Roger Fenton. Fruta. 1860 Graham Clarke. A foto. Oxford, 1997

A Enciclopédia Fotográfica de Fred e Gloria McDarrow define a natureza morta como: “ Termo geral para fotografias de objetos inanimados, produtos e mercadorias, muitas vezes para uso em publicidade. " Quando pequenos objetos são colocados em cima de uma mesa, a natureza morta às vezes é chamada de fotografia de "mesa". Com exceção do último esclarecimento, esta definição é bastante consistente com a usada em relação à pintura. Curiosamente, o próprio termo apareceu muito depois da imagem e se refere ao início do século XIX. A combinação francesa nature morte (natureza morta ou mortificada) difere da natureza-morta inglesa e do stilleben alemão (vida calma e tranquila) não apenas na escrita, mas também no significado. Na Holanda, porém, não havia um termo único: cada especialização (cafés da manhã, buquês de flores, naturezas mortas de peixes) tinha seu próprio nome para a coruja.

Objetos inanimados estão presentes em obras de arte desde o Paleolítico. V tempo diferente eles têm seu próprio papel e significado. As obras de Hans Holbein, Caravaggio ou Jan Vermeer não são naturezas mortas, mas em suas obras ele recebe um lugar especial tanto em termos artísticos quanto semânticos. Como gênero independente a natureza morta apareceu apenas no século XVII.

A fotografia, que emprestou quase todos os gêneros da pintura, não abriu exceção para a natureza-morta. Como mostra a história da fotografia, a vida ainda era a menos representada na arte fotográfica, embora essa história na verdade tenha começado com ela. Entre os primeiros experimentos heliográficos de Nicephore Niepce estava uma natureza-morta, que consistia em uma garrafa, faca, colher, tigela e pão sobre uma mesa. Hippolyte Bayard em 1839 compôs uma composição de moldes de gesso, Jacques-Louis Daguerre fez várias naturezas mortas com moldes de gesso, pequenas esculturas, pinturas e fragmentos de frisos antigos, Henry Fox Talbot - com conchas e fósseis. É importante destacar que naturezas mortas com atributos de arte também foram encontradas na pintura de Jean Baptiste Chardin.

Os fotógrafos freqüentemente repetiam a composição e usavam os mesmos temas que os artistas. A declaração de Henry Fox Talbot de que "a escola holandesa de pintura serve como uma fonte confiável para nós na representação de objetos da vida cotidiana" não parece passar despercebida, como evidenciado, por exemplo, pelas obras de Roger Fenton, William Lake Price e Drew Diamond. Os principais objetos dessas naturezas-mortas eram flores, frutas ou caça morta. Na França, a obra de Adolphe Brown era semelhante à versão fotográfica das obras de Jean-Baptiste Hudry, o popular pintor da corte do século 19 na caça real de Luís XV.

As naturezas mortas geralmente eram filmadas em ambientes fechados, mas havia exceções. Devido à pouca sensibilidade dos primeiros materiais fotográficos, vários fotógrafos preferiram trabalhar no jardim ou no jardim da frente. Quaisquer materiais improvisados ​​(escadas, ancinhos, carrinhos de mão, baldes, etc.) foram usados, que muitas vezes foram misturados com coisas trazidas para casa, flores frescas, árvores adjacentes a objetos inanimados. Tais, por exemplo, são as naturezas mortas de Louis-Remy Robert, Hippolyte Bayard e Richard Jones.

Naturezas mortas fotográficas sobre o assunto Vanitas (latim para "fantasmagórico", "vaidade"), um atributo integral do qual é o crânio, aparecem em meados do século 19, por exemplo, por Louis Jules Duboc-Soleil, e de aparecem de tempos em tempos no século 20 - Alfred Stiglitz, Irwin Penn, Robert Mepplethorpe, et al.

