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A imagem artística de uma obra musical em um coral é criada e revelada por meio de cantos e palavras. Portanto, os principais requisitos técnicos para a sonoridade coral são, em primeiro lugar, a precisão da entonação aguda do som de cada cantor em uma parte separada e de cada parte no som coral geral; em segundo lugar, a unidade do timbre e o equilíbrio dinâmico das vozes individuais dentro de cada parte e de todas as partes do conjunto coral geral; em terceiro lugar, pronúncia clara das palavras.
Mas harmoniosa, entonacionalmente pura, equilibrada em força, unificada em timbre, a sonoridade coral é apenas um pré-requisito para a criação de uma imagem artística que transmita o conteúdo da obra. Portanto, antes de começar a aprender uma música, o líder deve, ao analisar a obra, compreender o seu conteúdo e os meios pelos quais ela é revelada pelo compositor. Ao se familiarizar com o texto literário, será possível compreender o tema e a ideia da obra e seu caráter: seja heróico, ou lírico, ou cômico, etc. são determinadas a dinâmica, a coloração do timbre do som e a natureza do movimento da melodia, destaque artístico e semântico das frases.

Após esta análise da obra, é elaborado um plano de actuação, ao qual estão subordinados todos os trabalhos vocais e corais subsequentes. O apresentador identifica dificuldades no domínio da peça, traça formas de superá-las, desenvolve alguns exercícios e traça um plano de ensaio detalhado.
Trabalhar com um coral em uma nova música geralmente começa com um aprendizado difícil - memorizando a melodia, construindo intervalos, consonâncias, praticando o lado rítmico da obra e a dicção.
À medida que o gestor domina os elementos técnicos, ele passa a dar mais atenção ao acabamento artístico da obra. Chega o momento em que as notas simples começam a adquirir corpo artístico.
Damos como exemplo uma análise artística e um plano de performance para trabalhar com o coro na música “Polyushko Kolkhoznoe”, letra e melodia de G. Savitsky, arranjo para composição feminina coro folclórico I. Ivanova. (A música está impressa nesta edição da coletânea na página 13).

O texto literário da canção revela a imagem de um amplo e extenso campo de fazenda coletiva.

Ah, você é meu amor,
Fazenda coletiva polelyuska,
Você é minha largura
Você é minha liberdade.
O centeio é grosso em ondas,
O vento balança.
Pólo todos os anos
É famosa pela sua colheita.
Ah, você é meu amor,
Fazenda coletiva polelyuska,
Você é minha largura.
Você é minha liberdade.

O poema distingue-se pelo extraordinário laconicismo e ao mesmo tempo pela expressividade da imagem. Apesar de ser composta por apenas três quadras, sendo a terceira uma repetição literal da primeira, a imagem do “pólo da fazenda coletiva” destaca-se com destaque e força. Que grande e amplo significado temático o autor coloca nas palavras “pólo da fazenda coletiva”! Eles têm um subtexto profundo. Este “pólo” é toda a vida de uma pessoa que trabalha, uma vida nova e feliz, como um “pólo”, amplo e livre.
Este sentido interno, ou ideia, do poema já está delineado na primeira quadra, onde a imagem majestosa do “pólo” começa a se revelar através de um apelo profundamente emocional e cheio de amor: “Oh, você é meu pólo. ”

Se na primeira quadra a imagem do “pólo da fazenda coletiva” se revela em caráter lírico-épico, na segunda quadra ganha destaque o som heróico da imagem, que adquire um conteúdo cada vez mais dinâmico. Assim, o início energético da segunda quadra -

O centeio é grosso em ondas,
O vento balança.

transmite o rápido movimento e a dinâmica no desenvolvimento da imagem do “pólo da fazenda coletiva”. Já não é apenas “ampla e expansiva”, mas também “famosa pela sua colheita”. Aqui o subtexto do poema é ainda mais revelado. O mar agitado de centeio é fruto do trabalho criativo do homem soviético - o criador de todas as bênçãos terrenas. Portanto, na terceira quadra, que é uma repetição literal da primeira, o apelo ao “pólo” soa com renovado vigor: não mais como uma meditação, mas como um hino à sua fertilidade, como um hino ao trabalho criativo de Homem soviético.
Assim, a imagem do “pólo da fazenda coletiva” no poema se revela em um desenvolvimento dinâmico da majestade lírico-épica a um poderoso som heróico. A técnica de enquadramento confere integridade temática ao poema e ao mesmo tempo abre espaço para a criatividade do compositor e do autor do arranjo coral.

Analisando a música da música " Fazenda coletiva Polyushko”, é fácil notar que entoacionalmente transmite com muita precisão, à maneira da canção folclórica, o caráter da imagem literária. A melodia da música é ampla, melodiosa e, graças à sua variada organização metrorrítmica, cria uma atmosfera de excitação emocional e movimento interno. Cada verso da música, transmitindo o clima da quadra correspondente, é, por assim dizer, um certo estágio no desenvolvimento da imagem musical da música.
A música do primeiro verso contém um apelo suave e amoroso ao “kolkhoz polelyuska”. Mas, ao mesmo tempo, não se trata de uma conversa no sentido literal, mas sim de uma reflexão profunda, onde o “pólo da fazenda coletiva” e o destino de uma pessoa, toda a sua vida se fundem num único conceito. É daí que vem o clima definidor do primeiro verso - suavidade, sinceridade e significado.

O andamento é lento, o movimento da melodia é suave, o tom geral é pianíssimo (muito baixo).
Todos os elementos expressão artística(melodia, metrorritmo, textura, fraseado) estão em constante movimento, como se revelassem cada vez mais novos lados da imagem, graças aos quais a obra se torna um material fértil para a performance artística.

O primeiro verso, como os versos subsequentes, consiste em quatro frases, cada uma com seu próprio pico dinâmico. Os sons que seguem o pico são executados com sonoridade aumentada, e os sons que seguem o pico são executados com enfraquecimento. Assim, o pico é enfatizado dinamicamente e organiza os sons anteriores e subsequentes em torno de si. Na música em análise, o topo de cada frase é a primeira batida do segundo compasso. Mas as frases não têm significado equivalente. Nesse caso, a frase principal é a terceira. Uma acumulação emocional surge, a melodia expande o alcance, o movimento interno acelera reduzindo o número de compassos na segunda frase, a textura fica saturada: primeiro uma cantora canta, na segunda frase uma segunda se junta a ela, e na terceira frase soa um coro polifônico. Na quarta frase, ao contrário, já se sente um enfraquecimento da tensão emocional, soa dinamicamente mais fraco que a terceira, seu padrão rítmico muda, o alcance é encurtado e a textura é simplificada: as quatro vozes são substituídas pelo uníssono.
Essa diferenciação de frases à sua maneira valor artístico chamado fraseado. (Exemplo nº 1) Se o tom geral do verso for pianíssimo, então no topo das frases o som pode se intensificar um pouco, chegando ao piano, e ao final da frase retornar ao tom original.

