A era barroca é chamada de século XVII na arte italiana. Este estilo, que se tornou um dos dominantes na pintura europeia, caracteriza-se por uma visão de mundo sensual e pura e pelo dinamismo das soluções artísticas. Foi revelado com particular plenitude em conjuntos urbanísticos, arquitetônicos e pitorescos de grande escala. A diversidade da arte italiana é determinada pela diversidade das tradições artísticas locais, mas, tal como no Renascimento, a imagem do homem continua a ser o foco dos artistas.

Pietro da Cortona, arquiteto e artista, ficou na história da arte como autor ciclos famosos pinturas que decoravam os palácios de Roma e Florença. A sua composição “O Retorno de Hagar” é um excelente exemplo de pintura de cavalete de um mestre que procurou dar ao estilo barroco um rigor de solução quase classicista.

O florescimento do estilo barroco está associado à obra do napolitano Luca Giordano, que trabalhou em diversas cidades da Itália e influenciou diversos artistas. A dinâmica de movimento e o pathos interno inerentes às suas obras revelaram-se de forma especialmente plena nas imagens de altar, nos ciclos de pinturas monumentais e decorativas e nas pinturas murais. O acervo do Museu inclui diversas obras deste notável mestre, que permitem avaliar a dimensão do seu talento. Estes são alegóricos, evangélicos e histórias mitológicas- “O Castigo de Mársias”, “O Casamento em Caná da Galiléia”, “O Tormento de São Pedro”. Lourenço." A melhor delas, sem dúvida, é a composição “Amor e vícios desarmam a Justiça”.

A escola napolitana, marcada pela originalidade do seu desenvolvimento, está representada na exposição por diversas obras. Politicamente, o Vice-Reino de Nápoles estava sob o domínio da coroa espanhola, o que deixou a sua marca no desenvolvimento da arte. A pintura de Bernardo Cavallino “A Expulsão de Heliodoro do Templo”, na qual as tradições acadêmicas foram refratadas de forma única, e as obras dramáticas de Andrea Vaccaro (“Maria e Marta”) e Domenico Gargiulo (“Transferência da Arca da Aliança pelo Rei David para Jerusalém”) testemunham a diversidade de pesquisas artísticas dentro de escolas individuais.

O estilo barroco deu um impulso poderoso ao florescimento da paisagem, da natureza morta e das pinturas de gênero em sua versão nacional italiana única.

Na virada dos séculos XVII para XVIII, a arte se deparou com a tarefa de superar o academicismo, que se transformara em um conjunto de fórmulas abstratas. Em Bolonha, este reduto da tradição acadêmica, Giuseppe Maria Crespi, usando habilmente o jogo do claro-escuro, resolve assuntos religiosos (“Sagrada Família”) e mitológicos (“Ninfas desarmando cupidos”) de uma nova maneira, enchendo-os de sentimento humano vivo . O genovês Alessandro Magnasco, que trabalhou em Milão, Florença e Bolonha, baseado nas tradições pictóricas do século XVII, desenvolveu tendências românticas. Características do grotesco são inerentes às suas composições inusitadas, escritas com traços nervosos e comoventes, com cenas da vida de monges e atores errantes (“Paisagem com Monges”, “Refeição de Freiras”, “A Pega Científica”). E mesmo o tema mitológico de afirmação da vida de “Bacchanalia” na interpretação do mestre é repleto de um sentimento de profunda melancolia. O artista realizou esta pintura em colaboração com Clemente Spera, autor de ruínas arquitetônicas.

O período de nova ascensão ocorre no século XVIII, quando o estilo Rococó se estabelece em solo italiano, cujos traços são coloridos por obras de diversos gêneros - retrato (Sagrestani “Retrato de um Homem”, Luigi Crespi “Retrato de um Menina com cesta de flores”), representações de cenas da vida cotidiana (imitador Longhi “Encontro do procurador com sua esposa”), pinturas sobre temas da história antiga e da mitologia (Crosato “A descoberta de Moisés”, Pittoni “A morte de Sofonisba”, Sebastiano Ricci “O Centurião diante de Cristo”). O último período brilhante da história da arte italiana está associado a Veneza, que no século XVIII produziu toda uma galáxia de pintores do mais alto nível. Um lugar especial entre eles é justamente ocupado por Giambattista Tiepolo, destacado pintor da sua época, reconhecido mestre da pintura monumental e decorativa, que recebeu inúmeras encomendas de países europeus. Seus pincéis pertencem composição do altar“Madonna and Child and Saints”, bem como esquetes executados livremente “A Morte de Dido” e “Dois Santos”.

Na secção do século XVIII, destacam-se as obras do pintor romano Panini (“Bento XIV visita a Fonte de Trevi”), que, no género das paisagens com motivos de ruínas, foi o antecessor do francês Hubert Robert, então altamente valorizado na Rússia.

Em Veneza, cuja beleza encantadora não deixou ninguém indiferente, formou-se uma direção especial de pintura de paisagem - a imagem da cidade com seus palácios, canais, praças repletas de uma multidão heterogênea e pitoresca. As telas de Canaletto, Bernardo Bellotto, Marieschi, pertencentes ao gênero do vedata arquitetônico, fascinam pela precisão ilusória da imagem, enquanto as obras de câmara de Francesco Guardi, chamadas de paisagens caprichosas, não reproduzem tanto visualizações reais, quantos oferecem ao espectador uma certa imagem poética da cidade.

Gianantonio Guardi, ao contrário de seu irmão mais novo, Francesco, ganhou fama como mestre em composições com figuras sobre temas bíblicos, mitológicos e históricos. A exposição apresenta sua pintura “Alexandre, o Grande no corpo do rei persa Dario”, reconhecida uma verdadeira obra-prima mestres Na época do carnaval e do brilhante florescimento da música, utilizando com maestria a linguagem da textura e da cor, Guardi cria uma sinfonia pictórica inesquecível, permeada pelo movimento vivo do sentimento humano. O período termina com esta nota alta maior floração Arte italiana, que começou com o Renascimento.

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Principais características da arte do século XVII. A gravitação dos mestres barrocos para tamanhos grandiosos, formas complexas, exaltação monumental, pathos - a busca de meios que aumentem a eficácia imagens criadas. Daí a idealização de soluções figurativas, a dramatização de enredos, o aumento da emotividade, a hiperbolicidade, a irracionalidade colorida, o exagero dos efeitos naturalistas, a abundância e riqueza de acessórios e detalhes, o uso de ângulos complexos, contrastes de luz e cores projetados para criar a impressão enganosa de “pinturas vivas”. Na síntese barroca das artes, a escultura e a pintura estão subordinadas à arquitetura, estando com ela em constante interação. Pinturas coloridas decoram as cúpulas, abajures e paredes, criando a ilusão de um vasto espaço. Cheia de dinâmica, a escultura é pitoresca e indissociável da arquitetura. Os criadores de extensos conjuntos arquitetônicos e decorativos incluem em sua composição a natureza, transformada pela mão do homem. Combinam praças e ruas adjacentes aos edifícios mais representativos com colunatas, terraços, esculturas, fontes e cascatas. Há um desejo de uma ampla cobertura da realidade na arte.

Barroco Barroco - de “estranho, bizarro” - é o estilo de arte na Europa e na América do final do século XVI a meados do século XVIII. Associado à arquitetura da igreja nobre do absolutismo maduro. Gravita em torno do solene “grande estilo”. B. é caracterizado pelo contraste, pela tensão, pelo dinamismo das imagens, pelo desejo de grandeza e esplendor, pela combinação de realidade e ilusão e pela fusão de vários tipos de arte. B. a arquitetura é caracterizada pela abrangência espacial, unidade e fluidez de formas complexas, geralmente curvilíneas. Para escultura e pintura - composições decorativas espetaculares, retratos cerimoniais. Representantes de B. - P. Rubens, V. Rastrelli, P. Calderon, T. Tasso, A. van Dyck, F. Borromini.

Irmãos Carracci. Carracci, uma família de pintores italianos de Bolonha no início do século XVII, os fundadores do academicismo na pintura europeia. Na virada dos séculos XVI para XVII, na Itália, como reação ao maneirismo, tomou forma um movimento acadêmico na pintura. Os seus princípios básicos foram estabelecidos pelos irmãos Carracci - Lodovico (1555-1619), Agostino (1557-1602) e Annibale (1560-1609). Procuraram aproveitar amplamente a herança renascentista, apelando ao mesmo tempo ao estudo da natureza. Estando nas origens da pintura italiana do século XVII, eles determinam em grande parte o seu caráter. A obra destes mestres, que marcou uma viragem no desenvolvimento da arte italiana, teve grande ressonância nos meios artísticos europeus, o que foi facilitado pelo facto de desde a década de 90 do século XVI os irmãos Carracci e Caravaggio trabalharem em Roma.

GIOVANNI LORENZO BERNINI Data de nascimento: 7 de dezembro de 1598 (1598 -1207) Local de nascimento: Nápoles Data de falecimento: 28 de novembro de 1680 (1680 -11 -28) (81 anos) Local de falecimento: Roma Cidadania: Itália Gênero: escultura, arquitetura Estilo: Barroco

"O Êxtase de Santa Teresa"

FRANCESCO BORROMINI Data de nascimento 25 de setembro de 1599(159909 -25) Local de nascimento Bissone, Ticino Data de falecimento 2 de agosto de 1667(1667 -08 -02) (67 anos) Local de falecimento Roma Estilo arquitetônico barroco

Caravaggio Michelangelo Merisi de Caravaggio (italiano Michelangelo Merisi de Caravaggio; 28 de setembro de 1573, Milão - 18 de julho de 1610, Grosseto [fonte não especificada 123 dias], Toscana) - artista italiano, reformador da pintura europeia do século XVII, um dos os maiores mestres do barroco. Não existem temas religiosos, existem temas e imagens reais, “um homem da multidão.” Mostra o mundo objetivo, as situações de vida, a diversidade e a riqueza. Empatia entre o espectador e a imagem: o espectador é um participante da ação. Fragmentação A imagem do Santo foi retratada como verdadeiramente terrena. Distribuição da luz incidente: luz teatral, iluminação de rampa, iluminação de feixe: fundo escuro, iluminação seletiva unilateral. Uso de colchas - “cortinas antigas” - tecidos pesados ​​e drapeados. Cor vermelha local O tema da vida e da morte O belo e o feio

"O Chamado do Apóstolo Mateus"

"Madona do Rosário" 1607.

Rubens Peter Paul 1577, Siegen, Alemanha - 1640, Antuérpia. Pintor flamengo, desenhista. Diretor da escola flamenga de pintura barroca. O espírito de otimismo afirmativo da vida distingue as pinturas de Rubens sobre temas antigos pelo seu ritmo solene, grandiosidade e imagens cheias de sangue, por vezes dotadas de forte fisicalidade. A gama criativa de Rubens é enorme, voltando-se para os temas do Antigo e do Novo Testamento, para a representação de santos, para a mitologia antiga e temas históricos, para a alegoria, gêneros cotidianos, retratos e paisagens. A sua arte, dotada de um sentido vivo e poderoso da natureza e de uma imaginação inesgotável, é rica em motivos de enredo, dramatização detalhada da ação, variedade de soluções composicionais, abundância de figuras e acessórios, intensidade de sentimentos e gestos patéticos. Baseado na elevada ideia do humanismo renascentista sobre o homem, Rubens retrata seus heróis, distantes dos ideais clássicos, em maior tensão física e espiritual. O sentimento dos elementos eternos da natureza está subordinado em suas obras à ideia geral da unidade do vasto mundo, à clareza da imaginação plástica. Repensando a experiência artística do passado em consonância com o sistema de arte barroca, o mestre cria um mundo único de imagens em que as características barrocas de convenção e exaltação externa retrocedem diante da poderosa pressão da realidade viva. Em busca da glorificação da imagem, da energia transbordante, da luta de forças opostas, o artista está na linha de frente. Década de 1610 transmite ampla e diversamente a dinâmica do movimento, violando o princípio clássico do espaço fechado na composição.

Anthony Van Dyck (22 de março de 1599 - 9 de dezembro de 1641) - Pintor e artista gráfico da Holanda do Sul (Flamengo), mestre em retratos da corte e temas religiosos no estilo barroco. Anthony van Dyck permaneceu comprometido com o realismo flamengo. Em seus melhores trabalhos - em retratos de pessoas de diferentes classes, níveis sociais, diferentes em constituição mental e intelectual - ele encontrou corretamente semelhanças individuais e penetrou na essência espiritual interior do modelo. As imagens típicas de Van Dyck dão uma ideia do caráter de toda uma época da história da Europa. No retrato, criou uma espécie de retrato aristocrático brilhante, a imagem de um homem refinado, intelectual, nobre, nascido de uma cultura aristocrática, refinado e frágil. Os heróis de Van Dyck são pessoas com traços faciais delicados, com um toque de melancolia e, às vezes, tristeza e devaneio ocultos. Eles são graciosos, bem-educados, cheios de calma, confiança e senso de independência e ao mesmo tempo mentalmente inertes; Não se trata de cavaleiros, mas de cavalheiros, socialites da corte ou pessoas de intelecto refinado, atraídos pela aristocracia espiritual. Criou composições complexas com fundos decorativos e motivos paisagísticos e arquitetônicos. Proporções alongadas, poses orgulhosas, gestos demonstrativos e as espetaculares dobras fluidas das roupas realçavam a imponência das imagens. O conhecimento da pintura veneziana trouxe riqueza, riqueza de tons e harmonia contida à sua paleta. O gesto e o figurino enfatizavam o caráter da pessoa retratada. O artista pintou retratos da família real, cortesãos polidos, que muitas vezes escondiam um vazio interior por trás da elegância de sua aparência. A composição dos retratos tornou-se complicada, decorativa, o esquema de cores tornou-se frio prateado-azulado.