No início do século 20, a fotografia busca novas formas e objetos para incorporar o gênero da natureza morta. Não é mais suficiente simplesmente capturar os objetos colocados juntos. Ângulos de câmera difíceis, fotografia em close-up, fotogramas, fascínio pela forma e textura do objeto - tudo isso dá uma nova aparência ao antigo gênero. A gama de objetos está se expandindo: junto com coisas banais do dia a dia como um garfo ou óculos, aparecem objetos industriais (ferramentas, peças de máquinas e máquinas-ferramenta). Pesquisas semelhantes foram realizadas por Alfred Renger-Patch, Alexander Rodchenko, Andre Kertez, Edward Steichen, Boris Ignatovich, Arkady Shaikhet, fotógrafos da Bauhaus, Edward Weston, William Underhill e outros.

O mundo das coisas comuns floresce novamente em meados do século com as naturezas-mortas de Josef Sudek. A luz difusa suave dá a uma flor comum em um copo um clima lírico-melancólico.

Na segunda metade do século passado, a natureza morta está cada vez mais em demanda na indústria de publicidade. A feliz união de comércio e arte está incorporada nas naturezas mortas de Irwin Pen. Clássico, elegante, irônico, mas sempre simples e sofisticado. Graças a este mestre, pela primeira vez em 1944, a capa de uma revista de moda foi adornada com uma natureza morta fotográfica.

Boris Smelov ocupa um lugar especial entre os fotógrafos russos da segunda metade do século 20 que trabalharam neste gênero. Suas naturezas mortas clássicas de objetos da antiga vida de Petersburgo distinguiam-se pela composição perfeita e técnica impecável. Joel-Peter Witkin é o mestre consumado da natureza-morta "chocante". A tradução do francês "natureza morta", neste caso, reflete com precisão as predileções do autor - várias partes corpo humano por si mesmas ("Tronco") ou emolduradas por flores e frutas ("Cabeça de mulher", "Festa dos tolos", etc.).

Em termos quantitativos, a natureza morta fotográfica é muito inferior a outros gêneros, aparecendo apenas ocasionalmente na obra de um ou outro autor. Folheando livros de história da fotografia e catálogos de coleções principais museus, a chance de encontrar uma seção separada dedicada à natureza morta é praticamente zero.

tese

1. A história do desenvolvimento da natureza morta

Nas artes visuais, a natureza morta (do francês natur morte - "natureza morta") é geralmente chamada de imagem objetos inanimados, unidos em um único grupo composicional. Para muitos, a versão em alemão ou inglês da designação still life e still leben (vida tranquila) é mais familiar. Em holandês, a designação deste gênero soa como stilleven, ou seja, "vida tranquila", na opinião de muitos artistas e historiadores da arte esta é a expressão mais precisa da essência do gênero, mas tal é a força da tradição que é "natureza morta" que é um nome bem conhecido e arraigado. A natureza morta pode ter um significado independente e ser parte de composições de uma imagem de gênero. A natureza morta expressa a atitude de uma pessoa para com o mundo ao seu redor. Revela aquela compreensão do belo, inerente ao artista como pessoa do seu tempo.

A natureza morta como gênero independente, surgiu na Flandres e na Holanda na virada dos séculos 16 e 17, alcançando rapidamente uma perfeição extraordinária na transmissão da diversidade de objetos do mundo material. O processo de formação da natureza-morta prosseguiu mais ou menos da mesma forma em muitos países. Europa Ocidental... Mas, se considerarmos a história da arte em conjunto, o primeiro estágio no desenvolvimento da natureza-morta se refere ao período Paleolítico. Existem duas técnicas principais usadas por artistas antigos: naturalismo e ornamentação. Então, essas duas correntes começam a convergir mais e mais, e uma natureza morta "semiconsciente" aparece, uma imagem de partes separadas do objeto. Um objeto inteiro genuíno só pode ser encontrado em idade do bronze... Este segundo estágio no desenvolvimento da natureza morta atinge seu apogeu na arte do Egito. Os objetos são sempre descritos como isolados uns dos outros. Pela primeira vez, é introduzido o motivo de uma flor, o tema das plantas cortadas. Nas obras de arte do Egeu, uma relatividade de proporções aparece. Os objetos são representados em três quartos, dispostos em grupos. As tradições da pintura do Egeu continuaram em Cultura grega... Podemos julgar esse gênero de belas-artes pelos vasos. Os itens não ficam mais suspensos no ar, mas têm seus próprios " lugar real"No espaço: um escudo encostado a uma árvore, uma clamida jogada sobre um galho - a chamada natureza morta" suspensa ". também em cenas escolares frequentemente retratada natureza morta "musical". Existe um outro tipo de natureza morta grega "antiga". Artistas criam imagens de oficinas: peças de estátuas, uma serra, um martelo, placas de esboço. É quase impossível encontrar imagens de flores e animais em vasos gregos.

