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O repertório é a base da atividade criativa de qualquer grupo artístico. Repertório sólido e de alta qualidade para conjuntos russos instrumentos folclóricos estimula o crescimento das habilidades performáticas e artísticas dos participantes e ao mesmo tempo contribui para o desenvolvimento dos gostos artísticos do público.

As obras devem ser cuidadosamente selecionadas valor artístico que combinam conteúdo interessante com perfeição de forma, com originais e variados meios expressivos capaz de cativar verdadeiramente o público e revelar os talentos artísticos dos intérpretes.

De grande importância na formação do repertório é a seleção dos membros do conjunto e o nível de suas habilidades de execução. É difícil cativar o ouvinte de hoje tocando peças simples ou artisticamente pouco convincentes. Precisamos de obras brilhantes, memoráveis ​​e emocionais que proporcionem uma verdadeira satisfação estética.

Ao escolher um repertório para um conjunto de instrumentos folclóricos russos, deve-se levar em conta não apenas as tarefas educacionais, mas também representar o objetivo final de seu trabalho - uma performance de concerto. Uma equipe criativa artisticamente desenvolvida deve realizar trabalhos de diferentes gêneros e estilos.

O repertório para uma apresentação de concerto deve ser selecionado e organizado levando em consideração a preparação, o nível de percepção musical e os gostos do público. Uma grande missão educativa, confiada ao conjunto, passa pela divulgação os melhores trabalhos na maioria círculos largos ouvintes. Para um concerto de sucesso, é necessário combinar obras de difícil percepção com mais populares, números instrumentais - com a atuação de cantores solo.

Ao compilar o programa do concerto, o líder deve também ter em conta a direção do concerto (palestra-concerto, concerto à hora do almoço, concerto de férias, etc.) e o local (grande Teatro, cena clube rural, acampamento de campo, etc.)

NO programas de concertos a sequência de números é importante. Um dos princípios da programação:

Alternância de números sérios com mais divertidos;

Os números de maior sucesso de audiência devem ser executados no final do programa;

Contrastes, distensão e mudança, diversidade de gêneros são necessários.

As principais tarefas do instrumentista.

A instrumentação bem feita é um dos fatores decisivos para o sucesso da execução de um ensemble. Dependendo da natureza do trabalho, textura, andamento, dinâmica, etc. o instrumentista deve fazer a divisão de funções, apresentar o material de acordo com a qualidade específica dos instrumentos, a maneira de tocar cada um deles.

Para isso, não basta que ele conheça apenas a estrutura e o alcance dos instrumentos que compõem o conjunto. Para melhor representar as características de timbre, dinâmica e traços do som, ele deve ter habilidades suficientes para tocar esses instrumentos.

Um verdadeiro instrumentista começa a "ouvir" o conjunto apenas durante o trabalho de longo prazo com a equipe. Instrumentando para um elenco permanente, ele começa a representar tudo opções possíveis relacionamentos de instrumentos. Uma mudança na composição de pelo menos um instrumento (a adição ou substituição de um instrumento por outro) causa uma distribuição diferente de funções, um som diferente do conjunto como um todo.

O instrumentista deve sempre ter em mente que as funções dos instrumentos em um conjunto diferem do uso tradicional desses instrumentos em uma orquestra. Em primeiro lugar, eles se tornam mais extensos: cada instrumento, dependendo da situação musical emergente, pode desempenhar funções de solo e acompanhamento.

Além disso, a diferença está no uso mais completo possibilidades expressivas cada instrumento, na aplicação de várias técnicas de execução comumente usadas na prática solo.

O instrumentista precisa ter muito cuidado ao re-instrumentar a partitura orquestral para o conjunto. Neste caso, não é necessário colocar completamente todas as vozes na partitura. Basta destacar os principais: melodia, acompanhamento harmônico, baixo e outros elementos da trama musical que determinam o personagem principal, e com base nisso criar uma instrumentação de uma obra que não só não perderia sua face no conjunto som, mas adquiriria novas qualidades devido ao repensar.

O instrumentista, além de questões gerais, precisa ser bem versado nas características da instrumentação para uma composição mista.

Conjuntos mistos são conjuntos que utilizam instrumentos com diferentes fontes sonoras, métodos de produção sonora e ambientes acústicos distintos.

Cada instrumento em um conjunto misto terá diferentes meios expressivos associados ao seu som natural inerente e qualidades sonoras: timbre, dinâmica e paleta de traços.

O timbre é o meio expressivo mais impressionante. É a coloração do timbre que determina a face do conjunto, suas características únicas. A execução de um conjunto misto distingue-se pela riqueza e variedade de cores do tecido musical, pelas tonalidades do som, pela justaposição de timbres em várias combinações de texturas, etc.

Para cordas, o timbre de cada corda muda em uma tessitura diferente (características do som de uma determinada seção da corda); a mudança de timbre ocorre devido aos diferentes pontos de contato da palheta ou dedo com a corda, pela qualidade do material de que é feita a palheta - nylon, couro, plástico, etc., bem como pelo uso de várias técnicas de execução para tocar esses instrumentos.

Para o bayan, este é o som de timbres naturais em diferentes tessituras, a proporção do som ao tocar com a mão direita e esquerda (efeito de som estéreo), a alteração do timbre ao ligar os interruptores de registro, a nuance e, claro, o uso de várias técnicas de jogo.

Os timbres puros são usados ​​ao solar uma melodia ou sequência melódica, com um acompanhamento bastante simples.

Os timbres mistos são formados a partir de uma combinação de timbres "puros" de instrumentos diferentes.

Eles têm muitas combinações. Os mais típicos deles são:

A duplicação é a criação de um timbre qualitativamente diferente pela combinação de instrumentos diferentes. Ao tocar uma melodia em uníssono ou em uma oitava.

Preenchimento harmônico na vertical - timbre de acorde.

Há também gradações de timbres mais sutis que são bem sentidas e aplicadas por um músico que conhece a arte da instrumentação. Esta é a influência do timbre de um instrumento na coloração do som de outro, superando a incompatibilidade do timbre com a ajuda de técnicas de textura, métodos de registro, unidade de traço, etc.

A proporção dos instrumentos em termos de dinâmica e traços está intimamente relacionada às relações timbrísticas. É até difícil separar um do outro, pois em sua unidade eles formam o caráter do som.

A dinâmica de um ensemble é sempre mais ampla e rica do que a dinâmica de uma performance solo. Mesmo o instrumento mais perfeito nesse aspecto, o acordeon de botão, quando combinado com outros instrumentos, recebe força e variedade de som adicionais. Mas as possibilidades dinâmicas de um instrumento não podem ser comparadas com a possibilidade de uma banda de uma orquestra. A escola dinâmica, a riqueza e densidade do som dos conjuntos são inferiores às orquestrais, pelo que o equilíbrio dinâmico dos instrumentos, o uso muito preciso e prudente, económico dos recursos sonoros do conjunto adquire especial significado.

A execução de uma ou outra nuance em cada parte está indissociavelmente ligada ao conjunto instrumental, à qualidade dos instrumentos, à peculiaridade da instrumentação e até à tessitura do som de outras partes, mas sem falar no significado semântico de cada parte. vozes e suas funções no desenvolvimento musical global de toda a obra.

A fim de equalizar mentalmente o equilíbrio dinâmico quando as partes são iguais, o instrumentista deve se concentrar no instrumento dinamicamente mais fraco do conjunto. NO composição mista, como um quinteto de instrumentos folclóricos russos com percussão, será domra alto, rojo contrabaixo (geralmente em episódios de um armazém polifônico, onde a linha melódica corre no contrabaixo no tremolo).

