Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Makabagong panahon kabilang ang araw ng artistikong panahon: avant-garde at realismo. Pagka-orihinal ng mga panahong ito ay hindi sila umuunlad nang sunud-sunod, ngunit ayon sa kasaysayan.

Avant-garde artistikong grupo n ika ( pre-modernism, modernism, neo-modernism, post-modernism) bumuo ng parallel sa makatotohanang grupo (kritikal na realismo noong ika-19 na siglo, sosyalistang realismo, tuluyan ng nayon, neorealism, mahiwagang realismo, sikolohikal na realismo, intelektwal na realismo). Sa parallel development na ito ng mga panahon nagpapakita mismo pangkalahatang pagbilis ng kilusan ng kasaysayan.

Isa sa mga pangunahing probisyon ng masining na konsepto ng mga paggalaw ng avant-garde: kaguluhan, kaguluhan "Ang batas ng modernong buhay sa lipunan ng tao. Ang sining ay nagiging chaosology, pag-aaral ng mga batas ng kaguluhan sa mundo.

Ang lahat ng avant-garde na paggalaw ay pinipigilan ang kamalayan at pinapataas ang walang malay sa parehong mga proseso ng malikhain at pagtanggap. Ang mga direksyong ito ay binibigyang-pansin nang husto ang sining ng masa at ang mga problema sa pagbuo ng kamalayan ng indibidwal.

Mga tampok na nagbubuklod sa mga avant-garde na masining na paggalaw: Isang Bagong Hitsura sa posisyon at layunin ng tao sa sansinukob, ang pagtanggi sa dati nang itinatag na mga tuntunin at pamantayan, mula sa mga tradisyon at itinatag

kasanayan, mga eksperimento sa larangan ng anyo at istilo, paghahanap ng mga bagong masining na paraan at pamamaraan.

Bago ang modernismo - unang (paunang) yugto artistikong pag-unlad mga panahon ng avant-garde; isang pangkat ng mga artistikong paggalaw sa kultura ng ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo, na nagbubukas ng isang buong yugto (ang yugto ng mga nawalang ilusyon) ng pinakabagong artistikong pag-unlad.

Ang naturalismo ay isang masining na kilusan, ang invariant artistikong konsepto na kung saan ay ang paninindigan ng laman ng tao sa bagay-materyal na mundo; ang isang tao, kahit na kinuha lamang bilang isang lubos na organisadong biyolohikal na indibidwal, ay nararapat na bigyang pansin sa bawat pagpapakita; para sa lahat ng mga di-kasakdalan nito, ang mundo ay matatag, at lahat ng mga detalye tungkol dito ay pangkalahatang interes. Sa masining na konsepto ng naturalismo, ang mga hangarin at posibilidad, ang mga mithiin at katotohanan ay balanse, ang isang tiyak na kasiyahan ng lipunan ay nararamdaman, ang kasiyahan nito sa posisyon nito at pag-aatubili na baguhin ang anumang bagay sa mundo.

Sinasabi ng naturalismo na ang lahat nakikitang mundo- bahagi ng kalikasan at maaaring ipaliwanag ng mga batas nito, at hindi ng supernatural o paranormal na mga sanhi. Ang naturalismo ay isinilang mula sa absolutisasyon ng realismo at sa ilalim ng impluwensya ng mga teoryang biyolohikal na Darwinian, mga pamamaraang siyentipiko ng pag-aaral ng lipunan at ang mga deterministikong ideya ni Taine at iba pang mga positivista.

Impresyonismo - artistikong kilusan (ikalawang kalahati ng ika-19 - unang bahagi ng ika-20 siglo), ang invariant na artistikong konsepto na kung saan ay ang paninindigan ng isang sopistikado, liriko na tumutugon, impressionable na personalidad, hinahangaan ang kagandahan ng mundo. Ang impresyonismo ay nagbukas ng isang bagong uri ng pang-unawa sa katotohanan. Hindi tulad ng realismo, na nakatuon sa paghahatid ng tipikal, ang impresyonismo ay nakatuon sa espesyal, indibidwal, at ang kanilang pansariling pananaw ng artista.

Ang impresyonismo ay isang mahusay na kasanayan sa kulay, chiaroscuro, ang kakayahang ihatid ang pagkakaiba-iba, ang maraming kulay ng buhay, ang kagalakan ng pagiging, upang makuha ang panandaliang sandali ng pag-iilaw at ang pangkalahatang kalagayan ng nakapaligid na nagbabagong mundo, upang maihatid ang plein air - ang paglalaro ng liwanag at mga anino sa paligid ng mga tao at mga bagay, ang kapaligiran ng hangin, natural na pag-iilaw, na nagbibigay ng isang aesthetic na hitsura ang itinatanghal na bagay.

Ang impresyonismo ay nagpakita ng sarili sa pagpipinta (C. Monet, O. Renoir, E. Degas, A. Sisley, V. Van Gogh, P. Gauguin, A. Matisse, Utrillo, K. Korovin) at sa musika (C. Debussy at M .

Eclecticism- artistikong direksyon (na ipinakita ang sarili pangunahin sa arkitektura), na kinabibilangan, kapag lumilikha ng mga gawa, anumang kumbinasyon ng anumang anyo ng nakaraan, anumang pambansang tradisyon, tahasang pandekorasyonismo, pagpapalitan at pagkakapantay-pantay ng mga elemento sa isang akda, paglabag sa hierarchy sa masining na sistema at pagpapahina ng sistematiko at integridad.

Ang eclecticism ay nailalarawan sa pamamagitan ng: 1) labis na mga dekorasyon; 2) pantay na kahalagahan ng iba't ibang elemento, lahat ng mga anyo ng estilo; 3) pagkawala ng pagkakaiba sa pagitan ng isang napakalaking at natatanging istraktura sa isang urban ensemble o isang gawa ng panitikan at iba pang mga gawa ng prosesong pampanitikan; 4) kakulangan ng pagkakaisa: ang harapan ay nakahiwalay mula sa katawan ng gusali, ang detalye ay nakahiwalay sa kabuuan, ang estilo ng harapan ay nakahiwalay sa estilo ng interior, ang mga estilo ng iba't ibang mga puwang sa loob ay hiwalay sa isa't isa ; 5) opsyonal na symmetrical axial composition (pag-alis mula sa panuntunan ng isang kakaibang bilang ng mga bintana sa harapan), pagkakapareho ng harapan; 6) ang prinsipyo ng "non-finito" (hindi kumpleto ng trabaho, pagiging bukas ng komposisyon); 7) pagpapalakas

pag-unawa sa pagkakaugnay ng pag-iisip ng may-akda (artista). la, arkitekto) at manonood; 8) paglaya mula sa sinaunang tradisyon at pag-asa sa mga kultura ng iba't ibang panahon at iba't ibang bansa; pananabik para sa kakaiba; 9) multi-style; 10) unregulated personality (sa kaibahan sa classicism), subjectivism, libreng pagpapakita ng personal na elemento; 11) demokrasya: ang hilig na lumikha ng isang unibersal, hindi uri ng uri ng pabahay sa lunsod.

Sa pagganap, ang eclecticism sa panitikan, arkitektura at iba pang sining ay naglalayong maglingkod sa "ikatlong ari-arian". Ang pangunahing istraktura ng Baroque ay isang simbahan o palasyo, ang pangunahing istraktura ng Classicism ay gusali ng pamahalaan, ang pangunahing istruktura ng eclecticism ay isang apartment building (“para sa lahat”). Ang eclectic decorativeism ay isang market factor na lumitaw upang makaakit ng malawak na kliyente sa isang apartment building kung saan inuupahan ang mga apartment. Ang gusali ng apartment ay isang mass type ng pabahay.

Modernismo- panahon ng sining, pinag-iisa ang mga masining na kilusan, ang masining na konsepto na sumasalamin sa pagpapabilis ng kasaysayan at ang pagpapalakas ng presyon nito sa tao (symbolism, Rayonism, Fauvism, primitivism, cubism, Acmeism, futurism); ang panahon ng pinaka kumpletong sagisag ng avant-gardeism. Sa panahon ng modernismo, mabilis na naganap ang pag-unlad at pagbabago ng mga direksyong masining.

Ang mga makabagong artistikong paggalaw ay binuo sa pamamagitan ng pag-deconstruct ng typological na istraktura ng isang klasikal na gawain - ang ilang mga elemento nito ay nagiging mga bagay ng masining na mga eksperimento. SA klasikal na sining balanse ang mga elementong ito. Sinira ng modernismo ang balanseng ito, pinalalakas ang ilang elemento at pinapahina ang iba.

Simbolismo- isang masining na kilusan ng panahon ng modernismo, na nagpapatunay sa masining na konsepto: ang pangarap ng makata ay kabayanihan at isang magandang babae. Mga pangarap ng

chivalry, ang pagsamba sa isang magandang babae punan tula simbolismo.

Bumangon ang simbolismo sa France. Ang kanyang mga amo ay sina Baudelaire, Mallarmé, Verlaine at Rimbaud.

Ang Acmeism ay isang masining na kilusan ng panitikang Ruso sa simula ng ika-20 siglo, na lumitaw sa "Panahon ng Pilak", higit sa lahat ay umiral sa tula at iginiit: makata- isang mangkukulam at mapagmataas na pinuno ng mundo, na nagbubunyag ng mga lihim nito at nagtagumpay sa kaguluhan nito.

Ang mga sumusunod ay kabilang sa Acmeism: N. Gumilyov, O. Mandelstam, A. Akhmatova, S. Gorodetsky, M. Lozinsky, M. Zenkevich, V. Narbug, G. Ivanov, G. Adamovich at iba pa- masining na kilusan ng panahon ng modernismo, na iginigiit ang isang agresibo at militanteng personalidad sa urban na organisadong kaguluhan sa mundo.

Pagtukoy sa masining ang salik ng futurism ay dynamics. Ipinatupad ng mga futurist ang prinsipyo ng walang limitasyong eksperimento at nakamit ang mga makabagong solusyon sa panitikan, pagpipinta, musika, at teatro.

Primitivism- isang masining na kilusan na nagpapasimple sa tao at sa mundo, nagsusumikap na makita ang mundo sa pamamagitan ng mga mata ng mga bata, masaya at simple, sa labas ng "pang-adulto"» kahirapan. Ang pagnanais na ito ay nagbubunga ng malakas at mahinang panig primitivism.

Ang primitivism ay atavistic nostalgia para sa nakaraan, pananabik para sa isang pre-sibilisadong paraan ng pamumuhay.

Ang primitivism ay nagsusumikap na makuha ang mga pangunahing balangkas kumplikadong mundo, naghahanap ng masaya at naiintindihan na mga kulay at linya sa loob nito. Ang primitivism ay pagsalungat sa katotohanan: ang mundo ay nagiging mas kumplikado, ngunit ang artist ay pinasimple ito. Gayunpaman, pinasimple ng artist ang mundo upang makayanan ang pagiging kumplikado nito.

Kubismo - isang geometrized na iba't ibang primitivism na nagpapasimple sa katotohanan, na nakikita ito sa mga mata ng bata o "mabangis".

ang tunay na katangian ng primitivization: nakikita ang mundo sa pamamagitan ng mga anyo ng geometrically regular figure.

Ang kubismo sa pagpipinta at eskultura ay binuo ng mga artistang Italyano na si D. Severini, U. Boccione, C. Kappa; Aleman - E.L. Kirchner, G. Richter; Amerikano - J. Pollock, I. Rey, M. Weber, Mexican Diego Rivera, Argentinean E. Pettoruti at iba pa.

Sa Cubism, nararamdaman ang mga istrukturang arkitektura; ang masa ay mekanikal na pinagsama sa isa't isa, at ang bawat misa ay nagpapanatili ng kalayaan nito. Ang Cubism ay nagbukas ng panimulang bagong direksyon sa matalinghagang sining. Ang mga tradisyonal na gawa ng Cubism (Braque, Gris, Picasso, Léger) ay nagpapanatili ng koneksyon sa modelo. Ang mga larawan ay tumutugma sa mga orihinal at nakikilala (isang Amerikanong kritiko sa isang Parisian cafe ay nakilala ang isang lalaking kilala niya lamang mula sa isang larawan ni Picasso na binubuo ng mga geometric na figure).

Ang mga Cubists ay hindi naglalarawan ng katotohanan, ngunit lumikha ng isang "iba't ibang katotohanan" at hindi naghahatid ng hitsura ng isang bagay, ngunit ang disenyo nito, arkitekto, istraktura, kakanyahan. Hindi sila gumagawa ng isang "salaysay na katotohanan," ngunit biswal na isinasama ang kanilang kaalaman tungkol sa itinatanghal na paksa.

abstractismo- artistikong direksyon ng sining ng ika-20 siglo, ang masining na konsepto kung saan nagpapatunay ng pangangailangan para sa indibidwal na makatakas mula sa karaniwan at ilusyon na katotohanan.

Ang mga gawa ng abstract na sining ay hiwalay sa mga anyo ng buhay mismo at naglalaman ng mga subjective na impression ng kulay at pantasya ng artist.

Dalawang uso ang lumitaw sa abstract na sining. Unang agos liriko-emosyonal, sikolohikal na abstractionism - isang symphony ng mga kulay, pagkakatugma ng mga kumbinasyon ng walang hugis na kulay. Ang kilusang ito ay ipinanganak mula sa impresyonistang pagkakaiba-iba ng mga impresyon ng mundo, na nakapaloob sa mga kuwadro na gawa ni Henri Matisse.

Ang lumikha ng unang gawain ng psychological abstractionism ay si V. Kandinsky, na nagpinta ng pagpipinta na "Mountain".

Pangalawang kasalukuyang - geometric (lohikal, intelektwal) abstractionism ("neoplasticism") ay nonfigurative cubism. Sa pagsilang ng kilusang ito, isang mahalagang papel ang ginampanan ni P. Cezanne at ng mga Cubists, na lumikha ng isang bagong uri ng artistikong espasyo sa pamamagitan ng pagsasama-sama ng iba't ibang mga geometric na hugis, may kulay na mga eroplano, tuwid at sirang linya.

Suprematismo(may-akda ng termino at ang kaukulang artistikong phenomenon na Kazimir Malevich) - ang paggalaw ng abstractionism, na nagpatalas at nagpalalim sa mga katangian nito. Binuksan ni Malevich ang kilusang "Suprematism" noong 1913 sa pagpipinta na "Black Square". Kalaunan ay binuo ni Malevich ang kanyang mga prinsipyong aesthetic: ang sining ay nagtatagal dahil sa walang hanggang halaga nito; ang purong plastik na sensualidad ay ang "dignidad ng mga gawa ng sining." Ang aesthetics at poetics ng Suprematism ay nagpapatunay ng unibersal (Suprematist) na mga pictorial na formula at komposisyon - mga perpektong istruktura mula sa geometrically correct na mga elemento.

Ang Rayism ay isa sa mga kilusang malapit sa abstractionist na nagpapatunay sa kahirapan at kagalakan ng pag-iral ng tao at ang kawalan ng katiyakan ng mundo, kung saan ang lahat ng mga bagay na naliliwanagan ng iba't ibang pinagmumulan ng liwanag ay nahahanap ang kanilang mga sarili na pinuputol ng mga sinag ng liwanag na ito at nawawala ang kanilang malinaw na matalinghaga.

Lumitaw ang Rayism 1908 - 1910 gg. sa mga gawa ng mga artistang Ruso na si Mikhail Larionov at ang kanyang asawang si Natalia Goncharova.

Sa panahon ng neomodernism, lahat ng avant-garde artistikong paggalaw ay nagmula mula sa tulad ng isang pag-unawa sa katotohanan: ang isang tao ay hindi makatiis sa presyon ng mundo at nagiging isang neo-tao. Sa panahong ito, ang pag-unlad

May mga avant-garde na artistikong kilusan na nagpapatunay ng malungkot, pesimistikong artistikong mga konsepto ng mundo at personalidad. Sa kanila Dadaismo, constructivism, surrealism, existentialism, neo-abstractionism, atbp.

Ang Dadaismo ay isang masining na kilusan na nagpapatunay ng isang masining na konsepto; mundo- walang katuturang kabaliwan na sumusubok sa katwiran at pananampalataya.

Ang mga prinsipyo ng Dadaismo ay naging; isang pahinga sa mga tradisyon ng kultura ng mundo, kabilang ang mga tradisyon ng wika; pagtakas mula sa kultura at mula sa katotohanan, ang ideya ng mundo bilang isang kaguluhan ng kabaliwan kung saan itinapon ang isang walang pagtatanggol na tao; pesimismo, kawalan ng paniniwala, pagtanggi sa mga halaga, isang pakiramdam ng pangkalahatang pagkawala at kawalan ng kabuluhan ng pag-iral, pagkasira ng mga mithiin at layunin ng buhay. Ang Dadaismo ay isang pagpapahayag ng krisis ng mga klasikal na kultural na halaga, ang paghahanap para sa isang bagong wika at mga bagong halaga.

