Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Mahahalagang yugto sa kasaysayan ng musikang Polish noong ika-19 at ika-20 siglo. Ang buhay at malikhaing landas ni K. Prosnak (1898-1976). Ang matalinghagang nilalaman ng choral miniature na "The Sea". Pagsusuri ng literary text, musical theoretical, vocal at choral analysis, mga problema sa pagganap.

Ipadala ang iyong mabuting gawa sa base ng kaalaman ay simple. Gamitin ang form sa ibaba

Ang mga mag-aaral, nagtapos na mga estudyante, mga batang siyentipiko na gumagamit ng base ng kaalaman sa kanilang pag-aaral at trabaho ay lubos na magpapasalamat sa iyo.

Nai-post sa http://www.allbest.ru/

Institusyong pang-edukasyon

Mogilev State Gymnasium-College of Arts

Sanaysay ng kurso

Espesyalidad: "Pagsasagawa"

Sa paksang: " Miniature ng koro“The Sea” (mga salita ni K. Khrustelskaya, musika ni K. Prosnak, Russian text ni N. Mickiewicz)”

Guro: Galuzo V.V.

Mogilev, 2015

1. Ang pinakamahalagang yugto sa kasaysayan ng musikang Polish noong ika-19-20 siglo

2. Vital at malikhaing landas K. Prosnaka (1898-1976)

3. Ang matalinghagang nilalaman ng choral miniature na "The Sea"

4. Pagsusuri ng tekstong pampanitikan

5. Music-theoretical analysis

6. Vocal at choral analysis, kahirapan sa pagganap

7. Pagsasagawa ng mga gawain

Konklusyon

Bibliograpiya

1. Ang pinakamahalagang yugto sa kasaysayan ng musikang Polish noong ika-19-20 siglo

ETapas ng kasaysayan ng Polish na musikaXIX - XXmga siglo ay, upang magsalita, monological sa kalikasan. 20-40 taon ng ika-19 na siglo - panahon ni Chopin. Sa kanyang tinubuang-bayan, hindi maaaring magsagawa ng pantay na malikhaing dialogue si Chopin sa sinuman. Ang mga taong 50-70 ay nauugnay sa pangalang Moniuszko Gumawa siya ng malaking kontribusyon sa opera at vocal Polish na musika. Batay sa mga artistikong tradisyon ng Chopin, pati na rin sina Glinka at A.S. Dargomyzhsky, sa wakas ay itinatag ni Moniuszko ang uri ng pambansang opera ng Poland, na nagpapaunlad ng mga natatanging katangian ng katutubong awit at musika ng sayaw.

Noong 1920-30s. Ang mga aktibidad ni K. Szymanowski ay mahalaga. Salamat kay Szymanowski, isang grupo ng mga batang progresibong musikero ang nabuo, na nagkakaisa sa ilalim ng pangalang "Young Poland". Kasama dito sina G. Fitelberg, Ludomir Ruzicki, M. Karlovich at K. Szymanovsky. Si Rubinstein at ilang iba pang mga magagaling na artista na bumubuo sa performing team ng "Young Poland" ay humarap sa kanila.

Idineklara ng "Young Poland" ang pakikibaka para sa isang bagong Polish na musika na hindi mawawala ang mga pambansang tradisyon, ngunit hindi mahuhuli sa mga tagumpay ng European music. Ito ang slogan at ang tunay na plataporma.

Ang grupo ay napaka-heterogenous: Si Fitelberg ay nasisipsip sa pagsasagawa ng mga aktibidad, kaya siya ay binubuo ng musika paminsan-minsan; Higit na nanirahan si Różycki sa Alemanya at hindi nakilala sa pamamagitan ng pagkakapare-pareho sa kanyang mga aesthetic na pananaw at adhikain, ngunit kasama, kasama ang isang malakas na pigura bilang Szymanowski sa gitna, bumuo sila ng isang kahanga-hangang avant-garde na nakikipaglaban para sa pag-unlad ng musika ng Poland. Ang sentro ng kultura noong panahong iyon ay ang Paris. Maraming mga batang Polish na musikero (Perkowski, Wojtowicz, Maklyakiewicz, Vekhovich, Szeligovsky) ang nagsisikap na makarating sa Paris upang pag-aralan ang mga pundasyon ng neoclassicism (sa istilong ito ang paggamit nagpapahayag na paraan ay mas pinigilan, sa kaibahan sa romanticism).

Ang Ikalawang Digmaang Pandaigdig at ang 6 na taong pasistang pananakop (1939-1945) ay halos ganap na naparalisa ang buhay musikal ng bansa ang isang malaking bilang ng mga sheet music at mga manuskrito ng mga gawa ng mga modernong kompositor ay nawala sa panahon ng Warsaw Uprising (1944). Pagkatapos ng 1945, nagsimula ang pagpapanumbalik ng kultura ng musika sa Poland salamat sa mga aktibidad ng mga kompositor (Perkowski, Lutosławski, Wiechowicz, Mycelski) at mga conductor (Skrowaczewski, Wisłocki, Rowicki).

Ang pangkalahatang pagtaas ng kultura ay makikita sa likas na katangian ng musikal na sining: maraming kompositor ang bumaling sa paggamit ng Polish musical folklore at paglikha ng mass choral at solo na mga kanta. Noong panahong iyon, narinig sa Poland ang mga kantang tulad ng "Right Bridge, Left Bridge" ni A. Gradshtein; "Red Bus", "Rain" ni V. Shpilman; "Marys-Marysya" ni V. Rudzinski.

Ang Cantata at oratorio ay nakakuha ng mahusay na katanyagan sa mga propesyonal na genre. Bumaling sila sa genre ng cantata ni B. Wojtowicz ("Cantata for the Glory of Labor"), J. Krenz ("Dalawang Lungsod - Warsaw - Moscow"), K. Wilkomirski ("Wroclaw Cantata").

Sa mga taon pagkatapos ng digmaan ay nagsimula rin silang bumawi mga institusyong pangmusika. Doble ang kanilang bilang. 19 symphony orchestras, 8 opera troupes, 16 operetta theaters, 7 conservatories, at humigit-kumulang 120 secondary at primary music schools ang nalikha. Nakatanggap ng malawak na saklaw ang musika. amateur na pagganap. Mula sa dulo 1940s masinsinang umuunlad ang conc buhay. Maraming vocal ensembles ng maagang musika ang nilikha: sa Poznań (choir sa ilalim ng direksyon ni Stuligrosz), sa Krakow (Kapella “Krakowense”) ay naging mas popular. taon - kumpetisyon pianista na pinangalanan F. Chopin, G. Wieniawski violin competition.

Ang taunang pagdiriwang ng kontemporaryong musika ay ang Warsaw Autumn Festival. Ang pangunahing layunin ng mga kaganapang ito ay upang ipakilala ang mga tagapakinig ng Poland sa musika ng ika-20 siglo. Lahat ng R. 50s Sa mga gawa ng mga kompositor ng Poland, lumitaw ang mga bagong magkakaibang uso, tulad ng: dodecaphony (isinalin mula sa sinaunang Griyego na "labindalawa" ("dodeka") at "tunog" ("phonе")), aleatorics (mula sa Latin Alea - dice), sonoristics ( mula sa lat. sono - tunog). Ang mga matagal nang eksperimento sa musicalization ng speech intonation, ang pagpapakilala ng mga bulong sa musikal na tela, imitasyon ng crowd talk, hissing na humantong sa mga kawili-wiling gawa ni Penderecki, Twardowski, Serotsky, Bird. Lalo na mahalagang okasyon ay ang pagtatanghal ng "Luke Passion" ni Penderecki. Ang gawaing ito ay isang malaking dagok sa pagpapataw ng "maliit na gawain" sa musika, sa kawalan ng kabuluhan ng pinakadiwa ng sining ng musika. Sa kabila ng isang bilang ng mga pagkakaiba sa direksyon ng mga malikhaing pakikipagsapalaran, ang mga karaniwang tampok ng modernong Polish na paaralan ng komposisyon ay isang ugali sa mga monumental na anyo at matinding pagpapahayag. Sa kasalukuyan, ang mga gawa ng nabanggit sa itaas na mga kompositor ng Poland ay sumasakop sa isang karapat-dapat na lugar sa repertoire ng mga nangungunang tagapalabas sa buong mundo, ay isang mahalagang bahagi ng mga mapagkumpitensyang programa ng mga internasyonal na kumpetisyon at pagdiriwang, ang object ng pag-aaral ng mga musicologist at mayroong isang kalawakan ng masugid na tagahanga, sa Poland at sa ibang bansa.

2. Ang buhay at malikhaing landas ng K. Prosnak (1898-1976 )

Si Karol Prosnak ay mas kilala sa loob at labas ng bansa bilang isang pinuno mga grupo ng koro- pinaghalong koro na pinangalanan. Moniuszko at lalaki koro"Echo" - kaysa sa kompositor. Kasama sa kanyang mga komposisyon ang mga opera para sa kabataan, mga orkestra, mga romansa, at mga piyesa ng piano. Ngunit nakakuha siya ng katanyagan at pagkilala sa ating bansa bilang may-akda ng mga gawa para sa koro.

Ipinanganak si Prosnak noong Setyembre 14, 1898 sa Pabianice. Pagkatapos makapagtapos ng high school sa Pabianice, lumipat siya sa Lodz, kung saan nag-aral siya ng musika mga kurso sa musika. Nakumpleto ang kanyang edukasyon sa musika sa Warsaw. Sa loob ng 20 taon si Prosnak ay naging propesor ng pagkanta sa mga sekondaryang paaralan sa Lodz.

Ang Prosnak ay hindi limitado lamang sa mga aktibidad sa pagtuturo. Siya ay isang konduktor at pinuno ng maraming grupo ng koro, nagsasagawa ng Lodz Philharmonic Orchestra, at nakikibahagi sa mga aktibidad sa pag-compose. Ang kanyang trabaho ay karapat-dapat na nabanggit. Kaya, noong 1923 sa Warsaw Prsnak ay iginawad ang 1st prize para sa isang prelude para sa piano, noong 1924 - sa Poznań - para sa tula para sa isang 8-voice choir a cappella "Buzha Morska", noong 1926 sa Chicago - 1st prize para sa piraso para sa mixed choir a cappella "The Return of Spring". Noong 1928 sa Poznan_ II premyo para sa "Three Songs" para sa mixed choir a cappella ("Lullaby", "Blizzard", "Nocturne"). Noong 1965, sa USA, si Karol Prosnak ay iginawad " Gintong medalya"para sa paglikha ng mga kahanga-hangang gawa para sa mga koro ng Poland. Bilang karagdagan, ang a cappella choral work ay kinakatawan ng mga sumusunod na gawa: "Two Mice", "The Nightingale and the Rose", "Saradzin Wedding". Sumulat si Prosnak ng dalawang siklo tungkol sa dagat. Ang una ay "Lullaby", "Blizzard", "Nocturne". Ang pangalawa ay "Dagat", "Prelude", "Barcarolle". Pati na rin ang mga koro at orkestra - "Panalangin ng mga Puno", "Kasal", "Solemn Polonaise".

Hindi gaanong maraming mga gawa ni K. Prosnak ang nai-publish sa ating bansa, ngunit kahit na mula sa kanila ay maaaring hatulan ang mahusay na talento at husay ng kompositor. Sa kabila ng katotohanan na ang kanyang trabaho ay hindi gaanong pinag-aralan, ang kanyang mga gawa ay naging matatag na itinatag sa gumaganap na komposisyon ng maraming koro at pinag-aaralan sa pagsasagawa ng mga klase sa mas mataas at pangalawang espesyal na institusyong pang-edukasyon.

Polish na musikang Prosnak choral

3. Matalinghagang nilalaman ng choral miniature na "The Sea"

Ang dagat ay umaakit sa tao mula pa noong una. Hinangaan ng mga tao ang dagat at pinakinggan ang tunog ng surf. Ang dagat ay bahagi ng pag-iral ng tao; ito ay parehong natakot at naaakit sa kanyang kagandahan, lakas at hindi mahuhulaan.

Ang dagat ay naging pangunahing tema ng gawain ni Ivan Konstantinovich Aivazovsky, isang pintor ng dagat na nag-iwan ng isang mahusay na pamana ng kanyang trabaho, na hindi maaaring hindi humanga. Nagpinta siya ng humigit-kumulang anim na libong mga pagpipinta tungkol sa dagat "The Ninth Wave", "Sea. Koktebel", "Rainbow", "Black Sea" - ipakita ang dagat sa iba't ibang estado. Ang dagat ay kinakatawan din sa mga kuwadro na gawa ni Claude Monet, Fyodor Alekseev, Van Gogh.

Pushkin, Zhukovsky, Tolstoy, Green, Tolstoy, Tsvetaeva ay sumulat tungkol sa dagat. Kinanta ni F. Tyutchev ang elemento ng dagat sa kanyang mga tula:

"Ang galing mo, oh dagat sa gabi, -

Makinang dito, Madilim doon...

Sa liwanag ng buwan, parang buhay,

naglalakad, at humihinga, at kumikinang..."

Ang imahe ng dagat ay makikita rin sa musika Ang dagat ay inilalarawan na may partikular na pagpapahayag sa mga gawa ni N.A. Rimsky-Korsakov, C. Debussy, B. Britten, A. Borodin. Mga musikal na gawa na naglalarawan sa dagat: ang pagpapakilala sa opera na "Sadko" o ang unang bahagi ng symphonic suite na "Scheherazade. "Ang Dagat at ang Barko ng Sinbad" - N.A. Rimsky-Korsakov; symphonic sketch na “The Sea” ni C. Debussy. Fragment na "Flight of the Bumblebee" mula sa opera na "The Tale of Tsar Saltan" ni N.A. Rimsky-Korsakov.

Ang dagat ay ipinapakita nang matalinghaga sa choral music ng K. Prosnak. Ang dagat sa kanyang mga isinulat ay inilalarawan na minsan ay mabugso at kalmado, malinaw at mapayapa Ang triptych na "Songs of the Sea" ay isinulat ni Prosnak noong 1938. Ang "mga kanta tungkol sa dagat" ay maliliit na obra na nangangailangan ng mga performer mataas na lebel kasanayan sa pagganap.

Upang lumikha ng triptych, pinili ni Prosnak ang mga madamdaming tula ni Kristina Khrustelskaya.

4. Pagsusuri ng tekstong pampanitikan

Ang pagsusuri sa tekstong pampanitikan sa pangkalahatang tinatanggap na konteksto sa miniature ng koro na "The Sea" ay hindi maaaring isagawa, dahil tayo ay nakikitungo sa isang pagsasalin ni N. Mickiewicz, na hindi maaaring maging isang bagay na hiwalay sa musikal na teksto pagsusuring pampanitikan, dahil walang karaniwang sistema ng versification. Ang teksto ay mas malapit sa prosa, halos walang rhyme. Ang tula ay walang tiyak na sukat ng pampanitikan. Dapat tandaan na ang pagsasalin ay ginawang malapit sa orihinal na teksto. Salamat sa isang mahusay na pagsasalin ni N. Mickiewicz, napanatili ng tula ang tunog at visual effect na ginamit sa orihinal na teksto.

"Dagat"

1. Ang malawak na kalawakan ng azure waves

Isang mabangis na hangin ang uungol at bababa mula sa likod ng mga ulap.

Ang chorus ng black abyss ay biglang kumulog nang hindi maganda, Pwede.

May pagkalito sa mga kulay abong alon, takot…

Ngunit muli ang mundo ay puno ng liwanag at araw...

Ang mga mata ay mabibighani, Oh, mga tubig sa dagat,

Kadiliman ng tubig, ang lalim ng tubig at ang bukang-liwayway ng pagsikat ng araw.

Pero at least maliwanag ang asul na dagat,

Gulong na naman ang kulog,

Ang squall ay aungol ng nananakot.

2. Mayroong isang landas na bukas sa malawak na mundo

Umaalingawngaw ang dagat, Tinatawag tayo sa malayo at dinala tayo sa sarili nito

Pagpapalit ng kulay, lalim, tapos bumabagyo, pagkatapos ay malinaw na tubig,

Kadiliman ng tubig, ang lalim ng tubig at ang bukang-liwayway ng pagsikat ng araw.

Pero at least maliwanag ang asul na dagat,

Biglang bumubula ang hangin ng mga bagyo.

