Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Pranses na teatro noong ika-19 na siglo. pumasa iba't ibang yugto ng pag-unlad nito. Ang unang yugto ay bumagsak sa pagliko ng ika-18-19 na siglo. Sa panahong ito nagkaroon ng hugis sa French theater ang mga bagong porma ng organisasyon at bagong direksyon ng mga malikhaing hangarin.

Ang Panahon ng Enlightenment sa pagtatapos ng ika-18 siglo. naubos ang sarili. Ang pagkabigo sa kapangyarihan ng katwiran ay nagtakda ng mga bagong paghahanap sa pag-unawa sa indibidwal at sa mundo sa paligid niya. Ang pangangailangan para sa isang reorganisasyon ng estado ng France at ang paglikha ng mga kinakailangan para sa libreng pag-unlad ng indibidwal ay naging malinaw. Ito, tulad ng maraming iba pang mga bagay, ang naging sanhi ng Great French Revolution ng 1789-1794, na, sa turn, ay nagkaroon ng makabuluhang impluwensya sa karagdagang pag-unlad ng eksena ng Pransya, na lumilipat mula sa klasiko ng ika-17-18 na siglo. sa romanticism. Nag-ambag din ito sa pag-renew ng lahat ng mga lugar buhay teatro. Ang constituent assembly noong Enero 1791 ay nagpatibay ng isang utos sa kalayaan ng mga sinehan, ayon sa kung saan ang teatro ay naging independyente mula sa maharlikang hukuman, at ang royal censorship ay inalis din. Ang kasunod na mga kautusan ay ginawang legal ang "copyright" at ipinahayag ang prinsipyo ng malayang kompetisyon. Bilang resulta, 19 na bagong mga sinehan ang lumabas sa Paris nang sabay-sabay. Noong 1793-1794 ang pamamahala ng mga sinehan ay ipinasa sa mga kamay ng Convention.

Ang pinakamahalagang artista sa panahong ito ay si François Joseph Talma.

Sa ilalim ng impluwensya ng mga rebolusyonaryong kaganapan at tiyak na may kaugnayan sa paggawa ng "Charles IX" ni Chenier sa Comédie Française, pinalitan ng pangalan noong katapusan ng 1789 sa Theater of the Nation, nang ang ilan sa mga aktor ay tiyak na sumalungat sa produksyon na ito, ang tropa. nahati sa isang "itim na iskwadron" - mga konserbatibong aktor at sa "pulang iskwadron" - mga aktor na malugod, kahit sa una, ang mga rebolusyonaryong pagbabago. Bilang resulta ng split na ito, nabuo ang dalawang sinehan. Ang Theater of the Nation ay sumunod sa pre-revolutionary repertoire at mga lumang prinsipyo ng pag-arte. At ang teatro, na pinamumunuan ni Talma at ng kanyang mga taong katulad ng pag-iisip na umalis sa Theater of Nations, na unang tinawag na Theater of Freedom and Equality, at kalaunan ay pinalitan ng pangalan ang Theater of the Republic, na nakatuon sa mga bagong dula at, nang naaayon, ay naghanap ng bagong prinsipyo ng pag-arte. Noong 1799, muling nagsanib ang mga teatro na ito sa Comedie Française theater, ngunit ang karanasang natamo ni Talma sa Theatre of the Republic ay nag-iwan ng malalim na marka sa kanyang sining sa entablado.

Si Talma ang una sa France na gumanap sa mga trahedya ni Shakespeare (bagaman sa mga pagbabago). Ang makabagong gawain ni Talm, na sumisira sa pagiging abstract ng klasikong imahe, ay naghangad na palayain ang sining ng pag-arte mula sa mga klasikong kombensiyon at lumikha ng isang bagong sistema ng pag-arte, na binuo sa sikolohikal na indibidwalisasyon ng imahe, na nagbigay daan para sa sining ng pag-arte ng ika-19 na siglo. Nakumpleto rin ni Talma ang reporma sa kasuotan sa entablado na nagsimula noong kalagitnaan ng ika-18 siglo. Clairon at Lequin.

Sa pagliko ng ika-18-19 na siglo. Nagsisimula nang mahubog ang romantikismo. Malinaw na naakit si Talma sa kanya at, nang hindi namamalayan, marami siyang ginawa upang matiyak na naitatag niya ang kanyang sarili sa entablado ng Pransya. Ngunit si Talma, na pumanaw noong 1826, ay hindi nagkaroon ng pagkakataong maglaro sa mga produksyon ng mga romantikong dula. Samantala, si Mademoiselle Mars, na nagtrabaho nang sabay-sabay kasama si Talma sa loob ng maraming taon sa Comédie Française, o si Mademoiselle Georges, ang kanyang pangmatagalang stage partner, ay direktang nakibahagi sa paggawa ng mga romantikong dula. At nag-ambag sila, hindi palaging kusang-loob, sa pagtatatag ng romantikismo sa yugto ng Pranses.

Isa sa mga pangunahing problema romantikong sining nagiging problema ng hindi mapagkakasunduang salungatan sa pagitan ng isang makapangyarihan, natatanging personalidad na nagtanggal sa lahat ng tanikala at pang-araw-araw na katotohanan. Sa batayan na ito lumalago ang romantikong kulto ng personalidad, damdamin, at imahinasyon.

Ang unang panahon sa pag-unlad ng teatro ng Pransya ay maaaring tawaging pre-romantic, dahil inihanda nito ang paglitaw ng isang tunay na romantikong teatro, na naging pangalawang yugto sa pag-unlad ng yugto ng Pransya noong unang kalahati ng ika-19 na siglo. Kabilang dito pangunahin ang 1830s-1840s. Ang mga pangunahing aktor noong panahong iyon ay sina Marie Dorval at Pierre Bocage at Frederic-Lemaitre.

Nagtanghal si Frederic Lemaitre sa maraming melodrama. Kasama ang iba pang mga romantikong aktor, nagawa niyang makabisado ang grassroots genre na ito ng drama, na naging matatag sa France noong mga taong iyon, na may napakalaking tagumpay.

Bumalik sa pagtatapos ng ika-18 siglo. Ang melodrama ay nagsimulang pumunta sa entablado. Nakamit nito ang hindi kapani-paniwalang tagumpay sa mga demokratikong manonood. Noon ay lumitaw ang isang malaking bilang ng mga teatro, na matatagpuan higit sa lahat sa Boulevard Temple, kung saan ang pangunahing mga melodramas ay ipinakita, na nagsasabi tungkol sa kalupitan ng mundong ito, kung saan ang nakakaantig na birtud ay pinilit na magdusa mula sa kawalan ng katarungan, inggit ng tao at malisya. Sa melodrama, ang mabuti ay tiyak na sumasalungat sa kasamaan at kadalasang tinatalo ito. Ang genre na ito ay hindi alam ang mga sikolohikal na nuances. Sa isang melodramatikong pagtatanghal, ang kalunos-lunos na mga hilig, ang emosyonal na labis na katangian ng mga karanasan ng mga tauhan, maingat na nabuo ang mga ekspresyon ng mukha, at ang pagpapahayag ng mga kilos ay kinakailangan.

Tila na ang romantikismo, salamat sa mga prolific, mahuhusay na playwright at tunay na mahuhusay na aktor, ay sa wakas ay naitatag ang sarili sa entablado ng Pransya. At ang klasikong trahedya ay umalis sa kanya magpakailanman. Ang trahedya ng Corneille, Racine, Voltaire. Wala na ang sikat na paaralan ng French acting, na may mahusay na detalyadong declamation, malambing na boses, na napatunayan sa lahat ng mga rehistro, na may kaplastikan, nililikha ang mga pose at kaplastikan ng mga sinaunang eskultura, na may mga kasuotang nakapagpapaalaala sa kasuotan ng mga sinaunang Griyego at Romano. Pero iba ang nangyari. Ang 17-taong-gulang na si Mademoiselle Rachelle ay gumawa ng kanyang debut sa entablado ng Comédie Française, at agad na naging malinaw sa lahat na ang paglilibing sa dakilang tradisyon ng French theater, ang pambansang trahedya nito, acting school, nabuo sa ilalim ng impluwensya ng mga dakilang guro, maaga. Totoo, halatang may iba. Ang mga pagtuklas ng romantikong eksena ay nagpayaman sa akademikong paaralan ng teatro ng Pransya, na nagawang tumugon sa mga hinihingi ng panahon sa pamamagitan ng mga bagong paghahanap, ngunit ginawa ito alinsunod sa pambansang klasiko na trahedya. Ang katanyagan ni Rachel ay dahil sa katotohanan na sa kanyang trabaho ay nagawa niyang pagsamahin ang klasiko na tradisyon ng yugto ng Pransya sa mga pagtuklas ng romantikong teatro ng France.

Mahusay na pagtuklas ng teatro ng Pransya noong ika-19 na siglo. pinahintulutan siyang wakasan ang aesthetics ng classicist scene, na napakahalaga para sa kanyang panahon, para sa 17-18 na siglo. Isang bago, romantikong dramaturhiya ang naganap, na, siyempre, ay tumutukoy sa bagong kalikasan ng sining sa entablado. Natukoy ito ng pagkamalikhain ng mga namumukod-tanging aktor ng panahon na, na inabandona ang mga kumbensyon ng klasisismo, ay naghangad na "makatao" ang kanilang mga bayani sa kanilang makapangyarihang mga hilig, ang malupit na pakikibaka ng mga damdamin, kasama ang kanilang malalim na panloob na nilalaman.

Sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, ang Paris ay tiyak na matatawag na musikal na kabisera ng Europa. Maraming mga pangunahing kompositor ang nanirahan dito (Chopin, Liszt, Rossini), at lahat ng mahuhusay na musikero ay naghangad na pumunta rito para sa mga konsyerto.

Ang teatro ay palaging sinasakop ang isang pambihirang lugar sa masining na buhay ng bansa. Sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, maraming bago, romantikong pakikipagsapalaran ang partikular na nauugnay sa teatro. Ang "tagapagbalita" ng romantikong Pranses ay si Victor Hugo, ang pinakadakilang manunulat at manunulat ng dula. Sa paunang salita sa kanyang drama na "Cromwell," binalangkas niya ang mga pangunahing prinsipyo ng aesthetic ng bago, romantikong teatro. Ito ang teatro na naging arena ng pakikibaka para sa bagong sining. Ang mga ideya ni Hugo at ng kanyang mga taong katulad ng pag-iisip ay makikita rin sa French musical theater noong panahong iyon, ᴛ.ᴇ. sa opera.

Ang French opera ng unang kalahati ng ika-19 na siglo ay kinakatawan ng dalawang pangunahing genre. Una sa lahat, ito ay isang comic opera na nauugnay sa mga pangalan ng A. Boildieu, F. Aubert, F. Herold, F. Halévy, A. Adam (ang huli ay inaprubahan din ang romantikong direksyon sa ballet). Ang comic opera, na lumitaw noong ika-18 siglo, ay hindi naging isang matingkad na salamin ng mga bago, romantikong uso. Bilang isang impluwensya ng romantikismo sa loob nito, mapapansin lamang ang pagpapalakas ng prinsipyo ng liriko (isang halimbawa ng paglalarawan ay ang opera na "The White Lady" ni Boieldieu).

Ang isang kapansin-pansing salamin ng French musical romanticism ay isang bagong genre na binuo sa France noong 1930s: grand French opera. Ang grand opera ay isang opera ng isang monumental, pandekorasyon na istilo, na nauugnay sa makasaysayang (pangunahin) na mga plot, na nakikilala sa pamamagitan ng hindi pangkaraniwang karangyaan ng mga produksyon nito at ang kamangha-manghang paggamit ng mga mass (choral) na eksena. Kabilang sa mga unang halimbawa ng genre ay ang opera na "The Mute of Portici" ni Aubert (1828). At noong 30s, ang genre na ito ay itinatag ang sarili sa entablado ng Pransya bilang isang nangungunang at kinakatawan ng mga klasikal na halimbawa nito (mga opera ni Meyerbeer na "The Huguenots", "The Prophet", opera ni Halevi na "The Jew").

