Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Michelangelo da Caravaggio(1573-1610) Italian "Lute Player" St. Petersburg, State Hermitage Museum

Kabilang sa mga sikat na obra maestra ng portrait noong panahong iyon ay ang "The Lute Player" Michelangelo da Caravaggio(1573-1610), kung saan ang artist ay bumuo ng isang motif na kinuha mula sa tunay na pang-araw-araw na buhay.

El Greco(1541-1614) Espanya. Larawan ng isang lalaki na nasa dibdib ang kamay

Sa pagtatapos ng ika-16 na siglo sa gawain ng Espanyol na artista El Greco (1541-1614) isang bagong uri ng portrait ang lilitaw, kung saan hindiang karaniwang panloob na konsentrasyon ng isang tao, ang intensity ng kanyangespirituwal na buhay, pagsipsip sa sarili panloob na mundo. Upang gawin ito, ang artist ay gumagamit ng matalim na kaibahan ng ilaw, orihinalkulay, maalog na paggalaw o nakapirming pose. Ang maputla na pahabang mga mukha na nakuha niya ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang espirituwalidad at kakaibang kagandahan.mga mukha na may malaking madilim, tila napakalalim na mga mata.

Monumento kay Peter I ng French sculptor Etienne Maurice Falconet

XIX na siglo ipinakilala ang pagkakaiba-iba ng artistikong panlasa at ang relativity ng konsepto ng kagandahan sa sining ng portraiture. Ang mga makabagong pakikipagsapalaran sa pagpipinta ay nakadirekta na ngayon sa isang rapprochement sa katotohanan, patungo sa paghahanap para sa pagkakaiba-iba ng mga imahe.
Eugene Delacroix(1798-1863). Larawan ni F. Chopin

Sa panahon ng romantikismo, ang isang larawan ay nakikita bilang isang imahe ng panloob na "I" ng isang taong pinagkalooban ng malayang kalooban. Lumilitaw ang tunay na romantikong kalunos-lunos sa larawan ni F. Chopin ng Pranses
romantikong artista Eugene Delacroix(1798-1863).

Sa harap natin ay isang tunay na sikolohikal na larawan, na naghahatid ng simbuyo ng damdamin, sigasig ng kalikasan ng kompositor, ang kanyang panloob na kakanyahan. Ang larawan ay puno ng mabilis, dramatikong paggalaw. Ang epektong ito ay nakakamit sa pamamagitan ng pag-ikot ng figure ni Chopin, ang matinding kulay ng larawan, contrasting chiaroscuro, mabilis, matinding stroke,
isang salungatan ng mainit at malamig na tono.
Ang artistikong istraktura ng larawan ni Delacroix ay kaayon ng musika ng Etude
E major para sa piano ni Chopin. Sa likod ng kanyang kinatatayuan tunay na imahe-tungkol sa-
panahon ng Inang Bayan. Pagkatapos ng lahat, isang araw, nang ang kanyang paboritong estudyante ay naglalaro ng ganitong etude,
Itinaas ni Chopin ang kanyang mga kamay na may bulalas: "Oh, aking Inang Bayan!"
Ang himig ni Chopin, tunay at makapangyarihan, ang kanyang pangunahing paraan ng pagpapahayag, ang kanyang wika. Ang kapangyarihan ng kanyang himig ay nasa lakas nito
epekto sa nakikinig. Ito ay tulad ng isang umuunlad na kaisipan, na katulad ng paglalahad ng balangkas ng isang kuwento o ang nilalaman ng mahalagang kasaysayan.
ika mga mensahe.

Sa portrait art ng XX-XXI na siglo. Sa kondisyon, ang dalawang direksyon ay maaaring makilala. Ang isa sa kanila ay nagpapatuloy sa mga klasikal na tradisyon ng makatotohanang sining, pinupuri ang kagandahan at kadakilaan ng Tao, ang isa ay naghahanap ng bago abstract na mga hugis at mga paraan ng pagpapahayag ng kanyang panloob na mundo.

Makinig kaMga gawaing pangmusika:Chopin Nocturne sa b minor; F. Chopin etude sa E major;

Svetlana Obukhova

Halos walang natitira pang ebidensya tungkol sa buhay ng Cretan Domenico Theotokopouli, ang pintor na sumakop sa Espanyol Toledo sa ilalim ng pangalang El Greco, iyon ay, ang Griyego. Ang "mga kalokohan" ng kanyang karakter at kakaibang pictorial na paraan ay namangha sa marami at pinilit silang kunin ang panulat - ngunit iilan lamang ang mga titik na nakaligtas. Ang isa sa mga ito ay naglalaman ng mga sumusunod na linya: “... ang panahon ay maganda, ang araw ng tagsibol ay malumanay na sumisikat. Nagbigay ito ng kagalakan sa lahat, at mukhang maligaya ang lungsod. Isipin ang aking sorpresa nang pumasok ako sa studio ng El Greco at nakita ko na ang mga shutter sa mga bintana ay sarado, at samakatuwid ay mahirap makita kung ano ang nasa paligid. Si El Greco mismo ay nakaupo sa isang stool, walang ginawa, kundi gising. Ayaw niyang sumama sa akin, dahil ayon sa kanya, ang sikat ng araw ay nakasagabal sa kanyang panloob na liwanag...”

