Ajuda na Tele2, tarifas, dúvidas

Detalhes Categoria: Belas artes e arquitetura do final dos séculos 16 a 18 Publicado em 07/04/2017 15:31 Visualizações: 3113

Na arte da Europa Ocidental dos séculos XVII-XVIII. as principais direções e movimentos artísticos foram o barroco e o classicismo. Em muitos países europeus Foi criada a Academia de Artes e Arquitetura. Mas nenhum desses estilos existia na arte da Inglaterra nos séculos XVII-XVIII. em sua forma pura, porque chegaram a solo inglês muito mais tarde do que a outros países.

A arte inglesa deste período é caracterizada pela atenção à vida emocional das pessoas, especialmente ao retrato. Além disso, o Iluminismo inglês prestou especial atenção às ideias de educação moral do indivíduo, aos problemas de ética e moralidade. Outro gênero importante da pintura inglesa desse período foi o gênero cotidiano. Conversamos sobre os artistas mais famosos (T. Gainsborough, D. Reynolds, W. Hogarth) em nosso site.

Arquitetura

Nos séculos XVII e XVIII. A Inglaterra foi um dos maiores centros Arquitetura europeia. Mas diferentes estilos e tendências arquitetônicas às vezes existiam aqui simultaneamente.
Nas origens da tradição arquitetônica britânica estava Inigo Jones(1573-1652), arquiteto, designer e artista inglês.

Retrato póstumo de Inigo Jones, de William Hogarth (baseado no retrato de vida de Van Dyck)

Inigo Jones nasceu em 1573 em Londres, na família de um fabricante de roupas. Em 1603-1605 Jones estudou desenho e design na Itália. Retornando à sua terra natal, dedicou-se à criação de cenários para apresentações teatrais; desempenhou um papel significativo no desenvolvimento do teatro europeu.
Em 1613-1615 Jones está de volta à Itália, estudando as obras de Andrea Palladio, arquitetura antiga e renascentista. Em 1615, Jones tornou-se o zelador-chefe dos edifícios reais e, em Greenwich, logo iniciou a construção da mansão de campo da Rainha Ana, esposa de Jaime I.

Casa da Rainha

A Queens House, de dois andares, é um cubo monolítico, totalmente branco e quase sem decoração arquitetônica. Há uma loggia no centro da fachada do parque. Queens House foi o primeiro edifício inglês de estilo classicista.

Escadaria em forma de tulipa na Queens House, Greenwich

A próxima obra do arquiteto foi a Banqueting House em Londres (1619-1622). Sua fachada de dois andares é quase inteiramente coberta por decoração arquitetônica. No interior, uma colunata de dois níveis reproduz a aparência de um antigo templo. Os edifícios de Jones estavam de acordo com os gostos da corte inglesa da época. Mas o trabalho de Jones foi apreciado apenas no século XVIII: foi redescoberto pelos fãs de Palladio, e suas obras tornaram-se modelos para as construções do Palladianismo inglês.

Casa de banquetes

No final do século XVI e início do século XVII. As representações teatrais (“máscaras”) desempenharam um papel importante na história do palácio. Particularmente famosos foram os cenários e figurinos criados por Inigo Jones, um talentoso designer de teatro.
A casa de banquetes tem 34 m de comprimento, 17 m de largura e igual altura. Dois andares elevam-se acima da base alta. Amplas janelas estão dispostas ritmicamente ao longo da fachada. O centro do edifício é destacado por 8 colunas de ordem jônica na linha inferior, coríntias na linha superior. Acima das janelas do piso superior existe um friso em forma de guirlandas talhadas em pedra. Uma elegante balaustrada completa toda a composição. O único salão deste edifício foi decorado por Rubens.
No final do século XIX. O prédio abrigou uma exposição do museu de história militar.

Uma nova etapa na história da arquitetura inglesa começou na segunda metade do século XVII, quando surgiram os primeiros edifícios Senhor Christopher Wren(1632-1723), um dos mais famosos e venerados arquitetos ingleses.

Gottfried Kneller "Retrato de Christopher Wren" (1711)

Sir Christopher Wren, arquiteto e matemático, reconstruiu o centro de Londres após o grande incêndio de 1666. Ele criou o estilo nacional da arquitetura inglesa - o classicismo Wren.
Ren era cientista, estudou matemática e astronomia e voltou-se para a arquitetura quando já tinha mais de trinta anos. Ao longo de uma longa e frutífera carreira, ele conseguiu concretizar quase todos os seus planos. Ele construiu palácios e templos, bibliotecas e teatros, hospitais e prefeituras e desenvolveu áreas residenciais em Londres. Juntos, os muitos edifícios de Ren poderiam formar uma cidade de médio porte. Após o “grande incêndio” de 1666, Wren participou ativamente na restauração de Londres: reconstruiu mais de 50 das 87 igrejas queimadas. O coroamento desta atividade foi a grandiosa e majestosa Catedral de St. Paulo, que se tornou o maior edifício religioso do mundo protestante.

Localizado às margens do Tâmisa, o Royal Hospital em Greenwich é o último grande edifício de Christopher Wren. O grande complexo hospitalar é composto por 4 edifícios, formando pátios retangulares com ampla área entre os edifícios frontais, pórticos das fachadas voltadas para o rio. Degraus largos, ladeados por majestosos edifícios abobadados, conduzem a uma segunda praça entre um segundo par de pátios. A colunata de colunas gêmeas que emoldura a praça forma uma perspectiva muito impressionante, terminando com a Queens House de Inigo Jones. O arquiteto também participou da construção do Hospital de Greenwich Nicholas Hawksmoor(1661-1736). Ele começou a trabalhar durante a vida de Ren e continuou após a morte do arquiteto.
Wren seguiu o caminho de Inigo Jones. Mas Jones absorveu o espírito da Renascença italiana e Wren criou no estilo do classicismo.
As tradições de Christopher Wren continuaram James Gibbs(1682-1754) - a figura mais marcante e original da arquitetura inglesa da primeira metade do século XVIII, um dos poucos representantes do estilo barroco na arquitetura britânica. Ele também construiu no estilo palladiano, emprestando dele elementos individuais.

A. Soldi “Retrato de James Gibbs”

A maior influência de Gibbs foi o trabalho de Christopher Wren, mas Gibbs gradualmente desenvolveu seu próprio estilo. Sua famosa Biblioteca Radcliffe em Oxford, austera e monumental, está entre os melhores monumentos da arquitetura inglesa.

A biblioteca é o edifício mais significativo de Gibbs em escala e mérito artístico. Esta peculiar estrutura cêntrica consiste em uma base de 16 lados, uma parte principal cilíndrica e uma cúpula. O pedestal é cortado por grandes portas e janelas em arco; a parte principal redonda é dividida por colunas emparelhadas em 16 pilares, nos quais se alternam janelas e nichos dispostos em dois níveis. Uma cúpula encimada por uma lanterna ergue-se acima da balaustrada.
A biblioteca é um dos melhores monumentos da arquitetura inglesa.
Outra obra-prima de Gibbs é a Igreja de São Martinho nos Campos.

Igreja de São Martinho nos Campos

Ela adorna Trafalgar Square, em Londres. Em St. Martin in the Fields, a influência de Christopher Wren pode ser vista, mas a torre sineira não é um edifício separado, ela forma um todo único com o edifício da igreja. Inicialmente, os contemporâneos criticaram esta decisão do arquiteto, mas mais tarde a igreja tornou-se um modelo para inúmeras igrejas anglicanas na Inglaterra e além.

Palladianismo Inglês

O Palladianismo Inglês está associado ao nome William Kent(c. 1684-1748), arquiteto, arqueólogo, pintor e editor.

Vila em Chiswick (1723-1729)

A villa foi construída por Lord Burlington com a participação direta William Kent. Este é o edifício mais famoso do Palladianismo inglês. Repete quase literalmente a Villa Rotunda de Andrea Palladio, com exceção das fachadas.

Parque de vilas em Chiswick

A fachada do parque é decorada com um pórtico com frontão; uma escadaria complexa e elegante conduz ao pórtico. A villa não foi destinada a habitação, não existem quartos nem cozinha, apenas existem divisões para as colecções de arte de Burlington.
Graças ao patrocínio de Lord Burlington, Kent recebeu encomendas para a construção de edifícios públicos em Londres, por exemplo, Horse Guards.

Guardas de cavalo

Horse Guards são o quartel dos Horse Guards em Londres. Este é o trabalho mais maduro de William Kent.
William Kent construiu vários palácios em Londres. Executou encomendas de design de interiores de residências de campo da nobreza inglesa. Trabalho principal A propriedade de Kent tornou-se Holkham Hall em Norfolk.

Holkham Hall em Norfolk

Foi destinado à coleção de arte de Lord Leicester. Particularmente famosos são os interiores do Holkham Hall, cheios de seda, veludo e dourado. Os móveis também foram feitos de acordo com os desenhos de Kent.

Parque inglês

O parque paisagístico inglês é uma importante conquista da arquitetura inglesa do século XVIII. O parque paisagístico criou a ilusão de uma natureza real e intocada; a presença do homem e da civilização moderna não foi sentida aqui.
O primeiro parque paisagístico foi construído na era Palladiana na propriedade do poeta Alexander Pope em Twickenham (um subúrbio de Londres). O parque regular francês parecia-lhe a personificação da tirania estatal, que subjugava até a natureza (Parque de Versalhes). O poeta considerava a Inglaterra um país livre. Um inovador na arte paisagística da Inglaterra foi William Kent. Ele criou os melhores parques paisagísticos daquela época: o parque da villa Chiswick House, o parque Champs Elysees em Stowe, no centro da Inglaterra.

Parque Champs Élysées

Particularmente impressionantes foram as ruínas artificiais especialmente construídas, chamadas de Templo da Virtude Moderna. Aparentemente, as ruínas simbolizavam o declínio da moral na sociedade moderna e contrastavam com o luxuoso Templo da Virtude Antiga, construído por W. Kent no estilo antigo.

O Templo da Virtude Antiga, construído por W. Kent em estilo antigo, é um edifício com cúpula redonda cercado por uma colunata de 16 colunas jônicas lisas montadas em um pódio baixo. O templo tem duas entradas em forma de aberturas em arco, cada uma das quais acessível por uma escada de 12 degraus. Dentro do templo há 4 nichos nos quais estão instaladas estátuas de tamanho humano de antigas celebridades gregas.
Já em meados do século XVIII. parques paisagísticos eram comuns na Inglaterra, França, Alemanha e Rússia.

O último grande representante do Palladianismo na arquitetura inglesa foi William Câmaras(1723-1796) – Arquiteto escocês, representante do classicismo na arquitetura.

F. Kotes “Retrato de W. Chambers”

Chambers deu uma contribuição significativa para o desenvolvimento da arte da jardinagem paisagística. Graças a Chambers, motivos exóticos (chineses) surgiram no tradicional parque paisagístico inglês.

Grande pagode- o primeiro edifício no espírito Arquitetura chinesa na Europa. Foi construído em Kew Gardens, em Richmond, em 1761-1762. projetado pelo arquiteto da corte William Chambers de acordo com os desejos da mãe do rei George III, Augusta. A altura é de 50 m, o diâmetro da camada inferior é de 15 m. No interior do pagode existe uma escada de 243 degraus, a cobertura é de telhas.
Imitações do pagode de Kew apareceram no Jardim Inglês em Munique e em outras partes da Europa. Por capricho de Catarina II, o compatriota de Chambers, Charles Cameron, projetou uma estrutura semelhante no centro da vila chinesa de Czarskoe Selo, mas o projeto não foi concretizado. Mas as casas chinesas ainda foram construídas.

