Poesia sobre poesia: séculos de ouro e prata da cultura russa Introdução ao plano. Duas épocas O tema da poesia nas obras de alguns autores: Alexander Sergeevich Pushkin Valery Bryusov Mikhail Yuryevich Lermontov Anna Akhmatova Vladimir Solovyov Vladimir Vladimirovich Mayakovsky Conclusão Fontes Isenção de responsabilidade (renúncia)

Em geral, acredito que qualquer análise de uma obra literária, incluindo (e mais ainda!) um poema, é uma destruição, um embrutecimento do conteúdo figurativo original, que não só não ajuda a sentir o que o autor colocou, mas, pelo contrário, impede que o façamos. Tais métodos são mais adequados para a história, mas a literatura deve ser sentida. Esta, claro, é apenas a minha opinião, mas ainda neste trabalho tentarei fazer com que haja o mínimo de análise possível, mas haverá poemas propriamente ditos, poemas, poemas novamente e um pouco do meu quase histórico e comentários quase literários.

Introdução. Duas eras

O estudo e comparação de poesias de duas épocas diferentes é impensável sem ligação com a história - com aqueles acontecimentos que, por vezes, influenciaram decisivamente os destinos e visões de mundo dos poetas.

Assim, os séculos de Ouro e Prata, dois “renascimentos russos”, dois lampejos de luz entre milênios de escuridão e cinza.…

O século XIX é, obviamente, Guerra Patriótica 1812, que poderia ser chamada de “guerra mundial zero”, a Batalha de Borodino, o confronto entre ocidentais e eslavófilos, a revolta dezembrista, as reformas de Alexandre II, a abolição da servidão, a Guerra da Crimeia, a defesa de Sebastopol, o populismo. .. Estes são os nomes de Pushkin, Lermontov, Nekrasov, Gogol, Tolstoi, Turgenev, Dostoiévski, Tolstoi, Solovyov...

O século XX, ou melhor, o seu início, é completamente diferente, mas igualmente contraditório. Os principais acontecimentos aqui: duas revoluções que viraram toda a Rússia de cabeça para baixo, que podem ser comparadas nem mesmo a uma tempestade, mas à queda de um enorme meteorito ou cometa. Muitas tendências estão surgindo na literatura, e principalmente na poesia: do simbolismo, que demorou muito desde a Idade de Ouro, ao futurismo, que exige “abandonar Pushkin, Dostoiévski, Tolstoi, etc. e assim por diante. do Barco a Vapor da Modernidade” (do almanaque “Um tapa na cara do gosto público”).

Havia diferentes direções e escolas, diferiam em muitos aspectos, mas alguns temas atraíram a atenção de todos os poetas. Uma delas é sobre o propósito da criatividade e, na verdade, da vida do próprio Poeta... Pode-se dizer que a poesia é sobre poesia...

Alexander Sergeevich Pushkin (1799-1836)

Talvez a atitude de Pushkin em relação ao nosso tema possa ser vista mais claramente em seus poemas “Eco”, “Profeta” e “Monumento”. Sem seguir a cronologia, vamos começar com “Echo”:

A fera ruge na floresta profunda,
A buzina toca, o trovão ruge,
A donzela atrás da colina está cantando?
Para cada som...
Sua resposta no ar vazio
Você vai dar à luz de repente

Você ouve o rugido do trovão,
E a voz da tempestade e das ondas,
E o grito dos pastores rurais -
E você envia uma resposta;
Você não tem nenhum feedback... É isso
E você, poeta!

Aqui estamos falando do lado “técnico” da questão: a tarefa do poeta é refletir este mundo, com toda a sua beleza e feiúra, com todos os seus paradoxos e contradições, sem inventar nada, mas apenas refratando a realidade através de si mesmo. Há um certo indício do destino trágico do poeta: este tema, então desenvolvido por Lermontov, é representado por apenas um verso: “Você não tem resposta...”

Não há aqui uma palavra sobre o significado social da arte... Este tópico aparecerá mais tarde, em “Monumento”, mas falaremos mais sobre isso abaixo. Agora gostaria de relembrar o poema “Profeta”, que tem conceito próximo de “Eco”:

Profeta

Somos atormentados pela sede espiritual,
No deserto escuro eu me arrastei, -
E o serafim de seis braços
Ele apareceu para mim em uma encruzilhada.
Com dedos leves como um sonho,
Ele tocou meus olhos.
Os olhos proféticos se abriram,
Como uma águia assustada.
Ele tocou meus ouvidos,
E eles estavam cheios de barulho e toque:
E ouvi o céu tremer,
E o vôo celestial dos anjos,
E o réptil do mar debaixo d'água,
E a vegetação da videira distante,
E ele veio aos meus lábios
E meu pecador arrancou minha língua,
E ocioso e astuto,
E a picada da cobra sábia
Meus lábios congelados
Ele colocou com a mão direita ensanguentada.
E ele cortou meu peito com uma espada,
E tirou meu coração trêmulo
E carvão ardendo com fogo,
Empurrei o buraco no meu peito.
Fiquei deitado como um cadáver no deserto.
E a voz de Deus me chamou:
“Levanta-te, profeta, e vê e ouve,
Seja cumprido pela minha vontade
E, contornando mares e terras,
Queime o coração das pessoas com o verbo

A identificação do poeta com o profeta muda um pouco as ideias clássicas: não existe musa, mas existe uma “voz de Deus”, chamando com um “verbo” para queimar “o coração das pessoas”, a fonte de inspiração é Deus , e o poeta responde apenas a Deus. Outro sentimento: a dor, a incrível complexidade de se tornar Poeta também é muito característica deste tema.

O poema “Monumento” ocupa um lugar especial na obra de Pushkin e, em geral, no tema “poeta e poesia”

Monumento

Exegi monumentum

Ergui um monumento para mim mesmo, não feito por mãos,
O caminho do povo até ele não será coberto de vegetação,
Ele subiu mais alto com sua cabeça rebelde
Pilar Alexandrino.

Não, tudo em mim não morrerá - a alma está na preciosa lira
Minhas cinzas sobreviverão e a decadência escapará -
E serei glorioso enquanto estiver no mundo sublunar
Pelo menos um piit estará vivo.

Rumores sobre mim se espalharão por toda a Grande Rússia,
E toda língua que estiver nele me chamará,
E o orgulhoso neto dos eslavos, e do finlandês, e agora selvagem
Tunguz e amigo das estepes Kalmyk.

E por muito tempo serei tão gentil com as pessoas,
Que despertei bons sentimentos com minha lira,
Que na minha idade cruel eu glorifiquei a liberdade
E ele pediu misericórdia para os caídos.

Pelo comando de Deus, ó musa, seja obediente,
Sem medo de insultos, sem exigir uma coroa,
Elogios e calúnias foram aceitos com indiferença,
E não desafie um tolo

Por que este poema merece nossa atenção especial? Por vários motivos: primeiro, foi escrito em 1836 e, na verdade, resume toda a vida do poeta. Muito se fala aqui: sobre a imortalidade da arte, sobre seus objetivos (“E por muito tempo serei tão gentil com as pessoas / Esses sentimentos tipo Acordei com a lira…”), o tema do dom Divino abordado em “O Profeta” (“Pelo comando de Deus, ó musa, seja obediente”) é repetido, e não apenas isso.

Em segundo lugar, este um de traduções de “Ad Melpomena” (“To Melpomene”) de Horácio, portanto, existem muitos poemas semelhantes na literatura russa, e comparações podem ser feitas facilmente usando seu exemplo. Assim, tendo jogado “Monumento” como uma ponte (desculpe o trocadilho), passamos para a Idade da Prata: Valery Bryusov.

Monumento a Valery Bryusov (1873–1924)

Meu monumento está de pé, composto de estrofes consonantais.

Já desde o primeiro verso sente-se a diferença do poema de Pushkin: aqui o monumento é “composto de estrofes consonantais” - este é o legado do poeta, seus poemas. Pushkin estava mais próximo do significado original desta palavra: seu monumento é uma memória dos méritos do poeta, ou seja, as consequências de seus poemas, e não dos poemas em si.

Grite, fique furioso - você não será capaz de derrubá-lo!

A nota de luta, de oposição a algo, como veremos mais adiante, é muito característica da Idade de Prata. Isto não é surpreendente - embora Pushkin tenha escrito sobre sua época como “cruel”, em termos de turbulência ela não pode ser comparada com a virada dos séculos XIX e XX. Aparentemente, já naquela época se sentia o clima de “falta de liberdade de expressão”, quando poeta é a profissão mais perigosa para uma pessoa...

As seguintes linhas são características do simbolismo:

E todos os acampamentos são lutadores e pessoas de gostos diferentes,
No armário do pobre e no palácio do rei,

Estamos aqui a falar do facto de a poesia (será/deverá ser) compreensível para todas as pessoas, independentemente da nacionalidade, estatuto social e outros atributos artificiais.

Alegrem-se, eles vão me chamar de Valery Bryusov,
Falando sobre amizade com um amigo.

A personificação, a individualidade, expressa na menção direta do nome do autor, também é característica do simbolismo.

Aqui está outro poema de Bryusov, característico de sua época:

Para o jovem poeta

Um jovem pálido com um olhar ardente,
Agora eu lhe dou três alianças:
Primeiro aceite: não viva no presente,
Somente o futuro é domínio do poeta.

Lembre-se da segunda: não simpatize com ninguém,
Ame-se infinitamente.
Terceira fortaleza: arte de adoração
Só para ele, sem pensar, sem rumo.

Um jovem pálido com um olhar confuso!
Se você aceitar meus três convênios,
Silenciosamente cairei como um lutador derrotado,
Saber que deixarei o poeta no mundo.

Um tanto estranhas, à primeira vista (?), afirmações: “não viva no presente”, “não simpatize com ninguém”, “ame-se... ame-se infinitamente”... O terceiro testamento, sobre a adoração arte (talvez Verdade? Então “ninguém” parece mais lógico, não simpatize” - seja imparcial, mas em qualquer caso, apenas um palpite...). Os dois últimos versos: “Silenciosamente cairei como um lutador derrotado / Sabendo que deixarei o poeta no mundo”. traçar um paralelo entre arte e... guerra, por mais estranho que possa parecer...

Tentarei explicar o primeiro “testamento”, tal como o entendo: não foi por acaso que a época da Idade de Prata deu origem a tantas pessoas importantes. O fato é que naquele momento estava sendo decidido o destino da Rússia, seu futuro, e qualquer influência, qualquer indignação poderia mudá-lo em uma direção ou outra. Esta é a influência que o Poeta deve ter, tentando dirigir o processo de desenvolvimento natural é por isso que ele não deve “viver no presente” e por isso num ponto de bifurcação, de ruptura, como o do presente. No início do século XX, ocorreu uma onda poética.

Lermontov descreveu uma época muito difícil, um tanto semelhante à época de Bryusov. Vamos em frente...

Mikhail Yuryevich Lermontov (1814–1841)

Tanto a vida quanto a obra de Lermontov estão permeadas de tragédia. Basta pegar pelo menos um de seus poemas e veremos ali dor, tormento, sofrimento. Poemas sobre poesia não são exceção. Por exemplo, “Profeta”:

Profeta

Desde o juiz eterno
O profeta me deu onisciência,
Eu li nos olhos das pessoas
Páginas de malícia e vício.

Comecei a proclamar o amor
E a verdade são ensinamentos puros:
Todos os meus vizinhos estão em mim
Eles atiraram pedras descontroladamente.

Eu espalhei cinzas na minha cabeça,
Fugi das cidades como um mendigo,
E então, eu moro no deserto,
Como os pássaros, o alimento é um presente de Deus;

Guardando a aliança do eterno
A criatura terrena é submissa a mim;
E as estrelas me ouvem
Brincando alegremente com raios.

Quando através do granizo barulhento
Estou indo com pressa
Isso é o que os mais velhos dizem aos filhos
Com um sorriso orgulhoso:

“Olha: aqui está um exemplo para você!
Ele estava orgulhoso e não se dava bem conosco:
Tolo, ele queria nos garantir,
O que Deus diz através de seus lábios!

Vejam, crianças, para ele:
Como ele é sombrio, magro e pálido!
Veja como ele está nu e pobre,
Como todos o desprezam!”