Halos walang natitira pang ebidensiya tungkol kay Domenico na lalaki, tanging umaalingawngaw lamang: na namuhay siya sa engrandeng istilo, nag-iingat ng isang mayamang silid-aklatan, nagbasa ng maraming pilosopo at nagdemanda din sa mga kliyente (mahal nila siya, ngunit mas madalas na hindi naiintindihan), namatay halos sa kahirapan - tulad ng mga manipis na sinag ng liwanag ng araw na pumutok sa mga bitak sa "mga saradong shutters" ng kanyang buhay. Ngunit hindi sila nakakagambala mula sa pangunahing bagay - mula sa panloob na liwanag na pumupuno sa mga kuwadro na gawa ng artist na El Greco. Lalo na ang mga portrait.

Walang mga landscape na nagbubukas sa likod ng taong inilalarawan, walang kasaganaan ng mga detalye na nakakaakit ng isang mausisa na mata. Maging ang pangalan ng bayani ay madalas na naiiwan sa larawan. Dahil ang lahat ng ito ay pipigil sa iyo na makita ang mukha. At ang mga mata, malalim, madilim, diretsong nakatingin sa iyo. Mahirap iwaksi ang iyong sarili mula sa kanila, at kung pipilitin mo ang iyong sarili, ito ay upang makita ang kilos at huminto muli sa pag-iisip.

Ito ang "Portrait of a Cavalier with His Hand on His Chest" (1577-1579), na ipininta ng master ilang sandali matapos siyang lumipat sa Toledo. Ang larawang ito ay kinikilala bilang isa sa pinakamahusay sa pagpipinta ng Espanyol noong ika-16 na siglo. Ang estranghero na si El Greco ay lumikha ng "matingkad na mga larawan ng buhay at kasaysayan ng mga Espanyol", na kumukuha ng "tunay na mga nilalang na nabubuhay, pinagsasama sa kanilang sarili ang lahat ng bagay na dapat hangaan sa ating mga tao, lahat ng kabayanihan at hindi matitinag, kasama ang mga magkasalungat na katangian na hindi maipapakita, nang hindi sinisira ang mismong kakanyahan nito” (A. Segovia). Ang mga aristokrata mula sa mga sinaunang pamilya ng Toledo ay naging tunay na bayani ng El Greco, nakita niya ang kanilang panloob na liwanag - ang kanilang kadakilaan at dignidad, katapatan sa tungkulin, katalinuhan, pagpipino ng mga asal, katapangan, panlabas na pagpigil at panloob na salpok, ang lakas ng puso, na nakakaalam kung para saan ito nabubuhay at namamatay...

Araw-araw, ang mga bisita sa Prado Gallery ay humihinto sa harap ng hindi kilalang hidalgo, nagulat, sa mga salitang: "Tulad ng buhay..." Sino siya, ang kabalyerong ito? Bakit niya binubuksan ang kanyang puso nang buong katapatan? Bakit ang ganda ng mga mata niya? At itong kilos ng panunumpa? At ang hilt ng espada?.. Marahil mula sa mga tanong na ito ay ipinanganak ang isang alamat na ang taong inilalarawan sa larawan ay isa pang dakilang Kastila: si Miguel de Cervantes. Isang mandirigma at manunulat na nagkuwento sa mundo ng isang kabalyero ng malungkot na imahe, na binigyan ng parehong banal na regalo bilang El Greco - upang makita ang mga tao sa nararapat, upang makita ang kanilang panloob na liwanag...

At iba pang mga painting mula sa Prado Museum sa Hermitage...

El Greco "Niyakap ni Kristo ang Krus" 1600 - 1605

Inilalarawan sa backdrop ng isang mabagyong kalangitan na tipikal ng El Greco, niyakap ni Kristo ang krus gamit ang kanyang matikas na mga kamay, nakatingin sa itaas na may kalmadong kapahamakan. Ang pagpipinta ay isang mahusay na tagumpay, at maraming mga bersyon nito ay nilikha sa pagawaan ng El Greco.

El Greco" Banal na pamilya mula sa St. Anna at maliit na si Juan Bautista" ca. 1600 - 1605

Ang huli na panahon ng trabaho ni El Greco ay nailalarawan sa pamamagitan ng paggamit ng mga kulay at pagkislap ng butas; ang espasyo ay ganap na puno ng mga figure na nakakubli sa abot-tanaw. Ang mga form na pininturahan ng isang vibrating brushstroke ay nawawala ang kanilang materyalidad. Tinatawag ng munting Juan Bautista ang manonood na tumahimik upang hindi magambala ang kapayapaan ng sanggol na si Kristo...