Ang estilo ng grand French opera ay higit na tinutukoy ng mga kinakailangan ng Grand Opera theater (kaya ang pangalan ng genre), na nagpapanatili ng katayuan ng royal opera at nakatuon sa panlasa ng isang maharlikang madla.

Ang pamantayan para sa grand French opera ay, siyempre, klasiko na trahedya at ang katumbas nito sa musika, liriko na trahedya(Lully, Rameau). Parehong ang compositional framework ng isang grand opera ng 5 acts at ang itinanghal na karangyaan ng pagganap ay bumalik sa teatro ng classicism. Kasunod ng klasikong trahedya, ang balangkas ng isang engrandeng opera ay batay, bilang panuntunan, sa mga makasaysayang kaganapan ng nakaraan na may obligadong pakikilahok ng mga tunay na makasaysayang karakter (sa Huguenots - Queen Margot). Isa pa tatak Ang paggamit ng isang ballet suite at mga monumental na choral episode, na kinokontrol na ni Lully, ang naging esensya ng grand opera.

Ang malaking French opera ay higit na pinagtibay ang aesthetics ng romantikong drama na binuo ni V. Hugo. Una sa lahat, ito ay katulad ng sa drama, isang kumplikadong interweaving ng personal na kapalaran ng mga bayani at makasaysayang mga kaganapan, ang malaking papel ng mga makasaysayang props, ang pagnanais para sa isang kamangha-manghang pagpapaganda ng mga kaganapan. Noong dekada 20, ang mga makasaysayang nobela sa Europa ay nakaranas ng pinakamataas na katanyagan (W. Scott, P. Merimee, V. Hugo). Ang makasaysayang nobela ay nakita ng mga kontemporaryo bilang isang "mataas" na genre, na katumbas ng katayuan sa siyentipikong pananaliksik. At ito ay mga makasaysayang paksa na naging pinakakaraniwan para sa grand French opera. Ang tema ng isang grand opera ay ang tema ng malalaking tanyag na kilusan.

Isang malaking papel sa pagbuo ng bago genre ng opera ginampanan ng French librettist na si Eugene Scribe. Siya ang nagmamay-ari ng mga libretto ng pinakamahusay na mga halimbawa ng genre na ito. Siya ang palaging katuwang ni Meyerbeer. F. Nakita ng listahan sa Scribe ang pinakamalaking kinatawan operatic dramaturgy. Siya ay tinawag na "master ng isang mahusay na ginawang dula." Ang eskriba, siyempre, ay mahusay na pinagkadalubhasaan ang mga tula ng romantiko nobelang pangkasaysayan at ginamit ito sa kanyang mga libretto, kung minsan ay batay sa isang tiyak prototype ng panitikan(Ang 'Huguenots', halimbawa, ay nilikha batay sa 'Chronicles of the Times of Charles 1X' ni P. Merimee). Ang batayan ng balangkas ng isang grand opera ay karaniwang isang pag-iibigan - isang kathang-isip na yugto privacy- laban sa backdrop ng isang sikat na piraso ng kasaysayan. Ang karaniwang melodramatikong galaw - pag-ibig sa pagitan ng mga kinatawan ng dalawang naglalabanang koalisyon - ay paunang tinutukoy ang isang nakamamatay na kinalabasan at nag-uudyok sa pagpapakilala ng mga kamangha-manghang eksena sa labanan sa opera. Maraming eskematiko sa libretto ni Scribe. Maaari naming i-highlight ang pinaka-pare-parehong mga motif ng plot na ginagamit niya:

Kalunos-lunos na hindi pagkakaunawaan o walang basehang akusasyon

Lihim na benepisyo

Sapilitang kasal

Pagsasabwatan, pagtatangkang pagpatay

Pagsasakripisyo sa sarili

Sa esensya, si Scribe ang naging tagalikha ng isang bagong uri ng opera libretto. Bago sa kanya, ang pamantayan ay ang libretto ng Italian opera seria (din, sa pamamagitan ng paraan, na nauugnay sa makasaysayang o maalamat na mga plot), ang mga klasikong halimbawa kung saan ay kabilang sa Italian playwright na Metastasio. Kasabay nito, sa Italian opera ang damdamin ng mga karakter ay palaging nasa harapan. Italian opera - ϶ᴛᴏ opera ng mga estado, at higit sa lahat ay ipinapakita ang mga ito sa arias, na siyang batayan ng dramaturhiya ng Italian opera. Para sa Scribe, na may mabuting pakiramdam sa mga bagong uso, ang pangunahing bagay sa makasaysayang balangkas ay nagiging nagpapakita ng mga sitwasyon, minsan napakaganda sa kanilang hindi inaasahan. Ibinigay niya ang kahalagahan ng pangunahing bagay sa kung ano ang naging pangalawa. Ang aksyon, puno ng mga sorpresa - mula sa sitwasyon hanggang sa sitwasyon - ay may malaking impluwensya sa musikal at dramatikong pag-unlad at sa musikal na dramaturhiya. Ang pagkakakilanlan ng mga sitwasyon sa musikal na aksyon ay nagsasangkot ng pagtaas sa kahalagahan ng mga ensemble, mga koro - ang pagsalungat ng mga magkakasalungat na grupo at maging ang mga masa sa musika. Ito ay ang monumental na mga eksena sa karamihan ng tao na natukoy ang kamangha-manghang istilo ng grand opera at nakuha ang imahinasyon ng publiko. Ang mahinang bahagi ng genre na ito ay ang kakulangan ng ningning at pagka-orihinal ng mga karakter. Ang grand opera ay namangha hindi sa sikolohiya nito, ngunit sa mga panlabas na epekto nito.

Ang tunay na sensasyon ng grand opera ay ang rebolusyong isinagawa ng kanilang mga tagalikha sa scenography, kung saan ang maginoo na mga klasikal na interior ay pinalitan ng naturalistic na mga landscape. Ginamit din ang opera pinakabagong mga nagawa teknolohiya. Halimbawa, ang larawan ng pagsabog ng Vesuvius sa “The Mute of Portici” na ikinamangha ng publiko. Ang "The Electric Sun" sa "The Prophet" (1849) ay bumaba sa kasaysayan ng scenography bilang unang paggamit ng kuryente sa teatro. Sa ʼʼZhidovkaʼʼ Halevi, 250 kabayo ang nakibahagi sa solemne na prusisyon. Ang isa pang katangian ng grand opera ay ang mga nakamamanghang eksena ng horror at kalamidad (ang eksena ng St. Bartholomew's Night sa "The Huguenots").

Ang komposisyon ng grand opera ay isinasaalang-alang ang sikolohiya ng madla (madaling pagod na pansin). Ang opera ay malakihan, ngunit binubuo ng mga maiikling kilos, maliwanag na kaibahan sa musika at tanawin (ang karaniwang komposisyon ay 5 gawa).

Ang opera ni Ober na "The Mute of Portici" ay itinuturing na unang kumpletong halimbawa ng genre. Noong 1829, isinulat ang "William Tell" ni Rossini, isang gawa ng isang Italyano na artista, na sa maraming paraan ay nakipag-ugnayan sa mga aesthetics at estilo ng grand French opera (tandaan na si Rossini ay nanirahan sa Paris sa mga taong ito). Ang karagdagang pag-unlad ng genre ay hindi mapaghihiwalay na nauugnay sa pangalan ni Meyerbeer (Robert the Devil, 1831, The Huguenots, 1838, The Prophet, 1849, The African Woman, 1838-1865). Kasama nina Meyerbeer, nagtrabaho sina Aubert at Halevi sa genre na ito (noong 30s, ang mga opera na "Gustav 111, o Un ballo in maschera" at "The Queen of Cyprus", "Charles V1", "The Jew, or the Cardinal's Daughter" ni Halevi) ay nilikha.

Noong 30-50s ng ika-19 na siglo nagkaroon ng masinsinang pagpapalawak ng istilo ng grand French opera papunta sa mga yugto ng opera ng mundo. Ang mga opera na "Rienzi" ni R. Wagner, "Esmeralda" ni Dargomyzhsky, "William Tell" ni Rossini, "The Favorite" ni Donizetti ay nilikha ayon sa mga elemento ng French na "grand style" ay ginamit ni Verdi sa a bilang ng kanyang mga opera, halimbawa, sa "Aida". Kapansin-pansin, maraming lokal na opera house ang nag-order ng libretto para sa mga bagong opera sa Paris. Kasabay nito, ang malaking French opera ay hindi tumayo sa pagsubok ng oras. Itinaas nito ang selyo ng mga panlasa ng maharlikang publiko noong 30s at 40s at biglang nawala ang katanyagan nito sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. Sa maraming paraan, ang pagbaba sa prestihiyo nito ay nauugnay sa pag-apruba ng isang alternatibong modelo ng pagganap ng opera, na nilikha ni Richard Wagner at dinisenyo para sa isang intelektwal na tagapakinig. Sa simula ng ika-20 siglo, ang musika ni Meyerbeer ay naging isang pambihira sa entablado. Ang mga ito ay eksklusibong "pagpapanumbalik" na mga produksyon at ang buhay musikal ng mga indibidwal na numero mula sa kanyang mga opera.
Nai-post sa ref.rf
Ang mga gawa ni Halévy at Auber ay hindi lumilitaw sa lahat sa listahan ng mga sikat at repertoire na gawa.

Ang pigura ng Meyerbeer ay ang pinaka-kapansin-pansin sa kasaysayan ng grand opera. Natugunan ng kanyang malikhaing aktibidad ang mga pinakakontrobersyal na pagtatasa. Ang mga pakinabang at disadvantages ng grand opera ay ipinahayag lalo na sa kanyang mga gawa. Si Goethe, halimbawa, ay naniniwala na si Meyerbeer ang tanging kompositor na maaaring sumulat ng musika para kay Faust. Tinawag ni G. Berlioz si Meyerbeer na "isa sa mga pinakadakilang umiiral na kompositor." At si A. Serov, sa kabaligtaran, ay nagsabi: "Sinumang taos-puso, talagang nagmamahal sa musika, sabihin nating Beethoven, ganap na hindi maaaring humanga kay Meyerbeer." Ang kontrobersya na nakapalibot sa kanyang pangalan ay nagpapatotoo sa pagiging bago at maging repormatoryo ng kanyang mga gawa. Si Meyerbeer ang lumikha ng "grand romantic style," na makabuluhang nakaimpluwensya sa operatic life ng Europe noong kalagitnaan ng ika-19 na siglo. Sa loob ng ilang dekada, ang modelo ng pagtatanghal ng opera na nilikha niya noong 30s ay isang pinuno sa mga yugto ng musikal ng Europa.

Ginugol ni Meyerbeer ang kanyang kabataan sa Alemanya. Siya ay kabilang sa henerasyon ng mga tagalikha ng Aleman romantikong opera, ay kaibigan ni K.M. Ngunit maaga siyang umalis sa Alemanya, naramdaman ang mga limitasyon ng kapaligirang musikal at teatro ng Aleman. Ang susunod na panahon ng kanyang buhay ay nauugnay sa Italya, kung saan pinagkadalubhasaan ng batang kompositor ang "mga lihim" ng sining ng opera. Italyano istilo ng opera pinagkadalubhasaan niya ito sa pagiging perpekto, bilang ebidensya ng medyo matagumpay na paggawa ng kanyang opera na "Crusaders in Egypt" sa Venice noong 1824. Mula sa Italya, tumungo si Meyerbeer sa Paris. Dito niya natagpuan ang "kanyang may-akda" - E. Scribe, sa oras na iyon ay isang sikat na manunulat ng dula. Mayroon na siyang dalawang kawili-wiling opera libretto para sa kanyang kredito: "The White Lady" at "The Mute from Portici". Gusto ni Meyerbeer na ang unang score na isinulat para sa Paris ay isang opera, "may kakayahang maging isang malaki, kapana-panabik na drama." Ang eskriba, tulad ng walang iba, ay nagawang isama ang ideyal na ito. Naunawaan niya na ang publiko ng Paris ay maaari lamang maakit sa isang bagay na maluho, maluho sa produksyon, at sa parehong oras ay nakakaantig. Ito mismo ang opera na isinulat nila kay Meyerbeer noong 1831: "Robert the Devil". Ang mga ugat ng Aleman ay kapansin-pansin pa rin dito (horror romance), ngunit sa mga tuntunin ng sukat, pagiging epektibo at ningning, ito ay tiyak na isang halimbawa ng mahusay na istilo ng Paris.