Ang surrealismo ay isang masining na kilusan na nakatuon sa isang nalilitong tao sa isang misteryoso at hindi kilalang mundo. Ang konsepto ng personalidad sa surrealism ay maaaring maipahayag nang maikli sa pormula ng agnostisismo: "Ako ay isang tao, ngunit ang mga hangganan ng aking pagkatao at ng mundo ay lumabo. Hindi ko alam kung saan nagsisimula ang aking "Ako" at kung saan ito nagtatapos, nasaan ang mundo at ano ito?

Ang surrealismo bilang isang kilusang masining ay binuo nina: Paul Eluard, Robert Desnos, Max Ernst, Roger Vitran, Antonin Artaud, Rene Char, Salvador Dali, Raymond Queneau, Jacques Prévert.

Ang surrealismo ay lumitaw sa batayan ng Dadaismo, sa simula bilang direksyong pampanitikan, na kalaunan ay natagpuang ekspresyon sa pagpipinta, gayundin sa sinehan, teatro at bahagyang sa musika.

Para sa surrealismo, ang tao at ang mundo, ang espasyo at oras ay tuluy-tuloy at kamag-anak. Nawawalan sila ng mga hangganan. Ang Aesthetic relativism ay ipinahayag: lahat ay dumadaloy, lahat ay naubos.

parang pinaghalo” blurs; walang tiyak. Iginiit ng surrealismo ang relativity ng mundo at kanyang mga halaga. Walang mga hangganan sa pagitan ng kaligayahan at kalungkutan, ang indibidwal at lipunan. Ang gulo ng mundo nagiging sanhi ng kaguluhan masining na pag-iisip - Ito ang prinsipyo ng aesthetics ng surrealism.

Ang masining na konsepto ng surrealism ay iginiit ang misteryo at kawalan ng kaalaman ng isang mundo kung saan nawawala ang panahon at kasaysayan, at ang isang tao ay nabubuhay sa subconscious at natagpuan ang kanyang sarili na walang magawa sa harap ng mga paghihirap.

Expressionism- isang masining na kilusan na nagsasaad ng: alienated, ang tao ay nabubuhay sa isang pagalit na mundo. Bilang bayani ng panahong iyon, ang ekspresyonismo ay naghaharap ng isang hindi mapakali na personalidad, na nalulula sa mga emosyon, [hindi makapagdala ng pagkakaisa sa isang mundong napunit ng mga hilig. -

Ang ekspresyonismo bilang isang kilusang masining ay bumangon batay sa mga relasyon sa iba't ibang lugar aktibidad na pang-agham: kasama ang psychoanalysis ni Freud, phenomenology ni Husserl, neo-Kantian epistemology, ang pilosopiya ng "Vienna Circle" at Gestalt psychology.

Ang ekspresyonismo ay nagpakita ng sarili sa iba't ibang uri sining: M. Chagall, O. Kokotka, E. Munch - sa pagpipinta; A. Rimbaud, A. Yu Strindberg, R. M. Rilke, E. Toller, F. Kafka - sa panitikan; I. Stravinsky, B. Bartok, A. Schoenberg - sa musika.

Expressionism batay sa kultura ng ika-20 siglo. binubuhay ang romantikismo. Expressionism likas na takot sa mundo at kontradiksyon sa pagitan ng panlabas na dinamismo at ang ideya ng hindi nagbabagong kakanyahan ng mundo (kawalan ng paniniwala sa posibilidad ng pagpapabuti nito). Ayon sa masining mga konsepto ng expressionism, ang mga mahahalagang pwersa ng personalidad ay hiwalay sa pagsalungat tao at mga institusyong panlipunan na kalaban sa kanya: lahat ay walang pag-asa. Ek impresyonismo - isang pagpapahayag ng sakit ng isang humanist artist,

dulot sa kanya ng di-kasakdalan ng mundo. Konsepto ng pagpapahayag ng personalidad: Tao- isang emosyonal, "natural" na nilalang, dayuhan sa industriyal at makatwiran, urban na mundo kung saan siya ay pinilit na manirahan.

Constructivism- artistikong kilusan (20s ng XX siglo), ang konseptong invariant kung saan ay ang ideya- ang pagkakaroon ng tao ay nagaganap sa kapaligiran ng mga pwersang pang-industriya na nakahiwalay sa kanya; at ang bayani ng panahon- rasyonalista ng lipunang industriyal.

Ang neopositivist na mga prinsipyo ng cubism, na ipinanganak sa pagpipinta, ay pinalawak sa isang binagong anyo sa panitikan at iba pang sining at pinagsama sa isang bagong direksyon, na nakikipag-ugnay sa mga ideya ng teknikalismo - konstruktivismo. Itinuring ng huli ang mga produkto ng industriya bilang independyente, hiwalay sa indibidwal at mga halagang sumasalungat dito. Ang konstruktibismo ay lumitaw sa bukang-liwayway ng siyentipiko at teknolohikal na rebolusyon at ginawang ideyal ang mga ideya ng technicism; pinahahalagahan niya ang mga makina at ang kanilang mga produkto kaysa sa mga indibidwal. Kahit na sa pinaka-talented at humanistic na mga gawa ng constructivism, ang alienating salik ng teknolohikal na pag-unlad ay kinuha para sa ipinagkaloob. Ang konstruktibismo ay puno ng mga kalunos-lunos na pag-unlad ng industriya at pagiging posible sa ekonomiya; ito ay technocratic-oriented.

Ang aesthetics ng constructivism ay nabuo sa pagitan ng extremes (minsan ay nahuhulog sa isa sa mga ito) - utilitarianism, na hinihingi ang pagkasira ng aesthetics, at aestheticism. Sa pinong sining at arkitektura, ang mga malikhaing prinsipyo ng constructivism ay mas malapit hangga't maaari sa engineering at kasama ang: pagkalkula ng matematika, laconism ng artistikong paraan, komposisyon ng eskematiko, lohikal.

Sa panitikan, nabuo ang konstruktibismo bilang isang kilusang masining (1923 - 1930) sa gawain ng grupo.

LCC (Literary Center of Constructivists): I.L. Selvinsky, B.N. Agapov, V.M. Inber, H.A. Aduev, E.Kh. Bagritsky, B.I. Gabrilovich, K.L. Si Zelinsky (group theorist) at iba pa ay nakaimpluwensya rin sa teatro (gawa ng direktor ni Vsevolod Meyerhold, na bumuo ng mga prinsipyo ng biomechanics, theatrical engineering at nagpakilala ng mga elemento ng circus spectacle sa entablado. Ang mga ideya ng constructivism ay sumasaklaw sa iba't ibang uri ng sining sa kanilang impluwensya, ngunit may pinakamalaking impluwensya sa arkitektura Lalo na naapektuhan nito ang gawain ni Le Corbusier, I. Leonidov, V.A. Shchuko at V.G.

Eksistensyalismo- ang konsepto ng pag-iral ng tao, ang kanyang lugar at papel sa mundong ito, ang kanyang relasyon sa Diyos. Ang kakanyahan ng eksistensyalismo- ang primacy of existence over essence (ang isang tao mismo ang humuhubog sa kanyang pag-iral at, sa pamamagitan ng pagpili kung ano ang gagawin at kung ano ang hindi dapat gawin, ay nagdudulot ng esensya sa pagkakaroon). Pinatutunayan ng eksistensyalismo ang isang malungkot, egoistic, may halaga sa sarili na personalidad sa isang mundo ng kahangalan. Para sa existentialism, ang indibidwal ay higit sa kasaysayan.

Sa masining na konsepto nito, ang eksistensyalismo (J.P. Sartre, A. Camus) ay nag-aangkin na ang mismong mga pundasyon ng pag-iral ng tao ay walang katotohanan, kung dahil lamang sa tao ay mortal; ang kasaysayan ay gumagalaw mula sa masama patungo sa mas masahol pa at pabalik sa masama muli. Walang pataas na paggalaw, mayroon lamang paggalaw ng ardilya gulong kasaysayan, kung saan ang buhay ng sangkatauhan ay umiikot nang walang kabuluhan.

Ang pangunahing kalungkutan na pinagtibay ng masining na konsepto ng eksistensyalismo ay may kabaligtaran na lohikal na kahihinatnan: ang buhay ay hindi walang katotohanan kung saan ang isang tao ay patuloy na umiral sa sangkatauhan. Ngunit kung ang isang tao ay isang mapag-isa, kung siya lamang ang halaga sa mundo, kung gayon siya ay mababa ang halaga sa lipunan, wala siyang hinaharap, at pagkatapos ay ang kamatayan ay ganap. Tinatawid nito ang isang tao, at ang buhay ay nagiging walang kabuluhan.

Neo-abstract na sining(abstract na sining ng ikalawang alon) - spontaneous-impulsive self-expression; isang pangunahing pagtanggi sa pagiging makasagisag, ng paglalarawan ng katotohanan, sa pangalan ng purong pagpapahayag; batis ng kamalayan na nakuha sa kulay.

Ang neo-abstractionism ay lumikha ng bagong henerasyon ng mga abstractionist: J. Paul Lak, De Kuhn at Ig, A. Manisirer at iba pa. Sa akda ni Pol Lak, ang malikhaing gawa ay binibigyang-diin hindi ng akda mismo, kundi ng proseso mismo ng paglikha nito. Ang prosesong ito ay nagiging isang wakas sa sarili nito at dito nabuo ang mga pinagmulan ng "pagpipinta-aksyon".

Ang mga prinsipyo ng neo-abstractionism ay pinatunayan ni M. Brion, G. Reed, Sh.-P. Brew, M. Raton. Ang Italian theorist na si D. Severini ay nanawagan na kalimutan ang katotohanan, dahil hindi ito nakakaapekto sa plastic expression. Ang isa pang teorista, si M. Zefor, ay isinasaalang-alang ang merito ng abstract painting na hindi ito nagdadala ng anuman mula sa normal na kapaligiran ng buhay ng tao. Inalis ng potograpiya ang visual na kalidad ng pagpipinta, naiwan lamang ang huli nagpapahayag ng mga posibilidad upang ipakita ang subjective na mundo ng artist.

Ang mahinang link sa teorya ng abstractionism at neo-abstractionism ay ang kakulangan ng malinaw na pamantayan ng halaga para sa pagkilala sa pagkamalikhain mula sa haka-haka, kaseryosohan mula sa mga biro, talento mula sa karaniwan, kasanayan mula sa panlilinlang.

Ang mga masining na solusyon ng abstractionism at neo-abstractionism (harmonization ng kulay at hugis, paglikha ng "balanse" ng mga eroplano na may iba't ibang laki dahil sa intensity ng kanilang kulay) ay ginagamit sa arkitektura, disenyo, disenyo ng sining, teatro, sinehan, at telebisyon.

Postmodernismo kung paano ang isang artistikong panahon ay nagdadala sa loob mismo ng isang masining na paradigm na nagsasaad na hindi makayanan ng isang tao ang presyon ng mundo at nagiging posthuman. Lahat ng artistikong direksyon nito

panahon ay napuno ng paradigm na ito, na nagpapakita at nagre-refract nito sa pamamagitan ng kanilang mga invariant na konsepto ng mundo at personalidad: pop art, sonopucmuka, aleatorics, musical pointillism, hyperrealism, happenings, atbp.

Pop Art- bagong makasagisag na sining. Inihambing ng pop art ang abstractionist na pagtanggi sa realidad sa magaspang na mundo ng mga materyal na bagay, na iniuugnay sa artistikong at aesthetic na katayuan.

Ang mga teorista ng pop art ay nangangatuwiran na sa isang tiyak na konteksto, ang bawat bagay ay nawawala ang orihinal na kahulugan nito at nagiging isang gawa ng sining. Samakatuwid, ang gawain ng artist ay nauunawaan hindi bilang paglikha ng isang masining na bagay, ngunit bilang pagbibigay ng isang ordinaryong bagay na mga artistikong katangian sa pamamagitan ng pag-aayos ng isang tiyak na konteksto ng kanyang pang-unawa. Ang aestheticization ng materyal na mundo ay nagiging prinsipyo ng pop art. Ang mga artista ay nagsusumikap na makamit ang kaakit-akit, kalinawan, at kalinawan ng kanilang mga nilikha, gamit ang mga patula ng mga label at advertising para dito. Ang pop art ay isang komposisyon ng mga pang-araw-araw na bagay, kung minsan ay pinagsama sa isang dummy o sculpture.

Mga gusot na sasakyan, kupas na mga litrato, mga scrap ng diyaryo at poster na idinidikit sa mga kahon, isang pinalamanan na manok sa ilalim ng takip ng salamin, pininturahan ng puti pintura ng langis isang punit na sapatos, mga de-koryenteng motor, mga lumang gulong o gas stoves - ito ang mga artistikong exhibit ng pop art.

Kabilang sa mga pop art artist na maaari nating i-highlight: E. Warhol, D. Chamberlain, J. Dine at iba pa.

Ang pop art bilang isang artistikong kilusan ay may ilang uri (mga uso): op art (masining organisadong optical effect, geometric na kumbinasyon ng mga linya at spot), env-apm(mga komposisyon, masining na organisasyon ng kapaligiran ng manonood), el-at(mga bagay na gumagalaw sa tulong ng mga de-kuryenteng motor

at mga disenyo, ang kilusang pop art na ito ay lumitaw bilang isang malayang masining na kilusan - kineticism).

Iniharap ng pop art ang konsepto ng personalidad ng mamimili ng isang lipunang "pagkonsumo ng masa". Ang perpektong personalidad ng pop art ay isang taong mamimili kung saan dapat palitan ng aestheticized still lifes of commodity compositions ang espirituwal na kultura. Ang mga salita ay pinalitan ng mga kalakal, ang panitikan ay pinalitan ng mga bagay, ang kagandahan ay napalitan ng gamit, ang kasakiman sa materyal, ang pagkonsumo ng kalakal na pinapalitan ang mga espirituwal na pangangailangan ay katangian ng pop art. Ang direksyon na ito ay pangunahing naglalayong sa masa, hindi malikhaing personalidad, pinagkaitan ng malayang pag-iisip at paghiram ng "kanilang" mga kaisipan mula sa advertising at media komunikasyong masa, isang personalidad na minamanipula ng telebisyon at iba pang media. Ang personalidad na ito ay na-program ng pop art upang gampanan ang mga ibinigay na tungkulin ng acquirer at consumer, na masunurin na nagtitiis sa alienating influence modernong sibilisasyon. Ang personalidad ng pop art ay ang zombie ng kulturang masa.

Hyperrealism ~ isang masining na kilusan na ang invariant artistic concept ay: impersonal sistema ng pamumuhay sa isang malupit at magaspang na mundo.

Hyperrealism - lumilikha ng mga kaakit-akit na supernaturalistic na mga gawa na naghahatid ng pinakamaliit na detalye ng itinatanghal na bagay. Ang mga paksa ng hyperrealism ay sadyang banal, ang mga imahe ay mariin na "layunin". Ibinabalik ng direksyong ito ang mga artista sa karaniwang mga anyo at paraan ng pinong sining, lalo na sa painting canvas, na tinanggihan ng pop art. Ginagawa ng hyperrealism ang mga pangunahing tema ng mga pagpipinta nito na patay, gawa ng tao, "pangalawang" kalikasan ng kapaligiran sa lunsod: mga istasyon ng gasolina, mga kotse, mga bintana ng tindahan, mga gusali ng tirahan, mga booth ng telepono, na ipinakita bilang hiwalay sa mga tao.

Ang hyperrealism ay nagpapakita ng mga kahihinatnan ng labis na urbanisasyon, pagkasira ng ekolohiya ng kapaligiran, at nagpapatunay na ang metropolis ay lumilikha ng isang hindi makataong kapaligiran. Ang pangunahing tema ng hyperrealism ay ang impersonal na mekanisadong buhay ng isang modernong lungsod.

Ang teoretikal na batayan ng hyperrealism - mga ideyang pilosopikal ang paaralang Frankfurt, na nagsasaad ng pangangailangang lumayo sa mga ideolohikal na anyo ng mapanlikhang pag-iisip.

Gumagana photorealism ay batay sa mataas na pinalaki na mga larawan at kadalasang kinikilala sa hyperrealism. Gayunpaman, kapwa sa mga tuntunin ng teknolohiya ng paglikha ng isang imahe at, pinaka-mahalaga, sa mga tuntunin ng invariant artistikong konsepto ng mundo at personalidad - ang mga ito, kahit na malapit, ay iba't ibang artistikong direksyon. Ginaya ng mga hyperrealist ang mga larawan gamit ang mga painterly na paraan sa canvas na ginaya ng mga photorealist mga kuwadro na gawa, pagproseso (mga pintura, paraan ng collage) ng mga litrato.

