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Ich habe kürzlich das wissenschaftliche und literarische Werk von Stepanov A.V. „getroffen“. „Kunst der Renaissance. Italien. XIV.-XV. Jahrhundert.“ Ich habe beschlossen, einen Aufsatz zu einem bestimmten Thema zu schreiben, weil letztes Mal begann sich für Kunst zu interessieren.
Als ich das Buch aufschlug, stellte ich fest, dass dies für mich eine ungewöhnliche Kunstgeschichte war, in der es keine akademische Erzählung gab. Der Autor reflektiert das Thema „Renaissance“, warum und woher dieser Begriff kommt. Meiner Meinung nach ist dies ein sehr interessanter Vortrag eines Wissenschaftlers, obwohl er dessen wissenschaftliche Bedeutung bestreitet. Was schreibt er: „... der Leser wird darin keine Geschichte der Kunst der Renaissance finden. Was vor ihm liegt, ist keine Geschichte, sondern ein Kaleidoskop von Essays darüber, wie brillante Maler und Bildhauer, jeder auf seine eigene Weise, Probleme lösten – persönliche und solche, die ihnen von der Kirche, der Stadt, dem Herrscher und Privatpersonen gestellt wurden Einzelpersonen.“ Dieser Satz hat mich sofort fasziniert; Ich wurde neugierig, wie der Autor die Helden seines, ich würde sagen, fiktionalen Buches kommentieren und präsentieren würde.
„Es gibt nicht viel Lärm in dem Buch, da ich es nur für mittelmäßig halte
Der Künstler ist ein Produkt der Zeit. Das Genie selbst verändert sich
die Zeit, in der oder gegen die er lebt.“
Und es ist wahr, dass ein genialer Mann seiner Zeit voraus ist, etwas Beispielloses und Wagemutiges schafft. Zeitgenossen verstehen manchmal nicht einmal die Bedeutung dessen, was das Genie getan hat, aber die nächste Generation, die die vergangenen Jahre studiert, ist begeistert und will es Tauchen Sie ein in das Leben eines begabten Menschen. Die Renaissance ist zu einem Symbol für Kultur, Talent und etwas Höheres im Bereich der Kunst geworden. Es bleibt mir immer noch ein Rätsel, wie so großartige Menschen fast gleichzeitig geboren werden konnten. Sie haben etwas Unglaubliches geschaffen, das uns noch heute in Erstaunen versetzt. Heutzutage führen sie oft Experimente durch und versuchen, die Geheimnisse großer Fresken und Skulpturen zu lüften, aber alles ist vergebens. „Mo;na Liza“, auch bekannt als „Gioko;nda“ – ein Gemälde von Leonardo da Vinci, ist bis heute ein Meisterwerk und unerkannte Perfektion geblieben, was noch mehr Aufmerksamkeit erregt. Ich kann nicht umhin, mich an das Deckengemälde der Sixtinischen Kapelle zu erinnern, den berühmtesten Freskenzyklus von Michelangelo, der als göttliche Schöpfung gilt. Der Künstler stand vor einer unglaublichen Aufgabe: Er musste in kurzer Zeit an der Decke bauen Gemälde, aber wir dürfen nicht vergessen, dass Michelangelo sich selbst als Bildhauer und nicht als Maler betrachtete. Daraus folgt, dass der Befehl von Papst Julius || war damals fast unrealistisch, aber er schaffte es und übertraf darüber hinaus seine Zeitgenossen. Und so wie sie versuchen, die Gemälde von Leonardo da Vinci zu entschlüsseln, versuchen sie es auch mit den Fresken von Michelangelo. In jüngerer Zeit wollten Künstler etwas Ähnliches wie das schaffen, was der italienische Bildhauer geschaffen hat, aber selbst mit der heutigen Technologie hatten sie nicht genug Zeit, um ein solch komplexes Werk zu schaffen. Dies spricht für das Talent der Renaissance-Künstler.
Zusätzlich zu Ihrem damaligen Talent mussten Sie wie heute in der Lage sein, „sich selbst“, also Ihre Arbeit, zu verkaufen. Da das Leben als Künstler sowohl jetzt als auch in vergangenen Jahrhunderten nicht einfach ist, wird dies auch durch den Eintrag belegt:
„In einigen Städten ist die Position der Stadt
Maler oder Bildhauer. Also reich und mit Propaganda beschäftigt
Venedigs eigene Pracht existiert seit 1474
Position;Maler der Republik;. Das waren die Heiden
und Giovanni Bellini, ab 1516 – Tizian. Sie erhielten
kein Gehalt, sondern ein Maklerpatent, das ihnen viel Geld einbrachte
- etwa hundert Dukaten pro Jahr. Doch das sind seltene Ausnahmen, die die Regel bestätigen: Fast alle Künstler der Renaissance mussten mitrechnen
nur für mehr oder weniger profitable Aufträge. Selbstverständlich
Es war klar, dass der Kunde dies auf eigenen Wunsch und in irgendeiner Weise tun konnte
; von der bereits begonnenen Meisterarbeit wegzunehmen. Benvenuto Cellini, der sein Leben lang für seine Rechte kämpfte, verglich diesen Brauch
Kunden mit Aktionen; einige tyrannische Herrscher,
die ihrem Volk so viel Böses antun, wie sie nur können, ohne es zu bemerken
kein Gesetz, keine Gerechtigkeit;
Viele Maler träumten davon, einen festen Mäzen zu finden, um ihre materiellen Probleme für eine Weile zu vergessen, und dachten, dass sie in dieser Zeit ihre Werke schaffen würden, aber meistens stellte sich heraus, dass der Kunde die Kunst nicht verstand, was für sie eine Belastung darstellte der Schöpfer. Er musste
„nachgeben“ und manchmal Produkte herstellen, die ihm nicht nahe standen. Dadurch verlor der Künstler seine Individualität, gewann aber finanzielle Stabilität.
Der bedeutendste Förderer der Renaissance war die Medici-Familie, dank derer wir heute viele brillante Werke sehen können. Für sie arbeiteten Meister wie Verrocchio, Michelangelo, Botticelli, Giorgio Vasari, Raffael und Tizian. Ich habe die „großen“ Namen dieser Jahre aufgelistet; natürlich sind das nicht alle Vertreter der Malerei und Bildhauerei. In Florenz befanden sich auf ihrem Privatgrundstück die Uffizien, in denen sich viele Meisterwerke befanden; heute ist es das meistbesuchte staatliche Museum Italiens, das jeder besuchen kann. Daher haben nicht alle Kunstmäzene die Originalität der Kreativität zerstört. Doch noch immer verstand die Mehrheit das Meisterwerk des Werkes nicht; wurden gebeten, es aus Neuheitsgründen und vielleicht sogar aus einer gewissen Unverschämtheit in den ihrer Meinung nach üblichen, vertrauten Stil umzuwandeln und damit jede Phänomenalität im Keim zu ersticken. Nachfolgend schreibt der Autor des Buches, unter welchen Bedingungen der Künstler mit Kunstmäzenen zusammenarbeitete:
„In materieller Hinsicht hat unser Abtrünniger nur profitiert.
Er zahlte nicht für die Unterkunft und ernährte und kleidete sich auf Kosten der Staatskasse
sich selbst und Ihre Familie. Ich habe kein Geld für Kunstmaterialien ausgegeben
was ihn unter anderen Bedingungen bis zur Hälfte seines Verdienstes gekostet hätte.
Hat keine Steuern an die Stadtkasse gezahlt. Ein regelmäßiges Gehalt erhalten
(deren Bezahlung jedoch oft erfolgen musste
Erinnerung an den Herrscher selbst oder seine Beamten) oder Vorschüsse
und hohe Honorare für geleistete Arbeit, und manchmal auch beides
zusammen, ihm blieb die ewige Sorge um weitere erspart
Einkommensquellen, die seine weniger Glücklichen so sehr demütigten
Brüder in den Augen literarischer Intellektueller. Für treue Dienste
Der Souverän könnte ihm Immobilien schenken und sie ihm verpachten
etwas Steuer eintreiben und ihn zu Ihrem Diener machen,
zur Würde des Adels erheben, Ritter, willkommen
Wappen, stellen Sie ihn dem Kreis der Vertrauenspersonen vor...
In der höfischen Gesellschaft, wo Müßiggang eine Lebensart war –
demonstrativer Ausdruck des garantierten Wohlstands
Souverän gegenüber allen seinen Untertanen entstand das Problem der Verwendung
Freizeit. Der alte Ritterkodex diktierte
ihre eigenen Standards für Freizeitaktivitäten - Turniere, Jagd, Feste, Frauen.
Die neue Elite hat den Kreis der Nachahmungsfreuden erweitert
uralt, fordernd von ihren Vertretern ein umfassendes und harmonisches
Umsetzung praktischer und spiritueller Fähigkeiten.
Wie in der römischen Gesellschaft am Wendepunkt von der Republik zur
Im Reich wurde Freizeit wieder zu dem Teil des Lebens, in dem sich ein Mensch veränderte
nicht die politische Landkarte Europas, sondern er selbst. Nur im Nichtstun
Ein Renaissance-Mann könnte, indem er den Charakter von Terenz nachahmt,
Es ist wichtig zu erklären: „Ich bin ein Mann und nichts Menschliches ist für mich.“
nicht fremd; - und damit eine leicht ironische Formulierung geben
das Ideal des universellen Menschen!
Jetzt ist der Künstler in der Nähe des Hofes, das erhebt ihn über seine anderen Brüder und zwingt ihn, Kunst zu verstehen, nicht nur Malerei, sondern auch Architektur, Bildhauerei und Literatur. Es ist notwendig, Smalltalk zu führen und an verschiedenen Debatten und Diskussionen zu kulturellen Themen teilzunehmen. Gleichzeitig besteht kein Grund, das Hofleben zu loben; viele Künstler wurden nicht berücksichtigt. Aber für Unabhängigkeit und für getrennte „ freie Künste„Sie kämpften, doch erst gegen Ende des 16. Jahrhunderts begannen sie dank Giorgio Vasari, es ernst zu nehmen.
„Kreativität wurde zur individuellen Angelegenheit,
persönliches Schicksal. Kunst ist hier nicht mehr anonym
der auffälligste Unterschied zwischen der Kunst der Renaissance und der Kunst des Mittelalters.“
Allerdings wurde Kunst im Mittelalter viel höher geschätzt als in der Renaissance. Der Faktor, der hier eine Rolle spielte, war, dass die Gesellschaft keine Meister akzeptierte, die es wagten, etwas vorzuführen, was damals verboten war und nicht den üblichen Bildern ähnelte. So wurden die Namen der berühmtesten Virtuosen einst nicht vergöttert, sondern von der Gesellschaft irritiert, und erst nach einiger Zeit akzeptierten die Menschen ihre Werke.
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Die verständlichste Kunst war die Renaissance-Architektur mit ihren regelmäßigen klassischen Formen. Die Malerei ist in eine neue Phase eingetreten, da sie zuvor streng nach kirchlichen Schriften aufgebaut war und die Künstler des 15. Jahrhunderts ihre Ideen einbrachten und Heilige in ihrer Vision darstellten. Ihre Aufgabe bestand nicht nur darin, Bilder zu kopieren, sondern auch die Stimmung und Bedeutung der Ereignisse zu vermitteln. Sie hörten auf, die „Chronisten“ der Geschichte zu sein; Schöne Kunst wurde durch die innere Wahrnehmung jedes Schöpfers interpretiert und weitergegeben. Das wichtigste Ereignis in der damaligen Kunst war das Erscheinen des Staffeleigemäldes, das ihm einen eigenständigen Charakter verlieh, da die Leinwand in verschiedene Länder transportiert werden konnte. Der Name „Staffeleimalerei“ kommt von der Maschine (Staffelei), auf der Gemälde erscheinen. Die neue Methode stellte die übliche Malerei auf den Kopf. Es wird zur Dekoration des Hauses, des Lebens einer Privatperson, und der Bewohner kann selbst entscheiden, welche Skizze er in seiner Umgebung sehen möchte. Gemälde verleihen einem Zuhause Gemütlichkeit und Intimität; Dem Besitzer wird die Möglichkeit gegeben, fröhliche junge Männer, nackte Mädchen bei Singles im Allgemeinen zu träumen und zu bewundern, ästhetisches Vergnügen beim Betrachten zu haben und vor allem zu Hause, geschützt vor der Außenwelt. Seine Bedeutung besteht darin, seinem Besitzer Glück zu schenken.
Der Autor des Buches bringt es auf den Punkt:
„Während der Renaissance kam man also der Antike am nächsten
Literatur und aus der Kunst - Architektur. Die Skulptur führte
verhielt sich inkonsistent, während das Malen in einiger Entfernung innehielt.“
Stepanov weist den Leser auch darauf hin, dass es nahezu unmöglich war, Ideen aus vergangenen Jahrhunderten zu übernehmen. Heute, im 21. Jahrhundert, haben wir die Möglichkeit, alles über die Informationen zu sehen und zu erfahren, die uns interessieren, aber vorher war es nicht möglich, Zugang zu vielen Dingen zu erhalten. Sie wussten manchmal nicht einmal, woran ihre Konkurrenten arbeiteten. In dieser fernen Zeit konnte es also kein Plagiat geben. Der Autor beharrt und betont auch seine Originalität der Kunst, die nicht mit der Wiederbelebung der Antike verbunden ist.
Verlorene Kunst
Nach dem Mittelalter änderte sich die Politik vieler Herrscher; sie glaubten, dass das Vertrauen des Volkes durch die Pracht der Paläste, den Luxus von Festen und anderen äußeren Reichtum gewonnen werden könne. Um solche Pläne umzusetzen, wurden Meister der Kunst eingeladen, all diese Pracht für sie zu schaffen: „Inspiriert wurden die Dekorationen der Feste und nicht die eigentliche Architektur.“
Architekturformen der Renaissance in der Quattrocento-Malerei.
Solche Kunst lebte nicht lange, und moderne Menschen wussten vielleicht nicht einmal von der Schaffung großer Feste, aber die Herrscher schrieben, wie wir heute sagen würden, Blogs – mit Beschreibungen und Illustrationen von Festen, die den gesamten geschaffenen Luxus erzählten zum Nachteil ihrer Feinde. Einige Höfe waren für ihre Pracht bekannt, zum Beispiel: Ferrara (Karneval, Ritterauszeichnungen), vor allem Feiertage in Venedig, die auf dem Wasser stattfanden, zu diesem Zweck wurden manchmal Paläste geschmückt, darunter 1491 die Prunkgaleere des Dogen; Beliebt waren auch florentinische Künstler. Um aufzufallen und Ansehen zu erlangen, schuf sich die Medici-Familie, wie viele andere auch, einen Kult: „Es folgte ein Fest
andere, und bei ihnen fanden manchmal, manchmal, militärische Wettbewerbe statt
Aufführungen, die jedes Heldentum darstellten
Taten der Antike oder die Triumphe großer Feldherren…. Der Innenhof, der Garten und mehrere Säle des Palazzo Medici wurden in einen einzigen festlichen Raum verwandelt. Große Schüsseln und Kelche wurden in Reihen um Donatellas berühmten „David“ im Innenhof ausgestellt.“
So eroberten sie die Herzen ihrer Bürger und waren für ihre große Großzügigkeit bekannt.
Trotz seiner bescheidenen Persönlichkeit arbeitete Leonardo da Vinci für einen wohlhabenden Kunstmäzen in der Stadt Mailand. Der Herzog gab „verrückte“ Summen aus und inszenierte unvergessliche Kostümshows ähnlich dem Hof ​​von Ferrara. „Für die Hochzeit des herzoglichen Neffen baute Leonardo ein Paradiso; - eine rotierende Szene mit den Tierkreiszeichen. Jedes Mal, wenn sich der eine oder andere Planet der Braut näherte, kam ein alter römischer Gott aus dem Ball und sang Gedichte, die der Hofdichter verfasst hatte.“
Die atemberaubenden Feierlichkeiten erfreuten die Stadtbewohner und wurden nicht müde, die Menschen um sie herum zu überraschen. Als Hofvirtuose konnte man also von seinem Gönner ein gutes Gehalt bekommen, wenn man ihm eine Freude machen konnte. Aber nicht nur wohlhabende Familien wollten Eleganz, sondern auch Paare in Rom bestellten dekorative Arbeiten für ihre persönlichen Launen, die nichts mit dem kirchlichen Leben zu tun hatten.
Das Hauptparadoxon
Der Renaissance-Meister stellt unsichtbare Objekte dar; Die Ereignisse auf der Leinwand sind Fiktion, wirken jedoch natürlich, so dass der Betrachter die vom Autor geschaffene Geschichte erleben kann.
Trecento
Der „Geist der Zeit“ war so traurig, dass die Menschen vor allem Angst hatten: Die Pest, die viele Bewohner Europas ins Grab riss, die Überfälle der Türken und viele andere Gründe ließen die Menschen über den Tod nachdenken das Jüngste Gericht. Dies gab der Kunst einen weiteren Anlass zur Veränderung; es war notwendig, neue Dekorationen für Gräber und Gräber zu finden. „Visionen
Mystiker könnten mit Zustimmung der Kirche die Kunst bereichern
neue Themen und ikonografische Schemata.“
Die verängstigten Menschen beschlossen, sich in den Gemälden etwas Perfektes und Fröhliches vorzustellen, um irdische Probleme zu vergessen, und im Gegenteil, jemand verkörperte in seiner Arbeit den ganzen Schrecken der Ereignisse.
St. ist gestorben Francis; In der Kirche war es notwendig, seine bereits zusammengestellte Biografie aufzuschreiben, aber sie wich von der Wahrheit ab, so dass man warten musste, bis seine Zeitgenossen starben, um keine unnötige Kritik hervorzurufen. Giotto nahm die schwierige Aufgabe an. „Um dem Betrachter zu helfen, sich an die Ereignisse zu gewöhnen, richtete Giotto die Aufmerksamkeit auf solche Momente, von denen jeder als Formel für eine bestimmte Tat des Heiligen im Gedächtnis verankert ist.“ Franziskus – und ihm ist in dieser Geschichte so viel gelungen; können separat betrachtet werden, ohne ihre Verständlichkeit und Schönheit zu beeinträchtigen.“
Giotto hat es geschafft und ein vollständiges Bild geschaffen, das mit einer „wahren“ Geschichte aus Franciscos Leben gefüllt ist. Er war als großartiger Künstler-Geschichtenerzähler bekannt.
Abschließend.
Ich möchte zusammenfassen. Die Renaissance – diese Zeit wurde zu einem einzigartigen Kulturschatz, in dem Meisterwerke geschaffen wurden, manchmal ohne sich ihrer eigenen Überlegenheit bewusst zu sein. Natürlich ist es unmöglich, auf sieben Seiten jeden Vertreter Ihrer Bewegung oder Ihres Stils zu beschreiben. Ich habe versucht, kurz zu beschreiben, welche Ereignisse die Kreativität beeinflussen könnten brillante Denker jene Jahre. Architektur, Bildhauerei und Malerei der Renaissance gaben der Entstehung des heutigen Stils starke Impulse. Auch viele Ideen, die aus dieser Zeit übernommen wurden, wurden nach Russland gebracht. Italienische Architekten versuchten, auf russischem Boden einen ähnlichen Luxus und Reichtum in der Architektur wiederherzustellen. Russische Zaren bewunderten die Pracht der Denkmäler und bestellten sie für sich, damit die Bewohner Russlands die Perfektion der Kunst in ihrem Heimatland erleben können.
Es waren nicht nur die Schönheit und Kraft der Gebäude und Gemälde, die diese Ära unvergesslich machten, sondern auch das gesellschaftliche Leben, das sich ein wenig von der Kirche zu entfernen begann. Die Menschen haben das Konzept des „Privatlebens“ entwickelt. Jeder wollte in seinem Zuhause Komfort schaffen, die Atmosphäre eines Paradieses schaffen, in dem er sich vor äußeren Problemen verstecken und Zuflucht suchen konnte, und so entwickelte sich die Staffeleimalerei; Im 21. Jahrhundert konnten wir uns nicht einmal vorstellen, dass es anders möglich wäre.
Jahr 2012. Auf Auktionen kosten Gemälde aus dieser Zeit „fabelhaftes“ Geld, und leider erwirbt eine „winzige Gruppe“ von Kunstkennern das Originalprodukt, sodass die moderne Gesellschaft es sich leisten kann, eine Kunstgalerie zu besuchen und Kopien großartiger Werke „anzufassen“. Ich denke, dass Künstler unseres Jahrhunderts solche Fähigkeiten erlernen müssen, ohne dabei ihre Individualität zu vergessen.
Denn das Wichtigste im Leben ist, man selbst zu bleiben.

