Hilfe zu Tele2, Tarife, Fragen

Der Louvre hält die meisten Berühmte Werke Leonardo da Vinci, und vor allem der wertvollste.

Namen mit kurzen Beschreibungen

In den großzügigen Sälen der Galerie sind folgende Werke ausgestellt:

• „Madonna in den Felsen;
• "Verkündigung";
• "Schöne Ferroniera";
• "Johannes der Täufer";
• "Bacchus";
• "Heilige Anna mit Madonna und Jesuskind";
• "Mona Lisa".

"La Gioconda", auch bekannt als "Mona Lisa" - eines der berühmtesten und geheimnisvollsten Gemälde der Welt. Bisher konnten sie die darauf abgebildete Frau nicht identifizieren. Die entzückende Fremde auf der Leinwand von 1503 lächelt erstaunlich, und ihre Augen scheinen dem Betrachter zu folgen. Heute wird das Porträt auf 50 Milliarden Dollar geschätzt.

Die Felsenmadonna von 1486 zeigt Maria, umgeben von zwei kleinen Engeln, sowie den jungen Johannes den Täufer. Das Mädchen sorgfältig platziert rechte Hand auf einem der Kinder und hält die linke über der anderen. Kinder scheinen zu spielen, John beobachtet sie mit einem leichten Lächeln und Zärtlichkeit. Vor dem Hintergrund sind steile Klippen deutlich zu erkennen, die dem Bild eine gewisse Unruhe verleihen und im Kontrast zu warmen Bildern stehen.

Ein weibliches Porträt mit dem Titel "Die schöne Ferroniera", geschrieben in den Jahren 1490-1495, lädt Sie ein, die Schönheit eines jungen Mädchens zu genießen, das den Betrachter halb umdreht. Ihr Blick ist durchdringend und streng, und ihre Lippen sind fest geschlossen. Diese Kälte steht dem charmanten Äußeren entgegen, das dem Werk durchaus eine eigene „Würze“ verleiht.

Die Werke "Johannes der Täufer" 1514-1516 und "Bacchus" 1510-1515 wurden von einem Sitter kopiert, der Schüler von da Vinci war. Sein Name war Salai, er verbrachte etwa 20 Jahre an der Seite des Meisters, und viele Historiker streiten noch heute über die Art der Beziehung zwischen Lehrer und Schüler.

Es wird angenommen, dass sie immer noch Liebhaber waren - John und Bacchus sind zu feminin, und Leidenschaft und Mysterium werden in ihren Ansichten gelesen. Zudem werden die zärtlichen, warmen Gefühle, die der Künstler deutlich für die Dargestellte empfand, fast körperlich auf den Betrachter übertragen.

Das als unvollendet geltende Gemälde „Anna mit der Madonna und dem Christuskind“ wurde 1508 begonnen. Das Genie setzte Maria auf den Schoß ihrer Mutter Anna und setzte das Jesuskind praktisch auf die Hände der Madonna. Die Komposition beschreibt den in Italien bekannten Spruch „mise en abyme“, was „Gebärmuttereffekt“ bedeutet, wenn die nächste Generation auf dem Mutterleib sitzt, dank dessen sie erschienen ist.

"Verkündigung". Leonardo da Vinci malte dieses Gemälde im Jahr 1475. Die Handlung wurde als Teil des Evangeliums ausgewählt, das von der Verkündigung der zukünftigen Geburt des Erlösers erzählt.

"Mona Lisa" ("La Gioconda") von Leonardo da Vinci ist immer noch eine der bekanntesten Berühmte Gemälde Westeuropäische Kunst.

Ihr hochkarätiger Ruhm ist mit beiden verbunden künstlerischer Wert, und mit der geheimnisvollen Atmosphäre, die dieses Werk umgibt. Dieses Mysterium wurde dem Gemälde nicht zu Lebzeiten des Künstlers zugeschrieben, sondern in den folgenden Jahrhunderten, was das Interesse daran mit sensationellen Berichten und Forschungsergebnissen über das Gemälde entfachte.
Wir halten eine ruhige und ausgewogene Analyse der Vorzüge dieses Bildes und seiner Entstehungsgeschichte für richtig.
Zunächst zum Gemälde selbst.

