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Os críticos de arte dão nomes diferentes a Edward Hopper. "Artista espaços vazios”, “poeta da época”, “realista socialista sombrio”. Mas não importa o nome que você escolha, isso não muda a essência: Hopper é um dos os representantes mais brilhantes Pintura americana, cujas obras não podem deixar ninguém indiferente.

Posto de gasolina, 1940

O método criativo americano desenvolvido durante a “Grande Depressão” nos Estados Unidos. Vários pesquisadores do trabalho de Hopper tendem a encontrar em suas obras ecos dos escritores Tennessee Williams, Theodore Dreiser, Robert Frost, Jerome Selinger e dos artistas DeCirco e Delvaux, mais tarde eles começam a ver um reflexo de seu trabalho nas obras cinematográficas de David Lynch; ..

Não se sabe ao certo se alguma dessas comparações tem algum fundamento na realidade, mas uma coisa é certa: Edward Hopper conseguiu retratar muito sutilmente o espírito da época, transmitindo-o nas poses dos personagens, nos espaços vazios da época. suas telas, em um esquema de cores único.

Este é considerado um representante do realismo mágico. Na verdade, seus personagens e o cenário em que os situa são extremamente simples em termos cotidianos. No entanto, as suas telas reflectem sempre uma espécie de eufemismo, reflectem sempre um conflito oculto, suscitam os mais diferentes interpretações. Chegando, às vezes, ao absurdo. Por exemplo, seu quadro “Conferência Noturna” foi devolvido por um colecionador ao vendedor porque ele viu nele uma conspiração comunista oculta.

Reunião noturna, 1949

Maioria pintura famosa Hopper - “Corujas Noturnas”. Houve uma época em que uma reprodução dele estava pendurada no quarto de quase todos os adolescentes americanos. O enredo da imagem é extremamente simples: na vitrine de um café noturno, três visitantes estão sentados no balcão do bar, sendo atendidos por um barman. Parece que não há nada de notável, mas quem olha para uma pintura de um artista americano sente quase fisicamente o sentimento transcendente e doloroso da solidão de uma pessoa em cidade grande.

Corujas Noturnas, 1942

O realismo mágico de Hopper não foi aceito por seus contemporâneos ao mesmo tempo. Dada a tendência geral para métodos mais “interessantes” - cubismo, surrealismo, abstracionismo - as suas pinturas pareciam enfadonhas e inexpressivas.
“Eles simplesmente não conseguem entender- disse Hopper, - que a originalidade do artista não é um método em voga. Esta é a essência de sua personalidade.”

Hoje seu trabalho é considerado não apenas um marco na história americana belas-Artes, Mas coletivamente, o espírito do seu tempo. Um de seus biógrafos escreveu certa vez: “Os descendentes aprenderão mais sobre aquela época nas pinturas de Edward Hopper do que em qualquer livro didático.” E, talvez, em certo sentido, ele esteja certo.

Hopper, Edward (1882 - 1967)

Hopper, Eduardo

Edward Hopper nasceu em 22 de julho de 1882. Ele era o segundo filho de Garrett Henry Hopper e Elizabeth Griffith Smith. Após o casamento, o jovem casal se instala em Nyack, um pequeno mas próspero porto perto de Nova York, não muito longe da mãe viúva de Elizabeth. Ali o casal batista, os Hoppers, criaria os filhos: Marion, nascida em 1880, e Edward. Seja por sua inclinação natural, seja por sua educação rigorosa, Edward crescerá silencioso e retraído. Sempre que possível, ele preferirá se aposentar.

A infância do artista

Os pais, e principalmente a mãe, procuravam dar aos filhos uma boa educação. Tentando desenvolver Habilidades criativas seus filhos, Elizabeth os mergulha no mundo dos livros, do teatro e das artes. Com sua ajuda, foram organizadas apresentações teatrais e conversas culturais. O irmão e a irmã passavam muito tempo lendo na biblioteca do pai. Edward conhece as obras de clássicos americanos, lê traduções de escritores russos e franceses.

O jovem Hopper começou a se interessar pela pintura e pelo desenho desde muito cedo. Eduque-se copiando as ilustrações de Phil May e do desenhista francês Gustave Doré (1832-1883). O autor do primeiro trabalho independente Edward completará dez anos.