Na performance em conjunto, todos os tipos de dinâmicas existentes são usados:

sustentável

Gradual

pisou

Contraste

Toda a variedade de traços pode ser condicionalmente dividida em dois grandes grupos de traços característicos do desempenho do conjunto: semelhantes - "traços equivalentes" e "complexos" - uma combinação de traços diferentes ao mesmo tempo.

O desejo pela execução mais expressiva de cada frase musical leva à escolha da mais natural para imagem musical golpes. Neste caso, quando o tecido musical exige instrumentos diferentes fusões em um som, contradições pontilhadas, precisam ser suavizadas, levadas a um único resultado sólido. Portanto, as “batidas equivalentes” apresentam a maior dificuldade, pois neste grupo as pancadas podem ser diferentes, mas o resultado sonoro deve ser idêntico.

O que está na base de uma compreensão e organização unificada do som das pinceladas? Em primeiro lugar, a forma do som e suas principais fases de desenvolvimento: ataque, chumbo, remoção e conexão.

Ataque sonoro. Nesta fase do som, as várias técnicas de tocar as cordas podem ser reduzidas a três métodos principais de extração de som: da corda - uma pitada, de um swing - um golpe e trêmulo da corda.

Métodos adequados de ataque de som para cordas e acordeão de botão serão:

Ataque suave. A corda tremolo da corda, o botão acordeão - suprimento de ar elástico e pressão simultânea dos teclados.

Ataque sólido. Para cordas - uma pitada de acordeão - pressão preliminar com pele em uma câmara de pele e pressionando uma tecla.

Ataque duro. Para cordas - um golpe, para um acordeão - pressão preliminar com pele em uma câmara de pele e um toque de tecla.

Na fase de condução do som, as cordas têm dois tipos de som: desvanecimento - após uma batida ou batida, e alongamento - devido ao tremor. No acordeão de botão, o primeiro tipo é amortecido, associado a uma diminuição da pressão na câmara de pele. O acordeonista ajusta-se à natureza e velocidade da decadência das cordas. Na segunda forma, tanto para as cordas quanto para o acordeon de botão, todas as mudanças de som são possíveis, nesta fase da produção sonora. Uma das dificuldades características aqui será a fusão da intensidade do som dos instrumentos de cordas (não confunda intensidade com frequência de tremolo).

Removendo o som. A fase de sondagem é a mais difícil em termos de coordenação, pois também é necessário levar em conta as etapas anteriores de desenvolvimento do som. assim, ao atacar com uma pitada e um golpe sem continuar esse som em um tremolo ou vibrato, o som das cordas é interrompido retirando o dedo da mão esquerda. Na sanfona de botões, será adequado interromper o som retirando o dedo, seguido da reação do pelo, dependendo da natureza do som que está sendo retirado. ao atacar e conduzir o som das cordas do tremolo, o mais preciso será a captação do som no botão do acordeão devido à parada síncrona do fole e a retirada do dedo.

Conexão de sons. Desempenha um papel importante no fraseado musical, no processo de entonação.

Dependendo da natureza da música, a conexão dos sons pode ser claramente demarcada, suave e quase imperceptível. Uma compreensão precisa da natureza do fim de um e do início de outro som e sua relação ajudará o instrumentista a programar mais conscientemente a qualidade da entonação, parte da qual é a organização de técnicas de articulação em vários instrumentos.

Uso preciso e completo das capacidades específicas de cada instrumento, suas qualidades mais vantajosas, representação e escuta da relação pretendida entre os instrumentos e a partitura. Contribui para a criação de um som brilhante e colorido do conjunto.

Trabalhe nas habilidades

desempenho do conjunto

objetivo principal trabalho de ensaio ensemble - a criação de uma imagem artística da obra executada. No processo de trabalho de ensaio, os participantes penetram cada vez mais fundo na essência da música que está sendo executada, revelando novos aspectos dela, tentando encontrar meios performáticos que lhes permitam incorporar de forma mais completa e convincente a ideia em um som que corresponda a a natureza e a esfera figurativa da música.

O trabalho é realizado tanto na identificação de meios de expressão musicais gerais e específicos de um conjunto, quanto na formação de habilidades para tocar em conjunto.

Vamos nos debruçar sobre o desenvolvimento das seguintes habilidades necessárias para tocar em conjunto:

Execução de melodia e acompanhamento no conjunto;

Sensação de coincidência temporal síncrona (tempo, métrica, rítmica);

A capacidade de timbrar e destacar dinamicamente sua parte ou, inversamente, dissolver no som geral;

A distribuição da atenção, ouvindo todas as partes do conjunto como um todo e a sua própria parte.

Os membros do conjunto não chegam imediatamente à mesma compreensão e solução dos problemas artísticos. Nesta reaproximação, o protagonismo cabe ao chefe do conjunto. Não basta que ele seja um músico educado e um excelente intérprete que possa assumir o papel de líder de um conjunto. Ele deve entender todos os meandros da instrumentação, para esta composição, aprender as características expressivas de cada instrumento e suas combinações, as características individuais de execução do jogo e as aspirações criativas de cada participante, ter inclinações pedagógicas, etc.

É claro que esse conhecimento não vem imediatamente. Somente uma busca constante, seleção de meios específicos ou repertório peculiar a um determinado conjunto dará ao líder uma verdadeira audição do som do conjunto.

Na sua formação e desenvolvimento, o ensemble passa por várias etapas. Convencionalmente, eles podem ser divididos em primários, secundários e superiores.

Na fase inicial, o ensemble é um grupo de indivíduos com igual nível de formação musical. Através de um argumento bem escolhido e compreensível sobre os elementos expressivos da música, bem como uma transmissão vívida e figurativa da natureza da obra, o líder encarna sua intenção performática.

Mas os participantes ainda nem sempre entendem com precisão os requisitos do líder e não se sentem suficientemente bem no conjunto.

O próximo estágio de desenvolvimento é quando o líder imagina mais claramente as capacidades individuais de cada um; suas demandas tornam-se mais específicas e focadas. Para os membros do ensemble, as instruções do líder tornam-se compreensíveis e naturais, principalmente após performances bem-sucedidas.

Há um processo de aproximação na compreensão artística das composições executadas e no sentimento das características da execução em conjunto: as especificidades das técnicas de tocar em outros instrumentos, suas capacidades dinâmicas e timbrísticas etc.

O degrau mais alto é o ideal da performance do conjunto. Os participantes têm um entendimento comum das leis de desenvolvimento da ação musical, a unidade de ouvir as funções de cada parte, há comunicação através da música entre si e com o público.

O líder confia no aumento nível artístico participantes, apoia e ao mesmo tempo dirige a iniciativa de cada um. Para todos, tocar em conjunto é um trabalho criativo amigável e alegre.

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Ferramentas." Moscou. GMPI eles. Gnesinas. 1964.

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sobre domra", materiais para o curso "Métodos para ensinar a tocar o

domra de três cordas. Moscou. 1975.

3. A. Ilyukhin, Yu. Shishakov "Escola de jogo coletivo". Moscou.

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"Música". 1981.

5. Desenvolvimento pensamento artístico domista". metódico

desenvolvimento para a escola de música e escolas de arte. Comp. V. Chunin. Moscou. 1988.

Federação Russa

Departamento de Educação da Administração de Novoshakhtinsk

instituição orçamentária municipal Educação adicional

"Centro para o desenvolvimento de crianças e jovens" da cidade de Novoshakhtinsk

Desenvolvimento metódico concertino

Ramo do Povo Dyakonova S.G.