Beschreibung des Bildes

Leonardo da Vinci "Porträt von Frau Lisa Giocondo. Mona Lisa“ (1503-1519). Brett (Pappel), Öl. 76x53 cm Louvre (Paris)
Das Gemälde zeigt eine Frau (Halbfigur). Sie sitzt mit gefalteten Händen auf einem Stuhl, eine Hand ruht auf seiner Armlehne und die andere darauf. Sie drehte sich auf ihrem Stuhl fast zum Betrachter um.
Ihr glattes, in der Mitte gescheiteltes Haar ist durch den darüber geworfenen transparenten Schleier sichtbar. Sie fallen in zwei dünnen, leicht gewellten Strängen auf die Schultern. Gelbes Kleid, dunkelgrüner Umhang...
Einige Forscher (insbesondere Boris Vipper, ein russischer, lettischer, sowjetischer Kunsthistoriker, Lehrer und Museumsvertreter, einer der Gründer der nationalen Schule der Historiker der westeuropäischen Kunst) weisen darauf hin, dass Spuren der Quattrocento-Mode im Gesicht erkennbar sind von Mona Lisa: Ihre Augenbrauen sind rasiert und Haare auf der Stirn.
Mona Lisa sitzt in einem Sessel auf einem Balkon oder einer Loggia. Das glaubt man früheres Bild könnte breiter sein und zwei seitliche Säulen der Loggia aufnehmen. Vielleicht hat der Autor selbst es eingegrenzt.
Hinter Mona Lisa ist ein Wüstengebiet mit gewundenen Bächen und einem See umgeben verschneite Berge; das Gelände erstreckt sich bis zu einer hohen Horizontlinie. Diese Landschaft verleiht dem Bild einer Frau Majestät und Spiritualität.
V. N. Grashchenkov, russischer Kunsthistoriker, der sich auf Kunst spezialisiert hat Italienische Renaissance, glaubte, dass Leonardo, auch dank der Landschaft, es schaffte, zu schaffen kein Porträt einer bestimmten Person, sondern ein universelles Bild: "In diesem mysteriöses Bild er schuf mehr als Porträtbild unbekannt Florentiner Mona Lisa, die dritte Ehefrau von Francesco del Giocondo. Äußeres Erscheinungsbild und seelische Struktur einer bestimmten Person werden von ihm mit nie dagewesener Synthetizität vermittelt ... „La Gioconda“ ist kein Porträt. Dies ist ein sichtbares Symbol für das Leben von Mensch und Natur, vereint zu einem Ganzen und abstrakt aus ihrer individuellen konkreten Form dargestellt. Aber hinter der kaum wahrnehmbaren Bewegung, die wie leichte Wellen durch die bewegungslose Oberfläche dieser harmonischen Welt zieht, lässt sich der ganze Reichtum der Möglichkeiten körperlicher und geistiger Existenz erahnen.

Das berühmte Lächeln der Mona Lisa

Das Lächeln von Mona Lisa gilt als eines der Hauptgeheimnisse des Bildes. Aber ist es wirklich so?

Lächeln der Mona Lisa (Detail des Gemäldes) von Leonardo da Vinci
Dieses leicht wandernde Lächeln findet sich in vielen Werken des Meisters selbst und unter den Leonardesques (Künstler, deren Stil erfahren hat starker Einfluss Leonardos Manieren Mailänder Zeit die zu seinen Schülern gehörten oder einfach seinen Stil übernahmen). Natürlich erreichte sie in "Mona Lisa" ihre Perfektion.
Schauen wir uns einige Bilder an.

F. Melzi (Schüler von Leonardo da Vinci) "Flora"
Das gleiche leicht wandernde Lächeln.

Malerei " heilige Familie". Früher wurde es Leonardo zugeschrieben, aber jetzt hat sogar die Eremitage erkannt, dass es sich um das Werk seines Schülers Cesare da Sesto handelt
Dasselbe leichte, wandernde Lächeln auf dem Gesicht der Jungfrau Maria.

Leonardo da Vinci "Johannes der Täufer" (1513-1516). Louvre (Paris)

Auch das Lächeln von Johannes dem Täufer gilt als geheimnisvoll: Warum lächelt dieser strenge Vorläufer und zeigt nach oben?

Wer war der Prototyp der Mona Lisa?

Es gibt Informationen des anonymen Autors der ersten Biographie von Leonardo da Vinci, auf die sich Vasari bezieht. Dieser anonyme Autor schreibt über den Seidenhändler Francesco Giocondo, der bei dem Künstler ein Porträt seiner dritten Frau bestellte.
Aber welche Meinungen gab es nicht über die Identifizierung des Modells! Es gab viele Vermutungen: Dies sei ein Selbstporträt von Leonardo selbst, ein Porträt der Mutter des Künstlers, Katerina, hießen verschiedene Namen Zeitgenossen und Zeitgenossen des Künstlers ...
Aber im Jahr 2005 fanden Wissenschaftler der Universität Heidelberg beim Studium der Randnotizen eines Florentiner Beamtenbandes einen Eintrag: "... jetzt arbeitet da Vinci an drei Gemälden, von denen eines ein Porträt von Lisa Gherardini ist." Die Frau des Florentiner Kaufmanns Francesco del Giocondo war Lisa Gherardini. Das Gemälde wurde von Leonardo für das neue Zuhause der jungen Familie und zur Erinnerung an die Geburt ihres zweiten Sohnes in Auftrag gegeben. Dieses Rätsel ist fast gelöst.

