Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Ang konsepto ng "aesthetics" ay ipinakilala sa siyentipikong paggamit noong kalagitnaan ng ika-18 siglo. German enlightenment pilosopo Alexander Gottlieb Baumgarten ( Estetika, 1750). Ang termino ay nagmula sa salitang Griyego

Sa proseso ng pag-unlad, ang paksa ay naging mas kumplikado at pinayaman aesthetics. Sa panahon ng unang panahon, ang mga aesthetics ay humipo sa mga pangkalahatang pilosopikal na tanong ng kalikasan ng kagandahan at sining; Ang teolohiya ay may malaking impluwensya sa medieval aesthetics, na nagsilbing isa sa mga kasangkapan sa pagkilala sa Diyos; Sa panahon ng Renaissance, ang aesthetic na pag-iisip ay nabuo pangunahin sa larangan ng artistikong kasanayan, at ang paksa nito ay naging artistikong pagkamalikhain at ang koneksyon nito sa kalikasan. Sa simula ng modernong panahon, hinahangad ng mga estetika na hubugin ang mga pamantayan ng sining. Malaki ang epekto ng pulitika sa aesthetics ng Enlightenment, na nakatuon sa panlipunang layunin ng artistikong pagkamalikhain, sa moral at nagbibigay-malay na kahalagahan nito.

Ang klasiko ng pilosopiyang Aleman na si Immanuel Kant ay tradisyonal na isinasaalang-alang ang paksa ng aesthetics bilang maganda sa sining. Ngunit ang aesthetics, ayon kay Kant, ay hindi nag-aaral ng mga bagay ng kagandahan, ngunit ang mga paghatol lamang tungkol sa kagandahan, i.e. ay isang kritika ng aesthetic faculty of judgment. Tinukoy ni Georg Hegel ang paksa ng aesthetics bilang pilosopiya ng sining o ang pilosopiya ng artistikong aktibidad at naniniwala na ang aesthetics ay tumatalakay sa pagtukoy sa lugar ng sining sa sistema ng mundong espiritu.

Kasunod nito, ang paksa ng aesthetics ay pinaliit sa teoretikal na pagbibigay-katwiran ng isang tiyak na direksyon sa sining, ang pagsusuri ng artistikong istilo, halimbawa, romanticism (Novalis), realism (V. Belinsky, N. Dobrolyubov), existentialism (A. Camus, J.-P. Sartre). Tinukoy ng mga Marxist ang aesthetics bilang agham ng kalikasan at mga batas ng estetikong pag-unlad ng realidad at masining na kultura lipunan.

Itinuring ni A.F. Losev ang paksa ng aesthetics bilang isang mundo ng mga nagpapahayag na anyo na nilikha ng tao at kalikasan. Naniniwala siya na ang aesthetics ay hindi lamang nag-aaral ng maganda, kundi pati na rin ang pangit, ang trahedya, ang komiks, atbp., samakatuwid ito ay ang agham ng pagpapahayag sa pangkalahatan. Batay dito, ang aesthetics ay maaaring tukuyin bilang ang agham ng pandama na pang-unawa ng mga nagpapahayag na anyo ng nakapaligid na mundo. Sa ganitong kahulugan, ang konsepto ng artistikong anyo ay kasingkahulugan ng isang gawa ng sining. Mula sa lahat ng nasabi, maaari nating tapusin na ang paksa ng aesthetics ay mobile at nababago, at mula sa isang makasaysayang pananaw ang problemang ito ay nananatiling bukas.

Mga estetika ng pang-araw-araw na buhay, pag-uugali ng tao, pagkamalikhain sa siyensya, palakasan, atbp. ay nasa larangan ng pananaw ng praktikal na estetika. Ang lugar na ito ng aesthetic na kaalaman ay maliit pa rin na binuo, ngunit mayroon itong magandang hinaharap, dahil ang saklaw ng mga interes nito ay malawak at magkakaibang.

Kaya, ang aesthetic na aktibidad ay isang mahalagang bahagi ng praktikal-espirituwal na kasanayan ng isang tao sa katotohanan.

Ang aesthetic na aktibidad ay naglalaman ng mahahalagang malikhain at mapaglarong mga prinsipyo at nauugnay sa walang malay na mga elemento ng psyche ( Tingnan din WALANG MALAY). Ang konsepto ng "laro" bilang isa sa mga mahahalagang katangian ng aesthetic na aktibidad ay ipinakilala sa aesthetics ni I. Kant at binuo ni F. Schiller. Binuo ni Kant ang dalawang pinakamahalagang konsepto ng aesthetic: "aesthetic appearance" at "free play". Sa una, naunawaan niya ang globo ng pagkakaroon ng kagandahan, sa pangalawa, ang pagkakaroon nito nang sabay-sabay sa tunay at kondisyonal na mga eroplano. Pagbuo ng ideyang ito, Schiller Mga liham sa aesthetic na edukasyon ng isang tao(1794) ay sumulat na ang kagandahan, na umiiral sa layunin ng mundo, ay maaaring muling likhain, ay maaaring maging "isang bagay ng pagganyak para sa paglalaro." Ang isang tao, ayon kay Schiller, ay ganap na tao lamang kapag siya ay naglalaro. Ang laro ay hindi pinipigilan ng natural na pangangailangan o responsibilidad sa lipunan, ito ang sagisag ng kalayaan. Sa panahon ng laro, ang isang "aesthetic na hitsura" ay nilikha, na lumalampas sa katotohanan, ay mas perpekto, eleganteng at emosyonal kaysa sa mundo sa paligid natin. Ngunit habang tinatangkilik ang sining, ang isang tao ay nagiging kasabwat sa laro at hindi nakakalimutan ang dalawahang katangian ng sitwasyon. Tingnan din ISANG LARO.

Henyo. Noong unang panahon, ang henyo ay naunawaan bilang isang hindi makatwirang kababalaghan. Halimbawa, ipinaliwanag ni Plotinus ang henyo ng artist bilang isang daloy ng malikhaing enerhiya na nagmumula sa mga ideyang pinagbabatayan ng mundo. Sa panahon ng Renaissance, nagkaroon ng kulto ng henyo bilang isang malikhaing indibidwal. Pinagtibay ng rasyonalismo ang ideya ng pagsasama-sama ng likas na henyo ng artista sa disiplina ng isip. Isang natatanging interpretasyon ng henyo ang nakalagay sa treatise ni Abbot Jean-Baptiste Dubos (16701742) Mga kritikal na pagninilay sa tula at pagpipinta(1719). Itinuring ng may-akda ng treatise ang problema sa aesthetic, psychological at biological na antas. Ang isang henyo, sa kanyang pananaw, ay hindi lamang may masiglang espiritu at malinaw na imahinasyon, kundi pati na rin ang isang kanais-nais na komposisyon ng dugo. Inaasahan ang mga pangunahing probisyon ng kultural-makasaysayang paaralan ng Hippolyte Taine, isinulat ni Dubos na para sa paglitaw ng henyo pinakamahalaga may oras at lugar, gayundin ang klima. Inilagay ni Kant ang espesyal na kahulugan sa konsepto ng "henyo". Ang henyo ni Kant ay espirituwal na pagiging eksklusibo, ito ay talento sa sining, kung saan naiimpluwensyahan ng kalikasan ang sining, na nagpapakita ng karunungan nito. Ang isang henyo ay hindi sumusunod sa anumang mga patakaran, ngunit lumilikha ng mga pattern sa batayan kung saan ang isa ay maaaring maghinuha ilang mga tuntunin. Tinukoy ni Kant ang henyo bilang ang kakayahang makita ang mga aesthetic na ideya, i.e. mga larawang hindi naa-access sa pag-iisip.

Inspirasyon. Ang mga makasaysayang pananaw sa likas na katangian ng henyo ay patuloy na umunlad alinsunod sa pag-unlad ng pag-unawa sa proseso ng malikhaing mismo at isa sa mga pangunahing elemento nito - inspirasyon. Higit pang Plato sa diyalogo At siya sinabi na sa sandali ng malikhaing gawa ang makata ay nasa kalagayan ng siklab ng galit, siya ay hinihimok ng banal na kapangyarihan. Binigyang-diin ni Kant ang hindi makatwirang sandali ng pagkamalikhain. Napansin niya ang hindi alam ng malikhaing gawa. Ang pamamaraan ng trabaho ng artista, isinulat niya Pagpuna sa paghatol, ay hindi maintindihan, isang misteryo sa karamihan ng mga tao, at kung minsan kahit sa artist mismo.

Kung kinikilala ng mga hindi makatwirang teorya ng pagkamalikhain ang likas na katangian ng malikhaing pagkilos bilang isang espesyal na pagpapakita ng espiritu, kung gayon ang positivist-oriented na aesthetic na tradisyon ay tiningnan ang inspirasyon bilang isang alam na kababalaghan, na hindi naglalaman ng anumang bagay na mystical o supernatural. Ang inspirasyon ay ang resulta ng matinding nakaraang trabaho, isang mahabang malikhaing paghahanap. Pinagsasama ng gawa ng inspirasyon ang talento at husay ng artista, ang kanyang karanasan sa buhay at kaalaman.

