na kalaliman ng mundo.

Tinutukoy ng posisyon sa pakikinig ang pangunahing anyo ng "komunikasyon" ng tao sa kalikasan at sa imahe nito. Ito ang kadakilaan, misteryo o kaliwanagan ng kalikasan at ang mulat na kalagayan ng nagmamasid. Totoo, madalas na hindi pinapayagan ni Friedrich ang isang figure na "pumasok" sa landscape space ng kanyang mga kuwadro na gawa, ngunit sa banayad na pagtagos ng makasagisag na istraktura ng mga nababagsak na expanses ay madarama ng isang tao ang pagkakaroon ng isang pakiramdam, isang karanasan ng tao. Ang subjectivism sa paglalarawan ng mga landscape ay dumarating lamang sa sining sa gawa ng mga romantiko, na naglalarawan sa liriko na paghahayag ng kalikasan sa mga masters ng ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo . Interesado ang may-akda sa dagat, bundok, kagubatan at iba't ibang lilim ng estado ng kalikasan sa iba't ibang oras ng taon at araw.

1811-1812 minarkahan ng paglikha ng isang serye ng mga landscape ng bundok bilang isang resulta ng paglalakbay ng artist sa mga bundok. ” Umaga V mga bundok” kaakit-akit na kumakatawan sa isang bagong natural na katotohanan na umuusbong sa mga sinag ng pagsikat ng araw. Ang pinkish-purple tones ay bumabalot at nag-aalis sa kanila ng dami at materyal na bigat. Ang mga taon ng pakikipaglaban kay Napoleon (1812-1813) ay nagpalit kay Frederick sa mga makabayang tema. Naglalarawan, na inspirasyon ng drama ni Kleist, nagsusulat siya “ libingan Arminia” - tanawin na may mga libingan ng mga sinaunang bayani ng Aleman.

Si Friedrich ay isang banayad na master ng seascapes: “ Mga edad” , “ pagsikat ng araw buwan tapos na sa pamamagitan ng dagat” , ” Kamatayan “ pag-asa” sa yelo” .

Ang pinakabagong mga gawa ng artist - “ Pahinga sa patlang” , “ Malaki latian” At “ Alaala tungkol sa Napakalaki mga bundok” , ” Napakalaki mga bundok” - isang serye ng mga tagaytay ng bundok at mga bato sa madilim na harapan. Ito ay, tila, isang pagbabalik sa naranasan na pakiramdam ng tagumpay ng isang tao sa kanyang sarili, ang kagalakan ng pag-akyat sa "tuktok ng mundo," ang pagnanais para sa maliwanag, hindi nasakop na mga taas. Binubuo ng damdamin ng artista ang mga masa ng bundok na ito sa isang espesyal na paraan, at muli ay mababasa ng isa ang paggalaw mula sa kadiliman ng mga unang hakbang patungo sa hinaharap na liwanag. Ang tuktok ng bundok sa background ay naka-highlight bilang sentro ng espirituwal na adhikain ng master. Ang larawan ay napaka-ugnay, tulad ng anumang paglikha ng mga romantiko, at nagmumungkahi ng iba't ibang antas ng pagbabasa at interpretasyon.

Si Friedrich ay napaka-tumpak sa kanyang pagguhit, musikal na magkakasuwato sa maindayog na pagtatayo ng kanyang mga kuwadro na gawa, kung saan sinusubukan niyang magsalita sa pamamagitan ng mga emosyon ng kulay at mga epekto ng pag-iilaw. “Marami ang binibigyan ng kaunti, kakaunti ang binibigyan ng marami. Ang kaluluwa ng kalikasan ay inihayag sa lahat nang iba. Samakatuwid, walang sinumang maglakas-loob na ihatid sa iba ang kanyang karanasan at ang kanyang mga patakaran bilang isang ipinag-uutos na walang kondisyong batas. Walang sinuman ang pamantayan para sa lahat. Ang bawat tao ay nagdadala sa loob ng kanyang sarili ng isang sukatan lamang para sa kanyang sarili at para sa mga kalikasan na higit pa o hindi gaanong nauugnay sa kanyang sarili," ang pagmuni-muni ng master na ito ay nagpapatunay sa kamangha-manghang integridad ng kanyang panloob na buhay at pagkamalikhain. Ang pagiging natatangi ng artista ay makikita lamang sa kalayaan ng kanyang pagkamalikhain - ito ang ibig sabihin ng romantikong Friedrich.

Tila mas pormal na makilala sa pagitan ng mga artista - ang "mga klasiko" - mga kinatawan ng klasisismo ng isa pang sangay ng romantikong pagpipinta sa Alemanya - Nazareno. Itinatag sa Vienna at nanirahan sa Roma (1809-1810), ang "Union of St. Luke" ay pinagsama ang mga master na may ideya ng muling pagbuhay sa monumental na sining na may mga relihiyosong tema. Ang Middle Ages ay ang paboritong panahon ng kasaysayan para sa mga romantiko. Ngunit sa kanilang masining na paghahanap, ang mga Nazarene ay bumaling sa mga tradisyon ng pagpipinta ng unang bahagi ng Renaissance sa Italya at Alemanya. Sina Overbeck at Geforr ang mga nagpasimula ng bagong alyansa, na kalaunan ay sinamahan nina Cornelius, Schnoff von Carolsfeld, at Veit Furich.

Ang kilusang Nazarene ay may sariling mga anyo ng pagsalungat sa mga klasikong akademiko sa France, Italy, at England. Halimbawa, sa France, ang tinatawag na "primitivist" na mga artista ay lumitaw mula sa pagawaan ni David, at sa England, ang Pre-Raphaelites. Sa diwa ng romantikong tradisyon, itinuring nila ang sining na "pagpapahayag ng mga panahon," ang "espiritu ng mga tao," ngunit ang kanilang mga pampakay o pormal na kagustuhan, na noong una ay parang slogan ng pagkakaisa, pagkaraan ng ilang panahon ay naging parehong mga prinsipyo ng doktrina tulad ng sa Academy, na kanilang tinanggihan.

Ang sining ng romantikismo sa France ay nabuo sa mga espesyal na paraan. Ang unang bagay na ikinaiba nito sa mga katulad na kilusan sa ibang mga bansa ay ang pagiging aktibo, nakakasakit (“rebolusyonaryo”) nito. Ipinagtanggol ng mga makata, manunulat, musikero, at artista ang kanilang mga posisyon hindi lamang sa pamamagitan ng paglikha ng mga bagong gawa, kundi pati na rin sa pamamagitan ng pakikilahok sa mga polemics sa magasin at pahayagan, na kinikilala ng mga mananaliksik bilang isang "romantikong labanan." Ang sikat na V. Hugo, Stendhal, George Sand, Berlioz at marami pang ibang manunulat, kompositor, at mamamahayag ng France ay "pinatalas ang kanilang mga panulat" sa mga romantikong polemik.

Ang romantikong pagpipinta sa France ay lumitaw bilang isang pagsalungat sa klasikong paaralan ni David, sa akademikong sining na tinatawag na "paaralan" sa pangkalahatan. Ngunit ito ay kailangang maunawaan nang mas malawak: ito ay pagsalungat sa opisyal na ideolohiya ng reaksyunaryong panahon, isang protesta laban sa mga limitasyon nito sa petiburges. Kaya't ang kalunus-lunos na katangian ng mga romantikong gawa, ang kanilang nerbiyos na pananabik, pagkahumaling sa mga kakaibang motif, sa mga paksang pangkasaysayan at pampanitikan, sa lahat ng bagay na maaaring umahon mula sa "mapurol na pang-araw-araw na buhay", kaya ang larong ito ng imahinasyon, at kung minsan, sa kabaligtaran. , pangangarap ng gising at ganap na kawalan ng aktibidad.

Ang mga kinatawan ng "paaralan", mga akademiko, ay nagrebelde, una sa lahat, laban sa wika ng mga romantiko: ang kanilang nasasabik na mainit na kulay, ang kanilang pagmomodelo ng anyo, hindi ang rebulto-plastic, karaniwan para sa "mga klasiko", ngunit binuo sa malakas na mga kaibahan ng mga spot ng kulay; ang kanilang nagpapahayag na pagguhit, na sadyang inabandona ang katumpakan; ang kanilang matapang, kung minsan ay magulong komposisyon, walang kamahalan at hindi matitinag na kalmado. Si Ingres, isang walang kapantay na kaaway ng mga romantiko, ay nagsabi hanggang sa katapusan ng kanyang buhay na si Delacroix ay "nagpinta gamit ang isang baliw na walis," at inakusahan ni Delacroix si Ingres at ang lahat ng mga artista ng "paaralan" ng pagiging malamig, makatuwiran, kulang sa paggalaw, at hindi. pagsulat, ngunit "pagpinta." Ngunit ito ay hindi isang simpleng pag-aaway ng dalawang maliwanag, ganap na magkaibang indibidwal, ito ay isang pakikibaka sa pagitan ng dalawang magkaibang pananaw sa mundo.

Ang pakikibaka na ito ay tumagal ng halos kalahating siglo, ang romantikismo sa sining ay hindi nagwagi nang madali at hindi kaagad, at ang unang artista ng kilusang ito ay Theodore Gericault(1791-1824) - isang master ng heroic monumental forms, na pinagsama sa kanyang trabaho ang parehong klasiko na mga tampok at ang mga tampok ng romanticism mismo, at, sa wakas, isang malakas na makatotohanang prinsipyo, na may malaking impluwensya sa sining ng realismo ng kalagitnaan. -ika-19 na siglo. Ngunit sa panahon ng kanyang buhay ay pinahahalagahan lamang siya ng ilang malalapit na kaibigan.

Ang pangalan ni Theodore Jaricot ay nauugnay sa mga unang makikinang na tagumpay ng romantikismo. Nasa kanyang mga unang pagpipinta (mga larawan ng mga lalaking militar, mga larawan ng mga kabayo), ang mga sinaunang mithiin ay umatras bago ang direktang pang-unawa ng buhay.

Sa salon noong 1812, ipinakita ni Géricault ang isang pagpipinta “ Opisyal imperyal naka-mount mga mangangaso sa oras mga pag-atake”. Ito ang taon ng apogee ng kaluwalhatian ni Napoleon at ang kapangyarihang militar ng France.

Ang komposisyon ng pagpipinta ay nagpapakita sa nakasakay sa isang hindi pangkaraniwang pananaw ng isang "biglaang" sandali kapag ang kabayo ay umayos, at ang nakasakay, na pinapanatili ang halos patayong posisyon ng kabayo, ay lumingon patungo sa manonood. Ang paglalarawan ng gayong sandali ng kawalang-tatag, ang imposibilidad ng isang pose, ay nagpapahusay sa epekto ng paggalaw. Ang kabayo ay may isang punto ng suporta; Marami ang nagsama-sama sa gawaing ito: ang walang pasubali na pananalig ni Gericault sa posibilidad ng isang tao na makabisado ang kanyang sariling mga kapangyarihan, isang marubdob na pag-ibig para sa paglalarawan ng mga kabayo at ang tapang ng isang baguhang master sa pagpapakita kung ano ang dati ay maaari lamang ihatid sa pamamagitan ng musika o ang wika ng tula - ang kaguluhan ng labanan, ang simula ng isang pag-atake, ang sukdulang tensyon ng mga puwersa ng isang buhay na nilalang . Ibinatay ng batang may-akda ang kanyang imahe sa paghahatid ng dinamika ng paggalaw, at mahalaga para sa kanya na hikayatin ang manonood na "pag-isipan" kung ano ang nais niyang ilarawan.

Ang France ay halos walang tradisyon ng gayong mga dinamika sa nakalarawan na salaysay ng romansa, maliban marahil sa mga kaluwagan ng mga templo ng Gothic, samakatuwid, nang unang dumating si Gericault sa Italya, nabigla siya sa nakatagong kapangyarihan ng mga komposisyon ni Michelangelo. "Nanginig ako," ang isinulat niya, "nag-alinlangan ako sa aking sarili at sa mahabang panahon ay hindi ako nakabawi mula sa karanasang ito." Ngunit itinuro ni Stendhal si Michelangelo bilang nangunguna sa isang bagong istilong direksyon sa sining kahit na mas maaga sa kanyang mga artikulong polemikal.

Ang pagpipinta ni Géricault ay hindi lamang inihayag ang kapanganakan ng isang bagong artistikong talento, ngunit nagbigay din ng parangal sa pagnanasa at pagkabigo ng may-akda sa mga ideya ni Napoleon. Marami pang mga gawa ang nauugnay sa paksang ito: " Opisyal carabinieri”, “ Opisyal cuirassier dati atake”, “ Larawan carabinieri”, “ Nasugatan cuirassier”.

Sa treatise na "Reflections on the State of Painting in France," isinulat niya na "ang karangyaan at ang sining ay naging... isang pangangailangan at, kumbaga, pagkain para sa imahinasyon, na siyang pangalawang buhay ng isang sibilisadong tao. .. Hindi bilang isang bagay ng pangunahing pangangailangan, ang sining ay lumilitaw lamang kapag ang mga mahahalagang pangangailangan ay natutugunan at kapag ang kasaganaan ay nangyayari. Ang tao, na napalaya mula sa pang-araw-araw na alalahanin, ay nagsimulang humanap ng kasiyahan upang mapawi ang pagkabagot, na hindi maiiwasang maabutan siya sa gitna ng kasiyahan.”

Ang pag-unawa sa pang-edukasyon at makatao na papel ng sining ay ipinakita ni Géricault pagkatapos bumalik mula sa Italya noong 1818 - nagsimula siyang makisali sa litograpiya, na kinokopya ang iba't ibang mga tema, kabilang ang pagkatalo ni Napoleon ( “ Bumalik mula sa Russia” ).

Kasabay nito, ang artista ay bumaling sa imahe ng pagkamatay ng frigate na "Medusa" sa baybayin ng Africa, na labis na nabalisa sa lipunan. Naganap ang sakuna dahil sa kasalanan ng isang bagitong kapitan na itinalaga sa posisyon na nasa ilalim ng pagtangkilik. Ang mga nakaligtas na pasahero ng barko, si surgeon Savigny at engineer Correar, ay nagsalita nang detalyado tungkol sa aksidente.

Ang paglubog ng barko ay nagawang maghulog ng balsa, na nagdala ng ilang bilang ng mga nailigtas na tao. Sa loob ng labindalawang araw ay dinala sila sa mabagyong dagat hanggang sa makamit nila ang kaligtasan - ang barkong "Argus".

Naging interesado si Gericault sa sitwasyon ng matinding tensyon ng espirituwal at pisikal na lakas ng tao. Ang pagpipinta ay naglalarawan ng 15 nakaligtas sa isang balsa nang makita nila ang Argus sa abot-tanaw. “ Balsa “ dikya” ay ang resulta ng mahabang paghahanda ng artist. Gumawa siya ng maraming sketch ng rumaragasang dagat, mga larawan ng mga nasagip na tao sa ospital. Sa una, nais ni Gericault na ipakita ang pakikibaka ng mga tao sa isang balsa sa bawat isa, ngunit pagkatapos ay nanirahan siya sa kabayanihan na pag-uugali ng mga nanalo ng mga elemento ng dagat at kapabayaan ng estado. Matapang na tiniis ng mga tao ang kasawian, at hindi sila iniwan ng pag-asa para sa kaligtasan: bawat grupo sa balsa ay may sariling katangian. Sa pagbuo ng komposisyon, pumili si Gericault ng isang punto ng view mula sa itaas, na nagpapahintulot sa kanya na pagsamahin ang malawak na saklaw ng espasyo (mga distansya ng dagat) at ilarawan ang lahat ng mga naninirahan sa balsa, na napakalapit sa harapan. Ang kalinawan ng ritmo ng pagtaas ng dynamics mula sa grupo hanggang sa grupo, ang kagandahan ng mga hubad na katawan, at ang madilim na kulay ng larawan ay nagtakda ng isang tiyak na tala ng pagiging kumbensyonal sa imahe. Ngunit hindi ito ang kakanyahan ng bagay para sa nakikitang manonood, kung saan ang mga kumbensyon ng wika ay nakakatulong upang maunawaan at madama ang pangunahing bagay: ang kakayahan ng isang tao na lumaban at manalo.

Ang inobasyon ni Gericault ay nagbukas ng mga bagong pagkakataon para sa paghahatid ng kilusang nagpapasigla sa mga romantiko, ang nakatagong damdamin ng isang tao, at ang coloristic, textured expressiveness ng larawan.

Ang tagapagmana ni Gericault sa kanyang paghahanap ay naging Eugene Delacroix. Totoo, si Delacroix ay binigyan ng dalawang beses na mas maraming buhay, at pinamamahalaan niya hindi lamang upang patunayan ang kawastuhan ng romantikismo, kundi pati na rin upang pagpalain ang isang bagong direksyon sa pagpipinta sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. – impresyonismo.

Bago magsimulang magpinta sa kanyang sarili, nag-aral si Eugene sa paaralan ni Lerain: nagpinta siya mula sa buhay, kinopya ang mahusay na Rubens, Rembrandt, Veronese, Titian sa Louvre... Ang batang artista ay nagtrabaho ng 10-12 oras sa isang araw. Naalala niya ang mga salita ng dakilang Michelangelo: "Ang pagpipinta ay isang naninibugho na magkasintahan, nangangailangan ito ng buong tao ..."