Velasquez - Larawan ni Philip IV Larawan ni Haring Philip IV. 1653-1657

Mga pangunahing kaalaman sikolohikal na larawan V sining ng Europa nakasangla pintor ng Espanyol Diego Rodriguez de Silva Velazquez. Ipinanganak siya sa mahirap marangal na pamilya sa Seville, nag-aral kay Herrera the Elder at Pacheco. Noong 1622 una siyang dumating sa Madrid. Sa isang praktikal na kahulugan, ang paglalakbay na ito ay hindi masyadong matagumpay - si Velazquez ay hindi nakahanap ng isang karapat-dapat na lugar para sa kanyang sarili. Inaasahan niyang makilala ang batang si Haring Philip IV, ngunit hindi naganap ang pagpupulong. Gayunpaman, ang mga alingawngaw tungkol sa batang artista nakarating sa korte, at nang sumunod na taon, 1623, inimbitahan ng unang ministro, si Duke de Olivares (katutubo rin ng Seville), si Velazquez sa Madrid upang magpinta ng larawan ng hari. Ang gawaing ito, na hindi pa nakarating sa amin, ay gumawa ng napakagandang impresyon sa monarko na agad niyang inalok kay Velazquez ang posisyon ng court artist. Di-nagtagal, nabuo ang medyo palakaibigang relasyon sa pagitan ng hari at Velazquez, na hindi masyadong tipikal para sa utos na naghari sa korte ng Espanya. Ang hari, na namuno sa pinakadakilang imperyo sa mundo, ay itinuring na hindi isang tao, ngunit isang diyos, at ang pintor ay hindi rin umaasa sa marangal na mga pribilehiyo, dahil siya ay kumikita ng kanyang pamumuhay sa pamamagitan ng paggawa. Samantala, iniutos ni Philip na simula ngayon si Velazquez na lamang ang magpinta ng kanyang mga larawan. Ang dakilang monarka ay nakakagulat na mapagbigay at sumusuporta kay Velazquez. Ang studio ng artist ay matatagpuan sa mga maharlikang apartment, at isang upuan ang inilagay doon para sa Kanyang Kamahalan. Ang hari, na may susi sa pagawaan, ay pumupunta rito halos araw-araw upang obserbahan ang gawa ng pintor. Habang nasa paglilingkod sa hari mula 1623 hanggang 1660, nagpinta si Velazquez ng humigit-kumulang isang dosenang larawan ng kanyang panginoon. Sa mga ito, mahigit 10 paintings na ang nakarating sa amin. Kaya, sa karaniwan, pininturahan ni Velazquez ang kanyang panginoon humigit-kumulang isang beses bawat tatlong taon. Ang pagpipinta ng mga larawan ng hari ay trabaho ni Velazquez, at ginawa niya ang trabaho nang perpekto. Dahil dito, mayroon kaming isang kumplikadong mga gawa na natatangi sa sarili nitong paraan: sa mga larawan ni Velazquez makikita landas buhay Si Haring Philip ay malinaw na naging kaugalian lamang sa panahon ng pagkuha ng litrato. Ang ebolusyon ay malinaw na nakikita sa mga pintura ng pintor. Una, ang hari mismo ay nagbabago, 18 taong gulang sa unang larawan at 50 taong gulang sa huli; ang kanyang mukha ay may tatak ng edad at espirituwal na mga pagbabago. Pangalawa, lumalalim ang pang-unawa ng artista sa kanyang modelo, mula sa mababaw ay nagiging insightful. Sa paglipas ng panahon, ang paraan ng pagpapakita ng modelo ay nagbabago at masining na pamamaraan. Ang paraan ni Velazquez ay nabago sa ilalim ng impluwensya ng kanyang sariling malikhaing paglago, gayundin sa ilalim ng impluwensya ng modernong domestic at dayuhang tradisyon. Ang larawan sa ilalim ng dibdib na ito ay naglalarawan kay Philip IV sa madilim na background, nakasuot ng itim na damit na may puting kwelyo na malinaw na nagha-highlight sa mukha ng monarch. Iniiwasan ni Velazquez ang magarbong karangyaan sa larawan ng hari at ipinakita ang " mukha ng tao» monarka nang walang anumang pambobola o magalang na tuso. Malinaw naming nararamdaman na ang taong nakatingin sa amin mula sa canvas ay hindi masaya, mga nakaraang taon Ang paghahari ay hindi madali para sa hari. Ito ay isang tao na alam ang pagkabigo, ngunit sa parehong oras, ang isang tao na ang laman ay puno ng likas na kadakilaan, na walang anumang maaaring makayanan. Ang isa pang mahusay na artista, isang Kastila hanggang sa kaibuturan, si Pablo Ruiz Picasso, ay nagsabi nito tungkol sa imahe ng hari ng Espanya: "Hindi namin maisip ang isa pang Philip IV maliban sa nilikha ni Velazquez..."

"Larawan ni Haring Philip IV" (c. 1653 - 1657)

Isa sa pinakabagong mga larawan monarko. Nakatutuwang pansinin na walang kahit isang elemento dito na nagsasalita tungkol sa maharlikang katayuan ng taong inilalarawan. Si Velazquez ay nagsilbi kay Philip IV sa halos apatnapung taon - mula 1623 hanggang sa kanyang kamatayan, pagpipinta ng mga larawan ng hari at ng kanyang pamilya, malalaking paksa ng mga canvases para sa Royal Collection.

Diego Velazquez "Portrait of the Jester Don Diego de Acedo" (El Primo) c. 1644

Diego Velazquez "Larawan ni Reyna Marianna ng Austria" 1652-1653

Titian (Tiziano Vecellio) "Venus with Cupid and the Organist" 1555

Tumutugtog ang musikero, nakaupo sa paanan ni Venus at hinahangaan ang hubad na katawan ng diyosa, na nakakagambalang nakikipaglaro kay Cupid. Nakita ng ilan ang pagpipinta na ito bilang isang purong erotikong gawa, habang ang iba ay napagtanto na ito ay simboliko - bilang isang alegorya ng mga damdamin, kung saan ang paningin at pandinig ay nagsisilbing mga kasangkapan para sa kaalaman ng kagandahan at pagkakaisa. Sumulat si Titian ng limang bersyon ng temang ito.