Die Renaissance ist eine der beeindruckendsten Seiten in der Geschichte der Weltkunst. Es umfasst etwa drei Jahrhunderte (XIV. – XVI. Jahrhundert). Im Vergleich zu den Epochen der Antike (ca. 5.000.000 Jahre) und des Mittelalters (ca. 1.000 Jahre) erscheint die Renaissance sehr kurze Zeit Zeit. In Bezug auf die Anzahl der brillanten Kunstwerke sind jedoch die Neuheit und der Mut der Suche nach den Meistern dieser Zeit bemerkenswert künstlerisches Erbe Die Renaissance steht den bisherigen Entwicklungsstufen der Weltkunst in nichts nach.

Italien wurde zum Geburtsort der Renaissance. Bereits im 14. Jahrhundert tauchte in den Schriften des großen italienischen humanistischen Dichters Francesco Petrarca (1304-1374) das Konzept von Rinascimento – Renaissance (auf Französisch „Renaissance“) auf.

Zu dieser Zeit wurden die Grundlagen der modernen Wissenschaft gelegt, die Literatur erreichte ein hohes Niveau und erhielt mit der Erfindung des Buchdrucks durch den Deutschen Johann Gutenberg bisher nie dagewesene Verbreitungsmöglichkeiten. Zu dieser Zeit machten Christoph Kolumbus und Kopernikus ihre Entdeckungen, schrieben ihre unsterbliche Werke die großen Italiener Dante, Petrarca, der Franzose Francois Rabelais, Autor des Romans „Gargantua und Pantagruel“, Michel Montaigne, Schöpfer der berühmten „Experimente“. Shakespeares Tragödien und Cervantes' Don Quijote, die durch ihre tiefe Einsicht in die menschliche Psychologie und ihr Wissen über seine Leidenschaften und Sehnsüchte auffallen, wurden in der Renaissance geschrieben.

Die ideologische Grundlage der Renaissancekultur ist die philosophische Richtung des Humanismus (vom lateinischen „humanus“ – Mensch). Der Mensch wird wieder zum „Maß aller Dinge“. Das Motto der Renaissance-Kunst könnte den Worten eines italienischen Humanisten aus dem 15. Jahrhundert entnommen werden. Graf Pico della Mirandola wendet sich in seiner Lobrede im Mund des Schöpfergottes an die Menschen: „Ich stelle dich in den Mittelpunkt der Welt ...“

Im Gegensatz zur romanischen und gotischen Kultur mittelalterliche Kultur Die Wiederbelebung war säkularer Natur, das Hauptthemenspektrum blieb jedoch mit mythologischen und biblischen Themen verbunden. Die Renaissance stellte die Weltanschauung der Humanisten, die den Wert der menschlichen Person bekräftigten, den kirchlichen Dogmen gegenüber.

Eine der Grundlagen der Kunst der Renaissance ist ein neues Verständnis des Erbes der Antike.

Die Ideale des Humanismus spiegeln sich auch in der Architektur wider: Gebäude erhalten ein klares, harmonisches Erscheinungsbild, ihre Proportionen und Maßstäbe entsprechen dem Menschen.

Der wahre Begründer der schönen Künste der Hochrenaissance war der brillante Florentiner Leonardo da Vinci (1452-1519).

Aus Leonardos Manuskripten geht hervor, dass er nicht nur ein großer Maler und Bildhauer, sondern auch Architekt, Mechaniker, Ingenieur, Botaniker und Anatom war.

Als Multitalent interessierte sich Leonardo da Vinci für alles, was ihn umgab, und schrieb seine Eindrücke in ein Notizbuch, das er immer bei sich trug. „Ich fröne einem unstillbaren Wissensdurst und träume davon, den Ursprung zahlreicher Lebewesen der Natur zu verstehen“, sagte er über sich. Zeit seines Lebens betrachtet der Künstler die Welt mit all ihren Formen als eine Schöpfung der Natur mit einem eigenen „Eigengeist“ und fordert die Maler auf, Vermittler zwischen Natur und Kunst zu sein.