A terceira frase (a de cima) soa um pouco mais forte que todas as outras (dentro do piano).

O desenvolvimento da imagem musical na segunda e terceira estrofes segue o caminho do crescimento dinâmico - do piano ao forte, complicação textural, desenvolvimento variante das vozes, mudanças no timbre, na natureza do movimento da melodia e na pronúncia das palavras. Todas essas mudanças seguem o princípio da injeção – aumento e expansão gradual e contínuo. Para confirmar o que foi dito, considere o plano dinâmico e as mudanças texturais da música.

Plano dinâmico
O primeiro verso é pianíssimo.
O segundo verso é piano.
O terceiro verso vai do mezzo forte ao fortíssimo.

As mudanças na dinâmica estão intimamente relacionadas à complicação textural: a primeira estrofe é cantada por um cantor, a segunda por dois e a terceira estrofe é iniciada por todo o coro. Aqui vemos não apenas um aumento no número de cantores, mas também um aumento no número de vozes, bem como variação na linha melódica do próprio cantor. (Exemplo nº 2)

A música atinge seu clímax no último verso com as palavras: “You are my wide, you are my wide”. Todos os elementos de expressão artística deste local atingem o seu nível mais elevado. Aqui o som mais alto do coro, a natureza do movimento da melodia (em contraste com os versos anteriores, não se distingue mais pelo desenvolvimento suave e calmo do som, mas pela pronúncia abrangente, brilhante e cativante do som e palavra, baseada na combinação de acento e duração máxima dos sons), a textura atinge seu desenvolvimento máximo (5 vozes, ecos), por fim, a melodia sobe ao seu ponto mais alto, enfatizando o clímax emocional e o final de toda a música. (Exemplo nº 3)

Assim, como resultado da análise artística, o diretor compreendeu o conteúdo da música e os meios pelos quais o compositor a revela. Mas o trabalho preliminar da obra não se limita a isso.
Cada tipo de arte possui sua técnica, ou seja, um conjunto de determinadas habilidades necessárias para criar uma imagem artística. V. arte coral é estrutura, conjunto, dicção, habilidades vocais - respiração, produção sonora e ressonância. Portanto, fica claro que a próxima etapa do trabalho preliminar do diretor é analisar a obra do ponto de vista de suas dificuldades técnicas.
Vejamos os principais pontos do trabalho na estrutura do coro.
Cantar sem acompanhamento exige muito dos intérpretes em termos de entonação de intervalos e acordes. A linha melódica de uma música muito desenvolvida, repleta de intervalos amplos, apresenta grande dificuldade para a entonação intervalar. É preciso estar atento aos segmentos melódicos que o coral consegue cantar desafinado: aos sons da segunda proporção

a uma sequência de sons de mesma altura, que muitas vezes causam diminuição da entonação e, portanto, exigem “aumentar” a altura de cada som subsequente, à entonação de semitons.
Para obter um som entonacionalmente puro, o regente do coral deve conhecer os padrões de entonação dos vários graus das escalas maiores e menores de acordo com seu significado modal.
Entonação da escala maior.

O som do primeiro estágio (o tom principal) é entoado de forma constante. Os sons do segundo, terceiro, quinto, sexto e sétimo passos são entoados pelo desejo de melhoria. Os sons do terceiro e sétimo graus (o terceiro da tríade tônica e o tom introdutório) são entoados com um desejo particularmente forte de elevação. O som do quarto estágio é entoado com tendência a diminuir.

Deve-se notar que nas canções russas ocorre frequentemente escala maior com um sétimo estágio reduzido. Nesse caso, ela entoa vontade de se rebaixar.

O exemplo nº 5 mostra a natureza da entonação de vários graus da escala maior. Setas apontando para cima indicam que o som deve ser entoado com tendência a subir, uma seta horizontal indica entonação estável e uma seta apontando para baixo indica entonação com tendência a cair

Entonação da escala menor (natural).

Os sons do primeiro, segundo e quarto graus são entoados com vontade de aumentar.
Sons de terceiro, sexto e sétimo graus - com tendência a diminuir.
Na menor harmônica e melódica, o som do sétimo grau é entoado com forte tendência de subida. Na menor melódica, o som do sexto grau também é entoado com tendência a aumentar.

O exemplo nº 6 mostra a natureza da entonação dos sons da escala “Si bemol menor”, ​​na qual a música “Polyushko Kolkhoznoye” foi escrita.
A entonação precisa depende muito da respiração cantada. A respiração lenta com vazamento de ar causa diminuição do som; a respiração exagerada com muita pressão de ar, ao contrário, leva à força e ao aumento da entonação. O desenvolvimento lento do som (com aproximação) também causa imprecisão na entonação. Uma posição baixa, causando sobrecarga da laringe, acarreta diminuição da entonação do som, e o mesmo resultado é causado pela sobreposição do som no registro superior (nas vozes folclóricas isso acontece nas canções calmas). Com o uso insuficiente de ressonadores torácicos, a entonação muda para cima.
A “posição alta” do som tem um efeito particularmente benéfico na entonação, cuja essência é direcionar o som para os ressonadores superiores e aliviar a tensão na laringe. Uma posição elevada deve ser alcançada em qualquer registro.

Ao trabalhar nesta música, isso precisa ser levado em consideração especialmente ao praticar com segundos contraltos, que cantam em um registro muito baixo. Exercícios vocais, cantar frases individuais com a boca fechada ou nas sílabas “li” e “le” são de grande benefício no desenvolvimento de sons de alta posição.
Assim, o canto entoacionalmente puro em um coro depende em grande parte do nível de todo o trabalho vocal, que deve ser realizado no sentido de desenvolver diversas habilidades de canto e corrigir certas deficiências na voz dos cantores (som pressionado, forçamento, tremor, tonalidade nasal , etc.).
A habilidade vocal mais importante é a respiração correta e sustentada." Freqüentemente, diz-se que um cantor que domina a respiração cantada canta "com apoio" ou com "som apoiado". completamente à formação de som sem vazamentos e é consumido de forma suave e econômica. Nesse caso, surge o chamado “som suportado”. Tem muita riqueza, densidade, elasticidade, enquanto o som não suportado, ao contrário, é abafado. solto, fraco, com sifão, o que indica um vazamento inútil de ar. É possível uma maior economia de ar e, portanto, cantar grandes estruturas musicais em uma só respiração exige mudanças freqüentes de respiração e leva a uma quebra na frase musical. .

