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Edward Hopper (Inglês Edward Hopper; 22 de julho de 1882, Nyack, Nova York - 15 de maio de 1967, Nova York) - um artista americano popular, um representante proeminente da cultura americana Pintura de gênero, um dos maiores urbanistas do século XX.

Biografia de Edward Hopper

Já quando criança, Edward Hopper descobriu a habilidade de desenhar, na qual seus pais o apoiaram fortemente.

Depois da escola, ele estudou ilustração por correspondência por um ano e depois ingressou na prestigiada New York Art School. Fontes americanas fornecem uma lista completa de seus colegas estudantes famosos.

Em 1906, Hopper completou seus estudos e começou a trabalhar como ilustrador em Agencia de propaganda, mas foi para a Europa no outono.

Devo dizer que a viagem à Europa foi quase uma parte obrigatória Educação vocacional para artistas americanos. Naquela época, a estrela de Paris brilhava intensamente, e pessoas jovens e ambiciosas de todo o mundo afluíam para lá para se juntarem as últimas conquistas e tendências da pintura mundial.

Hopper acabou sendo o mais original de todos. Viajou pela Europa, esteve em Paris, Londres, Amsterdã, voltou para Nova York, foi novamente para Paris e Espanha, passou uma temporada em Museus europeus e se encontrou com Artistas europeus... Mas, além das influências de curto prazo, sua pintura não revela nenhum conhecimento tendências modernas. De jeito nenhum, até a paleta mal iluminou!

Apreciou Rembrandt e Hals, mais tarde El Greco, e mestres próximos - Edouard Manet e Edgar Degas, que naquela época já haviam se tornado clássicos. Quanto a Picasso, Hopper afirmou seriamente que não tinha ouvido seu nome enquanto estava em Paris.

E depois de 1910 nunca mais atravessou o Atlântico, mesmo quando as suas pinturas foram expostas no pavilhão americano da prestigiada Bienal de Veneza.

O trabalho de Hopper

Os historiadores da arte dão nomes diferentes a Edward Hopper. “Artista dos espaços vazios”, “poeta da época”, “realista socialista sombrio”.

Mas não importa o nome que você escolha, isso não muda a essência: Hopper é um dos os representantes mais brilhantes Pintura americana, cujas obras não podem deixar ninguém indiferente.

Método criativo Artista americano tomou forma durante a “Grande Depressão” nos EUA. Vários pesquisadores da obra de Hopper tendem a encontrar em suas obras ecos dos escritores Tennessee Williams, Theodore Dreiser, Robert Frost, Jerome Selinger e dos artistas DeCirco e Delvaux; mais tarde, um reflexo de sua obra começa a ser visto nas obras cinematográficas de David Lynch .

Não se sabe ao certo se alguma dessas comparações tem algum fundamento na realidade, mas uma coisa é certa: Edward Hopper conseguiu retratar muito sutilmente o espírito da época, transmitindo-o nas poses dos personagens, nas espaços vazios suas telas, em um esquema de cores único.

Este artista americano é considerado um representante do realismo mágico.

Na verdade, seus personagens e o cenário em que os situa são extremamente simples em termos cotidianos. No entanto, as suas telas reflectem sempre uma espécie de eufemismo, reflectem sempre um conflito oculto, suscitam os mais diferentes interpretações. Chegando, às vezes, ao absurdo.

Casa de Adão Chop Suey A perna longa

Por exemplo, sua pintura “Conferência Noturna” foi devolvida por um colecionador ao vendedor porque ele viu nela uma conspiração comunista oculta.

Maioria pintura famosa Hopper - "Corujas Noturnas". Houve uma época em que uma reprodução dele estava pendurada no quarto de quase todos os adolescentes americanos. O enredo da imagem é extremamente simples: na vitrine de um café noturno, três visitantes estão sentados no balcão do bar, sendo atendidos por um barman. Parece que não há nada de notável, mas quem olha para uma pintura de um artista americano sente quase fisicamente o sentimento transcendente e doloroso da solidão de uma pessoa em cidade grande.

O realismo mágico de Hopper não foi aceito por seus contemporâneos ao mesmo tempo. Dada a tendência geral para métodos mais “interessantes” – cubismo, surrealismo, abstracionismo – as suas pinturas pareciam enfadonhas e inexpressivas.

“Eles simplesmente não conseguem entender”, disse Hopper, “que a originalidade do artista não é um método que está na moda. Esta é a essência de sua personalidade.”

Hoje seu trabalho é considerado não apenas um marco na história americana belas-Artes, Mas coletivamente, o espírito do seu tempo.

Um de seus biógrafos escreveu certa vez: “Os descendentes aprenderão mais sobre aquela época nas pinturas de Edward Hopper do que em qualquer livro didático”. E, talvez, em certo sentido, ele esteja certo.

Em 1923, Hopper conheceu sua futura esposa Josephine. A família deles acabou sendo forte, mas vida familiar difícil.