Pagkatapos ng mga demonstrasyon ni Géricault, alam na alam ni Delacroix na ang mga oras ng matinding emosyonal na kaguluhan ay dumating sa sining. Una, sinisikap niyang unawain ang isang bagong panahon para sa kanya sa pamamagitan ng mga kilalang literary plot. Ang kanyang larawan “ Dante At Virgil” , na ipinakita sa salon ng 1822, ay isang pagtatangka na tingnan ang kumukulong kaldero, ang "impiyerno" ng modernong panahon, sa pamamagitan ng mga makasaysayang nag-uugnay na mga imahe ng dalawang makata: Antiquity - Virgil at ang Renaissance - Dante. Noong unang panahon, sa kanyang "Banal na Komedya," kinuha ni Dante si Virgil bilang kanyang gabay sa lahat ng larangan (langit, impiyerno, purgatoryo). Sa gawa ni Dante, lumitaw ang isang bagong mundo ng Renaissance sa pamamagitan ng karanasan sa medieval ng memorya ng unang panahon. Ang simbolo ng romantikong bilang isang synthesis ng sinaunang panahon, ang Renaissance at ang Middle Ages ay lumitaw sa "katakutan" ng mga pangitain nina Dante at Virgil. Ngunit ang kumplikadong pilosopikal na alegorya ay naging isang magandang emosyonal na paglalarawan ng panahon ng pre-Renaissance at isang walang kamatayang obra maestra sa panitikan.

Si Delacroix ay susubukan na makahanap ng isang direktang tugon sa mga puso ng kanyang mga kontemporaryo sa pamamagitan ng kanyang sariling dalamhati. Ang mga kabataan noong panahong iyon, na nag-aalab sa kalayaan at poot sa kanilang mga nang-aapi, ay nakiramay sa digmaang pagpapalaya ng Greece. Ang romantikong bard ng England, si Byron, ay pumupunta doon para makipaglaban. Nakikita ni Delacroix ang kahulugan ng bagong panahon sa paglalarawan ng isang mas tiyak na makasaysayang kaganapan - ang pakikibaka at pagdurusa ng Greece na mapagmahal sa kalayaan. Naninirahan siya sa balangkas ng pagkamatay ng populasyon ng isla ng Chios ng Greece, na nakuha ng mga Turko. Sa Salon ng 1824 Delacroix ay nagpapakita ng isang pagpipinta “ Massacre sa isla Chios”. Laban sa backdrop ng walang katapusang kalawakan ng maburol na lupain, na sumisigaw pa rin mula sa usok ng apoy at sa patuloy na labanan, ipinakita ng artista ang ilang grupo ng mga sugatan, pagod na mga kababaihan at mga bata. Nagkaroon sila ng mga huling minuto ng kalayaan bago ang paglapit ng mga kaaway. Ang Turk na nakasakay sa kabayo sa kanan ay tila nakabitin sa buong harapan at sa maraming nagdurusa doon. Magaganda ang mga katawan at mukha ng mga taong madamdamin. Siya nga pala, isusulat ni Delacroix sa kalaunan na ang Greek sculpture ay ginawang hieroglyph ng mga artista, na itinatago ang tunay na kagandahang Griyego ng mukha at pigura. Ngunit, inilalantad ang "kagandahan ng kaluluwa" sa mga mukha ng natalong mga Griyego, ang pintor ay nagsasadula ng mga kaganapan nang labis na upang mapanatili ang isang solong dinamikong bilis ng pag-igting, siya ay gumagamit ng pagpapapangit ng mga anggulo ng mga pigura. Ang mga "pagkakamali" na ito ay "nalutas" na ng gawa ni Géricault, ngunit muling ipinakita ni Delacroix ang romantikong kredo na ang pagpipinta ay "hindi ang katotohanan ng isang sitwasyon, ngunit ang katotohanan ng isang pakiramdam."

Noong 1824, nawalan ng kaibigan at guro si Delacroix, si Géricault. At siya ang naging pinuno ng bagong pagpipinta.

Lumipas ang mga taon. Isa-isang lumabas ang mga larawan: “ Greece sa mga guho Missalunghi”, “ Kamatayan Sardanapalus” atbp. Ang pintor ay naging outcast sa mga bilog ng mga pintor. Ngunit binago ng Rebolusyong Hulyo ng 1830 ang sitwasyon. Siya ay nag-aapoy sa artista sa pagmamahalan ng mga tagumpay at mga nagawa. Nagpapicture siya “ Kalayaan sa mga barikada”.

Noong 1831, sa Paris Salon, unang nakita ng mga Pranses ang pagpipinta na ito, na nakatuon sa "tatlong maluwalhating araw" ng Rebolusyong Hulyo ng 1830. Ang pagpipinta ay gumawa ng nakamamanghang impresyon sa mga kontemporaryo nito sa kapangyarihan, demokrasya at katapangan ng masining na disenyo. Ayon sa alamat, ang isang kagalang-galang na burges ay bumulalas: "Sabi mo - ang pinuno ng paaralan? Mas mahusay na sabihin - ang pinuno ng paghihimagsik! Matapos ang pagsasara ng Salon, ang gobyerno, na natakot sa mabigat at kagila-gilalas na apela na nagmumula sa pagpipinta, ay nagmadali upang ibalik ito sa may-akda. Sa panahon ng rebolusyon ng 1848, muli itong ipinakita sa publiko sa Palasyo ng Luxembourg. At muli nila itong ibinalik sa artista. Pagkatapos lamang maipakita ang pagpipinta sa World Exhibition sa Paris noong 1855 ay napunta ito sa Louvre. Ang isa sa mga pinakamahusay na likha ng French romanticism ay pinananatili dito hanggang sa araw na ito - isang inspiradong ulat ng saksi at isang walang hanggang monumento sa pakikibaka ng mga tao para sa kanilang kalayaan.

Anong masining na wika ang natagpuan ng batang Pranses na romantikong pagsamahin ang dalawang tila magkasalungat na prinsipyong ito - isang malawak, sumasaklaw sa kabuuan at isang konkretong katotohanang malupit sa kahubaran nito?

Paris ng mga sikat na araw ng Hulyo 1830. Sa malayo, halos hindi kapansin-pansin, ngunit ipinagmamalaki na itinaas ang mga tore ng Notre Dame Cathedral - isang simbolo ng kasaysayan, kultura, at diwa ng mga taong Pranses. Mula roon, mula sa lunsod na puno ng usok, sa ibabaw ng mga guho ng mga barikada, sa ibabaw ng mga bangkay ng kanilang mga nahulog na kasamahan, ang mga rebelde ay matigas ang ulo at mapagpasyang humakbang. Ang bawat isa sa kanila ay maaaring mamatay, ngunit ang hakbang ng mga rebelde ay hindi natitinag - sila ay inspirasyon ng kalooban sa tagumpay, sa kalayaan.

Ang kagila-gilalas na kapangyarihang ito ay nakapaloob sa larawan ng isang magandang dalaga, marubdob na tumatawag sa kanya. Sa kanyang hindi mauubos na enerhiya, libre at kabataang bilis ng paggalaw, siya ay katulad ng Griyegong diyosa ng tagumpay na Nike. Ang kanyang matipunong pigura ay nakasuot ng chiton na damit, ang kanyang mukha na may perpektong katangian, na may nagbabagang mga mata, ay nakaharap sa mga rebelde. Sa isang kamay ay hawak niya ang tricolor flag ng France, sa kabilang banda - isang baril. Sa ulo ay isang takip ng Phrygian - isang sinaunang simbolo ng pagpapalaya mula sa pagkaalipin. Ang kanyang hakbang ay matulin at magaan - ang paraan ng paglalakad ng mga diyosa. Kasabay nito, ang imahe ng babae ay totoo - siya ay anak na babae ng mga Pranses. Siya ang gumagabay na puwersa sa likod ng kilusan ng grupo sa mga barikada. Mula dito, bilang mula sa isang pinagmumulan ng liwanag sa gitna ng enerhiya, ang mga sinag ay nagmumula, na naniningil ng uhaw at ang pagnanais na manalo. Ang mga malapit sa kanya, bawat isa sa kani-kanilang paraan, ay nagpapahayag ng kanilang pakikilahok sa nagbibigay-inspirasyong tawag na ito.

Sa kanan ay isang batang lalaki, isang Parisian gamen, na kumakaway ng mga pistola. Siya ang pinakamalapit sa Kalayaan at, kumbaga, nag-aapoy sa sigasig at kagalakan ng malayang salpok. Sa kanyang matulin, walang tiyaga na paggalaw, mas nauuna pa siya sa kanyang inspirasyon. Ito ang hinalinhan ng maalamat na Gavroche, na inilarawan pagkalipas ng dalawampung taon ni Victor Hugo sa nobelang Les Misérables: “Si Gavroche, na puno ng inspirasyon, nagniningning, ay kinuha sa kanyang sarili ang gawain ng paglalagay ng buong bagay sa paggalaw. Siya ay nagpabalik-balik, bumangon, lumubog, bumangon muli, gumawa ng ingay, kumikinang sa tuwa. Mukhang pumunta siya dito para palakasin ang loob ng lahat. May motibo ba siya para dito? Oo, siyempre, ang kanyang kahirapan. May pakpak ba siya? Oo, siyempre, ang kanyang saya. Ito ay isang uri ng ipoipo. Tila pinupuno nito ang hangin, na naroroon sa lahat ng dako nang sabay-sabay... Naramdaman ito ng malalaking barikada sa kanilang mga tagaytay.”

Si Gavroche sa pagpipinta ni Delacroix ay ang personipikasyon ng kabataan, "magandang salpok," masayang pagtanggap sa maliwanag na ideya ng Kalayaan. Dalawang imahe - Gavroche at Freedom - tila umakma sa isa't isa: ang isa ay apoy, ang isa ay isang tanglaw na sinindihan mula rito. Sinabi ni Heinrich Heine kung paano ang pigura ni Gavroche ay nagdulot ng masiglang tugon sa mga taga-Paris. "Damn it! - bulalas ng ilang mangangalakal ng grocery "Ang mga batang ito ay lumaban na parang mga higante!"

Sa kaliwa ay isang estudyante na may hawak na baril. Dati, nakita itong self-portrait ng artist. Ang rebeldeng ito ay hindi kasing bilis ni Gavroche. Ang kanyang paggalaw ay mas pinigilan, mas puro, mas makabuluhan. Ang mga kamay ay may kumpiyansa na humahawak sa baril ng baril, ang mukha ay nagpapahayag ng katapangan, isang matatag na determinasyon na tumayo hanggang sa wakas. Ito ay isang malalim na trahedya na imahe. Batid ng mag-aaral ang hindi maiiwasang pagkalugi na daranasin ng mga rebelde, ngunit hindi siya tinatakot ng mga biktima - mas malakas ang kalooban sa kalayaan. Sa likod niya ay nakatayo ang isang parehong matapang at determinadong manggagawa na may sable. May isang taong sugatan sa paanan ng Kalayaan. Nahihirapan siyang bumangon upang muling tumingala sa Kalayaan, upang makita at madama nang buong puso ang kagandahan kung saan siya namamatay. Ang figure na ito ay nagdudulot ng isang dramatikong simula sa tunog ng canvas ni Delacroix. Kung ang mga imahe ni Gavroche, Liberty, isang mag-aaral, isang manggagawa - halos mga simbolo, ang sagisag ng hindi sumusukong kalooban ng mga mandirigma ng kalayaan - ay nagbibigay-inspirasyon at tumawag sa manonood, kung gayon ang taong sugatan ay tumatawag para sa pakikiramay. Ang tao ay nagpaalam sa Kalayaan, nagpaalam sa buhay. Siya ay isang salpok pa rin, isang kilusan, ngunit isa nang kumukupas na salpok.

Transitional ang figure niya. Ang titig ng manonood, na nabighani pa at dinadala sa rebolusyonaryong pagpapasiya ng mga rebelde, ay bumagsak sa paanan ng barikada, na natatakpan ng mga katawan ng maluwalhating patay na mga sundalo. Ang kamatayan ay ipinakita ng artista sa lahat ng kahubaran at halata ng katotohanan. Nakikita natin ang mga asul na mukha ng mga patay, ang kanilang mga hubad na katawan: ang pakikibaka ay walang awa, at ang kamatayan ay ang parehong hindi maiiwasang kasama ng mga rebelde, tulad ng magandang inspirar na Kalayaan.

Mula sa kakila-kilabot na tanawin sa ilalim na gilid ng larawan muli naming itinaas ang aming mga tingin at nakita ang isang batang magandang pigura - hindi! panalo ang buhay! Ang ideya ng kalayaan, na kinakatawan nang malinaw at nakikita, ay nakatuon sa hinaharap na ang kamatayan sa pangalan nito ay hindi nakakatakot.

Ang artista ay naglalarawan lamang ng isang maliit na grupo ng mga rebelde, buhay at patay. Ngunit ang mga tagapagtanggol ng barikada ay tila hindi pangkaraniwang marami. Ang komposisyon ay binuo sa paraang ang pangkat ng mga mandirigma ay hindi limitado, hindi sarado sa sarili nito. Siya ay bahagi lamang ng walang katapusang avalanche ng mga tao. Ang artist ay nagbibigay, kumbaga, ng isang fragment ng grupo: pinuputol ng picture frame ang mga figure sa kaliwa, kanan, at ibaba.

Karaniwan, ang kulay sa mga gawa ni Delacroix ay nakakakuha ng isang napaka-emosyonal na tunog at gumaganap ng isang nangingibabaw na papel sa paglikha ng isang dramatikong epekto. Ang mga kulay, ngayon ay nagngangalit, ngayon kumukupas, naka-mute, lumikha ng isang panahunan na kapaligiran. SA « Kalayaan sa mga barikada» Si Delacroix ay umaalis sa prinsipyong ito. Tumpak na tumpak, maingat na pumipili ng pintura at inilalapat ito sa malawak na mga stroke, inihahatid ng artist ang kapaligiran ng labanan.

Ngunit ang scheme ng kulay ay pinigilan. Itinuon ni Delacroix ang atensyon sa relief modeling ng form. Ito ay kinakailangan ng makasagisag na solusyon ng larawan. Pagkatapos ng lahat, habang naglalarawan ng isang tiyak na kaganapan kahapon, ang artist ay lumikha din ng isang monumento sa kaganapang ito. Samakatuwid, ang mga figure ay halos sculptural. Samakatuwid, ang bawat karakter, bilang bahagi ng isang solong kabuuan ng larawan, ay bumubuo rin ng isang bagay na sarado sa sarili nito, ay isang simbolo na inilagay sa isang kumpletong anyo. Samakatuwid, ang kulay ay hindi lamang may emosyonal na epekto sa damdamin ng manonood, ngunit nagdadala din ng simbolikong kahulugan. Sa kayumanggi-kulay-abo na espasyo, dito at doon, isang solemne triad ng pula, asul, puti - ang mga kulay ng banner ng Rebolusyong Pranses ng 1789 - kumikislap. Ang paulit-ulit na pag-uulit ng mga kulay na ito ay nagpapanatili ng malakas na kuwerdas ng tatlong kulay na bandila na lumilipad sa ibabaw ng mga barikada.

Pagpipinta ng Delacroix « Kalayaan sa mga barikada» - isang kumplikado, engrande na gawain sa saklaw. Dito pinagsama ang pagiging maaasahan ng direktang nakikitang katotohanan at ang simbolismo ng mga imahe; pagiging totoo, naabot ang brutal na naturalismo, at perpektong kagandahan; magaspang, kakila-kilabot at dakila, dalisay.

Pagpinta “ Kalayaan sa mga barikada” pinagsama ang tagumpay ng romantikismo sa pagpipinta ng Pransya. Noong 1930s, dalawa pang makasaysayang pagpipinta ang ipininta: “ Labanan sa Poitiers” At “ Pagpatay obispo Liege”.

Noong 1822, binisita ng artista ang North Africa, Morocco, at Algeria. Ang paglalakbay ay gumawa ng isang hindi maalis na impresyon sa kanya. Noong 50s, ang mga kuwadro na inspirasyon ng mga alaala ng paglalakbay na ito ay lumitaw sa kanyang trabaho: ” Pangangaso sa Lviv”, “ Moroccan, saddling kabayo” atbp. Ang maliliwanag na magkakaibang mga kulay ay lumikha ng isang romantikong tunog para sa mga kuwadro na ito. Lumilitaw ang malawak na pamamaraan ng stroke sa kanila.

Si Delacroix, bilang isang romantikong, ay naitala ang estado ng kanyang kaluluwa hindi lamang sa pamamagitan ng wika ng mga kaakit-akit na imahe, ngunit din formalized ang kanyang mga saloobin pampanitikan. Mahusay niyang inilarawan ang proseso ng malikhaing gawa ng isang romantikong artista, ang kanyang mga eksperimento sa kulay, at mga pagmumuni-muni sa ugnayan ng musika at iba pang anyo ng sining. Ang kanyang mga talaarawan ay naging paboritong pagbabasa ng mga artista ng mga sumunod na henerasyon.

Ang Pranses na romantikong paaralan ay gumawa ng mga makabuluhang pagbabago sa larangan ng iskultura (Rud at ang kanyang kaluwagan na "Marseillaise"), pagpipinta ng landscape (Camille Corot kasama ang kanyang maaliwalas na mga larawan ng kalikasan ng France).

Salamat sa romanticism, ang subjective na pananaw ng artist ay nasa anyo ng batas. Ang impresyonismo ay ganap na sisira sa hadlang sa pagitan ng artist at kalikasan, na nagdedeklara ng sining bilang isang impresyon. Ang mga romantiko ay nagsasalita tungkol sa imahinasyon ng artista, "ang tinig ng kanyang mga damdamin," na nagpapahintulot sa kanya na ihinto ang trabaho kapag isinasaalang-alang ng master na kinakailangan ito, at hindi bilang kinakailangan ng mga pamantayang pang-akademiko ng pagkakumpleto.

Kung ang mga pantasya ni Gericault ay nakatuon sa paghahatid ng paggalaw, si Delacroix - sa mahiwagang kapangyarihan ng kulay, at idinagdag ng mga Aleman dito ang isang tiyak na "espiritu ng pagpipinta," kung gayon ang mga romantikong Espanyol ay kumakatawan sa Francisco Goya(1746-1828) ay nagpakita ng mga alamat na pinagmulan ng estilo, ang phantasmagoric at kakaibang katangian nito. Si Goya mismo at ang kanyang trabaho ay tila malayo sa anumang balangkas na pangkakanyahan, lalo na dahil ang artist ay madalas na kailangang sundin ang mga batas ng materyal ng pagpapatupad (kapag, halimbawa, lumikha siya ng mga kuwadro na gawa para sa pinagtagpi na mga trellis carpet) o ang mga kinakailangan ng customer.