Casas chinesas. Aldeia chinesa em Alexander Park de Tsarskoe Selo

Arquitetura neoclássica

Quando em meados do século XVIII. As primeiras escavações arqueológicas de monumentos antigos começaram na Itália; todos os principais representantes do neoclassicismo inglês foram a Roma para ver as ruínas de edifícios antigos. Outros arquitetos ingleses viajaram para a Grécia para estudar edifícios gregos antigos. Na Inglaterra, o neoclassicismo se destacou pelo fato de adotar a leveza e a elegância da antiguidade, especialmente nos interiores neoclássicos ingleses. pelo contrário, todos os edifícios eram mais leves e elegantes.

G. Wilson "Retrato de Robert Adam"

Desempenhou um papel especial na arquitetura do neoclassicismo inglês Roberto Adão(1728-1792), arquiteto escocês da dinastia Palladiana Adam, o maior representante do classicismo britânico do século XVIII. Adam confiou no estudo da arquitetura antiga e usou formas clássicas estritas. A atividade arquitetônica de Adam foi muito ampla. Juntamente com seus irmãos James, John e William, ele ergueu mansões e edifícios públicos, construiu ruas, praças e quarteirões inteiros de Londres. Dele método criativo- racionalismo, revestido das formas da antiguidade grega.

Casa na propriedade Syon House em Londres. Arco. R. Adam (1762-1764). Recepção. Londres, Grã-Bretanha)

A sala de recepção da Syon House é um dos interiores mais famosos de Adam. A sala é decorada com doze colunas de mármore azul com capitéis dourados e esculturas no topo. Os troncos dessas colunas são verdadeiramente antigos - foram encontrados no fundo do rio Tibre, em Roma, enquanto os capitéis e as esculturas foram feitos de acordo com os desenhos do próprio Adão. As colunas aqui não sustentam o teto, mas são simplesmente colocadas contra a parede, mas dão ao ambiente uma aparência majestosa.

Mesmo durante a vida do mestre, muitos consideraram os interiores de Adão maior conquista Arquitetura inglesa. As tradições de sua arte mantiveram por muito tempo sua importância na arquitetura inglesa.
Mas no neoclassicismo do século XVIII. Houve dois arquitetos cujo estilo diferia do “estilo Adão”: George Dance, o Jovem(1741-1825) e Sir John Soane(1753-1837). O edifício mais famoso de Dance foi a Prisão de Newgate em Londres (não preservada). John Soane seguiu em grande parte o estilo da Dança, foi o arquitecto-chefe do edifício do Banco de Inglaterra (1795-1827) e dedicou uma parte significativa da sua vida à sua construção.

"Renascimento Gótico" (neo-gótico)

Em meados do século XVIII. Na Inglaterra surgiram edifícios que utilizavam motivos arquitetura gótica: arcos pontiagudos, telhados altos com declives acentuados, vitrais. Este período de entusiasmo pelo gótico é geralmente chamado de “Renascimento Gótico” (neogótico). Continuou até o início do século XX. e tornou-se um estilo popular até hoje: na Inglaterra, os edifícios são frequentemente construídos em estilo gótico).
O fundador do Renascimento Gótico foi o Conde Horace Walpole(1717-1797) – escritor, autor do primeiro romance de terror “O Castelo de Otranto”. Em 1746-1790 ele reconstruiu sua villa na propriedade Strawberry Hill (Twickenham, um subúrbio de Londres) em estilo gótico.

Vila

A Abadia de Font Hill, no centro da Inglaterra, foi construída entre 1796 e 1807. arquiteto James Wyeth (1746-1813).

Abadia de Font Hill (não existente)

Já no século XIX. O estilo gótico tornou-se o estilo estatal. Neste estilo em meados do século XIX. Em Londres estavam em construção as Casas do Parlamento (arquiteto Charles Barry) - um dos principais edifícios da arquitetura inglesa da época.

A. V. Chekmarev

Catedral da Trindade

Alexandre Nevsky Lavra

como exemplo iconográfico

Parte 2. Novo santuário da capital

O artigo foi publicado na coleção "São Petersburgo e a arquitetura da Rússia. Arquitetura na história da cultura russa". Vol. 7. M., 2007. S. 317-362.

Catedral da Trindade de Alexander Nevsky Lavra. Fachada ocidental. Foto do início do século 20

A era elisabetana apresentou novos ideais de arquitetura de templos. Com o surgimento da Catedral da Transfiguração na capital, que tinha o significado de um monumento à ascensão da Imperatriz ao trono, a ideia da tradicional estrutura russa de cinco cúpulas foi revivida. A combinação do templo nacional “grego” com os princípios do barroco deu origem a todo um conjunto de edifícios nas obras de P. A. Trezzini e F. B. Rastrelli, erguidos por ordem da própria imperatriz e de pessoas do seu círculo. Neste contexto da Renascença Ortodoxa, a estranheza da inacabada Catedral de Schwertfeger tornou-se mais claramente evidente. O radicalismo petrino em relação aos símbolos ortodoxos originais claramente não encontrou apoio na corte de Isabel, que reverenciava tradições religiosas. No entanto, a ideia de abandonar completamente a Catedral da Trindade na sua forma anterior provavelmente não se concretizou imediatamente. A desmontagem foi inicialmente considerada uma medida técnica forçada. Há razões para acreditar que posteriormente foi planejada a reconstrução da catedral nas mesmas formas, com algumas pequenas alterações. Caso contrário, é difícil explicar o aparecimento em 1748 de uma gravura de G. Kachalov (baseada num desenho de M. Makhaev) com vista para o Mosteiro Alexander Nevsky, encomendada pelo Arquimandrita Teodósio.

Vista do Mosteiro Alexander Nevsky. Desenho de M.I. Makhaeva. 1747

Santo Alexandre Nevsky (com panorama do Mosteiro Alexander Nevsky). ícone da década de 1740 OIRK GE

É um tanto surpreendente ver uma réplica direta da Catedral da Trindade nas ordens eclesiásticas da própria Imperatriz Elizabeth. O projeto da Igreja da Ressurreição da Palavra para a propriedade real em Pokrovsky-Rubtsov, perto de Moscou, remonta a 1752.

A sua autoria está associada a F.-B Rastrelli, que realizou outros trabalhos para esta residência, e o próprio desenho pertence ao “estudante de arquitetura do Gabinete do Chefe de Polícia” Vasily Zabolotsky.

Projeto da Igreja da Ressurreição da Palavra na vila palaciana de Pokrovskoye-Rubtsovo. Desenho de V. Zabolotsky. 1752 GNIMA im. A.V. Shchuseva

O templo proposto, tanto no planejamento quanto no desenho volumétrico, repete o modelo de Schwertfeger, apenas de forma reduzida e simplificada. A raridade deste projeto tendo como pano de fundo a arquitetura do templo elisabetano só pode ser explicada por uma circunstância - a reverência da filha pela personalidade do pai e, como consequência, pelos símbolos a ele associados. Uma delas, sem dúvida, foi a Catedral da Trindade do Mosteiro Alexander Nevsky. Tudo isso prova que o condenado no início da década de 1740. além disso, o templo, enfaticamente inovador em arquitetura, manteve sua relevância por muito tempo. O culto de veneração do primeiro imperador já então conferia à estrutura, estranha para a percepção russa, um caráter memorial. No entanto, em 1755 a catedral foi desmantelada. Sob Elizabeth, o assunto nunca chegou a ser renovado.

Além dos exemplos discutidos, apenas um projeto de igreja de dois sinos na arquitetura russa do período pré-Catarina é conhecido. Feito por P.A. Trezzini em 1751 para a metochion da Trinity-Sergius Lavra em São Petersburgo, ele procurou comprometer o tipo de igreja de dois sinos, proveniente da igreja romana de Sant'Agnese de C. Borromini, com os cinco russos. volume principal em cúpula.

Projeto de uma igreja de dois sinos para a Fonte Metochion da Trindade-Sergius Lavra em São Petersburgo. Desenho de P.A. Trezzini. 1751

Este e, talvez, outros planos existentes que estavam fora da linha principal da construção de templos russos e não tiveram apoio nas iniciativas ideologicamente significativas de Pedro, o Grande, não deixaram nem uma tradição estável na arquitetura russa, nem mesmo os próprios monumentos realizados . Deve-se notar também que o enxerto da tipologia de duas torres no edifício da igreja ortodoxa, realizado duas vezes nas catedrais da capital pelo próprio Pedro, teve apenas um leve eco. A ausência de projetos e edifícios semelhantes após 1752 confirma o desaparecimento quase completo deste tema arquitetônico na Rússia. No entanto, o poder da autoridade de St. Alexandre Nevsky e Pedro, o Grande, multiplicados pelas ideias políticas da Imperatriz Catarina II , permitiu reavivar o tipo de igreja ortodoxa de dois sinos, novamente sob a forma de Catedral da Trindade do mosteiro da capital principal. E esta terceira vacinação acabou por ser a mais bem sucedida.

A ideia de concluir o Mosteiro Alexander Nevsky surgiu com Catarina II já em 1763. No início de 1764, o reitor, Arcebispo Gabriel, apresentou uma nota à mais alta consideração “sobre a estrutura do Mosteiro Alexander Nevsky, o que, na opinião do bispo, deveria ser nele reconstruído e o que deveria ser corrigido da estrutura anterior para maior resistência e conveniência para a vida.” Gabriel colocou em primeiro lugar a questão da construção de uma igreja catedral. O desenvolvimento do projeto da nova catedral foi confiado a quase todos os grandes arquitetos de São Petersburgo - J.-B. Infelizmente, os desenhos apresentados naquela época são desconhecidos, nenhum foi aprovado e a construção do templo foi adiada por muito tempo. Que tipo de catedral a imperatriz queria ver permanece um mistério. No entanto, um detalhe nos termos do despacho sugere que este pertence à tipologia de dois sinos. O edifício deveria ser erguido sobre fundações antigas (com seu reforço), ou seja, repetir as dimensões e estrutura do templo desmontado de Schwertfeger.

A recriação da catedral significou simbolicamente a continuidade do novo governo com as iniciativas de Pedro, mais tarde expressas na significativa tese de Catarina: “O que começou está concluído”. O regresso ao aparecimento do santuário da capital, aprovado pessoalmente por Pedro, no contexto do rápido encerramento da construção do Mosteiro Smolny (projecto da igreja principal do reinado anterior) também pode ser interpretado como uma censura à falecida Isabel , sob o qual foi como se “a ligação dos tempos se desfizesse” e houvesse um retrocesso aos princípios pré-petrinos. CatarinaII devido à sua origem e formação, eram estranhos, e a era petrina (expressa, entre outras coisas, em símbolos arquitetônicos) tornou-se para ela inicialmente o principal ponto de referência na história russa. A restauração na década de 1760 é significativa. na sua forma anterior, a Catedral de Pedro e Paulo, que pegou fogo após ser atingida por um raio em 1756. Apesar da presença de vários projetos que preservam composição geral edifício, mas modernizando as suas formas arquitetónicas, o aspecto da catedral aproximou-se o mais possível do original. Em linha com a “herança arquitetônica” do primeiro imperador está o plano de Catarina para a Catedral da Trindade do Mosteiro Alexander Nevsky. Em meados da década de 1770, quando decidiram implementá-lo novamente, o conceito foi enriquecido com uma série de novas ideias relevantes que surgiram no âmbito do chamado. "Projeto grego"

Em 1774, o projeto da Catedral da Trindade foi confiado a I.E. Starov, conhecido pela imperatriz por seu trabalho nas propriedades de seu filho ilegítimo A.G. Dois anos depois, em 26 de fevereiro de 1776, o projeto e o orçamento foram altamente aprovados, e dois anos depois o templo foi solenemente inaugurado. A cerimônia ocorreu em 30 de agosto de 1778, dia da celebração da transferência das relíquias de Alexandre Nevsky por Pedro, o Grande. Além da Imperatriz, estiveram presentes o Grão-Duque Pavel Petrovich e sua esposa e uma grande comitiva. A cobertura do pavilhão erguido para a ocasião foi decorada com o monograma de Alexander Nevsky com esplendor e uma coroa. Na fundação do templo, a Imperatriz colocou em um caixão de prata uma partícula das relíquias do Apóstolo André, o Primeiro Chamado, o patrono celestial Império Russo. Sob a liderança de Starov, foi feita uma maquete de madeira, que permitiu imaginar detalhadamente o futuro edifício.