Jo proibiu o marido de pintar nus e, se necessário, posou para si mesma. Edward estava até com ciúmes do gato dela. Tudo foi agravado por sua taciturnidade e caráter sombrio. “Às vezes, conversar com Eddie era como jogar uma pedra em um poço. Com uma exceção: não se ouvia o som da queda na água”, admitiu.

Porém, foi Jo quem lembrou Hopper das possibilidades da aquarela, e ele voltou a essa técnica.

Ele logo expôs seis obras no Museu do Brooklyn, e uma delas foi comprada pelo museu por US$ 100. Os críticos reagiram favoravelmente à exposição e notaram vitalidade, e a expressividade das aquarelas de Hopper mesmo nos temas mais modestos. Esta combinação de restrição externa e profundidade expressiva se tornará marca Hopper por todos os anos restantes.

Em 1927, Hopper vendeu o quadro “Dois em um Auditório” por US$ 1.500, e com esse dinheiro o casal comprou seu primeiro carro.

O artista teve a oportunidade de viajar em busca de esboços, e a América rural provinciana tornou-se por muito tempo um dos principais motivos de sua pintura.

Em 1930, outro acontecimento importante ocorreu na vida do artista. O filantropo Stephen Clark doou sua pintura “The House estrada de ferro"Museu de Nova York arte contemporânea, e desde então está pendurado em um lugar de destaque.

Assim, pouco antes de seu quinquagésimo aniversário, Hopper entrou em uma época de reconhecimento. Em 1931 vendeu 30 obras, incluindo 13 aquarelas. Em 1932, participou na primeira exposição regular do Whitney Museum e não perdeu as subsequentes até à sua morte.

Em 1933, em homenagem ao aniversário do artista, o Museu de Arte Moderna apresentou uma retrospectiva de suas obras.

(1967-05-15 ) (84 anos) Um lugar de morte: Origem: Nacionalidade:

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Cidadania:

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Um país:

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Gênero: Estudos:

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Estilo:

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Influência: Influência em: Prêmios:

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Prêmios:

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Local na rede Internet:

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Eduardo Hopper(Inglês) Eduardo Hopper; 22 de julho, Nyack, Nova York - 15 de maio, Nova York) - popular artista americano, um proeminente representante da pintura de gênero americana, um dos maiores urbanistas do século XX.

Biografia e criatividade

Nasceu em Newasqua, Nova York, filho do dono de uma loja. Desde criança adorava desenhar. Em 1899 mudou-se para Nova York com a intenção de se tornar artista. Em 1899-1900 estudou na escola de publicitários. Depois disso, ingressou na Escola Robert Henry, que na época defendia a ideia de criar um moderno arte nacional EUA. O princípio fundamental desta escola era: “Eduque-se, não deixe que eu eduque você”. Um princípio que visava o nascimento da individualidade, embora insistisse na ausência de coletivismo e de tradições artísticas nacionais significativas.

Em 1906, Edward Hopper foi para Paris, onde continuou seus estudos. Além da França, visitou Inglaterra, Alemanha, Holanda e Bélgica. Era um caleidoscópio de países e diferentes centros culturais. Em 1907, Hopper voltou para Nova York.

Em 1908, Edward Hopper participou de uma exposição organizada pela organização G8 (Robert Henry e seus alunos), mas não teve sucesso. Ele trabalha ainda mais e melhora seu estilo. Em 1908-1910 voltou a estudar arte em Paris. De 1915 a 1920 é um período de buscas criativas ativas do artista. Nenhum desenho deste período sobreviveu porque Hopper destruiu todos eles.

A pintura não deu lucro, então Edward trabalha em uma agência de publicidade, fazendo ilustrações para jornais.

Hopper completou sua primeira gravura em 1915. No total fez cerca de 60 águas-fortes, as melhores das quais foram feitas entre 1915 e 1923. Aqui se manifestou o tema principal da obra de Edward Hopper - a solidão do homem na sociedade americana e no mundo.

As gravuras trouxeram fama ao artista. Ele os representou em exposições e recebeu prêmios. Logo aconteceu uma exposição pessoal, organizada pelo Whitney Art Studio Club.

Em meados da década de 1920. Hopper desenvolve um estilo artístico próprio, ao qual permanece fiel até o fim da vida. Em suas cenas fotograficamente verificadas da vida urbana moderna (muitas vezes feitas em aquarela), figuras solitárias, congeladas, sem nome e nítidas formas geométricas os objetos transmitem um sentimento de alienação sem esperança e de ameaça oculta na vida cotidiana.

A principal inspiração de Hopper como artista é a cidade de Nova York, bem como as cidades do interior (“Mito”, “Estruturas da Ponte de Manhattan”, “East Wind over Weehawkend”, “Mining Town in Pennsylvania”). Juntamente com a cidade, Hopper criou nela uma imagem única do homem. O retrato do artista desapareceu completamente pessoa específica, ele a substituiu por uma visão generalizada e sumária de um solitário, um residente individual da cidade. Os heróis das pinturas de Edward Hopper são pessoas decepcionadas, solitárias, devastadas e congeladas, retratadas em bares, cafés, hotéis (“Room in a Hotel”, 1931, “Western Motel”, 1957).