Gulong na naman ang kulog,

Ang squall ay aungol ng nananakot.

5. Music-teoretikal na pagsusuri

Gawaing koro "Dagat" isinulat para sa 6 na layunin. halo-halong koro.

Genre- choral miniature.

Form- couplet-strophic.

Texture- higit sa lahat homophonic-harmonic na may mga elemento ng imitative at subvocal polyphony (bar 1-3, 5-7, 21-23)

Pangunahing sukat- 4/4. 3/4 - sa mga sukat na 13-25, sa sukat na 26 ang pangunahing oras na lagda ay bumalik.

Ang choral miniature na "The Sea" ay bahagi ng ikalawang cycle ng mga kanta tungkol sa dagat.

Ang mga talata ay nahahati sa mga seksyon A+B+C+D, kung saan ang seksyon A ay ang panimula, B at C ang mga umuunlad na bahagi, D ang konklusyon.

Nagsisimula ang Seksyon A sa sabay-sabay na pag-awit ng mga linya ng bass at tenor sa susi ng D-dur at Largo tempo, na tumutulong na ipakilala sa nakikinig ang "malawak na kalawakan ng walang katapusang dagat." Sa pangalawang sukat, ang male choir, na tumutunog sa forte, ay sinamahan ng koro ng kababaihan, tumutunog sa piano. Ang pambungad na parirala ay napaka nagpapahayag (espressivo) Ang unang seksyon ay nagtatapos sa kalahating ritmo (T6 - D9-5 -D). Ang unang seksyon ay pinaghihiwalay mula sa pangalawang rit. at isang fermata sa ibabaw ng bar line.

Ang pangalawang seksyon (B) ay nagsisimula sa isang tempo ng allegro agitato (mabilis, nakababahala), na nagbabago sa karakter ng musika. Mayroong isang paglipat sa h-moll key Ang rhythmic pattern ay nagbabago, nagiging caustic, lumilitaw ang mga triplet, ang ritmo ay binibigyang diin ng mga accent. Sa mga salitang "May kalituhan at takot sa mga kulay abong alon," ang unang rurok ng taludtod ay nangyayari. Ang imahe ng nagngangalit na mga elemento ng dagat ay inihahatid ng hindi awtorisadong mga chord - II7, IV2. Sa seksyong ito ay walang isang solong resolusyon sa T. Ang seksyong ito ay nagtatapos sa isang paghinto, na kung saan ay may malaking kahalagahan pagkatapos ng bawat seksyon ay huminto ang kompositor upang mas madaling lumipat ang mga mang-aawit sa bagong seksyon dulo ng bahaging ito ay 3 mga sukat na pumasa sa p sa tempo adagio, tranquillo (sa halip dahan-dahan, mahinahon) Ang mga salita ay tumutunog: "Ngunit muli ang mundo ng liwanag at araw ay puno dito." , p ay nagbibigay sa musika ng ibang karakter.

Ang ikatlong seksyon (C) ay nagsisimula sa isang paglihis sa h-moll. Sa seksyong ito, nagbabago ang pirma ng oras mula 4/4 hanggang 3/4. Tumutunog ang ostinato ng tenor na "Enchants the Eyes" sa pp, at lumilitaw ang isang sustained note sa bass. Sa mga salitang “Ang dagat ay mabibighani, ah, ang dagat ay mabibighani sa kislap ng tubig,” pumasok ang isang babaeng koro Dahil sa patuloy na mga tunog, isang misteryosong kalooban ang nalikha “kadiliman ng tubig, lalim ng tubig. tubig.” Ang seksyon ay nagtatapos sa isang napakagaan na pagpapadaloy, tunog sa isang napaka sa mabagal na takbo at malambing (molto adagio e cantabile), at nagbibigay ng kaunting pag-asa.

Ang ikatlong seksyon (C) ay pinaghihiwalay mula sa huling seksyon (D) ng isang fermata na naka-install sa itaas ng bar line.

Ang kasukdulan ng buong gawain ay nangyayari sa ikaapat na seksyon (D). Bumalik sa 4/4 na laki. Ang mabilis at hindi mapakali na tempo (allegro, adagio) ay tumutulong sa nakikinig na isipin ang umuulit na bagyo sa dagat. Nagiging matalas ang ritmo. Gumagamit ang male choir ng triplet rhythm Pagkatapos ang buong choir ay tumunog sa ff sa medyo mataas na tessitura. Gamit ang napakabagal (molto ritenuto) pati na rin ang makabuluhang (molto) na tempo, mahusay na ipinakita ng kompositor ang tekstong "Kumulog na muli sa paligid" kasama ng kanyang musika. Ang pagtatapos ng trabaho sa ff "the squall will howl menacingly" ay tumataas sa crescendo.

6. Pagsusuri ng boses at koro, kahirapan sa pagganap

Uri at uri ng koro. Ang akdang "The Sea" ay isinulat para sa isang 6-voice mixed choir a sarrella.

Ang divisi ay nangyayari:

· Sa batch S sa volume 14-16, 30-32

· Sa batch T sa volume 31-32, 34.

· Sa batch B sa volume 4, 12-13, 16-21

Pangkalahatang hanay ng koro:

· S- h-g 2

· A- ais-d 2

· T- H-g 1

· B- H 1 -e 1

Tessitura. Kung pinag-uusapan natin ang bahagi ng tessitura, kung gayon sa pangkalahatan ito ay komportable. Ang hitsura ng mataas na tunog na tunog sa mga bahagi ng tunog f At ff, samakatuwid ang grupo ay nananatiling natural.

Nagsasagawa ng mga kahirapan:

Intonasyon ng boses

Gumagalaw sa malawak na pagitan:

· T t.6-7, 9-10, 23

· Sa mga tomo 4-5, 12-13, 16, 28, 34

Mahabang pag-awit sa isang tunog:

· T t. 13-15, 30-31

Pag-awit ng mahabang matagal na tunog:

· Sa t

Chromatisms:

· A t.3, 9, 20, 31

· T t. 4, 12, 26-28

· Sa vol. 10, 24, 26-29, 31

Tempo- metro- maindayog

SA gawaing ito ang ritmikong bahagi ay nagpapakita ng isang tiyak na kahirapan. Mayroong paghahalili ng mga tuldok at triplet na ritmo sa mabilis na tempo (allegro agitato) sa mga bar 5-7, 11, 26, 28 at 31. Ang kahirapan ay nakasalalay sa pagpapakilala ng mga bahagi pagkatapos ng pagpapakilala ng mga indibidwal na bahagi laban sa background ng sounding texture, pati na rin ang pagpasok ng koro pagkatapos ng mga pause (7-10 Ang isang malaking kahirapan sa ritmikong termino ay ang pagganap ng counterpoint sa pamamagitan ng mga tenor, laban sa kung saan ang iba pang mga tinig ay tumutunog. (13-15) . Sa mga salitang "The eyes will enchant," ang laki ay nagbabago mula 4/4 hanggang 3/4. Ang orihinal na laki ay ibinalik sa huling seksyon.

Ang isa pang hamon ay ang madalas na pagbabago ng bilis. Pagkakasunod-sunod ng pagbabago ng tempo:

· Largo (1-3t.)

· Ritenuto (4 t.)

· Allegro agitato (26-29 t.)

· Adagietto tranquillo (11-25 t.)

· Allegro agitato (26-29 t.)

· Notevole (30t.)

Molto ritenuto (31-35 t.)

Dynamic

Gumagamit ang gawain ng magkakaibang dinamika, na tumutulong sa paghahatid ng matalinghagang nilalaman. Ang mga sumusunod na paghihirap ay dapat isaalang-alang:

1. Mga matinding lugar ng mga nuances:

· sa 9-10, 30-31, 34-35 bar - ff

· sa 13-10, 20-25, 33 bar - pp

2. Contrasting dynamics - paghahambing f At p nangyayari sa 1-4 bar.

Diction

Para sa matagumpay na pagpapatupad Dapat may magandang diction ang mga performers ng choir na ito. Ang partikular na pansin ay dapat bayaran sa mga sumusunod na paghihirap:

· pag-awit ng maiikling tagal sa mabilis na tempo (5, 7 volume)

· isang malaking bilang ng mga pagsisisi at pagsipol na tunog. Sa mga salita tulad ng: nagbabala, makapangyarihan, nabighani sa mga mata, mga bula, mga rolyo, squall, malawak, liwanag, umaakit, mga libot ng enchantment, pagpupulong, panaginip, kagalakan, ay babalik.

· mahirap bigkasin ang mga kumbinasyon ng titik: walang hanggan, umaalulong na hangin, kalaliman, biglang kumulog, bula, umangal ng unos

Fermata

Gumagamit ang gawaing ito ng couplet-strophic na anyo, kaya kailangang pag-iba-ibahin ang mga seksyon. Ang mga seksyon ay hinahati gamit ang isang fermata. Tinutulungan nila ang mga mang-aawit na umangkop sa isang bagong emosyonal na estado. Fermats ay ginagamit sa ibabaw ng tunog: sa 12t. - bumababa, pinagsama; sa 33 t - bumababa, naaalis; sa 34 na volume - crescendoing, naaalis, pangwakas. May mga fermata sa itaas ng mga pause sa 10, 32, 34 bar at sa itaas ng bar line sa 4, 25 bar.

7. Pagsasagawa ng mga gawain

Ang gawain ay mapanghamong gawin at gampanan.

1. Depende sa konduktor tamang pagpili tempo

2. Isang malinaw na balangkas na inaasahan ang katangian ng bawat seksyon.

3. Tumpak na pagpapakita ng mga entry at withdrawal ng bawat laro.

4. Dapat na maipakita ng konduktor ang lahat ng uri ng sound engineering: staccato, legato, non legato, marcato.

5. Dapat ipakita ng konduktor ang lahat ng mga damdamin at mga imahe na kinatawan ng kompositor sa gawaing ito. Sa mga kalmadong bahagi, ang kilos ay dapat na malambot, ngunit may pakiramdam ng kalooban.

Konklusyon

Malaki ang kontribusyon ni Karol Prosnak sa pag-unlad ng choral performing arts. Dahil sa ang katunayan na si Prosnak ay ang konduktor ng halo-halong koro. Moniuszko at ang male choir na "Echo", sa kanyang malikhaing pamana May mga koro na isinulat para sa iba't ibang uri, uri at komposisyon ng koro.

K. Prosnak ay liriko at romantiko sa kanyang malikhaing istilo. Ang nilalaman ng kanyang mga gawa ay higit na nakalarawan sa kalikasan. Sa kanyang trabaho, ang kompositor ay mahusay na gumagamit ng choral timbres. Batay sa naipon na karanasan sa pagtatrabaho sa mga grupo ng koro, mahusay na ginagamit ng kompositor ang tunog ng choral ng isang bahagi o ang buong koro sa ilang mga gawa upang lumikha ng isang masining na imahe.

Ang mga choral works ni K. Prosnak ay may mahalagang lugar sa repertoire ng iba't ibang grupo ng koro.

Bibliograpiya

1. http://intoclassics.net/news/2010-11-18-19729

2. http://mirznanii.com/info/polskayamuzykalnayakultur..

3. http://www.vak.org.by/index.php?go=Box&in=view..

4. http://molmk.by/images/Materials/parzhaladze.pdf

5. http://e-notabene.ru/ca/article_80.html

6. Ensiklopedya ng musika

Na-post sa Allbest.ru

...

Mga katulad na dokumento

Pangkalahatang impormasyon tungkol sa choral miniature ni G. Svetlov na "The Blizzard Sweeps the White Path." Musical-theoretical at vocal-choral analysis ng trabaho - mga katangian ng melody, tempo, tonal plan. Ang antas ng vocal workload ng koro, mga pamamaraan ng pagtatanghal ng koro.

abstract, idinagdag noong 12/09/2014


Isang malikhaing larawan ni Mikhail Vasilyevich Antsev, ang may-akda ng mga tekstong musikal at pampanitikan. Pagsusuri ng poetic text, musical-theoretical at vocal-choral analysis ng mga komposisyon. Mga kakaiba ng pagtatrabaho sa marka ng babaeng konduktor ng koro.

course work, idinagdag 04/06/2014


Malikhaing talambuhay kompositor na si R.K. Shchedrin. Mga pangunahing tampok ng istilo ng pagsulat ng musika. Pagsusuri ng teoretikal na musikal ng gawaing "Pinatay ako malapit sa Rzhev". Vocal at choral analysis at mga katangian ng komposisyon mula sa punto ng view ng artistikong sagisag.

pagsubok, idinagdag noong 03/01/2016


Musical-theoretical, vocal-choral, pagtatasa ng pagganap ng trabaho para sa choral performance na "Legend". Pamilyar sa kasaysayan ng buhay at gawain ng may-akda ng musika ni Tchaikovsky, si Pyotr Ilyich, at ang may-akda ng teksto, si Alexey Nikolaevich Pleshcheev.

buod, idinagdag noong 01/13/2015


Ang ugnayan sa pagitan ng choir diction at orthoepy kapag naghahatid ng poetic text sa mga tagapakinig. Mga tiyak na katangian ng choral diction. Mga panuntunan at pamamaraan ng artikulasyon para sa vocal-choral diction. Mga kondisyon para sa paglikha ng isang diction ensemble. Ang relasyon sa pagitan ng mga salita at musika.

ulat, idinagdag noong 09/27/2011


Mga yugto ng pag-unlad ng choral music. Pangkalahatang katangian ng pangkat ng koro: typology at quantitative composition. Mga batayan ng vocal at choral technique, ibig sabihin pagpapahayag ng musika. Mga tungkulin ng isang choirmaster. Mga kinakailangan para sa pagpili ng repertoire sa mga pangunahing grado.

course work, idinagdag 02/08/2012


Malikhaing larawan ng kompositor na si R.G. Boyko at makata na si L.V. Vasilyeva. Kasaysayan ng paglikha ng akda. Kaakibat ng genre, harmonic na "pagpuno" ng isang choral miniature. Uri at uri ng koro. Mga hanay ng batch. Mga kahirapan sa pagsasagawa. Mga paghihirap sa boses at koro.

abstract, idinagdag 05/21/2016


Pag-aaral ng talambuhay ng pinakadakilang kompositor ng Russia na si Pyotr Ilyich Tchaikovsky. Musical theoretical analysis ng mga gawa. Pagsusuri ng boses at koro. Ang texture ng akdang "The Queen of Spades", ang homophonic-harmonic na istraktura at ang pinalawak na mode-tonal na plano.

abstract, idinagdag 06/14/2014


Ang landas ng buhay ni Nikolai Semenovich Golovanov - regent at kompositor ng wind music; paglalarawan ng kanyang espirituwal at choral creative activity. Maikling paglalarawan ng suite na “Joy of All Who Sorrow.” Musical theoretical analysis ng choir na "Mercy Doors".

course work, idinagdag noong 12/04/2011


Ang malikhaing personalidad ni F. Poulenc. Cantata "Ang Mukha ng Tao". Masining na konsepto ng isang cantata. Pagsusuri ng patula na teksto ng isyu na "Natatakot ako sa gabi." Ang mga paraan ng pagpapahayag ng musika, pagsusuri ng boses at koro. Mga bahagi ng soprano, altos, tenor at basses.

Panimula. Miniature ng koro

Ang gawa ni Lepin na "Forest Echo" ay isinulat sa genre ng choral miniature.
Ang Miniature (French miniature; Italian miniature) ay isang maliit na musikal na piyesa para sa iba't ibang grupong gumaganap. Tulad ng mga pictorial at poetic na miniature, ang mga musical miniature ay kadalasang pino sa anyo, aphoristic, nakararami sa liriko sa nilalaman, landscape o pictorially characteristic (A.K. Lyadov, "Kikimora" para sa orkestra), madalas sa isang folk genre na batayan (F. Chopin's mazurkas, choral processed ni A.K. Lyadov).
Ang batayan ng isang vocal Miniature ay karaniwang isang Miniature. Ang pag-usbong ng instrumental at vocal Miniatures noong ika-19 na siglo ay natukoy ng mga aesthetics ng romanticism (F. Schubert, F. Mendelssohn, R. Schumann, F. Chopin, A. N. Scriabin); Ang mga miniature ay madalas na pinagsama sa mga cycle, kabilang ang musika para sa mga bata (P. I. Tchaikovsky, S. S. Prokofiev).
Ang isang choral miniature ay isang maliit na piraso para sa isang koro. Hindi tulad ng isang kanta, sa isang choral miniature ang polyphonic choral texture ay mas binuo, at polyphony ay madalas na ginagamit. Maraming mga choral miniature ang isinulat para sa mga walang kasamang koro.