Das janelas de sua casa, localizada em uma colina, o menino admira os navios e veleiros que navegam na Baía de Hudson. Paisagem marítima continuará sendo uma fonte de inspiração para ele ao longo de sua vida - o artista nunca esquecerá a vista da costa leste dos Estados Unidos, muitas vezes voltando a ela em suas obras. Aos quinze anos construiu seu próprio veleiro com peças fornecidas por seu pai.

Depois de estudar em uma escola particular, Edward entra ensino médio em Nyack, onde se formou em 1899. Hopper tem dezessete anos e um desejo ardente: tornar-se um artista. Seus pais, que sempre apoiaram os esforços criativos do filho, ficaram até satisfeitos com sua decisão. Eles recomendam iniciar os estudos pelas artes gráficas, ou melhor, pelo desenho. Seguindo o conselho deles, Hopper matriculou-se pela primeira vez na Correspondence School of Illustrating de Nova York para aprender a profissão de ilustrador. Então, em 1900, ingressou na Escola de Arte de Nova York, popularmente chamada de Chase School, onde estudaria até 1906. Seu professor ali seria o professor Robert Henry (1865-1929), pintor cuja obra foi dominada pelos retratos. Edward era um estudante diligente. Graças ao seu talento, recebeu diversas bolsas e prêmios. Em 1904, a revista The Sketch Book publicou um artigo sobre as atividades da Chase School. O texto foi ilustrado com uma peça de Hopper retratando uma modelo. Porém, o artista terá que esperar muitos mais anos antes de sentir o sabor do sucesso e da fama.

O charme irresistível de Paris

Em 1906, depois de se formar na escola, Hopper conseguiu um emprego no escritório de publicidade da CC Philips and Company. Esta posição lucrativa não satisfaz as suas ambições criativas, mas permite-lhe alimentar-se. Em outubro do mesmo ano, o artista, a conselho de seu professor, decide visitar Paris. Grande admirador de Degas, Manet, Rembrandt e Goya, Robert Henry enviou Hopper à Europa para enriquecer seu estoque de impressões e conhecer detalhadamente a arte europeia.

Hopper permaneceria em Paris até agosto de 1907. Ele sucumbe imediatamente ao encanto da capital francesa. Mais tarde, o artista escreveria: “Paris é uma cidade linda e elegante, e até decente e calma demais em comparação com a terrivelmente barulhenta Nova York”. Edward Hopper tem vinte anos e continua a sua educação no continente europeu, visitando museus, galerias e salões de arte. Antes de retornar a Nova York em 21 de agosto de 1907, fez várias viagens pela Europa. Primeiro, o artista chega a Londres, da qual guarda a memória como uma cidade “triste e dolorosa”; lá ele conhece as obras de Turner em galeria Nacional. Hopper então viaja para Amsterdã e Haarlem, onde fica animado para descobrir Vermeer, Hals e Rembrandt. No final visita Berlim e Bruxelas.

Depois de retornar à sua cidade natal, Hopper voltou a trabalhar como ilustrador e um ano depois foi para Paris. Desta vez, trabalhar ao ar livre proporciona-lhe um prazer sem fim. Seguindo os passos dos impressionistas, pintou as margens do Sena em Charenton e Saint-Cloud. O mau tempo na França obriga Hopper a encerrar sua jornada. Retornou a Nova York, onde em agosto de 1909 expôs pela primeira vez suas pinturas no âmbito da Exposição de Artistas Independentes, organizada com a assistência de John Sloan (1871-1951) e Robert Henry. Inspirado por realizações criativas, Hopper última vez visitará a Europa em 1910. O artista passará várias semanas em maio em Paris e depois irá para Madrid. Lá ele ficará mais impressionado com as touradas do que com os artistas espanhóis, dos quais não mencionará uma palavra mais tarde. Antes de retornar a Nova York, Hopper faz uma parada em Toledo, que descreve como "maravilhosa Cidade Velha" O artista nunca mais voltaria à Europa, mas ficaria por muito tempo impressionado com essas viagens, admitindo mais tarde: “Depois desse retorno, tudo me pareceu muito comum e terrível”.

Começo difícil

O retorno à realidade americana é difícil. Hopper está desesperadamente sem fundos. Suprimindo a antipatia pelo trabalho do ilustrador, o artista, forçado a ganhar a vida, volta a ele. Trabalha com publicidade e para periódicos, como “Sandy Megezin”, “Metropolitan Megezin” e “Sistema: Megezin de Negócios”. No entanto, Hopper dedica cada minuto livre à pintura. “Nunca quis trabalhar mais de três dias por semana”, diria ele mais tarde. “Economizei tempo para minha criatividade, a ilustração me deprimiu.”