Vista da Lavra Alexander Nevsky. Gravura colorida de I.A. Ivanova. Início do século 19

Maquete da Catedral da Trindade. NIMRÁ

A própria catedral foi construída aproximadamente em 1786. Sua consagração ocorreu em 30 de agosto de 1790 na presença de Catarina e de toda a família imperial.

É digno de nota que Starov não foi limitado pela necessidade de se ajustar às dimensões do edifício anterior; Isto confirma mais uma vez a natureza nada utilitária da repetição da estrutura de duas torres. A Imperatriz reproduziu o desenho da basílica com um pórtico de dois sinos de Pedro, enchendo a imagem arquitetônica de novos conteúdos. A adesão direta aos preceitos de Pedro foi combinada aqui com um som qualitativamente novo do tema romano.

Os planos geopolíticos para a conquista do Império Otomano e a libertação dos povos ortodoxos dos Balcãs tinham como objetivo recriar Bizâncio - a segunda Roma. Grande desenho ecoou na arquitetura de Catarina com uma série de projetos e edifícios que expressavam figurativamente a nova missão da coroa russa. Alusões transparentes (não apenas semânticas, mas também puramente arquitetônicas), indicando a continuidade da Rússia da segunda Roma - Constantinopla (e mais adiante - de Hélade Antiga), formou a base talvez do conjunto mais didático do “projeto grego” - a cidade de Sofia em Czarskoe Selo com sua catedral de mesmo nome. A Catedral de São José em Mogilev, a nova residência de campo de Pell, os banhos Tsarskoye Selo com a Galeria Cameron e outros planos da Imperatriz também mostram uma estreita ligação com este programa ideológico. Aqui também está organicamente integrada a Catedral da Trindade do Mosteiro Alexander Nevsky, cuja imagem apelava diretamente à primeira Roma, que esteve nas origens da ideia imperial e do cristianismo europeu.

As associações com a Catedral Romana de São Pedro, que também estiveram indiretamente presentes no primeiro projeto de Schwertfeger, intensificaram-se agora. O classicismo, apostando na herança da antiguidade e do Renascimento, conferiu à semelhança maior especificidade - na silhueta geral abobadada, na utilização das encomendas e no design de interiores. Isso levou a uma mudança notável de ênfase na composição do edifício - o domínio das torres sineiras barrocas de vários níveis foi substituído no plano de Starov pela primazia da cúpula com torres relativamente baixas. A alusão ao famoso protótipo romano é aqui óbvia, especialmente porque em São Petersburgo, que aspira ao papel de capital da Europa iluminada, o tema de uma cúpula monumental que ofusca a cidade não tinha sido apresentado anteriormente. Desta forma, perdeu não só para a “cidade eterna”, mas também para outras capitais - Londres com a sua Catedral de São Paulo, Paris com a Catedral dos Inválidos, Viena com a Karlskirche. A basílica abobadada, elevando-se acima do Mosteiro Nevsky, organizando um panorama do complexo a partir do rio, enfatizou mais uma vez o envolvimento da Rússia no processo História europeia, inclusive arquitetônico. A cidade adquiriu um símbolo icônico, importante para a ideologia imperial e para o estabelecimento do estilo arquitetônico clássico. Segundo pesquisadores do trabalho de Starov, a catedral “era o edifício religioso mais significativo em termos de monumentalidade da capital e não tinha rivais até a construção da Catedral de Kazan por Voronikhin e da Catedral de Santo Isaac por Montferrand”. É importante que ambas as igrejas aqui mencionadas tenham desenvolvido significativamente o tema romano em São Petersburgo, que foi iniciado tão claramente pela Catedral Trinity Lavra.

Veja: T.P.Fedotova. Sobre o problema das cinco cúpulas na arquitetura barroca da primeira metade do século XVIII // Arte Barroca Russa. Materiais e pesquisa. Ed. T. V. Alekseeva. M., 1977. P.70-87.

Ao decretar o desmantelamento da Catedral da Trindade, o Senado especificou “construir uma igreja catedral no mesmo local e segundo a mesma planta e fachada conforme o modelo, para fazer um relatório a Sua Majestade Imperial do Senado, e quando o for recebido o decreto, então que o valor total. Caso haja necessidade daquela edificação, então apresentar ao Senado um relatório da Secretaria de Edificações, segundo o qual será feita a liberação do dinheiro e a determinação” (Santíssima Trindade Alexander Nevsky Lavra. Livro 2. P. 86).

Uma encomenda da Academia de Ciências para a produção de uma gravura foi recebida do Arcebispo Teodósio em abril de 1747. Primeiro, E. Grimmel executou um desenho representando a catedral segundo projeto de D. Trezzini. Teodósio ordenou “construir uma igreja catedral de acordo com a estrutura atual”. Em julho de 1747, M. Makhaev executou uma nova versão com vista para a Catedral da Trindade, de T. Schwertfeger. Com base nisso, G.A. Kachalov fez uma gravura representando St. em 1748. Alexander Nevsky e seu irmão Fyodor com um panorama do Mosteiro Alexander Nevsky a seus pés. Veja: M.A. Alekseeva. Mikhailo Makhaev. Mestre do desenho paisagístico do século XVIII. São Petersburgo, 2003. P.64-67.

A. G. Pobedinskaya. Características do Barroco na pintura de ícones russos dos séculos XVIII-XIX (com base em materiais da coleção OIRK) // Arte Barroca Russa. Novos materiais e pesquisas. Resumo de artigos. São Petersburgo, 1998. S. 111-126. Arquitetos de Moscou da época do Barroco e do Classicismo. (1700-1820). Comp. A.V. M., 2004. S. 95.

No escudo sul, encomendado por Elizabeth Petrovna, há um santuário de São Petersburgo. Alexander Nevsky há uma inscrição: “A poderosa Isabel, imitadora da veneração paterna pelos santos, zelosa por ele na piedade, dignou-se construir este santuário decorado com coragem e santidade por seus feitos a partir da prata adquirida pela primeira vez sob seu abençoado poder no verão de 1750” (Santíssima Trindade Alexander Nevsky Lavra. Livro 2. P. 195.

Suposições iniciais de que estas são opções de projeto Igreja Católica na Nevsky Prospekt, refutada no livro: A.N. S. I. Chevakinsky e arquitetura de São Petersburgo de meados do século XVIII // Arquitetura russa da primeira metade do século XVIII. Pesquisa e materiais. Por ed. I. E. Grabar. M., 1954. P.362-363; G.I.Vzdornov. Arquiteto Pietro Antonio Trezzini e seus edifícios // Arte russa do século XVIII. Materiais e pesquisa. Ed. T. V. Alekseeva. M., 1968. P.81-82.

A torre sineira da catedral foi danificada por uma tempestade em 30 de abril de 1756. Até a morte de Elizabeth Petrovna, a restauração da catedral não havia começado. Em 1765, Catarina II ordenou a reconstrução da catedral de acordo com o novo projeto. Chevakinsky, Wallen-Delamot, Rinaldi, Felten, Volkov e Wiest apresentaram as suas propostas. No entanto, nenhum dos projetos foi aprovado e, em 21 de agosto de 1766, a imperatriz ordenou a restauração da torre sineira “exatamente como estava antes”. A obra foi concluída em 1780. Ver: E.N. Restauração da Catedral de Pedro e Paulo após o incêndio de 1756 // Notas de história local. Pesquisa e materiais. Edição 2... P.87-112.

Veja: D.O.Shvidkovsky. Arquitetura e política na época de Catarina II // Arquitetura na história da cultura russa. Edição 3. Desejado e real. M., 2001. P.99-108; E.I. “Projeto grego” de Catarina II no espaço arquitetônico do Império Russo // Século XVIII - montagem de artes... P.244-260; E.I. O projeto grego de Catarina II no espaço das capitais russas e seus arredores // Arquitetura na história da cultura russa. Edição 3. Desejado e real. P.109-123.

Neste artigo falarei sobre obras-primas da arquitetura estrangeira do século XVIII.

Você provavelmente conhece os nomes de mestres maravilhosos como V.I. Bazhenov, M.F. Kazakov, A.F. Kokorinov. Essas pessoas dedicaram suas vidas inteiras à arquitetura e criaram obras de arte únicas do século XVIII. , A.F. Kokorinov é um tesouro da arquitetura mundial. Mas neste artigo gostaria de falar sobre as obras-primas da arquitetura estrangeira do século XVIII.

O século XVIII é o século do Iluminismo, o século de Voltaire e D. Diderot, J.-J. Rousseau e C. Montesquieu. No século XVIII, surgiram dois estilos completamente novos na arte - Rococó e Barroco. na França, em início do XVIII Século. Traduzido do francês, Rococó significa “PEDRA” ou “SHELL”. As características do Rococó incluem sofisticação, um grande número de ornamentos diferentes, afastamento do mundo real, imersão na fantasia e uma tendência a retratar temas mitológicos.

A ITÁLIA é considerada o berço do estilo BARROCO. Este estilo surgiu em. final do XVII início do século XVIII. Traduzido do italiano, Barroco significa “ESTRANHO”, “MARCAS” é caracterizado por uma tendência ao excesso, ao contraste, ao desejo de esplendor e grandeza, à unificação da realidade e da ilusão. classicismo e racionalismo.

Os maiores arquitetos do século XVIII são A. Rinaldi, C. I. Rossi, B. F. Rastrelli, D. Trezzini.

ARQUITETURA ITALIANA E INGLESA do século XVIII.

O barroco apareceu na Itália após o Renascimento. O barroco italiano caracterizou-se pela fluidez das formas complexas, pela abundância de esculturas nas fachadas dos edifícios e pela complexidade das formas abobadadas que prevaleceu na arte apenas até meados do século XVIII. , este estilo bizarro foi substituído por um CLASSICISMO mais racional. O maior italiano F. Yuvara é considerado um arquiteto e representante do barroco tardio. Foi ele quem criou a famosa Igreja de Superga e o Palazzo Madama em Torino. trabalho em Portugal, F. Yuvara construiu o Palácio da Ajuda. As últimas obras do arquitecto foram o Palácio Oriental (Real) em Madrid (residência oficial dos reis espanhóis) e a residência de verão do rei espanhol Filipe V - La Granja. Palácio. Outro arquiteto italiano L. Vanvitelli criou o famoso palácio de Caserta. Este palácio foi construído em estilo neoclássico. O arquiteto N. Salvi criou a famosa fonte de Trevi, a maior de Roma. O estilo da fonte é barroco. O arquiteto italiano A. Galilei construiu a Igreja da Catedral de San Giovanni Lateran em Roma.

Na Inglaterra, o barroco não se tornou tão difundido como na Itália. As figuras-chave da arquitetura barroca na Inglaterra foram J. Vanbrugh e N. Hawksmoor. O projeto principal de J. Vanbrugh-Seaton Delaval, e o auge da criatividade de N. Hawksmoor foi. a Igreja de Cristo Spitalfields.

ARQUITETURA FRANCESA E PORTUGUESA DO SÉCULO XVIII.

