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Forscher, die sich mit Bachs Leben und Werk befassen, nennen die Zeit von 1703 bis 1717 „Weimar“, tatsächlich hielt er sich jedoch nur für einen relativ kleinen Teil dieser Zeit in Weimar auf. Tatsächlich verbrachte er die ersten sechs Monate dort und arbeitete als Musiker in einer der Chorkapellen. Doch schon bald zog Bach auf der Suche nach neuen Perspektiven und Eindrücken nach Arnstadt. Dort wird er Organist an der „Neuen Kirche“ und hat viel Freizeit, um seine musikalischen Fähigkeiten zu verfeinern. Hier erwacht erstmals das kompositorische Genie Johann Sebastian Bachs zu beispielloser Stärke. Die geistliche Kantate „You will not left my soul in hell“ für Orgel, Chor und Orchester wird sein Debüt. In einem anderen frühe Komposition– das Klavierstück „Capriccio über den Abschied des geliebten Bruders“ – zum ersten Mal am meisten Charaktereigenschaften sein Kompositionsstil. Anschließend geht Bach zu Fuß nach Lübeck, wo der herausragende Organist Buxtehude Konzerte gibt. Dieses Ereignis wird zu einem Wendepunkt im Schaffen des Komponisten.
Orgelmusik Buxtehude überrascht den jungen Bach mit seiner Meisterschaft und Innovation Kompositionstechniken, und der Komponist blieb mehr als zwei Jahre in Lübeck. Bei seiner Rückkehr stößt er auf Vorwürfe des Kirchenvorstandes, da dieser ihn nur für vier Monate aus der Kirche entließ. Auf der Suche nach Unabhängigkeit verlässt Bach Weimar.
Der neue Zufluchtsort des Genies wird die Stadt Mühlhausen, wo er auch als Kirchenmusiker tätig ist. Während des gesamten Arbeitsjahres versucht Bach erfolglos, das Niveau der Musikkultur in der Stadt zu heben und die Aufmerksamkeit der Kirche und der Stadtbehörden auf sich zu ziehen. In dieser kurzen Zeit schrieb und führte er seine „Wahlkantate“ auf, die das einzige zu seinen Lebzeiten veröffentlichte Werk wurde.

Bald darauf, im Jahr 1708, kam Bach erneut nach Weimar, das er verlassen hatte, und übernahm diesmal die Stelle eines Hofmusikanten. In dieser Zeit entwickelte sich sein schauspielerisches Talent, das er durch das Spielen von Geige, Cembalo und Orgel verfeinerte. Bach ist berühmt für seine Improvisationen auf diesen Instrumenten.
Die Orgel wurde „ kreatives Labor„für Bach in der „Weimarer Zeit“. Wie ein echter Wissenschaftler untersucht er ihre Struktur und alle Merkmale der Klangerzeugung und hebt damit die Orgelmusik auf ein bisher unbekanntes Niveau, von dem uns Bachs Notizen heute erzählen. Seine schöpferische Stärke war die legendäre Polyphonie (Polyphonie). Er schreibt die berühmte „Toccata und Fuge in de-Moll“ und viele andere Werke für Orgel.
Nach dem Tod des Weimarer Kapellmeisters im Jahr 1716 erhielt Bach nicht wie erhofft seine Stelle. Der Posten wird an einen mittelmäßigen Musiker vergeben, der aber den Behörden gefällt. Empört über die Ungerechtigkeit tritt Bach zurück und wird wegen „Respektlosigkeit“ verhaftet, woraufhin er Weimar erneut verlässt und mit seiner Familie nach Köthen zieht.

Der deutsche Komponist Johann Sebastian Bach schuf im Laufe seines Lebens mehr als 1000 Musikwerke. Er lebte im Barock und fasste in seinem Werk alles zusammen, was für die Musik seiner Zeit charakteristisch war. Bach schrieb in allen im 18. Jahrhundert verfügbaren Genres, mit Ausnahme der Oper. Heute werden die Werke dieses Meisters der Polyphonie und virtuosen Organisten am meisten gehört verschiedene Situationen- sie sind so vielfältig. In seiner Musik findet man einfältigen Humor und tiefe Trauer, philosophische Reflexionen und scharfsinnige Dramatik.

Johann Sebastian Bach wurde 1685 geboren, er war der achte und älteste jüngstes Kind in der Familie. Auch der Vater des großen Komponisten, Johann Ambrosius Bach, war Musiker: Die Familie Bach ist seit Beginn des 16. Jahrhunderts für ihre Musikalität bekannt. Zu dieser Zeit genossen Musikschaffende in Sachsen und Thüringen besondere Ehre, sie wurden von Obrigkeit, Adel und Vertretern der Kirche unterstützt.

Im Alter von 10 Jahren verlor Bach beide Eltern und sein älterer Bruder, der als Organist arbeitete, übernahm seine Erziehung. Johann Sebastian studierte am Gymnasium und erhielt gleichzeitig von seinem Bruder die Fähigkeiten, Orgel und Klavier zu spielen. Im Alter von 15 Jahren trat Bach ein Gesangsschule und begann seine ersten Werke zu schreiben. Nach seinem Schulabschluss diente er kurzzeitig als Hofmusiker des Herzogs von Weimar und wurde dann Organist an einer Kirche in der Stadt Arnstadt. Damals schrieb der Komponist zahlreiche Orgelwerke.

Bald bekam Bach Probleme mit den Behörden: Er äußerte sich unzufrieden mit dem Ausbildungsstand der Sänger im Chor und ging dann für mehrere Monate in eine andere Stadt, um sich mit dem Spiel des maßgeblichen dänisch-deutschen Organisten vertraut zu machen Dietrich Buxtehude. Bach ging nach Mühlhausen, wo er als Organist in die Kirche berufen wurde. 1707 heiratete der Komponist seine Cousine, die ihm sieben Kinder gebar, von denen drei im Kindesalter starben und zwei später berühmte Komponisten wurden.

Bach arbeitete nur ein Jahr in Mühlhausen und zog nach Weimar, wo er Hoforganist und Konzertveranstalter wurde. Zu diesem Zeitpunkt genoss er bereits große Anerkennung und erhielt ein hohes Gehalt. In Weimar erreichte das Talent des Komponisten seinen Höhepunkt – etwa zehn Jahre lang komponierte er kontinuierlich Werke für Klavier, Orgel und Orchester.

Bis 1717 hatte Bach in Weimar alle möglichen Höhen erreicht und begann, nach einer anderen Wirkungsstätte zu suchen. Sein alter Arbeitgeber wollte ihn zunächst nicht gehen lassen und ließ ihn sogar für einen Monat verhaften. Bach verließ ihn jedoch bald und machte sich auf den Weg in die Stadt Köthen. Wurde seine Musik früher überwiegend für Gottesdienste komponiert, begann der Komponist hier aufgrund der besonderen Anforderungen des Auftraggebers, hauptsächlich weltliche Werke zu schreiben.

1720 starb Bachs Frau plötzlich, doch anderthalb Jahre später heiratete er die junge Sängerin erneut.

1723 wurde Johann Sebastian Bach Kantor des Chores der Thomaskirche in Leipzig und anschließend zum „musikalischen Leiter“ aller in der Stadt tätigen Kirchen ernannt. Bach schrieb bis zu seinem Tod weiterhin Musik – auch nachdem er sein Augenlicht verloren hatte, diktierte er sie seinem Schwiegersohn. Gestorben großer Komponist Seine sterblichen Überreste ruhen heute in der Leipziger Thomaskirche, wo er 27 Jahre lang wirkte.

