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Qualquer pessoa que ame a pintura russa provavelmente já esteve no Museu Russo de São Petersburgo (inaugurado em 1897). Claro que sim. Mas é no Museu Russo que estão guardadas as principais obras-primas de artistas como Repin, Bryullov, Aivazovsky.

Se nos lembrarmos de Bryullov, pensamos imediatamente na sua obra-prima “O Último Dia de Pompeia”. Se você fala sobre Repin, a imagem “Barge Haulers on the Volga” aparece na sua cabeça. Se nos lembrarmos de Aivazovsky, também nos lembraremos de “A Nona Onda”.

E este não é o limite. “Noite no Dnieper” e “Esposa do Comerciante”. Estas pinturas icônicas de Kuindzhi e Kustodiev também estão no Museu Russo.

Qualquer guia mostrará esses trabalhos. E é improvável que você mesmo passe por eles. Então, eu simplesmente tenho que falar sobre essas obras-primas.

Adicionando alguns dos meus favoritos, embora não os mais “promovidos” (“Akhmatova” de Altman e “A Última Ceia” de Ge).

1. Briullov. O último dia de Pompéia. 1833

Karl Bryullov. O último dia de Pompéia. Museu Estatal Russo de 1833

4 anos de preparação. Mais 1 ano de trabalho contínuo com tintas e pincéis. Vários desmaios na oficina. E aqui está o resultado - 30 metros quadrados, que retratam os últimos minutos de vida dos habitantes de Pompéia (no século 19 o nome da cidade era fêmea).

Para Bryullov, nem tudo foi em vão. Acho que não houve nenhum artista no mundo cuja pintura, apenas uma pintura, teria criado tal sensação.

As pessoas compareceram à exposição para ver a obra-prima. Bryullov foi literalmente carregado nos braços. Ele foi apelidado de o revivido. E Nicolau I homenageou o artista com um público pessoal.

O que impressionou tanto os contemporâneos de Bryullov? E mesmo agora não deixará o espectador indiferente.

Vemos um momento muito trágico. Em poucos minutos todas essas pessoas morrerão. Mas isso não nos desanima. Porque somos fascinados pela... Beleza.

A beleza das pessoas. A beleza da destruição. A beleza do desastre.

Veja como tudo é harmonioso. O céu em brasa combina perfeitamente com as roupas vermelhas das meninas da direita e da esquerda. E como duas estátuas caem espetacularmente sob a queda de um raio. Não estou nem falando da figura atlética de um homem montado em um cavalo empinado.

Por um lado, a imagem trata de um verdadeiro desastre. Bryullov copiou as poses das pessoas que morreram em Pompéia. A rua também é real; ainda pode ser vista na cidade limpa de cinzas.

Mas a beleza dos personagens faz com que o que aconteceu pareça mito antigo. Como se os belos deuses estivessem zangados com pessoas bonitas. E não estamos tão tristes.

2. Aivazovsky. Nona onda. 1850

Ivan Aivazovsky. Nona onda. 221 x 332 cm. Museu Russo de 1850, São Petersburgo. Wikipédia.org

Esta é a pintura mais famosa de Aivazovsky. O que até quem está longe da arte sabe. Por que ela é tão famosa?

As pessoas sempre ficam fascinadas pela luta entre o homem e os elementos. De preferência com final feliz.

Há mais do que suficiente disso no filme. Não poderia ser mais cheio de ação. Seis sobreviventes agarram-se desesperadamente ao mastro. Rolinhos por perto uma grande onda, nona onda. Outro a segue. As pessoas enfrentam uma longa e terrível luta pela vida.

Mas já amanheceu. O sol rompendo as nuvens rasgadas é esperança de salvação.

A poesia de Aivazovsky, assim como a de Bryullov, é belíssima. Claro, os marinheiros passam por momentos difíceis. Mas não podemos deixar de admirar as ondas transparentes, brilho do sol e céu lilás.

Portanto, esta pintura produz o mesmo efeito da obra-prima anterior. Beleza e drama em uma garrafa.

3. Gê. Última Ceia. 1863

Nikolai Ge. última Ceia. 283 x 382 cm. Museu Estatal Russo de 1863. Tanais.info

As duas obras-primas anteriores de Bryullov e Aivazovsky foram recebidas com entusiasmo pelo público. Mas com a obra-prima de Ge tudo ficou mais complicado. Dostoiévski, por exemplo, não gostava dela. Ela parecia muito realista para ele.

Mas os clérigos estavam muito insatisfeitos. Eles conseguiram até proibir a divulgação de reproduções. Ou seja, o público em geral não conseguia ver. Até 1916!