A julgar pelo título e início (“Desde o eterno juiz /
A onisciência do profeta me deu..."), este poema é uma continuação do "Profeta" de Pushkin, mas o tema aqui é completamente diferente, puramente Lermontoviano: a falta de resposta de Pushkin por parte do leitor ("Você não tem resposta.. .") aqui se transforma em hostilidade aberta, desprezo e até ódio . Infelizmente, aparentemente este foi realmente o tempo de Lermontov. Mas isso não é o principal, o problema da falta de um Leitor capaz de compreender a criatividade era, muito provavelmente, para todos os Poetas: o pior é que se Pushkin e Bryusov pudessem tentar mudar alguma coisa, mudar o seu tempo com o seu próprio criatividade, e vemos isso em seus poemas, então Lermontov não tem isso. Provavelmente a sua missão era levar a arte através desta escuridão, transmitir herança cultural além disso, de modo que mais tarde apareceram os poemas de Tyutchev, Fet e depois Solovyov, Akhmatova, até mesmo os futuristas: embora apelassem à renúncia aos clássicos, eles se firmaram, de uma forma ou de outra, em seus alicerces. (Pode surgir a pergunta: e se Lermontov não existisse, então os poemas de Pushkin não teriam chegado a Akhmatova? Não, teriam chegado, mas... O fato é que a arte não pode existir apenas na forma de livros ou, digamos, de pinturas . Mais Além disso, a arte não tem nada a ver com livros. Arte são pessoas, e um livro é apenas um meio de comunicação entre eles, permitindo-nos comunicar com aqueles que viveram 2 séculos (ou mesmo milénios) antes de nós, e por muito tempo! eles - conosco, além disso, a arte não pode ficar parada, não pode ser “congelada” - ela deve viver e se desenvolver, caso contrário morrerá...)

Bem, já que nos lembramos de Akhmatova, esta grande poetisa...

Anna Andreevna Akhmatova (1889–1966)

Continuando o tema escolhido, não se pode deixar de mencionar o trabalho de Akhmatova. Apesar de a tarefa da poesia não ser central em seu trabalho, ela também trouxe aqui algo novo. Por exemplo:

Criação

Acontece assim: uma espécie de langor;
O relógio não toca nos seus ouvidos;
Ao longe, o estrondo de um trovão cada vez mais fraco.
Vozes não reconhecidas e cativas
Imagino reclamações e gemidos,
Algum círculo secreto está se estreitando,
Mas neste abismo de sussurros e toques
Um som conquistador surge.
É tão incrivelmente quieto perto dele,
Você pode ouvir a grama crescendo na floresta,
Como ele anda arrojado no chão com uma mochila.
Mas agora as palavras são ouvidas
E rimas leves sinalizam sinos, -
Então eu começo a entender
E apenas linhas ditadas
Eles vão para um caderno branco como a neve.

(alguns segundos de silêncio)

Não, não posso, simplesmente não tenho o direito de comentar este maravilhoso poema: ele não merece tal destino, seria muito cruel. Mas se os comentários forem absolutamente necessários, então é melhor usar outro versículo:

* * *

Temos frescor de palavras e sentimentos de simplicidade
Perder não é como um pintor perder a visão,
Ou um ator - voz e movimento,
E a beleza de uma mulher bonita?

Mas não tente guardar isso para você
Dado a você pelo céu:
Condenado - e nós mesmos sabemos disso -
Gastamos, não economizamos.

Vá sozinho e cure os cegos,
Para descobrir em uma hora difícil de dúvida
A zombaria maliciosa dos estudantes
E a indiferença da multidão.

Sim, de fato, vemos aqui ecos de Pushkin e Lermontov, especialmente na última estrofe (o verso “Vá sozinho e cure os cegos” é muito típico - um poeta “curando” uma sociedade cega, abrindo seus olhos para seus próprios erros e possíveis formas de corrigi-los... ), mas vemos o mesmo problema com outros olhos, ou melhor, até o sentimos com um coração diferente... A segunda estrofe diz que a poesia e a criatividade são sempre um sacrifício, e essas quem tem talento já está “condenado” a sacrificá-lo. Lembro-me das palavras do filme “Andrei Rublev” de Tarkovsky: “é um grande pecado não usar o dom dado por Deus” (não literalmente). Mas por que esse sacrifício? Infelizmente ou felizmente, não podemos verificar o que estaria em este momento, se não houvesse Akhmatova. Mas se, como resultado dela (e, em geral, dos poemas de qualquer pessoa), a vida de alguém melhorou pelo menos um miligrama, mesmo um milésimo de por cento (não no sentido físico, mas no sentido emocional), então esse sacrifício foi Não em vão. Porém, neste mundo nada acontece em vão...

Saltando, seguindo as nossas associações, do século XIX para o XX e vice-versa, quase nos esquecemos daquele que é considerado o arauto da Idade da Prata: Vladimir Solovyov.

Vladimir Solovyov (1853–1900)

Aqui eu gostaria de pegar um poema que reflete o futuro da poesia:

* * *

Caro amigo, você não vê,
Que tudo o que vemos é
Apenas um reflexo, apenas sombras
Do invisível com seus olhos?

Caro amigo, você não ouviu?
Esse barulho cotidiano está crepitando -
Apenas a resposta é distorcida
Harmonias triunfantes?

Caro amigo, você não ouve,
O que é uma coisa no mundo inteiro -
Somente o que é de coração para coração
Diz em um olá silencioso?

Na verdade, a primeira estrofe expressa muito claramente a ideia idealista do simbolismo, a segunda - o início do Acmeísmo. Acho que não deveria me alongar muito nisso: ambas as ideias dispensam comentários especiais, mas é impossível não lembrar deste poema e de seu autor ao considerar nosso tema.

Os poetas que examinamos anteriormente eram próximos de Pushkin em sua atitude em relação ao tema da poesia: eles se propuseram a refletir este mundo e seu tempo. No entanto, nem todos os poetas da Idade de Prata aderiram a este ponto de vista:

Vladimir Vladimirovich Mayakovsky (1893-1930)

Aqui não quero citar os poemas de Mayakovsky, mas apenas uma pequena citação de seu artigo “Como fazer poemas”:

“Que dados são necessários para iniciar um trabalho poético?

Primeiro. A presença de um problema na sociedade, cuja solução só é concebível através de uma obra poética. Ordem social.

Segundo. Conhecimento preciso, ou melhor, um sentimento dos anseios da sua turma (ou do grupo que você representa) neste assunto, ou seja, um estabelecimento de metas.”

Todos. Talvez eu seja muito categórico, mas a partir deste momento Maiakovski como poeta deixa de existir para mim. Sim, você pode dizer o quanto quiser que ele acreditava em um futuro comunista brilhante e fez de tudo para aproximá-lo, etc. Muito provavelmente, pensamentos semelhantes têm vagado de ensaio em ensaio sobre este tópico por todos os alunos desde 1991. Mas isso não muda a questão: a segunda ordem de Bryusov não é cumprida e o poeta torna-se realmente “uma roda e uma engrenagem” (V. Lenin). Mas isso não deveria acontecer! O poeta deve expressar os seus sentimentos, deve ser verdadeiramente livre, o seu único “cliente” não é a sociedade, nem o partido, nem mesmo o povo, mas apenas o coração e Deus! Por exemplo, porque é que não conseguiram “convencer” Akhmatova, através da repressão, a escrever não como ela escreveu, mas como “deveria”? A questão está na liberdade interna - na verdade, se uma pessoa é Livre, é impossível intimidá-la ou influenciá-la de qualquer forma. A liberdade é provavelmente a condição mais importante para uma pessoa ter o nome de Poeta, caso contrário deixa de sê-lo e passa a ser um agitador, um profissional, talentoso, mas um agitador. Talvez eu esteja errado, mas essa é a minha opinião.

Conclusão

Realizamos uma breve revisão da poesia russa no contexto do tema “poeta e poesia” usando o exemplo das Idades de Ouro e Prata da cultura russa. É claro que não existe uma opinião “verdadeira”, “real” sobre este assunto - cada um tem razão à sua maneira, mas vemos que o pensamento de alguns poetas afeta outros, de uma época completamente diferente, afeta a nós, leitores, dando dar à luz (ou não dar à luz)) resposta em nossos corações, mudar nossas vidas, mudar a história. Tudo aqui está interligado, e é impossível considerar um isoladamente do outro, a Idade da Prata sem o legado do Ouro, e a Idade do Ouro sem a sua continuação na Prata, ou a história sem arte. As conexões associativas nos levaram de Pushkin a Bryusov, e dele a Lermontov, através de um tempo ao qual a verdadeira Poesia não está sujeita.

Fontes da literatura russa do século XX. Leitor para o 11º ano. Comp. Barannikov et al., “Iluminismo”, 1993. A. Pushkin. Obras coletadas em seis volumes. Volume 1: “Poemas Selecionados”. Suplemento da revista “Jovem Coletivo Agricultor”. M., 1949 Livro elementar de física, editado pelo Acadêmico Landsberg. (ninguém vai ler até aqui...) O site “Element” (http://www.litera.ru/stixiya/) - textos de alguns poemas e biografias de alguns poetas. Resumos e ensaios prontos. Não usado. Pensamentos próprios

Todos os poemas utilizados na obra são propriedade intelectual de seus autores.

Sobre a Era de Prata

Poetas e escritores do século XIX deram Literatura russa um grande impulso no desenvolvimento: trouxeram-no para o nível mundial e criaram obras que ainda são consideradas as mais fundamentais na história da literatura russa. Esta era foi chamada de Idade de Ouro; terminou no início do século XX. No entanto, a própria literatura continuou a avançar e assumiu cada vez mais novas formas, e a Idade de Ouro foi seguida pela Idade de Prata.

Definição 1

A Idade de Prata é o nome convencional para um período do desenvolvimento da poesia russa, caracterizado pelo surgimento de um grande número de poetas e movimentos poéticos que procuravam novas formas poéticas e propunham novos ideais estéticos.

A Idade de Prata pode ser chamada com segurança de herdeira da Idade de Ouro. Os poetas do final do século 19 e início do século 20 confiaram nas obras de A.S. Pushkin e os poetas do círculo de Pushkin, bem como a obra de F.I., que escreveu um pouco mais tarde. Tyutcheva, A.A. Vasiliy e N.A. Nekrasova.

Se praticamente não surgirem dúvidas quanto à definição do quadro cronológico da Idade de Ouro, então os limites da Idade de Prata ainda permanecem confusos. A maioria dos estudiosos da literatura concorda que este marco na história da poesia russa começa na virada dos anos 80-90 do século XIX, no entanto, quando termina é uma questão controversa. Existem vários pontos de vista:

• Alguns pesquisadores acreditam que a Era de Prata terminou com o início Guerra civil(1918);
• Outros acreditam que a Idade da Prata terminou em 1921, quando Alexander Blok e Nikolai Gumilyov morreram;
• Outros ainda consideram que a Idade da Prata foi interrompida aproximadamente após a morte de Vladimir Mayakovsky, ou seja, na virada das décadas de 1920-1930.

Nota 1

É importante compreender que se o conceito de Idade de Ouro se aplica tanto à poesia como à prosa, então quando falamos de Idade de Prata, estamos a falar exclusivamente de poesia. Esta era recebeu o nome de “Idade da Prata” por analogia com o nome de sua antecessora.

Os poetas desta época experimentaram corajosamente formas e gêneros literários, criando obras absolutamente únicas que não têm análogos na história da literatura russa. A obra desses autores formou direções da poesia como simbolismo, futurismo, acmeísmo, imagismo e nova poesia camponesa. Muitos pesquisadores afirmam que a poesia da Idade de Prata, tendo em vista eventos históricos, desdobrando-se naquela época na Rússia, foram distinguidos crise aguda fé e falta de harmonia interior.

Os poetas mais famosos da Idade de Prata são Anna Akhmatova, Vladimir Mayakovsky, Sergei Yesenin, Alexander Blok, Marina Tsvetaeva, Ivan Bunin.

Simbolismo

A primeira direção nascida na Idade da Prata foi o simbolismo. Ele foi o próprio produto da crise que engolfou o Império Russo. Porém, sua formação foi muito influenciada por outra crise - a crise Cultura europeia. As principais mentes do final do século XIX reconsideraram todos os valores morais existentes em suas obras, criticaram a direção do desenvolvimento social e foram fortemente levadas pela filosofia do idealismo.

Definição 2

O simbolismo é um movimento na arte que se caracterizou pelo desejo de experimentação, pelo desejo de inovação e pelo uso do simbolismo.

Os simbolistas russos, horrorizados com a visão do colapso do populismo no seu país, abandonaram a tendência dos poetas do círculo de Pushkin de levantar questões sociais agudas nas suas obras. Os simbolistas voltaram-se para problemas filosóficos. No início, o simbolismo russo imitou o simbolismo francês, mas logo adquiriu características próprias.

O simbolismo russo se distinguiu pela ausência de uma escola poética única. Mesmo no simbolismo francês não se pode encontrar uma variedade tão grande de estilos e conceitos como o simbolismo diferia na Rússia.

