História do palco. A história do surgimento da arte pop

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Introdução

3. Gêneros de arte de variedades

Conclusão

Lista de literatura usada

Introdução

diretor de gênero pop art

As raízes do palco remontam ao passado distante, sendo traçadas na arte do Egito e da Grécia. Elementos de variedade estavam presentes nas performances de andarilhos - bufões (Rússia), spielmans (Alemanha), malabaristas (França) e assim por diante. O movimento trovador na França (no final do século XI) tornou-se o portador de uma nova ideia social. Sua peculiaridade era a escrita de música por encomenda, a variedade de gêneros de canções desde os enredos de letras de amor até a glorificação das façanhas militares dos líderes militares. distribuído criatividade musical cantores contratados e animadores itinerantes.

Sátira sobre a vida e costumes urbanos, piadas afiadas sobre temas políticos, atitude crítica em relação ao poder, dísticos, esquetes cômicos, piadas, jogos, excentricidade musical foram os primórdios dos futuros gêneros pop que nasceram no barulho do carnaval e do entretenimento público. Barkers, que, com a ajuda de piadas, piadas e dísticos alegres, vendiam qualquer produto nas praças e mercados, mais tarde se tornaram os precursores do animador. Tudo isso era de natureza massiva e inteligível, condição indispensável para a existência de todos os gêneros pop. Todos os artistas de carnaval medievais não faziam performances. A base do espetáculo era uma miniatura, que os distinguia do teatro, cuja principal característica são os elementos que unem a ação. Esses artistas não retratavam personagens, mas sempre falavam em nome próprio, comunicando-se diretamente com o público. Este é agora o principal característica distintiva show business moderno.

Um pouco mais tarde (meados e finais do século XVIII), vários estabelecimentos de entretenimento surgiram em países estrangeiros - music halls, shows de variedades, cabarés, shows ministeriais, que combinavam toda a experiência de feiras e espetáculos carnavalescos e foram os precursores do entretenimento moderno organizações. Com a transição de muitos gêneros de rua para espaços fechados, um nível especial de arte performática começou a se formar, pois novas condições exigiam uma percepção mais focada por parte do espectador. Formada na segunda metade do século XIX, a atividade dos cafés - shantans, cafés - concertos, destinada a um grande número de visitantes, permitiu o desenvolvimento de gêneros de câmara como canto lírico, animador, dança solo, excêntrico. O sucesso de tais cafés causou o surgimento de empreendimentos maiores e espetaculares - cafés-concertos, como "Embaixador", "Eldorado" e outros.

Essa forma de exibição de performances era caracterizada por qualidades como abertura, concisão, improvisação, festividade, originalidade, entretenimento. Neste momento, a França adquire o status de centro cultural e de entretenimento. "Theater Montasier" (show de variedades) - combina arte musical, teatral e circense. Em 1792, o Teatro Vaudeville tornou-se muito popular. O repertório do teatro é composto por peças de comédia, em que os diálogos se alternam com dísticos, canções e danças. Cabaret (um estabelecimento de entretenimento que combina o gênero de música e dança de natureza divertida) e opereta eram muito populares.

Desenvolvendo-se como uma arte de lazer festivo, a música pop sempre buscou o inusitado e a diversidade. O sentimento de festa foi criado devido ao entretenimento externo, ao jogo de luzes, à mudança de cenário pitoresco, à mudança na forma do palco.

Desde a década de 20 do século passado, a música pop tem estado no centro das atenções de trabalhadores da cultura e arte, pesquisadores de diversas áreas do conhecimento, atuando como tema de polêmica nas páginas da imprensa periódica e disputas nos meios científicos. Ao longo da história da arte pop russa, a atitude em relação a ela mudou repetidamente. "NO Ciência Doméstica desenvolveu-se uma tradição de considerar a arte pop, e neste contexto o jazz, e depois a música rock, como manifestações da cultura de massa, que se tornou objeto de pesquisa no âmbito da sociologia, psicologia social e outros. Ciências Sociais. O interesse de culturólogos e cientistas políticos nos problemas palco moderno e os fenômenos socioculturais gerados por ela, não se enfraquece ainda hoje.

O desenvolvimento da cinematografia produziu um efeito impressionante em todo o mundo, tornando-se posteriormente um atributo direto de qualquer sociedade. Desde o final da década de 1880 e início da década de 1900, tem estado intimamente adjacente ao palco doméstico emergente, como instituição e como espetáculo, é uma continuação direta do estande. As fitas foram transportadas de cidade em cidade por empresários em vans junto com equipamentos de projeção. A falta de eletricidade dificultou o desenvolvimento do cinema em uma grande área do país. Diante disso, os empresários estão adquirindo pequenas centrais elétricas portáteis, que ampliaram muito as possibilidades de distribuição de filmes.

Assim, "o desenvolvimento da cultura musical não é possível sem a implementação de todo um conjunto de tarefas de gestão, cuja solução passa pela formação de pessoal qualificado de acordo com as condições socioculturais modernas".

Há também um processo inverso - a comercialização (sem conotação negativa) da música pop. Por exemplo, os preços dos fãs para os shows de Madonna em Londres, que em agosto de 2007, variavam de 80 a 160 libras (de 140 a 280 dólares) mais 13 libras para a reserva. A turnê Re-Invention, com a qual ela percorreu os Estados Unidos e a Europa há dois anos, arrecadou US$ 125 milhões, mais do que qualquer outro show daquele ano. Os ingressos para shows em Londres custam até 150 libras.

Na verdade, Madonna é uma das principais beneficiárias da mudança que algumas forças econômicas poderosas trouxeram para o show business.

1. Número - levando dos componentes da arte da variedade

Número - uma apresentação separada e completa de um ou mais artistas. É a base da arte pop - "Sua Majestade o número" - disse N. Smirnov-Sokolsky. A sequência, "montagem" de números é a essência do concerto, programa teatral, performance de variedades. Inicialmente, o conceito de "número" era usado no sentido literal, determinava a ordem dos artistas que se seguiam: primeiro, segundo, quinto... uma ópera - "ópera numérica", no balé).

Para um artista que se apresenta no palco, o número é - pouco desempenho com início, clímax e desfecho. A brevidade do número (não mais de 15-20 minutos) requer a máxima concentração de meios expressivos, concisão e dinâmica. Os diretores estão envolvidos em apresentações de palco e, às vezes, compositores, coreógrafos, artistas, incluindo figurinistas e designers de iluminação.

Em um cenário, um número pode ser definido como um segmento separado da ação, que possui sua própria estrutura interna.

A estrutura do número é idêntica à estrutura de qualquer ação dramática. Deve haver uma espécie de momento expositivo, a necessária trama da ação. A performance não pode existir sem desenvolvimento, cuja intensidade depende das tarefas específicas do diretor. O clímax na performance é mais frequentemente expresso como um ponto de virada contrastante, sem o qual não pode haver a necessária plenitude do desenvolvimento de todo o cenário. O número termina, via de regra, com um momento permissivo, conduzindo a ação a uma completude relativa.

O número deve ser relativamente curto em intensidade, mas não atarracado. Sua duração depende diretamente de sua função, finalidade, tarefa na solução geral do tema: nada menos e nada mais do que o que lhe é atribuído pela lógica artística.

O próximo requisito para a performance é uma alta concentração de conteúdo: em um tempo extremamente curto, você precisa fornecer o máximo de informações, e não apenas transmitir informações ao espectador, mas organizá-las artisticamente com o objetivo de causar impacto emocional e estético.

Cada gênero musical tem sua própria forma de existência. NO ópera esta performance é um trabalho holístico, detalhado e artisticamente concluído. Para o sinfônico banda de metais, uma orquestra de instrumentos folclóricos, conjuntos de câmara e solistas, tal forma é um concerto, que inclui a execução de uma ou mais obras. Por palco musical- também um concerto, mas de um tipo especial. É baseado em números musicais de diferentes gêneros e estilos. Por exemplo, quando eles cantam acompanhados por uma orquestra de instrumentos folclóricos russos, este é um concerto acadêmico, e quando acompanhados por um conjunto instrumental de instrumentos folclóricos também, é um concerto pop. Essa diferença é determinada pelas especificidades da performance, características de cada gênero. Uma das principais características de um número de variedade musical, vocal ou instrumental, é a especificidade da comunicação com o público. Um artista pop sempre se volta para o público, para o público. Essa característica do palco musical tem raízes históricas. Até os bufões das festas entravam em comunicação direta com o público. Atualmente, a comunicação direta com o espectador tornou-se mais complexa e ambígua. A. Alekseev expressou essa ideia de forma muito precisa e interessante em seu livro Serious and Funny. No palco, ao contrário de um concerto académico, "sente-se a todo o momento que isto não está a ser dito por si, mas que estão a falar consigo...".