Snyders França (1579-1657) Pintor flamengo. O maior mestre flamengo de natureza morta e pintor de animais. Frans Snyders é chamado de “Rubens da natureza morta”, tão vívida é sua contribuição para a tradição deste gênero Pintura flamenga. Telas monumentais representando barracas de carne, peixe, verduras e frutas trouxeram grande fama ao artista. Estas grandes obras decorativas, criadas para decorar interiores cerimoniais de palácios, encarnavam o espírito do barroco flamengo. Snyders foi um maravilhoso pintor de animais; ele criou cenas de caça, estudos de animais e introduziu imagens de animais domésticos em suas “lojas” e “cozinhas”. As obras de Snyders eram extremamente populares entre a nobreza flamenga e espanhola.

Jacob Jordaens Jordaens, Jordaens Jacob (1593 -1678), pintor flamengo que pintou pinturas de conteúdo religioso, histórico, mitológico, alegórico, bem como pinturas de gênero cotidiano com figuras e retratos em tamanho real. Nasceu em Antuérpia em 19 de maio de 1593 na família de um comerciante têxtil. Percepção sensorial vívida da vida, otimismo, modelagem poderosa de formas. A pintura de Jordaens é extremamente colorida, o corpo das figuras respira saúde e frescor, principalmente as femininas; os movimentos dos personagens nas pinturas são fortes e impetuosos. Nas pinturas de Jordaens, como nas obras de Rubens, há mais poder e energia do que beleza de forma e graça. A composição das pinturas do artista flamengo é livre e rica, e a execução também é gratuita e rápida. Nas primeiras obras de Jordaens, a materialidade dos objetos é enfatizada, contrastando o claro-escuro, e o caráter plebeu das figuras agrupadas em primeiro plano. Características de sua linguagem artística: predileção por tipos camponeses e burgueses de sangue puro, figuras pesadas e fortes, detalhes ricos, propensão à interpretação de gênero de temas mitológicos e religiosos, pintura densa e enérgica com predominância de tons quentes com nuances suaves.

"Rei do Feijão"

Jusepe Ribera (1591 -1652) Pintor e gravador espanhol (de nascimento). Seguidor do mestre italiano Michelangelo de Caravaggio, representante direção realista na pintura europeia do século XVII. Recebeu a sua educação artística em Valência e Roma. Ele passou a maior parte de sua vida em Nápoles, onde se tornou pintor da corte dos vice-reis espanhóis. Criou pinturas baseadas em textos bíblicos e histórias do evangelho, pintou cenas da vida dos santos, Atenção especial focando em temas de eremitério e cenas dramáticas de martírio. Ele criou as séries “Apóstolos” e “Filósofos Mendigos”, pintou retratos, pinturas sobre temas antigos e cenas de gênero. Durante sua vida ele foi extremamente popular e gozou do patrocínio do rei espanhol. Ribera é um dos artistas mais importantes da época barroca. A sua obra pertence simultaneamente à arte italiana e espanhola, pois o seu estilo, rico e complexo, tornou-se o ponto de partida no desenvolvimento da escola napolitana e, graças às inúmeras obras trazidas para Espanha, teve uma enorme influência na maioria dos artistas espanhóis.

Diego Rodriguez de Silva Velázquez (1599 -1660) Os retratos criados por Velázquez em 1630-1640 trouxeram-lhe a merecida fama como mestre do gênero. Embora os retratos de Velázquez geralmente careçam de gestos e movimentos, eles são extraordinariamente realistas e naturais. O fundo é escolhido para realçar ao máximo a figura, o esquema de cores é rigoroso, mas animado por combinações de cores cuidadosamente selecionadas. Velázquez conseguiu transmitir o caráter de uma pessoa em um retrato, para mostrar a inconsistência de seus traços de caráter. Os mais famosos são os retratos de Don Juan Mateos (1632), General Olivares (1633), o retrato equestre do Rei Filipe III (1635), do Papa Inocêncio X (1648), bem como uma série de retratos de anões e bobos ( Los truhanes). Os retratos do período tardio da obra de Velázquez são em grande parte caracterizados pela arte e perfeição psicológica (Infanta Maria Teresa, 1651; Filipe IV, 1655-1656; Infanta Margarida da Áustria, por volta de 1660).

A verdadeira coroa da criatividade de Velázquez são as suas duas obras localizadas no Prado - “Las Meninas” (1656) e “As Fiandeiras” (c. 1657). A pintura “Las Meninas” (em português, uma menina é uma jovem aristocrática que serviu como dama de honra das infantas espanholas, razão pela qual a pintura também é chamada de “Damas de Honra” ou “Damas da Corte”) leva-nos ao cenário sombrio de uma espaçosa sala do palácio. Pela primeira vez na história da pintura, Velázquez mostra a vida da corte real no cotidiano, revelando ao espectador sua vida cotidiana, como se estivesse nos bastidores. Todo o quadro é construído sobre uma dialética complexa entre a redução da grandeza oficial e a elevação do real. Embora “Las Meninas” combine as características de uma pintura doméstica e de um retrato de grupo, a obra ultrapassa as fronteiras desses gêneros.

Universidade Regional do Estado de Moscou

Resumo sobre história da arte

Arte italiana do século XVII.

Realizado:

estudante por correspondência

33 turmas da Faculdade de Belas Artes e Ciências

Minakova Evgenia Yurievna.

Verificado:

Moscou 2009

• Itália no século XVII
• Arquitetura. Estilo barroco na arquitetura.
• Arquitetura. Barroco inicial.
• Arquitetura. Alto, ou maduro, barroco.
• Arquitetura. Arquitetura barroca fora de Roma.
• Arte. Características gerais.
• Arte. Barroco inicial.
• Arte. Fluxo realista.
• Arte. A segunda geração de artistas da escola bolonhesa.
• Arte. Alto, ou maduro, barroco.
• Arte. Barroco tardio.

Já a partir de meados do século XVI, o desenvolvimento histórico da Itália caracterizou-se pelo avanço e pela vitória da reação feudal-católica. Economicamente fraca, fragmentada em estados independentes separados, a Itália é incapaz de resistir ao ataque de países mais poderosos - França e Espanha. A longa luta destes estados pelo domínio da Itália terminou com a vitória da Espanha, garantida pelo tratado de paz de Cateau Cambresi (1559). A partir dessa época, o destino da Itália esteve intimamente ligado ao da Espanha. Com excepção de Veneza, Génova, Piemonte e dos Estados Papais, a Itália foi efectivamente uma província espanhola durante quase dois séculos. A Espanha envolveu a Itália em guerras devastadoras, que muitas vezes ocorreram no território dos estados italianos, e contribuiu para a propagação e fortalecimento da reação feudal na Itália, tanto na economia como na vida cultural.

A posição dominante na vida pública da Itália foi ocupada pela aristocracia e pelo mais alto clero católico. Nas condições de profundo declínio económico do país, apenas os grandes senhores feudais seculares e eclesiásticos ainda possuíam riquezas materiais significativas. O povo italiano - camponeses e citadinos - encontrava-se numa situação extremamente difícil, condenado à pobreza e até à extinção. O protesto contra a opressão feudal e estrangeira encontra expressão em numerosas revoltas populares que eclodiram ao longo do século XVII e por vezes assumiram uma escala formidável, como a revolta de Masaniello em Nápoles.

O caráter geral da cultura e da arte da Itália no século XVII foi determinado por todas as características do seu desenvolvimento histórico. Foi na Itália que a arte barroca nasceu e se desenvolveu mais. No entanto, sendo dominante na arte italiana do século XVII, esta direção não foi a única. Além dela e paralelamente a ela, desenvolvem-se movimentos realistas, associados à ideologia das camadas democráticas da sociedade italiana e que recebem um desenvolvimento significativo em muitos centros artísticos da Itália.

A arquitetura monumental da Itália do século XVII satisfazia quase exclusivamente as necessidades da Igreja Católica e da mais alta aristocracia secular. Durante este período, foram construídos principalmente edifícios de igrejas, palácios e vilas.

A difícil situação económica da Itália não permitiu a construção de estruturas muito grandes. Ao mesmo tempo, a igreja e a mais alta aristocracia precisavam de fortalecer o seu prestígio e influência. Daí o desejo de soluções arquitetônicas inusitadas, extravagantes, cerimoniais e nítidas, o desejo de maior decoratividade e sonoridade das formas.

A construção de edifícios impressionantes, embora não tão grandes, contribuiu para a criação da ilusão de bem-estar social e político do Estado.

O Barroco atinge a sua maior tensão e expressão nos locais de culto e nos edifícios das igrejas; suas formas arquitetônicas correspondiam perfeitamente aos princípios religiosos e ao lado ritual do catolicismo militante. Ao construir inúmeras igrejas, a Igreja Católica procurou fortalecer e fortalecer o seu prestígio e influência no país.

O estilo barroco, desenvolvido na arquitectura desta época, caracteriza-se, por um lado, pelo desejo de monumentalidade, por outro, pelo predomínio dos princípios decorativos e pitorescos sobre os tectónicos.

Tal como as obras de arte, os monumentos arquitectónicos barrocos (especialmente os edifícios das igrejas) foram concebidos para realçar impacto emocional no espectador. O princípio racional subjacente à arte e à arquitetura do Renascimento deu lugar ao princípio irracional, estático, calma - dinâmica, tensão.

O barroco é um estilo de contrastes e distribuição desigual de elementos composicionais. Grandes e suculentas formas curvas e arqueadas são de particular importância nele. Os edifícios barrocos caracterizam-se pela frontalidade e construção das fachadas. Os edifícios são percebidos em muitos casos de um lado - do lado da fachada principal, o que muitas vezes obscurece o volume da estrutura.

O Barroco dá grande atenção aos conjuntos arquitetônicos - cidade e parque, mas os conjuntos desta época baseiam-se em princípios diferentes dos conjuntos do Renascimento. Os conjuntos barrocos na Itália são construídos com base em princípios decorativos. Caracterizam-se pelo isolamento e relativa independência do sistema geral de planeamento da área urbana. Um exemplo é o maior conjunto de Roma – a praça em frente à Catedral de São Pedro. Petra.

Colunatas e paredes decorativas que cercavam o espaço em frente à entrada da catedral cobriam os edifícios desordenados e aleatórios localizados atrás delas. Não há conexão entre a praça e a complexa rede adjacente de vielas e casas aleatórias. Os edifícios individuais que fazem parte de conjuntos barrocos parecem perder a sua independência, subordinando-se completamente ao plano composicional geral.

O Barroco colocou o problema da síntese das artes de uma nova maneira. A escultura e a pintura, que desempenham um papel muito importante nos edifícios desta época, entrelaçando-se e muitas vezes obscurecendo ou deformando ilusoriamente as formas arquitectónicas, contribuem para a criação daquela impressão de riqueza, esplendor e esplendor que os monumentos barrocos invariavelmente produzem.

A obra de Michelangelo foi de grande importância para a formação de um novo estilo. Nas suas obras desenvolveu uma série de formas e técnicas que mais tarde foram utilizadas na arquitetura barroca. O arquiteto Vignola também pode ser caracterizado como um dos antecessores imediatos do Barroco; em suas obras podem-se notar vários sinais iniciais desse estilo.

Um novo estilo - o barroco na arquitetura italiana - substituiu o Renascimento na década de 80 do século XVI e desenvolveu-se ao longo do século XVII e primeira metade do século XVIII.

Convencionalmente, dentro da arquitetura desta época, podem ser distinguidas três fases: o barroco inicial - da década de 1580 ao final da década de 1620, o barroco alto ou maduro - até o final do século XVII e mais tarde - a primeira metade do século 18.

Os primeiros mestres do Barroco são considerados os arquitetos Giacomo della Porta e Domenico Fontana. Pertenciam à geração seguinte em relação a Vignola, Alessi, Ammanati, Vasari e encerraram a sua atividade no início do século XVII. Ao mesmo tempo, como observado anteriormente, as tradições do final da Renascença continuaram a viver na obra destes mestres.