Ang kanyang phantasmagoria ay nai-publish sa etching series “ Caprichos” (1797-1799), “ Mga sakuna mga digmaan” (1810-1820), “ Disparantes (“ Mga kalokohan”) (1815-1820), mga pintura ng "House of the Deaf" at ang Church of San Antonio de la Florida sa Madrid (1798). Ang isang malubhang sakit noong 1792 ay nagresulta sa kumpletong pagkabingi ng artist. Pagkatapos magdusa ng pisikal at espirituwal na trauma, ang sining ng master ay nagiging mas nakatuon, maalalahanin, at panloob na dinamiko. Ang panlabas na mundo, sarado dahil sa pagkabingi, ay nag-activate ng panloob na espirituwal na buhay ni Goya.

Sa mga ukit “ Caprichos” Nakakamit ni Goya ang pambihirang kapangyarihan sa paghahatid ng mga instant na reaksyon at mabilis na damdamin. Ang itim at puti na pagpapatupad, salamat sa naka-bold na kumbinasyon ng mga malalaking spot at ang kawalan ng linearity na katangian ng mga graphics, ay nakakakuha ng lahat ng mga katangian ng isang pagpipinta.

Lumilikha si Goya ng mga mural ng Simbahan ng St. Anthony sa Madrid, tila, sa isang hininga. Ang pag-uugali ng brushstroke, ang laconicism ng komposisyon, ang pagpapahayag ng mga katangian ng mga character, na ang uri ng Goya ay kinuha nang diretso mula sa karamihan ng tao, ay kamangha-manghang. Inilalarawan ng artista ang himala ni Anthony ng Florida, na pinilit ang pinatay na lalaki na bumangon at magsalita, na pinangalanan ang mamamatay-tao at sa gayon ay nailigtas ang isang inosenteng tao mula sa pagpapatupad. Ang dynamism ng matingkad na tumutugon sa karamihan ng tao ay ipinapahiwatig kapwa sa mga kilos at ekspresyon ng mukha ng mga itinatanghal na tao. Sa compositional scheme ng pamamahagi ng mga painting sa espasyo ng simbahan, sinusundan ng pintor si Tiepolo, ngunit hindi barok, kundi puro romantiko, na nakakaapekto sa damdamin ng bawat manonood, na tinatawag siyang bumaling sa kanyang sarili.

Higit sa lahat, ang layuning ito ay nakamit sa pagpipinta ng Conto del Sordo ("Bahay ng mga Bingi"), kung saan nanirahan si Goya mula noong 1819. Ang mga dingding ng mga silid ay natatakpan ng labinlimang komposisyon ng isang kamangha-manghang at alegorikal na kalikasan. Ang pag-unawa sa kanila ay nangangailangan ng malalim na empatiya. Ang mga imahe ay lumilitaw bilang ilang mga pangitain ng mga lungsod, babae, lalaki, atbp. Ang kulay, kumikislap, ay kumukuha muna ng isang pigura, pagkatapos ay isa pa. Ang pagpipinta sa kabuuan ay madilim, ito ay pinangungunahan ng puti, dilaw, pinkish-red spot, nakakagambala sa mga pandama na may mga flash. Ang mga ukit ng serye ay maaaring ituring na isang graphic na parallel sa "The House of the Deaf." “ Disparantes” .

Ginugol ni Goya ang huling 4 na taon sa France. Malabong alam niyang hindi nakipaghiwalay si Delacroix sa kanyang "Caprichos." At hindi niya mahulaan kung paano madadala sina Hugo at Baudelaire ng mga ukit na ito, kung gaano kalaki ang impluwensya ng kanyang pagpipinta kay Manet, at kung paano sa 80s ng ika-19 na siglo. Aanyayahan ni V. Stasov ang mga artista ng Russia na pag-aralan ang kanyang "Mga Kalamidad ng Digmaan"

Ngunit kami, kung isasaalang-alang ito, alam namin kung gaano kalaki ang impluwensya nitong "walang istilo" na sining ng isang matapang na realista at isang inspiradong romantiko sa artistikong kultura noong ika-19 at ika-20 siglo.

Napagtanto din ng Ingles na romantikong artista ang kamangha-manghang mundo ng mga pangarap sa kanyang mga gawa. William Blake(1757-1827). Ang England ay ang klasikong lupain ng romantikong panitikan. Sina Byron at Shelley ang naging bandila ng kilusang ito na malayo sa mga hangganan ng Foggy Albion. Sa France, sa pagpuna sa magasin sa panahon ng "mga romantikong labanan," ang mga romantiko ay tinawag na "Shakespeareans." Ang pangunahing tampok ng pagpipinta ng Ingles ay palaging isang interes sa pagkatao ng tao, na nagpapahintulot sa genre ng portrait na mabungang umunlad. Ang romantikismo sa pagpipinta ay napakalapit na nauugnay sa sentimentalismo. Ang interes ng mga romantiko sa Middle Ages ay nagbunga ng mahusay na panitikan sa kasaysayan, kung saan si W. Scott ay isang kinikilalang master. Sa pagpipinta, tinutukoy ng tema ng Middle Ages ang hitsura ng tinatawag na Pre-Raphaelites.

Si William Blake ay isang kamangha-manghang uri ng romantiko sa eksenang pangkultura ng Ingles. Nagsusulat siya ng mga tula, naglalarawan ng kanyang sarili at mga libro ng ibang tao. Ang kanyang talento ay naghangad na yakapin at ipahayag ang mundo sa holistic na pagkakaisa. Ang kanyang pinakatanyag na mga gawa ay mga ilustrasyon para sa biblikal na "Book of Job", "Divine Comedy" ni Dante, at "Paradise Lost" ni Milton. Pino-populate niya ang kanyang mga komposisyon ng mga titanic figure ng mga bayani, na tumutugma sa kanilang kapaligiran ng isang hindi tunay, napaliwanagan o phantasmagoric na mundo. Ang isang pakiramdam ng mapaghimagsik na pagmamataas o isang pagkakasundo na buhol-buhol na nilikha mula sa dissonance ay nangingibabaw sa kanyang mga ilustrasyon.

Sinisikap ng romanticism ni Blake na hanapin ang artistikong pormula at anyo ng pagkakaroon ng mundo.

Si William Blake, na nabuhay sa kanyang buhay sa matinding kahirapan at kadiliman, pagkatapos ng kanyang kamatayan ay niraranggo sa mga klasiko ng sining ng Ingles.

Sa mga gawa ng English landscape painters noong unang bahagi ng ika-19 na siglo. ang mga romantikong libangan ay pinagsama sa isang mas layunin at matino na pagtingin sa kalikasan.

Lumilikha ng mga romantikong nakataas na tanawin William Turner(1775-1851). Gustung-gusto niyang ilarawan ang mga bagyo, ulan, bagyo sa dagat, maliwanag, maapoy na paglubog ng araw. Madalas na pinalalaki ni Turner ang mga epekto ng pag-iilaw at pinatindi ang tunog ng kulay kahit na pininturahan niya ang kalmadong estado ng kalikasan. Para sa higit na epekto, gumamit siya ng mga diskarte sa watercolor at naglagay ng pintura ng langis sa isang napakanipis na layer at direktang nagpinta sa lupa, na nakakuha ng mga kulay ng bahaghari. Ang isang halimbawa ay ang larawan “ ulan, singaw At bilis” (1844). Ngunit kahit na ang sikat na kritiko noong panahong iyon, si Thackeray, ay hindi maintindihan nang tama ang larawan, na marahil ay makabago sa parehong konsepto at pagpapatupad. “Ang ulan ay ipinahihiwatig ng mga batik ng maruming masilya,” ang isinulat niya, “na ipinahid sa canvas gamit ang isang palette knife na sumisikat sa pamamagitan ng isang malabong kurap mula sa ilalim ng napakakapal na bukol ng maruruming dilaw na chrome; Ang mga anino ay dinadala ng malamig na mga kulay ng iskarlata na batik at mga batik ng cinnabar sa mga naka-mute na tono. At bagaman ang apoy sa isang makina ng tren ay tila pula, hindi ko masasabi na ito ay hindi pininturahan ng kobalt o kulay ng gisantes. Natuklasan ng isa pang kritiko na ang pangkulay ni Turner ay kulay ng "scrambled egg at spinach." Ang mga kulay ng late Turner sa pangkalahatan ay tila ganap na hindi maiisip at hindi kapani-paniwala sa kanyang mga kontemporaryo. Kinailangan ng higit sa isang siglo upang makita ang butil ng mga tunay na obserbasyon sa kanila. Ngunit tulad ng sa ibang mga kaso, narito rin ito. Ang isang kawili-wiling kuwento ay napanatili mula sa isang nakasaksi, o sa halip, isang saksi sa kapanganakan ni

sining ng Ingles noong kalagitnaan ng ika-19 na siglo. binuo sa isang ganap na naiibang direksyon kaysa sa pagpipinta ni Turner. Bagama't ang kanyang husay ay karaniwang kinikilala, walang sinuman sa mga kabataan ang sumunod sa kanya.

II. Romantisismo sa pagpipinta ng Russia

Ang Romantisismo sa Russia ay naiiba sa Kanlurang Europa dahil sa ibang makasaysayang sitwasyon at ibang kultural na tradisyon. Ang Rebolusyong Pranses ay hindi mabibilang sa mga dahilan ng paglitaw nito. At ang mga resulta ng rebolusyon ay ganap na nakakabigo. Ang tanong ng kapitalismo sa Russia sa simula ng ika-19 na siglo. hindi tumayo. Samakatuwid, wala ring dahilan para dito. Ang tunay na dahilan ay ang Digmaang Patriotiko noong 1812, kung saan ipinakita ang buong puwersa ng popular na inisyatiba. Ngunit pagkatapos ng digmaan, ang mga tao ay hindi nakatanggap ng kalayaan. Ang pinakamahusay sa mga maharlika, hindi nasiyahan sa katotohanan, ay dumating sa Senate Square noong Disyembre 1825. Ang pagkilos na ito ay hindi rin pumasa nang walang bakas para sa mga malikhaing intelihente. Ang magulong taon pagkatapos ng digmaan ay naging tagpuan kung saan nabuo ang romantikong Ruso.

Sa kanilang mga canvases, ang mga romantikong pintor ng Russia ay nagpahayag ng diwa ng kalayaan, aktibong pagkilos, at marubdob at mapusok na nanawagan para sa pagpapakita ng humanismo. Ang mga pang-araw-araw na pagpipinta ng mga pintor ng Russia ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang kaugnayan, sikolohiya, at hindi pa naganap na pagpapahayag. Ang mga espiritwal at mapanglaw na tanawin ay muli ang parehong pagtatangka ng mga romantiko na tumagos sa mundo ng mga tao, upang ipakita kung paano nabubuhay at nangangarap ang isang tao sa sublunary na mundo. Ang romantikong pagpipinta ng Russia ay naiiba sa dayuhang pagpipinta. Ito ay tinutukoy ng parehong makasaysayang sitwasyon at tradisyon.

Mga tampok ng romantikong pagpipinta ng Russia:

Ÿ Ang ideolohiya ng Enlightenment ay humina, ngunit hindi bumagsak, tulad ng sa Europa. Samakatuwid, hindi malinaw na ipinahayag ang romantisismo;

Ÿ ang romantikismo ay nabuo kasabay ng klasisismo, na kadalasang kaakibat nito;

Ÿ ang akademikong pagpipinta sa Russia ay hindi pa nauubos;

Ÿ Ang romantiko sa Russia ay hindi isang matatag na kababalaghan ay naakit sa akademiko. Sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo. halos mawala na ang romantikong tradisyon.

Ang mga gawa na may kaugnayan sa romantikismo ay nagsimulang lumitaw sa Russia noong 1790s (mga gawa ni Theodosius Yanenko " Mga manlalakbay, nahuli bagyo" (1796), " Self-portrait V helmet" (1792). Ang prototype ay halata sa kanila - Salvator Rosa, napakapopular sa pagliko ng ika-18 at ika-19 na siglo. Mamaya, ang impluwensya ng proto-Romantic artist na ito ay mapapansin sa gawa ni Alexander Orlovsky. Ang mga magnanakaw, mga eksena sa paligid ng apoy, mga labanan ay sinamahan ng kanyang buong malikhaing landas. Tulad ng sa ibang mga bansa, ang mga artist na kabilang sa Russian romanticism ay nagpakilala ng isang ganap na bagong emosyonal na mood sa mga klasikal na genre ng portrait, landscape at genre na mga eksena.

Sa Russia, ang romanticism ay unang nagsimulang lumitaw sa portraiture. Sa unang ikatlo ng ika-19 na siglo, higit na nawalan ito ng pakikipag-ugnayan sa dignitary aristokrasiya. Ang mga larawan ng mga makata, artista, mga patron ng sining, at mga larawan ng mga ordinaryong magsasaka ay nagsimulang sumakop sa isang makabuluhang lugar. Ang ugali na ito ay lalo na binibigkas sa mga gawa ng O.A. Kiprensky (1782 – 1836) at V.A. Tropinin (1776 – 1857).

Vasily Andreevich Tropinin nagsusumikap para sa isang buhay na buhay, nakakarelaks na paglalarawan ng isang tao, na ipinahayag sa pamamagitan ng kanyang larawan. « Larawan anak» (1818), « Larawan A. SA. Pushkin» (1827), « Self-portrait» (1846) humanga hindi sa kanilang larawang pagkakahawig sa orihinal, ngunit sa kanilang hindi pangkaraniwang banayad na pagtagos sa panloob na mundo ng isang tao.

Ang kasaysayan ng paglikha ay lubhang kawili-wili “ Mga larawan Pushkin”. Tulad ng dati, para sa unang kakilala kay Pushkin, si Tropinin ay dumating sa bahay ni Sobolevsky, kung saan nakatira ang makata. Natagpuan siya ng artista sa kanyang opisina na kinakalikot ang mga tuta. Noon, tila, isang maliit na sketch ang isinulat batay sa unang impresyon na labis na pinahahalagahan ni Tropinin. Sa mahabang panahon ay nanatili siyang wala sa paningin ng mga humahabol sa kanya. Pagkaraan lamang ng halos isang daang taon, noong 1914, inilathala ito ni P.M. Si Shchekotov, na sumulat na sa lahat ng mga larawan ni Alexander Sergeevich, siya ay "pinakamahusay na naghahatid ng kanyang mga tampok ... ang mga asul na mata ng makata dito ay puno ng isang espesyal na kinang, mabilis na lumiko ang ulo, at ang mga tampok ng mukha ay nagpapahayag at mobile. Walang alinlangan, ang mga tunay na tampok ng mukha ng Pushkin ay nakunan dito, na hiwalay nating nakatagpo sa isa o isa pa sa mga larawan na bumaba sa amin. Ang isa ay nananatiling naguguluhan," dagdag ni Shchekotov, "kung bakit ang kaakit-akit na sketch na ito ay hindi nakatanggap ng nararapat na atensyon mula sa mga publisher at connoisseurs ng makata." Ito ay ipinaliwanag sa pamamagitan ng mismong mga katangian ng maliit na sketch: walang kinang ng mga kulay, walang kagandahan ng brushwork, walang mahusay na nakasulat na "mga pangyayari" dito. At si Pushkin dito ay hindi isang katutubong "vitia", hindi isang "henyo", ngunit una sa lahat isang tao. At halos hindi katanggap-tanggap sa pagsusuri kung bakit ang napakalaking nilalaman ng tao ay nakapaloob sa monochromatic grayish-green, olive tones, sa padalos-dalos, tila random na mga stroke ng brush ng isang halos hindi nakikitang sketch.

Sa simula ng ika-19 na siglo, ang Tver ay isang makabuluhang sentro ng kultura ng Russia. Narito ang binata Orestes Kiprensky nakilala si A.S. Pushkin, na ang larawan, na ipininta kalaunan, ay naging perlas ng sining ng larawan sa mundo. " Larawan Pushkin» Ang mga brush ni O. Kiprensky ay isang buhay na sagisag ng mala-tula na henyo. Sa mapagpasyang pagliko ng ulo, sa masiglang nakakurus na mga braso sa dibdib, sa buong anyo ng makata, ang isang pakiramdam ng kalayaan at kalayaan ay makikita. Ito ay tungkol sa kanya na sinabi ni Pushkin: "Nakikita ko ang aking sarili bilang isang salamin, ngunit ang salamin na ito ay nagpapapuri sa akin." Sa gawain sa larawan ng Pushkin, sina Tropinin at Kiprensky ay nagkita sa huling pagkakataon, kahit na ang pulong na ito ay hindi nagaganap nang personal, ngunit pagkalipas ng maraming taon sa kasaysayan ng sining, kung saan, bilang panuntunan, dalawang larawan ng pinakadakilang Ruso. makata, nilikha nang sabay-sabay, ngunit sa iba't ibang mga lugar, ay inihambing - isa sa Moscow, ang isa pa - sa St. Ngayon ito ay isang pagpupulong ng mga masters na pantay na mahusay sa kanilang kahalagahan para sa sining ng Russia. Bagaman inaangkin ng mga hinahangaan ni Kiprensky na ang artistikong bentahe ay nasa gilid ng kanyang romantikong larawan, kung saan ipinakita ang makata na nalubog sa kanyang sariling mga kaisipan, nag-iisa sa muse, ang nasyonalidad at demokrasya ng imahe ay tiyak na nasa panig ng "Pushkin" ni Tropinsky. .