Já na década de 20, o nome Hopper entrou na pintura americana. Ele tinha alunos e admiradores. Em 1924 casou-se com a artista Josephine Verstiel. Em 1930 compraram uma casa em Cape Cord, para onde se mudaram. Em geral, Hopper descobriu novo gênero- retrato de uma casa - “Talbot House”, 1926, “Adams House”, 1928, “Captain Killy House”, 1931, “House by the Railway”, 1925.

O sucesso trouxe riqueza material a Hopper. Ele deixa o emprego em uma agência de publicidade. Em 1933, o Museu de Arte Moderna de Nova York organizou uma exposição individual de Edward Hopper, que lhe trouxe enorme sucesso e fama mundial. Depois dela, a artista foi aceita em Academia Nacional desenho.

Apesar do sucesso, continuou a trabalhar frutuosamente até 1964, quando ficou gravemente doente. Em 1965, Hopper escreveu seu Última foto- “Comediantes”.

Em 15 de maio de 1967, Edward Hopper morreu em Nova York.

Esperando se tornar ilustrador de livros, Hopper em 1906-10. visitou três vezes as capitais artísticas da Europa, mas permaneceu indiferente às tendências vanguardistas da pintura. Na juventude ingressou na “escola da lata de lixo” naturalista. Em 1913 ele participou do notório Armory Show em Nova York. Trabalhou em cartazes publicitários e gravuras para publicações de Nova York.

Numerosas reproduções das obras de Hopper e sua aparente acessibilidade (em comparação com a vanguarda “alta” Arte francesa) fez dele um dos mais artistas populares nos Estados Unidos. Em particular, o diretor de cinema e artista David Lynch o chama de seu artista favorito. Alguns críticos classificam Hopper – junto com De Chirico e Balthus – como representantes do “realismo mágico” nas artes visuais. A arte de Hopper também estabelece leis de visão e compreensão que relacionam situações aparentemente superficiais a temas mais profundos.

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Literatura

• Matusovskaya E. M. Edward Hopper - M., 1977.
• Martynenko N.V. Pintura dos EUA do século XX. Kyiv, Naukova Dumka, 1989. P.22-27.
• Bem, Valter. Silent Theatre: The Art of Edward Hopper (Londres/Nova York: Phaidon, 2007). Vencedor do Prêmio Umhoefer de Realização em Artes e Humanidades de 2009.
• Levin, Gail. Edward Hopper: uma biografia íntima (Nova York: Knopf, 1995; Rizzoli Books, 2007)

Notas

Ligações

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30 pixels	[[|Edward Hopper]] no Wikiquote
	[[Erro Lua no Módulo:Wikidata/Interproject na linha 17: tentativa de indexar o campo "wikibase" (um valor nulo). |Edward Hopper]] no Wikisource
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Trecho caracterizando Hopper, Edward

