O conceito de “variedade” está firmemente enraizado em nossa consciência. O que é? Muitas pessoas associam este termo à música pop, embora na realidade estes conceitos não devam ser confundidos. A música pop é um dos componentes, e o próprio conceito inclui vários gêneros.

Estrada: o que é no sentido geral?

Em geral, se você seguir algumas fontes, definir o conceito de pop é muito simples. Por exemplo, a mesma Wikipedia afirma que a música pop é uma espécie de arte cênica, principalmente um gênero de entretenimento, embora na verdade esse conceito seja muito mais amplo. E é por causa disso.

Uma interpretação mais ampliada explica que o palco é uma espécie de elevação do intérprete quando ele sobe ao palco e executa um número curto, incluindo direções completamente diferentes e acompanhado por um compere (apresentação do artista no palco). Hoje, a música pop inclui vários gêneros principais:

• canção;
• dança (coreografia);
• arte circense;
• ilusão;
• palhaçada;
• gênero conversacional;
• paródia;
• pantomima, etc

Como você pode ver, o conceito de pop é bastante amplo. Porém, em nosso entendimento, o palco está, por algum motivo, associado à música. Não deveria ser assim.

É claro que a música sempre ocupou um dos lugares mais importantes na vida de uma pessoa. Naquela mesma época soviética, quando surgiu o conceito de música pop, também houve muitos pioneiros. Estes são Muslim Magomayev, Eduard Khil, Edita Piekha, Lev Leshchenko, Joseph Kobzon, Alla Pugacheva, finalmente. Todos eles são estrelas pop de sua época.

Claro, você não pode ignorar o circo. Que marca notável na história da arte pop e circense foi deixada por estrelas como Oleg Popov e Yuri Nikulin, que fizeram rir mais de uma geração na arena!

Naquela época, o gênero conversacional dominava, sem falar de um mestre como Arkady Raikin. Só mais tarde apareceram Petrosyan, Zadornov, Zhvanetsky e muitos outros. O que podemos dizer sobre o Teatro Obraztsov?

Lugar especial ocupado pelo então O que são apenas “Pesnyary”, “Syabry”, “Verasy”, “Flame”, etc. Os mesmos “Terráqueos” também são música pop, embora por algum motivo sejam classificados como bandas de rock.

Palco estrangeiro

No exterior, a pop art também não passou despercebida, mas estava subordinada ao ganho de dinheiro (show business).

Para os nossos ouvintes da época, a música pop consistia em dois grupos internacionalmente populares - Boney M e ABBA. Às vezes, Eruption também está incluído neste par, mas isso é puramente ideia de Frank Farian (fundador do Boney M), que escreveu os sucessos mais famosos do grupo.

A propósito, um programa tão popular como “The Benny Hill Show” também pode ser classificado como um gênero de variedades padrão, apesar de este programa ser um programa de televisão. E se você se lembrar dos festivais de San Remo, que já foram muito populares em todo o mundo, ficará imediatamente claro que o palco não é apenas música ou qualquer outro tipo de arte performática, mas um verdadeiro show.

É interessante que o começo arte pop poderia ser encontrado na Rússia com seus bufões, e no Ocidente - com bobos da corte.

Aliás, podemos acrescentar que hoje na televisão ocidental você pode encontrar muitos programas de paródia. Na Alemanha, por exemplo, a RTL2 é líder neste aspecto. arte circense aqui a primazia indiscutível pertence à trupe Du Soleil, na qual atuam muitos de nossos compatriotas e artistas de outros países, realizando números absolutamente inimagináveis ​​​​e truques simplesmente de tirar o fôlego.

Em vez de um total

É claro que nem todos os aspectos relacionados ao conceito de pop são considerados aqui, porém, deve ficar claro que este conceito inclui muitos gêneros e é completamente errado falar dele exclusivamente do ponto de vista da música. Há tantas direções aqui que você simplesmente não consegue entender. E não é à toa que a maioria instituições educacionais ao mesmo tempo eram chamadas de escolas de circo pop. Aparentemente, há uma certa razão para isso.