Todas as direções subsequentes foram de uma forma ou de outra influenciadas pelo simbolismo. Alguns herdaram diretamente seus postulados, enquanto outros, criticando e negando o simbolismo, em todo caso iniciaram seu desenvolvimento recorrendo a ele.

Nas origens do simbolismo russo estavam os chamados “simbolistas seniores”: Dmitry Merezhkovsky, Zinaida Gippius, Valery Bryusov, Alexander Dobrolyubov, Konstantin Balmont. Seus seguidores, os “simbolistas juniores”, eram Alexander Blok, Andrei Bely e outros.

Acmeísmo

O acmeísmo como movimento tornou-se o herdeiro direto do simbolismo, destacou-se dele e tornou-se um movimento separado que se opõe ao seu progenitor.

Definição 3

Acmeísmo - direção literária, que proclamava o culto à concretude e à “materialidade” da imagem.

A formação do acmeísmo está associada às atividades da organização poética “Oficina de Poetas”, e Nikolai Gumilyov é considerado o fundador desta direção.

Os acmeístas foram Anna Akhmatova, Sergei Gorodetsky, Osip Mandelstam, Mikhail Zenkevich e outros.

Os Acmeístas acreditavam que o propósito da arte era enobrecer o homem. Na opinião deles, a poesia deveria processar artisticamente os fenômenos imperfeitos da realidade circundante e transformá-los em algo melhor.

Nota 2

Para os Acmeístas, a arte era valiosa em si (arte pela arte).

Futurismo

Apesar de toda a excentricidade e brilho da poesia do simbolismo e do acmeísmo, é o futurismo que é considerado uma espécie de quintessência da novidade e originalidade da Idade de Prata.

Definição 4

Futurismo (do latim futurum - “futuro”) é o nome dos movimentos de vanguarda que se desenvolveram nas décadas de 1910-20 na Rússia e na Itália. Em outras palavras, o futurismo é “a arte do futuro”

Os futuristas não se interessavam tanto pelo conteúdo dos poemas, mas pela sua forma. Poetas futuristas sugeriram não preservar o existente tradições literárias e estereótipos culturais, mas sim destruí-los. O futurismo russo se distinguiu pela rebelião, anarquismo, expressão do humor da multidão e experimentos com rima e ritmo.

Os criadores do futurismo russo são considerados membros da associação literária e artística "Gilea", que incluía Velimir Khlebnikov, Elena Guro, Vasily Kamensky, Vladimir Mayakovsky e outros. Foi “Gilea” quem lançou em 1912 o manifesto “Um tapa na cara do gosto público”, que apelava ao abandono do apego às criações do passado.

Dentro de si, o futurismo foi dividido em vários grupos, desenvolvendo essa direção paralelamente entre si:

• Egofuturismo, liderado por Igor Severyanin. Existiu por um tempo relativamente curto;
• Cubo-futurismo, ao qual pertenciam os integrantes da “Gilea”;
• Associação de Poesia “Mezanino da Poesia”, criada por egofuturistas;
• Grupo futurista "Centrífuga".

Nova Poesia Camponesa

O gênero da poesia camponesa foi formado em meados do século XIX século. Alguns poetas da Idade da Prata desenvolveram e transformaram esta direção, criando “nova poesia camponesa”.

Definição 5

A Nova Poesia Camponesa é uma direção convencional da poesia russa que uniu poetas da Idade de Prata com origens camponesas.

A maioria representante conhecido desta direção é Sergei Yesenin.

Poetas relacionados com esta direção, não formaram nenhum tipo de associação literária, só posteriormente foram identificados nesta categoria pelos estudiosos da literatura, uma vez que todos esses poetas em suas obras abordaram o tema da Rússia rural e das conexões com a natureza.

Imaginismo

Os poetas imagistas acreditavam que o propósito da criatividade artística era criar uma imagem. Os Imaginistas, como quase todos os poetas da Idade de Prata, distinguiam-se pela rebelião e pelo choque.

O futurismo teve grande influência na formação do imagismo. O ponto de partida do Imaginismo é considerado 1918, quando foi criada a organização “Ordem dos Imaginistas”.

Anatoly Mariengov e Vadim Shershenevich são considerados os fundadores do imagismo.

Para agradar o deus do ouro
De ponta a ponta sobe para a guerra;
E o sangue humano flui como um rio

O aço damasco flui pela lâmina!
Pessoas morrem por metal
As pessoas estão morrendo de vontade de metal!
(Dísticos de Mefistófeles da ópera "Fausto")

As pessoas sempre foram fascinadas pelo ouro, que era usado principalmente para criar joias e objetos valiosos. Muitos museus ao redor do mundo possuem as chamadas “Salas Douradas”, que são verdadeiros tesouros. Por exemplo, quando estive em l'Hermitage, vi lá o famoso favo do monte Solokh e carneiros dourados de achados siberianos... E havia muito ouro diferente lá. Muito... Existe uma “Sala Dourada” no Museu Histórico Sueco em Estocolmo. Sua coleção contém um total de 52 quilos de ouro e mais de 200 quilos de prata. Mas é claro que não é o peso do metal que chama a atenção para ele. Tanto cientistas quanto visitantes estão interessados ​​em saber o que foi feito desse metal e como e onde esses produtos foram encontrados.

"Sala Dourada" no Museu Histórico de Estocolmo.

Por alguma razão, algumas pessoas acreditam que o território da Suécia era uma região atrasada, que somente na era dos vikings, ou seja, dos comerciantes e dos piratas, a prata árabe fluiu para lá e o ouro apareceu, mas isso não é verdade. A era imediatamente “antes dos Vikings” foi muito rica.

Além disso, o período entre 400 e 550 referida na Suécia como a "Idade de Ouro", e os anos de 800 a 1050 (a Era Viking) são às vezes chamados de "Idade da Prata". Além disso, os metais preciosos chegaram à Escandinávia, é claro, tanto na forma de lingotes quanto de produtos, e muitas vezes eram derretidos em oficinas de fundição locais e transformados em coisas novas, e assim por diante, indefinidamente. Embora algo tenha acabado em sepulturas e tesouros, e assim veio até nós.

Entrada do Museu Viking em Estocolmo.

Os objetos de ouro mais antigos incluem desenhos em espiral, que as mulheres escandinavas, por exemplo, enrolavam nos cotovelos já por volta de 1500 aC. E ao lado deles estão expostas duas tigelas de ouro de Blekinge e Halland, feitas vários séculos depois em fina folha de ouro. Praticamente não apresentam sinais de uso. Ambos provavelmente foram feitos como sacrifícios aos deuses.

Desde o início, o ouro e a prata tiveram conotações de poder, riqueza e luxo. Anéis decorados com motivos espirais, e mais tarde com cobras e dragões, também enfeitam há muito tempo as mãos de seus donos. Durante vários séculos, desde o início do século I d.C., elas foram o principal indicador do estatuto das mulheres; hoje eles são encontrados nos túmulos de mulheres adultas. Os homens também usavam anéis e anéis nos dedos. Por exemplo, um desses anéis de ouro da Velha Uppsala pertencia claramente a um homem. Feito em algum lugar das províncias romanas, pode ter sido uma recompensa pelo valor em batalha. Outro anel, decorado com granadas e almandinas, da época da Grande Migração, contém a inscrição grega: “Younes, be kind”. Este anel foi encontrado em Södermanland.

O Império Romano também deixou joias originais ou pingentes de ouro chamados "bracteates". Encontrados na Escandinávia, foram claramente modelados em originais romanos representando o imperador, mas com motivos locais tradições folclóricas. A coleção do museu inclui também anéis com cabeça de cobra, claramente inspirados na moda romana. Tanto homens quanto mulheres usavam essas joias.

Obras-primas únicas que podem ser vistas na "Sala Dourada" do museu em Estocolmo incluem três colares de ouro, dois de Gotland e um de Oland. Feitos no século V, foram descobertos separadamente no século XIX, mas sem acompanhar quaisquer outros achados. Esses colares são às vezes considerados os trajes mais antigos da Suécia, mas não sabemos quem os usava ou que função serviam. Uma teoria sugere que eles eram “usados” por estátuas de deuses, enquanto outra, que eram usados ​​por mulheres ou homens que eram líderes políticos ou religiosos. Podemos afirmar com certeza que estas golas foram usadas porque apresentam sinais de desgaste e parte da decoração se soltou completamente. Os colares consistem em tubos dobrados em forma de anel e podem ser abertos com um simples dispositivo de travamento. A sua decoração está repleta de figuras em miniatura de humanos e animais, cujo significado se perdeu para nós. Você pode ver rostos estilizados, mulheres com tranças e tangas, escudeiros nus, cobras e dragões, javalis, pássaros, lagartos, cavalos e feras de contos de fadas, todos tão pequenos que mal são visíveis a olho nu.

Colar de ouro do século V. de Gotlândia.

Alguns itens, incluindo capacetes de Wendel e Uppland, também são decorados com placas de bronze esculpidas representando cenas da mitologia escandinava. Além disso, esta é claramente uma obra local, porque também foram encontradas em Oland matrizes de bronze para a confecção das folhas de bronze que decoram estes capacetes. Ou seja, no norte de Uppland, já na era pré-viking, governavam líderes poderosos que tinham a oportunidade de encomendar esses capacetes para si próprios.

No século IX ou X, pesados ​​​​colares de prata e magníficos broches dourados para trajes femininos foram encontrados em sepulturas e tesouros. Eles representam o auge das realizações nas artes decorativas da época. Pulseiras elegantemente ornamentadas e anéis torcidos são comuns nos tesouros femininos, assim como muitas contas, cujo vidro foi importado da Europa.

Ferramentas para trabalhar tecidos: exposições no Museu do Navio Viking em Oslo.

No entanto, mesmo durante a Era Viking, as pessoas continuaram a esconder tesouros de prata e ouro no solo. Um dos maiores tesouros medievais da Europa é o tesouro de dunas de Gotland. Incluía finas fivelas de cinto, óculos orientais e pingentes nativos. Outros esconderijos também incluíam joias, pérolas e copos, mostrando influência russa ou bizantina. Muitos dos tesouros de Gotland foram enterrados em 1361, quando os dinamarqueses invadiram a ilha. Um dia, pesquisadores que escavavam um campo descobriram um enorme esconderijo, que foi apresentado como o maior tesouro Viking do mundo. O tesouro continha milhares de moedas de prata, dezenas de barras de prata, centenas de pulseiras, anéis, colares e mais de 20 kg de itens de bronze. No total, o tesouro foi avaliado em mais de US$ 500 mil.

Existem muitos tesouros nas regiões do norte da Escandinávia. Eles consistem em pequenos objetos feitos de liga de prata, estanho e cobre, além de ossos de animais e chifres de veado. A "Sala Dourada" contém o maior tesouro Sami da Suécia, de Gratrask, no Lago Tjauter, em Norrbotten.

Maquete do porto de Birka do Museu Histórico de Estocolmo.

Mas está claro que alguns dos artefatos mais magníficos da Sala Dourada são espólios de guerra. As taças de comunhão, o altar e os crucifixos dos bispos chegaram à Suécia vindos de várias partes da Alemanha durante a Guerra dos Trinta Anos.

Acredita-se que o famoso relicário de Santa Isabel continha a caveira desta santa. Este é um exemplo incrivelmente requintado de joalheria europeia. O relicário caiu nas mãos do exército sueco em 1632, quando capturaram a fortaleza de Marienberg em Würzburg. Bem, está claro que ele nunca conseguiu voltar para sua terra natal.

Um pescador trabalhando e conversando. Diorama do Museu Viking em York.

Assim, o estudo dos tesouros da “Sala Dourada” do Museu Histórico de Estocolmo por si só mostra claramente, em primeiro lugar, a presença de competências desenvolvidas no trabalho com ouro e prata imediatamente antes da chamada Era Viking, com o domínio dos produtos de ouro . Durante a Era Viking, o número de objetos preciosos enterrados e dirhams de prata árabes aumentou significativamente, mas a prata como metal tornou-se dominante.

Exposição do Tesouro Real em Estocolmo. Estes não são vikings, é claro, mas a habilidade dos criadores desta armadura é impressionante.

Na Suécia, existe uma legislação segundo a qual todos os achados subterrâneos do século XVII, feitos de ligas de ouro, prata ou cobre, se tiverem mais de 100 anos, são resgatados pelo Estado a quem os encontrou. Isto dá origem a um número invulgarmente grande de objectos de ouro e prata que estão nas mãos do Estado na Suécia.

Concluindo, podemos dizer que os mestres dos séculos V – VII e VIII – XI. dominavam as tecnologias de desenho e fundição, estampagem, granulação, filigrana, entalhe metálico, sabiam usar o “método da forma perdida”, estavam familiarizados com a técnica de processamento de pedras preciosas e confecção de contas de vidro multicoloridas. Os punhos das espadas dos próprios vikings eram decorados de forma muito lacônica, mas com grande habilidade, mas as espadas e sua decoração serão discutidas em outra ocasião...