Ang pinakamahusay na gawa ng kompositor ay ang opera na "The Huguenots," na natapos noong 1838, muli sa pakikipagtulungan sa Scribe (batay sa Mérimée). Ang balangkas ay mula sa kasaysayan ng relihiyosong pakikibaka noong ika-16 na siglo, ang kalunos-lunos na pag-ibig ng opisyal ng Huguenot na sina Raoul de Nangis at Valentina, ang anak ng pinunong Katoliko na si Count of Saint-Brie. Ang opera ay maraming maliwanag, kamangha-manghang mga eksena at mahusay na tinukoy na mga karakter. Ngunit, tulad ng karaniwan para sa genre, ang aksyon ay kumplikado sa pamamagitan ng maraming menor de edad na mga yugto (pista ng mga maharlika, ballet ng mga naliligo, mga kanta at sayaw ng gypsy, seremonyal na tren ni Queen Margot, atbp.) Ang ilan sa kanila ay muling nililikha ang lasa ng panahon (ang eksena ng pagpapala ng mga espada), karamihan ay puro panlabas, pampalamuti. Ang mga kontemporaryo ay lalo na natamaan ng mga monumental na katutubong eksena sa opera na ito at ang mga sagupaan ng mga naglalabanang grupo (act 3, eksena ng away ng mga Katoliko at Huguenot).

Ang kawili-wili at bago sa "The Huguenots" ay ang paglalarawan ng makasaysayang kulay. Tulad ng sa isang romantikong drama (halimbawa, sa Hugo), sa opera maraming pansin ang binabayaran sa historicism, historical setting, at historical costumes. Ang labis na atensyon ng teatro ng Pransya sa mga panlabas na detalye ay itinuro din ni V. Kuchelbecker: "Ang talento ni Hugo ay makapangyarihan, ngunit ang mga upuan, pantalon, mga cornice ay sumasakop sa kanya nang labis." Tulad ng mga manunulat ng kanyang panahon (Hugo, Stendhal, Merimee), minsan ay bumaling si Meyerbeer sa mga tunay na materyales ng panahon. Upang makilala ang mga Huguenot, ipinakilala niya sa opera ang sikat na chorale na iniuugnay kay Luther, "A Strong Stronghold is Our God." Ito ang leitmotif ng opera, ang pagpapakilala ay itinayo sa tema nito, lumilitaw ito sa lahat ng mahahalagang sandali ng aksyon, na sumisimbolo sa debosyon sa ideya. Ang mga intonasyon ng chorale ay naroroon din sa paglalarawan ng matandang sundalong Huguenot na si Marseille, ang tagapagturo ni Raoul. Ang chorale ay nagiging isang uri ng "tanda ng ika-16 na siglo" sa opera. Ang kantang "Rataplane" ng mga sundalong Huguenot, na inawit ng isang capella choir, ay isang quote din mula sa isang lumang French folk song.

Ang "The Huguenots" ay ang pinakamalaki at pinaka-viable na phenomenon sa genre ng grand French opera. Nasa mga sumusunod na gawa ng Meyerbeer ("Ang Propeta", "Babaeng Aprikano") ang mga tampok ng "pagbaba" ng genre ay makikita.

Sa pangkalahatan, ang grand French opera ay kawili-wili sa amin hindi lamang bilang isang musical phenomenon (napansin na ang ilan lamang sa mga pinaka-kapansin-pansin na mga fragment mula sa mga pangunahing opera ang nakaligtas sa kanilang panahon), ngunit bilang isang makasaysayang kababalaghan na nagkaroon ng malaking epekto sa ang pag-unlad ng genre ng opera noong ika-19 na siglo.

French opera ng unang kalahati ng ika-19 na siglo - konsepto at mga uri. Pag-uuri at tampok ng kategoryang "French opera ng unang kalahati ng ika-19 na siglo" 2017, 2018.

Ang isang bagong yugto sa pag-unlad ng lipunang Pranses ay nagsimula noong Marso 18, 1871 - sa paglitaw ng Paris Commune.

Sa loob ng 72 araw ng pag-iral nito, ang Paris Commune ay gumawa ng napakalaking trabaho sa pagsira sa burges na makina ng estado at paglikha ng isang tunay na demokratikong estado. Inalis niya ang conscription, pinalitan ang nakatayong hukbo ng isang armadong tao, inihiwalay ang simbahan sa estado, at itinatag ang prinsipyo ng halalan at pagpapalit ng lahat ng mga opisyal. Ang rebolusyonaryong restructuring ay pinalawak sa lahat ng larangan ng espirituwal na buhay: ang libreng sekular na edukasyon ay ginawang legal, ang mga sinehan ay kinumpiska mula sa mga pribadong negosyante at inilipat sa hurisdiksyon ng Komisyon sa Edukasyon.

Sa hindi pantay na pakikibaka sa burgesya ng Pransya, natalo ang Paris Commune. Ang madugong “May Week” ng 1871 at ang malupit na paghihiganti laban sa mga Communard ay nagtapos sa mga repormang nagsimula. Ngunit ang Commune ay nag-iwan ng hindi maalis na marka sa kasaysayan, na inihayag sa mundo sa unang pagkakataon ang mga rebolusyonaryong kakayahan ng proletaryado. Sa panahon ng Paris Commune, ang hindi pagkakasundo ng ideolohikal na pakikibaka, tipikal ng lahat ng kasunod na pag-unlad ng France, ay ipinahayag sa buong puwersa nito.

Sa huling ikatlong bahagi ng ikalabinsiyam na siglo, naranasan ng France mahirap na proseso ang pagbuo ng isang burges na republika - "isang republika na walang mga republikano." Ang pamahalaan ng Ikatlong Republika, na pinagtibay ang isang konstitusyon (1875) pagkatapos ng matinding debate, ay pinalakas ang posisyon nito. Ang pagkawasak na dulot ng Franco-Prussian War at ang Prussian occupation ay may malaking epekto sa buhay ng France, na noong 1870s ay nawala ang lugar na inookupahan nito sa Europe. Ang mabilis na umuunlad na USA at Germany ay naaabutan ito sa pag-unlad ng ekonomiya. Kasabay nito, sa France mayroong isang proseso ng konsentrasyon ng industriya at lalo na ang kapital ng pagbabangko. Mula noong 1880s, naging exporter ng kapital ang France sa anyo ng mga pautang ng gobyerno. Sa paghahanap ng paraan sa isang mahirap na sitwasyon, ang pamahalaan ay nagpapatuloy ng isang patakaran ng kolonyal na pagpapalawak sa mga bansa ng Africa at Asia. Sa simula ng siglo, ang internasyonal na sitwasyon ay naging mas kumplikado. Ang pakikibaka para sa mga kolonya at mga saklaw ng impluwensya ay humahantong sa pagbuo ng mga bloke. Sa kaibahan sa Triple Alliance ng Germany, Austria-Hungary at Italy, ang "Agreement of the Heart" (Entente) ay nabuo noong 1904, na binubuo ng France, England at Russia.

Ang mga panloob na kontradiksyon ay tumitindi sa bansa. Madalas na pagbabago ng mga silid, marami mga iskandalo sa pulitika- ang pagkakalantad ng kalakalan sa Legion of Honor (1887), ang pagbagsak ng Panama Canal joint-stock company noong huling bahagi ng 1880s, ang "Dreyfus Affair" na nakatanggap ng pandaigdigang resonance noong 1890s, na naghati sa lipunan sa dalawang magkaaway na kampo - lahat ng ito ay katibayan ng isang malalim na krisis sa pulitika.

Ang simula ng 1880s ay minarkahan ng isang bagong pagtaas sa kilusang paggawa ng welga at paglago ng uri ng kapanahunan ng proletaryado. At bagama't malakas ang damdamin ng petiburges sa kilusang paggawa ng Pransya at ang mga tagasuporta ng Marxismo ay kailangang magsagawa ng maigting na pakikibaka laban sa kanila, noong 1880, sa isang kongreso sa Le Havre, ang paglikha ng Partido ng Manggagawa ay pormal na ginawa, na nagpatibay ng isang programa. , ang panimulang bahagi nito ay isinulat ni K. Marx.

Noong dekada 1890, naging mas malinaw ang mga kontradiksyon ng uri sa pagitan ng proletaryado at ng reaksyunaryong burgis na gobyerno. Ang pagtaas ng kilusang paggawa ay naiimpluwensyahan ng rebolusyong Ruso noong 1905 - 1907. Sa simula ng 1905, lumitaw ang "Society of Friends of the Russian People". Noong 1905 din, nilikha ang United Socialist Party. Habang tumitindi ang mga kontradiksyon, pinapataas ng gobyerno ang panggigipit sa mga layer ng oposisyon ng lipunan, at ang opisyal na pamamahayag ay lumalabas na may bukas na reaksyunaryo-chauvinistikong propaganda. Noong Hulyo 31, 1914, ang tagapagtanggol ng layunin ng uring manggagawa, si J. Jaurès, ay pinatay, na naglantad sa banta ng imperyalistang digmaan. At noong Agosto 3, 1914, nagdeklara ng digmaan ang Alemanya sa France.

Apat na taon ng digmaan ay naglalagay ng mabigat na pasanin sa mga balikat ng mga Pranses. Bilang tugon sa mga panawagan ng rerevanchist ng gobyerno, lumalago ang kilusang welga, at nagaganap ang kaguluhan sa hukbo. Ang balita ng Rebolusyong Oktubre ay nagbibigay-inspirasyon sa mga Pranses na gumawa ng mga mapagpasyang aksyon laban sa digmaan kasabay ng pag-oorganisa ng gobyerno ng Clemenceau ng isang kontra-rebolusyonaryong interbensyon sa Sobyet Russia. Noong 1918, ang Alemanya, na pagod na sa digmaan, ay napilitang sumuko. Noong Nobyembre 11, 1918, natapos ang isang truce sa Compiegne Forest, bilang isang resulta kung saan ang France ay naging isa sa mga matagumpay na bansa. Nagsisimula noong 1918 bagong panahon makasaysayang pag-unlad nito.

Ang pagliko ng ika-19 - ika-20 siglo ay naging para sa mga Pranses sining ng teatro panahon ng matinding ideolohikal at malikhaing paghahanap.

Ang French theater ay nakaranas ng panandaliang pagtaas at organisasyonal at malikhaing pagbabago sa panahon ng Paris Commune. Gayunpaman, pagkatapos ng pagkatalo ng Commune at ang pagkansela ng lahat ng mga desisyon nito sa bagong lakas Ipinadama ng komersyal na teatro ang presensya nito at naging lugar ng libangan para sa publikong burges. Teatro "Comédie Française"; kahit na ang pinakadakilang aktor ng panahong iyon ay nagtatrabaho dito: J. Mounet-Sully, S. Bernard, B. C. Coquelin, ito ay lalong nagiging tagapag-ingat ng mga tradisyong konserbatibo sa akademya. Sa ilalim ng mga kundisyong ito, ang tanong ng isang radikal na pag-renew ng sining ng teatro, ang pangangailangan na ilapit ito sa katotohanan ng buhay, at upang mapagtagumpayan ang paghihiwalay nito sa mahusay na panitikan, ay bumangon nang buong pagmamadali.

Sa France na ang naturalism, ang nangungunang direksyon ng European art noong 1870s at 1880s, ay nakatanggap ng pinakakumpletong pagpapahayag nito. Para sa lahat ng kanilang kalabuan, ang mga aesthetic view at theatrical theory ni E. Zola, na humiling ng demokratisasyon ng teatro, ay nanawagan para sa paglikha ng isang bagong uri ng drama, para sa pagtatanghal ng mga pagtatanghal na matapang na naglalarawan ng mga bisyo at kapangitan ng katotohanan, nakuha. isang malawak na European resonance at higit na tinutukoy ang pag-unlad ng French theater.

Ang mga nineties at simula ng ika-20 siglo ay nailalarawan sa pamamagitan ng pag-unlad ng maraming mga uso - impresyonismo, neo-romantisismo, simbolismo. Sa motley ideological na buhay ng France sa pagsisimula ng siglo, ang kapansin-pansin ay ang kawalan ng pagkakaiba-iba at interpenetration ng iba't ibang istilong uso sa sining ng pagtatanghal.