Johann Sebastian Bach wurde am 21. März 1685 in Eisenach geboren. Bach gehörte einer großen deutschen Familie an, deren Vertreter im Laufe von drei Jahrhunderten überwiegend Berufsmusiker waren, die in verschiedenen Städten Deutschlands tätig waren. Seine musikalische Grundausbildung erhielt er unter der Anleitung seines Vaters (Geige und Cembalo). Nach dem Tod seines Vaters (seine Mutter war bereits zuvor gestorben) wurde er in die Familie seines älteren Bruders Johann Christoph aufgenommen, der als Organist an der St. Michaeliskirche in Ohrdruf tätig war. In den Jahren 1700-03. Studium an der Kirchenchorschule Lüneburg. Während seines Studiums besuchte er Hamburg, Celle und Lübeck, um das Werk berühmter Musiker seiner Zeit und neue französische Musik kennenzulernen. In die gleichen Jahre fallen Bachs erste kompositorische Experimente – Werke für Orgel und Klavier. Wanderjahre (1703–08)

Nach seinem Abschluss war Bach damit beschäftigt, einen Job zu finden, der ihm das tägliche Brot sichern und Zeit für Kreativität lassen würde. Von 1703 bis 1708 diente er in Weimar, Arnstadt und Mühlhausen. 1707 (17. Oktober) heiratete er seine Cousine Maria Barbara Bach. Sein Schaffensinteresse galt damals vor allem der Musik für Orgel und Klavier. Die berühmteste Komposition dieser Zeit ist „Capriccio über die Abreise eines geliebten Bruders“ (1704) (die Abreise von Johann Jacob nach Schweden).

Weimarer Zeit (1708-17)

Nachdem Bach 1708 vom Herzog von Weimar die Stelle eines Hofmusikers erhalten hatte, ließ er sich in Weimar nieder, wo er neun Jahre verbrachte. Diese Jahre wurden zu einer Zeit intensiver Kreativität, in der Werke für die Orgel im Vordergrund standen, darunter zahlreiche Choralvorspiele, Orgel-Toccata und -Fuge in d-Moll sowie Passacaglia in c-Moll. Der Komponist schrieb Klaviermusik und geistliche Kantaten (mehr als 20). Unter Verwendung traditioneller Formen brachte er sie zur höchsten Perfektion. In Weimar hatte Bach zukünftige Söhne berühmte Komponisten Wilhelm Friedemann und Carl Philipp Emanuel.

Dienst in Köthen (1717–23)

1717 nahm Bach eine Einladung an, als Dirigent zu fungieren Hofkapelle) Herzog von Anhalt-Köthen Leopold. Das Leben in Köthen war zunächst die glücklichste Zeit im Leben des Komponisten: Der Fürst, ein für seine Zeit aufgeklärter Mann und guter Musiker, schätzte Bach, mischte sich nicht in sein Schaffen ein und lud ihn zu seinen Reisen ein. Drei Sonaten und drei Partiten für Solovioline, sechs Suiten für Solocello, Englisch und Französische Suiten für Klavier, sechs Brandenburgische Konzerte für Orchester. Von besonderem Interesse ist die Sammlung „Das Wohltemperierte Klavier“ – 24 Präludien und Fugen, die in allen Tonarten geschrieben sind und in der Praxis die Vorteile des temperierten Musiksystems beweisen, über dessen Genehmigung heftig diskutiert wurde. Anschließend schuf Bach den zweiten Band des Wohltemperierten Klaviers, der ebenfalls aus 24 Präludien und Fugen in allen Tonarten besteht. Doch die wolkenlose Zeit in Bachs Leben wurde 1720 abgebrochen: Seine Frau starb und hinterließ vier kleine Kinder. 1721 heiratete Bach zum zweiten Mal Anna Magdalena Wilken. Im Jahr 1723 wurde seine „Passion nach Johannes“ in der Kirche St. Thomas in Leipzig, und Bach erhielt bald die Stelle des Kantors dieser Kirche und übte gleichzeitig die Aufgaben eines Lehrers an der Kirchenschule (Latein und Gesang) aus.

In Leipzig (1723-50)

Bach wird zum „musikalischen Leiter“ aller Kirchen der Stadt, überwacht das Personal der Musiker und Sänger, überwacht deren Ausbildung, weist die für die Aufführung erforderlichen Werke zu und erledigt noch vieles mehr. Da der Komponist nicht in der Lage war, listig und geizig zu sein und nicht alles in gutem Glauben aufzuführen, geriet er immer wieder in Konfliktsituationen, die sein Leben verdunkelten und ihn von seiner Arbeit ablenkten. Zu diesem Zeitpunkt hatte der Künstler den Höhepunkt seines Könnens erreicht und großartige Beispiele in verschiedenen Genres geschaffen. In erster Linie handelt es sich um geistliche Musik: Kantaten (ungefähr zweihundert sind erhalten), das Magnificat (1723), Messen (einschließlich der unsterblichen „Hohen Messe“ in h-Moll, 1733), „Matthäus-Passion“ (1729), Dutzende weltliche Kantaten(darunter der Comic „Coffee Room“ und „Peasant Room“), Werke für Orgel, Orchester, Cembalo (unter letzteren ist der Zyklus „Aria mit 30 Variationen“, die sogenannten „Goldberg-Variationen“, hervorzuheben “, 1742). Im Jahr 1747 schuf Bach einen Theaterzyklus „Musikalische Opfergaben“, der dem preußischen König Friedrich II. gewidmet war. Das letzte Werk war ein Werk mit dem Titel „Die Kunst der Fuge“ (1749-50) – 14 Fugen und 4 Kanons zu einem Thema.

Das Schicksal des kreativen Erbes

Ende der 1740er Jahre verschlechterte sich Bachs Gesundheitszustand und er war besonders besorgt über den plötzlichen Verlust seines Sehvermögens. Zwei erfolglose Kataraktoperationen führten zur völligen Erblindung. Zehn Tage vor seinem Tod erlangte Bach unerwartet sein Augenlicht zurück, doch dann erlitt er einen Schlaganfall, der ihn ins Grab stürzte. Die feierliche Beerdigung löste eine große Menschenmenge aus verschiedenen Orten aus. Der Komponist wurde in der Nähe der Kirche St. begraben. Thomas, wo er 27 Jahre lang tätig war. Später wurde jedoch eine Straße durch das Friedhofsgelände gebaut und das Grab ging verloren. Erst 1894 wurden bei Bauarbeiten zufällig Bachs sterbliche Überreste gefunden und anschließend erfolgte die Umbettung. Auch das Schicksal seines Erbes gestaltete sich schwierig. Zu seinen Lebzeiten genoss Bach Berühmtheit. Nach dem Tod des Komponisten gerieten sein Name und seine Musik jedoch in Vergessenheit. Echtes Interesse an seinem Werk entstand erst in den 1820er Jahren, das mit der Aufführung der Matthäus-Passion in Berlin im Jahr 1829 (organisiert von F. Mendelssohn-Bartholdy) begann. Im Jahr 1850 wurde die Bach-Gesellschaft gegründet, deren Ziel es war, alle Manuskripte des Komponisten zu identifizieren und zu veröffentlichen (über ein halbes Jahrhundert wurden 46 Bände veröffentlicht).

Bach ist eine bedeutende Persönlichkeit der Weltmusikkultur. Sein Werk stellt einen der Höhepunkte des philosophischen Denkens in der Musik dar. Durch die freie Mischung von Merkmalen nicht nur verschiedener Genres, sondern auch nationaler Schulen schuf Bach unsterbliche Meisterwerke, die über der Zeit stehen. Als letzter (zusammen mit G. F. Händel) großer Komponist des Barock ebnete Bach zugleich den Weg für die Musik der Neuzeit.

Zu den Fortsetzungen von Bachs Suche zählen seine Söhne. Insgesamt hatte er 20 Kinder: sieben von seiner ersten Frau, Maria Barbara Bach (1684 – 1720), und 13 von seiner zweiten, Anna Magdalena Wilken (1701 – 1760), nur neun von ihnen überlebten ihren Vater. Vier Söhne wurden Komponisten. Zusätzlich zu den oben genannten - Johann Christian (1735-82), Johann Christoph (1732-95).

Biographie von Bach

3. Kantaten Weimarer Zeit: neue Poesie, neue Formen und Bilder

Dienst und Hausarrest in Weimar

Es wäre keine Übertreibung zu sagen, dass der große Johann Sebastian Bach, den wir kennen, in Weimar, wo er von 1708 bis 1717 diente, Gestalt annahm und schließlich geformt wurde. Dies war Bachs zweite Station in seinem turbulenten frühen Leben in Weimar. Der erste war sehr kurz, aber hier ließ er sich lange nieder und übte verschiedene Aufgaben aus.