Maikling bibliograpikong impormasyon tungkol sa kompositor na si S. Taneev

Sergei Ivanovich Taneyev (Nobyembre 13, 1856, Vladimir - Hunyo 6, 1915, Dyutkovo malapit sa Zvenigorod) - kompositor ng Russia, pianista, guro, siyentipiko, musikal at pampublikong pigura mula sa marangal na pamilya ni Taneyev.

Noong 1875 nagtapos siya sa Moscow Conservatory kasama sina N. G. Rubinstein (piano) at P. I. Tchaikovsky (komposisyon) na may gintong medalya. Nagtanghal siya sa mga konsyerto bilang solo pianist at ensemble player. Ang unang tagapalabas ng marami sa mga gawa ng piano ni Tchaikovsky (ang Pangalawa at Ikatlong Piano Concertos, ang huli ay natapos pagkatapos ng kamatayan ng kompositor), tagapalabas sariling komposisyon. Mula 1878 hanggang 1905 nagtrabaho siya sa Moscow Conservatory (mula 1881 siya ay isang propesor), kung saan nagturo siya ng mga klase sa pagkakaisa, instrumentasyon, piano, komposisyon, polyphony, at anyo ng musikal noong 1885-1889 nagsilbi siya bilang direktor ng Moscow Conservatory . Isa siya sa mga tagapagtatag at guro ng People's Conservatory (1906).

Isang matibay na tagasunod ng mga klasiko (sa kanyang musika natagpuan nila ang pagpapatupad ng mga tradisyon ng M. I. Glinka, P. I. Tchaikovsky, pati na rin si J. S. Bach, L. Beethoven), inaasahan ni Taneyev ang maraming mga uso sa musikal na sining noong ika-20 siglo. Ang kanyang gawain ay minarkahan ng lalim at maharlika ng kanyang mga ideya, mataas na etika at pilosopiko na oryentasyon, pagpigil sa pagpapahayag, karunungan sa pagpapaunlad ng pampakay at polyphonic. Sa kanyang mga isinulat ay nahilig siya sa mga isyu sa moral at pilosopikal. Tulad, halimbawa, ang kanyang nag-iisang opera na "Oresteia" (1894, pagkatapos ng Aeschylus) - isang halimbawa ng pagpapatupad ng isang sinaunang balangkas sa musikang Ruso. Ang kanyang chamber instrumental works (trios, quartets, quintets) ay nabibilang sa pinakamahusay na mga halimbawa ng genre na ito sa Russian music. Isa sa mga tagalikha ng liriko-pilosopikal na cantata sa musikang Ruso ("John of Damascus," "Pagkatapos ng Pagbasa ng Awit"). Binuhay niya ang sikat sa musikang Ruso noong ika-17-18 siglo. genre - isang cappella choirs (may-akda ng higit sa 40 choir). Sa instrumental na musika, inilakip niya ang partikular na kahalagahan sa pagkakaisa ng intonasyon ng cycle, monothematicism (ika-4 na symphony, chamber instrumental ensembles).
Lumikha siya ng isang natatanging gawain - "Movable counterpoint of strict writing" (1889-1906) at ang pagpapatuloy nito - "The Doctrine of the Canon" (late 1890s - 1915).

Bilang isang guro, hinangad ni Taneyev na mapabuti ang propesyonal na edukasyon sa musika sa Russia at nakipaglaban para sa isang mataas na antas ng teoretikal na pagsasanay sa musika para sa mga mag-aaral ng konserbatoryo ng lahat ng mga specialty. Lumikha siya ng isang paaralan ng komposisyon, nagsanay ng maraming musicologist, konduktor, at pianista.

Maikling impormasyon tungkol sa makata

Si Mikhail Yuryevich Lermontov (1814-1841) ay isang mahusay na makata, manunulat, pintor, manunulat ng dulang at opisyal ng Tsarist Army ng Imperyo ng Russia. Ipinanganak noong Oktubre 15, 1814 sa Moscow. Ang kanyang ama ay isang opisyal, at pagkaraan ng mga taon, ang kanyang anak ay susunod sa kanyang mga yapak. Bata palang siya ay pinalaki siya ng kanyang lola. Ang kanyang lola ang nagbigay sa kanya ng kanyang pangunahing edukasyon, pagkatapos nito ang batang Lermontov ay nagpunta sa isa sa mga boarding house ng Moscow University. Sa institusyong ito, ang pinakauna, hindi pa masyadong matagumpay, ay nagmula sa kanyang panulat. Sa pagtatapos ng boarding school na ito, si Mikhail Yuryevich ay naging isang mag-aaral sa Moscow University, at pagkatapos lamang siya ay nagpunta sa paaralan ng mga guards ensign sa kabisera noon ng St.

Pagkatapos ng paaralang ito, sinimulan ni Lermontov ang kanyang serbisyo sa Tsarskoye Selo, na sumali sa Hussar Regiment. Matapos niyang isulat at mailathala ang tula na "The Death of a Poet" sa pagkamatay ni Pushkin, siya ay inaresto at ipinatapon sa Caucasus. Sa daan patungo sa pagpapatapon, isinulat niya ang kanyang napakatalino na gawa na "Borodin", na inialay ito sa anibersaryo ng labanan.

Sa Caucasus, ang ipinatapon na si Lermontov ay nagsimulang makisali sa pagpipinta at pagpipinta ng mga larawan. Kasabay nito, ang kanyang ama ay pumunta sa mga opisyal, na humihiling sa kanila na patawarin ang kanyang anak. Alin ang mangyayari sa lalong madaling panahon - si Mikhail Yuryevich Lermontov ay naibalik sa serbisyo. Ngunit sa pagkakaroon ng isang tunggalian kay Barant, siya ay muling ipinadala sa Caucasus sa pagpapatapon, sa pagkakataong ito sa digmaan.

Sa panahong ito, sumulat siya ng maraming mga gawa na walang hanggan na kasama sa Golden Fund ng panitikan sa mundo - ito ang "Bayani ng Ating Panahon", "Mtsyri", "Demonyo" at marami pang iba.

Pagkatapos ng pagpapatapon, dumating si Lermontov sa Pyatigorsk, kung saan hindi niya sinasadyang insulto ang kanyang matandang kaibigan na si Martynov ng isang biro. Kasama naman,
hinahamon ang makata sa isang tunggalian, na naging nakamamatay para kay Lermontov. Noong Hulyo 15, 1841 siya ay namatay.

Pagsusuri ng teoretikal na musika

Ang "Pine" ni S. Taneev ay isinulat sa 2 bahagi. Ang unang bahagi ay isang tuldok na binubuo ng dalawang pangungusap. Ang nilalaman ng unang bahagi ay tumutugma sa unang apat na linya ng tula. Ang musika ay nagbibigay ng imahe ng isang malungkot na puno ng pino, walang pagtatanggol laban sa mga elemento ng hilagang kalikasan. Ang unang pangungusap (vol. 4) ay nagpapakilala sa nakikinig sa sound palette ng d minor, na tumutugma sa liriko na mood ng gawaing ito. Ang ikalawang bahagi ay binubuo ng tatlong pangungusap na nakasulat sa eponymous na D major (ang ikalawang kalahati ng tula). Sa ikalawang bahagi, inilarawan ni Lermontov ang isang maliwanag na panaginip, na puno ng init at sikat ng araw: "At pinangarap niya ang lahat sa malayong disyerto. Sa rehiyon kung saan sumisikat ang araw..." Ang musika ng ikalawang bahagi ay naghahatid ng taos-pusong init ng tula. Ang unang pangungusap (vol. 4) ay napuno ng maliwanag na damdamin, mabait at matahimik. Ang pangalawang pangungusap ay nagpapakilala ng pag-igting, ang pagbuo ng mga dramatikong karanasan. Ang ikatlong yugto ay tila lohikal na balansehin ang drama ng ikalawang pangungusap. Nakamit ito sa pamamagitan ng pagpapalawak ng mga sukat nito sa walong bar, sa pamamagitan ng unti-unting pagbabawas ng tensyon sa musika (ang huling linya ng tula na "Ang magandang puno ng palma ay tumubo" ay tumatakbo nang tatlong beses)
Ang vocal at choral miniature na "Pine" ay isinulat sa isang gamophonic-harmonic na istraktura na may mga elemento ng polyphony. Ang paggalaw ng musika, ang pag-unlad nito ay nakakamit sa pamamagitan ng pagbabago ng mga harmonies, ang mga kulay ng timbre ng koro, ang textured presentation nito (malapit, malawak, halo-halong pag-aayos ng mga boses), polyphonic techniques, paraan ng pagbuo ng melodic line ng mga boses, at ang paghahambing ng mga kasukdulan.
Ang organikong katangian ng gawain at ang pagkakatugma ng anyo nito ay nakasalalay sa kung saan matatagpuan ang kasukdulan sa gawain. Ang tekstong patula ay nakikita ng bawat tao nang paisa-isa. Inihayag ni S. Taneev sa musika ng "Pines" ang kanyang pangitain at pang-unawa sa patula na salita ng tula ni Lermontov. Ang mga kasukdulan ng isang akdang patula at isang gawaing pangmusika ay karaniwang nagtutugma. Ang pinakamaliwanag na kasukdulan ng musika ay nangyayari sa paulit-ulit na probisyon ng mga linya: "Nag-iisa at malungkot sa isang bangin, isang magandang puno ng palma ang tumutubo." Sa pamamagitan ng pag-uulit ng musika, pinahusay ni Taneyev ang emosyonal na nilalaman ng tula at itinatampok ang kasukdulan: ang soprano ay tumutunog #f ng ikalawang oktaba, ang mga tenor ay tunog #f ng unang oktaba. Para sa parehong mga soprano at tenor, ang mga tala na ito ay maganda at maliwanag. Unti-unting lumalapit ang bass sa kasukdulan: mula sa unang rurok (bar 11) sa pamamagitan ng pagtaas ng tensyon ng mga harmonies, deviations at polyphonic development, pinangungunahan nila ang trabaho sa pinakamaliwanag na rurok nito (bar 17), mabilis na tumataas ang nangingibabaw (melodic line ng bass sa bar 16) .
Ang "Pine" ay nakasulat sa D minor (unang bahagi) at D major (pangalawang bahagi). Ang menor sa unang bahagi at mayor sa ikalawang bahagi ay isang kaibahan na likas sa nilalaman ng talata. Unang bahagi: ang unang pangungusap ay nagsisimula sa D minor, may mga paglihis sa G major (ang susi ng subdominant), ang pangungusap ay nagtatapos sa tonic. Ang pangalawang pangungusap ay nagsisimula sa d menor at nagtatapos sa nangingibabaw. Ikalawang bahagi: nagsisimula sa nangingibabaw ng D minor, gumagalaw sa D major, nagtatapos sa parehong D major. Unang pangungusap: D mayor, pangalawang pangungusap: nagsisimula sa D mayor, nagtatapos sa nangingibabaw nito, dito mayroong paglihis sa subdominant (t. 14 G major), sa ikalawang antas ng D major (parehong sukat e minor). Ang ikatlong pangungusap ay nagsisimula at nagtatapos sa D major, mayroong mga paglihis dito: sa ikalawang antas (m. 19 e minor) at sa subdominant na susi (m. 20 G major). Ang unang paggalaw ay may hindi perpektong ritmo, na nagtatapos sa nangingibabaw.
Ang cadence ng pangalawang paggalaw ay binubuo ng binagong ikapitong chord ng pangalawang degree, K6/4, dominant at tonic ng D major (buo, perpektong cadence).
Ang "Pine" ni Taneyev ay nakasulat sa four-beat meter, na pinananatili hanggang sa katapusan ng trabaho.
Ang texture ng "Pine" ay may likas na gamophonic-polyphonic. Karaniwan, ang mga boses ay nakahanay nang patayo, ngunit sa ilang mga bar (bar 12,13,14,15,16,17) ang mga bahagi ay tunog polyphonically horizontal at ang melodic pattern ay maririnig hindi lamang sa S, kundi pati na rin sa iba pang mga boses. Sa parehong mga hakbang na ito, namumukod-tangi ang solong boses. Sa mga sukat 12, 13, 16, 17, may mga paghinto sa isa o dalawang tinig sa sukat 12, isang naka-block na tunog. Ipinapalagay ng Sukat C ang pagpapatupad sa apat na metrong haba.

Tulad ng sinabi, ang unang bahagi ng gawain ni S. Taneev, "Pine" ay nakasulat sa D minor at sa parehong D major. Isa ito sa mga unang marka ng koro ng kompositor, ngunit naglalaman na ng mga tampok na karaniwang katangian ng kompositor. Ang "Pine" ay may mga tampok ng isang polyphonic style, na katangian din ng trabaho ni Taneyev. Ang mga harmonies ng "Sosna", ang polyphonic conduction ng mga boses, ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang pagkakatugma at melody. Sa pagkakasunud-sunod ng mga chord ay may koneksyon sa Russian folk song (vol. 1, 6, 7 - natural na nangingibabaw). Ang paggamit ng sixth degree triad (vol. 2) ay kahawig din ng isang Russian folk song. Ang mga tampok ng Russian songwriting ay katangian ng gawa ni Taneyev. Minsan ang mga harmonies ng "Pine" ay medyo kumplikado, na dahil sa musikal na wika ng kompositor. Dito ay may binagong ikapitong chord (bar 2, 5, 6, 14, 18, 19, 23), na lumilikha ng matinding tunog ng mga katinig. Ang polyphonic na paggamit ng mga boses ay kadalasang nagbibigay ng tila random na dissonant na tunog (vol. 11, 12, 15). Ang maharmonya na wika ng akda ay nakakatulong upang maihayag ang kadakilaan ng tula ng dakilang makata. Ang mga paglihis sa mga nauugnay na key (vol. 2-g minor, t. 14-e moll, t. 19-e moll, t. 20-G major) ay nagbibigay ng espesyal na lyrical coloring. Ang dynamics ng "Pine" ay tumutugma din sa isang puro malungkot, at pagkatapos ay mapanaginipan maliwanag na mood. Walang binibigkas na f sa trabaho, ang dynamics ay naka-mute, walang maliwanag na mga kaibahan.