Hopper persiste na pintura, que continua sendo sua verdadeira paixão. Mas o sucesso não vem. Em 1912, o artista apresentou suas pinturas parisienses em uma exposição coletiva no Mac Dowell Club, em Nova York (a partir de então exporia aqui regularmente até 1918). Hopper está de férias em Gloucester, uma pequena cidade na costa de Massachusetts. Na companhia do amigo Leon Kroll, regressa às memórias de infância, desenhando o mar e os navios que sempre o fascinaram.

Em 1913, os esforços do artista finalmente começaram a dar frutos. Convidado em Fevereiro pela Comissão Nacional Eleitoral para participar na Exposição arte contemporânea em Nova York (Armory Show), Hopper vende seu primeiro quadro. A euforia do sucesso passa rapidamente, pois outros não acompanharão esta venda. Em dezembro, o artista instalou-se no número 3 Washington Square North, em Nova Iorque, onde viveria durante mais de meio século, até à sua morte.

Os anos seguintes foram muito difíceis para o artista. Ele não pode viver da renda da venda de pinturas. Então Hopper continuou seu trabalho de ilustração, muitas vezes com ganhos escassos. Em 1915, Hopper exibiu duas de suas pinturas, incluindo “Blue Evening”, no Mac Dowell Club, e os críticos finalmente o notaram. Porém, ele aguardará sua exposição pessoal, que acontecerá no Whitney Studio Club, apenas em fevereiro de 1920. Naquela época, Hopper tinha trinta e sete anos.

Inspirado pelo sucesso no campo da pintura, o artista experimenta outras técnicas. Uma de suas gravuras receberá diversos prêmios em 1923. Hopper também experimenta pintura em aquarela.

O artista passa o verão em Gloucester, onde não para de pintar paisagens e arquitetura. Ele trabalha para grande ascensão, ele é movido pelo amor. Josephine Verstiel Nivison, que o artista conheceu na Academia de Nova York belas-Artes, passa férias na mesma região e conquista o coração do artista.

Finalmente reconhecimento!

Não duvidando Grande talento Hopper se inspira em Josephine para participar de uma exposição no Brooklyn Museum. As aquarelas que o artista exibe trazem-lhe um sucesso considerável, e Hopper deleita-se com o reconhecimento crescente. Seu romance com Joe se desenvolve, eles descobrem cada vez mais pontos em comum. Ambos amam teatro, poesia, viagens e Europa. Hopper se distingue nesse período por uma curiosidade simplesmente insaciável. Ele adora americano e literatura estrangeira e pode até recitar de cor os poemas de Goethe na língua original. Às vezes ele escreve cartas para sua amada Jo em francês. Hopper é um grande conhecedor de cinema, especialmente do cinema negro e branco americano, cuja influência é claramente visível em sua obra. Fascinada por este homem silencioso e calmo, de aparência representativa e olhos inteligentes, enérgico e cheio de vida Joe se casa com Edward Hopper em 9 de julho de 1924. O casamento aconteceu na Igreja Evangélica de Greenwich Village.

1924 foi um ano de sucesso para o artista. Após o casamento, o feliz Hopper expõe aquarelas na Frank Ren Gelerie. Todas as obras foram vendidas direto da exposição. Depois de esperar pelo reconhecimento, Hopper pode finalmente abandonar seu chato trabalho de ilustrador e fazer seu trabalho favorito.

Hopper está rapidamente se tornando um artista “da moda”. Agora ele pode “pagar as contas”. Membro eleito Academia Nacional design, ele se recusa a aceitar este título, uma vez que a Academia não aceitou seu trabalho no passado. O artista não esquece quem o ofendeu, assim como lembra com gratidão quem o ajudou e confiou nele. Hopper “será fiel” ao longo de sua vida a Frank Wren Guelery e ao Museu Whitney, ao qual lega suas obras.

Anos de reconhecimento e glória

Depois de 1925, a vida de Hopper se estabilizou. A artista mora em Nova York e passa todos os verões na costa da Nova Inglaterra. No início de novembro de 1933, a primeira exposição retrospectiva de suas obras foi realizada no Museu de Arte Moderna de Nova York. EM Próximo ano Os Hoppers estão construindo um estúdio em Sauce Truro, onde passarão as férias. O artista, brincando, chama a casa de “galinheiro”.