Die Geschichte des Gemäldes und seine Abenteuer

Der vollständige Titel des Gemäldes Ritratto di Monna Lisa del Giocondo"(Italienisch) -" Porträt von Frau Lisa Giocondo ". Auf Italienisch Mama meint " meine Dame“, in einer abgekürzten Version wurde dieser Ausdruck umgewandelt in Montag oder Mona.
Dieses Bild ist entstanden spezieller Ort im Werk von Leonardo da Vinci. Nachdem er 4 Jahre damit verbracht und Italien im reifen Alter verlassen hatte, nahm der Künstler sie mit nach Frankreich. Möglicherweise vollendete er das Gemälde nicht in Florenz, sondern nahm es bei seiner Abreise 1516 mit. In diesem Fall vollendete er es kurz vor seinem Tod 1519.
Dann war das Gemälde Eigentum seines Schülers und Assistenten Salai.

Salai in einer Zeichnung von Leonardo
Salai (gest. 1525) hinterließ das Gemälde seinen in Mailand lebenden Schwestern. Wie das Porträt von Mailand zurück nach Frankreich gelangte, ist nicht bekannt. König Franz I. kaufte das Gemälde von Salais Erben und bewahrte es in seinem Schloss Fontainebleau auf, wo es bis zur Zeit Ludwigs XIV. blieb. Danach transportierte er sie zum Schloss von Versailles Französische Revolution 1793 landete das Gemälde im Louvre. Napoleon bewunderte die La Gioconda in seinem Schlafzimmer des Tuilerienpalastes, und dann kehrte sie ins Museum zurück.
Während des Zweiten Weltkriegs wurde das Gemälde vom Louvre in das Château d'Amboise (wo Leonardo starb und begraben wurde), dann in die Abtei von Loc Dieu und dann in das Ingres-Museum in Montauban gebracht. Nach Kriegsende kehrte die Gioconda an ihren Platz zurück.
Im zwanzigsten Jahrhundert Das Gemälde blieb im Louvre. Erst 1963 besuchte sie die USA und 1974 - in Japan. Auf dem Weg von Japan nach Frankreich wurde die Mona Lisa im Museum ausgestellt. A. S. Puschkin in Moskau. Diese Reisen steigerten ihren Erfolg und Ruhm.
Seit 2005 befindet es sich in einem separaten Raum im Louvre.

Mona Lisa hinter Panzerglas im Louvre
Am 21. August 1911 wurde das Gemälde von einem italienischen Mitarbeiter des Louvre, Vincenzo Perugia, gestohlen. Vielleicht wollte Perugia die Gioconda in ihre historische Heimat zurückbringen. Das Gemälde wurde erst zwei Jahre später in Italien gefunden. Sie wurde in mehreren ausgestellt Italienische Städte und kehrte dann nach Paris zurück.
Sie erlebte die „La Gioconda“ und Vandalismusakte: Sie wurde mit Säure übergossen (1956), mit einem Stein auf sie geworfen, danach versteckte sie sich hinter Panzerglas (1956) sowie einem Tonbecher (2009). versuchte, rote Farbe aus einer Sprühdose auf das Bild zu sprühen ( 1974).
Schüler und Anhänger Leonardos schufen zahlreiche Repliken der Mona Lisa und Avantgarde-Künstler des 20. Jahrhunderts. begann das Image der Mona Lisa gnadenlos auszubeuten. Aber das ist eine ganz andere Geschichte.
"La Gioconda" ist eines der besten Beispiele Portrait-Genre Italienische Hochrenaissance.

Vor 220 Jahren, am 10. August 1793, wurde der Louvre für die Öffentlichkeit geöffnet. Das Gebäude selbst hat in fast zehn Jahrhunderten viele Veränderungen durchgemacht, von einer dunklen Festung des 12. Jahrhunderts zum Palast des Sonnenkönigs und den beliebtesten und berühmtes Museum Frieden. Der heutige Louvre besteht aus mehreren hunderttausend Exponaten, vier Etagen mit Ausstellungen mit einer Gesamtfläche von 60.600 Quadratmetern (die Eremitage - 62.324 Quadratmeter). Zum Vergleich: Das sind fast zweieinhalb Rote Quadrate (23.100 qm) und mehr als acht Fußballfelder des Luzhniki-Stadions (Feldfläche - 7140 qm).

„Im Louvre gibt es etwas zu sehen“, das weiß jeder. Und vielleicht nennt fast jeder die Hauptexponate des Museums: "Mona Lisa" von Leonardo da Vinci, Nike von Samothrake und Venus von Milo, eine Stele mit den Gesetzen von Hamurappi und so weiter und so weiter ... Letztes Jahr Nach offiziellen Angaben wurde das Museum von mehr als neuneinhalb Millionen Menschen besucht, es gibt Legenden über die Menschenmassen, die die Mona Lisa belagern, ebenso wie über Taschendiebe im Louvre, und Reiseseiten raten dazu, sich auf seinen Besuch fast schon vorzubereiten eine Wanderung: Proviant mitnehmen, bequeme Kleidung und Schuhe wählen.

Das Weekend-Projekt hat den formalen Ansatz über Bord geworfen und zehn Exponate des Louvre ausgewählt, die nicht weniger berühmt und schön sind als die oben aufgeführten, die von nicht aufmerksamen oder sachkundigen Touristen leicht übersehen werden können.