Nem é preciso dizer que não será possível descrever detalhadamente todos os gêneros (isso levaria muito tempo). Mas também está claro que a música pop é algo mais do que apenas cultura pop. E a lista de gêneros disponíveis nesse entendimento pode demorar muito, muito tempo. Por outro lado, mesmo este excursão curta na história irá ajudá-lo a entender o que realmente é o gênero pop.

Na cultura de massa russa, a música pop ocupou um lugar importante, e os acontecimentos das últimas décadas mostram que a música pop, como forma de arte mais popular, desempenha um papel importante na vida pública e está se tornando meios populares expressão de necessidades culturais e orientações de valores de diversos setores da sociedade. Por ser a música pop uma das formas de arte mais responsivas e móveis socialmente, o estudo deste fenômeno ajudará a compreender melhor os processos espirituais que ocorrem na sociedade.

No início do século passado, o negócio de gramofones na Rússia ganhava força - o número de fábricas e fábricas que produziam discos cresceu, sua qualidade melhorou e o repertório se expandiu. Em essência, estava surgindo uma nova indústria, diferente de qualquer outra indústria conhecida. Entrelaça fortemente problemas de natureza técnica e criativa, comercial e jurídica. Compositores, poetas, cantores, orquestras e corais, dísticos e contadores de histórias participaram da gravação dos discos, organizada por gramofones. A atmosfera dos estúdios lembrava os bastidores de um teatro com todos os atributos teatrais. Cantores famosos- orgulhoso e inacessível, autoconsciente preço, contratos foram oferecidos com a cortesia característica de qualquer fabricante-empresário, prevendo sucesso de público e bom acervo. Estrelas de segunda grandeza e artistas famintos em turnê foram recebidos de maneira diferente. As paixões ferviam ao redor da buzina e as intrigas eram tecidas - esse era o lado de baixo do negócio do gramofone.
Colecionar discos começou a virar moda: nas casas dos cidadãos ricos havia bibliotecas de discos com cem ou mais salas.

O termo mais comum, que surgiu muito antes do conceito de música pop, era “show de variedades”, mas não como o nome de uma instituição de concertos, mas como uma designação de toda uma variedade de arte. Se nos voltarmos para a história do surgimento do conceito de “show de variedades”, então suas origens podem ser encontradas nos programas de entretenimento apresentados em cafés e restaurantes nas áreas industriais da Inglaterra no final do século XVIII. A própria palavra “variedade” traduzida do francês significa variedade, diversidade. Este termo passou a unir todas as formas artísticas e de entretenimento. Com efeito, é a diversidade que caracteriza as atuações dos artistas nas feiras, nas salas de concerto, nos cafés-concertos, nos teatros de cabaré, embora, como se pode constatar a partir de uma análise mais aprofundada, esta não seja de forma alguma o principal e distintivo em este campo da arte.

No início do século XX, todos os tipos de pequenos teatros foram abertos na Rússia e, neste contexto, outro conceito começou a ser utilizado - palco de variedades, que denotava concertos divertidos em áreas abertas. Hoje como conceito geral, que une todos os tipos de arte de gêneros facilmente percebidos, deve-se aceitar o conceito de “arte de variedades” (ou arte de variedades, para abreviar), que tem sido usado há cem anos na história da arte nacional.
Já na primeira década do século XX. o termo “variedade” começa a aparecer na imprensa não apenas no sentido então geralmente aceito - “uma plataforma, uma elevação, por exemplo, para a música” - mas também de forma ampliada, incluindo todos, atores, escritores, poetas, que aparecem nesta “plataforma”. Nas páginas da conceituada revista “Golden Fleece” de 1908 foi publicado o artigo “Estrada”. Seu autor viu com perspicácia a antinomia que surge diante de todos que sobem ao palco:

a) o estágio é necessário ao desenvolvimento e manutenção de habilidades e à formação da personalidade do artista;

b) o estágio é prejudicial para ambos.