Vocal - pagsusuri ng koro

Pagsusuri ng boses at koro
Polyphonic work ni Taneyev "Pine"
nilikha para sa four-voice mixed choir na walang saliw.
Sopran (S) Alto (A) Tenor (T) Bass (B) Pangkalahatang saklaw

Tingnan natin ang bawat batch nang hiwalay.
Ang mga kondisyon ng Tessitura para sa S ay komportable, ang pag-igting ng boses ay hindi lalampas sa hanay ng pagtatrabaho. Sa bar 4 S kinakanta nila ang note d ng 1st octave - ito ay tinutulungan ng dynamics ng p. Ang bahagi ay tumatalon (tumalon sa ch4 vols. 6.13; sa ch5 vols 11.19; sa b6 19-20 vols.), ngunit ang melody ay maginhawa upang gumanap at madaling tandaan. Madalas itong gumagalaw sa mga tunog ng triad (tt.).
Ang bahagi ng viola ay nakasulat sa isang maginhawang tessitura. Ang mga paghihirap ay nauugnay sa maharmonya na pag-load. Halimbawa: t.2 ang mga altos ay may nota na d; t.3-4 ang viola ay may kumplikadong galaw ng dalawang pababang ikaapat. Ang isang katulad na kahirapan, kapag ang viola ay hawak sa isang tunog, ay matatagpuan sa ilang mga lugar (vol. 5, 6-7, 9-10). Ang bahagi ay may harmonic function, ngunit sa ikalawang bahagi, kung saan ang karakter ng trabaho ay nagbabago, si Taneyev ay gumagamit ng polyphonic techniques at ang gitnang boses ay pinalamutian ang harmonic texture ng trabaho sa pamamagitan ng pagsasagawa ng melodic moves hindi lamang sa soprano at sa lahat ng iba pa. mga boses.
Ang tenor na bahagi ay nakasulat din sa isang maginhawang tessitura. Ang mga kumplikado nito ay nauugnay sa pag-unlad ng chord na kasama ng soprano melody. Halimbawa: t. 2 ang tunog f ay binago at ang kadalisayan ng paglihis ng lahat ng boses sa G minor ay depende sa katumpakan ng paglipat na ito (katulad ng t. 18). Ang pagiging kumplikado ng pagganap ay na ito ay tulad ng isang maharmonya na pagpuno ng musikal na tela: t 5-6, ang tenor ay may hawak na tala g sa tono, na lumilikha ng isang tiyak na kahirapan para sa mga gumaganap (katulad na mga lugar, t. 21, 23). Ang mga harmonic chord ng trabaho ay nagdadala ng emosyonal na konotasyon ng kalungkutan, magaan na kalungkutan, at nostalhik na damdamin ng tula ni Lermontov. Sa pagsasaalang-alang na ito, may mga hindi matatag na harmonies at binago ang ikapitong chord (mga volume 2, 5, 6, 14, 18), ang katumpakan ng kanilang pagganap ay higit sa lahat ay nakasalalay sa mga tenor. Ang bahagi ay nagdadala ng isang harmonic at minsan polyphonic load.
Ang linya ng bass ay nakasulat sa karaniwang tessitura para sa bass. Sa intonasyon, hindi laging simple, halimbawa, ang mga galaw sa chromatic scale ay kumplikado (mga linya 5-6, 14, 23). Ang isa sa pinakamahirap na bahagi ng trabaho para sa mga basses ay ang kanilang solong pagganap sa mga salita: "Ang isang magandang puno ng palma ay lumalaki ..." (vol. 15-16), kung saan mayroong mga intonasyon ng pataas na ikatlo at ikaapat. Ngunit sa pangkalahatan, ang bahagi ay hindi dapat magdulot ng anumang partikular na paghihirap para sa mga gumaganap.
Ang paghinga sa akda ay phrasal, dahil ang teksto ay patula. Ang loob ng parirala ay parang chain.
Halimbawa:
Sa ligaw na hilaga, isang pine tree ang nakatayong mag-isa sa isang hubad na tuktok. At siya ay nakatulog, yumuyuko, at nakasuot ng maluwag na niyebe tulad ng isang balabal (1-8 volume).
Ang mga tampok ng diksyunaryo ng trabaho ay nangangailangan din ng pansin. Mababawasan ang mga patinig at katinig. Sa mga lugar kung saan p, kailangan mong bigkasin ang teksto nang napakalinaw upang maiparating sa nakikinig ang kahulugan ng talata. Sa sound science, ang isang cantilena ay dapat naroroon, ang mga patinig ay dapat kantahin, at ang mga katinig ay dapat idagdag sa susunod na pantig, sa susunod na patinig.
Pagsasagawa ng mga kahirapan. 1) Kinakailangang mapanatili ang integridad ng form.
2) Ipakita nang tama ang bawat partido
auftakty.

3) Ito ay kinakailangan upang maihatid ang mood ng isang musikal na parirala sa isang kilos.
4) Katumpakan ng paghahatid ng dynamics.

Konklusyon

Si Sergei Ivanovich Taneyev ay gumawa ng malaking kontribusyon sa musikang Ruso. Malaki ang ginampanan niya sa paglikha ng mga gawa para sa isang capella choir at pagtataas ng genre na ito sa antas ng isang independiyenteng komposisyon na may kakaibang istilo. Pinili ni Taneyev ang mga teksto para sa mga koro na may mahusay na pangangalaga; lahat sila ay nabibilang sa pinakamahusay na makatang Ruso at nakikilala sa pamamagitan ng mataas na kasiningan. Ang mga tema ni Taneyev, kung saan itinayo niya ang kanyang mga gawa, ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang himig. Ang voice acting ay hindi nagkakamali. Ang mga boses ng koro, na magkakaugnay sa mga sound complex, ay lumikha ng isang kawili-wili at natatanging pagkakatugma. Hindi kailanman ginagamit ng kompositor ang matinding tunog ng mga hanay. Alam niya kung paano panatilihin ang kanyang mga boses sa isang tiyak na posisyon patungo sa isa't isa, na tinitiyak ang mahusay na sonority. Ang polyphonic vocal performance ay hindi nakakasagabal sa pagkakaisa ng tunog. Ito ang resulta ng mastery ng estilo ng koro ni Taneyev.
Ang mga koro ni Taneyev ay nagpapakita ng mga makabuluhang paghihirap sa mga tuntunin ng istraktura, na nagmumula sa mga chromaticism at kumplikadong pagkakaisa. Ang nakakapagpaginhawang aspeto ay ang mahigpit na lohika ng paggabay sa boses. Malaki ang hinihingi ni Taneyev sa mga gumaganap ng kanyang mga koro. Ang kanyang mga gawa ay nangangailangan ng mga choral singers na magkaroon ng isang mahusay na vocal foundation, na nagpapahintulot sa kanila na makabuo ng isang malambing, nakalabas na tunog, libre sa lahat ng mga rehistro.
Ang akdang "Pine" ay nakasulat sa mga tula na linya ng M. Yu, na nagpapakita ng tema ng kalungkutan. Isang pine tree na nag-iisa sa isang malamig na rehiyon, sa ilalim ng niyebe. Siya ay malamig, ngunit hindi pisikal, ang kanyang kaluluwa ay nagyelo. Ang puno ay walang komunikasyon, suporta ng isang tao, simpatiya. Araw-araw ang isang puno ng pino ay nangangarap na makipag-usap sa isang puno ng palma. Ngunit ang puno ng palma ay malayo sa ligaw na hilaga, sa mainit na timog.
Ngunit ang puno ng pino ay hindi naghahanap ng kasiyahan, hindi ito interesado sa isang masayang puno ng palma, na makakasama kung ito ay malapit. Napagtanto ni Pine na sa isang lugar na malayo ay mayroong isang puno ng palma sa disyerto at nararamdaman niya na nag-iisa siya. Ang puno ng pino ay hindi interesado sa kagalingan ng nakapaligid na mundo. Wala siyang pakialam sa lamig at disyerto sa paligid niya. Nabubuhay siya sa isang panaginip tungkol sa isa pang malungkot na nilalang.
Kung ang puno ng palma sa mainit nitong timog ay masaya, kung gayon ang pine ay hindi magiging interesado dito. Dahil kung gayon ang puno ng palma ay hindi maiintindihan ang puno ng pino, upang makiramay dito. Naihatid ni Taneyev ang lahat ng mga karanasang ito sa pamamagitan ng musika, gamit ang mga nagpapahayag na paraan tulad ng: dynamics, tempo, tonality, texture ng presentasyon.

Bibliograpiya

Musical encyclopedic dictionary / Ch. ed. G.V. Keldysh. – M.: Soviet Encyclopedia, 1990 – 672 pp.: ill.
www.wikipedia.ru
http://hor.by/2010/08/popov-taneev-chor-works/

480 kuskusin. | 150 UAH | $7.5 ", MOUSEOFF, FGCOLOR, "#FFFFCC",BGCOLOR, "#393939");" onMouseOut="return nd();"> Dissertation - 480 RUR, paghahatid 10 minuto, sa buong orasan, pitong araw sa isang linggo at mga pista opisyal

Grinchenko Inna Viktorovna. Choral miniature sa Russian musical culture: history and theory: dissertation... candidate: 17.00.02 / Grinchenko Inna Viktorovna [Lugar ng depensa: Rostov State Conservatory na pinangalanang S.V p.

Panimula

Kabanata 1. Choral miniature sa makasaysayang at kultural na konteksto 10

1.1. Miniaturization sa musikal at choral art: pilosopikal na pundasyon 11

1.2. Miniature ng Choral sa konteksto ng mga tradisyon ng sining ng Russia 19

1.3. Mga diskarte sa pananaliksik sa pag-aaral ng mga choral miniature 28

1.3.1. Isang textual na diskarte sa pag-aaral ng choral miniature genre 28

1.3.2. Choral miniature: isang structural approach sa pagsusuri ng poetic at musical texts 32

Kabanata 2. Choral miniature sa mga gawa ng mga kompositor ng paaralang Ruso: background sa kasaysayan at kultura, pagbuo at pag-unlad ng genre 44

2.1. Musikal at patula na impluwensya sa isa't isa at ang papel nito sa pagbuo ng choral miniature genre 44

2.2. Choral miniature bilang isang teoretikal na kahulugan 52

2.3. Pagkikristal ng mga tampok ng choral miniature genre sa mga gawa ng mga Ruso mga kompositor noong ika-19 na siglo siglo 68

Kabanata 3. Choral miniature sa musikal na kultura ng ika-20 siglo 91

3.1. Sitwasyon ng genre ng ika-20 siglo:

kontekstong sosyo-kultural ng genre 93

3.2. Ang ebolusyon ng choral miniature genre sa ikalawang kalahati ng ika-20 siglo 106

3.3 Mga pangunahing vector ng pag-unlad ng genre 118

3.3.1. Choral miniature na naglilinang ng mga klasikal na reference point 118

3.3.2. Choral miniature na naglalayong sa mga Ruso pambansang tradisyon 126

3.3.3. Choral miniature sa ilalim ng impluwensya ng mga bagong istilong uso noong 60s 133

Konklusyon 149

Bibliograpiya

Mga diskarte sa pananaliksik sa pag-aaral ng mga miniature ng choral

Bakit ito makabuluhan? pilosopikal na aspeto Problema? Ang pilosopikal na pagmuni-muni ay nagbibigay ng pag-unawa sa sining sa kabuuan, pati na rin ang indibidwal na gawain nito, mula sa punto ng view ng pag-aayos dito malalalim na kahulugan nauugnay sa kalikasan ng sansinukob, ang layunin at kahulugan ng buhay ng tao. Hindi nagkataon simula ng XXI siglo ay minarkahan ng espesyal na atensyon ng musikal na agham sa pilosopikal na kaisipan, na tumutulong upang maunawaan ang ilang kategorya na makabuluhan para sa sining ng musika. Ito ay higit sa lahat dahil sa katotohanan na, sa liwanag ng mga pagbabago sa modernong konsepto ng larawan ng mundo, kung saan ang Tao at ang Uniberso ay magkaparehong tinutukoy at nagtutulungan, ang mga ideyang antropolohiya ay nakakuha ng bagong kahalagahan para sa sining, at ang pinakamahalaga. Ang mga direksyon ng pilosopikal na pag-iisip ay naging malapit na nauugnay sa mga problema sa aksiolohikal.

Mahalaga sa bagay na ito na kahit na sa akdang "The Value of Music" B.V. Si Asafiev, ang pilosopikal na pag-unawa sa musika, ay binigyan ito ng isang mas malawak na kahulugan, binibigyang kahulugan ito bilang isang kababalaghan na pinagsasama ang "malalim na istruktura ng pag-iral sa pag-iisip ng tao, na natural na lumampas sa mga hangganan ng uri ng sining o artistikong aktibidad." Nakita ng scientist sa musika hindi ang repleksyon ng realidad ng ating buhay at mga karanasan, kundi repleksyon ng "larawan ng mundo." Naniniwala siya na sa pamamagitan ng kaalaman ang isa ay nagiging 1 Ang terminong "miniaturization" ay hindi sarili ng may-akda, ngunit karaniwang tinatanggap sa modernong panitikan sa kasaysayan ng sining. Ang proseso ng musikal, ay maaaring mas malapit sa pag-unawa sa pormal na kaayusan ng mundo, dahil "ang proseso ng pagbuo ng tunog sa sarili nito ay salamin ng "larawan ng mundo", at inilagay niya ang musika mismo bilang isang aktibidad "sa isang serye. ng mga posisyon sa mundo" (mga konstruksyon ng mundo), na nagbubunga ng isang microcosm - isang sistema, synthesizing maximum sa minimum.

Ang huling pangungusap ay lalong makabuluhan para sa paksang pinag-aaralan, dahil naglalaman ito ng pagtuon sa pagsusuri ng mga argumento na nagpapakita ng kaugnayan ng mga uso sa modernong kultura, na nakatuon sa mga miniature sa sining. Ang mga pundasyon ng mga prosesong ito ay pangunahing naiintindihan sa larangan ng kaalamang pilosopikal, sa loob ng balangkas kung saan ang problema ng ugnayan sa pagitan ng malaki at maliit - ang macro at micro na mundo - ay tumatakbo sa pamamagitan nito. Tingnan natin ito nang mas detalyado.

Sa pagtatapos ng ika-20 siglo, sa pilosopiya at agham ng daigdig, nagkaroon ng aktibong pagbabagong-buhay ng mga tradisyonal na konsepto at kategoryang pilosopikal na sumasalamin sa integridad ng mundo at ng tao. Gamit ang pagkakatulad ng macrocosm - microcosm ay nagbibigay-daan sa amin upang isaalang-alang at ipaliwanag ang mga relasyon "kalikasan - kultura", "kultura - tao". Ang pagmuni-muni na ito ng istraktura ng buhay ay humantong sa paglitaw ng isang bagong metodolohikal na posisyon, kung saan naiintindihan ng Tao ang mga batas ng nakapaligid na mundo at kinikilala ang kanyang sarili bilang korona ng paglikha ng kalikasan. Nagsisimula siyang tumagos sa kailaliman ng kanyang sariling sikolohikal na kakanyahan, "sinisira" ang pandama na mundo sa isang spectrum iba't ibang shades, nagmarka ng mga emosyonal na estado, gumagana sa mga banayad na sikolohikal na karanasan. Sinusubukan niyang ipakita ang pagkakaiba-iba ng mundo sa kanyang sarili sa sign system ng wika, upang ihinto at makuha ang pagkalikido nito sa pang-unawa.

Ang pagmumuni-muni, mula sa pananaw ng pilosopiya, ay "ang pakikipag-ugnayan ng mga materyal na sistema, kung saan ang mga sistema ay magkakaugnay na itinatak ang mga katangian ng bawat isa, ang "paglipat" ng mga katangian ng isang kababalaghan sa isa pa, at, una sa lahat, ang "paglipat" ng mga katangiang istruktura.” Samakatuwid ang pagmuni-muni kahulugan ng buhay sa isang tekstong pampanitikan ay maaaring bigyang-kahulugan bilang "ang istruktural na pagsusulatan ng mga sistemang ito na itinatag sa proseso ng pakikipag-ugnayan."

Sa liwanag ng mga probisyong ito, tutukuyin natin na ang miniaturization ay isang salamin ng masalimuot, lumilipas na mga katangian ng buhay na bagay, "pagtitiklop," o isang pira-pirasong nakuhang proseso ng pakikipag-ugnayan sa pagitan ng mga sistema, na inihahatid sa pagbuo ng kahulugan ng isang masining na teksto . Ang kakanyahan nito ay ang pagiging compactness ng sistema ng pag-sign, kung saan nakuha ng sign ang kahulugan ng isang simbolo ng imahe. Salamat sa semantic coding, ang posibilidad na gumana sa buong "semantic complex", ang kanilang paghahambing at pangkalahatan ay nilikha.

Ang pagkakaroon ng nakabalangkas sa problema ng ugnayan sa pagitan ng macro at microworlds, na pangunahing mahalaga para sa pag-unawa sa kakanyahan ng mga miniature, na nabuo sa isang independiyenteng konsepto noong ika-20 siglo, ituturo namin na ang pilosopiya ay naipon ng maraming mahalagang impormasyon na ay nagbibigay-daan sa amin upang malalim na isipin ang kakanyahan ng genre ng choral miniatures. Tingnan natin ang mga ito sa historical retrospect.