Kaya, ang dalawang larawan ay sumasalamin sa dalawang direksyon ng sining ng Russia, na puro sa dalawang kapital. At pagkatapos ay isusulat ng mga kritiko na ang Tropinin ay para sa Moscow kung ano ang Kiprensky para sa St. Petersburg.

Ang isang natatanging tampok ng mga larawan ni Kiprensky ay ang pagpapakita ng espirituwal na kagandahan at panloob na kadakilaan ng isang tao. Ang larawan ng isang bayani, matapang at malakas ang pakiramdam, ay dapat na isama ang kalunos-lunos na damdamin ng mapagmahal sa kalayaan at makabayan ng mga progresibong mamamayang Ruso.

Sa harap ng pinto “ Larawan E. SA. Davydova” (1809) ay nagpapakita ng pigura ng isang opisyal na direktang nagpakita ng pagpapahayag ng kultong iyon ng isang malakas at matapang na personalidad, na napaka tipikal ng romantikismo ng mga taong iyon. Ang fragmentarily na ipinakita na tanawin, kung saan ang isang sinag ng liwanag ay nakikipaglaban sa kadiliman, ay nagpapahiwatig ng espirituwal na pagkabalisa ng bayani, ngunit sa kanyang mukha ay may isang pagmuni-muni ng panaginip na sensitivity. Hinanap ni Kiprensky ang "tao" sa isang tao, at ang perpekto ay hindi nakakubli sa mga personal na katangian ng modelo mula sa kanya.

Ang mga larawan ni Kiprensky, kung titingnan mo ang mga ito sa iyong isip, ay nagpapakita ng espirituwal at likas na kayamanan ng isang tao, ang kanyang intelektwal na lakas. Oo, mayroon siyang ideyal ng isang maayos na personalidad, na binanggit din ng kanyang mga kontemporaryo, ngunit hindi nagsikap si Kiprensky na literal na maipakita ang ideyal na ito sa isang masining na imahe. Sa paglikha ng isang masining na imahe, sinundan niya ang kalikasan, na parang sinusukat kung gaano kalayo o malapit ito sa gayong ideyal. Sa esensya, marami sa mga inilalarawan niya ay nasa threshold ng ideal, nagsusumikap patungo dito, ngunit ang ideal mismo, ayon sa mga ideya ng romantikong aesthetics, ay halos hindi makakamit, at ang lahat ng romantikong sining ay ang landas lamang dito.

Pansinin ang mga kontradiksyon sa mga kaluluwa ng kanyang mga bayani, na nagpapakita sa kanila sa mga sandali ng pagkabalisa ng buhay, kapag ang kapalaran ay nagbabago, ang mga lumang ideya ay nasira, ang kabataan ay kumukupas, atbp., Kiprensky ay tila nararanasan kasama ng kanyang mga modelo. Kaya naman ang espesyal na pakikilahok ng portraitist sa interpretasyon ng mga artistikong larawan, na nagbibigay sa portrait ng "soulful" touch.

Sa unang bahagi ng panahon ng gawain ni Kiprensky, hindi mo makikita ang mga taong nahawaan ng pag-aalinlangan, pagsusuri na nakakasira ng kaluluwa. Darating ito sa ibang pagkakataon, kapag naranasan ng romantikong oras ang taglagas nito, na nagbibigay daan sa iba pang mga mood at damdamin, kapag ang pag-asa para sa tagumpay ng ideal ng isang maayos na personalidad ay gumuho. Sa lahat ng mga larawan ng 1800s at ang mga larawang isinagawa sa Tver, ang matapang na brush ni Kiprensky ay nakikita, madali at malayang bumubuo ng anyo. Ang pagiging kumplikado ng mga teknikal na pamamaraan at ang likas na katangian ng pigura ay nagbago mula sa trabaho patungo sa trabaho.

Kapansin-pansin na sa mga mukha ng kanyang mga bayani ay hindi mo makikita ang kabayanihan sa kabaligtaran, karamihan sa mga mukha ay medyo malungkot, sila ay nagpapakasawa sa pagmuni-muni. Tila ang mga taong ito ay nag-aalala tungkol sa kapalaran ng Russia, iniisip nila ang hinaharap kaysa sa kasalukuyan. Sa mga larawang babae na kumakatawan sa mga asawa at kapatid na babae ng mga kalahok sa mga makabuluhang kaganapan, hindi rin nagsikap si Kiprensky para sa sinasadyang kabayanihan. Isang pakiramdam ng kadalian at pagiging natural ang namamayani. Kasabay nito, sa lahat ng mga larawan ay may napakaraming tunay na maharlika ng kaluluwa. Ang mga larawan ng babae ay umaakit sa kanilang katamtamang dignidad at integridad ng kalikasan; sa mukha ng mga lalaki ay makikilala ng isa ang isang matanong na kaisipan, isang kahandaan para sa asetisismo. Ang mga larawang ito ay kasabay ng namumuong etikal at aesthetic na mga ideya ng mga Decembrist. Ang kanilang mga saloobin at adhikain ay ibinahagi ng marami sa oras na iyon, alam din ng artista ang tungkol sa kanila, at samakatuwid ay masasabi natin na ang kanyang mga larawan ng mga kalahok sa mga kaganapan noong 1812-1814, mga larawan ng mga magsasaka na nilikha sa parehong mga taon ay isang uri ng masining. parallel sa mga umuusbong na konsepto ng Decembrism.

Tinawag ng mga dayuhan si Kiprensky ang Russian Van Dyck ang kanyang mga larawan ay nasa maraming museo sa buong mundo. Ang kahalili ng gawain nina Levitsky at Borovikovsky, ang hinalinhan ni L. Ivanov at K. Bryullov, Kiprensky ay nagbigay sa Russian art school ng European na katanyagan sa kanyang trabaho. Sa mga salita ni Alexander Ivanov, "siya ang unang nagdala ng pangalang Ruso sa Europa ...".

Ang tumaas na interes sa personalidad ng isang tao, katangian ng romantikismo, ay paunang natukoy ang pag-unlad ng genre ng portrait sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, kung saan naging nangingibabaw ang self-portrait. Bilang isang patakaran, ang paglikha ng isang self-portrait ay hindi isang aksidenteng episode. Ang mga artista ay paulit-ulit na sumulat at gumuhit ng kanilang sarili, at ang mga gawang ito ay naging isang uri ng talaarawan, na sumasalamin sa iba't ibang estado ng pag-iisip at yugto ng buhay, at kasabay nito ay isang manifesto na hinarap sa kanilang mga kontemporaryo. Ang self-portrait ay hindi isang kinomisyon na genre; Noong ika-18 siglo, ang mga artistang Ruso ay bihirang nagpinta ng mga orihinal na imahe lamang, kasama ang kulto ng indibidwal at pambihirang, nag-ambag sa pagtaas ng genre na ito. Ang iba't ibang uri ng self-portrait ay sumasalamin sa pananaw ng mga artista sa kanilang sarili bilang isang mayaman at multifaceted na personalidad. Pagkatapos ay lilitaw ang mga ito sa karaniwan at natural na tungkulin ng lumikha ( " Self-portrait V pelus kunin" A.G. Varnek, 1810s), pagkatapos ay bumagsak sila sa nakaraan, na parang sinusubukan ito sa kanilang sarili ( " Self-portrait V helmet At latakh" F. I. Yanenko, 1792), o, kadalasan, lumilitaw ang mga ito nang walang anumang mga propesyonal na katangian, na nagpapatunay sa kahalagahan at halaga ng bawat tao, pinalaya at bukas sa mundo, tulad ng F. A. Bruni at O. A. Orlovsky sa mga self-portraits noong 1810s. Ang pagiging handa para sa diyalogo at pagiging bukas na katangian ng mga makasagisag na solusyon ng mga gawa noong 1810-1820 ay unti-unting napalitan ng pagkapagod at pagkabigo, paglulubog, at pag-alis ( " Self-portrait" M.I. Terebeneva). Ang trend na ito ay makikita sa pagbuo ng portrait genre sa kabuuan.

Ang mga self-portraits ni Kiprensky ay lumitaw, ito ay nagkakahalaga ng pagpuna, sa mga kritikal na sandali ng buhay ay nagpatotoo sila sa pagtaas o pagbaba ng lakas ng kaisipan. Tiningnan ng artista ang kanyang sarili sa pamamagitan ng kanyang sining. Kasabay nito, hindi siya gumamit ng salamin, tulad ng karamihan sa mga pintor; ipininta niya pangunahin ang kanyang sarili ayon sa kanyang imahinasyon;

“Self-portrait Sa may mga brush para sa tainga” binuo sa isang pagtanggi, at isang malinaw na demonstrative, mula sa panlabas na pagluwalhati ng imahe, ang klasikal na normativity at perpektong konstruksyon. Ang mga tampok ng mukha ay halos nakabalangkas. Ang mga indibidwal na pagmuni-muni ng liwanag ay nahuhulog sa pigura ng artist, na pinapatay ang halos hindi nakikitang mga kurtina na kumakatawan sa background ng larawan. Ang lahat dito ay napapailalim sa pagpapahayag ng buhay, damdamin, kalooban. Ito ay isang pagtingin sa romantikong sining sa pamamagitan ng sining ng self-portraiture.

Halos kasabay nitong self-portrait, nagpinta rin siya “ Self-portrait V kulay rosas Shane bandana” , kung saan nakapaloob ang isa pang larawan. Nang walang direktang indikasyon ng propesyon ng isang pintor. Ang imahe ng isang binata ay muling nilikha, nakakaramdam ng kagaanan, natural, malaya. Ang ibabaw ng pagpipinta ng canvas ay pinong itinayo. Ang brush ng artist ay may kumpiyansa na naglalapat ng pintura, na nag-iiwan ng malaki at maliliit na stroke. Ang scheme ng kulay ay perpektong binuo, ang mga kulay ay malambot at magkakasuwato na pinagsama sa bawat isa, ang pag-iilaw ay kalmado: ang liwanag ay malumanay na bumubuhos sa mukha ng binata, na binabalangkas ang kanyang mga tampok, nang walang hindi kinakailangang pagpapahayag o pagpapapangit.

Ang isa pang natatanging pintor ng portrait ay TUNGKOL SA. A. Orlovsky. Ang nasabing isang emosyonal na mayaman na portrait sheet ay nagsimula noong 1809 bilang “ Self-portrait” . Puno ng masaganang, libreng touch ng sanguine at uling (na may chalk highlighting), “ Self-portrait” Naaakit si Orlovsky sa kanyang artistikong integridad, natatanging imahe, at kasiningan ng pagpapatupad. Kasabay nito, pinapayagan nito ang isa na makilala ang ilang natatanging aspeto ng sining ni Orlovsky. “ Self-portrait” Si Orlovsky, siyempre, ay walang layunin na tumpak na kopyahin ang tipikal na hitsura ng artist ng mga taong iyon. Sa harap natin ay isang lubos na sinadya, pinalaking larawan ng isang "artista", na inihambing ang kanyang sariling "Ako" sa nakapaligid na katotohanan. Hindi siya nababahala tungkol sa "disente" ng kanyang hitsura: ang kanyang malago na buhok ay hindi nahawakan ng isang suklay o brush, at sa kanyang balikat ay ang gilid ng isang checkered na kapote sa ibabaw mismo ng kanyang bahay na kamiseta na nakabukas ang kwelyo. Isang matalim na pagliko ng ulo na may "malungkot" na hitsura mula sa ilalim ng niniting na kilay, isang malapit na pag-crop ng larawan kung saan ang mukha ay inilalarawan nang malapitan, mga kaibahan ng liwanag - lahat ng ito ay naglalayong makamit ang pangunahing epekto ng pag-iiba ng taong inilalarawan sa kapaligiran (at sa gayon ang manonood).

Ang mga pathos ng affirmation ng sariling katangian - isa sa mga pinaka-progresibong tampok sa sining ng panahong iyon - ay bumubuo ng pangunahing ideolohikal at emosyonal na tono ng larawan, ngunit lumilitaw sa isang natatanging aspeto, halos hindi natagpuan sa sining ng Russia noong panahong iyon. Ang paninindigan ng pagkatao ay hindi dumarating sa pamamagitan ng pagsisiwalat ng kayamanan ng panloob na mundo nito, ngunit sa pamamagitan ng pagtanggi sa lahat ng bagay sa paligid nito. Kasabay nito, ang imahe ay walang alinlangan na mukhang mahirap at limitado.

Ang ganitong mga solusyon ay mahirap hanapin sa Russian portrait art noong panahong iyon, kung saan nasa kalagitnaan na ng ika-18 siglo ang civic at humanistic motives ay malakas na tumunog at ang personalidad ng isang tao ay hindi kailanman sinira ang malakas na ugnayan sa kapaligiran. Nangangarap ng isang mas mahusay, sosyal-demokratikong sistema, ang mga tao sa Russia noong panahong iyon ay hindi nangangahulugang diborsiyado mula sa katotohanan at sinasadyang tinanggihan ang indibidwalistikong kulto ng "personal na kalayaan" na umunlad sa Kanlurang Europa, na pinaluwag ng burges na rebolusyon. Ito ay malinaw na ipinakita sa Russian portrait art. Ang isa ay dapat lamang ihambing “ Self-portrait” Orlovsky kasama “ Self-portrait” Kiprensky, upang ang malubhang panloob na pagkakaiba sa pagitan ng parehong mga pintor ng portrait ay agad na mapansin.

Si Kiprensky ay "nagpapabayani" din sa personalidad ng isang tao, ngunit ipinakita niya ang tunay na mga panloob na halaga nito. Sa mukha ng artista, nakikita ng manonood ang mga katangian ng isang malakas na pag-iisip, karakter, at kadalisayan sa moral.

Ang buong hitsura ni Kiprensky ay nababalot ng kamangha-manghang maharlika at sangkatauhan. Nagagawa niyang makilala ang "mabuti" at "masama" sa mundo sa paligid niya at, tinatanggihan ang pangalawa, mahalin at pahalagahan ang una, mahalin at pahalagahan ang mga taong katulad ng pag-iisip. Kasabay nito, sa harap natin ay walang alinlangan na isang malakas na pagkatao, ipinagmamalaki ang kamalayan ng halaga ng kanyang mga personal na katangian. Eksakto ang parehong konsepto ng isang portrait na imahe ay sumasailalim sa sikat na heroic portrait ni D. Davydov ni Kiprensky.

Si Orlovsky, kung ihahambing kay Kiprensky, ay nilutas ang imahe ng isang "malakas na personalidad" sa isang mas limitado, mas prangka at panlabas na paraan, habang malinaw na nakatuon sa sining ng burges na France. Pag tingin mo sa kanya “ Self-portrait” , ang mga larawan nina A. Gros at Gericault ay hindi sinasadyang pumasok sa isip. Ang profile ay nagpapakita rin ng isang panloob na pagkakaugnay sa French portrait art. “ Self-portrait” Orlovsky noong 1810, kasama ang kanyang kulto ng indibidwal na "panloob na lakas", gayunpaman, wala nang matalim na "sketch" na anyo “ Self-portrait” 1809 o “ Mga larawan Duport”. Sa huli, si Orlovsky, tulad ng sa "Self-Portrait," ay gumagamit ng isang kamangha-manghang, "heroic" na pose na may matalim, halos cross na paggalaw ng ulo at balikat. Binibigyang-diin niya ang hindi regular na istraktura ng mukha ni Duport at ang kanyang gusot na buhok, na may layuning lumikha ng isang portrait na imahe na sapat sa sarili sa kakaiba at random na katangian nito.

"Ang tanawin ay dapat na isang larawan," isinulat ni K. N. Batyushkov. Karamihan sa mga artista na bumaling sa genre ng landscape ay sumunod sa saloobing ito sa kanilang trabaho. Kabilang sa mga halatang pagbubukod, na nakahilig sa kamangha-manghang tanawin, ay si A. O. Orlovsky ( " Nautical tingnan" , 1809); A. G. Varnek ( " Tingnan V paligid Roma" , 1809); P. V. Basin (" Sky sa paglubog ng araw V paligid Roma" , " Gabi tanawin" , parehong 1820s). Habang lumilikha ng mga partikular na uri, napanatili nila ang spontaneity ng sensasyon at emosyonal na kayamanan, na nakakamit ng napakalaking tunog na may mga diskarte sa komposisyon.

Nakita ng batang Orlovsky sa kalikasan ang mga titanic na puwersa lamang, hindi napapailalim sa kalooban ng tao, na may kakayahang magdulot ng sakuna, sakuna. Ang pakikibaka ng tao laban sa nagngangalit na mga elemento ng dagat ay isa sa mga paboritong tema ng artista ng kanyang "mapaghimagsik" na romantikong panahon. Ito ang naging laman ng kanyang mga guhit, watercolor at oil painting noong 1809 – 1810. ang kalunos-lunos na tagpo ay ipinapakita sa larawan “ Pagkawasak ng barko” (1809(?)). Sa matinding dilim na bumagsak sa lupa, sa gitna ng rumaragasang alon, ang mga nalulunod na mangingisda ay galit na galit na umakyat sa mga bato sa baybayin kung saan bumagsak ang kanilang barko. Ang kulay sa malupit na pulang tono ay nagpapahusay sa pakiramdam ng pagkabalisa. Ang mga pagsalakay ng malalakas na alon na naglalarawan ng isang bagyo ay nagbabanta, at sa isa pang larawan - “ Naka-on pampang mga dagat” (1809). Ang mabagyong kalangitan, na sumasakop sa karamihan ng komposisyon, ay gumaganap din ng malaking emosyonal na papel dito. Bagaman hindi pinagkadalubhasaan ni Orlovsky ang sining ng pananaw sa himpapawid, ang unti-unting paglipat ng mga plano ay nalutas dito nang maayos at malumanay. Ang kulay ay naging mas maliwanag. Ang mga pulang batik sa damit ng mga mangingisda ay maganda ang paglalaro laban sa mapula-pula-kayumangging background. Hindi mapakali at nakakaalarma na mga elemento ng dagat sa watercolor “ Paglalayag bangka” (c.1812). At kahit na ang hangin ay hindi pumapalya ang layag at alon sa ibabaw ng tubig, tulad ng sa watercolor “ Nautical tanawin Sa mga barko” (c.1810), may premonisyon ang manonood na susundan ng bagyo ang kalmado.