Masining na intuwisyon. Para sa inspirasyon, ang artistikong intuwisyon ay isang partikular na mahalagang elemento. Ang problemang ito ay binuo ng Pranses na siyentipiko na si Henri Bergson. Naniniwala siya na ang artistikong intuwisyon ay isang walang interes na mystical na pagmumuni-muni at ganap na walang utilitarian na mga prinsipyo. Ito ay umaasa sa walang malay sa isang tao. Isinasagawa Malikhaing ebolusyon (Salin sa Ruso 1914) Isinulat ni Bergson na ang sining, sa pamamagitan ng artistikong intuwisyon, ay nagmumuni-muni sa mundo sa kabuuan, sa tuluy-tuloy na pagbuo nito sa natatanging singularidad ng mga phenomena. Ang malikhaing intuwisyon ay nagpapahintulot sa artist na maglagay ng pinakamataas na pagpapahayag sa kanyang trabaho. Ang immediacy ng perception ay nakakatulong sa kanya na maiparating ang kanyang nararamdaman. Ang pagkamalikhain, bilang patuloy na pagsilang ng bago, ay, ayon kay Bergson, ang kakanyahan ng buhay, sa kaibahan sa aktibidad ng pag-iisip, na hindi kayang lumikha ng bago, ngunit pinagsasama lamang ang luma.

Sa intuitionist aesthetics ni Benedetto Croce, pinaka-ganap na kinakatawan sa trabaho Aesthetics bilang isang agham ng pagpapahayag at bilang pangkalahatang linggwistika(1902) ang sining ay walang iba kundi liriko na intuwisyon. Binibigyang-diin ang malikhain, mapaghugis na katangian ng hindi makatwiran na intuwisyon, na nakakakuha (kumpara sa mga konsepto), ang natatangi, ang walang katulad. Ang sining ni Croce ay walang malasakit sa intelektwal na kaalaman, at ang kasiningan ay hindi nakasalalay sa ideya ng akda.

Ang understatement ay nagpapasigla sa mga kaisipan ng perceiver at nagbibigay ng saklaw para sa malikhaing imahinasyon. Ang isang katulad na paghatol ay ipinahayag ni Schelling sa isang kurso ng mga lektura Pilosopiya ng sining(18021805), kung saan ipinakilala ang konsepto ng "infinity of unconsciousness". Sa kanyang opinyon, inilalagay ng artista ang kanyang trabaho, bilang karagdagan sa plano, "isang tiyak na kawalang-hanggan", hindi naa-access sa anumang "may hangganang dahilan". Ang anumang gawa ng sining ay nagbibigay-daan para sa isang walang katapusang bilang ng mga interpretasyon. Kaya, ang buong pag-iral ng isang masining na imahe ay kumakatawan hindi lamang sa pagpapatupad ng isang masining na konsepto sa isang natapos na gawain, kundi pati na rin ang aesthetic na pang-unawa nito, na kung saan ay mahirap na proseso pakikipagsabwatan at co-paglikha ng perceiving na paksa.

Pagdama. Ang mga isyu sa pagtanggap (pang-unawa) ay nasa larangan ng pananaw ng mga theorists ng "Constance school" (H.R. Jauss, W. Iser, atbp.), na lumitaw sa Germany noong huling bahagi ng 1960s. Salamat sa kanilang mga pagsisikap, ang mga prinsipyo ng receptive aesthetics ay nabuo, ang mga pangunahing ideya kung saan ay upang maunawaan ang makasaysayang pagkakaiba-iba ng kahulugan ng isang akda, na resulta ng pakikipag-ugnayan ng perceiving na paksa (tatanggap) at ng may-akda.

Malikhaing imahinasyon. Ang isang kinakailangang kondisyon para sa parehong paglikha at pang-unawa ng isang gawa ng sining ay malikhaing imahinasyon. Binigyang-diin ni F. Schiller na ang sining ay maaari lamang malikha sa pamamagitan ng malayang kapangyarihan ng imahinasyon, at samakatuwid ang sining ay ang paraan upang madaig ang pagiging pasibo.

Bilang karagdagan sa mga praktikal at artistikong anyo ng aesthetic na aktibidad, mayroong mga panloob, espirituwal na anyo nito: emosyonal at intelektwal, pagbuo ng mga aesthetic na impresyon at ideya, aesthetic na panlasa at mithiin, pati na rin ang teoretikal, pagbuo ng mga aesthetic na konsepto at pananaw. Ang mga anyo ng aesthetic na aktibidad na ito ay direktang nauugnay sa konsepto ng "aesthetic consciousness".

Ang pangunahing elemento ng aesthetic consciousness ay aesthetic na pakiramdam. Ito ay maaaring ituring bilang ang kakayahan at emosyonal na reaksyon ng isang indibidwal na nauugnay sa karanasan ng pagdama ng isang aesthetic na bagay. Ang pag-unlad ng aesthetic sense ay humahantong sa aesthetic pangangailangan, ibig sabihin. sa pangangailangang madama at madagdagan ang kagandahan sa buhay. Ang mga aesthetic na damdamin at pangangailangan ay ipinahayag sa aesthetic na lasa ang kakayahang mapansin ang aesthetic na halaga ng isang bagay. Ang problema ng panlasa ay sumasakop sa isang sentral na lugar sa aesthetics ng Enlightenment. Si Diderot, na tinatanggihan ang isa sa pinakamahalagang probisyon ng Cartesian aesthetics tungkol sa likas na panlasa, ay naniniwala na ang lasa ay nakuha sa pang-araw-araw na pagsasanay. Ang lasa bilang isang kategorya ng aesthetic ay tinalakay din nang detalyado ni Voltaire. Tinukoy niya ito bilang kakayahang makilala ang maganda at pangit. Ang ideal ng isang artista ay isang tao na ang henyo ay pinagsama sa panlasa. Ang lasa ay hindi isang eksklusibong subjective na kalidad. Ang mga paghatol sa panlasa ay karaniwang may bisa. Ngunit kung ang lasa ay may layunin na nilalaman, kung gayon, samakatuwid, maaari itong turuan. Nakita ni Voltaire ang solusyon sa antinomy ng mabuti at masamang lasa sa edukasyon ng lipunan.

Ang mga sikolohikal na tampok ng mga paghatol ng panlasa ay pinag-aralan ng pilosopong Ingles na si David Hume. Sa karamihan ng kanyang mga gawa ( Tungkol sa pamantayan ng panlasa,Tungkol sa trahedya,Sa pagpipino ng lasa at epekto at iba pa) nakipagtalo siya na ang lasa ay nakasalalay sa natural, emosyonal na bahagi ng isang buhay na organismo. Inihambing niya ang katwiran at panlasa, sa paniniwalang ang katwiran ay nagbibigay ng kaalaman sa katotohanan at kasinungalingan, ang panlasa ay nagbibigay ng pang-unawa sa kagandahan at kapangitan, kasalanan at kabutihan. Iminungkahi ni Hume na ang kagandahan ng isang akda ay hindi nakasalalay sa sarili nito, kundi sa pakiramdam o panlasa ng nakakakita. At kapag ang isang tao ay pinagkaitan ng damdaming ito, hindi niya nauunawaan ang kagandahan, kahit na siya ay komprehensibong pinag-aralan. Ang lasa ay may kilalang pattern na maaaring pag-aralan at baguhin sa pamamagitan ng argumento at pagmuni-muni. Ang kagandahan ay nangangailangan ng aktibidad ng mga intelektwal na kakayahan ng isang tao, na dapat "maghanda ng daan" para sa tamang pakiramdam.

Ang problema ng panlasa ay sinakop ang isang espesyal na lugar sa aesthetic reflection ni Kant. Napansin niya ang antinomy ng panlasa, isang kontradiksyon na, sa kanyang opinyon, ay likas sa anumang pagtatasa ng aesthetic. Sa isang banda, walang pagtatalo tungkol sa panlasa, dahil ang paghatol ng panlasa ay napaka-indibidwal, at walang katibayan ang maaaring pabulaanan ito. Sa kabilang banda, ito ay tumutukoy sa isang bagay na karaniwan na umiiral sa pagitan ng mga panlasa at nagpapahintulot sa kanila na talakayin. Kaya, ipinahayag niya ang kontradiksyon sa pagitan ng indibidwal at pampublikong panlasa, na sa panimula ay hindi malulutas. Sa kanyang opinyon, ang magkahiwalay, magkasalungat na mga paghatol ng panlasa ay maaaring umiral nang magkasama at magkaparehong totoo.