Pinagtitibay ng Photorealism ang priyoridad ng dokumentaryo at artistikong konsepto: isang maaasahan, ordinaryong tao sa isang maaasahan, ordinaryong mundo.

Ang layunin ng photorealism ay upang ilarawan ang modernong pang-araw-araw na buhay. Ang mga kalye, mga dumadaan, mga bintana ng tindahan, mga kotse, mga ilaw ng trapiko, mga bahay, at mga gamit sa bahay ay ginawang muli sa mga gawa ng photorealism na tunay, obhetibo at lubhang katulad.

Ang mga pangunahing tampok ng photorealism: 1) figurativeness, pagsalungat sa mga tradisyon ng abstractionism; 2) atraksyon sa balangkas; 3) ang pagnanais na maiwasan ang "makatotohanang mga cliches" at dokumentaryo; 4) pag-asa sa artistikong mga nagawa ng photographic na kagamitan.

Sonoristics- direksyon sa musika: ang dula ng mga timbre na nagpapahayag ng "Ako" ng may-akda. Para sa mga kinatawan nito, hindi ang pitch ng tunog ang mahalaga, kundi ang timbre. Naghahanap sila ng mga bago musikal kulay, hindi kinaugalian na tunog: nilalaro sa isang tambo,

lagari, dumikit sa mga kuwerdas ng piano, humampas sa soundboard, remote control ang tunog ay nalilikha sa pamamagitan ng pagpupunas ng bibig gamit ang panyo.

Sa purong tunog na musika, ang melody, armonya at ritmo ay hindi gumaganap ng isang espesyal na papel; Ang pangangailangang itala ito ay nagbunga ng mga espesyal na graphic na anyo ng pagre-record ng timbre sa anyo ng manipis, bold, kulot, hugis-kono na mga linya. Minsan ipinapahiwatig din ang hanay kung saan kailangang maglaro ang tagapalabas.

Ang nagtatag ng sonorous na musika ay ang Polish na kompositor na si K. Penderecki, at ang kanyang inisyatiba ay ipinagpatuloy ni K. Serotsky, S. Bussotti at iba pa.

Musical pointillism- direksyon sa harap na paningin * ang kakaiba nito ay ang pagkakapira-piraso ng musikal na tela, ang pagkalat nito sa mga rehistro, ang pagiging kumplikado ng ritmo at mga pirma ng oras, at ang kasaganaan ng mga paghinto.

Ang musical pointillism ay tumangging lumikha ng isang mauunawaan masining na katotohanan(mula sa realidad, na mauunawaan batay sa mundong musikal at masining na tradisyon at paggamit ng tradisyonal na musikal-semiotikong mga kodigo). Ang pointillism ay nakatuon sa indibidwal patungo sa paglipat sa mundo ng kanyang kaluluwa at pinagtitibay ang pagkapira-piraso ng nakapaligid na mundo.

Aleatorics- masining na paggalaw ng panitikan at musika, batay sa pilosopikal na ideya na ang pagkakataon ay naghahari sa buhay, at nagpapatibay sa masining na konsepto: tao- isang manlalaro sa isang mundo ng mga random na sitwasyon.

Mga kinatawan ng aleatorics: K. Stockhausen, P. Boulez, S. Bussotti, J. Cage, A. Pusser, K. Serotsky at iba pa. Ang pagiging random ay pumapasok sa mga akdang pampanitikan o musikal nang mekanikal: sa pamamagitan ng paghagis ng mga chips (dice), paglalaro ng chess, pag-shuffling ng mga pahina o iba't ibang mga fragment, at gayundin ng

improvisasyon: ang musikal na teksto ay isinulat gamit ang "mga tanda-simbulo" at pagkatapos ay malayang binibigyang kahulugan.

Nangyayari- Ito ay isa sa mga uri ng modernong masining na kultura sa Kanluran. Ang may-akda ng mga unang produksyon ng nangyayaring "The Yard", "Creations" ay si A. Keprow. Ang mga nangyayaring produksyon ay nagsasangkot ng mga mahiwaga, kung minsan ay hindi makatwiran na mga aksyon ng mga gumaganap at nailalarawan sa pamamagitan ng isang kasaganaan ng mga props na ginawa mula sa mga gamit na bagay at kahit na kinuha mula sa isang landfill. Ang mga kalahok sa nangyayari ay nagsusuot ng maliwanag, labis na katawa-tawa na mga kasuutan, na binibigyang diin ang walang buhay na katangian ng mga gumaganap, ang kanilang pagkakahawig sa mga kahon o mga balde. Ang ilang mga pagtatanghal ay binubuo, halimbawa, ng isang masakit na paglabas mula sa ilalim ng isang tarpaulin. Kasabay nito, ang indibidwal na pag-uugali ng mga aktor ay improvisational. Minsan ang mga aktor ay bumaling sa madla na may kahilingan na tulungan sila. Ang pagsasama na ito ng manonood sa aksyon ay tumutugma sa diwa ng nangyayari.

Ang konsepto ng mundo at personalidad na inihain ng mga nangyayari ay maaaring bumalangkas tulad ng sumusunod: mundo- isang kadena ng mga random na kaganapan, ang isang tao ay dapat subjectively pakiramdam ganap na kalayaan, ngunit sa katotohanan sundin ang isang solong aksyon, ay manipulahin.

Ang nangyayari ay gumagamit ng magaan na pagpipinta: ang liwanag ay patuloy na nagbabago ng kulay at lakas, ay direktang nakadirekta sa aktor o kumikinang sa mga screen ng iba't ibang materyales. Madalas itong sinasamahan sound effects(mga boses ng tao, musika, kilig, kaluskos, paggiling). Ang tunog ay minsan napakalakas, hindi inaasahan, na idinisenyo upang magkaroon ng shock effect. Kasama sa presentasyon ang mga transparency at film still. Gumagamit din si Laura ng mga mabangong sangkap. Ang tagapalabas ay tumatanggap ng isang gawain mula sa direktor, ngunit ang tagal ng mga aksyon ng mga kalahok ay hindi natukoy. Lahat ay maaaring umalis sa laro kung kailan nila gusto.

Nagaganap ang mga pangyayari sa iba't ibang lugar: sa mga paradahan, sa mga patyo na napapalibutan ng matataas na gusali, sa mga basement. shafts, sa attics. Ang espasyo ng isang pangyayari, ayon sa mga prinsipyo ng aksyon na ito, ay hindi dapat limitahan ang imahinasyon ng artist at ng manonood.

Ang nangyayaring teorista na si M. Kirby ay iniuugnay ang ganitong uri ng panoorin sa larangan ng teatro, bagama't binanggit niya na ang mga pangyayari ay naiiba sa teatro sa kawalan ng tradisyunal na istruktura ng dula: balangkas, mga tauhan at tunggalian. Iniuugnay ng ibang mga mananaliksik ang kalikasan ng nangyayari sa pagpipinta at iskultura, sa halip na sa teatro.

Ang mga pinagmulan ng mga pangyayari ay bumalik sa mga masining na paghahanap sa simula ng ika-20 siglo, sa mga pagtatangka ng ilang mga pintor at eskultor na ilipat ang diin mula sa isang pagpipinta o eskultura sa mismong proseso ng kanilang paglikha sa madaling salita, ang nangyayari kinuha din ang mga pinagmulan nito sa "pagpipinta ng aksyon": sa "drop splashing" ni J. Pollock, sa "slashing" brush stroke ng De Kooning, sa mga naka-costume na painting ni J. Mathieu.

Sining na nakakasira sa sarili- isa ito sa mga kakaibang phenomena ng postmodernism. Mga pinturang pininturahan ng pintura na kumukupas sa harap ng mga mata ng madla. Ang aklat na "Wala", inilathala sa USA noong 1975 at muling inilathala sa England. Mayroon itong 192 na pahina, at wala ni isang linya ang nakalagay dito. Sinasabi ng may-akda na ipinahayag niya ang kaisipan: Wala akong sasabihin sa iyo. Ang lahat ng ito ay mga halimbawa ng sining na mapanira sa sarili. Mayroon din itong ekspresyon sa musika: ang pagtatanghal ng isang piyesa sa isang nahuhulog na piano o sa isang violin na nagkakawatak-watak, atbp.

Konseptwalismo- Ito ay isang masining na kilusan sa Kanluraning sining, na sa artistikong konsepto nito ay nagpapatunay sa isang tao na hiwalay sa direktang (kaagad) na kahulugan ng kultura at napapalibutan ng mga aestheticized na produkto ng intelektwal na aktibidad.

Ang mga gawa ng konseptwalismo ay hindi mahuhulaan na naiiba sa kanilang pagkakayari at hitsura: mga larawan, mga kopya ng mga teksto, mga telegrama, mga reproduksyon, mga graphic, mga haligi ng mga numero, mga diagram. Gumagamit ang konseptwalismo ng isang intelektuwal na produkto para sa iba pang layunin kaysa sa nilalayon nitong layunin. aktibidad ng tao: ang tatanggap ay hindi dapat basahin at bigyang-kahulugan ang kahulugan ng teksto, ngunit malasahan ito bilang isang purong aesthetic na produkto, kawili-wili sa hitsura nito.

Mga kinatawan ng konseptwalismo; Ang mga Amerikanong artista na sina T. Atkinsoni, D. Bainbridge, M. Baldwin, H. Harrell, Joseph Kosuth, Lawrence Weiner, Robert Berry, Douglas Huebler at iba pa.

Kritikal na realismo noong ika-19 na siglo,- artistikong direksyon" na naglalagay ng konsepto: ang mundo at ang tao ay hindi perpekto; labasan- hindi paglaban sa kasamaan sa pamamagitan ng karahasan at pagpapabuti ng sarili.

M Ang sosyalistang realismo ay isang masining na kilusan na nagpapatunay sa masining na konsepto: ang indibidwal ay aktibo sa lipunan at kasama sa paglikha ng kasaysayan sa pamamagitan ng marahas na paraan."

Realismo ng magsasaka- isang kilusang masining na nagsasaad na ang magsasaka ang pangunahing tagapagdala ng moralidad at suporta ng pambansang buhay.

Realismo ng magsasaka (prosa ng nayon) - direksyong pampanitikan ng prosa ng Russia (60s - 80s); Ang sentral na tema ay ang modernong nayon, ang pangunahing karakter ay isang magsasaka - ang tanging tunay na kinatawan ng mga tao at ang nagdadala ng mga mithiin.

Neorealism- ang masining na kilusan ng realismo noong ika-20 siglo, na nagpakita ng sarili sa post-war Italian cinema at bahagyang sa panitikan. Mga Tampok: Ang Neorealism ay nagpakita ng malapit na interes sa tao ng mga tao, sa buhay ng mga ordinaryong tao: matalas na pansin sa detalye, pagmamasid at pagtatala ng mga elemento na pumasok sa buhay pagkatapos ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig. Ginawa

Pinagtitibay ng neorealism ang mga ideya ng humanismo, ang kahalagahan ng mga simpleng pagpapahalaga sa buhay, kabaitan at katarungan sa relasyon ng tao, ang pagkakapantay-pantay ng mga tao at ang kanilang dignidad, anuman ang kanilang katayuan sa pananalapi.

Magic realism- isang masining na kilusan ng realismo na nagpapatibay sa konsepto: ang isang tao ay nabubuhay sa isang realidad na pinagsasama ang modernidad at kasaysayan, ang supernatural at ang natural, ang paranormal at ang pang-araw-araw.

Ang kakaiba ng mahiwagang realismo ay ang mga kamangha-manghang yugto ay nabuo ayon sa mga batas ng pang-araw-araw na lohika bilang pang-araw-araw na katotohanan.

Sikolohikal na realismo- artistikong kilusan ng ika-20 siglo, na inilalagay ang konsepto: ang indibidwal ay may pananagutan; ang espirituwal na mundo ay dapat mapuno ng isang kultura na nagtataguyod ng kapatiran ng mga tao at nagtagumpay sa kanilang pagiging makasarili at kalungkutan.

Intelektwal na realismo- Ito ang artistikong direksyon ng realismo, sa mga gawa kung saan ang isang drama ng mga ideya ay nagbubukas at ang mga karakter sa kanilang mga mukha ay "naglalaro" ng mga iniisip ng may-akda, ay nagpapahayag ng iba't ibang aspeto ng kanyang masining na konsepto. Ipinapalagay ng intelektwal na realismo ang konseptwal at pilosopikal na paraan ng pag-iisip ng pintor. Kung ang sikolohikal na realismo ay nagsisikap na ihatid ang kaplastikan ng paggalaw ng mga pag-iisip, inilalantad ang diyalektika ng kaluluwa ng tao, ang pakikipag-ugnayan ng mundo at kamalayan, kung gayon ang intelektwal na realismo ay nagsusumikap na artistikong at nakakumbinsi na lutasin ang mga kasalukuyang problema at magbigay ng pagsusuri sa estado ng mundo.

Kaugnay na impormasyon.

Sa una, sa aesthetics at sa pilosopiya ng sining ng Bagong Panahon, ang mga pagtatangka sa isang pormal na kahulugan ng kagandahan ay malinaw na nangingibabaw sa mga mahahalagang kahulugan nito. Ngunit pagkatapos ng Kant, ang mga limitasyon ng mga pormal na kahulugan at ang kanilang distansya mula sa tunay na kasanayan ng sining ay naging medyo halata. Sa paglitaw noong ika-19 na siglo. Sa kontemporaryong sining, ang mga pormal na kahulugan ng kagandahan ay nagsimulang magmukhang isang malinaw na anachronism.

“Ang Renaissance,” ang isinulat ni G. Wölfflin, “maagang nakabuo ng isang malinaw na ideya na ang unang tanda ng pagiging perpekto sa sining ay isang tanda ng pangangailangan ay dapat magbigay ng impresyon na hindi ito maaaring maging iba, na para bang ang bawat pagbabago sa pinakamaliit nito bahaging sisira sa kagandahan at sa kahulugan ng kabuuan." Ang batas na ito (kung matatawag itong batas), ang sabi ni Wölfflin, ay nahulaan at ipinahayag na sa kalagitnaan ng ika-15 siglo.

L. B. Alberti sa "Sampung Aklat sa Arkitektura" ay sumulat, sa partikular: "Ang kagandahan ay isang mahigpit na proporsyonal na pagkakaisa ng lahat ng bahagi, pinagsama ng kung ano ang kanilang kinabibilangan, na walang maaaring idagdag, ibawas, o baguhin nang hindi gumagawa ng mas masahol pa dakila at banal na bagay...” Sa ibang lugar ay isinulat ni Alberti ang tungkol sa “kasunduan at pagkakatugma ng mga bahagi,” at kapag binanggit niya ang isang magandang harapan bilang “musika” kung saan walang kahit isang tono ang maaaring baguhin, hindi niya ito sinasadya. walang iba kundi ang pangangailangan, o organiko, ng kumbinasyon ng mga anyo. "Masasabi natin ito. Ang kagandahan ay isang tiyak na kasunduan at pagkakatugma ng mga bahagi kung saan sila ay mga bahagi - naaayon sa mahigpit na bilang, limitasyon at pagkakalagay na kinakailangan pagkakaisa, mga. ganap at pangunahing simula ng kalikasan " .

Ang proporsyonalidad, o proporsyonalidad, na hinahangad ng mga artista ng Renaissance, ay nagiging lalong malinaw kapag ang sining ng panahong ito ay inihambing sa sining ng artistikong istilo na sumunod dito, ang Baroque.

Ang Baroque, hindi katulad ng Renaissance, ay hindi batay sa anumang teorya. Ang estilo mismo ay binuo nang walang pangkalahatang tinatanggap na mga modelo, at ang mga kinatawan nito ay hindi napagtanto na sila ay naghahanap ng panimula ng mga bagong paraan. Gayunpaman, sa paglipas ng panahon, nagsimulang magpahiwatig ang mga artist at art theorists ng mga bagong pormal na natatanging katangian ng kagandahan, at ang pangangailangan ng proporsyonalidad, o proporsyonalidad, na dating itinuturing na pangunahing, ay itinapon. Masasabi natin na sa pagbabago ng artistikong istilo, nagkaroon ng pagbabago sa mga ideya tungkol sa kagandahan. Kabilang sa mga ito, ang mga bagong integral na pormal na palatandaan ng kagandahan ay kinabibilangan ng pagkaligalig, o pagka-orihinal, at hindi pangkaraniwan.