Dies waren in erster Linie die Aufgaben des Hoforganisten, und die meiste Zeit widmete er sich diesen Aufgaben und komponierte offenbar hauptsächlich Orgelmusik. Doch am 2. März 1714 wurde er auch zum Hofbegleiter ernannt Musikensemble, Hofkapelle. Seitdem hat sich sein Verantwortungsbereich erweitert. Insbesondere musste er praktisch einmal im Monat Kirchenkantaten komponieren. Darüber hinaus hoffte Bach, dass er mit dem Tod des betagten Kapellmeisters Drese dessen Amt erhalten würde.

Drese starb am 1. Dezember 1716, Bach erhielt jedoch nicht den gewünschten Posten. Die Stelle wurde vom Sohn des Verstorbenen geerbt, einem Musiker natürlich auf einem Niveau, das mit Bach völlig unvergleichbar ist, aber so sind die Handwerkstraditionen in Deutschland. Dort wurden Positionen sehr häufig vererbt. Und danach begann Bach einen offenen Skandal, einen Streit mit Wilhelm Ernst, dem Weimarer Herrscher, und wurde sogar – diese Geschichte ist bekannt – Ende 1717, bevor er freigelassen wurde, für fast einen Monat unter Hausarrest gestellt. Dies ist das Lebensbild und Hintergrund von Bachs Werk auf dem Gebiet der Kantaten.

Zusammenarbeit mit Solomon Frank

Die Kantaten sind erhalten geblieben, von einigen wissen wir, welchen Tagen, welchen Feiertagen des Kirchenjahres sie gewidmet waren. Über einige gibt es keine Informationen, es gibt nur Vermutungen. Natürlich wurden die meisten dieser Kantaten nach Texten eines lokalen Dichters geschrieben, mit dem Bach zusammenarbeitete: Solomon Frank. Allerdings war er bereits ein alter und langlebiger Mann – er lebte bis 1725, als Bach nicht mehr in Weimar war, und wurde 1659 geboren. Er war ein talentierter Dichter und Forscher von Bachs Werk, insbesondere diejenigen, die es gut verstehen deutsche Sprache, die Deutschen selbst sagen manchmal sogar, dass er der talentierteste Librettist war, mit dem Bach zusammengearbeitet hat. Heute werden wir nicht über Kantaten sprechen, die auf seinen Texten basieren, sondern ihnen einen eigenen Vortrag widmen.

Ich möchte nur anmerken, dass Solomon Frank bei allem Talent der Bilder und bei aller Musikalität der Poesie, die Solomon Franks Libretto wirklich auszeichnen, kein Erneuerer als solcher auf dem Gebiet der Formen der Kirchenpoesie war. Hier folgte er eher der Reform von Erdmann Neumeister, über die wir im vorherigen Vortrag gesprochen haben. Aber ich folgte kreativ. Er hatte Kantaten, die einigen der von Neumeister entwickelten Standards folgten. Dabei handelt es sich beispielsweise um Kantaten, die fast ausschließlich aus Arien und Rezitativen bestehen. Oder einfach das Ganze, wie Neumeister etwa in seinen ersten Kantatenzyklen. Anschließend schuf er Kantaten mit Bibelsprüchen und Chorälen, die dem dritten und vierten Neumeister-Zyklus, seinen späteren Gedichten, entsprachen.

Frank hatte auch sehr frühe Kantaten, die denen von Neumeister ähnelten, aber im Allgemeinen etwas Besonderes darstellten – sie hatten keine Rezitative. Nehmen wir an, die erste Kantate, die Bach als Begleiter komponierte, fand am 25. März 1714 statt, es war ein Feiertag Palmsonntag, was dann mit der Verkündigung zusammenfiel, so kommt es manchmal vor. Bachs 182. Kantate – es gibt einfach keine [poetischen] Rezitative als solche, sie ist immer noch eine Übergangskantate, wie man manchmal sagt – ein archaischer Typ reformierter Kantate. Kurz gesagt, Bach beschäftigte sich mit einer Vielzahl poetischer Librettostandards und probierte verschiedene musikalische Formen aus. Und es ist sehr interessant geworden.

Georg Christian Lems

Heute geht es nicht, wie bereits erwähnt, um die Kantaten Franks, sondern um Kantaten, die auf Texten zweier anderer Librettisten basieren, an die Bach sich gewandt hat. Das ist Georg Christian Lems, der Hofbibliothekar in Darmstadt, ein sehr talentierter junger Mann, der 1717 im Alter von 33 Jahren viel zu früh an Tuberkulose verstarb. Seine Sammlung von Libretti für Kirchenkantaten aus dem Jahr 1711, „Das göttliche Opfer“, diente als Grundlage für Bachs zwei in Weimar geschriebene Kantaten, und er kehrte 1725–26 in Leipzig zu dieser Poesie zurück. Es ist offensichtlich, dass er sie wirklich schätzte. Und vielleicht hätte Solomon Frank, selbst wenn er nicht in Weimar gewesen wäre, weiterhin über die Gedichte dieses Darmstädter Dichters geschrieben, der meiner Meinung nach von Bachforschern stark unterschätzt wird. Naja, und dann reden wir noch über Kantaten, die zu Neumeisters Texten geschrieben wurden, denn Neumeister wird ja auch anders beurteilt. Manchmal sprechen sie ihm echtes poetisches Talent ab. Meiner Meinung nach ist hier nicht alles so einfach.

Kantate BWV 54 – alles über den Kampf gegen die Sünde

Die erste Kantate, über die wir heute sprechen werden, ist Bachs 54. Kantate, die möglicherweise im Jahr 1713 geschrieben wurde. Diese. bevor Bach begann, regelmäßig Kirchenkantaten zu schreiben und diese auf die Feiertage des Kirchenjahres abzustimmen. Eine Kantate, die uns dazu aufruft, uns der Sünde zu stellen, sie zu bekämpfen. Und tatsächlich kommt mir das Libretto absolut wunderbar vor, denn es beschreibt dieses Spannungsverhältnis zwischen einem Christen und der Sünde in all seinen Feinheiten, Details, mit vielen biblischen Anspielungen, aber ohne jede Abhängigkeit von einer biblischen Quelle. Und wahrscheinlich ist hier alles gesagt, was ein Christ über Sünde wissen und denken sollte. Darüber hinaus spricht diese Kantate in erster Linie von den persönlichen Gefühlen eines Christen, von seinem Innenleben als Kampf mit der Sünde, und gleichzeitig verstehen wir, dass diese Sünde eine Art universelles Phänomen ist, dass sie eine Folge ist Erbsünde dass der Teufel hinter der Sünde steckt. Dieser wundervolle Text stammt von Lems und ist ein kurzer Text – nur zwei Arien, die durch ein Rezitativ verbunden sind. Früher dachten Wissenschaftler, dass es sich möglicherweise um ein unvollständiges Libretto handelte, aber heute besteht kein Zweifel mehr daran, dass Lems es genau so beabsichtigt hatte und Bach es auf diese Weise geschrieben hat.

Per ogni tempo

Dies ist ein Werk, das Bach offensichtlich für jeden Feiertag des Kirchenjahres und für jeden Anlass gedacht hat. Per ogni tempo, wie man damals sagte. Dies bedeutet, dass es keine gibt besonderer Tag, ein besonderer Anlass, an dem ein Christ nur an diesem Tag über seine Sündhaftigkeit und seine Beziehung zum Bösen nachdenken sollte.

Das erscheint mir wichtig, denn tatsächlich werden alle möglichen Vermutungen darüber angestellt, wann das alles passiert sein könnte. Eine der Annahmen ist, dass dies am dritten Fastensonntag, dem Sonntag Oculi, wie die Protestanten ihn selbst nennen, erklingen könnte, weil an diesem Tag der Psalmvers des Eingangsliedes, der Introitus, aus unserem 24. (oder 25.) entlehnt ist (nach protestantischer Nummerierung) Psalm: „Meine Augen sind immer auf den Herrn gerichtet, denn er rettet meine Füße aus der Schlinge.“ Dieser Tag, der speziell der Buße gewidmet ist, scheint thematisch natürlich zu diesem Text zu passen. Aber es ist überhaupt nicht notwendig, wie es damals hätte klingen sollen. Es wäre sehr schön gewesen, dass Bach diese Kantate bereits einen Tag vor seiner Ernennung zum Korrepetitor geschaffen und aufgeführt hätte. Doch offenbar war dies nicht der Fall.