Ang kahulugan ng konsepto ng macro at microcosm ay nagsimula noong sinaunang panahon. Sa pilosopiya ng Democritus, unang lumitaw ang kumbinasyong mikroskosmos ("ang tao ay isang maliit na mundo"). Ang isang detalyadong doktrina ng micro- at macrocosm ay ipinakita na ni Pythagoras. Kaugnay sa kahulugan ng ideolohiya ito pala ang prinsipyo ng kaalaman na iniharap ni Empedocles - “like is known by like.” Nagtalo si Socrates na ang kaalaman sa kosmos ay maaaring makuha "mula sa loob ng tao." Ang mga pagpapalagay tungkol sa pagkakapareho ng umiiral na tao at ang uniberso tungkol sa Pagpasok sa kakanyahan ng kababalaghan ng miniaturization ng teksto, ihambing natin ito sa isang katulad na kababalaghan sa panloob na pagsasalita ng tao. Ang modernong agham ay nakakuha ng pang-eksperimentong data na tumutukoy sa mekanismo ng pakikipag-ugnayan sa pagitan ng mga salita at kaisipan, wika at pag-iisip. Ito ay itinatag na ang panloob na pagsasalita, na, naman, ay nagmumula sa panlabas na pagsasalita, kasama ang lahat ng mga proseso ng aktibidad ng kaisipan. Ang antas ng kahalagahan nito ay tumataas sa abstract na lohikal na pag-iisip, na nangangailangan ng detalyadong pagbigkas ng mga salita. Ang mga pandiwang palatandaan ay hindi lamang nagtatala ng mga kaisipan, ngunit nagpapatakbo din sa proseso ng pag-iisip. Ang mga function na ito ay karaniwan sa parehong natural at artipisyal na mga wika. A.M. Sumulat si Korshunov: "Habang ang isang pangkalahatang lohikal na pamamaraan ng materyal ay nilikha, ang panloob na pagsasalita ay bumagsak. Ito ay ipinaliwanag sa pamamagitan ng katotohanan na ang generalization ay nangyayari sa pamamagitan ng pag-highlight ng mga pangunahing salita kung saan ang kahulugan ng buong parirala, at kung minsan ang buong teksto, ay puro. Ang panloob na pananalita ay nagiging isang wika ng mga semantic support point." matutunton sa mga akda ni Plato. Tinatalakay din ni Aristotle ang maliit at malaking kosmos. Ang konseptong ito ay nabuo sa pilosopiya nina Seneca, Origen, Gregory theologian, Boethius, Thomas Aquinas at iba pa.

Ang ideya ng macrocosm at microcosm ay naging lalo na yumabong sa panahon ng Renaissance. Ang mga dakilang palaisip - Giordano Bruno, Paracelsus, Nicholas ng Cusa - ay pinag-isa ng ideya na ang kalikasan, sa katauhan ng tao, ay naglalaman ng kaisipan at likas na senswal at "kinokontrata" ang buong Uniberso sa loob mismo nito.

Batay sa makasaysayang pagbuo ng postulate tungkol sa pagsusulatan ng macro at microworlds, napagpasyahan namin na ang macrocosm ng kultura ay katulad ng microcosm ng sining, at ang macrocosm ng sining ay katulad ng microcosm ng mga miniature. Ito, na sumasalamin sa mundo ng indibidwal sa kontemporaryong sining, ay isang pagkakahawig ng macrosystem kung saan ito ay nakasulat (sining, kultura, kalikasan).

Ang pangingibabaw ng mga ideya ng macro at micro na mundo sa pilosopiyang Ruso ay natukoy ang mga makabuluhang alituntunin sa ilalim ng tanda kung saan umunlad ang choral art. Kaya, upang mabuo ang problema ng miniaturization sa sining, ang ideya ng conciliarity ay mahalaga, na nagpapakilala ng isang elemento sa musikang Ruso. pilosopikal na pagkamalikhain. Ang konseptong ito sa una ay nauugnay sa prinsipyo ng koro, na kinumpirma ng paggamit nito sa pananaw na ito ng mga pilosopong Ruso. Sa partikular, “K.S. Tinukoy ni Aksakov ang konsepto ng "conciliarity" sa isang komunidad kung saan "ang indibidwal ay malaya tulad ng sa isang koro." SA. Tinukoy ni Berdyaev ang conciliarity bilang isang Orthodox virtue, Vyach. Ivanov - bilang isang perpektong halaga. Inihayag ni P. Florensky ang ideya ng conciliarity sa pamamagitan ng isang Russian plangent song. B.C. Binago ni Solovyov ang ideya ng pagkakasundo sa doktrina ng pagkakaisa."

Choral miniature: isang structural approach sa pagsusuri ng poetic at musical texts

Kabilang sa mga makasaysayang at masining na proseso na nakaimpluwensya sa pagbuo ng genre ng choral miniatures, dapat nating i-highlight lalo na ang mga uso na tumutukoy sa mutual na impluwensya at mutual na pagpapayaman ng musika at tula. Ang mga coordinate ng mga relasyon na ito ay naiiba sa iba't ibang mga layer ng kulturang musikal ng Russia. Sa katutubong sining, ang relasyong ito ay lumago at umunlad sa pagkakapareho ng dalawang sining, ang kanilang synthesis. Sa kultong musika ay nangingibabaw ang salita. Sa sekular na propesyonal na kultura, ang relasyon na ito ay batay sa hindi pantay na pag-unlad ng tula at musika, kung saan ang mga inobasyon ng isang sining ay nagsilbing impetus para sa mga nagawa ng isa pa. Ang prosesong ito ay may malalim na makasaysayang ugat. “Mukhang isang mapagkakatiwalaang palagay,” ang isinulat ni T. Cherednichenko, na ang sinaunang sekular na tula ng Russia, na lumitaw nang mas maaga kaysa sa prosa, ay unang iniugnay sa himig, “idinisenyo para sa pagbabasa, (ito) ay may isang tiyak, natatanging paraan ng intonasyon para sa bawat genre. .”

Ang ika-18 siglo ay naging lubos na mabunga at kawili-wili sa pagbuo ng musikal at patula na pakikipag-ugnayan sa propesyonal na pagkamalikhain. Ang pangunahing patula at musikal na genre ng panahong ito ay ang Russian cant, na "dapat ituring bilang isang chamber variety ng partes singing." Sa mga pinagmulan ng intonasyon nito, nag-ugat ito sa mga tradisyon ng katutubong awit ng Russia, na sinamahan ng mga intonasyon ng pang-araw-araw na pag-awit. Tulad ng isinulat ni T.N Livanov, "ang cant ng ika-18 siglo ay nanatiling agarang nasasalat na batayan ng propesyonal na sining ng Russia, dahil nakipag-ugnay ito sa lahat ng mga lugar ng kultura ng musika at sa parehong oras ay napunta sa pang-araw-araw na buhay."

Ang Russian cant at chamber song, sa kanilang kapanahunan, na kalaunan ay nagbigay-buhay sa liriko na kanta, mula sa aming pananaw, ay isa sa mga nangunguna sa Russian choral miniature, dahil inihayag nila ang pangunahing katangian ng genre na aming isinasaalang-alang, lalo na ang pagkakaisa. ng musikal at patula na katangian ng musikal na saknong, na umuunlad sa interaksyon ng patula at musikal na mga salik. Ang patula na salita ay palaging nagsusumikap para sa imahinasyon, katotohanan, hanapin ito sa kaibuturan ng tonong kahulugan, at musikal na tono“I was looking for the truth” sa pagpapahayag ng isang makasagisag na tono na salita. Pagkatapos ng lahat, tulad ng nabanggit ni B.V. Asafiev, "sa tao mismo, sa "organiko" ng kanyang tunog na pagpapakita - kapwa ang salita at tono - ay pantay na tinutukoy ng intonasyon. Kaya, ang pagkakaisa ng dalawang sining ay natukoy sa pamamagitan ng kanilang pag-ugat sa isang pinagmulan - intonasyon. Ang patuloy na malikhaing paghahanap para sa artistikong katotohanan (lalo na mahalaga para sa tradisyon ng Russia), batay sa organikong intonasyon na pagkakaisa ng salita at tono, kapwa sa musika at tula, ay nagpasiya ng kanilang karagdagang pagpapalitan ng kanilang mga paraan ng pagpapahayag. Para sa uri ng musikal, ito ay humantong sa layunin sa pag-apruba ng bago, klasikal na mga pattern ng anyo, para sa patula - sa pagpapalakas ng isang bagong syllabic-tonic na sistema ng versification. Isaalang-alang natin ang ilang mga yugto ng pagbuo ng hindi pangkaraniwang bagay na ito na makabuluhan para sa atin.

Mula noong sinaunang panahon, ang musika at tula ay nagpahayag ng iisang prinsipyo ng organisasyon ng mga istrukturang musikal at patula. Nagmula noong ika-16 na siglo, ang tula ng tula sa mga unang halimbawa nito ay hindi nag-ayos ng mga posisyon ng pantig sa saknong. Ang taludtod ay walang simetriko, na may patula na ritmo - isang tumutula na "kasunduan sa gilid". Ang istraktura ng mga melodies ng Znamenny chant ay magkatulad. Ang mga melodic na parirala ay tumutugma sa bawat isa lamang sa pamamagitan ng mga pagtatapos - unison cadences, na siyang elemento ng pag-aayos ng form. Ang monotonous meter sa musika at tula ay kinumpleto ng pagpigil sa intonasyon. Structural unit ang mga tula noong panahong iyon ay mga couplet. Ang poetic stanza ay walang malinaw na mga hangganan, na binubuo ng mga couplets ay maaaring walang katapusan, medyo walang hugis. Ibang sitwasyon ang nakikita natin sa musika. Sa anyong musikal, ang yunit ay isang melodic na parirala. Ang mga musical form ng panahong ito ay umabot sa antas ng mastering reprise closed structures. Sa proseso ng ugnayan, ibinibigay nila ang kanilang impluwensya sa linya ng patula, na pinipilit ang mga makata na maghanap ng kapasidad ng semantiko sa pagtatanghal ng balangkas ng tula.

Ngunit sa kalagitnaan ng ika-18 siglo siglo - sa tuktok ng katanyagan ng tula ng Virsch, ang mga pagbabago ay nagpapatuloy. Binubuo ang mga ito sa paglitaw ng isa pang salik sa pagsasaayos sa versification - ang pagkakapantay-pantay ng bilang ng mga pantig sa isang saknong. Ang ganitong uri ng versification ay tinawag na syllabic. Nararapat na bigyang-diin na “ang transisyon sa equisyllabic syllabic verse ay isinagawa sa loob ng framework ng song poetry. Ang mga tula ng mga makata ay nilayon na kantahin, hindi basahin, at nilikha sa isang tiyak na uri ng himig, at kung minsan, marahil, pareho sa parehong oras." Kabilang sa mga sikat na makata noong panahong iyon na nagsulat ng tula para sa mga kanta at tula ng kanta, maaaring i-highlight ng isa ang S. Polotsky, V.K. Trediakovsky, A.P. Sumarokova, Yu.A. Neledinsky-Miletsky. Ang komposisyon corps ay kinakatawan ni V.P. Titov, G.N. Teplov, F.M. Dubyansky, O.A. Kozlovsky. Sa pamamagitan ng ascetic na pagsisikap ng mga musikero at makata na ito, naganap ang gayong aktibong pag-angat ng mga pamantayan ng wikang patula ng Russia at eksperimentong gawain sa pakikipag-ugnayan ng mga paraan ng pagpapahayag ng musika at tula. Halimbawa, A.P. Si Sumarokov, isang mahuhusay na manunulat ng kanyang panahon, ay humihiling mula sa isang makata na nagsusulat ng mga kanta, una sa lahat, pagiging simple at kalinawan:

Choral miniature bilang isang teoretikal na kahulugan

Kaya, mula sa aming pananaw, ito ay ang pagkamalikhain ng SI. Si Taneyev ay isang milestone sa pagbuo ng genre ng sekular na choral miniature. Ang modernong pag-unawa sa mahusay na pamana ay nagdala ng bago, malalim na pag-unawa sa kanyang aesthetic na konsepto, na hindi pa rin ganap na kinikilala: "ang mataas na merito ng kanyang musika ay karaniwang kinikilala, ngunit ang kadalisayan ng mga mithiin na tumutukoy sa mahabang buhay ng pinakamahusay na Taneyev. ang mga gawa ay hindi pa lubos na pinahahalagahan.” Isaalang-alang natin ang ilang aspeto ng pagkamalikhain ng musikero na may kaugnayan sa sekular na mga choral miniature. Upang gawin ito, ilalarawan namin ang mga malikhaing adhikain ng mahusay na artist, na binibigyang-diin ang mga anggulo na makabuluhan para sa diskarte ng may-akda sa genre na pinag-aaralan.

Tulad ng nalalaman, sa larangan ng mga interes ng SI. Si Taneyev, bilang isang kompositor at bilang isang siyentipiko, ay may malikhaing arsenal ng mga magagaling na musikero ng Renaissance, na napapailalim sa malalim na pagsusuri, pag-aaral at artistikong muling intonasyon. Ang mapagkukunan ng Renaissance polyphony ay naging may kaugnayan para sa mga miniature ng choral. Ang kumbinasyon ng ilang mga melodies sa sabay-sabay na tunog, na ang bawat isa ay pantay at artistikong makabuluhan, ay naging pangunahing sa paglikha ng choral fabric ng sekular na mga gawa. Ang katangian at katangian ng thematicism ay natukoy sa pamamagitan ng vocal na katangian nito at nagmana ng malalim na ugat na koneksyon sa salita. Kasabay nito, ang synthesis ng polyphonic at homophonic-harmonic na mga texture ay nagbukas ng isang bagong potensyal para sa pagbubuo ng musikal na tela, na sumasalamin sa "pagnanais ng mga artista para sa pagiging natatangi ng ipinahayag na estado, para sa sariling katangian ng pagpapahayag, at, samakatuwid, ang pagka-orihinal ng isang partikular na disenyo."

Malapit si Taneyev sa prinsipyo ng tuluy-tuloy na pag-unlad ng pampakay; Ang konsepto na ito ay nagpapahintulot sa musikero na pagsamahin ang mga pattern ng fugue at strophic na komposisyon sa isang anyo. "Ang pinaka-magkatugmang mga choral na gawa ay ang mga," ang isinulat ni Taneyev, "kung saan ang mga kontrapuntal na anyo ay pinagsama sa mga libreng anyo, iyon ay, kung saan ang mga imitative na anyo ay nahahati sa mga bahagi ng mga pangungusap at mga tuldok." Ang nasabi ay lalong makabuluhan kung itinuturo natin na ang interes sa multifaceted na panloob na mundo ng isang tao, na nabuo ang kakanyahan ng nilalaman ng musika ng SI. Taneyev, ay aktuwal sa mayamang globo ng polyphonic imagery, na organikong isinama ng artist sa genre ng choral miniature.

Upang maihayag ang kakanyahan ng mga artistikong tagumpay ng SI. Taneyev sa larangan ng genre na interesado sa amin, magsasagawa kami ng isang paghahambing na pagsusuri ng isang bilang ng mga gawa, na dati nang nakilala ang ilang mahahalagang, mula sa aming pananaw, mga posisyon na nakabalangkas sa teoretikal na pananaliksik ng E.V. Nazai-kinsky, na nakatuon sa simula ng miniature na genre. Pansinin natin ang sumusunod: tinutukoy ng siyentipiko ang konseptong diwa ng miniature sa pamamagitan ng pagsusuri sa "kabuuan at pagkakaiba-iba ng mga phenomena kung saan ang salitang pinag-uusapan ay maaaring, sa isang paraan o iba pa, ay nauugnay." Kabilang sa mga ito, tinukoy niya ang pangunahing, pinaka-maaasahang pamantayan na nagpapahintulot sa isa na mag-navigate sa lugar na ito. Ang una sa kanilang serye, na lumilikha ng isang "miniature effect" sa isang maliit na anyo, ay ang pagsunod sa prinsipyo ng "malaki sa maliit". Ang pamantayang ito ay "hindi lamang malakihan at dami, ngunit pati na rin patula, aesthetic, masining."