Ang Baroque ay naglalayong ipahayag ang hindi perpektong pagkatao, ngunit ang pagbuo, paggalaw. Dahil dito, ang konsepto ng proporsyonalidad ay nawawalan ng kahulugan: humihina ang koneksyon sa pagitan ng mga anyo, ginagamit ang mga proporsyon ng "marumi" at ang mga dissonance ay ipinakilala sa katinig ng mga anyo. Ang mga proporsyon ay nagiging mas at mas bihira, at ito ay nagiging mas at mas mahirap para sa mata upang mahuli ang mga ito. Kadalasan mayroong hindi lamang isang komplikasyon sa pang-unawa ng maharmonya na mga relasyon, ngunit isang sadyang nilikha dissonance.

Sa arkitektura, mayroong, halimbawa, mga niches na kinatas, mga bintana na hindi naaayon sa laki ng mga dingding, mga bintana na masyadong malaki para sa nilalayon na ibabaw ng pagpipinta, atbp. Ang masining na gawain ay hindi na nakikita sa kasunduan, ngunit sa paglutas ng mga dissonance. Sa kanilang pataas na paggalaw, ang mga magkakasalungat na elemento ay nagkakasundo, ang pagkakatugma ng mga dalisay na relasyon ay ipinanganak mula sa mga dissonance.

Ang kagustuhan, tulad ng sa Renaissance, ay ibinibigay sa isang pormal na interpretasyon ng kagandahan. Ang pagkakaiba sa mga kahulugan nito ay pangunahing dahil sa ang katunayan na kung ang sining ng Renaissance ay nagsusumikap para sa pagiging perpekto at pagkakumpleto, i.e. Bilang karagdagan sa kung ano ang pinamamahalaan ng kalikasan upang makagawa lamang sa napakabihirang mga kaso, sinusubukan ng baroque na lumikha ng impresyon ng kawalan ng anyo na kailangang pigilan.

Ang buong modernong panahon ay minarkahan ng mga oscillation sa pagitan ng pormal at makabuluhang interpretasyon ng kagandahan.

Tinukoy ni Leibniz ang kagandahan bilang "harmoniously ordered unity in diversity." Para kay Baumgarten, ang kagandahan ay "ang pagiging perpekto ng kung ano ang lumilitaw." Sinubukan ng artist na si W. Hogarth na tukuyin ang ilang layunin na "mga batas ng kagandahan": perpektong proporsyon at ang ganap na "linya ng kagandahan" na nakita niya sa isang sine wave. Kalaunan ay naging interesado si F. Schiller sa ideya ng isang natatanging "linya ng kagandahan".

Simula sa Kant, ang mga makabuluhang interpretasyon ng kagandahan ay nauuna, na isinasaalang-alang, lalo na, ang madla na gumagawa ng kanilang paghuhusga tungkol dito. "Kahanga-hanga na," sabi ni Kant, "ay ang gusto ng lahat nang walang konsepto," dahil ang pangunahing bagay sa paghatol ng panlasa ay hindi ang konsepto, ngunit ang panloob na pakiramdam ng "pagkakasundo sa laro." lakas ng kaisipan", na may unibersal na karakter. Ang kagandahan ay isang anyo pagiging angkop bagay, dahil ito ay nakikita sa loob nito walang kahulugan ng layunin. Ang kagandahan ay nagsisimula sa anyo, ngunit hindi nababawasan sa anyo, ngunit ang anyo na kinuha sa pagkakaisa sa nilalaman. Ang pagsisikap na tingnan ang kagandahan lamang bilang anyo ay hindi sapat. Sa Critique of Judgment, nagbigay si Kant ng apat na paliwanag hinggil sa maganda: gusto natin ito nang walang karagdagang interes; Hinahangaan natin ang kagandahan nang hindi iniisip; ang kagandahan ay kapakinabangan nang walang pagtatakda ng layunin; ang kagandahan ay kinakailangan para sa lahat. Ang maganda ay lumalabas na, samakatuwid, isang katangian hindi ng bagay mismo, ngunit ng tiyak na kaugnayan nito sa indibidwal na nakakakita ng bagay. Napagtatanto ang kakulangan ng kanyang mga kahulugan, na nagbabalangkas lamang ng panlabas na anyo ng kagandahan, o "purong kagandahan," ipinakilala rin ni Kant ang konsepto ng "kasamang kagandahan." Ang "purong kagandahan" sa kalikasan ay mga bulaklak. Ang kagandahan ng isang tao ay "kasama" at tinukoy bilang "isang simbolo ng kabutihang moral."

Panimula. Estetika at kaisipan ng ika-20 siglo. Sosyal at espirituwal na sitwasyon sa simula ng ika-20 siglo. Pangunahing masining, aesthetic at pilosopikal na direksyon. Ang tao bilang isang object ng panlipunan at pilosopikal na pagsusuri (positivist, existential, psychoanalytic, theological at iba pang mga konsepto). Pilosopiya at panitikan. Pangunahing konsepto ng modernong kultural at pilosopikal na kaisipan: 3. Freud at ang pagbuo ng mga isyu sa teorya ng psychoanalysis; ang teorya ng "collective unconscious" ni K. Jung; M. Heidegger at ang pagbuo ng eksistensyalistang konsepto ng tao. Pag-unawa sa krisis ng kamalayan sa sarili ng kultura ni O. Spengler (“The Decline of Europe”). Mitolohiya ng laro sa mga gawa ni I. Huizinga. Digmaang Pandaigdig 1914 bilang isang mahalagang makasaysayang milestone at bilang isa sa mga pangunahing tema sa panitikan ng simula ng siglo. Pagkamalikhain ng mga manunulat ng "nawalang henerasyon". Ang paglitaw ng isang bagong aesthetics ng realismo bilang isang uri ng tradisyonalistang pag-iisip noong ika-20 siglo. Modernismo bilang isang kategorya ng kultura at isang uri ng malikhaing pananaw sa mundo. Masining na konsepto ng modernismo. Pagtuklas ng walang katotohanan bilang isang kalidad ng katotohanan. Bagong konsepto personalidad sa aesthetics ng modernismo. Mitolohiya ng pag-iisip. Dialectics ng relasyon sa pagitan ng realismo at modernismo.

Isang larawan ng mga istilo at paggalaw ng sining noong ika-2 kalahati ng ika-20 siglo. lubhang makulay.

PANITIKAN

Sa ikalawang kalahati ng ikadalawampu siglo. Ang internasyonal na hanay ng panitikan ay mabilis na lumalawak. Pag-akyat sa entablado ng mundo pambansang panitikan liberated na mga bansa ng Asya, Africa at Latin America. Ang mga kayamanan ng kanilang sinaunang kultura, na dati ay nasa limot, ay naging pampublikong pag-aari.

Sa ika-2 kalahati ng ikadalawampu siglo. Nagiging karaniwan na ang mga internasyunal na literary contact.

Sa panitikang Kanluranin ay madarama ng isang tao ang kalagayan ng pesimismo, kapahamakan, at takot sa hinaharap.

Ang lahat ng panitikang Kanluranin ay nahahati sa 2 malalaking patong: panitikang "masa" at "mahusay" na panitikan. Sa mahusay na panitikan, nagaganap ang mga malikhaing paghahanap na nakakaimpluwensya prosesong pampanitikan, baguhin ang panitikan, paunlarin ito.

Isang makapangyarihang kababalaghan ng panitikan noong ika-2 kalahati ng ikadalawampu siglo. naging panitikan ng modernismo. Ito ay lalong maliwanag sa drama (theater of the absurd or antitheater, plays by Ionesco and Beckett) at tula. Nabakuran ng mga makata ang kanilang sarili mula sa katotohanan, nag-aalok ng katotohanan sa kanilang sarili at isang makitid na bilog. Nilikha ng kanilang mga sarili.

Noong 50-70s. sa panitikang Pranses Ang pagsasagawa ng "bagong nobela" ("anti-nobela") ay laganap. Ang mga manunulat ng "bagong nobela" ay nagpahayag na ang pamamaraan ng tradisyonal na salaysay na prosa ay naubos at sinubukang bumuo ng mga pamamaraan ng walang plot, walang bayani na pagkukuwento, i.e. isang nobela na walang balangkas, walang intriga, walang kasaysayan ng buhay ng mga bayani, atbp. Ang mga "neo-nobelista" ay nagmula sa katotohanan na ang mismong konsepto ng personalidad ay lipas na rin, kaya't makatuwiran na magsulat lamang tungkol sa mga bagay o ilang uri ng mass phenomena o kaisipang walang tiyak na balangkas at walang karakter ng mga tauhan (“materialism” ni A. Robbe-Grillet, “magma of the subconscious” ni N. Sarraute). Sa ilang mga kaso, ang mga kinatawan ng trend na ito ay lumihis sa kanilang mga prinsipyo, at ang kanilang mga gawa ay nakatanggap ng makabuluhang nilalaman.

Panitikan ng ika-2 kalahati ng ika-20 siglo. Ito ay kinakatawan ng mga gawa ng kritikal na realismo, neo-romantisismo, at bagong realismo. Kamangha-manghang panitikan, atbp. Ang bawat kapangyarihang pampanitikan (France, England, USA, Germany) ay binuo sa isang espesyal na paraan, na pinalaki sa panitikan ang mga nasusunog na problema na katangian nito (sa USA - ang problema ng mga itim, sa Germany - ang problema ng neo- pasismo, sa Inglatera - mga ideyang anti-kolonyal at iba pa) ngunit may mga karaniwang punto na nauugnay sa pangkalahatang makasaysayang phenomena ng kilusang kabataan noong 60s, na lumusot sa lahat ng bansa, ang banta ng digmaang nuklear na nauugnay sa karera ng armas, at ang paglaganap ng pesimismo at kawalang-paniwala sa pag-unlad.

Ang "bagong realismo" ay nasisipsip sa premonisyon ng isang banta, ang pagkamatay ng isang tao hindi sa ilalim ng mga bomba, ngunit sa ilalim ng mga bagay ng standardisasyon ng kaluluwa, ang pagkawala ng personal na pinagmulan.

Ang bayani ay hindi nasisiyahan sa kanyang sarili, ngunit pasibo.

Ang tema ng kalungkutan, ang kalunos-lunos na kapalaran ng batang bayani at ang kakulangan ng espirituwalidad ng modernong burges na lipunan ay makikita sa mga gawa ni Heinrich Böll ("Through the Eyes of a Clown", 1963; Si Hans Schnier lang ang gustong labanan ang political clericalism. ng Kanlurang Alemanya, sinubukang ipagtanggol ang kanyang kasarinlan Sa pagtataksil ng kanyang mga magulang at ang kanyang minamahal na babae, nahanap niya ang kanyang sarili na walang trabaho laban sa mga kagalang-galang na magulang at isang maunlad na lipunan.), sa nobela ng Amerikanong manunulat na si Jerome Selinger na "The Catcher in the Rye" (1951). Isang kapaligiran ng kasinungalingan at pagkukunwari ang pumapalibot sa pangunahing karakter, ang 16-taong-gulang na American teenager na si Holden Colfold. Sawa na siya sa lahat. Nagpalit na siya ng 4 na paaralan, kung saan maraming mga hindi tapat, magnanakaw na mga mag-aaral, kung saan ang direktor ng paaralan ay nangungulila sa mayayamang magulang at halos hindi bumabati sa mga mahihirap. Si Caulfield ay isang normal na tinedyer, mahal niya ang kanyang mga magulang, ang kanyang kapatid na babae na si Fibby, ngunit ayaw niyang mamuhay sa paraan ng pamumuhay ng lahat sa kanyang paligid. Ngunit hindi niya alam kung paano mamuhay nang iba. Ngunit talagang gusto niyang protektahan ang maliliit na bata mula sa bangin na naglalaro sa tabi niya sa rye.

France

Noong unang bahagi ng 50s, isang bagong direksyon ang nagpahayag ng sarili sa French theatrical art - ang sining ng walang katotohanan, na ipinakita bilang laban sa burges na pag-iisip at philistine common sense. Ang mga tagapagtatag nito ay mga playwright na naninirahan sa France - Romanian Eugene Ionesco at Irishman na si Samuel Beckett. Ang mga walang katotohanang dramaturgy na dula (“anti-play”) ay itinanghal sa maraming mga sinehan sa mga kapitalistang bansa.

Ang sining ng walang katotohanan ay isang makabagong kilusan na nagsusumikap na lumikha ng isang walang katotohanan na mundo bilang isang salamin ng totoong mundo para sa layuning ito, ang mga natural na kopya ng totoong buhay ay binuo nang walang anumang koneksyon.

Ang batayan ng dramaturgy ay ang pagkasira ng dramatikong materyal. Ang mga dula ay kulang sa lokal at makasaysayang pagtitiyak. Ang pagkilos ng isang makabuluhang bahagi ng mga dula ng teatro ng walang katotohanan ay nagaganap sa maliliit na espasyo, silid, apartment, ganap na nakahiwalay sa labas ng mundo. Ang temporal na pagkakasunod-sunod ng mga pangyayari ay sinisira. Kaya, sa dula ni Ionesco na "The Bald Singer" (1949), 4 na taon pagkatapos ng kamatayan ang bangkay ay naging mainit, at ito ay inilibing anim na buwan pagkatapos ng kamatayan. Ang dalawang bahagi ng dulang Waiting for Godot (1952) ay pinaghihiwalay ng gabi, at "siguro 50 taon." Ang mga tauhan sa dula mismo ay hindi alam ito.

Ang lokal na konkreto at pansamantalang kaguluhan ay kinukumpleto ng isang paglabag sa lohika sa mga diyalogo. Narito ang isang anekdota mula sa dulang "Ang Kalbong Mang-aawit": "Minsan ang isang toro ay nagtanong sa isang aso kung bakit hindi nito nilunok ang kanyang puno. “Paumanhin,” sagot ng aso, “Akala ko isa akong elepante.” Ang mismong pangalan ng dula na "The Bald Singer" ay walang katotohanan: sa "anti-drama" na ito ang kalbo na mang-aawit ay hindi lamang lumilitaw, ngunit hindi rin binanggit.

Ang mga absurdist ay humiram ng katarantaduhan at mga kumbinasyon ng mga hindi bagay mula sa mga surrealist at inilipat ang mga pamamaraan na ito sa entablado.

Ipininta ni S. Dali si Venus sa isa sa kanyang mga pintura na may maingat na katumpakan. Nang walang gaanong pag-aalaga, inilarawan niya ang mga drawer na matatagpuan sa kanyang katawan. Ang bawat isa sa mga detalye ay magkatulad at mauunawaan. Ang kumbinasyon ng katawan ni Venus na may mga drawer ay nag-aalis ng larawan ng anumang lohika.

Ang bayani ng dula ni Ionesco na "The Automobile Salon" (1952), na malapit nang bumili ng kotse, ay nagsabi sa tindera, "Mademoiselle, ipahiram mo ba sa akin ang iyong ilong upang mas matingnan ko? Ibabalik ko ito sa iyo bago ako umalis." Sinagot siya ng tindera sa isang "walang pakialam na tono." "Eto na, pwede mong itago." Ang mga bahagi ng mga pangungusap ay nasa isang walang katotohanan na kumbinasyon.

Ang buhay sa mga anti-play ay napupunta at lumilitaw sa ilalim ng tanda ng kamatayan. Ang mga bayani ng dula ni Ionesco na "Chairs" (1952) ay sinubukang magbigti ng dalawang beses; ang pagpatay ang naging batayan ng balangkas ng kanyang dulang Amedee o How to Get Off (1954); Lumilitaw ang 5 bangkay sa dulang The Bounty Killer (1957); ang ikaapatnapung estudyante ay pinatay ng bayani ng dulang “The Lesson” (1951).

Ang isang tao sa teatro ng walang katotohanan ay walang kakayahang kumilos. Ang ideyang ito ay tapat na ipinahayag sa huling bahagi ng dula ni Ionesco na "Killer Without Remuneration." Ang bayani ay nakaharap sa isang mamamatay-tao na responsable para sa maraming biktima, kabilang ang mga kababaihan at mga bata. Tinutukan ng bayani ang kriminal ng 2 pistola. Ang kriminal ay armado lamang ng kutsilyo. Ang bayani ay nagsimulang mangatuwiran, ibinaba ang kanyang mga pistola, at lumuhod sa harap ng pumatay. At sinaksak siya ng kriminal gamit ang kutsilyo. Ang mga bayani ng mga gawa ng walang katotohanan na sining ay hindi makumpleto ang isang solong aksyon, ay hindi maisagawa ang isang solong plano.

Itinuring ni Ionesco si Bertolt Brecht sa kanyang diametrically opposed theatrical concept bilang kanyang ideological opponent.

Binuo ni Bertolt Brecht ang orihinal na konsepto ng epikong teatro bago pa man ang digmaan. Ngunit nagawa niya itong ipatupad pagkatapos lamang ng digmaan. Noong 1949 Sa GDR, itinatag ni Bertolt Brecht ang Berliner Ensemble.