Contudo, o apego do casal a esta casa não os impede de viajar. Quando Hopper não tem o suficiente inspiração criativa, os cônjuges saem para o mundo. Assim, em 1943-1955 eles visitaram o México cinco vezes e também realizaram por muito tempo enquanto viajava pelos Estados Unidos. Em 1941, eles percorreram metade da América de carro, visitando Colorado, Utah, o deserto de Nevada, Califórnia e Wyoming.

Edward e Joe vivem vidas exemplares e em perfeita harmonia um com o outro, mas algum tipo de rivalidade lança uma sombra sobre a sua união. Jo, que também era artista, sofre silenciosamente à sombra da fama do marido. Desde o início dos anos trinta, Edward tornou-se uma referência mundial artista famoso; O número de suas exposições é crescente e ele não lhe poupa numerosos prêmios e prêmios. Em 1945, Hopper foi eleito membro do Instituto Nacional de Artes e Letras. Esta instituição concedeu-lhe em 1955 medalha de ouro para serviços na área de pintura. Uma segunda retrospectiva das pinturas de Hopper aconteceu no Whitney Museum of American Art em 1950 (o museu receberia o artista mais duas vezes: em 1964 e 1970). Em 1952, as obras de Hopper e de outros três artistas foram selecionadas para representar os Estados Unidos na Bienal de Veneza. Em 1953, Hopper, junto com outros artistas representantes da pintura figurativa, participou da edição da revista Reality review. Aproveitando esta oportunidade, ele protesta contra o domínio dos artistas abstratos dentro das paredes do Whitney Museum.

Em 1964, Hopper começa a ficar doente. O artista tem oitenta e dois anos. Apesar das dificuldades com que a pintura lhe foi dada, em 1965 realizou duas, que se tornaram as suas últimas obras. Estas pinturas foram pintadas em memória da minha irmã que morreu este ano. Edward Hopper morre em 15 de maio de 1967, aos oitenta e cinco anos, em seu estúdio na Washington Square. Pouco antes disso ele recebe reconhecimento internacional como representante da pintura americana na Bienal de São Paulo. Transferindo tudo herança criativa Edward Hopper será levado ao Whitney Museum, onde hoje pode ser vista a maior parte de suas obras, pela esposa do artista, Jo, que deixará este mundo um ano depois dele.

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Eduardo Hopper. "Atrás da Máquina de Costura" (1921).

Eduardo Hopper(Inglês Edward Hopper; 22 de julho, Nyack, Nova York - 15 de maio, Nova York) - Artista americano, proeminente representante da pintura de gênero americana, um dos maiores urbanistas do século XX.

Biografia e criatividade

Nasceu em Newasqua, Nova York, filho do dono de uma loja. Desde criança adorava desenhar. Em 1899 mudou-se para Nova York com a intenção de se tornar artista. Em 1899-1900 estudou na escola de publicitários. Depois disso, ingressou na Escola Robert Henry, que na época defendia a ideia de criar um moderno arte nacional EUA. O princípio fundamental desta escola era: “Eduque-se, não deixe que eu te eduque”. Um princípio que visava o nascimento da individualidade, embora insistisse na ausência de coletivismo e de tradições artísticas nacionais significativas.

Em 1906, Edward Hopper foi para Paris, onde continuou seus estudos. Além da França, visitou Inglaterra, Alemanha, Holanda e Bélgica. Era um caleidoscópio de países e diferentes centros culturais. Em 1907, Hopper voltou para Nova York.

Em 1908, Edward Hopper participou de uma exposição organizada pela organização G8 (Robert Henry e seus alunos), mas não teve sucesso. Ele trabalha ainda mais e melhora seu estilo. Em 1908-1910 estudou novamente arte em Paris. De 1915 a 1920 é um período de buscas criativas ativas do artista. Nenhum desenho deste período sobreviveu porque Hopper destruiu todos eles.

A pintura não dava lucro, então Edward trabalha em Agencia de propaganda, faz ilustrações para jornais.

Hopper completou sua primeira gravura em 1915. No total fez cerca de 60 águas-fortes, as melhores das quais foram feitas entre 1915 e 1923. Aqui se manifestou o tema principal da obra de Edward Hopper - a solidão do homem na sociedade americana e no mundo.

As gravuras trouxeram fama ao artista. Ele os representou em exposições e recebeu prêmios. Logo aconteceu uma exposição pessoal, organizada pelo Whitney Art Studio Club.