Pagbabahagi ng opinyon ni E.V. Nazaikinsky tungkol sa pangunahing papel ng pamantayang ito, ipapakita namin dito ang pagsusuri ng ilang koro ng SI. Taneyev, upang matukoy kung hanggang saan ang mga tampok ng miniature na genre ay ipinakita sa kanila. Magsimula tayo sa hypothesis na ang mga pangunahing paraan at pamamaraan ng pagpapalit ng malaki sa maliit ay sumasaklaw sa lahat ng antas ng artistikong kabuuan, na bumubuo ng pagtitiyak ng genre ng choral miniature. Isa sa mga pamamaraan na ito, paraan 76

nag-aambag sa artistikong compression ng semantic energy ay generalization sa pamamagitan ng genre. Napagtanto nito ang sarili sa pamamagitan ng isang nauugnay na "koneksyon sa mga pangunahing genre, kasama ang konteksto ng buhay." Ito ay batay sa mekanismo ng paghiram ng mga kahulugan: ang genre prototype ng miniature ay "nagbibigay" dito ng mga generic na katangian at tiyak na mga tampok, na gumaganap ng mga partikular na semantic function sa artistikong kabuuan. Koneksyon sa mga prototype ng genre sa mga gawa ng SI. Si Taneyev ay nakikita, una sa lahat, sa antas ng pampakay na materyal. Ang artistikong pag-unlad at pagproseso nito ay isinasagawa sa pamamagitan ng mga mapagkukunan ng polyphony. Bilang karagdagan sa mga pangunahing genre, ang mga tema ng S.I. Taneyev ay madalas na nagmula sa sinaunang pag-awit ng Russia at malapit sa orihinal na istilo ng musika ng simbahan, ngunit sa anumang kaso ay batay sa melodic na musika ng Russia.

Ang malinaw na ipinahayag na pambansang kalikasan ng thematicism ay nag-uudyok sa isang espesyal na kapasidad ng pagtatanghal nito, ang kakayahan para sa patuloy na pag-unlad ng intonasyunal, pati na rin ang variational at variant transformations. Para sa S.I. Taneyev, ang kayamanan ng mga paraan upang bumuo ng pampakay na materyal, tulad ng nabanggit, ay may isang pangunahing batayan. Pinag-uusapan natin ang polyphonic na pag-iisip ng kompositor, na nagbubukas ng mga posibilidad ng iba't ibang contrapuntal na pamamaraan ng pagtatanghal at pag-unlad, na isinasagawa sa pinakamahusay na artistikong tradisyon ng polyphonic na pagsulat.

Upang kumpirmahin kung ano ang sinabi, sumangguni tayo sa ilang mga halimbawa. Kaya, sa miniature na landscape na "Gabi" ang pangunahing tema ay nasa genre ng barcarolle. Sumasailalim ito sa aktibong pagbabagong-anyo, kung saan nabuo ang mga nauugnay na elementong pampakay. Sila ay "compact" ang tunog, kulayan ito ng mga bagong shade, salamat sa intonasyon at maindayog na pagbabago sa "profile" ng tema sa mga counterpoint na bumabalot dito. Ang kanilang unti-unting pag-switch off patungo sa pagtatapos ng trabaho ay lumilikha ng epekto ng isang kumukupas na tunog, materializing ang paglipat ng kalikasan sa kapayapaan ng gabi. Isa pang halimbawa: ang dance character ng nagniningas na tarantella, na likas sa side theme ng chorus na "The Ruin of the Tower," ay naglalarawan sa "makinang" na nakaraan ng lumang tore. Ang pangunahing tema, na nagpinta ng isang madilim na larawan ng kasalukuyan, ay malalim na kaibahan dito. Sa bahagi ng pag-unlad, ang tema ng genre na kinagigiliwan natin ay binago sa isang elegiac na susi;

Ang koro na "Tumingin sa dilim" ay batay sa isang tema ng kanta. Itinakda sa simula sa isang homophonic-harmonic na texture, nasa pangalawang pagganap na ito ay binuo sa pamamagitan ng walang katapusang canon. Ang pamamaraan ng simulation dito, tulad ng sa nakaraang halimbawa, ay subordinated sa software. Ang imahe ng kalikasan - ang "pagkutitap" ng mga lilim nito - ay naihatid sa pamamagitan ng pag-play ng mga timbre, salamat sa pagbabago ng mga boses, halili na pagkuha ng mga temang pampakay at pagbuo ng "mga kumpol" ng mga imitasyon. Ang polyphonic technique ay kasangkot sa pagbubuo ng masining na imahe. Ang karunungan sa kumplikadong mapagkukunan ng mga diskarte sa pagkakaiba-iba ng polyphonic na may kakayahang maghatid ng mga pinakamahusay na nagpapahayag na lilim ay nag-aambag sa "paglikha ng isang maaliwalas na musikal na imahe na perpektong nagbibigay ng mood."

Kaya, bigyang-diin natin na sa antas ng pampakay, ang prinsipyo ng "malaki sa maliit" ay ipinatupad sa pamamagitan ng isang radikal na pagbabago ng pangunahing genre na batayan ng mga tema sa proseso ng kanilang pag-unlad batay sa polyphonic na paraan at mga diskarte, hindi bababa sa kung saan ay ang mga mapagkukunan ng pinakamataas na polyphonic genre ng fugue.

Ipagpapatuloy namin ang ebidensiya na argumentasyon ng pagpapatakbo ng prinsipyong aming pinag-aaralan sa antas ng nilalaman-semantiko, ang pagsisiwalat nito ay posible sa pamamagitan ng pagsusuri ng magkaparehong impluwensya ng mga tekstong pampanitikan at musika na nagpapakita ng isang tiyak na pagkakapareho ng mga katangian. Ang batayan ng kanilang nilalaman ay ang "punto" na pag-aayos ng magkakaibang mga imahe, hindi kasama ang yugto ng pag-unlad. Ang mga kahulugan ay ipinapadala sa nakikinig bilang isang pagkakasunud-sunod ng mga integral na imahe, kumpara ayon sa prinsipyo ng antithesis o pagkakakilanlan. E.V. Ipinakita ito ni Nazaikinsky bilang "isang paghaharap sa pagitan ng mga poste, na, kahit na hindi inaayos ang mga transisyonal na yugto at mga extension na karaniwang naghihiwalay sa kanila, ay maaaring magbigay ng ideya ng dami ng mundo na nasa pagitan ng mga poste."

Ang pagiging tiyak ng pagpapatupad ng diskarteng ito sa choral miniature ay direktang nauugnay sa semantic weight ng literary text at binubuo ng mga sumusunod. Ang makabuluhang balangkas ng mga miniature ni S.I. Taneyev ay kumakatawan sa "espesyal" na mga tekstong patula na may makabuluhang nilalaman, dramatikong potensyal, emosyonalidad, at ang posibilidad ng muling pag-iisip at pagpapalalim. Isang tipikal na halimbawa ng ganitong paraan sa pagpili ng patula na batayan ng mga akda ay ang mga koro op. 27 sa mga tula ni Yakov Polonsky, kung saan ang tula ay nakita ni S.I. Taneev ang kinakailangang "plastik" na materyal para sa pag-sculpting ng imahe ng "malinaw na sikolohikal na musikalidad." Hindi nagkataon na ang B.C. Binigyang-diin ni Solovyov: "Ang tula ni Polonsky ay may mga katangian ng musika at kaakit-akit sa isang malakas at pantay na lawak." Suriin natin ang tula na "On the Grave" ni Ya, na naging batayan para sa koro ng parehong pangalan. Magbigay tayo ng halimbawa ng isang tekstong patula.

Pangunahing mga vectors ng pag-unlad ng genre

Isinasaalang-alang ang mga pangakong ito ng mga mananaliksik, ang pagsasaalang-alang sa miniature ng choral sa seksyong ito ng gawain ay maglalayon sa pagtukoy ng mga pagbabago sa genre sa antas ng nilalaman ng impormasyon ng teksto. Ang tanong na ito ay tila ang pinakamahalaga, dahil ito ay nagbibigay-daan sa amin na maunawaan kung paano nabuo ang dami ng nilalaman ng isang miniature sa ugnayan sa pagitan ng mga tekstong pandiwa at musika sa background-pitch, lexical, syntactic, compositional na antas ng kanilang pakikipag-ugnayan. Ilagay natin ang pagpapalagay na sa proseso ng modernisasyon ng genre, ang ilang mga tampok na istruktura ay nakakuha ng nangingibabaw na kahalagahan sa pag-unlad nito. Upang maisakatuparan ang gawaing ito, gagamitin namin ang mga sumusunod na analytical operations: isasaalang-alang namin ang choral miniature sa aspeto ng inter-genre interaction, at tutukuyin namin ang impluwensya ng assimilated features ng iba pang sining sa internal structural at linguistic system ng trabaho. .

Kaya, ang napakalaking pagkalat ng mga komunikasyon sa masa ay nagpakilala sa isang hindi pa nagagawang madla sa mga halaga ng kultura. Ang napakalaking pagpapalawak ng saklaw ng mundo ng tunog ay nauugnay sa pagtatanghal ng musika hindi lamang bilang isang independiyenteng paksa ng pang-unawa, kundi pati na rin sa paggamit nito bilang isang bahagi ng iba pang mga sining, at hindi lamang sa sining. Kung minsan ang bahagi ng musika ay isang kakaiba, hindi kapani-paniwalang makulay na paghalili ng mga gawa at mga fragment na kabilang sa iba't ibang estilo at genre. Sa row na ito iba't ibang kumbinasyon musika, mga larawan at mga salita na inaalok ng radyo at telebisyon: mula sa mga musikal na intro ng mga seksyon ng radyo hanggang sa mga tampok na pelikula at dokumentaryo, ballet at opera productions.

Sa orbit ng mga malikhaing paghahanap na nauugnay sa kapanganakan iba't ibang anyo synthesis ng genre, madalas na isinasagawa sa junction iba't ibang uri arts, ang genre ng choral miniature din pala. Ang mga pakikipagsapalaran na nauugnay sa pagkamit ng makasagisag na lalim, na kung minsan ay "nakapakapa" sa malalayong larangan ng sining, ay naging isang katangian ng panahon. Isaalang-alang natin ang proseso ng mga pakikipag-ugnayan sa genre, na napakahalaga para sa panahon ng buhay ng genre na pinag-aaralan, gamit ang halimbawa ng mga choral miniature ni G.V. Sviridov mula sa cycle na "Five Choirs to the Words of Russian Poets" para sa mixed choir a cappella. Ang aming pansin ay ididirekta sa mga bagong tampok ng uri ng genre na pinag-aaralan sa indibidwal na malikhaing desisyon ng kompositor.

Kaya, ang choral miniature ni G.V. Si Sviridova, alinsunod sa mga uso ng panahon, ay nasa sentro ng inter-genre na mutual na impluwensya ng isang pabago-bagong pagbuo ng bagong kultura, na nakakaranas ng impluwensya ng iba pang mga uri ng sining. Ang pagbuo ng structural-semantic na modelo ng mga choir ni Sviridov ay nauugnay sa mga tampok na katangian ng mass song, ang pinagmulan ng mga intonational na ideya kung saan, tulad ng kilala, ay katutubong musika. Ang repraksyon ng mga katutubong melodies sa mga intonasyon ng masa ng Sobyet at liriko na mga kanta, ayon kay K.N. Dmitrevskaya, gumagawa ng " katutubong batayan, sa isang banda, mas pangkalahatan, sa kabilang banda, mas naa-access sa pangkalahatang publiko, dahil inilalagay nito ang mga mahusay na milestone sa paraan ng kanilang pang-unawa sa musika. Ang nasa itaas ay nagpapahintulot sa amin na sabihin na ang mga choral works ni Sviridov ay nagdala ng pagpapalawak ng panlipunang layunin ng choral art at pinasigla ang mga proseso ng edukasyon at pagkuha ng isang bagong tagapakinig na nauunawaan at nakikita ang personal at pinahahalagahan na mga kahulugan sa artistikong katotohanan ng musika. Malinaw, ang mga prosesong ito ay naghanda ng paglitaw ng isang choral composition ng lyrical type.

Ang isa pang mahalagang pinagmumulan ng pag-renew ng choral miniature genre ay ang aktibong pagsasama ng choir sa iba't ibang uri ng konteksto ng genre. Kaya, ang mga yugto ng choral ay iba't ibang nakalagay sa symphonic na musika (D.D. Shostakovich, B.I. Tishchenko, A.G. Schnittke, A.R. Terteryan, A.L. Lokshin), sa mga theatrical productions (G.V. Sviridov sa dulang "Tsar Fyodor Ioannovich", A.G. Schnittke para sa drama na "D. ” ni F. Schiller, E.V. Denisov para sa dulang “Krimen at Parusa”). Ang ganitong pakikipag-ugnayan ng genre ng choral sa symphony at theater ay hindi maaaring mag-iwan ng marka sa mga artistikong pagbabago ng choral miniature.

Ang symphonicism ay nagpakita ng sarili sa mga koro ng G.V. Sviridov bilang isang prinsipyo musikal na pag-iisip, bilang dramaturgy, na kumakatawan sa interaksyon ng iba't ibang matalinghagang globo at ang kanilang qualitative transformation bilang resulta ng prosesong ito. Ito ay nakumpirma sa pamamagitan ng paggamit ng kompositor ng sonata allegro form sa pangalawang istruktura (koro "Sa Blue Evening"), ang pagpapakilala ng isang sistema ng leitthemes at intonation arches (chorus "Sa Blue Evening", "How the Song Was Ipinanganak”).

Ang mga elemento ng symphonic na pag-iisip ay nagpakita rin ng kanilang mga sarili sa mga kakaibang presentasyon ng textural. Sa koro ng "Tabun", ang makasagisag na kaibahan ng mga bahagi ng trabaho ay nakamit salamat sa isang radikal na pagbabago sa texture ng musikal na tela. Ang instrumentation ng choral ng bawat texture layer ay ginagamit bilang isang paraan ng musical expressiveness. Sa choral miniature na "On Lost Youth" mapapansin natin ang isang homophonic type of polyphony, ang paggamit ng choral pedal sa "Tabun" choir, at ang kumbinasyon ng solo at tutti sa miniature na "How the Song Was Born." Ang versatility ng texture na disenyo ay makikita sa kumbinasyon sa musikal na tela ng mga pangunahing pampakay na istruktura at ang mga kasamang subvocal na elemento (ang koro na "Paano Ipinanganak ang Awit"). Sa ilang mga koro, ang pagsuporta sa pag-arte ng boses ay tila medyo binuo at bumubuo ng mga fragment - vocalises ("Paano ipinanganak ang kanta").

Naimpluwensyahan din ng instrumental art ang larangan ng sound at visual art sa choral music. Ito ay ipinakita sa maliwanag na pagkakaiba-iba ng mga timbre, ang kanilang diskarte sa instrumental na pangkulay ("Paano ipinanganak ang kanta"), sa magkakaibang mga paghahambing ng mga stroke at nuances, sa pagsasalita at declamatory agogy, sa espesyal na papel ng mga paghinto.

Mula sa sining ng teatro, na masigasig na iginiit ang sarili sa mga aktibidad ng maraming mga teatro ng iba't ibang direksyon, ang dula ng choral ay nagpatibay ng mga dramatikong pamamaraan ng pagbuo ng materyal na musikal: personipikasyon ng mga imahe, ang kanilang salungat na pakikipag-ugnayan (ang koro "Nakilala ng anak ang kanyang ama"), ang pagnanais para sa emosyonal na pagtatanghal ng salita, declamation, pananalita ng matinding paghihirap, ang espesyal na papel ng mga paghinto. Ang pagkamalikhain ng Oratorio ay nagdala ng isang epikong elemento sa miniature, na ipinahayag sa paggamit ng isang salaysay, kaakibat ng matalinghagang pag-unawa, paraan ng paglalahad ng mga pangunahing pangyayari, sa pagpapakilala ng pangunahing tauhan-tagabasa (koro "Sa Nawalang Kabataan").

Ang pagbuo ng cinematography ay partikular na kahalagahan para sa mga miniature ng choral. Ang mga detalye ng cinematography ay may malakas na epekto sa paglikha ng isang dramatikong balangkas sa mga gawa ni G.K. Sviridova. Ang konsepto ng pagbuo ng isang imahe sa sinehan ay ang paggamit ng pamamaraan ng "montage of frames". Ang teorya ng montage ay natuklasan at binuo ng SM. Eisenstein. Ang kakanyahan nito ay ang mga sumusunod: "ang paghahambing ng dalawang piraso ng montage ay higit na katulad ng hindi kabuuan ng mga ito, ngunit parang isang akda (italics ng may-akda). Ito ay kahawig ng isang produkto - bilang kabaligtaran sa isang kabuuan - na ang resulta ng komposisyon ay palaging naiiba sa bawat elemento ng sangkap na kinuha nang hiwalay." Iginiit ng mahusay na direktor na ang kultura ng pag-edit ay kinakailangan, una sa lahat, dahil ang isang pelikula ay hindi lamang isang lohikal na konektadong kuwento, kundi pati na rin ang pinaka nasasabik, emosyonal na pagmuni-muni ng buhay - isang gawa ng sining. At itinuring niya ang isa sa mga mahalagang paraan sa paglikha ng isang cinematic na imahe na ang komposisyon ng mga frame, ang paghahambing nito ay tinutukoy ng artistikong kabuuan.