Mythologischer Dämon ("Marked").
Baktrien.
Ende des II. - Anfang des III. Jahrtausends v

Flügel Richelieu, Erdgeschoss (-1). Kunst des Alten Orients (Iran und Baktrien). Halle Nummer 9.

Antike Artefakte ziehen traditionell weniger Aufmerksamkeit auf sich als die Kreationen großer Künstler und Bildhauer. Viele kleine Exponate und oft sogar Fragmente von etwas zu betrachten, gilt als das Los der "Fans". Und in den Fenstern des Richelieu-Flügels mit einer Fläche von 22.000 Quadratmetern etwas weniger zu bemerken Höher als 12 Zentimeter, Figur auf der Flucht ist einfach unmöglich.Dieser "Eisenmann" stammt ursprünglich aus Baktrien und ist mehr als 5.000 Jahre alt (datiert auf das Ende des II. - Anfang des III. Jahrtausends v. Chr.) Baktrien ist ein Staat gegründet von den Griechen nach den Eroberungen Alexanders des Großen in der Region Nordafghanistan Ende des III. – Anfang des IV. Jahrtausends v. Chr. Bis heute wurden nur vier vollständig erhaltene solcher Figuren gefunden, eine davon wurde von der erworben Louvre im Jahr 1961. Es wird angenommen, dass sie im Iran in der Nähe der Stadt Shiraz gefunden wurden. : Sein Gesicht ist durch eine lange Narbe entstellt. Laut Forschern symbolisierte die Narbe eine Art rituelle, zerstörerische Aktion. Mit einem kurzen Lendenschurz bedeckt, ist der Torso mit Schlangenschuppen bedeckt und betont den schlangenartigen Charakter der Figur. Dies deutet darauf hin, dass der anthropomorphe Dämonendrache, der in Asien verehrt wurde, so dargestellt wurde. Wer diese „Beschrifteten“ sind, kann man nur erahnen, offenbar verkörperten sie Geister, möglicherweise gut, möglicherweise böse.

Matratze Zwitter

Schlafender Hermaphrodit.
Römische Kopie eines Originals aus dem 2. Jahrhundert n. Chr. e. (Matratze von Bernini im 17. Jahrhundert hinzugefügt)

Sully Flügel, Erdgeschoss (1). Halle №17 Halle der Karyatiden.

Wenn man die in der gleichen Halle befindliche Venus von Milo nicht verfehlt, die sie umgebende Touristenmenge ist ein guter Anhaltspunkt, dann kann man den nahe gelegenen „Schlafenden Hermaphroditen“ leicht übersehen, wenn man in die falsche Richtung abbiegt. Der Legende nach war der Sohn von Hermes und Aphrodite ein sehr gutaussehender junger Mann, und die in ihn verliebte Nymphe Salmakida bat die Götter, sie in einem einzigen Körper zu vereinen. Diese Skulptur gilt als römische Kopie eines griechischen Originals aus dem 2. Jahrhundert n. Chr. e., kamen Anfang des 19. Jahrhunderts aus der Sammlung der Familie Borghese ins Museum. 1807 bat Napoleon Prinz Camillo Borghese, seinen Schwiegersohn, einige Gegenstände der Sammlung zu verkaufen. Aus offensichtlichen Gründen war es unmöglich, das Angebot des Kaisers abzulehnen. Die Marmormatratze und das Kissen, auf denen Hermaphrodite ruht, wurden 1620 von Giovanni Lorenzo Bernini hinzugefügt, einem barocken Bildhauer, dessen Gönner Kardinal Borghese war. Dieses Detail betont jedoch die eher anekdotische Seite der Komposition, die kaum die Idee des griechischen Autors war. Mit der Skulptur ist auch ein Glaube verbunden, von dem Museumsführer manchmal sprechen: Angeblich steigern Männer, die den schlafenden Mann berühren, dadurch ihre männliche Kraft.

Becken von Saint Louis

Die Schale ist die "Schriftart von St. Louis". (auf dem Foto ist ein Fragment eines der Medaillons)
Syrien oder Ägypten, ca. 1320-1340

Das Baptisterium (oder Taufbecken) von St. Louis gehört zu den wichtigsten Exponaten des Untergeschosses, aber nur wenige Menschen haben die Kraft, hierher zu gehen, nachdem sie die Hauptattraktionen des Museums besucht haben. Die aus Messing gefertigte und mit Silber und Gold verzierte Schale gilt als Meisterwerk der Mamlukenkunst, gehörte zuvor zu den Schätzen der Kapelle Sainte-Chapelle und ging 1832 in die Sammlung des Museums über. Dieses große Becken war Teil der französischen königlichen Sammlung, im Inneren ist das Wappen Frankreichs angebracht. Es diente tatsächlich als Taufbecken bei der Taufe Ludwigs XIII. und des Sohnes Napoleons III., aber nicht des Heiligen Ludwig IX., obwohl der Name daran „geklebt“ war. Dieses Objekt wurde viel später geschaffen: es stammt aus den Jahren 1320-1340, und Ludwig IX. starb 1270.