– Ele é muito carinhoso e gentil, você vai gostar dele. Você queria assistir algo ao vivo e ele sabe disso melhor do que ninguém.
Miard se aproximou com cautela, como se sentisse que Stella tinha medo dele... Mas desta vez, por algum motivo, eu não estava nem um pouco assustado, muito pelo contrário - ele me interessou loucamente.
Ele se aproximou de Stella, que naquele momento estava quase gritando de horror por dentro, e tocou cuidadosamente sua bochecha com sua asa macia e fofa... Uma névoa roxa girou sobre a cabeça ruiva de Stella.
“Oh, olhe, o meu é igual ao de Veiya!..” a menininha surpresa exclamou com entusiasmo. - Como isso aconteceu?.. Oh-oh, que lindo!.. - isso já se referia à nova área que apareceu diante de nossos olhos com animais absolutamente incríveis.
Estávamos na margem montanhosa de um rio largo e espelhado, cuja água estava estranhamente “congelada” e, ao que parecia, era possível caminhar com calma sobre ele - ele não se movia. Uma névoa cintilante rodopiava acima da superfície do rio, como uma delicada fumaça transparente.
Como finalmente adivinhei, essa “névoa, que vimos por toda parte aqui, de alguma forma potencializou qualquer ação das criaturas que vivem aqui: abriu para elas o brilho de sua visão, serviu como um meio confiável de teletransporte, em geral, ajudou em tudo o que podiam naquele momento essas criaturas não estavam engajadas. E acho que serviu para outra coisa, muito, muito mais, que a gente ainda não conseguia entender...
O rio serpenteava como uma bela “cobra” larga e, afastando-se suavemente, desaparecia em algum lugar entre as colinas verdejantes. E ao longo de ambas as suas margens animais incríveis caminhavam, deitavam e voavam... Foi tão lindo que literalmente congelamos, maravilhados com esta vista deslumbrante...
Os animais eram muito parecidos com dragões reais sem precedentes, muito brilhantes e orgulhosos, como se soubessem o quão bonitos eram... Seus pescoços longos e curvos brilhavam com ouro laranja, e em suas cabeças havia coroas vermelhas com pontas e dentes. As feras reais moviam-se lenta e majestosamente, com cada movimento brilhando com seus corpos escamosos e azuis perolados, que literalmente explodiam em chamas quando expostos aos raios azul-dourado do sol.
- Beleza e muito mais!!! – Stella mal exalou de alegria. – Eles são muito perigosos?
“Pessoas perigosas não vivem aqui; não as temos há muito tempo.” Não me lembro há quanto tempo... - veio a resposta, e só então percebemos que Vaiya não estava conosco, mas Miard estava se dirigindo a nós...
Stella olhou em volta com medo, aparentemente não se sentindo muito confortável com nosso novo conhecido...
– Então você não corre perigo algum? - Eu estava surpreso.
“Apenas externo”, foi a resposta. - Se eles atacarem.
– Isso também acontece?
– Última vez“Foi antes de mim”, respondeu Miard seriamente.
Sua voz soava suave e profunda em nossos cérebros, como veludo, e era muito incomum pensar que uma criatura meio-humana tão estranha estivesse se comunicando conosco em nossa própria “linguagem”... Mas provavelmente já estamos muito acostumados com tudo isso. uma espécie de milagres maravilhosos, porque em um minuto eles estavam se comunicando livremente com ele, esquecendo completamente que ele não era uma pessoa.
- E o quê - você nunca tem problemas?! – a menina balançou a cabeça incrédula. – Mas então você não tem nenhum interesse em morar aqui!..
Ela falou de uma “sede de aventura” terrena real e insaciável. E eu a entendi perfeitamente. Mas acho que seria muito difícil explicar isso para Miard...
- Por que não é interessante? – nosso “guia” ficou surpreso e de repente, interrompendo-se, apontou para cima. – Olha – Saviya!!!
Olhamos para o topo e ficamos pasmos.... Voamos suavemente no céu rosa claro criaturas de fadas!.. Eles eram completamente transparentes e, como tudo neste planeta, incrivelmente coloridos. Parecia que flores maravilhosas e brilhantes voavam pelo céu, só que eram incrivelmente grandes... E cada uma delas tinha um rosto diferente, fantasticamente lindo e sobrenatural.
“Oh-oh... Olha... Oh, que milagre...” por algum motivo Stella disse em um sussurro, completamente atordoada.
Acho que nunca a vi tão chocada. Mas realmente havia algo para se surpreender... De forma alguma, mesmo na mais selvagem fantasia, seria possível imaginar tais criaturas!, espalhando pó dourado cintilante atrás dele... Miard deu um estranho “apito”, e o criaturas de contos de fadas de repente começaram a descer suavemente, formando acima de nós um enorme e sólido “guarda-chuva” brilhando com todas as cores de seu arco-íris maluco... Era tão lindo que era de tirar o fôlego!..
A primeira a “pousar” até nós foi Savia, azul-pérola e de asas rosadas, que, depois de dobrar as suas pétalas-asas brilhantes num “buquê”, começou a olhar para nós com grande curiosidade, mas sem qualquer medo... Isto era impossível olhar com calma para sua beleza caprichosa, que Ela me atraiu como um ímã e eu queria admirá-la infinitamente...
– Não procure muito – Savia é fascinante. Você não vai querer sair daqui. A beleza deles é perigosa se você não quiser se perder”, disse Miard calmamente.
- Por que você disse que não há nada perigoso aqui? Então isso não é verdade? – Stella ficou imediatamente indignada.
“Mas este não é um perigo que deva ser temido ou combatido.” “Achei que era isso que você quis dizer quando perguntou”, Miard estava chateado.
- Vamos! Aparentemente, teremos conceitos diferentes sobre muitas coisas. Isso é normal, certo? – “nobremente” a menina o tranquilizou. -Posso falar com eles?
- Fale se puder ouvir. – Miard voltou-se para a milagrosa Savia que havia descido até nós e mostrou algo.
A criatura maravilhosa sorriu e se aproximou de nós, enquanto o resto de seus (ou dela?..) amigos ainda flutuavam facilmente bem acima de nós, brilhando e brilhando sob os raios brilhantes do sol.
“Eu sou Lilis...lis...é...” uma voz incrível ecoou. Era muito suave e ao mesmo tempo muito sonoro (se é que tais conceitos opostos podem ser combinados em um).
- Olá, linda Lillis. – Stella cumprimentou alegremente a criatura. - Eu sou Estela. E aqui está ela – Svetlana. Nós somos pessoas. E você, nós sabemos, Saviya. De onde você veio? E o que é Saviya? – choveram novamente perguntas, mas nem tentei impedi-la, pois era completamente inútil... Stella simplesmente “queria saber tudo!” E ela sempre permaneceu assim.