9. Mga genre ng choral music

Ang pag-awit ng choral ay may parehong sinaunang kasaysayan ng pag-awit ng solong boses. Tandaan natin na ang mga sinaunang ritwal na kanta ay sama-samang inaawit. Totoo, lahat ay umaawit ng parehong himig, umaawit sabay-sabay na. Para sa maraming mga siglo sa isang hilera pag-awit ng koro nanatili pagkakaisa, iyon ay, sa katunayan monophonic. Ang mga unang halimbawa ng choral polyphony sa European music ay nagmula noong X siglo.

SA katutubong musika nakatagpo ka na ba ng polyphony sa nagtatagal mga kanta. Mula sa katutubong polyphony ay nagmula ang tradisyon ng pag-awit ng mga kanta sa koro. Minsan ito ay simpleng pagsasaayos ng mga single-voice na kanta para sa choir, at kung minsan ay mga kanta na partikular na nilayon para sa choral performance. Pero awit ng koro ito ay hindi isang malayang genre, ngunit isa sa barayti genre mga kanta.

Kabilang sa mga genre ng choral music ang: miniature ng koro konsiyerto ng koro kantata oratorio

Miniature ng koro

Ang Choral miniature ay isang maliit na piraso para sa koro. Hindi tulad ng isang kanta, sa isang choral miniature ang polyphonic choral texture ay mas binuo, at polyphony ay madalas na ginagamit. Maraming mga choral miniature ang isinulat para sa walang kasamang koro (ang Italyano na termino ay ginagamit upang sumangguni sa walang kasamang koro isang cappella"isang cappella").

Ito ay kung paano ginagamit ng kompositor ng Russia ang choral texture sa choral miniature na "Winter Road" batay sa mga tula ni A. S. Pushkin (orihinal sa B-flat menor de edad):

Allegro moderato. Leggiero [Katamtamang mabilis. Madali]

Dito ibinubukod ng kompositor ang bahagi ng soprano bilang pangunahing himig, at ang iba pang mga tinig ay "echo" ang kanilang mga parirala. Kinakanta nila ang mga pariralang ito na may mga chord na sumusuporta sa unang bahagi ng soprano tulad ng instrumental na saliw. Sa hinaharap, ang texture ay nagiging mas kumplikado, at kung minsan ang nangungunang melodic line ay lilitaw sa iba pang mga boses.

Konsiyerto ng koro

Sa kabila ng ganitong pangalan ng "konsiyerto", ang genre na ito hindi sinadya para sa pagtatanghal ng konsiyerto. Ginanap ang mga choral concert sa Simbahang Orthodox sa panahon ng isang solemne, maligaya na serbisyo. Ito ay isang genre sagradong musika ng Russian Orthodox.

Ang isang choral concert ay hindi na isang miniature, ngunit isang malaking multi-part work. Ngunit hindi rin isang serye ng mga miniature. Maaari itong tawaging isang musikal na "kuwento" sa ilang "kabanata", bawat bagong bahagi choral concert ay isang pagpapatuloy ng nauna. Karaniwang may mga maikling paghinto sa pagitan ng mga bahagi, ngunit kung minsan ang mga bahagi ay dumadaloy sa isa't isa nang walang pagkaantala. Lahat ng choral concerto ay isinulat para sa choir isang cappella, dahil ang mga Instrumentong pangmusika ipinagbabawal sa Orthodox Church.

Ang mga dakilang masters ng choral concert noong ika-18 siglo ay.

Sa ating panahon, lumitaw din ang mga sekular na choral concert. Halimbawa, sa mga gawa ni G.V.

Cantata

Marahil ay naramdaman mo na na ang salitang ito ay may parehong ugat ng salitang "cantilena". Ang "cantata" ay nagmula rin sa Italian na "canto" ("pag-awit") at nangangahulugang "isang piyesa na inaawit." Ang pangalang ito ay lumitaw sa simula ng ika-17 siglo, kasama ang mga pangalang "sonata" (isang piyesa na tinutugtog) at "toccata" (isang piyesa na tinutugtog sa mga keyboard). Ngayon ang kahulugan ng mga pangalang ito ay nagbago ng kaunti.

SA Ika-18 siglo sa ilalim kantata Hindi nila naiintindihan ang bawat piraso na kanilang kinakanta.

Sa istraktura nito, ang cantata ay katulad ng isang choral concert. Tulad ng mga choral concert, ang mga unang cantata ay espirituwal gumagana, ngunit hindi sa Orthodox, ngunit sa Katoliko Simbahan sa Kanlurang Europa. Pero nakapasok na siglo XVIII lumitaw at sekular cantatas na inilaan para sa pagtatanghal ng konsiyerto. Maraming espirituwal at sekular na cantatas isinulat ni J. S. Bach.

Noong ika-19 na siglo, ang genre ng cantata ay naging hindi gaanong popular, bagaman maraming mga kompositor ang patuloy na sumulat ng mga cantata.

Sa ikadalawampu siglo, muling binubuhay ang genre na ito. Ang mga kahanga-hangang cantatas ay nilikha ni S. S. Prokofiev, G. V. Sviridov, isang natatanging kompositor ng Aleman, isang modernong kompositor ng St. Petersburg.

Oratorio

Ang salitang "oratorio" ay orihinal na hindi nangangahulugang isang genre ng musika. Ang mga oratoryo ay mga silid para sa pagdarasal sa mga simbahan, gayundin ang mga pulong ng panalangin na ginanap sa mga silid na ito.

Ang serbisyo sa Simbahang Katoliko ay ginanap sa Latin, na wala nang nagsasalita. Tanging mga edukadong tao lamang ang nakakaunawa sa kanya, higit sa lahat ang mga pari mismo. At upang maunawaan din ng mga parokyano ang sinasabi sa mga panalangin, inorganisa ang mga pagtatanghal sa teatro sa mga paksang pangrelihiyon. mga liturhikal na drama. Sinabayan sila ng musika at pagkanta. Ito ay mula sa kanila na bumangon siglo XVII genre oratorio.

Gaya sa cantata, ang oratorio ay dinadaluhan ng mga solo na mang-aawit, koro At orkestra. Ang oratorio ay naiiba sa isang cantata sa dalawang paraan: mas malaking sukat(hanggang dalawa, dalawa at kalahating oras) at isang magkakaugnay na balangkas ng pagsasalaysay. Ang mga sinaunang oratorio ay nilikha, bilang panuntunan, noong biblikal ang mga plot ay inilaan pareho para sa simbahan, at para sa sekular pagbitay. Sa unang bahagi, lalo nang sumikat si #null para sa kanyang oratorio #null isang kompositor na Aleman na nanirahan sa England sa loob ng maraming taon. Sa pagtatapos ng ika-18 siglo, ang interes sa oratorio ay humina, ngunit sa England ang mga oratorio ni Handel ay naaalala at minamahal pa rin. Nang bumisita ang Austrian composer na si Haydn sa London noong 1791, nabihag siya ng mga oratorio na ito at sa lalong madaling panahon ay sumulat siya ng tatlong malalaking gawa sa genre na ito: "Pitong Salita ng Tagapagligtas sa Krus", "Mga Season" At "Paglikha ng mundo".

Noong ika-19 na siglo, ang mga kompositor ay lumikha ng mga oratorio, ngunit hindi sila nagtagumpay, tulad ng mga cantata. Sila ay pinalitan ng opera. Noong ikadalawampu siglo, lumitaw muli ang mga makabuluhang gawa ng genre na ito, tulad ng "Joan of Arc sa taya" Pranses na kompositor, Nakakaawa ang oratorio Sviridov batay sa tula na "Mabuti". Noong 1988, isang makabuluhang kaganapan sa buhay musikal ng St. Petersburg ang pagtatanghal ng oratorio "Ang Buhay ni Prinsipe Vladimir" sa isang sinaunang balangkas ng Russia.