Ang makabagong pananaliksik sa teatro ay isinasagawa batay sa mga teatro sa studio. Ang una sa seryeng ito ay ang teatro ng pangunguna sa Pranses na direktor na si A. Antoine, isang tapat na estudyante at tagasunod ni Zola. Ang trabahong sinimulan niya ay ipinagpatuloy nina P. Faure at Lunier-Po, na sumunod sa iba't ibang mga prinsipyo ng aesthetic, ngunit nagsikap na lumikha ng isang holistic na pagganap na puno ng diwa ng modernidad. Ang kanilang mga pagsisikap ay nag-aambag sa pagtatatag ng mga malikhaing prinsipyo na may husay na bago, lubhang naiiba sa parehong mga tradisyong pang-akademiko at mga kaugalian ng komersyal na teatro. Ito ay ipinakita sa diskarte sa repertoire, sa mga pagbabagong naranasan ng sining ng aktor, at, siyempre, sa pagbuo ng pagdidirekta.

Walang maliwanag na halimbawa ng "bagong drama" ang lumitaw sa lupain ng Pransya, ngunit ang unang henerasyon ng mga direktor ng Pransya ay malawakang gumamit ng pinakamahusay na mga gawa ng modernong drama mula sa ibang mga bansa. Kaya, batay sa mga dula nina Ibsen, L. Tolstoy at Hauptmann, at nang maglaon ni Strindberg at Gorky, lumitaw ang mga pagtatanghal na naglalaman ng udyok para sa isang radikal na pagsasaayos ng teatro.

Sa paghahanap ng isang ganap, mayaman sa ideolohikal na repertoire, ipinakilala ng mga pinuno ng mga teatro sa studio ang pagsasanay ng pagtatanghal ng pinakamalaking mga gawa ng panitikan - ang mga gawa ni Balzac, ang magkapatid na Goncourt, Zola, J. Renard at iba pang mga may-akda ng Pransya, na kalaunan ay makikita sa apela sa mga gawa ng mga dayuhang manunulat, lalo na sa mga nobela ni Dostoevsky .

Sa pagliko ng ika-19 - ika-20 siglo, ang paggalaw ng mga katutubong teatro, na lumitaw sa maraming mga lungsod at rehiyon ng France, ay nakakuha ng malawak na saklaw. Oryentasyong ideolohikal Ang mga teatro na ito ay magkakaiba: ang ilan sa mga ito ay direktang nauugnay sa pag-unlad ng kilusang paggawa at sosyalistang ideolohiya, ang iba ay nagsisikap na buhayin ang relihiyoso at mystical na mga panoorin. Ngunit ang mismong ideya ng paglikha ng isang katutubong teatro ay lumalabas na lubhang mabunga.

Si R. Rolland ay isang madamdaming tagapagtaguyod ng katutubong teatro. Ang kanyang theatrical at aesthetic na paniniwala at dramaturgy ay may malaking kahalagahan para sa pag-unlad ng French theater. Ang ideya ng katutubong teatro ay higit na binuo sa mga aktibidad ni F. Zhemier, J. Copo at iba pang stage masters ng ika-20 siglo.

Tulad ng sa ibang mga bansa sa Europa, ang pinagmulan ng teatro sa Pransya ay nagmula sa sining ng mga naglalakbay na aktor at musikero noong Middle Ages (juggler), mga larong ritwal sa kanayunan, mga karnabal sa lunsod na may kanilang kusang pag-ibig sa buhay, liturgical relihiyosong drama at higit pang sekular na square spectacles. - mga misteryo at himala, na isinagawa ng mga urban artisan (tingnan ang Medieval theater). Ang mga baguhang tropa ay walang permanenteng espasyo para sa pagganap, at ang mga pagtatanghal ay paminsan-minsang mga kaganapan. Mula lamang sa ikalawang kalahati ng ika-16 na siglo. ang pag-arte ay nagiging isang craft, ang mga pagtatanghal ay nagiging regular, at ang pangangailangan ay lumitaw para sa mga espesyal na kagamitan na bulwagan para sa mga pagtatanghal sa teatro.

Ang mga nakasuot na mimes ay gumising sa isang batang balo. Farcical na pagganap. Mula sa isang sinaunang French miniature.



Henri Louis Lequesne bilang Orosmene sa trahedya ni Voltaire na "Zaire".



Jean Baptiste Moliere sa costume ni Arnolf. "School for Wives" ni Moliere.



Benoit Constant Coquelin sa komedya na "Funny Primroses" ni Molière. Artist Viber. XIX na siglo



Disenyo ng kasuotan para sa trahedya na "Andromache" ni J. Racine. Artista L. Marini. siglo XVIII



Benoit Constant Coquelin (1841-1909) - Pranses na artista at theater theorist.



Sarah Bernhardt bilang Hamlet sa trahedya ng parehong pangalan ni William Shakespeare.]



Eksena mula sa dulang "The Power of Darkness" ni L. N. Tolstoy. “Libreng Teatro” ni A. Antoine. Paris. 1888



Jean Vilar at Gerard Philip sa trahedya na "The Cid" ni P. Corneille. Pambansa katutubong teatro(TNP).



Nasa entablado si Jean Louis Barrault.

Noong 1548, binuksan ang unang teatro sa Paris, ang "Burgundy Hotel." Sa paglitaw ng propesyonal na teatro, lumitaw ang mga unang propesyonal na manunulat ng dula, na nagsusulat ng mga dula na partikular para sa tropa na ito. Nagsimula ang pag-unlad ng scenography, na ang mga naglalakbay na tropa ay dati nang madaling pinamamahalaan nang wala. Ang bawat pagtatanghal ay karaniwang binubuo ng dalawang bahagi - trahedya, pastoral o tragicomedy - at komedya. Sa entablado ng "Burgundy Hotel" sa simula ng ika-17 siglo. ginampanan ng mga sikat na farcers (performers of farces) Tabarin, Gautier-Garguille, Gros-Guillaume, Turlepin.

Ang ika-17 siglo sa France ay ang kasagsagan ng sining ng klasisismo. Ang Classicism ay lumikha ng isang magandang paaralan na tumutukoy sa istilo ng pag-arte para sa maraming taon na darating: ang solemnidad at kamahalan ng mga galaw, pose at kilos ng mga performer, ang kasanayan sa pagbigkas. Ang mga tagumpay ng bagong direksyon sa teatro ng Pransya ay nauugnay sa gawain ni Pierre Corneille (1606-1684), Jean Racine (1639-1699), Jean Baptiste Molière (1622-1673).

Ang mga trahedya ni Pierre Corneille ay itinanghal pangunahin sa Marais theater, na binuksan sa Paris noong 1634. Ang pangunahing tema ng mga gawa ni Corneille na "Cid" (1637), "Horace" (1640), "Cinna" (1641) ay ang pakikibaka sa ang kaluluwa ng bayani ng mga hilig at pakiramdam ng tungkulin at karangalan. Ang mundo ng kanyang drama ay malupit at marilag, ang kanyang mga bayani ay hindi nagkakamali, perpekto at sa kanilang panloob na katatagan ay lumalaban sa pagkakaiba-iba labas ng mundo. Ang mga gawa ni Corneille ay sumasalamin sa mga ideya ng kasagsagan ng absolutismo: ang mga bayani ng kanyang mga trahedya ay nagsasakripisyo ng kanilang mga damdamin at kadalasan ang kanilang buhay sa ngalan ng tungkulin sa estado at sa monarko. At ito ay hindi nagkataon na ang espesyal na interes sa mga gawa ni Corneille ay lumitaw sa France sa mga sandaling iyon sa kasaysayan kung kailan ang pananampalataya sa huwarang bayani, tagapagligtas ng amang bayan. Ang nasabing bayani ay si Sid sa trahedya ng parehong pangalan. Ang papel na ito kasama malaking tagumpay ginampanan ng kahanga-hangang aktor na si Gerard Philip (1922-1959) sa mga taon pagkatapos ng pagtatapos ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig, na nauugnay sa pag-asa ng mga tao para sa demokratikong pagbabago.

Ang gawa ni Jean Racine, ang nakababatang kontemporaryo ni Corneille, ay hindi maiiwasang nauugnay sa teatro ng Burgundy Hotel, kung saan halos lahat ng mga trahedyang isinulat niya ay ginanap. Ang Racine ay higit na naaakit sa lugar ng damdamin ng tao, pagtaas ng pag-ibig, pakikibaka ng magkasalungat na mga hilig. Hindi tulad ng Corneille sa Racine, na ang gawain ay naganap sa mga taon ng pampulitikang reaksyon sa France, ang despotikong kapangyarihan ay lumilitaw bilang isang puwersang lumalaban sa goodies. Ang trahedya ng kanyang mga paboritong pangunahing tauhang babae, bata at magagandang babae: Junia (Britannicus, 1669), Andromache at Berenice (sa mga gawa ng parehong pangalan noong 1667 at 1670) - ay tiyak na binubuo sa isang sagupaan na may makapangyarihang mapang-api na mga despot.

Sa isa sa mga pinakatanyag na trahedya ni Racine, "Phaedra" (1677), ang pagnanasa at moralidad ay lumaban sa kaluluwa ng pangunahing tauhang babae, at ang pagkauhaw sa personal na kaligayahan ay sumasalungat sa budhi.

Mula sa mga aktres na si M. Chanmele, ang unang gumanap ng papel ni Phaedra at iba pang Racine heroine sa The Burgundy Hotel, at si T. Duparc, na gumanap sa parehong tropa, ay nagmula sa tradisyon ng malambot, musikal, emosyonal na mayaman na deklarasyon kapag gumaganap ng Racine's mga trahedya, natural na biyaya ng mga galaw at kilos Sa pinagmulan ng mga tradisyong ito ay si Racine mismo, na gumanap sa Burgundy Hotel at bilang direktor ng kanyang mga dula. Mula sa unang produksyon, ang kasaysayan ng entablado ng "Phaedra" ay hindi nagambala. Ang papel na ginagampanan ng Phaedra ay ginanap ng mga pinakamahusay na artista sa mundo, kabilang ang sa ating bansa - E. S. Semenova, M. N. Ermolova, A. G. Koonen.

Ang ika-18 siglo ay tinatawag na Age of Enlightenment. Ang isa sa pinakamalaking tagapagturo ng Pranses ay si Voltaire (Marie François Arouet, 1694-1778). Naniwala siya sa malakas na puwersa katwiran ng tao at ikinonekta ang kanyang mga pag-asa para sa pagbabago ng mundo sa kaliwanagan. Isang tao na may matalas na katalinuhan at maraming nalalamang talento, si Voltaire ay isang makata, manunulat ng dula, pamphleteer, at kritiko. Kabilang sa kanyang pinakatanyag na trahedya sa istilo ng klasiko ay ang "Brutus" (1731), "Zaire" (1732), "The Death of Caesar" (1735), atbp.

Ang mga bagong genre ay lumitaw sa French drama - burges na drama, "nakakaiyak na komedya", satirical comedy, na naglantad sa moral ng pyudal na lipunan. Ang mga bagong bayani ay lumitaw sa entablado - isang financier, isang "bag ng pera" ("Turcare" ni A. Lesage, 1709), isang matalinong lingkod (gawa ni P. Beaumarchais).

Si Pierre Augustin Beaumarchais (1732-1799), na kabilang sa nakababatang henerasyon ng mga enlightener, sa kanyang satirical comedies na "The Barber of Seville" (1775) at "The Marriage of Figaro" (1784) ay lumikha ng imahe ni Figaro - isang talento, masigla, matapang na lingkod. Tinutugunan niya ang mga aristokrata mula sa entablado mula sa sikat na salita: "Binigyan mo ang iyong sarili ng problema upang ipanganak, iyon lang."

Ang mga gawa nina Voltaire at Beaumarchais at ang kanilang mahuhusay na pagpapatupad sa entablado ay may mahalagang papel sa paghahanda ng ideolohikal ng Great French Revolution ng 1789-1799.