Na arte medieval, como resultado da fragmentação da composição, da divisão da pintura em registros peculiares, o objeto passa a ser um atributo, não um objeto da imagem. Os enfeites também continuam a desempenhar um papel importante, especialmente usados ​​ativamente em vitrais. Catedrais católicas... A arte áspera e intensamente ascética de Bizâncio, criando imagens imortais, monumentais generalizadas e sublimemente heróicas, usou imagens de objetos individuais com extraordinária expressividade.

Na pintura de ícones russos antigos, os poucos objetos que o artista introduziu em suas obras estritamente canônicas também desempenharam um papel importante. Eles introduziram espontaneidade, vitalidade, às vezes pareciam ser uma expressão aberta de sentimentos em uma obra dedicada a um enredo mitológico abstrato.

A natureza morta desempenhou um papel ainda maior nas pinturas artistas XV-XVI séculos no Renascimento. O pintor, que pela primeira vez prestou muita atenção ao mundo ao seu redor, procurou indicar o lugar, determinar o valor de cada coisa que serve a uma pessoa. Os itens domésticos adquiriram a nobreza e o significado orgulhoso de seu proprietário, aquele a quem serviam. Em grandes telas, a natureza morta geralmente ocupava um lugar muito modesto: um vaso de vidro com água, um vaso de prata elegante ou delicados lírios brancos em hastes finas, muitas vezes amontoados no canto da imagem. Porém, na representação dessas coisas havia tanto amor poético pela natureza, seu significado é tão altamente espiritualizado que aqui você já pode ver todas as características que determinaram ainda mais o desenvolvimento independente de todo o gênero.

Os objetos, elemento material, adquiriram um novo significado na pintura do século XVII - na era do desenvolvimento do gênero naturezas mortas. Em composições complexas com trama literária eles tomaram seu lugar junto com outros heróis da obra. Analisando as obras dessa época, você pode ver que papel importante a natureza-morta começou a desempenhar na fotografia. As coisas começaram a aparecer nessas obras como protagonistas, mostrando o que um artista pode alcançar ao se dedicar a esse tipo de arte.

Itens feitos por mãos hábeis, trabalhadoras e sábias trazem a marca dos pensamentos, desejos e inclinações de uma pessoa. Eles o servem, o encantam, instilam um legítimo senso de orgulho. Não é sem razão que aprendemos sobre eras que há muito desapareceram da face da terra, a partir daqueles cacos de pratos, utensílios domésticos e objetos rituais que se tornaram páginas esparsas da história humana para os arqueólogos.

Perscrutando o mundo ao seu redor, penetrando com uma mente inquisitiva em suas leis, desvendando os fascinantes segredos da vida, o artista reflete isso de forma cada vez mais completa e versátil em sua arte. Ele não apenas retrata o mundo ao seu redor, mas também transmite sua compreensão, sua atitude para com a realidade.

A história da formação e desenvolvimento de vários gêneros de pintura é uma evidência viva de um trabalho incansável consciência humana esforçando-se para abraçar a variedade infinita de atividades, para compreendê-la esteticamente. O gênero da natureza morta se manifestou de maneira especialmente vívida na pintura holandesa do Proto-Renascimento. Ainda faz parte do interior, mas ao mesmo tempo o amor dos artistas pelo detalhe cria incríveis pequenas naturezas mortas: pratos, uma mesa de trabalho, sapatos no chão. Tudo isso é retratado com o mesmo amor que as figuras de pessoas e santos. Na Itália, a natureza morta emerge da decoração. No futuro, o sujeito recebe uma espécie de atividade independente, torna-se participante da ação. Desde o proto-renascimento, o mundo objetivo tornou-se cada vez mais realista, às vezes até quase tangível. Deixa de ser um adereço, mas se torna um modo de vida. Artistas do século 16 Renascença do Norte comece a desnudar objetos, arrancar as tampas deles (por exemplo, a pele de animais).