Por que uma reação tão mista à imagem?

Lembre-se de como a Última Ceia foi retratada antes de Ge. Pelo menos . Uma mesa ao longo da qual Cristo e os 12 apóstolos se sentam e comem. Judas está entre eles.

Para Nikolai Ge tudo é diferente. Jesus reclina-se. O que estava exatamente de acordo com a Bíblia. Era exatamente assim que os judeus comiam há 2.000 anos, à maneira oriental.

Cristo já fez a sua terrível previsão de que um dos seus discípulos o trairia. Ele já sabe que será Judas. E pede que ele faça o que tem em mente sem demora. Judas vai embora.

E logo na porta parecemos encontrá-lo. Ele joga sua capa sobre si mesmo para entrar na escuridão. Tanto direta como figurativamente. Seu rosto é quase invisível. E a sua sombra sinistra cai sobre aqueles que permanecem.

Ao contrário de Bryullov e Aivazovsky, existem emoções mais complexas aqui. Jesus sente profunda mas humildemente a traição do seu discípulo.

Pedro fica indignado. Ele tem um caráter quente, deu um pulo e olhou perplexo para Judas. John não consegue acreditar no que está acontecendo. Ele é como uma criança que encontrou a injustiça pela primeira vez.

E há menos de doze apóstolos. Aparentemente, para Ge não era tão importante encaixar todos. Para a igreja isso foi fundamental. Daí as proibições de censura.

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4. Repin. Transportadores de barcaças no Volga. 1870-1873

Ivan Repin. Transportadores de barcaças no Volga. 131,5 x 281 cm. Museu Estatal Russo. Wikipédia.org

Ilya Repin viu caminhões-barcaças pela primeira vez no Niva. E fiquei tão impressionado com sua aparência lamentável, especialmente em contraste com os moradores de verão que passavam férias nas proximidades, que a decisão de pintar o quadro amadureceu imediatamente.

Repin não pintou residentes de verão elegantes. Mas ainda há contraste na imagem. Os trapos sujos dos transportadores de barcaças contrastam com a paisagem idílica.

Talvez no século XIX não parecesse tão provocativo. Mas pelo homem moderno esse tipo de funcionário parece deprimente.

Além disso, Repin retratou um navio a vapor ao fundo. Que poderia ser usado como rebocador para não torturar as pessoas.

Na realidade, os transportadores de barcaças não estavam tão em desvantagem. Eles eram bem alimentados e sempre podiam dormir depois do almoço. E durante a temporada ganhavam tanto que no inverno podiam se alimentar sem trabalhar.

Repin pegou uma tela altamente alongada horizontalmente para a pintura. E ele escolheu bem o ângulo de visão. Os transportadores de barcaças vêm em nossa direção, mas não se bloqueiam. Podemos facilmente considerar cada um deles.

E o mais importante transportador de barcaças com cara de sábio. E um jovem que não consegue se acostumar com a pulseira. E o penúltimo grego, que olha para trás, para o caso perdido.

Repin conhecia pessoalmente todos os integrantes do arreio. Ele teve longas conversas com eles sobre a vida. É por isso que eles acabaram sendo tão diferentes, cada um com seu caráter.

5. Kuinji. Noite de luar no Dnieper. 1880

Arkhip Kuinji. Noite de luar no Dnieper. 105 x 144 cm. Museu Estatal Russo. Rusmuseum.ru

“Noite de luar no Dnieper” é a mais trabalho famoso Kuindzhi. E não é de admirar. O próprio artista apresentou-a ao público de forma muito eficaz.

Ele organizou uma exposição pessoal. EM Hall de exibição estava escuro. Apenas uma lâmpada foi direcionada para a única pintura da exposição, “Noite de luar no Dnieper”.

As pessoas olhavam para a foto fascinadas. A brilhante luz esverdeada da lua e o caminho lunar eram hipnotizantes. Os contornos de uma aldeia ucraniana são visíveis. Apenas parte das paredes, iluminadas pela lua, sobressai da escuridão. Silhueta de um moinho tendo como pano de fundo um rio iluminado.

O efeito de realismo e fantasia ao mesmo tempo. Como o artista conseguiu tais “efeitos especiais”?

Além da maestria, Mendeleev também deu uma mãozinha aqui. Ele ajudou Kuindzhi a criar uma composição de pintura que brilhava especialmente no crepúsculo.

Parece que o artista tem uma qualidade incrível. Ser capaz de promover seu próprio trabalho. Mas ele agiu inesperadamente. Quase imediatamente após esta exposição, Kuindzhi passou 20 anos recluso. Ele continuou a pintar, mas não mostrou suas pinturas a ninguém.