Noong ika-18 siglo Sa scenography at acting, ang mga pagtatangka ay ginawa upang ilapit ang mga pagtatanghal sa katotohanan ng buhay at pagiging tunay sa kasaysayan. Dumadami na ang mga sinehan. At sa buong siglo, ang personalidad at pag-arte ng aktor ay nakakuha ng espesyal na atensyon mula sa parehong mga manonood at mga art theorist. Ang treatise ng namumukod-tanging materyalistang pilosopo at tagapagturo na si Denis Diderot na "The Paradox of the Actor" (1773-1778) ay binibigyang-diin ang pangangailangan para sa isang aktor na ipailalim ang kanyang damdamin sa pangangatwiran, upang kontrolin ang kanyang pag-arte, na hindi naman nagbubukod sa katapatan ng ang kanyang pag-uugali sa entablado at sa parehong oras ay tumutulong sa kanya na mapanatili ang isang pakiramdam ng proporsyon.

Ang mga kilalang kinatawan ng klasikong pang-edukasyon ay ang mga aktor na "Comédie Francaise" Michel Baron (1653-1729), Henri Louis Lequin (1729-1778), mga artista na si Adrienne Lecouvreur (1692-1730), Marie Dumenil (1713-1802), Clairon (1723-1802). 1803).

Ang Great French Revolution 1789-1794 Ang utos sa kalayaan ng mga sinehan, na pinagtibay ng Constituent Assembly noong Enero 19, 1791, ay nagdala ng kalayaan sa teatro ng Pransya mula sa monopolyo ng hari, at humigit-kumulang 20 bagong pribadong mga sinehan ang agad na lumitaw. Tinukoy din ng mga katutubong pagdiriwang at mga pagtatanghal sa teatro ng masa ang paglitaw ng mga bagong genre ng entablado - mga alegorya, pantomime, oratorio na niluwalhati ang tagumpay ng rebolusyon; pampulitikang komedya (tingnan ang mass theatrical performances).

Sa panahon ng rebolusyon, ang Comedy Française ay pinalitan ng pangalan na Theater of the Nation. Ngunit dahil karamihan sa kanyang tropa ay laban sa mga rebolusyonaryong pagbabago, nagtatag ang mga aktor na rebolusyonaryo ang pag-iisip bagong teatro- "Theater of the Republic" na pinamumunuan ng pambihirang trahedya na si Francois Joseph Talmat (1763-1826), isang kinatawan ng rebolusyonaryong klasisismo. Kasunod nito, muling nagkaisa ang parehong tropa ng pinakalumang teatro ng Pransya.

Ang ika-19 na siglo ay nagdala ng pagtanggi sa anumang mga modelo, tuntunin, o dogma sa sining, ibig sabihin, ang mga pundasyon ng klasisismo. Ang paglaban sa tradisyunal na sining ay ibinibigay ng mga batang tagasuporta ng isang bagong direksyon - romantisismo. Sa kanilang maraming manifesto - "Racine and Shakespeare" (1823-1825) ni Stendhal, "The Theater of Clara Gasoul" (1825) ni P. Merimee, "Preface to "Cromwell"" (1827) ni V. Hugo - ang mga mangangaral Ang romantikismo ay pangunahing umasa sa ideyang kalayaan ng balangkas, anyo, paraan ng pagpapatupad. Sa ilalim ng impluwensya ng malayang dramaturhiya ni W. Shakespeare, P. Calderon, F. Schiller, iginiit ng mga romantiko na igalang ang "lokal na kulay," iyon ay, ang tunay na mga kondisyon ng pagkilos, sa pagpapalawak ng mga hangganan nito at pagtanggi sa pagkakaisa ng panahon at lugar. Gayunpaman, ang dramaturgy na nilikha ng mga romantiko ay hindi isinasaalang-alang ang mga kakayahan ng kontemporaryong yugto at mga aktor at, samakatuwid, ay naging napakahirap na gumanap sa tradisyonal na yugto. Samakatuwid, ang pinakamahusay na gumaganap ng romantikong drama nina V. Hugo at A. Dumas na Ama noong mga unang taon ay hindi ang mga aktor ng Comedy Francaise na may katapatan sa mga tradisyon, ngunit ang mga artista na binuo ng paaralan ng pantomime o melodrama. . Aktres na si Marie Dorval (1798-1849) na may madamdaming puwersa na nakapaloob sa entablado ng mga larawan ng mga pangunahing tauhang nakikipaglaban para sa kanilang pag-ibig. Ang isa sa kanyang pinakamahusay na papel ay si Marion Delorme sa drama ng parehong pangalan ni V. Hugo. Si Pierre Bocage (1799 - ca. 1862) ay naging tanyag sa paglikha ng mga larawan ng mga bayaning rebelde sa mga social drama at melodramas nina V. Hugo at A. Dumas the Son. Makatotohanan at kasabay nito romantikong pagkamalikhain Si Frederic-Lemaître (1800-1876) ay lubos na pinahahalagahan ng kanyang mga kontemporaryo. Ang kanyang pinakatanyag na mga tungkulin ay si Ruy Blas sa drama ng parehong pangalan ni V. Hugo, Kean sa drama ni A. Dumas ang Ama na "Kean, o Genius and Dissipation", ang matalinong burges at manloloko na si Robert Macker sa komedya ng parehong pangalan, isinulat mismo ni Frederic-Lemaitre. Naglaro sila sa mga sinehan ng mga boulevards (maliit na pribadong mga sinehan sa lugar ng Grands Boulevards sa Paris), na bumangon sa unang kalahati ng ika-19 na siglo. Ang mga manonood dito ay mas demokratiko kaysa sa Comédie Française. Malinaw niyang tinugon ang emosyonalidad ng mga aktor, ang pagiging tunay ng kanilang mga karanasan sa entablado, at ang katumpakan ng panlipunan at pang-araw-araw na mga katangian.

Gayunpaman, ilang sandali, lumitaw ang mga aktor sa Comedy Française na pinagsama ang mga klasiko at romantikong tungkulin sa kanilang repertoire.

Isang kakaibang negation ng philistine common sense ang lumitaw sa dramaturgy noong 50s. XX siglo ang daloy ng "absurd drama". Ang mga dula nina Arthur Adamov, Eugene Ionesco, Jacques Genet, Samuel Beckett ay itinanghal sa maliliit na pribadong sinehan at nagpahayag ng isang kalunos-lunos na premonisyon ng kamatayan, isang paparating na sakuna, at kawalan ng kakayahan ng tao.

Noong 60-70s. XX siglo Hindi nang walang impluwensya ng mga ideya ng dramaturhiya ni B. Brecht, ang teatro sa politika ay aktibong umuunlad sa France, na nailalarawan sa pamamagitan ng isang aktibong reaksyon ng publiko sa aksyon na nagaganap sa entablado.

Kabilang sa mga pinaka-kagiliw-giliw na theatrical productions ng 70-80s. XX siglo ay kabilang sa mga gawa ng mga direktor na sina Jean Louis Barrault, Ariane Mnouchkine ("Theatre of the Sun"), Roger Planchon ("Theater de la Cité" sa mga suburb ng Lyon), Patrice Cherreau at iba pa.

Sa kasalukuyan ay may ilang daang kumpanya ng teatro sa France. Ang karamihan sa kanila ay nilikha para sa isang panahon at walang tulong ng gobyerno.

Matapos ang rebolusyon ng 1848, ang kulturang musikal ng Pransya ay pumasok sa isang masalimuot at mahirap na panahon. Ang mga kalagayang panlipunan ay humadlang sa pag-unlad nito. Ang mga bagong progresibong uso ay unti-unti lamang na naipon at tumatanda, habang ang mga luma ay tumigil na upang matugunan ang mga hinihingi ng modernidad, at ang Paris ay, sa nakalipas na nakaraan, ang pinakamalaking. music center Europe - ngayon ay nawala ang advanced na kahalagahan nito. Ang panahon ng pinakadakilang kaluwalhatian ni Meyerbeer ay naiwan - ito ay nagsimula noong 30s at 40s; sa parehong mga dekada, nilikha ni Berlioz ang kanyang pinakamahusay na mga gawa - ngayon siya ay pumasok sa isang panahon ng matinding krisis; Si Chopin, na mahigpit na konektado sa buhay musikal ng Paris at ang adornment nito, ay namatay; Umalis na si Liszt sa France sa oras na ito, nanirahan sa Germany. Totoo, sa pagtatapos ng 50s at noong 60s isang bilang ng mga bagong pangalan ang lumitaw - Offenbach, Gounod, Bizet, Saint-Saens at iba pa. Ngunit sila (maliban kay Offenbach) ay nahirapan sa pagpunta pagkilala sa publiko sa pamamagitan ng buong istraktura at katangian ng buhay panlipunan ng Ikalawang Imperyo.

Ang mga natamo ng rebolusyon noong 1848 ay inagaw makalipas ang tatlong taon ni Louis Bonaparte, na nagpahayag sa kanyang sarili bilang Emperador Napoleon III (tinatakpan siya ni Hugo ng palayaw na "Little Napoleon"). Isang mahusay na demagogue, nagamit niya ang pangkalahatang popular na kawalang-kasiyahan sa burges na monarkiya ni Louis Philippe at, deftly maniobra sa pagitan ng iba't ibang mga pangkat panlipunan ang populasyon ng Pransya, pinaglaban sila sa isa't isa.

Ngunit, nang mabaligtad ang buong burges na ekonomiya, dinala ni Napoleon III sa susunod na dalawang dekada ang bansa upang makumpleto ang pagbagsak ng estado. Sa malupit na kalinawan, inilantad ng Digmaang Franco-Prussian noong 1870 ang kapahamakan ng Ikalawang Imperyo, na pinamumunuan ng "isang gang ng mga pulitikal at pinansyal na adventurer" (F. Engels).

Ang bansa ay hinawakan ng lagnat na kaguluhan: ang pagnanasa sa kita, para sa stock speculation ay tumagos sa lahat ng dako - lahat ay ibinebenta. Ang katiwalian na ito ay nakatago sa likod ng walang kahihiyang luho ng lila at ginto at ang matingkad na kinang ng mapagmataas na pakikipagsapalaran.

Inihulog ni Napoleon III ang France sa patuloy na mga digmaan sa Russia (ang tinatawag na "Crimean Campaign"), Austria, China, Syria, Mexico at, sa wakas, Germany. Minsan nanganak ang mga digmaang ito visibility tagumpay, bagama't wala silang naidulot kundi pinsala sa ekonomiya ng bansa. Ngunit kailangan sila ni Napoleon, dahil nagtanghal siya ng mga kahanga-hangang panoorin para sa anumang pampublikong kaganapan - maging ang pagdating ng English Queen Victoria o ng Persian Shah Farouk, ang koronasyon ni Alexander II sa St. Petersburg o ang tagumpay laban sa mga Austrian sa Solferino (sa Italy ), kamatayan pambansang makata Beranger o ang libing ng mga sikat na kompositor na sina Meyerbeer at Rossini. Ang bawat isa sa mga kaganapang ito ay sinamahan ng mga marangyang seremonya: ang mga tropa ay nagmartsa sa nakakabinging tunog ng mga brass orchestra, ang mga konsiyerto ay ibinigay na may maraming libu-libong mga kalahok. Sa panlabas, ang seremonyal na bahagi ng buhay sa Paris ay nilagyan ng walang lasa na karilagan. Kahit na ang lungsod mismo ay nabago: ang mga lumang bahay at buong kapitbahayan ay giniba - ang Paris ay itinayo muli sa isang burgis na paraan.

Ang mga kamangha-manghang negosyo ay sinakop ang isang malaking lugar sa buhay panlipunan ng France. Noong 1867, nang ang mga kasiyahan ay umabot sa kanilang kasukdulan na may kaugnayan sa Universal Exhibition, ang Paris ay may apatnapu't limang mga sinehan, kung saan - isang tampok na katangian! - tatlumpu ang nagbigay ng kanilang entablado magaan na genre. Sa isang whirlpool ng masaya at pampublikong mga bola, mabilis na sumugod ang France patungo sa sakuna ng Sedan (Nakakakuha ng malawak na larawan ng moral at buhay panlipunan ng Ikalawang Imperyo ang multi-volume na serye ng mga nobela ni Zola na Rougon-Macquart.).