Paolo Veronese (Paolo Cagliari) - "Penitent Mary Magdalene" 1583

Pagkatapos ng kanyang pagbabalik-loob, inialay ni Maria Magdalena ang kanyang buhay sa pagsisisi at panalangin, na humiwalay sa mundo. Sa pagpipinta na ito siya ay inilalarawan na nakatingin sa langit at naliligo sa banal na liwanag. Ang larawan ay pininturahan ng makapal madidilim na kulay, katangian ng istilo ni Veronese sa huling bahagi ng kanyang trabaho. Bago pumasok sa Spanish Royal Collections, ang gawain ay pagmamay-ari ng English King Charles I (isinagawa noong 1649)

Anthony Van Dyck "Larawan ng Isang Tao na may Lute" 1622-1632

Si Anthony Van Dyck ay may utang sa kanyang katanyagan nang tumpak sa genre ng portraiture, na sumasakop sa isang medyo mababang posisyon sa hierarchy ng European painting. Gayunpaman, sa oras na ito isang tradisyon ng portrait art ang nabuo na sa Flanders. Si Van Dyck ay nagpinta ng daan-daang portrait, ilang self-portrait, at naging isa sa mga lumikha ng ika-17 siglong istilo ng ceremonial portraiture. Sa mga larawan ng kanyang mga kontemporaryo, ipinakita niya ang kanilang intelektwal, emosyonal na mundo, espirituwal na buhay, at buhay na pagkatao ng tao.
Ayon sa kaugalian, ang modelo para sa larawang ito ay itinuturing na si Jacob Gautier, isang luteist sa korte ng Ingles mula 1617 hanggang 1647, ngunit ang pagkakaroon ng isang espada, at sa sa mas malaking lawak, ang mga estilistang katangian ng akda ay nagpapahiwatig na dapat itong mag-date nang mas maaga kaysa sa paglalakbay ni Van Dyck sa London, na nagdududa sa teoryang ito. Ang pagkakaroon ng isang instrumentong pangmusika ay hindi nangangahulugang ang modelo ay isang musikero. Bilang isang simbolo, ang mga instrumentong pangmusika ay madalas na inilalarawan sa mga larawan bilang isang indikasyon ng intelektwal na pagiging sopistikado at pagiging sensitibo ng paksa.

Juan Bautista Maino "Adoration of the Shepherds" 1612-1614

Isa sa mga obra maestra ni Maino. Sa koleksyon Ermita ng Estado May isa pang bersyon ng kwentong ito na isinulat ni Maino. Ang artista ay ipinanganak sa Pastrana (Guadalajara) at nanirahan sa Roma mula 1604 hanggang 1610. Ang akdang ito, na isinulat sa kanyang pagbabalik sa Espanya, ay nagpapakita ng impluwensya ng Caravaggio at Orazio Gentileschi. Noong 1613, si Maino ay naging miyembro ng Dominican Order, at ang pagpipinta ay kasama sa siklo ng altar ng Monasteryo ni San Pedro na Martir sa Toledo.

Georges de Latour "The Blind Musician with a Hurdy-Hurdy" approx. 1625- 1630

Isinalarawan ni Latour ang isang matandang bulag na musikero na tumutugtog ng hurdy-gurdy. Ilang beses niyang inulit ang plot na ito. Ang artista, na nagtrabaho sa ilalim ng impluwensya ng istilo ni Caravaggio, ay masigasig na nagpaparami ng mga detalye - ang pattern ng dekorasyon ng isang instrumentong pangmusika, ang mga kulubot sa mukha ng isang bulag, ang kanyang buhok.

Peter Paul Rubens, Jacob Jordaens "Perseus Freeing Andromeda" Tinatayang. 1639-1640

Francisco de Goya "Larawan ni Ferdinand VII" 1814-1815

Matapos ang pagkatalo ni Napoleon noong 1814, bumalik si Ferdinand VII sa trono ng Espanya. Ang larawan ay nagpapakita sa kanya sa isang maharlikang damit na may linya na may ermine, na may isang setro at ang mga order ni Carlos III at ang Golden Fleece.
Si Ferdinand VII, na namuno sa bansa hanggang 1833, ay nagtatag ng Prado Museum noong 1819.

Francisco de Goya "Maria von Santa Cruz" 1805

Si Maria von Santa Cruz, asawa ng unang direktor ng Prado, ay isa sa mga pinaka iginagalang na kababaihan sa Espanya noong kanyang panahon.
Sa isang larawan noong 1805, inilarawan ni Goya ang Marquise bilang isang muse tula ng liriko Nakahiga si Euterpe sa isang sofa at may hawak na lira sa kaliwang kamay. Ang pagpili ng partikular na imaheng ito ay dahil sa hilig ng marquise para sa tula.

Francisco Goya - "Autumn (Pag-aani ng Ubas)" 1786 - 1787

Francisco GOYA - "Pag-aani ng Ubas" fragment

Noong 1775 - 1792, lumikha si Goya ng pitong serye ng mga tapestri ng karton para sa mga palasyo ng Escorial at Prado sa labas ng Madrid. Ang pagpipinta na ito ay partikular na kabilang sa serye ng mga panahon at inilaan para sa silid-kainan ng Prinsipe ng Asturias sa Prado. Inilarawan ni Goya klasikong balangkas bilang isang pang-araw-araw na eksena na sumasalamin sa likas na katangian ng relasyon sa pagitan ng iba't ibang klase - ang pagpipinta ay naglalarawan sa mga may-ari ng isang ubasan kasama ang kanilang anak at dalaga.

Francisco Goya "Larawan ni Heneral José de Urrutia" (c. 1798)

José de Urrutia (1739 - 1809) - isa sa pinakakilalang pinuno ng militar ng Espanya at ang tanging opisyal ng hukbo na hindi aristokratikong pinagmulan noong ika-18 siglo na umabot sa ranggo ng kapitan heneral - ay inilalarawan kasama ang Order of St. George, na ay iginawad sa kanya ng Russian Empress Catherine the Great para sa kanyang pakikilahok sa pagkuha ng Ochakov sa panahon ng kampanya ng Crimean noong 1789.

Peter Paul Rubens "Portrait of Marie de' Medici." OK. 1622-1625.