Antes mesmo da exposição, a pintura foi adquirida pelo Grão-Duque Konstantin Konstantinovich (neto de Nicolau I). Ele ficou tão apegado à pintura que a levou em uma viagem ao redor do mundo. O ar salgado e úmido contribuiu para o escurecimento da tela. Infelizmente, esse efeito hipnótico não pode ser devolvido.

6. Altmann. Retrato de Akhmatova. 1914

Nathan Altman. Retrato de Anna Akhmatova. 123 x 103 cm. Museu Estatal Russo de 1914. Rusmuseum.ru

“Akhmatova” de Altman é muito brilhante e memorável. Falando da poetisa, muitos se lembrarão desse retrato dela em particular. Surpreendentemente, ela mesma não gostava dele. O retrato lhe pareceu estranho e “amargo”, a julgar pelos seus poemas.

Na verdade, até a irmã da poetisa admitiu que naqueles anos pré-revolucionários Akhmatova era assim. Um verdadeiro representante da modernidade.

Jovem, esguio, alto. Sua figura angular é perfeitamente refletida pelos “arbustos” de estilo cubista. E um vestido azul brilhante combina bem com um joelho pontudo e ombros salientes.

Ele conseguiu transmitir a aparência de uma mulher elegante e extraordinária. No entanto, ele mesmo era assim.

Altman não entendia os artistas que podiam trabalhar em um estúdio sujo e não perceber as migalhas na barba. Ele próprio estava sempre vestido com esmero. E ele até costurou roupas íntimas sob encomenda, de acordo com seus próprios desenhos.

Também foi difícil negar-lhe a sua originalidade. Depois de pegar baratas em seu apartamento, ele as pintou em cores diferentes. Ele pintou um de ouro, chamou-o de “laureado” e o soltou com as palavras “Essa barata vai ficar surpresa!”

7. Kustodiev. Esposa do comerciante tomando chá. 1918

Boris Kustodiev. Esposa do comerciante tomando chá. 120 x 120 cm. Museu Estatal Russo. Artchive.ru

“The Merchant's Wife”, de Kustodiev, é um quadro alegre. Nele vemos um mundo de comerciantes bom e bem alimentado. Uma heroína com a pele mais clara que o céu. Um gato com rosto parecido com o de seu dono. Um samovar polido e barrigudo. Melancia em um prato rico.

O que poderíamos pensar de um artista que pintasse tal quadro? Que o artista sabe muito sobre uma vida bem alimentada. Que ele adora mulheres curvilíneas. E que ele é claramente um amante da vida.

E foi assim que realmente aconteceu.

Se você notou, o quadro foi pintado durante os anos revolucionários. O artista e sua família viviam extremamente mal. Pensamentos apenas sobre pão. Vida difícil.

Por que tanta abundância quando há devastação e fome por toda parte? Então Kustodiev tentou capturar o que se foi irremediavelmente vida linda.

E o ideal beleza feminina? Sim, o artista disse isso mulheres magras ele não está inspirado para criar. No entanto, na vida ele preferia exatamente essas pessoas. Sua esposa também era magra.

Kustodiev era um amante da vida. O que é incrível, pois na época em que o quadro foi pintado ele já estava acorrentado a cadeira de rodas. Ele foi diagnosticado com tuberculose óssea em 1911.

A atenção de Kustodiev aos detalhes é muito incomum para a época em que a vanguarda floresceu. Vemos todos os itens de secagem na mesa. Andando em Gostiny Dvor. E um bom sujeito tentando manter o cavalo funcionando. Tudo isso parece um conto de fadas, uma fábula. Que já existiu, mas acabou.

Resumir:

Se você quiser ver as principais obras-primas de Repin, Kuindzhi, Bryullov ou Aivazovsky, vá ao Museu Russo.

“O Último Dia de Pompéia”, de Bryullov, é sobre a beleza do desastre.

“A Nona Onda” de Aivazovsky é sobre a escala dos elementos.

“A Última Ceia” de Ge é sobre a consciência de uma traição iminente.

“Barge Haulers” de Repin é sobre um trabalhador contratado no século XIX.

“Moonlit Night on the Dnieper” é sobre a alma da luz.

“Retrato de Akhmatova” de Altman é sobre o ideal de uma mulher moderna.

“The Merchant's Wife”, de Kustodiev, é sobre uma época que não pode ser devolvida.