Giacomo della Porta. Giacomo della Porta (1541-1608) foi aluno de Vignola. A sua construção mais antiga, a Igreja de Sita Catarina em Funari (1564), pertence ao estilo renascentista. No entanto, a fachada da Igreja del Gesù, que este arquitecto concluiu após a morte de Vignola (a partir de 1573), é muito mais barroca do que o projecto original do seu professor. A fachada desta igreja, com a sua característica divisão em dois níveis e volutas laterais, e o plano de construção serviram de modelo para várias igrejas católicas em Itália e noutros países. Após a morte de Michelangelo, Giacomo della Porta concluiu a construção da grande cúpula da Catedral de São Pedro. Petra. Este mestre também foi o autor da famosa Villa Aldobrandini em Frascati, perto de Roma (1598-1603). Como de costume, o edifício principal da vila está localizado na encosta da montanha; Uma rampa arredondada de mão dupla leva à entrada principal. No lado oposto do edifício existe um jardim. No sopé da montanha existe uma gruta semicircular com arcos, acima dela existe uma cascata de água emoldurada por escadas. O edifício em si tem uma forma prismática muito simples e é completado por um enorme frontão quebrado.

Na composição da villa, nas estruturas do parque que a compõem e na natureza dos detalhes plásticos, manifesta-se claramente o desejo de beleza deliberada e requinte da arquitetura, tão característico do Barroco na Itália.

Na época em análise, o sistema de parques italiano estava finalmente tomando forma. Caracteriza-se pela presença de um único eixo do parque, situado na encosta da montanha com inúmeras encostas e terraços. O edifício principal está localizado no mesmo eixo. Um exemplo típico de tal complexo é a Villa Aldobrandini.

Domenico Fontana. Outro grande arquiteto do início do Barroco foi Domenico Fontana (1543-1607), um dos sucessores romanos de Michelangelo e Vignola. Sua maior obra é o Palácio de Latrão, em Roma. O palácio na forma que Fontana lhe deu é uma praça quase regular com um pátio quadrado encerrado no seu interior. O desenho da fachada do palácio é inteiramente baseado na arquitetura do Palazzo Farnese de Antonio Sangallo, o Jovem. Em geral, a construção palaciana da Itália no século XVII baseou-se no desenvolvimento do tipo composicional de palácio-palácio, que foi desenvolvido pela arquitetura do Renascimento.

Juntamente com seu irmão Giovanni Fontana, Domenico construiu a fonte Acqua Paolo em Roma em 1585-1590 (sem sótão, que mais tarde foi feito por Carlo Maderna). A sua arquitetura baseia-se na reformulação das formas dos antigos arcos triunfais.

Carlos Maderna. O aluno e sobrinho de Domenico Fontana, Carlo Maderna (1556-1629), finalmente fortaleceu o novo estilo. A sua obra é de transição para o período do Barroco desenvolvido.

O primeiro trabalho de Maderna é a fachada da antiga Basílica Cristã de Susana em Roma (c. 1601). Com base no desenho da fachada da Igreja de Gesù, a fachada da Igreja de Susana está claramente dividida por ordens, decorada com estátuas em nichos e numerosas decorações ornamentais.

Em 1604 Maderna foi nomeado arquiteto-chefe da Catedral de St. Petra. Por ordem do Papa Paulo V, Maderna elaborou um projeto de ampliação da catedral com a adição da entrada frontal. O clero insistiu em alongar a cruz grega para a forma latina, o que estava de acordo com a tradição da arquitetura da igreja. Além disso, as dimensões da catedral de Michelangelo não cobriam completamente a área onde se localizava a antiga basílica, o que era inaceitável do ponto de vista dos ministros da Igreja.

Como resultado, durante a construção da nova fachada frontal da catedral, Maderna mudou completamente plano original Miguel Ângelo. Este último concebeu a catedral para ficar no centro de uma grande praça, o que permitiria passear pelo edifício e vê-lo de todos os lados. Maderna, com a sua extensão, fechou ao observador as laterais da catedral: a largura da fachada ultrapassa a largura da parte longitudinal do templo. O alongamento do edifício levou ao facto de a cúpula de S. Petra é totalmente percebida apenas a uma distância muito grande: à medida que se aproxima do edifício, ela desaparece gradualmente atrás da parede da fachada.

O segundo período da arquitetura barroca - período de maturidade e florescimento do estilo - está associado à obra dos maiores mestres: L. Bernini, F. Borromini, C. Rainaldi - em Roma, B. Longhena - em Veneza, F. Ricchini - em Milão, Guarino Guarini - em Torino.

Lourenço Bernini. A figura central do barroco maduro é Lorenzo Bernini (1598-1680). Ele não foi apenas um arquiteto, mas também o maior escultor do século XVII na Itália.

Desde 1629, Bernini, após a morte de Maderna, continuou a construção da Catedral de São Pedro. Petra. Em 1633, ele construiu um grande dossel de bronze na catedral acima da cúpula principal, sustentado por quatro colunas retorcidas e desconstrutivas em sua base. Segundo a tradição, este dossel é considerado a primeira obra do Barroco maduro. Executado por Bernini decoração de interior A catedral foi sugerida a ele pelo projeto de Michelangelo. Esta decoração é um maravilhoso exemplo de interior de igreja barroca.

A maior obra arquitetônica de Bernini foi o desenho da praça em frente à Catedral de São Pedro. Pedro (1655-1667). O arquitecto criou dois quadrados - um grande elíptico, emoldurado por colunas, e um quadrado trapezoidal imediatamente adjacente, limitado no lado oposto pela fachada principal da catedral. Um obelisco e duas fontes localizadas simetricamente foram instaladas dentro da praça oval.

Bernini deu continuidade e desenvolveu o plano de Maderna: as colunatas não permitem a aproximação lateral à catedral. Apenas a fachada principal permanece acessível ao espectador.

A majestosa arquitetura da Piazza Bernini proporcionou um cenário digno para a cerimônia do congresso da nobreza para o serviço solene realizado na catedral. Nos séculos XVII e XVIII, este congresso foi um espetáculo magnífico e solene. Praça da Catedral de St. Petra é o maior conjunto barroco italiano.

No Vaticano, Bernini criou a Escadaria Real cerimonial - “Scala Regia” (“Rocha do Sítio”), na qual utilizou a técnica de realçar artificialmente a redução da perspectiva. Devido ao estreitamento gradual da marcha e à redução das colunas, cria-se a impressão de maior profundidade da sala e de aumento do tamanho da própria escada.

Entre as obras mais características de Bernini está a igrejinha de San Andrea in Quirinale (1678), cuja fachada principal assemelha-se a um portal com pilastras e frontão triangular. Este portal está, por assim dizer, fixado mecanicamente ao volume principal do edifício, de planta oval.

A principal obra de Bernini no campo da arquitetura civil é o Palazzo Odescalchi em Roma (1665), projetado segundo o habitual desenho renascentista. O centro composicional do edifício é, como habitualmente, o pátio, delimitado por arcadas no rés-do-chão. A distribuição das janelas nas fachadas e a sua decoração decorativa lembram também um palácio do século XVI. Apenas a parte central da fachada principal foi desenvolvida de uma nova forma: os dois pisos superiores são cobertos por uma grande ordem em forma de pilastras coríntias, o primeiro andar em relação a esta ordem desempenha o papel de pedestal. Uma ruptura semelhante da parede da fachada seria mais tarde difundida na arquitetura classicista.

Bernini também deu continuidade à construção do Palazzo Barberini, iniciada por Maderna. O edifício não possui pátio fechado, comum nos palácios italianos. O edifício principal é delimitado em ambos os lados por alas que se projetam para a frente. A parte central da fachada principal é percebida como uma aplicação aplicada, para fins decorativos, na superfície da parede. O risalit central apresenta janelas em arco muito amplas e altas, com meias colunas colocadas nos espaços entre elas; no térreo há uma loggia profunda. Tudo isto distingue nitidamente a parte central da fachada das partes laterais mais maciças, desenhadas nas tradições da arquitectura do século XVI. Uma técnica semelhante também foi muito difundida na arquitetura barroca italiana.

É interessante a escadaria oval do Palazzo Barberini com lances em espiral sustentados por colunas duplas toscanas.

Francesca Borromsh. Não menos importante para o barroco italiano é a obra de Francesco Borromini (1599-1667), colaborador de Bernini, e mais tarde seu rival e inimigo. As obras de Borromini distinguem-se pelo seu esplendor particular e formas “dinâmicas”. Borromini levou o estilo barroco à sua máxima intensidade.

A principal obra de Borromini no campo da arquitetura de templos é a Igreja de San Carlo "nas quatro fontes" (1638-1667). A sua fachada é percebida como uma composição arquitetónica independente, independente do edifício. Possui formas curvas e onduladas. Nesta fachada é possível observar todo o arsenal de formas barrocas - cornijas em arco quebrado, cartelas ovais e outros detalhes decorativos. A própria igreja tem uma planta complexa, que lembra dois sinos colocados juntos nas suas bases. O teto é uma cúpula oval. Como em muitos outros edifícios desta época, a composição da igreja baseia-se no contraste dos volumes arquitetónicos externos e internos, na surpresa do efeito que ocorre ao entrar no edifício.

Um dos mais trabalho significativo O arquitecto é a igreja romana de San Ivo, incluída no edifício da Sapiencia (universidade, 1642-1660). Deve-se notar os contornos complexos da planta da igreja e a total discrepância entre as conchas externa e interna da cúpula. Do lado de fora, tem-se a impressão de um tambor alto e uma cúpula plana cobrindo este tambor. Depois de entrar, você está convencido de que as partes inferiores da tampa do domo estão localizadas diretamente na base do tambor.

Borromini projetou a Villa Falconieri em Frascati. Além disso, reconstruiu o Palazzo Spada e trabalhou antes de Bernini no Palazzo Barberini (ver acima).

Carlos Rainaldi. Carlo Rainaldi (1611-1691) é um dos principais construtores do apogeu do Barroco. As obras mais importantes de Rainaldi são as igrejas de San Agnese e Sita Maria in Campitelli.

A Igreja de San Agnese (iniciada em 1651) está localizada no eixo da Piazza Navona, que preserva os contornos do antigo Circo de Domiciano que anteriormente aqui se encontrava. A praça é decorada com fontes barrocas de Bernini, típicas da época. A igreja tem planta cêntrica e é encimada por uma grande cúpula; a sua fachada arqueada e côncava é delimitada em ambos os lados por torres sineiras. Ao contrário da maioria das igrejas romanas desta época, a cúpula não fica escondida pelo plano da fachada, mas funciona como principal centro composicional de toda a área.

A Igreja de Sita Maria in Campitelli foi construída posteriormente, em 1665-1675. A sua fachada de dois níveis, desenhada segundo o sistema da Igreja del Gesù, e o seu desenho interior são um exemplo típico da arquitectura barroca madura.

Rainaldi também era dono da fachada posterior da igreja romana de Santa Maria Maggiore (1673).

No século XVII, a arquitectura romana foi enriquecida com várias novas vilas localizadas nas proximidades da cidade. Além da Villa Doria Pamphilj, construída pelos arquitectos Algardi e Grimaldi (c. 1620), foram criadas, entre outras, a Villa Mandragone e a Villa Torlonia - ambas localizadas em Frascati, bem como a Villa d'Este em Tivoli. têm belas piscinas, fileiras de ciprestes, arbustos perenes, terraços decorados com balaustradas, grutas, inúmeras esculturas... A sofisticação e o esplendor da decoração decorativa foram muitas vezes combinados com elementos da natureza selvagem introduzidos na paisagem criada artificialmente.

O barroco fora de Roma foi produzido por vários arquitetos importantes. Bartolomeo Bianco trabalhou em Gênova no século XVII. A sua principal obra é o edifício da Universidade de Génova (de 1623) com um maravilhoso pátio delimitado por arcadas de dois andares e belas escadarias adjacentes a elas. Devido ao facto de Génova estar situada na encosta de uma montanha, como um anfiteatro que desce até ao mar, e os edifícios individuais serem construídos em terrenos com grande declive, estes últimos são dominados pela colocação de edifícios e pátios em diferentes níveis. No edifício da Universidade, o vestíbulo frontal, o pátio central e, por fim, as escadas situadas atrás da arcada aberta de dois níveis que conduz ao jardim estão articulados num eixo composicional posicionado horizontalmente em ordem ascendente.

O arquiteto Baltassare Longhena (1598-1682) trabalhou em Veneza. Sua principal obra é a maior, junto com a Catedral de St. Marcos, Igreja de Veneza Santa Maria delle Salute (1631-1682); está localizado na seta entre o Canal Giudecca e o Grande Canal. Esta igreja tem duas cúpulas. Atrás do volume principal, octogonal, encimado por cúpula, encontra-se um segundo volume que contém o altar; também é equipado com uma cúpula, mas de tamanho menor. A entrada do templo tem a forma de um arco triunfal. O tambor da cúpula principal é conjugado com as paredes principais da igreja por 16 volutas espirais com esculturas nelas instaladas. Enriquecem a silhueta do edifício e conferem-lhe um carácter especial. Apesar do esplendor da decoração, o aspecto exterior da igreja é marcado por uma certa fragmentação da arquitectura e secura dos detalhes. No interior, a igreja, revestida de mármore cinza claro, é espaçosa, mas fria e formal.