Si Maria Medici (1573 - 1642) ay anak ng Grand Duke ng Tuscany Francesco I. Noong 1600 siya ay naging asawa ng haring Pranses na si Henry IV. Mula 1610 siya ay naging regent para sa kanyang anak na lalaki, ang hinaharap na Hari Louis XIII. Inatasan niya ang isang serye ng mga gawa mula kay Rubens na niluluwalhati ang kanyang sarili at ang kanyang yumaong asawa. Ang larawan ay nagpapakita ng Reyna na nakasuot ng headdress ng isang balo at isang hindi natapos na background.

Domenico Tintoretto "Babaeng Nagpapakita ng Kanyang mga Suso" Tinatayang. 1580-1590

Vicente Lopez Portanha "Larawan ni Felix Maximo Lopez, unang organista ng Royal Chapel" 1820

Espanyol na neoclassical na pintor, na nagpapanatili ng mga bakas ng istilong Rococo. Si Lopez ay itinuturing na isa sa mga pinakamahusay na pintor ng larawan sa kanyang panahon, pangalawa lamang kay Francisco de Goya. Nagsimula siyang mag-aral ng pagpipinta sa Valencia sa edad na 13, at sa loob ng apat na taon ay nanalo siya ng ilang mga unang premyo sa Academy of San Carlos, na nagkamit sa kanya ng scholarship para mag-aral sa prestihiyosong Royal Academy ng kabisera. sining San Fernando. Pagkatapos ng kanyang pag-aaral, nagtrabaho si Lopez ng ilang taon sa workshop ni Mariano Salvador Maella, ang kanyang guro. Noong 1814, pagkatapos ng pananakop ng mga Pranses, si Lopez ay maayos na sikat na artista, samakatuwid, ipinatawag siya ng Haring Espanyol na si Ferdinand VII sa Madrid at hinirang siya bilang opisyal na artista sa korte, sa kabila ng katotohanan na ang "unang maharlikang artista" noong panahong iyon ay si Francisco Goya mismo. Si Vicente Lopez ay isang prolific artist, nagpinta siya ng mga painting sa mga paksang relihiyoso, alegoriko, historikal at mitolohiya, ngunit, higit sa lahat, siya ay, siyempre, isang pintor ng larawan. Sa kanyang mahabang karera, nagpinta siya ng mga larawan ng halos lahat sikat na Tao sa Espanya noong unang kalahati ng ika-19 na siglo.
Ang larawang ito ng unang organista ng royal chapel at ang sikat na musikero at kompositor ay ipininta ilang sandali bago mamatay ang artista, at kinumpleto ng kanyang panganay na anak na si Ambrosio Lopez.

Anton Raphael Mengs "Larawan ni Maria Luisa ng Parma, Prinsesa ng Asturias" 1766

Juan Sanchez Cotan "Still life with game, vegetables and fruits" 1602

Si Don Diego de Acedo ay nasa korte mula noong 1635. Bilang karagdagan sa "paglilingkod sa buffoon," naglingkod siya bilang isang maharlikang mensahero at namamahala sa selyo ng hari. Tila, ang mga libro, papel at mga instrumento sa pagsulat na inilalarawan sa larawan ay nagsasalita tungkol sa mga aktibidad na ito. Ito ay pinaniniwalaan na ang larawan ay ipininta sa Fraga, lalawigan ng Huesca, sa panahon ng paglilibot ni Philip IV sa Aragon, kung saan siya ay sinamahan ni Diego de Acedo. Sa background ay tumataas ang tuktok ng Malicios ng hanay ng bundok ng Guadarrama.

Hieronymus Bosch "Pagkuha ng Bato ng Katangahan" c. 1490

Ang satirical scene na may mga figure laban sa background ng landscape ay naglalarawan ng isang operasyon upang alisin ang "bato ng katangahan." Ang inskripsiyon sa font na Gothic ay kababasahan: "Guro, alisin mo kaagad ang bato. Ang pangalan ko ay Lubbert Das." Ang Lubbert ay isang karaniwang pangngalan na nagsasaad ng kamangmangan at pagiging simple. Ang isang siruhano na may suot na headdress sa anyo ng isang baligtad na funnel, na sumisimbolo sa kamangmangan, "tinatanggal" ang isang bato (water lily) mula sa ulo ng isang mapang-akit na pasyente at humihingi ng mapagbigay na pagbabayad mula sa kanya. Noong panahong iyon, naniniwala ang mga simpleng isip na isang bato sa ulo ang may kasalanan sa kanilang katangahan. Ito ang sinamantala ng mga charlatan.

Raphael (Raffaello Santi) "Ang Banal na Pamilya na may Kordero" 1507

Tinutulungan ni Maria ang maliit na Kristo na umupo sa tupa - isang simbolo ng Kristiyano ng darating na Pasyon ni Kristo, at St. Pinagmamasdan sila ni Joseph. Ang pagpipinta ay ipininta sa Florence, kung saan pinag-aralan ng artist ang gawa ni Leonardo da Vinci, na naiimpluwensyahan ng kanyang mga komposisyon kasama ang Banal na Pamilya. Sa Prado Museum ito ang tanging gawa ni Raphael na ipininta noong unang panahon.

Albrecht Durer "Larawan ng Isang Hindi Kilalang Lalaki" Tinatayang. 1521

Pag-aari ang portrait late period Ang pagkamalikhain ni Dürer. Ipininta sa paraang katulad ng istilo ng mga Dutch artist. Ang isang sumbrero na may malawak na labi ay nakakakuha ng pansin sa mukha ng taong inilalarawan; ang liwanag na bumabagsak mula sa kaliwa ay nakatuon sa atensyon ng manonood dito. Ang pangalawang pokus ng pansin sa larawan ay ang mga kamay, at pangunahin ang kaliwa, kung saan ang hindi kilalang tao ay may hawak na isang scroll - tila nagpapaliwanag ng kanyang katayuan sa lipunan.