Einigen Quellen zufolge geht die Renaissance auf das 14. bis 17. Jahrhundert zurück. Anderen zufolge stammen sie aus dem 15. bis 18. Jahrhundert. Es gibt auch den Standpunkt, die Renaissance nicht als Epoche herauszuheben, sondern sie als Spätmittelalter zu betrachten. Dies ist eine Zeit der Krise des Feudalismus und der Entwicklung der bürgerlichen Beziehungen in Wirtschaft und Ideologie. Der Begriff Wiederbelebung (Renaissance) wurde eingeführt, um zu zeigen, dass in dieser Zeit die besten Werte und Ideale der Antike, die von Barbaren zerstört wurden (Architektur, Bildhauerei, Malerei, Philosophie, Literatur), wiederbelebt wurden, aber dieser Begriff wurde sehr bedingt interpretiert. Weil Sie können nicht die gesamte Vergangenheit wiederherstellen. Dies ist keine Wiederbelebung der Vergangenheit in ihrer reinen Form – es ist die Schaffung einer neuen, die viele der spirituellen und materiellen Werte der Antike nutzt. Darüber hinaus war es unmöglich, die Werte von neun Jahrhunderten des Mittelalters auszulöschen, insbesondere die spirituellen Werte, die mit dem Christentum verbunden waren. Die Renaissance ist eine Synthese antiker und mittelalterlicher Traditionen, allerdings auf einem höheren Niveau. In jeder Phase dieser Ära war eine bestimmte Richtung vorherrschend. Wenn es zunächst „Prometheismus“ war, d.h. eine Ideologie, die die Gleichheit aller Menschen von Natur aus sowie die Anerkennung von Privatinteressen und Individualismus voraussetzt. Dann tauchen neue Gesellschaftstheorien auf, die den Zeitgeist widerspiegeln, und die Theorie des Humanismus spielt eine dominierende Rolle. Der Humanismus der Renaissance konzentriert sich auf freies Denken und damit auf eine gerechte Gestaltung des gesellschaftlichen und staatlichen Lebens, die meist auf demokratischer Grundlage im Rahmen eines republikanischen Systems erreicht werden soll. Auch die Ansichten über Religion unterliegen einem Wandel. Die Naturphilosophie wird wieder populär und der „Panthemismus“ (eine Lehre, die Gott als Person leugnet und ihn der Natur näherbringt) verbreitet sich. Die letzte Periode der Renaissance ist die Ära der Reformation, die diese größte fortschrittliche Revolution in der Entwicklung der europäischen Kultur vollendet. Gewöhnlich historische Bedeutung Erweckungen werden mit den Ideen und künstlerischen Errungenschaften des Humanismus in Verbindung gebracht, der im Gegensatz zur mittelalterlichen christlichen Askese die Größe und Würde des Menschen verkündete. Sein Recht auf vernünftige Tätigkeit, auf Freude und Glück im irdischen Leben. Humanisten sahen im Menschen die schönste und vollkommenste Schöpfung Gottes. Sie dehnten die Schöpfung und die schöpferischen Fähigkeiten, die Gott innewohnen, auf den Menschen aus; sie sahen sein Ziel in der Erkenntnis und Transformation der Welt, geschmückt durch seine Arbeit, in der Entwicklung von Wissenschaften und Handwerken. Von Deutschland ausgehend breitete sich die Reformation auf eine Reihe europäischer Länder aus und führte zu einem Abfall von ihr katholische Kirche England, Schottland, Dänemark, Schweden, Norwegen, Niederlande, Finnland, Schweiz, Tschechien, Ungarn und teilweise Deutschland. Es handelt sich um eine breite religiöse und gesellschaftspolitische Bewegung, die im frühen 16. Jahrhundert in Deutschland begann und auf eine Reform der christlichen Religion abzielte.

Vorlesung 14. Literatur und Kunst der Renaissance (Renaissance)

1. Haupttrends der Ära, Periodisierung.

2. Besonderheiten der Renaissancekultur.

Literatur:

1. Borzova, E.P. Geschichte der Weltkultur. – St. Petersburg: Lan, M.: Omega-L, 2005. – S. 432 – 456.

2. Ilyina, T.V. Kunstgeschichte. Westeuropäische Kunst. – M.: Höher. Schule, 2005. – S. 90 – 158.

3. Lukov, V.A. Geschichte der Literatur. Ausländische Literatur von ihren Anfängen bis heute. – M.: Akademie, 2005. – S. 94 – 146.

4. Geschichte der ausländischen Literatur. Mittelalter. Wiederbelebung. – M., 1987.

5. Purishev, B.I. Literatur der Renaissance: eine Vorlesungsreihe. – M., 1996.

1 . Renaissance- eine Ära in der Kultur- und Kunstgeschichte, die den Beginn des Übergangs vom Feudalismus zum Kapitalismus widerspiegelt. In klassischen Formen nahm die Renaissance in Westeuropa, vor allem in Italien, Gestalt an, ähnliche Prozesse fanden jedoch auch in statt Osteuropa und in Asien. In jedem Land hatte diese Art von Kultur ihre eigenen Merkmale, die mit ihren ethnischen Merkmalen, spezifischen Traditionen und dem Einfluss anderer nationaler Kulturen verbunden waren. Die Wiederbelebung ist mit dem Prozess der Bildung einer säkularen Kultur und eines humanistischen Bewusstseins verbunden. Unter ähnlichen Bedingungen entwickelten sich ähnliche Prozesse in Kunst, Literatur, Philosophie, Wissenschaft, Moral, Sozialpsychologie und Ideologie.

Die Renaissance ist eine Zeit des Überdenkens alter Traditionen und gewissermaßen eine Rückkehr zu ihnen. Italienische Humanisten des 15. Jahrhunderts konzentrierten sich auf die Wiederbelebung der antiken Kultur, ideologischen und Ästhetische Prinzipien die als nachahmungswürdiges Ideal anerkannt wurden. In anderen Ländern gab es eine solche Orientierung am antiken Erbe vielleicht nicht, aber die Essenz des Prozesses der menschlichen Befreiung und die Bekräftigung von Stärke, Intelligenz, Schönheit, persönlicher Freiheit, der Einheit von Mensch und Natur sind charakteristisch für alle Kulturen von der Renaissance-Typ.

Die Renaissance ist die letzte Epoche in Europa, in der die Antike als etwas Lebendiges existierte. In späteren Perioden stirbt es ab und geht in den Besitz von Museen über.

Die Renaissance zeichnet sich dadurch aus, dass der Mensch als Individuum, als etwas Wertvolles, zum Mittelpunkt des Universums und zum verehrten Symbol der Kultur wird. Er ist mit der Gesellschaft verbunden, er ist mit dem Weltraum verbunden, aber er ist derjenige, der alles wieder aufbauen und verändern kann. Er ist Gottes Mitschöpfer. Menschliche Fähigkeiten und Tugenden werden mit göttlichen verglichen und gelten als einzige Eigenschaft der Kultur. Das Motto der Ära: Der Mensch kann alles, der Mensch ist der König der Welt. Und das ist nicht nur der Herrscher, sondern jeder Mensch.

Kunstspielt die Rolle des großen Ernährers der gesamten europäischen Kultur, da für ihn zu dieser Zeit folgende Eigenschaften charakteristisch sind:

1) das Pathos, das Ideal einer harmonischen, befreiten kreativen Persönlichkeit zu bekräftigen; 2) Bestätigung der Schönheit und Harmonie der Realität;

3) Appell an den Menschen als höchstes Prinzip des Seins; 4) ein Gefühl der Integrität und der harmonischen Muster des Universums.

Die Blütezeit der Renaissancekultur fand in 2,5 Jahrhunderten statt – von der Mitte des 14. Jahrhunderts bis zum 16. Jahrhundert. In dieser Hinsicht gibt es drei Hauptentwicklungsperioden der Renaissancekultur:

· Frührenaissance – Ende des 14. Jahrhunderts (Vertreter: F. Petrarca, G. Boccaccio, Donatello, S. Botticelli, Giotto, Pico della Mirandola usw.). Francesco Petrarca, Philosoph und Lyriker, gilt als Begründer der humanistischen Bewegung in Italien. In den Werken italienischer Humanisten gibt es die Grundidee, dass der Mensch der Schöpfer seines Schicksals und seiner selbst ist, wie zum Beispiel im Werk von Pico della Mirandola „Über die Würde des Menschen“. Laut Humanisten hat der Mensch Handlungsfreiheit, er selbst kontrolliert das Schicksal und die Gesellschaft und trifft rationale Entscheidungen;

· Hohe (klassische) Renaissance – 15. Jahrhundert (Vertreten durch Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raffael, Giorgione, Tizian, Francois Rabelais. Zu dieser Zeit wurden Kunst und Literatur der Renaissance zu einem europaweiten Phänomen und erreichten den Höhepunkt ihrer Entwicklung).

Die Meister der Hochrenaissance strebten in ihren Werken eine harmonische Synthese der schönsten Aspekte der Wirklichkeit an. Die Entstehung der Kunst der Hochrenaissance begann Ende des 15. Jahrhunderts in Florenz.

Der erste Künstler der Hochrenaissance war Leonardo da Vinci- Künstler-Wissenschaftler, Maler, der sich in Architektur und Bildhauerei versuchte, Mathematiker, Naturwissenschaftler, Mechaniker, Erfinder. Er war in all seinen Unternehmungen ein Entdecker und Innovator und prägte die Geschichte der Wissenschaft und Technik und war seiner Zeit in vielerlei Hinsicht voraus. Schon zu Beginn von Leonardos schöpferischer Tätigkeit waren die Grundzüge seiner Kunst festgelegt – Interesse an psychologischen Lösungen, der Wunsch nach Kürze und Verallgemeinerung, nach räumlicher Anordnung und Volumen der Formen. Der Künstler legte großen Wert auf die Entwicklung der perspektivischen Konstruktion und Anordnung der Figuren im Raum. Seine Notizen zur Malerei enthalten viele Informationen über Anatomie, Perspektive und das Zusammenspiel der Farben.

Ein anderer berühmter Künstler Hochrenaissance, Raphael, fasste die Errungenschaften seiner Vorgänger zusammen und schuf das Bild eines perfekten Menschen in den Traditionen des Humanismus. Raffaels Werke haben viel mit den Werken seiner großen Zeitgenossen – Leonardo da Vinci und Michelangelo – gemeinsam. Michelangelo In seinem Werk spiegelte er die tiefen Widersprüche seiner Zeit wider, verkörperte Angst und Vorahnung drohender Katastrophen. Schule in Venedig beschäftigt sich mit der italienischen Kunst des 16. Jahrhunderts. spezieller Ort. Hier stand Giorgione am Ursprung der Hochrenaissance. In seiner Arbeit strebte er nach Rhythmus und harmonischer Einheit, Spiritualität und psychologischer Ausdruckskraft der Bilder; das Hauptmotiv seiner Bilder war die Einheit von Mensch und Natur. Fortsetzung der Arbeit von Giorgione Tizian, deren Arbeit von einem erdigen, fröhlichen Gefühl geprägt ist. In seinem Werk wird großer Wert auf Farbe und Farbbeziehungen gelegt. Einen großen Platz in Tizians Werk nehmen Porträts ein, in denen er ein Bild schaffen wollte, das humanistischen Idealen entspricht und die spirituelle Erscheinung eines Menschen offenbaren wollte.

Die Literatur der Hochrenaissance ist geprägt von der Blüte des Heldengedichts L. Pulci in Italien, L. Camoens- in Spanien, in dessen Zentrum ein Mann steht, der für Großes geboren wurde. In Frankreich-Zeit Hochrenaissance vertreten durch Kreativität Francois Rabelais. Sein Werk „Gargantua und Pantagruel“ vermittelt ein umfassendes Bild der Gesellschaft und ihrer heroischen Ideale in volkstümlicher und philosophisch-komischer Form.