Ang mga tanawin ay may ibang katangian SA. F. Shchedrin. Ang mga ito ay puno ng pagkakaisa ng magkakasamang buhay sa pagitan ng tao at kalikasan (" Terrace sa pampang mga dagat. Cappuccini malapit na Sorrento" , 1827). Maraming tanawin ng Naples sa pamamagitan ng kanyang brush ang nagtamasa ng pambihirang tagumpay.

Sa makikinang na mga larawan AT. SA. Aivazovsky ang mga romantikong mithiin ng pagkalasing sa pakikibaka at kapangyarihan ng mga likas na pwersa, ang katatagan ng espiritu ng tao at ang kakayahang lumaban hanggang sa wakas ay malinaw na isinama. Gayunpaman, ang isang malaking lugar sa pamana ng master ay inookupahan ng mga seascape sa gabi na nakatuon sa mga tiyak na lugar kung saan ang bagyo ay nagbibigay daan sa magic ng gabi, isang oras na, ayon sa mga pananaw ng mga romantiko, ay puno ng isang misteryosong panloob na buhay, at kung saan ang mga larawang paghahanap ng artist ay naglalayong kumuha ng hindi pangkaraniwang mga light effect ( " Tingnan Odessa V lunar gabi" , " Tingnan Constantinople sa lunar pag-iilaw" , pareho - 1846).

Ang tema ng mga natural na elemento at isang taong nagulat, isang paboritong tema ng romantikong sining, ay binigyang-kahulugan sa iba't ibang paraan ng mga artista noong 1800-1850s. Ang mga gawa ay batay sa totoong mga kaganapan, ngunit ang kahulugan ng mga imahe ay hindi isang layunin na muling pagsasalaysay ng mga ito. Ang isang tipikal na halimbawa ay ang pagpipinta ni Peter Basin " Lindol V Rocca di Tatay malapit na Roma" (1830). Ito ay nakatuon hindi gaanong sa paglalarawan ng isang tiyak na kaganapan, ngunit sa paglalarawan ng takot at sindak ng isang tao na nahaharap sa pagpapakita ng mga elemento.

Ang Romantisismo sa Russia bilang isang pananaw sa mundo ay umiral sa unang alon nito mula sa katapusan ng ika-18 siglo hanggang 1850s. Ang linya ng romantiko sa sining ng Russia ay hindi tumigil noong 1850s. Ang tema ng estado ng pagkatao, na natuklasan ng mga romantiko para sa sining, ay kalaunan ay binuo ng mga artista ng Blue Rose. Ang mga direktang tagapagmana ng mga romantiko ay walang alinlangan ang mga simbolista. Ang mga romantikong tema, motif, at nagpapahayag na mga diskarte ay pumasok sa sining ng iba't ibang estilo, uso, at malikhaing asosasyon. Ang romantikong pananaw sa mundo o pananaw sa mundo ay naging isa sa pinakamasigla, matiyaga, at mabunga.

Romantisismo bilang isang kilusan sa panitikan

Ang romantikismo ay, una sa lahat, isang espesyal na pananaw sa mundo batay sa paniniwala ng higit na kahusayan ng "espiritu" sa "materya." Ang malikhaing prinsipyo, ayon sa mga romantiko, ay nagtataglay ng lahat ng tunay na espirituwal, na kinilala nila sa tunay na tao. At, sa kabaligtaran, ang lahat ng materyal, sa kanilang opinyon, lumilipat sa unahan, ay sumisira sa tunay na kalikasan ng tao, hindi pinapayagan ang kanyang kakanyahan na magpakita mismo, sa mga kondisyon ng burgis na katotohanan, hinahati nito ang mga tao, nagiging isang mapagkukunan ng poot. sa pagitan nila, at humahantong sa mga trahedya na sitwasyon. Positibong bayani sa romantikismo, bilang panuntunan, siya ay tumataas sa antas ng kanyang kamalayan sa itaas ng mundo ng pansariling interes na nakapaligid sa kanya, ay hindi kaayon dito, nakikita niya ang layunin ng buhay hindi sa paggawa ng isang karera, hindi sa pag-iipon ng kayamanan, ngunit sa paglilingkod. ang mataas na mithiin ng sangkatauhan - sangkatauhan , kalayaan, kapatiran. Ang mga negatibong romantikong karakter, sa kaibahan sa mga positibo, ay kasuwato ng lipunan; Dahil dito (at ito ay napakahalaga), ang romantikismo ay hindi lamang isang pagsusumikap para sa ideyal at patula ng lahat ng bagay na maganda sa espirituwal, ito ay sa parehong oras ay isang paglalantad ng pangit sa tiyak na socio-historical na anyo nito. Bukod dito, ang pagpuna sa kakulangan ng espirituwalidad ay ibinigay sa romantikong sining mula pa sa simula, ito ay sumusunod mula sa pinakadiwa. romantikong relasyon sa pampublikong buhay. Siyempre, hindi lahat ng manunulat at hindi lahat ng genre ay nagpapakita nito nang may kinakailangang lawak at intensity. Ngunit ang mga kritikal na pathos ay maliwanag hindi lamang sa mga drama ni Lermontov o sa "sekular na mga kuwento" ni V. Odoevsky, ito ay kapansin-pansin din sa mga elehiya ng Zhukovsky, na inilalantad ang mga kalungkutan at kalungkutan ng isang espirituwal na mayamang personalidad sa mga kondisyon ng pyudal na Russia. .

Ang romantikong pananaw sa mundo, dahil sa dualismo nito (ang pagiging bukas ng "espiritu" at "ina"), ay tumutukoy sa paglalarawan ng buhay sa matalim na kaibahan. Ang pagkakaroon ng kaibahan ay isa sa mga tampok na katangian ng romantikong uri ng pagkamalikhain at, samakatuwid, estilo. Ang espirituwal at materyal sa mga gawa ng mga romantiko ay mahigpit na sumasalungat sa isa't isa. Ang isang positibong romantikong bayani ay karaniwang inilalarawan bilang isang malungkot na nilalang, bukod dito, napapahamak na magdusa sa kanyang kontemporaryong lipunan (Giaour, Corsair sa Byron, Chernets sa Kozlov, Voinarovsky sa Ryleev, Mtsyri sa Lermontov at iba pa). Sa paglalarawan ng pangit, ang mga romantiko ay madalas na nakakamit ng gayong pang-araw-araw na konkreto na mahirap na makilala ang kanilang trabaho mula sa makatotohanan. Batay sa isang romantikong pag-unawa sa mundo, posibleng lumikha hindi lamang ng mga indibidwal na larawan, kundi pati na rin ang buong mga gawa na makatotohanan sa uri ng pagkamalikhain.

Ang Romantisismo ay walang awa sa mga taong, nakikipaglaban para sa kanilang sariling pagpapalaki, nag-iisip tungkol sa pagpapayaman o nanghihina na may uhaw sa kasiyahan, lumalabag sa mga unibersal na batas sa moral sa pangalan nito, niyurakan ang unibersal na mga halaga ng tao ( sangkatauhan, pag-ibig sa kalayaan at iba pa) .

SA romantikong panitikan Maraming mga imahe ng mga bayani na nahawaan ng indibidwalismo (Manfred, Lara ni Byron, Pechorin, Demon ni Lermontov at iba pa), ngunit sila ay mukhang malalim na trahedya na nilalang, nagdurusa sa kalungkutan, nagnanais na sumanib sa mundo ordinaryong tao. Inihayag ang trahedya ng indibidwalistikong tao, ipinakita ng romantikismo ang kakanyahan ng tunay na kabayanihan, na nagpapakita ng sarili sa walang pag-iimbot na paglilingkod sa mga mithiin ng sangkatauhan. Ang personalidad sa romantikong aesthetics ay hindi mahalaga sa sarili nito. Tumataas ang halaga nito habang tumataas ang benepisyong dulot nito sa mga tao. Ang paninindigan ng isang tao sa romantikismo ay binubuo, una sa lahat, sa pagpapalaya sa kanya mula sa indibidwalismo, mula sa mga nakakapinsalang epekto ng sikolohiya ng pribadong ari-arian.

Sa gitna ng romantikong sining ay pagkatao ng tao, ang kanyang espirituwal na mundo, ang kanyang mga mithiin, mga alalahanin at kalungkutan sa mga kondisyon ng burgis na sistema ng buhay, ang pagkauhaw sa kalayaan at kalayaan. Ang romantikong bayani ay naghihirap mula sa paghihiwalay, mula sa kawalan ng kakayahang baguhin ang kanyang posisyon. Samakatuwid, ang mga sikat na genre ng romantikong panitikan, na pinaka-ganap na sumasalamin sa kakanyahan ng romantikong pananaw sa mundo, ay mga trahedya, dramatiko, liriko-epiko at liriko na mga tula, maikling kwento, at elehiya. Inihayag ng Romantisismo ang hindi pagkakatugma ng lahat ng tunay na tao sa prinsipyo ng pribadong pag-aari ng buhay, at ito ang dakilang kahalagahang pangkasaysayan nito. Ipinakilala niya sa panitikan ang isang man-fighter na, sa kabila ng kanyang kapahamakan, ay malayang kumikilos, dahil napagtanto niya na ang pakikibaka ay kinakailangan upang makamit ang isang layunin.

Ang mga romantiko ay nailalarawan sa pamamagitan ng lawak at sukat ng masining na pag-iisip. Upang isama ang mga ideya ng unibersal na kahalagahan ng tao, ginagamit nila ang mga alamat ng Kristiyano, mga kuwento sa Bibliya, sinaunang mitolohiya, at mga katutubong tradisyon. Ang mga makata ng romantikong kilusan ay gumagamit ng pantasya, simbolismo at iba pang kumbensyonal na pamamaraan ng artistikong representasyon, na nagbibigay sa kanila ng pagkakataong ipakita ang katotohanan sa napakalawak na pagkalat na ganap na hindi maiisip sa makatotohanang sining. Hindi malamang, halimbawa, na posible na ihatid ang buong nilalaman ng "Demonyo" ni Lermontov, na sumusunod sa prinsipyo ng makatotohanang typification. Ang makata ay yumakap sa buong sansinukob sa kanyang tingin, nag-sketch ng mga kosmikong tanawin, sa pagpaparami kung saan ang makatotohanang konkreto, pamilyar sa mga kondisyon ng makalupang katotohanan, ay hindi naaangkop:

Sa himpapawid karagatan

Walang timon at walang layag

Tahimik na lumulutang sa ulap

Mga koro ng mga payat na luminaries.

Sa kasong ito, ang karakter ng tula ay mas pare-pareho hindi sa katumpakan, ngunit, sa kabaligtaran, sa kawalan ng katiyakan ng pagguhit, na sa isang mas malaking lawak ay hindi naghahatid ng mga ideya ng isang tao tungkol sa uniberso, ngunit ang kanyang mga damdamin. Sa parehong paraan, ang "pag-ground" at pagkonkreto ng imahe ng Demonyo ay hahantong sa isang tiyak na pagbaba sa pag-unawa sa kanya bilang isang titanic na nilalang, na pinagkalooban ng superhuman na kapangyarihan.

Ang interes sa mga tradisyonal na pamamaraan ng artistikong representasyon ay ipinaliwanag sa pamamagitan ng katotohanan na ang mga romantiko ay madalas na naghaharap ng mga tanong na pilosopikal at pananaw sa mundo para sa paglutas, bagaman, tulad ng nabanggit na, hindi sila nahihiya na ilarawan ang pang-araw-araw, ang prosaic-araw-araw, lahat ng bagay na hindi tugma sa ang espirituwal, tao. Sa romantikong panitikan (sa isang dramatikong tula), ang salungatan ay karaniwang itinayo sa isang banggaan hindi ng mga karakter, ngunit ng mga ideya, buong ideolohikal na konsepto ("Manfred", "Cain" ni Byron, "Prometheus Unbound" ni Shelley), na, natural, kinuha ang sining na lampas sa mga limitasyon ng makatotohanang konkreto.

Ang intelektwalidad ng romantikong bayani at ang kanyang pagkahilig sa pagmuni-muni ay higit na ipinaliwanag sa pamamagitan ng katotohanan na siya ay kumikilos sa iba't ibang mga kondisyon kaysa sa mga karakter sa isang nobelang pang-edukasyon o isang "philistine" na drama noong ika-18 siglo. Ang huli ay kumilos sa saradong globo ng pang-araw-araw na relasyon, ang tema ng pag-ibig ay sinakop ang isa sa mga sentral na lugar sa kanilang buhay. Ang mga romantiko ay nagdala ng sining sa malawak na lawak ng kasaysayan. Nakita nila na ang mga tadhana ng mga tao, ang kalikasan ng kanilang kamalayan ay hindi natutukoy nang labis ng panlipunang kapaligiran kundi ng panahon sa kabuuan, ang mga prosesong pampulitika, panlipunan, at espirituwal na nagaganap dito, na pinaka-tiyak na nakakaimpluwensya sa hinaharap ng lahat. sangkatauhan. Kaya, ang ideya ng pagpapahalaga sa sarili ng indibidwal, ang pag-asa nito sa sarili, ang kalooban nito, gumuho, at ang kondisyon nito ay ipinahayag ng kumplikadong mundo ng mga socio-historical na pangyayari.

Ang romantikismo bilang isang tiyak na pananaw sa mundo at uri ng pagkamalikhain ay hindi dapat malito sa romansa, i.e. isang pangarap ng isang kahanga-hangang layunin, na may adhikain tungo sa ideal at isang marubdob na pagnanais na makita itong maisakatuparan. Ang romansa, depende sa pananaw ng isang tao, ay maaaring maging rebolusyonaryo, pasulong, o konserbatibo, patula sa nakaraan. Maaari itong lumaki sa isang makatotohanang batayan at maging utopyan sa kalikasan.

Batay sa palagay ng pagkakaiba-iba ng kasaysayan at mga konsepto ng tao, tinutulan ng mga romantiko ang imitasyon ng sinaunang panahon at ipinagtanggol ang mga prinsipyo ng orihinal na sining batay sa makatotohanang pagpaparami ng kanilang pambansang buhay, paraan ng pamumuhay, moralidad, paniniwala, atbp.

Ang mga romantikong Ruso ay nagtatanggol sa ideya ng "lokal na kulay," na nagsasangkot ng paglalarawan ng buhay sa pambansang-kasaysayang orihinalidad. Ito ang simula ng pagtagos ng pambansang-kasaysayang pagtitiyak sa sining, na sa huli ay humantong sa tagumpay ng makatotohanang pamamaraan sa panitikang Ruso.

Ang Romantisismo bilang isang kilusan sa pagpipinta ay nabuo sa Kanlurang Europa sa pagtatapos ng ika-18 siglo. Naabot ng Romantisismo ang kasaganaan nito sa sining ng karamihan sa mga bansa sa Kanlurang Europa noong 20-30s. ika-19 na siglo.

Ang terminong "romantisismo" mismo ay nagmula sa salitang "nobela" (nobela noong ika-17 siglo, ang mga nobela ay mga akdang pampanitikan na isinulat hindi sa Latin, ngunit sa mga wikang nagmula rito - Pranses, Ingles, atbp.). Nang maglaon, ang lahat ng hindi maintindihan at mahiwaga ay nagsimulang tawaging romantiko.

Bilang isang kultural na kababalaghan, ang romanticism ay nabuo mula sa isang espesyal na pananaw sa mundo na nabuo ng mga resulta ng Great French Revolution. Nabigo sa mga mithiin ng Enlightenment, ang mga romantiko, na nagsusumikap para sa pagkakaisa at integridad, ay lumikha ng mga bagong aesthetic ideals at artistikong mga halaga. Ang pangunahing bagay ng kanilang atensyon ay ang mga natatanging karakter sa lahat ng kanilang mga karanasan at pagnanais para sa kalayaan. Ang bayani ng mga romantikong gawa - pambihirang tao, na, sa pamamagitan ng kalooban ng kapalaran, natagpuan ang kanyang sarili sa mahirap na mga pangyayari sa buhay.

Bagama't umusbong ang romantisismo bilang protesta laban sa sining ng klasisismo, sa maraming paraan ay malapit ito sa huli. Ang mga romantiko ay bahagyang mga kinatawan ng klasisismo bilang N. Poussin, C. Lorrain, J. O. D. Ingr.

Ipinakilala ng Romantics ang mga natatanging pambansang tampok sa pagpipinta, iyon ay, isang bagay na kulang sa sining ng mga klasiko.
Ang pinakamalaking kinatawan Ang romantikong Pranses ay si T. Gericault.

Theodore Gericault

Si Theodore Gericault, ang mahusay na pintor ng Pransya, iskultor at graphic artist, ay isinilang noong 1791 sa Rouen sa isang mayamang pamilya. Ang kanyang talento bilang isang artista ay nagpakita ng kanyang sarili nang maaga. Kadalasan, sa halip na pumasok sa mga klase sa paaralan, si Gericault ay nakaupo sa kuwadra at gumuhit ng mga kabayo. Kahit noon pa man, hinahangad niyang hindi lamang ilipat ang mga panlabas na katangian ng mga hayop sa papel, kundi upang ihatid din ang kanilang disposisyon at karakter.