Ang krisis ng "malaki" at comic opera

Sa ganitong mga kondisyon, imposibleng bumuo ng mabunga sining ng musika- maliban sa kanyang mga baga lamang, mga genre ng entertainment. Ang sayaw na pagkahumaling ay sumasaklaw sa lahat ng antas ng lipunan - mula sa Versailles hanggang sa labas ng Paris. Ang musikang pang-aliw, na may matutulis, nakakagalaw na ritmo at mapaglarong mga kanta, ay pinatunog sa lahat ng dako - sa mga teatro sa boulevard, iba't ibang palabas, at mga konsyerto sa hardin. Minsan ang mga maliliit na farces at vaudeville ay nilalaro sa mga paksang pangkasalukuyan. Noong 50s, isang operetta ang lumitaw sa batayan na ito - isinama nito ang walang kabuluhang diwa ng Ikalawang Imperyo (para sa higit pang mga detalye, tingnan ang sanaysay na "Jacques Offenbach"). Ang kaakit-akit na pag-usbong ng operetta ay sinamahan ng artistikong paghina ng sining ng opera.

Ang seremonyal na karangyaan at stilted na retorika, na nagtatakip sa panloob na kahungkagan at moral na kawalan ng prinsipyo, ang mga katangiang ito ng ideolohiya ng mga naghaharing bilog ng Ikalawang Imperyo, ay nag-iwan ng kanilang marka sa nilalaman at istilo ng mga pagtatanghal sa musika, lalo na. opisyal na teatro"Grand Opera". Ang nakapipinsalang impluwensya ng ideolohiyang ito ay lubos na nakaapekto sa tinatawag na "grand opera" ng kamangha-manghang-monumental na uri.

Ang dramaturgy ng Scribe - Meyerbeer, ang pinakamataas na tagumpay na kung saan ay "The Huguenots" (1836), ay naubos ang sarili nito. Si Meyerbeer mismo, pagkatapos ng The Prophet (1849), na kumakatawan sa isang hakbang pabalik na may kaugnayan sa mga Huguenot, ay bumaling sa iba pang mga paghahanap, dahil ang mga pagtatangka na isama ang kabayanihan na prinsipyo o popular na pambansang mithiin sa kapaligiran ng katiwalian na sumisira sa istrukturang panlipunan ng Ang Ikalawang Imperyo ay hindi makoronahan ng tagumpay. Kahit si Berlioz, na sa Les Troyens (1859) ay nagsumikap na buhayin ang etikal na espiritu at klasikal na kaplastikan ng mga anyo ng trahedya ni Gluck, ay nabigo na gawin ito. Ang lahat ng mas walang saysay ay ang mga eksperimento ng mga epigone ng paaralan ng Meyerbeer. Ang kanilang mga akda, na gumamit ng mga paksang pangkasaysayan o mitolohiya sa magarbong, kumbensyonal na paraan, ay naging hindi mabubuhay. (Pinakamahusay na Opera may talento at prolific Fromental Halévy (1799-1862) - "Jew", na kilala sa mga yugto ng Sobyet teatro sa musika pinamagatang “The Cardinal’s Daughter,” ay itinanghal kahit noong 1835, ilang sandali bago ang “The Huguenots.” Mainit na nagsalita si V.I. Lenin tungkol sa opera na ito (tingnan ang: Lenin V.I. Poln. sobr. soch., vol. 55, p. 202); siya ay lubos na pinahahalagahan ni A. I. Herzen.). Ang kawalan ng prinsipyo sa mga terminong ideolohikal, ang eclecticism sa artistikong termino ay nagpapahiwatig ng krisis ng "grand opera". Ang mga kinatawan ay hindi makahinga ng buhay dito susunod na henerasyon- Gounod, Saint-Saens, Massenet at iba pa.

Ang comic opera ay nakakaranas din ng isang malubhang krisis dahil sa kahirapan ng ideolohikal na nilalaman at ang pananabik para sa panlabas na libangan. Ngunit gayon pa man, kumpara sa "malaki", sa lugar komiks opera naging mas matindi ang malikhaing aktibidad. Sa loob ng maraming taon, ang mga bihasang manggagawa tulad ni Daniel Francois ay nagtrabaho dito Ober(namatay noong 1871, ngunit noong 1869 pa rin - sa edad na walumpu't pito! - nagsulat ng kanyang huling komiks opera) at Ambroise Tom(namatay noong 1896); V genre ng komiks sinubukan ang kanilang kamay Bizet(kahit ang kanya opera ng kabataan"Don Procopio" ay hindi itinanghal) Saint-Saens At Gounod; Huwag nating kalimutan, sa wakas, na si Carmen ay ipinaglihi ng may-akda nito bilang isang comic opera.

Gayunpaman, kung ano ang nilikha sa mga taong ito ay mas pinalusog ng mga matagal nang tradisyon - ang parehong Aubert kasama ang kanyang pinakamahusay na mga gawa noong 30s ("Fra Diavolo", "Black Domino"), Adolphe Adam o Louis Herold - kaysa ito ay nagbukas ng bago mga paraan. Ngunit ang mayamang karanasan na naipon ng comic opera sa paglalarawan ng pang-araw-araw na buhay, mga tunay na uri at modernong buhay ay hindi walang kabuluhan - nag-ambag ito sa pagbuo ng mga bagong genre ng operetta at "lyric opera".

Mula sa huling bahagi ng 50s at 60s, naganap ang "lyric opera", kung saan ang pang-araw-araw na mga balangkas, emosyonal na totoo, "komunikatibo" na paraan ng pagpapahayag ay mga palatandaan ng lumalagong impluwensya ng realismo sa sining ng Pranses (tingnan ang higit pa tungkol dito sa mga sanaysay na "Charles Gounod " at "Jules Massenet"). At kung ang kalidad ng mga pagtatanghal ng mga sinaunang institusyon ng estado sa France ay bumaba nang husto - Mga sinehan sa Paris"Grand Opera" at "Comic Opera", pagkatapos, tumugon sa mga kahilingan ng mga demokratikong tagapakinig, isang pribadong negosyo ng isang bagong musikal na teatro ang lumitaw, na tinatawag na "Lyrical" (umiiral mula 1851 hanggang 1870). Hindi lamang mga gawa ng mga klasiko sa mundo ang ginanap dito, kundi pati na rin ng mga modernong kompositor, kabilang si Berlioz, lalo na ang mga tagalikha ng "lyrical" na genre - Gounod ("Faust", "Mireille", "Romeo and Juliet"), Bizet ("The Pearl Fishers" , "Perth Beauty") at iba pa.

Estado ng buhay ng konsiyerto

Sa pagtatapos ng panahong ito, inaasahang may ilang muling pagbabangon sa entablado ng konsiyerto. Ito ang pinaka-mahina na bahagi ng Parisian buhay musikal: dahil sa sigasig para sa mga pagtatanghal ng mga soloista, ang symphonic at chamber culture ay nakatayo sa napakababang antas. Totoo, mayroong isang conservatory orchestra, na inorganisa noong 1828 ng konduktor na si François Gabenek mula sa mga propesor nito; ngunit, una, ang mga pagtatanghal ng orkestra ay bihira, at pangalawa, hindi sila nakikilala sa pamamagitan ng artistikong pagiging perpekto. Noong 50s, ang konduktor na si Jules Padelou ay bumuo ng isang "orchestra ng kabataan" mula sa mga mag-aaral ng conservatory (ang tinatawag na "Society of Young Artists"), at sa susunod na dekada ay pinamamahalaang niyang itanim ang interes ng publiko sa symphonic music.

Gayunpaman, wastong itinuro ni Saint-Saens: " Pranses na kompositor, na hanggang 1870 ay nagkaroon ng lakas ng loob na sumakay sa madulas na dalisdis ng instrumental na musika, ay walang ibang pagkakataon na itanghal sa publiko ang kanyang mga komposisyon kundi ang magbigay ng sarili niyang konsiyerto at anyayahan ang kanyang mga kaibigan at kritiko sa musika dito. Tulad ng para sa publiko - ang ibig kong sabihin ay ang "tunay na publiko" - wala nang dapat isipin: ang pangalan ng kompositor na naka-print sa poster, at, bukod dito, isang Pranses na kompositor, at higit pa rito, isang buhay, ay may kahanga-hangang pag-aari. ng pagpapalipad sa lahat." Ang kakulangan ng interes ng publiko sa mga genre na ito ay nag-iwan din ng marka sa mga pamamaraan ng pagtuturo ng konserbatoryo, na nagkasala ng isang patas na halaga ng dogmatismo at, ayon sa itinatag na masamang tradisyon, ay hindi nagtanim sa mga kompositor ng isang masining na panlasa para sa instrumental na musika.

Sa isang tiyak na lawak, ito ay sanhi ng nangingibabaw na atensyon sa mga paraan ng pagpapahayag ng musika at entablado - sa teatro, sa epektibong pagpapakita ng mga damdamin at pagkilos ng tao, sa pagpaparami ng mga visual na sandali, na sa pangkalahatan ay katangian ng Pranses. pambansang masining na tradisyon. Ito, sa partikular, ay itinuro ng parehong mga Saint-Saëns: "Sa France ay gustung-gusto nila ang teatro kung kaya't ang mga batang kompositor, kapag nagsusulat ng musika para sa mga konsyerto, ay hindi magagawa kung wala ito at sa halip na mga tunay na symphonic na gawa ay madalas silang nagbibigay ng mga sipi sa entablado, mga martsa. , mga pagdiriwang, sayaw at prusisyon kung saan ang huwarang pangarap ng simponya ay napalitan ng nakikitang realidad ng entablado sa teatro.”

Ang kalunos-lunos na kapalaran ng pinakadakilang symphonist noong ika-19 na siglo, si Berlioz, ay lubos na nagpapahiwatig ng mahirap na mga kondisyon kung saan ang mga Pranses instrumental na musika ginawa ang kanyang paraan sa pagkilala sa publiko. Ngunit din sa lugar na ito pagkamalikhain sa musika isang kapaki-pakinabang na punto ng pagbabago ang naganap bilang resulta ng pag-unlad ng lipunan sa pagpasok ng 60s at 70s. Totoo, ang mga sulyap sa umuusbong na pagbabago ay matatagpuan nang mas maaga - noong 50s, ang Gounod (1851), Saint-Saëns (1853), Bizet (1855; ang symphony na ito ay hindi ginanap sa panahon ng buhay ng kompositor) na gumanap ng kanilang mga unang symphony. At bagaman ang Saint-Saëns noong 1870 ay may-akda na ng dalawang symphony, tatlong konsiyerto para sa piano, dalawa para sa byolin, isang bilang ng mga orkestra na overture at suite, ang oras ng maraming nalalaman na pamumulaklak ng French symphonic na musika ay nahuhulog sa huling ikatlong bahagi ng ika-19. siglo.

Noong 1869, namatay si Berlioz nang mag-isa, na pinagkaitan ng kanyang bilog ng mga tagapakinig. Ngunit makalipas ang isang taon, idinaos ng Paris ang mga pagdiriwang ni Berlioz sa isang maligaya na kapaligiran, at ang lumikha ng Fantastique Symphony ay idineklara na isang pambansang henyo. At sa susunod na tatlumpung taon, sa mga konsyerto ng conductor na si Eduard Colonna lamang, ang mga gawa ni Berlioz ay ginanap ng limang daang beses, kung saan ang "The Damnation of Faust" ay isang daan at limampu.

Ang papel na ginagampanan ng urban musical folklore

Kaya, unti-unting lumitaw ang mga pagbabago sa kultura ng musika - sinasalamin nila ang paglaki ng mga puwersa ng demokratikong kampo, na nakikilala mula sa gitna nito ng isang kalawakan ng mga mahuhusay na batang kompositor. Sa kaibahan sa mga romantiko - mga kinatawan ng mas lumang henerasyon - ang kanilang mga artistikong mithiin ay nabuo sa ilalim ng tanda ng realismo, na ngayon ay sumusulong sa sining ng Pranses sa isang malawak na harapan.