Características da atmosfera do tempo

A necessidade de mudança e reestruturação era óbvia. Na Rússia houve 3 conflitos principais forças políticas: defensores do monarquismo, defensores das reformas burguesas, ideólogos da revolução proletária. Assim, foram apresentadas várias versões do programa da perestroika: “de cima”, através das “leis mais excepcionais” que conduzem “a tal revolução social, a tal transferência de todos os valores... que a história nunca visto” (A.P. Stolypin), e “de baixo”, através de “uma onda feroz e fervilhante de classes, que é chamada de revolução” (V.I. Lenin). Os meios do primeiro caminho, por exemplo, foram o manifesto de 17 de outubro de 1905, a criação da Duma. Os meios do segundo são a preparação teórica para a revolução e o terror.

Características da cultura espiritual.

A vida espiritual da Rússia refletia tanto as contradições sociais da época quanto as contradições do pensamento social russo. Na sociedade surge um sentimento de certo catastrofismo do tempo, de completude da cultura. Essa ideia determinou o pathos de muitas obras de filósofos idealistas e escritores simbolistas. Nesta base, motivos apocalípticos da plenitude do mundo surgem na literatura e na arte.

A forma como este tempo foi percebido e avaliado pode ser avaliado pelos títulos dos então populares livros filosóficos: “Degeneração” (Max Nordau, 1896), “O Declínio da Europa” (Otto Spengler, 1918 - 1922).

Surge a chamada “filosofia do pessimismo”, em cujas origens esteve A. Schopenhauer. Ele escreveu: “O mundo é gerado por uma certa vontade cega e imprevisível. A essência do mundo é o sofrimento."

Max Nordau (Degeneração) disse: “Aparentemente, todo um período da história está chegando ao fim e um novo está começando. E todas as tradições foram minadas e não há nenhuma ligação visível entre o ontem e o amanhã... As visões que dominaram até agora desapareceram ou foram expulsas, como reis destronados...”

Poeta e filósofo D.S. Em 1893, Merezhkovsky, em sua obra “Sobre as causas do declínio e as novas tendências na literatura russa moderna”, escreveu sobre os sinais de uma virada iminente em todas as áreas da vida: “Nosso tempo deve ser definido por duas características opostas - este é um tempo do mais extremo materialismo e ao mesmo tempo dos mais apaixonados impulsos ideais do espírito. Estamos presentes numa luta grande e significativa entre duas visões sobre a vida, duas visões de mundo diametralmente opostas. As últimas exigências do sentimento religioso colidem com as últimas conclusões do conhecimento experimental.”

A virada do século foi a época da introdução de várias ideias, tendências e tendências filosóficas na consciência da sociedade russa. As ideias de renovação da consciência cristã estavam em consonância com as ideias essencialmente pagãs de F. Nietzsche com a sua denúncia do Cristianismo como um obstáculo no caminho do indivíduo ao seu estado sobre-humano “com uma reavaliação de valores”, o seu ensino “sobre a vontade e liberdade”, com a rejeição da moralidade, de Deus (“Deus está morto!”). isto é, segundo Nietzsche, o declínio está associado à crise do cristianismo, em vez do Deus-homem, é necessário um novo “super-homem”, para o qual a “velha” moralidade não existe;

Mas, ao mesmo tempo, a era também parece ser uma época de algum tipo de renascimento, de renovação espiritual, de ascensão cultural. A característica mais importante da época é a convergência da filosofia e da literatura na compreensão do papel do princípio espiritual na vida da sociedade. Ofensiva nova era na vida da sociedade russa são reconhecidos como representantes dos mais diversos movimentos ideológicos e artísticos.

Idade de Ouro e Prata da cultura russa.

A ascensão dos interesses sociais e espirituais, iniciada em meados dos anos 90. e se manifestou no campo da filosofia, literatura, artes plásticas, música, teatro, balé, permitiu aos contemporâneos falar sobre o “renascimento espiritual” da Rússia, sobre a próxima Idade de Prata da cultura russa.

Se seguirmos a famosa fórmula de A. Grigoriev “Pushkin é nosso tudo!”, então a etimologia da combinação estabelecida IDADE DA PRATA (S.V.) deve ser buscada justamente neste período clássico, que foi denominado Era Pushkin ou a IDADE DE OURO da literatura russa. No entanto, ao contrário dele, S.V. não pode ser chamado pelo nome – mesmo grande – de alguém; sua poética é absolutamente impossível de reduzir à obra de um, dois ou mesmo vários mestres da palavra. A peculiaridade desse período é que nele viveram e trabalharam poetas representando diversos movimentos literários, professando diferentes princípios poéticos. Às vezes, eles se envolviam em debates acalorados, sugerindo várias maneiras compreensão da existência. Mas cada um deles se destacou pela extraordinária música do verso, pela expressão original dos sentimentos e experiências do herói lírico e pelo foco no futuro.

E, no entanto, de onde veio esse nome - a Idade da Prata? Em 1933, o poeta N.A. deu a designação à poesia do modernismo russo. Otsup em seu artigo “A “Idade de Prata” da Poesia Russa” (revista “Números”, livros 7-8, Paris, 1933, pp. 174-178): ele comparou a era de Pushkin, Dostoiévski, Tolstoi (século XIX) às conquistas de Dante, Petrarca, Boccaccio e chamou a “idade de ouro” doméstica. Os fenómenos que se seguiram, “como que espremidos em três décadas, que ocuparam, por exemplo, todo o século XIX e início do século XX em França”, foram chamados de “Idade de Prata” (agora escritos sem aspas, com maiúscula). carta).

É importante compreender que estamos falando especificamente do fenômeno Cultura russa baseado na unidade profunda todos seus criadores. S.V. - não apenas um conjunto de nomes poéticos russos. Este é um fenômeno especial, representado em todas as áreas da vida espiritual da Rússia, uma época marcada por um extraordinário surto criativo não apenas na poesia, mas também na pintura, na música, na arte teatral, nas humanidades e Ciências Naturais Oh. Durante o mesmo período, o pensamento filosófico russo desenvolveu-se rapidamente: basta citar V. Solovyov, P. Florensky, N. Berdyaev, E. e S. Trubetskoy.

A esta lista podemos adicionar os nomes de cientistas cujas realizações deram um impulso notável ao desenvolvimento da ciência - A. Popov, I. Pavlov, S. Vavilov.

O clima de ascensão cultural geral foi refletido profunda e profundamente nas obras de compositores - S. Rachmaninov, A. Scriabin, I. Stravinsky.

A forma como os artistas reproduzem mudou fundamentalmente. M. Vrubel, I. Repin, M. Nesterov, V. Borisov-Musatov, K. Perov-Vodkin criaram telas que falavam ao público em uma nova linguagem.

V. Komissarzhevskaya e Vas se apresentaram no palco. Kachalov, F. Chaliapin, A. Pavlova; K. Stanislavsky criou o moderno teatro de repertório, mais tarde o sol brilhou. Meyerhold.

Este é um momento de crescimento das cidades, de aceleração do processo de vida. Alguns admiraram a cidade (Bryusov, Severyanin, futuristas):

Eu amo casas grandes

E as ruas estreitas da cidade, -

Nos dias em que o inverno ainda não chegou,

E o outono começou a ficar frio.

…………………………….

Eu amo a cidade e as pedras,

Seu rugido e ruídos melodiosos, -

No momento em que a música derrete profundamente,

Mas com prazer ouço harmonias.

Bryusov V.Ya.

Outros viam o crescimento das cidades como uma ameaça às tradições nacionais, à alma nacional (Blok, Bely):

Século XIX, ferro,

Verdadeiramente uma época cruel!

Por você na escuridão da noite, sem estrelas

Homem abandonado e descuidado!

O século XX... Ainda mais sem-abrigo.

Pior que a vida é a escuridão...

Bloco A.A.

Através das nuvens amarelas e empoeiradas

Corro com meu guarda-chuva aberto.

E a fumaça das chaminés das fábricas

Eles cuspiram no horizonte de fogo.

Bely A.

Uma pessoa se sente desconfortável e ansiosa por viver em circunstâncias passageiras.

Na literatura, as histórias ganham destaque: as pessoas “não têm tempo” para escrever e ler grandes obras.

A era da virada do século foi uma época de maiores descobertas no campo das ciências naturais, principalmente matemática e física (teoria da relatividade, teoria quântica, etc.), que abalaram ideias anteriores sobre a estrutura do mundo. O universo parecia aos filósofos idealistas um caos incompreensível. A crise das ideias científicas anteriores foi interpretada como um colapso das possibilidades do conhecimento intelectual, incapaz de compreender a complexidade do universo. Blok chamou isso de “o redemoinho da época”.

Uma pessoa se sente envolvida no ciclo mundial. Daí o sentimento de medo, a sede de morte, o sentimento de ansiedade, a vida seca nas suas fontes.

Modernismo e realismo.

Tudo isso não poderia deixar de afetar a literatura. A era da virada dos séculos 19 para 20 é caracterizada pela transição da arte clássica para a não clássica, pela interação do realismo e do modernismo.

Os modernistas defenderam o dom especial do artista, capaz de prever o tipo de nova cultura. Um foco aberto na antecipação do futuro ou mesmo na transformação do mundo através dos meios da arte era estranho aos realistas. Noah, no entanto, refletiu o desejo humano interior de harmonia, beleza e sentimento criativo.

Em relação a este período da literatura, dois termos são utilizados: "decadência" E "modernismo" , que não deve ser confundido.

O termo “decadência” (“decadência”) (do Lat. "declínio") costuma-se chamar de fenômeno cultural do final do século XIX - início do século XX, caracterizado pela oposição à moralidade “filistéia” geralmente aceita, o culto da beleza como um valor autossuficiente, muitas vezes acompanhado pela estetização do pecado e do vício. A decadência foi causada por um estado de desesperança, rejeição vida pública, o desejo de escapar para um mundo pessoal estreito.

O termo "modernismo" (do francês. "mais novo, moderno")V Num amplo sentidoé uma designação geral para fenômenos da arte e da literatura do século XX que se afastaram das tradições de semelhança externa. A principal característica da metodologia do modernismo em vários movimentos artísticos é a construção metafórica de uma imagem segundo o princípio da associatividade ramificada, correspondência livre entre a expressividade da forma e a natureza dos estados de espírito capturados.

Em relação à poesia, o modernismo incorporou-se “num sistema de movimentos e movimentos artísticos relativamente independentes, caracterizados por um sentimento de desarmonia no mundo, uma ruptura com as tradições do realismo, uma percepção rebelde e chocante, a predominância do motivo da perda de conexão com a realidade, solidão e liberdade ilusória do artista, trancado no espaço de suas fantasias, memórias e associações subjetivas” (Estética. Dicionário. - M., 1989. P. 210-211).

russo modernismo foi representado por vários literários movimentos: simbolismo, acmeísmo, futurismo. Alguns artistas literários, não organizacionalmente ligados a essas associações, gravitaram internamente em torno da experiência de uma delas (M. Voloshin, I. Annensky, etc.).

Num debate acalorado, essas tendências se substituíram. No entanto, esse movimento foi baseado em uma base comum. Nas atividades de qualquer união criativa, de uma forma ou de outra, parecia haver um desejo de antecipar uma cultura ideal ou mesmo de reestruturar espiritualmente o mundo (o que era estranho ao realismo).

Posteriormente veremos cada corrente separadamente e criaremos uma tabela para que possamos compará-las entre si. (Redesenhe a tabela em seu caderno).

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Ministério da Educação e Ciência da Federação Russa

Instituição Educacional do Estado de São Petersburgo NPT

Departamento de Filosofia e História da Cultura

Resumo sobre o tema:

Séculos “dourado” e “prateado” no desenvolvimento da cultura russa

Introdução

"Moderno" na arquitetura russa

Escultura

Artistas da Era de Prata

Contribuições para a literatura da "Idade de Ouro"

Movimentos literários da “Idade de Prata”

Teatro e música

Bibliografia

EMconduzindo

O período do século XIX - início do século XX absorveu, repensou e desenvolveu muitas tendências que se desenvolveram na cultura russa nas eras petrina e pós-petrina, mas os principais problemas do século passado ainda permaneciam sem solução - a reorganização do Estado da sociedade, a escolha entre os caminhos ocidentais e eslavos desenvolvimento adicional, a situação do campesinato.