Rogier van der Weyden "Panaghoy" Tinatayang. 1450

Ang modelo ay ang altar triptych para sa monasteryo ng Miraflores (ipinapanatili sa galerya ng sining Berlin), na nilikha ni Van der Weyden nang mas maaga kaysa sa 1444 at inulit na may ilang mga pagkakaiba. Sa bersyong ito na may idinagdag sa isang hindi kilalang panahon itaas na bahagi Maria, Kristo, St. Si John at ang donor (customer ng painting) - isang miyembro ng pamilyang Broers - ay inilalarawan sa parehong espasyo. Ang artista ay nagpapahayag ng kalungkutan ng Ina ng Diyos, na nakahawak sa katawan ng kanyang patay na anak sa kanyang dibdib. Ang kalunos-lunos na grupo sa kaliwa ay ikinukumpara sa pigura ng donor, na pinaghihiwalay ng isang bato. Siya ay nasa isang estado ng madasalin na konsentrasyon. Sa oras na iyon, madalas na hinihiling ng mga customer na ilarawan ang kanilang sarili sa mga kuwadro na gawa. Ngunit ang kanilang mga imahe ay palaging pangalawa - sa isang lugar sa background, sa karamihan ng tao, atbp. Dito ang donor ay inilalarawan sa harapan, ngunit nahihiwalay mula sa pangunahing grupo sa pamamagitan ng bato at kulay.

Alonso Cano "Namatay na Kristo na suportado ng isang anghel" c. 1646 - 1652

Sa likuran ng tanawin ng takip-silim, inaalalayan ng isang anghel ang walang buhay na katawan ni Kristo. Ang hindi pangkaraniwang iconograpya ng pagpipinta na ito ay ipinaliwanag sa pamamagitan ng katotohanan na hindi ito nauugnay sa mga tekstong evangelical, ngunit sa tinatawag na Kristo ng St. Gregory. Ayon sa alamat, nakita ni Pope Gregory the Great ang isang pangitain ng patay na Kristo na sinusuportahan ng dalawang anghel. Iba ang interpretasyon ni Kano sa balangkas na ito - isang anghel lamang ang sumusuporta sa hindi gumagalaw na katawan ni Kristo.

Bartolome Esteban Murillo "Our Lady of the Rosary" Approx. 1650 -1655

Pagkamalikhain ni Bartolome Esteban Murillo nagtatapos sa ginintuang panahon ng pagpipinta ng Espanyol. Ang mga gawa ni Murillo ay hindi nagkakamali sa komposisyon, mayaman at magkatugma sa kulay at sa sa pinakamataas na kahulugan ang ganda ng mga salita. Ang kanyang mga damdamin ay palaging taos-puso at maselan, ngunit sa mga pagpipinta ni Murillo ay wala na ang espirituwal na kapangyarihan at lalim na nakakabigla sa mga gawa ng kanyang mga nakatatandang kontemporaryo. Ang buhay ng artista ay konektado sa kanyang katutubong Seville, bagaman kailangan niyang bisitahin ang Madrid at iba pang mga lungsod. Nag-aral sa ilalim ng lokal na pintor na si Juan del Castillo (1584-1640), si Murillo ay nagtrabaho nang husto sa mga order mula sa mga monasteryo at mga templo. Noong 1660 siya ay naging pangulo ng Academy of Fine Arts sa Seville.
Sa kanyang mga pagpipinta ng mga paksang panrelihiyon, hinangad ni Murillo na magbigay ng kaaliwan at katiyakan. Hindi nagkataon na madalas niyang ipininta ang imahe ng Ina ng Diyos. Ang imahe ni Mary ay lumipas mula sa pagpipinta hanggang sa pagpipinta sa anyo ng isang magandang batang babae na may regular na mga tampok ng mukha at isang kalmadong tingin. Ang kanyang inosenteng hitsura ay dapat na pumukaw ng isang pakiramdam ng matamis na lambing sa manonood. Sa pagpipinta na ito, inilarawan ni Bartolome Murillo ang Madonna at Jesus na may rosaryo, tradisyonal na rosaryo ng Katoliko, ang panalangin kung saan ibinigay pinakamahalaga sa panahon ng artista. Sa gawaing ito, ang mga tampok ng naturalismo na nanaig sa mga gawa ng mga kinatawan ng paaralan ng Seville noong unang kalahati ng ika-17 siglo ay kapansin-pansin pa rin, ngunit ang estilo ng pagpipinta ni Murillo ay mas malaya kaysa sa kanyang maagang trabaho. Ang malayang paraan na ito ay lalong maliwanag sa paglalarawan ng belo ni Birheng Maria. Gumagamit ang pintor ng maliwanag na liwanag upang i-highlight ang mga pigura sa isang madilim na background at lumikha ng kaibahan sa pagitan ng mga maselan na tono ng mukha ng Birheng Maria at ng katawan ng batang si Kristo at ang malalim na mga anino sa mga fold ng mga tela.
Sa 17th-century Andalusia, ang imahe ng Birhen at Bata ay partikular na hinihiling. Murillo, kung saan malikhaing buhay naganap sa Seville, nagpinta ng maraming gayong mga pagpipinta, na puno ng lambing. Sa kasong ito, ang Ina ng Diyos ay inilalarawan na may rosaryo. At dito, as in mga unang taon ng kanyang trabaho, ang artista ay nananatiling tapat sa kanyang pagkahilig para sa mga kaibahan ng liwanag at anino.