O estilo rococó apareceu na França na época de Philippe d'Orléans, mas o maior florescimento do rococó ocorreu durante o reinado do rei Luís XV. Os arquitetos mais proeminentes da época foram J. A. Gabriel e J. J. Soufflot. O primeiro arquiteto real Gabriel é considerado a Praça Concorde em Paris. A mesma praça recebeu o nome de Luís XV. Soufflot construiu a Ópera de Lyon, o Panteão parisiense e o tesouro da Catedral de Notre Dame. Rococó Hotel Soubise em Paris O interior do hotel foi criado pelo arquiteto J. Boffrand em 1704-1705 Na década de 1780. O CLASSICISMO generalizou-se na França Em meados do século XVIII, a mania teatral tomou conta de Paris entre 1779-1782. Em Paris, o teatro ODEON foi construído segundo projeto dos arquitetos C. de Wailly e M.-J. O projeto de uma vida do arquiteto francês C. N. Ledoux é uma cidade de sonho, sua cidade ideal de Chaux.

Em Portugal, o Rococó surgiu por volta de 1726. Um dos edifícios mais significativos do estilo rococó português é o Palácio de Queluz, o chamado “Versalhes Português”. O edifício do Teatro Lisboa de São Carlos foi construído em 1793. Em 1750. , foi concluída a construção do Palácio das Necessidades.

ARQUITETURA ALEMÃ E AUSTRÍACA DO SÉCULO XVIII.

O barroco na arquitetura alemã começou a se desenvolver cem anos depois do que na Itália e na França. Desde 1725, o arquiteto francês F. Cuvillier trabalhou em Munique. O arquiteto trabalhou no estilo rococó florido, exuberante e exuberante. em Nymphenburg, o maior arquiteto da Alemanha, representante do barroco e do rococó I.B. Neumann, criou obras-primas como a Basílica em Gosweinstein, o palácio residencial em Wurzburg, a Igreja Católica em Gaibach, o fundador do barroco de Dresden, M.D. -1722. Palácio Zwinger (“Cidadela”). Mestre dos interiores rococó, alemão. arquiteto XVIII século, G. Knobelsdorff construiu o edifício da ópera em Berlim (1750), mas sua principal criação é o Palácio Sans Souci, de um andar (palácio do rei prussiano Frederico II, o Grande) no jardim real de Potsdam (1745-). 1747)

O arquiteto austríaco I. B. Fischer von Erlach, o fundador do Barroco dos Habsburgos, trabalhou para dois países: Alemanha e Áustria. Os projetos proeminentes de Fischer foram o Palácio de Schönbrunn, a Igreja Católica de Karlskirche e o Palácio de Inverno de Eugênio de Sabóia. o arquiteto austríaco I. L. von Hildebrandt, que trabalhou em Viena e Salzburgo. Seus principais edifícios são o Castelo Mirabell, o Palácio Belvedere, o Palácio de Viena de Eugênio de Sabóia.

A cultura artística mundial e a arte são belas e multifacetadas. Sempre fascinam e surpreendem, com a mesma força e em todos os momentos, seja na antiguidade ou na pop art.

Tatiana Ponka

Arquitetura. A direção líder da arquitetura da segunda metade do século XVIII. Houve o classicismo, que se caracterizou pelo apelo às imagens e formas da arquitetura antiga (o sistema de ordem com colunas) como padrão estético ideal.

Um evento arquitetônico significativo dos anos 60-80. foi o projeto dos aterros do Neva. Uma das atrações de São Petersburgo era o Jardim de Verão. Em 1771 - 1786 O jardim de verão ao lado do aterro do Neva era cercado por uma treliça, de autoria de Yu.M. Felten (1730–1801) e seu assistente P. Egorov. A treliça do Jardim de Verão é feita no estilo do classicismo: a vertical domina aqui: picos verticais cruzam molduras retangulares, postes maciços uniformemente distribuídos sustentam essas molduras, enfatizando com seu ritmo a sensação geral de majestade e paz. Em 1780-1789 projetado pelo arquiteto A.A. Kvasov, foram construídos aterros de granito e descidas e acessos ao rio.

Como muitos contemporâneos, Yu.M. Felten esteve envolvido na remodelação dos interiores do Grande Palácio Peterhof (Sala de Jantar Branca, Sala do Trono). Em homenagem à gloriosa vitória da frota russa sobre os turcos na Baía de Chesma em 1770, Yu.M. Felten o converteu no Chesme Hall. A decoração principal do salão eram 12 telas executadas em 1771-1772. do pintor alemão F. Hackert, dedicado às batalhas da frota russa com os turcos. Em homenagem à Batalha de Chesma Yu.M. Felten construiu o Palácio Chesme (1774-1777) e a Igreja Chesme (1777-1780) a 7 verstas de São Petersburgo, na estrada para Tsarskoye Selo. O palácio e a igreja, construídos em estilo gótico, formam um conjunto arquitetônico único.

O maior mestre do classicismo russo foi V. I. Bazhenov (1737/38–1799). Ele cresceu no Kremlin de Moscou, onde seu pai era sacristão de uma das igrejas, e estudou no ginásio da Universidade de Moscou. Tendo se formado na Academia de Artes em 1760, V.I. Bazhenov foi aposentado para a França e a Itália. Morando no exterior, gozou de tanta fama que foi eleito professor nas Academias Romanas e membro das Academias de Florença e Bolonha. Em 1762, ao retornar à Rússia, recebeu o título de acadêmico. Mas na Rússia destino criativo a vida do arquiteto foi trágica.

Durante este período, Catarina concebeu a construção do Grande Palácio do Kremlin no Kremlin, e V.I. Bazhenov foi nomeado arquiteto-chefe. Projeto V.I. Bazhenov significou a reconstrução de todo o Kremlin. Este foi, em essência, um projeto para um novo centro de Moscou. Incluía o palácio real, o Collegium, o Arsenal, o Teatro e uma praça desenhada como um antigo fórum, com arquibancadas para reuniões públicas. O próprio Kremlin, graças ao fato de Bazhenov ter decidido continuar três ruas com passagens para o território do palácio, foi ligado às ruas de Moscou. Por 7 anos V.I. Bazhenov desenvolve projetos, prepara-se para a construção, mas em 1775 Catarina ordena que todas as obras sejam encerradas (oficialmente - por falta de fundos, extraoficialmente - devido à atitude negativa do público em relação ao projeto).

Vários meses se passam e V.I. Bazhenov é encarregado da criação de um complexo de edifícios de palácio e parque na vila de Chernaya Gryaz (Tsaritsyno), perto de Moscou, onde Catarina II decidiu construir sua residência de campo. Dez anos depois, todas as principais obras foram concluídas. Em junho de 1785, Catarina chega a Moscou e inspeciona os edifícios de Tsaritsyn, depois, em janeiro de 1786, ela emite um decreto: o palácio e todos os edifícios deveriam ser demolidos, e V.I. Bazhenov deveria ser demitido sem salário ou pensão. “Isto é uma prisão, não um palácio”, conclui a imperatriz. A lenda relaciona a demolição do palácio com a sua aparência deprimente. Catarina confiou a construção do novo palácio a M.F. Kazakov. Mas este palácio também não foi concluído.

Em 1784-1786 DENTRO E. Bazhenov construiu uma propriedade para o rico proprietário de terras Pashkov, conhecida como a casa de P.E. Pashkova. A Casa Pashkov está localizada na encosta de uma colina alta, em frente ao Kremlin, na confluência do Neglinka com o rio Moscou e é uma obra-prima arquitetônica da era clássica. A propriedade era composta por um edifício residencial, um picadeiro, cavalariças, dependências de serviço e anexos e uma igreja. O edifício se distingue pela severidade e solenidade antigas com padrões puramente moscovitas.

Outro talentoso arquiteto russo que trabalhou no estilo do classicismo foi M. F. Kazakov (1738-1812). Kazakov não era aposentado e estudou monumentos antigos e renascentistas a partir de desenhos e maquetes. Escola grande para ele houve um trabalho conjunto com Bazhenov, que o convidou, no projeto do Palácio do Kremlin. Em 1776, Catarina confiou a M.F. Kazakov elaborando um projeto para um prédio governamental no Kremlin - o Senado. O local destinado ao prédio do Senado tinha um formato triangular oblongo inconveniente, cercado por todos os lados por prédios antigos. Assim, o prédio do Senado recebeu uma planta triangular geral. O edifício tem três pisos e é em tijolo. O centro da composição era pátio, no qual existia um arco de entrada encimado por uma cúpula. Passada a entrada em arco, quem entrava encontrava-se diante de uma majestosa rotunda, coroada por uma poderosa cúpula. O Senado deveria ficar instalado neste edifício redondo e luminoso. Os cantos do edifício triangular estão cortados. Graças a isso, o edifício é percebido não como um triângulo plano, mas como um volume sólido e maciço.

M. F. Kazakov também possui o edifício da Assembleia Nobre (1784-1787). A peculiaridade deste edifício é que no centro do edifício o arquitecto colocou Salão das Colunas, e ao seu redor existem inúmeras salas de estar e corredores. O espaço central da Sala das Colunas, destinado a cerimónias, é realçado por uma colunata coríntia, e o estado de festa é realçado pelo brilho de numerosos candelabros e pelo tecto iluminado. Após a revolução, o prédio foi entregue aos sindicatos e rebatizado de Casa dos Sindicatos. A partir do funeral de V.I. Lenin, o Salão das Colunas da Casa dos Sindicatos foi usado como sala de luto para despedida de estadistas e pessoas famosas. Atualmente, reuniões públicas e concertos são realizados no Salão das Colunas.

O terceiro maior arquiteto da segunda metade do século XVIII é I. E. Starov (1744-1808). Ele estudou primeiro no ginásio da Universidade de Moscou e depois na Academia de Artes. O edifício mais significativo de Starov é o Palácio Tauride (1782-1789) - uma enorme propriedade urbana de G.A. Potemkin, que recebeu o título de Tauride pelo desenvolvimento da Crimeia. A base da composição do palácio é um salão-galeria, que divide todo o complexo de interiores em duas partes. Da entrada frontal há uma série de salas adjacentes ao salão abobadado octogonal. No lado oposto existe um grande jardim de inverno. O exterior do edifício é muito modesto, mas esconde o luxo deslumbrante dos interiores.

Desde 1780, o italiano Giacomo Quarenghi (1744-1817) trabalha em São Petersburgo. Sua carreira na Rússia foi de muito sucesso. As criações arquitetônicas na Rússia representam uma combinação brilhante das tradições arquitetônicas russas e italianas. Sua contribuição para a arquitetura russa foi que ele, junto com o escocês Charles Cameron, estabeleceu os padrões para a arquitetura de São Petersburgo da época. A obra-prima de Quarenghi foi o edifício da Academia de Ciências, construída em 1783-1789. O centro principal é realçado por um pórtico jónico de oito colunas, cujo esplendor é realçado por um típico alpendre de São Petersburgo com uma escadaria com dois “rebentos”. Em 1792-1796. Quarenghi constrói o Palácio de Alexandre em Czarskoe Selo, que se tornou sua próxima obra-prima. No Palácio de Alexandre, o motivo principal é a poderosa colunata da ordem coríntia. Um dos edifícios notáveis ​​de Quarenghi foi o edifício do Instituto Smolny (1806-1808), que apresenta um layout claro e racional de acordo com as exigências da instituição de ensino. A sua planta é típica de Quarenghi: o centro da fachada é decorado com um majestoso pórtico de oito colunas, o pátio frontal é limitado pelas alas do edifício e por uma cerca.

No final da década de 70, o arquiteto Charles Cameron (1743-1812), escocês de nascimento, veio para a Rússia. Educado no classicismo europeu, pôde sentir toda a originalidade da arquitetura russa e se apaixonar por ela. O talento de Cameron se manifestou principalmente em requintados conjuntos de palácios e parques campestres.