Essa característica das artes cênicas - seja um folhetim musical, dísticos, uma canção, peça instrumental-- define a essência e a diferença entre um ato pop e um desempenho acadêmico. Quando um solista-instrumentista, vocalista chega à beira do palco, canta uma música ou toca uma música - isso não é apenas uma performance, mas um apelo profundamente pessoal e sincero para aqueles que estão sentados no salão, para todos ao mesmo tempo e a todos individualmente.

A variedade está intimamente ligada ao teatro, as formas das obras de teatro e a variedade são diferentes. Se no primeiro, como observou A. Anastasiev, esta é uma performance, então na arte da arte da variedade é um número que, segundo Yu. Dmitriev, "é a base da arte da variedade".

Ao mesmo tempo, há uma lacuna na ciência da arte da variedade. O reconhecimento unânime de que o número é a base e "unidade de medida" da arte pop, por um lado, e a real ausência de uma teoria de criação de um número de variedade, por outro, cria uma espécie de "paradoxo sobre a variedade número." A posição dominante do número na estrutura da arte de variedade nos obriga a tirar a seguinte conclusão fundamental: são os méritos artísticos do número de variedade que determinam, em última análise, o vetor de desenvolvimento da arte de variedade como um todo. Portanto, a análise da estrutura artística de um ato de variedades em estreita ligação com a metodologia de sua criação pode ser apontada como um dos principais problemas dos estudos de variedades, o que requer uma pesquisa aprofundada.

A criatividade do autor, ator, diretor, artista está concentrada na criação de um ato pop. Questões separadas da obra do autor e do artista são consideradas na dissertação ao analisar a estrutura artística da questão, mas a atenção principal está voltada para o trabalho do ator e diretor.

Ao criar uma imagem artística em um ato de variedade, o ator, como no teatro, ocupa uma posição de liderança. Mas no palco, isso é especialmente perceptível por causa de sua extrema personificação. A prática mostra que os artistas de variedades, ao contrário do teatro, muitas vezes são os autores de suas obras de arte - performances. Além disso, a arte de improvisação do ator, que é a base dos gêneros pop individuais, nos obriga a explorar as características do processo de criação de uma performance diretamente no momento de sua performance.

A direção de um ato de variedades concentra todos os componentes da produção do número na obra com o autor do texto, e com o compositor, e com o coreógrafo, e com o artista, e com o ator. Este axioma deve ser repetido, pois deve-se notar com pesar que mesmo os principais aspectos da teoria e prática do trabalho do diretor em um ato de variedades são quase não formulados e nem generalizados. “Na minha opinião, pouco se falou sobre o trabalho do diretor dentro da edição”, observou com razão N. Zavadskaya, por exemplo. “Enquanto isso, um artista precisa disso, mesmo que tenha todas as habilidades profissionais”. Quaisquer, mesmo as mais destacadas habilidades profissionais de um artista de variedades tornam-se um conjunto sem sentido de truques, reprises e outros meios expressivos, se não forem reduzidos a um denominador comum de uma imagem artística holística, que é um dos principais componentes do trabalho do diretor. profissão em geral. E não há razão para considerar o ato de variedade uma exceção a essa regra.

2. Classificação de números pop de acordo com gêneros pop genéricos

Qualquer classificação na arte é incompleta e, portanto, é possível destacar aqui espécies e grupos de gêneros, focando apenas nos números frequentemente encontrados em cenários de performance. Os desempenhos de variedades são classificados de acordo com suas características em quatro grupos.

O primeiro grupo de espécies deve incluir números coloquiais (ou de fala). Depois vêm os números musicais, plástico-coreográficos, mistos, "originais".

Os gêneros de conversação incluem: entertainer, reprise, trocadilho, interlúdio, miniatura, sketch, monólogo pop, folhetim pop, folhetim musical, mosaico musical, dísticos, cantigas, paródias.

Gêneros de números plástico-coreográficos: dança (folclórica, característica, pop, moderna), pantomima e estudo plástico.

Gêneros do grupo de espécies de "números originais": excentricidade, truques, bufonaria, tocar instrumentos musicais inusitados, onomatopeia, estampas populares, tantamorescos, acrobacias, números de circo, números esportivos.

O envolvimento do público na ação direta da performance teatral é uma das características específicas desse tipo de arte. Portanto, é aqui que o número do jogo em suas várias formas de gênero (relacionado a números mistos ou "originais") é amplamente difundido.

Ao grupo de números musicais, incluímos, em primeiro lugar, um número musical de concerto. Sua completude se deve à própria forma musical. Se, no entanto, um trecho de uma grande obra for tomado como número, então deve ser relativamente completo, produzindo uma impressão holística. O principal gênero musical é a canção: folk, lírica, pop, romance urbano, romance cigano, folhetim musical.

O gênero musical favorito das pessoas é uma cantiga. Suas características são atualidade, extrema brevidade, expressividade de forma e capacidade de conteúdo. Uma cantiga, criada sobre um material específico, é um gênero indispensável em termos de eficiência. A fala em uma cantiga sempre soa individualizada, artisticamente justificada, como a fala pessoa certa ou como um dialeto característico de um determinado distrito, região, região.

O conteúdo lacônico da cantiga corresponde a uma composição clara, determinada pela forma e estrutura da quadra. Uma das características desta forma é a combinação orgânica da entonação coloquial com a estrutura musical. Mas, em geral, o número da cantiga é construído como um elemento efetivo do programa concluído em si mesmo.

Ao cantar, a estrofe cantiga de quatro linhas é dividida em duas meias estrofes com uma pausa profunda no meio. A pausa prepara para uma nova reviravolta, geralmente inesperada, a resolução do tema “declarado” no início. Via de regra, o primeiro dístico desempenha o papel de um começo, dá, por assim dizer, o início de uma narração lírica; o segundo dístico é o final: desenvolvimento do tema e conclusão final. É essa estrutura dramática da cantiga que a torna um gênero extremamente expressivo, eficaz, facilmente percebido pelos ouvintes.

Grande força impacto emocional possuem cantigas com "reservas".

3. Gêneros de arte de variedades

As raízes do palco remontam ao passado distante, traçadas na arte do Egito, Grécia, Roma; seus elementos estão presentes nas performances de comediantes-bufões itinerantes (Rússia), shpilmans (Alemanha), malabaristas (França), dândis (Polônia), mascarabozes (Ásia Central), etc.

Sátira sobre a vida e costumes urbanos, piadas afiadas sobre temas políticos, uma atitude crítica ao poder, dísticos, esquetes cômicos, piadas, jogos, pantomima de palhaço, malabarismo, excentricidade musical foram os primórdios dos futuros gêneros pop que nasceram no barulho do carnaval e entretenimento público.

Barkers, que, com a ajuda de piadas, chistes, dísticos engraçados, vendiam qualquer produto nas praças e mercados, mais tarde se tornaram os precursores do animador. Tudo isso era de natureza massiva e inteligível, condição indispensável para a existência de todos os gêneros pop. Todos os artistas de carnaval medievais não faziam performances.

Na Rússia, as origens dos gêneros pop se manifestaram em bufões, diversão e criatividade em massa de festivais folclóricos. Seus representantes são raus avôs-coringas com uma barba indispensável, que divertiam e acenavam o público da plataforma superior da cabine - raus, salsa, raeshniks, líderes de ursos "instruídos", atores-bufões, brincando de "esboço" e "reprise" "entre a multidão, tocando gaita, harpa, ranho e divertindo o povo.

A arte da variedade é caracterizada por qualidades como abertura, concisão, improvisação, festividade, originalidade, entretenimento.

Desenvolvendo-se como uma arte de lazer festivo, a música pop sempre buscou o inusitado e a diversidade. O próprio sentimento de festa foi criado devido ao entretenimento externo, ao jogo de luzes, à mudança de cenário pitoresco, à mudança na forma do palco, etc. Apesar da variedade de formas e gêneros ser característica do palco, ele pode ser dividido em três grupos:

O palco de concertos (anteriormente chamado de "divertissement") combina todos os tipos de apresentações em concertos de variedades;

Palco teatral (apresentações de câmara do teatro de miniaturas, teatros de cabaré, cafés-teatros ou uma grande revista de concertos, sala de música, com numerosos funcionários e equipamentos de palco de primeira classe);

Palco festivo (festas folclóricas, feriados em estádios, cheios de esportes e números de shows, além de bailes, carnavais, bailes de máscaras, festivais, etc.).