Bartolome Esteban Murillo" Mabuting Pastol" 1655-1660

Ang larawan ay puno ng malalim na liriko at kabaitan. Ang pamagat ay kinuha mula sa Ebanghelyo ni Juan: "Ako ang mabuting pastol." Sinasabi nito na ang pagpipinta ay naglalarawan kay Kristo, kahit na sa karamihan maagang edad. Lahat sa pelikula ni Murillo ay maganda at simple. Gustung-gusto ng artista na magpinta ng mga bata, at inilagay niya ang lahat ng pag-ibig na ito sa kagandahan ng imahe ng batang ito-Diyos. Noong 1660-1670s, sa panahon ng kasagsagan ng kanyang mga kasanayan sa pagpipinta, hinangad ni Murillo na gawing tula ang kanyang mga karakter, at madalas siyang inakusahan ng ilang sentimentalidad sa kanyang mga imahe at ang kanilang sadyang kagandahan. Gayunpaman, ang mga paninisi na ito ay hindi ganap na patas. Ang batang inilalarawan sa pagpipinta ay makikita pa rin ngayon sa Seville at sa mga nakapaligid na nayon. At tiyak dito na ipinakita ang demokratikong oryentasyon ng gawa ng artista - sa pagtutumbas ng kagandahan ng Madonna sa kagandahan ng mga ordinaryong kababaihang Espanyol, at sa kagandahan ng kanyang anak, maliit na Kristo, sa kagandahan ng mga urchin sa lansangan.

Alonso Sanchez Coelho “Larawan ng Infantes Isabella Clara Eugenia at Catalina Micaela” 1575

Makikita sa larawan ang prinsesa, na may edad na walo at siyam, na may hawak na korona ng mga bulaklak. Si Sánchez Coelho ay nagpinta ng mga larawan ng mga infantas - ang minamahal na mga anak na babae ni Haring Philip II at ang kanyang ikatlong asawa na si Isabella Valois - mula sa murang edad. Ang lahat ng mga larawan ay ginawa alinsunod sa mga canon ng isang larawan ng korte - mga batang babae sa kahanga-hangang mga damit at may walang emosyon na mga ekspresyon ng mukha.

Anton Rafael Mengs. Larawan ni Haring Carlos III. 1767

Si Charles III ay tinawag na marahil ang tanging tunay na naliwanagang monarko sa kasaysayan ng Espanya. Siya ang nagtatag ng Prado Museum noong 1785, una bilang isang museo likas na kasaysayan. Pinangarap ni Charles III na ang Prado Museum, kasama ang mga kalapit na botanical garden, ay magiging sentro ng siyentipikong edukasyon.
Ang pag-akyat sa trono, nagsimula siyang magsagawa ng malubhang pampulitika at mga reporma sa ekonomiya, na lubhang kailangan ng bansa noong panahong iyon. Gayunpaman, ang kanyang mga pagsisikap ay walang kabuluhan - ang kanyang anak na si Charles IV ay hindi nagbahagi ng mga progresibong pananaw ng kanyang ama, at pagkamatay ni Charles III, natapos ang mga reporma.
Ang larawang ito ay ganap na tipikal sa panahon nito. Sa bawat detalye, binibigyang pansin ng artist ang posisyon na inookupahan ng modelo: isang mantle na pinutol ng ermine, isang Maltese cross na nababalutan ng mga hiyas, makintab na baluti - kailangang-kailangan na mga katangian ng royal grandeur. Ang luntiang drapery at pilaster (isang elemento ng klasikal na arkitektura) ay isang tradisyonal na backdrop para sa gayong mga larawan.
Ngunit nasa larawan na ito ay nakakagulat kung paano ipinakita ang mukha ng modelo. Si Mengs ay hindi nagtangkang payatin ang bulbous na ilong ng hari o pakinisin ang mga tupi sa kanyang kulubot na pisngi. Salamat sa maximum individuality, ang pagpipinta na ito ay lumilikha ng isang pakiramdam ng buhay na hindi makamit ng mga nauna kay Meng. Ang larawan ay nagpapadama sa iyo ng simpatiya para kay Carlos III, na handang "ipakita" ang kanyang hindi perpektong hitsura.

Antoine Watteau "Pista sa Parke" ca. 1713 - 1716

Ang kaakit-akit na eksenang ito - tipikal na sample"gallant holidays" ni Watteau. Maliwanag na fog na nagpapalabo sa mga balangkas, isang estatwa ng Neptune na halos nakatago sa mga dahon sa itaas ng fountain at isang kupas na gintong kulay - lahat ng ito ay naghahatid ng isang kapaligiran ng matinding ngunit panandaliang kasiyahan.
Ang pagpipinta ay pag-aari ni Isabella Farnese, ang pangalawang asawa ni King Philip V.

Antonio Carnicero "Pagtaas ng Hot Air Balloon sa Aranjuez" c. 1784

Ang pagpipinta ay inatasan ng Duke at Duchess ng Haussouin at kinukuha ang diwa ng Edad ng Enlightenment, na pumukaw ng interes sa mga tagumpay ng siyentipikong pag-unlad. Nakalarawan totoong pangyayari: noong 1784, sa Royal Gardens ng Aranjuez, sa presensya ng monarko, mga miyembro ng kanyang pamilya at courtiers, isang hot air balloon flight ang ginawa. Nakilala si Antonio Carnicero sa kanyang magagandang eksena sa genre, at ang pagpipinta na ito ay isa sa kanyang pinakaambisyoso na mga gawa.