· Spätrenaissance – 16. Jahrhundert (Eine Krise des Humanismus wird offenbart (Shakespeare, Cervantes). Die Enttäuschung der Humanisten ergibt sich aus der enormen Diskrepanz zwischen der Realität und den Vorstellungen der Renaissance über den Menschen. Bis zum Ende des 16. Jahrhunderts verbreitete sich diese Enttäuschung. Die Krise des Humanismus Die ersten Utopisten T. More und T. Campanella waren eine Reaktion auf die Widersprüche und Widersprüche des Humanismus, seine Unfähigkeit, die Fragen zu beantworten, die die Humanisten beunruhigten das fiktive Land von T. More - wird als fantastische Struktur einer idealen Gesellschaft bezeichnet, die keine Wurzeln in der Realität hat. Die Entstehung von Utopien weist auf den Verlust des Vertrauens in die Geschichte und die menschliche Natur hin und beschränkt seine Existenz primäre Bedürfnisse..

Der Höhepunkt der Literatur der Spätrenaissance sind die Dramen von Shakespeare und die Romane von Cervantes. Cervantes‘ berühmtestes Werk war der Roman „ Der schlaue Hidalgo Don Quijote La Mancha“, in dem der Autor ein umfassendes realistisches Bild des Lebens in Spanien zeichnete. „Don Quijote“ parodiert Ritterromane und führt den Helden in eine ihm fremde Umgebung ein. Der romantisch denkende Hidalgo kann nicht begreifen, dass die Zeit der Ritterlichkeit vorbei ist. Das Drama vom unglücklichen Ritter steht Cervantes nahe, der sich wie ein bedeutender Teil des damaligen spanischen Adels nicht an die neuen Lebensbedingungen anpassen konnte und seine Wertlosigkeit spürte. Andere Werke von Cervantes, zum Beispiel „Erbauliche Romane“, wurden zu einer Art Beschreibung der zeitgenössischen Moral des Autors.
In den Werken des größten Dramatikers dieser Zeit, Shakespeare, fand die Krise des Humanismus eine besonders lebendige Verkörperung im Bild von Hamlet, der zwischen humanistischen Idealen und der Notwendigkeit, in einer weit vom Ideal entfernten Gesellschaft zu handeln, in der jede Handlung stattfindet, hin- und hergerissen ist im Widerspruch zum Geist des Humanismus. Shakespeares Werk war Ausdruck des Ideenreichtums und der Leidenschaften, die während einer Wende entstanden. Die Literatur dieser Zeit bezieht sich auf die irdische Natur des Menschen, seine Gefühle und Leidenschaften und den Kampf um echte Interessen. In ihr tritt eine neue Persönlichkeit zum Vorschein, proaktiv und unternehmungslustig. Shakespeares historische Dramen reproduzieren die tragischsten Momente der englischen Geschichte und sind durchdrungen von Gedanken an die Größe Englands. Shakespeares Werke spiegelten die Widersprüche des Bewusstseins, die Zweifel und das Zögern eines Wendepunkts wider.

In dieser Zeit rücken Werte als gesellschaftliches Wertesystem in den Vordergrund. Humanismus(von lateinisch „human“). Der Humanismus wurde als der höchste kulturelle und moralische Zustand des Menschen angesehen. Sie entwickelte sich als ideologische Bewegung, die ihren Ursprung in den Kreisen der kreativen Elite von Schriftstellern und Künstlern hatte und anschließend in politische und religiöse Bereiche vordrang. Der Humanismus wird bekräftigt Popkultur, in Poesie, Architektur, Kunst. Dadurch entsteht eine neue Elite – nicht religiös, sondern säkular. Der Humanismus basiert auf der Idee des Anthropozentrismus. Anthropozentrismus– die Idee eines Universums, in dessen Zentrum eine mächtige, allmächtige, schöne Persönlichkeit steht. Die Macht über die Welt, über das eigene Schicksal, die dem Menschen zugeschrieben wurde, beruhte, so schien es den Humanisten, auf der von Gott gegebenen absoluten Freiheit des menschlichen Handelns. Und jede Fähigkeit ist eine Qualität, die ein bewusster, kreativer, freier Mensch in sich selbst entwickelt, um den einen oder anderen Lebensbereich bewältigen zu können. Humanisten glaubten, dass Gott dem Menschen Freiheit und Handlungsfreiheit gegeben hat und dass er das Recht hat, alles andere in sich selbst zu entwickeln und zu sein, wer immer er will. Während der Blütezeit des Humanismus erreichten Wissenschaft, Poesie, Architektur und bildende Kunst ein beispielloses Ausmaß. Viele Herrscher wurden zu Förderern der Künste. Diese Menschen vereinten oft die Merkmale monströser Bösewichte und subtiler Kenner der Schönheit; Gut und Böse verflochten sich in der Renaissance auf die bizarrste Weise.

Hauptmerkmal Renaissance – Integrität und Vielseitigkeit im Verständnis von Mensch, Leben und Kultur. Der starke Anstieg der Autorität der Kunst führte nicht zu ihrem Gegensatz zu Wissenschaft und Handwerk, sondern wurde als Gleichwertigkeit und Gleichheit verschiedener Formen menschlichen Handelns wahrgenommen. In dieser Zeit erreichten angewandte Kunst und Architektur ein hohes Niveau und verbanden künstlerische Kreativität mit technischem Design und Handwerk.

Die Besonderheit der Kunst der Renaissance besteht darin, dass sie einen ausgeprägten demokratischen und realistischen Charakter hat, bei dem Mensch und Natur im Mittelpunkt stehen. Künstler erreichen eine breite Abdeckung der Realität und sind in der Lage, die wichtigsten Trends ihrer Zeit wahrheitsgetreu wiederzugeben. Sie suchen am meisten wirksame Mittel und Möglichkeiten, den Reichtum und die Vielfalt der Erscheinungsformen der realen Welt zu reproduzieren. Schönheit, Harmonie und Anmut gelten als Eigenschaften der realen Welt.

2. Besonderheiten der Renaissancekultur:

· Praktischer und theoretischer Individualismus: Die Persönlichkeiten der Renaissance stellten die menschliche Individualität in den Mittelpunkt ihrer Weltanschauung und Lebenspraxis;

· Der Kult des säkularen (außerkirchlichen) Lebens mit einem betonten Wunsch nach Sinnesfreuden: genauer gesagt nach den Freuden, die ein Mensch aus dem Leben in seinen weltlichen Freuden, körperlichen Empfindungen aus köstlichem Essen, aus einem Gespräch mit einem interessanten Gesprächspartner ziehen kann, aus dem Alltag;

· Der säkulare Geist der Religion mit der Tendenz, die gesamte Kultur zu überdenken: Während die Menschen religiös blieben, begannen sie, der rituellen und kultischen Seite des religiösen Lebens weniger Bedeutung beizumessen und ihre Aufmerksamkeit auf seine innere, spirituelle Seite zu richten. Um christliche Werte zu verstehen, wandte sich der Mensch seiner Geschichte zu antike Kultur, darin nach allem suchen, was den Sinn eines Menschen und seine Lebenschancen betrifft;

· Befreiung von der Macht der Autoritäten: eine andere Haltung gegenüber den von der mittelalterlichen Scholastik anerkannten Autoren und Lehren. Ein Renaissance-Mensch könnte beispielsweise Aristoteles kühn kritisieren, was sich scholastische Denker in der Regel nicht erlauben konnten;

· Besondere Aufmerksamkeit gilt der Vergangenheit, der Antike: Die antike griechisch-römische Kultur wurde zum Gegenstand sorgfältigster Untersuchung, Bewunderung und Nachahmung;

· Außergewöhnlicher Geschmack für die Künste.

Renaissance-Mann - Dies ist ein Mensch, der sich Gott zuwendet und danach strebt zu verstehen, was ihm in diesem Gefühl der Freiheit in der Welt gegeben wird; Dies ist ein rationaler Mensch, der in der Lage ist, die Welt mit seinem Verstand zu erkennen, ihre Logik zu erkennen, sie aufzurütteln und so zu verändern, wie er es möchte. Und in den Augen eines solchen Menschen ist die Welt immer unvollkommen; sie braucht den menschlichen Rationalismus und seine Macht. In dieser Zeit war die Schönheit und Bedeutung des gesprochenen Wortes sehr deutlich zu spüren. Die Schönheit sprachlicher Formen wird als wichtigster Teil der Anmut und spirituellen Schönheit eines Menschen wahrgenommen. Die Kunst des Wortes wurde sehr hoch geschätzt, und in dieser Hinsicht kann die Renaissance als Entdeckerin und Schöpferin der Grundlagen der Philologie als Wissenschaft angesehen werden. Sprache wird zum Gegenstand der Reflexion (Reflexion, Studium). Die Arbeit mit Texten, die darin besteht, sie zu kommentieren, zu interpretieren, Sprach- und Sprachstrukturen zu studieren und zu assimilieren, erweist sich als der wichtigste Teil der Tätigkeit von Humanisten. Diese Arbeit ist einer der wichtigsten Bestandteile ihres Lebens.

Ein Wort kann einem Menschen den Raum des Lebens öffnen, all seine Schönheit erklären, Muster und Logik offenbaren. Es ist in der Lage, einer Person zu ermöglichen, durch physische Zeit und physischen Raum zu erfahren, was eine andere Person in einer anderen physischen Zeit und einem anderen physischen Raum erlebt hat. Daher wird das Wort als einzige Quelle und Träger der Kultur wahrgenommen. Die Kultur des schriftlichen und mündlichen Sprechens tritt in den Vordergrund und stellt einen integralen Bestandteil dar charakteristisches Merkmal Renaissance-Humanismus. Die Eleganz der Sprache, ihre korrekte Tonalität, die Fähigkeit, den Gesprächspartner für sich zu gewinnen und gleichzeitig Themen anzusprechen und überzeugend aufzudecken, die in erster Linie nicht alltäglich, sondern erhaben sind, werden hoch geschätzt. In der Anwendung der Sprache auf das Erhabene offenbaren sich die Schönheit und Kraft der sprachlichen Kommunikation. Die Werke von Dichtern und Schriftstellern dieser Zeit sind Meisterwerke der Sprachkunst, die sich durch den Reichtum der Sprachformen, die Raffinesse des Stils, die poetische Hochstimmung und Farbigkeit sowie die praktische Lebensorientierung auszeichnen.

Die Renaissance hatte eine riesige positiver Wert in der Geschichte der Weltliteratur und Kunst. Die Kunst der Renaissance verkörperte das Ideal einer harmonischen und freien menschlichen Existenz, das ihre Kultur nährte.

Prüfung im Fach „Kulturwissenschaft“

zum Thema: „Kultur der Renaissance (Renaissance)“

Vollendet:

Student

St. Petersburg 2008

Einführung

1. Kultur der Renaissance

2. Wiederbelebungskunst

3. Renaissance-Poesie

4. Renaissance-Theater

Abschluss

Einführung

Die Renaissance ist eine sehr wichtige Etappe in der Entwicklung der europäischen Kultur. Chronologisch enthalten in mittelalterliche Geschichte Europäische Völker, die in den Tiefen entstanden feudale Kultur Die Renaissance eröffnet eine grundlegend neue kulturelle Ära und markiert den Beginn des Kampfes des Bürgertums um die Vorherrschaft in der Gesellschaft.

In diesem frühen Entwicklungsstadium war die bürgerliche Ideologie eine fortschrittliche Ideologie und spiegelte die Interessen nicht nur der Bourgeoisie selbst, sondern auch aller anderen Klassen und Stände wider, die der veralteten feudalen Beziehungsstruktur untergeordnet waren.

Die Renaissance ist eine Zeit der grassierenden Inquisition, der Spaltung der katholischen Kirche, brutaler Kriege und Volksaufstände, die vor dem Hintergrund der Herausbildung des bürgerlichen Individualismus stattfanden.

Die Renaissancekultur entstand in der zweiten Hälfte des 14. Jahrhunderts. Und es entwickelte sich im Laufe des 15. und 16. Jahrhunderts weiter und erfasste nach und nach alle europäischen Länder. Die Entstehung der Renaissancekultur wurde durch eine Reihe gesamteuropäischer und lokaler historischer Bedingungen vorbereitet.