Existem também estes:

1. Teatros de variedades

2. Salas de música

Se a base de uma performance de variedades é um número acabado, então a crítica, como qualquer ação dramática, exigia a subordinação de tudo o que acontece no palco ao enredo. Isso, via de regra, não se combinou organicamente e levou ao enfraquecimento de um dos componentes da apresentação: a performance, os personagens ou o enredo. Isso aconteceu durante a produção de "Milagres do século 20" - a peça se dividiu em vários episódios independentes e vagamente conectados. O sucesso com o público teve apenas um conjunto de balé e várias variedades de primeira classe apresentações de circo. O conjunto de balé encenado por Goleizovsky apresentou três números: "Ei, vamos!", "Moscou na chuva" e "30 garotas inglesas". Particularmente espetacular foi a performance de "The Snake". Entre os números do circo, os melhores foram: Tea Alba e "Australian Lumberjacks" Jackson e Laurer. Alba escreveu simultaneamente palavras diferentes com giz em dois quadros com as mãos direita e esquerda. Os lenhadores no final da corrida estavam cortando dois troncos grossos. Um excelente número de equilíbrio no fio foi mostrado pelo alemão Strodi. Ele deu cambalhotas em um fio. Dos artistas soviéticos, como sempre, Smirnov-Sokolsky e as cantigas V. Glebova e M. Darskaya tiveram grande sucesso. Entre os números do circo, destacou-se o número de Zoya e Martha Koch em dois fios paralelos.

Em setembro de 1928, ocorreu a abertura do Leningrad Music Hall.

3. Teatro de Miniaturas - grupo de teatro que trabalha principalmente em pequenas formas: pequenas peças, esquetes, esquetes, óperas, operetas e números de variedades (monólogos, dísticos, paródias, danças, canções). O repertório é dominado pelo humor, sátira, ironia, e as letras não são excluídas. A trupe é pequena, o teatro de um ator, dois atores é possível. As performances, de design lacônico, são pensadas para um público relativamente pequeno; elas representam uma espécie de tela de mosaico.

4. Gêneros de conversação no palco - símbolo de gêneros associados principalmente à palavra: animador, interlúdio, esquete, esquete, história, monólogo, folhetim, microminiatura (anedota encenada), burime.

Animador - o animador pode ser emparelhado, único, em massa. Um gênero coloquial construído de acordo com as leis da "unidade e luta dos opostos", ou seja, a transição da quantidade para a qualidade de acordo com o princípio satírico.

Um monólogo pop pode ser satírico, lírico, bem-humorado.

Um interlúdio é uma cena cômica ou uma peça de conteúdo humorístico, que é apresentada como um número independente.

Um esboço é uma pequena cena em que a intriga se desenvolve rapidamente, onde o enredo mais simples é construído em situações inesperadas engraçadas, afiadas, curvas, permitindo que toda uma série de absurdos surja no decorrer da ação, mas onde tudo, via de regra, termina em um desfecho feliz. 1-2 atores(mas não mais que três).

Miniatura é o gênero coloquial mais popular na música pop. No palco hoje, uma anedota popular (não publicada, não impressa - do grego) é um pequeno tópico história oral com um final espirituoso inesperado.

Um trocadilho é uma piada baseada no uso cômico de palavras com sons semelhantes, mas com sons diferentes, para brincar com a semelhança sonora de palavras ou combinações equivalentes.

Reprise é o gênero coloquial curto mais comum.

Os dísticos são uma das variedades mais inteligíveis e populares do gênero coloquial. O dístico procura ridicularizar este ou aquele fenômeno e expressar sua atitude em relação a ele. Deve ter senso de humor

Os gêneros musicais e coloquiais incluem um dístico, uma cantiga, uma chansonette, um folhetim musical.

Uma paródia comum no palco pode ser "coloquial", vocal, musical, dançante. Ao mesmo tempo, recitações, melodeclamações, montagens literárias, "leitura artística" agregavam gêneros discursivos.

É impossível dar uma lista precisa e fixa dos gêneros do discurso: sínteses inesperadas da palavra com música, dança, gêneros originais (transformação, ventrologia etc.) dão origem a novas formações de gênero. A prática ao vivo fornece continuamente todos os tipos de variedades, não é por acaso que em pôsteres antigos era costume adicionar "em seu gênero" ao nome de um ator.

Cada um dos gêneros do discurso acima tem suas próprias características, sua própria história, estrutura. O desenvolvimento da sociedade, as condições sociais ditaram o surgimento de um ou outro gênero à frente. Na verdade, apenas o animador nascido no cabaré pode ser considerado um gênero de "variedade". O resto vinha do estande, do teatro, das páginas das revistas humorísticas e satíricas. Gêneros do discurso, ao contrário de outros, inclinados a dominar inovações estrangeiras, desenvolvidas em sintonia com a tradição nacional, em estreita ligação com o teatro, com a literatura humorística.

O desenvolvimento dos gêneros do discurso está associado ao nível da literatura. Atrás do ator está o autor, que "morre" no performer. E, no entanto, o valor intrínseco da atuação não diminui a importância do autor, que em grande parte determina o sucesso da atuação. Os autores muitas vezes se tornaram os próprios artistas. As tradições de I. Gorbunov foram adotadas por contadores de histórias pop - Smirnov-Sokolsky, Afonin, Nabatov e outros criaram seu próprio repertório. Atores que não tinham talento literário procuraram ajuda de autores, que escreviam com base na performance oral, levando em consideração a máscara do ator. Esses autores, via de regra, permaneceram "sem nome". Por muitos anos, a questão tem sido discutida na imprensa se uma obra escrita para performance no palco pode ser considerada literatura. No início dos anos 80, foram criadas a All-Union e depois a All-Russian Association of Variety Authors, que ajudaram a legalizar esse tipo atividade literária. O "anonimato" do autor é coisa do passado; além disso, os próprios autores subiram ao palco. No final dos anos 70, foi lançado o programa "Behind the Scenes of Laughter", compilado de acordo com o tipo de concerto, mas exclusivamente a partir de performances de autores pop. Se nos anos anteriores apenas escritores individuais (Averchenko, Ardov, Laskin) criavam seus próprios programas, agora esse fenômeno se espalhou. O fenômeno de M. Zhvanetsky contribuiu muito para o sucesso. Tendo começado nos anos 60 como autor do Teatro de Miniaturas de Leningrado, ele, contornando a censura, começou a ler seus pequenos monólogos e diálogos em noites fechadas nas Casas da Inteligente Criativa, que, como as canções de Vysotsky, foram distribuídas por todo o país .

5. Jazz no palco

O termo "jazz" é comumente entendido como: 1) um tipo arte musical baseado na improvisação e na intensidade rítmica especial, 2) orquestras e conjuntos que executam esta música. Os termos "jazz band", "jazz ensemble" também são usados para designar grupos (às vezes indicando o número de artistas - trio de jazz, quarteto de jazz, orquestra de jazz, big band).

6. Canção no palco

Miniatura vocal (vocal-instrumental), muito utilizada na prática de concertos. No palco, muitas vezes é resolvido como uma miniatura de "jogo" de palco com a ajuda de plasticidade, figurino, luz, mise-en-scenes ("teatro de canções"); De grande importância é a personalidade, características do talento e habilidade do intérprete, que em alguns casos se torna um “co-autor” do compositor.

Os gêneros e formas da canção são variados: romance, balada, canção folclórica, dístico, cantiga, chansonette, etc.; os métodos de execução também são variados: solo, ensemble (duetos, coros, wok-instr. ensembles).

Há também um grupo de compositores entre músicos pop. Estes são Antonov, Pugacheva, Gazmanov, Loza, Kuzmin, Dobrynin, Kornelyuk e outros.

Muitos estilos, costumes e tendências coexistem - do kitsch sentimental e romance urbano ao punk rock e rap. Assim, a música de hoje é um painel multicolorido e multiestilo, que inclui dezenas de direções, desde imitações do folclore doméstico até inoculações de culturas afro-americanas, europeias e asiáticas.

7. Dance no palco

Trata-se de um número curto de dança, solo ou em grupo, apresentado em concertos de variedades em grupo, shows de variedades, music halls, teatros de miniaturas; acompanha e complementa o programa de vocalistas, números de gêneros de fala originais e até mesmo. Foi formado com base na dança folclórica, cotidiana (de salão), balé clássico, dança moderna, ginástica, acrobacia, no cruzamento de várias influências estrangeiras e tradições nacionais. A natureza da plasticidade da dança é ditada pelos ritmos modernos, formados sob a influência de artes afins: música, teatro, pintura, circo, pantomima.

As danças folclóricas foram originalmente incluídas nas apresentações das trupes da capital. O repertório incluía apresentações teatrais de diversões da vida rural, urbana e militar, suítes vocais e de dança de canções e danças folclóricas russas.

Na década de 1990, dança no palco fortemente polarizada, como se voltasse à situação da década de 1920. Grupos de dança Aqueles empregados no show business, como "Erotic Dance" e outros, contam com o erotismo - performances em boates ditam suas próprias leis.

8. Fantoches no palco

Desde os tempos antigos, o artesanato é valorizado na Rússia, eles adoravam brinquedos, respeitavam jogo divertido com uma boneca. Petrushka tratou de um soldado, de um policial, de um padre, e até mesmo da própria morte, brandiu bravamente um porrete, deitou no local aqueles de quem o povo não gostava, derrubou o mal, afirmou a moralidade do povo.