Es gibt einige andere Feiertage, die den Moment der Reue und des Kampfes gegen das Böse betonen, und es gibt unterschiedliche Annahmen darüber, wann dieser Moment entstanden sein könnte. Aber am Ende ist es nicht so wichtig. Aber viel wichtiger ist für uns natürlich die universelle Bedeutung der Kantate. Und Bach schafft eine äußerst helle Musik, die sowohl von Bildern als auch von innerer Spannung durchdrungen ist. Und wir können sagen, dass der ganze Schrecken des Bösen, wie es der einzelne Mensch erlebt, und zwar nicht das äußere Böse, sondern das Böse, mit dem er in sich selbst umgeht, hier natürlich sehr stark betont wird.

BWV 54: erste Arie

Und zunächst einmal ging natürlich die erste Arie aus dieser Kantate in die Geschichte ein, wurde sehr berühmt und viel aufgeführt. In diesem Vortrag, wie auch in den meisten anderen, werde ich die wunderbaren Übersetzungen von Pater Pjotr ​​Meschtscherinow verwenden. Nun, vielleicht indem Sie ein paar kleine Anpassungen vornehmen, die Ihrem Geschmack entsprechen. „Bekämpft die Sünde, sonst wird ihr Gift euch vergiften.“ Hier ist der erste Teil dieser Arie. Arien werden, wie bereits erwähnt, normalerweise in dreiteiliger Form geschrieben, wobei der dritte Teil den ersten vollständig wiedergibt. Nach alter Überlieferung werden solche Arien „aria da capo“ genannt, d. h. „Von Anfang an wiederholen“, vom Kopf her – Kapodaster. Und das alles beginnt in Dur, aber Bach überlagert das reine Dur von Anfang an mit einer äußerst intensiven Harmonik, einer äußerst intensiven Konsonanz. Dies ist die schmerzhafte und schmerzhafte Wirkung, die entsteht. Diese Spannung hat ihre eigene Süße, ihren eigenen Schrecken, ihren eigenen Schmerz und die Schwere der Konfrontation. Und außerdem hat man das Gefühl, dass es lange dauert, Widerstand zu leisten. Dies ist eine ständige innere Anstrengung, ein ständiger innerer Kampf. All diese Gefühle und Gedanken kommen direkt in der Musik zum Ausdruck.

„Und lasst euch von Satan nicht verführen“ ist der Anfang des zweiten, mittleren Abschnitts, in dem es tatsächlich darum geht tödlicher Fluch, die von demjenigen erworben wird, der sich der Sünde aussetzt und sich mit Satan verbindet. Es ist auch ziemlich düster, und wir bemerken eine gewisse Verdunkelung der Farbe in Richtung Moll, wie es normalerweise in den Mittelteilen von Dur-Arien der Fall ist. Und das ist so ein lebendiges Bild, an das man sich natürlich erinnert und das vielleicht die gesamte Beziehung eines Menschen zur Sünde musikalisch zum Ausdruck bringt. Dieses erste kleine Fragment werden wir nun hören.

Wie Sie bemerkt haben, handelt es sich bei der Kantate um ein Solostück. Solokantate für Bratsche, was auch typisch ist, weil hier kein Chor nötig ist. Hier geht es konkret um einen Menschen, um seine persönlichen Gefühle. Das ist echte zeitgenössische Bach-Dichtung, Anfang des 18. Jahrhunderts, als das persönliche Leben, die persönliche Frömmigkeit, die persönlichen Reflexionen über den Tod, über die Auferstehung, über das Erbe des Reiches Gottes im spirituellen Leben in den Vordergrund treten. Und obwohl natürlich das Konziliarprinzip, das Kirchenprinzip bestehen bleibt, erweist sich die Betonung als sehr bedeutsam.

BWV 54: Rezitativ

Und im Rezitativ, das auf die Arie folgt, wird tatsächlich alles erklärt. Das Rezitativ wird in der besten Tradition protestantischer Predigten vorgetragen. Es geht darum, wie attraktiv die Sünde von außen ist und wie schrecklich und zerstörerisch sie von innen ist. Das alles passt natürlich in die alte barocke Tradition – memento mori, gedenke des Todes –, als verschiedene Dichter, nicht nur protestantische, sondern auch katholische, gerne zeigten, wie sich hinter dem äußeren Glanz der sündigen Welt Tod, Leere und Nichts verbergen.

Und hier sind erstaunliche Harmonien, Abweichungen in sehr entfernte, absolut erstaunlich klingende Tonalitäten ... Schließlich wurden zu Bachs Zeiten nicht alle Tonalitäten gleichermaßen verwendet. Und entfernte Tonalitäten, d.h. diejenigen, die mit einer großen Anzahl von Tonarten, Bs oder Kreuzen, geschrieben sind, klangen einfach aufgrund der damaligen Stimmung, die sich von der modernen sehr deutlich unterschied, sehr seltsam, ungewöhnlich. Dieser Klang hatte seine eigene Fremdartigkeit und seine eigene Färbung. Und tatsächlich führt uns Bach durch dieses Bild der Ausschmückung, der Eleganz der Sünde zu der Tatsache, dass sich dahinter nur ein Sarg und ein Schatten verbergen.

Und am Ende geht er einfach vom Rezitativ zu dem über, was man damals „arioso“ nannte, d. h. in ein so sehr melodisches Rezitativ und sagt, dass die Sünde der Apfel von Sodom ist. „Der Apfel von Sodom“ war ebenfalls ein sehr altes poetisches Bild. Und wer sich mit ihm verbündet, wird das Reich Gottes nicht erreichen. Dies sind die einzigen Zeilen, die sich direkt mit der Lesung aus dem Epheserbrief überschneiden, die am Oculi-Sonntag zu hören ist. Dies ist möglicherweise die einzige Referenz, die das Libretto mit diesem besonderen Sonntag verbindet.

Und dann reden sie auch über die Sünde, die wie ein scharfes Schwert ist, das sowohl die Seele als auch den Körper schneidet. Und hier erreicht alles seinen Höhepunkt.

BWV 54: zweite Arie

Und nun hören wir uns den Anfang der dritten Nummer an – die zweite, letzte Arie dieser Kantate. Diese Arie ist sehr interessant geschrieben. Das ist eine echte Fuge, eine echte Polyphonie. Es gibt vier Stimmen: Violinen, Bratschen, Bratsche als Gesangsstimme und Continuo. Die drei oberen Melodiestimmen treten ein, imitieren und wiederholen dieselbe Melodie.

Darüber hinaus spricht diese dritte Arie vom Kampf gegen die Sünde und darüber hinaus zunächst vom Kampf als einem Akt des Willens. Der Mensch muss seinen ganzen Willen zusammennehmen, sich der Sünde widersetzen und sie besiegen. Und wir können sagen, dass dieser Sieg in der Arie errungen wird. Hier ist anzumerken, dass es sich um ein entscheidendes, vor allem willensstarkes Anfangsthema handelt, in dem es allerdings schleichende Intonationen und Chromatiken gibt, die auch an den Teufel erinnern. Musik ist immer sehr bedeutungsvoll, vielschichtig, und das ist die wunderbare Eigenschaft der Musik, dass sie mehrere Bedeutungsebenen gleichzeitig vermitteln kann.

Und hier ist ein sehr wichtiges Zitat, das offensichtlichste und vielleicht wichtigste Zitat, das Lems verwendet: „Wer eine Sünde begeht, ist vom Teufel, denn der Teufel gebiert die Sünde.“ Wir sprechen über den Ersten Apostolischen Brief des Evangelisten Johannes, in dem es solche Worte gibt. Und dann sprechen wir über die Tatsache, dass wahres Gebet in der Lage ist, die Horden der Sünde zu vertreiben, die sich sofort und sofort von einem Menschen entfernen.