Shah Abbas und sein Page

Muhammad Kasim.
Porträt von Schah Abbas I. und seiner Seite (Schah Abbas umarmt eine Seite).
Iran, Isfahan, 12. März 1627

Denon-Flügel, Erdgeschoss. Halle der islamischen Kunst.

Im selben Raum lohnt es sich, auf eine ziemlich bekannte Zeichnung zu achten, die Shah Abbas und seinen Mundschenk darstellt, der eher wie ein Mädchen aussieht. Abbas I. (1587-1629) ist der bedeutendste Vertreter der Safiwiden-Dynastie, die als Begründer des modernen Iran gilt. Während seiner Regentschaft Kunst erreicht den Höhepunkt seiner Entwicklung, die Bilder werden realistischer und dynamischer. In dieser Zeichnung wird Shah Abbas mit einem breitkrempigen konischen Hut gezeigt, den er in die Mode eingeführt hat, neben einem Pagen, der ihm einen Becher Wein entgegenhält. Unter der Krone des Baumes steht rechts der Name des Künstlers – Muhammad Kazim (einer von berühmte Meister jener Zeit und offenbar der Hofmaler von Abbas) - und ein kurzes Gedicht: "Möge das Leben dir von drei Lippen geben, was du begehrst: deinen Geliebten, den Fluss und den Kelch." Im Vordergrund ein Bach, dessen Wasser einst versilbert war. Das Gedicht kann auch symbolisch interpretiert werden, in der persischen Tradition gab es viele Verse, die an den Butler gerichtet waren. Die Zeichnung wurde 1975 vom Museum erworben.

Porträt eines guten Königs

Unbekannter Künstler der Pariser Schule.
Porträt von Johannes II. dem Guten, König von Frankreich.
Um 1350

Richelieu-Flügel, zweiter Stock. Französische Malerei. Halle Nummer 1.

Dieses Bild unbekannter Künstler Mitte des 14. Jahrhunderts gilt als das älteste Einzelporträt in Europäische Kunst. Die frühen Meister der französischen Malerei begannen erst vor relativ kurzer Zeit, in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts, studiert zu werden, und die meisten ihrer Werke gingen während Kriegen und Revolutionen verloren. Die Herrschaft von Johannes dem Guten, die in die Jahre des Hundertjährigen Krieges fiel, war nicht einfach: In der Schlacht von Poitiers von den Briten besiegt, wurde er gefangen genommen und in London eingesperrt, wo er ein Abkommen über seine Abdankung unterzeichnete. Der Legende nach wurde das Porträt im Tower of London gemalt, und die Urheberschaft wird Girard von Orleans zugeschrieben. Interessante Tatsache: Er wurde der letzte französische Monarch, der den Namen John trug.

Madonna im Korridor

Leonardo da Vinci.
Madonna in den Felsen.
1483-1486 Jahre.

Denon Wing, Grand Gallery, Erdgeschoss. Italienische Malerei. Halle Nummer 5.

Die große Galerie des Denon-Flügels ist neben der berühmten Szene aus Jean-Luc Godards Film „Gang of Outsiders“ mit durch den Louvre rennenden Helden dafür bekannt, dass hier und vielen „unbeachtet“ die schöne Madonna von Leonardo hängt andere Werke italienischer Maler, darunter Caravaggio. „Von niemandem bemerkt“, das wird natürlich lautstark gesagt, ist eben jene „Madonna in the Rocks“ eines der berühmtesten Gemälde der Welt, und dennoch, nachdem sie ihr Rennen mit der Ziellinie an der „Mona Lisa", Touristen kommen leider oft an diesem schönen Werk vorbei, das es wert ist, ein paar Minuten länger zu stehen. Es gibt zwei Versionen dieses Gemäldes. Dasjenige, das im Louvre aufbewahrt wird, wurde zwischen 1483 und 1486 geschrieben, und die erste Erwähnung (im Inventar der königlichen Sammlung Frankreichs) geht auf das Jahr 1627 zurück. Die zweite, die zum London gehört Nationalgallerie, wurde später im Jahr 1508 geschrieben. Das Gemälde war der zentrale Teil eines Triptychons, das für die Mailänder Kirche San Francesco Grande bestimmt war, aber nie an den Kunden übergeben wurde, für den der Künstler eine zweite Londoner Version malte. Voller Zärtlichkeit und Frieden kontrastiert die Szene mit der seltsamen Landschaft steiler Klippen, die Geometrie der Komposition, sanfte Mitteltöne sowie der berühmte „Schleier“ von Sfumato schaffen eine ungewöhnliche Tiefe im Raum dieses Bildes. Nun, man kann nicht umhin, eine weitere "Version" des Inhalts dieses Bildes zu erwähnen, das vor einigen Jahren die Gedanken der Fans von Dan Brown gequält hat, der den Inhalt des Bildes auf den Kopf gestellt hat.

Flöhe suchen

Giuseppe Maria Crespi.
Eine Frau, die nach Flöhen sucht.
Um 1720-1725

Denon-Flügel, Erdgeschoss. Italienische Malerei. Halle Nr. 19 (Hallen am Ende der Großen Galerie).