Em 1777, o filho de Catarina, Pavel Petrovich, deu à luz um filho - o futuro imperador Alexandre I. A encantada imperatriz deu a Pavel Petrovich 362 acres de terra ao longo do rio Slavyanka - o futuro Pavlovsk. Em 1780, Charles Cameron começou a criar o conjunto de palácio e parque de Pavlovsk. Arquitetos, escultores e artistas de destaque participaram da construção do parque, do palácio e das estruturas do parque, mas o primeiro período de formação do parque sob a liderança de Cameron foi muito significativo. Cameron lançou as bases do maior e melhor parque paisagístico da Europa no então elegante estilo inglês - um parque enfaticamente natural e paisagístico. Após medições cuidadosas, eles traçaram as principais artérias de estradas, becos, caminhos e alocaram locais para bosques e clareiras. Recantos pitorescos e acolhedores convivem aqui com edifícios pequenos e luminosos que não perturbam a harmonia do conjunto. A verdadeira pérola da obra de Charles Cameron é o Palácio Pavlovsk, construído em uma colina alta. Seguindo as tradições russas, o arquiteto conseguiu “encaixar” as estruturas arquitetônicas na área pitoresca, combinando a beleza artificial com o esplendor natural. O Palácio de Pavlovsk é desprovido de pretensão; suas janelas de uma colina alta olham calmamente para o rio Slavyanka, que flui lentamente.

O último arquiteto do século XVIII. V. Brenna (1747-1818) é legitimamente considerado o arquiteto favorito de Pavel e Maria Feodorovna. Depois de ascender ao trono em 1796, Paulo I destituiu Charles Cameron do cargo de arquiteto-chefe de Pavlovsk e nomeou V. Brenna em seu lugar. De agora em diante, Brenna administra todos os edifícios em Pavlovsk e participa de todos os edifícios importantes da época de Pavlovsk.

Paulo I confiou a Brenna a gestão da obra na sua segunda residência de campo, Gatchina. O Palácio Gatchina de Brenna tem uma aparência espartana modesta e até ascética, mas a decoração interior é majestosa e luxuosa. Ao mesmo tempo, começaram os trabalhos no Parque Gatchina. Nas margens de lagos e ilhas existe um grande número de pavilhões que parecem muito simples por fora, mas os seus interiores são magníficos: o Pavilhão de Vénus, a Casa de Bétula (que parece um tronco de lenha de bétula), a Porta Masca e o Pavilhão do Agricultor.

Paulo I decidiu construir um palácio em São Petersburgo ao seu gosto - no espírito da estética militar. O projeto do palácio foi desenvolvido por V.I. Bazhenov, mas devido à sua morte, Paulo I confiou a construção do palácio a V. Brenna. Pavel sempre quis morar onde nasceu. Em 1797, na Fontanka, no local do Palácio de Verão de Elizabeth Petrovna (onde nasceu Pavel), ocorreu a pedra fundamental de um palácio em homenagem ao Arcanjo Miguel, padroeiro do exército celestial - o Castelo Mikhailovsky. O Castelo de São Miguel tornou-se a melhor criação de Brenna, ao qual deu o aspecto de uma fortaleza. O aspecto do castelo é um quadrilátero rodeado por um muro de pedra, com fossos escavados em ambos os lados à volta do palácio. Era possível entrar no palácio através de pontes levadiças colocadas em diferentes locais do palácio; Inicialmente, o exterior do castelo estava repleto de decorações: havia estátuas de mármore, vasos, figuras. O palácio possuía um extenso jardim e um campo de desfiles, onde aconteciam desfiles e desfiles em qualquer clima. Mas Pavel só conseguiu morar em seu amado castelo por 40 dias. Na noite de 11 para 12 de março, ele foi estrangulado. Após a morte de Paulo I, tudo o que dava ao palácio o carácter de fortaleza foi destruído. Todas as estátuas foram transferidas para o Palácio de Inverno, os fossos foram preenchidos com terra. Em 1819, o castelo abandonado foi transferido para a Escola Principal de Engenharia, surgindo o seu segundo nome - Castelo da Engenharia.

Escultura. Na segunda metade do século XVIII. começa o verdadeiro florescimento da escultura russa, que está associada, em primeiro lugar, ao nome de F. I. Shubin (1740-1805), conterrâneo de M.V. Lomonosov. Depois de se formar na Academia com uma grande medalha de ouro, Shubin fez uma viagem de aposentadoria, primeiro para Paris (1767-1770) e depois para Roma (1770-1772). No exterior, em 1771, Shubin criou um busto de Catarina II, não em vida, pelo qual, ao retornar à sua terra natal em 1774, recebeu o título de acadêmico.

O primeiro trabalho de F.I. Shubin após seu retorno - busto de A.M. Golitsyn (1773, Museu Russo Russo) é uma das obras mais brilhantes do mestre. Na aparência de um nobre educado pode-se ler inteligência, autoridade, arrogância, mas ao mesmo tempo condescendência e o hábito de “nadar” cuidadosamente nas ondas da inconstante fortuna política. Na imagem do famoso comandante A. Rumyantsev-Zadunaysky, por trás da aparência completamente nada heróica de um rosto redondo com um nariz engraçado arrebitado, são transmitidos os traços de uma personalidade forte e significativa (1778, Estado. Museu de Arte, Minsk).

Com o tempo, o interesse por Shubin desaparece. Executados sem enfeites, seus retratos eram cada vez menos apreciados pelos clientes. Em 1792, de memória, Shubin criou um busto de M.V. Lomonosov (Museu Estatal Russo, Academia de Ciências). Na pessoa do grande cientista russo não há rigidez, nem nobre arrogância, nem orgulho excessivo. Uma pessoa um tanto zombeteira olha para nós, sábia com experiência mundana, que viveu a vida de forma brilhante e complexa. Vivacidade de espírito, espiritualidade, nobreza, ao mesmo tempo - tristeza, decepção e até ceticismo - essas são as principais qualidades inerentes ao grande cientista russo, a quem F.I. Shubin sabia muito bem.

Uma obra-prima da arte do retrato de F.I. Shubin é um busto de Paulo I (1798, Museu Estatal Russo; 1800, Galeria Tretyakov). O escultor conseguiu transmitir toda a complexidade da imagem: arrogância, frieza, dor, sigilo, mas ao mesmo tempo, o sofrimento de uma pessoa que, desde criança, viveu toda a crueldade de uma mãe coroada. Paulo, gostei do trabalho. Mas quase não havia mais pedidos. Em 1801, a casa de F.I. Shubin e uma oficina com obras. Em 1805, o escultor morreu na pobreza, sua morte passou despercebida.

Ao mesmo tempo, o escultor francês E.-M. Falconet (1716-1791; na Rússia - de 1766 a 1778). Falconet trabalhou na corte do rei francês Luís XV, depois na Academia de Paris. Em suas obras, Falcone seguiu a moda rococó que imperava na corte. Uma verdadeira obra-prima tornou-se sua obra “Inverno” (1771). A imagem de uma menina sentada, personificando o inverno e cobrindo as flores a seus pés com as dobras de seu manto que caem suavemente, como uma cobertura de neve, é cheia de tristeza silenciosa.

Mas Falcone sempre sonhou em criar uma obra monumental e conseguiu realizar esse sonho na Rússia. Seguindo o conselho de Diderot, Catarina contratou o escultor para criar um monumento equestre a Pedro I. Em 1766, Falconet chegou a São Petersburgo e começou a trabalhar. Ele retratou Pedro I cavalgando um cavalo empinado. A cabeça do imperador é coroada com uma coroa de louros - um símbolo de sua glória e vitórias. A mão do czar, apontando para o Neva, a Academia de Ciências e a Fortaleza de Pedro e Paulo, denota simbolicamente os principais objetivos do seu reinado: educação, comércio e poder militar. A escultura ergue-se sobre um pedestal em forma de rocha granítica pesando 275 toneladas. Por sugestão de Falconet, uma inscrição lacônica está gravada no pedestal: “A Pedro I, Catarina II”. A inauguração do monumento ocorreu em 1782, quando Falcone não estava mais na Rússia. Quatro anos antes da inauguração do monumento da E.-M. Falcone teve desentendimentos com a imperatriz e o escultor deixou a Rússia.

Na obra do maravilhoso escultor russo M.I. Kozlovsky (1753 -1802) combina características do Barroco e do Classicismo. Ele também era aposentado em Roma, Paris. Em meados da década de 90, ao retornar à sua terra natal, teve início o período mais frutífero da obra de Kozlovsky. O tema principal de suas obras remonta à antiguidade. De suas obras, jovens deuses, cupidos e belas pastoras chegaram à escultura russa. Estes são os seus “Pastora com uma Lebre” (1789, Museu do Palácio de Pavlovsk), “Cupido Adormecido” (1792, Museu Estatal Russo), “Cupido com uma Flecha” (1797, Galeria Tretyakov). Na estátua “A Vigília de Alexandre o Grande” (segunda metade da década de 80, Museu Estatal Russo), o escultor capturou um dos episódios de treinamento da vontade do futuro comandante. A maior e mais significativa obra do artista foi o monumento ao grande comandante russo A.V. Suvorov (1799-1801, São Petersburgo). O monumento não tem semelhança direta com um retrato. Esta é antes uma imagem generalizada de um guerreiro, um herói, cujo traje militar combina elementos das armas de um antigo romano e de um cavaleiro medieval. Energia, coragem, nobreza emanam de toda a aparência do comandante, do orgulhoso virar de cabeça, do gesto gracioso com que levanta a espada. Outro excelente trabalho de M.I. Kozlovsky tornou-se a estátua “Sansão rasgando a boca de um leão” - central na Grande Cascata das fontes de Peterhof (1800-1802). A estátua foi dedicada à vitória da Rússia sobre a Suécia na Guerra do Norte. Sansão personificou a Rússia e o leão representou a Suécia derrotada. A poderosa figura de Sansão é dada pelo artista num giro complexo, em movimento tenso.

Durante a Grande Guerra Patriótica, o monumento foi roubado pelos nazistas. Em 1947, o escultor V.L. Simonov o recriou com base em documentos fotográficos sobreviventes.

Pintura. Na segunda metade do século XVIII. Um gênero histórico aparece na pintura russa. Sua aparência está associada ao nome A.P. Losenko. Formou-se na Academia de Artes e depois foi enviado para Paris como aposentado. AP Losenko possui a primeira obra da história russa - “Vladimir e Rogneda”. Nele, o artista escolheu o momento em que Príncipe de Novgorod Vladimir “pede perdão” a Rogneda, filha do príncipe Polotsk, cujas terras ele atacou com fogo e espada, matou seu pai e irmãos e a tomou à força como esposa. Rogneda sofre teatralmente, erguendo os olhos; Vladimir também é teatral. Mas o próprio apelo à história russa foi muito característico da era de elevado crescimento nacional na segunda metade do século XVIII.

Os temas históricos da pintura foram desenvolvidos por G.I. Ugryumov (1764-1823). O tema principal de suas obras foi a luta do povo russo: com os nômades ("O Teste de Força de Jan Usmar", 1796-1797, Museu Russo Russo); com cavaleiros alemães (“A entrada cerimonial de Alexander Nevsky em Pskov após sua vitória sobre os cavaleiros alemães”, 1793, Museu Russo); pela segurança das suas fronteiras (“Captura de Kazan”, 1797-1799, Museu Russo), etc.