Im Mittelteil verwendet Bach eine dünne Musikalische Malerei zeigt diese Entfernung und das Verschwinden der Horden Satans. Und tatsächlich gibt es das Gefühl, dass das Böse auf dem Rückzug ist. Aber ein wirklicher Triumph mit dem Gesang von „Halleluja“, „Amen“, „Sieg“, der tatsächlich sowohl bei Bach als auch bei anderen protestantischen Autoren oft vorkommt, kommt hier nicht vor. Diese. Vielmehr entsteht der Eindruck, dass der Mann die teuflischen Horden offenbar mit Mühe abgewehrt hatte. Und obwohl dies ein Sieg ist, ist es ein vorübergehender Sieg und kein solcher Sieg, dass man sie einmal vertreibt und dann glücklich bis ans Ende seiner Tage lebt, nachdem man sich beruhigt hat. Es gibt keinen solchen inneren Frieden, nur einen vorübergehenden Sieg. Diese. Der dritte Teil widerspricht nicht dem ersten: Einerseits gibt es eine ständige und intensive Anstrengung des Kampfes gegen die Machenschaften und die Sünde des Teufels, und andererseits gibt es eine Willensanstrengung, einen Willensakt, einen Zusammenstoß , Kampf, Sieg, aber ein Sieg, der vorübergehend ist und keine endgültige Befreiung bringt, erlaubt Ihnen nicht, sich völlig zu entspannen.

Dies ist das besondere Innenleben eines Christen, der keinen Frieden kennt, für den alle inneren Erfahrungen und alle inneren Prozesse auf die eine oder andere Weise Gewissensakte sind, denn wir sprechen hier natürlich vom Gewissen als der wichtigsten christlichen Kategorie – Darum geht es in Bachs Kantate, und sie ist einzigartig, sie ist wunderbar. Es ist kurz, es ist umfassend und es ist nicht gebunden, das scheint mir sehr wichtig zu sein, insbesondere an die Jahreszeit. Bach war seiner Position nach noch kein so professioneller Kirchenkomponist und er konnte sich einfach zu einem sehr wichtigen christlichen Thema äußern.

Kantate BWV 61 zum ersten Adventssonntag

Und auch die zweite Kantate, über die wir heute sprechen werden, stammt aus dem Jahr 1714, nur bis zu ihrem Ende. IN Kirchenkalender dies ist bereits der Beginn des nächsten Kirchenjahres, denn es handelt sich um eine Kantate für den ersten Adventssonntag, also am ersten Sonntag der Fastenzeit. Hierbei handelt es sich um eine Kantate, die Bach bereits während des Gottesdienstes schrieb und die er schlicht aus der Erfüllung seiner Pflichten schrieb.

Die Kantate basiert auf den Texten von Erdmann Neumeister und ist eine der wenigen Bach-Kantaten, die auf den Texten dieses Schlüsselautors für die Geschichte der Kirchendichtung des frühen 18. Jahrhunderts in Deutschland basieren. Vielleicht hatte Bach zu diesem Zeitpunkt einfach keinen Text von Solomon Frank, der zu diesem Feiertag passen würde, so eine Annahme gibt es. Er wandte sich an Neumeister. Und hier ist es sehr interessant zu sehen, ob Neumeister wirklich ein so trockener und einfallsloser Dichter war, wie er oft vorgestellt wird. Und sie erklären, dass Bach sich vielleicht deshalb so selten und mit solchen Vorbehalten seinem Werk zuwandte.

Dabei ist anzumerken, dass Neumeister natürlich in Wirklichkeit ein protestantischer Pfarrer, ein Vertreter der streng orthodoxen Bewegung im Luthertum seiner Zeit, ein prinzipieller Gegner des Pietismus und für ihn die theologische Strenge der Bilder und der kirchliche Charakter der Poesie ist sind äußerst wichtige Dinge. Daher sollte man von seiner Poesie vielleicht keine sehr lebendigen Bilder erwarten. Dennoch war es kein Zufall, dass er den italienischen Stil der Kirchendichtung in Mode brachte, denn er wollte auch eine gewisse Theatralisierung und Modernisierung der Kirchenmusik seiner Zeit. Und die 61. Kantate zeigt, wie Bach diese Theatralisierung buchstäblich aus Neumeisters Gedichten herausnimmt.

Aufbau von BWV 61

Die Kantate ist sehr gut aufgebaut. Es beginnt und endet mit Strophen von Kirchenliedern. Darüber hinaus handelt es sich bei der ersten Strophe tatsächlich um Luther, sein berühmtes Lied Nun komm der Heiden Heiland, d. h. „Komm, Retter der Heiden.“ Ein wunderbares Lied, dem sich Bach sowohl in seinen Kantaten als auch in seinen Choralvorspielen immer wieder bediente.

Hier wird tatsächlich die erste Strophe vorgestellt. Dann folgen zwei Paare – Rezitativ-Arie, Rezitativ-Arie. Das erste Paar wird vollständig von einem Tenor gesungen, das zweite Paar: Rezitativ vom Bass, Arie vom Sopran. Und dann nicht einmal die letzte Strophe, sondern der Refrain der letzten Strophe des Liedes von Philip Nicolai, einem späteren lutherischen Dichter aus dem späten 16. Jahrhundert: „Wie hell der Morgenstern scheint.“ Dies ist eine Hymne, die mit der Adventszeit verbunden ist und alles vervollständigt.

Was ist hier wichtig? Dass die ersten drei Ausgaben auf die eine oder andere Weise ein eher gemeinschaftliches und kirchliches Bild vermitteln. Diese. hier kommt Jesus zur Kirche. In den zweiten drei Nummern und insbesondere im Rezitativ und in der Arie geht es darum, wie Jesus zu einem einzelnen Gläubigen, zu einer bestimmten Person kommt. Und es ist kein Zufall, dass am Ende eine neuere, ausdrucksstärkere Poesie aus der kirchlichen Tradition zum Einsatz kommt – ein Gedicht von Philip Nicolai. Alles ist sehr klar geplant. Der Poesie mangelt es zwar vielleicht an lebendigen Bildern, aber theologisch ist alles sehr gut verifiziert. Bach verstößt im Allgemeinen in keiner Weise gegen diese Konsistenz, aber seine Lösung ist nicht offensichtlich und manchmal völlig paradox. Dies gilt insbesondere für die erste Ausgabe.

BWV 61: erste Nummer – Königszug

Worum geht es eigentlich? „Komm, Retter der Heiden, // offenbarter Sohn der Jungfrau. // Die ganze Welt ist erstaunt // was für ein Weihnachtsfest Gott für dich vorbereitet hat.“ Vier Zeilen. Und was macht Bach? Er gründet diesen Chor Instrumentalform, traditionelle Instrumentalform spätes XVII– Anfang des 18. Jahrhunderts.

Hierbei handelt es sich um die sogenannte französische Ouvertüre – eine am Hofe Ludwigs XIV. entwickelte Form, die mit dem Auftreten einer adligen Person und vor allem natürlich des „Sonnenkönigs“ verbunden war. Diese. manche Königtum so kommt es rein. Dabei sind der erste und dritte Abschnitt absolut luxuriös. Das ist wirklich eine so königliche Prozession, mit punktierten Rhythmen, mit sehr feierlicher und zugleich beeindruckender Musik. Und vor dem Hintergrund dieser Musik erklingen Stimmen, eine nach der anderen, wiederum imitierend (das ist in unserem Land Polyphonie) und verkünden die ersten beiden Zeilen.

Und dann die dritte Zeile, die im Allgemeinen keine starken Kontraste zu implizieren scheint. Aber was hören wir hier? „Die ganze Welt ist überrascht, dass ...“ nur das. Aber hier, in der Tradition der französischen Ouvertüre, wechselt das Tempo zu schnell, die Stimmen erzeugen echte Polyphonie und natürlich kommt auch der Affekt der Freude ins Spiel. Das ist die Freude, die die ganze Welt erfüllt, wenn der Erretter sie betritt.

Und dann kehrt die alte Musik wieder zurück und erzählt davon, was für ein wunderbares, erstaunliches Weihnachtsfest Gottvater für seinen Sohn vorbereitet hat. Diese königliche Prozession verweist uns natürlich auch auf den Einzug des Herrn in Jerusalem, was in Luthers Hymne im Allgemeinen nicht direkt impliziert ist. Es erlaubt uns einfach, uns das Bild von Jesus selbst vorzustellen – Jesus, den König und vor allem Jesus, den Hirten.