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Edifício sóbrio e elegante Palácio Mikhailovsky, criado pela imaginação inesgotável de Rossi, não se tornou imediatamente um museu. Inicialmente, o palácio pretendia tornar-se uma residência filho mais novo Paulo I, para o qual quatrocentos mil rublos eram anualmente “reservados” do tesouro. Quando o príncipe atingiu a maioridade, já havia acumulado uma quantia razoável de dinheiro, o que possibilitou a construção de uma luxuosa residência com um extenso jardim.

Todos são mortais, até mesmo os filhos reais. O palácio passou para as mãos dos herdeiros, depois para os filhos dos herdeiros, depois para os netos... Os netos eram todos cidadãos da Alemanha, o que não agradava ao imperador Alexandre III, que se distinguia por fortes sentimentos patrióticos. O palácio foi comprado para o tesouro.

O mesmo Alexandre III primeiro expressou a ideia de criar um museu no qual serão coletados os melhores exemplos da arte russa ao longo de mil anos. A ideia de um museu russo já circulava na sociedade desde meados do século 19, então as aspirações do monarca e do povo coincidiam, e Em 1898, o Museu Russo foi aberto ao público.

O moderno Museu Estatal Russo oferece aos visitantes coleções de pinturas e esculturas russas dos séculos XII a XX. Toda a exposição está localizada em dois andares do Palácio Mikhailovsky e Corpo de Benoit, construído especificamente para as necessidades do novo museu. Além do edifício principal, o Museu Russo convida visitantes aos palácios Stroganov, Mármore e Engenharia. Mas o museu guarda seus principais tesouros na antiga residência do czarevich Mikhail Pavlovich.

No piso térreo do museu existem:

Exposições de russo Arte folclórica(séculos XVII-XXI), grande coleção pintura e escultura do século XIX. Escultura em madeira, cerâmica, tecelagem, pintura artística. O brilho e a diversidade da coleção fazem girar a cabeça;
- uma extensa e rica coleção de pinturas e esculturas de mestres russos do século XIX.

O segundo andar do museu convida você a explorar:

Continuação da exposição de obras-primas do século XIX;
- uma coleção de arte russa do século XVIII.

O edifício Benois de dois andares acolhe principalmente exposições temporárias do museu, e também abriga salas onde são expostas obras de artistas e escultores contemporâneos.

O museu possui uma magnífica coleção de ícones antigos, incluindo obras de Rublev, Ushakov e Dionísio.

É difícil nomear pelo menos um artista russo famoso cujo trabalho não seria apresentado no Museu Russo. As 15 mil peças do acervo de pinturas do museu incluem tudo de melhor que foi criado por mestres russos ao longo de 800 anos.

O museu está localizado não muito longe da Nevsky Prospekt, o que o torna um destino indispensável para inúmeros turistas. A propósito, os próprios moradores de São Petersburgo preferem visitar o museu russo, preferindo-o ao magnífico e enorme.

O museu dispõe de uma sala de conferências cuja programação é variada e interessante.

As exposições temporárias do museu há muito ganharam a reputação de serem as mais visitadas da cidade do Neva. Na maioria das vezes, esta é uma coleção de obras-primas dos depósitos do museu, unidas tema comum ou o momento da criação. Os visitantes frequentes do museu são melhores trabalhos, armazenados em outras coleções, bem como em coleções particulares.

Uma visita ao Museu Russo não é barata: 350 rublos (para residentes da Rússia e Bielo-Rússia - 250 rublos).

Você pode adquirir um ingresso que dá direito a visitar todas as filiais do Museu Russo, válido por três dias. Esse bilhete custará 600 e 400 rublos, respectivamente. Um bilhete combinado permite-lhe poupar algum dinheiro.

O Museu Russo está aberto das 10h às 18h. Na quinta-feira, a exposição poderá ser vista das 13h às 21h. Há apenas um dia de folga - terça-feira.

Um marco para quem não conhece São Petersburgo é a estação de metrô Nevsky Prospekt.

O Museu Russo é a maior coleção de pinturas e esculturas de autores russos. A exposição do museu está distribuída em cinco edifícios. O mais importante é o Palácio Mikhailovsky.

No total, o museu conta com aproximadamente 4 milhões de peças expostas e o acervo está em constante crescimento.

Dentro das paredes do museu são realizados muitos trabalhos de investigação, são realizadas palestras e seminários para crianças e adultos.

Você pode comprar uma assinatura.

A propósito, este é o museu que os moradores de São Petersburgo amam mais do que qualquer outro. Ainda mais do que.