Ele era indiferente a experimentos formais. Os contemporâneos, que, de acordo com a moda, gostavam do cubismo, do futurismo, do surrealismo e do abstracionismo, consideravam sua pintura enfadonha e conservadora.

Certa vez, ele disse: “Como podem não entender: a originalidade de um artista não é engenhosidade e nem método, especialmente não é um método da moda, é a quintessência da personalidade”. Edward Hopper, um dos mais famosos artistas americanos do século XX, nasceu em 22 de julho de 1882. Ele é chamado de “sonhador sem ilusões” e “poeta dos espaços vazios”.

Ele pintou interiores e paisagens penetrantes e sem vida: ferrovias onde você não pode ir a lugar nenhum, cafés noturnos onde você não pode se esconder da solidão. Um biógrafo escreveu: “A posteridade compreenderá mais sobre os nossos tempos através das pinturas do artista Edward Hopper do que de todos os manuais de história social, comentários políticos e manchetes de jornais.”

Vou contar sobre uma de suas pinturas mais famosas...

É amplamente aceito que os Estados Unidos não deram ao mundo bons artistas. E em geral para cultura artística Nós, que nos consideramos europeus, estamos habituados a tratar este país, se não com desdém, pelo menos com desprezo.

Entretanto, qualquer generalização é perigosa, incluindo a acima mencionada. É claro que a América não é a França ou a Itália, e a sua relativa história curta forte escolas de arte simplesmente não tivemos tempo para ficarmos juntos. Mas aqui também foram criadas obras dignas de atenção.

A pintura "Nighthawks" de Edward Hopper - que é o tema do meu ensaio hoje - rapidamente se tornou universalmente reconhecida. No final dos anos 40 e início dos anos 50, um pôster com sua reprodução foi pendurado em quase todos os dormitórios estudantis dos Estados Unidos. É claro que a moda e a capacidade dos americanos de transformar uma obra de arte num produto de cultura de massa desempenharam um papel importante. Mas hoje a moda passou, mas o reconhecimento permanece - sinal certo mérito artistico.

Talvez não se possa dizer que a imagem chame a atenção à primeira vista. Hopper não busca atratividade chamativa e prefere algum tipo de efeito externo. força interior e um ritmo especial sem pressa. Ele, como dizem, toca em pausa. Para que sua imagem se abra diante de nós, primeiro precisamos apenas parar, parar de correr, dar-nos o luxo do tempo livre para sintonizar, sentir, captar alguma ressonância...

E por trás do laconicismo enfatizado, um abismo de expressividade se revela de repente. E um abismo de tristeza. Esta não é apenas mais uma imagem de solidão numa cidade grande, familiar para nós tanto pelos nossos próprios momentos de fraqueza como pelas histórias do compatriota de Hopper, O. Henry. De alguma forma, fica claro para nós que os heróis de “Midnight Owls” estão sozinhos, como está na moda dizer, “na vida”, que não podem escapar das paredes invisíveis, mesmo que consigam sair das paredes reais , deste café, onde, aliás, não é visível nenhuma porta que dê para o exterior.

Aqui à nossa frente estão quatro pessoas congeladas, expondo-se a todos, como se estivessem num palco banhado por uma luz fluorescente mortal. É impossível dizer que eles se sentem confortáveis ​​aqui, mas também não querem sair.

E onde, exatamente? Na escuridão silenciosa de uma rua indiferente? Não, com licença. Em vez disso, ficarão aqui sentados em silêncio até a escuridão cinzenta da manhã, o que, no entanto, também não trará alívio, mas apenas a necessidade de ir trabalhar. Eles não se importam com a escuridão silenciosa, que espia avidamente o que está acontecendo através das órbitas vazias das janelas. Eles são egocêntricos, mesmo os dois que claramente vieram juntos. Eles se isolam do mundo, mas ainda se sentem vulneráveis. Caso contrário, de onde vieram esses ombros, erguidos num desejo instintivo de proteção?

É claro que nenhuma tragédia aconteceu, não está acontecendo e, talvez, nem venha a acontecer. Mas sua premonição está no ar. Não podemos deixar de estar confiantes de que é um drama que se desenrolará nestes palcos.

Por alguma razão, não quero desmontar o técnico e técnicas artísticas. Bem, talvez algum tempo depois, quando a escuridão diminuir, quando conseguirmos romper com a hipnose dos modos de Hopper, com sua capacidade quase telepática de nos dizer algo importante... Então prestaremos atenção aos gritos do vermelho, para o ritmo sem vida das janelas da casa em frente, que é ecoado pelos bancos do balcão do bar, pelo contraste das paredes maciças de pedra e dos vidros transparentes e frágeis, por duas figuras clonadas de um homem de chapéu - a mais próxima, apenas no caso, se afastou de nós... E mais uma vez estremeceremos com a impossibilidade de entrar no café ou de sair dele.