Os Petrushechniks vagavam sozinhos, às vezes juntos: um marionetista e um músico, eles próprios compunham peças, eles próprios eram atores, diretores - eles tentavam preservar os movimentos dos bonecos, mise-en-scenes, truques de bonecos. Marionetistas foram perseguidos.

Havia outros espetáculos em que atuavam bonecos. Nas estradas da Rússia, pode-se encontrar vans carregadas de fantoches em cordas - fantoches. E às vezes caixas com fendas dentro, ao longo das quais as bonecas eram movidas por baixo. Essas caixas eram chamadas de presépios. Os marionetistas dominavam a arte da imitação. Gostavam de retratar cantores, copiar acrobatas, ginastas, palhaços.

9. Paródia no palco

Este é um número ou desempenho baseado na imitação irônica (imitação) tanto da maneira individual, estilo, características e estereótipos do original, quanto de tendências e gêneros inteiros na arte. A amplitude do cômico: do nitidamente satírico (degradante) ao humorístico (caricatura amigável) - é determinada pela atitude do parodista em relação ao original. A paródia tem suas raízes em arte antiga, na Rússia, ela está presente há muito tempo em jogos de palhaços, performances de farsa.

10. Teatros de pequenas formas

Criação na Rússia de teatros de cabaré "The Bat", "Crooked Mirror", etc.

Tanto "Crooked Mirror" quanto "Bat" eram equipes de atuação profissionalmente fortes, o nível cultura teatral que, sem dúvida, foi maior do que em numerosos teatros de miniaturas (de Moscou, Petrovsky se destacou mais do que outros, dirigido por D.G. Gutman, Mamonovsky, cultivando arte decadente, onde Alexander Vertinsky fez sua estréia durante a Primeira Guerra Mundial, Nikolsky - artista e diretor A.P. Petrovsky Among St. Petersburg - Troitsky A.M. Fokina - dirigido por V.R. Rappoport, onde V.O. Toporkov, mais tarde um artista do teatro de arte, atuou com sucesso com cantigas e como animador.

4. Géneros musicais em palco. Princípios básicos, técnicas e direção

Existem vários gêneros:

1. Música latino-americana

Música latino-americana (espanhol: musica latinoamericana) - um nome generalizado para os estilos musicais e gêneros dos países América latina, assim como a música de nativos desses países, vivendo compactamente no território de outros estados e formando grandes comunidades latino-americanas (por exemplo, nos EUA). NO discurso coloquial o nome abreviado "música latina" (espanhol musica latina) é frequentemente usado.

música latino-americana, cujo papel na Vida cotidiana A América Latina é muito alta, é uma fusão de muitas culturas musicais, mas se baseia em três componentes: espanhol (ou português), africano e indiano culturas musicais. Como regra, as músicas latino-americanas são executadas em espanhol ou português, com menos frequência em francês. Os artistas latino-americanos que vivem nos EUA são geralmente bilíngues e costumam usar letras em inglês.

Na verdade, a música espanhola e portuguesa não pertence à América Latina, estando, no entanto, intimamente relacionada com esta. grande quantidade conexões; além disso, a influência da música espanhola e portuguesa na América Latina é mútua.

Apesar da música latino-americana ser extremamente heterogênea e ter características próprias em cada país da América Latina, estilisticamente ela pode ser dividida em vários estilos regionais principais:

* Música andina;

* Música centro-americana;

* Música caribenha;

* Música Argentina;

* Música mexicana;

* Música brasileira.

No entanto, deve-se ter em mente que tal divisão é muito arbitrária e os limites desses estilos musicais são muito tênues.

Blues (blues inglês de blue devils) é um gênero de música que se difundiu nos anos 20 do século XX. É uma das conquistas da cultura afro-americana. Foi formado a partir de tendências musicais étnicas da sociedade afro-americana como "canção de trabalho" (eng. canção de trabalho), "espirituais" (eng. spirituals) e cólera (eng. Holler). De muitas maneiras, ele influenciou a música popular moderna, especialmente gêneros como "pop" (música pop inglesa), "jazz" (jazz inglês), "rock and roll" (rock "n" roll inglês). A forma predominante do blues 4/4, onde os primeiros 4 compassos são frequentemente tocados na harmonia tônica, 2 cada na subdominante e tônica, e 2 cada na dominante e tônica. Essa alternância também é conhecida como progressão do blues. O ritmo dos oitavos trigêmeos com uma pausa é frequentemente usado - o chamado shuffle. Uma característica do blues são as "notas azuis". Muitas vezes a música é construída segundo a estrutura “pergunta-resposta”, expressa tanto no conteúdo lírico da composição, quanto no conteúdo musical, muitas vezes construído no diálogo dos instrumentos entre si. O blues é uma forma de improvisação de um gênero musical, onde as composições costumam usar apenas o "quadro" principal de apoio, que é batido por instrumentos solo. O tema original do blues é construído sobre o componente social sensual da vida da população afro-americana, suas dificuldades e obstáculos que surgem no caminho de cada pessoa negra.

Jazz (eng. Jazz) é uma forma de arte musical que surgiu no final do século XIX - início do século XX nos Estados Unidos como resultado da síntese de culturas europeias e posteriormente se generalizou. características características linguagem musical o jazz tornou-se inicialmente improvisação, polirritmia baseada em ritmos sincopados e um conjunto único de técnicas para a execução de textura rítmica - o swing. Desenvolvimento adicional jazz foi devido ao desenvolvimento de novos modelos rítmicos e harmônicos por músicos e compositores de jazz.

Country combina duas variedades de folclore americano - a música dos colonos brancos que se estabeleceram no Novo Mundo nos séculos 17 e 18 e as baladas de caubói do Velho Oeste. Esta música tem uma forte herança de madrigais elizabetanos, música folclórica irlandesa e escocesa. Os principais instrumentos musicais desse estilo são o violão, o banjo e o violino.

"The Little Old Log Cabin in the Lane" é a primeira canção country "documentada" escrita em 1871 por Will Heiss de Kentucky. 53 anos depois, Fiddine John Carson grava esta composição em um disco. Em outubro de 1925, começou o programa de rádio Grand Ole Opry, que até hoje transmite ao vivo shows de estrelas do país.

Country como uma indústria da música começou a ganhar força no final da década de 1940. graças ao sucesso de Hank Williams (1923--53), que não só estabeleceu a imagem de um artista country para várias gerações, mas também delineou os temas típicos do gênero - amor trágico, solidão e as dificuldades de uma vida profissional. Já naquela época, havia diferentes estilos na música country: o swing ocidental, que levava os princípios do arranjo de Dixieland - aqui o rei do gênero era Bob Wills e seus Texas Playboys; bluegrass, dominado pelo fundador Bill Monroe; o estilo de músicos como Hank Williams foi então chamado de caipira. Em meados da década de 1950. country, juntamente com elementos de outros gêneros (gospel, rhythm and blues) deu origem ao rock and roll. O gênero de fronteira apareceu imediatamente - rockabilly - foi a partir dele que cantores como Elvis Presley, Carl Perkins e Johnny Cash começaram seu caminho criativo - não é por acaso que todos gravaram no mesmo estúdio de Memphis Registros Solares. Graças ao sucesso do álbum "Gunfighter Ballads and Trail Songs" (1959) de Marty Robbins, o gênero country e western foi isolado, dominado por histórias da vida do Velho Oeste.

Chanson (fr. chanson - "canção") - um gênero de música vocal; A palavra é usada em dois sentidos:

2) uma música pop francesa no estilo de um cabaré (inclinada em russo).

A música Blatnaya (folclore blatnoy, blatnyak) é um gênero de música que glorifica a vida e os costumes do ambiente criminal, originalmente projetado para o ambiente de prisioneiros e pessoas próximas ao submundo. Nasceu em Império Russo e tornou-se difundido na União Soviética e, posteriormente, nos países da CEI. Com o passar do tempo, no gênero da música criminal, começaram a ser escritas canções que vão além da temática criminal, mas conservam seus traços característicos (melodia, jargão, narração, visão de mundo). Desde a década de 1990, uma música criminosa na indústria da música russa foi comercializada sob o nome de "canção russa" (cf. a estação de rádio e prêmios de mesmo nome).

Romance na música é uma composição vocal escrita em um poema curto de conteúdo lírico, principalmente amor.

A música do autor, ou música de bardo, é um gênero de música que surgiu em meados do século 20 na URSS. O gênero cresceu nas décadas de 1950 e 1960. de performances amadoras, independentemente da política cultural autoridades soviéticas e rapidamente alcançou ampla popularidade. A ênfase principal está na poesia do texto.

6. Música eletrônica

Música eletrônica (do inglês. Música eletrônica, coloquialmente também "eletrônica") é um gênero musical amplo que se refere à música criada usando instrumentos musicais eletrônicos. Embora os primeiros instrumentos eletrônicos tenham surgido no início do século XX, Música eletrônica como um gênero desenvolvido na segunda metade do século 20 e no início do século 21 inclui dezenas de variedades.