Ang teatro ng walang katotohanan ay pinalitan ng "mga pangyayari" (nangyayari. Mula sa Ingles. Mangyayari - mangyari, mangyari), na nagpatuloy sa linya nito. Sa entablado, walang panloob na lohika sa kung ano ang nangyayari; Ang mga pangyayari ay lumitaw at naging pinakalaganap sa Estados Unidos noong dekada 60.

Narito ang isang halimbawa ng isa sa mga pagtatanghal ng mga pangyayari: ang mga kagalang-galang na lalaki ay nakaupo sa entablado sa isang malaking mesa at tinatalakay ang mga seryosong isyu. Ang nagsasalita ay monotonously magsalita. Isang hubad na dalaga (isang sikat na bida sa pelikula) ang lumilitaw mula sa likod ng mga eksena. Tumawid siya sa entablado lampas sa mga nakaupong lalaki, bumaba sa auditorium, pumunta sa pagitan ng mga hanay at umupo sa kandungan ng isa sa mga manonood.

Di-nagtagal, lumawak ang mga pangyayari sa labas ng lugar ng teatro. Ang aksyon ay inilipat sa mga lansangan, sa mga patyo ng mga bahay. Ang mga pangyayari ay tinatawag na anti-art, hindi suot kalikasang malikhain, na nangangahulugang "folk art".

Anong gawain ang nalutas ng mga pangyayari? - upang alisin ang sining ng mga tiyak na pag-andar, lohika at kahulugan nito upang mailapit ito sa buhay, pati na rin alisin ang mga bawal na sekswal.

50s, lalo na 70s. ay magulo para sa teatro ng US hindi lamang dahil sa modernistang eksperimento, ngunit may kaugnayan sa paglitaw ng mga kawili-wiling tunay na manunulat ng dulang si Tennys Williams (1911-1983): A Streetcar Named Desire!, 1947, Cat on a Hot Tall, 1955, 1976, The Witches of Salem ", 1953 at iba pa, na nagpapalaki ng mga problema ng kawalan ng pagkakaisa at kalupitan.

English theater Pagkatapos ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig, nakaranas ito ng panahon ng krisis. Tanging “mga galit na kabataan” (D. Osborne, “Look Back in Anger,” 1956, S. Delaney, “A Taste of Honey,” 1956) ang pumukaw nito.

Sa parehong mga taon na ito, ang isang kilusang teatro ng kabataan, ang "fringe" (sideline), na nauugnay sa paghahanap para sa aktibong sining na direktang kasangkot sa pakikibaka sa lipunan, ay kumalat sa England Ang mga kalahok sa "fringe" ay dumating sa yugto ng Royal Shakespeare Teatro.

Matapos ang pagbagsak ng pasistang diktadura sa Italya, ang mga sariwang pwersa ay dumating sa teatro ng bansang ito, kasama ng mga ito ang aktor at direktor na si Eduardo de Filippo (1900-1984), ang Piccolo Teatro at ang Theater of Italian Art ay nilikha sa Roma.

Ang Piccolo Teatro, na itinatag noong 1947, ay nakakuha ng katanyagan sa buong mundo. sa direksyon ni Giorgio Strehler, sa direksyon ni Paolo Grassi. Ang buong henerasyon ng mga tao, salamat sa Piccolo, ay nakakuha ng mga prinsipyong moral at nabuo ang kanilang saloobin sa mundo at sa kanilang sarili. Ang teatro ay hindi nagturo kung paano mamuhay, ngunit ito ay nakatulong upang mabuhay, ito ay lumahok sa buhay ng mga tao.

PAGPIPINTA

Sa mga bansang burges sa unang kalahati ng ikadalawampu siglo. Ang abstract na sining ay nagsimulang mawalan ng posisyon sa ilalim ng presyon ng mga bagong uso. Halimbawa, ang "optical art" (op art), ang nagtatag nito ay si Victor Vasarely, na nagtrabaho sa France. Ang sining na ito ay binubuo ng mga komposisyon ng mga linya at mga geometric na spot, na iluminado ng may kulay na mga bombilya. Ang ganitong mga komposisyon ay matatagpuan sa flat o haka-haka na spherical na ibabaw. Ang Op art ay mabilis na lumipat sa mga tela, advertising at industriyal na graphics, o nagsilbing entertainment spectacles.

Ang Op art ay mabilis na napalitan ng "mobiles" - mga istrukturang umiikot gamit ang kuryente. Upang maakit ang atensyon ng mga manonood, ang ilang "mobile" ay naka-attach sa mga sound-reproducing device, at ang "mobiles" ay gumawa ng langitngit na tunog. Ang direksyong ito ay tinatawag na kinetic art. Ang pinaka-hindi kapani-paniwalang mga bagay ay pinili upang gumawa ng kinetic painting. Ang mga istraktura ay nagsimulang gumalaw, naglalabas ng liwanag, at langitngit.

Ang isang bagong alon ng mga uso ay pinangunahan ng pop art (sikat na sining, mas tiyak na "consumer art"), na nagmula sa USA. Robert Rauschenberg, James Rosenquist, Roy Lichtenberg, Jesper Johns. Ipinakalat ni Andrew Warhol ang kalakaran na ito sa maraming bansa sa buong mundo.

Matapos ang pangingibabaw ng abstraction, ang sining ay tumigil sa pag-iwas sa buhay at pagiging topicality lahat ng bagay na maaaring pukawin ang interes ay naaakit - bomba atomika at mass psychoses, mga larawan ng mga pulitiko at mga bituin sa pelikula, pulitika kasama ang erotika.

Ang luminary ng rock art ay ang American Robert Rauschenberg. Sa isang eksibisyon sa New York noong 1963. binanggit niya ang tungkol sa paglikha ng kanyang unang pagpipinta, "Ang Kama." Maaga siyang nagising sa isang umaga ng Mayo, puno ng pagnanais na magtrabaho. Nagkaroon ng pagnanais, ngunit walang canvas. Kinailangan kong isakripisyo ang kubrekama - sa tag-araw ay magagawa mo nang wala ito. Ang pagsisikap na iwiwisik ang kubrekama na may pintura ay hindi nagkaroon ng nais na epekto: ang mesh pattern ng kubrekama ay mag-aalis ng pintura. Kinailangan kong isakripisyo ang unan - nagbigay ito ng puting ibabaw na kinakailangan upang i-highlight ang kulay. Ang artist ay hindi nagtakda ng anumang iba pang mga gawain para sa kanyang sarili.

Ang mga bulwagan ng eksibisyon sa Europa at USA ay nagsimulang magmukhang mga eksibisyon ng mga handicraft mula sa mga amateur na bilog ng mga katutubong craftsmen at imbentor, dahil ang pamamaraan ng pop art ay lubos na magkakaibang: pagpipinta at collage, pag-project ng mga litrato at mga slide sa canvas, pag-spray ng spray gun, pagsasama-sama ng mga guhit sa mga piraso ng bagay, atbp. d.

Ang sining ng pop art ay malapit na nauugnay sa sining ng komersyal na advertising, na naging mahalagang bahagi ng paraan ng pamumuhay ng mga Amerikano. Ang pag-advertise nang marangya at mapanghimasok na nagpo-promote ng pamantayan ng produkto. Tulad ng sa advertising, ang mga pangunahing paksa ng pop art ay mga kotse, refrigerator, vacuum cleaner, hair dryer, sausage, ice cream, cake, mannequin, atbp. Ilang malalaking artista ang tumulong sa pagbebenta ng mga kalakal. Kaya't si Andy Warhol ay naging idolo ng mga industriyalista, na itinaas ang imahe ng mga kalakal sa antas ng mga icon. Upang lumikha ng kanyang mga pagpipinta, gumamit si Warhol ng mga lata, bote ng Coca-Cola, at pagkatapos ay mga banknotes. Naubos agad ang mga lata ng de-latang pinirmahan niya. Ang mga mangangalakal ay bukas-palad na ginantimpalaan ang gayong sigasig.

Ang hyperrealism (superrealism) ay malapit sa pop art. Sinubukan ng mga artista ng kilusang ito na kopyahin ang katotohanan nang tumpak, kahit na gumagamit ng isang dummy. Ang modernistang iskultor na si J. Segal ay naging tanyag sa paggawa ng mga dummies. Inimbento niya ang kanyang sariling pamamaraan para sa paggawa ng mga kopya ng mga buhay na tao. Binalutan ni Seagal ang mga tao ng malawak na mga benda sa operasyon, binibigyan siya ng nais na posisyon, at pinunan sila ng plaster. Inilagay ni Seagal ang mga resultang figure sa mga ordinaryong upuan, sa mga kama, at mga bathtub. Ang anemic na katangian ng mga dummies ni Seagal ay nagbibigay-diin sa kawalan ng kakayahan at kawalan ng pagkilos ng mga tao na may kaugnayan sa labas ng mundo.

Kasunod ng pop art, lumitaw ang isang serye ng mga modernistang kilusan. Isa sa mga inobasyong ito ay body art (mula sa English na “Body”).

Di-nagtagal, binago ng sining ng katawan ang pabago-bagong direksyon nito. Ang isa sa mga eksibisyon ay nagtatampok ng abstract underground sculpture. Inimbitahan ng iskultor ang mga naghuhukay, naghukay sila ng isang butas sa hugis ng isang libingan sa harap ng madla sa patyo ng museo at agad itong inilibing. Walang eskultura tulad nito, ngunit mayroong isang "komunikasyon" sa pagitan ng artist at ng publiko.

Ngunit kahit na ang "bagong makatotohanang sining" na ito ay hindi naubos ang sarili nito. Ang susunod na yugto ay ang mapanirang direksyon. Para sa panonood, ang mga destructivist ay nag-alok ng isang pagpapakita ng mga piraso ng tinunaw na taba na may mga kuko at buhok ng tao. Kasama sa iba pang mga lugar ng modernismo ang photorealism - isang salamin ng realidad, o sa halip ang nagyelo na sandali nito, sa tulong ng photography. Photorealists R. Bekhte, B. Schonzeit, D. Parrish, R. McLean at iba pa. binawasan ang malikhaing proseso sa isang mekanikal na pagkopya ng isang litrato. Ang mga modernista ay nagbigay-pansin din sa mga problema sa kapaligiran, na lumilikha ng isa pang direksyon - georealism. Upang lumikha ng kanilang mga gawa, gumamit sila ng tubig, lupa, damo, buto ng halaman, buhangin, atbp. Halimbawa, sa gitna ng museo hall ay may isang tumpok ng lupa; Sa pasukan sa bulwagan ay may isang transparent na plastic bag na puno ng tubig, kung saan ang mga bisita ay nadapa.

Ang "Sining sa Kapaligiran" ay nagsilbing isang hakbang na bato sa pagpapakilala ng psychedelic na sining - mga gawa na nilikha, at mas mabuti na napansin, sa ilalim ng impluwensya ng mga droga. Ang kalakaran na ito ay hindi masyadong bago: ang mga modernista ay lumilikha ng mga katulad na gawa sa loob ng ilang taon, ngunit hindi hayagang itinaguyod ang mga ito.

Hindi ito mababawasan sa panorama ng sining ng ika-2 kalahati ng ika-20 siglo. surrealismo at aktibong pagkagulat ng kanyang panginoon na si Salvador Dali (1904-1988).

Ang panaginip at realidad, delirium at realidad ay magkakahalo at hindi matukoy, kaya imposibleng maunawaan kung saan sila nagsanib sa kanilang sarili, at kung saan sila ay pinagsama ng mahusay na kamay ng artista. Kamangha-manghang mga plot, napakalaking guni-guni, grotesquery na sinamahan ng virtuoso painting technique - ito ang nakakaakit ng mga tao sa mga gawa ni Dali.

Malamang, kapag nakikitungo sa artista at tao na ito, dapat magpatuloy mula sa katotohanan na literal ang lahat ng bagay na nagpapakilala sa kanya (mga kuwadro na gawa, mga akdang pampanitikan, mga pampublikong aksyon at maging ang pang-araw-araw na gawi) ay dapat na maunawaan bilang mga surreal na aktibidad. Si Dali ay napaka holistic sa lahat ng kanyang mga pagpapakita. Samakatuwid, upang maunawaan at maunawaan ang gawain at personalidad ni Salvador Dali, kinakailangan, hindi bababa sa pangkalahatang balangkas, kilalanin kung ano ang nakatago sa ilalim ng pangalang surrealism.

Ang surrealism (mula sa French surrealisme - literal na super-realism) ay isang modernistang kilusan sa sining ng ikadalawampu siglo, na nagpahayag na ang pinagmulan ng sining ay ang globo ng subconscious (instincts, dreams, hallucinations), at ang paraan ng pagsira nito. mga lohikal na koneksyon, pinalitan ng mga subjective na asosasyon. Ang mga pangunahing tampok ng surrealism ay ang nakakatakot na hindi likas ng kumbinasyon ng mga bagay at phenomena, na binibigyan ng maliwanag na pagiging tunay.

Ang surrealismo ay lumitaw sa Paris noong 1920s. Sa oras na ito, ang isang bilang ng mga taong katulad ng pag-iisip ay naka-grupo sa paligid ng manunulat at art theorist na si Andre Breton - mga artista na sina Jean Arp, Max Ernst, mga manunulat at makata - Louis Aragon, Paul Eluard, Philippe Soupault, atbp. Hindi lamang nila nilikha isang bagong istilo sa sining at panitikan, una sa lahat, hinahangad nilang gawing muli ang mundo at baguhin ang buhay. Nagtitiwala sila na ang walang malay at extra-rational na prinsipyo ay nagpapakilala sa pinakamataas na katotohanan na dapat itatag sa lupa. Tinawag ng mga taong ito ang kanilang mga pagpupulong ng terminong sommeils - na nangangahulugang "mga panaginip." Sa kanilang "mga panaginip," ang mga surrealist (tulad ng tawag nila sa kanilang sarili, humiram ng isang salita mula kay Guillaume Apollinaire) ay gumawa ng mga kakaibang bagay - naglaro sila. Interesado sila sa mga random at walang malay na kumbinasyon ng kahulugan na lumitaw sa panahon ng mga laro tulad ng "burime": nagpalitan sila ng pagbuo ng isang parirala, nang hindi alam ang anumang bagay tungkol sa mga bahagi na isinulat ng ibang mga kalahok sa laro. Kaya isang araw ay isinilang ang pariralang "iinom ng bagong alak ang isang napakagandang bangkay". Ang layunin ng mga larong ito ay upang sanayin ang pag-alis ng kamalayan at lohikal na koneksyon. Sa ganitong paraan, ang malalim na subconscious na magulong pwersa ay tinawag mula sa kailaliman.

Sa oras na ito (noong 1922) siya ay pinasok sa Higher School of Fine Arts sa Madrid, naging kaibigan ng makata na si Federico Garcia Lorca, at pinag-aralan ang mga gawa ni Sigmund Freud nang may malaking interes.

Sa Paris, ang Surrealist group ng A. Breton ay nakipagtulungan sa grupo ng artist na si Andre Masson, na naghangad na lumikha ng mga painting at mga guhit na napalaya mula sa kontrol ng kamalayan. A. Si Masson ay nakabuo ng mga orihinal na psychotechnic na pamamaraan na idinisenyo upang patayin ang "katuwiran" at gumuhit ng mga imahe mula sa globo ng hindi malay. Bilang resulta ng pagsasanib na ito, noong 1924, lumitaw ang "Unang Manipesto ng Surrealismo", na isinulat ni André Breton at isinalin sa kabuuan. mga wikang Europeo, itinatag din ang magazine na "Surreal Revolution". Mula noon, ang surrealismo ay naging isang tunay na internasyonal na kilusan, na ipinakita sa pagpipinta, eskultura, panitikan, teatro, at sinehan. Dekada mula 1925 (ang unang pangkalahatang eksibisyon ng mga surrealist) hanggang 1936 (“International Surrealist Exhibition” sa London, ang eksibisyon na “Fantastic Art, Dada and Surrealism” sa New York at iba pa) ay minarkahan ng matagumpay na martsa ng surrealismo sa mga kabisera ng mundo.

Sa pagbuo ng malikhaing landas at personalidad ni Dali, pati na rin ang kanyang impluwensya sa sining ng pagpipinta, isang mahalagang lugar ang inookupahan ng kilusan na nauna sa surrealismo - Dadaismo. Ang Dadaismo o ang sining ni Dada (ang salitang ito ay alinman sa pambata na daldal, o ang pag-raving ng isang maysakit, o isang shamanic spell) ay isang matapang, nakagigimbal na "anti-creativity" na lumitaw sa isang kapaligiran ng kakila-kilabot at pagkabigo ng mga artista sa mukha ng isang sakuna - digmaang pandaigdig, mga rebolusyong Europeo. Ang kalakaran na ito ay noong 1916-1918. ginulo ang kapayapaan ng Switzerland, at pagkatapos ay sweep sa Austria, France at Germany. Ang pag-aalsa ng Dadaist ay panandalian at sa kalagitnaan ng 20s ay naubos na ang sarili nito. Gayunpaman, ang bohemian anarkismo ng mga Dadaista ay lubos na nakaimpluwensya kay Dali, at siya ay naging isang tapat na kahalili ng kanilang mga iskandalo na kalokohan.