Os maiores sucessos da pintura ocorreram na segunda metade do século XVIII. alcança no gênero retrato. Aos fenômenos mais marcantes da cultura russa da segunda metade do século XVIII. pertence à obra do pintor F.S. Rokotova (1735/36–1808). Ele veio da servidão, mas recebeu a liberdade de seu proprietário de terras. Aprendeu a arte da pintura com as obras de P. Rotary. Para o jovem artista por sorte, seu patrono foi o primeiro presidente da Academia de Artes, I.I. Shuvalov. Por recomendação de I.I. Shuvalova F.S. Em 1757, Rokotov recebeu uma encomenda de um retrato em mosaico de Elizaveta Petrovna (do original de L. Tokke) para a Universidade de Moscou. O retrato foi um sucesso tão grande que F.S. Rokotov recebe encomenda de retratos do Grão-Duque Pavel Petrovich (1761), Imperador Pedro III(1762). Quando Catarina II subiu ao trono, F.S. Rokotov já era amplamente artista famoso. Em 1763, o artista pintou a Imperatriz em altura total, de perfil, em meio a um belo cenário. Rokotov também pintou outro retrato da imperatriz, de meio corpo. A Imperatriz gostava muito dele; ela acreditava que ele era “um dos mais parecidos”. Catarina doou o retrato à Academia de Ciências, onde permanece até hoje. Seguindo as pessoas reinantes, retratos de F.S. Os Orlovs e Shuvalovs desejavam ter Rokotov. Às vezes, ele criava galerias inteiras de retratos de representantes da mesma família em suas várias gerações: os Baryatinskys, os Golitsyns, os Rumyantsevs, os Vorontsovs. Rokotov não busca enfatizar as vantagens externas de seus modelos, o principal para ele é mundo interior pessoa. Entre as obras do artista destaca-se o retrato de Maykov (1765). Na aparência de um importante funcionário do governo, por trás da efeminação lânguida, pode-se discernir uma visão e uma mente irônica. A coloração do retrato, baseada na combinação do verde e do vermelho, cria a impressão de vitalidade e vigor da imagem.

Em 1765 o artista mudou-se para Moscou. Moscou se distingue por maior liberdade de criatividade do que a São Petersburgo oficial. Em Moscou, está surgindo um estilo especial de pintura “Rokotov”. A artista cria toda uma galeria de belas imagens femininas, entre as quais a mais notável é o retrato de A.P. Stuyskoy (1772, Galeria Tretyakov). Uma figura esbelta em um vestido cinza-prateado claro, cabelos empoados e chicoteados, longos cachos caindo sobre o peito, rosto oval refinado com olhos escuros amendoados - tudo transmite mistério e poesia à imagem da jovem. O requintado esquema de cores do retrato - verde pântano e marrom dourado, rosa desbotado e cinza pérola - aumenta a impressão de mistério. No século 20 o poeta N. Zabolotsky dedicou poemas maravilhosos a este retrato:

Seus olhos são como duas névoas,

Meio sorriso, meio choro,

Seus olhos são como dois enganos,

Falhas cobertas pela escuridão.

A concretização bem-sucedida da imagem de A. Struyskaya no retrato serviu de base para a lenda, segundo a qual o artista não era indiferente à modelo. Na verdade, o nome do escolhido S.F. Rokotov é bem conhecido e A.P. Struyskaya era casada e feliz com o marido e era uma proprietária de terras comum.

Outro grande artista do século 18 foi D.G. Levitsky (1735-1822) é o criador do retrato cerimonial e o grande mestre do retrato de câmara. Ele nasceu na Ucrânia, mas a partir da virada dos anos 50-60 começou a vida de Levitsky em São Petersburgo, para sempre associada a esta cidade e à Academia de Artes, onde liderou a aula de retratos por muitos anos.

Em seus modelos, procurou enfatizar a originalidade e os traços mais marcantes. Uma das obras mais famosas do artista é o retrato cerimonial de P.A. Demidov (1773, Galeria Tretyakov). Um representante de uma famosa família mineira, P.A. Demidov era um homem fabulosamente rico, um estranho excêntrico. No retrato cerimonial, de conceito original, Demidov é retratado em uma pose relaxada tendo como pano de fundo uma colunata e cortinas. Ele está em um salão de festa deserto, em casa, de touca de dormir e roupão escarlate, apontando com um gesto para suas diversões - um regador e um vaso de flores, dos quais era amante. Em seu traje, em sua pose, há um desafio ao tempo e à sociedade. Tudo se mistura neste homem - gentileza, originalidade, desejo de se realizar na ciência. Levitsky conseguiu combinar características de extravagância com elementos de um retrato cerimonial: colunas, cortinas, paisagem com vista para o Orfanato de Moscou, para cuja manutenção Demidov doou enormes somas.

No início da década de 1770. Levitsky realiza sete retratos de nobres donzelas do Instituto Smolny - “Smolyankas” (todos no Museu Estatal Russo), famosas por sua musicalidade. Esses retratos se tornaram a maior conquista do artista. A habilidade do artista foi especialmente demonstrada neles. E.N. Khovanskaya, E.N. Khrushchova, E.I. Nelidov são retratados em trajes teatrais durante a apresentação de uma elegante pastoral. Nos retratos de G.I. Alymov e E.I. Molchanova, uma das heroínas toca harpa, a outra é mostrada sentada ao lado de um instrumento científico com um livro nas mãos. Colocados lado a lado, esses retratos personificavam os benefícios das “ciências e das artes” para uma pessoa razoável e pensante.

Ponto mais alto criatividade madura O mestre tornou-se seu famoso retrato alelológico de Catarina II, a legisladora do Templo da Justiça, repetido pelo artista em diversas versões. Este trabalho leva lugar especial na arte russa. Ele incorporou as ideias elevadas da época sobre cidadania e patriotismo, sobre o governante ideal - um monarca esclarecido que se preocupa incansavelmente com o bem-estar de seus súditos. O próprio Levitsky descreveu seu trabalho da seguinte forma: “O meio da imagem representa o interior do templo da deusa da justiça, diante da qual, na forma do Legislador, hiv, queimando flores de papoula no altar, sacrifica sua preciosa paz por a paz geral.”

Em 1787, Levitsky deixou o ensino e deixou a Academia de Artes. Uma das razões para isso foi a paixão do artista pelos movimentos místicos, que se tornou bastante difundida na Rússia no final do século XVIII. e sua entrada na loja maçônica. Não sem a influência de novas ideias na sociedade, por volta de 1792, foi pintado um retrato do amigo e mentor de Levitsky na Maçonaria, N.I. Novikova (Galeria Tretyakov). A incrível vivacidade e expressividade do gesto e do olhar de Novikov, que não é característico dos heróis dos retratos de Levitsky, um fragmento da paisagem ao fundo - tudo isso trai a tentativa do artista de dominar uma linguagem visual nova e mais moderna, já inerente a outros sistemas artísticos.

Outro artista notável desta época foi V. L. Borovikovsky (1757-1825). Ele nasceu na Ucrânia, em Mirgorod, e estudou pintura de ícones com seu pai. Em 1788 V.L. Borovikovsky foi levado para São Petersburgo. Ele estuda muito, aprimorando seu gosto e habilidade, e logo se torna um mestre reconhecido. Na década de 90, ele criou retratos que expressavam plenamente as características de uma nova direção na arte - o sentimentalismo. Todos os retratos “sentimentais” de Borovikovsky são imagens de pessoas num ambiente de câmara, em trajes simples com uma maçã ou flor na mão. O melhor deles é o retrato de M.I. Lopukhina. Muitas vezes é considerada a maior conquista do sentimentalismo na pintura russa. Uma jovem olha do retrato. Sua pose é relaxada, seu vestido simples fica solto na cintura, seu rosto fresco é cheio de charme e beleza. No retrato, tudo está de acordo, em harmonia: um recanto sombreado do parque, centáureas entre espigas de centeio maduro, rosas murchas, o olhar lânguido e levemente zombeteiro da menina. No retrato de Lopukhina, a artista conseguiu mostrar a verdadeira beleza - espiritual e lírica, inerente às mulheres russas. Traços de sentimentalismo apareceram em V.L. Borovikovsky até na representação da Imperatriz. Ora, este não é um retrato representativo de um “legislador” com todos os trajes imperiais, mas a imagem de uma mulher comum de roupão e boné em um passeio no parque Tsarskoye Selo com seu amado cachorro.

No final do século XVIII. aparece na pintura russa novo gênero- cenário. Uma nova turma de paisagem foi aberta na Academia de Artes, e S. F. Shchedrin tornou-se o primeiro professor da turma de paisagem. Ele se tornou o fundador da paisagem russa. Foi Shchedrin o primeiro a desenvolver um esquema composicional para a paisagem, que por muito tempo se tornou exemplar. E nele S.F. Shchedrin ensinou mais de uma geração de artistas. A criatividade de Shchedrin floresceu na década de 1790. Entre suas obras, as mais famosas são uma série de vistas dos parques Pavlovsk, Gatchina e Peterhof, vistas da Ilha Kamenny. Shchedrin capturou tipos específicos de estruturas arquitetônicas, mas atribuiu o papel principal não a elas, mas à natureza circundante, com a qual o homem e suas criações se encontram em fusão harmoniosa.

F. Alekseev (1753/54-1824) lançou as bases para a paisagem da cidade. Entre suas obras da década de 1790. especialmente famosas são “Vista da Fortaleza de Pedro e Paulo e do Aterro do Palácio” (1793) e “Vista do Aterro do Palácio da Fortaleza de Pedro e Paulo” (1794). Alekseev cria uma imagem sublime e ao mesmo tempo viva de um indivíduo grande e majestoso em sua bela cidade, na qual a pessoa se sente feliz e livre.

Em 1800, o imperador Paulo I deu a Alekseev a tarefa de pintar vistas de Moscou. O artista interessou-se pela antiga arquitetura russa. Ele ficou em Moscou por mais de um ano e trouxe de lá uma série de pinturas e muitas aquarelas com vistas das ruas, mosteiros e subúrbios de Moscou, mas principalmente várias imagens do Kremlin. Esses tipos são altamente confiáveis.

O trabalho em Moscovo enriqueceu o mundo do artista e permitiu-lhe ter um novo olhar sobre a vida da capital quando lá regressou. Nas suas paisagens de São Petersburgo o gênero se intensifica. Aterros, avenidas, barcaças e veleiros ficam lotados de gente. Um de melhores trabalhos deste período - “Vista do aterro inglês da Ilha Vasilyevsky” (década de 1810, Museu Russo). Contém uma medida, uma relação harmoniosa entre a paisagem e a própria arquitetura. A criação desta pintura completou a formação da chamada paisagem urbana.

Gravação. Na segunda metade do século, maravilhosos mestres gravadores trabalharam. O “verdadeiro gênio da gravura” foi E. P. Chemesov. O artista viveu apenas 27 anos, restaram dele cerca de 12 obras. Chemesov trabalhou principalmente no gênero retrato. O retrato gravado desenvolveu-se de forma muito ativa no final do século. Além de Chemesov, pode-se citar G.I. Skorodumov, famoso por suas gravuras pontilhadas, que criaram possibilidades especiais de interpretação “pictórica” (I. Selivanov. Retrato da Grã-Duquesa Alexandra Pavlovna do original de V.P. Borovikovsky, mezzotint; G.I. Skorodumov. autorretrato, desenho a caneta).

Artes e Ofícios. Na segunda metade do século XVIII, a cerâmica Gzhel - produtos do artesanato cerâmico da região de Moscou, cujo centro era o antigo volost Gzhel - atingiu um alto nível artístico. No início do século XVII. Os camponeses das aldeias Gzhel começaram a fazer tijolos, cerâmica simples de cor clara e brinquedos com argila local. No final do século XVII. os camponeses dominaram a produção de “formiga”, ou seja, coberto com esmalte esverdeado ou marrom. As argilas Gzhel tornaram-se conhecidas em Moscou e, em 1663, o czar Alexei Mikhailovich ordenou o início do estudo das argilas Gzhel. Uma comissão especial foi enviada a Gzhel, que incluía Afanasy Grebenshchikov, proprietário de uma fábrica de cerâmica em Moscou e D.I. Vinogradov. Vinogradov permaneceu em Gzhel por 8 meses. Ao misturar argila de Orenburg com argila Gzhel (chernozem), ele obteve porcelana (porcelana) branca e pura. Ao mesmo tempo, os artesãos de Gzhel trabalharam nas fábricas de A. Grebenshchikov em Moscou. Eles rapidamente dominaram a produção de majólica e começaram a fazer potes de kvass, jarras, canecas, xícaras, pratos, decorados com pinturas ornamentais e temáticas nas cores verde, amarelo, azul e marrom-violeta em campo branco. Do final do século XVIII. em Gzhel há uma transição da majólica para a semi-faiança. A pintura dos produtos também muda - da multicolorida, característica da majólica, para a pintura monocromática azul (cobalto). Os pratos Gzhel foram difundidos em toda a Rússia, Ásia Central e Oriente Médio. Durante o apogeu da indústria Gzhel, havia cerca de 30 fábricas produzindo talheres. Entre os fabricantes famosos estavam os irmãos Barmin, Khrapunov-novy, Fomin, Tadin, Rachkins, Guslins, Gusyatnikovs e outros.