Das Bologneser Gemälde von Giuseppe Maria Crespi ist eine der jüngsten Erwerbungen des Museums, die es von der Gesellschaft der Freunde des Louvre erhalten hat. Crespi war ein großer Fan Niederländische Malerei, und insbesondere Genreszenen. Das in mehreren Versionen existierende "Frau auf der Suche nach Flöhen" war anscheinend Teil einer (heute verschollenen) Gemäldeserie, die das Leben einer Sängerin vom Beginn ihrer Karriere bis erzählt den letzten Jahren als sie fromm wurde. Solche Arbeiten sind keineswegs zentral für die Arbeit des Künstlers, sondern geben moderner Mann eine anschauliche Darstellung der damaligen Realität, als kein einziger anständiger Mensch auf einen Flohfänger verzichten konnte.

Krüppel, verzweifeln Sie nicht

Pieter Brueghel der Ältere.
Krüppel.
1568.

Richelieu-Flügel, zweiter Stock. Malerei der Niederlande. Halle Nummer 12.

Dieses kleine Werk des älteren Brueghel (nur 18,5 x 21,5 cm groß) ist das einzige im gesamten Louvre. Ihn nicht zu bemerken ist einfacher denn je, und das nicht nur wegen der Größe, des Wiedererkennungseffekts – „wenn da viele kleine Leute auf dem Bild sind, dann ist das Brueghel“ – klappt vielleicht nicht auf Anhieb. Das Werk wurde dem Museum 1892 gespendet, und während dieser Zeit entstanden viele Interpretationen der Handlung des Gemäldes. Einige sahen darin eine Reflexion über die angeborene Schwäche der menschlichen Natur, andere - soziale Satire (die Karnevalskopfbedeckungen der Figuren können König, Bischof, Bürger, Soldat und Bauer symbolisieren) oder Kritik an der von Philipp II. In Flandern verfolgten Politik . Allerdings verpflichtet sich bisher niemand, die Figur mit einer Schale in den Händen (im Hintergrund) sowie Fuchsschwänzen auf der Kleidung der Helden zu erklären, obwohl manche hier einen Hinweis auf das jährliche Fest der Armen, Koppermaandag, sehen . Geheimnisvoll wird das Bild durch die Inschrift auf der Rückseite, die das Publikum nicht sieht: "Krüppel, verzweifelt nicht, und euer Geschäft blüht auf."

Einer der meisten Berühmte Gemälde Hieronymus Bosch ist nicht, dass sie es nicht „vom Sehen“ wissen. Vielleicht spricht der Standort nicht für die Arbeit hier: nicht weit vom Eingang zu einem kleinen Saal, und selbst mit Nachbarn wie Albrecht Dürers „Selbstbildnis“ und van Eycks „Kanzlermadonna Rolin“ ist es nicht weit von den Schwestern d'Estre, ungewöhnliche Zusammensetzung dieses Werk eines Unbekannten französischer Künstler- im Badezimmer sitzende nackte Damen, von denen die eine die andere in die Brustwarze kneift - machten das Bild zu einem ebenso beliebten Ausstellungsstück wie die Gioconda selbst. Aber zurück zu Bosch, wer sich genau umschaut, wird ihn nie verfehlen. Das „Narrenschiff“ ist Teil eines nicht erhaltenen Triptychons, dessen unteres Fragment heute als „Allegorie der Völlerei und Lust“ gilt Kunstgalerie Yale Universität. Es wird angenommen, dass das "Schiff der Narren" die erste Komposition des Künstlers zum Thema der Laster der Gesellschaft ist. Bosch vergleicht die verdorbene Gesellschaft und den Klerus mit Wahnsinnigen, die sich in ein widerspenstiges Boot gezwängt haben und ihrem Tod entgegeneilen. Das Gemälde wurde dem Louvre 1918 von der Komponistin und Kunstkritikerin Camille Benois geschenkt.

Sehenswert im Louvre sind die beiden „holländischen Juwelen seiner Sammlung“ – Jan Vermeers „Die Spitzenklöpplerin“ und „Der Astronom“. Aber sein Vorgänger Pieter de Hooch, dessen „Drinker“ im selben Raum hängt, geht oft an der Aufmerksamkeit des durchschnittlichen Touristen vorbei. Und doch ist dieses Werk der Aufmerksamkeit wert, und nicht nur wegen der durchdachten Perspektive und lebendigen Komposition ist es dem Künstler gelungen, die subtilen Nuancen der Beziehung zwischen den Figuren im Bild zu vermitteln. Jeder Teilnehmer dieser galanten Szene hat eine bestimmte Rolle: Der Soldat schenkt einer jungen Frau, die bereits nicht nüchtern ist, einen Drink ein, sein Freund, der am Fenster sitzt, ist ein einfacher Beobachter, aber die zweite Frau ist eindeutig eine ungezogene Frau, die zu feilschen scheint in diesem Moment. Hinweise auf die Bedeutung der Szene und des Bildes im Hintergrund, das Christus und den Sünder darstellt.