Ayon kay Max Ernst (isa sa mga tagapagtatag ng surrealism), isa sa mga unang rebolusyonaryong pagkilos ng surrealismo ay ang paggiit nito sa isang purong passive na papel ng tinatawag na may-akda sa mekanismo ng inspirasyong patula at inilantad ang lahat ng kontrol sa pamamagitan ng katwiran, moralidad. at aesthetic na pagsasaalang-alang.

Ang paglipat mula sa "mekanikal" na mga diskarte sa "psychic" (o psychoanalytic) ay unti-unting nakuha ang lahat ng mga nangungunang masters ng surrealism.

Si Andre Masson ay bumalangkas ng tatlong kondisyon para sa walang malay na pagkamalikhain:

1 - libreng kamalayan mula sa makatwirang mga koneksyon at makamit ang isang estado na malapit sa kawalan ng ulirat;

2 - ganap na isumite sa hindi mapigil at hindi makatwirang panloob na mga impulses;

3 - magtrabaho nang mabilis hangga't maaari, nang walang tigil upang maunawaan kung ano ang nagawa.

Si Dali mismo ay may mataas na pag-asa para sa mapagpalayang kapangyarihan ng pagtulog, kaya nagsimula siyang magpinta ng canvas kaagad pagkatapos magising sa umaga, nang ang utak ay hindi pa ganap na napalaya ang sarili mula sa mga imahe ng walang malay. Minsan ay gumising siya sa kalagitnaan ng gabi para magtrabaho.

Sa katunayan, ang pamamaraan ni Dali ay tumutugma sa isa sa mga pamamaraan ng Freudian ng psychoanalysis: pag-record ng mga panaginip sa lalong madaling panahon pagkatapos magising (pinaniniwalaan ang pagkaantala na nagdadala ng pagbaluktot ng mga imahe ng panaginip sa ilalim ng impluwensya ng kamalayan).

Ang mga pananaw ng Freudian ay pinagtibay ng maraming pinuno ng surrealismo na naging paraan nila ng pag-iisip. Hindi man lang nila naalala kung saang pinagmulan ito o ang pananaw o diskarte na iyon. Gumamit din si Dali ng isang purong "Freudian" na paraan, na nagpinta ng mga larawan sa isang hindi pa ganap na gising na estado, na hindi bababa sa bahagyang nasa kapangyarihan ng isang panaginip.

Ayon kay Dali, para sa kanya ang mundo ng mga ideya ni Freud ay kasingkahulugan ng mundo ng Banal na Kasulatan para sa mga medieval artist o ang mundo ng sinaunang mitolohiya para sa mga artista ng Renaissance.

Ang mga konsepto ng mga surrealist mismo ay nakatanggap ng malakas na suporta mula sa psychoanalysis at iba pang mga pagtuklas ng Freudianism. Parehong sa harap ng kanilang sarili at sa harap ng iba, nakatanggap sila ng makabuluhang kumpirmasyon ng kawastuhan ng kanilang mga adhikain. Hindi nila maiwasang mapansin na ang "random" na mga pamamaraan ng maagang surrealismo ay tumutugma sa pamamaraan ng Freudian ng "malayang pagsasamahan" na ginamit sa pag-aaral sa panloob na mundo ng tao. Kapag mamaya sa sining ng Dali at iba pang mga artista ang prinsipyo ng ilusyonistikong "pagkuha ng litrato ng walang malay" ay naitatag, hindi maaaring hindi maalala ng isa na ang psychoanalysis ay nakabuo ng isang pamamaraan para sa "dokumentaryo na muling pagtatayo" ng mga pangarap.

Ang sangkatauhan sa Europa ay matagal nang nahuhulog sa mga debate tungkol sa kakanyahan at pangangailangan ng moralidad: ang imoralismo ni Friedrich Nietzsche ay nag-iwan ng ilang tao na walang malasakit. Ngunit ang Freudianismo ay umalingawngaw nang mas malawak. Ito ay hindi lamang isang pilosopikal na tesis. Ito ay isang mas marami o mas kaunting pang-agham na kilusan, ito ay iminungkahi at ipinapalagay ang eksperimental na pagpapatunay ng mga postulates at konklusyon nito, ito ay bumuo ng mga klinikal na pamamaraan ng pag-impluwensya sa psyche - mga pamamaraan na nagbigay ng walang alinlangan na tagumpay. Nag-ugat ang Freudianism hindi lamang sa mga departamento ng unibersidad at sa isipan ng mga intelektuwal, hindi mapigil ang pagwawagi nito sa mas malawak na larangan ng buhay panlipunan. At ibinukod niya ang moralidad at katwiran mula sa mismong mga pundasyon ng buhay ng tao, isinasaalang-alang ang mga ito na pangalawa at sa maraming paraan maging ang mabigat na mga pormasyon ng sibilisasyon.

Nasabi na sa itaas yan kulturang Europeo XX siglo ay naiimpluwensyahan ng pilosopiko at masining na prosa ni Friedrich Nietzsche, na sa kanyang mga gawa ("Beyond Good and Evil" 1886) ay pumuna sa burges na kultura at nangaral ng aesthetic immoralism, isang nihilistic na saloobin sa lahat ng moral na prinsipyo. Sa aklat na "Thus Spoke Zarathustra" 1883-84. Ginawa ni Nietzsche ang mito ng "superman", habang ang kulto ng isang malakas na personalidad ay pinagsama sa romantikong ideya ng "tao ng hinaharap."

Si Salvador Dali ay isang pare-parehong kinatawan ng Nietzscheanism noong ika-20 siglo. Binasa at iginagalang ni Dali si F. Nietzsche, nagsagawa ng mga diyalogo sa kanya sa kanyang mga pagpipinta at kanyang mga sinulat.

Ang kapalaran ng makatotohanang sining sa Kanluran ay mahirap, ngunit umiiral ito, at umaakit din ito ng mga batang artista.

Ang pagbagsak ng pasismo at ang pangkalahatang demokratisasyon ng mundo ay nagkaroon ng malaking epekto sa sinehan, na nagbunga ng ilang makabuluhang penomena. Ang isa sa kanila ay ang Italian neorealism.

Ang unang obra maestra ng neorealism ay isang pelikulang nilikha halos sa paraang dokumentaryo, bagama't ang mga aktor ay lumahok dito, at kinunan sa sinasakop na Roma. Ito ay "Rome - Open City" (1945) sa direksyon ni Roberto Rossellini. Ang Katina ay binubuo ng ilang mga yugto batay sa totoong mga katotohanan, kasama ng mga ito ang kuwento ng komunistang Ferrari, na pinagtaksilan at pinahirapan ng Gestapo. Pari Morosini, binaril dahil sa pagtulong sa ilalim ng lupa.

Iba pa klasiko neorealism – pagpinta ni Vittorio de Sica (1901-1974) “Mga Magnanakaw ng Bisikleta”. Inabandona ni De Sica ang mga propesyonal na aktor: inanyayahan niya ang isang tunay na taong walang trabaho upang gumanap sa papel ng pangunahing karakter, at inimbitahan ang isang batang lalaki na talagang nagsilbi bilang isang delivery boy upang gampanan ang papel ng 10-taong-gulang na si Bruno.

Ang mga neorealista, bilang panuntunan, ay kumuha ng isang ordinaryong katotohanan ng buhay at sinuri sa screen ang mga dahilan para sa paglitaw nito at mga ugat sa lipunan. Ang neorealism ay makabuluhang nagpayaman sa aesthetics ng world cinema. Paggamit ng simple mga kwento ng buhay, nag-aanyaya sa mga nakaupo, at pagbaril sa kalye ay nagsimulang isama sa sinehan ng maraming bansa.

Noong 50s - 60s, sina Roberto Rossellini (1906-1977) at Luchino Visconti (1906-1976), Michelangelo Antonioni, Federico Fellini - ang hinaharap na pinakadakilang masters ng world cinema - ay dumating sa sinehan. Ito ay sa kanilang mga pelikula na ang isa sa mga nangungunang uso sa Western European cinema ng 50s at mid-60s ay makikita - ang pag-aaral ng sikolohiya ng modernong tao, ang panlipunang motibo ng kanyang pag-uugali, ang mga sanhi ng pagkalito ng mga damdamin at kawalan ng pagkakaisa sa pagitan mga tao.

Nang lumitaw ang mga festival ng pelikula noong unang bahagi ng 50s, lumikha ng isang sensasyon ang mga pelikulang Hapon. Ito ay ang pagtuklas ng isang kakaiba, hindi pangkaraniwang kultural na mundo. Ang mga direktor ngayon na sina Akira Kurosawa, Kaneto Shindo, Tadashi Imai ay kabilang sa mga pinakamahusay na artista ng pelikula sa ating panahon.

Ang Japanese cinema sa pinakamahusay na mga gawa nito ay orihinal at malalim na pambansa. Halimbawa, ang mga pelikula ni Akira Kurosawa ay nakikilala sa pamamagitan ng maliwanag na pagiging eksklusibo ng mga karakter ng tao, matinding dramatikong salungatan, ang pangunahing tema ng gawain ng direktor ay tumatakbo sa kanila: ang moral at espirituwal na pagpapabuti ng indibidwal, ang pangangailangan na gumawa ng mabuti ("Rassemon ", 1950, "Seven Samurai", 1954, "Dersu Uzala", 1976, kasama ang USSR "Shadow of a Warrior", 1980).

Ipinanganak ng Sweden ang kamangha-manghang master na si Ingmar Bergman. Ang kanyang trabaho ay pinaka-malinaw na ipinahayag ang mga katangian ng Scandinavian artistikong pag-iisip at pananaw sa mundo, tipikal hindi lamang ng Sweden, ngunit, malinaw naman, ng maraming mga bansa sa Kanluran. Sa mga pelikulang gaya ng "The Seventh Seal", "Strawberry Field" (parehong 1957), "Autumn Sonata" (1978), "The Source", "Persona", "Face" (1958), "Silence" (1963), Si Bergman na parang kinukuwestiyon niya ang mga ito, nabubuo ang tema ng kalunos-lunos na kalungkutan ng isang tao sa lipunan.

Binigyan ng Spain ang mundo ng isang pambihirang artista ng pelikula, si Luis Buniel (1900-1983), na naging sikat na direktor ng Pransya. Sa buong karera niya, naging tapat siya sa mga pananaw ng surrealismo, mula 1928, nang, kasama si Salvador Dali, ginawa nila ang pelikulang "Un Chien Andalou" at ang kasumpa-sumpa na pelikulang "The Golden Age" (1930; tumagal ang pagbabawal sa pelikulang ito. kalahating siglo) hanggang sa 1977 na pelikula. "Itong malabong bagay ng pagnanasa."

Kapag pinag-uusapan natin ang tungkol sa sinehan sa Ingles, agad nating naaalala ang mga kahanga-hangang adaptasyong pampanitikan, pati na rin ang mga pangalan ng mga kahanga-hangang direktor na sina Alfred Hitchcock (1899-1980) at Lindsney Anderson ay itinuturing na isa sa mga tagapagtatag ng mga pelikulang nakakatakot, mga pelikulang gumagamit ng mekanika ng mass psychosis, mass panic. ("Mga ibon").

Ang Estados Unidos ay isang super-film na kapangyarihan, ngunit ang industriya ng pelikula nito ay tumugon sa mga socio-political na kilusan. Noong dekada 60, lumitaw ang mga batang direktor ng pelikula na sina F. Coppola, M. Scorsese at iba pa na hinamon ang konserbatismo ng "pabrika ng pangarap". Ang kasalukuyang mga problema ng mga kabataan ay nagsimulang lumitaw sa screen, ang kanilang pagkabalisa bago ang omnipotence ng dolyar, kadiliman na walang espirituwal na mga halaman, malupit na kondisyon ng kaligtasan.

Espesyal na lugar Sa American cinema, pumalit ang tema ng Vietnam War, na hinati ang Hollywood sa dalawang hindi mapagkakasunduang kampo - mga tagapagtanggol ng agresyon (Green Berets ni D. Wayne) at ang mga kalaban nito (Coming Home ni H. Ashby). Ang pagbaba ng demokratikong kilusan sa Amerika ay nagpatindi ng mga pagtatangka na bigyang-katwiran ang pagsalakay sa Vietnam (serye ng Rimbaud).

Ang pangunahing stream ng mga pelikula ay tinutukoy ng mga melodramas, mga kuwento ng tiktik, at mga pelikula tungkol sa mga espiya. Ang serye tungkol sa ahenteng 007 na si James Bond, na pinagbibidahan ni Sean Connery, ay naging bestseller sa buong mundo.

Noong 70-80s. Nagbabago ang sitwasyon sa sinehan dahil sa mga neoconservative na patakaran ng administrasyong Amerikano, ang pag-akyat ng malalaking kumpanya ng pelikula sa transnational monopolyo at, dahil dito, ang pagsasanib ng industriya ng pelikula sa malaking negosyo. Nagsimulang umasa ang mga producer sa paggawa ng maliit na bilang ng mga super-mahal na pelikula sa mga genre ng disaster films (Airport, Hell in the High Sky), space fantasy (Star Wars), at ang atraksyon sa horror films (The Shining by S. Kubrick ) nadagdagan.

Binigyan ng dayuhang sinehan ang mundo ng magagandang artista-mga bituin sa screen ng mundo: Anna Magnani, Sophia Loren, Marcello Mastroianni, Franco Nero, Claudia Cardinale, (Italy), Barbra Streisand, Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor, Richard Burton, Laisa Minnelli, ama at anak na si Douglas, Dustin Foreman, Jack Nichols (USA), Catherine Deneuve, Brigitte Bardot, Alain Delon, Gerard Depardieu, Louis de Funes, Jean Paul Belmondo (France), Daniel Olbrychski, Barbara Brylska (Poland), atbp.

Mga tanong sa pagsusulit sa sarili.

1. Basic masining at aesthetic at pilosopikal na direksyon ng sining noong ika-20 siglo.

2. Estetika ng modernismo.

3. Estetika ng surrealismo.

PAKSA 10.

Panitikan at sining ng France.

Panitikan 1910-1940s

Makasaysayan at masining na mga coordinate ng bagong panahon. Rebisyon ng mga kategoryang sosyolohikal at kultural. Dadaismo at ang pagbuo ng aesthetics ng surrealism. Ang surrealismo bilang isang uri ng pag-iisip, isang sistema ng kaisipan, isang paraan ng pakikipag-ugnayan sa mundo. Pag-unlad ng mga istrukturang socio-psychic sa proseso ng isang laro ng pagmomolde. Bagong teknolohiya pagkamalikhain. Kulto ng walang malay.

BRETON ANDRE(1896–1966)

Ipinanganak noong Pebrero 18, 1896 sa Tenchebray (Normandy) sa pamilya ng isang mangangalakal. Nag-aral siya sa Paris sa Faculty of Medicine ng Sorbonne. Ginawa niya ang kanyang debut bilang isang makata; tinuturing ko silang mga guro Stefan Mallarmé At Fields Valerie(kaibigan niya). Noong 1915, noong Unang Digmaang Pandaigdig, pinakilos siya; nakatalaga sa Army Neuropsychiatric Service. Seryosong pinag-aralan ang mga gawa ni J.M. Charcot, isa sa mga tagapagtatag ng neuropathology at psychotherapy, at Z. Freud, tagapagtatag ng psychoanalysis. Noong 1916, sa ospital, nakilala niya ang batang makata na si Jacques Vache, isang hindi mapagkakasundo na kalaban ng digmaan, na nagpakamatay sa edad na 25. Mga sulat ng digmaan na nagkaroon ng malakas na impluwensya sa mood ng artistic intelligentsia noong panahong iyon. Pagkatapos ng demobilisasyon, bumalik siya sa Paris at naging kasangkot sa buhay pampanitikan. Napapaligiran Guillaume Apollinaire, na ang tula ay lubos niyang pinahahalagahan. Noong 1919 nilikha niya kasama ng Louis Aragon at Philip Soupault magazine na "Literature". Naka-print doon Magnetic field - ang unang "awtomatikong teksto", na isinulat niya sa pakikipagtulungan sa F. Supo. Sa parehong taon, naging malapit siya kay Tristan Tzara at iba pang Dadaista na lumipat sa France mula sa Switzerland. Kasama ang mga kaibigan, lumahok siya sa nakakagulat na mga demonstrasyon ng Dadaist, noong 1922 binisita niya ang Vienna, nakipagkita kay S. Freud; ay interesado sa kanyang mga eksperimento sa larangan ng hypnotic dreams. Noong 1923 inilathala niya ang kanyang unang koleksyon ng mga tula Liwanag ng lupa.