A natureza morta é um gênero relativamente novo. Ganhou um significado independente na Europa apenas no século XVII. A história do desenvolvimento da natureza morta é interessante e instrutiva. Especialmente plena e brilhantemente a natureza morta floresceu na Flandres e na Holanda. A natureza morta é finalmente formada como um gênero de pintura independente. O seu surgimento está associado àqueles acontecimentos históricos revolucionários, com que estes países, tendo conquistado a independência, no início do século XVII embarcaram no caminho do desenvolvimento burguês. Para a Europa daquela época, este foi um fenômeno importante e progressivo. Novos horizontes se abriram para a arte. Condições históricas, novas relações sociais dirigidas e determinadas demandas criativas, mudanças na resolução de problemas enfrentados pelo pintor. Sem retratar diretamente eventos históricos, os artistas deram uma nova olhada no mundo, encontraram novos valores no homem. A vida normalmente apareceu diante deles com um significado e plenitude até então desconhecidos. Eles foram atraídos pelas peculiaridades da vida nacional, natureza nativa, coisas que trazem a marca de trabalhos e dias pessoas comuns... Foi a partir daqui, de um interesse consciente, profundo e auto-motivado pela vida das pessoas, que nasceram os géneros isolados e independentes da pintura e da paisagem quotidiana, e surgiu a natureza morta.

A arte da natureza morta, que se materializou no século XVII, determinou as principais qualidades deste gênero. Pintura, dedicado à paz as coisas, falavam das propriedades básicas inerentes aos objetos que circundam uma pessoa, revelavam a atitude do artista e do contemporâneo para o que é retratado, expressavam a natureza e a plenitude do conhecimento da realidade. O pintor transmitia a existência material das coisas, seu volume, peso, textura, cor, valor funcional dos utensílios domésticos, sua conexão viva com a atividade humana. A beleza e a perfeição dos utensílios domésticos eram determinadas não apenas por sua necessidade, mas também pela habilidade de seu criador. A natureza morta da era revolucionária da burguesia vitoriosa refletia o respeito do artista pelas novas formas de vida nacional dos compatriotas, o respeito pelo trabalho.

Formulado no século 17, as tarefas do gênero em linhas gerais existia na escola europeia até meados do século XIX século. No entanto, isso não significa que os artistas não tenham se proposto novas tarefas, repetindo mecanicamente soluções prontas.

Ao longo das eras, não só os métodos e formas de pintar uma natureza morta mudaram, mas a experiência artística foi se acumulando, no processo de formação desenvolveu-se uma visão mais complexa e constantemente enriquecedora do mundo.

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Natureza morta em pintura - imagens de objetos inanimados estáticos, combinados em um único conjunto. A natureza morta pode ser apresentada como uma tela independente, mas às vezes torna-se parte da composição de uma cena de gênero ou de uma imagem inteira.

O que ainda é vida?

Essa pintura se expressa na atitude subjetiva de uma pessoa para com o mundo. Isso mostra a compreensão inerente do mestre sobre a beleza, que se torna a personificação dos valores sociais e do ideal estético da época. A natureza morta em pintura gradualmente se transformou em um gênero significativo... Esse processo demorou mais de cem anos, e cada nova geração de artistas entendeu as telas e as cores de acordo com as tendências da época.

O papel de uma natureza morta na composição de uma pintura nunca se limita a simples informações, um acréscimo acidental ao conteúdo principal. Dependendo das condições históricas e das demandas sociais, os objetos podem ter um papel mais ou menos ativo na criação de uma composição ou imagem de um hotel, ofuscando um ou outro objetivo. A natureza morta na pintura como um gênero independente é projetada para transmitir de forma confiável a beleza das coisas que cercam uma pessoa todos os dias.