Pagkatapos ng pagtatapos mula sa Lyceum noong 1808, si Gericault ay naging isang mag-aaral ng noon ay sikat na master ng pagpipinta na si Carl Vernet, na sikat sa kanyang kakayahang ilarawan ang mga kabayo sa canvas. Gayunpaman, hindi nagustuhan ng batang artista ang istilo ni Vernet. Di-nagtagal, umalis siya sa workshop at pumunta sa pag-aaral sa isa pa, hindi gaanong mahuhusay na pintor kaysa kay Vernet, P. N. Guerin. Ang pagkakaroon ng pag-aaral sa dalawang sikat na artista, gayunpaman ay hindi ipinagpatuloy ni Gericault ang kanilang mga tradisyon sa pagpipinta. Ang kanyang mga tunay na guro ay malamang na ituring na J. A. Gros at J. L. David.

Ang mga unang gawa ni Gericault ay nakikilala sa pamamagitan ng katotohanan na sila ay malapit sa buhay hangga't maaari. Ang ganitong mga pagpipinta ay hindi pangkaraniwang nagpapahayag at nakakaawa. Ipinakikita nila ang masigasig na kalooban ng may-akda kapag tinatasa ang mundo sa paligid niya. Ang isang halimbawa ay ang painting na pinamagatang "Officer of the Imperial Horse Chasseurs during an Attack," na nilikha noong 1812. Ang painting na ito ay unang nakita ng mga bisita sa Paris Salon. Tinanggap nila ang gawain ng batang artista nang may paghanga, pinahahalagahan ang talento ng young master.

Ang gawain ay nilikha sa panahong iyon kasaysayan ng Pranses nang si Napoleon ay nasa tugatog ng kanyang kaluwalhatian. Idolo siya ng kanyang mga kontemporaryo, isang dakilang emperador na nagawang masakop ang karamihan sa Europa. Sa ganitong kalagayan, sa ilalim ng impresyon ng mga tagumpay ng hukbo ni Napoleon, na ang larawan ay ipininta. Makikita sa canvas ang isang sundalong tumatakbong nakasakay sa kabayo para umatake. Bakas sa kanyang mukha ang determinasyon, tapang at walang takot sa harap ng kamatayan. Ang buong komposisyon
kakaibang dinamiko at emosyonal. Nararamdaman ng manonood na siya mismo ay nagiging isang tunay na kalahok sa mga kaganapang inilalarawan sa canvas.

Ang pigura ng matapang na sundalo ay lilitaw nang higit sa isang beses sa mga gawa ni Gericault. Kabilang sa mga naturang larawan, ang mga bayani ng mga kuwadro na "Carabinieri Officer", "Cuirassier Officer Before an Attack", "Portrait of a Carabinieri", "Wounded Cuirassier", na nilikha noong 1812-1814, ay partikular na interes. Huling gawain kapansin-pansin na ipinakita ito sa susunod na eksibisyon na ginanap sa Salon sa parehong taon. Gayunpaman, hindi ito ang pangunahing bentahe ng komposisyon. Higit sa lahat, ipinakita nito ang mga pagbabagong naganap sa malikhaing istilo ng artist. Kung ang kanyang mga unang pagpipinta ay sumasalamin sa taimtim na damdaming makabayan, kung gayon sa kanyang mga gawa na itinayo noong 1814, ang mga kalunos-lunos sa paglalarawan ng mga bayani ay nagbibigay daan sa drama.

Ang ganitong pagbabago sa mood ng artist ay muling nauugnay sa mga kaganapang nagaganap sa France noong panahong iyon. Noong 1812, si Napoleon ay natalo sa Russia, at samakatuwid siya, na dating isang napakatalino na bayani, ay nakuha sa kanyang mga kontemporaryo ang katanyagan ng isang hindi matagumpay na pinuno ng militar at isang mapagmataas na mapagmataas na tao. Ang Gericault ay naglalaman ng perpektong pagkabigo sa pagpipinta na "The Wounded Cuirassier." Ang canvas ay naglalarawan ng isang sugatang mandirigma na nagsisikap na mabilis na umalis sa larangan ng digmaan. Sumandal siya sa isang sable - isang sandata na, marahil ilang minuto lang ang nakalipas, hinawakan niya, itinaas sa ere.

Ang kawalang-kasiyahan ni Géricault sa mga patakaran ni Napoleon ang nagdikta sa kanyang pagpasok sa serbisyo ni Louis XVIII, na kinuha ang trono ng Pransya noong 1814. Ang mga pessimistic na sentimyento ay nauugnay din sa katotohanan na pagkatapos ng ikalawang pag-agaw ng kapangyarihan ni Napoleon sa France (ang panahon ng Daang Araw), ang batang artista ay umalis sa kanyang sariling bansa kasama ang mga Bourbon. Ngunit kahit dito siya ay nabigo. Hindi mapakali ang binata habang sinisira ng hari ang lahat ng nakamit noong panahon ng paghahari ni Napoleon. Bilang karagdagan, sa ilalim ng Louis XVIII, ang pyudal-Katoliko na reaksyon ay tumindi, at ang bansa ay gumulong pabalik nang mas mabilis at mas mabilis, bumalik sa lumang istraktura ng estado. Hindi ito matatanggap ng isang bata, progresibong pag-iisip. Sa lalong madaling panahon, ang binata, na nawalan ng pananampalataya sa kanyang mga mithiin, ay umalis sa hukbo na pinamumunuan ni Louis XVIII at muling kumuha ng mga brush at pintura. Ang mga taong ito ay hindi matatawag na maliwanag o anumang bagay na kapansin-pansin sa gawain ng artista.

Noong 1816, nagpunta si Gericault sa Italya. Ang pagbisita sa Roma at Florence at pinag-aralan ang mga obra maestra ng mga sikat na masters, naging interesado ang artist monumental na pagpipinta. Ang kanyang pansin ay lalo na okupado ng mga fresco ni Michelangelo na pinalamutian Sistine Chapel. Sa oras na ito, lumikha si Gericault ng mga gawa na ang sukat at kamahalan ay sa maraming paraan ay nakapagpapaalaala sa mga pintura ng mga pintor. Mataas na Renaissance. Sa kanila pinakamalaking interes kumakatawan sa "The Rape of a Nymph by a Centaur" at "The Man Slaying the Bull."

Ang parehong mga tampok ng paraan ng mga lumang masters ay makikita sa pagpipinta na "Running of Free Horses in Rome", na isinulat noong 1817 at kumakatawan sa mga kumpetisyon ng mga rider sa isa sa mga karnabal na nagaganap sa Roma. Ang kakaiba ng komposisyon na ito ay naipon ito ng artist mula sa dati nang ginawang natural na mga guhit. Bukod dito, ang likas na katangian ng mga sketch ay kapansin-pansing naiiba sa estilo ng buong trabaho. Kung ang una ay mga eksena na naglalarawan sa buhay ng mga Romano - ang mga kontemporaryo ng artist, kung gayon ang pangkalahatang komposisyon ay naglalaman ng mga larawan ng matapang na sinaunang bayani, na parang umuusbong mula sa mga sinaunang salaysay. Sa ito, si Gericault ay sumusunod sa landas ni J. L. David, na, upang bigyan ang imahe ng heroic pathos, binihisan ang kanyang mga bayani sa mga sinaunang anyo.

Di-nagtagal pagkatapos ng pagpipinta ng pagpipinta na ito, bumalik si Gericault sa France, kung saan siya ay naging miyembro ng bilog ng oposisyon na nabuo sa paligid ng pintor na si Horace Vernet. Pagdating sa Paris, ang artist ay lalo na interesado sa mga graphics. Noong 1818 lumikha siya ng isang serye ng mga lithograph sa tema ng militar, kung saan ang pinakamahalaga ay ang "Bumalik mula sa Russia". Ang lithograph ay naglalarawan ng mga talunang sundalo ng hukbong Pranses na gumagala sa isang maniyebe na bukid. Ang mga pigura ng mga taong lumpo at pagod na sa digmaan ay inilalarawan sa isang parang buhay at makatotohanang paraan. Walang pathos o heroic pathos sa komposisyon, na katangian ng mga unang gawa ni Gericault. Ang artista ay nagsusumikap na ipakita ang totoong estado ng mga gawain, ang lahat ng mga sakuna na ang mga sundalong Pranses na inabandona ng kanilang kumander ay kailangang magtiis sa isang dayuhang lupain.

Sa akdang "Bumalik mula sa Russia" ang tema ng pakikibaka ng tao sa kamatayan ay unang narinig. Gayunpaman, dito ang motif na ito ay hindi pa ipinahayag nang malinaw tulad ng sa mga huling gawa ni Gericault. Ang isang halimbawa ng gayong mga pagpipinta ay ang pagpipinta na tinatawag na "The Raft of the Medusa." Ipininta ito noong 1819 at ipinakita sa Paris Salon noong taon ding iyon. Inilalarawan ng canvas ang mga taong nakikibaka sa nagngangalit na mga elemento ng tubig. Ipinakita ng artista hindi lamang ang kanilang pagdurusa at pagdurusa, kundi pati na rin ang kanilang pagnanais na lumabas na matagumpay sa labanan sa kamatayan sa lahat ng mga gastos.

Ang balangkas ng komposisyon ay idinidikta ng isang kaganapan na naganap noong tag-araw ng 1816 at nasasabik sa buong France. Ang noon ay sikat na frigate na "Medusa" ay tumama sa isang bahura at lumubog sa baybayin ng Africa. Sa 149 na tao sa barko, 15 lamang ang nakatakas, kabilang ang surgeon na si Savigny at ang engineer na si Correar. Pagdating sa bahay, naglathala sila ng isang maliit na libro na nagsasabi tungkol sa kanilang mga pakikipagsapalaran at maligayang kaligtasan. Mula sa mga alaalang ito nalaman ng mga Pranses na ang kasawian ay nangyari dahil sa kasalanan ng walang karanasan na kapitan ng barko, na nakasakay salamat sa pagtangkilik ng isang marangal na kaibigan.

Ang mga imahe na nilikha ng Gericault ay hindi pangkaraniwang dynamic, nababaluktot at nagpapahayag, na nakamit ng artist sa pamamagitan ng mahaba at maingat na trabaho. Upang matapat na ilarawan ang mga kakila-kilabot na kaganapan sa canvas, upang maihatid ang damdamin ng mga taong namamatay sa dagat, nakipagpulong ang artista sa mga nakasaksi ng trahedya, mahabang panahon pinag-aaralan ang mga mukha ng mga pagod na pasyente na ginagamot sa isa sa mga ospital sa Paris, gayundin ang mga mandaragat na nakatakas pagkatapos ng pagkawasak ng barko. Sa oras na ito nilikha ng pintor malaking bilang gawa ng portrait.

Ang rumaragasang dagat, na parang sinusubukang lunukin ang isang marupok na balsa na gawa sa kahoy kasama ng mga tao, ay puno rin ng malalim na kahulugan. Ang larawang ito ay hindi karaniwang nagpapahayag at dynamic. Tulad ng mga pigura ng tao, ito ay kinopya mula sa buhay: ang artist ay gumawa ng ilang mga sketch na naglalarawan sa dagat sa panahon ng isang bagyo. Habang nagtatrabaho sa monumental na komposisyon, higit sa isang beses ay bumaling si Gericault sa mga naunang inihandang sketch upang ganap na maipakita ang likas na katangian ng mga elemento. Iyon ang dahilan kung bakit ang larawan ay gumagawa ng malaking impresyon sa manonood, na kinukumbinsi siya sa pagiging totoo at katotohanan ng nangyayari.

Ang "The Raft of the Medusa" ay nagtatanghal ng Géricault bilang isang kahanga-hangang master ng komposisyon. Sa loob ng mahabang panahon, naisip ng artist kung paano ayusin ang mga figure sa larawan upang lubos na maipahayag ang intensyon ng may-akda. Maraming pagbabago ang ginawa sa daan. Ang mga sketch na nauuna sa pagpipinta ay nagpapahiwatig na sa una ay nais ni Géricault na ilarawan ang pakikibaka ng mga tao sa balsa sa bawat isa, ngunit kalaunan ay inabandona ang gayong interpretasyon ng kaganapan. Sa huling bersyon, kinakatawan ng canvas ang sandali kung kailan nakita ng mga desperado na ang barkong Argus sa abot-tanaw at iniunat ang kanilang mga kamay dito. Ang huling karagdagan sa pagpipinta ay isang pigura ng tao na inilagay sa ibaba, sa kanang bahagi ng canvas. Siya ang huling ugnay ng komposisyon, na pagkatapos nito ay nakakuha ng isang malalim na trahedya na karakter. Kapansin-pansin na ang pagbabagong ito ay ginawa nang ang pagpipinta ay naka-display na sa Salon.

Dahil sa monumentalidad nito at tumaas na emosyonalidad, ang pagpipinta ni Géricault sa maraming paraan ay nakapagpapaalaala sa gawa ng mga masters ng High Renaissance (sa sa mas malaking lawak « Huling Paghuhukom"Michelangelo), na nakilala ng artista sa isang paglalakbay sa Italya.

Ang pagpipinta na "The Raft of the Medusa," na naging isang obra maestra ng pagpipinta ng Pransya, ay isang malaking tagumpay sa mga bilog ng oposisyon, na nakita dito ang isang salamin ng mga rebolusyonaryong mithiin. Para sa parehong mga kadahilanan, ang gawain ay hindi tinanggap sa mga pinakamataas na maharlika at opisyal na kinatawan ng sining ng France. Iyon ang dahilan kung bakit sa oras na iyon ang pagpipinta ay hindi binili ng estado mula sa may-akda.

Nabigo sa pagtanggap na ibinigay sa kanyang nilikha sa kanyang tinubuang-bayan, pumunta si Géricault sa England, kung saan ipinakita niya ang kanyang paboritong trabaho sa British. Sa London, natanggap ng mga art connoisseurs ang sikat na pagpipinta na may malaking kasiyahan.

Nagiging malapit si Gericault sa mga artistang Ingles, na umaakit sa kanya sa kanilang kakayahang tapat at totoo na ilarawan ang katotohanan. Ang Géricault ay naglalaan ng isang serye ng mga lithograph sa buhay at pang-araw-araw na buhay ng kabisera ng England, kung saan ang pinaka-kawili-wili ay ang mga gawa na tinatawag na "The Great English Suite" (1821) at "The Old Beggar Dying at the Door of the Bakery" ( 1821). SA pinakabagong artista itinatanghal ang isang London tramp, na ang imahe ay sumasalamin sa mga impresyon na natanggap ng pintor sa proseso ng pag-aaral ng buhay ng mga tao sa mga kapitbahayan ng uring manggagawa ng lungsod.

Kasama sa parehong siklo ang mga lithograph tulad ng "The Blacksmith of Flanders" at "At the Gates of the Adelphin Dockyard," na nagpapakita sa manonood ng larawan ng buhay ng mga ordinaryong tao sa London. Ang kawili-wili sa mga gawaing ito ay ang mga larawan ng mga kabayo, mabigat at mabigat. Ang mga ito ay kapansin-pansing naiiba sa mga matikas at matikas na hayop na ipininta ng ibang mga artista - mga kontemporaryo ng Gericault.

Habang nasa kabisera ng Inglatera, lumikha si Gericault hindi lamang mga lithograph, kundi pati na rin mga kuwadro na gawa. Ang isa sa mga pinaka-kapansin-pansin na mga gawa sa panahong ito ay ang canvas na "Racing at Epsom," na nilikha noong 1821. Sa pagpipinta, inilalarawan ng artist ang mga kabayo na tumatakbo nang buong bilis, at ang kanilang mga paa ay hindi nakadikit sa lupa. Ginagamit ng master ang tusong pamamaraan na ito (pinatunayan ng litrato na ang ganoong posisyon ng mga binti ng mga kabayo habang tumatakbo ay imposible; ito ang imahinasyon ng artist) upang bigyan ang komposisyon ng dinamismo, upang lumikha sa manonood ng impresyon ng mabilis na kidlat na paggalaw ng ang mga kabayo. Ang pakiramdam na ito ay pinahusay ng tumpak na paglipat ng plasticity (postura, kilos) mga pigura ng tao, pati na rin ang paggamit ng maliwanag at mayaman na mga kumbinasyon ng kulay (pula, bay, puting kabayo; mayaman na asul, madilim na pula, puti-asul at ginintuang-dilaw na jockey jacket).

Ang tema ng karera ng kabayo, na matagal nang nakakaakit ng pansin ng pintor sa pamamagitan ng espesyal na pagpapahayag nito, ay inulit nang higit sa isang beses sa mga gawa na nilikha ni Géricault pagkatapos makumpleto ang trabaho sa "The Epsom Races".

Noong 1822, umalis ang artista sa England at bumalik sa kanyang katutubong France. Dito ay lumilikha siya ng malalaking canvases na katulad ng mga gawa ng mga master ng Renaissance. Kabilang sa mga ito ang "The Negro Trade", "Opening the Doors of the Inquisition Prison in Spain". Ang mga kuwadro na ito ay nanatiling hindi natapos - ang kamatayan ay humadlang kay Gericault na makumpleto ang gawain.

Ang partikular na interes ay ang mga larawan, ang paglikha nito ng mga istoryador ng sining ay nagsimula noong panahon mula 1822 hanggang 1823. Ang kasaysayan ng kanilang pagpipinta ay nararapat na espesyal na pansin. Ang katotohanan ay ang mga larawang ito ay kinomisyon ng isang kaibigan ng artista, na nagtrabaho bilang isang psychiatrist sa isa sa mga klinika sa Paris. Sila ay dapat na maging isang uri ng mga ilustrasyon na nagpapakita ng iba't ibang mga sakit sa pag-iisip ng tao. Ito ay kung paano ipininta ang mga portrait na "Crazy Old Woman", "Madman", "Madman Imagining Himself a Commander". Para sa master ng pagpipinta, hindi gaanong mahalaga na ipakita ang mga panlabas na palatandaan at sintomas ng sakit, ngunit upang ihatid ang panloob, mental na kalagayan ng taong may sakit. Lumitaw sa mga canvases sa harap ng manonood mga trahedya na larawan mga taong puno ng sakit at kalungkutan ang mga mata.