BWV 61: zweite und dritte Nummer

Denn im folgenden Rezitativ geht es tatsächlich darum, wie der Erretter der Menschheit und vor allem der Kirche das höchste Wohl erweist und wie er den Menschen Licht bringt. Licht kommt natürlich auch in Luthers Hymne vor. Und dieses Licht strahlt den Segen des Herrn aus, der Herr segnet alles um ihn herum, mit vollem Segen. Natürlich vertont Bach auch dieses Rezitativ sehr ausdrucksstark. Am Ende geht es in ein Arioso über, wie es in fast allen frühen Kantaten Bachs vorkommt.

Und nun hören wir die Arie, die danach erklingt. Dies ist eine Tenor-Arie zu einem sehr zurückhaltenden Text, der scheinbar völlig frei von solchen äußeren Einflüssen ist. „Komm, o Jesus, komm zu Deiner Kirche und gib uns Neujahr gnädig." Dementsprechend muss er seinen Segen sowohl an die Kanzel als auch an den Altar senden. Aber auch das ist Bach sehr gut gelungen. Bach schreibt hier recht feierliche Musik, denn hier wird die Stimme sowohl von der Violinstimme als auch von der Bratschenstimme begleitet, sie sind recht ausdrucksstark und erzeugen die nötige Feierlichkeit. Es ist, als ob eine majestätische Persönlichkeit erschienen wäre und in dieser Arie begrüßt würde. Diese. hier scheint es wirklich so, als würde eine bestimmte erste Szene weitergehen: Ein Adliger ist angekommen, sagen wir, ein Bischof ist zum Tempel gekommen, und er wird dort mit allen gebührenden Ehren begrüßt. Vielleicht gibt es hier keine besondere Ausdruckskraft, die wir von Bach erwarten würden, und Neumeisters Text lässt dies nicht vermuten, aber dennoch erwies sich die Szene als sehr beeindruckend, solide und vollständig.

BWV 61: Nummer vier und fünf

Und natürlich kommt der zweite Teil der Kantate, in dem es um das Kommen des Menschen Jesus geht, viel ausdrucksvoller daher. Hier gibt es ein Bibelzitat, einen Spruch, wie die Deutschen zu sagen pflegten, einen biblischen Spruch. Diese Kantate gehört bereits zu der Art von Kantaten, die genau dem späteren Vorbild von Neumeisters Werk folgen, das 1714 veröffentlicht wurde. Neumeister arbeitete damals in Sorau, dem heutigen polnischen Zary. Und das alles übrigens war für Georg Philipp Telemann bestimmt, der damals am Hof ​​in Frankfurt am Main diente. Er war ein großer Komponist, damals ein Freund Bachs, Pate sein sehr talentierter Sohn Carl Philipp Emanuel Bach. Vielleicht sogar dank Telemann lernte Bach genau diese Texte kennen.

Hier kommt also ein biblisches Zitat, nämlich die Offenbarung des Theologen Johannes, der berühmte Text: „Siehe, ich stehe vor der Tür und klopfe an: Wenn jemand meine Stimme hört und die Tür öffnet, zu ihm werde ich hineingehen und das Abendmahl servieren.“ mit ihm und er mit mir.“ Und tatsächlich geben die Intonationen der Stimme und insbesondere die kurzen, abrupten Pizzica-Begleitungsakkorde genau dieses Klopfen wieder. Diese. Jesus klopft genau an dieses Herz. Dies ist ein Rezitativ, durchaus würdig und Opernbühne, es ist so innerlich ausdrucksstark, obwohl eine gewisse innere Zurückhaltung immer noch zeigt, dass es sich hier nicht um eine Oper, sondern um Kantatenmusik handelt, wie sie sein sollte. Sie und ich müssen diesen Moment natürlich hören.

Und danach erklingt eine Sopran-Arie, die von einem Continuo bei Bach begleitet wird, aber das Continuo ist recht ausdrucksstark, so dass immer noch ein Dialog zwischen Stimme und Instrument besteht. Und wir sprechen hier von etwas, worüber es im 17. Jahrhundert viel lutherische Poesie gab und das sehr oft in allen möglichen Stichen dargestellt wurde, lutherischen, jesuitischen und was auch immer. Das ist schon im 17. Jahrhundert ein sehr wichtiges [Motiv] für die Frömmigkeit, für den Mystizismus, und dann hat das 18. Jahrhundert es geerbt ... Nun, wir stehen erst ganz am Anfang des 18. Jahrhunderts. Ein wichtiges Bild davon, wie Jesus in das menschliche Herz eindringt. Diese. Der erste Teil enthält einen Aufruf an das Herz, sich ganz und gar bis in seine Tiefen zu öffnen, und der zweite Teil besagt, dass der Herr sich im Herzen des Menschen niederlässt und darin seine Heimat findet, obwohl der Mensch nur Staub ist. Die Barmherzigkeit Gottes besteht darin, dass der Herr bereit ist, in einem solchen menschlichen Herzen zu leben.

Und Bach gestaltet diese Arie sehr kontrastreich. Es ändert den Takt, das Tempo im Mittelteil und überschattet die gesamte Dur-Atmosphäre mit einer Moll-Tonart. Aber schon ganz am Ende dieses kleinen Mittelteils – die Arie ist ganz klein, das sind alles Arien dieser Art, die für einige kleine Wahrnehmungsformen gedacht sind – hören wir bereits wiederholt Erwähnungen von der Glückseligkeit, die ein Christ findet, und zwar diese Glückseligkeit klingt wieder hell.

BWV 61: Schlusschor

Hier hätten wir alles beendet, wenn es das Problem nicht gegeben hätte letztes Problem. Neumeister wird oft dafür kritisiert, dass er die letzte Strophe sehr kurz gehalten hat. Aus dieser Taktform, über die wir schon oft gesprochen haben, hat er nur den Refrain, den Abgesang, übernommen, ohne die ersten beiden Strophen, sondern nur den Refrain. Und der Refrain selbst ist sehr kurz: „Amen! Amen! // Komm, schöne Krone der Freude, zögere nicht, // Ich warte mit großer Ungeduld auf dich.“ Aber dieser freudige Ausruf mag an sich schon gut nach Poesie klingen, aber hier könnte Neumeister mit der Verkürzung der Strophe von Nikolai (es gibt solche Annahmen) diese freudige Ungeduld gemeint haben, die einen Christen erfasst, der darüber nachdenkt, wie bald die Geburt Christi sein wird Das Fasten wird enden, der Herr wird erscheinen.

Um es zu vertonen, ist das natürlich ein zu kleiner Text und eine zu kleine Zahl. Aber Bach macht es so hell, so ausdrucksstark, dass es mit seiner Ausdruckskraft, seiner Außergewöhnlichkeit diese Kürze teilweise rechtfertigt. Die Melodie von Philip Nicolai wird erwartungsgemäß von einer Sopranistin gesungen; dieses Genre ist bereits im 17. Jahrhundert eine etablierte Chorfantasie. Andere Stimmen ahmen dies alles nach und untermalen diese Melodie mit Kontrapunkten und Echos. Und über all das spielen die Geigen das Jubiläum, und alles klingt ungewöhnlich feierlich, mit aufregender, stürmischer, völlig unbändiger Freude. Und Bach unterstreicht mit diesem hellen musikalischen Akkord die scheinbar kontroverse Entscheidung Neumeisters, treibt sie auf die Spitze, und darin offenbart sich eine gewisse eigene Logik.

Es stellt sich also heraus, dass Neumeister natürlich eine Art Predigt geschaffen hat, wenn auch in theatralischer, poetischer Form, und Bach tatsächlich zwei lebendige Szenen geschrieben hat, von denen eine einen kirchlichen Feiertag darstellt und die andere diese stürmischen und ungestümen Gefühle darstellt eines Christen, der diesen Feiertag befolgt. Darüber hinaus ist es interessant: Tatsächlich kommt es nicht in der Arie, wo wir es erwarten würden, zu einer Art extremer Freude und einem extremen Gefühlsausbruch, sondern gerade in diesem wunderbaren und so unregelmäßigen Schlusschor. Und auch das hat die Sensibilität von Bach. Er spürt nicht nur das theatralische Potenzial der ihm zugewiesenen Gedichte, sondern auch, wie man aus etwas Falschem, Kontroversem und Mehrdeutigem etwas völlig Einzigartiges machen kann, das nur bei Bach zu finden ist.