Em meados da década de 1920. Hopper desenvolve um estilo artístico próprio, ao qual permanece fiel até o fim da vida. Em suas cenas fotograficamente verificadas da vida urbana moderna (muitas vezes feitas em aquarela), figuras solitárias, congeladas, sem nome e claras formas geométricas os objetos transmitem um sentimento de alienação sem esperança e de ameaça oculta na vida cotidiana.

A principal inspiração de Hopper como artista é a cidade de Nova York, bem como as cidades do interior (“Mito”, “Estruturas da Ponte de Manhattan”, “East Wind over Weehawkend”, “Mining Town in Pennsylvania”). Juntamente com a cidade, Hopper criou uma imagem única da pessoa que nela habita. O retrato do artista desapareceu completamente pessoa específica, ele a substituiu por uma visão generalizada e sumária de um solitário, um residente individual da cidade. Os heróis das pinturas de Edward Hopper são pessoas decepcionadas, solitárias, devastadas e congeladas, retratadas em bares, cafés, hotéis (“Room in a Hotel”, 1931, “Western Motel”, 1957).

Já na década de 20, o nome Hopper entrou na pintura americana. Ele tinha alunos e admiradores. Em 1924 casou-se com a artista Josephine Verstiel. Em 1930 compraram uma casa em Cape Cord, para onde se mudaram. Em geral, Hopper descobriu novo gênero- retrato de uma casa - “Talbot House”, 1926, “Adams House”, 1928, “Captain Killy House”, 1931, “House by the Railway”, 1925.

Apaixonado pelo desenho desde criança, Edward foi primeiro para Nova York, onde fez cursos para artistas publicitários, depois, depois de estudar na Robert Henry School, foi para a então Meca dos artistas independentes - Paris. E não é fácil curriculum vitae, todos os itens acima terão grande influência para formar um estilo Hopper único.

Rebocador no Boulevard Saint-Michel (1907)

As primeiras pinturas do mestre seguem os impressionistas tanto no tema quanto no estilo. O desejo é perceptível jovem artista imite todos: de Degas e Van Gogh a Monet e Pissarro. “Summer Interior” (1909), “Bistro” (1909), “Tug on the Boulevard Saint-Michel” (1907), “Valley of the Seine” (1908) - são pinturas com um claro sabor “europeu”, que Hopper se livrará por dez anos. Essas obras podem ser chamadas de requintadas e bastante talentosas, mas não determinaram o sucesso do artista, embora delineassem seus temas principais.

Hopper é um artista urbano, a grande maioria de suas telas é dedicada à vida urbana e as casas de campo urbanas são menos comuns, e as paisagens puras são tão raras que podem ser contadas nos dedos de uma mão; Bem como retratos de pessoas, aliás. Mas “retratos” de casas aparecem regularmente nas obras de Hopper, especialmente ao longo da década de 1920, entre eles “Talbot House” (1928), “Captain Killy’s House” (1931), “House by the Railway” (1925). Se falamos de edifícios, o mestre também retrata frequentemente faróis: “Colina com Farol”, “Farol e Casas”, “Casa do Capitão Upton” (este último também é um “retrato”), todos de 1927.

Casa do Capitão Upton (1927)

A influência francesa pode ser traçada no amor por retratar cabarés, teatros, bistrôs, restaurantes, ("Proprietário" "Mesas para Senhoras", "Cinema de Nova York", "Restaurante de Nova York", "Teatro Sheridan", "Dois no Parterre", “Automático”, “Ensopado Chinês”, “Stripper”) a maior parte histórias semelhantes cai na década de 30, mas Hopper não parou de escrevê-los até sua morte em meados dos anos 60 (“Dois Comediantes”, “Intermissão”).

Porém, já após a mudança nomes geográficos pode-se adivinhar as mudanças no foco de Hopper na Europa tradição artística, que foi substituída pela "Garbage Pail School" organizada pelo ex-mentor de Hopper, Robert Henry. Os “trabalhadores de balde” eram uma espécie de itinerantes americanos, ajustados à época, que retratavam os pobres urbanos.

Aldeia americana (1912)

A atividade do grupo foi bastante passageira, mas, é preciso pensar, foi então que a semente de uma espécie de “solismo” se afundou na alma de Edward, na qual ele criaria raízes no início dos anos 30, “cantando” a vida americana. Isso não acontecerá de imediato - “The American Village” (1912), onde uma rua meio vazia é retratada numa perspectiva característica de Pissarro, ficará ao lado de pinturas como “Yonkers” de 1916, que ainda mantêm o seu encanto impressionista.