O autor via “perniciosidade” no desejo dos atores pelo sucesso a qualquer custo, no alinhamento com os gostos do grande público e na transformação da arte em meio de enriquecimento, fonte de bênçãos para a vida. Na verdade, fenômenos semelhantes são inerentes palco moderno, portanto, em nosso trabalho introduzimos o conceito de “variedade”, ou seja, brincar “para o público”, o desejo de captar a qualquer custo a atenção do espectador, que, na ausência de verdadeiro talento, gosto e sentido de proporção entre os intérpretes, muitas vezes leva ao prejuízo que o autor falou sobre o artigo acima. Surgiram outros artigos que examinavam o palco como fenômeno de uma nova cultura urbana. Com efeito, é neste período que a cidade enfraquece gradualmente a dependência humana das condições naturais (principalmente da mudança das estações), o que leva ao esquecimento do calendário e do folclore ritual, a uma mudança no calendário dos feriados, à sua desemantização e desritualização. , à sua transição para a forma “cerimonial”. ", nas palavras de P.G. Bogatyrev, ao predomínio decisivo das formas verbais sobre as não-verbais. Durante esses mesmos anos (1980-1890), ocorreu o surgimento da cultura de massa na Rússia, que, por sua vez, reproduz muitas das propriedades genéricas do folclore tradicional, que se caracterizam pelo significado sócio-adaptativo das obras, seu predominante o anonimato e o domínio do estereótipo em sua poética; motivações secundárias do enredo em textos narrativos etc. No entanto, a cultura de massa difere nitidamente do folclore tradicional na sua “policentricidade” ideológica, maior capacidade para a internacionalização temática e estética dos seus produtos e para a sua reprodução “stream” na forma de coisas impensáveis ​​para criatividade oral cópias idênticas.
Em geral, na Rússia, a fase urbana do final do século XIX - início do século XX é caracterizada pela dependência do público a que se destina. Assim, a gama de formas pop - do “salão” às mais “democráticas” - é extremamente ampla e diferia tanto na natureza do “palco” como no tipo de intérpretes, sem falar no repertório. E, no entanto, podemos concluir que o termo “variedade” no início do século XX ainda era usado de forma puramente funcional: como “repertório de variedades”, ou “ cantando pop", etc., isto é, não apenas como definição do local onde a ação acontece, mas também como elemento de um espetáculo musicalmente divertido.

Como resultado da necessidade que surgiu depois de Outubro de nacionalizar “todos os tipos de programas de variedades” e pequenas empresas privadas, muitos actores individuais, bem como pequenos grupos, muitas vezes familiares, etc., o conceito de variedade foi estabelecido como uma designação de uma arte separada. Ao longo das décadas, na Rússia Soviética e depois na URSS, os sistemas de gestão desta arte serão desenvolvidos e alterados, várias associações e formas complexas de subordinação independente em vários estágios serão criadas. Na estética soviética, a questão da independência da arte pop permaneceu controversa. Vários regulamentos e empresas regulamentaram a prática de variedades. A “luta” com a sátira, o romance russo e cigano, com o jazz, o rock, o sapateado, etc. endireitou artificialmente a linha de desenvolvimento do palco, afetou a evolução dos gêneros e o destino de artistas individuais.

Na Grande Enciclopédia Soviética de 1934, foi publicado um artigo dedicado ao fato de que a música pop é uma área de pequenas formas de arte, mas não abordou a questão da composição do gênero da música pop. A atenção, portanto, foi dada não tanto ao conteúdo estético quanto ao conteúdo morfológico esse termo. Essas formulações não são acidentais, elas refletem o quadro das buscas dos anos 30 e 40, quando o escopo do palco se expandiu quase ilimitadamente. Durante esses anos, como escreve E. Gershuni, “o palco pop fez uma forte aposta pela igualdade com a “grande” arte...”. Em primeiro lugar, isto se deve ao surgimento na Rússia Soviética do precursor arte contemporânea PR é uma tecnologia social para gerenciar as massas. Em essência, um artista de massa (normalmente um activista sindical local) assumiu o controlo ideológico não só dos feriados, mas também da vida quotidiana. Claro, nenhum feriado foi realizado sem um concerto pop. Deve-se notar que o próprio artista de massa, na vida cotidiana, via de regra, tinha um senso de variedade. Afinal, ele precisa estar sempre no centro das atenções, entreter e divertir o público.