Im XIV.-XV. Jahrhundert. Es entstanden frühkapitalistische Waren-Geld-Beziehungen. Italien war eines der ersten Länder, das diesen Weg eingeschlagen hat, was wesentlich erleichtert wurde durch: hohes Niveau Urbanisierung, die Unterordnung des ländlichen Raums unter die Stadt, das breite Spektrum der handwerklichen Produktion, Finanzangelegenheiten, die nicht nur auf den inländischen, sondern auch auf den ausländischen Markt ausgerichtet sind.

Die Bildung einer neuen Kultur wurde auch durch gesellschaftliches Bewusstsein und Stimmungsschwankungen in verschiedenen sozialen Schichten des frühen Bürgertums vorbereitet. Die Askese der kirchlichen Moral im Zeitalter des aktiven Handels-, Industrie- und Finanzunternehmertums stand in ernsthaftem Widerspruch zur realen Lebenspraxis dieser sozialen Schichten mit ihrem Verlangen nach weltlichen Gütern, dem Horten und der Gier nach Reichtum. In der Psychologie der Kaufleute und der Handwerkselite traten die Merkmale Rationalismus, Besonnenheit, Mut bei geschäftlichen Unternehmungen, Bewusstsein für persönliche Fähigkeiten und breite Möglichkeiten deutlich hervor. Es entstand eine Moral, die „ehrliche Bereicherung“ und die Freuden des weltlichen Lebens rechtfertigte, deren Erfolgskrone das Ansehen der Familie, der Respekt der Mitbürger und der Ruhm im Andenken der Nachwelt waren.

Der Begriff „Renaissance“ (Renaissance) tauchte im 16. Jahrhundert auf. Der Begriff „Renaissance“ meinte ursprünglich nicht so sehr den Namen der gesamten Epoche, sondern den Moment der Entstehung einer neuen Kunst, der meist mit dem Beginn des 16. Jahrhunderts zusammenfiel. Erst später wurde aus diesem Konzept mehr breite Bedeutung und begann die Ära zu bezeichnen, in der sich in Italien und dann in anderen Ländern eine dem Feudalismus entgegengesetzte Kultur bildete und blühte. Engels beschrieb die Renaissance als „die größte fortschrittliche Revolution von allem, was die Menschheit bis dahin erlebt hatte“.

1. Kultur der Renaissance

Das 13. bis 16. Jahrhundert war die Zeit Große veränderungen in Wirtschaft, Politik und Kulturleben Europäische Länder. Das schnelle Wachstum der Städte und die Entwicklung des Handwerks und später die Entstehung des verarbeitenden Gewerbes, der Aufstieg des Welthandels, der immer mehr abgelegene Gebiete in seine Umlaufbahn zieht, die allmähliche Verlegung der Haupthandelsrouten vom Mittelmeer nach Norden, die endete nach dem Fall von Byzanz und den großen geographischen Entdeckungen Ende des 15. Jahrhunderts Anfang des XVI Jahrhunderte veränderten das Erscheinungsbild des mittelalterlichen Europas. Städte rücken mittlerweile fast überall in den Vordergrund. Die einst mächtigsten Kräfte der mittelalterlichen Welt – das Reich und das Papsttum – befanden sich in einer tiefen Krise. Im 16. Jahrhundert wurde das zerfallende Heilige Römische Reich Deutscher Nation zum Schauplatz der ersten beiden antifeudalen Revolutionen – des Großen Bauernkrieges in Deutschland und des niederländischen Aufstands. Der Übergangscharakter der Epoche, der in allen Lebensbereichen stattfindende Prozess der Befreiung von mittelalterlichen Fesseln und gleichzeitig die Unterentwicklung der aufkommenden kapitalistischen Beziehungen konnten die Merkmale der künstlerischen Kultur und des ästhetischen Denkens dieser Zeit nur beeinträchtigen.

Alle Veränderungen im gesellschaftlichen Leben gingen mit einer umfassenden Erneuerung der Kultur einher – dem Aufblühen der Natur- und exakten Wissenschaften, der Literatur in den Landessprachen und insbesondere der bildenden Künste. Diese Erneuerung hatte ihren Ursprung in den Städten Italiens und breitete sich dann auf andere europäische Länder aus. Das Aufkommen des Buchdrucks eröffnete beispiellose Möglichkeiten für die Verbreitung literarischer und wissenschaftliche Arbeiten und eine regelmäßigere und engere Kommunikation zwischen den Ländern trugen zur weiten Verbreitung neuer künstlerischer Bewegungen bei.

Dies bedeutet nicht, dass sich das Mittelalter auf neue Trends zurückzog: Traditionelle Ideen blieben im Massenbewusstsein erhalten. Die Kirche widersetzte sich neuen Ideen mit mittelalterlichen Mitteln – der Inquisition. Die Idee der menschlichen Freiheit blieb in einer in Klassen gespaltenen Gesellschaft bestehen. Die feudale Form der bäuerlichen Abhängigkeit verschwand nicht vollständig, und in einigen Ländern (Deutschland, Mitteleuropa) kam es zu einer Rückkehr zur Leibeigenschaft. Das Feudalsystem zeigte eine recht große Widerstandsfähigkeit. Jede Europäisches Land lebte es auf seine eigene Art und in seinem eigenen chronologischen Rahmen aus. Der Kapitalismus existierte lange Zeit als Lebensform und deckte nur einen Teil der Produktion sowohl in der Stadt als auch auf dem Land ab. Die patriarchalische mittelalterliche Langsamkeit begann jedoch der Vergangenheit anzugehören.

Die großen geographischen Entdeckungen spielten bei diesem Durchbruch eine große Rolle. 1456 erreichten portugiesische Schiffe Kap Verde, und 1486 umsegelte die Expedition von B. Diaz den afrikanischen Kontinent von Süden her und passierte das Kap Gute Hoffnung. Während sie die Küste Afrikas erkundeten, schickten die Portugiesen gleichzeitig Schiffe auf das offene Meer, nach Westen und Südwesten. Dadurch tauchten auf den Karten die bisher unbekannten Azoren- und Madeira-Inseln auf. Im Jahr 1492 ereignete sich ein großes Ereignis: H. Kolumbus, ein Italiener, der auf der Suche nach einem Weg nach Indien nach Spanien zog, überquerte den Atlantik, landete in der Nähe der Bahamas und entdeckte einen neuen Kontinent – ​​Amerika. Im Jahr 1498 brachte der spanische Reisende Vasco da Gama nach einer Umrundung Afrikas seine Schiffe erfolgreich an die Küste Indiens. Aus dem 16. Jahrhundert Die Europäer dringen in China und Japan ein, von denen sie bisher nur eine vage Vorstellung hatten. Im Jahr 1510 begann die Eroberung Amerikas. Im 17. Jahrhundert Australien wurde entdeckt. Die Vorstellung von der Form der Erde hat sich verändert: Die Weltreise des Portugiesen F. Magellan (1519-1522) bestätigte die Vermutung, dass sie die Form einer Kugel hat.

2. Wiederbelebungskunst

Die Kunst der Antike bildet eine der Grundlagen der künstlerischen Kultur der Renaissance. Vertreter der Renaissance finden in der antiken Kultur etwas, das ihren eigenen Ansprüchen entspricht – Bekenntnis zur Realität, Fröhlichkeit, Bewunderung für die Schönheit der irdischen Welt, für die Größe heroischer Taten. Gleichzeitig trägt die Kunst der Renaissance, die sich unter unterschiedlichen historischen Bedingungen entwickelt hat und die Traditionen des romanischen und gotischen Stils aufnimmt, den Stempel ihrer Zeit. Im Vergleich zur Kunst der klassischen Antike wird die menschliche Geisteswelt immer komplexer und vielfältiger.

Zu dieser Zeit begann sich die italienische Gesellschaft aktiv für die Kultur des antiken Griechenlands und Roms zu interessieren; so wurden die Werke von Cicero und Titus Livius gefunden.

Die Figuren der Renaissance malten das Ideal der menschlichen Persönlichkeit und betonten deren Freundlichkeit, Stärke, Heldentum und die Fähigkeit, eine neue Welt um sich herum zu erschaffen und zu erschaffen. Die hohe Vorstellung eines Menschen war untrennbar mit der Vorstellung seiner Willensfreiheit verbunden: Der Einzelne wählt sein eigenes Lebensweg und ist für ihr eigenes Schicksal verantwortlich. Der Wert eines Menschen begann, durch seine persönlichen Verdienste und nicht durch seine Stellung in der Gesellschaft bestimmt zu werden: „Adel ist wie eine Art Glanz, der von der Tugend ausgeht und seine Besitzer erleuchtet, unabhängig von ihrer Herkunft.“ (Aus dem Buch des Adels von Poggio Bracciolini, einem italienischen Humanisten des 15. Jahrhunderts).

Die Renaissance ist eine Zeit großer Entdeckungen, großer Meister und ihrer herausragenden Werke. Es war geprägt vom Erscheinen einer ganzen Galaxie von Künstler-Wissenschaftlern, unter denen Leonardo da Vinci an erster Stelle steht. Es war eine Zeit des Titanismus, der sich sowohl in der Kunst als auch im Leben manifestierte. Es genügt, sich an die von Michelangelo geschaffenen Heldenbilder und ihren Schöpfer selbst (Dichter, Künstler, Bildhauer) zu erinnern. Menschen wie Michelangelo oder Leonardo da Vinci waren echte Beispiele für die grenzenlosen Möglichkeiten des Menschen.

Die bildende Kunst erreicht in der Renaissance einen beispiellosen Wohlstand. Dies ist auf den wirtschaftlichen Aufschwung zurückzuführen, der zu einem enormen Wandel im Bewusstsein der Menschen geführt hat, die sich dem Kult des irdischen Lebens und der Schönheit zugewandt haben. Während der Renaissance wurde ein objektives Bild der Welt durch menschliche Augen gesehen, daher war eines der wichtigsten Probleme, mit denen Künstler konfrontiert waren, das Raumproblem.

Künstler begannen, die Welt anders zu sehen: flache, scheinbar körperlose Bilder mittelalterliche Kunst wich einem dreidimensionalen, erhabenen, konvexen Raum. Raphael Santi (1483-1520), Leonardo da Vinci (1452-1519) und Michelangelo Buonarroti (1475-1564) verherrlichten mit ihrer Kreativität eine vollkommene Persönlichkeit, in der körperliche und geistige Schönheit gemäß den Anforderungen der antiken Ästhetik verschmelzen. Künstler der Renaissance stützen sich bei der Konstruktion des menschlichen Körpers auf die Prinzipien der Nachahmung der Natur, nutzen die Perspektive und die Regel des „Goldenen Schnitts“. Leonardo da Vinci beschreibt die Malerei als „die größte aller Wissenschaften“. Das Prinzip der „Naturkonformität“, der Wunsch, das abgebildete Objekt möglichst genau wiederzugeben, sowie das dieser Zeit innewohnende Interesse an Individualität verleihen den Werken der Renaissance-Meister einen subtilen Psychologismus.

Künstlerwerke werden zu Signaturen, d.h. vom Autor betont. Es erscheinen immer mehr Selbstporträts. Ein zweifelsfreies Zeichen eines neuen Selbstbewusstseins ist, dass Künstler sich immer mehr vor direkten Aufträgen scheuen und sich aus innerer Motivation der Arbeit widmen. Bis zum Ende des 14. Jahrhunderts veränderte sich auch die äußere Stellung des Künstlers in der Gesellschaft deutlich. Künstler beginnen, alle Arten von öffentlicher Anerkennung, Positionen, Ehren- und Geldpfründe zu erhalten. Und Michelangelo zum Beispiel wird so hoch erhoben, dass er, ohne Angst davor zu haben, die gekrönten Prinzen zu beleidigen, die ihm angebotenen hohen Ehren ablehnt. Der Spitzname „göttlich“ genügt ihm. Er besteht darauf, dass in Briefen an ihn alle Titel weggelassen und einfach „Michelangelo Buonarotti“ geschrieben werden sollten. Ein Genie hat einen Namen. Der Titel ist für ihn eine Belastung, weil er mit unausweichlichen Umständen und damit einem zumindest teilweisen Verlust eben dieser Freiheit von allem verbunden ist, was seine Kreativität beeinträchtigt. Aber die logische Grenze, zu der sich der Renaissance-Künstler hingezogen fühlte, war die Erlangung völliger persönlicher Unabhängigkeit, die natürlich vor allem schöpferische Freiheit mit sich brachte.