Kabilang sa mga larawan ng Gericault espesyal na lugar inookupahan ng isang larawan ng isang itim na lalaki, na kasalukuyang nasa koleksyon ng Rouen Museum. Ang isang determinado at malakas ang kalooban na lalaki ay tumitingin sa manonood mula sa canvas, handang lumaban hanggang sa wakas na may mga pwersang pagalit sa kanya. Ang imahe ay hindi pangkaraniwang maliwanag, emosyonal at nagpapahayag. Ang lalaki sa larawang ito ay halos kapareho sa mga bayaning malakas ang loob na ipinakita noon ni Géricault sa malalaking komposisyon (halimbawa, sa canvas na "The Raft of the Medusa").

Si Gericault ay hindi lamang isang master ng pagpipinta, kundi isang mahusay na iskultor. Ang kanyang mga gawa sa sining na ito sa simula XIX na siglo kumakatawan sa mga unang halimbawa ng mga romantikong eskultura. Kabilang sa mga naturang gawa, ang hindi pangkaraniwang nagpapahayag na komposisyon na "Nymph at Satyr" ay partikular na interes. Ang mga imaheng nagyelo sa paggalaw ay tumpak na naghahatid ng kaplastikan ng katawan ng tao.

Malungkot na namatay si Theodore Gericault noong 1824 sa Paris, na nahulog mula sa isang kabayo. Ang kanyang maagang pagkamatay ay isang sorpresa sa lahat ng mga kapanahon ng sikat na artista.

Ang gawa ni Gericault ay minarkahan ang isang bagong yugto sa pag-unlad ng pagpipinta hindi lamang sa France, kundi pati na rin sa sining ng mundo - ang panahon ng romantikismo. Sa kanyang mga gawa, napagtagumpayan ng master ang impluwensya ng mga tradisyon ng klasiko. Ang kanyang mga gawa ay hindi pangkaraniwang makulay at sumasalamin sa pagkakaiba-iba ng natural na mundo. Sa pamamagitan ng pagpapakilala ng mga pigura ng tao sa komposisyon, nagsusumikap ang artist na ipakita ang mga panloob na karanasan at emosyon ng isang tao nang buo at malinaw hangga't maaari.

Pagkatapos ng kamatayan ni Gericault, ang mga tradisyon ng kanyang romantikong sining ay kinuha ng nakababatang kontemporaryo ng artist, si E. Delacroix.

Eugene Delacroix

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, sikat artistang Pranses at graphic artist, isang kahalili sa mga tradisyon ng romantikismo na nabuo sa gawain ni Gericault, ay isinilang noong 1798. Nang hindi natapos ang kanyang pag-aaral sa Imperial Lyceum, noong 1815 ay pumasok si Delacroix sa sikat na master Guerin. Gayunpaman masining na pamamaraan Hindi naabot ng batang pintor ang mga kinakailangan ng guro, kaya makalipas ang pitong taon ay iniwan siya ng binata.

Sa pag-aaral kasama si Guerin, si Delacroix ay nagtalaga ng maraming oras sa pag-aaral ng gawain ni David at ang mga masters ng pagpipinta ng Renaissance. Isinasaalang-alang niya ang kultura ng unang panahon, ang mga tradisyon na sinundan ni David, bilang pangunahing para sa pag-unlad ng sining ng mundo. Samakatuwid, ang mga aesthetic ideals para kay Delacroix ay mga gawa ng mga makata at palaisip Sinaunang Greece, bukod sa kanila ay pinahahalagahan ng artista ang mga gawa ni Homer, Horace at Marcus Aurelius.

Ang mga unang gawa ni Delacroix ay mga hindi natapos na canvases, kung saan hinangad ng batang pintor na ipakita ang pakikibaka ng mga Greek sa mga Turko. Gayunpaman, ang artist ay kulang sa kasanayan at karanasan upang lumikha ng isang nagpapahayag na pagpipinta.

Noong 1822, ipinakita ni Delacroix ang kanyang gawa na pinamagatang "Dante and Virgil" sa Paris Salon. Ang canvas na ito ay hindi pangkaraniwang emosyonal at maliwanag scheme ng kulay, ay sa maraming paraan ay nakapagpapaalaala sa gawa ni Géricault na "The Raft of the Medusa."

Pagkalipas ng dalawang taon, isa pang pagpipinta ni Delacroix, "The Massacre on Chios," ang ipinakita sa mga manonood sa Salon. Dito nabuo ang matagal nang plano ng artista na ipakita ang pakikibaka ng mga Greek sa mga Turko. Pangkalahatang komposisyon Ang pagpipinta ay binubuo ng ilang bahagi na bumubuo ng magkahiwalay na inilagay na mga grupo ng mga tao, bawat isa sa kanila ay may sariling dramatikong salungatan. Sa pangkalahatan, ang gawain ay nagbibigay ng impresyon ng malalim na trahedya. Ang pakiramdam ng pag-igting at dynamism ay pinahusay ng kumbinasyon ng mga makinis at matutulis na linya na bumubuo sa mga pigura ng mga karakter, na humahantong sa isang pagbabago sa mga proporsyon ng taong inilalarawan ng artist. Gayunpaman, tiyak na dahil dito na ang larawan ay nakakakuha ng isang makatotohanang katangian at tulad-buhay na panghihikayat.

Ang malikhaing pamamaraan ni Delacroix, na ganap na ipinahayag sa "The Massacre at Chios," ay malayo sa istilong klasiko na tinatanggap noon sa mga opisyal na lupon sa France at sa mga kinatawan ng sining. Samakatuwid, ang pagpipinta ng batang artista ay sinalubong ng malupit na pagpuna sa Salon.

Sa kabila ng kabiguan, ang pintor ay nananatiling tapat sa kanyang ideal. Noong 1827 ay lumitaw ang isa pang gawain, nakatuon sa paksa ang pakikibaka ng mga taong Greek para sa kalayaan - "Greece sa mga guho ng Missolonghi." Ang pigura ng isang determinado at mapagmataas na babaeng Griyego na inilalarawan sa canvas dito ay nagpapakilala sa hindi nasakop na Greece.

Noong 1827, nagsagawa si Delacroix ng dalawang gawa na sumasalamin sa malikhaing paghahanap ng master sa larangan ng paraan at pamamaraan. masining na pagpapahayag. Ito ang mga painting na “The Death of Sardanapalus” at “Marino Faliero”. Sa una sa kanila, ang trahedya ng sitwasyon ay ipinarating sa paggalaw ng mga pigura ng tao. Tanging ang imahe ni Sardanapalus mismo ang static at kalmado dito. Sa komposisyon na "Marino Faliero" tanging ang pigura ng pangunahing tauhan ang dinamiko. Ang iba pang mga bayani ay tila nanigas sa takot sa pag-iisip kung ano ang malapit nang mangyari.

Noong 20s XIX na siglo Nakumpleto ni Delacroix ang isang bilang ng mga gawa, ang mga paksa ay kinuha mula sa sikat mga akdang pampanitikan. Noong 1825, binisita ng artista ang England, ang tinubuang-bayan ni William Shakespeare. Sa parehong taon, sa ilalim ng impluwensya ng paglalakbay na ito at ang trahedya ng sikat na playwright na si Delacroix, ginawa ang lithograph na "Macbeth". Sa panahon mula 1827 hanggang 1828, nilikha niya ang lithograph na "Faust", na nakatuon sa gawa ni Goethe na may parehong pangalan.

Kaugnay ng mga pangyayaring naganap sa France noong 1830, ipininta ni Delacroix ang pagpipinta na “Liberty Leading the People.” Ang rebolusyonaryong France ay kinakatawan sa imahe ng isang kabataan, malakas na babae, makapangyarihan, mapagpasyahan at independiyente, matapang na pinamumunuan ang karamihan, kung saan ang mga pigura ng isang manggagawa, isang estudyante, isang nasugatan na sundalo, isang Parisian gamen ay namumukod-tangi (isang imahe na inaasahan kay Gavroche, na kalaunan ay lumitaw sa "Les Miserables" ni V. Hugo ).

Ang gawaing ito ay kapansin-pansing naiiba sa mga katulad na gawa ng ibang mga artista na interesado lamang sa makatotohanang pag-render ng isang partikular na kaganapan. Ang mga kuwadro na ginawa ni Delacroix ay nailalarawan ng mataas na kabayanihan. Ang mga larawan dito ay mga pangkalahatang simbolo ng kalayaan at kalayaan ng mga Pranses.

Sa pagdating sa kapangyarihan ni Louis Philippe, ang burges na hari, ang kabayanihan at kahanga-hangang damdaming ipinangaral ni Delacroix ay walang nakitang lugar sa modernong buhay. Noong 1831, ang artista ay naglakbay sa mga bansang Aprikano. Bumisita siya sa Tangier, Meknes, Oran at Algiers. Kasabay nito, bumisita si Delacroix sa Espanya. Ang buhay ng Silangan ay literal na nabighani sa artista sa mabilis na daloy nito. Gumagawa siya ng mga sketch, mga guhit at isang hanay ng mga gawa ng watercolor.

Pagkatapos bisitahin ang Morocco, nagpinta si Delacroix ng mga canvases na nakatuon sa Silangan. Ang mga kuwadro na kung saan ang artist ay nagpapakita ng mga karera ng kabayo o mga labanan ng mga Moorish na mangangabayo ay hindi pangkaraniwang dinamiko at nagpapahayag. Sa paghahambing, ang komposisyon na "Algerian Women in Their Chambers," na nilikha noong 1834, ay tila kalmado at hindi nagbabago. Wala itong ganoong mabilis na dinamika at tensyon na katangian ng higit pa maagang mga gawa artista. Lumilitaw dito si Delacroix bilang master of color. Ang scheme ng kulay na ginamit ng pintor ay ganap na sumasalamin sa maliwanag na pagkakaiba-iba ng palette, na iniuugnay ng manonood sa mga kulay ng Silangan.

Ang canvas na "Jewish Wedding in Morocco," na ipininta noong 1841, ay nailalarawan sa parehong kabagalan at regularidad Ang isang misteryosong oriental na kapaligiran ay nilikha dito salamat sa tumpak na pag-render ng artist ng pagiging natatangi ng pambansang interior. Ang komposisyon ay tila nakakagulat na dinamiko: ipinapakita ng pintor kung paano umakyat ang mga tao sa hagdan at pumasok sa silid. Ang liwanag na pumapasok sa silid ay ginagawang makatotohanan at nakakumbinsi ang imahe.

Ang mga silangang motif ay naroroon pa rin sa mga gawa ni Delacroix sa mahabang panahon. Kaya, sa eksibisyon na inorganisa sa Salon noong 1847, sa anim na gawa na ipinakita niya, lima ang nakatuon sa buhay at paraan ng pamumuhay ng Silangan.

Noong 30-40s. Noong ika-19 na siglo, lumitaw ang mga bagong tema sa gawa ni Delacroix. Sa oras na ito, ang master ay lumilikha ng mga gawa ng mga makasaysayang tema. Kabilang sa mga ito, ang mga kuwadro na "Mirabeau's Protest against the Dissolution of the Estates General" at "Boissy d'Anglas" ay nararapat na espesyal na pansin. Ang sketch ng huli, na ipinakita noong 1831 sa Salon, ay isang kapansin-pansing halimbawa ng mga komposisyon sa tema ng isang popular na pag-aalsa.

Ang mga kuwadro na "The Battle of Poitiers" (1830) at "The Battle of Taibourg" (1837) ay nakatuon sa imahe ng mga tao. Ang dynamics ng labanan, ang paggalaw ng mga tao, ang kanilang galit, galit at pagdurusa ay ipinapakita dito nang buong realismo. Ang artista ay nagsusumikap na ihatid ang mga damdamin at hilig ng isang taong nalulula sa pagnanais na manalo sa anumang halaga. Ang mga pigura ng mga tao ang pangunahing naghahatid ng dramatikong katangian ng kaganapan.

Kadalasan sa mga gawa ni Delacroix, ang nagwagi at ang natalo ay mahigpit na magkasalungat sa isa't isa. Ito ay lalo na malinaw na nakikita sa canvas na "The Capture of Constantinople by the Crusaders," na ipininta noong 1840. Sa harapan ay isang grupo ng mga tao na dinaig ng kalungkutan. Sa likod ng mga ito ay isang kaaya-aya, kaakit-akit na tanawin. Ang mga figure ng matagumpay na mga mangangabayo ay inilalagay din dito, na ang mga nakakatakot na silhouette ay kaibahan sa malungkot na mga pigura sa harapan.

Ang Pagkuha ng Constantinople ng mga Krusada ay nagpapakita kay Delacroix bilang isang kahanga-hangang colorist. Gayunpaman, ang maliwanag at puspos na mga kulay ay hindi nagpapahusay sa trahedya na prinsipyo, ang mga exponent nito ay mga malungkot na figure na matatagpuan malapit sa manonood. Sa kabaligtaran, ang mayamang palette ay lumilikha ng pakiramdam ng isang holiday na inayos bilang parangal sa mga nanalo.

Hindi gaanong makulay ang komposisyon na "Trajan's Justice," na nilikha noong parehong 1840. Kinilala ng mga kontemporaryo ng artist ang pagpipinta na ito bilang isa sa pinakamahusay sa lahat ng mga painting ng artist. Ang partikular na interes ay ang katotohanan na sa panahon ng trabaho ang master ay nag-eksperimento sa larangan ng kulay. Maging ang kanyang mga anino ay may iba't ibang kulay. Ang lahat ng mga kulay ng komposisyon ay eksaktong tumutugma sa kalikasan. Ang pagsasagawa ng trabaho ay nauna sa mahabang obserbasyon ng pintor sa mga pagbabago sa mga lilim sa kalikasan. Isinulat ito ng artista sa kanyang talaarawan. Pagkatapos, gamit ang mga rekord, kinumpirma ng mga siyentipiko na ang mga natuklasan na ginawa ni Delacroix sa larangan ng tonality ay ganap na naaayon sa doktrina ng kulay na ipinanganak noong panahong iyon, ang nagtatag kung saan ay si E. Chevreuil. Bilang karagdagan, inihambing ng artist ang kanyang mga natuklasan sa palette na ginamit paaralan ng Venice, na isang halimbawa ng kasanayan sa pagpinta para sa kanya.

Kabilang sa mga pagpipinta ni Delacroix, ang mga larawan ay sumasakop sa isang espesyal na lugar. Ang master ay bihirang bumaling sa ganitong genre. Ipininta lamang niya ang mga taong matagal na niyang kilala, na ang espirituwal na pag-unlad ay naganap sa harap ng mga mata ng artista. Samakatuwid, ang mga imahe sa mga portrait ay napaka nagpapahayag at malalim. Ito ang mga larawan nina Chopin at Georges Sand. Ang canvas na nakatuon sa sikat na manunulat (1834) ay naglalarawan ng isang marangal at malakas sa espiritu isang babaeng humahanga sa kanyang mga kasabayan. Ang larawan ni Chopin, na ipininta pagkaraan ng apat na taon, noong 1838, ay nagpapakita ng mala-tula at espirituwal na imahe ng mahusay na kompositor.

Isang kawili-wili at hindi pangkaraniwang nagpapahayag na larawan ng sikat na biyolinista at kompositor na si Paganini, na ipininta ni Delacroix noong 1831. Ang estilo ng musikal ng Paganini ay sa maraming paraan ay katulad ng paraan ng pagpipinta ng pintor. Ang gawa ni Paganini ay nailalarawan sa parehong pagpapahayag at matinding emosyonalidad na katangian ng mga gawa ng pintor.

Ang mga landscape ay sumasakop sa isang maliit na lugar sa trabaho ni Delacroix. Gayunpaman, sila ay naging napakahalaga para sa pag-unlad ng French painting ng pangalawa kalahati ng ika-19 na siglo mga siglo. Ang mga tanawin ng Delacroix ay minarkahan ng pagnanais na tumpak na maihatid ang liwanag at ang mailap na buhay ng kalikasan. Ang mga matingkad na halimbawa nito ay ang mga canvases na "Sky," kung saan nagkakaroon ng sense of dynamics salamat sa mga snow-white clouds na lumulutang sa kalangitan, at "The Sea Visible from the Shores of Dieppe" (1854), kung saan mahusay na ipinapahayag ng pintor. ang pagdausdos ng magaan na naglalayag na mga barko sa ibabaw ng dagat.

Noong 1833, nakatanggap ang pintor ng utos mula sa hari ng Pransya upang ipinta ang bulwagan sa Bourbon Palace. Ang gawain sa paglikha ng monumental na gawain ay tumagal ng apat na taon. Kapag isinasagawa ang utos, ang pintor ay ginabayan lalo na sa katotohanan na ang mga imahe ay napaka-simple at maigsi, naiintindihan ng manonood.
Ang huling gawa ni Delacroix ay ang pagpipinta ng Chapel of the Holy Angels sa Church of Saint-Sulpice sa Paris. Ito ay naisakatuparan sa panahon mula 1849 hanggang 1861. Gamit ang maliliwanag, mayaman na kulay (rosas, maliwanag na asul, lila, inilagay sa isang abo-asul at dilaw-kayumanggi na background), ang artist ay lumilikha ng isang masayang kalagayan sa mga komposisyon, na pumupukaw ng isang pakiramdam sa manonood masigasig na pagsasaya. Ang tanawin, kasama sa pagpipinta na "The Expulsion of Iliodor from the Temple" bilang isang uri ng background, ay biswal na pinatataas ang espasyo ng komposisyon at ang lugar ng kapilya. Sa kabilang banda, na parang sinusubukang bigyang-diin ang nakapaloob na espasyo, ipinakilala ni Delacroix ang isang hagdanan at isang balustrade sa komposisyon. Ang mga figure ng mga tao na nakalagay sa likod nito ay tila halos flat silhouettes.

Namatay si Eugene Delacroix noong 1863 sa Paris.