Vorbereitet von Natalia Popova

Etagennummern werden in der europäischen Tradition angegeben, d.h. Das Erdgeschoss ist das russische erste.

Leute, wir haben unsere Seele in die Seite gesteckt. Dank dafür
für die Entdeckung dieser Schönheit. Danke für die Inspiration und Gänsehaut.
Begleiten Sie uns auf Facebook und In Kontakt mit

In Paris zu sein und nicht in den Louvre zu schauen, ist nur ein Verbrechen. Das wird Ihnen jeder Tourist bestätigen. Aber wenn Sie sich nicht im Voraus vorbereitet haben, laufen Sie Gefahr, sich in der Menschenmenge mit Kameras, Tablets und Smartphones zu verirren und das Wichtigste zu verpassen, für das die ganze Welt das größte Pariser Museum besuchen möchte.

Der Louvre ist riesig und wunderschön. Es wird nicht möglich sein, alle seine Exponate an einem Tag zu genießen – es gibt mehr als 300.000.Um nicht von einer Fülle schöner Dinge einen ästhetischen Schock zu bekommen, muss man eine Wahl treffen. Webseite beschlossen, es Ihnen leicht zu machen.

Warum also in den Louvre gehen? Zunächst natürlich für die Gioconda.

„Mona Lisa“ von Leonardo da Vinci

La Gioconda von Leonardo da Vinci Hauptausstellung Louvre. Alle Museumsschilder führen zu diesem Gemälde. Jeden Tag kommen unzählige Menschen in den Louvre, um das bezaubernde Lächeln der Mona Lisa mit eigenen Augen zu sehen. Nirgendwo außer dem Louvre kann man es nicht sehen. Aufgrund des schlechten Zustands des Gemäldes kündigte die Museumsleitung an, es nicht mehr in Ausstellungen zu geben.

Die Mona Lisa wäre vielleicht nicht so beliebt und weltberühmt gewesen, wenn sie nicht 1911 von einem Mitarbeiter des Louvre gestohlen worden wäre. Das Bild wurde erst 2 Jahre später gefunden, als der Dieb versuchte, es in Italien zu verkaufen. Die ganze Zeit, während die Ermittlungen andauerten, verließ die Mona Lisa nicht die Titelseiten von Zeitungen und Zeitschriften auf der ganzen Welt und wurde zu einem Objekt der Nachahmung und Anbetung.

Heute ist die Mona Lisa hinter Panzerglas versteckt, Barrikaden halten die Touristenmassen zurück. Interesse an einem der berühmtesten und geheimnisvolle Werke Malerei in der Welt verblasst nicht.

Venus von Milo

Der zweite Stern des Louvre ist eine weiße Marmorstatue der Liebesgöttin Aphrodite. Das berühmte antike Schönheitsideal, das 120 v. e. Das Wachstum der Göttin beträgt 164 cm, die Proportionen betragen 86 × 69 × 93.

Einer Version zufolge gingen die Hände der Göttin zum Zeitpunkt des Konflikts zwischen den Franzosen, die sie in ihr Land bringen wollten, und den Türken - den Besitzern der Insel, auf der sie entdeckt wurde - verloren. Experten versichern, dass die Hände der Statue lange vor ihrer Entdeckung abgeschlagen wurden. Die Einheimischen der Ägäischen Inseln glauben jedoch an eine andere schöne Legende.

Einer berühmter Bildhauer suchte nach einem Modell, um eine Statue der Göttin Venus zu schaffen. Er hörte ein Gerücht über eine Frau von außergewöhnlicher Schönheit von der Insel Milos. Der Künstler eilte dorthin, fand die Schönheit und verliebte sich Hals über Kopf in sie. Nachdem er die Zustimmung erhalten hatte, machte er sich an die Arbeit. An dem Tag, als das Meisterwerk fast fertig war, konnten der Bildhauer und das Modell die Leidenschaft nicht mehr zurückhalten und warfen sich in die Arme. Das Mädchen drückte den Bildhauer so fest an ihre Brust, dass er erstickte und starb. Und die Skulptur blieb ohne beide Hände.

Das Floß der Medusa Theodore Géricault

Heute ist das Gemälde von Theodore Géricault eines der Juwelen des Museums. Obwohl die Vertreter des Louvre nach dem Tod des Künstlers im Jahr 1824 nicht bereit waren, einen angemessenen Betrag dafür zu zahlen, wurde das Gemälde auf einer Auktion gekauft Enger Freund Künstler.

Während des Lebens des Autors erregte die Leinwand Empörung und Empörung: Wie konnte es der Künstler wagen, ein so großes Format nicht für die damals akzeptierte heroische oder religiöse Handlung zu verwenden, sondern für die Darstellung eines realen Ereignisses?