Mas os irmãos mais sortudos foram Terenty e Anisim Kuznetsov. A sua fábrica surgiu no início do século XIX. na aldeia de Novo-Kharitonovo. A partir deles, a dinastia deu continuidade aos negócios da família até a revolução, comprando cada vez mais fábricas e fábricas. Na segunda metade do século XIX. Há um desaparecimento gradual do artesanato Gzhel com moldagem e pintura manual, restando apenas grandes fábricas. A partir do início de 1920, surgiram oficinas e artels de cerâmica separados. O verdadeiro renascimento da produção de Gzhel começou em 1945. Foi adotada a pintura de cor azul sob o vidrado (cobalto).

Em 1766, na aldeia de Verbilki, perto de Dmitrov, perto de Moscou, o inglês russificado France Gardner fundou a melhor fábrica privada de porcelana. Estabeleceu-se como o primeiro entre as produções privadas de porcelana, criando em 1778-1785, por ordem de Catarina II, quatro magníficos serviços de encomenda, que se distinguem pela pureza e severidade da sua decoração. A fábrica também produzia estatuetas de personagens da ópera italiana. Início do século 19 marcou uma nova etapa no desenvolvimento da porcelana Gardner. Os artistas da fábrica abandonaram a imitação direta dos modelos europeus e procuraram encontrar o seu próprio estilo. As xícaras de Gardner com retratos de heróis da Guerra Patriótica de 1812 ganharam enorme popularidade. Em 1820, teve início a produção de estatuetas de gênero, retratando tipos folclóricos baseados nos desenhos de K.A. Zelentsov da revista "Lanterna Mágica". Eram homens e mulheres envolvidos no trabalho camponês habitual, crianças camponesas, trabalhadores urbanos - sapateiros, zeladores, mascates. As estatuetas dos povos que habitam a Rússia foram feitas etnograficamente precisas. As estatuetas de Gardner tornaram-se uma ilustração visível da história russa. F.Ya. Gardner encontrou seu próprio estilo de produtos, em que as formas império eram combinadas com motivos de gênero e saturação de cores da decoração como um todo. Desde 1891, a fábrica pertencia a M.S. Kuznetsov. Após a Revolução de Outubro, a fábrica passou a se chamar Fábrica de Porcelana Dmitrov, e desde 1993 - “Porcelana Verbilok”.

Miniatura Fedoskino. No final do século XVIII. na vila de Fedoskino, perto de Moscou, desenvolveu-se um tipo de pintura russa em miniatura em laca pinturas à óleo em papel machê. A miniatura Fedoskino surgiu graças a um mau hábito, o que era comum no século XVIII. Naqueles tempos antigos, estava na moda cheirar tabaco, e todos faziam isso: nobres, plebeus, homens, mulheres. O tabaco era armazenado em caixas de rapé feitas de ouro, prata, osso de tartaruga, porcelana e outros materiais. E assim, na Europa, começaram a fazer caixas de rapé a partir de papelão prensado, embebido em óleo vegetal e seco a temperaturas de até 100°C. Esse material ficou conhecido como papel machê (papel mastigado). As caixas de rapé foram revestidas com primer preto e verniz preto, e temas clássicos foram utilizados na pintura. Essas caixas de rapé eram muito populares na Rússia, então em 1796, na vila de Danilkovo, a 30 km de Moscou, o comerciante P.I. Korobov começou a produzir caixas de rapé redondas, decoradas com gravuras coladas nas tampas. As gravuras foram revestidas com verniz transparente. Desde 1819, a fábrica pertencia ao genro de Korobov, P.V. Lukutin. Juntamente com seu filho A.P. Lukutin, ele expandiu a produção, organizou treinamento para artesãos russos e, sob ele, a produção foi transferida para a vila de Fedoskino. Os artesãos de Fedoskino começaram a decorar caixas de rapé, caixas de contas, caixas e outros produtos com miniaturas pitorescas feitas com tintas a óleo de maneira pictórica clássica. Nos produtos Lukutin do século 19, vistas do Kremlin de Moscou e outros monumentos arquitetônicos, cenas de vida popular. Particularmente populares eram os passeios da troika, festividades ou danças camponesas e beber chá com um samovar. Graças à criatividade dos mestres russos, os vernizes Lukutinsky adquiriram originalidade e sabor nacional, tanto nos temas como na tecnologia. A miniatura Fedoskino é pintada com tintas a óleo em três a quatro camadas - sombreamento (esboço geral da composição), redação ou repintura (trabalho mais detalhado), vitrificação (modelagem da imagem com tintas transparentes) e realce (conclusão do trabalho ) são realizados sequencialmente cores claras, transmitindo brilho aos objetos). A técnica original de Fedoskino é a “escrita através”: um material reflexivo - pó metálico, folha de ouro ou madrepérola - é aplicado na superfície antes da pintura. Translúcidos através de camadas transparentes de tintas esmaltadas, esses revestimentos conferem profundidade à imagem e um incrível efeito de brilho. Além das caixas de rapé, a fábrica produzia caixas, porta-caixas, estojos de agulhas e capas para álbuns de família, bules, ovos de Páscoa, bandejas e muito mais. Os produtos dos miniaturistas Fedoskino eram muito populares não só na Rússia, mas também no exterior.

Assim, na segunda metade do século XVIII - na era da “Razão e do Iluminismo” - uma cultura artística única, em muitos aspectos única, foi criada na Rússia. Esta cultura era estranha estreiteza nacional e isolamento. Com incrível facilidade ela absorveu e processou criativamente tudo de valioso que foi criado pelo trabalho de artistas de outros países. Nasceram novos tipos e gêneros de arte, novas direções artísticas e nomes criativos brilhantes.

A.I.Venediktov

Os fenómenos mais significativos da arquitectura inglesa do período em análise remontam aos últimos trinta anos do século XVII. O sucessor do clássico da arquitetura inglesa, Inigo Jones, foi Christopher Wren (1632-1723), que permaneceu um dos principais mestres da arquitetura inglesa durante o primeiro quartel do século XVIII.

Ren recebeu uma educação muito ampla: antes de se dedicar inteiramente à arquitetura, estudou matemática e astronomia. Tendo feito uma viagem à França em 1665, conheceu Jules Hardouin-Mansart e outros arquitetos franceses e suas obras, bem como Bernini, que trouxe o projeto do Louvre para Paris.

Após o “Grande Incêndio” de 1666, que destruiu grande parte de Londres, Wren criou um projeto para uma remodelação radical da cidade, que, no entanto, foi rejeitado pelas autoridades reacionárias. Ao mesmo tempo, Wren recebeu o maior pedido para a construção da nova Catedral de St. Paulo e a elaborar projetos para cem igrejas paroquiais incendiadas, das quais construiu mais de cinquenta.

Catedral de St. A Catedral de São Paulo em Londres, construída por Wren ao longo de trinta e seis anos (1675-1710), tornou-se o maior edifício religioso do mundo protestante (supera a Catedral de Colônia em comprimento, altura da parte da cúpula - a Catedral Florentina de Sanga Maria del Fiore). Catedral Católica Romana de St. A Catedral de São Pedro, construída por muitos arquitetos ao longo de mais de um século e meio, foi, por assim dizer, deliberadamente contrastada com a Catedral Protestante de Londres, construída por um mestre em um período de construção, em apenas três décadas e meia. O primeiro projeto elaborado por Wren com planta cêntrica em forma de cruz equilátera com vestíbulo foi rejeitado pelo clero conservador. O segundo projeto concluído apresentava uma forma alongada mais tradicional, com uma sala principal dividida por pilares e arcos em três naves e um amplo espaço sob abóbada na intersecção das naves com o transepto.

O conhecimento matemático de Ren foi útil na difícil tarefa de construir uma cúpula, que ele resolveu de forma brilhante, com cálculos sutis e profundos. O desenho da cúpula tripla apoiada em oito pilares é complexo e incomum: acima da casca interna hemisférica de tijolo há um cone truncado de tijolo, que carrega a lanterna e a cruz que coroam a catedral, bem como uma terceira, externa de madeira coberta de chumbo. casca da cúpula.

A aparência da catedral é espetacular. Dois lances de degraus largos conduzem do poente a seis pares de colunas coríntias do pórtico de entrada, sobre os quais se situam mais quatro pares de colunas com capitéis compostos, ostentando frontão com grupo escultórico no tímpano. Pórticos semicirculares mais modestos são colocados em ambas as extremidades do transepto. Nas laterais da fachada principal foram erguidas torres delgadas (uma para os sinos, outra para o relógio), atrás delas, acima da cruz central da catedral, ergue-se uma enorme e majestosa cúpula. O tambor da cúpula cercado por colunas parece especialmente poderoso porque cada quarto intercolúnio da colunata (a chamada Galeria de Pedra) é revestido de pedra. Acima do hemisfério da própria cúpula, a segunda, chamada Galeria Dourada, forma um circuito em torno de uma lanterna com uma cruz. O imponente conjunto de cúpulas e torres com vista para Londres é, sem dúvida, a parte de maior sucesso da catedral, cujo corpo principal era difícil de perceber na sua totalidade, pois permanecia escondido pela desordem do desenvolvimento urbano (fortemente danificado pelos bombardeamentos durante a Segunda Guerra Mundial). Guerra).

A individualidade criativa de Ren é revelada de forma não menos clara em suas próprias obras. obras, como as igrejas paroquiais de Londres. É surpreendente a variedade e a sagacidade das plantas quadradas, retangulares e ovais destes edifícios, geralmente de pequenas dimensões, cuja própria configuração era muitas vezes explicada pela utilização magistral de locais apertados e inconvenientes destinados à sua construção. A arquitetura das próprias igrejas e de suas torres sineiras é extremamente diversificada, ora próxima do gótico, ora estritamente clássica. Basta nomear a igreja abobadada de Santo Estêvão (1672-1679), original na composição do seu espaço interior, ou a igreja de Santa Maria le Bow (1671-1680) com a sua esbelta torre sineira, notável pela beleza de sua silhueta.

Das obras civis de Wren, uma das mais brilhantes são as novas partes do Palácio de Hampton Court. Em 1689-1694. construíram edifícios em torno do chamado pátio com fonte e fachada voltada para o parque. Nesta obra original, o arquitecto demonstrou grande habilidade, gosto rigoroso e capacidade de utilização eficaz dos materiais - tijolo e pedra Portland branca.

Um artesão prolífico, Ren construiu mais do que apenas palácios e igrejas. Ele finalmente desenvolveu o plano para o Greenwich Hospital (cujo plano original, aparentemente, pertence a Inigo Jones), e também construiu outro hospital em Chelsea. Ele construiu o distrito de Temple em Londres e a prefeitura em Windsor. Em Cambridge, ele é dono do prédio da biblioteca do Trinity College, cujo protótipo era a biblioteca de St. Selo em Veneza. Em Oxford, onde Wren ensinou astronomia em sua juventude, ele construiu o chamado Teatro Sheldon - uma grande sala redonda para palestras e relatórios, que utiliza motivos arquitetônicos do antigo Teatro Romano de Marcelo; lá ele construiu a biblioteca do Queens College e o pátio do Trinity College. Os motivos da arquitetura veneziana e romana utilizados nestes edifícios receberam uma interpretação original de Wren e ficaram na história da arquitetura inglesa como a criação de um gênio nacional.