7. Música rock

Música rock (Eng. Rock music) é um nome generalizado para várias áreas da música popular. A palavra "rock" - balançar - neste caso indica as sensações rítmicas características dessas direções, associadas a uma certa forma de movimento, por analogia com "roll", "twist", "swing", "shake", etc. Tais sinais de música rock como o uso de instrumentos musicais elétricos, auto-suficiência criativa (músicos de rock são caracterizados pela execução de composições própria composição) são secundárias e muitas vezes enganosas. Por esta razão, a filiação de alguns estilos de música ao rock é contestada. O rock também é um fenômeno subcultural especial; subculturas como mods, hippies, punks, metalheads, góticos, emo estão inextricavelmente ligadas a certos gêneros de rock.

A música rock tem um grande número de direções: desde gêneros leves, como rock and roll dançante, pop rock, Britpop, até gêneros brutais e agressivos, como death metal e hardcore. O conteúdo das músicas varia de leve e descontraído a sombrio, profundo e filosófico. Muitas vezes, a música rock se opõe à música pop e ao chamado. "pop", embora não haja uma fronteira clara entre os conceitos de "rock" e "pop", e muitos fenômenos musicais se equilibram à beira entre eles.

As origens da música rock estão no blues, de onde surgiram os primeiros gêneros de rock - rock and roll e rockabilly. Os primeiros subgêneros da música rock surgiram em estreita conexão com a música folk e pop da época - principalmente folk, country, skiffle, music hall. Durante sua existência, houve tentativas de combinar música rock com quase todos os tipos possíveis de música - com música acadêmica (art rock, aparece no final dos anos 60), jazz (jazz rock, aparece no final dos anos 60 - início dos anos 70). - x), música latina (rock latino, surge no final dos anos 60), música indiana (raga rock, surge em meados dos anos 60). Nos anos 60 e 70, surgiram quase todos os principais subgêneros do rock, sendo os mais importantes, além dos listados, o hard rock, o punk rock e o avant-garde rock. No final dos anos 70 e início dos anos 80, surgiram gêneros de rock como pós-punk, new wave, rock alternativo (embora já no final dos anos 60 primeiros representantes nessa direção), hardcore (um importante subgênero do punk rock), bem como subgêneros brutais do metal - death metal, black metal. Nos anos 90, os gêneros grunge (surgido em meados dos anos 80), Britpop (surgido em meados dos anos 60), metal alternativo (surgido no final dos anos 80) foram amplamente desenvolvidos.

Os principais centros do surgimento e desenvolvimento da música rock são os EUA e Europa Ocidental(especialmente Reino Unido). A maioria das letras são em inglês. No entanto, embora, via de regra, com algum atraso, o rock nacional apareceu em quase todos os países. A música rock em língua russa (o chamado rock russo) apareceu na URSS já nas décadas de 1960 e 1970. e atingiu seu pico na década de 1980, continuando a se desenvolver na década de 1990.

8. Ska, rocksteady, reggae

Ska é um estilo musical que se originou na Jamaica no final dos anos 1950. A aparência do estilo está ligada [fonte não especificada 99 dias] com o advento das instalações sonoras (eng. "sistemas de som"), que tornaram possível dançar na rua.

Os conjuntos de som não são apenas caixas de som estéreo, mas uma forma de discoteca de rua, com DJs e seus aparelhos de som móveis, com crescente competição entre esses DJs pelo melhor som, pelo melhor repertório e assim por diante.

O estilo é caracterizado por um ritmo suingante de 2/4, quando a guitarra toca nas batidas de bateria pares, e o contrabaixo ou contrabaixo enfatiza os ímpares. A melodia é tocada por instrumentos de sopro como trompete, trombone e saxofone. Entre as melodias do ska você pode encontrar melodias de jazz.

Rocksteady ("rocksteady", "rocksteady") é um estilo musical que existia na Jamaica e na Inglaterra na década de 1960. A base do estilo são os ritmos caribenhos em 4/4, com maior atenção aos teclados e guitarras.

Reggae (inglês reggae, outras grafias - "reggae" e "reggae"), música popular jamaicana, mencionada pela primeira vez desde o final dos anos 1960. Às vezes usado como um nome geral para todas as músicas jamaicanas. Está intimamente relacionado a outros gêneros jamaicanos - rocksteady, ska e outros.

Dub é um gênero musical que se originou no início dos anos 1970 na Jamaica. Inicialmente, os discos desse gênero eram músicas de reggae com (às vezes parcialmente) os vocais removidos. Desde meados da década de 1970, o dub se tornou um fenômeno por si só, considerado uma variedade experimental e psicodélica de reggae. Os desenvolvimentos musicais e ideológicos do dub deram origem à tecnologia e cultura dos remixes, e também influenciaram direta ou indiretamente o desenvolvimento de uma nova onda e gêneros como hip-hop, house, drum and bass, trip-hop, dub-techno , dubstep e outros. .

A música pop (Eng. Pop-music da música popular) é uma direção da música moderna, um tipo de cultura de massa moderna.

O termo "música pop" tem um duplo significado. Em um sentido amplo, isso é qualquer música de massa (incluindo rock, eletrônica, jazz, blues). Em um sentido estrito - um gênero separado de música popular, música pop diretamente com certas características.

As principais características da música pop como gênero são simplicidade, melodiosidade, dependência de vocais e ritmo com menos atenção à parte instrumental. A principal e praticamente a única forma de composição na música pop é a canção. Letras de música pop são geralmente sobre sentimentos pessoais.

A música pop inclui subgêneros como europop, latino, disco, electropop, dance music e outros.

10. Rap (Hip-hop)

hip hop (inglês) hip hop) é uma tendência cultural que se originou entre a classe trabalhadora de Nova York em 12 de novembro de 1974. DJ Afrika Bambaataa foi o primeiro a identificar os cinco pilares da cultura hip-hop: eMsiing (inglês MCing), DJing (inglês DJing), break (quebra em inglês), graffiti (escrita de graffiti em inglês) e conhecimento. Outros elementos incluem beatboxing, moda hip hop e gírias.

Com origem no sul do Bronx, na década de 1980, o hip-hop tornou-se parte da cultura jovem em muitos países ao redor do mundo. Desde o final dos anos 1990, de um underground de rua com uma orientação social aguda, o hip-hop gradualmente se transformou em uma parte da indústria da música e, em meados da primeira década deste século, a subcultura tornou-se "na moda", " convencional". No entanto, apesar disso, muitas figuras do hip-hop ainda continuam sua "linha principal" - um protesto contra a desigualdade e a injustiça, oposição aos que estão no poder.

Sabe-se que a encenação se subdivide em direção de espetáculo de variedade e direção de ato de variedade.

A metodologia de trabalho em espetáculo de variedade (concerto, crítica, espetáculo), via de regra, não inclui as tarefas de criação dos números que a compõem. O diretor combina números prontos com um enredo, um único tema, constrói uma ação direta da performance, organiza sua estrutura tempo-rítmica, resolve os problemas de projeto musical, cenográfico e de iluminação. Ou seja, ele enfrenta uma série de problemas artísticos e organizacionais que exigem resolução no programa como um todo e não estão diretamente relacionados ao ato de variedades em si. Esta posição é confirmada pela tese do conhecido diretor de palco de performances de variedades I. Sharoev, que escreveu que "na maioria das vezes, o diretor de palco aceita números de especialistas em vários gêneros e depois cria um programa de variedades a partir deles. A performance tem grande independência."

Trabalhar em um ato de variedades exige que o diretor resolva uma série de tarefas específicas que ele não enfrenta na produção grande programa. Esta é, antes de tudo, a capacidade de revelar a individualidade do artista, de construir a dramaturgia da performance, de trabalhar com reprise, trick, gag, conhecer e levar em conta a natureza dos meios expressivos específicos do espetáculo. desempenho e muito mais.

Muitos postulados metodológicos da criação de uma performance são baseados em princípios fundamentais comuns que existem no teatro, no teatro musical e no circo. Mas então estruturas completamente diferentes são construídas na fundação. Na direção da variedade, nota-se uma especificidade significativa, que, antes de tudo, é determinada pela tipologia de gênero do ato de variedade.

No palco, o diretor, como criador, alcança na performance o objetivo final de qualquer arte - a criação de uma imagem artística, que é o lado criativo da profissão. Mas no processo de encenar o número, há o trabalho de um especialista na tecnologia de meios expressivos. Isso se deve à própria natureza de alguns gêneros: por exemplo, a maioria das variedades de subgêneros do tipo esportivo e circense requerem ensaio e trabalho de treinamento com um treinador em elementos esportivos, truques especiais; trabalhar em um número vocal é impossível sem aulas de um professor de canto; no gênero coreográfico, o papel do coreógrafo-repetiteur é essencial.