Wenn Michelangelo am häufigsten genannt werden kann ein brillanter Künstler Renaissance, dann Leonardo – die größte Idee des Renaissance-Künstlers. Michelangelo materialisierte den Geist und Leonardo vergeistigte die Natur. Wenn man sich Leonardo und Michelangelo als die beiden Pole der Renaissance vorstellen kann, dann kann man Raffael als deren Mitte bezeichnen. Es war sein Werk, das alle Prinzipien der Renaissance am besten zum Ausdruck brachte; es passte in die Renaissance. Für alle Zeiten ist Raffaels Kunst zum Symbol der Harmonie geworden und verkörperte diese.

In der Kunst der Renaissance wurde der Mensch zu einem realen und eigenständigen Wert. In der Architektur äußert sich dies nicht nur in der Humanisierung der Proportionen von Gebäuden, sondern auch in der Gestaltung von Bodenideen. In der Architektur spielte der Rückgriff auf die klassische Tradition eine besonders wichtige Rolle. Es manifestierte sich nicht nur in der Ablehnung gotischer Formen und der Wiederbelebung des antiken Ordnungssystems, sondern auch in der klassischen Proportionalität der Proportionen, in der Entwicklung eines zentrischen Gebäudetyps mit gut sichtbarem Innenraum in der Tempelarchitektur. Vor allem im Bereich der Zivilarchitektur ist viel Neues entstanden. Während der Renaissance erhielten mehrstöckige Stadtgebäude (Rathäuser, Häuser von Kaufmannszünften, Universitäten, Lagerhäuser, Märkte usw.) eine Art Stadtpalast (Palazzo) – die Heimat eines wohlhabenden Bürgers; sowie eine Art Landvilla. Stadtplanungsprobleme werden auf neue Weise gelöst und Innenstädte werden umgebaut. Es entsteht eine Haltung zur Architektur als Ausdruck individueller Kompetenz.

In der Musik geht die Entwicklung der vokalen und instrumentalen Polyphonie weiter. Besonders auffällig war die im 15. Jahrhundert entstandene niederländische polyphone Schule, die zwei Jahrhunderte lang bis zum Aufkommen der Oper (Komponisten J. Depres, O. Lasso) eine bedeutende Rolle in der professionellen europäischen Musik spielte. In der weltlichen Musik tauchen neue Genres auf: Frottole – ein Lied volkstümlichen Ursprungs in Italien; Villanisco – ein Lied zu jedem Thema, von lyrisch und pastoral bis hin zu historisch und moralisierend – in Spanien; Madrigal ist eine Art Liedtext, der in der Muttersprache vorgetragen wird. Gleichzeitig einige musikalische Figuren belegen die Vorteile monadischer Musik gegenüber der Leidenschaft für Polyphonie. Es treten Genres auf, die Homophonie (Einzelstimme) fördern – Sololied, Kantate, Oratorium. Auch die Musiktheorie entwickelt sich.

3. Renaissance-Poesie

Als er von der Renaissance als einer großen historischen Revolution sprach, betonte F. Engels im Vorwort zu „Dialektik der Natur“, dass während dieser Revolution in Europa Nationen gebildet, nationale Literaturen geboren wurden und neuer Typ Person. Diese Ära „brauchte Titanen“ – und „brachte Titanen hervor, die an Denkstärke, Leidenschaft und Charakter, aber auch an Vielseitigkeit und Gelehrsamkeit mangelten.“

Es ist schwierig, eine bedeutende Kulturfigur der Renaissance zu finden, die keine Gedichte schrieb. Talentierte Dichter waren Raffael, Michelangelo und Leonardo da Vinci; Gedichte wurden von Giordano Bruno, Thomas More, Ulrich von Hutten und Erasmus von Rotterdam geschrieben. Die Kunst, Gedichte zu schreiben, wurde von Ronsard den Fürsten von Frankreich beigebracht. Gedichte wurden von Päpsten und italienischen Fürsten verfasst. Sogar die extravagante Abenteurerin Maria Stuart ließ elegante poetische Zeilen fallen und verabschiedete sich von Frankreich, wo sie ihre fröhliche Jugend verbrachte. Hervorragende Prosaautoren und Dramatiker waren Lyriker. Offensichtlich hatte die große Revolution ihren eigenen Rhythmus, der offensichtlich von talentierten Menschen und ihrem Pulsschlag erfasst wurde. Im sichtbaren Chaos historische Ereignisse das über Europa hereinbrach – in Kriegen, Aufständen, großen Feldzügen in ferne Länder, in immer neuen Entdeckungen –, diese „Musik der Sphären“ erklang, diese Stimme der Geschichte, die in revolutionären Epochen für Menschen, die sie hören können, immer hörbar ist . Diese neuen Lebensrhythmen hallten mit enormer Kraft in der in neuen europäischen Sprachen geborenen Poesie wider, die in vielen Fällen gerade im Zusammenhang mit der Tätigkeit der Dichter Tauschgesetze erlangte.

Ein wichtiger und gemeinsamer Punkt für die gesamte europäische Poesie der Renaissance war, dass sie sich von der Kunst des Gesangs und bald auch von der musikalischen Begleitung löste, ohne die die Volkslyrik des Mittelalters sowie die Kunst der ritterlichen Dichter – Troubadours und Minnesänger waren undenkbar. Auf Kosten der Bemühungen mutiger Reformatoren wurde die Poesie zu einem Bereich rein individueller Kreativität, in dem eine neue Persönlichkeit, geboren in den Stürmen der Renaissance, ihre Beziehungen zu anderen Menschen, zur Gesellschaft, zur Natur offenbarte. Sammlungen italienischer Dichter des 14.-15. Jahrhunderts werden immer noch auf die alte Weise „Liederbücher“ – „Canzoniere“ genannt, aber Gedichte werden bereits gedruckt, um laut gesprochen oder vorgelesen zu werden, um der wachsenden Zahl von Poesieliebhabern zu dienen die bei einem Gedichtband die ganze Welt vergessen haben, wie junge Helden“ Göttliche Komödie» Paolo und Francesca.

Die Poesie der Neuzeit trug jedoch dazu bei, die Verbindung zum Lied, insbesondere zum Volkslied, völlig zu lösen. Außerdem, genau in der Zeit Frührenaissance Eine mächtige Welle volkstümlicher Poesie, vor allem Lieder, erfasst alle europäischen Länder. Wir können sagen, dass die Blüte Lyrik Zu dieser Zeit begann es gerade mit der Poesie der Massen – Bauern und Städter, die überall in Europa spürten, wie ihre Stärke zunahm, ihren Einfluss auf das Leben der Gesellschaft. Die Renaissance war eine Ära großer Volksbewegungen, die die Grundlagen des Mittelalters untergruben und den Beginn einer neuen Zeit ankündigten.

Die tiefen Verbindungen zwischen Volksaufstand und Kritik an der feudalen Ideologie werden in „The Vision of Peter the Plowman“ offenbart, einem Gedicht aus den 70er Jahren des 14. Jahrhunderts, das dem unbekannten Verlierer William Langland zugeschrieben wird und voller Anklänge an mündliche Überlieferungen ist. Volkskunst. Hier wird der Arbeiter, der Pflüger, zum Träger der moralischen Wahrheit gewählt. Im 14. Jahrhundert nahm offensichtlich die Haupthandlung der Balladen um den Rebellen und Volksbeschützer Robin Hood Gestalt an, die zu einem Favoriten wurde beliebte Lektüre, sobald in England die Druckmaschinen zu arbeiten begannen.

Die zahlreichen Archipele des Nordatlantiks mit ihrer gemischten Bevölkerung vorwiegend dänischer Herkunft sind zu einer Art Reservat für die Ballade geworden, wo sie auch heute noch als lebendiges poetisches Genre existiert. Die dänische Ballade der Renaissance, von der Beispiele in diesem Band enthalten sind, ist zu einem klassischen Genre der Volksdichtung geworden Nordeuropa.

Seit der Mitte des 15. Jahrhunderts haben Buchdruckpressen zahlreiche Veröffentlichungen hergestellt, die darauf ausgerichtet waren weite Kreise Leser, Beispiele volkstümlicher Poesie – Lieder, Romanzen, Rätsel sowie „Volksbücher“ (darunter ein Buch über Till Eulenspiegel und ein Buch über Doktor Faust). Sie werden von humanistischen Schriftstellern verarbeitet und genutzt, auch von solchen, die weit von der Bewegung der Massen entfernt sind, aber eine Anziehungskraft auf populäre Quellen verspüren. Schauen wir uns die Stücke von Shakespeare, seinen Zeitgenossen und Vorgängern an. Wie viele Volksballaden werden wir im Kern ihrer Pläne finden; in Desdemonas Lied über die Weide, in Ophelias Lied über den Valentinstag, in der Atmosphäre des Ardennenwaldes („Viel Lärm geht um nichts“), wo Jacques umherwandert, der so an einen anderen Wald erinnert – Sherwood, den Treffpunkt des Schützen Robin Hood und seine fröhlichen grünen Brüder. Doch bevor sie ihren Weg in die Tintenfässer der Schriftsteller fanden, wanderten diese Motive über die Plätze englischer Städte, auf Landmärkten und in Straßenkneipen, wurden von umherziehenden Sängern aufgeführt und verängstigten gläubige Puritaner.

Der damalige Dichter hatte eine andere Inspirationsquelle: die klassische Antike. Eine leidenschaftliche Liebe zum Wissen trieb den Dichter auf weite Reisen zu anatomischen Theatern, Schmieden und Laboratorien, aber auch in Bibliotheken. Bis zum 15. Jahrhundert kannte ein gebildeter Europäer einige Werke Lateinische Literatur, Überlebende des antiken Roms, die wiederum viel von der Kultur des antiken Griechenlands lernten. Doch die griechische Kultur selbst erlangte später große Bekanntheit, insbesondere nach dem 15. Jahrhundert, als Byzanz, die letzte Stütze der mittelalterlichen griechischen Zivilisation im Nahen Osten, im Kampf gegen die Türken zusammenbrach. Tausende griechische Flüchtlinge, die aus den von den Türken eroberten Ländern in die christlichen Länder Europas strömten, trugen Wissen mit sich Muttersprache und Kunst, viele wurden Übersetzer an europäischen Höfen, Griechischlehrer an europäischen Universitäten, Berater bei großen Druckereien, die antike Klassiker im Original und in Übersetzungen veröffentlichten.

Die Antike wurde sozusagen zu einer zweiten Welt, in der die Dichter der Renaissance lebten. Sie erkannten selten, dass die Kultur der Antike auf dem Schweiß und Blut von Sklaven aufgebaut war; Sie stellten sich die Menschen der Antike als Analogie zu den Menschen ihrer Zeit vor und stellten sie auch so dar. Ein Beispiel hierfür ist der rebellische Mob in Shakespeares Tragödien, die „alten“ Bauern und Handwerker in den Gemälden von Renaissance-Künstlern oder die Hirten und Hirtinnen in ihren Gedichten und Gedichten.

Allmählich zeichneten sich im Fluss der literarischen Entwicklung dieser Zeit zwei Tendenzen ab: Die eine ließ sich im Kampf um die Bildung einer neuen Nationalliteratur von alten Vorbildern leiten, zog ihre Erfahrungen der Volkstradition vor und lehrte junge Menschen das Schreiben. nach Horaz“ oder „nach Aristoteles“. In ihrem Wunsch, den alten Vorbildern näher zu kommen, verzichteten diese „gelehrten“ Dichter manchmal sogar auf Reime, was eine unbestreitbare Errungenschaft der europäischen mittelalterlichen Poesie darstellte. Vertreter einer anderen Bewegung – darunter Shakespeare und Lone de Vega –, die die antike Literatur sehr schätzten und für ihre Werke oft Handlungsstränge und Bilder aus ihren Schätzen entnahmen, verteidigten den Schriftsteller dennoch nicht nur für das Recht, sondern auch für die Verpflichtung, vor allem zu studieren und das lebendige Leben in Poesie wiedergeben. Hamlet spricht darüber mit Schauspielern in Bezug auf Bühnenkunst, und Lone de Vega wiederholt dasselbe in seiner Abhandlung „Über die neue Kunst, Komödien zu schreiben“. Es ist Lipe, der die Idee der Notwendigkeit, mit der man rechnen muss, direkt zum Ausdruck bringt Volkstradition in Kunst. Aber Shakespeare, der in seinen Sonetten über einen bestimmten Schriftstellerkollegen spricht, der seinen poetischen Ruhm in Frage stellte, stellt seine „gelehrte“, „verzierte“ Art seinem eigenen „einfachen“ und „bescheidenen“ Stil gegenüber. Beide Bewegungen als Ganzes bildeten einen einzigen Strom humanistischer Poesie, und obwohl es innere Widersprüche gab, die durch unterschiedliche soziale Gründe in verschiedenen Ländern verursacht wurden, stellten sich humanistische Dichter den Schriftstellern ihrer Zeit entgegen, die versuchten, die alte feudale Welt und die veraltete Ästhetik zu verteidigen Normen und alte poetische Techniken.