Para obter um som sustentado é necessário manter um “ajuste de inspiração”, ou seja, ao cantar, o cantor não deve permitir que o peito abaixe e se estreite. Depois de inspirar, você precisa prender a respiração por um momento e então iniciar a produção do som. Este momento de “atraso” parece alertar todo o aparato cantante. Você precisa respirar com facilidade e naturalidade, sem tensão excessiva, quase da mesma forma que durante uma conversa normal. O cantor deve inspirar tanto ar quanto for necessário para realizar uma tarefa específica. O volume de ar inspirado depende do tamanho da frase musical e do registro em que ela soa, bem como da força do som. Cantar em um registro agudo requer mais ar. Inalação também grande quantidade o ar leva a um som tenso e a uma entonação imprecisa. A duração da inspiração depende do andamento da peça e deve ser igual à duração de uma batida do compasso. Para a execução contínua de longas estruturas musicais, ou mesmo de toda a peça, utiliza-se a chamada “respiração em cadeia”. Sua essência está na renovação alternada da respiração pelos cantores do coral. O exemplo nº 7 mostra a parte coral da segunda estrofe, que é executada em “respiração em cadeia”.

Cada cantor individualmente não consegue cantar todo esse segmento sem renovar o fôlego, mas no coral, como resultado da renovação alternada do fôlego dos cantores, essa frase soa indiferenciada. A respiração normal de um cantor seca na virada do quarto e do quinto compassos, mas mesmo um cantor não é recomendado para respirar neste local. Ao fazer “respiração em cadeia”, é melhor respirar não na junção de duas estruturas musicais, mas antes ou depois de algum tempo. É preciso se desconectar do canto e voltar a entrar nele de forma imperceptível, respirar fundo e principalmente no meio de uma palavra ou em um som sustentado. (Exemplo nº 7).

A importância da natureza da expiração deve ser enfatizada mais uma vez. Deve ser econômico e uniforme em toda a sua extensão. Somente essa expiração pode criar um canto suave e elástico. Não permita que todo o ar seja consumido ao expirar. É prejudicial cantar com o suprimento de ar muito esgotado.
No canto, o processo respiratório está intimamente relacionado ao momento da geração do som, ou ataque. Existem três tipos de ataque – forte, respiratório e suave. Com um ataque forte, os ligamentos fecham antes que o ar seja fornecido. Então o fluxo de ar com uma leve força abre os ligamentos. O resultado é um som nítido.
Um ataque aspirado é o oposto de um ataque sólido. Com ele, o aparecimento do som é precedido por uma expiração silenciosa, após a qual os ligamentos se fecham com calma. Neste caso, a vogal “A” parece assumir o caráter sonoro de “xx-a”, mas a consoante “x” não deve ser ouvida.

Com um ataque suave, o fechamento dos ligamentos começa simultaneamente com o início do som.
Um ataque firme no canto é raro (em exclamações sonoras, no desenvolvimento alto do som após uma pausa).
Exercícios firmemente atacados são de grande benefício; eles cultivam a sensação de um som “apoiado” e são um meio de combater a produção sonora lenta que causa “enfraquecimento”. Tais exercícios (exemplo nº 8) devem ser cantados em andamento lento na vogal “A”

A base do canto é um ataque suave. Aspirado - usado para sonoridade calma e muito tranquila.
Com cantores com vozes agudas, é útil praticar o canto de pequenos arganazes ou trechos de uma frase musical de uma peça que está sendo aprendida para as vogais “I”, “E”, “E”, “Yu” ou as sílabas “LA”, “LE”, “LE”, “BJ".
A imagem artística na arte vocal surge na unidade da música e da palavra. Não só a qualidade de transmissão do texto literário de uma música ao ouvinte, mas também todo o processo de canto depende da forma como as palavras são pronunciadas, ou dicção. Como você sabe, uma palavra consiste em uma unidade de vogais e consoantes. Uma condição indispensável para uma dicção correta ao cantar é o som das vogais mais longo possível e a pronúncia curta e ativa das consoantes, baseada em uma interação clara da língua, lábios, dentes e palato com uma expiração uniforme e em nenhum caso espasmódica. É útil praticar a clareza da pronúncia das consoantes em sons baixos, duplicando-as. Ao mesmo tempo, para fixar toda a atenção nas consoantes, é útil abandonar brevemente, mas não abruptamente, cada sílaba, calculando mentalmente a duração das notas sustentadas. (Exemplo nº 9)

Particularmente difíceis de pronunciar são as combinações de várias consoantes (país), uma consoante no início de uma palavra (conhecer, não encontrar) e uma consoante no final de uma palavra (cor, não tsve).
Para manter a máxima continuidade do som da melodia, as consoantes no final de uma sílaba devem ser combinadas com a sílaba seguinte.
"U-ro-zha-e-ms l a-v i-tsya."
A dicção clara é geralmente equiparada à pronúncia clara das consoantes, esquecendo que as vogais também desempenham um papel importante na pronúncia das palavras e na coesão geral do som coral.
As vogais são sons puros, sem qualquer mistura de ruído. Alguns deles soam brilhantes, abertos - “A”, outros são fechados - “O”, “U”, outros - “fechados” - “I”. O grau de tensão, ou brilho, das vogais é diferente, depende da posição da boca e do lugar da vogal na palavra (as vogais tônicas soam mais tensas e brilhantes do que as átonas).

No canto, para criar uma linha vocal uniforme, todas as vogais são de alguma forma neutralizadas, ou seja, a linha nítida entre elas é apagada. Isso ocorre como resultado da manutenção aproximadamente da mesma posição da boca para todas as vogais. Sabe-se que a mesma vogal em diferentes posições da boca adquire diferentes qualidades sonoras: com a boca bem aberta soa aberta, brilhante, com a boca entreaberta - coberta, suavemente, ao cantar com os cantos dos lábios entreabertos (em um sorriso) - parece leve, fácil, "próximo". Portanto, é perfeitamente compreensível que no som de uma frase separada ou de uma obra inteira, marcada por um determinado estado de espírito, todas as vogais soem no mesmo tom emocional, com a mesma posição predominante da boca. Uma forma unificada de formação de vogais em um coro torna-se crucial, pois é a base para a unidade tímbrica das vozes. Para desenvolver uma ressonância unificada de vogais, é útil cantar uma sequência de sons de mesma altura nas sílabas MI-ME-MA-MO-MU (a consoante “M” é usada para suavizar o ataque. Exemplo nº 10 ). Nesse caso, é necessário garantir que todas as vogais sejam executadas com o mesmo grau de abertura da boca.

Para evitar “condução” ao cantar as vogais “A”, “O”, “U”, “E”, “I” seguindo qualquer outra vogal ou a mesma vogal, principalmente na junção de duas palavras, é necessário esticar a primeira vogal o máximo possível e mudar instantaneamente para a segunda, atacando o som com um pouco mais de força. Por exemplo: “...polyushko é famosa pela sua colheita.”
Já dissemos acima que uma vogal tônica soa mais forte e mais brilhante do que uma vogal átona. Mas às vezes, nas canções folclóricas, a batida forte da batida não coincide com a ênfase da palavra. Nestes casos, é necessário realizar a vogal soada na batida forte do compasso com menos destaque do que a vogal sobre a qual o acento recai sobre as palavras (Exemplo 11)

Aqui vemos que na palavra “My” a vogal átona “O” corresponde a uma batida relativamente forte da batida e portanto, destacando-se, irá distorcer a palavra. Para evitar que isso aconteça, a sílaba “MO” deve ser cantada um pouco mais baixa que a vogal “Yo”.
O trabalho com vogais em um coro folclórico torna-se especialmente grande importância em conexão com a visão errônea de alguns músicos sobre o timbre da voz popular. Eles acreditam que por canto folclórico Apenas um som aberto e branco é característico. A incompreensão da base vocal do canto folclórico leva a uma orientação errada deste maravilhoso gênero de arte coral. É a riqueza do gênero russo canção nativa de um refrão calmo e gentil, uma cantiga afiada a amplas telas de canções líricas cantadas e moscas-pedra vociferantes, não fala de sua mais ampla gama emocional?! Como você consegue cantar todas essas músicas com um só som?! É absolutamente claro que a sonoridade de um coro folclórico, como de qualquer outro coro, depende do conteúdo da música, do seu tom emocional.