Ang unang sekular na mga gawa para sa isang cappella choir ay lumitaw sa Russia noong 30-40s ng ika-19 na siglo (mga koro ni A. Alyabyev, ang cycle na "St. Petersburg Serenades" ni A. Dargomyzhsky sa mga teksto ni A. Pushkin, M. Lermontov, A. Delvig, atbp.) . Ang mga ito ay pangunahing mga gawa ng istilong tatlong boses, na nakapagpapaalaala sa mga cantes sa istilong Partes. Ang sekular na choral genre na a cappella ay ginawang maalab na kilala lamang mula sa pangalawa kalahati ng ika-19 na siglo siglo. Ang nasabing huli na pagliko ng mga kompositor ng Ruso sa walang kasamang genre ng koro ay nauugnay sa mahinang pag-unlad ng mga non-theatrical na organisasyon sa bansa at ang maliit na bilang ng mga sekular na koro. Noong 50-60s lamang ng ika-19 na siglo, na may kaugnayan sa pagtindi ng mga aktibidad ng mga grupo ng koro, pangunahin ang mga baguhan, ang mga kompositor ay nagsimulang aktibong magsulat ng musika para sa kanila. Sa panahong ito at sa unang dekada ng ika-20 siglo, nagtrabaho si P. Tchaikovsky, N. Rimsky-Korsakov, Ts Cui, S. Taneev, S. Rachmaninov, A. Arensky, M. Ippolitov-Ivanov, A. genre ng sekular a cappella choir Grechaninov, Vik Kalinnikov, P. Chesnokov ay pangunahing mga kompositor ng Moscow at St. Ang ginintuang edad ng Russian lyric poetry ay may mahalagang papel sa pag-unlad ng genre. Ito ay ang pag-usbong ng liriko na tula ang nagpasigla sa mga kompositor na bumaling sa musikal at patula na mga genre at, lalo na, sa genre ng liriko na miniature ng choral. Pagkatapos Rebolusyong Oktubre Noong 1917, ang kultura ng koro ng Russia at ang mga republika na bumubuo sa USSR ay nakakuha ng isang eksklusibong sekular (hindi nauugnay sa simbahan) na direksyon. Ang nangungunang mga koro ng simbahan (ang Court Singing Chapel ng St. Petersburg at ang Moscow Synodal Choir kasama ang kanilang mga paaralan sa regency) ay ginawang Folk Choral Academies. Ang mga bagong propesyonal na koro ay inaayos. Lumalawak ang hanay ng mga tema, larawan at nagpapahayag na paraan ng choral music. Kasabay nito, maraming mga nakamit ng mga kompositor ng ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo at ang mga tradisyon ng pagsasagawa ng kanilang mga gawa ay sadyang ipinagkaloob sa limot. Ang genre ng a cappella choir ay hindi sikat sa panahong ito, dahil Sa una ay nauugnay ito sa pag-awit ng kulto, at pagkatapos ay itinulak sa isang tabi ng mass song. Hanggang sa 50s ng ika-20 siglo, ang nangungunang mga choral genre ay nanatiling choral song, arrangement ng folk songs, arrangement para sa choirs ng vocal at mga instrumental na piraso, mga choral suite. Mula lamang sa kalagitnaan ng ika-20 siglo nagsimulang bumaling ang mga kompositor sa genre ng isang cappella choir at, sa partikular, sa genre ng lyrical miniature. Si M. Koval ay isa sa mga unang sumulat ng mga koro ng cappella. Pagkatapos V. Shebalin, A. Novikov, A. Lensky, D. Shostakovich, R. Boyko, T. Korganov, B. Kravchenko, A. Pirumov, S. Slonimsky, V. Salmanov, A. Flyarkovsky ay nagsimulang aktibong magtrabaho dito genre , Y. Falik, R. Shchedrin, G. Sviridov, V. Gavrilin, M. Partskhaladze. Ang muling pagkabuhay ng genre ng isang cappella choral music ay higit na nauugnay sa muling pagkabuhay ng mga liriko - isa sa mga nangungunang makasagisag na sphere ng mga klasikong Ruso sa nakaraan (Tchaikovsky, Taneyev, Rachmaninov, Kalinnikov, Chesnokov), dahil nasa loob nito ang Ang mga nagpapahayag na posibilidad na likas sa genre ay mahusay na natanto: ang iba't ibang mga kakulay ng vocal intonation, harmonic at timbre na kulay, flexibility ng melodic cantilena ng malawak na paghinga. Hindi sinasadya na ang atensyon ng mga may-akda ng choral music sa unang pagkakataon sa mga taon ng post-war ay pangunahing nakatuon sa klasikal na tula ng Russia. Ang pinakamahalagang malikhaing tagumpay ng mga taong iyon ay pangunahing kinakatawan ng mga gawa batay sa mga teksto ni Pushkin, Lermontov, Tyutchev, Koltsov, Yesenin, at Blok. Pagkatapos, kasama ang pagnanais na pumasok sa mga bagong patula na mundo, upang pagyamanin ang nilalaman ng mga choral na gawa na may malikhaing pakikipag-ugnay sa orihinal. mga istilong pampanitikan, ang choral music ay lalong kasama ang mga makata na dati ay halos hindi kasali bilang co-authors ng mga kompositor: D. Kedrin, V. Soloukhin, A. Voznesensky, R. Gamzatov. Ang pagbabago sa nilalaman ng choral music at ang pagpapalawak ng figurative sphere ay agad na nakaapekto sa musical language, style, at texture ng choral works. Kapansin-pansin sa bagay na ito na noong 60s ng ika-20 siglo, ang musika ng Sobyet ay karaniwang nailalarawan sa pamamagitan ng isang masinsinang pag-renew ng mga paraan ng pagpapahayag, ang paggamit ng isang bilang ng mga pinakabagong teknikal na pamamaraan - pag-iisip ng atonal at polytonal, kumplikadong mga istruktura ng chord, sonoristic. mga epekto, aleatorics, atbp. Pangunahin ito dahil sa demokratisasyon pampublikong buhay mga bansang may higit na pagiging bukas sa mga pandaigdigang kontak. Ang proseso ng pag-update ng mga tradisyon at paghahanap ng mga bagong paraan ng pagpapahayag ay nagpapatuloy sa 70s at 80s. Ang direksyon ng alamat ay nakatanggap ng karagdagang pag-unlad, ang tradisyonal na genre ng mga liriko ng koro ay ganap na naibalik at na-update. Ang mga kompositor ng iba't ibang edad, aesthetic na paniniwala at mga paaralan ay nagsimulang aktibong bumaling sa genre ng choral. Isa sa mga dahilan nito ay ang paglikha Malaking numero bagong propesyonal at amateur choir, ang paglago ng kanilang mga kasanayan. Ang kilalang pormula sa merkado - "ang demand ay lumilikha ng supply" ay may bisa din sa larangan ng sining. Nang matiyak na ang mga choral group ay lumitaw sa bansa na may kakayahang gumanap ng mga gawa na nakasulat sa isang medyo kumplikadong modernong wika, ang mga kompositor ay nagsimulang magsulat ng mga gawa para sa kanila sa genre ng isang cappella choir. Ang bago, kawili-wiling repertoire, sa turn, ay nag-ambag sa pagpapatindi ng konsiyerto at pagganap ng mga aktibidad ng mga grupo ng koro. napaka mahalagang salik , na may positibong epekto sa choral creativity ay ang paglitaw at pag-unlad ng chamber choral performance sa bansa. Ang aming unang chamber choirs ay bumangon pagkatapos ng tour ng American chamber choir sa Russia sa ilalim ng direksyon ni Robert Shaw, ang Romanian at Filipino na “Madrigals”. Ang mga ito ay medyo maliit na vocal group na may mga katangiang likas sa mga performer ng kamara (soloists, ensembles): espesyal na subtlety, detalyadong pagganap, dynamic at rhythmic flexibility. Noong maaga at kalagitnaan ng dekada 70, kasabay ng pag-usbong ng maraming chamber choirs sa bansa at paglago ng kanilang kakayahan sa pagganap, nagkaroon ng muling pagbuhay sa bagong choral music, na nagkaroon ng kapaki-pakinabang na epekto sa pagkamalikhain ng mga kompositor. Ang mga chamber choir ay bumuo ng mga bagong layer ng repertoire, at ang mga kompositor, naman, ay inialay ang kanilang mga gawa sa mga grupong ito. Salamat dito, lumilitaw ang isang buong serye ng mga gawa sa panitikan ng koro ng Sobyet, na idinisenyo hindi para sa tunog ng silid ng koro, ngunit para sa pamamaraan ng pagganap nito. Ang pangunahing genre at istilong uso sa panahong ito ay maaaring nahahati sa dalawang grupo. Ang una ay nauugnay sa direktang pagpapatuloy ng mga tradisyon ng musikang koro ng Ruso at Sobyet sa loob ng balangkas ng mga naitatag na porma, ang pangalawa ay nagbabalangkas ng mga bagong landas at nagsisikap na magsagawa ng isang synthesis ng luma at bagong mga tampok ng genre. Ang isang espesyal na estilistang sangay mula sa channel na ito ay nabuo sa pamamagitan ng mga gawa na sa isang paraan o iba pang konektado sa alamat - mula sa mga pagsasaayos ng mga katutubong kanta hanggang sa mga orihinal na kompositor ng opus na may paghiram lamang ng teksto ng alamat. Kasabay nito, noong dekada 70, umusbong ang uso tulad ng paggamit ng mga sinaunang genre at anyo - choral concert, madrigal, cant. Ang isa pang bagong uso ay ang pagnanais na pagyamanin ang pagsulat ng koro sa pamamagitan ng paglapit nito sa instrumental na texture at pagpapakilala ng mga espesyal na anyo ng vocalization. Sa mga sample ng walang text na musika na kumakatawan sa linyang ito - lahat ng uri ng vocalise at choral solfeggios - isang pagtatangka ay ginawa upang makamit ang isang synthesis ng instrumental na musika at modernong choral texture, harmony, at vocal-choral techniques. Ang pangunahing linya ng pag-unlad ng Russian choral music ay nananatiling direksyon na nauugnay sa pagpapatuloy ng mga klasikal na tradisyon. Ang pinakamahalagang tampok ng kalakaran na ito ay ang pangako ng mga may-akda sa mga pambansang tema at ang nauugnay na pagtutuon pangunahin sa mga tula ng Russia, kasunod ng itinatag na mga canon ng genre (kumpara sa iba pang mga uso na, sa kabaligtaran, ay nagpapakita ng pagnanais na lumampas sa matatag na hanay ng mga paraan ng pagpapahayag). Kabilang sa mga gawa ng pangkat na ito ay mga cycle at hiwalay na mga koro batay sa mga tula ni A. Pushkin (cycles ni G. Sviridov, R. Boyko), F. Tyutchev (cycles ni An. Alexandrov, Y. Solodukho), N. Nekrasov (cycle ni T. Khrennikov), S. Yesenin, A. Blok, I. Severyanin (Yu. Falik's cycle), A. Tvardovsky (R. Shchedrin's cycle). Kasabay ng tradisyunal na prinsipyo ng pagsasama-sama ng mga tula ng isang may-akda sa isang choral cycle, ang mga halo-halong siklo ay lalong lumaganap kamakailan - mga tula ng mga makata na ang akda kung minsan ay nabibilang hindi lamang sa iba't ibang direksyon, paaralan, kundi pati na rin sa iba't-ibang bansa at mga panahon. Ang mga ito ay nasa pangkalahatang balangkas ang mga pangunahing milestone sa pagbuo at pag-unlad ng genre ng sekular na choral miniature a cappella sa Russia. Ang miniature ng Choral, tulad ng anumang miniature, ay isang espesyal na genre. Ang kakanyahan nito ay nakasalalay sa katotohanan na ang magkakaibang at nababagong nilalaman ay inilalagay sa isang maliit na anyo; sa likod ng laconicism ng mga pahayag at paraan ng pagpapahayag ay namamalagi ang isang ganap na dramaturhiya. Sa loob ng genre na ito, mahahanap ang mga gawa ng iba't ibang direksyon - isang kanta, isang romansa, isang patula na pahayag, isang laro, pag-ibig, pagninilay-nilay at landscape na lyrics, pilosopikal na pagmuni-muni, isang etude, isang sketch, isang larawan. Ang unang bagay na kailangang malaman ng isang konduktor kapag nagsimulang matuto at magsagawa ng isang Russian choral miniature ay halos lahat ng mga kompositor ng Russia, hindi alintana kung sila ay mga tagasunod ng makatotohanan o impresyonistikong kilusan, ay nananatiling romantiko. Ang kanilang trabaho ay naglalaman ng mga pinaka-katangiang tampok ng romantikismo - labis na tindi ng damdamin, tula, liriko, transparent na kaakit-akit, harmonic at timbre na ningning, makulay. At hindi sinasadya na ang karamihan sa mga gawa ng mga kompositor ng Russia sa genre ng mga sekular na choral miniature ay mga lyrics ng landscape batay sa mga teksto ng mga makata ng liriko ng Russia. At dahil sa karamihan sa mga miniature ng choral ang kompositor ay gumaganap bilang isang interpreter ng poetic text, sa proseso ng pag-unawa sa komposisyon mahalaga para sa tagapalabas na maingat na pag-aralan hindi lamang ang musika, kundi pati na rin ang tula. Ito ay kilala na ang isang mataas na artistikong poetic na gawa, bilang isang panuntunan, ay may makasagisag at semantiko na kalabuan, salamat sa kung saan ang bawat kompositor ay maaaring basahin ito sa kanyang sariling paraan, paglalagay ng kanyang sariling semantic accent, pag-highlight ng ilang mga aspeto ng artistikong imahe. Ang gawain ng tagapalabas ay upang maunawaan nang malalim hangga't maaari ang interpenetration ng musika at mga salita, na napakahalaga para sa pagsasakatuparan ng nagpapahayag, emosyonal at dramatikong mga posibilidad na likas sa isang musikal at patula na komposisyon. Ang synthetic na katangian ng choral music ay nakakaimpluwensya hindi lamang sa nilalaman at anyo ng komposisyon, kundi pati na rin sa pagganap na intonasyon nito. Ang mga batas ng musical form sa choral genre ay nakikipag-ugnayan sa mga batas ng patula na pananalita, na nagiging sanhi ng mga tiyak na nuances ng anyo, metro, ritmo, pagbigkas, at intonasyon. Ang atensyon ng konduktor sa laki ng taludtod, sa bilang ng mga pantig na may diin at hindi naka-stress at ang kanilang lokasyon, sa mga punctuation mark ay maaaring magbigay ng makabuluhang tulong sa metrorhythmic na organisasyon ng musikal na teksto, ang paglalagay ng mga pause at caesuras, at mga parirala. Bilang karagdagan, kailangan mong tandaan na sa antas ng pagganap, ang musika ay may higit na pagkakatulad sa pagsasalita, na may intonasyon sa pagsasalita. Parehong naiimpluwensyahan ng mambabasa at ng musikero ang tagapakinig sa pamamagitan ng pagbabago ng tempo-ritmo-timbro-dynamic at pitch na mga katangian ng tunog, i.e. intonasyon. Ang sining ng isang musikero, at ang sining ng isang mambabasa, ay ang sining ng pagkukuwento, pagbigkas. Ang parehong sining ay pamamaraan at temporal sa kalikasan at samakatuwid ay hindi maiisip nang walang paggalaw at isinasaalang-alang ang temporal na mga pattern. At sa masining na pagpapahayag, at sa pagtatanghal ng musika ang mga pangunahing konsepto ng domain ng oras ay "metro" at "ritmo". Ang metrical stress sa taludtod ay katulad ng "raz" sa musika (ang mabigat na beat ng isang bar, metrical stress). Ang lohikal na semantikong diin sa tula ay katulad ng ritmikong semantikong diin sa musika. Ang paa ay katulad ng matalo. Simple at kumplikado patula metro ay katulad ng simple at kumplikadong metro sa musika. Sa wakas, ang isang karaniwang pag-aari ng musikal at patula na pananalita ay ang pagbigkas - isang paraan ng paghihiwalay ng pagsasalita at mga daloy ng musika, pagsasama-sama ng mga tunog, pagsasama-sama ng mga ito sa mga intonasyon, pangungusap, parirala, tuldok. Ang isang patula at musikal na teksto, na naiba sa lohikal at semantikong bigat nito, ay lumilitaw sa pagpapatupad sa anyo ng mga pagbigkas ng mga alon, kung saan ang mga naka-accentuated na elemento ay kumikilos bilang "mga taluktok." Ang pagtukoy sa mga hangganan ng isang parirala, tagal at mga limitasyon ng paghinga ng parirala sa isang komposisyon ng koro ay karaniwang nauugnay hindi lamang sa kahulugan ng tekstong patula, kundi pati na rin sa ugnayan sa pagitan ng musikal at pandiwang diin. Lalo kong nais na pag-isipan ang kahalagahan ng maingat na pansin sa mga marka ng bantas, dahil sa mga akdang patula ang bantas ay gumaganap hindi lamang lohikal at gramatika, kundi pati na rin ang masining at nagpapahayag na mga pag-andar. Kuwit, tuldok, gitling, tuldok-kuwit, tutuldok, ellipsis - lahat ng mga palatandaang ito ay may nagpapahayag na kahulugan at nangangailangan ng espesyal na sagisag kapwa sa live na pagsasalita at sa musikal na pagganap. Ang isang salita, isang mala-tula na imahe, isang tono ng intonasyon ay maaaring magmungkahi sa konduktor hindi lamang sa pagbigkas, kundi pati na rin sa dinamikong nuance, timbre, stroke, at articulatory technique. Ito ang salita na ginagawang tunay na "live" ang pagganap, pinapalaya ito mula sa nakagawiang shell at cliches. Tanging may maingat, matulungin, magalang na saloobin sa pamamagitan ng paraan, posible na makamit na ang "musika ay sinasalita" bilang nagpapahayag na pananalita, at ang salita ay inaawit at tunog tulad ng musika, na ang liwanag nito ay gumaganap sa mga brilyante na facet ng tula; upang makamit iyon ang musika ng Pushkin, Lermontov, Tyutchev, Blok, atbp. ang taludtod ay sumanib sa kahulugan at matalinghagang-tunog na kagandahan ng tono ni Taneev, Cheschenkov, Sviridov (atbp.). Ang ikatlong napakahalagang punto na dapat isaalang-alang ng interpreter ng Russian choral music ay ang partikular na Slavic vocal style, na kung saan ay nailalarawan sa pamamagitan ng kayamanan at kapunuan ng tono ng pag-awit, pinalamutian ng maraming kulay na dinamika, at emosyonal na ningning. Ang polarly na kabaligtaran ay ang istilong Kanlurang Europa, tipikal ng Baltic at hilagang mga bansa. Ang paraang ito ay karaniwang tinutukoy ng terminong "non vibrato". Ang kawalan ng vibrato ay lumilikha ng isang uri ng "average" na tunog sa tono, na walang indibidwal na pagka-orihinal, ngunit tinitiyak ang mabilis na pagsasanib ng maraming mang-aawit sa isang maayos na grupo. Ang mahalaga para sa amin ay ang katotohanan na, bilang pangunahing katangian ng timbre ng tunog, ang vibrato ay nagbibigay sa boses ng isang tiyak na emosyonal na kulay, na nagpapahayag ng antas ng panloob na karanasan. Sa pamamagitan ng paraan, tungkol sa timbre. Sa pagsasanay ng koro, ang timbre ay kadalasang nangangahulugan ng isang tiyak na kulay ng mga tinig ng mga bahagi ng koro at ng buong koro, ilang pare-pareho ang kalidad ng boses, isang estilo ng pagkanta. Nais naming ipaalala sa iyo na mayroon ding mas banayad na mga pagbabago ng timbre depende sa nilalaman, mood ng patula at musikal na teksto at, sa huli, sa damdaming kailangang ipahayag. Ang parehong musikal na intonasyon ay maaaring kantahin nang malumanay, malambing, banayad, mahigpit, matapang, kapansin-pansing sa parehong ritmo at tempo. Ngunit upang mahanap ang kinakailangang pintura, kailangan mong maunawaan ang kahulugan ng intonasyon na ito, ang imahe at karakter na kinakatawan nito. Walang muwang na paniwalaan na ang kayamanan ng timbre palette ng isang koro ay nakasalalay sa lakas ng mga boses nito. Hindi palaging ang malakas na boses ay may mahalagang timbre para sa koro (maraming magaan na boses ang nagbibigay sa grupo ng isang kawili-wiling kulay). Ang mataba, mataba, malakas na tunog, na iginagalang sa ilang mga koro, ay kadalasang nauugnay sa isang pagmamaliit ng espirituwal na prinsipyo, kung wala ang koro ay nawawala ang pinakamahalagang lakas nito. Bilang karagdagan, at ito ay mahalaga, ang pagtaas sa loudness ay nauugnay sa pagkawala ng flexibility, kadaliang kumilos at ensemble compatibility. Hindi ito nangangahulugan na hindi kailangan ng malalakas na boses sa koro. Mga mang-aawit na may talento sa musika sa malalakas na boses- isang kaloob ng diyos para sa koro. Gayunpaman, ang pangunahing nagpapahayag na mga kakayahan at kapangyarihan ng impluwensya ng koro ay nakasalalay sa kayamanan ng mga kulay ng koro, sa kagandahan, kagandahan at pagkakaiba-iba ng tunog ng koro. Sa pangkalahatan, dapat sabihin na sa larangan ng tunog na inuri bilang forte, ang pagmamalabis at labis ay lubhang mapanganib. Ito ay totoo lalo na para sa koro, dahil ang mga kalahok nito, sayang, ay madalas na isinasaalang-alang ang lakas ng boses bilang pangunahing bentahe ng bokalista, at kung minsan ay ipinagmamalaki nila ito, sinusubukang kumanta nang mas malakas kaysa sa kanilang kapareha. Siyempre, ang isang malakas, malakas na tunog ay nagpapayaman sa dinamikong palette ng koro, ngunit sa parehong oras ang tunog ay hindi dapat mawala ang pagpapahayag, kagandahan, maharlika, at espirituwalidad. Ang pangunahing bagay sa anumang uri ng pagganap ng musika ay hindi ang ganap na lakas ng tunog, ngunit ang dynamic na hanay. Bagama't ang mga dynamic na pagbabago ay nagbibigay ng tunog na sigla at sangkatauhan, ang pagkakaroon ng pare-parehong volume sa loob ng mahabang panahon ay kadalasang lumilikha ng pakiramdam ng higpit, static, at mekanikal. Ang dynamic na hanay ng koro ay depende sa lawak ng hanay ng bawat mang-aawit. Ipinapakita ng pagsasanay na para sa mga walang karanasan na mang-aawit ang pagkakaiba sa lakas ng boses sa pagitan ng forte at piano ay napakaliit. Kadalasan ay ginagawa nila ang lahat sa parehong dynamic na antas - humigit-kumulang sa isang mezzo-forte nuance. Ang ganitong mga mang-aawit (at tulad ng mga koro) ay kahawig ng isang artista na gumagamit ng isa o dalawang kulay. Ito ay malinaw na ang pagpapahayag ng pagkanta ay naghihirap mula dito. Samakatuwid, ang mga konduktor ay dapat bumuo ng mga kasanayan sa pag-awit ng piano at pianissimo sa mga mang-aawit ng koro. Pagkatapos ay ang mga hangganan dynamic na hanay ang koro ay lalawak nang malaki. Ang dynamics ng choral ay mas malawak at mas mayaman kaysa sa dynamics ng solo performance. Ang mga posibilidad ng iba't ibang mga dynamic na kumbinasyon dito ay halos walang limitasyon, at hindi kailangang mahiya tungkol sa paggamit ng mga ito. Sa Russian choral music, halimbawa, ang isang articulatory technique na nakapagpapaalaala sa isang bell hum o echo ay kadalasang ginagamit. Ito ay batay sa kasanayan sa pamamaraan ng unti-unting pagbabago ng dinamika. Ang kakanyahan nito ay ang makinis na pagkabulok ng tunog pagkatapos ng pag-atake. Pagtatapos nito maikling pagsusuri, Nais kong sabihin na ang susi sa isang tama, layunin na interpretasyon ng isang choral na gawa ay nakasalalay sa malalim na pagtagos ng konduktor sa istilo ng mga may-akda ng akdang ginaganap - ang kompositor at makata.