Noong ika-20 siglo ang problema ng aesthetic taste ay binuo ni H.-G. Gadamer. Isinasagawa Katotohanan at Pamamaraan(1960) iniuugnay niya ang konsepto ng "lasa" sa konsepto ng "fashion". Sa fashion, ayon kay Gadamer, ang sandali ng social generalization na nakapaloob sa konsepto ng panlasa ay nagiging isang tiyak na katotohanan. Ang fashion ay lumilikha ng isang social addiction na halos imposible upang maiwasan. Dito nakasalalay ang pagkakaiba sa pagitan ng fashion at panlasa. Kahit na ang panlasa ay nagpapatakbo sa isang katulad na panlipunang globo bilang fashion, ito ay hindi napapailalim dito. Kung ikukumpara sa paniniil ng fashion, ang lasa ay nananatiling pinigilan at libre.

Ang aesthetic taste ay isang generalization ng aesthetic na karanasan. Ngunit ito ay higit sa lahat ay isang subjective na kakayahan. Isinasaalang-alang ang aesthetic practice nang mas malalim aesthetic ideal. Ang problema ng ideyal bilang isang teoretikal na suliranin ng aesthetics ay unang inihain ni Hegel. SA Mga lektura sa aesthetics tinukoy niya ang sining bilang pagpapakita ng isang ideyal. Ang isang aesthetic ideal ay isang ganap na nakapaloob sa sining, kung saan ang sining ay nagsusumikap at unti-unting umakyat. Ang kahalagahan ng aesthetic ideal sa proseso ng malikhaing ay napakahusay, dahil sa batayan nito ang panlasa ng artist at ang panlasa ng publiko ay nabuo.

Ang pinakamalapit na kategorya sa kategoryang "aesthetic" ay ang kategoryang "maganda". Ang maganda ay isang halimbawa ng isang sensually contemplated form, isang ideal na alinsunod sa kung saan ang iba pang mga aesthetic phenomena ay isinasaalang-alang. Kung isasaalang-alang ang kahanga-hanga, trahedya, komiks, atbp., ang maganda ay nagsisilbing sukatan. Kahanga-hanga isang bagay na lumalampas sa panukalang ito. Kalunos-lunos isang bagay na nagpapahiwatig ng pagkakaiba sa pagitan ng ideal at realidad, na kadalasang humahantong sa pagdurusa, pagkabigo, at kamatayan. Komiks isang bagay na nagpapatunay din sa pagkakaiba ng ideal at realidad, tanging ang pagkakaibang ito ay nareresolba ng pagtawa. Sa modernong teorya ng aesthetic, kasama ang mga positibong kategorya, ang kanilang mga antipode ay nakikilala - pangit, base, kakila-kilabot. Ginagawa ito sa batayan na ang pag-highlight sa positibong halaga ng anumang mga katangian ay nagpapahiwatig ng pagkakaroon ng mga kabaligtaran. Kaya naman, Siyentipikong pananaliksik dapat isaalang-alang ang mga aesthetic na konsepto sa kanilang ugnayan.

Ang mga unang halimbawa ng doktrinang aesthetic ay nilikha ng mga Pythagorean (ika-6 na siglo BC). Ang kanilang mga aesthetic na pananaw ay nabuo sa tradisyon ng cosmological philosophy, batay sa malapit na relasyon sa pagitan ng tao at ng uniberso. Ipinakilala ni Pythagoras ang konsepto ng espasyo bilang isang nakaayos na pagkakaisa. Ang pangunahing pag-aari nito ay pagkakaisa. Mula sa mga Pythagorean ay nagmula ang ideya ng pagkakaisa bilang pagkakaisa ng magkakaibang, ang kasunduan ng magkasalungat.

Si Pythagoras at ang kanyang mga tagasunod ay lumikha ng tinatawag na doktrina ng "ang pagkakaisa ng mga globo," i.e. musikang nilikha ng mga bituin at planeta. Binuo din nila ang doktrina ng kaluluwa, na kumakatawan sa pagkakaisa, o sa halip, pagkakatugma, batay sa digital na ugnayan.

Ang pagtuturo ng mga Sophist, na nag-ambag sa paglitaw ng aesthetics, ay lumitaw noong ika-5 siglo. BC. Sa wakas ay binuo ni Socrates at ipinaliwanag ng kanyang mga mag-aaral, ito ay antropolohikal sa kalikasan.

Batay sa paninindigan na ang kaalaman ay banal, naiintindihan niya ang kagandahan bilang kagandahan ng kahulugan, kamalayan, at katwiran. Ang pinakamahalagang kinakailangan para sa kagandahan ng mga bagay ay ang kanilang pagiging angkop at pagganap na katwiran.

Siya ay dumating sa ideya na ang kagandahan sa kanyang sarili ay naiiba sa mga indibidwal na magagandang bagay. Si Socrates ang unang nakilala ang kagandahan bilang isang perpektong unibersal mula sa real-life manifestation nito. Siya ang unang humipo sa problema ng siyentipikong epistemolohiya sa aesthetics at bumalangkas ng tanong: ano ang ibig sabihin ng konsepto ng "maganda" mismo?

Inilalagay ni Socrates ang imitasyon bilang isang prinsipyo ng artistikong pagkamalikhain ( mimesis), na itinuturing na isang imitasyon ng buhay ng tao.

Ang anthropological aesthetics ay nagbangon ng mga tanong para sa pilosopiya, ang mga sagot na makikita natin sa Plato at Aristotle. Ang pinalawak na aesthetic na pagtuturo ni Plato ay ipinakita sa mga gawaing tulad ng Pista,Phaedrus,At siya, Hippias the Greater,Estado atbp. Isang mahalagang punto Ang Platonic aesthetics ay ang pag-unawa sa kagandahan. Ang kagandahan sa kanyang pang-unawa ay isang espesyal na uri ng espirituwal na diwa, isang ideya. Ang ganap, supersensible na ideya ng kagandahan ay lampas sa oras, espasyo, at pagbabago. Dahil ang maganda ay isang ideya (eidos), hindi ito maiintindihan ng pakiramdam. Ang kagandahan ay naiintindihan sa pamamagitan ng isip, intelektuwal na intuwisyon. SA Pira Si Plato ay nagsasalita tungkol sa isang uri ng hagdan ng kagandahan. Sa tulong ng enerhiya ng eros, ang isang tao ay umakyat mula sa kagandahan ng katawan tungo sa kagandahang espirituwal, mula sa kagandahang espirituwal tungo sa kagandahan ng moral at mga batas, pagkatapos ay sa kagandahan ng pagtuturo at agham. Ang kagandahan na nahayag sa pagtatapos ng paglalakbay na ito ay isang ganap na kagandahan na hindi maipahayag sa ordinaryong mga salita. Ito ay lampas sa pagiging at kaalaman. Ang pagpapalawak ng hierarchy ng kagandahan sa ganitong paraan, dumating si Plato sa konklusyon na ang kagandahan ay isang pagpapakita ng banal na prinsipyo sa tao. Ang kakaiba ng maganda sa Plato ay na ito ay kinuha sa kabila ng mga hangganan ng sining. Ang sining, mula sa kanyang pananaw, ay isang imitasyon ng mundo ng mga bagay na pandama, at hindi ang tunay na mundo ng mga ideya. Dahil ang mga tunay na bagay ay mga kopya mismo ng mga ideya, kung gayon ang sining, na ginagaya ang pandama na mundo, ay isang kopya ng mga kopya, isang anino ng mga anino. Pinatunayan ni Plato ang kahinaan at di-kasakdalan ng sining sa landas tungo sa kagandahan.

Si Aristotle, sa kabila ng pagpapatuloy ng mga aesthetic na pananaw, ay lumikha ng kanyang sariling aesthetic theory, naiiba sa Platonism. Sa kanyang mga treatise Tungkol sa makatang sining (Poetics),Retorika,Patakaran,Metaphysics mga teksto ay iniharap na sa isang tiyak na paraan nauugnay sa aesthetics. Sa kanila ay nagbibigay siya ng isang kahulugan ng kagandahan, ang mga unibersal na katangian na kung saan ay sukat at kaayusan. Ngunit ang kagandahan ni Aristotle ay hindi lamang nababawasan sa mga palatandaang ito. Hindi sila maganda sa kanilang sarili, ngunit may kaugnayan lamang sa pang-unawa ng tao, kapag sila ay proporsyonal sa mata at tainga ng tao. Hinahati ang aktibidad ng tao sa pag-aaral, pagkilos at paglikha, inuri nito ang sining bilang paglikha batay sa mga tuntunin. Kung ikukumpara kay Plato, pinalawak niya nang malaki ang doktrina ng imitasyon (mimesis), na naiintindihan niya bilang isang imahe ng heneral.

Catharsis(Griyego

Kalokagathia. Binuo din ni Aristotle ang doktrina ng kalokagathia (mula sa Griyego.