Às vezes, esses especialistas técnicos chamam-se em voz alta de diretores de palco, embora sua atividade, na verdade, se limite apenas a construir uma acrobacia especial ou componente técnico do número - não importa se é acrobacia, dança ou canto. Aqui, falar sobre a criação de uma imagem artística pode ser um exagero. Quando os principais mestres do palco (especialmente nos gêneros originais) compartilham os segredos de sua habilidade em trabalhos impressos, eles descrevem principalmente a técnica de truques, acrobacias, malabarismos etc.

Gostaria de enfatizar mais uma vez que a estrutura artística de um ato pop é complexa, diversa e muitas vezes conglomerada. Portanto, encenar um número pop é uma das atividades mais difíceis de um diretor. "Fazer bom número mesmo que leve apenas alguns minutos, é muito difícil. E parece-me que essas dificuldades são subestimadas. Talvez por isso respeite e aprecie a arte daqueles que às vezes são chamados de forma um tanto depreciativa de animadores, dando-lhes um lugar não muito honroso na escala não escrita das profissões. "Estas palavras de S. Yutkevich confirmam mais uma vez a importância de analisar a estrutura artística actos de variedade com saída final para a investigação dos fundamentos da metodologia da sua criação, sobretudo ao nível da realização e encenação do trabalho.

Conclusão

Arte de variedade (da estrade francesa - plataforma, elevação) - um visual sintético Artes performáticas, que combina pequenas formas de drama, comédia, música, além de cantar, artista. leitura, coreografia, excentricidade, pantomima, acrobacia, malabarismo, ilusionismo, etc. Apesar do seu carácter internacional, conserva raízes folclóricas que lhe conferem um sabor nacional especial. Nascido no Renascimento no palco da rua e começando com palhaçadas, farsas primitivas, bufonaria em países diferentes evoluiu de diferentes maneiras, priorizando um ou outro gênero, uma ou outra imagem-máscara.

Nos programas de variedades dos salões, rodas e clubes que surgiram mais tarde, em cabines, salas de música, cafés, cabarés, teatros em miniatura e nos jardins e parques de variedades preservados, humor alegre, paródias e caricaturas espirituosas, sátira comunal cáustica, apontava hipérbole, bufonaria, grotesco, ironia lúdica, letras sinceras, dança da moda e ritmos musicais. Números separados da variação polifônica do divertissement são frequentemente fixados no palco com um artista ou um enredo simples, e teatros de um ou dois atores, conjuntos (ballet, musical etc.) - com um repertório original, sua própria dramaturgia. A arte da variedade é orientada para o público mais amplo e depende, em primeiro lugar, da habilidade dos artistas, de sua técnica de representação, da capacidade de criar entretenimento espetacular com meios concisos, um personagem vívido - mais frequentemente comédia negativa do que positiva. Expondo seus anti-heróis, ele se volta para características e detalhes metafóricos, para um entrelaçamento bizarro de credibilidade e caricatura, real e fantástico, contribuindo assim para a criação de uma atmosfera de rejeição de seus protótipos de vida, oposição à sua prosperidade na realidade. A atualidade é típica da arte de variedade, a combinação de entretenimento com conteúdo sério nos melhores exemplos, funções educacionais, quando a diversão é complementada por uma variedade de paletas emocionais e, às vezes, sociopolíticas, cívicas. Qualidade mais recente privado, gerado pela cultura de massa burguesa do show business. Quase todas as variedades operacionais "pequenas", "leves", incluindo "esquetes" comuns, são caracterizadas por uma vida útil relativamente curta, rápida depreciação das máscaras, que depende do esgotamento da relevância do tema, da implementação da ordem social, das mudanças no interesse e nas necessidades do público. Sendo uma das formas de arte mais móveis, e ao mesmo tempo artes mais antigas, a pop art está sujeita à doença da estampagem, reduzindo o valor artístico e estético dos achados talentosos, até transformá-los em kitsch. Para desenvolvimento forte influência renderizar artes "técnicas" como o cinema e especialmente a televisão, que muitas vezes inclui apresentações de variedades e concertos em seus programas. Deste modo formas tradicionais e as técnicas pop adquirem não apenas maior escala e prevalência, mas também profundidade psicológica (o uso fechar-se, outros meios visuais e expressivos de artes de tela), entretenimento vívido.

No sistema das artes cênicas, o palco hoje ocupa firmemente um lugar separado, representando um fenômeno independente da cultura artística. A popularidade do palco no público mais amplo e diversificado faz com que ele responda a necessidades estéticas conflitantes. vários grupos população por idade social, educacional e até composição nacional. Essa característica da pop art explica em grande parte a presença de aspectos negativos nos méritos profissionais, estéticos e de gosto das obras pop. A natureza massiva do público pop no passado e no presente, sua heterogeneidade, a necessidade de combinar funções de entretenimento e educação na pop art, impõe requisitos específicos aos criadores de obras de pop art, impõe-lhes uma responsabilidade especial.

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A arte da variedade é caracterizada por qualidades como abertura, concisão, improvisação, festividade, originalidade, entretenimento.

- palco de concertos (anteriormente chamado de "divertissement") combina todos os tipos de performances em concertos de variedades;
- palco teatral (apresentações de câmara do teatro de miniaturas, teatros de cabaré, cafés-teatros ou uma grande revista de concertos, sala de música, com uma grande equipe de espetáculos e equipamentos de palco de primeira classe);
- palco festivo (festas folclóricas, feriados em estádios, cheios de esportes e números de shows, além de bailes, carnavais, máscaras, festivais, etc.).

Existem também estes:

1. Teatros de variedades
2. Salas de música

Se a base de uma performance de variedades é um número acabado, então a crítica, como qualquer ação dramática, exigia a subordinação de tudo o que acontece no palco ao enredo. Isso, via de regra, não se combinou organicamente e levou ao enfraquecimento de um dos componentes da apresentação: a performance, os personagens ou o enredo. Isso aconteceu durante a produção de "Milagres do século 20" - a peça se dividiu em vários episódios independentes e vagamente conectados. Apenas o conjunto de balé e várias apresentações de variedade e circo de primeira classe tiveram sucesso com o público. O conjunto de balé encenado por Goleizovsky apresentou três números: "Ei, vamos!", "Moscou na chuva" e "30 garotas inglesas". Particularmente espetacular foi a performance de "The Snake". Entre os números do circo, os melhores foram: Tea Alba e "Australian Lumberjacks" Jackson e Laurer. Alba escreveu simultaneamente palavras diferentes com giz em dois quadros com as mãos direita e esquerda. Os lenhadores no final da corrida estavam cortando dois troncos grossos. Um excelente número de equilíbrio no fio foi mostrado pelo alemão Strodi. Ele deu cambalhotas em um fio. Dos artistas soviéticos, como sempre, Smirnov-Sokolsky e as cantigas V. Glebova e M. Darskaya tiveram grande sucesso. Entre os números do circo, destacou-se o número de Zoya e Martha Koch em dois fios paralelos.

Em setembro de 1928, ocorreu a abertura do Leningrad Music Hall.

3. Teatro de Miniaturas - grupo de teatro que trabalha principalmente em pequenas formas: pequenas peças, esquetes, esquetes, óperas, operetas e números de variedades (monólogos, dísticos, paródias, danças, canções). O repertório é dominado pelo humor, sátira, ironia, e as letras não são excluídas. A trupe é pequena, o teatro de um ator, dois atores é possível. As performances, de design lacônico, são pensadas para um público relativamente pequeno; elas representam uma espécie de tela de mosaico.
4. Gêneros de conversação no palco - símbolo de gêneros associados principalmente à palavra: animador, interlúdio, esquete, esquete, história, monólogo, folhetim, microminiatura (anedota encenada), burime.

Um monólogo pop pode ser satírico, lírico, bem-humorado.

Um interlúdio é uma cena cômica ou uma peça de conteúdo humorístico, que é apresentada como um número independente.

Miniatura é o gênero coloquial mais popular na música pop. No palco hoje, uma anedota popular (não publicada, não impressa - do grego) é uma curta história oral tópica com um final inesperado e espirituoso.

Um trocadilho é uma piada baseada no uso cômico de palavras com sons semelhantes, mas com sons diferentes, para brincar com a semelhança sonora de palavras ou combinações equivalentes.

Reprise é o gênero coloquial curto mais comum.

Os gêneros musicais e coloquiais incluem um dístico, uma cantiga, uma chansonette, um folhetim musical.