Si Gustave Courbet, isang aktibong Communard sa hinaharap, ay nanguna sa pagpipinta. "Ang pagiging totoo, sa esensya nito, ay sining demokratiko", sinabi niya. At pagkatapos niya, si Edouard Manet ay naging tanyag, ang may-akda ng mga nakakagulat na pagpipinta na "Olympia" at "Pananghalian sa Grass". Sinasalamin din ng panitikan ang mga kontradiksyon ng modernong buhay - sa ikalawang kalahati ng siglo ito mga kilalang tao ay sina Gustave Flaubert, Emile Zola, Guy de Maupassant. Gayunpaman, ang mga makatotohanang paggalaw ay magkakaiba sa kanilang komposisyon, at posible lamang na pagsamahin ang kanilang mga kinatawan sa isang tiyak na "paaralan" na may kondisyon lamang.

Ang parehong dapat sabihin tungkol sa musika. Ang mga makatotohanang tendensya ay nabuo dito sa ibang pagkakataon kaysa sa panitikan ang kanilang pagpapakita ay nahadlangan ng konsiyerto at teatro na pagsasanay, na sumasalamin sa mga aesthetic na panlasa ng mga naghaharing bilog ng Ikalawang Imperyo. Samakatuwid, ang pagiging totoo sa musika ay tulad ng nangingibabaw ang direksyon ay lumitaw lamang noong 70s, pagkatapos ng Paris Commune, at may husay din na heterogenous. Gayunpaman, ang mismong katotohanan ng pagtagos sa mga gawang musikal mga demokratikong larawan at kwento. Bukod dito, ang paraan ng pagpapahayag ng musikal at ang istilo ng pananalita sa musika ay naging demokrasya at naging mas “sosyal.”

Sa prosesong ito update ng intonasyon Pranses na musika pangalawa kalahati ng ika-19 na siglo siglo, ang papel ng urban folklore ay naging makabuluhan. Parami nang parami ang mabagyong alon rebolusyonaryong kilusan nag-ambag sa malawakang pag-unlad ng pang-araw-araw na mga genre ng kanta at sayaw. Ang "oral tradition" na musikang ito ay nilikha at ginanap ng mga urban folk poets-singers - sila ay tinatawag na "chansonniers" sa Pranses:

Since Pierre Bérénger, marami mga makatang Pranses nakakuha ng inspirasyon mula sa katutubong tradisyon ng mga chansonnier. Kabilang sa kanila ang mga artisan at manggagawa. Nag-improvise at kumanta sila ng mga topical couplets sa mga artistikong cafe; ang gayong mga pagpupulong ay nakatanggap ng pangalang "goguette" (goguette ay nangangahulugang "maligayang kapistahan" o "maligayang pag-awit" sa Pranses). Ang Goguettes ay isang mahalagang bahagi ng buhay musikal hindi lamang ng Paris, kundi pati na rin ng iba pang mga pangunahing lungsod sa France.

Sa batayan ng Gogettas, lumaki ang mga amateur singing society (lumitaw sila noong 20s ng ika-19 na siglo), ang mga kalahok ay tinawag na "Orpheonists" (Pagdating ng dekada 70, mayroong mahigit tatlong libong singing society sa France. Ang mga brass music ensemble ay hindi gaanong sikat (ang kanilang mga kalahok ay tinawag na "harmonists").). Ang pangunahing contingent ng mga lipunang ito ay mga manggagawa, na, natural, tinutukoy ang ideolohikal at pampulitikang oryentasyon ng repertoire ng mga kanta na ginanap. Noong 1834, ang paunang salita sa isang koleksyon ng gayong mga teksto (“Mga Tula ng Republika,” dalawang isyu) ay nagsabi: “Awit, kanta lang ang posible ngayon,” gusto naming sabihin, “lamang awiting bayan magiging isang bagay na ngayon kalye pindutin. Hahanapin niya ang kanyang paraan sa mga tao."

Talagang natagpuan niya ang ganitong paraan. Maraming mga kanta, na pumukaw sa kamalayan ng uri ng mga manggagawa, ay nakakuha ng malawak na katanyagan. Kabilang sa mga ito talaga gawang bayan- ipinanganak sa bisperas ng rebolusyonaryong pag-aalsa noong 1848, "Awit ng Tinapay" ni Pierre Dupont at nilikha pagkaraan ng ilang dekada bilang tugon sa mga kaganapan ng Paris Commune, ang pinakadakilang masining na monumento kanyang mga kabayanihan - "The Internationale" ni Eugene Potier - Pierre Degeyter.

Ang makasaysayang kahalagahan ng Paris Commune, ang napakalaking katangian ng mga artistikong kaganapan nito. Internasyonal na awit ng proletaryado na "International"

Ang Paris Commune - ang "walang uliran na karanasan sa kasaysayan ng sangkatauhan ng diktadura ng proletaryado" (V.I. Lenin) - ay minarkahan ang isang malaking pagbabago sa sosyo-pulitika at kultural na buhay ng France. Ang Commune ay nauna sa isang kahiya-hiyang pagkatalo sa digmaan sa Alemanya - sa loob ng apatnapu't isang araw, dahil sa kawalan ng kakayahan ng mga heneral, ang Pranses ay natalo ng sampung labanan, at si Napoleon III, sa pinuno ng kanyang mga tropa, ay sumuko sa Sedan sa awa ng mga nanalo. Umabot na sa limitasyon ang pagkasira ng ekonomiya sa bansa. Ang mga manggagawa sa Paris, na kinuha ng isang makabayang udyok, ay kinuha ang kapangyarihan sa kanilang sariling mga kamay.

Hindi nagtagal ang Commune, nalunod sa dagat ng dugo ng reaksyunaryong burgesya - pitumpu't dalawang araw lamang. Ngunit ang kanyang mga aktibidad sa larangan, hindi lamang pampulitika, kundi pati na rin sa kultura, ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang ideolohikal na lawak at layunin. Inihanda ng Commune ang pagpapatupad ng sapilitang pag-aaral, na hiwalay sa simbahan, at ginawa itong magagamit ng mga manggagawa upang bisitahin ang mga teatro, konsiyerto, aklatan, museo, atbp.

"Sining para sa masa" ang islogan na ipinroklama ng Commune, na naging batayan ng masining na patakaran nito. Ang mga konsyerto na may pinaghalong programa at maliliit na pagtatanghal ay inorganisa para sa masang manggagawa. Ang mga ito ay ibinigay sa napakalaking sukat sa Tuileries Palace, kung saan ang mga makabayang pagtatanghal ng mga mahuhusay na aktres na sina Agar at Borda ay lalong sikat. Maraming mga konsiyerto ang inayos din ng mga distrito ng Paris at mga yunit ng pambansang bantay - pinatugtog ang musika sa mga lansangan at mga parisukat. Ang pagmamahal sa sining ang nagbigay inspirasyon sa mga proletaryong tagapagtanggol ng Commune - naging simbolo ito ng kanilang bagong rebolusyonaryong buhay.

Ang Federation of Artists, na pinamumunuan ni Gustave Courbet, ay nagbigay ng malaking tulong sa pag-oorganisa ng mga mass performance. Sa kabila ng pangingibang-bansa o sabotahe ng maraming artista (pangunahin ang Grand Opera at ang French Comedy), ang Federation ay nagawang makaakit ng maraming pangunahing artistikong pigura sa panig nito. Kabilang sa mga ito ang mga makata na sina Paul Verlaine at Arthur Rimbaud, pianista na si Raoul Pugnot, kompositor na si Henri Litolf, violinist na si Charles Danclat, folk at early music researcher na si Louis Bourgault-Decoudre at iba pa.

Ang Commune ay nakaranas ng mga paghihirap sa nilalayong reporma ng edukasyon sa musika. Ang isang makabuluhang bahagi ng pagkapropesor ay tumakas mula sa Paris (mula sa apatnapu't pitong propesor, dalawampu't anim ang natitira), at sa mga nanatili, marami ang hindi nakibahagi sa mga kaganapan ng Commune. Ang pinuno ng konserbatoryo ay ang masigla at mahuhusay na kompositor na si Daniel-Salvador (1831-1871), ang may-akda ng higit sa apat na raang kanta, piano at iba pang mga gawa, isang siyentipiko - isang pangunahing connoisseur ng Arabic na musika - at isang kritiko. Gayunpaman, ang kanyang patuloy na pinag-isipang proyekto para sa demokratisasyon ng konserbatoryong edukasyon ay hindi maipatupad, at ang El Salvador mismo ay pinatay ng mga tropa ng gobyernong burges sa panahon ng pagsupil sa Commune.

Sa masining na patakaran nito, na naglalayon sa kapakinabangan ng mga tao, ang Commune ay nagawang makamit, ngunit mas nagplano para sa pagpapatupad. At kung ang kanyang mga aktibidad ay hindi direkta na makikita sa gawain ng mga modernong propesyonal na kompositor, naapektuhan ito nang maglaon hindi direkta, pagpapalalim at pagpapalawak ng mga demokratikong pundasyon ng sining ng Pranses.

Ang direktang epekto ng mga ideya ng Commune ay nakuha sa mga bagong kanta na nilikha ng mga manggagawang makata at musikero. Ang ilan sa mga kantang ito ay nakarating na sa amin, at isa sa mga ito ay nakakuha ng katanyagan sa buong mundo, na naging isang bandila sa pakikibaka para sa demokrasya at sosyalismo. Ito ang International (Bilang karagdagan, dapat nating tawagan ang awit ng labanan ng mga Communard na "Red Banner". Ang teksto nito ay isinalin noong 1881 ng makatang Polish na si B. Chervinsky, at mula sa Poland noong huling bahagi ng dekada 90 ang kantang ito ay dumating sa Russia, kung saan ito ay naging napaka. sikat.).

Manggagawang makata at mang-aawit Eugene Potier(1816-1887), isang kumbinsido na Communard, ilang araw pagkatapos ng pagkatalo ng Commune - Hunyo 3, 1871 - nagtatago sa ilalim ng lupa, lumikha siya ng isang teksto na kalaunan ay naging awit ng pandaigdigang proletaryado. Ang tekstong ito (ito ay nai-publish lamang noong 1887) ay isinilang sa mga ideya ng Commune, at ang ilan sa mga parirala nito ay nagpapakahulugan sa pinakamahalagang probisyon ng "Manifesto ng Partido Komunista" (Noong 1864, sa pamumuno nina K. Marx at F. Engels, nilikha ang "International Workers' Association" - ang unang internasyonal na organisasyong masa ng proletaryado, na sa Pranses ay dinaglat bilang "International". Ang awit ni Potier, na tinatawag na para sa pagkakaisa ng mga manggagawa ng lahat ng mga bansa, ginamit ito ang pangalan.).

Ang isa pang manggagawa ay isang wood carver Pierre Degeyter(1848-1932), isang aktibong miyembro ng bilog na "Orpheonists" ng lungsod ng Lille, noong 1888 ay lumikha ng isang himig sa teksto ni Potier, na agad na kinuha ng mga manggagawa ng Lille, at pagkatapos ng iba pang mga sentro ng industriya ng France .

Noong 1902, isinalin ng rebolusyonaryong Ruso na si A. Ya Kots ang tatlo sa anim na saknong ng kanta, na pinalakas ang rebolusyonaryong apela sa nilalaman nito. Ang pagsasalin at adaptasyon ni Kotz ay nai-publish sa susunod na taon, at ang mga tala ng awit - sa unang pagkakataon sa Russia - noong 1906. Ang rebolusyonaryong kasanayan ng Russia ay gumawa ng mahahalagang pagbabago sa intonasyon ng awit. Inisip ni Degeyter ang kanyang himig sa karakter ng isang masayahin, mabilis na martsa sa dalawang quarter, tulad ng mga sikat na kanta ng Rebolusyong Pranses noong 1789 - "Qa ira", "Carmagnola" at iba pa. Sa Russia, ang himig na ito ay nakatanggap ng isang malawak, solemne na awit at nakakuha ng isang malakas, matagumpay na tunog. At nakapasok na Ruso Ang transkripsyon na "The International" ay itinuturing ng mga tao sa mundo bilang isang himno ng internasyunal na proletaryong pagkakaisa.