Entelechy(mula sa Greek

Sa pagtatapos ng unang panahon bagong konsepto kagandahan at sining ang iniharap ni Plotinus. Ang kanyang Neoplatonism sa mga huling antigong estetika ay isang pag-uugnay sa pagitan ng antiquity at Kristiyanismo. Tinawag ang mga nakolektang gawa ng pilosopo Enneads. Ang mga aesthetics ni Plotinus ay hindi palaging ipinahayag nang hayag sa kanyang mga gawa. Ito ay ipinahayag sa pangkalahatang pilosopikal na konsepto ng nag-iisip. Para kay Plotinus, ang kagandahan ay nakapaloob sa visual at auditory perceptions, sa kumbinasyon ng mga salita, melodies at ritmo, sa kilos, kaalaman, at birtud ng tao. Ngunit ang ilang mga bagay ay maganda sa kanilang sarili, habang ang iba ay maganda lamang dahil sa kanilang pakikilahok sa ibang bagay. Ang kagandahan ay hindi lumitaw sa mismong bagay, ngunit ito ay isang tiyak na hindi materyal na kakanyahan, o eidos (ideya). Ang eidos na ito ay nag-uugnay sa magkakaibang mga bahagi at humahantong sa kanila sa pagkakaisa, hindi panlabas at mekanikal, ngunit panloob. Ang Eidos ang criterion ng lahat ng aesthetic assessments.

Itinuro ni Plotinus na ang tao ay bumangon mula sa pangunahing pinagmumulan ng lahat ng pag-iral, ang ganap na kabutihan, ang una at ang tanging. Mula sa pinagmulang ito mayroong isang emanation (paglabas) ng walang hanggan na enerhiya ng una hanggang sa sariling katangian, na unti-unting humihina, dahil sa kanyang paraan ay nakatagpo ito ng paglaban mula sa madilim na inert matter, walang anyo na hindi pag-iral. Ang isang indibidwal na tao ay isang naputol mula sa kanyang lugar sa una. Samakatuwid, patuloy niyang nararamdaman ang pagnanais na bumalik sa bahay, kung saan mas malakas ang enerhiya. Ang metapisiko na landas na ito ng pilgrim ay nagsisilbi sa pilosopiya ni Plotinus bilang paliwanag ng moral at aesthetic na karanasan. Ang pag-ibig sa kagandahan ay nauunawaan bilang isang metapisiko na pananabik ng kaluluwa para sa dating tirahan nito. Nagsusumikap siya para sa kanyang dating tirahan - para sa kabutihan, para sa Diyos at para sa katotohanan. Kaya, ang pangunahing ideya ng aesthetic na pagtuturo ni Plotinus ay ang lumayo sa pag-unawa sa kagandahan mula sa senswal na kasiyahan hanggang sa pagsasama sa hindi maintindihan na una. Ang kagandahan ay nakakamit lamang bilang resulta ng pakikibaka ng espiritu sa pandama na bagay. Ang kanyang ideya tungkol sa pagala-gala ng isang hindi mapakali na kaluluwa na umalis sa kanyang tirahan at ang kanyang pagbabalik ay may malaking impluwensya sa mga gawa ni Augustine, Thomas Aquinas, ang gawain ni Dante at ang buong pilosopiko at aesthetic na kaisipan ng Middle Ages.

Ang isa sa mga pangunahing problema ng Byzantine aesthetics ay ang problema ng imahe. Nakakuha ito ng partikular na pangangailangan ng madaliang pagkilos kaugnay ng mga iconoclastic na pagtatalo (8-9 na siglo). Naniniwala ang mga iconoclast na ang imahe ay dapat na kaayon ng prototype, i.e. maging perpektong kopya niya. Ngunit dahil ang prototype ay kumakatawan sa ideya ng banal na prinsipyo, hindi ito maaaring ilarawan gamit ang mga anthropomorphic na imahe.

Juan ng Damascus sa isang sermon Laban sa mga tumatanggi sa mga banal na icon at Fedor Studite (759826) sa Mga pagtanggi ng mga iconoclast iginiit ang pagkakaiba sa pagitan ng imahe at ng prototype, na nangangatwiran na ang imahe ng banal na archetype ay dapat na kapareho nito hindi "sa esensya," ngunit "sa pangalan." Ang icon ay isang imahe ng perpektong nakikitang anyo (internal eidos) ng prototype. Ang interpretasyong ito ng ugnayan sa pagitan ng imahe at ng prototype ay batay sa pag-unawa sa kumbensyonal na katangian ng imahe. Ang imahe ay naunawaan bilang isang kumplikadong artistikong istraktura, bilang isang "hindi katulad ng pagkakahawig."

Liwanag. Ang isa sa pinakamahalagang kategorya ng Byzantine aesthetics ay ang kategorya ng liwanag. Walang ibang kultura ang nagbigay ng ganoong kahalagahan sa liwanag. Ang problema ng liwanag ay pangunahing binuo sa loob ng balangkas ng mga aesthetics ng asetisismo na binuo sa mga Byzantine monasticism. Ang panloob na aesthetics na ito (mula sa lat.

Kulay. Ang isa pang pagbabago ng kagandahan sa Byzantine aesthetics ay kulay. Ang kultura ng kulay ay bunga ng mahigpit na canonicity ng Byzantine art. Sa pagpipinta ng simbahan, isang mayamang simbolismo ng kulay ang nabuo at isang mahigpit na hierarchy ng kulay ang naobserbahan. Ang bawat kulay ay nagtatago ng isang malalim na kahulugan ng relihiyon.

Binabago ng Byzantine aesthetics ang sistema ng mga kategorya ng aesthetic at binibigyang diin ang lugar na ito nang iba kaysa sa mga sinaunang aesthetics. Hindi niya gaanong binibigyang pansin ang mga kategorya tulad ng pagkakasundo, sukat, at kagandahan. Kasabay nito, sa sistema ng mga ideya na naging laganap sa Byzantium, magandang lugar sumasakop sa kategorya ng kahanga-hanga, pati na rin ang mga konsepto ng "imahe" at "simbolo".

Simbolismo ay isa sa mga pinaka-katangiang phenomena ng medyebal na kultura ng parehong Silangan at Kanluran. Ang mga simbolo ay ginamit upang mag-isip sa teolohiya, panitikan, at sining. Ang bawat bagay ay itinuturing na isang imahe ng isang bagay na katumbas nito sa isang mas mataas na globo, at naging isang simbolo ng mas mataas na ito. Sa Middle Ages, ang simbolismo ay unibersal. Ang pag-iisip ay ang walang hanggang pagtuklas ng mga nakatagong kahulugan. Ayon sa konsepto ng patristic, ang Diyos ay transcendent, at ang Uniberso ay isang sistema ng mga simbolo at palatandaan (signs) na tumuturo sa Diyos at sa espirituwal na globo ng pag-iral. Sa aesthetic medieval consciousness, ang pandama na mundo ay pinalitan ng isang perpekto, simbolikong mundo. Ang simbolismo ng Medieval ay nauugnay sa buhay na mundo ng pag-aari ng pagiging mapanimdim, ilusyon. Dito nagmula ang kabuuang simbolismo ng Kristiyanong sining.

Ang isang tampok na katangian ng aesthetic reflection ng medieval India ay ang kawalan ng interes sa mga tanong tungkol sa aesthetic sa kalikasan at buhay. Ang paksa ng pagninilay ay nagiging sining lamang, pangunahin ang panitikan at teatro. Ang pangunahing layunin ng isang likhang sining ay damdamin. Ang aesthetic ay nagmula sa emosyonal. Ang sentral na konsepto ng lahat ng aesthetic na pagtuturo ay ang konsepto ng "lahi" (literal na "panlasa"), na sa kasaysayan ng sining ay nagpapahiwatig ng masining na damdamin. Ang doktrina ng lahi na ito ay lalo na binuo ng mga teorista ng paaralan ng Kashmir, kung saan ang pinakatanyag ay ang Anandavardhana (ika-9 na siglo), Shankuka (ika-10 siglo), Bhatta Nayaka (ika-10 siglo) at Abhinavagupta (10-11 siglo). Interesado sila sa mga detalye ng aesthetic na damdamin, na hindi malito sa ordinaryong pakiramdam. Ang rasa, hindi bilang isang tiyak na pakiramdam, ay isang karanasan na lumitaw sa perceiving na paksa at naa-access lamang sa panloob na kaalaman. Ang pinakamataas na yugto ng aesthetic na karanasan ay ang pagtikim ng rasa, o kung hindi man, katahimikan sa kamalayan nito, ibig sabihin, aesthetic na kasiyahan.

Tsina.Ang pag-unlad ng tradisyonal na kaisipang aesthetic sa China ay direktang naimpluwensyahan ng dalawang pangunahing kilusan ng pilosopiyang Tsino: Confucianism at Taoism. Ang mga aesthetic na turo ni Confucius (552/551479 BC) at ng kanyang mga tagasunod ay nabuo sa loob ng balangkas ng kanilang socio-political theory. Ang gitnang lugar dito ay inookupahan ng mga konsepto ng "katauhan" at "ritwal", na nakapaloob sa pag-uugali ng isang "marangal na tao". Ang layunin ng mga kategoryang moral na ito ay upang mapanatili ang mga prinsipyong etikal sa lipunan at ayusin ang isang maayos na kaayusan sa mundo. Malaki ang kahalagahan ng sining, na nakita bilang isang landas tungo sa pagpapabuti ng moral at ang paglinang ng pagkakaisa ng espiritu. Isinailalim ng Confucianism ang mga aesthetic na pangangailangan sa mga etikal. Para kay Confucius, ang "maganda" mismo ay kasingkahulugan ng "mabuti," at ang aesthetic ideal ay itinuturing bilang ang pagkakaisa ng maganda, mabuti at kapaki-pakinabang. Dito nagmumula ang isang malakas na didaktikong simula sa tradisyonal na aesthetics ng China. Ang aesthetic na tradisyon na ito ay nagtaguyod ng pagiging tunay at makulay ng sining. Itinuring niya ang pagkamalikhain bilang ang tuktok ng propesyonal na kasanayan, at ang artist bilang isang tagalikha ng sining.