A base de qualquer coletivo arte musical, incluindo o coro, é a unidade e uma certa coordenação das ações de todos os membros do coletivo. Todos os elementos da sonoridade coral: estrutura, dicção, força, timbre, velocidade de movimento, etc. existem apenas em forma coletiva e de conjunto. Portanto, o trabalho em conjunto permeia todas as etapas da obra coral.
Já falamos sobre a maneira uniforme como as vogais e consoantes são formadas. Agora veremos o conjunto rítmico e dinâmico. Em “Polyushka the Collective Farm” cada voz tem seu próprio padrão rítmico independente. Quando executado ao mesmo tempo, existe o perigo de quebrar o conjunto rítmico. Para evitar isso, é necessário cultivar nos cantores o sentido da pulsação da melodia. Para este propósito, é bom usar passagens musicais cantadas com divisão em voz alta de cada semínima, meia e nota inteira em colcheias componentes (exemplo N2 12).

Graças a este exercício, o coro manterá com precisão durações complexas e passará para os sons subsequentes no tempo. Normalmente, em sons de longa duração, os cantores perdem uma noção precisa de movimento e passam para os sons subsequentes tarde ou antes do tempo.
Um conjunto dinâmico em um coro é baseado no equilíbrio na força das vozes de uma parte e em uma certa consistência entre as partes: ou a parte superior, conduzindo a voz principal, soa mais alta que as outras partes, depois a parte média ou inferior a voz vem à tona, então todas as partes soam com igual força. Assim, na música “Polyushko Kolkhoznoe”, a princípio a voz superior soa mais alta, depois as mudanças melódicas em várias vozes começam a ser enfatizadas dinamicamente e, no clímax da música, todas as vozes soam com igual força.

A maioria das canções folclóricas russas são executadas com cantores principais. Nestes casos, é muito importante o conjunto entre o vocalista e o coral, que assume do vocalista todo o caráter da execução da música. Isso deve ser levado em consideração ao aprender esta música. A base de um bom conjunto coral é a correta seleção das vozes e sua igualdade quantitativa em cada parte. O resultado é um conjunto natural. Mas às vezes as vozes que compõem um acorde apresentam condições de tessitura diferentes. Nesse caso, o equilíbrio sonoro é alcançado artificialmente, como resultado de uma distribuição especial da força sonora entre as vozes: a voz secundária, escrita em registro agudo, deve soar mais baixa, e a voz principal, escrita em registro grave, deve ser executado mais alto. Se todas as vozes em uma determinada situação forem executadas com igual força, então a voz secundária abafará a principal e, claro, não haverá conjunto.
Para criar um conjunto artisticamente completo, é necessário que cada cantor não apenas cante sua parte com precisão, mas também, ouvindo seus vizinhos na parte, se funda com eles. Além disso, ele deve ouvir a voz principal e medir a força de sua voz com ela.

Coro folclórico do norte da Rússia – a alma da região do Mar Branco

Os Arkhangelsk Pomors são descendentes dos antigos novgorodianos que colonizaram esta região nos tempos antigos. Sua arte ainda é preservada em sua originalidade. Este peculiar mundo da arte com suas próprias leis e conceitos de beleza. Ao mesmo tempo, nas canções e danças do Norte, o humor, o entusiasmo e o temperamento interior característicos dos Pomors se manifestam claramente. A arte da canção do Norte é especial, distingue-se pelo rigor do estilo, pureza casta e contenção, tudo isto combinado com um princípio épico corajoso e obstinado.
O Coro do Norte é justamente chamado de pérola da cultura russa. Ao longo dos 85 anos de existência, nunca mudou o seu papel. Cada performance é um mundo artístico especial e uma performance dinâmica brilhante: grandes produções de enredo, composições vocais e coreográficas, pinturas feriados nacionais. Todas as tonalidades sonoras da natureza setentrional são ouvidas na polifonia musical do coro: a conversa pensativa da taiga, a suave castidade dos rios, o eco da profundidade do oceano e o tremor transparente das noites brancas.

Antonina Yakovlevna KOLOTILOVA – fundadora e diretor artistico Coro Folclórico Acadêmico Estadual do Norte da Rússia (1926 – 1960), Artista do Povo RSFSR, Artista Homenageado da RSFSR, laureado Prêmio Estadual URSS

“Quem não ama sua canção nativa não ama seu povo nativo!”(A.Ya. Kolotilova)

Antonina Yakovlevna Kolotilova (Sherstkova) nasceu em 1890 na aldeia de Zhilino, não muito longe da antiga cidade Veliky Ustyug.
Em 1909, Kolotilova formou-se com louvor no Ginásio Feminino Veliky Ustyug e foi lecionar em escola rural para a aldeia de Pelyaginets, distrito de Nikolsky, província de Vologda. Foi nesta aldeia que Antonina Kolotilova começou a demonstrar interesse profissional pelo folclore. Ela sempre observou com interesse os rituais do norte, ouviu canções, aprendeu a lamentar-se e a engrandecer-se, e aprendeu o modo de movimento de meninas e mulheres em danças circulares, quadrilhas e reverências.
Kolotilova, nascida e criada no norte da Rússia, amava-a profundamente pátria, especialmente a extensão de prados inundados na época da floração das gramíneas.
Em 1914, Antonina Yakovlevna casou-se e mudou-se para Nikolsk. Lá ela trabalha como professora em uma escola pública e continua colecionando e gravando canções, contos e cantigas locais. O talento artístico inato ajudou a jovem a dominar facilmente a cultura e o estilo de atuação.
Após 5 anos, os Kolotilovs mudaram-se para Veliky Ustyug. É nesta antiga cidade do norte da Rússia que começa a história do Coro do Norte. Aqui Antonina Yakovlevna organiza um conjunto feminino amador, que se apresenta em clubes, e um pouco mais tarde em uma emissora de rádio inaugurada na cidade. É preciso dizer que os primeiros integrantes da equipe eram em sua maioria donas de casa. Eles foram facilmente ao apartamento dela, organizaram sessões de canto em grupo e estudaram as músicas que os interessavam. Os ouvintes saudaram os concertos dos jovens coristas e as apresentações no rádio tornaram o grupo muito popular. O coro amador de Kolotilova naquela época consistia em cerca de 15 pessoas.