Lubos na pinahahalagahan ni V.I. Lenin ang kahalagahan ng ideolohikal, masining, propaganda ng proletaryong awit. Tinawag niya si Pothier na "isa sa pinakadakila propagandista sa pamamagitan ng awit" At sa pagsasalita tungkol sa "International", itinuro ni V.I. Lenin: "Ang kantang ito ay isinalin sa lahat ng mga wika sa Europa at hindi lamang mga wikang Europeo. Saang bansa man mapunta ang isang manggagawang may kamalayan sa uri, saan man siya dalhin ng kapalaran, gaano man siya kaaliw, walang wika, walang kakilala, malayo sa sariling bayan, makakahanap siya ng mga kasama at kaibigan sa pamilyar na tono ng ang “International.”

Panahon ng "Pag-renew"; ang pag-usbong ng kulturang musikal ng Pransya sa mga huling dekada ng ika-19 na siglo

Ang pagbagsak ng Ikalawang Imperyo ay humantong sa pag-aalis ng mga hadlang na nagpaantala sa pag-unlad ng ekonomiya at kultura ng Pransya. dati artistikong pigura Ang problema ng democratizing art, na inilalapit ito sa mga interes at pangangailangan ng malawak na masa, ay naging talamak. Ngunit ang itinatag na rehimeng republika ay burgis, at sa pagtatapos ng siglo - sa bisperas ng panahon ng imperyalismo - ang mga reaksyunaryong aspeto ng ideolohiya ng mga naghaharing uri ay lalong lumakas. Pinalalim nito ang mga kontradiksyon sa kultura ng musika ng France at sa gawain ng mga indibidwal na kinatawan nito.

Sa sumunod na dalawang dekada, maraming mahahalagang, progresibong bagay ang lumitaw na nagpayaman sa konsiyerto, teatro at malikhaing kasanayan. Ngunit ang kilusang ito ay hindi pare-pareho, kung minsan ay kompromiso, hindi matatag, dahil ang katotohanan mismo ay nailalarawan sa pamamagitan ng matinding mga kontradiksyon sa lipunan.

Tinatawag ng mga mananalaysay na Pranses ang panahong ito na "panahon ng pag-renew." Ang kahulugang ito naghihirap, gayunpaman, mula sa kamalian: sa huling ikatlong bahagi ng ika-19 na siglo, ang French musical art ay hindi gaanong "na-update" dahil ang mga artistikong uso na lumitaw kanina ay naging mas malinaw. Kasabay nito, ang mga bagong uso ay umuusbong - ang mga tampok ng musikal na impresyonismo ay unti-unting nahuhubog.

Ang pagbabagong-buhay sa pampublikong buhay ay may kapansin-pansing epekto sa pagpapalawak ng hanay at mas malawak na mga anyo ng konsiyerto at teatro na buhay. Naapektuhan nito ang Grand Opera sa isang mas mababang lawak, ngunit ang mga aktibidad ng Opera Comic Theater ay nakakuha ng isang malawak na saklaw, sa yugto kung saan - salungat sa pangalan nito - ang mga gawa ng iba't ibang genre ay itinanghal, kabilang ang mga modernong Pranses na may-akda (mula sa Bizet's Carmen hanggang sa Pelléas at Mélisande ni Debussy). Kasabay nito, ang proporsyon ng mga konsiyerto ng symphony ay tumaas nang husto - ginanap sila sa Paris ng dalawang organisasyon, ang isa ay pinamumunuan ng konduktor na si Edouard Colonne (umiiral mula noong 1873), ang isa naman ay si Charles Lamoureux (mula noong 1881). Ang mga konsyerto sa kamara ay nagsimula ring regular na ibigay.

Ang papel ng " Pambansang Lipunan" Ito ay nilikha noong 1871 sa inisyatiba ng Saint-Saëns, na may malapit na pakikilahok ni Frank - bilang tugon sa pambansang pagsulong ng makabayan - at itinuloy ang layunin ng todo-todo na propaganda ng mga gawa ng mga manunulat na Pranses. Ang lipunang ito ay regular na nag-organisa ng mga konsiyerto ng kontemporaryong musika at higit sa tatlumpung taon ay nagbigay ng higit sa tatlong daang mga konsiyerto. Hindi lamang nito ipinaglaban ang mga karapatan ng mga kompositor, ngunit noong una ay tumulong sa pagkakaisa ng kanilang hanay. Gayunpaman, ang magkasalungat na kurso ng pag-unlad ng musikang Pranses ay makikita rin dito: ang pagkalito sa ideolohiya na lumitaw sa pagtatapos ng siglo ay naging paralisado sa mga aktibidad ng Pambansang Lipunan.

Ang "panahon ng pag-renew" ay medyo maikli ang buhay Kaya, ang pinakamahusay na oras sa gawain ng Offenbach o Gounod ay nahuhulog sa pagtatapos ng 50s at 60s - sa simula ng 70s; Si Chabrier - sa 70 -80s ay nagtrabaho nang pinaka-produktibo ang Saint-Saëns mula sa huling bahagi ng 60s hanggang 80s, atbp. Gayunpaman, naganap ang isang pagbabago: ang panahong ito na minarkahan ng matataas na tagumpay sa sining sa larangan ng teatro - ito ay "Ang Arlesiane" at "Carmen" ni Bizet, ang mga ballet na "Coppelia", "Sylvia" at ang opera na "Lakmé" ni Delibes, ang mga opera na "Manon" at "Werther" ni Massenet, "Samson at Delilah" ni Saint-Saëns, atbp.Sa larangan ng symphonic at musika sa silid- ito ay, una sa lahat, gumagana mature period Ang pagkamalikhain ni Frank, ang malalim na nilalaman at artistikong pagiging perpekto nito ay nabuksan bagong kabanata sa kasaysayan ng musikang Pranses, gayundin ang konsiyerto ng birtuoso at iba pang mga gawa ng mayayamang Saint-Saëns; Kasama nila at bahagyang nasa ilalim ng kanilang impluwensya, lumilitaw ang maraming iba pang pangunahing mga pigura ng pambansang sining.

Narito ang kanilang mga pangalan (mga gawa na pangunahing nilikha bago ang simula ng ika-20 siglo ay ipinahiwatig).

Edward Lalo(1823-1892), isang biyolinista sa pamamagitan ng pagsasanay, ang may-akda ng tanyag na limang kilusan na "Spanish Symphony" para sa violin at orchestra (1874), ang dalawang-movement na "Norwegian Rhapsody" para sa parehong komposisyon (1879), ang symphony sa g minor (1886), at ang ballet na " Namuna" (1882), ang opera na "King of the City Is" (1876, premiere - 1882). Ang kanyang musika ay magaan at matikas, ang mga melodies, kadalasang maikli, ay matapang, ang mga ritmo ay matalas at masigla, ang pagkakatugma ay sariwa. Karaniwan, ito ay pinangungunahan ng mga tono ng kagalakan nang walang pagpapanggap sa pagiging maalalahanin.

Emmanuel Chabrier(1841-1894) - isang temperamental artist na pinagkalooban ng masaganang katatawanan, na kilala lalo na sa kanyang makulay na tula-rhapsody na "Spain" (1883). Para sa musikal na teatro, isinulat niya ang operetta na "The Star" (1874), ang two-act opera na "Gwendoline" (1886), na sumasalamin sa kanyang pagkahilig para kay Wagner, at ang masayahin, maliwanag na pambansang comic opera na "The Reluctant King" ( 1887). Nag-iwan din si Chabrier ng ilang piraso ng piano, orihinal ang istilo.

Vincent d"Andy(1851-1931), ang pinakamalapit at pinakamatapat na estudyante ni Frank, ay isa sa mga tagapagtatag at permanenteng direktor ng "Singing School" (Schola cantorum, na inayos noong 1896) - ang pinaka-makapangyarihan, kasama ang Paris Conservatory, institusyong pang-edukasyon sa musika sa France. Ang Peru d'Andy ay nagmamay-ari ng maraming mga gawa, kabilang ang mga opera at symphony maagang komposisyon- ang tatlong bahagi na "Symphony on a Mountain Theme" (na may partisipasyon ng piano, 1886) ay malinaw na nagpakita ng sarili mga katangian ng pagkatao kompositor: ang kanyang mga gawa ay umaakit sa mahigpit na kadakilaan ng kanyang mga plano at maingat na pinag-isipang komposisyon. Ang mga merito ni D'Indy ay partikular na makabuluhan sa pagpukaw ng mas malawak na interes sa katutubong musika ng France at sa mga pagtatangka na ipatupad ito sa kanyang trabaho bilang karagdagan sa nabanggit na gawain, isa pang tatlong-bahaging symphony na pinamagatang "Araw ng Tag-init sa Kabundukan"; (1905) ay nagpapahiwatig sa bagay na ito Nakatanggap siya ng maraming atensyon.

Henry Duparc(1848-1933, mula noong 1885, bilang isang resulta ng isang nerbiyos na pagkabigla, umatras mula sa buhay musikal) lubos na ipinakita ang kanyang pambihirang talento, na minarkahan ng lakas ng loob, isang pagkahilig sa pagpapahayag ng mga dramatikong damdamin, sa larangan ng kamara at vocal music - kanyang ang mga romansa ay ginaganap hanggang ngayon. Kasama rin sa listahan ng kanyang mga gawa symphonic na tula"Lenora" (pagkatapos ng Burger, 1875), na isinulat, sa pamamagitan ng paraan, bago ang katulad na mga gawa ng kanyang guro na si Frank.

Ernest Chausson(1855-1899) ay ang may-akda ng dramatikong "Tula" para sa byolin at orkestra (1896), isang three-movement symphony sa B major (1890), at maraming iba pang mga gawa, kabilang ang mga magagandang romansa. Ang banayad na liriko, na may bahid ng mapanglaw, na may maliwanag na mga kislap ng drama, ang pagiging sopistikado ng maharmonya na paraan ng pagpapahayag ay pinaka katangian ng kanyang musika.

SA huli XIX siglo ay nakakuha din ng pagkilala kay Gabriel Fore(1845-1924), binansagan ang "French Schumann". Ang kanyang unang panahon ng paglikha ay nagtapos sa violin sonata sa A major (1876). Maraming vocal at gumaganang piano Fauré (kabilang sa mga huli ay barcarolles, impromptu, nocturnes, preludes; Ballade para sa piano at orchestra op. 19, 1889, at para sa parehong komposisyon na Fantasia op. 111, 1918). Noong 1897, ang pinakamalaking guro at musical figure sa France, si Paul Duke(1865-1935) isinulat ang sikat na orchestral scherzo na "The Sorcerer's Apprentice". Sa oras na ito, ganap na nag-mature ang musical genius ni Claude. Debussy(1862-1918): nagsulat na siya para sa orkestra na "The Afternoon of a Faun" (1894) at "Three Nocturnes" (1899, unang pagtatanghal 1900); ang trabaho sa opera na "Pelleas et Mélisande" (1902) ay tinatapos. Ngunit ang musikang ito ay mas nabibilang sa XX kaysa ika-19 na siglo, at samakatuwid ay hindi isasaalang-alang sa aklat na ito.

Ang kulturang musikal ng Pransya sa ikalawang kalahati ng huling siglo ay kinakatawan ng isang bilang ng mga kahanga-hangang performer. Ito ang mga nabanggit na konduktor na sina Charles Lamoureux (1834 - 1899) at Edouard Colonne (1838-1910). Kabilang sa mga pianista ang mga natatanging guro na sina Antoine François Marmontel (1816-1898) at Louis Diemer (1843-1919; inialay ni Tchaikovsky ang kanyang Third Piano Concerto sa kanya), gayundin si Camille Saint-Saëns, na nagbigay ng mga konsiyerto sa buong mundo. . Ang mga natatanging masters ng vocal art ay sina Pauline Viardot-Garcia (1821-1910, ang kanyang matalik na relasyon ay malakas sa mga kinatawan ng kulturang Ruso, lalo na kay Turgenev), Desiree Artaud (1835-1907, kaibigan niya si Tchaikovsky), Gilbert Dupre (1809- 1896). Ang isang espesyal na "Parisian violin school" ay nabuo din, na pinamumunuan ni Henri Viet Tan(1820-1881, mula 1871 - propesor sa Brussels Conservatory); ang paaralang ito ay may mahabang tradisyon na nauugnay sa mga pangalan nina Pierre Gavinier, Giovanni Viotti at Charles Beriot.