Si Delacroix ang pinaka-edukado sa mga pintor noong unang kalahati ng ika-19 na siglo. Marami sa mga paksa ng kanyang mga pagpipinta ay kinuha mula sa mga akdang pampanitikan sikat na masters ng panulat. Ang isang kagiliw-giliw na katotohanan ay madalas na pininturahan ng artista ang kanyang mga character nang hindi gumagamit ng isang modelo. Siya ay naghangad na ituro ang parehong sa kanyang mga tagasunod. Ayon kay Delacroix, ang pagpipinta ay isang bagay na mas kumplikado kaysa sa isang primitive na pagkopya ng mga linya. Naniniwala ang artista na ang sining, una sa lahat, ay nakasalalay sa kakayahang ipahayag ang kalooban at malikhaing layunin ng master.

Si Delacroix ang may-akda ng ilan mga gawang teoretikal, nakatuon sa mga isyu kulay, paraan at istilo ng artista. Ang mga gawang ito ay nagsilbing isang beacon para sa mga pintor ng mga susunod na henerasyon sa paghahanap ng kanilang sarili masining na paraan, ginagamit upang lumikha ng mga komposisyon.

Ang isang hamon sa mga nakapirming canon ng klasisismo ay ang romantikismo - isang ideolohikal at masining na kilusan na lumitaw sa kulturang Europeo at Amerikano sa pagtatapos ng ika-18 siglo - ang unang kalahati ng ika-19 na siglo, bilang isang reaksyon sa aesthetics ng klasisismo. Ang panahon ng Romantisismo ay bumagsak sa makasaysayang panahon sa pagitan ng dakilang Rebolusyong Pranses noong 1789 at ng mga rebolusyong burges-demokratikong Europeo noong 1848, turning point sa buhay ng mga taong Europeo. Ang mabilis na pag-unlad ng kapitalismo ay nagpapahina sa mga pundasyon ng pyudal na sistema, at ang mga relasyong panlipunan na pinagtibay sa loob ng maraming siglo ay nagsimulang gumuho sa lahat ng dako. Ang mga rebolusyon at reaksyon ay yumanig sa Europa, ang mapa ay muling iginuhit. Sa mga magkasalungat na kondisyong ito, naganap ang isang espirituwal na pagbabagong-buhay ng lipunan.

Ang romantikismo ay unang umunlad (1790s) sa pilosopiya at tula sa Germany, at nang maglaon (1820s) ay kumalat sa England, France at iba pang mga bansa. Ang Romantisismo ay naglalatag ng batayan para sa pang-unawa ng buhay sa salungatan sa pagitan ng ideal at katotohanan, kahanga-hangang damdamin at pang-araw-araw na buhay.

Ang kalagitnaan ng 1600s ay nagsimula sa Edad ng Enlightenment (o "Panahon ng Dahilan"), na nagdiwang ng makatuwirang pag-iisip, sekularismo, at pag-unlad ng siyensya. Ang unang gumaganang steam engine, na itinayo noong 1712, ay makikita bilang simula ng Industrial Revolution na sa kalaunan ay wawakasan ang Western Hemisphere. Binago ng industriyalisasyon ang mga ekonomiya ng Kanlurang Europa at Hilagang Amerika, na nagpilit sa kanila na lumipat mula sa pag-asa sa agrikultura tungo sa pagmamanupaktura. Gayunpaman, hindi lahat ay naniniwala na ang agham at katwiran ay maaaring ipaliwanag ang lahat. Ang kanilang reaksyon laban sa patuloy na industriyalisasyon ay isang kilusang sumasaklaw sa lahat - Romantisismo.

Ang terminong Romantisismo ay unang ginamit sa Alemanya sa pagtatapos ng ika-18 siglo, nang ang mga kritiko na sina August at Friedrich Schlegel ay lumikha ng kahulugan ng romantische Poesie (panulaang romantiko). Si Madame de Staël, isang maimpluwensyang pinuno sa intelektwal na buhay ng Pransya, ay nagpasikat ng termino sa France pagkatapos maglathala ng isang account ng kanyang mga paglalakbay sa Aleman noong 1813. Noong 1815, ang makatang Ingles na si William Wordsworth, na naging nangungunang tinig ng kilusang Romantiko at naniniwala na ang tula ay dapat na "isang kusang pag-uumapaw ng matinding damdamin," "salungat sa romantikong alpa sa klasikal na lira." Pagtagumpayan ang itinatag na kaayusan, ang Romantisismo ay naging nangingibabaw na kilusang masining sa buong Europa noong 1820s.

Ang isang maagang prototype ng Romantisismo ay ang kilusang German Sturm und Drang. Bagama't ang Sturm und Drang ay pangunahing isang literary phenomenon, ito ay nagkaroon ng malaking impluwensya sa publiko at artistikong kamalayan. Kinuha ng kilusan ang pangalan nito mula sa pamagat ng isang dula (1777) ni Friedrich Maxmilian Klinger.

Tulad ng nabuo ng British estadista Edmund Burke, na unang bumuo ng kahanga-hanga bilang isang malayang aesthetic na konsepto, sa kanyang treatise na "A Philosophical Inquiry Concerning the Origin of Our Concepts of the Sublime and Beautiful" (1757): "Everything that is in any way capable of evoking ideas of suffering at ang panganib ang pinagmumulan ng kahanga-hanga, pagkatapos ay "nagbubunga ng pinakamalakas na impresyon na ang kamalayan ay may kakayahang madama." Noong 1790 pilosopong Aleman Si Immanuel Kant, na nag-aral ng kaugnayan sa pagitan ng katwiran at karanasan ng tao, ay bumuo ng mga konsepto ni Burke sa kanyang pagpuna sa paghatol. Ang ideya ng kahanga-hanga ay naging sentro sa karamihan ng Romantisismo upang kontrahin ang katwiran ng Enlightenment.

Dinala ng rebolusyong ito ekonomiya ng pamilihan, batay sa mga bagong teknolohiya - kapangyarihan ng makina. Ngunit may mga taong lumingon nang may pananabik sa nakaraan, nakikita ito bilang isang romantikong panahon, isang panahon kung saan ang lahat ay iba. Sa panahong ito, nagkaroon ng lumalagong reaksyon laban sa pilosopiya ng Enlightenment, na pangunahing binibigyang-diin ang agham at makatuwirang pag-iisip. Hinamon ng Romantics ang ideya na ang katwiran ay ang tanging landas sa katotohanan, isinasaalang-alang ito ay hindi sapat para sa pag-unawa sa mga dakilang misteryo ng buhay. Ayon sa mga romantiko, ang mga lihim na ito ay maaaring ibunyag sa tulong ng mga emosyon, imahinasyon at intuwisyon. Sa romantikong sining, ang kalikasan, na may hindi mapigil na kapangyarihan at hindi mahuhulaan, ay nag-aalok ng alternatibo sa ayos na mundo ng pag-iisip ng paliwanag.

“Ang romantikismo ay wala sa pagpili ng mga paksa, hindi sa verisimilitude, kundi sa isang espesyal na “paraan ng pakiramdam,” ang isinulat ng makata at kritiko na si Charles Baudelaire noong 1846. Mula sa pananaw ni Baudelaire, niyakap ng Romantisismo ang malawak na hanay ng mga istilo at paksa, mula sa kasaysayan at mito hanggang sa Orientalismo at nasyonalismo.

Tinalikuran ng mga romantikong artista ang didaktisismo ng neoclassical history painting sa pabor sa mga haka-haka at kakaibang paksa. Ang Orientalismo at ang mundo ng panitikan ay nagpasigla ng mga bagong diyalogo sa nakaraan at sa kasalukuyan. Sinasalamin ng sinuous odalisques ni Ingres ang modernong pagkahumaling sa exoticism ng harem. Noong 1832 nagpunta si Delacroix sa Morocco, at ang kanyang paglalakbay sa Hilagang Africa hinikayat ang ibang mga artista na tularan ang kanyang halimbawa. Nag-aalok ang panitikan ng alternatibong anyo ng pagtakas. Ang mga nobela ni Sir Walter Scott, ang tula ni Lord Byron at ang drama ni Shakespeare ay naghatid ng sining sa ibang mga mundo at panahon. Kaya, ang medieval England ay ang lokasyon ng Delacroix's "The Rape of Rebecca," ang pananaw ng may-akda ng isang sikat na romantikong balangkas na hiniram mula kay Walter Scott.

Sa bahaging inspirasyon ng ideyalismo ng Rebolusyong Pranses, niyakap ng Romantisismo ang pakikibaka para sa kalayaan at pagkakapantay-pantay at pagtataguyod ng katarungan. Sinimulan ng mga artista ang paggamit ng mga kasalukuyang kaganapan at kalupitan upang bigyang-liwanag ang kawalan ng katarungan sa mga dramatikong komposisyon na tumutuligsa sa mas tahimik na neoclassical na mga painting sa kasaysayan na pinagtibay ng National Academies.

Sa maraming bansa, ibinaling ng mga Romantic artist ang kanilang atensyon sa kalikasan at plein air painting, o pagpipinta sa open air. Gumagana batay sa malapit na pagmamasid sa landscape na itinaas ang pagpipinta ng landscape bagong antas. Bagama't binigyang-diin ng ilang mga artista ang tao bilang bahagi ng kalikasan, ang iba ay naglalarawan ng kapangyarihan at hindi mahuhulaan nito, na nag-udyok sa manonood ng isang pakiramdam ng kahanga-hanga - sindak na may halong katakutan.

Romantisismo sa Alemanya

Sa Germany, isang nakababatang henerasyon ng mga artista ang tumugon sa pagbabago ng mga panahon na may proseso ng pagsisiyasat: umatras sila sa isang mundo ng damdamin - na inspirasyon ng isang sentimental na pananabik para sa nakaraan, tulad ng panahon ng medieval, na ngayon ay nakikita bilang isang panahon kung saan ang mga tao ay namuhay nang naaayon sa kanilang sarili at sa mundo. Sa kontekstong ito, ang pagpipinta na "Gothic Cathedral by the Water" ni Karl Friedrich Schinkel ay kasinghalaga ng mga gawa ng Nazarenes - Friedrich Overbeck, Julius Schnorr von Carolsfeld at Franz Pforr, na nagmula sa mga nakalarawang tradisyon ng Italian Early Renaissance at ang sining ng Aleman noong panahon ni Albrecht Dürer . Sa mga alaala ko sa nakaraan mga romantikong artista ay napakalapit sa neoclassicism, maliban na ang kanilang historicism ay pinuna ang rationalist position ng neoclassicism.

Ang Romantikong kilusan ay nagsulong ng malikhaing intuwisyon at imahinasyon bilang batayan ng lahat ng sining. Ang gawa ng sining ay naging isang pagpapahayag ng "ang tinig mula sa loob," gaya ng sinabi ng nangungunang Romantic artist na si Caspar David Friedrich (1774-1840). Ang ginustong genre sa mga Romantics ay landscape painting. Ang kalikasan ay nakita bilang isang salamin ng kaluluwa, habang sa Alemanya na pinipigilan ng pulitika ay nakita rin ito bilang isang simbolo ng kalayaan at walang limitasyon. Kaya, ang iconograpia ng Romantikong sining ay kinabibilangan ng mga malungkot na pigura na naghahanap ng matagal sa malayo, pati na rin ang mga vanitas motif (mga patay na puno, tinutubuan na mga guho), na sumisimbolo sa transience at finitude ng buhay.

Romantisismo sa Espanya

Ang pag-unlad ng romantikismo sa Espanya noong dekada 30. pinasigla ng rebolusyonaryo-makabayan na adhikain ng simula ng siglo. Matapos ang mahabang panahon ng pangingibabaw ng mga dayuhan, ang pangingibabaw ng akademya sa lahat ng larangan ng artistikong kultura, ang paglitaw ng romantisismo sa Espanya ay nagkaroon ng pangkalahatang progresibong kahalagahan, na nag-aambag sa pagtaas ng pambansang kamalayan sa sarili. Ang Romantisismo ay nag-update ng agham pangkasaysayan ng Espanya, nagpakilala ng maraming sariwang bagay sa pag-unlad ng panitikan at teatro, na muling binuhay ang interes sa mga tradisyon ng "ginintuang panahon" at sa katutubong sining. Ngunit sa larangan ng sining, ang romantikong Espanyol ay hindi gaanong maliwanag at orihinal. Mahalaga na ang pinagmumulan ng inspirasyon dito ay hindi ang sining ng Goya kundi ang mga gawa ng romantikismo sa ibang mga bansa sa Kanlurang Europa.

Si Francisco de Goya ang pinakakilala sa mga romantikong Espanyol. Habang siya ang opisyal na pintor ng korte ng hari, sa pagtatapos ng ika-18 siglo, sinimulan niyang tuklasin ang haka-haka, hindi makatwiran at kakila-kilabot ng pag-uugali at digmaan ng tao. Ang kanyang mga gawa, kabilang ang pagpipinta na The Third of May 1808 (1814) at ang serye ng mga print na The Disasters of War (1812-15), ay makapangyarihang mga pagsaway sa digmaan.

Romantisismo sa France

Pagkatapos ng Napoleonic Wars, nagsimulang hamunin ng mga Romantic artist ang neoclassicism ni Jacques Louis David, isang pioneering artist na aktibo sa panahon ng French Revolution, at ang pangkalahatang neoclassical na istilo na pinapaboran ng Academy. Hindi tulad ng kanilang mga kasamahan sa Aleman, ang mga Pranses ay nagpinta hindi lamang ng mga larawan, ngunit lumikha din ng mga makasaysayang canvases.

Sa France, ang mga pangunahing romantikong artista ay sina Baron Antoine Gros, na nagpinta ng mga dramatikong larawan ng mga kontemporaryong kaganapan ng Napoleonic Wars, at Theodore Géricault. Ang pinakadakilang French Romantic na pintor ay si Eugene Delacroix, na kilala sa kanyang malaya at makahulugang brushwork, mayaman at sensuous na paggamit ng kulay, mga dynamic na komposisyon at kakaiba at adventurous na paksa, mula sa North African Arab life hanggang sa rebolusyonaryong pulitika. Paul Delaroche, Théodore Chasserio at, minsan, J.-A.-D. Kinakatawan ng Ingres ang pinakahuli, mas pang-akademikong yugto romantikong pagpipinta sa France.

Romantisismo sa England

Maliban kay William Blake, mas gusto ng mga English Romantic artist ang landscape. Ang kanilang mga paglalarawan, gayunpaman, ay hindi kasing-dramatiko at kahanga-hanga gaya ng kanilang mga katapat na Aleman, ngunit mas naturalistiko. Ang Norwich School ay isang grupo ng mga pintor ng landscape na binuo mula sa Norwich Society of Artists noong 1803. Si John Crome, ay isa sa mga tagapagtatag ng grupo at ang unang pangulo ng Norwich Society, na nagdaos ng taunang mga eksibisyon mula 1805-1833. Binigyang-diin ng mga miyembro ng grupo ang plein air painting.

Kung ang gawain ng mga romantikong Aleman ay nailalarawan sa pamamagitan ng mistisismo na kinuha mula sa mahiwagang alamat at mga kwentong bayan, ang romantikong pinong sining ng England ay may ganap na magkakaibang mga tampok. Sa mga gawa ng landscape ng mga English masters, ang mga romantikong pathos ay pinagsama sa mga elemento ng makatotohanang pagpipinta. John Constable at William Turner - pinakamalaking kinatawan romantikong tanawin sa England.

Romantisismo sa Estados Unidos

Ang romantikong Amerikano ay natagpuan ang pangunahing pagpapahayag nito sa pagpipinta ng tanawin Mga Paaralan ng Hudson River (1825-1875). Habang nagsimula ang kilusan kay Thomas Doughty, na ang gawain ay nagbigay-diin sa isang uri ng katahimikan sa kalikasan, ang pinakasikat na miyembro ng grupo ay si Thomas Cole, na ang mga tanawin ay naghahatid ng isang pakiramdam ng pagkamangha sa kalawakan ng kalikasan. Iba mga sikat na artista ng paaralang ito ay sina Frederic Edwin Church, Asher B. Durand at Albert Bierstadt. Ang gawain ng karamihan sa mga artist na ito ay nakatuon sa landscape ng Adirondacks, White Mountains, at Catskills ng Northeast, ngunit unti-unting sumanga sa American West, pati na rin sa Southern at Latin American landscapes.

Kabilang sa mga pinakadakilang Romantic artist ay sina Henry Fuseli (1741-1825), Francisco Goya (1746-1828), Caspar David Friedrich (1774-1840), JMW Turner (1775-1851), John Constable (1776-1837), Theodore Géricault ( 1791-1824) at Eugene Delacroix (1798-63). Romantikong sining ay hindi pinalitan ang neoclassical na istilo, ngunit sa halip ay kumilos bilang isang panimbang sa higpit at katigasan nito. Bagama't humina ang Romantisismo noong 1830, nagpatuloy ang impluwensya nito sa mahabang panahon.

Ang romantikong istilo ng pagpipinta ay nagpasigla sa paglitaw ng maraming paaralan, tulad ng: ang Barbizon School, ang Norwich School of Landscape Painters; ang mga Nazarene, isang grupo ng mga artistang Katolikong Aleman at Austrian; simbolismo (halimbawa, Arnold Böcklin).

Caspar David Friedrich "Wanderer above the sea of ​​fog." 94.8 x 74.8 cm Langis sa canvas. Hamburg Kunsthallee, 1818

Theodore Gericault. Balsa "Medusa". 491 x 716 cm. Langis sa canvas. Louvre, Paris, 1819

Carl Friedrich Lessing "Ang Pagkubkob (Pagtatanggol sa Bakuran ng Simbahan sa Tatlumpung Taon na Digmaan)." Langis sa canvas. Museo Kunstpalast, Dusseldorf, 1848

William Turner. "Tulay ng mga Simbolo", 1933

Mga tag

romanticism, Friedrich, Géricault, The Age of Romanticism.