Ang isa pang linya ay nauugnay sa mga turo ng Taoist. Ang mga ninuno nito ay itinuturing na Lao Tzu (6th century BC) at Zhuang Tzu (4th-3rd century BC). Kung ang mga Confucian ay nagbigay ng pangunahing atensyon sa kanilang pagtuturo sa etikal na prinsipyo, kung gayon ang mga Taoista ay nagbigay ng pangunahing pansin sa aesthetic na prinsipyo. Ang sentral na lugar sa Taoism ay inookupahan ng teorya ng "Tao" - ang landas, o ang walang hanggang pagkakaiba-iba ng mundo. Ang isa sa mga katangian ng Tao, na may aesthetic na kahulugan, ay ang konsepto ng "ziran" - naturalness, spontaneity. Pinagtibay ng tradisyong Taoist ang spontaneity ng artistikong pagkamalikhain, ang pagiging natural ng artistikong anyo at ang pagkakaugnay nito sa kalikasan. Kaya't ang hindi pagkakahiwalay ng aesthetic at natural sa tradisyonal na aesthetics ng China. Ang pagkamalikhain sa Taoism ay itinuturing na paghahayag at inspirasyon, at ang artist bilang isang instrumento na nagsasagawa ng "paglikha sa sarili" ng sining.

Hapon. Ang pag-unlad ng tradisyonal na Japanese aesthetics ay naiimpluwensyahan ng Zen Buddhism. Ang paniniwalang ito ay nagbibigay ng malaking kahalagahan sa pagmumuni-muni at iba pang mga pamamaraan ng psychotraining na nagsisilbi upang makamit ang satori - isang estado ng panloob na kaliwanagan, kapayapaan ng isip at balanse. Ang Zen Buddhism ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang pagtingin sa buhay at ang materyal na mundo bilang isang bagay na panandalian, nababago at malungkot sa kalikasan. Ang mga tradisyonal na estetikang Hapones, na pinagsasama ang mga impluwensyang Confucian na nagmula sa Tsina at ang paaralang Hapon ng Zen Buddhism, ay nakabuo ng mga espesyal na prinsipyo na mahalaga sa sining ng Hapon. Kabilang sa mga ito, ang pinakamahalaga ay ang "wabi" - ang aesthetic at moral na prinsipyo ng pagtamasa ng isang mahinahon at hindi nagmamadaling buhay, malaya sa makamundong alalahanin. Ito ay nagpapahiwatig ng simple at dalisay na kagandahan at isang malinaw, mapagnilay-nilay na estado ng pag-iisip. Ang seremonya ng tsaa, ang sining ng pag-aayos ng bulaklak, at sining ng paghahardin ay nakabatay sa prinsipyong ito. Ang isa pang prinsipyo ng Japanese aesthetics, "sabi," na nauugnay sa umiiral na kalungkutan ng isang tao sa isang walang katapusang uniberso, ay bumalik sa Zen Buddhism. Ayon sa tradisyong Budista, ang kalagayan ng kalungkutan ng tao ay dapat tanggapin nang may tahimik na pagpapakumbaba at matagpuan dito ang isang mapagkukunan ng inspirasyon. Ang konsepto ng "yugen" (ang kagandahan ng malungkot na kalungkutan) sa Budismo ay nauugnay sa isang malalim na nakatagong katotohanan na hindi mauunawaan ng intelektwal. Ito ay reimagined bilang prinsipyo ng aesthetic, ibig sabihin ay misteryosong "di mundo" na kagandahan, puno ng misteryo, kalabuan, katahimikan at inspirasyon.

Ang bagong interpretasyon ng kagandahan sa medieval ay ang pagkakaisa, pagkakaisa, at pagkakasunud-sunod ng mga bagay ay maganda hindi sa kanilang sarili, ngunit bilang isang salamin ng pinakamataas na pagkakaisa na parang diyos. Ang konsepto ng "pagkakaisa" ay isa sa mga sentral sa aesthetics ni Augustine. Isinulat niya na ang anyo ng lahat ng kagandahan ay pagkakaisa. Kung mas perpekto ang isang bagay, mas may pagkakaisa ito. Ang maganda ay iisa, dahil ang pagkakaroon mismo ay iisa. Ang konsepto ng aesthetic unity ay hindi maaaring lumabas mula sa pandama na persepsyon. Sa kabaligtaran, ito mismo ang tumutukoy sa pang-unawa ng kagandahan. Kapag nagsimula ng isang aesthetic na pagsusuri, ang isang tao ay mayroon na sa kaibuturan ng kanyang kaluluwa ang konsepto ng pagkakaisa, na pagkatapos ay hinahanap niya sa mga bagay.

Ang pagtuturo ni Augustine sa mga contrasts at opposites ay may malaking impluwensya sa medieval aesthetics. Sa treatise Tungkol sa Lungsod ng Diyos isinulat niya na ang mundo ay nilikha bilang isang tula, pinalamutian ng mga antitheses. Ang pagkakaiba at pagkakaiba-iba ay nagbibigay ng kagandahan sa bawat bagay, at ang kaibahan ay nagbibigay ng espesyal na pagpapahayag sa pagkakaisa. Para maging kumpleto at perpekto ang pang-unawa sa kagandahan, ang tamang relasyon ay dapat mag-ugnay sa tumitingin ng kagandahan sa mismong panoorin. Ang kaluluwa ay bukas sa mga sensasyon na naaayon dito, at tinatanggihan ang mga sensasyon na hindi naaangkop para dito. Upang malasahan ang kagandahan, dapat magkaroon ng kasunduan sa pagitan ng magagandang bagay at kaluluwa. Ito ay kinakailangan para sa isang tao na magkaroon walang pag-iimbot na pagmamahal sa kagandahan.

Thomas Aquinas sa kanyang pangunahing gawain Kabuuan ng mga Teolohiya aktwal na summed up Western medieval aesthetics. Isinaayos niya ang mga pananaw ni Aristotle, Neoplatonists, Augustine, at Dionysius the Areopagite. Ang unang katangian ng tanda ng kagandahan, na sinalita ni Thomas Aquinas, ay anyo, na nakikita ng mataas na pandama ng tao (pangitain, pandinig). Ang kagandahan ay nakakaapekto sa pakiramdam ng kagalingan ng isang tao sa pamamagitan ng organisasyon nito. Siya ay lubos na nagpapatunay ng mga konsepto na nauugnay sa mga layunin na katangian ng kagandahan bilang "kaliwanagan", "integridad", "proporsyon", "pagkakaugnay-ugnay". Ang proporsyon, sa kanyang pananaw, ay ang relasyon sa pagitan ng espirituwal at materyal, panloob at panlabas, ideya at anyo. Sa pamamagitan ng kalinawan, naunawaan niya kapwa ang nakikitang ningning at ningning ng isang bagay, at ang panloob, espirituwal na ningning nito. Ang pagiging perpekto ay nangangahulugang walang mga kapintasan. Ang Kristiyanong pananaw sa mundo ay kinakailangang kasama ang konsepto ng mabuti sa konsepto ng kagandahan. Ang bago sa aesthetics ni Thomas Aquinas ay ang pagpapakilala ng pagkakaiba sa pagitan nila. Nakita niya ang pagkakaibang ito sa katotohanan na ang mabuti ay ang layunin at layunin ng patuloy na hangarin ng tao, ang kagandahan ay isang nakamit na layunin kapag ang talino ng isang tao ay napalaya mula sa lahat ng mga hangarin ng kalooban, kapag nagsimula siyang makaranas ng kasiyahan. Ang layunin na katangian ng mabuti, sa kagandahan, kumbaga, ay tumigil na maging isang layunin, ngunit ito ay isang dalisay na anyo, kinuha sa sarili nito, nang walang interes. Ang pag-unawa sa kagandahan ni Thomas Aquinas ay nagpapahintulot kay F. Losev na maghinuha na ang gayong kahulugan ng paksa ng aesthetics ay ang orihinal na simula ng lahat ng aesthetics ng Renaissance.

Sa panahon ng Renaissance, naitatag ang pagtingin sa sining bilang pagkamalikhain. Itinuring ng mga sinaunang at medieval na estetika ang sining bilang aplikasyon sa bagay ng isang handa na anyo, na dati nang umiiral sa kaluluwa ng artist. Sa aesthetics ng Renaissance, lumitaw ang ideya na ang artist mismo ay lumilikha, muling lumilikha ng mismong anyo na ito. Isa sa mga unang bumalangkas ng ideyang ito ay si Nikolai Kuzansky (14011464) sa kanyang treatise Tungkol sa isip. Isinulat niya na ang sining ay hindi lamang ginagaya ang kalikasan, ngunit ito ay likas na malikhain, na lumilikha ng mga anyo ng lahat ng bagay, umaayon at nagwawasto sa kalikasan.