Para entender com que frequência e radicalmente Hopper mudou suas abordagens, você pode olhar duas pinturas: Manhattan Bridge (1926) e Manhattan Bridge Loop (1928). A diferença entre as pinturas chamará a atenção do espectador mais inexperiente.

Ponte de Manhattan (1926) e Loop da Ponte de Manhattan (1928)

Art Nouveau, impressionismo, neoclassicismo, realismo americano... se somarmos as obras mais experimentais do artista, poucos acreditariam que foram pintadas por uma pessoa, de tão diferentes entre si. Mesmo depois de ganhar popularidade com “Night Owls”, Hopper continuou desviando de sua veia encontrada para pinturas como “Joe in Wyoming” (1946), que mostrava uma visão incomum para o mestre – de dentro do carro.

O tema dos transportes, aliás, não era alheio ao artista: ele pintou trens (“Locomotive D. & R. G.”, 1925), carruagens (“Railway Train”, 1908), entroncamentos rodoviários (“Railway Sunset”, 1929 ) e até trilhos, tornando-os talvez o elemento mais importante da pintura “Casa à beira do caminho de ferro” (1925). Às vezes pode parecer que as máquinas de progresso evocaram mais simpatia em Hopper do que as pessoas - o artista se distrai do esquematismo com elas, sem poupar detalhes.

Pôr do sol ferroviário (1929)

Ao visualizar grande quantidade Os “primeiros” trabalhos de Hopper criam uma dupla impressão: ou ele queria pintar completamente jeitos diferentes, ou não sabia exatamente como queria desenhar. Esta foi a razão pela qual muitos conhecem o artista como o autor de cerca de vinte pinturas reconhecíveis, pintadas num estilo Hopper de fácil leitura, enquanto o resto da sua obra permanece injustamente oculto.

Então, o que ele é, Hopper “clássico”?

“Night Windows” (1928) pode ser considerada uma das primeiras pinturas verdadeiramente de Hopper. Embora o motivo de uma menina em seu quarto perto da janela remonte à obra “Summer Interior” (1909) e seja encontrado com muita frequência, depois “Girl at the Typewriter” (1921), “Eleven in the Morning” ( 1926), porém, contêm a clássica visão de dentro do edifício, mas não uma penetração individual-hopperiana “de fora”, beirando o voyeurismo.

Janelas Noturnas (1928)

Em “Windows”, observamos sub-repticiamente uma garota de lingerie, ocupada com seus próprios afazeres. Só podemos adivinhar o que a menina está fazendo; sua cabeça e suas mãos estão escondidas pela parede da casa. Visualmente, a imagem é desprovida de quaisquer refinamentos especiais, meios-tons, etc. Quanto ao enredo, o espectador recebe apenas um fragmento da história, mas ao mesmo tempo há espaço para especulações e, o mais importante, para a experiência de um voyeur.

É esse “voyeurismo”, a visão de fora que trará fama a Hopper. Suas pinturas serão simplificadas em todos os aspectos: interiores enfadonhos, monótonos, desprovidos de detalhes, e as mesmas pessoas impessoais para combiná-las, em cujos rostos muitas vezes não há uma única emoção. Isso é simplesmente diferente pintura famosa"Chop Suey" (1929) do famoso "Night Owls" (1942).

Chop Suey (1929)

A simplicidade das imagens trai a experiência do desenho publicitário com a qual Hopper ganhava a vida. Mas não foi o esquematismo das imagens que atraiu o espectador para as obras do artista, mas precisamente esta oportunidade de olhar para a vida de outra pessoa ou mesmo... para a própria. Uma oportunidade de descobrir como ficariam os heróis dos cartazes publicitários depois de terem “trabalhado” o seu turno nos outdoors e nas luzes da cidade e regressarem a “casa”, tendo retirado os sorrisos de dever dos seus rostos. Homens e mulheres, juntos e separadamente, estão numa espécie de estupor pensativo e cansado, muitas vezes sem demonstrar quaisquer emoções. A falta de emoção dos personagens, que chega à roboticidade, provoca no espectador uma sensação de irrealidade e ansiedade.

O cansaço após uma jornada de trabalho ou o entorpecimento matinal após o sono são sinais do desapego hopperiano obrigatório, que às vezes é diluído pelo tédio e pela indiferença do trabalho do meio-dia. Provavelmente, a Grande Depressão também teve grande influência sobre Hopper, que lhe proporcionou mil tipos semelhantes, indigentes, desnecessários, cujo desespero se desintegrou ao ponto da indiferença ao próprio destino.