No Grande Canal de Veneza estão localizados os dois palácios mais importantes construídos por Longhena - Palazzo Pesaro (c. 1650) e Palazzo Rezzonico (1680). Em termos da estrutura das suas fachadas, estas últimas são em muitos aspectos semelhantes aos palácios de Veneza durante o Renascimento, em particular com o Palazzo Corner Sanso-Vino, mas ao mesmo tempo diferem deles em incomparavelmente mais riqueza e decoração formulários.

O arquiteto Guarino Guarini (1624-1683), ex-monge da ordem teatina, trabalhou em Turim. Guarino Guarini - “o mais barroco de todos os arquitetos barrocos” - só pode ser comparado em seu temperamento criativo com Francesco Borromini. Nas suas obras, utilizou frequentemente motivos mouriscos e mouriscos reciclados para fins decorativos, além das formas habituais. arquitetura gótica. Ele ergueu muitos edifícios em Torino, incluindo o Palazzo Carignano (1680), cerimonial e majestoso, mas de design puramente decorativo. A solução do edifício principal do palácio é típica. Seu volume principal retangular parece ter uma parte central inserida nele com uma escada frontal de desenho complexo. As paredes que o delimitam e as marchas têm planta em forma de arco. Tudo isso se reflete na fachada. Se suas seções laterais mantêm contornos retangulares, então o centro é um plano curvado em direções opostas com uma fenda no meio, na qual um motivo completamente diferente é inserido como aplique - uma loggia de duas camadas, também de formato curvo. Os caixilhos das janelas das fachadas apresentam configuração cartilaginosa quebrada. As pilastras são pontilhadas por pequenas formas gráficas.

Entre as igrejas construídas por Guarini, destaca-se a igreja da Madonna della Consolata de nave oval atrás da qual se encontra um altar hexagonal. As igrejas construídas por Guarini são ainda mais extravagantes e complexas do que seus edifícios civis.

Nas artes plásticas, como na arquitetura da Itália, no século XVII o estilo barroco ganhou um significado dominante. Surge como uma reação ao “maneirismo”, cujas formas rebuscadas e complexas se opõem, em primeiro lugar, à grande simplicidade das imagens, extraídas tanto das obras dos mestres da Alta Renascença, como devido à independência estudo da natureza. Mantendo um olhar atento à herança clássica, muitas vezes emprestando dela elementos individuais, a nova direção busca a maior expressividade possível das formas em sua rápida dinâmica. As novas técnicas de pintura também correspondem às novas buscas da arte: a calma e a clareza da composição são substituídas pela sua liberdade e, por assim dizer, pela aleatoriedade. As figuras são deslocadas de sua posição central e construídas em grupos principalmente ao longo de linhas diagonais. Esta construção é importante para o Barroco. Melhora a impressão de movimento e contribui para uma nova transferência de espaço. Em vez de dividi-lo em camadas separadas, habitual na arte renascentista, é coberto por um único olhar, criando a impressão de um fragmento aleatório de um todo imenso. Esta nova compreensão do espaço pertence às conquistas mais valiosas do Barroco, que desempenhou um certo papel no desenvolvimento da arte realista. O desejo de expressividade e dinâmica das formas dá origem a outra característica, não menos típica do Barroco - a utilização de todos os tipos de contrastes: contrastes de imagens, movimentos, contrastes de planos iluminados e sombreados, contrastes de cores. Tudo isso é complementado por um desejo pronunciado de decoratividade. Ao mesmo tempo, a textura pictórica também muda, passando de uma interpretação plástico-linear das formas para uma visão pitoresca cada vez mais ampla.

As características notadas do novo estilo adquiriram características cada vez mais específicas ao longo do tempo. Isto justifica a divisão da arte italiana do século XVII em três fases de duração desigual: o “precoce”, “maduro” ou “alto”, e o barroco “tardio”, cujo domínio dura muito mais tempo do que os outros. Essas características, bem como os limites cronológicos, serão anotados a seguir.

A arte barroca da Itália serve principalmente a Igreja Católica dominante, estabelecida após o Concílio de Trento, as cortes principescas e a numerosa nobreza. As tarefas impostas aos artistas eram tanto ideológicas quanto decorativas. A decoração de igrejas, bem como de palácios da nobreza, pinturas monumentais de cúpulas, abajures e paredes na técnica do afresco estão recebendo um desenvolvimento sem precedentes. Esse tipo de pintura tornou-se especialidade de artistas italianos que trabalharam tanto em sua terra natal quanto na Alemanha, Espanha, França e Inglaterra. Mantiveram uma prioridade inegável nesta área da criatividade até finais do século XVIII. Os temas das pinturas das igrejas são cenas exuberantes que glorificam a religião, seus dogmas ou santos e seus feitos. Os plafonds dos palácios são dominados por temas alegóricos e mitológicos, servindo de glorificação das famílias governantes e dos seus representantes.

Grandes pinturas de altar ainda são extremamente comuns. Neles, junto com as imagens solenemente majestosas de Cristo e da Madona, são especialmente comuns as imagens que tiveram o impacto mais poderoso no espectador. São cenas de execuções e torturas de santos, bem como de seus estados de êxtase.

A pintura secular de cavalete assumiu de bom grado temas da Bíblia, mitologia e antiguidade. Paisagem, gênero de batalha e natureza morta são desenvolvidos como tipos independentes.

No limiar dos séculos XVI e XVII, duas direções surgiram como reação ao maneirismo, a partir do qual se desenvolveu toda a pintura subsequente na Itália: o academicismo bolonhês e o caravaggismo.

Escola de equilíbrio. Irmãos Carracci. O academicismo bolonhês formou-se num sistema artístico coerente já em meados da década de 1580. Três artistas bolonheses - Ludovico Carracci (1555-1609) e seus primos Agostino (1557-1602) e Annibale (1560-1609), que ocupa o primeiro lugar entre os irmãos - desenvolvem as bases de um novo estilo, apoiando-se principalmente no estudo da herança clássica do século XVI. A influência da escola veneziana, da obra de Correggio e mais tarde da arte romana do século XVI determina uma viragem decisiva do maneirismo para a simplicidade e, ao mesmo tempo, a majestade das imagens.

Os primeiros trabalhos dos irmãos Carracci na pintura dos palácios de Bolonha (Palazzo Fava, Palazzo Magnani) ainda não permitem diferenciar claramente as suas características estilísticas. Mas as pinturas de cavalete de Annibale Carracci, nas quais as reminiscências da escola de Parma eram inicialmente fortes, indicam a individualidade artística brilhante emergente. Em 1587 e 1588, realizou duas pinturas de altar, que são como as primeiras obras de um novo estilo: “A Ascensão de Nossa Senhora” e “Madona com Santa Maria”. Mateus" (ambos na Galeria Dresden). Se no primeiro ainda há muito maneirismo no movimento das figuras e na sua expressão, então “Madonna with St. Matvey" é caracterizado por uma calma majestade de imagens, indicativa do início de uma nova etapa na pintura italiana.

Na década de 1580, os irmãos Carracci abriram uma Academia em Bolonha, que chamaram de "Academia dei Incaminati" (Academia iniciando um novo caminho). Em vez da formação prévia dos futuros artistas, que previa a aquisição das competências necessárias através do trabalho auxiliar nas oficinas dos pintores, os Carracci defendiam o ensino sistemático das disciplinas exigidas na prática do artista. Além do ensino de desenho e pintura, a referida Academia ensinava anatomia, perspectiva, bem como disciplinas como história, mitologia e literatura. O novo método estava destinado a desempenhar um papel importante na história da arte europeia, e a Academia de Bolonha foi o protótipo de todas as academias subsequentes abertas desde o século XVII.

Em 1595, os irmãos Carracci, que já tinham grande fama, foram convidados a Roma pelo Cardeal Farnese para pintar o seu palácio. Apenas Annibale respondeu ao convite, deixando Bolonha para sempre. Em Roma, o contacto próximo com as tradições da escola local e a influência da antiguidade abriram uma nova fase na arte do mestre. Depois de uma pintura relativamente insignificante de um dos salões do Palazzo Farnese (“Camerino”, meados da década de 1590), Annibale Carracci criou ali o famoso teto da galeria, que foi, por assim dizer, o coroamento de sua obra e o ponto de partida de a maioria das pinturas decorativas do século XVII. Annibale divide o espaço da galeria (cerca de 20x6 m), coberto por uma abóbada baixa, em várias seções independentes. A estrutura composicional do teto lembra a pintura da Capela Sistina de Michelangelo, da qual, além da divisão do plano, também empresta o caráter ilusionista da interpretação da escultura, das figuras humanas vivas e das pinturas. O tema geral é Histórias de amor deuses do Olimpo. No centro do teto está a lotada e barulhenta “Procissão Triunfal de Baco e Ariadne”. Nas laterais há outras duas composições mitológicas, e abaixo há uma faixa dissecada por Herms e Atlantes em mármore, a cujos pés sentam-se jovens aparentemente vivos. Estas figuras são emolduradas ora por medalhões redondos, imitando medalhões de bronze, com cenas antigas, ora por composições narrativas puramente pictóricas. Nos cantos, este friso parece ser quebrado pela imagem de balaustradas, sobre as quais estão escritos cupidos contra o céu. Este detalhe é importante como uma tentativa inicial, ainda tímida, de quebrar o espaço real, técnica que mais tarde se tornou especialmente característica dos abajures barrocos. O poder plástico das figuras, a variedade de formas decorativas e a riqueza colorida criaram um conjunto de extraordinário esplendor.

As pinturas de cavalete criadas por Annibale Carracci durante o período romano de criatividade são dedicadas principalmente a temas religiosos. A perfeição fria das formas deixa pouco espaço para sentimentos nelas. “Lamentação de Cristo” (1599, Nápoles, Galeria Nacional), onde ambos são igualmente elevados, pertence às exceções. O estilo de pintura da maioria das pinturas é dominado pelo desejo de uma clara identificação linear-plástica das figuras. “As Mulheres Portadoras de Mirra no Túmulo de Cristo” (c. 1605, Ermida) pertence aos exemplos mais característicos deste tipo de obra da artista.

Voltando-se frequentemente para o gênero paisagístico, Annibale Carracci tornou-se o fundador da chamada paisagem “clássica”, que mais tarde se difundiu. A essência deste último reside no fato de que seus representantes, usando motivos da natureza às vezes muito sutilmente observados, se esforçam antes de tudo para “enobrecer” suas formas. As paisagens são construídas no ateliê do artista a partir de esquemas desenvolvidos, nos quais o papel mais importante é desempenhado pelo equilíbrio das massas, pelas curvas de nível suaves e pela utilização de grupos de árvores ou ruínas como cenas. “Paisagem com a Adoração dos Magos”, de Annibale Carracci, na Galeria Doria, em Roma, pode ser considerada um dos primeiros exemplos estilisticamente completos deste tipo.

Caravaggismo. Poucos anos após a formação do academicismo bolonhês, surgiu outro movimento artístico, ainda mais oposto ao Maneirismo, que se distingue por uma pronunciada procura de imagens realistas e de carácter largamente democrático. Este movimento, extremamente importante na história geral do desenvolvimento do realismo, é habitualmente designado pelo termo “Caravaggismo”, derivado do nome do seu líder, Michelangelo Merisi da Caravaggio (1574-1610). Amplamente conhecido pelo nome do lugar de sua terra natal, Caravaggio desenvolveu-se como pintor sob a influência da arte do Norte da Itália. Ainda jovem, vai parar em Roma, onde chama a atenção com diversas pinturas de gênero. As meias-figuras representadas de meninas e meninos, ciganos e espertos são dotadas de uma materialidade até então desconhecida. Os detalhes das composições são retratados de forma igualmente material: cestos de flores e frutas, instrumentos musicais. A pintura “O Tocador de Alaúde” (1594-1595, l'Hermitage), que pertence às melhores obras deste círculo, dá uma ideia do tipo de tais obras. É característico do início de Caravaggio e tem um estilo de pintura linear claro.

Uma imagem simples, desprovida de qualquer idealização, decididamente diferente das imagens enobrecidas de Carracci, é dada por Caravaggio no seu “Baco” (1596-1597, Florença, Uffizi),

No final da década de 1590, Caravaggio recebeu sua primeira grande encomenda para criar três pinturas para a Igreja de San Luigi dei Francesi, em Roma. No retábulo “Mateus Apóstolo Escrita, cuja mão é guiada por um anjo” (1597-1598, a pintura foi destruída durante a Segunda Guerra Mundial), Caravaggio abandonou qualquer idealização do apóstolo, retratando-o com veracidade nua e crua como um homem de as pessoas. Essa imagem causou forte condenação por parte dos clientes, que exigiram que a pintura fosse substituída por outra opção mais aceitável para eles. Numa das composições seguintes da mesma ordem, representando “A Chamada do Apóstolo Mateus” (1598-1599), Caravaggio deu o primeiro exemplo da chamada pintura “funerária”. Neste quadro prevalece uma tonalidade escura, contrastada com detalhes bem iluminados, especialmente importantes para a composição: cabeças, contornos de figuras, gestos de mãos. Esta técnica teve uma influência particularmente definida na pintura europeia do primeiro terço do século XVII.