É provavelmente por isso que nem um único século da história russa conheceu tantas teorias, ensinamentos, opções para a renovação e “salvação” da Rússia, o Estado nunca foi abalado por tantos movimentos sociais: revolucionários, raznochintsy, niilistas, anarquistas; populistas, marxistas... Este é um período complexo e controverso no desenvolvimento da sociedade russa. A cultura da viragem do século contém sempre elementos de uma era de transição, incluindo as tradições da cultura passada e as tendências inovadoras da nova cultura emergente. Há uma transferência de tradições e não apenas uma transferência, mas o surgimento de novas, tudo isso está ligado ao rápido processo de busca de novas formas de desenvolvimento da cultura, está sendo ajustado desenvolvimento Social Tempo dado.

O foco da cultura russa deste período foi uma pessoa que se tornou uma espécie de elo de ligação na heterogênea variedade de escolas e tendências da ciência e da arte, por um lado, e uma espécie de ponto de partida para a análise de todos os mais diversos artefatos culturais, por outro. Daí a poderosa base filosófica subjacente à cultura russa na virada do século. Ou seja, na arte e na vida pública procuravam afirmar o princípio individual, ou espiritual, que cada pessoa deve revelar-se;

Penso que esta aspiração e desejo originaram-se de uma contradição na vida russa como o isolamento e a inacessibilidade de grandes conquistas culturais para a maior parte do povo. Portanto, a arte em toda a sua diversidade foi apresentada às pessoas como um desenvolvimento inovador dos valores estéticos cristãos tradicionais no aspecto de aproximá-los das realidades da vida moderna e com foco nas buscas e aspirações espirituais, científicas e artísticas de pessoas do século XX. Para avaliar o papel da criatividade dos artistas de diferentes direções, sua contribuição para a formação de uma nova estética, gostaria pelo menos de entender como suas visões diferiam e qual o papel atribuído a uma pessoa, qual era o objeto de sua pesquisa criativa.

A virada do século é uma fronteira relativa. Mas permitem que as pessoas sintam de forma mais aguda a passagem do tempo, o movimento da vida. Durante esses períodos, os contemporâneos às vezes têm uma sensação intensificada da natureza catastrófica da existência. Velho nobre Rússia irremediavelmente dilapidado. O antigo edifício estava prestes a desabar. Aqueles que não tiverem sorte morrerão sob os escombros, aqueles que tiverem sorte permanecerão desabrigados. Muitas pessoas sentiram isso. E esse sentimento penetrou em todos os aspectos da vida espiritual da Rússia daquela época - da ciência à religião.

As pessoas que mantiveram uma visão de mundo simples e clara (principalmente socialistas, bem como conservadores extremos) não entenderam esse clima de catastrofismo e o rotularam como “decadente” (decadente). Mas, curiosamente, foi precisamente este estado de espírito que impulsionou uma nova ascensão na cultura russa no início do século. E mais um paradoxo: na concretização da cultura do início do século XX. A menor contribuição foi dada pelos “otimistas” que expuseram alegremente os “decadentes”.

Na esfera da cultura, as Idades de Prata e de Ouro tornaram-se uma época de ascensão e prosperidade sem precedentes para a Rússia. Em termos de riqueza da literatura, das artes plásticas e da música, este século é incomparável com qualquer outro período da história não apenas da cultura russa, mas também da cultura mundial. Se no século XVIII A Rússia declarou ruidosamente sua existência para o mundo inteiro, então no século XIX. ela literalmente explodiu cultura mundial, ocupando um dos lugares mais honrosos de lá. Isso aconteceu devido ao fato de a Rússia ter dado ao mundo gênios na literatura, pintura, música, arquitetura, filosofia e, assim, ter dado uma enorme contribuição ao tesouro da cultura humana universal. Foi nesse período, Cultura russa, tendo se tornado um clássico, criou imagens e obras perfeitas que guiaram muitas gerações de pessoas e artistas em suas vidas e obras.

"Moderno"Vrussoarquitetura

arquitetura cultura acmeísmo ciência

Na virada do século XIX, um novo movimento surgiu na arte de vários países europeus. Na Rússia foi chamado de “moderno”. A “crise da ciência” no início do século, a rejeição das ideias mecanicistas sobre o mundo deu origem à atração dos artistas pela natureza, ao desejo de serem imbuídos do seu espírito, de refletir os seus elementos mutáveis ​​​​na arte. Seguindo o “princípio natural”, os arquitectos rejeitaram o “fanatismo da simetria”, opondo-o ao princípio do “equilíbrio de massas”. A arquitetura da era “moderna” distinguiu-se pela assimetria e mobilidade das formas, pelo fluxo livre de uma “superfície contínua” e pelo fluxo dos espaços internos. O ornamento era dominado por motivos florais e linhas fluidas. O desejo de transmitir crescimento, desenvolvimento e movimento era característico de todos os tipos de arte no estilo “moderno” - na arquitetura, na pintura, na gráfica, na pintura de casas, na fundição de treliças, nas capas de livros.

"Moderno" era muito heterogêneo e contraditório. Por um lado, procurou assimilar e reelaborar criativamente os princípios folclóricos, para criar uma arquitetura que não fosse ostensiva para o povo, como no período eclético, mas genuína. Definindo a tarefa de forma ainda mais ampla, os mestres da era Art Nouveau garantiram que os objetos do cotidiano carregassem a marca das tradições folclóricas. Nesse sentido, muito foi feito pelo círculo de artistas que trabalham em Abramtsevo, espólio do filantropo S.I. V. M. Vasnetsov, M. A. Vrubel, V. D. Polenov trabalharam aqui. O negócio iniciado em Abramtsevo continuou em Talashkino, perto de Smolensk, propriedade da princesa M. A. Tenisheva. Entre os mestres Talashin estavam M. A. Vrubel e N. K. Roerich. Tanto em Abramtsevo quanto em Talashkino existiam oficinas que produziam móveis e utensílios domésticos a partir de amostras feitas por artistas. Os teóricos da “modernidade” contrastaram a vida artesanato popular produção industrial sem rosto.

Mas, por outro lado, a arquitetura “moderna” fez uso extensivo das conquistas da moderna tecnologia de construção. Um estudo cuidadoso das capacidades de materiais como concreto armado, vidro e aço levou a descobertas inesperadas. Vidro convexo, esquadrias curvas, formas fluidas de grades metálicas - tudo isso veio do “modernismo” para a arquitetura.

Desde o início, duas direções se destacaram na “modernidade” doméstica - pan-europeia e nacional-russa. Este último foi, talvez, predominante. Nas suas origens está a igreja de Abramtsevo - uma criação original e poética de dois artistas que atuaram como arquitetos - Vasnetsov e Polenov. Tomando como modelo a antiga arquitetura Novgorod-Pskov, com sua assimetria pitoresca, eles não copiaram detalhes individuais, mas incorporaram o próprio espírito da arquitetura russa em seu material moderno.

Os motivos poéticos de contos de fadas da igreja de Abramtsevo foram repetidos e desenvolvidos por Alexey Viktorovich Shchusev (1873 - 1941) na Catedral do Convento Marfo-Mariinsky em Moscou. Pertence a ele projeto grandioso Estação ferroviária de Moscou Kazansky. Construído de forma um tanto caótica, como uma série de “câmaras” de pedra adjacentes umas às outras, é claramente organizado e fácil de usar. A torre principal reproduz de perto a torre Syuyumbeki no Kremlin de Kazan. Assim, os motivos da antiga cultura russa e oriental estão interligados no edifício da estação.

A Estação Yaroslavsky, localizada em frente a Kazansky, foi construída de acordo com o projeto de Fyodor Osipovich Shekhtel (1859-1926), um notável arquiteto russo da era Art Nouveau. Seguindo o caminho de Vasnetsov e Polenov, Shekhtel criou uma imagem fabulosamente épica do Norte da Rússia.

Artista muito versátil, Shekhtel deixou obras não apenas no estilo nacional russo. Numerosas mansões construídas de acordo com seus projetos, espalhadas pelas vielas de Moscou, primorosamente elegantes e diferentes umas das outras, tornaram-se parte integrante da arquitetura da capital.

O início do “moderno” foi caracterizado por um início “dionisíaco”, ou seja, o desejo de espontaneidade, imersão no fluxo de formação e desenvolvimento. Na “modernidade” tardia (às vésperas da Guerra Mundial), começou a predominar um início “apolonístico” calmo e claro. Elementos do classicismo retornaram à arquitetura. Em Moscou, segundo projeto do arquiteto R. I. Klein, foi construído o Museu belas-Artes e Ponte Borodinsky. Ao mesmo tempo, os edifícios do Azov-Don e dos bancos comerciais e industriais russos surgiram em São Petersburgo. Os bancos de São Petersburgo foram construídos em estilo monumental, utilizando revestimento de granito e superfícies de alvenaria “irregulares”. Isto parecia personificar seu conservadorismo, confiabilidade e estabilidade.

O século do “moderno” foi muito curto - desde o final do século XIX. antes do início da guerra mundial. Mas este foi um período muito brilhante na história da arquitetura. No início do século, seu surgimento foi recebido com uma tempestade de críticas. Alguns consideraram-no um estilo “decadente”, outros consideraram-no burguês. Mas o “moderno” provou a sua vitalidade e democracia. Tinha raízes populares, contava com uma base industrial avançada e absorveu as conquistas da arquitetura mundial. O “moderno” não tinha o rigor do classicismo. Foi dividido em diversas direções e escolas, que formaram uma paleta multicolorida do último florescimento da arquitetura às vésperas das grandes convulsões do século XX.

Ao longo de uma década e meia, coincidindo com o boom da construção, o “modernismo” espalhou-se por toda a Rússia. Ainda hoje pode ser encontrado em qualquer cidade antiga. Basta olhar mais de perto as janelas arredondadas, as requintadas molduras de estuque e as grades curvas das varandas de qualquer mansão, hotel ou loja.

Uma obra-prima arquitetônica é a mansão de Z. Morozova em Moscou (1893-1896), na qual o “salão gótico” surpreende com a sensação de autenticidade da Idade Média. Os painéis do “Salão Gótico” foram realizados de acordo com os desenhos de M. A. Vrubel. Outros interiores são decorados nos estilos Império e “quarto Rococó”. Em nome do amor por uma mulher incomum, Zinaida Morozova, Savva Morozov construiu um castelo em 1893, como nunca tinha sido visto em Moscou. Torres góticas, janelas de lanceta, ameias nas paredes - a casa exalava mistério, o espírito da Idade Média. Ninguém poderia imaginar então que esta mansão foi o primeiro arauto do estilo arquitetônico emergente na Rússia. O cliente da mansão era o famoso industrial e filantropo Savva Morozov. Porém, a mansão foi construída exclusivamente por capricho de sua esposa Zinaida, que não contava com o dinheiro do marido, e rumores sobre o luxo da mansão rapidamente se espalharam por Moscou (todos os interiores foram cuidadosamente projetados por Shekhtel, com a participação de Vrubel ). Mais tarde, após a morte de seu marido, Zinaida vendeu a mansão para os Ryabushinskys, dizendo que o espírito de Savva não permitia que ela morasse nesta casa e que supostamente à noite no escritório de Morozov objetos se moviam sobre a mesa, sua tosse e seu andar arrastado poderia ser ouvido.

Escultura

Tal como a arquitectura, a escultura da viragem do século libertou-se do ecletismo. A renovação do sistema artístico e figurativo está associada à influência impressionismo. O primeiro representante consistente desta tendência foi P.P. Trubetskoy (1866-1938), que se desenvolveu como mestre na Itália, onde passou a infância e a juventude. Já nas primeiras obras russas do escultor (retrato de I. I. Levitan e busto de L. N. Tolstoy, ambos de 1899, bronze) surgiram as características do novo método - “frouxidade”, textura irregular, formas dinâmicas, permeadas de ar e luz.

A obra mais notável de Trubetskoy é o monumento a Alexandre III em São Petersburgo (1909, bronze). Grotesco, quase imagem satírica do imperador reacionário foi feita como a antítese do famoso monumento a Falconet (o Cavaleiro de Bronze): em vez de um cavaleiro orgulhoso controlando facilmente um cavalo empinado, há um “martinet de bunda gorda” (Repin) em um cavalo pesado e de apoio . Ao abandonar a modelagem impressionista da superfície, Trubetskoy reforçou a impressão geral de força bruta opressiva.

O maravilhoso monumento a Gogol em Moscou (1909), do escultor N.A., também é alheio ao pathos monumental. Andreeva (1873-1932), transmitindo sutilmente a tragédia do grande escritor, “cansaço do coração”, tão sintonizado com a época. Gogol é capturado em um momento de concentração, pensamento profundo com um toque de melancolia e melancolia.

Uma interpretação original do impressionismo é inerente à obra de A.S. Golubkina (1864-1927), que reformulou o princípio de representar fenômenos em movimento na ideia de despertar o espírito humano (“Walking”, 1903; “Sitting Man”, 1912, Museu Russo Russo). Imagens femininas, criadas pelo escultor, são marcadas por um sentimento de compaixão pelas pessoas cansadas, mas não abaladas pelas provações da vida (“Izergil”, 1904; “Velho”, 1911, etc.).