Literatur

1. Dürr A. Die Kantaten von J. S. Bach. Mit ihren Libretti im deutsch-englischen Paralleltext / rev. und übers. von Richard D. P. Jones. N. Y. und Oxford: Oxford University Press, 2005. S. 13–20, 75–77, 253–255.
2. Wolff Chr. Johann Sebastian Bach: Der gelehrte Musiker. N. Y.: W. W. Norton, 2001. S. 155–169.

IN WEIMAR

Sebastian hatte Gelegenheit, das Schloss von Wilhelm Ernst von Sachsen-Weimar zu besichtigen, als er im Roten Schloss diente.

Der bereits betagte Herzog galt als aufgeklärter Herrscher. Doch so fleißig die Beamten auch dienten, die Forderungen an ihre Untertanen ermöglichten es dem Herzog nicht, in puncto Wohltätigkeit mit den reichen Höfen des feudalen Deutschland mithalten zu können. Er lud keine ausländischen Künstler ein und war stolz auf seine Förderung deutscher Künstler. Es war billiger. Der Herzog liebte die Orgelmusik und unterhielt ein kleines Orchester, sodass die Kapellenmusikanten auch als Sänger auftreten mussten. Einer alten Gewohnheit zufolge war er nicht abgeneigt, sie an Festtagen in die Kostüme von Haiduks und fahrenden Lakaien zu kleiden, und einige der Musiker erfüllten auch die Pflichten von Köchen. Diese Willkür überraschte niemanden. Und die dienenden Musiker ergaben sich den Launen ihres Wohltäters. Der Herzog bezahlte sie relativ gut. Unter den Musikern gab es hervorragende, die mehr als ein Instrument spielen konnten. Kapellmeister Johann Samuel Drese, fortgeschrittene Jahre Er verließ sich gelassen auf den Zusammenhalt seines kleinen, zwanzigköpfigen Orchesters. Der junge Geiger, Cembalist und Organist, der schnell erschien, fand in der Kapelle Fuß. Da der stellvertretende Kapellmeister, sein Sohn, über geringe Fähigkeiten verfügte, sah der alte Drese in Bach eine gute Hilfe bei der Leitung des Orchesters.

Über die ersten vier Jahre von Sebastians Leben in Weimar liegen uns kaum Informationen vor. Offensichtlich verließ er Weimar in diesen Jahren, abgesehen von einer Reise nach Mühlhausen, nicht. Bald nach ihrem Umzug hierher gebar Maria Barbara Ende Dezember 1708 eine Tochter, Katharina Dorothea. Der junge Vater freute sich natürlich, aber nach der langjährigen Familientradition deutscher Handwerker aller Werkstätten weckte die Geburt von Söhnen, insbesondere der Erstgeborenen, wahren Stolz bei den Vätern – sie sollten die Arbeit weiterführen Von ihren Vätern wurden die Geheimnisse des Handwerks an sie weitergegeben, sei es eine Mechaniker-, Kürschner- oder Musikerfamilie.

Am 22. November 1710 ereignete sich in der Familie Bach das gleiche Ereignis: Maria Barbara schenkte Sebastian ihr erstes Kind, Wilhelm Friedemann. Zwei Jahre werden vergehen – Zwillinge werden in die Familie geboren, aber sie werden im Säuglingsalter sterben; ein Jahr später, im März 1714, wurde ein weiterer Sohn, Carl Philip Emmanuel, geboren. Und ein Jahr später gebar Maria einen dritten Sohn, Johann Gottfried Bernard. Sebastian würde im Juni 1715 selbst Sechster sein.

Weimar war die Hauptstadt Thüringens, recht lebhaft. Doch es war noch nicht das berühmte Weimar – die Stadt der Poesie, die Stadt Goethes und Schillers, wie sie in die Geschichte einging Deutsche Kultur in der Ära des „Sturm und Drang“. Allerdings sind die Wurzeln der Kultur in dieser Stadt längst gestärkt. Bemooste Ziegel an den alten Häusern Weimars, die gotischen Mauern der Gebäude waren schon zu Luthers Zeiten in Erinnerung. Für Sebastian Bach war Weimar die Erinnerung an Luther und vielleicht auch an Heinrich Schütz, dessen Werke er in seiner frühen Jugend studierte.

Weimar sollte die Stadt Johann Sebastian Bachs werden. An heißen Sommertagen sah man die junge Familie des Hofmusikanten zusammen mit anderen Stadtbewohnern im Wald hinter dem Außenposten spazieren gehen. Wie oft? Das Leben des Komponisten und Organisten erscheint uns so überaus fruchtbar, dass es schwierig ist, alles, was Sebastian Bach in den Weimarer Jahren geschaffen hat, auch nur mit Hören und Denken zu begreifen. Von Zeitgenossen nicht geschätzte Werke junger Komponist, genau in Weimar komponiert, ist der große, dauerhafte, reife Bach.

Hörer unserer Zeit, die in die Welt seiner Orgelmusik eintauchen, können zunächst kaum glauben, dass die meisten Konzertprogramme aus Werken aus der Jugend des Komponisten bestehen. Konzertsaal gefüllt mit Orgelklängen; jeder kritische Gedanke lässt nach; Das hundertmäulige Instrument bringt majestätische Gedanken zum Ausdruck, die unsere Ohren, Herzen und unser Bewusstsein fesseln. Nach und nach zeichnet die Fantasie unweigerlich das aus gewöhnlichen Porträts bekannte Bild des „alten Bachs“ mit Perücke und strengem Leibchen; das Bild eines Musikers mit einem schwierigen Leben erscheint, Vater vieler Kinder, müde vom Kampf mit der Kirche und dem bürgerlich-bürokratischen Alltag.

Stellen Sie sich die Überraschung vor, wenn ein in der Biografie des Komponisten unerfahrener Zuhörer aus einem notografischen Nachschlagewerk erfährt, dass die meisten dieser berühmten Werke im Alter zwischen 23 und 30 Jahren entstanden sind!

Bachs musikalische Weltanschauung spiegelte sich perfekt in seinen Orgelwerken wider. Die Orgelmusik entsprach am ehesten den philosophischen, moralischen und poetischen Bestrebungen der Zeit. Die Orgel war ein Instrument von Bachs Denken, so wie das Klavier von Chopin und das Orchester von Beethoven; „Bach dachte mit der Orgel“ – dieser Satz findet sich in vielen Büchern über Bach, und wir werden ihn nicht außer Acht lassen. Es ist jedoch ein Vorbehalt erforderlich. Bach komponierte im Laufe seines Lebens mehr Werke für das Klavier als für die Orgel. Er dachte auch wie eine Tastatur. Sein Genie ist so allumfassend, dass es nicht darauf reduziert werden kann musikalisches Denken nur oder hauptsächlich zur Orgelkunst. Bach war ein Künstler und Denker der Polyphonie – das ist mehr allgemeine Charakteristiken ihn als Komponisten und Musiker. Die Verbesserung der Polyphonie in allen Musikgenres ist seine künstlerische Hauptaufgabe.

In den ersten Jahren seines Lebens in Weimar fungierte Johann Sebastian als Organist des Herzogs. Deshalb wurde die Orgel dann zum Instrument seiner polyphonen Kunst.

Als allmächtiges Instrument ersetzte die Orgel den Komponisten und Interpreten durch ein Orchester, ein Klavier und sogar einen Chor mit Solostimmen. Hunderte Pfeifen sind zu Registergruppen zusammengefasst. Im Gegensatz zu anderen Instrumenten verfügt die Orgel über Register, die sich durch ihre Klangfarbe unterscheiden; Die Registerpfeifen haben den gleichen Klang und unterschiedliche Tonhöhen. Zehner-, Hunderterregister. Mit ihrer satten Klangfülle und Farbenvielfalt war die Orgel mit anderen Instrumenten nicht zu vergleichen. Es gab Unterschiede zwischen reinen Orgelklängen und Stimmen, die in den Klangfarben von Streich- und Holzblasinstrumenten gefärbt waren: Violine, Gambe, Kontrabass, Oboe, Flöte, Fagott. Es waren Stimmen zu hören, die an Blechblasinstrumente erinnerten, sogar an Schlaginstrumente, etwa der Klang von Pauken. Und die Klangfarben menschlicher Stimmen; Die Ähnlichkeit einer menschlichen Stimme in einem Orgelklang wurde im Lateinischen seit langem als „vox humana“ bezeichnet, ein anderes Register wurde als „Engelsstimme“ bezeichnet – vox angelica.