História do Museu Russo

O Museu Estatal Russo tornou-se o primeiro lugar no país onde são armazenadas as obras dos maiores pintores e escultores russos.

O edifício principal do museu, o Palácio Mikhailovsky, foi construído para o filho mais novo de Paulo I, Mikhail. O arquiteto foi Carl Rossi. Após a morte do Grão-Duque, seus herdeiros venderam o palácio ao tesouro da cidade.

Em 1895, o Museu Russo em homenagem ao Imperador Alexandre III foi estabelecido no edifício do palácio, de acordo com o decreto de Nicolau II. Assim começou a gloriosa história do Museu Russo.

A base da coleção permanente são pinturas que pertenceram ao Hermitage, à Academia de Artes e ao Palácio de Inverno.

Algumas das pinturas foram compradas de colecionadores particulares, outras foram doadas por patronos.

O imperador Nicolau II doou seus próprios fundos para a compra de novas exposições. Nos primeiros dez anos, a arrecadação quase dobrou.

Durante os anos de revolução e guerra, nenhuma das exposições foi danificada. Alguns foram evacuados para os Urais, alguns ficaram escondidos no porão do prédio.

EM atualmente no prédio do museu são realizados artigos de pesquisa O departamento de restauração de propriedades de museus é considerado o melhor da Rússia. Objetos de arte de todo o país são trazidos para cá para restaurar sua aparência anterior.

O que você precisa saber sobre o museu

Todas as pinturas do Museu Estatal Russo foram criadas por artistas russos(ou artistas que viveram na Rússia) - desde antigos ícones pré-mongóis (é claro, de Andrei Rublev, Dionísio e Semyon Ushakov) até a pintura do segundo metade do século XIX século e arte moderna.

Nos salões maiores do Palácio Mikhailovsky são apresentadas pinturas de membros da Academia Imperial de Artes, nos salões menores você pode ver pinturas dos Andarilhos ( pintura famosa Repin, Surikov, Savrasov, Shishkin, Vasnetsov, Levitan e assim por diante).

O edifício Benois (anexo do Palácio Mikhailovsky) abriga a famosa arte de vanguarda russa. Infelizmente, é aqui que termina a composição do museu russo.

Os funcionários do museu organizam frequentemente palestras, reuniões com historiadores e pessoas interessantes, colabore com as melhores coleções de arte e supervisione o trabalho de cerca de 700 museus em toda a Rússia.

Informações de contato

Horário de funcionamento do Museu Russo: das 10 às 17, fecha às terças-feiras.

Se você tem medo de filas, é melhor não ir na segunda-feira. Neste dia o Hermitage está fechado e todos os turistas vêm aqui.

Melhor adiar sua visita para quinta e sexta.

Segundo a equipe do museu, atualmente há menos fluxo de turistas.

Outro pequeno truque: ao lado do corpo de Benoit há mais alguns bilheterias, mas por algum motivo poucas pessoas sabem sobre eles. A fila lá é bem menor. Mas a exposição do museu terá que ser vista ao contrário ordem cronológica(isto é, de artistas de vanguarda a ícones antigos).

O preço do ingresso para cidadãos adultos da Federação Russa é de 250 rublos, para estudantes - 150 rublos.

Por 600 rublos. (preferencial - 300) você pode comprar passagem de três dias. O preço inclui visitas aos cinco edifícios.

Infelizmente, o site oficial do Museu Russo rusmuseum.ru não é muito informativo e também não há reservas de ingressos. Todos os acontecimentos da vida do museu podem ser encontrados no grupo de mesmo nome “ Em contato com ».

Pinturas no Museu Russo

Kazimir Malevich, autorretrato

Venerável Sérgio Radonezhsky, Mikhail Nesterov

Razão, Viggo Wallenskold

Jantar, Ralph Goings

Nossa Senhora da Ternura dos Corações Malignos, Petrov-Vodkin

Correndo, Alexander Deineka

O ícone mais antigo do acervo do museu. Provavelmente foi escrito no século XII. Seu autor é desconhecido; acredita-se que tenha sido escrito em Novgorod. Recebeu esse nome devido ao fato de todos os fios de cabelo da imagem estarem impregnados de folha de ouro. Apareceu no Museu Russo em 1934, antes do qual vagou por Museu Rumyantsev- para o Histórico, de lá - para a Galeria Tretyakov.

A pintura mais famosa do artista Karl Bryullov, com quem nosso escola nacional pintura. As escavações em Pompéia começaram justamente na época em que Bryullov estudava na Itália. Então ele desenhou muitos de seus esboços da vida.