Nas casas residenciais de campo e de cidade desta época, foi criada uma espécie de edifício de tijolo com acabamento em pedra branca, que se tornou modelo para a construção inglesa posterior. Os exemplos incluem as propriedades atribuídas a Wren em Groombridge Place em Kent e Swan House em Chichester.

Ao contrário de Inigo Jones, Wren conseguiu realizar quase todos os seus planos durante sua longa e frutífera carreira. Como um verdadeiro humanista, Ren trabalhou pela educação e pelo povo, construiu não só igrejas, mas também hospitais, bibliotecas, não só palácios, mas também modestos edifícios residenciais. Wren seguiu o caminho indicado por Jones, mas, ao contrário de Jones, que absorveu o espírito da Renascença na Itália, o princípio racional foi expresso mais claramente no classicismo de Wren, que sobreviveu à era do Puritanismo.

Na arquitetura inglesa do século XVIII. A paixão recém-despertada pela obra de Palladio foi de grande importância. Em 1742, já haviam sido publicadas três edições do tratado de arquitetura de Palladio. A partir de meados do século, iniciou-se a publicação de pesquisas independentes sobre arquitetura antiga. Robert Wood em 1753-1757 publicou um livro dedicado às ruínas de Palmira e Baalbek, Robert Adam publicou esboços e medidas do palácio de Diocleciano em Split, na Dalmácia, em 1764. Todas essas publicações contribuíram para o desenvolvimento da teoria arquitetônica e influenciaram a prática arquitetônica da época. Novas ideias refletiram-se em grandes eventos de planejamento urbano, por exemplo, no planejamento e desenvolvimento da cidade de Bath (1725-1780), cujas áreas representam os mais completos conjuntos classicistas da Inglaterra. Os arquitetos do século XVIII eram, na maioria dos casos, profissionais e teóricos.

John Vanbrugh (1664-1726) ocupa uma posição intermediária entre os mestres multi-talentosos e educados do século XVII e os estreitos especialistas do século XVIII. Oficial brilhante, sagaz da corte, dramaturgo da moda, ele continuou sendo um talentoso amador em arquitetura.

Suas principais e maiores obras foram construídas nos primeiros anos do século XVIII. palácios de Howard (1699-1712) e Blenheim (1705-1724).

Já no primeiro deles, tentando aliar a escala de Versalhes ao conforto inglês, surpreendeu seus contemporâneos principalmente com o tamanho de seu edifício, cujo comprimento era de 200 m, a profundidade era de quase 130 m, a altura da cúpula central ultrapassou os 70 m No ainda mais grandioso Palácio de Blenheim, construído para o famoso comandante Duque de Marlborough (259 X 155 m), o arquiteto tentou melhorar a planta um tanto desajeitada do primeiro edifício. Observando estrita simetria, colocou mais dois pátios em ambos os lados do enorme pátio, que estão ligados ao edifício principal por galerias decoradas com uma colunata. Na arquitetura externa do Palácio de Blenheim não há pórtico pesado na entrada principal, nem Arco do Triunfo a fachada do parque, nem as torres angulares, aparentemente construídas, não agradam aos olhos: as formas aqui são pesadas e ásperas. O interior do palácio é desconfortável e desconfortável. O desejo de pompa estrita característica do classicismo é combinado de forma bastante mecânica em Vanbrugh com uma pompa superficial que remonta ao Barroco. Na sua arquitetura, como disse um dos seus contemporâneos, “pesada na forma e leve na essência”, não é difícil detectar sinais óbvios de ecletismo.

Nicholas Hawksmoor (1661-1736) foi um sucessor mais modesto, mas mais digno de Wren. Liderou a construção de igrejas londrinas, das quais a mais interessante é a Igreja de Santa Maria Wulnos (1716-1719) com fachada decorada com rusticação e torre sineira retangular rodeada de colunas, completada por duas torres com balaustrada. Hawksmoor trabalhou depois de seu professor em Oxford, onde construiu um novo prédio para o Queens College com uma fachada de pátio monumental e uma entrada distinta (1710-1719). Finalmente, durante a vida de Wren e após sua morte, Hawksmoor em 1705-1715. continuação da construção do Hospital Greenwich. Situado nas margens do Tâmisa, este um dos monumentos mais significativos da arquitectura inglesa, tanto em tamanho como em mérito artístico, tomou a sua forma final sob Hawksmoor.

O grande complexo hospitalar, onde hoje se encontra a escola naval, é composto por quatro edifícios formando pátios retangulares com ampla área entre os edifícios frontais, pórticos das fachadas voltadas para o rio. Degraus largos, ladeados por majestosos edifícios abobadados, conduzem a uma segunda praça entre um segundo par de pátios. Hawksmoor completou dignamente a construção iniciada por Jones e continuada por Wren.

William Kent (1684-1748) foi o palladiano inglês mais proeminente da primeira metade do século XVIII. Juntamente com Lord Burlington, que se considerava arquiteto, ele projetou e construiu uma villa em Chiswick (1729), a mais bem-sucedida das muitas versões inglesas da Villa Rotunda palladiana. Kent sentiu-se mais livre durante a construção do Castelo Holkham Hall (1734), onde quatro alas (com capela, biblioteca, cozinha e quartos de hóspedes) organicamente ligadas ao edifício central abrem-se para o parque circundante. Os méritos de Kent são especialmente grandes na jardinagem paisagística, onde é conhecido como o “pai do jardim moderno”.

A obra mais madura do arquiteto é a fachada esparsa e desordenada do quartel do Horse Guards Regiment (Horse Guards, 1742-1751) em Londres.

O arquiteto e teórico da arquitetura James Gibbs (1682-1765) é o indivíduo mais marcante da arquitetura inglesa da primeira metade do século XVIII. Tendo estudado com Philippe Juvara em Torino, ele também dominou a ordem e os sistemas proporcionais de Palladio. O mais significativo dos seus edifícios, tanto em escala como em mérito artístico, é a chamada Biblioteca Redcliffe em Oxford (1737-1749), uma estrutura cêntrica de excepcional originalidade, composta por um pedestal de dezasseis lados, uma parte principal cilíndrica e uma cúpula. O maciço pedestal rústico é cortado por grandes portas e janelas em arco; a parte redonda é dividida por colunas de três quartos emparelhadas em dezesseis pilares com duas fileiras de janelas e nichos alternados. Acima da balaustrada que completa o volume cilíndrico principal, ergue-se uma cúpula encimada por uma lanterna. Expressando plenamente o seu propósito, a austera e monumental biblioteca universitária ocupa, sem dúvida, um dos primeiros lugares entre os melhores monumentos da arquitetura inglesa.

As igrejas londrinas de Gibbs, cuja construção ele continuou depois de Wren e Hawksmoor, também são únicas - a igreja de St. Mary le Strand (1714-1717) de dois andares com um pórtico semicircular na entrada e uma esbelta torre sineira e a igreja de São Martinho nos Campos (1721-1726) com um impressionante pórtico coríntio.

William Chambers (1723-1796) foi um representante consistente do Palladianismo na Inglaterra na segunda metade do século XVIII, quando arquitetos ingleses menores já haviam abandonado tentativas infrutíferas de adaptar os planos das vilas Palladianas às condições do clima inglês e às exigências. do conforto inglês.

Chambers resumiu o estágio passado da arquitetura inglesa em seu tratado de arquitetura e em seu maior edifício, conhecido como Somerset House em Londres (1776-1786). Este edifício monumental, construído sobre arcadas de subestruturas, domina o Strand e o aterro do Tâmisa com as suas fachadas rústicas (a fachada voltada para o rio foi acrescentada posteriormente, no século XIX). A Royal Academy estava localizada nas instalações da Somerset House em 1780.

Último palladiano, Chambers foi o primeiro representante do movimento acadêmico na arquitetura inglesa.

Mas a Somerset House, especialmente a fachada com sua entrada em três arcos do Strand e o majestoso pátio do edifício, encerra dignamente uma grande e brilhante era na história da arquitetura inglesa.

Também são inegáveis ​​os méritos de Chambers no domínio da arquitectura paisagista, onde promoveu o parque paisagístico inglês. Depois de Kent, trabalhou em Kew Park, onde, além dos pavilhões clássicos, construiu um pagode chinês como homenagem à moda europeia de “chineses” e como memória da sua viagem ao Extremo Oriente na sua juventude.

Robert Adam (1728-1792), outro proeminente arquiteto inglês da segunda metade do século XVIII, é frequentemente contrastado com Chambers. Enquanto o conservador Chambers era um guardião estrito das tradições palladianas na arquitetura, Adam, um pregador de "novos gostos", foi até certo ponto um inovador em Arte inglesa. Encarando a antiguidade de uma nova maneira, ao mesmo tempo que prestava especial atenção aos motivos decorativos, ele, nas suas próprias palavras, “revolucionou o ornamento”. Os principais arquitectos ingleses da época, liderados por ele, muito fizeram para que as novas tendências artísticas que perseguia se espalhassem a partir da decoração de interiores (o seu exemplo pode ser o vestíbulo do Castelo Wardour em Wiltshire, criado pelo arquitecto James Payne, ver ilustração ) para móveis, tecidos e porcelanatos.

Um exemplo típico da obra de Adam é o Castelo Kedleston Hall (1765-1770), construído e decorado interiormente segundo um plano palladiano elaborado por outros arquitectos (com alas semicirculares adjacentes ao edifício central). Mas as maiores salas cerimoniais do castelo, localizadas ao longo do eixo principal, pertencem sem dúvida a Adão. O desenho do grande salão, onde atrás das colunas coríntias de mármore artificial que sustentam o teto de estuque, estão estátuas antigas nos nichos das paredes, e o salão abobadado, cujas paredes são dissecadas por nichos e tabernáculos, foi provavelmente inspirado nos monumentos antigos que Adão conheceu durante uma viagem à Dalmácia, onde estudou o palácio de Diocleciano em Split. Ainda em maior medida As técnicas de decoração de outras divisões mais pequenas - tectos e paredes em estuque, decoração de lareiras - responderam a gostos novos e requintados. A graciosa fachada do Boodle Club em Londres (1765) dá uma ideia de como Adam decidiu a aparência do edifício.

A atividade arquitetônica de Robert Adam foi excepcionalmente ampla. Juntamente com os irmãos James, John e William, seus funcionários permanentes, ele construiu ruas, praças e bairros inteiros de Londres. Tendo superado o anterior isolamento palladiano e o isolamento do volume arquitetônico, os irmãos Adam desenvolveram métodos para formar quarteirões integrais da cidade (principalmente edifícios residenciais) com base em um único conjunto arquitetônico. Este é Fitzroy Square, o bairro Adelphi, em homenagem aos próprios irmãos Adam (“adelphos” significa “irmão” em grego). Como resultado da posterior redesenvolvimento e reconstrução da cidade (e também após o bombardeio aéreo durante a Segunda Guerra Mundial), pouco sobreviveu das extensas atividades de construção dos irmãos Adam. Mas as tradições de sua arte mantiveram por muito tempo sua importância na arquitetura inglesa. O estilo já fortemente helenizado dos irmãos Adam encontrou sua continuação no chamado “Renascimento Grego”, cujo início remonta ao final do século XVIII, uma direção que não era criativamente original o suficiente e era em grande parte eclética. Essa direção atingiu seu pleno desenvolvimento na arquitetura inglesa nas primeiras décadas do século XIX seguinte.