Às vezes, um detalhe ou elemento separado assume de repente um significado profundo, obtém seu próprio significado e som.

História

Como um gênero antigo e reverenciado, a natureza morta na pintura passou por altos e quedas vertiginosas. Austero, austero e minimalista, ele ajudou a criar imagens heróicas sublimes generalizadas monumentais imortais. Os escultores apreciaram a imagem com extraordinária expressividade objetos individuais... Tipos de naturezas mortas na pintura e todos os tipos de classificações originaram-se durante a formação da história da arte, embora as telas já existissem muito antes da redação do primeiro livro didático.

Tradições da pintura de ícones e naturezas mortas

Na pintura de ícones russos antigos, um grande papel foi desempenhado por aquelas poucas coisas que o artista ousou introduzir no laconicismo estrito das obras canônicas. Contribuem para a manifestação de tudo o que é imediato e demonstram a expressão de sentimentos em obras dedicadas a uma trama abstrata ou mitológica.

Os tipos de natureza morta na pintura existem separadamente da pintura de ícones, embora o cânone estrito não proíba a imagem de alguns objetos inerentes ao gênero.

Renascença natureza morta

No entanto, as obras dos séculos 15 a 16 durante o Renascimento desempenham um papel importante. Pela primeira vez, o pintor chamou a atenção para o mundo ao seu redor, procurou determinar o significado de cada elemento a serviço da humanidade.

A pintura contemporânea, natureza morta, como gênero popular e amado, teve origem no período Tricento. Os itens domésticos adquiriram certa nobreza e importância do proprietário a quem serviam. Em grandes telas, uma natureza morta, via de regra, parece muito modesta e discreta - jarra de vidroágua, vasos de prata graciosos ou lírios delicados em caules finos com mais frequência amontoados em um canto escuro da imagem, como parentes pobres e esquecidos.

No entanto, na imagem das coisas belas e próximas havia tanto amor na forma poética que a pintura moderna, a natureza-morta e seu papel nela já espiava timidamente pelas brechas das paisagens e cortinas pesadas das cenas de gênero.

Momento crucial

Os temas ganharam um real elemento nas pinturas e um novo sentido no século XVII - numa época em que a natureza morta com flores prevalecia e dominava. A pintura deste tipo conquistou numerosos admiradores entre a nobreza e o clero. Em composições complexas com um pronunciado literário enredo as cenas ganharam seu lugar junto com os protagonistas. Analisando as obras da época, é fácil perceber que o importante papel da natureza-morta se manifestou de forma semelhante na literatura, no teatro e na escultura. As coisas passaram a "atuar" e "viver" nessas obras - elas foram mostradas como personagens principais, demonstrando o que há de melhor e mais vantajoso nos objetos.

Objetos de arte feitos por artesãos trabalhadores e talentosos carregam a marca pessoal de pensamentos, desejos e inclinações uma pessoa específica... pintar é o melhor testes psicológicos ajudam a rastrear o estado psicoemocional e a alcançar a harmonia e integridade interiores.

As coisas servem fielmente uma pessoa, assumindo seu deleite com utensílios domésticos e inspirando proprietários a adquirirem novas coisinhas bonitas e elegantes.

Renascença Flamenga

A pintura a guache, natureza morta como gênero, não foi imediatamente aceita pelas pessoas. A história do surgimento, desenvolvimento e implementação generalizada de várias idéias e princípios serve como um lembrete do constante desenvolvimento do pensamento. A natureza morta ficou famosa e na moda em meados do século XVII. O gênero começou na Holanda, uma Flandres vibrante e festiva, onde a própria natureza se dispõe à beleza e à diversão.

A pintura a guache, naturezas mortas em cores exuberantes floresceu em tempos de mudanças tremendas, uma mudança completa das instituições políticas, sociais e religiosas.