Das fünfzehnte Jahrhundert brachte viele neue Dinge in die italienische Poesie. Zu dieser Zeit begannen Patrizierfamilien allmählich die Macht in den Städten zu übernehmen, die sich von Handelskommunenstaaten in Herzogtümer und Fürstentümer verwandelten. Die Söhne der Florentiner Reichen, zum Beispiel des berühmten Bankhauses der Medici, prahlten mit ihrer humanistischen Bildung, förderten die Künste und waren ihnen selbst nicht fremd. Humanistische Dichter schufen lateinische Poesie für gebildete Leser. Unter der Feder von Talenten wie Angelo Poliziano wurde der Kult der tapferen Ritter und schönen Damen für die Bedürfnisse des Stadtadels wiederbelebt. Die Stadtgemeinde, die ihre Rechte vor dem starken Zugriff des Hauses Medici verteidigte, reagierte auf die Entstehung einer neuen aristokratischen Kultur mit der raschen Entwicklung volkstümlicher satirischer und alltäglicher Lieder; Pulci verspottete die romantische Verliebtheit in die feudale Vergangenheit in dem Heldengedicht „Great Morgant“. Doch in Florenz und insbesondere in Ferrara – der Festungshauptstadt der Herzöge von Este – wurde das ritterliche Liebes-Abenteuer-Gedicht in einer aktualisierten Fassung wiederbelebt, und zwar vom Grafen Matteo Boiardo und später, bereits im 16. Jahrhundert, vom Ferraraer Dichter Ludovico Ariosto erzählt in eleganten Oktaven von den unerhörten Heldentaten und Abenteuern des Ritters Roland (Orlando), der sich vom harten Helden des mittelalterlichen Epos in einen leidenschaftlichen Liebhaber verwandelte, der sich der Fantasie zuwandte. verschiedene Jahrhunderte und Völker schuf Ariosto ein Werk, in dem viele Dinge Don Quijote vorwegnehmen.

Der jüngste Beitrag zur europäischen Renaissance-Lyrik stammt von den Dichtern der Iberischen Halbinsel; Eine entscheidende Wende zu einer neuen Weltanschauung und einer neuen Kultur erfolgte hier erst an der Wende vom 15. zum 16. Jahrhundert, wofür es Gründe gab. Erstens die langwierige Reconquista, die den Einsatz aller Kräfte der getrennten und oft verfeindeten Brudervölker auf der Halbinsel erforderte. Die historische Entwicklung Spaniens verlief auf einzigartige Weise. Die königliche Macht hatte in den spanischen Städten keinen festen Stand, und obwohl sie nach und nach die rebellische Aristokratie und die städtischen Kommunen zerschmetterte, kam es zu keiner wirklichen staatlichen und nationalen Vereinigung: Die spanischen Könige regierten und verließen sich nur auf Waffengewalt und die kirchliche Inquisition . Die Entdeckung Amerikas am Ende des 15. Jahrhunderts und die Beschlagnahme seiner riesigen Gebiete mit Gold- und Silberminen für kurze Zeit führten zu einer beispiellosen Bereicherung Spaniens und dann zu einem Rückgang des Goldpreises und der katastrophalen Verarmung des Landes Land, in dem das Streben nach leichtem Geld die Sorge um die Entwicklung von Handwerk und Landwirtschaft verdrängte. Die spanische Macht begann auch ihre politische Macht zu verlieren; Ende des 16. Jahrhunderts fielen die Niederlande von ihr ab und 1588 wurde die „Unbesiegbare Armada“ – die spanische Flotte, die zur Eroberung Englands entsandt wurde – besiegt. Die Reaktion herrschte. Scharen von Bettlern und Vagabunden zogen sich über die sonnenverbrannten Felder und Straßen des Landes, das, nachdem es ein Königreich der Abenteurer und Plünderer geworden war, in vielerlei Hinsicht ein feudales Land blieb.

Und doch blühte in Spanien eine brillante Renaissancekultur auf. Schon Literatur Spätmittelalter war hier reichhaltig und abwechslungsreich. Aragonesische, kastilische, andalusische Traditionen verschmolzen zu etwas Neuem, das die Einflüsse Galiziens mit seiner Troubadourschule, Kataloniens und insbesondere Portugals aufnahm, das bereits im 15. Jahrhundert begann, um neue Seewege zu kämpfen und Spanien im Feld allgemein überholte der kulturellen Entwicklung. Die engen kulturellen Beziehungen zu Spanien wurden durch ein halbes Jahrhundert (1580 - 1640) der Unterordnung Portugals unter die spanische Krone gestärkt. Von großer Bedeutung für die Literatur der Iberischen Halbinsel war ihre jahrhundertelange Nähe zur Literatur der arabischen Welt. Durch diese Nachbarschaft erhielten spanische Dichter viele Motive und Bilder, die vor allem in den Romanzen des 15.-16. Jahrhunderts spürbar waren. Andererseits war Spanien zu dieser Zeit eng mit dem Königreich Sizilien, mit Venedig, verbunden und unterhielt in vielen Städten und Häfen Italiens Garnisonen und Flotten. Während ihrer Entstehung erfuhr die spanische Renaissancepoesie den stärksten und nachhaltigsten Einfluss der italienischen Poesie. (Gleiches gilt für die Literatur Portugals)

Romantiker in jeder Literatur Westeuropa waren Nachfolger und Schüler der Meister der Renaissance. Ihre vollblütige, humane Kunst diente zahlreichen fortschrittlichen Dichtern des 20. Jahrhunderts als Vorbild. Johannes R. Becher, ein Künstler des sozialistischen Realismus, hielt es für notwendig, in seine Studien zur modernen Literatur „Die kleinere Studie des Sonetts“ aufzunehmen, eine Studie, die eine sorgfältige Analyse der sechs sprachlichen Aspekte des Sonetts enthält: Französisch, Deutsch, Englisch , Italienisch, Portugiesisch und Spanisch.

Dante, Shakespeare, Lope de Vega, Cervantes, veröffentlicht in vielen Sprachen der Völker der UdSSR, wurden nicht nur unsere Zeitgenossen, sondern auch unsere Mitstreiter. Wie die Gemälde von Renaissancekünstlern gelangten auch Dramen, Lieder und Gedichte von Renaissancedichtern in den kulturellen Gebrauch Sowjetischer Mann.

Einer der Titanen der Renaissance, Giordano Bruno, nannte sein Buch „Dialog über heroische Begeisterung“. Dieser Name beschreibt sehr genau die spirituelle Atmosphäre der Renaissance, die in der Poesie des 14. bis 16. Jahrhunderts festgehalten ist. Diese Poesie enthüllte die Schönheit des Menschen, den Reichtum seines Innenlebens und die unzählige Vielfalt seiner Empfindungen, zeigte die Pracht der irdischen Welt und verkündete das Recht des Menschen auf irdisches Glück. Die Literatur der Renaissance erhob die Berufung des Dichters zu einer hohen Mission im Dienst an der Menschheit.

4. Renaissance-Theater

Theater ist die Kunst, dramatische Werke auf der Bühne zu präsentieren. Diese Definition dieses Konzepts ist gegeben durch Wörterbuch Oschegowa.

Das Renaissance-Theater ist eines der auffälligsten und bedeutendsten Phänomene in der Geschichte der Weltkultur; Das ist eine mächtige Quelle Europäisches Theater Leinenkunst – für alle Zeiten. Neues Theater geboren aus dem Bedürfnis heraus, jugendliche Energie in die Tat umzusetzen. Und wenn man sich die Frage stellt, in welche Sphäre der Kunst diese Aktion, dieses Meer an Spaß hätte münden sollen, dann ist die Antwort klar: Natürlich in die Sphäre des Theaters. Das Karnevalsspiel konnte nicht länger auf seinem früheren Stadium der spontanen Amateuraktivität bleiben und drang in die Gefilde der Kunst ein und wurde zu Kreativität, bereichert durch die Erfahrung alter und neuer Literaturen.

In Italien betraten – zum ersten Mal in Europa – professionelle Schauspieler die Bühne und verblüfften die Welt mit einer strahlenden, starken Darbietung, die direkt vor den Augen des Zuschauers entstand und durch ihre Freiheit, Spannung, Brillanz und Witz bezauberte.

Dies war der Beginn der Theaterkunst der Neuzeit in Italien. Dies geschah in der Mitte des 16. Jahrhunderts.

Das Renaissance-Theater erreichte in England seinen Höhepunkt. Jetzt hat er wirklich alle Bereiche des Lebens in sich aufgenommen, ist in die Tiefen des Daseins eingedrungen. Wie aus dem Untergrund erhob sich eine gewaltige Schar von Talenten. Und das größte Wunder des Jahrhunderts war ein Mann aus Stratford, der nach London kam, um Theaterstücke für das Globe Theatre zu schreiben. Der laute Name des Theaters hatte seine Berechtigung – in Shakespeares Werken öffnete sich wirklich die Welt: Man konnte sehen historische Entfernungen Als wir lebten, wurden die wichtigsten Wahrheiten des gegenwärtigen Jahrhunderts geklärt und auf wundersame Weise wurden durch den Schleier der Zeit die Umrisse der Zukunft sichtbar.

In der majestätischen Ära der Renaissance, in der Ära von Dante, Leonardo und Michelangelo, kündigte eine kleine Flagge, die über dem Globus wehte, eine grandiose Leistung an. Shakespeares Genie vereinte alles, was zuvor im Drama und auf der Bühne erreicht wurde. Nun konnte man in zwei bis drei Stunden auf sechs bis acht Quadratmetern Welten und Epochen sehen.

Es entstand ein wirklich großes Theater. In Italien wurde ein neues Theater geboren. Diese Geburt kann keinem genau definierten Datum, Namen oder Werk zugeordnet werden. Es gab einen langen, multilateralen Prozess – sowohl an der „Oberseite“ als auch am „Unten“ der Gesellschaft. Ein historisch vollständiges Ergebnis ergab sich erst nach dem Notwendigen die Dreifaltigkeit von Schauspiel, Bühne und großem Publikum.

Über die ersten Experimente im Renaissance-Drama kann man mit Sicherheit sagen, dass sie Schöpfungen der Feder, nicht aber der Bühne waren. Aus dem Mutterleib der Literatur hervorgegangen, verließ das humanistische Drama, wenn es jemals die Bücherregale verließ, dies nur gelegentlich und ohne große Hoffnung auf einen Bühnenerfolg. Und einfache Volksposse und Improvisationen von Karnevalsmasken zogen Massen von Zuschauern an, obwohl sie nicht einmal ein Zehntel der literarischen Qualitäten geschriebener Stücke aufwiesen. Auf dem Karneval begann die Quelle der Commedia dell'arte zu sprudeln – dieser wahre Vorfahre des neuen europäischen Theaters. Ich muss das sagen In der frühen Phase der Entwicklung des neuen Theaters kam die gegenseitige Entfremdung von Bühne und Schauspiel beiden zugute. Das Drama erwies sich als frei von den Primitiven der Farce-Bühne, und die Bühne, also die darstellende Kunst, ohne Drama und sich selbst überlassen, erhielt die Möglichkeit, ihre eigenen kreativen Ressourcen intensiv zu entwickeln.

Pomponios wissenschaftliches Studio war die erste Versammlung von Amateuren, die die Komödien von Plautus spielten. Charaktere, die seit vielen Jahrhunderten in dieser Position sind literarische Helden Er ging erneut über die Bühne (wenn auch wahrscheinlich noch nicht sehr souverän).