Die Handlung des Bildes basiert auf einem Vorfall, der sich am 2. Juli 1816 vor der Küste Senegals ereignete. Die Fregatte „Medusa“ wurde zerstört, und 140 Menschen versuchten, auf einem Floß zu fliehen. Nur 15 von ihnen überlebten und 12 Tage später wurden sie von der Argus Brigg abgeholt. Die Details der Reise der Überlebenden – Morde, Kannibalismus – schockierten die Gesellschaft und wurden zu einem Skandal.

Gericault vereint in einem Bild Hoffnung und Verzweiflung, Lebende und Tote. Vor der Darstellung letzterer fertigte der Künstler zahlreiche Skizzen von Sterbenden in Krankenhäusern und den Leichen von Hingerichteten an. Das Floß der Medusa war das letzte von Géricaults vollendeten Werken.

Nike von Samothrake

Ein weiterer Stolz des Museums ist eine Marmorskulptur der Siegesgöttin. Das glauben Forscher unbekannter Bildhauer schuf Nike im 2. Jahrhundert v. Chr. als Zeichen griechischer Seesiege.

Der Skulptur fehlen Kopf und Arme, und der rechte Flügel ist eine Rekonstruktion, eine Gipskopie des linken Flügels. Wiederholt versucht, die Hände der Statue wiederherzustellen, aber ohne Erfolg - sie alle haben das Meisterwerk verdorben. Die Statue verlor das Gefühl von Flug und Schnelligkeit, ein unaufhaltsames Vorwärtsstreben.

Ursprünglich stand Nika auf einer steilen Klippe über dem Meer, und ihr Sockel zeigte den Bug eines Kriegsschiffs. Heute befindet sich die Statue im zweiten Stock des Louvre auf der Treppe zum Daru der Denon Gallery und ist weithin sichtbar.

Die Krönung von Napoleon Jacques Louis David

Kunstkenner besuchen den Louvre, um die monumentalen Gemälde des französischen Künstlers Jacques Louis David „Der Eid der Horatii“, „Der Tod von Marat“ und ein grandioses Gemälde mit der Krönung Napoleons zu sehen.

Der vollständige Titel des Gemäldes lautet „Weihe von Kaiser Napoleon I. und Krönung von Kaiserin Josephine in der Kathedrale Notre Dame am 2. Dezember 1804“. David wählte den Moment, in dem Napoleon Josephine krönt und Papst Pius VII. ihm seinen Segen gibt.

Das Gemälde wurde von Napoleon I. selbst in Auftrag gegeben, der wollte, dass alles darauf besser aussieht, als es tatsächlich war. Deshalb bat er David, seine Mutter, die nicht bei der Krönung war, ganz in der Mitte des Bildes darzustellen, um sich etwas größer und Josephine etwas jünger zu machen.

„Amor und Psyche“ von Antonio Canova

Es gibt zwei Versionen der Skulptur. Der Louvre beherbergt die erste Version, die dem Museum 1800 vom Ehemann von Napoleons Schwester Joachim Murat gespendet wurde. Die zweite, spätere Version befindet sich in der Eremitage in St. Petersburg. Es wurde dem Museum von Fürst Jussupow überreicht, der das Meisterwerk 1796 in Rom erwarb.

Die Skulptur zeigt den Gott Amor im Moment des Erwachens von Psyche aus seinem Kuss. Im Katalog des Louvre heißt die Skulpturengruppe „Psyche Awakened by Cupid’s Kiss“. Die Schaffung des Meisterwerks des italienischen Bildhauers Antonio Canova wurde von antiken griechischen Mythen über den Liebesgott Amor und Psyche inspiriert, die die Griechen für die Verkörperung der menschlichen Seele hielten.

„Sklaven“ von Michelangelo

Der Louvre besitzt eine der reichsten Sammlungen ägyptischer Antiquitäten der Welt. Ein Meisterwerk der altägyptischen Kultur, das man mit eigenen Augen gesehen haben muss, ist die Statue des berühmten Pharaos Ramses II.

Wenn Sie in der Halle der ägyptischen Altertümer angekommen sind, verpassen Sie nicht die Statue eines sitzenden Schreibers mit einem überraschend lebhaften Ausdruck.

Die Spitzenklöpplerin von Jan Vermeer

Vermeers Gemälde sind insofern interessant, als Forscher in ihnen herausfanden, dass große Künstler, beginnend mit der Renaissance, Optik verwendeten, um ihre realistischen Gemälde zu schreiben. Insbesondere bei der Erschaffung der Spitzenklöpplerin soll Vermeer angeblich eine Camera Obscura verwendet haben. Auf dem Bild sieht man viele der optischen Effekte, die in der Fotografie verwendet werden, zum Beispiel: ein unscharfer Vordergrund.

Im Louvre ist auch Vermeers Gemälde „Der Astronom“ zu sehen. Es zeigt den Freund und posthumen Manager des Künstlers, Anthony van Leeuwenhoek, einen Wissenschaftler und Mikrobiologen, einen einzigartigen Handwerker, der seine eigenen Mikroskope und Objektive herstellte. Anscheinend belieferte er Vermeer mit Optiken, mit denen der Künstler seine Meisterwerke malte.