O impressionismo teve pouco efeito na obra de S. T. Konenkov (1874-1971), que se distinguiu por sua diversidade estilística e de gênero (alegórico “Samson Breaking Ties”, 1902; retrato psicológico “Militant Worker 1905 Ivan Churkin”, 1906, mármore; geral galeria -imagens simbólicas sobre temas da mitologia grega e do folclore russo - “Nike”, 1906, mármore “Stribog”, 1910, figuras fantásticas e ao mesmo tempo assustadoramente reais de andarilhos miseráveis ​​​​- “Beggar Brethren”, 1917, madeira, Galeria Tretyakov).

Artistas"prataséculo"

Sobre virada de XIX-XX séculos, mudanças significativas ocorreram na pintura russa. As cenas do gênero ficaram em segundo plano. A paisagem perdeu a qualidade fotográfica e a perspectiva linear e tornou-se mais democrática, baseada na combinação e no jogo de manchas de cores. Os retratos muitas vezes combinavam a convencionalidade ornamental do fundo e a clareza escultural do rosto.

O início de uma nova etapa na pintura russa está associado à associação criativa “World of Art”. No final da década de 80 do século XIX. Em São Petersburgo, surgiu um círculo de estudantes do ensino médio e amantes da arte. Eles se reuniram no apartamento de um dos participantes, Alexander Benois. Encantador, capaz de criar uma atmosfera criativa ao seu redor, ele se tornou a alma do círculo desde o início. Seus membros permanentes eram Konstantin Somov e Lev Bakst. Mais tarde juntaram-se a eles Eugene Lanceray, sobrinho de Benoit, e Sergei Diaghilev, que veio das províncias.

As reuniões do círculo eram um pouco palhaçadas por natureza. Mas os relatórios apresentados pelos seus membros foram preparados com cuidado e seriedade. Os amigos ficaram fascinados com a ideia de unificar todos os tipos de arte e aproximar as culturas nações diferentes. Falavam com alarme e amargura que a arte russa era pouco conhecida no Ocidente e que os artistas nacionais não estavam suficientemente familiarizados com as realizações dos artistas europeus modernos.

Os amigos cresceram, se dedicaram à criatividade e criaram seus primeiros trabalhos sérios. E eles não perceberam como Diaghilev acabou no topo do círculo. O ex-provincial tornou-se um jovem altamente educado, com gosto artístico refinado e visão empresarial. Ele próprio não se envolveu profissionalmente em nenhum tipo de arte, mas tornou-se o principal organizador de uma nova associação criativa. No carácter de Diaghilev, a eficiência e o cálculo sóbrio coexistiam com algum aventureirismo, e os seus empreendimentos ousados ​​muitas vezes traziam sucesso.

Em 1898, Diaghilev organizou uma exposição de obras russas e Artistas finlandeses. Essencialmente, esta foi a primeira exposição de artistas de uma nova direção. Seguiram-se outras vernissages e, finalmente, em 1906, uma exposição em Paris “Dois Séculos de Pintura e Escultura Russa”. O “avanço cultural” da Rússia na Europa Ocidental ocorreu graças aos esforços e entusiasmo de Diaghilev e dos seus amigos.

Em 1898, o círculo Benois-Diaghilev começou a publicar a revista “World of Art”. O artigo programático de Diaghilev afirmava que o propósito da arte é a autoexpressão do criador. A arte, escreveu Diaghilev, não deveria ser usada para ilustrar quaisquer doutrinas sociais. Se for genuíno, é em si a verdade da vida, uma generalização artística e, às vezes, uma revelação.

O nome “Mundo da Arte” foi transferido da revista para uma associação criativa de artistas, cuja espinha dorsal era o mesmo círculo. Mestres como V. A. Serov, M. A. Vrubel, M. V. Nesterov, I. I. Levitan, N. K. Roerich juntaram-se à associação. Todos eles tinham pouca semelhança entre si e trabalhavam em diferentes estilos criativos. E ainda assim havia muito em comum em sua criatividade, humor e pontos de vista.

“O Mundo dos Artesãos” ficou alarmado com o início da era industrial, quando cresceram grandes cidades, construídas com edifícios fabris sem rosto e habitadas por pessoas solitárias. Eles estavam preocupados que a arte, concebida para trazer harmonia e paz à vida, fosse cada vez mais excluída dela e se tornasse propriedade de um pequeno círculo de “escolhidos”. Eles esperavam que a arte, ao voltar à vida, gradualmente suavizasse, espiritualizasse e unisse as pessoas.

O Mundo dos Artesãos acreditava que nos tempos pré-industriais as pessoas tiveram um contato mais próximo com a arte e a natureza. O século XVIII parecia especialmente atraente para eles. Mas eles ainda entendiam que a era de Voltaire e Catarina não foi tão harmoniosa quanto lhes parece e, portanto, as poucas paisagens de Versalhes e Czarskoe Selo com reis, imperatrizes, cavalheiros e damas estão envoltas em uma leve névoa de tristeza e auto-ironia . Cada uma dessas paisagens de A. N. Benois, K. A. Somov ou E. E. Lanceray termina como se fosse um suspiro: é uma pena que tenha desaparecido para sempre! Pena que não foi tão bonito assim!

A pintura a óleo, que parecia um tanto pesada para os artistas do Mundo da Arte, ficou em segundo plano em seu trabalho. Aquarela, pastel e guache foram utilizados com muito mais frequência, o que possibilitou a criação de trabalhos em cores claras e arejadas. O desenho desempenhou um papel especial no trabalho da nova geração de artistas. A arte da gravura foi revivida. Muito crédito por isso pertence a A.P. Ostroumova-Lebedeva. Mestra da paisagem urbana, capturou muitas cidades europeias (Roma, Paris, Amsterdã, Bruges) em suas gravuras. Mas no centro de seu trabalho estavam São Petersburgo e seus subúrbios palacianos - Tsarskoe Selo, Pavlovsk, Gatchina. Aparência severa e contida capital do norte nas suas gravuras refletia-se no ritmo intenso das silhuetas e linhas, nos contrastes das cores branco, preto e cinza.

Um renascimento está associado à criatividade do “mundo dos artistas” gráficos de livros, livros de arte. Não se limitando às ilustrações, os artistas introduziram nos livros páginas iniciais, vinhetas intrincadas e finais no estilo Art Nouveau. Ficou claro que o design de um livro deveria estar intimamente relacionado ao seu conteúdo. O designer gráfico passou a prestar atenção em detalhes como formato do livro, cor do papel, fonte e acabamento. Muitas pessoas estiveram envolvidas na concepção dos livros. mestres excepcionais daquela vez. Púchkinsky" Cavaleiro de Bronze”estava firmemente conectado com os desenhos de Benois, e “Hadji Murad” de Tolstoi - com as ilustrações de Lanceray. Início do século 20 depositados nas prateleiras da biblioteca com muitos exemplos de arte de livros de alta qualidade.

Os artistas do Mundo da Arte prestaram uma generosa homenagem à arte, especialmente à música. As decorações dos artistas da época - às vezes primorosamente refinadas, às vezes ardendo como um fogo - combinadas com música, dança e canto, criaram um espetáculo deslumbrantemente luxuoso. L. S. Bakst deu uma contribuição significativa para o sucesso do balé “Scheherazade” (com música de Rimsky-Korsakov). A. Ya. Golovin desenhou o balé “O Pássaro de Fogo” (ao som de I. F. Stravinsky) de uma forma igualmente alegre e festiva. O cenário de N.K. Roerich para a ópera “Príncipe Igor”, pelo contrário, é muito contido e severo.

No campo da pintura teatral, os “artistas do mundo” foram os que mais se aproximaram de cumprir a sua missão. sonho acalentado- combine diferentes tipos de arte em uma única obra.

O destino da associação World of Art revelou-se difícil. A revista deixou de ser publicada depois de 1904. Nessa época, muitos artistas já haviam deixado a associação, e ela havia diminuído para o tamanho do círculo original. As conexões criativas e pessoais de seus membros continuaram por muitos anos. "Mundo da Arte" tornou-se símbolo artístico fronteiras de dois séculos. Toda uma etapa no desenvolvimento da pintura russa está associada a ela. Um lugar especial na associação foi ocupado por M. A. Vrubel, M. V. Nesterov e N. K. Roerich.

Mikhail Alexandrovich Vrubel (1856 - 1910) foi um mestre versátil. Ele trabalhou com sucesso em murais monumentais, pinturas, decorações, ilustrações de livros e desenhos para vitrais. E ele sempre permaneceu ele mesmo, apaixonado, apaixonado, vulnerável. Três temas principais, três motivos perpassam sua obra.

A primeira, espiritualmente sublime, manifestou-se, antes de mais nada, na imagem da jovem Mãe de Deus com o Menino, pintada para a iconostase da Igreja de São Cirilo em Kiev.

Os motivos demoníacos de Vrubel foram inspirados na poesia de Lermontov. Mas o Demônio de Vrubel tornou-se uma imagem artística independente. Para Vrubel, o Demônio, um anjo caído e pecaminoso, acabou sendo como um segundo “eu” - uma espécie de herói lírico. Este tema foi ouvido com particular força no filme “O Demônio Sentado”. A poderosa figura do Demônio cobre quase toda a tela. Parece que ele deveria se levantar e se endireitar. Mas suas mãos estão abaixadas, seus dedos estão dolorosamente entrelaçados e há profunda melancolia em seus olhos. Este é o Demônio de Vrubel: ao contrário de Lermontov, ele não é tanto um destruidor impiedoso, mas uma personalidade sofredora.

Em 1896, para a Exposição Pan-Russa em Nizhny Novgorod, Vrubel pintou o painel “Mikula Selyaninovich”, no qual dotou o herói popular-lavrador de tal poder, como se ele contivesse o poder primitivo da própria terra. Foi assim que apareceu na obra de Vrubel a terceira direção - a direção épico-folk. Seu exageradamente poderoso “Bogatyr”, montado em um enorme cavalo, foi escrito com esse espírito. A pintura “Pan” é adjacente a esta série. A divindade da floresta é retratada como um velho enrugado com olhos azuis e mãos fortes.

Os últimos anos da vida de Vrubel foram condenados por graves doenças mentais. Em momentos de iluminação, novas ideias nasceram para ele - “A Visão do Profeta Ezequiel”, “O Serafim de Seis Asas”. Talvez ele quisesse combinar, fundir as três direções principais de sua criatividade. Mas tal síntese estava além do poder até mesmo de Vrubel. No dia do seu funeral, Benoit disse que as gerações futuras “olharão para as últimas décadas do século XIX. como na “era de Vrubel”... Foi nele que o nosso tempo se expressou da forma mais bela e triste que foi capaz.”

Mikhail Vasilyevich Nesterov (1862-1942) escreveu seus primeiros trabalhos no espírito dos Wanderers. Mas então motivos religiosos começaram a aparecer em sua obra. Nesterov escreveu uma série de pinturas dedicadas a Sergei de Radonej. O primeiro deles foi a pintura “Visão ao Jovem Bartolomeu” (1889-1890). O menino de cabeça branca, que estava destinado a se tornar o mentor espiritual da Antiga Rus, ouve com reverência as palavras proféticas, e toda a natureza, a simples paisagem russa do final do verão, parecia estar repleta desse sentimento de reverência. .

A natureza desempenha um papel especial na pintura de Nesterov. Em suas pinturas ela atua como “personagem”, reforçando humor geral. O artista teve especial sucesso nas paisagens sutis e transparentes do verão setentrional. Ele adorava pintar a natureza da Rússia Central no limiar do outono, quando os campos e florestas tranquilos se preparavam para aguardá-lo. Nesterov quase não tem paisagens “desertas” e pinturas sem paisagens são raras.

Os motivos religiosos na obra de Nesterov foram expressos de forma mais completa em sua pintura de igreja. Com base em seus esboços, foram executados alguns mosaicos nas fachadas da Igreja da Ressurreição de Cristo, erguida em São Petersburgo no local do assassinato de Alexandre II.

O artista criou uma galeria inteira de retratos de pessoas importantes da Rússia. Na maioria das vezes, ele retratou seus heróis ao ar livre, continuando seu tema favorito de “diálogo” entre o homem e a natureza. L. N. Tolstoy foi capturado em um canto remoto do parque Yasnaya Polyana, os filósofos religiosos S. N. Bulgakov e P. A. Florensky - durante uma caminhada (a pintura “Filósofos”).