“Antonina Yakovlevna mereceu plenamente o amor do povo e a glória de si mesma, porque deu todas as suas forças e pensamentos, energia inesgotável e paixão de sua alma ao canto folclórico e ao coral que ela criou... Se esta mulher maravilhosa não tivesse sido no mundo não haveria nosso coro folclórico do norte da Rússia!(Nina Konstantinovna Meshko)

Nascimento do Coro Norte

Em 1922, em Moscou, em um estúdio de gravação, Antonina Yakovlevna conheceu Mitrofan Pyatnitsky. Foi este encontro que se tornou significativo para Kolotilova. O conhecimento do trabalho do coro de Pyatnitsky serviu de impulso para a criação de seu próprio coro folclórico de canções do norte. No dia 8 de março de 1926, um pequeno grupo amador se apresentou pela primeira vez na Casa dos Trabalhadores da Educação. Este dia foi o aniversário do Coro Folclórico do Norte da Rússia.
No início o coro era etnográfico, mas depois as condições de vida no palco exigiram uma reestruturação organizacional e criativa: surgiram um grupo de dança e sanfoneiros. Em 1952, um grupo orquestral foi organizado como parte do coro através dos esforços do compositor V.A. Laptev.
A equipe então era composta por apenas 12 cantores. Os trajes eram trajes de mães e avós - verdadeiros vestidos e blusas camponesas. Os primeiros acordeonistas foram os irmãos Tryapitsyn Boris e Dmitry, bem como o irmão mais novo de Antonina Yakovlevna, Valery Sherstkov. As partes foram aprendidas nos ensaios com a voz do diretor artístico. Antonina Yakovlevna não só mostrou como cantar, mas também como se mover, se curvar e se comportar corretamente no palco.
O coral recém-criado sempre foi muito bem recebido nos empreendimentos da cidade, em instituições educacionais, aldeias vizinhas. O status de grupo amador não impediu Kolotilova de trabalhar seriamente, tratando com cuidado a canção nortenha e reproduzindo com precisão a forma de sua execução! Ela nunca mudou esses requisitos no futuro. Nos primeiros anos, o coral executava principalmente canções folclóricas antigas, que as cantoras - ex-camponesas, indígenas moradores do Norte - conheciam desde a infância, possuíam não apenas habilidades performáticas, mas também um estilo folclórico de improvisação. Não foi à toa que o Coro Norte foi durante muitos anos considerado o mais fiável etnograficamente, consistente na sua linha criativa, preservando as tradições da canção nortenha, e os cantores do coro sempre se distinguiram pela capacidade de penetrar nas profundezas da uma imagem musical e incorporá-la em uma beleza única.
Em 1931, Kolotilova organizou um coro em Arkhangelsk em maior escala, tanto em número de participantes quanto em volume de repertório. Os programas dos concertos incluem canções de Pinega e da Pomerânia do Norte, bem como uma variedade de danças e cenas do quotidiano. Mais rico material musical Kolotilova coleta ela mesma durante viagens a várias áreas da região de Arkhangelsk. Paralelamente, foram adquiridas fantasias para os integrantes do coral.
Em 1935, enquanto viajava pela Pomerânia, Antonina Yakovlevna conheceu Marfa Semyonovna Kryukova, uma famosa contadora de histórias. Kolotilova garantiu que Kryukova participasse do primeiro All-Union Radio Festival (1936). Posteriormente, Marfa Kryukova viajou com o Coro Norte para Moscou, onde, junto com Antonina Yakovlevna, trabalhou nos primeiros contos.
Além dos épicos, a programação do coral sempre incluía canções bufões alegres, dançantes e cômicas, originadas da arte dos músicos bufões errantes, e canções líricas prolongadas, que os cantores executavam de maneira comovente e comovente.
Durante a guerra, o grupo deu muitos concertos. Movimentávamos-nos em veículos aquecidos, vivíamos precariamente, não dormíamos o suficiente e continuávamos fugindo dos bombardeios. Fomos para a Frota do Norte, Murmansk, o Ártico, a Frente Karelo-Finlandesa e os Urais. Em 1944 partimos para o Extremo Oriente por seis meses.

Antonina Kolotilova: “Eu amo meu Norte natal e canto músicas para ele!”

Até 1960, Antonina Yakovlevna permaneceu como diretora artística do grupo. Todos os anos de trabalho de Kolotilova foram repletos de trabalho árduo e incansável e paixão criativa, um desejo sincero de preservar e transmitir aos contemporâneos a profundidade da originalidade e beleza da arte popular do Território do Norte e uma busca constante por novas formas de palco e performance significa. A vida de Kolotilova foi um verdadeiro feito criativo e as tradições que ela estabeleceu estão vivas na equipa.

Fonte: Residentes proeminentes de Vologda: Esboços biográficos/
Ed. Conselho "Enciclopédia Vologda".
VSPU, editora "Rus", 2005. - 568 p. - ISBN 5-87822-271-X

Em 1960, a Artista do Povo da RSFSR, ganhadora do Prêmio Estadual Antonina Yakovlevna Kolotilova, entregou a liderança do grupo a uma graduada do Conservatório Estadual Tchaikovsky de Moscou, uma experiente professora e maestrina de coro, Nina Konstantinovna Meshko. Novo período na vida da equipe é marcada pelo crescimento do profissionalismo e da cultura cênica.

Nina Konstantinovna Meshko - Artista do Povo da URSS, laureada com o Prêmio de Estado da RSFSR em homenagem a Glinka, diretora artística do coro folclórico do norte de 1960 a 2008, acadêmica da IAU, professora do departamento da Academia Russa de Música. Gnessins

“As pessoas confiam na sua cultura tradicional indígena!”(Nina Meshko)

Nina Meshko nasceu em 1917 na aldeia de Malakhovo, distrito de Rzhevsky, região de Tver, no seio de uma família de professores, onde adoravam canções. Minha mãe, Alexandra Vasilievna, tinha uma voz maravilhosa, e meu pai, Konstantin Ivanovich, não apenas liderava o coral da escola, mas também adorava cantar na igreja local.

Das memórias de N.K. Mieszko: “Não me lembro quantos anos eu tinha, talvez menos de um ano... Eu estava enrolado em um lenço felpudo e alguém me segurava nos braços. Na cozinha, as pessoas estavam sentadas em volta de uma grande mesa de madeira e todos cantavam. E ao mesmo tempo experimentei uma felicidade completamente inexplicável...”

A pequena Nina dominou o piano de forma independente, estudou teoria musical elementar e solfejo. E ficou tão fascinada pelo mundo da música que decidiu: só música e nada mais! E assim, sem dúvida, Nina Meshko entra na escola de música que leva seu nome Revolução de outubro, e após se formar no Conservatório de Moscou na faculdade de regência e coral. Foi lá que Nina Konstantinovna ouviu pela primeira vez o Coro Norte. Ele causou uma impressão muito forte nela.
E então Nina Meshko foi convidada a criar um coro folclórico na região de Moscou. Foi depois desse trabalho que Nina Konstantinovna finalmente decidiu: só canto folclórico e nada mais.