In Weimar spielte Bach die Orgel der Schlosskirche. Es war eine Kirche mit seltsamer Architektur. Es war hoch, dreistöckig und hatte im Altarteil eine Struktur in Form einer länglichen Pyramide, die sich zur Decke hin verjüngte. Die Gemeindemitglieder nannten dieses Altargebäude auf ihre gutmütige Art „den Weg zum Himmelreich“. Die Orgel dieser Kirche war, obwohl sie über wenige Register verfügte, ein ausgezeichnetes Instrument.

Weimar war zu Bachs Zeiten noch nicht das „deutsche Athen“, aber es scheint, dass Sebastian hier in all den Wanderjahren weniger geistige Einsamkeit verspürte als in jeder anderen Stadt.

In der Kapelle dienten fähige Musiker.

Ein entfernter Verwandter von Sebastian mütterlicherseits, sein Zeitgenosse, Interpret, Komponist und Musiktheoretiker Johann Walter, lebte in Weimar. In der Folge erlangte er große Berühmtheit durch seine Werke, insbesondere durch das „Musikalische Lexikon“, in dem er natürlich über mehrere Bachs und über Johann Sebastian Auskunft gibt.

Der gebürtige Erfurter wurde an der dortigen Universität ausgebildet und studierte Philosophie und Jura. Im Alter von achtzehn Jahren wirkte er als Organist in seiner Heimatstadt. Noch bevor er zwanzig war, wurden seine „Anleitungen zum Komponieren von Musik“ veröffentlicht. Nach und nach bereitete Walter sein Lexikon vor und korrespondierte mit Musiktheoretikern und Komponisten. Der gebildete junge Wissenschaftler schätzte das virtuose Können seines Verwandten, mit ihm reiste Sebastian nach Mühlhausen, sein Freund assistierte ihm bei seinem Auftritt und erlebte den künstlerischen Erfolg des Organisten.

Walter war als Musiker in der Stadtkirche Weimar tätig; Es gab eine Orgel mit mehr Registern als im Palasttempel, also übte Sebastian vielleicht auf diesem Instrument, und Walter war manchmal der erste und einzige Zuhörer neuer Präludien, Fugen, Toccaten und Fantasien seines Freundes. Die Musiker tauschten Noten über Werke des Komponisten aus aus Deutschland, Italien und anderen Ländern waren damit beschäftigt, sie zu überarbeiten, jeder in seinem eigenen Geist. Es war ein faszinierender Wettbewerb in der Kunst der Polyphonie. Die Zeit gab solchen Werken von Bach den Vorzug: Seine Transkriptionen von Konzerten und Werken anderer Genres Es ist gehaltvoller und vitaler und basiert auf einem Thema des italienischen Komponisten, Bachs ältestem Zeitgenossen, Corelli (579). Im Original hatte Sebastian das Thema in einer Interpretation für Orgel mit bis zu 102 Takten entwickelt. Bach schrieb Klavier- und Instrumentalorchesterwerke, die er auf Anraten eines Freundes schuf.

Walter übertraf seinen Freund im Lernen. Er nutzte die Weimarer Bibliothek und erinnerte sich in der Einleitung zum „Musikalischen Lexikon“ dankbar an jene „Informationen über Musik und musikalische Figuren„, die er „aus der hervorragenden Bibliothek der Stadt Weimar beziehen konnte“. Er konnte viel mit Bach teilen.

Die Freunde kannten sich zu Hause. Sebastian wurde Pate von Walters Sohn. In stundenlangen, lebhaften Gesprächen tauschten Komponisten musikalische Themen aus und boten sich gegenseitig komplexe Formen an, diese weiterzuentwickeln. Es ist sicher bekannt, dass sie im Sommer 1713 „geheimnisvolle Kanonen“ austauschten. Solche Kanons wurden in Noten für eine Stimme niedergeschrieben. Die Zeitpunkte und Intervalle des Einsatzes anderer Stimmen mussten von den Darstellern selbst erraten werden. Sogar ein Datum ist erhalten: Bach überbrachte Walter am 2. August seinen genialen Antwortkanon.

Die Freunde machten sich übereinander lustig. Sebastian überraschte alle mit seinem kostenlosen Blattspiel von Stücken aller Schwierigkeitsgrade. Er war nicht abgeneigt, darauf stolz zu sein. Eines Tages beschloss Walter, Bach einen Streich zu spielen. Er komponierte eine sehr komplexe Etüde und legte das Notenbuch auf das Clavichord. Er erwartete heute einen Gast. Gut gelaunt betrat Sebastian das Büro und eilte aus Gewohnheit sofort zum Clavichord. Unter dem Vorwand, sich um das Frühstück zu kümmern, verließ Walter das Zimmer, begann aber, den Gast durch den Türspalt zu beobachten. Selbstbewusst setzte er sich an das Instrument, um ein unbekanntes Stück zu spielen. Die einleitenden Sätze wurden gehört – und dann kam es zu einer Fehlzündung. Ein neuer Versuch – wieder peinlich. Walter sah Sebastians langes Gesicht und seine nervösen Handbewegungen. Ich konnte es nicht ertragen und brach vor der Tür in Gelächter aus. Bach verstand den Witz des Besitzers. Die raffinierte und wissenschaftlich erfundene Übung gab seinen Händen nicht nach!

Nennen wir einen weiteren Gesprächspartner und Gratulanten Bachs aus der Weimarer Zeit – einen bescheidenen, gebildeten Philologen, Assistent des Rektors des Gymnasiums, Johann Matthias Geoner. Als leidenschaftlicher Musikliebhaber hörte Gesner oft Sebastians Orgel- und Keyboardspiel; er bewunderte den jungen Virtuosen mit Bewunderung. Erinnern wir uns, lieber Leser, an diesen Namen: Gesner.

Sein Schulfreund Georg Erdmann besuchte Weimar mehrmals und besuchte Sebastians Familie. Er sang bereitwillig die Arien, die sie einst in Ohrdruf und Lüneburg gesungen hatten. Ich erinnerte mich sogar an die Beerdigungen angesehener Stadtbewohner, bei denen ihnen, den Sängerknaben, ein Hungerlohn gezahlt wurde. Erdman lobte Sebastians künstlerische Beherrschung der Orgel, während er ihm zu Hause beim Cembalospielen zuhörte. Doch er selbst entschied sich für die bürokratische Laufbahn. Und deshalb drehte er das Gespräch über Musik bereitwillig zu einer Geschichte über die Vorteile, die es mit sich bringt, an den Höfen anderer europäischer Mächte zu dienen. Zum Beispiel mit dem russischen. Kaiser Peter rekrutiert bereitwillig nützliche und sachkundige Leute. Er selbst, Erdman, würde es als großen Erfolg betrachten, in den Dienst der russischen Regierung zu treten: Das Gehalt dort ist unvergleichlich höher als in den deutschen Fürstentümern... Sebastians Klassenkamerad wird sein Ziel erreichen, aber leider wird sein Gedächtnis kurz sein , und in einer schwierigen Zeit in Bachs Leben wird Erdman seinem Lyzeumskameraden nicht helfen ... In Weimar lernten sie sich als Freunde kennen, obwohl sie Erdmann fremd waren und Bachs leidenschaftliche Suche nach der Kunst der Polyphonie unverständlich war. Bach war nicht besonders stark im verbalen Denken und drückte seine tief empfundenen Impulse und an Freunde gerichteten Gedanken lieber in musikalischer Notation, in den Klängen einer Orgel oder eines Cembalos aus. Walter unterbrach sogar seine Reden und gab den Improvisationen seines Freundes den Vorrang.