Ang mayamang kasanayan sa sining ng Renaissance ay nagbunga ng maraming treatise sa sining. Ito ang mga sinulat Tungkol sa pagpipinta, 1435; Tungkol sa iskultura, 1464; Tungkol sa arkitektura, 1452 Leona-Battista Alberti; Tungkol sa banal na proporsyon Luca Pacioli (14451514); Aklat tungkol sa pagpipinta Leonardo da Vinci. Sa kanila, kinilala ang sining bilang pagpapahayag ng isip ng makata at artista. Ang isang mahalagang katangian ng mga treatise na ito ay ang pagbuo ng teorya ng sining, mga problema ng linear at aerial na pananaw, chiaroscuro, proporsyonalidad, simetrya, at komposisyon. Ang lahat ng ito ay nakatulong upang gawing stereoscopic ang paningin ng artist, at ang mga bagay na inilarawan niya ay kaginhawahan at nakikita. Ang masinsinang pag-unlad ng teorya ng sining ay pinasigla ng ideya ng paglikha ng isang ilusyon ng totoong buhay sa isang gawa ng sining.

Sa aesthetic na pag-iisip noong ika-17 siglo. Ang baroque na direksyon ay namumukod-tangi, hindi pormal sa isang magkakaugnay na sistema. Ang Baroque aesthetic ay kinakatawan ng mga pangalan tulad ng Baltasar Gracian y Marales (16011658), Emmanuele Tesauro (15921675) at Matteo Peregrini. Sa kanilang mga sinulat ( Wit, o ang Sining ng Mabilis na Isip(1642) Graciana; espiya ni Aristotle(1654) Tesauro; Treatise on Wit(1639) Peregrini) ay bumuo ng isa sa pinakamahalagang konsepto ng Baroque aesthetics - "wit", o "mabilis na pag-iisip". Ito ay itinuturing na pangunahing malikhaing puwersa. Ang Baroque wit ay ang kakayahang magsama-sama ng mga hindi pagkakatulad. Ang batayan ng pagpapatawa ay talinghaga, pag-uugnay ng mga bagay o ideya na tila walang katapusan na malayo. Binibigyang-diin ng Baroque aesthetics na ang sining ay hindi agham, hindi ito batay sa mga batas ng lohikal na pag-iisip. Ang katalinuhan ay isang tanda ng henyo, na ibinigay ng Diyos, at walang teorya ang makakatulong upang makamit ito.

Baroque aesthetics lumilikha ng isang sistema ng mga kategorya kung saan ang konsepto ng kagandahan ay binabalewala, at sa halip na pagkakatugma ay inilalagay ang konsepto ng kawalan ng pagkakaisa at disonance. Ang pagtanggi sa ideya ng isang maayos na istraktura ng Uniberso, ang Baroque ay sumasalamin sa pananaw sa mundo ng isang tao ng maagang modernong panahon, na nauunawaan ang hindi pagkakapare-pareho ng pagkakaroon. Ang pananaw sa daigdig na ito ay partikular na kinakatawan ng Pranses na palaisip na si Blaise Pascal. Pilosopikal na pagmuni-muni ni Pascal, kanyang mga akdang pampanitikan sumasakop sa isang mahalagang lugar sa aesthetics ng ika-17 siglo. Hindi niya ibinahagi ang pragmatismo at rasyonalidad ng modernong lipunan. Ang kanyang pangitain sa mundo ay nakakuha ng isang malalim na trahedya na kulay. Ito ay nauugnay sa mga ideya ng "nakatagong Diyos" at ang "katahimikan ng mundo." Sa pagitan ng dalawang phenomena na ito, ang isang tao ay nakulong sa kanyang kalungkutan, na ang kalikasan ay tragically dual. Sa isang banda, siya ay dakila sa kanyang katalinuhan at pakikipag-isa sa Diyos, sa kabilang banda, siya ay hindi gaanong mahalaga sa kanyang pisikal at moral na kahinaan. Ang ideyang ito ay ipinahayag sa kanyang tanyag na kahulugan: "ang tao ay isang pag-iisip na tambo." Si Pascal sa pormula na ito ay sumasalamin hindi lamang sa kanyang pananaw sa mundo, ngunit naihatid ang pangkalahatang kalagayan ng siglo. Ang kanyang pilosopiya ay tumatagos sa sining ng Baroque, na humahantong sa mga dramatikong plot na muling lumilikha ng isang magulong larawan ng mundo.

English aesthetics 17-18 siglo. ipinagtanggol ang mga prinsipyong sensualista, umaasa sa pagtuturo ni John Locke sa pandama na batayan ng pag-iisip. Ang empiricism at sensationalism ni Locke ay nag-ambag sa pagbuo ng mga ideya tungkol sa "panloob na sensasyon," pakiramdam, pagsinta, at intuwisyon. Ang ideya ng isang pangunahing malapit na koneksyon sa pagitan ng sining at moralidad, na naging nangingibabaw sa aesthetics ng Enlightenment, ay napatunayan din. Isinulat niya ang tungkol sa relasyon ng kagandahan at kabutihan sa kanyang trabaho Mga katangian ng tao, moral, opinyon at panahon(1711) kinatawan ng tinatawag na "moralizing aesthetics" na A.E.K.Shaftesbury. Sa kanyang pilosopiyang moral, umasa si Shaftesbury sa sensualismo ni Locke. Naniniwala siya na ang mga ideya ng kabutihan at kagandahan ay may sensual na batayan at nagmumula sa moral na kahulugan na likas sa tao mismo.

Mga Ideya ng English Enlightenment nagkaroon ng malaking impluwensya sa Pranses na palaisip na si Denis Diderot. Tulad ng kanyang mga nauna, iniuugnay niya ang kagandahan sa moralidad. Si Diderot ang may-akda ng teorya realismong pang-edukasyon, na nakatanggap ng katwiran sa kanyang treatise Pilosopikal na pag-aaral sa pinagmulan at kalikasan ng kagandahan(1751). Naunawaan niya ang artistikong pagkamalikhain bilang isang mulat na aktibidad na may makatwirang layunin at nakabatay sa pangkalahatang tuntunin sining. Nakita ni Diderot ang layunin ng sining sa paglambot at pagpapabuti ng moralidad, sa paglinang ng kabutihan. Ang isang katangian ng teorya ng aesthetic ni Diderot ay ang pagkakaisa nito sa masining na pagpuna.

Ang pag-unlad ng aesthetics ng German Enlightenment ay nauugnay sa mga pangalan ni Alexander Baumgarten, Johann Winckelmann, Gotthold Lessing, Johann Herder. Sa kanilang mga gawa, sa unang pagkakataon, ang aesthetics ay tinukoy bilang isang agham, ang prinsipyo ng isang makasaysayang diskarte sa mga gawa ng sining ay nabuo, at ang atensyon ay nakuha sa pag-aaral ng pambansang pagiging natatangi ng artistikong kultura at alamat (I. Herder). Sa batik ng mga kritisismo, 1769;Sa impluwensya ng tula sa moral ng mga tao sa sinaunang at modernong panahon, 1778;Calligona, 1800), may posibilidad para sa paghahambing na pag-aaral iba't ibang uri sining (G. Lessing Laocoon, o sa mga hangganan ng pagpipinta at tula, 1766;Dramaturhiya sa Hamburg, 17671769), ang mga pundasyon ng teoretikal na kasaysayan ng sining ay nilikha (I. Winkelman Kasaysayan ng sinaunang sining, 1764).

I. Inilarawan ni Kant ang kanyang mga aesthetic na pananaw sa Pagpuna sa paghatol, kung saan itinuring niya ang aesthetics bilang bahagi ng pilosopiya. Binuo niya nang detalyado ang pinakamahalagang problema ng aesthetics: ang doktrina ng panlasa, ang pangunahing mga kategorya ng aesthetic, ang doktrina ng henyo, ang konsepto ng sining at ang kaugnayan nito sa kalikasan, ang pag-uuri ng mga uri ng sining. Ipinaliwanag ni Kant ang katangian ng aesthetic na paghatol, na iba sa lohikal na paghatol. Ang aesthetic na paghuhusga ay isang paghatol ng panlasa; ang lohikal na paghatol ay ang layunin nito ang paghahanap ng katotohanan. Ang isang espesyal na uri ng aesthetic na paghatol ng panlasa ay kagandahan. Ang pilosopo ay nagha-highlight ng ilang mga punto sa pang-unawa ng kagandahan. Una, ito ay ang kawalan ng interes ng aesthetic na pakiramdam, na nagmumula sa purong paghanga sa bagay. Ang pangalawang tampok ng kagandahan ay na ito ay isang bagay ng unibersal na paghanga nang walang tulong ng kategorya ng katwiran. Ipinakilala rin niya sa kanyang aesthetics ang konsepto ng "purposiveness without purpose." Sa kanyang opinyon, ang kagandahan, bilang isang anyo ng pagiging layunin ng isang bagay, ay dapat makita nang walang ideya ng anumang layunin.