Jose de Madrazo y Agudo "Pag-ibig sa Langit at Pag-ibig sa Lupa" 1813

Francisco de Zurbaran "Agnus Dei. Kordero ng Diyos" 1635-1640

Ang isang tupa ay nakahiga sa isang kulay-abo na mesa, na nakatayo nang husto laban sa madilim na background sa matalim na nakatutok na maliwanag na liwanag. Ang sinumang tao sa ika-17 siglo ay agad na makikilala siya bilang ang “kordero ng Diyos” at mauunawaan na ito ay isang parunggit sa pagsasakripisyo sa sarili ni Kristo. Ang lana ng tupa ay kamangha-mangha ang pagkakagawa at tila napakalambot na mahirap alisin ang iyong mga mata sa hayop at gusto mo itong hawakan.

Juan Pantoja de la Cruz "Larawan ni Reyna Isabella ng Valois" c. 1604 – 1608

Ipininta ni Pantoja de la Cruz ang larawang ito, na inuulit ang gawa ni Sofonisba Angishola - ang orihinal na sinunog sa palasyo noong 1604. Nagdagdag lamang ang artista ng kapa na gawa sa balahibo ng marmot sa kasuotan ng reyna.
Si Sofonisba Angishola ay isang pintor mula sa Cremona na nagtrabaho sa korte ng Espanya. Ito ang unang larawan ng batang reyna sa isang serye ng artista. Ang pagpipinta ay pininturahan sa paraang malapit sa Espanyol, ngunit sa mas mainit at mas magaan na kulay.

Jean Rann "Larawan ni Carlos III Bilang Bata" 1723

Luis Melendez "Still Life with a Box of Sweets, Pretzel and Other Items" 1770

Ang pinakadakilang master ng Spanish still life noong ika-18 siglo, si Luis Melendez ay ipinanganak sa Italya, sa pamilya ng isang miniaturist artist mula sa Asturias. Noong 1717, lumipat ang pamilya sa Madrid, kung saan pumasok ang binata sa preparatory department ng Academy of San Fernando, at kinuha ang unang lugar sa mga pinakamahuhusay na estudyante nito. Gayunpaman, noong 1747 napilitan siyang umalis sa Academy, kasunod ng kanyang ama, na pinatalsik mula dito bilang resulta ng salungatan. Sa panahong ito, muling bumisita si Melendez sa Italya. Sa simula ay tinulungan niya ang kanyang ama, siya ay naging isang miniaturist, at pagkabalik mula sa Italya, siya ay inanyayahan ni Ferdinand VI upang ilarawan ang mga aklat sa Royal Chapel ng Madrid. Sa genre ng still life, na binalingan ng artist noong unang bahagi ng 1760s, isang bagong aspeto ng kanyang trabaho ang lumitaw.
Ipininta ang still life na ito mature period pagkamalikhain ng artista. Sa oras na ito, lumitaw ang mga luxury item at silverware sa kanyang mga komposisyon. Ngunit, gayunpaman, ang artista ay sumusunod pa rin sa kanyang mga mithiin at gumagana alinsunod sa tradisyon ng genre. Ang materyal na tangibility ng bawat isa sa mga bagay na ipininta sa canvas ay nagpapaalala sa atin ng pinakamahusay na mga halimbawa ng still life sa mundong sining. Tangible malinaw na salamin Ang salamin ay makikita sa matte na makintab na ibabaw ng isang silver vase. Isang malambot na pretzel sa isang puting napkin na tila amoy bagong lutong tinapay. Mapurol na kumikinang ang leeg ng isang selyadong bote. Ang isang pilak na tinidor ay bahagyang nakausli sa gilid ng iluminadong mesa. Sa komposisyon ng still life na ito ay walang ascetic na pag-aayos ng mga bagay sa isang hanay, katangian, halimbawa, ng still lifes ni Zurbaran. Marahil ito ay may isang bagay na karaniwan sa mga sample ng Dutch. Ngunit ang tono ay mas madilim, mayroong mas kaunting mga bagay at ang komposisyon ay mas simple.

Juan de Arellano "Basket of Flowers" 1670

Pintor ng Spanish Baroque, na dalubhasa sa paglalarawan ng mga floral arrangement, ipinanganak sa Santorcas noong 1614. Sa una ay nag-aral siya sa studio ng isang hindi kilalang artista ngayon, ngunit sa edad na 16 lumipat siya sa Madrid, kung saan nag-aral siya kay Juan de Solis, isang pintor na nagsagawa ng mga komisyon para kay Reyna Isabella. Juan de Arellano sa mahabang panahon nabuhay sa maliliit na order, kabilang ang mga pagpipinta sa dingding, hanggang sa nagpasya siyang mag-focus ng eksklusibo sa pagpipinta ng mga bulaklak at nagsimula ganap na master sa lugar na ito. Ito ay pinaniniwalaan na ang master ay nagsimula sa pamamagitan ng pagkopya ng mga gawa ng iba, lalo na ang Italyano, mga artista; Ang Flemish ay nagdagdag ng kagandahan at kahigpitan sa kanyang istilo. Nang maglaon, idinagdag niya ang kanyang sariling mga ideya sa komposisyon at isang katangian na paleta ng kulay sa kumbinasyong ito.
Ang medyo simpleng komposisyon ng still life na ito ay katangian ni Arellano. Ang mga dalisay at matinding kulay ng halaman ay namumukod-tangi sa isang neutral na kayumangging background dahil sa matinding pag-iilaw.