Como Baratynsky escreveu mais tarde, “o último dia de Pompeia tornou-se o primeiro dia para o pincel russo”. A enorme tela épica, pintada por Bryullov ao longo de três anos, tornou-se um símbolo da emergente escola russa de pintura. No país, o artista foi literalmente carregado nos braços. E Nicolau I pendurou a pintura na Academia de Artes, para que os aspirantes a pintor soubessem no que focar.

Ivan Aivazovsky pintou centenas de pinturas com o mar, esta é a mais famosa. Majestoso elemento mar, tempestade, mar e tendo como pano de fundo tudo isso - vítimas indefesas de um naufrágio tentando escapar no mastro de um navio.

O talento de Aivazovsky ainda é famoso em todo o mundo, suas pinturas aparecerão em leilões internacionais, e o famoso pintor marinho inglês Turner, admirando nosso artista, escreveu um poema elogioso em sua homenagem.

Uma das pinturas mais famosas do artista Vasnetsov (junto com “Alyonushka” ou “Ivan Tsarevich”). O artista pintou seu cavaleiro várias vezes. A princípio, toda a inscrição ficou visível - ele a removeu. A princípio o cavaleiro ficou de frente para o espectador - ele o virou, ficou mais monumental. Além disso, havia uma estrada na foto - Vasnetsov também a removeu, para torná-la mais desesperadora.

Até hoje, “Vityaz” é considerado um dos melhores Pinturas russas sobre contos de fadas e a imagem canônica da nossa pintura da segunda metade do século XIX, juntamente com as pinturas de Repin e Surikov.

“Foi assim que os cossacos responderam a você, seu bastardo. Você nem mesmo pastoreará porcos para os cristãos. É aqui que terminamos, já que não sabemos a data e não temos calendário, o mês está no céu, o ano está no livro, e o nosso dia é igual ao seu, por isso, um beijo para nós!" - foi exatamente assim que, segundo a lenda, foi o final da carta dos cossacos Zaporozhye ao sultão turco. O seu texto chegou até nós na forma de listas (cópias escritas) e acredita-se que tenha sido escrito no século XVII, quando mais uma vez o sultão turco exigiu que os cossacos parassem de atacar a Sublime Porta e se rendessem.

Uma cópia foi encontrada pelo historiador Ekaterinoslav Novitsky, que a repassou a seu colega Yavornitsky, que, por sua vez, a leu para seus amigos, entre os quais estava o artista Ilya Repin. Ele ficou tão interessado no enredo que logo decidiu pintar um quadro baseado nele. O próprio Yavornitsky posou para Repin como modelo para o balconista. O artista pintou Ataman Sirko do governador-geral de Kiev, Dragomirov. E o cossaco gordo e risonho, de cafetã vermelho e chapéu branco, é o escritor Gilyarovsky.

A pintura foi posteriormente reconhecida como historicamente não confiável (e houve muitas reclamações sobre a carta em si), mas no final seu sucesso em exposições (inclusive no exterior) foi tão grande que a pintura acabou sendo comprada pelo próprio imperador Alexandre III para ser colocada em o Museu Russo.

A principal pintura histórica monumental do artista de Krasnoyarsk, Vasily Surikov, para a qual viajou para a Suíça. O próprio artista copiou o próprio comandante de um professor de um ginásio local ou de um oficial cossaco aposentado.

Acabou sendo uma ordem do governo por acaso: o artista pintou um quadro para o 100º aniversário da campanha alpina de Suvorov em 1899 e, como resultado, o imperador Nicolau II gostou tanto que o comprou para o Museu Russo.

Uma das pinturas-chave da obra do artista Vereshchagin, uma das poucas expostas no Museu Russo (a maior parte do acervo está guardada em Galeria Tretyakov). O artista - como sempre, com uma precisão fotográfica inimaginável na época - criou uma história real digna dos melhores fotojornalistas do nosso tempo. As luxuosas portas de uma mesquita da Ásia Central, e diante delas estão os pobres, para quem este mundo rico está fechado para sempre.

Esta, aliás, é uma das poucas pinturas não militares de Vereshchagin: ele ficou famoso principalmente como pintor de batalhas, revelando os horrores da guerra com a compostura de um repórter: e em Ásia Central, e nos Balcãs. Vereshchagin também morreu na guerra: no encouraçado Petropavlovsk em Port Arthur.

Estilização incrível enredo antigo artista da era Art Nouveau. Valentin Serov, inspirado nas escavações na ilha de Creta (onde, segundo a lenda, Zeus em forma de touro tomou a Europa), pintou não apenas uma pintura, mas um grande painel decorativo.