No processo de desenvolvimento da arte soviética, o conteúdo do termo “variedade” continuou a mudar. Surgiu o conceito de pop art, que foi definido como “um tipo de arte que combina o chamado. pequenas formas de dramaturgia, dramática e arte vocal, música, coreografia, circo."

A indústria fonográfica russa começou a se desenvolver em 1901. Na verdade, não era inteiramente russa, mas sim a indústria francesa na Rússia: a empresa Pathé Marconi abriu sua filial na Rússia e começou a bater recordes. Assim como na Europa o primeiro cantor gravado foi Enrique Caruso, na Rússia o primeiro também foi Cantor de ópera mundialmente famoso - Fyodor Chaliapin. E os primeiros discos russos, assim como na Europa, foram com música clássica.

A imagem musical da Rússia pré-revolucionária era holística. Música acadêmica E palco musical coexistiram organicamente em um espaço cultural, onde a música pop se desenvolveu no mainstream geral das letras de romance (refletindo sua diversidade e evolução) e a cultura da dança de seu tempo. Um lugar especial foi ocupado pela parte folclórica do palco - o coro de Pyatnitsky, intérpretes músicas folk- L. Dolina, épicos - Krivopolenova e Prozorovskaya. Após a derrota da primeira revolução (1905), as canções da prisão, dos trabalhos forçados e do exílio tornaram-se populares. No gênero de verso tópico e paródia musical, os artistas atuaram em diferentes papéis: “fraques” - para o público da moda, “lapotniks” - para os camponeses, “artistas do gênero esfarrapado” - para a base urbana. Os ritmos de dança popular penetraram na consciência das pessoas com a ajuda de bandas de salão e de música urbana especializadas na execução de música dançante. Tangos, foxtrots, shimmy e two-steps eram aprendidos em salões e estúdios. As primeiras apresentações de A. Vertinsky no gênero de contos musicais e poéticos datam de 1915.

O apogeu do palco russo ocorreu tendo como pano de fundo o crescimento sem precedentes do novo meio." mídia de massa", como discos de gramofone. Entre 1900 e 1907, foram vendidos 500 mil gramofones e a circulação anual de discos chegou a 20 milhões. Junto com a música leve, também traziam muitos clássicos (Chaliapin, Caruso).
Competindo com os solistas estavam os coros populares de D. Agrenev-Slavyansky, I. Yukhov e outros, que executaram canções no “estilo russo” (“O Sol Nasce e se Pôe”, “Ukhar, o Mercador”, etc.). competiu com coros russos tocadores de balalaica, trompistas e tocadores de guslar.

Na década de 10, os primeiros intérpretes verdadeiramente folclóricos, como o conjunto de M. Pyatnitsky, ganharam fama. Nos teatros e cabarés de São Petersburgo e Moscou, aparecem artistas com o estilo “íntimo” dos chansonniers franceses (A. Vertinsky). No final do século 19, houve uma clara divisão da música em “Filarmônica” ( romance clássico) e a própria “Variety” (romance cigano, romance antigo, músicas de humor). No início do século XX, as canções de massa começaram a se espalhar e eram cantadas em reuniões e manifestações políticas. Esta canção está destinada a se tornar o principal tipo de canção pop soviética por várias décadas.

Depois de 1917 a situação começou a mudar. O estado ideológico é um fenômeno que ainda não foi totalmente realizado e não foi totalmente estudado. A revolução baseou-se espiritualmente numa ideia que foi implantada à força na sociedade, privando as pessoas do direito de escolha, fazendo esta escolha por elas. Mas o homem é construído de tal forma que a sua consciência, apesar de tudo, resiste ao que lhe é imposto, mesmo com as melhores intenções. O estado decidiu que “precisa” de clássicos, “precisa” de música soviética, “precisa” de folclore. E inconscientemente, até as obras-primas da música clássica começaram a ser percebidas como parte da máquina ideológica estatal que visa neutralizar o indivíduo, dissolvendo o “eu” individual no “nós” monolítico.

A música pop em nosso país é a parte menos ideológica processo musical. Involuntariamente, ela se tornou a única saída para o povo soviético, algo como um sopro de liberdade. Essa música está na mente homem comum não carregava nada de edificante, apelando aos sentimentos naturais, não suprimindo, não moralizando, mas simplesmente comunicando-se com uma pessoa em sua língua.

1.1 História da arte pop

A palavra "palco" (do latim estratos) significa piso, plataforma, elevação, plataforma.

A definição mais precisa de pop art como uma arte que combina vários gêneros é dada no dicionário de D.N. Ushakov: "A variedade é a arte das pequenas formas, a área das performances espetaculares e musicais em palco aberto. Sua especificidade reside na facilidade adaptabilidade a diversas condições de manifestação pública e ações de curta duração, em meios artísticos e expressivos, arte que contribui para a identificação vívida individualidade criativa performer, na atualidade, aguda relevância sócio-política dos temas abordados, na predominância de elementos de humor, sátira, jornalismo."

A enciclopédia soviética define a música pop como originária da estrade francesa - uma forma de arte que inclui pequenas formas de arte dramática e vocal, música, coreografia, circo, pantomima, etc. . Como a arte independente foi formada em final do século XIX século.

Existe também a seguinte definição de estágio:

Uma área de palco, permanente ou temporária, para apresentações de concertos de um artista.

A pop art tem suas raízes no passado distante, pode ser rastreada na arte Antigo Egito E Grécia antiga. Embora o palco interaja estreitamente com outras artes, como a música, Teatro de Drama, coreografia, literatura, cinema, circo, pantomima, é um tipo de arte independente e específico. A base da pop art é “o número de Sua Majestade” - como disse N. Smirnov-Sokolsky 1.

Número - pequeno desempenho, um ou mais artistas, com enredo, clímax e desfecho próprios. A especificidade da performance é a comunicação direta do artista com o público, em nome próprio ou de um personagem.

Na arte medieval dos artistas viajantes, nos teatros de farsas na Alemanha, nos bufões na Rússia, no teatro de máscaras na Itália, etc. já existia um endereço direto do artista ao público, o que permitia ao artista subsequente tornar-se participante direto da ação. A curta duração da performance (não mais que 15-20 minutos) requer extrema concentração de meios expressivos, laconicismo e dinâmica. Os números das variedades são classificados de acordo com as características em quatro grupos. O primeiro grupo de tipos inclui números de conversação (ou fala). Depois, há números musicais, plástico-coreográficos, mistos, “originais”.

A arte da comédia foi construída no contato aberto com o público del- arte (máscara) XVI- pp. Século XVII.

As performances geralmente eram improvisadas com base em cenas padrão da trama. O som musical como interlúdios (inserções): canções, danças, números instrumentais ou vocais - foi a fonte direta do ato de variedades.

No século 18 eles apareceram ópera cômica E vaudeville. Os vaudevilles eram apresentações emocionantes com música e piadas. Seus principais heróis - pessoas comuns - sempre derrotaram aristocratas estúpidos e cruéis.

De um para meados do século XIX século o gênero nasce opereta(literalmente pequena ópera): um tipo de arte teatral que combinava música vocal e instrumental, dança, balé, elementos da pop art e diálogos. Como gênero independente a opereta apareceu na França em 1850. O “pai” da opereta francesa, e da opereta em geral, foi Jacques Offenbach (1819-1880). Mais tarde, o gênero se desenvolve na “comédia de máscaras” italiana.

O palco está intimamente ligado ao quotidiano, ao folclore, às tradições. Além disso, estão sendo repensados, modernizados, “extraditados”. Várias formas de criatividade pop são usadas como passatempo divertido.

Isto não é coincidência. Na Inglaterra, os pubs (instituições públicas públicas) surgiram no século XVIII e se tornaram os protótipos dos music halls (music halls). Os pubs tornaram-se locais de entretenimento para amplos setores democráticos da população. Ao contrário dos salões aristocráticos, onde soavam principalmente música clássica, em bares - eram executadas canções e danças, acompanhadas de piano, apresentações de comediantes, mímicos, acrobatas, cenas de apresentações populares, compostas por imitações e paródias. Um pouco mais tarde, na primeira metade do século XIX, os cafés-concertos generalizaram-se, inicialmente sendo cafés literários e artísticos onde poetas, músicos e atores executavam as suas improvisações. Em diversas modificações, espalharam-se pela Europa e ficaram conhecidos como cabaré (abobrinha). O entretenimento não exclui o fator espiritualidade: a posição cívica é especialmente importante para um artista pop.

A fácil adaptação da pop art ao público corre o risco de flertar com o público e ceder ao mau gosto. Para não cair no abismo da vulgaridade e da vulgaridade, um artista precisa de verdadeiro talento, gosto e talento. O diretor formou um programa a partir de números pop individuais, que também foi um forte meio de expressão. A livre montagem de pequenas formas separou-se dos vários tipos de criatividade artística e passou a viver de forma independente, o que levou ao nascimento da arte colorida espetáculo de variedades. A arte dos espetáculos de variedades está intimamente relacionada ao teatro e ao circo, mas, diferentemente do teatro, não requer ação dramática organizada. A convencionalidade do enredo, a falta de desenvolvimento da ação (drama principal) também são características de uma grande atuação revista(do francês - revisão). As partes individuais da revista estão conectadas por uma ideia performática e social comum. Como musical gênero dramático A revista combina elementos de cabaré, balé e show de variedades. A apresentação da revista é dominada por música, canto e dança. O programa de variedades tem suas próprias modificações:

- show de variedades de números separados

- espetáculo de variedades

- dança cabaré

- análise

No século 20, a revista tornou-se um luxuoso show de entretenimento. Variedades de revistas apareceram nos EUA, chamadas mostrar.

O palco musical incluiu diferentes gêneros de música leve: canções, trechos de operetas, musicais, shows de variedades em arranjos variados de obras instrumentais. No século XX, o palco foi enriquecido pelo jazz e pela música popular.

Assim, a pop art já percorreu um longo caminho e hoje podemos observar esse gênero de uma forma e performance diferenciadas, o que sugere que seu desenvolvimento não pára.

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Variedade é um tipo de arte cênica que implica tanto um gênero separado quanto uma síntese de gêneros. Incluía canto, dança, performance original, artes circenses, ilusões...

Capítulo V

“A forma é uma forma de existência e expressão de conteúdo... A unidade de conteúdo e forma de uma obra de arte não significa identidade absoluta, mas apenas um certo grau correspondência mútua... O grau de correspondência... depende... do talento e habilidade do artista.”

Estética. Dicionário

Concerto [de lat. concerto - competir] - uma apresentação pública de artistas de acordo com um determinado programa pré-compilado.

Enciclopédia de teatro

Sem nos desviarmos neste capítulo da posição de explorar apenas o que diz respeito diretamente à criatividade do diretor no palco, não precisamos revelar plenamente as peculiaridades da criatividade de cada uma das formas de programas de variedades. É importante para nós revelar aqui apenas o que distingue o trabalho de um diretor pop de um diretor de teatro quando ele realiza uma produção programa de variedades.

Via de regra, nenhuma das formas de programas de variedades é importante para diretor de teatro, já que praticamente ele não precisa encontrá-los ao encenar uma peça, pois elas (essas formas) pertencem apenas à pop art.

Antes de falar sobre uma ou outra forma de programa pop:

concerto, performance, é útil determinar o significado...... da palavra “concerto” (além de esta palavra denotar uma determinada ação cênica, consistindo na soma dos números que a compõem).

Então, a palavra “concerto” [lat. concerto] traduzido do latim significa competição, competição.

Na verdade, em qualquer concerto, incluindo os concertos pop, existe uma espécie de competição, uma competição entre intérpretes e números nos seus Criatividade artística: pela habilidade de atuação, pelo sucesso com o público, etc. Além disso, é no concerto (a competição perante o público) que o ato de variedades recebe a sua finalização artística.

Naturalmente, um concerto pop, como qualquer concerto, não é apenas um conjunto mecânico, mas uma fusão de diferentes gêneros de números em uma única performance, da qual nasce uma nova obra de arte, cujo nome é o show.

É justamente a criação de um concerto a partir de números por vezes diferentes em gêneros, personagens e conteúdos - outra diferença importante entre o trabalho de um diretor pop e de um diretor de teatro, que, via de regra, trata de uma obra (peça). do mesmo gênero, com um enredo único e um desenvolvimento único que se desenvolve do início ao fim da performance.ação de ponta a ponta.

Um concerto pop é um espetáculo efetivamente dinâmico, é um mundo imaginativo especial em que prevalece o princípio do entretenimento, revestido de uma forma luminosa e nítida, de um ambiente festivo, permitindo ao espectador perceber facilmente o seu conteúdo.

Claro, o sucesso de um concerto depende de muitas razões: aqui estão os intérpretes, e a qualidade dos seus números, e a sua novidade, e a construção da ordem dos números (composição), e a coerência das transições de número para número , e seu gênero, e seus tipos, etc.

Se abrirmos a página 95 do Volume VIII da III edição do Bolshoi Enciclopédia Soviética, então podemos ler: “Um concerto é uma apresentação pública de artistas de acordo com uma programação específica. Tipos de concerto: musical (sinfônico, de câmara, piano, violino, etc.), literário (leitura artística), pop (música leve vocal e instrumental, histórias humorísticas, paródias, atos de circo etc.)" Podemos ler quase a mesma coisa na "Enciclopédia Teatral": "Tipos de concertos: musicais (sinfônicos, de câmara, piano, violino, etc.), literários (leitura artística), mistos (números musicais, leitura artística , cenas de peças de teatro, balés, etc.), variedade (música leve vocal e instrumental, histórias humorísticas, paródias, números circenses, etc.)"

Sem contestar a opinião de duas fontes autorizadas, notamos que este conceito da palavra “concerto” não revela uma circunstância muito importante. Nomeadamente, que todos os tipos de concertos, segundo a natureza e o conteúdo dos números neles executados, segundo a forma como são expressos (mesmo que se trate de um “concerto misto”) se dividem em dois tipos principais: filarmónicos e pop. Partimos do facto de que funcional e psicologicamente os concertos filarmónicos e pop estão separados uns dos outros. Apesar de ambas as funções, sem se afastarem da solução de alguns tarefas comuns(estéticas, ideológicas, educacionais), satisfazem as diversas necessidades do espectador (ouvinte).

Salas de concertos para cumprir a cota mensal de apresentações.

Não poderia haver qualquer lógica na construção de tal concerto. Foi aqui que o artista teve que “se libertar”.

Talvez a última circunstância tenha desempenhado, em certa medida, um papel no desaparecimento dos concertos coletivos do palco: os principais artistas pop começaram a preferir concertos solo ou apresentações de grande variedade às equipes, pois com o aumento quantitativo do número de concertos regulares, seu nível criativo, foi esmagadoramente inferior à média

Outra razão importante para o desaparecimento dos concertos coletivos nos nossos dias foi o baixíssimo nível artístico das pessoas que se consideravam artistas profissionais. Artistas genuínos que sabem como criar uma variedade de atos a partir de vários gêneros diferentes praticamente desapareceram por vários motivos. A televisão também desempenhou um papel significativo no desaparecimento dos concertos nacionais, em cujos ecrãs brilham constantemente “estrelas” pop, especialmente em vários vídeos publicitários. Por que pagar muito (para não dizer muito dinheiro) por um show quando seus artistas favoritos podem ser vistos na tela da TV?

Uma pesquisa com muitos potenciais espectadores realizada pelo autor da obra indica não apenas a coincidência de seu ponto de vista com a opinião de V. Kalish, mas também que a moda dos espetáculos grandiosos, por mais que o show business a inculque, vai passar , e no palco os concertos colectivos regressarão iguais ao espectáculo, ainda que com uma qualidade diferente e, sobretudo, espectacular, mas constituídos por números de vários géneros. Isto é confirmado pela prática da música pop ocidental atualmente e por uma série de concertos anteriores no Teatro de Variedades de Moscou, a vida de hoje sociedades filarmônicas regionais e regionais, e até mesmo o fato de que mesmo em concertos solo seu herói convida intérpretes de outros gêneros para participar, porque inconscientemente sente o desejo de uma variedade de impressões características da percepção psicológica humana.