Mas isso virá mais tarde. Entretanto, sentimo-nos como transeuntes, enfeitiçados por uma ilha aleatória de luz no meio de uma noite imóvel e deserta e, portanto, sentindo ainda mais intensamente o eco do vazio da rua. Mas ainda temos que caminhar e caminhar por ele. E é bom se formos para casa...

Aqui estão mais alguns de seus trabalhos:

Eduardo Hopper

Arquivo:Garota na máquina de costura por Edward Hopper.jpg

Eduardo Hopper. "Atrás da Máquina de Costura" (1921).

Eduardo Hopper(Inglês Edward Hopper; 22 de julho, Nyack, Nova York - 15 de maio, Nova York) - Artista americano, proeminente representante da pintura de gênero americana, um dos maiores urbanistas do século XX.

Biografia e criatividade

Nasceu em Newasqua, Nova York, filho do dono de uma loja. Desde criança adorava desenhar. Em 1899 mudou-se para Nova York com a intenção de se tornar artista. Em 1899-1900 estudou na escola de publicitários. Depois disso, ingressou na Robert Henry School, que na época defendia a ideia de criar arte nacional moderna dos Estados Unidos. O princípio fundamental desta escola era: “Eduque-se, não deixe que eu eduque você”. Um princípio que visava o nascimento da individualidade, embora insistisse na ausência de coletivismo e de tradições artísticas nacionais significativas.

Em 1906, Edward Hopper foi para Paris, onde continuou seus estudos. Além da França, visitou Inglaterra, Alemanha, Holanda e Bélgica. Era um caleidoscópio de países e diferentes centros culturais. Em 1907, Hopper voltou para Nova York.

Em 1908, Edward Hopper participou de uma exposição organizada pela organização G8 (Robert Henry e seus alunos), mas não teve sucesso. Ele trabalha ainda mais e melhora seu estilo. Em 1908-1910 voltou a estudar arte em Paris. De 1915 a 1920 é um período de buscas criativas ativas do artista. Nenhum desenho deste período sobreviveu porque Hopper destruiu todos eles.

A pintura não deu lucro, então Edward trabalha em uma agência de publicidade, fazendo ilustrações para jornais.

Hopper completou sua primeira gravura em 1915. No total fez cerca de 60 águas-fortes, as melhores das quais foram feitas entre 1915 e 1923. Aqui se manifestou o tema principal da obra de Edward Hopper - a solidão do homem na sociedade americana e no mundo.

As gravuras trouxeram fama ao artista. Ele os representou em exposições e recebeu prêmios. Logo aconteceu uma exposição pessoal, organizada pelo Whitney Art Studio Club.

Em meados da década de 1920. Hopper desenvolve um estilo artístico próprio, ao qual permanece fiel até o fim da vida. Em suas cenas fotograficamente verificadas da vida urbana moderna (muitas vezes feitas em aquarela), figuras solitárias, congeladas e sem nome e formas geométricas claras de objetos transmitem uma sensação de alienação sem esperança e a ameaça escondida no cotidiano.

A principal inspiração de Hopper como artista é a cidade de Nova York, bem como as cidades do interior (“Mito”, “Estruturas da Ponte de Manhattan”, “East Wind over Weehawkend”, “Mining Town in Pennsylvania”). Juntamente com a cidade, Hopper criou nela uma imagem única do homem. O retrato do artista de uma pessoa específica desapareceu completamente; ele o substituiu por uma visão generalizada e sumária de um solitário, um morador individual da cidade. Os heróis das pinturas de Edward Hopper são pessoas decepcionadas, solitárias, devastadas e congeladas, retratadas em bares, cafés, hotéis (“Room in a Hotel”, 1931, “Western Motel”, 1957).

Já na década de 20, o nome Hopper entrou na pintura americana. Ele tinha alunos e admiradores. Em 1924 casou-se com a artista Josephine Verstiel. Em 1930 compraram uma casa em Cape Cord, para onde se mudaram. Em geral, Hopper abriu um novo gênero - o retrato de uma casa - “Talbot House”, 1926, “Adams House”, 1928, “Captain Killy’s House”, 1931, “House by the Railway”, 1925.

Há imagens que cativam imediatamente e por muito tempo o espectador - são como ratoeiras para os olhos. A mecânica simples de tais imagens, inventada de acordo com a teoria dos reflexos condicionados do acadêmico Pavlov, é claramente visível em fotografias publicitárias ou de repórteres. Ganchos de curiosidade, luxúria, dor ou compaixão se projetam deles em todas as direções - dependendo do propósito da imagem - vendas sabão em pó ou arrecadar fundos de caridade. Acostumado, como uma droga forte, ao fluxo de tais imagens, pode-se ignorar, perder, por serem insípidas e vazias, imagens de um tipo diferente - reais e vivas (ao contrário das primeiras, que apenas imitam a vida). Não são tão bonitos e certamente não evocam as típicas emoções incondicionais, são inesperados e a sua mensagem é questionável. Mas só eles podem ser chamados de arte, o “ar roubado” ilegal de Mandelstam.