O Museu Russo abriga uma das seis cópias da pintura. Uma versão grande está na Galeria Estatal Tretyakov.

Uma das pinturas mais poderosas dedicadas a Guerra civil. Para Petrov-Vodkin, a morte é desprovida de qualquer pathos, de qualquer pathos. O comissário moribundo e o soldado que o segura não têm nenhuma expressão de dor e raiva em seus rostos: apenas cansaço, indiferença, falta de vontade de continuar se movendo, enquanto o resto dos soldados avança para a batalha ao som de tambores.

Alexander Deineka pintou este quadro em 1942, literalmente imediatamente após a queda de Sebastopol. Foram-lhe mostradas fotografias da cidade destruída e Deineka decidiu criar uma grande tela heróica sobre aqueles que defenderam Sebastopol. O resultado foi um quadro um pouco pretensioso, mas emocionalmente muito forte sobre a coragem e a desesperança da situação de quem decidiu não desistir a qualquer custo.

Foto: Pavel Karavashkin, annaorion.com, echo.msk.ru, ttweak.livejournal.com, HelloPiter.ru, rusmuseumvrm.ru, kraeved1147.ru

O decreto máximo sobre a criação do “Museu Russo do Imperador Alexandre III” no Palácio Mikhailovsky de São Petersburgo foi assinado há 120 anos, em 13 de abril de 1895.

Atualmente o Museu Estatal Russo é maior museu Arte russa no mundo. Sua coleção inclui 407,5 unidades de armazenamento. Em antecipação Data memorável o site lembrou 10 obras-primas da pintura que podem ser vistas no Museu Russo.

Arkhip Kuinji. "Noite de luar no Dnieper." 1880

Margem do rio. A linha do horizonte desce. A luz prateada e esverdeada da lua se reflete na água. “Moonlit Night on the Dnieper” é uma das mais pinturas famosas Arkhip Kuinji.

A magia da paisagem cativou o Grão-Duque Konstantin Konstantinovich, que a comprou por muito dinheiro diretamente na oficina do artista. O príncipe não quis se desfazer de sua pintura favorita nem durante sua viagem ao redor do mundo. Como resultado, seu capricho quase arruinou a obra-prima de Kuindzhi - devido à brisa marítima, a composição da tinta mudou e a paisagem começou a escurecer. Mas, apesar disso, a imagem ainda tem um apelo mágico, obrigando o espectador a observá-la por muito tempo.

A magia da paisagem cativou o Grão-Duque Konstantin Konstantinovich. Foto: www.russianlook.com

Karl Bryullov. “O último dia de Pompéia”. 1830-1833

“O último dia de Pompéia se tornou o primeiro dia para a escova russa!” - foi o que o poeta Evgeny Baratynsky escreveu sobre esta foto. A Escritor britânico Walter Scott chamou a pintura de “incomum, épica”.

A tela, medindo 465,5x651 cm, foi exposta em Roma e Paris. Ficou à disposição da Academia de Artes graças a Nicolau I. A pintura foi-lhe apresentada como presente pelo famoso filantropo Anatoly Demidov, e o imperador decidiu exibi-la na Academia, onde poderia servir de guia para pintores iniciantes.

É importante notar que Karl Bryullov se retratou tendo como pano de fundo uma cidade em colapso. O autorretrato do artista pode ser visto no canto esquerdo da pintura.

Karl Bryullov se retratou tendo como pano de fundo uma cidade em colapso. O autorretrato do artista pode ser visto no canto esquerdo da pintura. Foto: Commons.wikimedia.org

Ilya Repin. "Barcaças no Volga" . 1870-1873

O verão de 1870, passado pelo artista no Volga, a 15 verstas de Samara, teve grande influência baseado no trabalho de Ilya Repin. Ele começa a trabalhar na tela, na qual muitos mais tarde viram significado filosófico, a personificação da submissão ao destino e à força das pessoas comuns.

Enquanto estava entre os transportadores de barcaças, Ilya Efimovich Repin conhece o ex-padre Kanin, de quem mais tarde criaria muitos esboços para a pintura.

“Havia algo oriental e antigo nele. Mas os olhos, os olhos! Que profundidade de olhar, erguido até as sobrancelhas, que também tendem para a testa... E a testa é uma testa grande, esperta, inteligente; “Ele não é um simplório”, disse o mestre sobre ele.