Uma excursão pela filosofia (1959)

Claro, fechado, insociável em vida comum o artista acrescentou algo próprio, profundamente pessoal, às imagens. Tendo conhecido seu amor apenas aos cinquenta anos, ele retratou casais de homens e mulheres como indiferentes e desconectados, até mesmo desapontados. Isso é melhor refletido na pintura “Excursão pela Filosofia” (1959).

As obras mais “brilhantes” de Hopper, direta e figurativamente, são pinturas onde a luz do sol aparece, muitas vezes banhando uma mulher, “Mulher nos Raios do Sol” (1961), “Verão na Cidade” (1950), “Sol da Manhã” (1952), “Luz do Sol no Segundo Andar” (1960) ou mesmo atuando como protagonista de O Sol em uma Sala Vazia (1963) e Quarto à Beira-Mar (1951). Mas mesmo nessas telas ensolaradas, a falta de emoções adequadas nos rostos dos personagens e a falta de ar do espaço que os envolve são alarmantes.

Quartos à beira-mar (1951)

A coletânea de contos “In Sun or Shade”, publicada em 2017, é uma espécie de confirmação de tudo isso, enfatizando a relevância, o significado e a influência do trabalho de Hopper na cultura americana. Cada uma das histórias leva o nome de uma das pinturas do artista e é sua “adaptação cinematográfica” literária. Os autores que trabalharam na coleção tentaram ultrapassar os limites das pinturas, ver seu passado e mostrar o que ficou “nos bastidores”. As histórias do livro foram escritas por Stephen King, Lawrence Block, Michael Connelly, Joyce Carol Oates, Lee Child e outros autores que trabalham principalmente nos gêneros de terror, suspense e detetive. A ansiedade e o mistério das composições de Hopper apenas favoreceram os mestres.

Além disso, Edward Hopper é um dos artistas favoritos do mestre do surrealismo cinematográfico David Lynch; a pintura “House by the Railroad” formou a base do cenário; filme lendário"Psicose" de Alfred Hitchcock.

Casa à beira da ferrovia (1925)

Quartos para Turistas (1945)

Manhã de Domingo (1930)

Escritório à Noite (1948)

Manhã na Carolina do Sul (1955)

Costa (1941)

Noite de verão (1947)

Quai de Grand Augustin (1909)

Barbearia (1931)

Teatro Círculo (1936)

Telhado do sótão (1923)

Sol em uma sala vazia (1963)

Luz do sol no segundo andar (1960)

Trem ferroviário (1908)

Noite Azul (1914)

Cidade (1927)

Posto de gasolina (1940)

Restaurante de Nova York (1922)

Trilha do Cavalo (1939)

Coal Town na Pensilvânia (1947)

Escritório em cidade pequena (1953)

Colina do Milho (1930)

Nas ondas do surf (1939)

Cinema de Nova York (1939)

Vaporizador Trump (1908)

Garota na máquina de escrever (1921)

Bistrô (1909)

Teatro Sheridan (1937)

Noite em Cape Cod (1939)

Casa ao pôr do sol (1935)

Mesas para Senhoras (1930)

A cidade está chegando (1946)

Yonkers (1916)

Joe em Wyoming (1946)

Ponte das Artes (1907)

Casa Haskell (1924)

Manhã em Cape Cod (1950)

Stripper (1941)

Sol da Manhã (1952)

Desconhecido.

Corujas Noturnas (1942)

Ele era indiferente a experimentos formais. Os contemporâneos, que, de acordo com a moda, gostavam do cubismo, do futurismo, do surrealismo e do abstracionismo, consideravam sua pintura enfadonha e conservadora.

Certa vez, ele disse: “Como podem não entender: a originalidade de um artista não é engenhosidade e nem método, especialmente não é um método da moda, é a quintessência da personalidade”. 22 de julho de 1882, Edward Hopper, um dos mais famosos Artistas americanos Século XX. Ele é chamado de “sonhador sem ilusões” e “poeta dos espaços vazios”.

Ele pintou interiores e paisagens penetrantes e sem vida: ferrovias, onde você não pode ir a lugar nenhum, cafés noturnos, onde você não pode se esconder da solidão. Um biógrafo escreveu: “A posteridade compreenderá mais sobre os nossos tempos através das pinturas do artista Edward Hopper do que de todos os manuais de história social, comentários políticos e manchetes de jornais.”