Noong 1924 pinamunuan niya ang isang grupo ng mga batang makata at artista (L. Aragon, F. Supo, Paul Eluard, Benjamin Peret, Robert Desnos, Max Ernst, Pablo Picasso, Francis Picabia, atbp.), na nagsimulang tumawag sa kanilang sarili na mga surrealist, ay nagtamasa ng hindi mapag-aalinlanganang awtoridad sa kanila. Noong 1924 inilathala niya ang una Manipesto ng Surrealismo, kung saan ang surrealism ay tinukoy bilang "purong psychic automatism, kung saan ang aktwal na paggana ng pag-iisip ay dapat na ihatid, pasalita o nakasulat, o sa anumang iba pang paraan," bilang "ang pagdidikta ng pag-iisip na lampas sa anumang kontrol ng katwiran, lampas sa anumang aesthetic o moral na mga pagsasaalang-alang.” ; Hiniling ni A. Breton ang kumpletong pagkawasak ng lahat ng dati nang umiiral na mga mekanismo ng pag-iisip at ang kanilang pagpapalit sa isang surreal na mekanismo, ang tanging posible para sa pag-unawa sa pinakamataas na katotohanan at para sa paglutas ng mga pangunahing katanungan ng pag-iral.

Noong Disyembre 1924 pinalitan niya ang pangalan ng magazine na "Literature" sa "Surreal Revolution". Noong 1925 sa isang sanaysay Rebolusyon muna at magpakailanman bumalangkas ng kanyang pag-unawa sa aktibidad ng surrealist na may kaugnayan sa panitikan, sining, pilosopiya at pulitika. Kinondena ng publiko ang kolonyal na digmaan ng France sa Morocco 1925–1926; nagsimulang makipagtulungan sa organ ng mga komunistang Pranses, si Clarte. Noong Enero 1927 sumali siya sa Partido Komunista kasama sina L. Aragon, P. Eluard, B. Pere at Pierre Unique. Noong Marso 1928 naglathala siya ng isang sanaysay sa gawa ni P. Picasso, M.Ernst, Man Ray, Andre Massona, Giorgio de Chirico sa ilalim ng pamagat Surrealismo at pagpipinta, kaya pinaghihiwalay ang parehong mga konseptong ito: hindi maaaring magkaroon ng isang "estilo ng surrealist" sa sining, dahil ang surrealismo ay hindi isang masining na pamamaraan, ngunit isang paraan ng pag-iisip at isang paraan ng pamumuhay. Noong Hunyo 1928 naglathala siya ng isang nobela Nadia tungkol sa pag-ibig sa isang babaeng may kaloob na clairvoyance, na nagtapos ng kanyang mga araw sa isang psychiatric clinic. Ang mga malubhang pagkakaiba na lumitaw sa mga surrealist ay nagtulak sa kanya na palayain ito noong 1930 Ikalawang Manipesto ng Surrealismo; binago ang pangalan ng kanyang magasin sa "Surrealism in the Service of the Revolution." Sa parehong taon, co-authored siya ng isang koleksyon ng tula kasama sina P. Eluard at Rene Char Bagalan ang trabaho at sa pakikipagtulungan sa P. Eluard prosa text Immaculate Conception, kung saan gumawa siya ng surreal na modelo ng buhay ng tao, mula sa paglilihi hanggang kamatayan. Noong 1932 naglathala siya ng isang koleksyon ng mga tula Grey-haired revolver at psychoanalytic na pananaliksik Mga sasakyang pangkomunikasyon, kung saan sinubukan niyang tukuyin ang mga koneksyon sa pagitan ng mga estado ng pagtulog at pagpupuyat.

Sa pilosopikal na pag-iisip ng ika-17 siglo, ang pokus ay ang problema ng tao, ang kanyang mga kakayahan, nakuha at likas na mga katangian. Bilang karagdagan, ang problema ng pagpapabilis ng paglipas ng panahon, bilang isang kinakailangang kondisyon ng pag-iral ng tao, ay nagiging may kaugnayan, dahil sa kung saan ang mundo ay patuloy na nagbabago. Ang pangunahing artistikong istilo ng panahong ito ay Baroque at Classicism. Ang sining ay naging isang uri ng wika ng pilosopiya, na lumayo sa unibersal na makatwirang mga konstruksyon at bumagsak sa saklaw ng emosyonal na karanasan. Ang pagpapahalaga sa sarili sa sining bilang isang malikhaing puwersa ng kultura ay lumalaki.

Ang layunin ng pananaliksik ay nagbabago, at naaayon ay mayroong pagbabago sa diin sa mga problema ng pang-unawa, sa personalidad ng nakikinig, sa pagkakaiba-iba ng panlasa. Magsisimula ang isang bagong antas ng pagtutukoy ng pang-unawa ng paksa. Sa teorya ng aesthetic, ang pansin ay nakatuon ngayon hindi lamang sa pigura ng artista, kundi pati na rin sa mambabasa, manonood, nakikinig. Ang ideya ayon sa kung saan ang pag-unawa sa isang gawa ng sining, at samakatuwid ay ang karagdagang kapalaran ng pag-iral nito, higit sa lahat ay nakasalalay sa kung sino ang nakakakita nito at kung paano ito nakikita, ay nagiging may kaugnayan. Mayroong umuusbong na takbo ng interes sa mga natatanging indibidwal na karanasan, panloob na mundo personalidad, na nag-ambag naman sa pagbuo ng iba't ibang masining na paggalaw.

Ang aesthetics ng Nicolas Boileau ay nagpapakita ng pangkalahatang aesthetic na mga prinsipyo ng klasisismo. Alinsunod dito, sa kanila ay ipinapahayag niya ang priyoridad ng pag-iisip sa mga salita, sa mga ideya masining na pagpapahayag. Ang isip ang may tiyak na kahalagahan sa sining, at ang sensual na prinsipyo ay pangalawa. Para sa kalinawan ng ideya, na siyang susi sa kagandahan, kailangang lumayo sa makulay na buhay. Binibigyang-katwiran ni Boileau ang hierarchical division ng mga genre sa "mataas" at "mababa", bubuo ng ideya ng trinity ng oras, lugar at aksyon).

Ang mga pangunahing ideya ng mga kinatawan ng Enlightenment tungkol sa mga teorya ng panlasa, na isa sa mga nangungunang para sa panahong ito ng pag-unlad ng aesthetic na pag-iisip, na itinakda sa dibisyon na nauugnay sa aesthetic at artistikong panlasa. Kaya tingnan natin ang iba pang mga teorya ng mga modernong pilosopo.

Si Francis Hutcheson, sa kanyang akdang “An Inquiry into the Origin of Our Ideas of Beauty and Virtue,” ay sinusuri ang problema ng kagandahan at pagkakaisa. Ang aming mga ideya tungkol sa pagkakaisa, kagandahan at kaayusan ay batay sa isang tiyak na panloob na damdamin, at hindi sa makatwirang katwiran. Ayon kay Hutcheson, ang kagandahan ay may hindi interesadong karakter at samakatuwid ang aesthetic na pakiramdam ay isang modelo para sa moral na pakiramdam. Ang sining ay napapailalim sa moralidad, at ang kagandahan at pagkakaisa ang pinagmumulan at paraan ng paglinang ng kabutihan. Ang kagandahan ay may dalawang uri: 1) ganap, kung saan ang kagandahan ay nakikita nang walang paghahambing sa isang bagay na panlabas (ang kagandahan ng mga likas na phenomena, mga batas na pang-agham); 2) kamag-anak o comparative, na nauugnay sa mga uri ng sining na napapailalim sa prinsipyo ng imitasyon. Ang kamag-anak na kagandahan ay higit na nakikita sa pagpipinta at tula, kung saan "ang eksaktong imitasyon ay magiging maganda kahit na ang orihinal ay ganap na walang kagandahan." Iminungkahi ni Hutcheson ang ideya ng layunin na likas na katangian ng kagandahan, ngunit para sa kanya ang pagiging pangkalahatan ay lilitaw bilang ang pagkakapareho ng pang-unawa sa kagandahan.

Si Edmund Burke, na sinusuri ang mga kategorya ng kagandahan at kahanga-hanga, ay nagpapakita ng mga sikolohikal na aspeto ng kanilang pang-unawa. Sa ubod ng kahanga-hanga ay ang drive para sa pag-iingat sa sarili. Ang pakiramdam na ito ay lumitaw bilang isang resulta ng pagtugon sa mga puwersang nagdudulot ng kakila-kilabot at pag-iingat ng tao. Ang maganda ay batay sa pagnanais para sa panlipunan, para sa komunikasyon. Lahat ng bagay na gumising sa pag-ibig, pakikiramay at naghihikayat sa atin na tularan ay maganda at may kinalaman sa saklaw ng mga relasyon ng tao. Posibleng umiral ang kagandahan sa pisikal na mundo, kung saan ang kasiyahan ay may kinalaman sa pagpili ng ilang mga kulay, tono, at hugis. Ang pakiramdam ng kagandahan ay nagtataguyod ng pagkakaisa ng mga tao at ang pagbuo ng mga katangiang moral.

Mga ideya aesthetic na edukasyon dahil sa problema henyo sinuri ng pilosopong Pranses na si Claude Adrian Helvetius. Naniniwala siya na likas ang henyo sa lahat ng tao, ngunit kailangan ang edukasyon na maaaring magbunyag ng kakayahang ito. Ang henyo ng artista ay makikita sa pagiging totoo at istilo ng imahe. Ang layuning pang-edukasyon ng sining ay upang pukawin ang malakas na sensasyon, upang maibigay ang nawawala sa katotohanan. Ang pinakamataas na anyo ng kasiyahan ay ibinibigay lamang sa pamamagitan ng imahinasyon at pantasya, na nagbibigay sa sining ng katayuan ng isang paraan ng libangan.

Pinatutunayan ni Denis Diderot ang kaugnayan sa pagitan ng sining at moralidad. Ang sining ay dapat turuan, ipahayag ang isang tiyak tuntunin sa buhay. Ang katotohanan, kabutihan at kagandahan ay magkakaugnay. Bilang karagdagan sa pagbuo ng konsepto ng kagandahan, na sumasakop sa isang makabuluhang lugar sa aesthetic na konsepto ni Diderot, binibigyan niya ng malaking kahalagahan ang pagkakaisa sa sining. Ang pagkakaisa bilang pagtutulungan sa pagitan ng mga bahagi ng isang akda ay nagpapahintulot sa atin na makita kumpletong larawan. Sa kanyang mga akda, sinuri ni Diderot ang mga tampok ng musikal, dramatiko, pagpipinta, at sining ng sayaw, na nakakaakit hindi lamang sa mga pangkalahatang batas ng estetika, kundi pati na rin sa pagtugon sa mga espesyal na isyu ng teorya ng sining - mula sa paraan ng pagpapahayag at paghubog hanggang sa mga uri ng genre.

Jean-Jacques Rousseau, kabilang sa mga nagpapaliwanag noong ika-18 siglo. pinakamalalim na nauunawaan ang musika bilang sining ng modernong panahon. Ang mga teoretikal na pag-unlad sa pagsusuri ng istruktura ng mga chord at ang pag-debunking ng hypothesis tungkol sa pagkakakilanlan ng sinaunang Greek harmony at modernong mga chord ay isang mahalagang kontribusyon ni Zhe.-Zhe.Rousseau sa pagbuo ng teorya ng musika. Kaugnay ng lumalaking atensyon sa paglalarawan ng kalikasan ng tao, ang problema ng tumpak na paglalarawan ng mga damdamin at emosyon ng tao ay nagiging pinaka-kaugnay at katangian ng panahong ito. Ang pagpaparami ng epekto sa panahong ito ay kasabay ng paglalarawan ng kalikasan. Ang pananaw na ito ay ibinahagi ni Rousseau sa loob ng ilang panahon. Siya (sa kanyang akda na "Musical Dictionary") ay nakatuon sa katotohanan na ang musika, tulad ng iba pang mga anyo ng sining, ay may paraan ng paggaya sa anumang bagay ng kalikasan. Nang maglaon, nagsimulang maniwala si Rousseau na ang nilalaman ng pagkamalikhain ng isang musikero ay nakasalalay sa pag-tune ng kaluluwa sa eksaktong mood na gusto nito.

Tinutukoy ni Alexander Baumgarten na ang paksa ng aesthetics ay ang pag-aaral ng lohika ng kaalamang pandama ay dapat itong pagsamahin hindi lamang teorya, kundi pati na rin masining na pagsasanay. Ang prinsipyo ng consensus ay nagiging unibersal para sa aesthetics pilosopong Aleman, kinapapalooban nito ang ideya ng kagandahan bilang pagkakaisa sa mayayaman. Kabilang sa mga problema na pinag-aaralan ni Baumgarten ay ang aesthetic perception at masining na pagkamalikhain. Ang parehong mga proseso ay nagsasangkot ng isang sandali ng pagkamalikhain at kasama ang isang aesthetic impulse. Si O. Baumgarten ang nagturo na ang aesthetic na kaalaman ay may independiyenteng katangian, may panloob at tiyak na mga batas at independiyente sa relihiyon o moralidad.

Tinatalakay ni Gottgold Ephraim Lessing sa kanyang mga gawa ang sinaunang teorya ng catharsis at inilapat ito sa modernong teorya ng drama. Itinuro niya ang koneksyon sa pagitan ng ideya ng catharsis at ng sinaunang konsepto ng sukat at ideya ni Aristotle ng "gintong ibig sabihin". Gayundin, ang isang makabuluhang lugar sa aesthetics ni Lessing ay inookupahan ng problema ng ugnayan sa pagitan ng mga uri ng sining, na hinati niya sa spatial (plastic) at temporal. Ang spatial arts ay naglalaman ng isang kumpletong aksyon at hindi naghahatid ng mga pagbabago. Ang sitwasyon ay naiiba sa pansamantalang sining, na naghahatid ng paglalahad sa oras, at samakatuwid ay may kakayahang ihatid ang indibidwal na personalidad ng mga bayani at ang mga relasyon sa pagitan nila. Ang Lessing ay bubuo ng isang buong sistema ng pag-uuri ng mga sining, kung saan ang panitikan at tula ay sumasakop sa pinakamataas na lugar.

Ang layunin ng sining ay ipakita ang katotohanan, upang ilarawan ang maganda sa katotohanan. Sa pamamagitan lamang ng pagsisiwalat ng katotohanan makapagbibigay ang sining ng kasiyahan, pagtuturo, at pagtuturo.

Rationalistic na pundasyon ng kultura

Imposibleng gumuhit ng isang ganap na tumpak na hangganan sa pagitan ng mga kultura ng ika-16 at ika-17 siglo. Nasa ika-16 na siglo, ang mga bagong ideya tungkol sa mundo ay nagsimulang magkaroon ng hugis sa mga turo ng mga natural na pilosopong Italyano. Ngunit ang tunay na punto ng pagbabago sa agham ng uniberso ay naganap sa pagliko ng ika-16 at ika-17 siglo, nang sina Giordano Bruno, Galileo Galilei at Kepler, na bumubuo ng heliocentric na teorya ng Copernicus, ay dumating sa konklusyon tungkol sa maramihan ng mga mundo, tungkol sa kawalang-hanggan ng sansinukob, kung saan ang daigdig ay hindi ang sentro, ngunit isang maliit na butil, nang ang pag-imbento ng teleskopyo at mikroskopyo ay nagsiwalat sa tao ng pagkakaroon ng walang katapusan na malayo at walang katapusan na maliit.

Noong ika-17 siglo, ang pag-unawa sa tao, ang kanyang lugar sa mundo, at ang relasyon sa pagitan ng indibidwal at lipunan ay nagbago. Ang personalidad ng Renaissance na tao ay nailalarawan sa pamamagitan ng ganap na pagkakaisa at integridad, ito ay walang kumplikado at pag-unlad. Personalidad - ang Renaissance - iginiit ang sarili alinsunod sa kalikasan, na kumakatawan sa isang mahusay na puwersa. Ang enerhiya ng isang tao, pati na rin ang kapalaran, ay tumutukoy sa kanyang landas sa buhay. Gayunpaman, ang "kamangha-manghang" humanismong ito ay hindi na angkop para sa bagong panahon, nang ang tao ay tumigil sa pagkilala sa kanyang sarili bilang sentro ng sansinukob, nang maramdaman niya ang lahat ng pagiging kumplikado at mga kontradiksyon ng buhay, nang siya ay kailangang magsagawa ng isang malupit na pakikibaka laban sa pyudal-Katoliko na reaksyon.