“Questões de formação de repertório para

conjuntos folclóricos russos.

2012

O jogo coletivo de instrumentos musicais é um meio poderoso de educar e educar as crianças criatividade musical. Tocar em um conjunto disciplina, desenvolve um senso de responsabilidade, ativa habilidades musicais, envolve e treina mecanismos mentais responsáveis ​​pela atividade nervosa sutil.

Em cada escola, você pode encontrar de 8 a 10 alunos que possuem instrumentos musicais em casa. Pode ser acordeão de botão, acordeão, acordeão. Você pode procurar ferramentas para o jogo de parentes, conhecidos, vizinhos. A minha experiência na criação de orquestras infantis de instrumentos folclóricos permite-me dizer que há sempre um número suficiente de instrumentos. Além disso, quase raros, cópias de museus de acordeões de botão, acordeões, gaitas emergem de depósitos e sótãos. Claro, muitos instrumentos requerem reparos sérios, mas isso é outra história.

Assim, a partir de crianças que possuem instrumentos musicais e querem aprender a tocá-los, cria-se um conjunto instrumental.

Após a seleção da composição mínima da futura equipe, as crianças com instrumentos e de preferência com seus pais são convidadas para a primeira aula. Na aula introdutória, o líder define tarefas para as crianças, explica os métodos de ensino, monta a equipe para o trabalho, concentrando-se na natureza sistemática das aulas, uma atitude consciente em relação aos deveres de casa. Naturalmente, para criar tal equipe, é necessária uma base teórica sólida, na qual tudo é planejado, pintado e resolvido.

É bom que o líder tenha um programa para a orquestra (ensemble) com planejamento temático, aplicações de repertório. Tal programa é a base de qualquer treinamento, e não uma homenagem à moda. Orientado pelas disposições deste documento, o professor poderá estabelecer com clareza, organizar as atividades de ensaio e concerto da equipe. Na primeira aula, o líder fala sobre os instrumentos musicais que farão parte do conjunto, demonstra suas capacidades. Claro, o líder deve ser fluente nessas ferramentas. Depois de discutir o horário das aulas e resolver os problemas organizacionais que surgiram, você pode prosseguir diretamente para o jogo. Aqui está o que você precisa aprender na primeira lição:

1. Ajuste e posição corretos dos dedos no teclado.

2. Extração individual e coletiva da nota "para".

3. Tocando a nota “dó” sob o metrônomo em diferentes tempos e com diferentes durações.

4. Racional - trabalho correto com pelo ao extrair som.

E que este primeiro encontro se arraste, que seja por aí que as crianças vão entender que “os deuses não queimam panelas”, que aprender a tocar o botão acordeão, acordeão, acordeão é bem real.

Para um domínio mais completo do instrumento pelas crianças, o líder deve planejar e organizar aulas individuais. Eles não devem se limitar apenas ao aprendizado das obras. Aqui você pode entender as questões de teoria musical, métodos e princípios do trabalho de músicos iniciantes com instrumentos. Isso também inclui todos os tipos de exercícios para o desenvolvimento do ouvido musical e do senso de ritmo. E um pré-requisito - as aulas individuais não devem ser chatas, rotineiras.

Na organização do conjunto de acordeões, usei o método imerecidamente esquecido de aprender a tocar os instrumentos "à mão". Este método funcionou produtivamente nos tempos antigos. Afinal, quase todos os músicos que tocavam instrumentos folclóricos no final do século XIX e início do século XX aprenderam a tocar balalaikas, domras, acordeons justamente “da mão” de um professor ou de um músico experiente.

O famoso músico populista V. Andreev usou com sucesso essa técnica. Seus alunos dominaram os instrumentos de forma rápida e eficiente, conduziram atividades intensivas de concertos, alcançaram artesanato superior. Naturalmente, eles tiveram que, a contragosto, adotar posteriormente a teoria da música. Mas o começo foi justamente com a cópia do jogo do professor.

Aprender a tocar instrumentos musicais coletivamente “à mão” é bom porque os membros do conjunto interceptam muito rapidamente as melodias, modos, passagens e sotaques do professor. E, literalmente, na 2ª-3ª lição, eles desempenham suas partes de forma bastante livre e constante. Este é um excelente incentivo para seguir em frente. Afinal, o resultado de seu trabalho é muito importante para uma criança. E neste caso, o resultado é óbvio: de sons simples, partes simples, como resultado, foi montada uma melodia que soava ampla, espaçosa, melodiosa. Cada membro do ensemble ouve bem tanto o general quanto sua própria execução. Tudo isso concentrado desenvolve as habilidades musicais das crianças.

Mas o que dizer notação musical? Voltaremos a ela. E as crianças vão perceber isso como uma necessidade, como uma ferramenta real e poderosa para dominar o acordeão de botões. E depois que eles tocarem no conjunto "à mão", será mais fácil para eles lidar com os "rabiscos" da notação musical.

Assim, as crianças com ferramentas sentam-se em cadeiras em semicírculo a uma distância de cerca de 50 cm umas das outras. Essa distância é necessária para que o professor possa ter acesso total a cada músico (frente, verso, lateral). E você não precisa se mexer muito.

Vamos começar a aprender uma nova peça. Os membros do conjunto estão sentados estritamente em partes. O professor fica atrás do primeiro acordeonista e mostra a batida inicial da peça que está sendo aprendida. O espetáculo se repete em ritmo lento repetidamente. O aluno repete o que ouviu e viu, aprende um fragmento de uma determinada melodia. Nesse momento, o professor vai até o segundo aluno e, por analogia com o primeiro, mostra o que e como jogar nesse segmento (medida). Após mostrar o jogo do primeiro compasso a todos os membros do ensemble (em partes), o líder retorna ao primeiro membro, repete o que aprendeu, corrigindo os erros. Todos são verificados com antecedência, um por um. Em seguida, o conjunto recebe tempo, 2-3 minutos para memorizar suas partes.

Se uma medida do trabalho é aprendida por todos os participantes sem erros, o professor se oferece para tocar o que foi aprendido coletivamente, enquanto ele próprio toca a melodia principal e a parte da mão esquerda.

O fragmento aprendido da obra é repetido pelo conjunto várias vezes para consolidação. Nessa etapa, o professor acompanha o pouso dos alunos, o movimento do pelo, a posição dos dedos, a precisão das partes.

Trabalho semelhante é realizado com medidas subsequentes até o final da peça.

Como você pode ver, não há nada complicado. Qualquer professor de música na escola pode organizar um conjunto ou mesmo uma orquestra, que em alguns meses estará tocando muito bem.

Boa sorte! Ouça à vontade:

Desenvolvimento metódico "Características do trabalho de um professor-músico com um conjunto de idades mistas de diferentes idades

(instrumentos folclóricos dedilhados e de palheta, vocais, instrumentos de arco) em uma instituição de educação adicional "

Este desenvolvimento pode ser interessante e útil para professores de educação complementar, líderes de conjuntos na organização de grupos de arte

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Instituição de ensino fora do padrão do orçamento do estado

"Palácio da Criatividade Juvenil da Cidade de São Petersburgo"

Centro da cidade para o desenvolvimento da educação adicional

Cursos de atualização

Desenvolvimento metódico

“Características do trabalho de um professor-músico com

Conjunto misto de diferentes idades

(instrumentos folclóricos de palheta e palheta,

vocais, instrumentos de cordas)

em uma instituição de ensino complementar "

Ekimova Elena Vladimirovna,

Vladimirova Valentina Alekseevna

professores de educação adicional

Orçamento do Estado

instituições de ensino complementar

Castelo criatividade infantil

distrito de Petrogradsky

Petersburgo

São Petersburgo

2015-2016

Nota explicativa

O desenvolvimento secular da cultura musical mundial confirma que a performance, seja instrumental ou vocal, é impensável sem música em conjunto.