O desenvolvimento dos gêneros do discurso está associado ao nível da literatura. Atrás do ator está o autor, que "morre" no performer. E, no entanto, o valor intrínseco da atuação não diminui a importância do autor, que em grande parte determina o sucesso da atuação. Os autores muitas vezes se tornaram os próprios artistas. As tradições de I. Gorbunov foram adotadas por contadores de histórias pop - Smirnov-Sokolsky, Afonin, Nabatov e outros criaram seu próprio repertório. Atores que não tinham talento literário procuraram ajuda de autores, que escreviam com base na performance oral, levando em consideração a máscara do ator. Esses autores, via de regra, permaneceram "sem nome". Por muitos anos, a questão tem sido discutida na imprensa se uma obra escrita para performance no palco pode ser considerada literatura. No início dos anos 1980, foram criadas a All-Union e, em seguida, a All-Russian Association of Variety Authors, que ajudaram a legitimar esse tipo de atividade literária. O "anonimato" do autor é coisa do passado; além disso, os próprios autores subiram ao palco. No final dos anos 70, foi lançado o programa "Behind the Scenes of Laughter", compilado de acordo com o tipo de concerto, mas exclusivamente a partir de performances de autores pop. Se nos anos anteriores apenas escritores individuais (Averchenko, Ardov, Laskin) criavam seus próprios programas, agora esse fenômeno se espalhou. O fenômeno de M. Zhvanetsky contribuiu muito para o sucesso. Tendo começado nos anos 60 como autor do Teatro de Miniaturas de Leningrado, ele, contornando a censura, começou a ler seus pequenos monólogos e diálogos em noites fechadas nas Casas da Inteligente Criativa, que, como as canções de Vysotsky, foram distribuídas por todo o país .

5. Jazz no palco

O termo "jazz" é comumente entendido como: 1) um tipo de arte musical baseada na improvisação e uma intensidade rítmica especial, 2) orquestras e conjuntos que executam essa música. Os termos "jazz band", "jazz ensemble" também são usados para designar grupos (às vezes indicando o número de artistas - trio de jazz, quarteto de jazz, orquestra de jazz, big band).

6. Canção no palco

Há também um grupo de compositores entre músicos pop. Estes são Antonov, Pugacheva, Gazmanov, Loza, Kuzmin, Dobrynin, Kornelyuk e outros.

7. Dance no palco

Na década de 1990, dança no palco fortemente polarizada, como se voltasse à situação da década de 1920. Grupos de dança engajados no show business, como Erotic Dance e outros, contam com o erotismo - apresentações em boates ditam suas próprias leis.

8. Fantoches no palco

Desde os tempos antigos, as pessoas na Rússia valorizam o artesanato, adoram brinquedos e respeitam um jogo divertido com uma boneca. Petrushka tratou de um soldado, de um policial, de um padre, e até mesmo da própria morte, brandiu bravamente um porrete, deitou no local aqueles de quem o povo não gostava, derrubou o mal, afirmou a moralidade do povo.

9. Paródia no palco

Este é um número ou desempenho baseado na imitação irônica (imitação) tanto da maneira individual, estilo, características e estereótipos do original, quanto de tendências e gêneros inteiros na arte. A amplitude do cômico: do nitidamente satírico (degradante) ao humorístico (caricatura amigável) - é determinada pela atitude do parodista em relação ao original. A paródia tem suas raízes na arte antiga, na Rússia há muito tempo está presente em jogos de palhaços, performances de farsa.

10. Teatros de pequenas formas

Criação na Rússia de teatros de cabaré "The Bat", "Crooked Mirror", etc.

Tanto "Crooked Mirror" quanto "The Bat" eram grupos de atuação profissionalmente fortes, cujo nível de cultura teatral era sem dúvida maior do que em vários teatros de miniaturas (Petrovsky se destacou mais do que outros de Moscou, dirigidos por D.G. Gutman , Mamonovsky, cultivando arte decadente, onde Alexander Vertinsky fez sua estréia durante a Primeira Guerra Mundial, Nikolsky - artista e diretor A.P. Petrovsky. Entre São Petersburgo - Troitsky A.M. Fokina - diretor V.R. Rappoport, onde com cantigas e como V. O. Toporkov, mais tarde um artista da arte teatro, realizado com sucesso como animador.

Em nossas mentes, um conceito como "palco" está firmemente enraizado. O que é isto? Muitos associam esse termo à música pop, embora na verdade esses conceitos não devam ser confundidos. A música pop é um dos componentes, e o conceito em si inclui muitos gêneros.

Estrada: o que é no sentido geral?

Em geral, se você seguir algumas fontes, é muito simples definir o conceito de música pop. Por exemplo, a mesma "Wikipedia" afirma que o palco é um tipo de arte cênica, principalmente um gênero de entretenimento, embora na verdade esse conceito seja muito mais amplo. E é por isso.

Uma interpretação mais extensa explica que o palco é uma espécie de elevação do performer ao entrar no palco e realizar um número curto, que inclui direções completamente diferentes e é acompanhado por um animador (representação do artista no palco). Até o momento, a música pop inclui vários gêneros principais:

música;
dança (coreografia);
arte circense;
ilusão;
palhaçada;
gênero coloquial;
paródia;
pantomima, etc

Como você pode ver, o conceito de palco é bastante amplo. No entanto, em nossa compreensão do palco, por algum motivo, ele está associado à música. Não deveria ser assim.

Claro, a música sempre ocupou um dos lugares mais importantes na vida de uma pessoa. Ao mesmo tempo hora soviética Quando surgiu o conceito de arte de variedade, também houve muitos pioneiros. Estes são os muçulmanos Magomayev, Eduard Khil, Edita Piekha, Lev Leshchenko, Iosif Kobzon, Alla Pugacheva, finalmente. Todos eles são estrelas pop de seu tempo.

Claro, você não pode ignorar o circo. Que marca notável na história da variedade e da arte circense foi deixada por estrelas como Oleg Popov e Yuri Nikulin, que fizeram mais de uma geração rir na arena!

Naquela época, o gênero conversacional era dominado, para não mencionar um mestre como Arkady Raikin. Só mais tarde apareceram Petrosyan, Zadornov, Zhvanetsky e muitos outros. E o Teatro Obraztsov?

Um lugar especial foi ocupado pelo então que valem apenas "Pesnyary", "Syabry", "Verasy", "Flame", etc. Os mesmos "Terráqueos" também são música pop, embora por algum motivo sejam classificados como bandas de rock.

palco estrangeiro

No exterior, a arte variada também não passou despercebida, porém, estava subordinada ao lucro (show business).

Para nosso ouvinte naquela época, o palco eram dois grupos mundialmente famosos - Boney M e ABBA. Às vezes, Eruption também é referido a esse par, mas isso é puramente uma criação de Frank Farian (o fundador do Boney M), que escreveu os hits mais famosos para o grupo.

A propósito, um programa tão popular como "The Benny Hill Show" também pode ser igualmente atribuído ao gênero pop padrão, apesar de esse programa ser de televisão. E se você se lembrar dos festivais de San Remo, que já foram muito populares em todo o mundo, imediatamente ficará claro que o palco não é apenas música ou qualquer outro tipo de arte cênica, mas um verdadeiro show.

Curiosamente, os primórdios da arte pop podem ser encontrados na Rússia com seus bufões e no Ocidente - com bobos da corte.

A propósito, podemos acrescentar que hoje na televisão ocidental você pode encontrar muitos programas de paródia. Na Alemanha, por exemplo, a RTL2 está liderando nesse sentido. A superioridade indiscutível da arte circense aqui pertence à trupe Du Soleil, na qual muitos de nossos compatriotas e artistas de outros países se apresentam, realizando números e truques completamente inimagináveis que são simplesmente de tirar o fôlego.

Em vez de total

Claro, longe de todos os aspectos relacionados ao conceito de arte de variedades são considerados aqui, no entanto, deve ficar claro que esse conceito inclui muitos gêneros e é completamente errado falar sobre isso exclusivamente do ponto de vista da música. Há tantas direções aqui que simplesmente não cabe na cabeça. E não é à toa que a maioria das instituições de ensino já foram chamadas de escolas de variedades de circo. Aparentemente, há alguma razão para isso.

Escusado será dizer que não será possível descrever em detalhes todos os gêneros (tomaria muito tempo). Mas mesmo assim fica claro que o palco é algo mais do que apenas cultura pop. E a lista de gêneros disponíveis nesse sentido pode ser muito, muito longa. Por outro lado, mesmo isso breve digressão na história ajudará a entender o que realmente é o gênero de variedades.

1.1 A história do surgimento da pop art

A palavra "palco" (do latim strata) significa - piso, plataforma, colina, plataforma.

A definição mais precisa da arte da variedade como uma arte que combina vários gêneros é dada no dicionário de D.N. Ushakov: "A variedade é a arte das pequenas formas, o campo de performances espetaculares e musicais em um palco aberto. Sua especificidade está na fácil adaptação às diversas condições de manifestação pública e ações de curta duração, nos meios artísticos e expressivos, arte que contribui para a identificação viva da individualidade criativa do performer, na atualidade, aguda relevância sociopolítica dos temas abordados, na predominância de elementos de humor, sátira, jornalismo.

A Enciclopédia Soviética define a música pop como derivada da estrade francesa - uma forma de arte que inclui pequenas formas de arte dramática e vocal, música, coreografia, circo, pantomima, etc. o enredo. Como arte independente, foi formada no final do século XIX.