Si Kant ay isa sa mga unang nag-uuri ng mga uri ng sining. Hinahati niya ang sining sa berbal (ang sining ng mahusay na pagsasalita at tula), visual (eskultura, arkitektura, pagpipinta) at ang sining ng matikas na paglalaro ng mga sensasyon (musika).

Ang mga problema ng aesthetics ay sinakop ang isang mahalagang lugar sa pilosopiya ni G. Hegel. Isang sistematikong paglalahad ng aesthetic theory ni Hegel ang nakapaloob sa kanyang Mga lektura sa aesthetics(inilathala noong 18351836). Ang aesthetics ni Hegel ay isang teorya ng sining. Tinukoy niya ang sining bilang isang yugto sa pag-unlad ng ganap na diwa, kasama ng relihiyon at pilosopiya. Sa sining, alam ng ganap na espiritu ang sarili sa anyo ng pagmumuni-muni, sa relihiyon - sa anyo ng representasyon, sa pilosopiya - mga konsepto. Ang kagandahan ng sining ay nakahihigit sa likas na kagandahan dahil ang diwa ay nakahihigit sa kalikasan. Nabanggit ni Hegel na ang aesthetic na saloobin ay palaging anthropomorphic, ang kagandahan ay palaging tao. Iniharap ni Hegel ang kanyang teorya ng sining sa anyo ng isang sistema. Nagsusulat siya tungkol sa tatlong anyo ng sining: symbolic (East), classical (antiquity), romantiko (Christianity). SA iba't ibang anyo sining siya ang nag-uugnay sa sistema iba't ibang sining, naiiba sa materyal. Itinuring ni Hegel ang arkitektura bilang simula ng sining, na tumutugma sa simbolikong yugto ng pag-unlad ng artistikong pagkamalikhain. Para sa klasikal na sining Ang iskultura ay katangian, at ang romantikong isa ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagpipinta, musika at tula.

Batay sa pilosopikal at aesthetic na mga turo ni Kant, si F.V. Schelling ay lumikha ng kanyang sariling aesthetic theory. Ito ay ipinakita sa kanyang mga sinulat Pilosopiya ng sining, ed. 1859 at Sa kaugnayan ng sining sa kalikasan, 1807. Ang Art, sa pang-unawa ni Schelling, ay kumakatawan sa mga ideya na, bilang “walang hanggang mga konsepto,” ay nananahan sa Diyos. Samakatuwid, ang agarang simula ng lahat ng sining ay ang Diyos. Nakikita ni Schelling ang sining bilang isang emanation ng absolute. Ang artist ay may utang sa kanyang pagkamalikhain sa walang hanggang ideya ng tao, na nakapaloob sa Diyos, na konektado sa kaluluwa at bumubuo ng isang solong kabuuan kasama nito. Ang pagkakaroon ng banal na prinsipyo sa tao ay ang "henyo", na nagpapahintulot sa indibidwal na katawanin perpektong mundo. Iginiit niya ang ideya ng higit na kahusayan ng sining sa kalikasan. Sa sining nakita niya ang pagkumpleto ng espiritu ng mundo, ang pag-iisa ng espiritu at kalikasan, layunin at subjective, panlabas at panloob, mulat at walang malay, pangangailangan at kalayaan. Ang sining para sa kanya ay bahagi ng pilosopikal na katotohanan. Itinaas niya ang tanong ng paglikha ng isang bagong lugar ng pilosopiya ng aesthetics ng sining at inilalagay ito sa pagitan ng banal na ganap at pilosopiyang dahilan.

Si Schelling ay isa sa mga pangunahing theorists ng Romantic aesthetics. Ang pinagmulan ng romanticism ay nauugnay sa paaralan ng Jena, na ang mga kinatawan ay ang magkapatid na August Schlegel at Friedrich Schlegel, Friedrich von Hardenberg (Novalis), Wilhelm Heinrich Wackenroder (1773-1798), Ludwig Tieck.

Ang mga pinagmulan ng pilosopiya ng romantikismo ay nasa subjective idealism ni Fichte, na nagpahayag ng subjective na "I" bilang panimulang prinsipyo. Batay sa konsepto ni Fichte ng libre, hindi pinaghihigpitan malikhaing aktibidad, pinatutunayan ng mga romantiko ang awtonomiya ng artista na may kaugnayan sa labas ng mundo. Ang labas ng mundo ay nagbabago para sa kanila panloob na mundo makata na henyo. Sa aesthetics ng romanticism, ang ideya ng pagkamalikhain ay binuo, ayon sa kung saan ang artist sa kanyang trabaho ay hindi sumasalamin sa mundo kung ano ito, ngunit nilikha ito ayon sa nararapat sa kanyang isip. Alinsunod dito, ang papel ng artist mismo ay tumaas. Kaya, sa Novalis ang makata ay kumikilos bilang isang manghuhula at salamangkero na binuhay ang walang buhay na kalikasan. Ang Romantisismo ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagtanggi sa normativity ng artistikong pagkamalikhain at ang pag-renew ng mga artistikong anyo. Ang romantikong sining ay metaphorical, associative, polysemantic, ito ay gravitates patungo sa synthesis, patungo sa interaksyon ng mga genre, uri ng sining, patungo sa isang koneksyon sa pilosopiya at relihiyon.

Ang pangalawang direksyon ng positivist-oriented aesthetics ay kinakatawan sa mga gawa ni Hippolyte Taine, na naging isa sa mga unang espesyalista sa larangan ng sosyolohiya ng sining. Sinaliksik niya ang mga isyu ng ugnayan ng sining at lipunan, ang impluwensya ng kapaligiran, lahi, at sandali sa artistikong pagkamalikhain. Ang sining, sa pag-unawa ni Taine, ay isang produkto ng mga tiyak na makasaysayang kondisyon, at tinukoy niya ang isang gawa ng sining bilang isang produkto ng kapaligiran.

Ang Marxist aesthetics ay nagtataguyod din mula sa posisyon ng positivism. Itinuring ng Marxismo ang sining bilang isang mahalagang bahagi ng isang pangkalahatang proseso ng kasaysayan, ang batayan kung saan nakita nila sa pag-unlad ng paraan ng produksyon. Iniuugnay ang pag-unlad ng sining sa pag-unlad ng ekonomiya, tiningnan ito nina Marx at Engels bilang pangalawang bagay na may kaugnayan sa batayan ng ekonomiya. Ang mga pangunahing probisyon ng aesthetic theory ng Marxism ay ang prinsipyo ng historical concreteness, ang cognitive role ng sining, at ang class character nito. Ang isang manipestasyon ng uri ng katangian ng sining, gaya ng pinaniniwalaan ng Marxist aesthetics, ay ang pagkahilig nito. Inilatag ng Marxismo ang mga pangunahing prinsipyo na natagpuan ang kanilang karagdagang pag-unlad sa aesthetics ng Sobyet.

Ang oposisyonal na direksyon sa positivism sa European aesthetic na kaisipan ng ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. Nagkaroon ng kilusan ng mga artista na naglagay ng slogan na "art for art's sake." Ang aesthetics ng "purong sining" ay nabuo sa ilalim ng malakas na impluwensya ng pilosopiko na konsepto Arthur Schopenhauer. Isinasagawa Ang mundo bilang kalooban at representasyon (1844) binalangkas niya ang mga pangunahing elemento ng elitistang konsepto ng kultura. Ang pagtuturo ni Schopenhauer ay batay sa ideya ng aesthetic contemplation. Hinati niya ang sangkatauhan sa "mga tao ng henyo," na may kakayahang aesthetic na pagmumuni-muni at artistikong pagkamalikhain, at "mga tao ng utility," na nakatuon sa mga aktibidad na utilitarian. Ang henyo ay nagpapahiwatig ng isang namumukod-tanging kakayahang mag-isip ng mga ideya. Ang isang praktikal na tao ay palaging may mga pagnanasa; ang isang artist-henyo ay isang mahinahong tagamasid. Sa pamamagitan ng pagpapalit ng katwiran sa pagmumuni-muni, sa gayon ay pinapalitan ng pilosopo ang konsepto ng espirituwal na buhay ng konsepto ng pinong aesthetic na kasiyahan at nagsisilbing tagapagpauna ng aesthetic na doktrina ng "purong sining."

Ang mga ideya ng "sining para sa kapakanan ng sining" ay nabuo sa mga gawa nina Edgar Allan Poe, Gustav Flaubert, Charles Baudelaire, at Oscar Wilde. Sa pagpapatuloy ng romantikong tradisyon, ang mga kinatawan ng aestheticism ay nagtalo na ang sining ay umiiral para sa sarili nitong kapakanan at tinutupad ang layunin nito sa pamamagitan ng pagiging maganda.