O fazer musical em conjunto é uma forma eficaz e popular de introduzir as crianças na arte da música, que permite a cada aluno mostrar as suas capacidades de criatividade musical coletiva de acordo com as suas capacidades e nível de formação. O estudo da literatura de conjunto e o domínio das habilidades de tocar juntos são parte integrante da educação de jovens músicos. A produção de música em conjunto ganhou demanda e relevância particular no período moderno. Prova disso é o grande número de concursos, festivais, especialmente dedicados à performance em conjunto, publicações de música, que incluem um grande número de arranjos variados. obras populares clássico e repertório contemporâneo para diferentes composições de conjuntos.

Este desenvolvimento pode ser interessante e útil para professores de educação complementar, líderes de conjuntos na organização de grupos de arte.

Este desenvolvimento metodológico apresenta a experiência de organização das atividades do conjunto misto de idades irregulares "Abril" do Palácio da Criatividade Infantil do Distrito de Petrogradsky. A equipe surgiu a partir da ideia de professores de educação complementar -para combinar diferentes grupos de instrumentos que têm um timbre diferente de instrumentos de orquestras folclóricas e sinfônicas.

Nossa equipe não é padronizada em sua composição, inclui alunos de diferentes idades que estão envolvidos nas seguintes atividades adicionais programas de educação geral:

1. "Conjunto de Instrumentos Folclóricos";
2. "Conjunto de Baianos e Acordeonistas";
3. "Aprender a tocar violino";
4. "Conjunto Vocal"

mirar A organização de um grupo musical misto de diferentes idades é o desenvolvimento da atividade social e criativa dos alunos através da sua inclusão num processo musical conjunto.

Tarefas:

• educacional:

Desenvolvimento de competências de comunicação numa equipa de diferentes idades;

Fomentar o sentido de parceria;

Educação de tolerância para intérpretes em outros tipos de instrumentos musicais, gêneros e estilos de música;

Educação da cultura da performance musical;

Educação de uma cultura de comportamento de palco;

Educação da percepção emocional e execução de obras musicais;

• em desenvolvimento:

O desenvolvimento das capacidades analíticas dos alunos (capacidade de ouvir e analisar o seu próprio desempenho, bem como o desempenho de outros grupos);

Desenvolvimento do ouvido dos alunos para música, memória e senso de ritmo;

Desenvolvimento de uma abordagem criativa à execução de obras musicais;

Desenvolvimento da coordenação das mãos e do corpo.

• educacional:

Conhecimento de instrumentos musicais de cordas, folclóricos e de palheta;

Formação de competências de desempenho de conjunto dos alunos;

Formação de habilidades de leitura a partir de uma folha;

Formação de competências de representação de palco;

O estudo alfabetização musical e teoria musical elementar.

Para equipes criativas programas educacionais Todos os recém-chegados de 6 a 18 anos são bem-vindos. Nas primeiras aulas são realizadas audições, onde são revelados os dados musicais das crianças e, dependendo de suas habilidades, são divididas em grupos de instrumentos.

Condições para a organização de um conjunto misto e características do trabalho de ensaio

A principal condição para a organização de uma equipe tão criativa é a comunidade de professores de educação complementar, voltada para encontrar novas ideias.

Um passo importante para o sucesso da atividade é o planejamento do trabalho. Os professores pensam sobre um plano de trabalho em cada associação de crianças e procuram um terreno comum. Um concerto anual e planos de competição estão sendo elaborados.

Pontos de contato:

• repertório geral
• ensaios gerais
• atuações conjuntas.

O trabalho nas obras começa dentro de cada associação com a aprendizagem do material musical em aulas individuais ou em ensaios em pequenos grupos.

Um papel importante nesta fase é desempenhado pelo acompanhante, que ajuda a obter uma imagem completa da peça musical. Os alunos aprendem imediatamente a ouvir sua parte em todo o som da peça, bem como a ouvir as partes de outras vozes. Além de estudar material musical e traços, o trabalho começa ao mesmo tempo sobre a imagem e o caráter da música. As peças são principalmente aprendidas em um ritmo lento para dominar as dificuldades técnicas.

Nas aulas sem acompanhante, em primeiro lugar, são identificados os locais da parte que apresentam maior dificuldade - técnica, melódica, rítmica, e o trabalho é realizado separadamente em locais difíceis, conseguindo uma execução clara e correta com golpes, dedilhados, dinâmica.

Após as crianças dominarem livremente o material musical, iniciam-se os ensaios em cada grupo de instrumentos. Aqui aparece a complexidade da execução simultânea de uma voz, ou várias, se houver uma divisão dentro de um tipo de instrumento. Nesta fase, está em curso o trabalho sobre os traços comuns, a dinâmica, a procura de meios expressivos, bem como o trabalho sobre o conteúdo figurativo e emocional das obras.

E a próxima etapa de preparação para a performance são os ensaios consolidados, onde todos os grupos de instrumentos do ensemble são combinados. Uma abordagem diferenciada é usada, a variabilidade de conectar diferentes instrumentos musicais:

• domra - balalaika - instrumentos folclóricos de junco
• violino - voz
• violino - vocal - folk palheta e instrumentos dedilhados e etc

Ao trabalhar com crianças, uma abordagem individual é aplicada a cada criança, cada uma desempenha um papel no conjunto, dependendo do nível de habilidades performáticas alcançadas. Nos ensaios Atenção especialé dado para trabalhar a imagem artística e a forma das obras. Os alunos se deparam com a difícil tarefa de introduzir harmoniosamente sua parte no som geral de um conjunto multitimbre, para ouvir uma melodia que ocorre em diferentes vozes.

Seleção de repertório

Dependendo dos requisitos para o programa de concerto e competição, os professores selecionam o repertório apropriado para seu programa de educação geral. Um repertório de concerto unificado é selecionado conjuntamente por todos os professores com base nas capacidades de desempenho dos alunos.

Um repertório sonoro e de alta qualidade é a base da atividade criativa de qualquer grupo artístico, estimula o crescimento das habilidades performáticas e artísticas dos membros do ensemble e ao mesmo tempo contribui para o desenvolvimento dos gostos artísticos dos intérpretes, assim como o público. Deve selecionar cuidadosamente obras de valor artístico, combinando conteúdos interessantes com perfeição de forma, com meios de expressão originais e diversificados que possam cativar verdadeiramente o público e revelar os talentos artísticos dos intérpretes.

Criando uma pontuação

A instrumentação bem feita é um dos fatores decisivos para o sucesso da execução de um ensemble. Para compor corretamente a partitura, estudamos as características de cada grupo de instrumentos: seu alcance de trabalho, capacidades dinâmicas, características de timbres, capacidades de toque. Dependendo da natureza, textura, andamento, dinâmica da obra, dividimos as funções, apresentamos o material de acordo com a qualidade específica dos instrumentos, a maneira de tocar cada um deles.

Características dos instrumentos musicais

Nosso conjunto combina os seguintes grupos de instrumentos musicais: domra, balalaica, acordeão, acordeão de botão, violino e vocais.

Cada grupo, assim como os instrumentos individuais, possui uma rica paleta de cores vivas e individuais que são utilizadas na execução de melodias, ecos, passagens, em diversas combinações com outros instrumentos. Vamos parar em breves características os principais instrumentos musicais da nossa equipe.