Das memórias de N.K. Mieszko: “Algum tipo de obsessão literalmente explodiu em mim para reviver cultura popular cantoria. Porque ela era a mais alta! Essa é uma habilidade! Os registros falam sobre isso, principalmente os do norte.”

Depois do Coro de Moscou, Nina Meshko trabalhou com o Coro Russo canção popular Rádio All-Union, e então veio o convite para reger o Coro Norte. O Norte a conquistou e fez com que ela se apaixonasse por ele.

Das memórias de N.K. Mieszko: “Pessoas que dominam maravilhosamente a cultura do canto, com vozes bonitas, flexíveis e livres, podem cantar uma música como fazem no Norte.”

Por quase 50 anos, Nina Konstantinovna Meshko dirigiu o Coro Folclórico Acadêmico do Norte da Rússia, conhecido não apenas na Rússia, mas também muito além de suas fronteiras. Ela assumiu a batuta de sua professora Antonina Kolotilova. Sob Nina Meshko, o coro foi laureado em várias competições internacionais. Meshko foi o fundador da Escola Gnessin de Canto Folclórico. A Escola Mieszko treinou uma galáxia inteira de professores, mestres de coro e intérpretes de canções folclóricas. Entre eles estão Tatyana Petrova, Nadezhda Babkina, Lyudmila Ryumina, Natalya Boriskova, Mikhail Firsov e muitos outros. Lyudmila Zykina a considerava sua professora. Mieszko desenvolveu seu próprio método coral, que agora é usado por muitos de seus alunos.

Das memórias de N.K. Mieszko: “A arte da música é uma crônica da vida de todo o povo russo. É único, extraordinariamente rico, assim como a língua russa é insuperavelmente rica. E então está vivo, desenvolvendo-se continuamente, renovando-se, renascendo das cinzas... O povo confia na sua cultura tradicional, indígena.”

Confissão

Perdoe-me, perdoe-me, Senhor,
Pelo que eu não pude fazer
E na agitação das preocupações diurnas
Não tive tempo de pagar minhas dívidas.
não tive tempo de dar
Um olhar para alguém, um carinho para alguém,
Alguns não aliviaram a dor,
Não contei a história aos outros.
Diante de parentes em uma hora triste
Não me arrependi
E mais de uma vez na bolsa de um mendigo
Ela não deu esmola.
Amigos amorosos, muitas vezes
Eu me ofendo involuntariamente,
E vendo as tristezas dos outros,
Estou fugindo do sofrimento.
Eu corro avidamente para o céu,
Mas o peso das preocupações me leva ao chão.
Eu quero te dar um pedaço de pão -
E eu esqueço isso em cima da mesa.
Eu sei tudo que deveria
Mas ela não cumpriu a aliança...
Você vai me perdoar, Senhor,
Por tudo, por tudo, por tudo por isso?

N. Meshko

Irina Lyskova,
Secretária de Imprensa do Coro Norte

A originalidade do repertório e a atenção à riqueza musical da região

O grupo líder do grupo, o coral feminino, encanta o ouvinte com seu timbre único, a beleza de seus cantos originais e a pureza de seu som. vozes femininasà capella. O coro mantém a continuidade da tradição do canto. O Coro Norte, que se distingue pela elevada cultura do canto e pela identidade única, mantém consistentemente as tradições e a prioridade da elevada espiritualidade na actuação.
Os trajes do Coro Norte merecem atenção especial. Criados por figurinistas profissionais, com base nas melhores amostras das coleções de museus de Arkhangelsk, Moscou, São Petersburgo, eles representam imagem coletiva Traje nacional russo dos nortistas. Durante o concerto, os artistas mudam várias vezes de figurino - apresentando-se perante o público em trajes festivos, quotidianos ou estilizados criados especificamente para os números do concerto.
O conjunto é composto por três grupos - coral, dança e orquestra russa instrumentos folclóricos. Em 1952, um grupo orquestral foi organizado como parte do coro através dos esforços do compositor V.A. Laptev. O som dos instrumentos folclóricos russos da orquestra tem uma sinceridade e calor incríveis. A originalidade do repertório e a atenção à riqueza musical da região, a modernidade e o alto nível de execução trazem ao coral um sucesso merecido!
A atenção do espectador é constantemente atraída para o palco: bufões alegres alternam com canções líricas prolongadas, quadrilhas animadas substituem danças circulares calmas, canto a cappella alterna com obras musicais.
O Coro Norte dá atenção especial à formação de seu ouvinte, seu telespectador, por isso muitos de seus programas são dedicados ao público infantil, adolescente e estudantil. O coro continua ativamente suas atividades de concerto na Rússia e no exterior.
Em 1957, a equipe foi laureada no Festival da Juventude e dos Estudantes de Moscou. Este evento abriu caminho para o coral no exterior. Iniciou-se uma nova etapa na atuação do coral; para obter reconhecimento no exterior, o coral deve ser especial.
Desde 1959, o coro visitou a Polónia, Bulgária, França, Alemanha, Itália, China, Índia, Afeganistão, Japão, Tunísia e EUA. A equipe foi várias vezes à Finlândia com shows e visitou a Suécia e a Noruega. Preparou o programa “Arctic Rhapsody” junto com o folclore conjunto de dança"Rimpparemmi" na Finlândia (Rovaniemi). Trabalhou em 2004 e 2007 em Damasco (Síria), onde foram realizadas as Jornadas da Rússia no centro Russo-Sírio. Em 2005, a equipa foi convidada pela associação de museus da cidade de Varde (Noruega) para comemorar o aniversário da cidade. No outono de 2005, a equipe participa do Festival de Cultura e Cinematografia Russa em Nice. “Os cantos mais íntimos da alma francesa foram tocados pelos artistas - nortistas da Rússia, recebendo uma resposta emocional poderosa, o público por muito tempo não largou os artistas, aplaudindo com lágrimas nos olhos. Este é um triunfo da arte popular nacional russa!” – foi assim que a mídia francesa avaliou as atuações do coro. Em 2007, o Coro do Norte foi oficialmente convidado pelo Ministério da Cultura da Síria, pelo Escritório de Representação de Roszarubezhtsentr na República Árabe Síria e pelo Centro Cultural Russo em Damasco para o festival folclórico em Bosra.
O Coro do Norte participa regularmente de grandes eventos na Rússia, então na primavera de 2004 o grupo participou de Festa da Páscoa em Moscou, em 2005, junto com o Artista Homenageado da Rússia, aluno de N.K. Meshko T. Petrova e a Orquestra Acadêmica Nacional de Instrumentos Folclóricos da Rússia em homenagem a N.P. Osipova participou da celebração do 250º aniversário da Universidade Estadual de Moscou.
O Coro Norte combina com sucesso a música original de compositores modernos com melodias folclóricas tradicionais, alcançando verdade cênica e sabor nortenho na atuação dos artistas. O repertório do coro inclui canções baseadas em poemas de: Sergei Yesenin, Olga Fokina, Larisa Vasilyeva, Alexander Prokofiev, Viktor Bokov, poetas de Arkhangelsk Dmitry Ushakov e Nikolai Zhuravlev, Oleg Dumansky.