Flanders atual

O rumo burguês de desenvolvimento da Flandres foi uma novidade e um progresso para toda a Europa. Alterações em vida politica levou a inovações semelhantes na cultura - os horizontes que se abriram antes dos artistas não eram mais limitados pelas proibições religiosas e não eram apoiados pelas tradições correspondentes.

A natureza morta tornou-se o carro-chefe de uma nova arte, elogiando tudo o que é natural, brilhante e belo. Os rígidos cânones do catolicismo não restringiam mais o vôo da imaginação e da curiosidade dos pintores e, portanto, junto com a arte, a ciência e a tecnologia começaram a se desenvolver.

Itens domésticos comuns e objetos que antes eram considerados básicos e indignos de menção, subitamente ascenderam aos objetos de estudo minucioso. Pintura decorativa, naturezas mortas e paisagens se tornaram um espelho real da vida - rotina diária, dieta, cultura, ideias de beleza.

Propriedades de gênero

Foi a partir daqui, a partir de um estudo profundo e consciente do mundo circundante, que um gênero separado de pintura cotidiana, paisagem e natureza-morta se desenvolveu.

A arte, que adquiriu certos cânones no século XVII, determinou a principal qualidade do gênero. A imagem, dedicada ao mundo das coisas, descreve as propriedades básicas inerentes aos objetos que circundam uma pessoa, mostra a atitude do mestre e de seu hipotético contemporâneo para o que é mostrado, expressa a natureza e a plenitude do conhecimento sobre a realidade. O artista necessariamente transmitia a existência material das coisas, seu volume, peso, texturas, cores, a finalidade funcional dos objetos do cotidiano e sua conexão vital com a atividade humana.

Tarefas e problemas da natureza morta

A pintura decorativa, a natureza morta e as cenas do cotidiano absorveram as novas tendências da época - afastando-se dos cânones e ao mesmo tempo preservando o naturalismo conservador da imagem.

A natureza morta da era revolucionária durante a época da vitória total da burguesia reflete o respeito do artista pelas novas formas de vida nacional dos compatriotas, o respeito pelo trabalho dos artesãos comuns, a admiração por belas imagens beleza.

Os problemas e tarefas do gênero formulados no século XVII como um todo não foram discutidos em Escolas europeias até meados do século XIX. Enquanto isso, os artistas constantemente se impunham novas e novas tarefas, e não continuavam a reproduzir mecanicamente soluções composicionais e esquemas de cores prontos para o uso.

Telas contemporâneas

Fotografias de naturezas mortas para pintura, preparadas em estúdios modernos, demonstram claramente a diferença entre a percepção do mundo por um contemporâneo e um homem da Idade Média. A dinâmica dos objetos hoje excede todos os limites concebíveis, e a estática dos objetos era a norma para aquela época. As combinações de cores do século 17 são distinguidas pelo brilho e pureza das cores. Tons saturados se encaixam harmoniosamente na composição e enfatizam a ideia e ideia do artista. A ausência de quaisquer cânones não é a melhor maneira influenciaram as naturezas mortas dos séculos 20-21, às vezes impressionando a imaginação com sua feiura ou variegação deliberada.

Os métodos para resolver os problemas da natureza morta estão mudando rapidamente a cada década, os métodos e técnicas não acompanham a imaginação de mestres reconhecidos e não tão.

O valor das telas de hoje está na expressão da realidade através dos olhos de artistas contemporâneos; através da encarnação na tela, surgem novos mundos que poderão dizer muito sobre os seus criadores às pessoas do futuro.

Influência do impressionismo

O próximo marco na história das naturezas mortas foi o impressionismo. Toda a evolução da direção se refletiu nas composições através das cores, técnica e compreensão do espaço. Os últimos românticos do milênio transferiram vida à tela como ela é - traços rápidos e brilhantes e detalhes expressivos tornaram-se os pilares do estilo.

Pintura, naturezas mortas artistas contemporâneos certamente carregam a marca dos inspiradores impressionistas através da cor, métodos e técnicas de imagem.

Partida dos cânones padrão do classicismo - três planos, composição central e heróis históricos- permitiu que os artistas desenvolvessem a sua própria percepção da cor e da luz, bem como demonstrassem o voo livre das emoções ao público de forma acessível e visual.