A pintura de retratos tornou-se a principal direção da criatividade de Nesterov ao longo dos anos Poder soviético. Ele escreveu principalmente para pessoas próximas a ele em espírito, intelectuais russos. Sua conquista especial foi o expressivo retrato do Acadêmico I. P. Pavlov.

Nicholas Konstantinovich Roerich (1874 - 1947) criou mais de sete mil pinturas durante sua vida. Eles decoraram os museus de muitas cidades do nosso país e do exterior. O artista tornou-se figura pública em uma escala global. Mas a fase inicial do seu trabalho pertence à Rússia.

Roerich chegou à pintura através da arqueologia. Ainda nos anos de ensino médio, ele participou de escavações de antigos túmulos. A imaginação do jovem pintou imagens vívidas de épocas distantes. Após o ensino médio, Roerich ingressou simultaneamente na universidade e na Academia de Artes. O jovem artista começou a implementar o seu primeiro grande plano - uma série de pinturas “O Início da Rus'. Eslavos".

A primeira foto desta série, “Messenger. Geração após geração surgiu”, foi escrito à maneira dos Wanderers. Posteriormente, a cor começou a desempenhar um papel cada vez mais ativo na pintura de Roerich - pura, intensa, extraordinariamente expressiva. Foi assim que foi pintada a pintura “Convidados Estrangeiros”. Utilizando a intensa cor azul esverdeada, o artista conseguiu transmitir a pureza e a frieza da água do rio. A vela amarelo-carmesim de um barco ultramarino balança ao vento. Seu reflexo é esmagado pelas ondas. O jogo dessas cores é cercado por uma linha branca pontilhada de gaivotas voadoras.

Apesar de todo o seu interesse pela antiguidade, Roerich não abandonou a vida moderna, ouviu suas vozes e foi capaz de captar o que os outros não ouviram. Ele estava profundamente preocupado com a situação na Rússia e no mundo. A partir de 1912, Roerich criou uma série pinturas estranhas, em que, ao que parece, não há Lugar específico ações, eras misturadas. São uma espécie de “sonhos proféticos”. Uma dessas pinturas se chama “O Último Anjo”. Um anjo sobe em nuvens vermelhas rodopiantes, deixando a terra envolta em fogo.

Em pinturas pintadas durante a guerra, Roerich tenta recriar os valores da religião e do trabalho pacífico. Ele se volta para os motivos da Ortodoxia popular. Em suas telas, os santos descem à terra, afastam os problemas das pessoas e as protegem do perigo. Roerich completou as últimas pinturas desta série em uma terra estrangeira. Em um deles (“Zvenigorod”), santos em vestes brancas e com auréolas douradas saem de um antigo templo e abençoam a terra. Naquela época, na Rússia Soviética, a perseguição à igreja estava se desenrolando, as igrejas foram destruídas e profanadas. Os santos foram até o povo.

ContribuiçãoVLiteratura"Douradoséculo"

O século XIX é chamado de “Idade de Ouro” da poesia russa e o século da literatura russa em escala global. No início do século, a arte foi finalmente separada da poesia da corte e dos poemas de “álbum” na história da literatura russa, pela primeira vez surgiram as características de um poeta profissional, o lirismo tornou-se mais natural, mais simples e mais humano; . Este século nos deu tais mestres. Não devemos esquecer que o salto literário que ocorreu no século XIX estava preparado a todo vapor. processo literário Séculos XVII-XVIII. O século XIX é a época da formação da língua literária russa.

O século XIX começou com o apogeu do sentimentalismo e o surgimento do romantismo. Essas tendências literárias encontraram expressão principalmente na poesia.

Sentimentalismo: O sentimentalismo declarou o sentimento, e não a razão, como o dominante da “natureza humana”, o que o distinguiu do classicismo. O sentimentalismo é um ideal atividade humana não acreditava em uma reorganização “razoável” do mundo, mas na liberação e aprimoramento de sentimentos “naturais”. Seu herói é mais individualizado, seu mundo interior é enriquecido pela capacidade de ter empatia e responder com sensibilidade ao que está acontecendo ao seu redor. Por origem e por convicção, o herói sentimentalista é um democrata; o rico mundo espiritual das pessoas comuns é uma das principais descobertas e conquistas do sentimentalismo.

Karamzin: A era do sentimentalismo na Rússia foi aberta pela publicação de “Cartas de um viajante russo” e pela história “Pobre Liza” de Karamzin. (no final do século XVIII)

A poesia de Karamzin, que se desenvolveu na corrente principal do sentimentalismo europeu, era radicalmente diferente da poesia tradicional de sua época, criada nas odes de Lomonosov e Derzhavin. As diferenças mais significativas foram as seguintes: 1) Karamzin não está interessado no mundo físico externo, mas no mundo interno e espiritual do homem. Seus poemas falam “a linguagem do coração”, não da mente. 2) O objeto da poesia de Karamzin é “ vida simples", e para descrevê-lo ele usa formas poéticas simples -- rimas pobres, evita a abundância de metáforas e outros tropos populares nos poemas de seus antecessores. 3) Outra diferença entre a poética de Karamzin é que o mundo é fundamentalmente incognoscível para ele, o poeta reconhece a existência pontos diferentes visualização do mesmo objeto.

Reforma A língua de Karamzin: A prosa e a poesia de Karamzin tiveram uma influência decisiva no desenvolvimento da língua literária russa. 1) Karamzin abandonou propositalmente o uso do vocabulário e da gramática eslava da Igreja, trazendo a linguagem de suas obras para a linguagem cotidiana de sua época e usando a gramática e a sintaxe da língua francesa como modelo. 2) Karamzin introduziu muitas palavras novas na língua russa -- tanto neologismos (“caridade”, “apaixonar-se”, “livre-pensamento”, “atração”, “de primeira classe”, “humanitário”) quanto barbáries (“calçada”, “cocheiro”). 3). Foi também um dos primeiros a utilizar a letra E. A vitória literária de “Arzamas” sobre “Beseda” fortaleceu a vitória das mudanças linguísticas que Karamzin introduziu.

Sentimentalismo Karamzin teve grande influência no desenvolvimento da literatura russa: o romantismo de Zhukovsky e a obra de Pushkin foram baseados nele, entre outras coisas.

Romantismo: direção ideológica e artística na cultura do final do século XVIII - a primeira metade do século XIX século. Caracteriza-se pela afirmação do valor intrínseco da vida espiritual e criativa do indivíduo, pela representação de paixões e personagens fortes (muitas vezes rebeldes), de natureza espiritualizada e curativa. No século XVIII, tudo o que era estranho, fantástico, pitoresco e existente nos livros e não na realidade era chamado de romântico. No início do século XIX, o romantismo passou a designar uma nova direção, oposta ao classicismo e ao Iluminismo. O Romantismo afirma o culto à natureza, aos sentimentos e ao natural no homem. A imagem do “nobre selvagem”, munido de “sabedoria popular” e não estragado pela civilização, é procurada.

No romantismo russo, surge a liberdade das convenções clássicas, uma balada e um drama romântico são criados. Uma nova ideia está sendo estabelecida sobre a essência e o significado da poesia, que é reconhecida como uma esfera independente da vida, uma expressão das aspirações ideais mais elevadas do homem; a velha visão, segundo a qual a poesia parecia uma diversão vazia, algo completamente útil, acaba por não ser mais possível.

O fundador do romantismo russo é Zhukovsky: poeta, tradutor e crítico russo. No início ele escreveu sentimentalismo por causa de seu relacionamento próximo com Karamzin, mas em 1808, junto com a balada “Lyudmila” (uma adaptação de “Lenora” de G. A. Burger), que saiu de sua pena, a literatura russa entrou em um novo e completamente especial conteúdo - romantismo. Participou da milícia. Em 1816 ele se tornou leitor da imperatriz viúva Maria Feodorovna. Em 1817, tornou-se professor de russo da princesa Charlotte, futura imperatriz Alexandra Feodorovna, e no outono de 1826 foi nomeado para o cargo de “mentor” do herdeiro do trono, o futuro imperador Alexandre II.

A poesia de Mikhail Yuryevich pode ser considerada o auge do romantismo russo Lermontov. Na opinião da parte progressista da sociedade russa dos anos 30. Século XIX surgiram características de uma visão de mundo romântica, causada pela insatisfação com a realidade moderna. Esta visão de mundo foi caracterizada por profunda decepção, rejeição da realidade e descrença na possibilidade de progresso. Por outro lado, os românticos caracterizavam-se por um desejo de ideais elevados, um desejo de uma resolução completa das contradições da existência e uma compreensão da impossibilidade disso (a lacuna entre o ideal e a realidade).

A obra de Lermontov reflete mais plenamente a visão de mundo romântica que se formou na era de Nicolau. Em sua poesia, o principal conflito do romantismo - a contradição entre o ideal e a realidade - atinge extrema tensão, o que o distingue significativamente dos poetas românticos do início do século XIX. O objeto principal das letras de Lermontov é o mundo interior do homem - profundo e contraditório, do nosso tempo.” O tema central da obra de Lermontov é o tema da trágica solidão do indivíduo em um mundo hostil e injusto. Toda a riqueza de imagens poéticas, motivos, meios artísticos, toda a diversidade de pensamentos, experiências e sentimentos do herói lírico estão subordinados à divulgação deste tema.

Um motivo importante nas obras de Lermontov é, por um lado, o sentimento de “forças imensas” alma humana, e por outro - inutilidade, futilidade trabalho ativo, dedicação.

Em suas diversas obras são visíveis os temas da pátria, do amor, do poeta e da poesia, refletindo as características da brilhante individualidade e visão de mundo do poeta.

Tyutchev: As letras filosóficas de F. I. Tyutchev são ao mesmo tempo a conclusão e a superação do romantismo na Rússia. Começando pelas obras ódicas, aos poucos foi encontrando seu próprio estilo. Foi algo como uma fusão do ódico russo poesia XVIII séculos e tradições do romantismo europeu. Além disso, ele nunca quis se ver no papel de escritor profissional e até negligenciou os resultados de sua própria criatividade.

Junto com a poesia, começou a desenvolver prosa. Os prosadores do início do século foram influenciados pelos romances históricos ingleses de W. Scott, cujas traduções eram extremamente populares. O desenvolvimento da prosa russa do século 19 começou com obras em prosa COMO. Pushkin e N.V. Gógol.

Poesia antiga de A.S. Púchkin também se desenvolveu no âmbito do romantismo. Seu exílio no sul coincidiu com uma série de eventos históricos e em Pushkin havia uma esperança crescente de concretização dos ideais de liberdade e liberdade (o heroísmo da história moderna da década de 1820 foi refletido nas letras de Pushkin), mas depois de vários anos de frio recepção por suas obras, ele logo percebeu que o mundo era governado não por opiniões, mas por poderes. Nas obras de Pushkin período romântico amadureceu a convicção de que operam no mundo leis objetivas, das quais o homem não pode abalar, por mais corajosos e belos que sejam seus pensamentos. Isso determinou o tom trágico da musa de Pushkin.

Gradualmente, na década de 30, os primeiros “sinais” de realismo apareceram em Pushkin.

Desde meados do século XIX, vem ocorrendo a formação da literatura realista russa, que foi criada tendo como pano de fundo a tensa situação sócio-política que se desenvolveu na Rússia durante o reinado de Nicolau I. Uma crise do sistema de servidão está se formando , e existem fortes contradições entre as autoridades e as pessoas comuns. Há uma necessidade urgente de criar literatura realista que responda de forma aguda à situação sócio-política do país. Os escritores voltam-se para os problemas sócio-políticos da realidade russa. Predominam questões sócio-políticas e filosóficas. A literatura se distingue por um psicologismo especial.

Realismo na arte, 1) a verdade da vida, incorporada por meios específicos de arte. 2) Uma forma historicamente específica de consciência artística dos tempos modernos, cujo início remonta ao Renascimento ("realismo renascentista"), ou ao Iluminismo ("realismo iluminista"), ou aos anos 30. século 19 (“na verdade realismo”). Os princípios norteadores do realismo dos séculos XIX - XX: reflexão objetiva dos aspectos essenciais da vida em combinação com a altura do ideal do autor; reprodução de personagens, conflitos, situações típicas com a integralidade de sua individualização artística (ou seja, concretização de signos nacionais, históricos, sociais e de características físicas, intelectuais e espirituais); preferência nos métodos de representação das “formas da própria vida”, mas junto com o uso, especialmente no século XX, de formas convencionais (mito, símbolo, parábola, grotesco); interesse predominante no problema da “personalidade e sociedade”

Gógol não era um pensador, mas ele era grande artista. Ele mesmo disse sobre as propriedades de seu talento: “Só fiz bem o que tirei da realidade, dos dados que conheço”. Não poderia ter sido mais simples ou mais forte indicar a profunda base de realismo que reside no seu talento.