Prêmios e títulos do coro norte

Ao longo de seus 85 anos de vida criativa, a equipe recebeu altos títulos e prêmios.

1940
A equipe recebeu o status de equipe estadual profissional.

1944
1º prêmio no Concurso de Coros de Toda a Rússia (Moscou)

1957
Laureado e Grande Medalha de Ouro do VI Festival Mundial da Juventude e dos Estudantes (Moscou).
Laureado e Diploma de 1º grau (secundário) no Segundo Festival All-Union teatros musicais, conjuntos, coros (Moscou).

1967
Diploma da Revisão All-Union de Grupos Artísticos Profissionais.

1971
Laureado do VI Festival Internacional de Folclore da Tunísia.

1975
Laureado e Diploma de 1º grau no Concurso Pan-Russo de Coros Folclóricos Profissionais Russos.

1976
Por despacho do Ministro da Cultura, foi-lhe atribuído o título de “Académico”.

1977
Laureado e Medalha de Ouro do Festival de Amizade Soviético-Alemã de Magdeburg.
Laureado no concurso de grupos de arte russos.

1999
Laureado do IV festival “Folklore Spring” e 1 Festival totalmente russo cultura nacional.

ano 2001
Laureado do Festival Internacional de Folclore de Saint-Ghislain (Bélgica).

2002
Laureado do Festival Internacional de Folclore de Rovaniemi (Finlândia).
Laureado do Festival Pan-Russo de Culturas Nacionais de Moscou.

2003
Laureado do Festival Russo de Culturas Nacionais (São Petersburgo).
Laureado do Congresso e Festival das Culturas Nacionais dos Povos da Rússia (Nizhny Novgorod).

2007
Laureado do festival de arte popular de Bosra (República Árabe Síria).

2010
Laureado do I festival russo de arte de canto folclórico “Origens Eternas” (Moscou).

2011
No dia 8 de março, o programa de concertos “Coro Norte para Todas as Estações” comemorou os 85 anos do Coro Norte.
O Coro do Norte foi premiado com o status de “Objeto especialmente valioso do patrimônio cultural da região de Arkhangelsk”.
Laureado do Festival Internacional de Natal da Itália. No âmbito da competição, a equipa recebeu dois diplomas de ouro nas nomeações “Folclore de palco” e “Canto sagrado”.

ano 2012
Laureado do festival de coros profissionais " Dança redonda eslava"(Riazan).
Organizador do II Festival Pan-Russo em memória da Artista do Povo da URSS, diretora artística do grupo Nina Konstantinovna Meshko.

Líderes do Coro Norte

Diretor do coro: Natália GeorgievnaAsadchik.

Diretor artistico: Artista Homenageado da Rússia, Professora da Academia de Música Gnessin Svetlana Konopyanovna Ignatieva.

Maestro Chefe: Artista Homenageado da Rússia Alexander Mikhailovich Kachaev.

Coreógrafo principal: Artista Homenageado da Rússia Alexander Petrovich Selivanov.

Desde arafans até o chão, kokoshniks e arte musical. Coros folclóricos russos com o título “acadêmico” - como reconhecimento ao mais alto nível de atuação no palco. Leia mais sobre a trajetória dos “populistas” em grande palco-Natália Letnikova.

Coro Cossaco Kuban

200 anos de história. As canções dos cossacos são uma marcha a cavalo ou uma surtida a pé para “Marusya, um, dois, três...” com um assobio valente. 1811 é o ano em que o primeiro grupo coral foi criado na Rússia. Vivo monumento histórico, que carregou a história e as tradições de canto de Kuban através dos séculos Exército cossaco. Nas origens estavam o educador espiritual de Kuban, o arcipreste Kirill Rossinsky e o regente Grigory Grechinsky. Desde meados do século XIX, o grupo não só participou em serviços divinos, mas também deu concertos seculares no espírito de imprudência Homens livres cossacos e, de acordo com Yesenin, “alegre melancolia”.

Coro em homenagem a Mitrofan Pyatnitsky

Uma equipa que há um século se autodenomina orgulhosamente “camponesa”. E embora artistas profissionais se apresentem no palco hoje, e não os comuns e vociferantes grandes camponeses russos de Ryazan, Voronezh e outras províncias, o coro apresenta canções folclóricas em incrível harmonia e beleza. Cada atuação causa admiração, como há cem anos. O primeiro concerto do coro camponês aconteceu no salão da Assembleia Nobre. O público, incluindo Rachmaninov, Chaliapin, Bunin, saiu chocado da apresentação.

Coro Folclórico do Norte

Uma simples professora rural, Antonina Kolotilova, morava em Veliky Ustyug. Ela reuniu amantes da música folclórica para o artesanato. Numa noite de fevereiro costuramos linho para um orfanato: “A luz uniforme e suave que caía do relâmpago criava um aconchego especial. E lá fora, o mau tempo de fevereiro estava forte, o vento assobiava na chaminé, sacudia as tábuas do telhado, jogava flocos de neve na janela. Essa discrepância entre o calor de uma sala aconchegante e o uivo de uma nevasca deixou minha alma um pouco triste. E de repente uma canção começou a soar, triste, prolongada...”É assim que soa o canto do norte - 90 anos. Já do palco.

Coro Folclórico Ryazan em homenagem a Evgeniy Popov

Canções de Yesenin. Na terra natal do principal cantor das terras russas, seus poemas são cantados. Melódico, penetrante, emocionante. Onde a bétula branca é uma árvore ou uma menina congelada na margem alta do Oka. E o choupo é certamente “prateado e brilhante”. O coro foi criado com base no conjunto folclórico rural da aldeia de Bolshaya Zhuravinka, que atua desde 1932. O coro Ryazan teve sorte. O próprio líder do grupo, Evgeny Popov, escreveu músicas para os poemas de seu compatriota, que tinha um incrível senso de beleza. Eles cantam essas músicas como se estivessem falando sobre suas vidas. Quente e gentil.

Coro folclórico da Sibéria

Coro, balé, orquestra, ateliê infantil. O coro siberiano é multifacetado e está em sintonia com o vento gelado. O programa do concerto “Yamshchitsky Tale” é baseado em material musical, musical e coreográfico da região da Sibéria, como muitos dos esquetes teatrais do grupo. A criatividade dos siberianos foi vista em 50 países ao redor do mundo - da Alemanha e Bélgica à Mongólia e Coreia. O que eles vivem é o que cantam. Primeiro na Sibéria e depois em todo o país. O que aconteceu com a música “Bread is the Head of Everything” de Nikolai Kudrin, que foi tocada pela primeira vez pelo Coro Siberiano.