As principais tarefas dos impressionistas - mudança técnica de pintura e o conteúdo psicológico da imagem. E hoje, mesmo sabendo da situação daquela época, é difícil encontrar a resposta correta para a questão de por que as paisagens impressionistas, tão alegres e ingênuas quanto a poesia, evocavam a rejeição severa e o ridículo rude de críticos exigentes e um público esclarecido.

A pintura impressionista não se encaixava no quadro do geralmente aceito, pois naturezas mortas e paisagens eram percebidas como algo vulgar, indigno de reconhecimento, junto com outras escórias da arte erudita.

Uma mostra de arte que se tornou uma espécie de atividade missionária para artista famoso daquela época, ela era capaz de alcançar os corações e demonstrar beleza e graça. Imagens de objetos e objetos por todos os meios disponíveis tornaram-se comuns, mesmo dentro das paredes de instituições formidáveis ​​que professam apenas princípios arte clássica... A procissão triunfal de naturezas mortas não parou desde o final do século 19, e a variedade de gêneros e técnicas hoje permite que você não tenha medo de quaisquer experimentos com cores, texturas e materiais.

O que ainda é vida?

A natureza morta é um gênero de pintura em que é retratada natureza inanimada... O gênero teve origem no século XVII.

A natureza morta é, antes de tudo, incrível e interessante porque faz com que as pessoas vejam beleza e harmonia no cotidiano, coisas chatas que constantemente nos cercam, mas não chamam a nossa atenção de forma alguma.

O gênero não é tão simples quanto parece à primeira vista: na maioria dessas pinturas, os artistas usam uma alegoria - experimentam por meio de um determinado conjunto de objetos, seus arranjos, cores selecionadas, composição geral diga às pessoas algo importante, transmita o que as preocupa, fale sobre seus sentimentos e pensamentos.

Apesar da tradução sombria de "natureza morta", as telas muitas vezes estão cheias de cores brilhantes, encantar o espectador com sua originalidade e peculiaridade, despertar o desejo de viver e admirar o mundo ao seu redor, de ver a beleza nele.

Existem muitos tipos e subespécies de natureza morta, por exemplo, enredo temático, criativo, educacional e criativo, educacional. Eles também são subdivididos de acordo com as cores utilizadas, iluminação, cor, tempo de execução, localização, etc.

Os fundadores da natureza-morta como gênero independente foram os holandeses e Pintores flamengos... Inicialmente, as pinturas apareceram em uso religioso. Também na era do início do gênero, pinturas de um personagem sombrio com um profundo significado filosófico e em tons escuros, no centro da composição, que eram crânios, velas e alguns outros atributos. Então, desenvolvendo-se gradualmente, o gênero absorveu cada vez mais novas direções e, repetidamente, tornou-se cada vez mais difundido em todos os círculos da sociedade. Flores, livros, vegetais e frutas, frutos do mar, pratos e outros utensílios domésticos - tudo se reflete na arte. Alguns dos mais famosos pintores de naturezas mortas são Ambrosius Baskhart, Miguel Parra, Jan Bruegel, Joseph Launer, Severin Rosen, Edward Ladell, Jan Davids de Hem, Willem van Aalst, Cornelis Brize.

Cézanne, Paul. Natureza morta com romã e peras. 1885-1890
Cézanne, Paul. Natureza morta com maçãs e laranjas. 1895-1900

Na Rússia, o gênero teve origem em início do século XVIII século, mas ninguém fez isso seriamente, foi considerado um gênero "inferior". No início do século 20, a pintura de naturezas mortas atingiu o seu apogeu; artistas criaram suas obras-primas, definiram novas tarefas para si próprios e alcançaram alturas indescritíveis no artesanato, usado técnicas incomuns, pegou novas imagens. A natureza-morta russa, em contraste com a ocidental, não se desenvolveu gradualmente, mas em um ritmo acelerado. Trabalhando neste gênero, artistas russos como K. Petrov-Vodkin, I. Levitan, I.F. Khrutsky, V. Nesterenko, I.E. Grabar, M. Saryan, A. Osmerkin, P.P. Konchalovsky, S.E. Zakharov, S. I. Osipov e muitos outros.