Ang personalidad ng ika-17 siglo ay hindi mahalaga sa sarili nito, tulad ng personalidad ng Renaissance, ito ay palaging nakasalalay sa kapaligiran, sa kalikasan, at sa masa ng mga tao, kung kanino nais nitong ipakita ang sarili, humanga at kumbinsihin. Ang ugali na ito, sa isang banda, upang makuha ang imahinasyon ng masa, at sa kabilang banda, upang kumbinsihin sila, ay isa sa mga pangunahing tampok ng sining ng ika-17 siglo.

Ang sining ng ika-17 siglo, tulad ng sining ng Renaissance, ay nailalarawan sa pamamagitan ng kulto ng bayani. Ngunit ito ay isang bayani na nailalarawan hindi sa pamamagitan ng mga aksyon, ngunit sa pamamagitan ng mga damdamin at karanasan. Ito ay napatunayan hindi lamang ng sining, kundi pati na rin ng pilosopiya ng ika-17 siglo. Lumilikha si Descartes ng doktrina ng mga hilig, at itinuturing ni Spinoza ang mga pagnanasa ng tao na "parang mga linya, eroplano at katawan."

Ang bagong pananaw na ito ng mundo at ng tao ay maaaring magtungo sa dalawang direksyon sa ika-17 siglo, depende sa kung paano ito ginamit. Sa masalimuot, magkasalungat, multifaceted na mundo ng kalikasan at ang pag-iisip ng tao, ang magulo, hindi makatwiran, dinamiko at emosyonal na bahagi nito, ang ilusyon na katangian nito, ang mga sensual na katangian ay maaaring bigyang-diin. Ang landas na ito ay humantong sa istilong Baroque.

Ngunit ang diin ay maaari ding ilagay sa malinaw, natatanging mga ideya na kumikilala sa katotohanan at kaayusan sa kaguluhang ito, sa pag-iisip na nakikipaglaban sa mga salungatan nito, sa katwiran sa pagdaig sa mga hilig. Ang landas na ito ay humantong sa klasisismo.

Ang Baroque at classicism, na natanggap ang kanilang klasikal na disenyo sa Italy at France, ayon sa pagkakabanggit, ay kumalat sa isang antas o iba pa sa lahat ng mga bansa sa Europa at ang nangingibabaw na uso sa artistikong kultura ng ika-17 siglo.

Mga prinsipyo ng aesthetic ng Baroque

Ang istilong Baroque ay umusbong sa Italya, sa isang bansang nahati-hati sa maliliit na estado, sa isang bansang nakaranas ng kontra-repormasyon at isang malakas na reaksyong pyudal, kung saan ang mga mayayamang taong-bayan ay naging aristokrasya, sa isang bansa kung saan umunlad ang teorya at praktika ng mannerism. buong pamumulaklak at kung saan, sa parehong oras, sa lahat ng ningning nito ang pinakamayamang tradisyon ng artistikong kultura ng Renaissance ay napanatili. Kinuha ng Baroque mula sa Mannerism ang pagiging subject nito, mula sa Renaissance ang pagkahumaling nito sa katotohanan, ngunit pareho sa isang bagong estilistikong repraksyon. At kahit na ang mga labi ng mannerism ay patuloy na nakakaapekto sa una at maging sa ikalawang dekada ng ika-17 siglo, sa esensya, ang pagtagumpayan ng mannerism sa Italya ay maaaring ituring na natapos sa pamamagitan ng 1600.

Ang isa sa mga problemang katangian ng Baroque aesthetics ay ang problema ng kakayahang manghimok, na nagmula sa retorika. Ang retorika ay hindi nagtatangi ng katotohanan sa pagiging totoo; bilang paraan ng panghihikayat, tila katumbas ang mga ito - at mula rito ay sumusunod ang ilusyon, hindi kapani-paniwala, subjectivism ng Baroque art, na sinamahan ng lihim ng pamamaraan ng "sining" ng gawa ng epekto, na lumilikha ng isang subjective, nakaliligaw na impression ng verisimilitude .

Batay sa katotohanan na ang pangunahing konsepto ng Baroque aesthetics ay ang kakayahang manghimok, ito ay nauunawaan bilang ang kakayahang kumbinsihin ang manonood sa tulong ng isang tiyak na instrumento ng impluwensya, na isang gawa ng sining. Pinalamutian ng retorika ang pagsasalita, nagbibigay ng mga konsepto at mga bagay na anyo na mas madaling madama. Ang retorika ay hindi mapaghihiwalay na nauugnay sa panitikan at tula, na kadalasang kinikilala ang sarili sa retorika. Ang kakayahan ng panghihikayat ay dapat kumbinsihin, hawakan, sorpresahin ang isa kung kanino ito nilayon. Ang may-akda, samakatuwid, ay dapat malaman hanggang sa pinakamaliit na detalye kung para kanino ang kanyang akda, dapat pag-aralan ang mga ito at gabayan ng kaalamang ito kapag lumilikha ng kanyang mga gawa.

Mayroon bang anumang kinikilala at ipinag-uutos na paraan ng pag-akit sa manonood, mambabasa, nakikinig dahil sa kanilang pagiging epektibo? Ang lahat ng mga pamamaraan ay angkop, sa kondisyon na nakamit nila ang kanilang pangunahing layunin - upang kumbinsihin ang isa kung kanino sila nilayon. Kaugnay nito, ang problema ng katotohanan o kasinungalingan ng isang gawa ng sining ay ibinabalik sa background at nagiging hindi gaanong mahalaga. Ang pagiging ilusyon ay nagiging isang prinsipyo. Ang mambabasa at manonood ay dapat una sa lahat ay masindak at magulat, at ito ay maaaring gawin sa tulong ng isang mahusay na pagpili ng mga kakaiba at hindi pangkaraniwang binubuo ng mga kuwadro na gawa.

Karamihan sa mga Baroque theorists ay mga manunulat, ngunit sa kanilang mga pahayag ang pangunahing tendensya ng panahon ng Baroque ay malinaw na nararamdaman - patungo sa rapprochement iba't ibang uri sining. Ang lahat ng sining ay magkakaugnay at may iisang diwa. Sila ay naiiba lamang sa mga paraan ng pagpapahayag.

Rationalism at normativism ng aesthetics ng classicism

Ang klasisismo ay isa sa pinakamahalagang larangan ng sining. Ang pagkakaroon ng itinatag ang sarili sa mga gawa at pagkamalikhain ng maraming henerasyon, na naglalagay ng isang napakatalino na kalawakan ng mga makata at manunulat, pintor at musikero, arkitekto, eskultor at aktor, ang klasisismo ay nag-iwan ng gayong mga milestone sa landas ng artistikong pag-unlad ng sangkatauhan bilang mga trahedya Corneille, Racine, Milton, Voltaire, komedya Moliere, musika Lully, mga tula Lafontaine, parke at architectural ensemble ng Versailles, mga painting ni Poussin.

Sinimulan ng Klasisismo ang kronolohiya nito noong ika-16 na siglo, nangingibabaw noong ika-17 siglo, at iginiit ang sarili nito nang malakas at tuloy-tuloy noong ika-18 at unang bahagi ng ika-19 na siglo. Kinukumpirma mismo ng kasaysayan ang posibilidad na mabuhay ng mga tradisyon ng klasikong sistemang masining at ang halaga ng pinagbabatayan na mga konsepto ng mundo at personalidad ng tao, pangunahin ang moral na kinakailangang katangian ng klasisismo.

Ang salitang "classicism" (mula sa Latin classicus - huwaran) ay naglalaman ng matatag na oryentasyon ng bagong sining patungo sa sinaunang "modelo". Gayunpaman, ang katapatan sa diwa ng sinaunang panahon ay hindi nangangahulugan para sa mga klasiko ng isang simpleng pag-uulit ng mga sinaunang modelong ito, o isang direktang pagkopya ng mga sinaunang teorya. Ang klasisismo ay repleksyon ng panahon ng absolutong monarkiya at ang marangal na burukratikong sistema kung saan ibinatay ang monarkiya. Ang pagbabalik sa sining ng Greece at Roma, na isa ring katangian ng Renaissance, ay hindi pa matatawag na klasisismo, bagama't naglalaman na ito ng marami sa mga tampok ng kilusang ito.

Sa kasaysayan ng France, ang absolutong monarkiya ay gumaganap ng dalawahang papel. Ang parehong duality ay nailalarawan ang kultural na patakaran ng absolute monarkiya at ang aesthetic doktrina nito - classicism. Ang mga korte ng monarkiya ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagnanais na ipailalim ang lahat ng mga puwersang masining sa isang sentralisadong organisasyon. Si Cardinal Richelieu ay lumikha ng isang opisyal na sentro sa larangan ng panitikan at wika - ang French Academy. Sa ilalim ni Louis XIV, nilikha ang Academy of Arts. Sa mga sentrong ito ng artistikong kultura, maraming gawain ang ginawa upang lumikha ng isang pinag-isang wikang pampanitikan, pagpapalaya nito mula sa mga katangiang panlalawigan at mga labi ng sinaunang panahon, pagbuo ng wastong pananalita sa panitikan, pag-uuri ng mga genre, at iba pa. Ang Academy of Arts, na pinag-isa ang mga pinakakilalang pintor at art theorists, ay nakikibahagi sa mga katulad na aktibidad. Sa pangkalahatan, ang lahat ng aktibidad na ito ay may progresibong kahalagahan.

Ayon sa mga code ng sining, ang artist ay unang kinakailangan na magkaroon ng "nobility of design." Ang balangkas ng larawan ay dapat na may nakapagpapatibay na halaga. Samakatuwid, ang lahat ng mga uri ng mga alegorya ay lalo na pinahahalagahan, kung saan higit pa o mas kaunti ang mga kumbensyonal na larawan ng buhay na direktang nagpahayag ng mga pangkalahatang ideya. Ang pinaka mataas na genre ay itinuturing na "makasaysayan", na kinabibilangan ng sinaunang mitolohiya, mga balangkas mula sa mga sikat na akdang pampanitikan, mula sa Bibliya at iba pa. Ang mga portrait, landscape, at eksena ng totoong buhay ay itinuturing na "mga minor na genre." Ang pinakawalang halagang genre ay buhay pa rin.

Sa tula, binigyang-diin ng klasisismo ang makatwirang pagbuo ng mga tema ayon sa mga kilalang tuntunin. Ang pinakakapansin-pansing halimbawa nito ay ang "Poetic Art" Boileau- isang treatise na itinakda sa magandang taludtod at naglalaman ng maraming kawili-wiling ideya. Iniharap ni Boileau ang pangangailangan para sa primacy ng nilalaman sa poetic art, bagaman ang prinsipyong ito ay ipinahayag sa masyadong isang panig na anyo - sa anyo ng isang abstract subordination ng pakiramdam sa pangangatwiran.

Aesthetics ng European Enlightenment

Nabuo ang mga teoryang aesthetic ng Enlightenment noong mga unang burgesya na rebolusyon noong ika-17-18 siglo at bahagi ito ng ideolohiya at kultura ng kanilang panahon. Naniniwala ang mga Enlighteners na ang reorganisasyon ng isang lumang sistema ng lipunan ay dapat isagawa sa pamamagitan ng pagpapakalat ng mga advanced na ideya, sa pamamagitan ng paglaban sa kamangmangan, relihiyosong dope, medieval scholasticism, na may hindi makataong pyudal na moralidad, na may sining at aesthetics na nakakatugon sa mga pangangailangan ng nakatataas. strata ng pyudal-absolutist state.

Sa kabila ng lahat ng kanilang pag-unlad, ang mga enlighteners ay hindi maaaring lumampas sa mga hangganan ng kanilang panahon. Sa mga pakana ng isang maayos na lipunan, ang mga tagapagpaliwanag ay umasa sa isang abstract na "mamamayan", sa kanyang pampulitika at moral na kamalayan, at hindi sa lahat ng tunay na tao na aktwal na nabuo sa ilalim ng kapitalismo.

Ang mga enlightener, sa pamamagitan ng moral, politikal at aesthetic na edukasyon, ay sinubukang makamit ang pagbabago ng lipunan sa mga prinsipyo ng pagkakapantay-pantay at katarungan. Malinaw nilang batid ang katotohanan na may mga kontradiksyon sa pagitan ng pribado at pampublikong interes, sa pagitan ng personal na adhikain at tungkulin, sa pagitan ng indibidwal at lipunan. Inaasahan nilang maresolba ang mga kontradiksyong ito sa pamamagitan ng aesthetic education. Mula dito ay bumangon sila sa paniniwala na ang prinsipyo ng aesthetic ay may kakayahang palambutin ang likas na pagkamakasarili ng mga tao, na nagiging isang "indibidwal".

Mula sa pananaw ng pagtuturo sa isang "mamamayan", isang bagong tao, isinasaalang-alang ng mga enlightener ang mga pangunahing konsepto: kagandahan, kahanga-hanga, pagkakaisa, biyaya, panlasa ( Burke, Diderot ); Ang mga problema ng kakanyahan at panlipunang mga tungkulin ng sining, artistikong salungatan, karakter, katotohanan sa sining, at iba pa ay tinatrato sa parehong diwa. Ang leitmotif ng mga aesthetic na konsepto ng Enlightenment ay ang pagtatanggol ng sining ng mataas na civic pathos, ang mga prinsipyo ng realismo at humanismo. Tinalakay niya ang kaugnayan ng kagandahan at moralidad. Shaftesbury .

Sa pagbibigay-kahulugan sa mga kategorya ng aesthetics, nagpatuloy ang mga enlightener mula sa mga prinsipyo ng sensationalism, na isang direksyon sa teorya ng kaalaman, ayon sa kung saan ang sensuality ay ang pangunahing anyo ng maaasahang kaalaman. Ang klasikong pormula na nagpapakilala sa sensasyonalismo ay kabilang sa mga Stoics: "Walang anuman sa isip na wala sa mga pandama noon."

Teoretikal na disenyo ng paksa ng aesthetics

Ang nagtatag ng aesthetics ng Aleman ng Enlightenment at ang "ninong" ng isang independiyenteng sangay ng kaalaman sa pilosopikal ay Baumgarten . Ang kanyang epistemological system ay nahulog sa dalawang seksyon: aesthetics at logic. Ang una ay isang teorya ng "mas mababang", pandama na kaalaman, ang pangalawa - ng mas mataas, "intelektwal" na kaalaman. Upang tukuyin ang mas mababang kaalaman, pinili niya ang terminong "aesthetics," na sabay-sabay na binibigyang kahulugan bilang pandamdam, pakiramdam at katalusan. Dahil dito, kung ang lohika ay ang agham ng intelektwal na kaalaman, iyon ay, ang mga batas at anyo ng pag-iisip, kung gayon ang aesthetics ay ang agham ng pandama na kaalaman. Alinsunod dito, mayroong dalawang uri ng paghatol: "lohikal" at "sensitibo" (sensual). Ang una ay nakasalalay sa malinaw na mga ideya, ang pangalawa sa mga hindi malinaw. Tinatawag niya ang mga batay sa malinaw na ideya na mga paghatol ng katwiran, at ang mga batay sa hindi malinaw na mga ideya ay mga paghatol ng panlasa. Ang mga paghatol ng katwiran ay nagbibigay sa atin ng katotohanan, ang mga paghatol ng panlasa ay nagbibigay sa atin ng kagandahan. Ang layunin na batayan ng paghatol ng katwiran at paghatol ng panlasa ay pagiging perpekto, iyon ay, ang pagkakatugma ng mga bagay sa kanilang konsepto.

Ang kakanyahan at panlipunang layunin ng sining sa Panahon ng Enlightenment

Nakita ng German enlightener ang kakanyahan ng sining bilang panggagaya sa kalikasan. Winkelmann. Ang imitasyon ng kagandahan sa kalikasan ay maaaring idirekta sa isang bagay, o maaari itong magsama-sama ng mga obserbasyon ng isang buong serye ng mga indibidwal na bagay. Sa unang kaso, ang isang katulad na kopya, isang larawan, ay nakuha, sa pangalawa - isang perpektong imahe. Itinuturing ni Winkelmann na mas mabunga ang pangalawang landas. Dito ang artista ay hindi kumikilos bilang isang tagakopya, ngunit bilang isang tunay na tagalikha, dahil bago lumikha ng isang imahe, siya ay bumubuo pangkalahatang konsepto tungkol sa kagandahan at pagkatapos ay sumusunod sa prototype nito. Ang ideal na kagandahan ay lumalampas sa mga ordinaryong anyo ng bagay at nagtagumpay sa kanilang mga limitasyon.