Uma das obras-primas da pintura mais famosas de Caravaggio, “Sepultamento” (Roma, Pinacoteca Vaticano), remonta aos primeiros anos do século XVII (1601-1603). Construída em altura diagonal, esta composição distingue-se pela extrema expressividade e vitalidade das imagens; em particular, a figura de um discípulo curvado apoiando os pés do Cristo morto é transmitida com o máximo realismo. O mesmo realismo, que não permite qualquer idealização, caracteriza a “Assunção de Maria” (1605-1606, Louvre), executada alguns anos depois. Sobre o corpo caído de Nossa Senhora, quase tocado pela decomposição, os discípulos de Cristo permanecem em profunda tristeza. O carácter de género da pintura, em que o artista se afastou decididamente da apresentação tradicional do tema, voltou a suscitar críticas por parte da igreja.

O temperamento rebelde de Caravaggio o colocava constantemente em conflito com o meio ambiente. Acontece que durante uma briga ele matou seu oponente em um jogo de bola e foi forçado a fugir de Roma. Uma nova etapa se abriu na biografia do mestre, marcada por uma constante mudança de lugar. Após uma curta estadia em Nápoles, encontra-se na ilha de Malta, onde obtém grande sucesso ao serviço do Grão-Mestre da Ordem de Malta, é elevado à categoria de nobre, mas logo, após uma nova desavença, acaba na prisão. Ele então reaparece em Nápoles, após o que recebe permissão para retornar a Roma, mas devido a um erro das autoridades, confundindo-o com outra pessoa, ele é privado de seus bens, acaba em uma praia deserta e morre de febre.

Naquilo período tardio criatividade, o mestre criou vários trabalhos maravilhosos. Entre os mais destacados estão o “Retrato do Grão-Mestre da Ordem de Malta Alof de Wignacourt” (1608), que impressiona pelo seu realismo, bem como “A Adoração dos Pastores” (1609, Messina), que é excepcional em sua simplicidade de história e profunda humanidade.

A criatividade do mestre, que se distingue pela novidade na representação da vida e originalidade técnicas de pintura, teve forte influência sobre muitos artistas, tanto italianos como estrangeiros que trabalharam em Roma. Foi assim o estímulo mais importante para o desenvolvimento do realismo na pintura pan-europeia do século XVII. Entre os italianos, Orazio Dschentileschi (1565-antes de 1647) pertence aos seguidores mais proeminentes de Caravaggio.

Domenichino. Quanto aos alunos e sucessores mais próximos da arte de Carracci, Domenichino destaca-se especialmente entre eles. Domenico Zampieri, apelidado de Domenichino (1582-1641), é conhecido como o maior representante da pintura monumental de afrescos narrativos do século XVII. Ele combina a majestade das formas idealizadas, mas naturais, com a seriedade na transmissão do conteúdo. Essas características são mais plenamente refletidas na pintura da igreja romana de Sant'Andrea della Valle (1624-1628), onde no final da abside, entre o ornamento em estuque branco e dourado, Domenichino retratou cenas da narrativa evangélica da vida dos apóstolos André e Pedro, e nas velas da cúpula - quatro evangelistas rodeados por anjos. Das pinturas de cavalete do mestre, a mais famosa é “A Última Comunhão de São Jerônimo” (1614, Roma, Vaticano). O classicismo das formas, causado em parte pelo fascínio por Rafael, combina-se na interpretação dos rostos com um profundo sentimento religioso. As obras de Domenichino são muitas vezes marcadas pelo caráter lírico das imagens. Indicativo a este respeito é a sua primeira “Menina com um Unicórnio”, pintada acima da porta de entrada da galeria Palazzo Farnese, e especialmente a pintura convencionalmente chamada de “A Caçada de Diana” (1620, Roma, Galleria Borghese). A pintura retrata uma competição de tiro com arco entre os companheiros de Diana e o aparecimento de Actéon entre eles. A naturalidade da encenação é realçada pela frescura da interpretação das imagens.

Francisca Albani. Francesco Albani (1578-1660) foi principalmente pintor de cavalete e é interessante, entre outras coisas, pela introdução de um novo tipo de telas - pequenas pinturas chamadas de “gabinete”, destinadas a decorar salas de volume limitado. Neles, Albani costumava retratar paisagens idílicas, tendo como pano de fundo figuras de cupidos brincando e dançando.

Guado Reni. Guido Reni (1575-1642), que se tornou o chefe da escola bolonhesa depois de Carracci, foi influenciado pela arte de Caravaggio no período inicial de sua obra. Manifesta-se na ausência de idealização de imagens e nítido contraste de claro-escuro (“Crucificação do Apóstolo Pedro”, ca. 1605, Roma, Vaticano). Logo, porém, Reni desenvolve um estilo próprio, que representa a expressão mais marcante de uma das tendências observadas na arte da Itália do século XVII. Este chamado movimento “classicista” do início do Barroco é caracterizado pela contenção da linguagem artística, bem como pela severidade das formas idealizadas. O estilo de Guido Reni é revelado em sua totalidade pela primeira vez na famosa “Aurora” (1613-1614, Palazzo Rospigliosi), pintada em técnica de afresco no teto do Palazzo Rospigliosi romano. Contra o fundo de um céu amarelo dourado, cercado por uma dança circular de graças, Apolo corre em uma carruagem. Aurora voando à sua frente espalha flores no chão e no mar de chumbo, que ainda não foi tocado pelos raios do sol. A interpretação plástico-linear das formas, a composição equilibrada construída em forma de pintura de cavalete, bem como o contraste de cores diferentes, mas suaves, tornam este fresco extremamente indicativo da fase inicial de desenvolvimento da pintura decorativa barroca. As mesmas características, mas com poses mais elaboradas, aparecem na pintura posterior de cavalete - “Atalanta e Hippomenes” (c. 1625, Nápoles). Reni frequentemente introduz traços de sentimentalismo e doçura em suas pinturas religiosas. A pintura de Hermitage “A Juventude da Madonna” (década de 1610) atrai pela intimidade de sua representação de lindas garotas costurando. Em várias outras obras, a idealização das imagens não exclui a sua naturalidade e profundidade de sentimento (Lamentação de Cristo, Bolonha, Pinacoteca, 1613-1614; Madonna and Child, Nova Iorque, coleção privada, final da década de 1620).

A terceira década do século XVII abre uma nova etapa da arte barroca, abrangida pelo conceito de “alto ou maduro barroco”. As suas características mais significativas são o aumento do dinamismo e expressividade das formas, o pitoresco da sua representação e o extremo aumento da decoratividade. Na pintura, cores intensas se somam aos traços notados.

Giovanni Lanfranco. Um dos mestres que afirmaram o domínio do novo estilo, Giovanni Lanfranco (1580-1641), apoiando-se principalmente na arte monumental de Correggio, já em 1625 criou a sua pintura da cúpula de Santo André della Valle, representando o “Paraíso” . Dispondo inúmeras figuras em círculos concêntricos - a Madona, os santos, os anjos, ele conduz o olhar do espectador para um espaço infinito, no centro do qual está representada a figura luminosa de Cristo. Este artista também se caracteriza pela combinação de figuras em grandes massas que formam pitorescos fluxos de luz e sombra. As mesmas técnicas de pintura se repetem nas pinturas de cavalete de Lanfranco, entre as quais uma das mais significativas é “A Visão de Santa Margarida de Cortona” (Florença, Palazzo Pitti). O estado de êxtase e a formação de grupos diagonais são extremamente característicos da arte barroca.

Guercino. Comum à fase desenvolvida da arte barroca monumental, a ilusão de explodir o espaço acima das cabeças dos espectadores é expressa ainda mais claramente do que em Lanfranco pelo seu contemporâneo Francesco Barbieri, apelidado de Guercino (1591-1666). No teto do Palazzo Ludovisi em Roma (1621-1623), bem como no teto de Guido Reni acima mencionado, Aurora é retratada, desta vez correndo em uma carruagem entre um céu nublado. Os topos das paredes e os imponentes ciprestes representados nas bordas da composição, quando vistos de um determinado ponto de vista, criam a ilusão de uma continuação da arquitetura real da sala. Guercino, que é como um elo entre os modos artísticos de Carracci e Caravaggio, empresta do primeiro o caráter de suas figuras e do segundo as técnicas de sua pintura em claro-escuro. “O Enterro de Santa Petronilla” (1621, Roma, Galeria Capitolina) é um dos exemplos claros da pintura inicial de Guercino, em que a naturalidade das imagens se combina com amplitude e energia execução pitoresca. Em "A Execução de S. Catherine" (1653, Hermitage), como em outras obras tardias do mestre, a veracidade das imagens é substituída pela elegância da composição.

Domenico Fetti. Entre outros artistas desta época, também deve ser mencionado Domenico Fetti (1589-1624). Em suas composições, elementos do gênero realista do cotidiano convivem com uma rica paleta colorida, influenciada pela arte de Rubens. Suas pinturas “Madonna” e “Cura de Tobit” (década de 1620, Hermitage). Distinguidos pela sonoridade e suavidade da cor, permitem-nos ter uma certa ideia da busca colorística do artista.

Lourenço Bernini. A figura central da arte do alto barroco é o brilhante arquiteto e escultor Lorenzo Bernini (1599-1680). A escultura do mestre representa uma combinação única de todos os traços característicos do estilo barroco. Fundiu organicamente a extrema nitidez de uma imagem realista com a imensa amplitude da visão decorativa. Somado a isso está um domínio insuperável das técnicas de processamento de mármore, bronze e terracota.

Filho de escultor, Lorenzo Bernini pertence aos mestres que desde muito cedo encontraram a sua linguagem artística e atingiram a maturidade quase desde os primeiros passos. Já por volta de 1620, Bernini criou diversas esculturas em mármore que pertencem a obras-primas indiscutíveis. Sua estátua “David” data de 1623 (Roma, Galleria Borghese). Ela se distingue por sua extraordinária habilidade em transmitir de forma realista a tensão das forças espirituais e físicas. herói bíblico, retratado no momento do lançamento de uma pedra com funda. Dois anos depois, é apresentado o grupo “Apollo Pursuing Daphne” (década de 1620, Roma, Galleria Borghese). As formas pitorescas das figuras correndo e a excepcional perfeição do tratamento superficial são complementadas pela rara sutileza das expressões faciais de Daphne, que ainda não sentiu a metamorfose em curso (sua transformação em árvore de louro), e Apolo, que entende que a vítima que ultrapassou está irremediavelmente perdida.

Os anos vinte e trinta do século XVII - época do pontificado de Urbano VIII - fortaleceram a posição de Bernini como o principal artista de Roma. Para além de inúmeras obras arquitectónicas, no mesmo período realizou diversas esculturas monumentais, retratos, bem como obras de carácter puramente decorativo. Desta última, a mais perfeita é a “Fonte de Tritão” (1637), que se ergue numa das praças de Roma. Os contornos bizarros de uma enorme concha sustentada por golfinhos e uma salamandra elevando-se acima dela estão em harmonia com os riachos de águas em cascata.

A decoratividade fortemente expressa da maioria das obras do mestre pode ser contrastada com os retratos de Constance Buonarelli (Florença, Museu Nacional) e do Cardeal Scipione Borghese (Roma, Galleria Borghese) da mesma fase da atividade de Bernini, que surpreendem pela sua nitidez realista. de características da década de 1630.

A ascensão de Inocêncio X ao trono papal em 1640 implicou a remoção temporária de Bernini do seu papel de liderança na construção e decoração de Roma. No curto período que o separa do reconhecimento oficial subsequente, Bernini executou uma série de novos trabalhos notáveis. Tendo em vista o não reconhecimento temporário dos seus méritos artísticos, cria o grupo alegórico “A verdade que o tempo revela”. A figura do tempo permaneceu insatisfeita, mas a figura feminina alegórica sentada surpreende pela extrema expressividade de suas formas realistas.

A obra-prima da escultura barroca monumental foi grupo famoso“Êxtase de S. Teresa”, decorando a Capela Cornaro da Igreja Romana de Santa Maria della Vittoria (1645-1652), Um anjo com uma flecha na mão aparece acima da santa curvada em estado de êxtase. Os sentimentos de Teresa exprimem-se com toda a inexorabilidade de uma representação realista. A interpretação de seu amplo manto e da figura de um anjo contém elementos decorativos. A cor branca do grupo de mármore, colocado sobre o fundo de raios dourados, funde-se com os tons coloridos do mármore colorido do entorno arquitetônico em um elegante conjunto de cores. A temática e a execução são muito características do estilo barroco italiano.

Outra das criações mais importantes de Bernini remonta a 1628-1647 – a lápide do Papa Urbano VIII na Catedral de São Pedro. Pedro está em Roma. Pela expressividade majestosa do seu desenho e pelo domínio do seu desenho plástico, este monumento pertence a os trabalhos mais maravilhosos escultura em lápide. Contra o fundo de um nicho forrado a mármore colorido, ergue-se um pedestal branco com uma expressiva figura de bronze do papa. Sua mão levantada em bênção confere uma grandeza formidável à figura. Abaixo, nas laterais do sarcófago de mármore verde, estão figuras brancas que encarnam as virtudes de Urbano VIII - a sábia Justiça e Misericórdia. Uma meia figura de bronze de um esqueleto alado erguendo-se de trás do sarcófago fixa ao pedestal uma placa com o nome do falecido inscrito.

O período de não reconhecimento temporário de Bernini é logo substituído pelo mesmo Inocêncio X com o reconhecimento dele como chefe oficial da escola romana, e quase com maior glória do que antes. Entre as obras escultóricas da segunda metade da carreira de Bernini, destaca-se o grandioso púlpito de bronze da Catedral de São Pedro. Pedro em Roma, a figura do imperador Constantino galopando a cavalo (ibid.), e em particular a criação de um novo tipo de retrato, cuja melhor imagem é o busto de mármore de Luís XIV, executado pelo mestre durante a sua estada em 1665 (a convite da corte francesa) em Paris. Mantendo a expressividade dos traços fisionômicos, a atenção principal está agora voltada para a decoratividade do conjunto, conseguida por uma interpretação pitoresca dos cachos esvoaçantes de uma enorme peruca e cortinas esvoaçantes, como se fossem apanhados pelo vento.

Dotado de excepcional expressividade e originalidade estilo fino e a perfeição da habilidade técnica, a arte de Bernini encontrou inúmeros admiradores e imitadores que influenciaram a arte plástica da Itália e de outros países.

Pietro da Nortona. Dos pintores, o mais representativo do alto barroco é Pietro Berrettini da Nortona (1596-1669). Distinguiu-se inicialmente pelas suas pinturas de cavalete multifiguradas (“A Vitória de Alexandre, o Grande sobre Dario”, “O Estupro das Mulheres Sabinas” - década de 1620, ambas - Museu Capitolino, Roma), nas quais revelou um profundo conhecimento de a cultura material da Roma Antiga, adquirida como resultado do estudo de monumentos antigos. Mas as principais conquistas de Norton referem-se ao campo das pinturas monumentais e decorativas. Entre 1633 e 1639 pintou um grandioso abajur no Palazzo Barberini (Roma), que é um exemplo marcante da pintura decorativa barroca. O plafond glorifica o chefe da casa Barberini, o Papa Urbano VIII. No espaço delimitado por uma pesada moldura retangular, a figura da Sabedoria Divina é representada rodeada por muitos personagens alegóricos. À esquerda, acima dela, uma menina esbelta com uma coroa de estrelas nas mãos levantadas, personificando a Imortalidade, voa para o céu. Figuras ainda mais altas e poderosas das Musas, servindo de lembrança da atividade poética de Urbano VIII, carregam uma enorme coroa, no centro da qual voam três abelhas do brasão de Barberini. Nas laterais da moldura, na curva de transição para as paredes, estão representadas cenas mitológicas, de forma alegórica, contando a atuação do papa. A riqueza dos motivos pictóricos, a diversidade e a vitalidade das imagens correspondem ao colorido sonoro do todo.

A fusão orgânica, característica do estilo monumental de Norton, num único sistema decorativo de arquitectura de composições, pintura e ornamentação plástica encontrou a sua expressão mais completa na pintura de vários salões do Palazzo Pitti de Florença (década de 1640), designados pelo nomes dos deuses do Olimpo. Desta vez a glorificação da casa dos Medici distingue-se por uma extraordinária variedade de composições. O mais interessante é o abajur que decora o “Salão de Marte” e fala das virtudes militares dos proprietários do Palazzo. A dinâmica inerente a esta imagem, a assimetria da construção, bem como a irracionalidade da composição, expressa no facto de figuras leves de cupidos sustentarem o maciço brasão de pedra dos Médici, pertencem às expressões extremas do estilo barroco. , que atingiu a plenitude do seu desenvolvimento.

Ao mesmo tempo, as tendências realistas encontram o seu desenvolvimento no trabalho de vários mestres italianos, trabalhando principalmente fora de Roma.

Salvador Rosa. Entre os artistas mais originais de meados do século XVII está Salvator Rosa (1615-1673), que não foi apenas pintor, mas também poeta, panfletário e ator. Natural de Nápoles, onde a influência da escola de Caravaggio foi especialmente persistente, Rosa aproxima-se desta na realidade das suas imagens e no seu estilo de pintura com sombras escuras. O tema da obra deste artista é extremamente variado, mas o mais importante para a história da arte são as suas inúmeras cenas de batalha e paisagens. O temperamento tempestuoso do artista foi plenamente revelado nas composições de batalha. Um gênero de batalha semelhante, adotado por imitadores, se espalhará por toda parte Arte europeia. As paisagens do mestre que retratam costas marítimas rochosas, pelos motivos da natureza retratada, pela dinâmica da composição, pelo nítido contraste da iluminação e pela emotividade da solução geral, podem ser chamadas de românticas. Assim, podem ser contrastadas com as paisagens clássicas da escola Carrachi e com as paisagens altamente realistas das escolas do norte. Entre as pinturas de grandes figuras de Rosa, destacam-se “Odisseu e Nausicaä” (década de 1650) e “Democrata Surpreendendo-se pela Destreza de Protágoras” (da mesma época), guardadas em l'Hermitage. Eles servem como excelentes exemplos do estilo narrativo e da técnica de pintura do mestre.

Na década de sessenta do século XVII, teve início a última e mais longa fase do desenvolvimento da arte barroca na Itália, o chamado “barroco tardio”. É caracterizado menos rigoroso construção de composições, maior leveza das figuras, especialmente perceptível nas imagens femininas, aumento das sutilezas de cor e, por fim, maior aumento da decoratividade.

Giovanni Battista Gauli. O principal expoente das novas tendências da pintura é Giovanni Battista Gauli (1639-1709), conhecido tanto como pintor de cavalete quanto como artista que criou diversos afrescos. Sua arte está intimamente relacionada com a arte do falecido Bernini. PARA melhores trabalhos Gauli possui seus primeiros, com idade em cores claras pinturas das velas da igreja de Sant'Agnese na Piazza Navona em Roma (c. 1665). Em vez dos evangelistas, a arquitetura eclesial mais comum nesses lugares, Gauli retratou cenas alegóricas das virtudes cristãs, que se distinguiam pela leveza da forma. Particularmente atraente é aquele em que são apresentadas duas jovens, uma das quais coloca uma coroa de flores na outra. Obras do estilo maduro de Gauli são as pinturas do teto, cúpula e concha da abside da igreja principal da ordem jesuíta Il Gesu em Roma (1670-início da década de 1680). Este abajur, conhecido como Adoração ao Nome de Jesus, é muito indicativo do estilo barroco tardio. Entre a arquitetura pintada, que dá continuidade às formas reais da igreja, está representado um espaço celeste que se estende até às profundezas, repleto de inúmeras figuras, como ondas que fluem dos grupos escuros para grupos cada vez mais claros. Outro tipo de pintura do mestre são os retratos desprovidos de quaisquer enfeites decorativos, psicologicamente soberbamente caracterizados de seus contemporâneos (“Papa Clemente IX”, Roma, Galeria de São Lucas; “Retrato de Bernini”, Roma, Galleria Corsini).

Andrea Pozzo. A busca pelo caráter ilusório das estruturas arquitetônicas atinge seu maior desenvolvimento na obra de Andrea Pozzo (1642-1709). Sua principal obra é o afresco do teto da Igreja de Santo Inácio em Roma, visto da nave central, nele representado com fileiras de terraços, arcadas, colunatas de paredes imponentes, acima das quais Inácio de Loyola se destaca entre as muitas figuras - cria a ilusão do espaço arquitetônico. Tal como outros abajures semelhantes, a harmonia e a correcção da construção são imediatamente perturbadas assim que o observador se afasta do ponto para o qual foi concebido.

O napolitano Luca Giordano (1632-1705) também pertence aos mais famosos mestres da pintura decorativa. Mestre talentoso e extremamente prolífico, ele foi, no entanto, privado força interior e originalidade e muitas vezes imitava outros artistas. Entre suas melhores obras está o teto que glorifica a família Medici do Palazzo Ricardi florentino.

No campo da pintura de cavalete, entre os contemporâneos destes artistas, destaca-se Carlo Maratta (1625-1713), pertencente à escola romana de finais do século XVII. Ele assumiu o lugar do maior representante do Barroco tardio. Suas pinturas de altar se distinguem por suas linhas suaves e composições majestosas e calmas. Ele se descobriu um artista igualmente forte no campo do retrato. Entre as suas obras destaca-se o “Retrato do Papa Clemente IX” de l'Hermitage (1669), de carácter aguçado e magnífico na pintura. Francesco Solimena (1657-1749), que trabalhou em Nápoles, em suas pinturas bíblicas e alegóricas, relembra as técnicas de Caravaggio com nítidos contrastes de luz e sombra, mas as utiliza em composições puramente decorativas. O falecido bolonhês Giuseppe Maria Crespi (1664-1747), um dos mais talentosos artistas do período em análise, contribuiu forte influência na pintura do século XVIII. O mestre é caracterizado por uma orientação realista fortemente pronunciada. Ela se manifesta tanto em composições religiosas quanto ainda mais claramente em suas pinturas cotidianas (“A Morte de São José”, ca. 1712, Hermitage; “Série de Sacramentos”, década de 1710, Galeria Dresden).

PINTURA DA ITÁLIA

Na Itália, onde a reação católica finalmente triunfou no século XVII, a arte barroca formou-se muito cedo, floresceu e tornou-se o movimento dominante.

A pintura desta época caracterizou-se por espetaculares composições decorativas, retratos cerimoniais representando nobres arrogantes e senhoras com postura orgulhosa, afogando-se em roupas e joias luxuosas.

Em vez de uma linha, deu-se preferência a um ponto pitoresco, massa e contrastes de luz e sombra, com a ajuda dos quais a forma foi criada. O barroco violou os princípios da divisão do espaço em planos, os princípios da perspectiva linear direta para aumentar a profundidade, a ilusão de ir para o infinito.

A origem da pintura barroca na Itália está associada à obra dos irmãos Carracci, fundadores de uma das primeiras escolas de arte da Itália - a “Academia dos que estão no caminho certo” (1585), a chamada Academia de Bolonha - uma oficina na qual mestres novatos foram treinados de acordo com um programa especial.

Aníbal Carracci (1560-1609) foi o mais talentoso dos três irmãos Carracci. A sua obra mostra claramente os princípios da Academia de Bolonha, que tinha como principal tarefa o renascimento da arte monumental e das tradições do Renascimento durante o seu apogeu, que os contemporâneos de Carracci reverenciavam como um exemplo de perfeição inatingível e uma espécie de “absoluto” artístico. . Portanto, Carracci percebe as obras-primas de seus grandes antecessores mais como uma fonte da qual se podem extrair soluções estéticas encontradas pelos titãs do Renascimento, e não como um ponto de partida para suas próprias buscas criativas. O plasticamente belo, o ideal não é para ele o “grau mais alto” do real, mas apenas uma norma artística obrigatória - a arte se opõe assim à realidade, na qual o mestre não encontra um novo ideal fundamental. Daí a convencionalidade e abstração de suas imagens e soluções pictóricas.

Ao mesmo tempo, a arte dos irmãos Carracci e do academicismo bolonhês revelou-se extremamente adequada para ser colocada ao serviço da ideologia oficial; não é sem razão que o seu trabalho rapidamente recebeu reconhecimento nas mais altas esferas (estatais e católicas). .

A maior obra de Annibale Carracci no campo da pintura monumental é a pintura da galeria do Palazzo Farnese em Roma com afrescos que contam a vida dos deuses - baseados em cenas das "Metamorfoses" do antigo poeta romano Ovídio (1597-1604 , feito junto com seu irmão e assistentes).

A pintura é constituída por painéis individuais que gravitam em torno de uma grande composição central representando “O Triunfo de Baco e Ariadne”, o que introduz um elemento de dinâmica no conjunto pictórico. As figuras masculinas nuas colocadas entre estes painéis imitam a escultura, ao mesmo tempo que são protagonistas das pinturas. O resultado foi uma obra impressionante em grande escala, de aparência espetacular, mas não unida por nenhuma ideia significativa, sem a qual os conjuntos monumentais do Renascimento eram impensáveis. No futuro, estes princípios encarnados por Carracci - o desejo de composição dinâmica, efeitos ilusionistas e decoratividade autossuficiente - serão característicos de toda a pintura monumental do século XVII.

Annibale Carracci quer preencher os motivos retirados da arte do Renascimento com conteúdos vivos e modernos. Ele apela ao estudo da natureza, no início de sua criatividade chega até à pintura de gênero. Mas, do ponto de vista do mestre, a própria natureza é muito áspera e imperfeita, por isso deveria aparecer na tela já transformada, enobrecida de acordo com as normas da arte clássica. Portanto, motivos de vida específicos poderiam existir na composição apenas como um fragmento separado projetado para animar a cena. Por exemplo, na pintura “O Comedor de Feijão” (década de 1580), pode-se sentir a atitude irônica do artista diante do que está acontecendo: ele enfatiza a primitividade espiritual do camponês que come feijão avidamente; imagens de figuras e objetos são deliberadamente simplificadas. Outras pinturas de gênero do jovem pintor seguem o mesmo espírito: “O Açougue”, “Autorretrato com o Pai”, “Caça” (todas da década de 1580) - adj., fig. 1.

Muitas das pinturas de Annibale Carracci têm temas religiosos. Mas a perfeição fria das formas deixa pouco espaço para a manifestação de sentimentos nelas. Somente em casos raros um artista cria obras de um tipo diferente. Esta é a Lamentação de Cristo (c. 1605). A Bíblia conta como santos adoradores de Cristo vieram adorar seu túmulo, mas o encontraram vazio. De um anjo sentado na beira do sarcófago, eles aprenderam sobre sua ressurreição milagrosa e ficaram felizes e chocados com esse milagre. Mas as imagens e a emoção do texto antigo não encontram muita resposta em Carracci; ele só conseguia contrastar as roupas leves e esvoaçantes do anjo com as figuras maciças e estáticas das mulheres. A coloração da imagem também é bastante comum, mas ao mesmo tempo distingue-se pela sua força e intensidade.

Um grupo especial é composto por suas obras sobre temas mitológicos, que refletiam sua paixão pelos mestres da escola veneziana. Nestas pinturas, que glorificam a alegria do amor, a beleza do corpo feminino nu, Annibale revela-se um maravilhoso colorista, artista vivo e poético.

Entre melhores trabalhos Annibale Carracci - suas obras paisagísticas. Carracci e seus alunos criaram, com base nas tradições da paisagem veneziana do século XVI, um tipo de paisagem dita clássica ou heróica. O artista também transformou a natureza em um espírito artificialmente sublime, mas sem pathos externo. As suas obras marcaram o início de uma das tendências mais fecundas no desenvolvimento da pintura de paisagem desta época (“Fuga para o Egipto”, ca. 1603), que encontrou então a sua continuação e desenvolvimento na obra de mestres das gerações subsequentes, em especialmente Poussin.

Michelangelo Caravaggio (1573-1610). O pintor italiano mais significativo deste período foi Michelangelo Caravaggio, que pode ser considerado os maiores mestres Século XVII.

O nome do artista vem do nome da cidade do norte da Itália onde nasceu. Aos onze anos já trabalhava como aprendiz de um dos pintores milaneses e em 1590 partiu para Roma, que no final do século XVII se tornara o centro artístico de toda a Europa. Foi aqui que Caravaggio alcançou seu sucesso e fama mais significativos.

Ao contrário da maioria dos seus contemporâneos, que percebiam apenas um conjunto mais ou menos familiar de valores estéticos, Caravaggio conseguiu abandonar as tradições do passado e criar o seu próprio estilo profundamente individual. Isto foi em parte o resultado de sua reação negativa aos clichês artísticos da época.

Nunca tendo pertencido a uma determinada escola de arte, nos seus primeiros trabalhos contrastou a expressividade individual do modelo, os motivos simples do quotidiano com a idealização de imagens e a interpretação alegórica do enredo característico da arte do maneirismo e do academicismo (“Little Sick Bacchus ”, “Jovem com Cesta de Frutas”, ambos - 1593).

Embora à primeira vista possa parecer que se afastou dos cânones artísticos do Renascimento, aliás, os derrubou, na realidade o pathos da sua arte realista foi a sua continuação interna, que lançou as bases do realismo do século XVII. Isto é claramente evidenciado por suas próprias declarações. “Cada quadro, não importa o que represente e não importa quem foi pintado”, argumentou Caravaggio, “não é bom se todas as suas partes não forem executadas a partir da vida; Nada poderia ser preferido a este mentor.” Esta afirmação de Caravaggio, com a sua franqueza e categórica características, encarna todo o programa da sua arte.

O artista deu uma grande contribuição para o desenvolvimento do gênero cotidiano (“Rounders”, 1596; “Boy Bitten by a Lizard”, 1594). Heróis da maioria obras de Caravaggio- pessoas do povo. Ele os encontrou na multidão heterogênea das ruas, nas tabernas baratas e nas praças barulhentas das cidades, e os trouxe para seu ateliê como modelos, preferindo justamente esse método de trabalho ao estudo de estátuas antigas - isso é evidenciado pelo primeiro biógrafo do artista D. Bellori. Seus personagens favoritos são soldados, jogadores de cartas, videntes, músicos (“Adivinho”, “Jogador de alaúde” (ambos de 1596); “Músicos”, 1593) - adj., fig. 2. São eles que “habitam” as pinturas de gênero de Caravaggio, nas quais ele afirma não apenas o direito de existir, mas também significado artístico motivo doméstico privado. Se em trabalhos iniciais pintura de Caravaggio apesar de toda a sua plasticidade e persuasão objetiva, ainda foi um tanto rude, então no futuro ele se livrará dessa deficiência. Trabalhos maduros as do artista são telas monumentais com poder dramático excepcional (“O Chamado do Apóstolo Mateus” e “O Martírio do Apóstolo Mateus” (ambos 1599-1600); “Sepultamento”, “Morte de Maria” (ambos ca. 1605-1606). )) . Essas obras, embora próximas em estilo às primeiras cenas de gênero, já estão repletas de um drama interno especial.

O estilo de pintura de Caravaggio nesse período baseava-se em poderosos contrastes de luz e sombra, simplicidade expressiva de gestos, escultura enérgica de volumes, riqueza de cores - técnicas que criam tensão emocional, enfatizando a aguda afetação de sentimentos. Normalmente o artista retrata diversas figuras, tiradas em close, próximas do espectador e pintadas com toda a plasticidade, materialidade e autenticidade visível. O meio ambiente, os interiores do cotidiano e a natureza morta passam a ter um papel importante em suas obras. É assim que, por exemplo, na pintura “O Chamado de Mateus” o mestre mostra a emergência do sublime e do espiritual no mundo da vida cotidiana “inferior”.

O enredo da obra é baseado na história do Evangelho sobre como Cristo chamou o publicano Mateus, o publicano desprezado por todos, para se tornar seu discípulo e seguidor. Os personagens são retratados sentados a uma mesa em uma sala desconfortável e vazia, e os personagens são apresentados em tamanho real, vestidos com trajes modernos. Cristo e o apóstolo Pedro entrando inesperadamente na sala evocam uma variedade de reações entre os reunidos - do espanto à cautela. O fluxo de luz que entra na sala escura vinda de cima organiza ritmicamente o que está acontecendo, destacando e conectando seus elementos principais (o rosto de Mateus, a mão e o perfil de Cristo). Ao arrancar figuras da escuridão e justapor nitidamente a luz brilhante e a sombra profunda, o pintor transmite uma sensação de tensão interna e excitação dramática. A cena é dominada pelos elementos dos sentimentos e paixões humanas. Para criar uma atmosfera emocional, Caravaggio usa cores ricas com maestria. Infelizmente, o duro realismo de Caravaggio não foi compreendido por muitos de seus contemporâneos, adeptos da “arte erudita”. Afinal, mesmo ao criar obras sobre temas mitológicos e religiosos (o mais famoso deles é “Descanso na Fuga para o Egito”, 1597), ele invariavelmente permaneceu fiel aos princípios realistas de sua pintura cotidiana, portanto mesmo o mais tradicional bíblico os sujeitos receberam uma interpretação psicológica íntima completamente diferente da tradicional. E o apelo à natureza, que ele fez objeto direto de representação de suas obras, e a veracidade de sua interpretação causaram muitos ataques ao artista por parte do clero e dos funcionários.

No entanto, entre os artistas do século XVII talvez não houvesse um único de qualquer importância que não tivesse, de uma forma ou de outra, experimentado a poderosa influência da arte de Caravaggio. É verdade que a maioria dos seguidores do mestre, chamados caravaggistas, copiaram diligentemente apenas suas técnicas externas e, acima de tudo, seu famoso claro-escuro contrastante, intensidade e materialidade da pintura.

Peter Paul Rubens, Diego Velazquez, Jusepe de Ribera, Rembrandt van Rijn, Georges de La Tour e muitos outros passaram pela fase do caravaggismo. artista famoso. É impossível imaginar o maior desenvolvimento do realismo no século XVII sem a revolução que Michelangelo Caravaggio fez na pintura europeia.

Alessandro Magnasco (1667-1749). A sua obra está associada ao movimento romântico da arte italiana do século XVII.

O futuro artista nasceu em Gênova. Estudou primeiro com o pai e depois, após a sua morte, em Milão com um dos mestres locais, que lhe ensinou as técnicas técnicas da pintura veneziana e lhe ensinou a arte do retrato. Posteriormente, Magnasco trabalhou por muitos anos em Milão, Gênova, Florença, e somente nos anos de declínio, em 1735, finalmente retornou à sua cidade natal.

Este artista talentoso, mas extremamente polêmico, era dotado de uma personalidade extremamente brilhante. A obra de Magnasco desafia qualquer classificação: ora profundamente religiosa, ora blasfema; em suas obras ele se mostrava ora como um decorador comum, ora como um pintor de alma trêmula. Sua arte está imbuída de elevada emotividade, à beira do misticismo e da exaltação.

Personagem trabalhos iniciais As obras do artista, concluídas durante a sua estadia em Milão, determinaram as tradições da escola genovesa de pintura, que gravitava em torno da pastoral. Mas já obras suas como várias “Bacchanalia”, “Bandits’ Rest” (todas da década de 1710) - retratando figuras humanas inquietas contra o pano de fundo de majestosas ruínas antigas - carregam uma carga emocional completamente diferente das serenas pastorais de seus antecessores. São confeccionados em cores escuras, com pinceladas entrecortadas e dinâmicas, indicando uma percepção do mundo em aspecto dramático (add., Fig. 3).

A atenção do artista é atraída para tudo o que é inusitado - cenas dos tribunais da Inquisição, torturas que ele pôde observar em Milão sob o domínio espanhol (“Câmara de Tortura”), um sermão em uma sinagoga (“Sinagoga”, final dos anos 1710-1720), nômade ciganos da vida (“Refeição Cigana”), etc.

Os temas preferidos de Magnasco são vários episódios da vida monástica (“Funeral de um Monge”, “Refeição de Freiras”, ambos da década de 1720), celas de eremitas e alquimistas, ruínas de edifícios e paisagens noturnas com figuras de ciganos, mendigos, músicos errantes , etc. Bastante reais, os personagens de suas obras - bandidos, pescadores, eremitas, ciganos, comediantes, soldados, lavadeiras (Paisagem com Lavadeiras, década de 1720) - atuam em um ambiente fantástico. Eles são retratados tendo como pano de fundo ruínas sombrias, um mar revolto, uma floresta selvagem e desfiladeiros agrestes. Magnasco pinta suas figuras exageradamente alongadas, como se se contorcessem e em movimento constante e contínuo; suas silhuetas alongadas e curvas estão subordinadas ao ritmo nervoso da pincelada. As pinturas são permeadas por um sentimento trágico de insignificância humana diante das forças cegas da natureza e da dureza da realidade social.

A mesma dinâmica perturbadora distingue os seus esboços paisagísticos, com a sua acentuada subjetividade e emotividade, empurrando para segundo plano a transferência de imagens reais da natureza (“Seascape”, década de 1730; “Mountain Landscape”, década de 1720). Em algumas obras posteriores do mestre é perceptível a influência das paisagens do italiano Salvatore Rosa e das gravuras do artista maneirista francês Jacques Callot. Esta faceta difícil de distinguir da realidade e do mundo bizarro criado pela imaginação do artista, que sentiu intensamente todos os acontecimentos trágicos e alegres da realidade circundante acontecendo ao seu redor, estará sempre presente em suas obras, dando-lhes o caráter de uma parábola ou de uma cena cotidiana.

O estilo de pintura expressivo de Magnasco, de certa forma, antecipou as buscas criativas dos artistas do século XVIII. Ele pinta com pinceladas fluentes e rápidas, usando um claro-escuro inquieto, dando origem a efeitos de iluminação inquietos, o que confere às suas pinturas um esboço deliberado e, às vezes, até uma decoratividade. Ao mesmo tempo, o colorido de suas obras é desprovido de multicolorido colorido, normalmente o mestre limita-se a uma paleta sombria marrom-acinzentada ou esverdeada, embora à sua maneira bastante refinada e refinada. Reconhecido em vida e esquecido pelos descendentes, este artista único só recuperou popularidade no início do século XX, quando foi visto como um precursor do impressionismo e até do expressionismo.

Giuseppe Maria Crespi (1665-1747), natural de Bolonha, iniciou sua carreira de pintor copiando diligentemente pinturas e afrescos de mestres famosos, incluindo seus compatriotas, os irmãos Carracci. Posteriormente, viajou pelo norte da Itália, conhecendo a obra dos mestres da Alta Renascença, principalmente venezianos (Tiziano e Veronese).

No início do século XVIII. Crespi já é bastante famoso, principalmente, por suas imagens de altar. Mas o trabalho principal Período inicial A sua obra é a pintura monumental dos tectos do Palazzo Conde Pepoli (1691-1692) em Bolonha, cujos personagens mitológicos (deuses, heróis, ninfas) na sua interpretação parecem extremamente terrenos, animados e convincentes, em contraste com o tradicional imagens abstratas do Barroco.

Crespi trabalhou em diversos gêneros. Pintou sobre temas mitológicos, religiosos e cotidianos, criou retratos e naturezas mortas e trouxe uma visão nova e sincera do mundo contemporâneo para cada um desses gêneros tradicionais. O compromisso do artista com a natureza e uma representação precisa da realidade circundante entrou em conflito irreconciliável com as tradições decrépitas do academicismo bolonhês, que por esta altura se tinham tornado um travão ao desenvolvimento da arte. Portanto, uma luta constante contra as convenções da pintura acadêmica pelo triunfo da arte realista corre como um fio vermelho por toda a sua obra.

No início de 1700. Crespi passa das cenas mitológicas para a representação de cenas da vida camponesa, tratando-as primeiro no espírito da pastorícia e depois dando-lhes o caráter cada vez mais convincente da pintura cotidiana. Ele foi um dos primeiros mestres do século XVIII a retratar a vida cotidiana. pessoas comuns– lavadeiras, lavadoras de pratos, cozinheiras, além de episódios da vida camponesa.

O desejo de dar maior autenticidade às suas pinturas obriga-o a recorrer à técnica de luz “funeral” de Caravaggio - iluminação nítida de parte do espaço escuro do interior, graças à qual as figuras adquirem clareza plástica. A simplicidade e sinceridade da narrativa são complementadas pela introdução de peças folclóricas na representação interior, sempre pintadas por Crespi com grande habilidade pictórica (“Cena na Adega”; “Família Camponesa”).

A maior conquista da pintura cotidiana da época foram suas telas “Feira em Poggio a Caiano” (c. 1708) e “Feira” (c. 1709), retratando cenas folclóricas lotadas.

Mostraram o interesse do artista pelos gráficos de Jacques Callot, bem como o seu estreito conhecimento da obra dos mestres holandeses da pintura de género do século XVII. Mas as imagens dos camponeses de Crespi carecem da ironia de Callot, e ele não é tão hábil na caracterização do ambiente como os pintores de género holandeses. As figuras e objetos em primeiro plano são desenhados com mais detalhes do que os outros - isso lembra o estilo de Magnasco. No entanto, as criações do pintor genovês, executadas com bravura, contêm sempre um elemento de fantasia. Crespi buscou uma história detalhada e precisa sobre uma cena colorida e alegre. Distribuindo com clareza luz e sombra, dota suas figuras de especificidade vital, superando gradativamente as tradições do gênero pastoral.

O trabalho mais significativo mestre maduro apareceu uma série de sete pinturas “Sete Sacramentos” (década de 1710) - a maior conquista da pintura barroca início do XVIII séculos (adicional, Fig. 4). São obras completamente novas em espírito, que marcaram um afastamento da tradicional interpretação abstrata das cenas religiosas.

Todas as pinturas (“Confissão”, “Batismo”, “Casamento”, “Comunhão”, “Sacerdócio”, “Confirmação”, “Unção”) são pintadas na quente tonalidade marrom-avermelhada de Rembrandt. O uso de iluminação forte acrescenta um certo toque emocional à narrativa dos sacramentos. A paleta de cores do artista é bastante monocromática, mas ao mesmo tempo surpreendentemente rica. vários tons e matizes de cores, unidos por um claro-escuro suave, às vezes como se brilhasse de dentro. Isso dá a todos os episódios retratados um toque de misteriosa intimidade do que está acontecendo e ao mesmo tempo enfatiza o plano de Crespi, que se esforça para contar as etapas da existência mais significativas para cada pessoa daquela época, que se apresentam em forma de cenas da realidade, adquirindo o caráter de uma espécie de parábola. Além disso, esta história distingue-se não pela didática característica do Barroco, mas pela edificação secular.

Quase tudo o que foi escrito pelo mestre depois disso apresenta um quadro do desbotamento gradativo de seu talento. Cada vez mais, ele usa clichês familiares, esquemas de composição e poses acadêmicas em suas pinturas, que antes evitava. Não é de surpreender que logo após sua morte a obra de Crespi tenha sido rapidamente esquecida.

Como mestre brilhante e original, ele foi descoberto apenas no século XX. Mas em termos de qualidade, profundidade e riqueza emocional, a pintura de Crespi, que completa a arte do século XVII, nas suas melhores manifestações perde, talvez, apenas para Caravaggio, com cuja obra a arte italiana desta época começou de forma tão brilhante e inovadora. .

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PINTURA DE ESPANHA A arte de Espanha, como toda a cultura espanhola como um todo, distinguiu-se pela sua significativa originalidade, que consiste no facto de o Renascimento neste país, mal tendo atingido a fase de grande prosperidade, ter entrado imediatamente num período de declínio e crise, que foram

Do livro do autor

PINTURA DE FLANDRES A arte flamenga, em certo sentido, pode ser considerada um fenômeno único. Nunca antes na história um país tão pequeno, que também se encontrava numa posição tão dependente, criou um país tão original e significativo por direito próprio.

Do livro do autor

PINTURA DA HOLANDA A revolução holandesa transformou a Holanda, nas palavras de K. Marx, “num país capitalista exemplar do século XVII”. Conquista da independência nacional, destruição dos remanescentes feudais, rápido desenvolvimento das forças produtivas e do comércio

Do livro do autor

PINTURA DA FRANÇA Um lugar especial entre os principais do setor Criatividade artística A França ocupou os países da Europa no século XVII. Na divisão do trabalho entre as escolas nacionais de pintura europeia na resolução de problemas de género, temáticos, espirituais e formais, a participação da França

INTRODUÇÃO

O século XVII foi de particular importância para a formação das culturas nacionais dos tempos modernos. Nesta época, concluiu-se o processo de localização das grandes escolas de arte nacionais, cuja originalidade foi determinada tanto pelas condições de desenvolvimento histórico como pela tradição artística que se desenvolveu em cada país - Itália, Flandres, Holanda, Espanha e França. Isso nos permite considerar o século XVII. como uma nova etapa na história da arte.

Comparada com o Renascimento, a arte do século XVII. mais complexo, mais contraditório em conteúdo e formas artísticas. A percepção poética holística do mundo, característica do Renascimento, é destruída, o ideal de harmonia e clareza torna-se inatingível.

Cultura artística do século XVII. reflecte a complexidade da época que preparou a vitória do sistema capitalista nos países avançados da Europa. Nas obras dos artistas afirma-se uma percepção mais holística e profunda da realidade. O conceito de síntese das artes recebe uma nova interpretação. Certos tipos de arte, como obras individuais, perdem o isolamento e se esforçam para se reunirem. Os edifícios estão organicamente incluídos no espaço de uma rua, praça ou parque. A escultura torna-se dinâmica e invade a arquitetura e o espaço do jardim. A pintura decorativa complementa o que é inerente ao interior arquitetônico com efeitos de perspectiva espacial.

Nas manifestações extremas, a arte barroca chega ao irracional, ao misticismo, afetando a imaginação e o sentimento do espectador com tensão dramática e expressão de formas. Os acontecimentos são interpretados em grande escala; os artistas preferem retratar cenas de tormento, êxtase ou panegíricos de façanhas e triunfos.

A arte do classicismo é baseada em um princípio racional. Do ponto de vista do classicismo, belo é apenas aquilo que é ordenado, razoável e harmonioso. Os heróis do classicismo subordinam seus sentimentos ao controle da razão; são contidos e dignos.

As características desses dois grandes estilos estão interligadas na arte de um país e até mesmo na obra de um artista, dando origem a contradições nela. Junto com o Barroco e o Classicismo, uma reflexão realista da vida mais diretamente poderosa, livre de elementos estilísticos, emergiu nas artes visuais. Pertencem ao século XVII maiores mestres realismo - Velázquez, Rembrandt, Hals, Caravaggio e outros. . .

ARTE DA ITÁLIA

Arquitetura

Barromini. A irracionalidade, a expressividade e o pitoresco do Barroco encontram a sua expressão extrema na obra de Francesco Barromini (1599 - 1667). Desconsiderando a lógica dos designs e as capacidades dos materiais, ele substitui linhas retas e planos por linhas curvas, arredondadas e tortuosas.

Usando linhas alternadas côncavas e convexas dispostas em forma de losango, ele constrói uma planta para a pequena igreja de San Carlo perto das quatro fontes de Roma (1634 - 1667). Sua complexa fachada ondulada, dissecada por uma colunata de dois níveis, é decorada com esculturas decorativas, nichos profundos e um painel oval pintado que rompe a cornija e destrói o equilíbrio.

Bernini. Tal como os mestres do Renascimento, o fundador do estilo barroco maduro, Lorenzo Bernini (1598 - 1680), era uma pessoa multi-talentosa. Arquiteto, escultor, pintor e brilhante decorador, cumpriu principalmente as ordens dos papas e chefiou a direção oficial da arte italiana. Um de seus edifícios mais característicos é a igreja de Sant'Andrea al Quirinale em Roma (1653 - 1658).

A maior obra arquitetônica de Bernini foi a conclusão de muitos anos de construção da Catedral de São Pedro. A Basílica de São Pedro em Roma e o desenho da praça em frente a ela. Construídas de acordo com seu projeto, duas poderosas alas da colunata monumental fechavam o vasto espaço da praça. Irradiando-se da fachada principal oeste da catedral, as colunatas formam primeiro uma forma trapezoidal, e depois se transformam em um enorme oval, enfatizando a mobilidade especial da composição, projetada para organizar o movimento das recessões em massa. 284 colunas e 80 pilares de 19 m de altura compõem esta colunata coberta de quatro fileiras, 96 grandes estátuas coroam seu sótão.

Escultura

Bernini. Na Catedral de St. Peter também são executados com maestria obras esculturais Bernini - retábulo de S. Petra com figuras de padres da igreja, santos e anjos, brilhando com dourados, atraindo com sua dinâmica violenta.

Junto com a escultura decorativa barroca, Bernini cria uma série de estátuas e retratos, às vezes superando a estrutura da arte barroca. A natureza da sua busca inovadora manifesta-se na estátua “David” (1623, Roma, Galeria Borgheso).

A sutileza da observação da vida permeia a obra posterior de Bernini – o grupo de altar “Êxtase de São Pedro”. Teresa" (1644 - 1652, Roma, Igreja de Santa Maria della Vittoria) que serviu de modelo para muitos escultores barrocos não só na Itália, mas também em outros países.

Pintura.

Carvaggio. Michelangelo Merisi da Caravaggio (1573 - 1610). Entre as primeiras pinturas está “Menina com Alaúde” (1595, Leningrado, Hermitage). A garota toca música. Na mesa da frente estão um violino, partituras e frutas. Todos esses objetos são pintados com habilidade aprimorada em sua densa redondeza, materialidade e tangibilidade. O rosto e a figura da menina são esculpidos em claro-escuro, o fundo escuro enfatiza a riqueza dos tons claros que se projetam, a objetividade de tudo o que é apresentado.

A composição “A Chamada de Mateus” (1597 - 1601, Roma, Capela Contarelli na Igreja de San Luigi dei Francesi), que retrata dois jovens em trajes da moda para a época, olhando com curiosidade para Cristo que entra, é resolvida como uma cena de gênero. Mateus voltou o olhar para Cristo, enquanto o terceiro jovem, sem levantar a cabeça, continuava a contar o dinheiro.

De pintura em pintura, o poder trágico das imagens de Caravaggio aumenta. Em “O Sepultamento” (1604, Roma, Pinacoteca do Vaticano), contra um fundo escuro e profundo, um grupo intimamente unido de pessoas próximas a Cristo se destaca com uma luz brilhante enquanto baixam seu corpo na sepultura.

Academia de Bolonha. Aníbal Carracci. O mais talentoso dos irmãos Carracci foi Annibale (1560 - 1609), autor de um grande número de imagens de altar e pinturas sobre temas mitológicos. Juntamente com seus irmãos, pintou o Palazzo Farnese em Roma (1597 - 1604).

Pintura decorativa do Barroco.

As pinturas de Pietro da Cortona (1596 - 1669) no Palazzo Barberini distinguem-se pelo seu esplendor incomum e elegantes cores festivas. Andrea Pozzo (1642 - 1709) utilizou perspectiva complexa e efeitos ilusórios nas pinturas de Sant'Ignazio em Roma.

Junto com o movimento barroco oficial, que dominou os grandes centros, ao longo do século XVII. Muitos artistas continuaram a trabalhar nas províncias, preservando as tradições do realismo no seu trabalho. Entre eles, o bolonhês Giuseppe Maria Cresi (1665 - 1747) destacou-se pela especial riqueza emocional da sua arte, abrindo caminho para o desenvolvimento do realismo no período subsequente.