I. Levitan I. Levitan

Na pintura moderna, a natureza morta está passando por um novo surto e agora ocupa um lugar de pleno direito entre outros gêneros de belas-artes. Agora é uma das direções mais exigidas na pintura. Tendo um grande número de oportunidades de auto-realização na criatividade, os artistas pintam uma grande variedade de naturezas mortas. E os espectadores, por sua vez, compram pinturas, decoram interiores com elas, animando sua casa e trazendo conforto e alegria a ela. Os museus estão constantemente se reabastecendo com naturezas-mortas, mais e mais novas exposições estão abrindo em várias cidades e países, para as quais vêm multidões de espectadores interessados ​​em arte. Vários séculos depois, tendo percorrido um longo e completo caminho de desenvolvimento, a natureza-morta ainda é relevante e não perdeu seu significado na pintura de mundo.

Instruções

A natureza morta como gênero não se destacou imediatamente, por muito tempo as pinturas de flores e utensílios domésticos foram utilizadas como enquadramento de outras telas, bem como como decoração nas portas dos móveis. As primeiras pinturas independentes surgiram por volta do século XVII. Então, imagens de objetos começaram a ser usadas como alegorias, e cada objeto tinha um significado simbólico adicional. Mais tarde, a natureza morta tornou-se popular entre os artistas, mas foi considerada um gênero inferior.

Existem vários tipos de natureza morta, uma das mais antigas e mais difundidas é uma natureza morta floral, a próxima em popularidade é uma natureza morta de uma mesa servida. A natureza morta simbólica continua existindo. Outra visão, que apareceu há relativamente pouco tempo, é uma natureza morta abstrata, neste estilo, os objetos não são representados de forma realista, as formas são esquemáticas e as cores são desprovidas de transições suaves.

Se gosta de desenhar, provavelmente já fez muitos desenhos e pinturas neste género. Para desenhar uma natureza morta, você não precisa perder tempo e esforço procurando objetos interessantes para desenhar, você sempre pode fazer boa composição de itens que estão sempre à mão. Use cortinas como pano de fundo, um pequeno pedaço de tecido serve. Organize os objetos de modo que você obtenha vários planos, lembre-se de que os objetos tamanho grande devem estar em segundo plano e aqueles que são menores. Adicione uma fonte lateral adicional de cor, isso irá adicionar volume aos objetos. Praticar exercícios regularmente com esses conjuntos permitirá que você aprimore suas habilidades de desenho.

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Fontes:

• Composição em natureza morta
• O que ainda é vida

Boa ainda vida nasce muito antes de você escolher tintas e um pincel. O sucesso depende de como você escolhe os objetos a pintar e como você os organiza no espaço.

Instruções

Pense em um tema de natureza morta. Claro, você pode colocar todos os objetos na mesa de uma vez, mas os componentes unidos por uma história, adivinhados pela personalidade de seu dono, ou pelo menos estilisticamente, parecerão muito mais lógicos.

Classifique todas as peças de acordo com sua forma. É desejável que seja variado - encontre objetos altos e baixos, largos e estreitos. Caso contrário, a uniformidade das formas na imagem levará ao fato de que tudo se misturará em uma massa e os objetos simplesmente "cairão" do campo de visão.

Certifique-se de não incluir alimentos e itens que não tenham a mesma cor. Se você achar difícil determinar isso a olho nu, use a roda de cores. Escreva um triângulo equilátero nele. Seus cantos indicarão três cores primárias que combinam bem entre si. Como cores adicionais, você pode escolher tonalidades que ficam nas laterais das principais.

Encontre o fundo certo. Você pode colocar a natureza morta em uma cortina ou superfície descoberta. É importante que tenha uma cor neutra (se os tons dos objetos estiverem saturados) ou combinada com toda a composição. Em qualquer caso, o fundo não deve assumir a maior parte da atenção do telespectador.