A faixa de operação padrão do violino é de "» pequena oitava para «» quarta oitava .

timbre de violino - grosso em registro baixo, macio e delicado– médio e leve, brilhante– no topo. Devido à proximidade do som com a voz humana e a capacidade de produzir um forte impacto emocional nos ouvintes, o violino é o instrumento mais adequado para tocar a linha melódica. Também no conjunto, pode desempenhar uma função de acompanhamento. Uma vez que o timbre do violino é muito brilhante, um golpe de pizzicato geralmente é usado para acompanhar a parte solo do grupo domra e balalaika, ou a parte de acompanhamento é executada em uma dinâmica mais silenciosa do que a do grupo solo. A semelhança do timbre do instrumento com o timbre da voz cria a possibilidade de sonoridade harmoniosa com a parte vocal. Dada esta característica, o violino pode tocar vozes de apoio ou uma das vozes em uma obra vocal polifônica.

Bebê vozes cantando por volta dos 10-12 anos, eles começam a se dividir em agudos (vai da nota "à" primeira até "lá" da segunda oitava, móvel, sonoro) e alto (uma voz mais grave e menos móvel que a agudos, o intervalo da nota G pequena a G segunda oitava).

Domra é pequena. A faixa de pequeno domra é de "mi" da primeira oitava a "la" da terceira oitava. Construir - mi, la, re. O instrumento não é transpositor. Registro baixo - macio, suculento. A técnica básica de tocar "trêmulo". O golpe "staccato" é executado pressionando "P" para baixo ou "V" para cima. Pizzicato (pizzicato) - recepção do jogo com uma pitada (dedo anelar ou polegar). Domra small tem uma sonoridade suave e brilhante em toda a gama. Nos registros graves e médios da pequena domra, melodias melodiosas soam expressivas. O alcance da prima balalaika é de "mi" da primeira oitava a "re" da terceira oitava. No registro grave, o instrumento soa mais abafado do que no meio. A balalaica tem uma grande capacidade de executar melodias de natureza melodiosa com notas duplas e triplas, utilizando as seguintes técnicas: chocalho, pizzicato, vibrato.

Em nosso ensemble, a parte de domra e balalaika desempenha tanto uma função melódica (as principais técnicas são batidas ascendentes e descendentes, pizzicato, harmônicos), quanto uma função de acompanhamento. Dado que a domra e a balalaika são inferiores em sonoridade a outros grupos de instrumentos em nosso conjunto, ao tocar uma parte solo, você precisa destacá-los dinamicamente.

Alto balalaika, como alto domra, é transposto uma oitava abaixo. O alcance da balalaica é da nota "mi" de uma pequena oitava ao "dó" da segunda oitava, e a domra da nota "mi" de uma pequena oitava ao "lá" da segunda oitava. A viola balalaica desempenha principalmente a função de acompanhamento. Os registros baixos e médios da balalaica alto são os mais comuns. Alto domra tem um timbre suave e peitoral. Em nossos trabalhos, damos às festas de alto balalaica de natureza sub-voz, a execução de vários tipos de figurações harmônicas em uma nota.

Acordeão e acordeão de botão compensam a falta de instrumentos folclóricos de sopro Orquestra Sinfónica. Usamos o teclado da mão direita do instrumento, que vai do "sol" da oitava maior até o "mi" da quarta oitava. Além disso, esses instrumentos são frequentemente usados ​​por nós como acompanhamento e desempenham a função de um piano.

Conclusão

Este desenvolvimento metodológico apresenta a experiência de organização das atividades do conjunto misto de idades irregulares "Abril" do Palácio da Criatividade Infantil do Distrito de Petrogradsky.

O conjunto vocal-instrumental "April" existe no Palácio da Criatividade Infantil recentemente (menos de 5 anos), mas os resultados do trabalho feito por professores e alunos já apareceram: certificados e melhores lugares em competições (ver Apêndice 3). E também a nossa experiência interessou outros responsáveis ​​de grupos artísticos, que manifestaram a sua disponibilidade para a cooperação conjunta com o nosso conjunto. O resultado foram apresentações conjuntas em concertos, concursos e festivais com vários conjuntos e corais.

No processo de aprendizagem, de acordo com programas adicionais de educação geral, as crianças dominaram na prática habilidades musicais e performáticas, leitura à primeira vista, aprenderam a jogar em equipe, a ouvir umas às outras em conjunto.

O método de ensino do jogo em equipe mista inclui uma abordagem individual para cada criança, levando em consideração suas habilidades, caráter, saúde física, e é apresentado em uma versão de jogo. Convidamos as crianças a expressar seu ponto de vista, a encontrar imagem artística e, como resultado, desenvolver pensamento fora do padrão, fantasia, criatividade, memória, atenção, aumentar vocabulário termos musicais desenvolver habilidades musicais e performáticas. Os membros do coletivo são criados com responsabilidade pela execução de peças para outros músicos, o desenvolvimento do ouvido musical, o conhecimento próximo dos instrumentos musicais está em andamento. Ao trabalhar com um conjunto, o professor deve levar em conta processo educacional: ensinar as crianças a respeitar uns aos outros, incutir um senso de coletivismo, camaradagem, assistência mútua e, assim, contribuir para o desenvolvimento da personalidade de cada criança.

Além do desenvolvimento das habilidades vocais e técnicas, o trabalho do conjunto em obras como V. Kosma "Toy" e R. Rogers "Song of Beautiful Things" contribui para incutir nas crianças o amor pela música, que, em nosso opinião, é muito importante na educação dos alunos. O trabalho da equipa em obras musicais, que inclui vários instrumentos musicais, leva a um colossal “crescimento” da equipa.

Bibliografia

1. Kargin, A.S. Trabalhar com uma orquestra amadora de instrumentos folclóricos russos // Terceira edição, Ed. T. Ershova, M.: "Música", 1987. - 41 p.
2. Chulaki, M.I. Instruments of a Symphony Orchestra // Terceira edição, Ed. K. Kondakhchan, M.: "Música", 1972
3. Lebedev, S. N. Livro russo sobre FINALE // São Petersburgo: "Compositor", 2003.
4. Raeva, OA Questões de formação de repertório para conjuntos de instrumentos folclóricos russos. Desenvolvimento metódico, República da Crimeia, 2014.

Instituição de orçamento municipal

Educação adicional

"Escola de Artes para Crianças em homenagem a A.M. Kuzmin"

Reporte sobre o tema:

« Trabalhe com um conjunto misto de instrumentos folclóricos russos»

Realizado:

professora

Kolomiets I.V.

Megion

As tendências modernas no campo da performance em instrumentos folclóricos russos estão associadas ao desenvolvimento intensivo da produção musical em conjunto, com o funcionamento de vários tipos de conjuntos em filarmônicas e palácios de cultura, em várias instituições de ensino. Daí a necessidade de formação direcionada dos dirigentes dos respetivos conjuntos nos departamentos e faculdades de instrumentos folclóricos escolas de música e universidades do país.

No entanto, a formação de um ensemble player na prática educativa, em regra, está associada a certas limitações. Os professores geralmente são instruídos a liderar conjuntos homogêneos: músicos bayan - conjuntos bayan, domristas ou jogadores de balalaica - conjuntos de instrumentos folclóricos de cordas dedilhadas. Composições desse tipo são amplamente utilizadas na atuação profissional. Basta lembrar conjuntos tão famosos como o trio bayan A. Kuznetsov, Y. Popkov, A. Danilov, o dueto bayan A. Shalaev - N. Krylov, o trio bayan Ural, o quarteto da Filarmônica de Kyiv, o conjunto Skaz, etc.