Existe também uma definição de estágio:

Uma área de palco, permanente ou temporária, para apresentações de concertos de um artista.

A arte da variedade tem suas raízes no passado distante, rastreável na arte antigo Egito e Grécia Antiga. Embora o palco interaja intimamente com outras artes, como música, teatro, coreografia, literatura, cinema, circo, pantomima, é uma forma de arte independente e específica. A base da pop art é - "Sua Majestade o número" - como disse N. Smirnov-Sokolsky 1 .

Número - uma pequena performance, um ou mais artistas, com seu enredo, clímax e desfecho. A especificidade da performance é a comunicação direta do artista com o público, por conta própria ou por conta do personagem.

NO arte medieval artistas errantes, teatros de farsa na Alemanha, bufões na Rússia, teatro de máscaras na Itália, etc. já havia um apelo direto do artista ao público, o que permitiu que o subsequente se tornasse participante direto da ação. A curta duração da performance (não mais que 15-20 minutos) exige a máxima concentração de meios expressivos, concisão e dinâmica. Os desempenhos de variedades são classificados de acordo com suas características em quatro grupos. O primeiro grupo de espécies deve incluir números coloquiais (ou de fala). Depois vêm os números musicais, plástico-coreográficos, mistos, "originais".

A arte da comédia foi construída no contato aberto com o público. del- arte (mascarar) XVI-PPXVII século.

As performances eram geralmente improvisadas com base em cenas típicas da história. Som musical como interlúdios (inserções): canções, danças, números instrumentais ou vocais - foi a fonte direta do número pop.

No século XVIII existem ópera cômica e vaudeville. Vaudeville foi uma performance fascinante com música e piadas. Seus principais heróis - pessoas comuns - sempre derrotaram aristocratas estúpidos e cruéis.

E em meados do século 19, o gênero nasceu opereta(literalmente pequena ópera): um tipo de arte teatral que combinava música vocal e instrumental, dança, balé, elementos de pop art, diálogos. Como gênero independente, a opereta apareceu na França em 1850. O "pai" da opereta francesa, e da opereta em geral, foi Jacques Offenbach (1819-1880). Mais tarde, o gênero se desenvolve na "comédia de máscaras" italiana.

A variedade está intimamente ligada à vida cotidiana, ao folclore, às tradições. Além disso, são repensados, modernizados, "estradizados". formas diferentes pop art são usados como um passatempo divertido.

Isso não é coincidência. Na Inglaterra, os pubs (instituições públicas públicas) surgiram no século XVIII, tornaram-se os protótipos dos music halls ( Salão de música). Os pubs tornaram-se um local de entretenimento para as amplas camadas democráticas da população. Diferentemente dos salões aristocráticos, onde a música clássica era predominantemente tocada, nos pubs, cantigas, danças, comediantes, mímicos, acrobatas, cenas de performances populares compostas por imitações e paródias eram exibidas nos pubs, acompanhadas por um piano. Um pouco mais tarde, na primeira metade do século XIX, generalizaram-se os cafés-concertos, originalmente representando cafés literários e artísticos, onde poetas, músicos e atores atuavam com suas improvisações. Em várias modificações, eles se espalharam pela Europa e ficaram conhecidos como cabaré (abobrinha). O entretenimento não exclui o fator da espiritualidade; uma posição cívica é especialmente importante para um artista de variedades.

A fácil adaptabilidade da arte variada ao público esconde o perigo de flertar com o público, concessões ao mau gosto. Para não cair no abismo da vulgaridade e da vulgaridade, o artista precisa de verdadeiro talento, bom gosto e talento. A partir de números pop individuais, o diretor formou um programa, que também foi um forte meio expressivo. Conexão de montagem livre de pequenas formas, separadas de vários tipos de criatividade artística e curadas de forma independente, o que levou ao nascimento da arte colorida espetáculo de variedades. A arte do show de variedades está intimamente ligada ao teatro, ao circo, mas ao contrário do teatro, não necessita de uma ação dramática organizada. A convencionalidade do enredo, a falta de desenvolvimento da ação (o drama principal) também são características de uma grande atuação. revista(de fr. - revisão). Partes separadas da revisão estão conectadas por uma ideia comum de desempenho e social. Como gênero musical dramático, a revista combina elementos de cabaré, balé e show de variedades. A performance de revista é dominada pela música, canto e dança. O show de variedades tem suas próprias modificações:

- show de variedades de números individuais

- espetáculo de variedades

- dança cabaré

- revista

No século 20, a revista se transformou em uma magnífica performance de entretenimento. Havia variedades de revistas nos Estados Unidos, chamadas mostrar.

O palco musical incluiu diferentes gêneros música leve: canções, trechos de operetas, musicais, shows de variedades em adaptação de variedades de obras instrumentais. No século XX, o palco foi enriquecido pelo jazz e pela música popular.

Então a arte pop passou Longa distância, e hoje podemos observar esse gênero em uma forma e performance diferente, o que sugere que seu desenvolvimento não fica parado.

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Mostrar - este é um espetáculo encantador especial, cujo lado semântico e enredo desaparece na direção de uma apresentação espetacular de impressões (o enredo é “borrado” em efeitos), o programa do show deve ser construído em uma mudança constante de impressões e espetaculares brilhantes métodos de meios expressivos.

Show business como um termo apareceu na literatura especializada a partir de meados dos anos 80. século 20 e substituiu o conceito anteriormente existente de "palco soviético". O termo "variedade" surgiu na história da arte russa no início do século passado e uniu todos os tipos de artes de gêneros facilmente perceptíveis.

A arte da variedade é caracterizada por abertura, concisão,

improvisação, festa, originalidade, entretenimento. Desenvolvendo-se como uma arte de lazer festivo, a música pop sempre buscou o inusitado e a diversidade. O sentimento de festa foi criado devido ao entretenimento externo, ao jogo de luzes, à mudança de cenário pitoresco, à transformação do palco, etc.

Na transição para uma sociedade democrática aberta, o consumidor tem uma escolha. Tendência o show moderno é este: os gostos do público em rápida mudança exigem o trabalho duro de gerentes, artistas, produtores.

O produto da atividade cultural já é objeto de “compra e venda”, ou seja, surgem relações economicamente justificadas, e desde que o palco entra no mundo dos negócios, para isso precisa de profissionais, pessoas que possam organizar os negócios de tal forma que traga lucro não apenas para o artista, grupo, empresa, mas também para o estado ( na forma de impostos). Atualmente, o show business está se desenvolvendo de acordo com as leis do mercado. De grande importância é a solução de questões relacionadas à gestão de pessoas, o aproveitamento de seu potencial, que determina o sucesso no alcance da meta.

Então, show moderno- esta é uma apresentação de palco magnífica com a participação das "estrelas" do palco, circo, esportes, orquestra de jazz, balé no gelo, etc. A ênfase do show está mudando para efeitos externos, projetados para embelezar o conteúdo dos eventos em andamento.

Na gestão do show business, uma grande variedade de métodos, abordagens e técnicas são utilizadas para criar condições para um trabalho eficaz. Assim, podemos destacar as características do espetáculo moderno:

1. A presença de uma "estrela".

O conceito de "estrela" surgiu na era do cinema, quando os atores de cinema não tinham nome, e o público chamava os personagens de que gostava pelos nomes dos filmes, bem como por seus dados externos ("um homem com olhos tristes", "uma menina com cachos", etc.). Os espectadores começaram a atacar as produtoras de filmes, pedindo-lhes que fornecessem o sobrenome, o primeiro nome e vários detalhes biográficos dos atores de que gostavam. O chefe da empresa americana "IMP" Karl Laemmle foi o primeiro a usar a popularidade da atriz Florence Lawrence para atrair o público ao cinema, espalhando rumores sobre sua morte. Assim, ele despertou o grande interesse do público e da noite para o dia transformou a atriz em uma estrela de cinema americana.

Assim, o início do "sistema de estrelas" foi estabelecido. Outras empresas de cinema seguiram o exemplo. O número de "estrelas" começou a crescer rapidamente. Eles se tornam uma isca de bilheteria tanto para a indústria cinematográfica quanto para a indústria da música, teatro, shows de modelos e muito mais.

A essência do conceito de "estrela" é que o artista de que gostam causa simpatia no público e, portanto, querem vê-lo, querem ser como ele. O consumidor (espectador, ouvinte) não se limita apenas a ver um ídolo, ele quer saber tudo sobre ele, inclusive os detalhes de sua vida pessoal. Este aspecto é de grande utilidade na criação de "estrelas", pois é considerado um sinal de grande popularidade, o que faz com que os honorários da "estrela" aumentem. Atrair uma "estrela" para participar de um show, um show de modelos, um filme, um musical, uma produção teatral, uma gravação de disco é garantia de demanda, casa cheia.