Coro Folclórico Russo de Voronezh em homenagem a Konstantin Massalinov

Músicas na linha de frente naqueles dias difíceis em que, ao que parece, não há tempo para criatividade. O coro de Voronezh apareceu na vila operária de Anna no auge da Grande Guerra Patriótica - em 1943. Os primeiros a ouvir as músicas da nova banda foram nas unidades militares. Primeiro grande concerto- com lágrimas nos olhos - passou por Voronezh libertado dos alemães. O repertório inclui canções líricas e cantigas conhecidas e apreciadas na Rússia. Incluindo agradecimentos à mais famosa solista do coro de Voronezh - Maria Mordasova.

Coro Folclórico do Volga em homenagem a Pyotr Miloslavov

“Um vento de estepe atravessa o palco do Teatro Chatelet e nos traz o aroma de canções e danças originais”,- escreveu o jornal francês L’Umanite em 1958. A cidade de Samara apresentou aos franceses a herança musical da região do Volga. O intérprete é o Coro Folclórico do Volga, criado por decisão do Governo da RSFSR em 1952 por Pyotr Miloslavov. Uma vida tranquila e emocionante às margens do grande Volga e no palco. Na equipe comecei meu caminho criativo Ekaterina Shavrina. A música “Snow White Cherry” foi tocada pela primeira vez pelo Coro Volga.

Coro Folclórico de Omsk

Urso com balalaica. O emblema do famoso time é bem conhecido na Rússia e no exterior. “Amor e orgulho da terra siberiana”, como os críticos apelidaram o grupo em uma de suas viagens ao exterior. “O Coro Folclórico de Omsk não pode ser chamado apenas de restaurador e guardião de antigas canções folclóricas. Ele próprio é a personificação viva da arte popular dos nossos dias”,- escreveu Britânico O Telégrafo Diário. O repertório é baseado em canções siberianas gravadas pela fundadora do grupo, Elena Kalugina, há meio século e em imagens vivas da vida. Por exemplo, a suíte “Winter Siberian Fun”.

Coro Folclórico dos Urais

Apresentações nas frentes e em hospitais. Os Urais não apenas forneceram metal ao país, mas também elevaram o moral com danças turbulentas e danças circulares, o material folclórico mais rico da terra dos Urais. Sob a Filarmônica de Sverdlovsk eles se uniram grupos amadores as aldeias vizinhas de Izmodenovo, Pokrovskoye, Katarach, Laya. “Nosso gênero está vivo”, - dizem na equipe hoje. E preservar esta vida é considerada a tarefa principal. Como o famoso Ural “Sete”. “Drobushki” e “barabushki” estão no palco há 70 anos. Não é uma dança, mas uma dança. Ansioso e ousado.

Coro Folclórico de Orenburg

Lenço de penas como parte de uma fantasia de palco. Rendas fofas entrelaçadas com canções folclóricas e em dança redonda - como parte da vida dos cossacos de Orenburg. A equipe foi criada em 1958 para preservar cultura única e rituais que existem “no limite da vasta Rus', ao longo das margens dos Urais”. Cada performance é como uma performance. Eles executam não apenas as músicas que o povo compôs. Até nos bailes base literária. “Quando os cossacos choram” é uma composição coreográfica baseada em uma história de Mikhail Sholokhov sobre a vida dos moradores da vila. Porém, cada música ou dança tem sua própria história.

A história da equipe remonta a 2 de março de 1911, quando pequeno palco O primeiro concerto do coro camponês sob a direção de Mitrofan Efimovich Pyatnitsky aconteceu no nobre encontro. O programa do primeiro concerto incluiu 27 músicas das regiões de Voronezh, Ryazan e Smolensk da Rússia. Sergei Rachmaninov, Fyodor Chaliapin e Ivan Bunin ficaram chocados com a arte de canto imaculada e inspirada dos camponeses e deram os maiores elogios aos cantores e músicos camponeses. Essa avaliação contribuiu significativamente para a formação da equipe como unidade criativa Palco russo aqueles anos. Até 1917, a equipe era “amadora”. Após a Revolução de Outubro, as atividades do coro foram apoiadas pelo governo soviético. Todos os participantes mudam-se para Moscou para residência permanente. E desde o início da década de 20, o coro vem realizando extensas atividades de concertos não só em Moscou, mas em todo o país.

Desde o início da década de 1930, o coletivo foi chefiado como diretor musical pelo Artista do Povo da URSS, ganhador do Prêmio Estadual V. G. Zakharov, cujas canções originais “And Who Knows Him”, “Along the Village”, “Russian Beauty” glorificaram o Coro Pyatnitsky em todo o país.

No final da década de 30, uma orquestra e grupo de dança, chefiado pelo Artista do Povo da Federação Russa V.V. Khvatov e pelo Artista do Povo da URSS, ganhador do Prêmio de Estado, Professor T.A. Isso possibilitou expandir significativamente a expressiva ajudas de palco e tal base estrutural foi preservada até hoje e muitos coletivos estatais foram criados nesta imagem.

Durante a Segunda Guerra Mundial, o Coro M.E. Pyatnitsky conduziu extensas atividades de concertos como parte das brigadas de concertos da linha de frente. E a música “Oh, fogs” de V.G. Zakharova se tornou um hino movimento partidário. Em 9 de maio de 1945, o coral foi um dos principais grupos nas comemorações da Grande Vitória em Moscou. Além disso, foi uma das primeiras equipes encarregadas de representar o país no exterior. Ao longo das décadas subsequentes, o Coro M.E. Pyatnitsky conduziu enormes atividades de turnês e concertos. Ele apresentou sua arte em todos os cantos do país e visitou mais de 40 países ao redor do mundo. A equipe criou obras-primas da arte popular mundial.

Uma página significativa na história do grupo é a obra do Artista do Povo da URSS, ganhador do Prêmio do Estado, compositor V.S. As canções de V.S. Levashov “Pegue seu sobretudo - vamos para casa”, “Minha querida região de Moscou” - e hoje são um adorno do palco do canto moderno.

Longas-metragens e documentários foram criados sobre o coro que leva o nome de M.E. Pyatnitsky, como “Singing Russia”, “Russian Fantasy”, “All Life in Dance”, “You, My Russia”, livros foram publicados sobre o coro que leva o nome M.E. Pyatnitsky “Coro Folclórico Estatal Russo em homenagem a M.E. Pyatnitsky”, “Memórias de V.G. danças folclóricas"; um grande número foi publicado coleções de música“Do repertório do coro que leva o nome de M.E. Pyatnitsky”, publicações de jornais e revistas, muitos discos foram lançados.

Coro moderno com o nome de M.E. Pyatnitsky é um organismo criativo complexo que consiste em corais, orquestrais, grupos de balé com o aparato artístico e administrativo.

Fonte - http://www.pyatnitsky.ru/action/page/id/1194/?sub=kolektiv