Sem dúvida, trabalhar com conjuntos homogêneos- duetos, trios, quartetos bayan, trios, quartetos e quintetos domra, uníssonos balalaika, etc. - é muito importante. No entanto, as restrições descritas nas atividades dos professores das escolas e universidades dificultam a formação plena dos jovens profissionais, porque, de fato, os egressos das escolas de música enfrentam muitas vezes a necessidade de liderar conjuntos mistos. Na maioria das vezes, os últimos consistem em instrumentos de cordas e acordeão de botão. As aulas com essas equipes devem se tornar parte integrante do processo educacional.

Chegando ao trabalho, um professor moderno enfrenta as dificuldades inevitáveis: Primeiramente, com uma aguda escassez de literatura metodológica sobre conjuntos mistos de instrumentos folclóricos russos; em segundo lugar, com um número limitado de coleções de repertório, incluindo composições originais interessantes, transcrições, transcrições, comprovadas pela prática de concerto, e tendo em conta os diferentes níveis de formação e direções criativas dessas composições. A maior parte da literatura metodológica publicada é dirigida a conjuntos de câmara de perfil acadêmico - com a participação instrumentos curvados piano. O conteúdo de tais publicações requer um ajuste significativo, levando em consideração as especificidades da produção musical de conjuntos folclóricos (ver, por exemplo,).

Trabalhando com um conjunto misto

instrumentos folclóricos russos

As tendências modernas no campo da performance em instrumentos folclóricos russos estão associadas ao desenvolvimento intensivo da produção musical em conjunto, com o funcionamento de vários tipos de conjuntos em filarmônicas e palácios de cultura, em várias instituições de ensino. Daí a necessidade de formação direcionada dos dirigentes dos respectivos conjuntos nos departamentos e faculdades de instrumentos folclóricos das escolas de música e universidades do país.

No entanto, a formação de um ensemble player na prática educativa, em regra, está associada a certas limitações. Os professores geralmente são instruídos a liderar conjuntos homogêneos: músicos bayan - conjuntos bayan, domristas ou jogadores de balalaica - conjuntos de instrumentos folclóricos de cordas dedilhadas. Composições desse tipo são amplamente utilizadas na atuação profissional. Basta lembrar conjuntos tão famosos como o trio bayan A. Kuznetsov, Y. Popkov, A. Danilov, o dueto bayan A. Shalaev - N. Krylov, o trio bayan Ural, o quarteto da Filarmônica de Kyiv, o conjunto Skaz, etc.

Sem dúvida, trabalhar com conjuntos homogêneos - duetos, trios, quartetos bayan, trios, quartetos e quintetos domra, uníssonos balalaika, etc. - é muito importante. No entanto, as restrições descritas nas atividades dos professores das escolas e universidades dificultam a formação plena dos jovens profissionais, porque, de fato, os egressos das escolas de música enfrentam muitas vezes a necessidade de liderar conjuntos mistos. Na maioria das vezes, os últimos consistem em instrumentos de cordas e acordeão de botão. As aulas com essas equipes devem se tornar parte integrante do processo educacional.

Começando a trabalhar, um professor moderno enfrenta dificuldades inevitáveis: primeiro, com uma escassez aguda de literatura metodológica sobre conjuntos mistos de instrumentos folclóricos russos; em segundo lugar, com um número limitado de coleções de repertório, incluindo composições originais interessantes, transcrições, transcrições, comprovadas pela prática de concerto, e tendo em conta os diferentes níveis de formação e direções criativas dessas composições. A maior parte da literatura metodológica publicada é dirigida a conjuntos de câmara de perfil acadêmico - com a participação de instrumentos de piano de arco. O conteúdo de tais publicações requer ajustes significativos, levando em conta as especificidades do fazer musical em conjunto folclórico.

Este desenvolvimento caracteriza os princípios básicos de trabalhar com um conjunto misto de instrumentos folclóricos russos. Ao mesmo tempo, uma série de Conselho prático e as recomendações abaixo se aplicam a outros tipos de conjuntos mistos.

O principal problema resolvido no processo de trabalho com esses grupos é determinar as relações ótimas de timbre, dinâmica de volume e batida de instrumentos de cordas e acordeão de botão (com base na incompatibilidade de fontes de som, métodos de produção de som e diferentes ambientes acústicos).

Timbres instrumentos estão entre os meios de expressão mais marcantes no arsenal de um conjunto misto. Das diversas relações timbrísticas que surgem no processo de execução, pode-se destacar as características autônomas dos instrumentos (timbres puros) e combinações que ocorrem ao soar em conjunto (timbres mistos). Os timbres puros geralmente são usados ​​quando um dos instrumentos recebe um solo melódico.

Deve-se enfatizar que o som de qualquer instrumento incorpora muitos timbres "internos". Para as cordas, deve-se levar em conta a “paleta” de timbres de cada corda, que varia de acordo com a tessitura (significa as características sonoras de uma determinada seção da corda), a discrepância entre o timbre em vários pontos de contato com o corda (palheta ou dedo), as especificidades do material de que a palheta é feita (kapron, couro, plástico, etc.), bem como o potencial correspondente de várias técnicas de execução. O acordeon de botão tem heterogeneidade de tessitura de timbres, sua correlação nos teclados direito e esquerdo, variação de timbre com a ajuda de um certo nível de pressão na câmara de pele e várias formas de abertura da válvula, além de mudanças ruidosas.

Para realçar o timbre de um dos instrumentos de cordas - integrantes do conjunto - recomenda-se o uso de combinações de registros, que estão disponíveis em um moderno acordeão de botões multi-timbre pronto para selecionar. A fusão do timbre do acordeon de botão com os instrumentos de acompanhamento é fornecida por registros de uma e duas vozes. “Enfatizar” o mesmo timbre bayan, dependendo das características da textura, é facilitado por quaisquer combinações polifônicas de registros, que, em combinação com as cordas, proporcionam o necessário relevo do timbre.

Os tons mistos resultam da combinação de tons puros e formam uma variedade de combinações.

As características alto-dinâmicas e de batida dos instrumentos estão intimamente relacionadas aos timbres. Na reprodução de música em conjunto, o equilíbrio dinâmico de volume condicionado pelo uso racional e artisticamente justificado de recursos apropriados. O "relevo" alto de cada parte é determinado com base na composição do conjunto, nas características da instrumentação e tessitura de outras partes, nas funções das vozes individuais no desenvolvimento musical ao longo de uma determinada peça. Os princípios básicos de diferenciação dos níveis de sonoridade em relação a um conjunto misto podem ser formulados da seguinte forma: o limite inferior é a entonação de alta qualidade em condições de sonoridade extremamente silenciosa, o limite superior é rico em timbres, sem som crepitante das cordas. Em outras palavras, ao usar os recursos dinâmicos altos dos instrumentos, uma medida deve ser observada para que a cor de cada instrumento não fique distorcida ou empobrecida.

Proporções de curso instrumentos no processo de fazer música conjunta é talvez o problema mais difícil da performance em conjunto. Essa dificuldade se deve à falta de desenvolvimento aspectos teóricos técnica de golpes em técnicas de acordeão de cordas e botões.

Numerosos golpes usados ​​no desempenho do conjunto podem ser divididos condicionalmente em dois grandes grupos: “equivalentes” (relacionados) e “complexos” (combinações simultâneas de diferentes golpes). Nos casos em que a natureza da apresentação implica um som contínuo do conjunto, as discrepâncias regulares devido à natureza diferente da extração de som no acordeão dedilhado e botão são suavizadas tanto quanto possível, reduzidas a um único som “denominador ”. Portanto, a maior dificuldade em conjuntos mistos é a execução de traços "equivalentes".