Sa pagtatapos ng ika-19 na siglo. Ang mga proseso ng radikal na rebisyon ng mga klasikal na anyo ng pilosopiya ay nagaganap sa pilosopiko at aesthetic na kaisipang Europeo. Tinanggihan at binago ni Friedrich Nietzsche ang mga klasikal na aesthetic na halaga. Inihanda niya ang pagbagsak ng tradisyonal na transcendental aesthetic na konsepto at makabuluhang naimpluwensyahan ang pagbuo ng postclassical na pilosopiya at aesthetics. Sa aesthetics ni Nietzsche, nabuo ang isang teorya Sining ng Apollonian at Dionysian. Sa sanaysay Ang pagsilang ng trahedya mula sa diwa ng musika (1872) niresolba niya ang antinomy ng Apollonian at Dionysian bilang dalawang magkasalungat, ngunit magkakaugnay na mga prinsipyo na sumasailalim sa bawat kultural na kababalaghan. Ang sining ng Apollonian ay nagsusumikap na ayusin ang mundo, upang gawin itong maayos na proporsyonal, malinaw at balanse. Ngunit ang prinsipyo ng Apollonian ay may kinalaman lamang sa panlabas na bahagi ng pag-iral. Ito ay isang ilusyon at patuloy na panlilinlang sa sarili. Ang pag-istruktura ng Apollonian ng kaguluhan ay laban sa pagkalasing ng Dionysian ng ecstasy. Ang prinsipyo ng sining ng Dionysian ay hindi ang paglikha ng mga bagong ilusyon, ngunit ang sining ng mga elemento ng buhay, labis, kusang kagalakan. Ang dionysian frenzy sa interpretasyon ni Nietzsche ay naging isang paraan upang madaig ang alienation ng tao sa mundo. Ang paglampas sa indibidwalistikong paghihiwalay ay tunay na pagkamalikhain. Ang mga tunay na anyo ng sining ay hindi yaong lumikha ng ilusyon, ngunit yaong nagpapahintulot sa isa na sumilip sa kailaliman ng sansinukob.

Ang mga aesthetic at pilosopiko na konsepto ni Nietzsche ay natagpuan ng malawak na aplikasyon sa teorya at praktika ng aesthetics ng modernismo noong huling bahagi ng ika-19 at unang bahagi ng ika-20 siglo. Ang orihinal na pag-unlad ng mga ideyang ito ay sinusunod sa Russian aesthetics " panahon ng pilak" Una sa lahat, sa Vladimir Solovyov, sa kanyang pilosopiya ng "unibersal na pagkakaisa", batay sa mahinahong tagumpay ng walang hanggang tagumpay ng maliwanag na prinsipyo sa magulong kalituhan. at ang Nietzschean aesthetics ay nakaakit ng mga simbolistang Ruso. Kasunod ni Nietzsche, nakita nila ang mundo bilang isang aesthetic phenomenon na nilikha ng isang artist-theurgist.

Kabilang sa mga pinaka-maimpluwensyang konsepto ng aesthetic, ang phenomenological aesthetics ay namumukod-tangi, batay sa pilosopikal na doktrina Edmund Husserl. Ang tagapagtatag ng phenomenological aesthetics ay maaaring ituring na pilosopo ng Poland na si Roman Ingarden (1893-1970). Ang pangunahing konsepto ng phenomenology ay intentionality (mula sa Latin na intentio desire, intention, direction), na nauunawaan bilang pagbuo ng isang bagay ng kaalaman sa pamamagitan ng kamalayan.

Isinasaalang-alang ng phenomenology ang isang gawa ng sining bilang isang self-sufficient phenomenon ng intensyonal na pagmumuni-muni nang walang anumang konteksto, batay sa sarili nito. Ang lahat ng maaaring malaman tungkol sa isang akda ay nakapaloob dito mismo; ito ay may sariling independiyenteng halaga, nagsasarili na pag-iral at itinayo ayon sa sarili nitong mga batas.

Si Nikolai Hartmann (1882-1950) ay nagsalita mula sa isang phenomenological na posisyon. Ang pangunahing kategorya ng aesthetics, ang maganda, ay nakikita sa isang estado ng ecstasy at dreaminess. Dahilan, sa kabaligtaran, ay hindi nagpapahintulot sa amin na sumali sa globo ng kagandahan. Samakatuwid, ang cognitive act at aesthetic contemplation ay hindi magkatugma.

Pinuna ni Michel Dufrenne (1910-1995) ang modernong sibilisasyong Kanluranin, na naghihiwalay sa tao mula sa kalikasan, sa kanyang sariling kakanyahan at sa pinakamataas na halaga ng pagkakaroon. Hinahangad niyang tukuyin ang mga pangunahing pundasyon ng kultura, na magpapahintulot sa pagtatatag ng maayos na relasyon sa pagitan ng tao at ng mundo. Ang pagkakaroon ng perceived ang pathos ng konsepto ng sining ni Heidegger bilang ang "katotohanan ng pagiging," Dufresne naghahanap tulad ng mga pundasyon sa kayamanan ng aesthetic karanasan, interpreted mula sa pananaw ng phenomenological ontology.

Ang phenomenological na pamamaraan ng pananaliksik ay sumasailalim sa pamamaraan ng Russian formalism, French structuralism at ang Anglo-American na "bagong kritisismo", na lumitaw bilang isang pagsalungat sa positivism. Sa mga sinulat ni J.K. Pantubos ( Bagong kritisismo, 1941), A. Teita ( Reaksyunaryong Sanaysay, 1936), C. Brooks at R. P. Warren ( Pag-unawa sa Tula, 1938; Pag-unawa sa prosa, 1943) inilatag ang mga pangunahing prinsipyo ng neo-kritikal na teorya: ang batayan para sa pag-aaral ay isang nakahiwalay na teksto na umiiral bilang isang bagay na independiyente sa artist-creator. Ang tekstong ito ay may organiko at holistic na istraktura na maaaring umiral bilang isang espesyal na organisasyon ng mga imahe, simbolo, at mito. Sa tulong ng gayong organikong anyo, naisasakatuparan ang kaalaman sa katotohanan (ang neocritical na konsepto ng "tula bilang kaalaman").

Sa iba pang mahahalagang direksyon ng aesthetic na pag-iisip noong ika-20 siglo. isama ang psychoanalytic concepts nina S. Freud at G. Jung, ang aesthetics ng existentialism (J.-P. Sartre, A. Camus, M. Heideger), ang aesthetics ng personalism (C. Péguy, E. Mounier, P. Ricoeur ), ang aesthetics ng structuralism at post-structuralism (C. Levi Strauss, R. Barthes, J. Derrida), sociological aesthetic concepts nina T. Adorno at G. Marcuse.

Ang modernong aesthetic na kaisipan ay umuunlad din alinsunod sa postmodernism (I. Hassan, J.F. Lyotard). Ang aesthetics ng postmodernism ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang sinasadyang pagwawalang-bahala sa anumang mga patakaran at mga paghihigpit na binuo ng nakaraang kultural na tradisyon, at, bilang resulta nito, isang balintuna na saloobin sa tradisyong ito.

Ang konseptwal na kagamitan ng aesthetics ay sumasailalim sa mga makabuluhang pagbabago, ang mga pangunahing kategorya ng aesthetics ay napapailalim sa makabuluhang muling pagsusuri, halimbawa, ang kahanga-hanga ay pinalitan ng kamangha-manghang, ang pangit ay natanggap ang katayuan nito bilang isang kategorya ng aesthetic kasama ang maganda, atbp. Ang tradisyonal na itinuturing na hindi aesthetic ay nagiging aesthetic o binibigyang kahulugan sa aesthetic. Tinutukoy din nito ang dalawang linya ng pag-unlad ng modernong kultura: ang isang linya ay naglalayong ipagpatuloy ang tradisyonal na aesthetics (ang aestheticization ng pang-araw-araw na buhay ay itinuturing na matinding pagpapakita nito, kaya, halimbawa, hyperrealism, pop art, atbp.), ang isa ay mas pare-pareho sa epistemological aestheticization (cubism , surrealism, concept art).

Ang isang espesyal na lugar sa modernong aesthetics ay ibinibigay sa tradisyon ng paglabag, pagpunta "sa labas ng aesthetic at artistikong mga pamantayan," i.e. marginal o walang muwang na pagkamalikhain, na kadalasang nakakakuha ng katayuang aesthetic pagkatapos ng mahabang panahon (ang kasaysayan ng kultura ay puno ng mga halimbawa ng gayong pagkamalikhain ng mga artista, musikero, at manunulat).

Ang iba't ibang mga teorya at konsepto ng aesthetic ng modernong aesthetic science ay nagpapatunay sa isang qualitatively bagong pag-unlad ng aesthetic na pag-iisip, kumpara sa klasikal na panahon. Ang paggamit ng karanasan ng maraming sangkatauhan sa modernong aesthetics ay nagpapahiwatig ng dakilang pangako ng agham na ito.

Lyudmila Tsarkova