Em qualquer campo da arte existem artistas que criaram não apenas os seus próprios mundo único, mas também um sistema de visão da realidade circundante, um método de transferência de fenômenos cotidianos para a realidade de uma obra de arte - para a pequena eternidade de uma pintura, filme ou livro. Um desses artistas que desenvolveu seu próprio sistema único de visão analítica e, por assim dizer, implantou seus olhos em seus seguidores, foi Edward Hopper. Basta dizer que muitos diretores de cinema em todo o mundo, incluindo Alfred Hitchcock e Wim Wenders, consideravam-se em dívida com ele. No mundo da fotografia, sua influência pode ser vista nos exemplos de Stephen Shore, Joel Meyerowitz, Philip-Lorca diCorcia e a lista continua. Parece que ecos do “olhar desapegado” de Hopper podem ser vistos até mesmo em Andreas Gursky.

Diante de nós está toda uma camada de cultura visual moderna com sua maneira especial de ver o mundo. Uma vista de cima, uma vista de lado, um olhar de um passageiro (entediado) da janela do trem - paradas meio vazias, gestos inacabados de quem espera, superfícies de parede indiferentes, criptogramas de fios ferroviários. Não é justo comparar pinturas e a fotografia, mas se fosse permitido consideraríamos o conceito mitológico do “Momento Decisivo”, introduzido por Cartier-Bresson, a partir do exemplo das pinturas de Hopper. O olhar fotográfico de Hopper destaca inequivocamente seu “momento decisivo”. Com toda a aleatoriedade imaginária, o movimento dos personagens nas pinturas, as cores dos prédios e nuvens ao redor da maneira mais precisa coordenados entre si e subordinados à identificação deste “momento decisivo”. É verdade que este é um momento completamente diferente das fotografias do famoso fotógrafo Zen Henri Cartier-Bresson. Aí este é o momento de pico do movimento realizado por uma pessoa ou objeto; o momento em que a situação fotografada atinge o máximo da sua expressividade, o que permite criar uma imagem característica deste determinado momento com um enredo claro e inequívoco, uma espécie de aperto ou quintessência de um momento “lindo” que deveria ser interrompido a qualquer custo. Segundo os preceitos do Doutor Fausto.

Philippe-Lorca de Corchia "Eddie Anderson"

A fotografia narrativa jornalística moderna e, consequentemente, a fotografia publicitária, tem origem na premissa de parar um momento belo ou terrível. Ambos utilizam a imagem apenas como intermediária entre a ideia (produto) e o consumidor. Neste sistema de conceitos, a imagem torna-se um texto claro que não permite omissões ou ambiguidades. No entanto, estou mais perto personagens secundários fotografias de revistas - ainda não sabem nada sobre o “momento decisivo”.

O “momento decisivo” nas pinturas de Hopper está alguns momentos atrás do de Bresson. O movimento aí apenas começou e o gesto ainda não assumiu uma fase de definição: vemos o seu nascimento tímido. E, portanto, a pintura de Hopper é sempre um mistério, sempre uma incerteza melancólica, um milagre. Observamos um intervalo atemporal entre os momentos, mas a tensão energética deste momento é tão grande quanto no vazio criativo entre a mão de Adão e o Criador em Capela Sistina. E se falamos de gestos, então os gestos decisivos de Deus são bastante bressonianos, e os gestos não revelados de Adão são hopperianos. Os primeiros são um pouco “depois”, os segundos são mais parecidos com “antes”.

O mistério das pinturas de Hopper também reside no fato de que as ações reais dos personagens, seu “momento decisivo”, são apenas uma sugestão do verdadeiro “momento decisivo”, que está localizado fora do quadro, além dos limites do quadro, no ponto imaginário de convergência de muitos outros “momentos” intermediários da pintura.

À primeira vista, as pinturas de Edward Hopper carecem de todos os atributos externos que possam atrair o espectador - a complexidade da solução composicional ou a incrível gama de cores. Superfícies coloridas monótonas cobertas com pinceladas opacas podem ser chamadas de enfadonhas. Mas, ao contrário das pinturas “normais”, as obras de Hopper, de uma forma desconhecida, atingem o nervo da visão e deixam o espectador pensativo por um longo tempo. Qual é o mistério aqui?

Assim como uma bala com centro de gravidade deslocado atinge com mais força e dor, também nas pinturas de Hopper a semântica e a centro de composição a gravidade é completamente deslocada para algum espaço imaginário além dos limites da própria imagem. E nisso está mistério principal, e por isso as pinturas tornam-se, de alguma forma, negativos semânticos de pinturas comuns, construídas segundo todas as regras da arte pictórica.