O que contribui para a formação da unidade notada na corporificação coletiva desses traços? Em primeiro lugar, o estudo das características mais importantes da formação do som e do desenvolvimento do som (ataque, chumbo, remoção), bem como os princípios de sua conexão com o próximo som. Dependendo das especificidades da extração de som inerente a um instrumento específico, do corpo sonoro (corda, placa de metal) e dos métodos de sua excitação (com um dedo ou palheta - dedilhada, pressão do ar em uma língua de metal e um determinado toque de tecla - botão acordeão), existem discrepâncias em certas características em relação a cada fase do som.

ataque sonoro. Nesta fase de sonorização, as cordas usam três técnicas principais de execução: tremor, dedilhado e percussão. As seguintes correspondências são encontradas nos métodos de ataque entre as cordas e o acordeão do botão:

• ataque suave: o tremolo para cordas é adequado ao suprimento elástico de ar com acionamento simultâneo de uma tecla no acordeão de botões;
• ataque sólido: uma pinça para as cordas corresponde à condução preliminar do fole, que cria pressão na câmara do fole, com uma forte pressão (aperto) do botão no acordeão de botão; ataque duro: Tocar uma corda ou cordas corresponde à pré-pressão na câmara do fole e tocar uma tecla em um acordeão.

Orientação de som. Nesta fase, as cordas têm dois tipos de som: desvanecimento (após um ataque realizado por uma arrancada ou golpe) e alongamento (por meio de tremor). No acordeão de botão, o som decaído está associado à dinâmica de volume “descendente” (relaxamento da pressão na câmara de pele), que é predeterminada pela natureza e velocidade do decaimento do som nas cordas. No que diz respeito ao segundo tipo de som, tanto nas cordas quanto no acordeão de botões, quaisquer alterações dinâmicas de volume são possíveis.

Captação de som– a fase mais complexa (em termos de coordenação do conjunto), exigindo análise adicional das fases mencionadas acima. Assim, ao atacar com uma pitada ou um golpe sem ponta de “picking” (tremolo ou vibrato), o som das cordas é interrompido pela retirada do dedo da mão esquerda (às vezes é abafado pela mão direita). Na sanfona de botões, a técnica indicada corresponde à retirada do dedo, seguida da parada do pelo, devido à natureza da retirada. Ao atacar e conduzir o som do tremolo, a remoção das cordas é realizada simultaneamente parando a palheta e removendo o dedo. Na sanfona de botões, obtém-se um resultado sonoro adequado ao parar o fole e ao mesmo tempo retirar o dedo da tecla.

A PARTIR DEcombinação de sons desempenha um papel importante no processo de entonação, incluindo o fraseado musical. Dependendo da natureza da música, vários métodos de conexão são usados ​​- desde a diferenciação máxima até a fusão final de sons. Nesse sentido, é extremamente importante no trabalho em conjunto alcançar a sincronicidade - "coincidência com a máxima precisão das menores durações (sons ou pausas) para todos os intérpretes". A sincronicidade surge devido a um entendimento e sentimento comum por parte dos parceiros de tempo e parâmetros métricos, pulsação rítmica, ataque e remoção de cada som. A menor ruptura de sincronia ao tocar juntos destrói a impressão de unidade, unidade do conjunto. Nesta situação, a escolha do tempo ideal é muito importante, o que pode mudar no processo de trabalho da peça. No período final das sessões de ensaio, as características do andamento são determinadas pelas capacidades da equipa (equipamento técnico, especificidades da produção sonora individual) e, sobretudo, pela estrutura figurativa da peça.

A garantia da unidade rítmica da sonoridade do conjunto é facilitada pela formação de um suporte métrico entre todos os participantes. O papel da base correspondente no conjunto é geralmente atribuído à balalaica contrabaixo, cujo timbre característico se destaca no fundo do som de outros instrumentos. Ao enfatizar a batida forte do compasso, o contrabaixo tem uma influência ativa no caráter geral do movimento musical de acordo com o fraseado da melodia.

Para alcançar a sincronicidade em uma performance em conjunto, é importante sentir a unidade da pulsação rítmica, que, por um lado, confere ao som a ordem necessária e, por outro, permite evitar desencontros em várias combinações de pequenas durações , especialmente quando se desvia de um determinado tempo. Dependendo deste último, bem como da estrutura figurativo-emocional da composição executada, o mesmo tipo de unidade de pulsação é selecionado para todos os membros do conjunto. Normalmente na fase inicial de aprendizagem técnica trabalho complexo a duração mais curta é escolhida como unidade de pulsação; no futuro, com uma aceleração do ritmo, - um maior. Ao mesmo tempo, recomenda-se retornar a taxas relativamente lentas de tempos em tempos e, é claro, às unidades de pulsação apropriadas.

Como explicação, vamos dar o seguinte exemplo - o Scherzo de F. Mendelssohn (da música para a comédia de W. Shakespeare "Dream in noite de verão"). A unidade de pulsação em um ritmo lento aqui se torna a décima sexta duração, o que contribui para a justaposição exata de colcheias e semicolcheias. Em um ritmo rápido, uma função semelhante é dada a um quarto com um ponto ou um oitavo.

Consideremos também um fragmento da seção inicial de "The Tale of the Quiet Don" de V. Semenov:

Tomando a oitava duração como unidade de pulsação, os intérpretes podem calcular com precisão a metade com um ponto no segundo compasso, obter sincronismo no movimento das oitavas e no final das frases. A cesura antes da entrada de todo o conjunto quebra a continuidade da pulsação e impede o início simultâneo confiante da próxima formação. Neste caso, vem em socorro gesto condicional. Como as partes dos instrumentos de cordas utilizam a técnica de ataque sem swing preliminar (trêmulo da corda), o acordeonista deve mostrar a introdução do conjunto. Levando em conta a retirada anterior e a presença de uma cesura entre as duas frases, ele marca o auftact com um movimento do corpo levemente perceptível de acordo com a natureza da construção seguinte.

No processo de execução, desvios do andamento principal não são incomuns - desacelerações, acelerações, rubato. Esses momentos exigirão um trabalho árduo visando alcançar naturalidade e uniformidade nas ações dos músicos com base em uma clara antevisão das mudanças de andamento futuras. Cada um desses desvios deve ser logicamente justificado, relacionado com o desenvolvimento anterior e obrigatório para todos os intérpretes. Se algum dos membros da banda se permitiu desviar dos limites previamente fixados de aceleração (desaceleração), outros ensembles precisam fazer ajustes semelhantes para evitar assincronia da pulsação do tempo.

Em tais situações, a linguagem de sinais convencional também vem em auxílio dos instrumentistas. Em primeiro lugar, é necessário alcançar a máxima coerência de ações nos momentos de início e fim das construções. Entre os gestos visuais e facilmente captados estão: para o sanfoneiro - o movimento do corpo e a parada do movimento do fole, para os cordeeiros - o movimento mão direita para baixo (com um balanço preliminar - “auftact”, correspondente à natureza deste episódio) no início do som e movimento ascendente quando o som é removido (um movimento semelhante para baixo não contribui para o sincronismo do final, uma vez que é visualmente percebida por parceiros com dificuldades conhecidas).