Vou contar sobre uma de suas pinturas mais famosas...

É amplamente aceito que os Estados Unidos não deram ao mundo bons artistas. E em geral para cultura artística Nós, que nos consideramos europeus, estamos habituados a tratar este país, se não com desdém, pelo menos com desprezo.

Entretanto, qualquer generalização é perigosa, incluindo a acima mencionada. É claro que a América não é a França ou a Itália, e a sua relativa história curta forte escolas de arte simplesmente não tivemos tempo para ficarmos juntos. Mas aqui também foram criadas obras dignas de atenção.

A pintura "Nighthawks" de Edward Hopper - que é o tema do meu ensaio hoje - rapidamente se tornou universalmente reconhecida. No final dos anos 40 e início dos anos 50, um pôster com sua reprodução foi pendurado em quase todos os dormitórios estudantis dos Estados Unidos. É claro que a moda e a capacidade dos americanos de transformar uma obra de arte num produto de cultura de massa desempenharam um papel importante. Mas hoje a moda passou, mas o reconhecimento permanece - sinal certo mérito artistico.

Talvez não se possa dizer que a imagem chame a atenção à primeira vista. Hopper não busca atratividade chamativa e prefere algum tipo de efeito externo. força interior e um ritmo especial sem pressa. Ele, como dizem, toca em pausa. Para que sua imagem se abra diante de nós, primeiro precisamos apenas parar, parar de correr, dar-nos o luxo do tempo livre para sintonizar, sentir, captar alguma ressonância...

E por trás do laconicismo enfatizado, um abismo de expressividade se revela de repente. E um abismo de tristeza. Esta não é apenas mais uma imagem de solidão numa cidade grande, familiar para nós tanto pelos nossos próprios momentos de fraqueza como pelas histórias do compatriota de Hopper, O. Henry. De alguma forma, fica claro para nós que os heróis de “Midnight Owls” estão sozinhos, como está na moda dizer, “na vida”, que não podem escapar das paredes invisíveis, mesmo que consigam sair das paredes reais , deste café, onde, aliás, não é visível nenhuma porta que dê para o exterior.

Aqui à nossa frente estão quatro pessoas congeladas, expondo-se a todos, como se estivessem num palco banhado por uma luz fluorescente mortal. É impossível dizer que eles se sentem confortáveis ​​aqui, mas também não querem sair.

E onde, exatamente? Na escuridão silenciosa de uma rua indiferente? Não, com licença. Em vez disso, ficarão aqui sentados em silêncio até a escuridão cinzenta da manhã, o que, no entanto, também não trará alívio, mas apenas a necessidade de ir trabalhar. Eles não se importam com a escuridão silenciosa, que espia avidamente o que está acontecendo através das órbitas vazias das janelas. Eles são egocêntricos, mesmo os dois que claramente vieram juntos. Eles se isolam do mundo, mas ainda se sentem vulneráveis. Caso contrário, de onde vieram esses ombros, erguidos num desejo instintivo de proteção?

É claro que nenhuma tragédia aconteceu, não está acontecendo e, talvez, nem venha a acontecer. Mas sua premonição está no ar. Não podemos deixar de estar confiantes de que é um drama que se desenrolará nestes palcos.

Por alguma razão, não quero desmontar o técnico e técnicas artísticas. Bem, talvez algum tempo depois, quando a escuridão diminuir, quando conseguirmos romper com a hipnose dos modos de Hopper, com sua capacidade quase telepática de nos dizer algo importante... Então prestaremos atenção aos gritos do vermelho, para o ritmo sem vida das janelas da casa em frente, que é ecoado pelos bancos do balcão do bar, pelo contraste das paredes maciças de pedra e dos vidros transparentes e frágeis, por duas figuras clonadas de um homem de chapéu - a mais próxima, apenas no caso, se afastou de nós... E mais uma vez estremeceremos com a impossibilidade de entrar no café ou de sair dele.

Mas isso virá mais tarde. Entretanto, sentimo-nos como transeuntes, enfeitiçados por uma ilha aleatória de luz no meio de uma noite imóvel e deserta e, portanto, sentindo ainda mais intensamente o eco do vazio da rua. Mas ainda temos que caminhar e caminhar por ele. E é bom se formos para casa...

Aqui estão mais alguns de seus trabalhos: