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Existem muitos povos coexistindo no mundo que falam línguas diferentes. Mas as pessoas ao longo da história não falaram apenas com palavras. Nos tempos antigos, canções e danças eram usadas para espiritualizar as emoções e os pensamentos.

Arte da dança no contexto do desenvolvimento cultural

A cultura italiana é de grande importância no contexto das conquistas mundiais. O início do seu rápido crescimento coincide com o nascimento de uma nova era - o Renascimento. Na verdade, o Renascimento surge justamente na Itália e se desenvolve internamente há algum tempo, sem atingir outros países. Seus primeiros sucessos ocorreram nos séculos XIV-XV. Mais tarde, da Itália, espalharam-se por toda a Europa. O desenvolvimento do folclore também começa no século XIV. O espírito fresco da arte, uma atitude diferente perante o mundo e a sociedade, uma mudança de valores refletiram-se diretamente nas danças folclóricas.

Influência renascentista: novos passos e bailes

Na Idade Média, os movimentos italianos ao som da música eram executados em passos, suavemente e com balanço. A Renascença mudou as atitudes em relação a Deus, o que se refletiu no folclore. As danças italianas adquiriram energia e movimentos vivos. Assim, os passos do “ponto final” simbolizavam a origem terrena do homem, sua conexão com os dons da natureza. E o movimento “na ponta dos pés” ou “com salto” identificava o desejo de uma pessoa por Deus e sua glorificação. A herança da dança italiana é baseada neles. Sua combinação é chamada de “balli” ou “ballo”.

Instrumentos musicais folclóricos italianos da Renascença

Obras de folclore foram executadas com acompanhamento. As seguintes ferramentas foram usadas para isso:

• Cravo (italiano "chembalo"). Primeira menção: Itália, século XIV.
• Pandeiro (uma espécie de pandeiro, ancestral do tambor moderno). Os dançarinos também o usavam durante os movimentos.
• Violino (instrumento de arco originado no século XV). Sua variedade italiana é a viola.
• Alaúde (instrumento de cordas dedilhadas).
• Flautas, flautas e oboés.

Variedade de dança

O mundo musical italiano tornou-se mais diversificado. O surgimento de novos instrumentos e melodias incentivou movimentos enérgicos ao ritmo da batida. As danças nacionais italianas surgiram e se desenvolveram. Seus nomes foram formados, muitas vezes com base no princípio territorial. Havia muitas variedades deles. As principais danças italianas conhecidas hoje são bergamasca, galliarda, saltarella, pavana, tarantella e pizzica.

Bergamasca: pontos clássicos

Bergamasca – popular italiano dança folclórica Séculos XVI-XVII, que depois saiu de moda, mas deixou uma herança musical correspondente. Região nativa: norte da Itália, província de Bérgamo. A música desta dança é alegre e rítmica. O medidor de tempo é um medidor complexo de quatro tempos. Os movimentos são simples, suaves, pareados, mudanças entre pares são possíveis durante o processo. Inicialmente, a dança folclórica era apreciada na corte durante o Renascimento.

Sua primeira menção literária foi na peça de William Shakespeare "A Dream in noite de Verão" No final do século XVIII, Bergamasca fez uma transição suave do folclore da dança para o património cultural. Muitos compositores utilizaram este estilo no processo de escrita de suas obras: Marco Uccellini, Solomone Rossi, Girolamo Frescobaldi, Johann Sebastian Bach.

PARA final do século XIX séculos, apareceu uma interpretação diferente da Bergamasca. Caracterizava-se por uma métrica mista complexa e um andamento mais rápido (A. Piatti, C. Debussy). Hoje, foram preservados ecos do folclore bergamasco, que tentam incorporar com sucesso em balés e produções teatrais, utilizando o acompanhamento musical estilístico adequado.

Galliard: danças alegres

Galliarda é uma antiga dança italiana, uma das primeiras danças folclóricas. Apareceu no século XV. Traduzido, significa “alegre”. Na verdade, ele é muito alegre, enérgico e rítmico. É uma combinação complexa de cinco passos e saltos. Esta é uma dança folclórica emparelhada que ganhou popularidade em bailes aristocráticos na Itália, França, Inglaterra, Espanha e Alemanha.

Nos séculos XV-XVI, a galharda entrou na moda devido à sua forma cômica e ao ritmo alegre e espontâneo. Perdeu popularidade devido à evolução e transformação no estilo padrão de dança da corte. No final do século XVII, ela mudou completamente para a música.

A galharda primária é caracterizada por um andamento moderado, com um metro de comprimento - um trilóbulo simples. Em períodos posteriores são executados com ritmo adequado. Esta galharda era caracterizada por uma métrica musical complexa. Obras modernas famosas neste estilo distinguem-se por um ritmo mais lento e calmo. Compositores que utilizaram música galharda em suas obras: V. Galileo, V. Brake, B. Donato, W. Bird e outros.

Saltarella: diversão no casamento

Saltarella (saltarello) é a dança italiana mais antiga. É bastante alegre e rítmico. Acompanhado por uma combinação de passos, saltos, rotações e arcos. Origem: Do italiano saltare – “pular”. As primeiras menções desta espécie Arte folclórica datam do século XII. Originalmente era uma dança social acompanhada por música em uma métrica simples de dois ou três tempos. A partir do século XVIII, transformou-se gradualmente em uma saltella emparelhada ao som de músicas de tamanhos complexos. O estilo foi preservado até hoje.

Nos séculos 19 a 20, transformou-se em uma dança de casamento italiana em massa, dançada em celebrações de casamento. Aliás, naquela época muitas vezes eram programados para coincidir com a colheita. Em XXI – realizada em alguns carnavais. A música neste estilo foi desenvolvida nas composições de vários autores: F. Mendelssohn, G. Berlioz, A. Castellono, R. Barto, B. Bazurov.

Pavan: solenidade graciosa

Pavana é uma antiga dança de salão italiana executada exclusivamente na corte. Outro nome é conhecido - Padovana (do nome Padova; do latim pava - pavão). Esta dança é lenta, graciosa, solene e ornamentada. A combinação de movimentos consiste em passos simples e duplos, reverências e mudanças periódicas na localização dos parceiros entre si. Era dançado não só nos bailes, mas também no início de procissões ou cerimônias.

A pavana italiana, tendo entrado em quadras de outros países, mudou. Tornou-se uma espécie de “dialeto” de dança. Assim, a influência espanhola levou ao surgimento da “pavanilla”, e a influência francesa ao “passamezzo”. A música com a qual os passos eram executados era lenta, de duas batidas. enfatizar o ritmo e os momentos importantes da composição. A dança saiu gradativamente de moda, permanecendo nas obras de herança musical(P. Attenyan, I. Shane, C. Saint-Saens, M. Ravel).

Tarantella: a personificação do temperamento italiano

Tarantella é uma dança folclórica italiana que sobreviveu até hoje. Ele é apaixonado, enérgico, rítmico, divertido, incansável. A dança italiana tarantela é cartão de visitas moradores locais. Consiste em uma combinação de saltos (inclusive para os lados) com movimentos alternados de pernas para frente e para trás. Recebeu o nome da cidade de Taranto. Há também outra versão. Disseram que as pessoas que foram mordidas foram expostas a uma doença - o tarantismo. A doença era muito parecida com a raiva, que tentavam curar através do processo de movimentos rápidos e ininterruptos.

A música é executada em uma fórmula de compasso simples de três tempos ou complexa. Ela é rápida e divertida. Características:

1. Combinação de instrumentos básicos (incluindo teclados) com instrumentos adicionais, que ficam nas mãos dos bailarinos (pandeiros e castanholas).
2. Falta de música padrão.
3. Improvisação de instrumentos musicais dentro de um ritmo conhecido.

A ritmicidade inerente aos movimentos foi utilizada em suas composições por F. Schubert, F. Chopin, F. Mendelssohn, P. Tchaikovsky. Tarantella ainda hoje é uma dança folclórica colorida, cujos princípios básicos todo patriota conhece. E no século 21 continua a ser dançado em massa em festas alegres férias em família e casamentos luxuosos.

Pizzica: uma luta de dança cativante

Pizzica é uma dança italiana rápida derivada da tarantela. Tornou-se uma tendência de dança no folclore italiano devido ao surgimento de características próprias. Se tarantela - predominantemente dança em massa, então a pizzica passou a ser exclusivamente pareada. Ainda mais viva e enérgica, recebeu algumas notas militantes. Os movimentos dos dois dançarinos lembram um duelo em que lutam alegres rivais.

Muitas vezes é realizado por senhoras com vários cavalheiros por sua vez. Ao mesmo tempo, ao realizar movimentos enérgicos, a jovem expressava sua originalidade, independência e vigorosa feminilidade, rejeitando, por isso, cada um deles. Os senhores sucumbiram à pressão, demonstrando admiração pela mulher. Esse tipo de caráter individual e especial é exclusivo da pizza. De certa forma, caracteriza a apaixonada natureza italiana. Tendo ganhado popularidade no século XVIII, a pizzica não a perdeu até hoje. Continua a ser apresentada em feiras e carnavais, festas familiares e apresentações de teatro e balé.

O surgimento de algo novo levou à criação de um acompanhamento musical adequado. Surge o “pizzicato” - uma forma de executar trabalhos em instrumentos de arco, mas não com o arco em si, mas com dedilhados. Como resultado, sons e melodias completamente diferentes aparecem.

Danças italianas na história da coreografia mundial

Originada como uma arte popular, penetrando nos salões de baile aristocráticos, a dança tornou-se popular na sociedade. Houve necessidade de sistematizar e especificar etapas para fins de formação amadora e profissional. Os primeiros coreógrafos teóricos foram italianos: Domenico da Piacenza (XIV-XV), Guglielmo Embreo, Fabrizio Caroso (XVI). Essas obras, juntamente com o aprimoramento dos movimentos e sua estilização, serviram de base para o desenvolvimento mundial do balé.

Enquanto isso, nas origens havia moradores simples e alegres do campo e da cidade dançando saltarella ou tarantela. O temperamento dos italianos é apaixonado e animado. A era da Renascença é misteriosa e majestosa. Essas características caracterizam as danças italianas. O seu legado é a base para o desenvolvimento da arte da dança no mundo como um todo. Suas características são um reflexo da história, do caráter, das emoções e da psicologia de todo um povo ao longo de muitos séculos.

A música da Itália é conhecida em todo o mundo. Não há um único país ou continente onde nada tenha sido ouvido sobre isso. A Itália é considerada o berço da arte musical, o país que deu ao mundo o maior gênero - a ópera. Neste artigo compartilharemos com vocês algumas informações interessantes da história da cultura musical deste ensolarado estado.

Existe um limite para a perfeição?

A ópera La Scala de Milão é considerada um dos principais símbolos da Itália. Por que ele conquistou tanto reconhecimento e amor do mundo inteiro? Tudo está longe de ser simples - o teatro é perfeito em tudo. Um edifício de uma beleza incrível, projetado em estilo simples, excelente acústica, disposição de assentos cuidadosamente pensada em um ambiente luxuosamente decorado auditório, sempre a equipe de atuação e atuação mais talentosa, maestros brilhantes e música ainda mais brilhante... Pois bem, e o mais importante, acredita-se que o teatro foi construído em um local ideal para tal local. E tudo porque ao escavar o território para a sua construção, os construtores descobriram um enorme pedaço de mármore sobre o qual se encontravam os mais ator famoso Roma antiga- Mime Pylades. Tal achado foi considerado um verdadeiro sinal vindo de cima, confirmando o acerto da escolha do local - mas como poderia ser de outra forma se foi indicado pessoalmente por um dos maiores trágicos da antiguidade?

Vítimas de belo canto

Este país ensolarado também é considerado o berço do bel canto - um estilo de canto virtuoso e elegante que conquistou o mundo inteiro, um estilo sem o qual a música barroca na Itália é impensável. E realmente, como ficar indiferente se todos os cantores desse estilo têm um domínio quase perfeito da voz? Um alcance vocal invulgarmente amplo, abrangendo sons muito agudos, coloratura brilhante, passagens complexas e uma duração de respiração simplesmente inimaginável. Tudo ficaria bem, mas foram predominantemente os homens que dominaram esta arte.

Para ensinar a arte do belo canto, meninos talentosos foram selecionados e encaminhados para cursos especiais. Estabelecimentos de ensino. Lá jovens cantores Durante vários anos, eles ensinaram canto todos os dias. Se fosse constatado que uma criança tinha excelentes habilidades para cantar, ela era castrada para que, após a chamada “quebra” de sua voz, a qualidade de seu canto não mudasse. Essas crianças cresceram e se tornaram cantores com vozes fenomenais. Um dos cantores castrati mais famosos é Carlo Broschi (Farinelli).

Mas de onde veio essa “moda” de realizar essas operações terríveis em crianças? De onde, como dizem, não esperavam. Os cantores castrati foram treinados desde o século III para cantar nos cultos religiosos. As mulheres eram estritamente proibidas de participar do canto católico e eram exigidas vozes altas. A arte do bel canto floresceu na segunda metade do século XVII.

Quando um sobrenome obriga

Um dos sobrenomes mais comuns entre os criadores de arte do final dos séculos XV e XVI é Allegri. Talvez ninguém tivesse prestado atenção se não fosse pela relação direta desta palavra com um termo musical. Allegro na música é usado para indicar andamento, caráter peça de música, e até mesmo suas partes. Portanto, não é de surpreender que, entre os criadores da época declarada, vários compositores tenham esse sobrenome. Mas nos voltaremos para apenas um, o mais famoso.

Gregorio Allegri dedicou a maior parte de sua vida trabalhando na Capela Sistina do Vaticano, onde se dedicou inteiramente à música sacra. Seu muito trabalho famoso chamado de "Miserere". O título da obra é dado a partir da primeira palavra do seu texto – “Miserere” traduzido do latim significa “Tenha piedade”. Ele é considerado o padrão de seu tempo, maior obra-prima música da Itália. E, talvez, esta criação teria sido esquecida na história musical ao longo do tempo, se não fosse por um motivo. O Vaticano proibiu estritamente copiá-lo e retirá-lo da igreja e, em caso de violação do decreto, ameaçou excomunhão. Assim foi até que um dia W. A. ​​​​Mozart ouviu esta obra. Chegando em casa, ele anotou de memória. Foi assim que o mundo viu o trabalho de Allegri, mas o gênio de 14 anos nunca foi punido.

Claro, há muitas coisas interessantes na música antiga italiana sobre as quais ainda poderíamos falar. Esta é a maior e mais valiosa camada da cultura mundial, que influenciou arte musical No mundo todo. Ela desempenhou um papel especial para o nosso país. Os italianos não apenas apresentaram aos russos o gênero da ópera, mas também ensinaram aos compositores russos como compô-la. Mas esta é uma história completamente diferente, mas não menos interessante.

Vídeo: ouça a música da Itália

O bandolim é um instrumento musical de cordas dedilhadas. Sua aparência remonta ao século 16, e sua terra natal era a colorida Itália. O bandolim é um instrumento musical muito semelhante em aparência ao alaúde, pois também possui formato em forma de pêra. Difere do alaúde por ter menos cordas e braço mais curto.

Basicamente, o bandolim sempre teve quatro cordas emparelhadas (conhecido como bandolim napolitano), e o alaúde, dependendo da época, teve seis ou mais cordas. Além deste tipo de bandolim, são conhecidos outros tipos:

• Siciliano - com fundo plano e quatro cordas triplas;
• Milanesa - com seis cordas, afinando uma oitava acima do violão;
• Genovês – bandolim de cinco cordas;
• Florentino.

Como tocar bandolim

Normalmente o bandolim é tocado com uma palheta, ou mais precisamente, com uma palheta. Porém, acontece que eles brincam com os dedos. O som do bandolim é único - a repetição rápida e repetida do som (tremolo) se explica pelo fato de que ao tocar nas cordas o som decai rapidamente, ou seja, fica curto. Por isso, para prolongar o som e obter uma nota supostamente prolongada, utiliza-se um tremolo.

O bandolim tornou-se amplamente conhecido fora da Itália um século após sua origem. Este instrumento tornou-se muito popular e rapidamente recebeu o status de instrumento folclórico. Ainda anda pelo planeta, enraizando-se cada vez mais na cultura moderna.

Sabe-se até que um compositor tão famoso como Mozart usou um bandolim em uma serenata em sua ópera “Don Giovanni”.

Além disso, muitas das bandas, compositores e cantores de hoje usam este instrumento musical para adicionar um pouco de “entusiasmo” à sua música. às suas composições.

Com a ajuda de um bandolim, você pode perfeitamente acompanhar e tocar partes solo. Por exemplo, são conhecidas orquestras napolitanas, cujos sons são fundidos a partir de muitos bandolins de diferentes tamanhos. O bandolim também é usado em orquestras sinfônicas e de ópera. Junto com o banjo, o bandolim também é usado no bluegrass americano e na música folk.

Como já mencionado, o bandolim é um instrumento musical muito inusitado e apreciado por muitos justamente porque seu trunfo é o tremolo, que, talvez, não possa ser encontrado em outros instrumentos musicais.

O bandolim é um instrumento musical um dos mais populares na categoria de instrumentos folclóricos. Talvez poucos instrumentos musicais possam orgulhar-se de tal popularidade. Em vez disso, o bandolim é tradicionalmente considerado um instrumento folclórico, embora muitos compositores o tenham utilizado em suas obras, conferindo-lhes um encanto e singularidade especiais. Embora o bandolim seja frequentemente usado em orquestras, ele também soa bem como parte musical independente. Nele são executados vários estudos e peças, acompanhados de outros instrumentos.

Onde mais o bandolim ficou famoso?

De forma relativamente rápida, o bandolim migrou da Itália para o norte dos Estados Unidos da América e tornou-se firmemente enraizado na música local. Na Europa, este instrumento conquistou o povo escandinavo, que deu ao bandolim uma sonoridade especial e estrita.

O bandolim possui instrumentos relativos. Estes são mandola, bouzouki e bandolim de oitava. As harmonias do rock and roll moderno são muito semelhantes às do mesmo bandolim.

Sabe-se que os integrantes do Led Zeppelin gostavam muito do som do bandolim e o utilizavam em suas melodias. Até Jimmy Page, integrante da banda, complementou o bandolim com mandola e braço de guitarra. Paul McCartney também preferiu este instrumento musical complexo.

Além de seu som maravilhoso, o bandolim tem uma série de vantagens inegáveis:

• estrutura harmoniosa;
• compacidade;
• combinação com outros bandolins ou outros instrumentos musicais - guitarra, flauta doce.

A afinação de um bandolim lembra um pouco a afinação de um violino:

• o primeiro par de cordas é afinado em Mi da 2ª oitava;
• o segundo par está em Lá da 1ª oitava,
• Ré 1ª oitava;
• o quarto par de cordas é Sol da oitava pequena.

A popularidade do bandolim está crescendo cada vez mais. Por exemplo, Vadimir Kholstinin, membro do grupo “Aria”, usa um bandolim na composição musical “Lost Paradise”. Também é usado na metal opera do grupo Epidemic (a música “Walk Your Path”) e em Sergei Mavrin (“Makadash”).

E a famosa música “Loosing my Religion” do R.E.M. com o som único de um bandolim? Parece que ela é conhecida em quase todos os países do mundo.

O bandolim é um instrumento musical bastante misterioso. Seu segredo para o sucesso ainda não foi totalmente revelado. Embora já tenham se passado mais de quatrocentos anos desde o seu aparecimento, não perde de forma alguma a sua popularidade, pelo contrário, ganha cada vez mais adeptos. Nos tempos modernos, é cada vez mais usado em uma ampla variedade de gêneros musicais.

É incrível que o bandolim possa se encaixar perfeitamente em qualquer composição, realçar ou realçar o som de quase qualquer instrumento. Ao ouvir os sons deste instrumento um tanto mágico, você parece mergulhar na era antiga de cavaleiros corajosos, lindas damas e reis orgulhosos.

Vídeo: Como soa um bandolim

As origens da música italiana remontam a cultura musical Roma Antiga (ver música da Roma Antiga). A música tocava criaturas. papel na sociedade, estado vida do Império Romano, na vida cotidiana variada. camadas da população; a música era rica e variada. ferramentas. Amostras de música romana antiga não chegaram até nós, mas dep. seus elementos sobreviveram até a Idade Média. Cristo hinos e folclore música tradições. No século IV, quando o Cristianismo foi declarado estado. religião, Roma, junto com Bizâncio, tornou-se um dos centros de desenvolvimento litúrgico. cantando, primeiro cuja base era a salmodia, que se originou na Síria e na Palestina. O arcebispo milanês Ambrósio consolidou a prática do canto antifonal de hinos (ver Antífona), aproximando sua melodia da narração. origens. Uma tradição cristã ocidental especial está associada ao seu nome. igreja canto, chamado ambrosiano (ver canto ambrosiano). No fim No século VI, sob o Papa Gregório I, foram desenvolvidas formas sólidas de Cristo. liturgia e sua música são ordenadas. lado. A cantora criou na mesma época em Roma. a escola (“schola cantorum”) tornou-se uma espécie de academia de canto religioso. ações judiciais e legisladores superiores. autoridade nesta área. Gregório I foi creditado por unificar e fixar os princípios básicos. cantos litúrgicos. No entanto, pesquisas posteriores estabeleceram que isso é melodioso. estilo e formas dos chamados O canto gregoriano finalmente tomou forma apenas nos séculos VIII-IX. Católico romano. a igreja, buscando uniformidade de culto, propagou esse estilo de monógóis. Refrão cantando entre todas as nações sendo convertidas a Cristo. fé. Este processo foi concluído no final. Século XI, quando a liturgia gregoriana com seu canto correspondente. regulamentos foram estabelecidos nos países do Centro e do Ocidente. e Yuzh. Europa. Ao mesmo tempo, parou desenvolvimento adicional Canto gregoriano, congelado na imutabilidade. formulários.

Do final 1º milênio DC como resultado das frequentes invasões inimigas do território italiano, bem como do aumento da opressão do papado, que interferia na livre expressão da criatividade. iniciativa, em I. m. estagnação, deixa de desempenhar um papel perceptível na música geral. Desenvolvimento europeu países As mudanças mais importantes que ocorreram na Europa. a música na virada do primeiro e segundo milênios é refletida de maneira fraca e muitas vezes tardia na música histórica. e Noroeste A Europa já no século IX. deu uma justificativa para as primeiras formas de polifonia, a mais proeminente italiana. música o teórico medieval Guido d'Arezzo (século XI) prestou atenção principal ao canto gregoriano monofônico, abordando apenas brevemente o organum. No século XII, o canto polifônico entrou na prática litúrgica de algumas igrejas italianas, mas é pouco conhecido. os exemplos não indicam a contribuição independente da Itália para o desenvolvimento dos gêneros polifônicos daquela época, uma percepção mais livre e direta do mundo durante o período de enfraquecimento do poder dos senhores feudais e da formação das primeiras relações capitalistas. O conceito do início do Renascimento corresponde à definição de Ars nova, adotada na história da música, mais avançada em seu sistema social e cultural do que as regiões do sul, nas quais as relações feudais ainda estavam firmemente preservadas. Essas cidades atraíram os mais talentosos compositores e. músicos. Novos gêneros e tendências estilísticas surgiram aqui.

O desejo de maior expressão se manifestou nas letras. hinos sobre religião livremente interpretada. O tema é laudah, que era cantado no dia a dia e durante as religiões. procissões. Já no final. século 12 Surgiram as "irmandades laudistas", cujo número aumentou nos séculos XIII e especialmente no século XIV. As Laudas eram cultivadas entre os monges da ordem franciscana, que se opunham ao funcionalismo. Igreja romana, às vezes refletiam motivos de protesto social. A melodia de laud está associada a nar. origens, o ritmo é diferente. clareza, clareza de estrutura, coloração principal predominante. Alguns deles têm caráter próximo à dança. músicas.

Em Florença surgiram novos gêneros de polígono secular. wok música destinada ao desempenho amador doméstico: madrigal, caccia, ballata. Foram 2 ou 3 gols. estrófico músicas com primazia melódica. voz superior, que se distinguia pelo ritmo. mobilidade, abundância de passagens coloridas. Madrigal - aristocrático. um gênero caracterizado pela sofisticação da poética e da música. prédio. Foi dominado por um erotismo sutil. temas, também encarnados satíricos. motivos, por vezes politicamente carregados. O conteúdo do caccia consistia inicialmente em imagens de caça (daí o próprio nome: caccia - caça), mas depois seus temas se expandiram e abrangeram uma variedade de cenas de gênero. O mais popular dos gêneros seculares da Ars nova é a ballata (uma canção dançante semelhante em conteúdo a um madrigal).

Desenvolvimento generalizado na Itália do século XIV. recebe instruções. música. Básico Os instrumentos da época eram o alaúde, a harpa, o fidel, a flauta, o oboé, a trombeta e vários órgãos. tipo (positivos, portáteis). Eles eram usados ​​​​para acompanhar o canto e para tocar solo ou em conjunto.

A ascensão da Itália Ars nova ocorre em meados. Século 14 Na década de 40 a criatividade se desenvolve. as atividades de seus mestres mais proeminentes - Giovanni de Florença e Jacopo de Bolonha. O virtuoso organista e compositor cego tornou-se especialmente famoso. F. Landino é uma pessoa multitalentosa, poeta, músico e cientista, respeitado no meio italiano. humanistas. Em seu trabalho, a ligação com o povo se intensificou. origens, a melodia adquiriu maior liberdade de expressão, às vezes requintada sofisticação, floreio e ritmo. diversidade.

Durante a época da Alta Renascença (século XVI), a arte histórica assumiu uma posição de liderança entre os europeus. música plantações Numa atmosfera de ascensão geral das artes. cultura, a produção musical desenvolveu-se intensamente em vários camadas da sociedade. Seus centros eram, junto com a igreja. capelas de artesanato. associações de guildas, círculos de amantes esclarecidos da literatura e da arte, às vezes autodenominando-se da antiguidade. modelado a partir de academias. No plural escolas foram criadas em cidades que contribuíram para a independência. contribuição para o desenvolvimento da arte histórica. As maiores e mais influentes entre elas são as escolas romana e veneziana. No centro do catolicismo - Roma, as novas formas artísticas trazidas à vida pelo movimento renascentista encontraram frequentemente resistência por parte da igreja. autoridades. Mas, apesar das proibições e denúncias, ao longo do século XV. em católico romano O poliobjetivo foi firmemente estabelecido na adoração. cantoria. Isto foi facilitado pelas atividades dos representantes da escola franco-flamenga G. Dufay, Josquin Despres e outros compositores, que serviram em diferentes momentos na capela papal. Na Capela Sistina (fundada em 1473) e no coro. capela da Catedral de S. Pedro, os melhores mestres da igreja concentrados. cantando não só da Itália, mas também de outros países. Questões da igreja o canto recebeu atenção especial. atenção no Concílio de Trento (1545-63), cujas decisões condenaram a paixão excessiva pela polifônica “figurativa”. a música, dificultando a compreensão das “palavras sagradas”, e foi apresentada a exigência de simplicidade e clareza; a introdução de melodias seculares na liturgia foi proibida. música. Mas, ao contrário do desejo da igreja. autoridades para expulsar todas as inovações do canto religioso e, se possível, devolvê-lo às tradições Canto gregoriano, os compositores da escola romana criaram um sistema polifônico altamente desenvolvido. uma arte em que as melhores realizações da polifonia franco-flamenga foram implementadas e reinterpretadas no espírito da estética renascentista. Em produção os compositores desta escola são uma imitação complexa. técnica foi combinada com acordes harmônicos. armazém, multicabeças a textura adquiriu o caráter de eufonia harmoniosa, o início melódico tornou-se mais independente, a voz superior muitas vezes veio à tona. O maior representante da escola romana é Palestrina. Sua arte perfeitamente equilibrada, de humor esclarecido e harmoniosa é às vezes comparada à obra de Rafael. Sendo o ápice do coro. polifonia de estilo estrito, a música de Palestrina também contém elementos desenvolvidos de pensamento homofônico. O desejo de equilíbrio entre os princípios horizontais e verticais também foi característico de outros compositores da mesma escola: C. Festa, G. Animucci (que esteve à frente da Capela de São Pedro em 1555-71), Clemens o Papa, estudantes e seguidores de Palestrina - J. Nanino, F. Anerio e outros espanhóis também aderiram à escola romana. compositores que trabalharam na capela papal: C. Morales, B. Escobedo, T. L. de Victoria (recebeu o apelido de “Palestina Espanhola”).

O fundador da escola veneziana foi A. Willaert (holandês de origem), que em 1527 chefiou a capela da Catedral de São Pedro. Mark e foi seu líder por 35 anos. Seus sucessores foram C. de Pope e o espanhol C. Merulo. Esta escola atingiu seu maior florescimento na obra de A. Gabrieli e seu sobrinho G. Gabrieli. Em contraste com o estilo de escrita rigoroso e contido de Palestrina e de outros compositores da escola romana, a arte dos venezianos era caracterizada por uma paleta sonora exuberante e uma abundância de cores brilhantes. efeitos. O princípio da policoricidade era de particular importância para eles. Contrastando dois coros, dispostos. em diferentes lados da igreja, serviu de base para a dinâmica. e contrastes coloridos. O número constantemente variável de vozes chegou a 20 para o coro G. Gabrieli Contrastes. as sonoridades foram complementadas por mudanças nos instrumentos. timbres, e os instrumentos não apenas duplicaram as vozes do coro, mas também tocaram de forma independente. e episódios de conexão. Harmônico a linguagem estava saturada de numerosos cromatismos, muitas vezes ousados ​​​​para a época, o que lhe conferia características de maior expressão.

A criatividade dos mestres da escola veneziana desempenhou um papel importante no desenvolvimento de novas formas de instrumentos. música. No século 16 A própria composição dos instrumentos foi significativamente enriquecida, a sua expressão expandiu-se. possibilidades. A importância dos instrumentos de arco com seu som melodioso e quente aumentou. Foi nesse período que o clássico se formou. tipo viola; violino, anteriormente difundido. V vida popular, torna-se prof. música ferramenta. Como instrumentos solo, o alaúde e o órgão continuaram a ocupar posição de destaque. Em 1507-09, o editor musical O. Petrucci publicou. 3 coleções de peças para alaúde, ainda conservadas. sinais de vício em wok. polifonia tipo moteto. No futuro, esta dependência enfraquece e ferramentas específicas são desenvolvidas. técnicas de apresentação. Característica do século XVI. gêneros instrumento solo Música - ricercar, fantasia, canzone, capricho. Em 1549 apareceu org. Richercars Villarta. Seguindo-o, esse gênero foi desenvolvido por G. Gabrieli, alguns ricercars cuja apresentação se aproxima de uma fuga. Na organização. As tocatas dos mestres venezianos refletem o virtuosismo e a tendência à imaginação livre. Em 1551 uma coleção de livros foi publicada em Veneza. peças de dança de teclado personagem.

O surgimento dos primeiros estados independentes está associado aos nomes de A. e J. Gabrieli. amostras de conjunto de câmara e orquestra. música. Suas composições para diversos instrumentos. composições (de 3 a 22 partes) foram combinadas em uma coleção. "Canzones and Sonatas" ("Canzoni e sonate...", publicado em 1615 após a morte dos compositores). Essas peças baseiam-se no princípio de contrastar diferentes. instrução grupos (ambos homogêneos - arco, sopro, metais e mistos), que receberam sucessivos. incorporação no gênero de concerto.

A expressão mais completa e vívida das ideias renascentistas na música foi o madrigal, cujo novo florescimento ocorreu no século XVI. Muitas pessoas prestaram atenção a este gênero mais importante de produção musical secular durante o Renascimento. compositores. Os madrigais foram escritos pelos venezianos A. Willart, C. de Pope, A. Gabrieli e pelos mestres da escola romana C. Festa e Palestrina. Escolas de madrigalistas existiam em Milão, Florença, Ferrara, Bolonha e Nápoles. Madrigal do século XVI diferia do madrigal do período Ars nova por sua maior riqueza e sofisticação poética. conteúdo, mas básico sua esfera continuou sendo letras de amor, muitas vezes com cores pastorais, combinadas com a celebração entusiástica das belezas da natureza. A poesia de F. Petrarca teve grande influência no desenvolvimento do madrigal (muitos de seus poemas foram musicados por diferentes autores). Os compositores madrigalistas recorreram às obras de L. Ariosto, T. Tasso e outros grandes poetas da Renascença. Nos madrigais do século XVI. Prevaleciam pontuações de 4 ou 5 gols. um armazém que conecta os elementos da polifonia e da homofonia. Líder melódico A voz se distinguia pela sutileza de expressão. sombras, transmissão flexível de detalhes poéticos. texto. A composição geral era livre e não obedecia às linhas estróficas. princípio. Entre os mestres madrigais do século XVI. Destacou-se o holandês J. Arkadelt, que trabalhou em Roma e Florença. Seus madrigais, publicados em 1538-44 (6 livros), foram reimpressos diversas vezes e reproduzidos em diversas edições. impresso e manuscrito Encontros. O maior florescimento deste gênero está associado à criatividade. atividades de L. Marenzio, C. Monteverdi e C. Gesualdo di Venosa no final. 16 - começo Séculos XVII Se Marenzio se caracteriza pela esfera do requinte. lírico imagens, então em Gesualdo di Venosa e Monteverdi o madrigal é dramatizado e dotado de aprofundamento psicológico. expressão, eles usaram meios novos e incomuns de harmonia. linguagem, entonação aguçada. expressividade do wok. melódica. A camada rica de I. m. canções e danças, que se distinguem pela melodiosidade das melodias, vivacidade e ritmos incendiários. Para italiano as danças são caracterizadas por compassos 6/8, 12/8 e um andamento rápido, muitas vezes rápido: saltarello (registros dos séculos 13 a 14 foram preservados), lombarda relacionada (dança da Lombardia) e forlana (dança veneziana, friuliana ), tarantela (dança do sul da Itália, que se tornou nacional). Junto com a tarantela, a siciliana é popular (o tamanho é o mesmo, mas o andamento é moderado, o caráter da melodia é diferente - pastoral). Os sicilianos estão próximos da barcarola (canção dos gondoleiros venezianos) e do rispetto toscano (canção de louvor, confissão de amor). As canções de lamento (uma espécie de lamentação) são amplamente conhecidas. A plasticidade e melodia da melodia, o lirismo brilhante e a sensibilidade muitas vezes enfatizada são típicos das canções napolitanas difundidas na Itália.

Nar. a música também influenciou o prof. música criação. A maior simplicidade e proximidade com as pessoas. Os gêneros frottola e villanelle diferiam em suas origens.

A Renascença deu impulso ao desenvolvimento da teoria musical. pensamentos na Itália. A base é moderna. a doutrina da harmonia foi estabelecida por G. Zarlino. Meio século Ele contrastou a doutrina dos modos com um novo sistema tonal com 2 fundamentos. modos modais - maiores e menores. Em seus julgamentos, Zarlino baseou-se principalmente na percepção auditiva direta, e não em cálculos escolásticos abstratos e operações numéricas.

O maior evento em I. m. na virada dos séculos XVI para XVII. houve o surgimento da ópera. Tendo surgido já no final do Renascimento, a ópera está, no entanto, inteiramente ligada às suas ideias e cultura. Ópera como independente. O gênero cresceu, por um lado, a partir do teatro. performances do século XVI, acompanhadas de música, por outro - de um madrigal. Muitas pessoas criaram músicas para a TV. compositores famosos do século XVI. Assim, A. Gabrieli escreveu coros para a tragédia “Édipo” de Sófocles (1585, Vicenza). Um dos antecessores da ópera foi a peça "O Conto de Orfeu" de A. Poliziano (1480, Mântua). O madrigal desenvolveu meios de expressão flexíveis. encarnações da poética texto na música. A prática comum de executar madrigais por um cantor com instrumentos. resistência aproximou-os do tipo wok. monodia, que se tornou a base do primeiro italiano. ópera. No fim século 16 surgiu o gênero da comédia madrigal, em que o mimich. a atuação foi acompanhada por um wok. episódios em estilo madrigal. Um exemplo típico deste gênero é “Amphiparnassus” de O. Vecchi (1594).

Em 1581 apareceu um polemista. O tratado de V. Galilei “Conversa sobre Música Antiga e Moderna” (“Dialogo della musica antica et délia moderna”), em que a voz cantada. a declamação (seguindo o modelo antigo) se opunha à “barbárie” da Idade Média. polifonia. Um trecho de " Divina Comédia“Dante deveria servir de ilustração desse estilo vocal. O pensamento de Galileu encontrou apoio entre um grupo de poetas, músicos e cientistas humanistas que se uniram em 1580 por iniciativa do esclarecido conde florentino G. Bardi (a chamada Camerata florentina ). As figuras deste círculo criaram as primeiras óperas - "Daphne" (1597-98) e "Eurydice" (1600) de J. Peri ao texto de O. Rinuccini. As partes solo dessas óperas com acompanhamento de baixo contínuo são. desenhados em estilo declamatório, os coros mantêm o estilo madrigal.

Nesk. anos depois, a música de "Eurydice" foi composta de forma independente pela cantora e compositora. G. Caccini, também autor da coleção. canções de câmara solo com acompanhamento "Nova Música" ("Le nuove musiche", 1601), principal. na mesma estilística. princípios. Este estilo de escrita foi denominado “novo estilo” (Stile nuovo), ou “estilo figurativo” (Stile rарpresentativo).

Prod. Os florentinos são até certo ponto racionais, o seu significado é principalmente experimental. A genialidade da música deu vida real à ópera. dramaturgo, artista de poderoso talento trágico C. Monteverdi. Voltou-se para o gênero ópera na idade adulta, já sendo autor de diversas obras. operação espiritual. e madrigais seculares. Suas primeiras óperas "Orfeu" (1607) e "Ariadne" (1608) foram publicadas. em Mântua. Após uma longa pausa, Monteverdi voltou a atuar como compositor de ópera em Veneza. O topo disso criatividade operística- “A Coroação de Poppea” (1642), prod. poder verdadeiramente shakespeariano, caracterizado pela profundidade do drama. expressões, escultura magistral de personagens, nitidez e intensidade de situações de conflito.

Em Veneza, a ópera foi além do estreito aristocrático. círculo de conhecedores e tornou-se um espetáculo público. O primeiro edifício público foi inaugurado aqui em 1637. ópera t-r"San Cassiano" (durante 1637-1800 foram criados pelo menos 16 desses t-trovs). Mais democrático. A composição do público também influenciou o caráter das obras. Mitológico o sujeito deu lugar ao lugar dominante da história. histórias com ação real. pessoas, dram. e heróico. o início entrelaçado com o cômico e às vezes até grosseiramente farsesco. Wok. a melodia adquiriu maior melodia; dentro das cenas recitativas, surgiram seções. episódios de tipo ário. Essas características, características das óperas tardias de Monteverdi, foram desenvolvidas na obra de F. Cavalli, autor de 42 óperas, entre as quais a ópera Jason (1649) ganhou a maior popularidade.

A ópera em Roma adquiriu um colorido peculiar sob a influência dos católicos que aqui dominavam. tendências. Junto com a antiguidade mitológico enredos ("A Morte de Orfeu" - "La morte d"Orfeo" de S. Landi, 1619; "A Cadeia de Adônis" - "La Caténa d"Adone" de D. Mazzocchi, 1626) a ópera incluía religiosos. temas interpretados em Cristo. termos moralizantes. A maioria significa. estímulo. Escola romana - a ópera "Santo Alexei" de Landi (1632), que se destacou pela sua melódica. a riqueza e o drama da música, a abundância de texturas corais desenvolvidas. episódios. Os primeiros exemplares de histórias em quadrinhos surgiram em Roma. gênero de ópera: “Deixe o sofredor ter esperança” (“Che soffre, speri”, 1639) por V. Mazzocchi e M. Marazzoli e “Toda nuvem tem um forro prateado” (“Dal male il bene”, 1653) por A. M. Abbatini e Marazzoli.

K ser. século 17 a ópera afastou-se quase completamente dos princípios da estética renascentista defendidos pela Camerata florentina. Isto é evidenciado pelo trabalho de M. A. Chesti, associado à escola de ópera veneziana. Em seus escritos há dramas agitados. O recitativo é contrastado com uma melodia suave e melodiosa, e o papel dos woks arredondados aumentou. números (muitas vezes em detrimento da justificação dramática da acção). A ópera de Honor "A Maçã Dourada" ("Il porno d"oro", 1667), encenada com pompa em Viena por ocasião do casamento do imperador Leopoldo I, tornou-se o protótipo das apresentações cerimoniais da corte, que a partir dessa época se difundiram na Europa. "Esta “não é mais uma ópera puramente italiana”, escreve R. Rolland, “é uma espécie de ópera de corte internacional”.

Do final século 17 papel de liderança no desenvolvimento da Itália. a ópera foi para Nápoles. O primeiro grande representante da escola de ópera napolitana foi F. Provenzale, mas seu verdadeiro chefe foi A. Scarlatti. Autor de inúmeras obras operísticas (mais de 100), estabeleceu a estrutura típica do italiano. ópera séria, preservada sem criaturas. mudanças até o fim século 18 Chefe o lugar em uma ópera deste tipo pertence à ária, geralmente um da capo de 3 partes; ao recitativo é dada uma função de serviço, a importância dos coros e conjuntos é reduzida ao mínimo. Mas melódico brilhante. O dom de Scarlatti, habilidade polifônica. cartas, sem dúvida dramáticas. o instinto permitiu ao compositor, apesar de todas as limitações, alcançar um impacto forte e impressionante. Scarlatti desenvolveu e enriqueceu tanto vocal quanto instrumental. formas de ópera. Ele desenvolveu uma estrutura típica italiana. uma abertura operística (ou sinfonia, segundo a terminologia aceita na época) com seções externas rápidas e um episódio intermediário lento, que se tornou o protótipo de uma sinfonia independente. conc. funciona.

Em estreita ligação com a ópera, desenvolveu-se um novo gênero não litúrgico. religioso ação judicial - oratório. Emergindo das religiões. leituras acompanhadas de canto de polígonos. louvado seja, ela adquiriu independência. finalizado forma nas obras de G. Carissimi. Nos oratórios, escritos principalmente sobre temas bíblicos, enriqueceu as formas operísticas que se desenvolveram no meio. Século XVII, conquistas do coro. conc. estilo. Entre os compositores que desenvolveram este gênero após Carissimi, destacou-se A. Stradella (sua personalidade tornou-se lendária devido à sua biografia aventureira). Ele introduziu elementos de drama no oratório. pathos e caracterização. Quase todos os compositores da escola napolitana deram atenção ao gênero oratório, embora comparado à ópera, o oratório ocupasse um lugar secundário em sua obra.

Um gênero relacionado ao oratório é a cantata de câmara para uma, às vezes 2 ou 3 vozes com acompanhamento. baixo contínuo. Ao contrário do oratório, nele predominavam os textos seculares. Os mestres mais proeminentes deste gênero são Carissimi e L. Rossi (um dos representantes da escola de ópera romana). Assim como o oratório, a cantata tocada significa. papel no desenvolvimento do wok. formas que se tornaram típicas da ópera napolitana.

No domínio da música religiosa no século XVII. dominado pelo desejo de grandeza externa e ostentosa, alcançado cap. arr. devido às quantidades. efeito. O princípio da policoricidade, desenvolvido pelos mestres da escola veneziana, tornou-se hiperbólico. escala. Em algumas produções. até doze 4 gols foram usados. coros Coro gigantesco. as composições foram complementadas por numerosas. e diversos grupos de instrumentos. Este estilo barroco exuberante foi desenvolvido especialmente em Roma, substituindo o estilo rígido e contido de Palestrina e seus seguidores. Os representantes mais proeminentes da escola romana tardia são G. Allegri (autor do famoso “Miserere”, gravado de ouvido por W. A. ​​​​Mozart), P. Agostini, A. M. Abbatini, O. Benevoli. Ao mesmo tempo, o chamado “estilo de concerto”, próximo do canto arioso-recitativo do antigo Ítalo. óperas, das quais são exemplos os concertos espirituais de A. Banchieri (1595) e L. Viadana (1602). (Viadana foi creditado, como se viu mais tarde, sem fundamento suficiente, pela invenção do baixo digital.) C. Monteverdi, Marco da Galliano, F. Cavalli, G. Legrenzi e outros compositores escreveram da mesma maneira, transferindo para a Igreja. elementos musicais de ópera ou cantata de câmara.

Busca intensiva por novas formas e meios de música. expressividade, ditada pelo desejo de encarnar uma humanística rica e versátil. conteúdo, realizado na área de ferramentas. música. Um dos maiores mestres da organização. e a música para teclado do período pré-Bach foi G. Frescobaldi, um compositor de criatividade brilhante. individualidade, um brilhante virtuose do órgão e do cravo, famoso na sua terra natal e noutras Europa. países. Ele trouxe para a tradição. formas ricercar, fantasias, tocatas, traços de intensa expressividade e liberdade de sentimento, enriquecidos de melodicismo. e harmonioso linguagem, desenvolvida polifônica. fatura. Em seu produto. cristalizado clássico um tipo de fuga com relações tonais e completude claramente identificadas plano Geral. A criatividade de Frescobaldi é o auge da Itália. organização. ação judicial Suas realizações inovadoras não encontraram seguidores notáveis ​​na própria Itália; foram continuadas e desenvolvidas por compositores de outros países; Em italiano instrução música do 2º tempo. século 17 O protagonismo passou para os instrumentos de arco e, sobretudo, para o violino. Isso se deveu ao florescimento das artes cênicas do violino e ao aprimoramento do próprio instrumento. Nos séculos XVII-XVIII. na Itália, dinastias de famosos fabricantes de violinos(famílias Amati, Stradivari, Guarneri), cujos instrumentos permanecem insuperáveis ​​até hoje. Os excelentes virtuoses do violino foram, em sua maioria, também compositores em seu trabalho, novas técnicas de execução de violino solo foram consolidadas e novas musas foram desenvolvidas. formulários.

Na virada dos séculos XVI para XVII. Em Veneza, desenvolveu-se o gênero do trio sonata - uma obra com várias partes. para 2 instrumentos solo (geralmente um violino, mas podem ser substituídos por outros instrumentos da tessitura correspondente) e um baixo. Havia 2 variedades deste gênero (ambas pertencentes ao campo da música de câmara secular): “sonata de igreja” (“sonata da chiesa”) - um ciclo de 4 partes, em que partes lentas e rápidas se alternavam, e “sonata de câmara” (“sonata da câmera”), composta por vários. toca dança personagem, perto da suíte. É especialmente importante no desenvolvimento futuro desses gêneros. A escola de Bolonha desempenhou um papel importante, apresentando uma galáxia brilhante de mestres da arte do violino. Entre seus representantes seniores estão M. Caccati, G. Vitali, G. Bassani. Uma época na história do violino e da música de câmara foi marcada pela obra de A. Corelli (aluno de Bassani). O período maduro da sua atividade esteve associado a Roma, onde criou a sua própria escola, representada por nomes como P. Locatelli, F. Geminiani, G. Somis. A obra de Corelli completou a formação do trio sonata. Ele expandiu e enriqueceu a realização. capacidades dos instrumentos de arco. Possui também um ciclo de sonatas para violino solo com op. cravo. Este novo gênero que surgiu no final Século XVII, marcou o fim. aprovação monodich. princípio em instr. música. Corelli, junto com seu contemporâneo G. Torelli, criou o concerto grosso - a forma mais importante de produção musical orquestral de câmara até meados do século XVIII.

K-con. 17 - começo séculos 18 aumentou internacional glória e autoridade I. m. estrangeiro músicos migraram para a Itália para completar seus estudos e obter a certificação, o que garantiu o reconhecimento em sua terra natal. Como professor, ficou especialmente famoso por um músico de enorme erudição, comp. e o teórico J.B. Martini (conhecido como Padre Martini). Seu conselho foi usado por K. V. Gluck, W. A. ​​​​Mozart, A. Gretry. Graças a ele, a Filarmônica de Bolonha. A academia tornou-se um dos maiores centros de música da Europa. Educação.

italiano compositores do século XVIII básico atenção foi dada à ópera. Apenas alguns deles ficaram longe teatro de ópera, que atraiu um grande público de todas as esferas da vida. A produção operística deste século, de volume gigantesco, foi criada por compositores de vários tipos. escala de talento, entre os quais havia muitos artistas talentosos. A popularidade da ópera foi facilitada pelo alto nível de desempenho vocal. cultura. Os cantores estavam se preparando. arr. em conservatórios - orfanatos que surgiram no século XVI. Nápoles e Veneza são os principais centros da Itália. vida da ópera no século XVIII. havia 4 conservatórios, nos quais havia musas. a educação foi liderada por grandes compositores. Cantor e comp. F. Pistocchi fundou uma empresa especial em Bolonha (c. 1700). cantor escola. Excelente wok. o professor foi N. Porpora, um dos mais prolíficos compositores de ópera Escola Napolitana. Entre os famosos mestres da arte do bel canto do século XVIII. - artistas dos principais maridos. os papéis na ópera séria foram os cantores castrati A. Bernacchi, Caffarelli, F. Bernardi (apelidado de Senesino), Farinelli, G. Crescentini, que possuíam habilidades vocais virtuosas. técnica aliada a um timbre de voz suave e leve; cantores F. Bordoni, F. Cuzzoni, C. Gabrielli, V. Tesi.

italiano a ópera gozava de privilégios. situação na maior parte da Europa. capitais Ela ficará atraída. força também se manifestou no fato de que muitos Compositores de outros países criaram óperas em italiano. textos no espírito e nas tradições da escola napolitana. A ele se juntaram os espanhóis D. Perez e D. Terradellas, o alemão I. A. Hasse e o tcheco J. Myslivecek. Isso significa que fluiu de acordo com a mesma escola. parte das atividades de G. F. Handel e K. W. Gluck. Para italiano As cenas da ópera foram escritas por russos. compositores - M. S. Berezovsky, P. A. Skokov, D. S. Bortnyansky.

No entanto, já durante a vida do chefe da escola de ópera napolitana, A. Scarlatti, o criador da ópera séria, foram reveladas as suas qualidades artísticas inerentes. contradições, o que serviu de motivo para duras críticas. falando contra ela. No início. 20 anos século 18 um satírico apareceu. panfleto musical o teórico B. Marcello, em quem foram ridicularizadas as convenções absurdas dos bibliotecários de ópera e o desdém dos compositores de teatro. o sentido da ação, a ignorância arrogante das prima donnas e dos cantores castrati. Pela falta de ética profunda conteúdo e abuso de efeitos externos criticados modernos. estou na ópera italiana. o educador F. Algarotti em seu “Ensaio sobre Ópera” (“Saggio sopra l”opera in musica...”, 1754) e o enciclopedista E. Arteaga em sua obra “A Revolução do Teatro Musical Italiano” (“Le rivoluzioni del teatro musicale italiano dalla sua origine fino al presente", v. 1-3, 1783-86).

Os poetas libretistas A. Zeno e P. Metastasio desenvolveram uma estrutura estável histórica e mitológica. ópera séria, em que a natureza dos dramas era estritamente regulamentada. intriga, quantidade e relacionamentos personagens, tipos de woks solo. números e sua localização no palco. Ação. Seguindo as leis do drama classicista, deram à ópera unidade e harmonia de composição, libertando-a da confusão da tragédia. elementos com comédia e farsa. Ao mesmo tempo, os textos operísticos desses dramaturgos são marcados por traços aristocráticos. galanteria, escrita em linguagem artificial, educada e refinada. Ópera séria, espanhol o corte era muitas vezes programado para coincidir com o advento. celebrações, deveriam terminar com um final obrigatório de sucesso, os sentimentos de seus heróis eram condicionais e implausíveis.

Tudo está. século 18 Tem havido uma tendência de superação dos clichês estabelecidos da ópera séria e de uma ligação mais estreita entre música e drama. Ação. Isso levou a um papel crescente do recitativo acompanhado e a um enriquecimento do orc. cores, expansão e dramatização do coro. cenas Estas tendências inovadoras foram expressas mais claramente nas obras de N. Jommelli e T. Traetta, que prepararam parcialmente a reforma operística de Gluck. Na ópera “Iphigenia in Tauris”, Traetta conseguiu, segundo G. Abert, “avançar até os portões do drama musical de Gluck”. Os chamados compositores seguiram o mesmo caminho. A "Nova Escola Napolitana" G. Sarti, P. Guglielmi e outros A. Sacchini e A. Salieri foram firmes adeptos e seguidores da reforma de Gluck.

A oposição mais forte é condicionalmente heróica. Opera Seria foi compilada por um novo democrático gênero ópera buffa. Aos 17 e começando séculos 18 quadrinho a ópera foi representada apenas por exemplos isolados. Como eles são independentes. o gênero começou a tomar forma com os mestres seniores da escola napolitana L. Vinci e L. Leo. O primeiro clássico. um exemplo de ópera buffa é “The Servant-Mistress” de Pergolesi (originalmente usada como um interlúdio entre os atos de sua ópera-série “The Proud Captive”, 1733). O realismo das imagens, a vivacidade e a pungência da música. características contribuíram para a maior popularidade do interlúdio de G.B. países, especialmente na França, onde está o seu cargo. em 1752 serviu de impulso para o surgimento de uma estética feroz. polêmica (ver "Guerra dos Buffons") e contribuiu para a formação dos franceses. nacional tipo de quadrinhos óperas.

Sem perder o contato com o povo. raízes, italiano a ópera buffa desenvolveu mais tarde formas mais desenvolvidas. Ao contrário da ópera séria, o vocal solo era dominante. começando, em quadrinhos Os conjuntos tornaram-se de grande importância na ópera. Os conjuntos mais desenvolvidos foram colocados em finais animados e de rápido desenrolar, que eram uma espécie de nó de intriga cômica. N. Logroshino é considerado o criador deste tipo de conjuntos finais eficazes. C. Goldoni, um grande italiano, teve uma influência frutífera no desenvolvimento da ópera buffa. comediante do século XVIII, que refletiu as ideias do realismo educacional em sua obra. Ele foi o autor de vários bibliotecários de ópera, a maioria dos quais com músicas escritas por um dos mais destacados mestres italianos. quadrinho óperas do veneziano B. Galuppi. Nos anos 60 século 18 na ópera buffa aparecem tendências sentimentalistas (por exemplo, a ópera de N. Piccinni baseada no texto de Goldoni “Cecchina, ou a Boa Filha”, 1760, Roma). A ópera buffa aproxima-se do tipo de “drama filisteu” ou “comédia chorosa” que refletia a moral. os ideais do terceiro estado no dia anterior Ótimo francês. revolução.

A obra de N. Piccinni, G. Paisiello e D. Cimarosa é a última e mais elevada etapa do desenvolvimento da ópera buffa no século XVIII. Suas produções combinam elementos cômicos com sensibilidade. patético, melódico. riqueza com variedade de formas, vivacidade, graça e mobilidade da música foram preservadas no repertório operístico. Em muitos aspectos, esses compositores se aproximaram de Mozart e prepararam a obra de um dos maiores italianos. compositores de ópera do século seguinte G. Rossini. Certas características da ópera buffa foram adotadas pela ópera séria posterior, o que resultou em maior flexibilidade de suas formas, simplicidade e espontaneidade de melodias. expressões.

Significa. A contribuição foi feita pelo italiano. compositores do século XVIII no desenvolvimento de vários gêneros de instrumentos música. No campo da fabricação de violinos, o maior mestre depois de Corelli foi G. Tartini. Continuando, seguindo seus antecessores, a cultivar os gêneros de sonata para violino solo e sonata para trio, ele os encheu de uma nova expressividade brilhante, enriqueceu as técnicas de execução do violino e ampliou o alcance usual de seu som na época. Tartini criou sua própria escola, chamada Pádua (em homenagem à cidade de Pádua, onde passou a maior parte de sua vida). Seus alunos foram P. Nardini, P. Alberghi, D. Ferrari. No 2º tempo. século 18 desdobrado executado com maestria. e criativo atividades de G. Pugnani, o maior italiano. violinista clássico era. Entre seus muitos. estudantes, J.B. Viotti tornou-se especialmente famoso, em cuja obra às vezes há um sentimento de romantismo. tendências.

No gênero orc. concerto grosso como ousado e original. o artista inovador foi A. Vivaldi. Ele dramatizou essa forma, introduziu-a junto com a dinâmica. contrastando grupos grandes e pequenos de instrumentos (tutti e concertino) tematicamente. contrastes dentro do departamento partes, estabeleceu uma estrutura do ciclo em 3 partes, preservada no clássico. instrução show. (Os concertos para violino de Vivaldi foram muito valorizados por J. S. Bach, que arranjou alguns deles para cravo e também para órgão.)

Nas sonatas do trio de G.B. Pergolesi, traços pré-clássicos são perceptíveis. estilo "galante". Sua textura leve e transparente é quase inteiramente homofônica, a melodia se distingue pela melodia suave e graça. Um dos compositores que preparou diretamente o florescimento da música clássica. instrução música, foi G. Sammartini (autor de 78 sinfonias, muitas sonatas e concertos para vários instrumentos), cuja natureza de criatividade estava próxima dos representantes das escolas de Mannheim e das primeiras escolas vienenses. L. Boccherini combinou em sua obra elementos de sensibilidade galante com pré-romantismo. animado pelo pathos e pela proximidade com o povo. fontes. Eles vão notar. violoncelista, enriqueceu a literatura do violoncelo solo, foi um dos criadores da música clássica. tipo de quarteto de arco.

O artista está vivo e ricamente criativo. fantasia, D. Scarlatti ampliou e atualizou a estrutura figurativa e os meios de expressividade da música de cravo. As suas sonatas para cravo (o autor chamava-as de “exercícios” - “Essercizi per gravicembalo”), marcantes pela diversidade de carácter e técnicas de apresentação, são uma espécie de enciclopédia da arte do cravo daquela época. As sonatas de Scarlatti, de forma clara e concisa, concentram-se em questões temáticas. os contrastes são claramente definidos. seções da exposição da sonata. Depois de Scarlatti, a sonata para teclado foi desenvolvida nas obras de B. Galuppi, D. Alberti (cujo nome está associado à definição dos baixos albertianos), G. Rutini, P. Paradisi, D. Cimarosa. M. Clementi, tendo dominado certos aspectos do estilo de D. Scarlatti (que se expressou, em particular, na criação de 12 sonatas “ao estilo de Scarlatti”), aproximou-se então dos mestres da música clássica desenvolvida. estilo, e às vezes chega às origens do romântico. virtuosismo.

Uma nova era na história da fabricação de violinos foi inaugurada por N. Paganini. Como intérprete e compositor, foi um artista tipicamente romântico. armazém Sua execução causou uma impressão irresistível com sua combinação de enorme virtuosismo com imaginação e paixão ardentes. Sr. estímulo. Paganini ("24 Caprichos" para violino solo, concertos para violino e orquestra, etc.) ainda permanecem exemplos insuperáveis ​​​​de literatura virtuosa para violino. Eles influenciaram não apenas o desenvolvimento subsequente da música para violino no século XIX, mas também a criatividade maiores representantes romântico pianismo - F. Chopin, R. Schumann, F. Liszt.

Paganini foi o último dos grandes italianos. mestres que trabalham na área de ferramentas. música. No século 19 a atenção dos compositores e do público estava quase inteiramente voltada para a ópera. Na virada dos séculos XVIII para XIX. A ópera na Itália passava por um período de estagnação conhecida. Tradicional os tipos de ópera séria e ópera buffa já haviam esgotado suas capacidades naquela época e não podiam se desenvolver. Criatividade do maior italiano. O compositor de ópera desta época G. Spontini teve lugar fora da Itália (na França e na Alemanha). As tentativas de S. Mayr (alemão de nacionalidade) de apoiar as tradições da ópera séria (enxertando certos elementos emprestados) revelaram-se ecléticas. F. Paer, que gravitou em torno da ópera buffa, não contribuiu com nada de significativamente novo para este gênero em comparação com a obra de Paisiello e Cimarosa. (Na história da música, o nome de Paer foi preservado como autor da ópera baseada no texto de J. Bouilly “Leonora, ou Amor Conjugal”, que serviu de fonte para o bibliotecário “Fidelio” de Beethoven. )

Alto florescimento da Itália. óperas no século XIX esteve associada às atividades de G. Rossini, compositor dotado de um melodicismo inesgotável. engenhosidade, temperamento vivo e exuberante e dramaturgia inconfundível. instinto. Seu trabalho refletiu a ascensão geral da Itália. cultura causada pelo crescimento do patriótico. nacional-liberado aspirações. Profundamente democrático, pessoal. Segundo as suas origens, a obra operística de Rossini foi dirigida a para um amplo círculo ouvintes. Ele reviveu o nacional tipo de ópera buffa e deu-lhe nova vida, aguçando e aprofundando as características da ação. pessoas, aproximando-as da realidade. Seu "O Barbeiro de Sevilha" (1816) é o auge do italiano. quadrinho óperas. Rossini combina o começo cômico com o satírico e livre. Algumas de suas óperas contêm alusões diretas às sociedades. e político a situação daquela época. Nas óperas existem dramas heróicos. personagem, ele superou os clichês congelados da ópera séria, em particular, atribuindo especial importância ao refrão. o início. As narrativas estão sendo amplamente desenvolvidas. cenas da última ópera de Rossini, "Guilherme Tell" (1829), sobre a libertação nacional. o enredo interpretado de forma romântica. plano.

O romantismo ganha uma expressão vívida. tendências na obra de V. Bellini e G. Donizetti, cujas atividades tiveram início na década de 30. século XIX, quando o movimento nacional O Renascimento (Risorgimento) na Itália entrou numa fase decisiva da luta pela unidade e pela política. independência do país. Nas óperas "Norma" (1831) e "Os Puritanos" (1835) de Bellini, a libertação nacional é claramente ouvida. motivos, embora a ênfase principal tenha sido colocada pelo compositor no drama pessoal dos personagens. Bellini era um mestre da expressão. romântico cantilena, que despertou a admiração de M. I. Glinka e F. Chopin. Donizetti deseja dramas fortes. efeitos e situações agudas às vezes resultavam em melodrama afetado. Portanto, seu grande romantismo. óperas ("Lucretia Borgia", segundo V. Hugo, 1833; "Luciadi Lammermoor", segundo V. Scott, 1835) revelaram-se menos viáveis ​​​​do que a produção. gênero de comédia ("Elisir of Love", 1832; "Don Pasquale", 1843), em que tradições. Tipo italiano a ópera buffa adquiriu novas características: a importância do contexto do gênero aumentou, a melodia foi enriquecida com as entonações do romance e da música cotidiana.

A obra de J. S. Mercadante, G. Pacini e alguns outros compositores do mesmo período não diferiu de forma independente. traços individuais, mas refletia a tendência geral para a dramatização da forma operística e o enriquecimento da expressão musical. fundos. Nesse aspecto eles foram diretos. antecessores de G. Verdi - um dos maiores dramaturgos de ópera não só da Itália, mas também da música mundial. t-ra.

As primeiras óperas de Verdi, que apareceram no palco nos anos 40. Século XIX, ainda não totalmente independente estilisticamente ("Nabucco", "Lombardos na Primeira Cruzada", "Ernani"), despertou o entusiasmo ardente do público com o seu patriótico. pathos, romântico exaltação de sentimentos, espírito de heroísmo e amor à liberdade. Em produção anos 50 ("Rigoletto", "Il Trovatore", "La Traviata") alcançou excelentes resultados psicológicos. profundidade de imagens, força e veracidade da personificação de conflitos mentais agudos e intensos. Wok. A escrita de Verdi é libertada do virtuosismo externo, da ornamentação das passagens, tornando-se um elemento organicamente integrante da melódica. linha, adquirida irá expressar. significado. Nas óperas dos anos 60-70. (“Don Carlos”, “Aida”) ele se esforça para identificar ainda mais amplas camadas de drama. ações na música, fortalecendo o papel da orquestra, enriquecendo as musas. linguagem. Numa de suas últimas óperas, “Otelo” (1886), Verdi chegou à criação de uma obra completa música dramas, nos quais a música está intimamente ligada à ação e transmite com flexibilidade todos os seus aspectos psicológicos. tons.

Seguidores de Verdi, incl. A. Ponchielli, autor da popular ópera La Gioconda (1876), não conseguiu enriquecer os seus princípios operísticos com novas criaturas. conquistas. Ao mesmo tempo, o trabalho de Verdi encontrou oposição dos adeptos dos dramas musicais wagnerianos. reformas. No entanto, o Wagnerismo não teve raízes profundas na Itália; a influência de Wagner foi sentida entre alguns compositores não tanto nos princípios do drama operístico, mas nas técnicas de harmônicos. e orc. cartas. As tendências wagnerianas refletiram-se na ópera “Mefistófeles” de Boito (1868), que posteriormente se afastou dos extremos de sua paixão por Wagner.

No fim século 19 O verismo tornou-se difundido na Itália. O enorme sucesso das óperas "Honor Rusticana" (1890) e "Pagliacci" de Leoncavallo (1892) de Mascagni contribuiu para o estabelecimento deste movimento como dominante na Itália. criatividade operística. O verismo foi apoiado por U. Giordano (entre suas obras a mais famosa é a ópera André Chénier, 1896) e F. Cilea.

O trabalho do maior italiano também esteve ligado a esta tendência. compositor de ópera depois de Verdi - G. Puccini. Seu estímulo. geralmente dedicado drama de pessoas comuns, mostrado contra um fundo colorido do dia a dia. Ao mesmo tempo, as óperas de Puccini estão livres da natureza naturalista inerente ao verismo. características, eles se distinguem por maior sutileza psicológica. análise, lirismo comovente e elegância da escrita. Sendo fiel às melhores tradições italianas. bel canto, Puccini aguçou a declamação. expressividade do wok. melódica, buscou uma reprodução mais detalhada das nuances da fala no canto. Harmonioso colorido e orc. a linguagem de suas óperas contém certos elementos do impressionismo. Em suas primeiras produções maduras. ("La Boheme", 1896; "Tosca", 1900) Puccini também está associado à Itália. tradição operística No século XIX, mais tarde o seu estilo tornou-se mais complexo, os seus meios de expressão adquiriram maior nitidez e concentração. Um fenômeno peculiar na Itália. arte da ópera - obra de E. Wolf-Ferrari, que tentou modernizar o clássico. tipo de ópera buffa, combinando suas tradições. formas com estilo utilizando os meios do romantismo tardio ("Mulheres Curiosas", 1903; "Quatro Tiranos", 1906, baseado nas histórias de Goldoni). R. Zandonai, seguindo principalmente o caminho do verismo, aproximou-se de algumas das novas musas. correntes do século XX.

Grandes conquistas na Itália. óperas aos 19 - cedo Séculos 20 foram associados ao brilhante florescimento dos intérpretes vocais. cultura. Tradições italianas O bel canto, que se desenvolveu no século XIX, é posteriormente desenvolvido na arte de vários. gerações de cantores que gozaram de fama mundial. Ao mesmo tempo, sua performance adquire novas características, tornando-se mais lírica e dramaticamente expressiva. O último representante destacado de um estilo puramente virtuoso que sacrificou o drama. conteúdo em prol da beleza sonora e da tecnicidade. mobilidade de voz, foi A. Catalani. Entre os mestres está o italiano. wok escolas 1º semestre Século XIX, formado a partir da obra operística de Rossini, Bellini e Donizetti - cantores Giudita e Giulia Grisi, G. Pasta, cantores G. Mario, G. B. Rubini. No 2º tempo. século 19 está surgindo uma galáxia de cantores “Verdi”, incluindo os cantores A. Bosio, B. e C. Marchisio, A. Patti, os cantores M. Battistini, A. Masini, G. Anselmi, F. Tamagno, E. Tamberlik, etc. . No século 20. glória à Itália a ópera foi apoiada pelos cantores A. Barbi, G. Bellincioni, A. Galli-Curci, T. Dal Monte, E. e L. Tetrazzini, cantores G. De Luca, B. Gigli, E. Caruso, T. Skipa, Titta Ruffo e etc.

Do final século 19 o significado da ópera na criatividade italiana. compositores está a enfraquecer e há uma tendência de deslocar o centro das atenções para o campo dos instrumentos. gêneros. O renascimento da criatividade ativa. interesse em ferramentas a música foi promovida pelas atividades de G. Sgambati (reconhecido na Europa como pianista e maestro) e G. Martucci. Mas a obra de ambos os compositores, que se desenvolveu sob a influência de F. Liszt e R. Wagner, não foi suficientemente independente.

Como prenúncio de uma nova estética. ideias e princípios estilísticos têm uma grande influência no desenvolvimento de toda a Europa. música do século 20 interpretada por F. Busoni, um dos maiores pianistas de sua época, grande compositor e teórico da arte. Ele apresentou o conceito de “novo classicismo”, que contrastou, por um lado, com o impressionista. a fluidez das imagens, a indefinição das sombras, por outro lado, a “anarquia” e a “arbitrariedade” do atonalismo de Schoenberg. Sua criatividade Busoni implementou os princípios em obras como “Fantasia Contrapuntal” (1921), “Improvisação sobre um tema coral de Bach” para 2 fp. (1916), bem como as óperas “Arlequim, ou Janela”, “Turandot” (ambas pós. 1917), nas quais abandonou o wok desenvolvido. estilo de seus italianos. antecessores e procurou se aproximar do tipo de povo antigo. comédia ou farsa.

A criatividade italiana desenvolveu-se em consonância com o neoclassicismo. compositores, às vezes unidos sob o nome. "grupos da década de 1880" - I. Pizzetti, J. F. Malipiero, A. Casella. Eles procuraram reviver as tradições do grande nacional. música passado, voltando-se para formas e estilísticas. Técnicas italianas Canto gregoriano barroco e melódico. Promotor e pesquisador de música antiga, Malipiero publ. coleção obras de C. Monteverdi, instr. estímulo. A. Vivaldi e a herança esquecida de muitos. italiano compositores dos séculos XVII-XVIII. Em sua obra utiliza as formas da antiga sonata barroca, ricercar, etc. no expresso. wok declamação e meios mesquinhos de orc. con., refletem o que veio na década de 20. reação contra o verismo. As tendências neoclássicas da obra de Casella manifestaram-se em “Partita” para fp. com orquestra (1925), suíte "Scarlattiana" (1926), algum teatro musical. estímulo. (por exemplo. ópera de câmara"O Conto de Orfeu", 1932). Ao mesmo tempo, ele recorreu ao italiano. folclore (rapsódia para orquestra "Itália", 1909). Seu orc colorido. a carta foi desenvolvida em grande parte sob a influência do russo. e francês escolas (uma homenagem à paixão pela música russa foi a orquestração de “Islamey” de Balakirev). Pizzetti introduziu elementos religiosos e moralizantes em suas óperas e saturou as musas. linguagem com as entonações do canto gregoriano, sem ao mesmo tempo romper com as tradições do Ítalo. escola de ópera do século XIX Nesk. Um lugar especial neste grupo de compositores é ocupado pela obra de O. Respighi, mestre do orc. gravação de som (a formação de sua criatividade foi influenciada por aulas com N. A. Rimsky-Korsakov). Na sinfonia Os poemas de Respighi ("Fontes Romanas", 1916; "Pineas de Roma", 1924) apresentam imagens vívidas de pessoas. vida e natureza. As tendências neoclássicas foram apenas parcialmente refletidas em seus trabalhos posteriores. Um papel notável em I. m. século 20 interpretado por F. Alfano, o mais proeminente representante do movimento verístico (a ópera “Ressurreição” baseada no romance de L.N. Tolstoy, 1904), que então evoluiu para o impressionismo; M. Castelnuovo-Tedesco e V. Rieti, que no início. 2ª Guerra Mundial 1939-45 de acordo com a política razões deixaram sua terra natal e se estabeleceram nos Estados Unidos.

Na virada dos anos 40. século 20 mudanças estilísticas perceptíveis ocorrem em I. m. As tendências do neoclassicismo são substituídas por movimentos que desenvolvem de uma forma ou de outra os princípios da nova escola vienense. O trabalho criativo é indicativo nesse sentido. evolução de G. Petrassi, que, influenciado por A. Casella e I. F. Stravinsky, passou primeiro para a posição da atonalidade livre e depois para a dodecafonia estrita. O maior compositor deste período I.M. é L. Dallapiccola, cuja obra atraiu grande atenção após a 2ª Guerra Mundial. Em seu produto. 40 e 50 anos aparecem características do expressionismo e do parentesco. criatividade de A. Berg. Os melhores deles incorporam o humanismo. protesto contra a tirania e a crueldade (tríptico coral "Canções dos Prisioneiros", 1938-1941; ópera "Prisioneiro", 1944-48), o que lhes conferiu uma certa orientação antifascista.

Entre os compositores há mais geração mais nova, surgidos após a 2ª Guerra Mundial, L. Berio, S. Bussotti, F. Donatoni, N. Castiglioni, B. Maderna, R. Malipiero e outros ganharam fama. correntes de vanguarda - serialismo pós-weberiano, sonorismo (ver música serial, sonorismo), aleatorismo, e é uma homenagem à busca formal de novos meios sonoros. Berio e Maderna principais. em 1954 em Milão o "Estúdio de Fonologia", que realizou experiências na área música eletrônica. Ao mesmo tempo, alguns desses compositores se esforçam para combinar os chamados. novos meios de expressividade para a música. vanguarda com formas de gênero e técnicas musicais dos séculos XVI-XVII.

Um lugar especial nos tempos modernos. I. m. pertence ao compositor comunista e lutador ativo pela paz L. Nono. Em seu trabalho, ele aborda os temas mais urgentes do nosso tempo, tentando incorporar as ideias do internacional. fraternidade e solidariedade dos trabalhadores, protesto contra o imperialismo. opressão e agressão. Mas os meios da arte de vanguarda, que Nono utiliza, estão frequentemente em conflito com o seu desejo de imediatismo. propaganda impacto nas grandes massas de ouvintes.

À margem das tendências de vanguarda está G.C. Menotti - italiano. compositor vivendo e trabalhando nos EUA. Em sua obra, associada principalmente à ópera, elementos do verismo adquirem um certo colorido expressionista, enquanto a busca pela entonação verdadeira do discurso o leva a uma reaproximação parcial com M. P. Mussorgsky.

Na música A ópera continua a desempenhar um papel importante na vida da Itália. Uma das companhias de ópera mais destacadas do mundo é o La Scala de Milão, que existe desde 1778. As casas de ópera mais antigas da Itália também incluem San Carlo em Nápoles (fundada em 1737), Fenice em Veneza (fundada em 1792). Grande arte. O Teatro da Ópera Romana ganhou importância (inaugurado em 1880 com o nome de Teatro Costanzi; desde 1946 - Ópera Romana). Entre os mais proeminentes modernos italiano artistas de ópera - cantores G. Simionato, R. Scotto, A. Stella, R. Tebaldi, M. Freni; cantores G. Becky, T. Gobbi, M. Del Monaco, F. Corelli, G. Di Stefano.

Grande influência no desenvolvimento da ópera e da sinfonia. a cultura na Itália foi influenciada pelas atividades de A. Toscanini, um dos maiores maestros do século XX. Representantes proeminentes da música tocando Os artistas são os maestros P. Argento, V. De Sabata, G. Cantelli, T. Serafin, R. Fasano, V. Ferrero, C. Zecchi; o pianista A. Benedetti Michelangeli; o violinista J. DeVito; violoncelista E. Mainardi.

Do começo século 20 A pesquisa musical recebeu intenso desenvolvimento na Itália. e crítico pensamento. Significa. contribuição para o estudo da música. o patrimônio foi contribuído pelos musicólogos G. Barblan (presidente da Sociedade Italiana de Musicologia), A. Bonaventura, G. M. Gatti, A. Della Corte, G. Pannain, G. Radiciotti, L. Torchi, F. Torrefranca e outros. Zafred e M. Mila trabalham de forma proeminente. no campo da música. críticos. Várias musas são publicadas na Itália. revistas, inclusive "Rivista Musicale italiana" (Torino, Milão, 1894-1932, 1936-1943, 1946-), "Musica d"oggi" (Milão, 1919-40, 1958-), "La Rassegna Musicale" (Turim, 1928-40 ; Roma, 1941-1943, 1947-62), "Bolletino Bibliografico Musicale" (Milão, 1926-33, 1952-), "Il Convegno Musicale" (Turim, 1964-), etc.

Várias enciclopédias foram publicadas, dedicadas a. música e t-ru, incl. "Enciclopedia della musica" (v. 1-4, Mil., 1963-64), "Enciclopedia dello spettacolo" (v. 1-9, Roma, 1954-62).

Entre os especiais música tal. As maiores instituições são os conservatórios: "Santa Cecília" de Roma (fundado em 1876 como liceu de música, desde 1919 - conservatório); o nome de G. B. Martini em Bolonha (desde 1942; fundado em 1804 como liceu musical, desde 1914 recebeu o estatuto de conservatório); eles. Benedetto Marcello em Veneza (desde 1940, fundado em 1877 como liceu de música, desde 1916 igual a escola superior); Milanskaya (fundada em 1808, em 1901 em homenagem a G. Verdi); eles. L. Cherubini em Florença (fundado em 1849 como instituto de música, depois escola de música, Academia de Música e, a partir de 1912, conservatório). Prof. os músicos também são formados pelos institutos de história da música das universidades, pelo Pontifício Instituto Ambrosiano de Música Sacra, etc. instituições, bem como no Instituto para o estudo do legado de Verdi, é realizada musicologia. Trabalho. A Internacional foi fundada em Veneza. Centro de propaganda italiano music, que organiza anualmente cursos de verão (“Férias Musicais”) sobre o estudo do italiano antigo. música. A Biblioteca Ambrosiana e a biblioteca do Conservatório de Milão possuem uma extensa coleção de partituras e livros sobre música. São amplamente conhecidos os repositórios de instrumentos antigos, partituras e livros (concentrados na biblioteca da Academia Filarmónica de Bolonha, na biblioteca de G.B. Martini e nos Arquivos da Capela de San Petronio em Bolonha). Os materiais mais ricos sobre a história italiana. música tem o Nacional. Biblioteca Marciana, Biblioteca da Fundação D. Cini e Museu da Música. instrumentos no Conservatório de Veneza.

Na Itália existem numerosos. música organização e execução. equipes. Sinfonias regulares os concertos são ministrados por: orquestras do La Scala e Fenice, Nacional. Academia "Santa Cecília", Itália. rádio e televisão em Roma, a orquestra da sociedade "Tardes Music Playing" ("Rommerigi musicali"), que atua principalmente. do espanhol moderno música, orquestras de câmara "Angelicum" e "Virtuosi of Rome", a sociedade "Polifonia Ambrosiana", que promove a música da Idade Média, Renascentista e Barroca, bem como a orquestra do teatro bolonhês "Comunale", Bolonhesa orquestra de câmara e outros grupos.

Numerosos eventos são realizados na Itália. música festivais e competições: Int. festival moderno música (desde 1930, Veneza), "Maio Musical Florentino" (desde 1933), "Festival de Dois Mundos" em Spoleto (desde 1958, fundado por G.C. Menotti), "Semana da Música Nova" (desde 1960, Palermo), piano competição com o nome F. Busoni em Bolzano (desde 1949, anualmente), concurso de música e dança que leva seu nome. G. B. Viotti em Vercelli (desde 1950, anualmente), competição que leva seu nome. A. Casella em Nápoles (desde 1952, a cada 2 anos, até 1960 participaram pianistas, desde 1962 - também compositores), concurso de violino. N. Paganini em Gênova (desde 1954, anualmente), competição de orcs. maestros em Roma (desde 1956, a cada 3 anos, instituído pela Academia Nacional "Santa Cecília"), concurso de piano. E. Pozzoli em Seregno (desde 1959, a cada 2 anos), concurso para jovens maestros. G. Cantelli em Novara (desde 1961, a cada 2 anos), concurso vocal "Verdi Voices" em Busseto (desde 1961, anualmente), concurso de coro. coletivos com o nome Guido d'Arezzo em Arezzo (fundado em 1952 como nacional, desde 1953 - internacional; anualmente, também conhecido como "Polyfonico"), concurso de violoncelo G. Casado em Florença (desde 1969, a cada 2 anos).

Entre os italianos música sociedade - Corporação de Música Nova (seção da Sociedade Internacional de Música Contemporânea; fundada em 1917 como Sociedade Nacional de Música, em 1919 transformada na Sociedade Italiana de Música Contemporânea, desde 1923 - Corporação), Associação de Música bibliotecas, Sociedade de Musicologia, etc. Muito trabalho está sendo feito na Itália. música editora e trading "Ricordi and Co." (fundada em 1808), que possui filiais em vários lugares. países.

Literatura: Ivanov-Boretsky M.V., Antologia histórico-musical, vol. 1-2, Moscou, 1933-36; por ele, Materiais e documentos sobre a história da música, vol. 2, M., 1934; Kuznetsov K. A., Retratos musicais e históricos, ser. 1, M., 1937; Livanova T., História da música da Europa Ocidental até 1789, M. - L., 1940; Gruber R.I., História geral da música, parte um, M., 1956, 1965; Khokhlovkina A., Ópera da Europa Ocidental. Final do século XVIII - primeira metade do século XIX. Ensaios, M., 1962; História da história da arte europeia: da antiguidade ao final do século XVIII, M., 1963; História da história da arte europeia. Primeira metade do século XIX, M., 1965.

Culturalmente patchwork que a Itália deu ao mundo mestres insuperáveis no campo da arte. Mas os próprios criadores geniais italianos foram influenciados pela cultura popular, incl. canções melódicas italianas. Quase todos têm autores, o que, no entanto, não os impede de serem chamados de folk.

Isto provavelmente se deve ao amor natural dos italianos por tocar música. Esta afirmação aplica-se a todas as regiões da Itália, desde o sul de Nápoles até ao norte de Veneza, o que é confirmado pelos numerosos festivais de música realizados em todo o país. A canção italiana é conhecida e amada em todo o mundo: nossos pais ainda se lembram de “Bella Ciao” ​​​​e “On the Road” - canções folclóricas italianas cantadas por Muslim Magomayev, reconhecido como o melhor intérprete de canções deste país.

Canções folclóricas italianas desde tempos imemoriais

Se a língua italiana se desenvolveu no século X, os pesquisadores atribuem o surgimento das canções folclóricas italianas ao início do século XIII. Eram canções cantadas por malabaristas e menestréis viajantes nas praças da cidade durante as férias. O assunto para eles era amor ou histórias de família. Seu estilo era um tanto áspero, o que é bastante natural na Idade Média.

A canção mais famosa que chegou até nós chama-se “Contrasto” (“Love Dispute”) do siciliano Ciullo d’Alcamo. É sobre um diálogo entre uma menina e um menino apaixonado por ela. Além disso, são conhecidas canções de diálogo semelhantes: “A disputa entre a alma e o corpo”, “A disputa entre a morena e a loira”, “A disputa entre os frívolos e os sábios”, “A disputa entre o inverno e o verão” .

Durante o Renascimento, a moda de tocar música em casa se espalhou entre os habitantes da Itália. Os cidadãos comuns reuniam-se em círculos de amantes da música, onde tocavam vários instrumentos e compunham palavras e melodias. Desde então, as canções se espalharam por todos os segmentos da população e foram ouvidas em toda a Itália.

Instrumentos musicais e canções folclóricas italianas

Falando em folclore, não se pode deixar de mencionar os instrumentos com que foram executados. Aqui estão alguns deles:

• Um violino que recebeu aspecto moderno no século XV. Este instrumento de origem folclórica é muito apreciado pelos italianos.
• O alaúde e sua variante dos Pirenéus, a vihuela. Instrumentos dedilhados que se espalharam pela Itália no século XIV.
• Pandeiro. Uma espécie de pandeiro que veio da Provença para a Itália. A dançarina acompanhou-se com eles durante a execução da tarantela.
• Flauta. Tornou-se difundido no século XI. Muitas vezes utilizado pelo intérprete junto com um pandeiro.
• O realejo é um instrumento de sopro mecânico que se tornou popular na Itália no século XVII. Ela era especialmente amada entre os músicos viajantes, lembra Papa Carlo.

Canção folclórica italiana “Santa Lucia” – o nascimento da música napolitana

Nápoles é a capital da região da Campânia, a cidade mais famosa do sul da Itália e lar da canção folclórica napolitana incrivelmente lírica, a bela “Santa Lúcia”.

A extraordinária beleza da natureza, o clima ameno e a conveniente localização às margens da baía de mesmo nome tornaram esta cidade e seus arredores extremamente atraentes para numerosos conquistadores e simples colonos. Por mais de 2.500 anos, esta cidade abraçou e reinterpretou muitas culturas que tiveram impacto sobre tradições musicais região.

O nascimento da canção folclórica napolitana é considerado o início do século XIII, quando a canção “The Sun is Rising” era muito popular. Este é o alvorecer do Renascimento italiano. A época do rápido desenvolvimento das cidades italianas e o início da saída consciência humana desde a idade das trevas. Nesse período, as pessoas pararam de considerar a dança e o canto como pecado e começaram a se permitir aproveitar a vida.

Nos séculos XIV-XV. Entre as pessoas, eram populares os dísticos humorísticos, compostos sobre o tema do dia. Na segunda metade do século XV, surgiu em Nápoles a villanelle (canção de aldeia italiana) - dísticos executados em várias vozes com acompanhamento de alaúde.

No entanto, o apogeu da canção folclórica napolitana como a conhecemos remonta ao século XIX. Foi nesse período que a mais famosa canção italiana “Santa Lucia” foi publicada por Teodoro Cottrau. Está escrito no gênero barcarola (da palavra barka), que significa “canção do barqueiro” ou “canção na água”. A música foi cantada no dialeto napolitano e foi dedicada à beleza da cidade costeira de Santa Lúcia. Esta é a primeira obra napolitana traduzida de um dialeto para o italiano. Foi interpretada por Enrico Caruso, Elvis Presley, Robertino Loretti e muitos outros artistas mundialmente famosos.

Texto napolitano original

Como se fr?cceca la luna chiena…
ei égua cavalga, ll'aria? serena...
Você quer fazer ‘mmiez’a la via?
Santa Lúcia! Santa Lúcia!

II Stu viento frisco, fa risciatare, chi v?’ spassarse j?nno pe’ mare…
E’pronto e lesta la varca mia… Santa Lúcia!
Santa Lúcia! III La t?nna ? posta pe' f? e preço...
e quanno stace la panza chiena, non c’? la mènema melanconia!

Santa Lúcia! Santa Lúcia!
P?zzo accostare la varca mia?
Santa Lúcia!
Santa Lúcia!…

Texto clássico italiano (Enrico Cossovic, 1849)

Sul mare lucica l'astro d'argento.

Sul mare lucica l'astro d'argento.
Plácida? Onda, próspero? o vento.

Santa Lúcia! Venite all'agile barchetta mia, Santa Lúcia! Santa Lúcia!

Com esse Zeffiro, porque? soave, Oh, com'? bela estrela na nave!
Su passegieri, venite via!
Santa Lúcia!
Santa Lúcia!

Su passegieri, venite via!
Santa Lúcia!
Santa Lúcia!

In fra le tende, bandir la cena In una sera cos? serena,

Santa Lúcia!
Santa Lúcia!
Chi non dimanda, chi non desia.
Santa Lúcia!
Santa Lúcia!


Égua? placida, vento s? cara,
Scordar fa i triboli al marinaro,
E você vai grelhando com alegria,
Santa Lúcia! Santa Lúcia!

E você vai grelhando com alegria,
Santa Lúcia! Santa Lúcia!


Ó doce Napoli, ó suol beato,
Ove sorridere volle il creato,
Tu sei l'impero dell'armonia,
Santa Lúcia! Santa Lúcia!

Tu sei l'impero dell'armonia,
Santa Lúcia! Santa Lúcia!


Ou che atrasado? Bela? a sera.
Spira un'auretta fresca e leggiera.
Venite all'agile barchetta mia, Santa Lúcia!
Santa Lúcia!

Venite all'agile barchetta mia, Santa Lúcia!
Santa Lúcia!

Texto russo

O mar respira um pouco
Em paz sonolenta,
À distância você pode ouvir o sussurro das ondas.
Grandes estrelas iluminadas no céu, Santa Lúcia, Santa Lúcia!
Oh, que noite - Estrelas e mar!
Um vento suave sopra do sopé.

Ele evoca sonhos dourados,
Santa Lúcia, Santa Lúcia!
Um barco como um cisne
Flutua para longe
Estrelas no céu
Brilhando.

Música maravilhosa
eu ouço durante a noite
Santa Lúcia,
Santa Lúcia!
Noite sobre o mar
Cheio de langor
Silenciosamente nós ecoamos
A música é familiar.

Oh minha Nápoles
Parentes deram
Santa Lúcia,
Santa Lúcia!
Luar
O mar brilha.

Vento favorável
A vela sobe.
Meu barco é leve
Os remos são grandes...
Santa Lúcia,
Santa Lúcia!

Atrás das cortinas
Barcos isolados
Pode ser evitado
Olhares indecentes.
Como ficar trancado
À noite assim?

Santa Lúcia,
Santa Lúcia!
Minha maravilhosa Nápoles,
Oh, linda terra,
Onde ele sorri
A abóbada do céu é para nós.

Delícias na alma
Está chovendo sobrenaturalmente...
Santa Lúcia,
Santa Lúcia!
Somos marshmallows leves
Vamos correr para longe
E vamos voar sobre a água como uma gaivota.

Ah, não perca
Relógio de ouro...
Santa Lúcia,
Santa Lúcia!

O mar está calmo
Todo mundo admira
E ai dos marinheiros
Eles esquecem instantaneamente
Eles apenas cantam
As músicas são arrojadas.

Santa Lúcia,
Santa Lúcia
O que mais vocÊ ESTÁ ESPERANDO?
Tranquilo no mar.
A lua está brilhando
Na extensão azul
Meu barco é leve
Os remos são grandes...

Santa Lúcia,
Santa Lúcia!
***

Ouça a canção folclórica italiana Santa Lucia interpretada por Anastasia Kozhukhova:

Além disso, outra canção napolitana “Dicitencelo vuie” também é famosa em nosso país é mais conhecida como “Diga às meninas para sua namorada”. A música foi escrita em 1930 pelo compositor Rodolfo Falvo com letra de Enzo Fusco. A versão em russo foi executada pela maioria dos artistas nacionais, de Sergei Lemeshev a Valery Leontyev. Além do russo, essa música foi traduzida para vários outros idiomas.

As canções napolitanas são conhecidas e amadas sem precedentes em todo o mundo. Isto é evidenciado por um incidente ocorrido nos Jogos Olímpicos de Antuérpia em 1920. Durante a cerimônia de premiação da seleção italiana, descobriu-se que a orquestra belga não possuía as notas do hino italiano. E então a orquestra explodiu “O my sun” (“O sole mio”). Aos primeiros sons da melodia, o público presente no estádio começou a cantar junto a letra da música.

Falando das tradições musicais de Nápoles e arredores, não se pode deixar de mencionar o festival Piedigrotta, que se realiza anualmente no início de setembro. Piedigrotta é uma gruta localizada perto de Nápoles que já serviu como santuário pagão. Em 1200, para consagrar este local, foi aqui erguida a Igreja de Santa Maria, que ficou conhecida como Piedigrotta, que significa “ao pé da gruta”.

Com o tempo, o culto religioso à Virgem Maria e as festividades em sua homenagem transformaram-se em festival-concurso de canções. Durante este festival musical, os melhores poetas populares e cantores de Nápoles. Às vezes acontece que duas músicas marcam o mesmo número de pontos. E então o público é dividido em dois campos, cada um pronto para defender sua melodia favorita com os punhos. Se as duas músicas forem realmente boas, a amizade vence e a cidade inteira cantarola essas músicas favoritas.

Canção folclórica italiana “Happy”

A obra remete a letras de amor, mas as palavras do texto percebem a traição e a frivolidade da juventude. A narração é contada a partir da perspectiva de uma garota que parece se voltar para a amiga e perguntar: ele sabe o que se esconde por trás dos olhares sedutores das beldades dos bailes? A própria menina ainda não está apaixonada por ninguém e por isso se considera a mais feliz e “mais charmosa que todas as rainhas”. Uma jovem italiana caminha entre margaridas e violetas, ouve o chilrear dos pássaros e canta para eles sobre como é feliz e que deseja amá-los apenas para sempre.

Na verdade, foi observado com precisão que, desde que o seu amor por outra pessoa não se torne um apego doloroso, há tempo para aproveitar a vida, a natureza e todos que o rodeiam. Onde você pode perceber tudo isso quando está ardendo de ciúme e ansiedade?

Ouça a canção folclórica italiana “Happy” em russo interpretada por Anastasia Teplyakova:

Humor nas canções folclóricas italianas: cantamos sobre “Massa”

Leve e divertido Personagem italiano contribuiu para a ampla divulgação de canções humorísticas. Entre essas obras, vale destacar a música “Pasta”, dedicada a este prato verdadeiramente italiano. Ao cantar esta canção, órfãos e crianças de famílias pobres ganhavam a vida pedindo esmolas aos transeuntes. Dependendo do gênero do intérprete, existem versões masculinas e femininas do texto. A música é criada em ritmo de tarantela.

Tarantella é uma dança folclórica executada desde o século XV. Via de regra, a tarantela é baseada em um motivo que se repete ritmicamente. Curiosamente, dançar essa música era considerado um remédio curativo para pessoas picadas por uma tarântula. Desde a antiguidade, músicos percorrem as estradas da Itália executando esta melodia especialmente para quem sofre de “tarantismo”.

Pasta (versão masculina) Tradução de M. Ulitsky

1. Moro entre as ruínas.
Mais frequentemente alegre do que triste.
Eu moro entre as ruínas.
Mais frequentemente alegre do que triste.

Eu daria de boa vontade uma mesa, uma cama e uma casa com varanda para macarrão.

2. Este saboroso prato é um bom amigo do povo.
Este saboroso prato é um bom amigo do povo.

Mas gente importante também come macarrão com molho.

3. Quer saber como o palhaço vermelho moribundo sobreviveu?
Você quer saber como o palhaço vermelho moribundo sobreviveu?

Shutovskaya tirou a coroa e trocou-a por macarrão.

4. Canta-se a nossa Tarantela, com quem devo ir jantar?
Canta-se a nossa Tarantela, com quem devo ir jantar?

Vou apenas gritar: “Macarrão!” – Os companheiros aparecerão imediatamente.

Macarrão (versão feminina)

Eu sou mais preto que uma azeitona
Estou vagando sozinho, sem teto
E ao som de um pandeiro
Estou pronto para dançar o dia todo
Vou dançar a Tarantela para você,
Apenas seja solidário
Dê-me um soldo e eu compro
Macarrão, macarrão.

Meu amigo Pulcinello
Ele foi ferido no coração por uma flecha,
Só que eu não queria me tornar esposa de Pulcinello.
Ele quase se matou
Quase me joguei da varanda
Mas eu estava curado da paixão,
Apenas engolindo o macarrão.

Reuni meu irmão para uma caminhada,
Sua amada deixou para trás,
Como posso fazer os soldados
Todos ficaram ilesos?
Para que as armas não disparem,
Você precisa retirar todos os cartuchos,
Em vez de balas, deixe-as voar
Macarrão, macarrão.

Se você está um pouco triste,
Se a doença oprime você,
Ou às vezes meu estômago está vazio,
Macarrão faz bem!
Adeus, senhoritas,
Boa viagem, Signori Donna,
Você deve estar muito cheio
E tem macarrão me esperando!

Maccheroni

1.Io mi sono un poveretto senza casa e senza letto.
Io mi sono un poveretto sem casa e sem letto.

Venderei i miei canzoni para um sol piatto da maccheroni.

2. Pulcinella mezzo gastou voe a fare il testimento.
Pulcinella mezzo passou voe a fare il testimento.

Purche avesse dai padroni un grosso piatto di maccheroni.

3. Ho veduto un buon Tenente che cambiava col Sergente.
Ho veduto un buon Tenente che cambiava col Sergente.

Le spalline pe'galloni para um sol piatto di maccheroni.

4. Tarantella si e cantata,
due carlini si e pagata.
Tarantella si e cantata,
due carlini si e pagata.
Sono allegro, o compagnoni,
ne comperemo de' maccheroni.
Sono allegro, o compagnoni,
ne comperemo de' maccheroni.
***

Ouça a canção folclórica italiana “Pasta” em russo interpretada por Anna Zhikhalenko:

Canções venezianas na água

Além do sul de Nápoles, a pérola do norte da Itália, Veneza, tem tradições musicais magníficas e surpreendentes. Estamos falando, em primeiro lugar, dos cantos dos gondoleiros. Esses motivos de amor pertencem ao gênero barcarola. Eles são muito melódicos e descontraídos.

A voz forte e bela do gondoleiro parece ecoar as lentas batidas dos remos na água. Estranho, mas até o século 18 a barcarola não recebia a devida atenção dos músicos profissionais. Contudo, no século seguinte esta omissão foi mais do que compensada. Tchaikovsky, Mendelssohn, Chopin, Glinka – estes são apenas alguns gênios musicais, que foram cativados pela canção folclórica veneziana e incluíram seus motivos em suas obras imortais.

Infelizmente, a modernidade tem um impacto negativo nas tradições venezianas, incluindo a barcarola. Por exemplo, a pedido dos turistas, os gondoleiros cantam frequentemente a canção napolitana “O Sole Mio”, embora a Associação dos Gondoleiros seja contra a sua execução, por não ser veneziana.

Canção dos guerrilheiros italianos “Bella Ciao”

A famosa canção partidária “Bella Ciao” ​​​​(“Farewell Beauty”) também é incrivelmente popular. Foi cantada por membros da Resistência durante a Segunda Guerra Mundial. É verdade que não foi difundido em toda a Itália, mas apenas no norte do país, nos Apeninos.

Acredita-se que a letra tenha sido escrita por um paramédico ou médico. E a melodia é claramente tirada da antiga canção infantil “Sleeping Potion”. Embora, segundo Luciano Granozzi, professor história moderna Universidade de Catânia, "Bella Ciao" foi apresentada até 1945 apenas por certos grupos de guerrilheiros nas proximidades de Bolonha.

E picchia picchia
a porticela
E picchia picchia

E picchia picchia
la porticella diz: “Oi bella, mi vieni aprir.”
Com uma mão de abril?
la porta e con la bocca
o gli d? um bacin.
La gh'ha dato un bacio porque? tanto forte
la suoi mamma la l'ha enviou?.
Ma cos'hai fatto, figliola mia,
che tutto il mondo parla mal di te?
Lascia pura che
il mondo ‘l diga: io voglio amare chi mi ama me.
Io voglio amare quel giovanotto ch'l'ha
fatt sett'anni di prigion para mim.
L'ha fatt sett'anni e sette
mesi e sette giorni di prigion per me.
E la prigione
eu'? tanta escura,
minha fa paura,
la mi fa morir

Bella Ciao (uma das opções)

Esta manhã eu fui acordado

Esta manhã eu fui acordado
E eu vi o inimigo pela janela!
Oh, partidários, me levem
Oh, bela ciao, bela ciao, bela ciao, ciao, ciao!
Oh, guerrilheiros, levem-me,
Sinto que minha morte está próxima!
Se estou destinado a morrer em batalha
Oh, bela ciao, bela ciao, bela ciao, ciao, ciao!
Se estou destinado a morrer em batalha, enterre-me.
Enterre você no alto das montanhas
Oh, bela ciao, bela ciao, bela ciao, ciao, ciao!
Enterre você no alto das montanhas
Sob a sombra de uma flor vermelha!

Oh, bela ciao, bela ciao, bela ciao, ciao, ciao!
Um transeunte passará e verá a flor
“Linda”, ele dirá, “flor!”
Essa será a memória do partidário
Oh, bela ciao, bela ciao, bela ciao, ciao, ciao!
Essa será a memória do partidário
Que liberdade cair bravamente!
***

Ouça a música dos guerrilheiros italianos “Bella, Ciao” ​​​​interpretada pelo Coro Pyatnitsky:

A canção partidária favorita de todos era “Fischia il vento” (“O vento sopra”), tinha um caráter comunista pronunciado. Portanto, após o fim da guerra, por motivos ideológicos, o governo italiano passou a divulgar a música “Bella Ciao”. Por isso só temos a agradecer-lhe. De qualquer forma, a canção ganhou fama mundial no final dos anos 40, após o 1º Festival Internacional da Juventude e dos Estudantes, realizado em Praga no verão de 1947. Depois disso, foi regravada diversas vezes por cantores famosos e não tão famosos em todo o mundo.

O tema da música folclórica italiana é tão extenso que é impossível resumi-lo em um artigo. Isso se deve ao fato de toda a história da Itália se refletir nas canções folclóricas. Linguagem incrivelmente melódica, natureza luxuosa e história turbulenta O desenvolvimento do país deu ao mundo um fenômeno cultural como a canção folclórica italiana.

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