Um pré-requisito importante para o sucesso do trabalho da equipe é alojamento seus membros. Ao mesmo tempo, uma posição confortável para os músicos, o contato visual e auditivo entre eles e, mais importante, o equilíbrio sonoro natural de todos os instrumentos (levando em consideração suas capacidades dinâmicas de volume e as especificidades acústicas desta sala) devem ser garantido. A mais adequada é a seguinte colocação dos instrumentos (da direita para a esquerda, em semicírculo, de frente para o público): pequena domra, alto domra, acordeão de botão, balalaika contrabaixo e prima balalaika. Com tal disposição, os instrumentos solo acabam ficando o mais próximo possível dos ouvintes - a pequena domra e a prima balalaika. A balalaica contrabaixo e a domra alto movem-se um pouco para as profundezas do palco, tanto quanto possível, localizadas na mesma linha. Bayan, que é superior em sonoridade e dinâmica aos seus parceiros, fica ainda mais distante do público.

Em um conjunto misto de instrumentos folclóricos russos, dependendo da intenção do instrumentista, uma ou outra função pode ser confiada a qualquer parte. Portanto, cada um dos participantes deve dominar perfeitamente os principais componentes de uma performance ensemble artisticamente expressiva. Vamos listar esses componentes:

1. A capacidade de tomar a iniciativa no momento certo, de atuar como solista nesta fase, sem perder, no entanto, a conexão com o acompanhamento, percebendo com sensibilidade suas características harmônicas, texturais, rítmicas, determinando a relação ótima de gradações dinâmicas de volume entre a melodia e o acompanhamento. A capacidade de inspirar os parceiros com sua intenção interpretativa, profundidade e interpretação orgânica de imagens musicais também deve ser reconhecida como uma qualidade necessária do apresentador.
2. Posse das habilidades de transmissão "velada" de uma melodia para outro instrumento. Os intérpretes que participam de tais episódios devem buscar a máxima suavidade, invisibilidade dos "movimentos" da voz melódica, entoando-a mentalmente do começo ao fim e mantendo a unidade de caráter, estrutura figurativo-emocional da construção ou seção correspondente.
3. Dominar as habilidades de uma transição suave de solo para acompanhamento e vice-versa. Problemas significativos em tais situações geralmente surgem devido a uma conclusão excessivamente apressada e exigente de um fragmento melódico ou uma "escala" exagerada de acompanhamento (falhas na pulsação rítmica, o mesmo tipo de nuance, etc.).
4. A capacidade de realizar o acompanhamento em plena conformidade com a natureza da melodia. Normalmente o acompanhamento é dividido em vocal, pedal e acorde. O subtom cresce a partir da voz principal, complementando-a e sombreando-a. O pedal serve de fundo para o som expressivo e em relevo da melodia, em alguns casos ligando este último ao acompanhamento, em outros criando o sabor necessário. O acompanhamento de acordes, juntamente com o baixo, atua como uma base harmônica e rítmica. Parece muito importante que o acompanhamento que interage com a melodia a complemente organicamente.

No caso de uma apresentação polifonizada do acompanhamento, recomenda-se determinar o papel e o significado de cada voz em relação às demais, definindo as gradações dinâmicas de volume e timbre necessárias. Ao mesmo tempo, é necessário obter o relevo do som de todos os elementos da textura do conjunto.

Criando um conjunto misto, o professor se depara com o problema formação de um repertório original- um dos principais na performance em conjunto. Esta última, como qualquer tipo independente de arte performática, deve basear-se em um repertório “exclusivo”, único. No entanto, atualmente, os compositores preferem compor para determinados grupos, com os quais, regra geral, mantêm contactos criativos constantes. Conjuntos de outras composições são obrigados a se contentar com arranjos que muitas vezes não correspondem às intenções do autor.

A solução para este problema é possível sob a condição de uma posição criativa ativa ocupada pelo chefe do conjunto. De acordo com as tarefas da equipe, o líder seleciona o repertório usando várias fontes. Isso inclui coleções de repertório publicadas, trabalhos de instrumentação de alunos e manuscritos recebidos de colegas membros de outros conjuntos relacionados.

É altamente desejável que cada coletivo desse tipo seja um verdadeiro laboratório criativo na área de instrumentação. O caminho desde a criação de uma partitura até a apresentação em conjunto, em comparação com uma orquestra, é significativamente reduzido: uma análise rápida da instrumentação permite que você faça correções imediatamente e determine a melhor opção de som.

A instrumentação magistralmente trabalhada é justificadamente considerada um dos importantes fatores contribuintes desempenho bem sucedido conjunto. A carga de responsabilidade colocada sobre o instrumentista é extremamente grande. Dependendo da natureza da obra, da textura, andamento, dinâmica de volume e outros parâmetros, as funções das partes do conjunto são divididas, a apresentação do material musical é adaptada - levando em consideração características específicas instrumentos, estilo de execução, potencial técnico dos membros dessa equipe.

Um verdadeiro instrumentista mestres ensemble "audição" apenas no processo de trabalho de longo prazo com uma composição instrumental específica. Graças à escuta repetida, correções e análises comparativas de diferentes versões, a experiência auditiva é acumulada, permitindo que você leve em consideração possíveis opções de combinações instrumentais. Mudar pelo menos uma posição no conjunto, acrescentar ou substituir qualquer instrumento por outro implica uma atitude diferente em relação à distribuição de funções, à sonoridade geral do coletivo.

O autor da partitura deve levar em conta que as funções de conjunto dos instrumentos diferem das orquestrais. Em primeiro lugar, cada parte, com base no contexto, pode ser usada como melódica ou de acompanhamento. A diferença está no maior aproveitamento das possibilidades expressivas dos instrumentos, o que é facilitado pelas técnicas de execução usualmente utilizadas na prática solo.

Retrabalhar uma partitura orquestral para um ensemble é frequentemente acompanhado por dificuldades específicas devido a um grande número vozes que não podem ser reproduzidas pela composição de câmara. Em tal situação, apenas os principais elementos do tecido musical - melodia, acompanhamento harmônico, baixo - e os detalhes característicos que determinam a imagem artística da obra podem ser reafirmados. O uso mais sensível e completo das capacidades expressivas específicas dos instrumentos, suas qualidades mais marcantes, uma clara antecipação de combinações de timbres ideais contribuem para a obtenção de riqueza e brilho do som do conjunto.

Ao criar tal partitura, parece injustificável salvar automaticamente o agrupamento orquestral de instrumentos (domra, sopro, bayans, percussão, balalaikas). Mais apropriada é a localização das partes com base em sua faixa de som: pequena domra, prima balalaika, alto domra, acordeão de botão e balalaika de contrabaixo. Um arranjo diferente, baseado no princípio das diferenças de espécies (pequeno domra, alto domra, prima balalaika, balalaika contrabaixo, acordeão de botão), está associado a dificuldades na concepção e percepção do texto musical, que deve ser lido não sequencialmente, mas em ziguezague. Caso esteja prevista a participação de um solista, é atribuída a ele a linha de cima ou de baixo da partitura.

Em conclusão, devemos mencionar a formação universal do futuro líder do conjunto. Ele não deve ser apenas um músico educado e um excelente intérprete - ele deve entender todos os meandros da instrumentação, conhecer as características expressivas de cada instrumento e sua sonoridade conjunta, capacidades técnicas individuais e aspirações criativas dos membros da equipe e possuir habilidades pedagógicas. É o universalismo, combinado com uma busca incansável, aspiração por novas descobertas artísticas, que é um pré-requisito para o progresso da performance do conjunto folclórico nacional.

LITERATURA

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3. Rozanov V. Conjuntos instrumentais folclóricos russos. M., 1972.