“Havia algo oriental, antigo nele, mas os olhos, os olhos!” Foto: Commons.wikimedia.org

Ilya Repin. "Os cossacos escrevem uma carta ao sultão turco." 1880-1891

“Você é o demônio turco, irmão e camarada do maldito demônio, e o próprio secretário de Lúciper!” Segundo a lenda, foi assim que começou a carta que os cossacos Zaporozhye escreveram em 1675 em resposta à oferta do sultão Mahmud IV de ficar sob sua subordinação. História famosa formou a base pintura famosa Ilya Repin.

O conhecido enredo serviu de base para a famosa pintura de Ilya Repin. Foto: Commons.wikimedia.org

Victor Vasnetsov. "O Cavaleiro na Encruzilhada." 1878

O espírito poético das lendas folclóricas é transmitido com maestria na obra de Viktor Vasnetsov. A pintura foi apresentada pela primeira vez aos espectadores em 1878 como parte de uma exposição itinerante.

O artista trabalhou na pintura durante vários anos. Nas primeiras versões, o herói ficava de frente para o espectador, mas depois a composição foi alterada. O Museu Russo abriga uma versão posterior da pintura - 1882. A primeira versão de 1878 está no Museu Histórico e de Arte de Serpukhov.

Vale destacar que o enredo de “O Cavaleiro na Encruzilhada” está reproduzido na lápide do artista, que está sepultado no cemitério de Vvedensky.

O artista trabalhou na pintura durante vários anos. Foto: Commons.wikimedia.org

Ivan Aivazovsky. "A Nona Onda" 1850

Criada em 1850, a pintura “A Nona Onda” foi adquirida por Nicolau I.

A nona onda, na opinião dos marinheiros, é a mais destrutiva. É exatamente isso que os personagens naufragados têm que passar.

Criada em 1850, a pintura “A Nona Onda” foi adquirida por Nicolau I. Foto: Commons.wikimedia.org

Valentin Serov. Retrato de Ida Rubinstein. 1910

A famosa dançarina e atriz Ida Rubinstein inspirou muitos artistas: Kees van Dongen, Antonio de la Gandara, André Dunoyer de Segonzac, Leon Bakst e Valentin Serov.

O pintor russo, considerado um mestre do retrato, viu-a pela primeira vez nos palcos parisienses. Em 1910 ele cria seu retrato.

“Há monumentalidade em cada movimento dela, apenas um baixo-relevo arcaico revivido”, a artista admirou sua graça.

A famosa dançarina e atriz Ida Rubenstein inspirou muitos artistas. Foto: Commons.wikimedia.org

Valentin Serov. O Estupro de Europa. 1910

A ideia de escrever “O Estupro da Europa” nasceu de Valentin Serov durante uma viagem à Grécia. Uma visita ao Palácio de Cnossos, na ilha de Creta, causou-lhe grande impressão. Em 1910, foi concluída a pintura, que se baseava na lenda do rapto de Europa, filha do rei fenício Agenor, por Zeus.

Segundo algumas evidências, Serov criou seis versões da pintura.

A ideia de escrever “O Estupro da Europa” nasceu de Valentin Serov durante uma viagem à Grécia. Foto: Commons.wikimedia.org

Boris Kustodiev. Retrato de F.I. Chaliapin. 1922

“Conheço muitas pessoas interessantes, talentosas e pessoas boas. Mas se alguma vez vi um espírito verdadeiramente grande numa pessoa, foi em Kustodiev”, escreveu sobre o artista no seu livro autobiográfico “Máscara e Alma”. cantor famoso Fiodor Chaliapin.

Os trabalhos de pintura foram realizados no apartamento do artista. A sala onde Chaliapin posou para Kustodiev era tão pequena que o quadro teve que ser pintado em partes.

O filho do artista relembrou posteriormente um momento engraçado da obra. Segundo ele, para capturar na tela o querido cachorro de Fyodor Ivanovich, ele teve que recorrer a um truque: “Para que o pug ficasse com a cabeça erguida, um gato foi colocado no armário, e Chaliapin fez todo o possível para faça o cachorro olhar para ele.

A oficina onde Chaliapin posou para Kustodiev era tão pequena que o quadro teve que ser pintado em partes. Foto: Commons.wikimedia.org

Kazimir Malevitch. Círculo preto. 1923

Uma das pinturas mais famosas do fundador do Suprematismo, Kazimir Malevich, tem diversas opções. O primeiro deles, criado em 1915, hoje pertence a um acervo particular. O segundo - criado pelos alunos de Malevich sob sua liderança - está exposto no Museu Russo de São Petersburgo.

Especialistas observam que o “Círculo Negro” de Kazimir Malevich foi um deles três principais módulos do novo sistema plástico, o potencial formador de estilo da nova ideia plástica - Suprematismo.