Realismo crítico -- método artístico e um movimento literário que se desenvolveu no século XIX. Sua principal característica é a representação do caráter humano em conexão orgânica com as circunstâncias sociais, juntamente com uma profunda análise social do mundo interior do homem.

COMO. Pushkin e N.V. Gogol traçou os principais tipos artísticos que seriam desenvolvidos pelos escritores ao longo do século XIX. Este é o tipo artístico do “homem supérfluo”, cujo exemplo é Eugene Onegin no romance de A.S. Pushkin, e o chamado tipo “ homem pequeno", que é mostrado por N.V. Gogol em sua história “O sobretudo”, assim como A.S. Pushkin na história “O Agente da Estação”.

A literatura herdou do século XVIII o seu caráter jornalístico e satírico. No poema em prosa de N.V. Em "Dead Souls" de Gogol, o escritor, de maneira satírica e afiada, mostra um vigarista que compra almas Mortas, vários tipos de proprietários de terras que são a personificação de vários vícios humanos. A comédia “O Inspetor Geral” segue o mesmo plano. As obras de A. S. Pushkin também estão repletas de imagens satíricas. A literatura continua a retratar satiricamente a realidade russa. TendênciaImagensvíciosEdeficiênciasrussosociedade-característicacaracterísticatodosrussoclássicoliteratura. Pode ser rastreado nas obras de quase todos os escritores do século XIX. Ao mesmo tempo, muitos escritores implementam a tendência satírica de forma grotesca (bizarra, cômica, tragicômica).

O gênero do romance realista está se desenvolvendo. Suas obras são criadas por I.S. Turgenev, F.M. Dostoiévski, L. N. Tolstoi, I.A. Goncharov. O desenvolvimento da poesia diminui um pouco.

Vale destacar as obras poéticas de Nekrasov, que foi o primeiro a introduzir na poesia problemas sociais. Seu poema “Quem Vive Bem na Rússia?” é conhecido, assim como muitos poemas que refletem sobre a vida difícil e sem esperança do povo.

O processo literário do final do século 19 revelou os nomes de N.S Leskov, A.N. Ostrovsky A.P. Tchekhov. Este último provou ser um mestre nas pequenas coisas gênero literário- um contador de histórias, além de um excelente dramaturgo. Concorrente A.P. Tchekhov era Máximo Gorky.

O final do século XIX foi marcado pelo surgimento de sentimentos pré-revolucionários. A tradição realista começou a desaparecer. Foi substituída pela chamada literatura decadente, características distintas que incluía misticismo, religiosidade, bem como uma premonição de mudanças na vida sócio-política do país. Posteriormente, a decadência evoluiu para simbolismo. Isto abre uma nova página na história da literatura russa.

Movimentos literários da Idade de Prata

Simbolismo russo

O simbolismo foi o primeiro movimento do modernismo a surgir em solo russo. Os simbolistas contrastaram o conhecimento tradicional do mundo com a ideia de construir o mundo no processo de criatividade. A criatividade na compreensão dos simbolistas é uma contemplação subconsciente-intuitiva de significados secretos acessíveis apenas ao artista - o criador. “Eufemismo”, “segredo de significado” - um símbolo é o principal meio de transmitir o significado secreto contemplado. O símbolo é a categoria estética central do novo movimento. “Um símbolo só é um símbolo verdadeiro quando é inesgotável em seu significado”, considerou o teórico do simbolismo Vyacheslav Ivanov. “O símbolo é uma janela para o infinito”, ecoou Fyodor Sologub.

Um dos alicerces da poesia russa do século 20 foi Innokenty Annensky. Pouco conhecido em vida, exaltado entre um círculo relativamente pequeno de poetas, foi então remetido ao esquecimento. Até mesmo os versos amplamente utilizados “Entre os mundos, no piscar das estrelas...” foram publicamente declarados anônimos. Mas a sua poesia, o seu simbolismo sonoro revelaram-se um tesouro inesgotável.

O mundo da poesia de Innokenty Annensky deu literatura a Nikolai Gumilyov, Anna Akhmatova, Osip Mandelstam, Boris Pasternak, Velimir Khlebnikov, Vladimir Mayakovsky. Não porque Annensky tenha sido imitado, mas porque estavam contidos nele. Sua palavra foi imediata - contundente, mas premeditada e ponderada; revelou não o processo de pensar, mas o resultado figurativo do pensamento; Seu pensamento parecia boa música. Innokenty Annensky, que em sua aparência espiritual pertence aos anos noventa, abre o século XX - onde as estrelas da poesia brilham, mudam, desaparecem, iluminam novamente o céu...

Entre os poetas mais lidos estão Konstantin Balmont - “o gênio de um sonho melodioso”; Ivan Bunin, cujo talento foi comparado à prata fosca - sua habilidade brilhante parecia fria, mas durante sua vida foi chamado de “o último clássico da literatura russa”; Valery Bryusov, que tinha reputação de mestre; Dmitry Merezhkovsky - o primeiro escritor europeu na Rússia; o mais filosófico dos poetas da Idade da Prata - Vyacheslav Ivanov...

Os poetas da Idade de Prata, mesmo que não fossem de primeira linha, eram personalidades importantes. Para responder à pergunta boêmia da moda: gênio ou louco? - via de regra, a resposta foi dada: um gênio e um louco.

Andrei Bely impressionou aqueles ao seu redor como um profeta... Todos eles, levados pelo simbolismo, tornaram-se representantes proeminentes desta escola mais influente. Na virada do século, o pensamento nacional intensificou-se especialmente. O interesse pela história, mitologia, folclore capturou filósofos (V. Solovyov, N. Berdyaev, P. Florensky, etc.), músicos (S. Rachmaninov, V. Kalinnikov, A. Scriabin), pintores (M. Nesterov, V.M. . Vasnetsov , A.M. Vasnetsov, N.K. “De volta às origens nacionais!” - foi o grito destes anos.

Desde os tempos antigos pátria, seus problemas e vitórias, preocupações e alegrias foram o tema principal cultura nacional. Pessoas de arte dedicaram sua criatividade à Rússia e à Rússia. O primeiro dever para nós é o dever do autoconhecimento - trabalho árduo para estudar e compreender nosso passado. O passado, a história da Rússia, a sua moral e costumes - estas são as chaves puras para saciar a sede de criatividade. As reflexões sobre o passado, o presente e o futuro do país tornam-se o principal motivo da atuação de poetas, escritores, músicos e artistas. “Meu tema está diante de mim, o tema da Rússia. Dedico minha vida consciente e irrevogavelmente a esse tema”, escreveu Alexander Blok.

“Arte fora do simbolismo não existe hoje em dia. Simbolismo é sinônimo de artista”, disse Alexander Blok naquela época, que durante sua vida já era mais que um poeta para muitos na Rússia.

LiteráriofluxoAcmeísmo(surgiuVRússiaVcomeçodécada de 1910anos)

Um grupo de jovens poetas, opostos aos simbolistas, procurou superar o utopismo da teoria simbólica. O líder deste grupo era Sergei Gorodetsky, ao qual se juntaram Nikolai Gumilyov e Alexander Tolstoy. As aulas literárias foram ministradas por Vyacheslav Ivanov, Innokenty Annensky, Maximilian Voloshin. Os poetas que estudavam a versificação passaram a se autodenominar “Academia de Poesia”. Em outubro de 1911, a “Academia de Poesia” foi transformada na “Oficina de Poetas”, inspirada nos nomes medievais das associações artesanais. Os líderes da “oficina” eram poetas da próxima geração - Nikolai Gumilyov e Sergei Gorodetsky. A questão foi levantada e resolvida sobre a criação de um novo movimento poético - Acmeísmo (do grego - o mais alto grau de algo, poder florescente). Anna Akhmatova, Osip Mandelstam, Mikhail Kuzmin e outros tornaram-se Acmeists.

O primeiro sinal do Acmeísmo, sua base estética, foi o artigo de M. Kuzmin “On Beautiful Clarity”. O artigo ditou os princípios da “excelente clareza”: desenho lógico, composição harmoniosa; O “clarismo” tornou-se essencialmente um apelo à reabilitação da estética da razão e da harmonia, e opôs-se ao globalismo dos simbolistas.

Os professores de maior autoridade para Acmeístas foram poetas que já desempenharam um papel significativo no simbolismo - M. Kuzmin, I. Annensky, A. Blok. Com o nome de Gumilyov, lembramos agora que ele foi o fundador do Acmeísmo. E ele foi, antes de tudo, um raro exemplo da unidade da poesia e da vida. Todos os seus anos foram incorporados em seus poemas. Sua vida - a vida de um poeta romântico russo - é reproduzida em suas obras. Gumilyov nos deixou uma previsão corajosa:

A terra esquecerá as queixas

Todos os guerreiros, todos os comerciantes,

E haverá, como antigamente, druidas

Ensine nas colinas verdes.

E haverá, como antigamente, poetas

Leve os corações às alturas.

Como um anjo guia cometas

Para um sonho desconhecido para eles.

Seus ritmos têm peso. Suas linhas brilham e cheiram perfumadas. Sua entonação liderou o exército de poetas, que se revelou um exército invencível. Talento, pura inspiração deve, em sua opinião, ser perfeito, e ele ensinou o ofício aos jovens poetas com persistência e severidade. Os resultados superaram todas as expectativas: cinco anos depois, na Rússia, nas grandes cidades, surgiram oficinas de poetas, seguindo o exemplo de São Petersburgo - a partir de agora não era mais possível escrever poesia ruim, o nível dos mestres aumentou de forma incomum, e aqueles que tinham talento poderiam mostrá-lo em perfeita forma.

Ele foi rigoroso e implacável com os jovens poetas e consigo mesmo; foi o primeiro a declarar a versificação uma ciência e um ofício que precisa ser aprendido, assim como se aprende música e pintura. Ele era corajoso e teimoso, era sonhador e corajoso. Ele combinou a juventude e as boas maneiras de um jovem que se formou no ginásio Tsarskoye Selo com uma medalha, um espírito errante e o fanatismo inflexível de um poeta. Ele escreveu poemas saturados de charme azedo, repletos do aroma de altas montanhas, desertos quentes e mares distantes. Cavaleiro andante, ordem aristocrática, foi apaixonado por todos os tempos, países e épocas.

Quando a guerra mundial começou, Gumilyov foi para o front. Suas aventuras foram lendárias. Ele recebeu três "Georges", ficou gravemente ferido, mas sua alma floresceu em ousada beleza heróica.

Como um verdadeiro gênio russo, ele tinha o dom da previsão, prevendo para si mesmo no impressionante poema “Trabalhador”:

Ele está sobre uma forja em brasa,

Um velho baixinho

Um olhar calmo parece submisso

Do piscar das pálpebras avermelhadas

Todos os seus camaradas adormeceram,

Ele é o único que ainda está acordado,

Ele está ocupado lançando uma bala,

O que me separará da terra.

Eu vou cair, vou ficar entediado até a morte,

Vou ver o passado na realidade,

O sangue fluirá como uma fonte sobre o seco,

Grama empoeirada e amassada.

E o Senhor me recompensará em plena medida

Pela minha curta e amarga vida...

Não conhecemos os detalhes do seu assassinato (o país matou, atirou no seu herói!), mas sabemos que, parado junto ao muro, nem sequer lançou ao carrasco um olhar de confusão e medo.

Um sonhador, um romântico, um patriota, um professor severo, um poeta... Sua sombra sombria, indignada, voou para longe da Pátria desfigurada, sangrenta e apaixonadamente amada...

Escreveu livros de poesia: “O Caminho do Conquistador”, “Flores Românticas”, “Pérolas”, “Céu Alienígena”, “Quiver”, “Fogueira”, “Tenda”, peças em verso; um livro de poemas chineses “Pavilhão de Porcelana”, livros de poemas “Coluna de Fogo”, “No Meio da Jornada Terrestre”, “Poema do Dragão” estavam sendo preparados para publicação...

Imagismo. Nos primeiros anos pós-revolucionários, um novo movimento literário e artístico, o imagismo (da imagem francesa) surgiu na Rússia - imagem), com base nas buscas da vanguarda russa, em particular, do futurismo.

Poético O grupo de imagistas foi criado em 1918 por Sergei Aleksandrovich Yesenin, Vadim Gabrielevich Shershenevich e Anatoly Borisovich Mariengof. O grupo também incluía Ivan Gruzinov, Alexander Kusikov (Kusikyan) e Rurik Ivnev (Mikhail Kovalev). Organizacionalmente, eles se uniram em torno da editora “Imaginists” e do conhecido café literário “Stable of Pegasus”. Os Imagistas publicaram a revista “Hotel para Viajantes em Beleza”, que encerrou em 1924 em seu quarto número.

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