Die Nachricht von der Entdeckung des römischen Wissenschaftlers verbreitete sich bald in ganz Italien. Unter anderem wurde es an Höfen Mode, die Komödien des Plautus zu zeigen. Die Mode war so groß, dass Plautus im Vatikan auf Latein gespielt wurde. Da jedoch nicht jeder Latein verstand, übersetzte der Humanist Batista Guarini Ende der 70er Jahre die Werke von Plautus und Terence ins Lateinische italienische Sprache.

Erfolgreiche Entwicklung Die Komödie wurde dadurch bestimmt, dass sich das traditionelle antike Schema – der Kampf eines jungen Mannes um den Besitz seiner von strengen Eltern bewachten Geliebten und die Tricks ausweichender und energischer Diener – als geeignet für lebhafte Skizzen des modernen Lebens erwies .

Während des Karnevals 1508 im Ferrara-Palast zeigte der Dichter Ludovico Ariosto seine „Komödie der Truhe“.

Und es war, als ob die Schleusentore, die den lebensspendenden Strom lange Zeit zurückgehalten hatten, durchbrochen wären. IN nächstes Jahr Ariostos zweite Komödie erscheint, „Die Wechselbälge“, und 1513 führt Kardinal Bibbiena in Urbino seine „Calandria“ vor. Im Jahr 1514 schrieb der ehemalige Sekretär der Florentiner Republik, der aufschlussreichste Niccolò Machiavelli, das beste Theaterstück seiner Zeit: „Mandrake“.

Italienische Komödie Das 16. Jahrhundert entwickelte einen gewissen Standard dynamischer Handlungsstränge: Die gleichen Situationen wiederholten sich hier ständig mit Ersatzkindern, verkleideten Mädchen, Dienertricks und komischen Fiasko verliebter alter Männer.

Italienische Humanisten beschäftigten sich intensiv mit dem Erbe Senecas; dann gerieten die griechischen Tragiker Sophokles und Euripides in den Bann ihrer Interessen. Unter dem Einfluss dieser antiken Autoren entstand die italienische Tragödie der Renaissance, deren erstes Beispiel „Sofonisba“ von Giangiorgio Trissino (1515) war.

Trissino war ein Experte des antiken griechischen Theaters. Bei der Komposition seiner eigenen Tragödie ließ er sich von den Werken von Sophokles und Euripides leiten. In „Sofonisbe“ wurden alle Komponenten der antiken Tragödie verwendet – der Chor, Vertraute, Boten, es gab keine Einteilung in Akte, die Gesetze von drei Einheiten und drei Schauspielern wurden beachtet. Doch der Tragödie fehlte das Wesentliche – ein bedeutsames gesellschaftliches Thema, die Dynamik der Leidenschaften und ganzheitliches Handeln.

Das moderne Publikum interessierte sich für das tragische Genre entweder im rein akademischen Sinne oder in der Erwartung, hier Nahrung für „Schocks“ zu finden.

Die italienische Tragödie lieferte solche Nahrung in Hülle und Fülle.

Die neue Tragödie versuchte, „den Geist“ des Publikums einzufangen. Der Vater tötete die aus einer geheimen Ehe geborenen Kinder und präsentierte ihr ihre Köpfe und Hände auf einer Platte. Die schockierte Tochter tötete ihren Vater und erstach sich selbst („Orbecca“ von J. Cintio, 1541). Eine von ihrem Mann verlassene Frau zwang ihren Rivalen, seine Kinder zu töten, woraufhin sie sie tötete und ihrem Mann die Totenköpfe schickte; der Ehemann wiederum enthauptete den Liebhaber seiner Frau. Gegen Ende vergifteten sich die grausamen Eheleute gegenseitig („Dalida“ von L. Groto, 1572).

„Horrortragödien“ verblüffen mit ihren blutigen Szenen, ohne Gedanken zu wecken, ohne Fragen nach dem Sinn des Lebens und der menschlichen Verantwortung aufzuwerfen.

In einer Zeit, in der die Komödie im Niedergang begriffen war und die Tragödie nicht den großen Weg der Kunst einschlug, war sie der Sieger Das Pastorale erschien auf der dramaturgischen Bühne.

Die pastorale Richtung erhielt zunächst ihren lebendigsten Ausdruck in der Poesie – in den Werken von Boccaccio („Ameto“, „Die fiesolanischen Nymphen“) und in den Texten der Petrarchisten. Doch schon bald war ein neues dramatisches Genre geboren.

Dominierte in der Tragödie die tödliche Leidenschaft und in der Komödie die sinnliche Anziehung, so herrschte in der Pastoral „reine Liebe“, die außerhalb konkreter Lebenszusammenhänge als eine Art poetisches Ideal auftrat.

Das Theater der englischen Renaissance ist Shakespeare und sein brillantes Gefolge: Marlowe, Greene, Beaumont, Fletcher, Champion, Nash, Ben Jonson. Aber alle diese Nachnamen gehören zu ihrem Alter und ihrer Nation; Shakespeare, der den Geist seiner Zeit und das Leben seines Volkes am tiefsten zum Ausdruck brachte, gehört allen Jahrhunderten und allen Völkern an.

Shakespeare-Theater - Dies ist eine Art Synthese der Renaissancekultur. Nachdem er das reifste Stadium dieser Kultur definiert hatte, sprach Shakespeare zu seiner Zeit und zu künftigen Jahrhunderten, als ob er stellvertretend für die gesamte Ära der „größten fortschrittlichen Revolution“ stünde.

Shakespeares Werke war das Ergebnis der Entwicklung des nationalen Englisches Theater . Gleichzeitig fasste es gewissermaßen die Errungenschaften aller bisherigen Poesie-, Drama- und Bühnenkulturen der Antike und Neuzeit zusammen. Daher kann man in Shakespeares Dramen die epische Tragweite der homerischen Handlung, die gigantische Gestaltung der Monotragödien der alten Griechen und das stürmische Spiel der Handlung der römischen Komödie spüren. Shakespeares Theater ist reich an der hohen Lyrik der petrarchistischen Dichter. In Shakespeares Werken sind die Stimmen moderner Humanisten deutlich zu hören, von Erasmus von Rotterdam bis Montaigne.

Die tiefgreifende Entwicklung des Erbes war die wichtigste Voraussetzung für die Geburt eines neuen und fortschrittlichsten Typus des Renaissance-Dramas, des Shakespeare-Dramas.

Abschluss

Die Ideen des Humanismus sind die spirituelle Grundlage für das Aufblühen der Kunst der Renaissance. Die Kunst der Renaissance ist von den Idealen des Humanismus durchdrungen; sie schuf das Bild eines schönen, harmonisch entwickelten Menschen. Italienische Humanisten forderten die Freiheit des Menschen. „Aber Freiheit liegt im Verständnis der italienischen Renaissance“, schrieb ihr Experte A.K. „Dzhivelegov“ bedeutete eine einzelne Person. Der Humanismus hat bewiesen, dass ein Mensch in seinen Gefühlen, in seinen Gedanken, in seinen Überzeugungen keiner Vormundschaft unterliegt, dass es keine Willenskraft über ihn geben sollte, die ihn daran hindert, so zu fühlen und zu denken, wie er möchte.“ In der modernen Wissenschaft gibt es kein eindeutiges Verständnis der Natur, Struktur und chronologischer Rahmen Renaissance-Humanismus. Aber natürlich sollte der Humanismus als der wichtigste ideologische Inhalt der Kultur der Renaissance betrachtet werden, der untrennbar mit der gesamten historischen Entwicklung Italiens im Zeitalter des beginnenden Zerfalls der feudalen und der Entstehung kapitalistischer Beziehungen verbunden ist. Der Humanismus war eine fortschrittliche ideologische Bewegung, die zur Schaffung eines Kulturmittels beitrug und sich in erster Linie auf das antike Erbe stützte. Der italienische Humanismus durchlief mehrere Phasen: seine Entstehung im 14. Jahrhundert, den strahlenden Aufschwung im nächsten Jahrhundert, die innere Umstrukturierung und den allmählichen Niedergang im 16. Jahrhundert. Die Entwicklung der italienischen Renaissance war eng mit der Entwicklung der Philosophie, der politischen Ideologie, der Wissenschaft und anderen Formen verbunden öffentliches Bewusstsein und hatte wiederum einen starken Einfluss auf künstlerische Kultur Renaissance.

Die auf einer antiken Grundlage wiederbelebten Geisteswissenschaften, einschließlich Ethik, Rhetorik, Philologie und Geschichte, erwiesen sich als Hauptbereich in der Entstehung und Entwicklung des Humanismus, dessen ideologischer Kern die Lehre vom Menschen, seinem Platz und seiner Rolle in der Natur war Gesellschaft. Diese Lehre entwickelte sich vor allem in der Ethik und wurde in verschiedenen Bereichen der Renaissancekultur bereichert. Die humanistische Ethik rückte das Problem des irdischen Schicksals des Menschen in den Vordergrund, das Erreichen des Glücks durch eigene Anstrengungen. Humanisten wählten einen neuen Ansatz für Fragen der Sozialethik, bei deren Lösung sie sich auf Vorstellungen über die Kraft der menschlichen Kreativität und des Willens sowie über seine vielfältigen Möglichkeiten zur Schaffung von Glück auf der Erde stützten. Sie betrachteten den Einklang der Interessen des Einzelnen und der Gesellschaft als eine wichtige Voraussetzung für den Erfolg; sie vertraten das Ideal der freien Entfaltung des Einzelnen und der untrennbar damit verbundenen Verbesserung des sozialen Organismus und der politischen Ordnung. Dies gab vielen ethischen Ideen und Lehren der italienischen Humanisten einen ausgeprägten Charakter.

Viele in der humanistischen Ethik entwickelte Probleme erhalten in unserer Zeit, in der die moralischen Anreize menschlichen Handelns eine immer wichtigere soziale Funktion erfüllen, eine neue Bedeutung und besondere Relevanz.

Die humanistische Weltanschauung wurde zu einer der größten fortschrittlichen Errungenschaften der Renaissance, die Wirkung zeigte starker Einfluss für die gesamte weitere Entwicklung der europäischen Kultur.

Die Reformation spielte eine wichtige Rolle bei der Entstehung der Weltzivilisation. Ohne ein bestimmtes gesellschaftspolitisches Ideal zu verkünden, ohne eine Neugestaltung der Gesellschaft in die eine oder andere Richtung zu fordern, ohne sich auf ein solches zu verpflichten wissenschaftliche Entdeckungen oder Errungenschaften auf künstlerischem und ästhetischem Gebiet veränderte die Reformation das Bewusstsein des Menschen und eröffnete ihm neue spirituelle Horizonte. Der Mensch erhielt die Freiheit, selbständig zu denken, befreite sich von der Vormundschaft der Kirche, erhielt für ihn die höchste Sanktion – die religiöse, sodass ihm nur seine eigene Vernunft und sein Gewissen diktierten, wie er leben sollte. Die Reformation trug zur Entstehung des Menschen der bürgerlichen Gesellschaft bei – eines unabhängigen, autonomen Individuums mit moralischer Entscheidungsfreiheit, unabhängig und verantwortungsbewusst in seinen Urteilen und Handlungen.

Liste der verwendeten Literatur

1. L. M. Bragina „Soziale und ethische Ansichten italienischer Humanisten“ (II. Hälfte des 15. Jahrhunderts), Verlag der Moskauer Staatlichen Universität, 1983

2. Aus der Kulturgeschichte des Mittelalters und der Renaissance. Verlag „Wissenschaft“, M 1976

3. 5 0 Biografien von Meistern der westeuropäischen Kunst. Verlag „Sowjetischer Künstler“, Leningrad 1965

4. Garei E. Probleme der italienischen Renaissance. - M., 1996.

5. Kunstgeschichte fremder Länder. - M., 1998.

6. Kulturologie. Geschichte der Weltkultur: Lehrbuch für Universitäten / Ed. Prof. EIN. Markova. - M, 1995.

7. Kulturologie. Theorie und Kulturgeschichte: Lehrbuch. - M.: Gesellschaft „Wissen“ Russlands, CINO, 1996.

8. Losev L.F. Ästhetik der Renaissance. - M., 1993.

9. Polikarpov V.S. Vorlesungen über Kulturwissenschaften. - M.: „Gardarika“, „Expert Bureau“, 1997.