É a partir disso espaço artístico e flui uma luz misteriosa, que faz com que os habitantes das pinturas pareçam encantados. O que são estes - os últimos raios do sol poente, luz lâmpada de rua, ou a luz de um ideal inatingível?

Apesar dos temas deliberadamente realistas das pinturas e das técnicas artísticas ascéticas, o espectador não fica com uma sensação de realidade indescritível. E parece que Hopper deliberadamente afasta a ilusão das aparências do espectador, de modo que por trás dos movimentos falsos o espectador não será capaz de discernir o que há de mais importante e essencial. Não é isso que a realidade que nos rodeia faz?

Um dos mais pinturas famosas O de Hopper é NightHawks. Diante de nós está um panorama da rua noturna. Uma loja fechada e vazia, as janelas escuras do prédio em frente, e do nosso lado da rua - a vitrine de um café noturno, ou como são chamados em Nova York - um mergulho, no qual estão quatro pessoas - um casal, uma única pessoa tomando seu long drink e um barman (“Quer com ou sem gelo?”). Ah, não, claro que estava errado - o homem de chapéu que se parece com Humphrey Bogart e a mulher de blusa vermelha não são marido e mulher. O mais provável é que sejam amantes secretos, ou... O homem da esquerda não é um espelho duplo do primeiro? As opções se multiplicam, o enredo cresce a partir do eufemismo, como acontece ao caminhar pela cidade ao olhar para abra a janela, escutando trechos de conversas. Movimentos inacabados, significados pouco claros, cores incertas. Uma performance que não assistimos desde o início e dificilmente veremos o seu final. EM Melhor cenário possível- uma das ações. Atores sem talento e um diretor completamente inútil.

É como se estivéssemos espiando através de uma fresta a vida banal de outra pessoa, mas até agora nada aconteceu – e talvez vida comum algo acontece com tanta frequência. Muitas vezes imagino que alguém está observando minha vida de longe - aqui estou sentado em uma cadeira, aqui me levantei, servi o chá - nada mais - lá em cima provavelmente estão bocejando de tédio - sem sentido ou enredo. Mas para criar um enredo, basta um observador externo e imparcial, cortando coisas desnecessárias e introduzindo significados adicionais - é assim que nascem as fotografias e os filmes. Ou melhor, a própria lógica interna das imagens dá origem à trama.

Eduardo Hopper. "janela do hotel"

Talvez o que vemos nas pinturas de Hopper seja apenas uma imitação da realidade. Talvez este seja o mundo dos manequins. Um mundo do qual a vida foi removida – como as criaturas nas garrafas Museu Zoológico, ou veado empalhado, do qual restam apenas as cascas externas. Às vezes as pinturas de Hopper me assustam com esse vazio monstruoso, o vácuo absoluto que brilha por trás de cada pincelada. O caminho para o vazio absoluto, iniciado por “Quadrado Preto”, terminou com “Janela de Hotel”. A única coisa que impede Hopper de ser chamado de niilista completo é justamente essa luz fantástica de fora, esses gestos inacabados dos personagens, enfatizando a atmosfera de misteriosa expectativa de si mesmo. evento importante o que não acontece. Parece-me que Dino Buzzati e o seu “Deserto Tártaro” podem ser considerados um análogo literário da obra de Hopper. Ao longo de todo o romance, absolutamente nada acontece, mas a atmosfera de ação retardada permeia todo o romance - e na expectativa de grandes acontecimentos, você lê o romance até o fim, mas nada acontece. A pintura é muito mais lacônica que a literatura, e todo o romance pode ser ilustrado com apenas uma pintura de Hopper, “People in the Sun”.

Eduardo Hopper. "Pessoas ao Sol"

As pinturas de Hopper tornam-se uma espécie de prova do contrário - foi assim que os filósofos medievais tentaram determinar as qualidades de Deus. A própria presença das trevas prova a existência da luz. Talvez Hopper esteja fazendo a mesma coisa - mostrando um mundo cinzento e chato, ele está fazendo exatamente esta ação de subtração qualidades negativas sugere a existência de outras realidades que não podem ser refletidas pelos meios disponíveis para a pintura. Ou, nas palavras de Emil Cioran, “não podemos imaginar a eternidade de outra forma, exceto eliminando tudo o que acontece, tudo o que é mensurável para nós”.

E, no entanto, as pinturas de Hopper estão unidas por um enredo, não apenas no âmbito da biografia do artista. Em sua sequência, representam uma série de imagens que um anjo espião veria, sobrevoando o mundo, olhando pelas janelas dos arranha-céus de escritórios, entrando em casas invisíveis, espionando nossa vida normal. Assim é a América, vista pelos olhos de um anjo, com suas estradas sem fim, desertos sem fim, oceanos, ruas ao longo das quais se pode estudar a perspectiva clássica. E atores, um pouco como manequins do supermercado mais próximo, um pouco como pessoas em sua pequena solidão no meio de um grande mundo brilhante, soprado por todos os ventos.