Nos últimos anos, em cartazes publicitários de concertos pop, podemos encontrar na maioria das vezes nomes como “show de variedades”, “cabaré”, mas na maioria das vezes - “show”. Embora cada um destes concertos se baseie num conjunto de números de vários géneros (como numa selecção nacional), cada um deles tem características bastante óbvias.

Se considerarmos um “show de variedades” como uma forma especial de concerto pop, então na maioria das vezes esse nome esconde uma performance leve e divertida que consiste em apresentações de cantores, dançarinos, músicos, parodistas, acrobatas, mágicos, etc.

Normalmente, um programa de variedades é um caleidoscópio de números, muitas vezes realizado com participação mínima do artista, sem mencionar outros gêneros de conversação.

Se falamos da diferença entre espetáculos de variedades e cabaré, já a partir de meados do século XX a linha entre eles, tanto no conteúdo como na forma, praticamente começou a desaparecer. Hoje é muito difícil discernir a diferença entre eles.

Cabaré [fr. - abobrinha] não é tanto o público sentado às mesas, mas o estilo, a forma e o conteúdo do show pop, que depende muito do ambiente em que ele acontece.

Em sua essência, um programa de cabaré também é um conjunto de várias apresentações (números). Mas esses programas tinham vários recursos significativos.

Em primeiro lugar, passeavam pelas tabernas, pelos cafés, onde o público, sentado às mesas, olhava para os oradores. No início, eram uma espécie de clubes artísticos e literários, onde poetas, artistas, escritores e artistas se reuniam depois do meio-dia. Via de regra, quem vinha aqui para relaxar e se divertir subia a um pequeno palco localizado no meio ou na lateral do salão, cantando músicas e lendo poesias. Até certo ponto, o que acontecia nessas abobrinhas era um reflexo dos processos que aconteciam na esfera artística.

Em segundo lugar, este espetáculo era variado e tinha um caráter improvisado. Os performers procuraram agitar emocionalmente o público. Explosões de risadas, aplausos e gritos de “bravo” eram a atmosfera habitual de um programa de cabaré. No cabaré daquela época reinavam a emoção e a competição, o que criava um ambiente de descontração, alegria e liberdade de criatividade, festividade. No cabaré, a linha entre o palco e o auditório parecia confusa.

Terceiro, pré-requisito As atividades de cabaré caracterizavam-se pela intimidade do ambiente, permitindo aos intérpretes estabelecer um contacto próximo com o público. E embora os programas de cabaré consistissem e consistam em várias canções humorísticas e líricas, danças solo, números satíricos, paródias, etc. etc., o papel principal neles é desempenhado pelo animador, que se encarrega de criar um ambiente íntimo e de confiança, conduzindo uma conversa casual, muitas vezes causando uma reação imediata (o que é muito importante em um programa de cabaré)

O volume dos programas de cabaré aumentou significativamente e tornou-se uma espécie de caleidoscópio de números característico do cabaré. Ao mesmo tempo, os métodos do grotesco, da excentricidade, da bufonaria e da estilização irônica foram utilizados em sua solução. Começaram a ser amplamente utilizadas paródias, nas quais eram ridicularizadas apresentações e acontecimentos ocorridos no país. este momento no palco do teatro.

Na Rússia, os primeiros cabarés surgiram no início do século XX. Entre eles, os mais famosos foram: “The Bat” em Moscou - inicialmente um cabaré de atores moscovitas Teatro de Arte, que mais tarde se tornou o N.F. Cabaret Theatre. Balieva, “Crooked Mirror”, “Stray Dog”, “Comedians’ Halt” em São Petersburgo e outros. Logo apareceram cabarés em Odessa, Kiev, Baku e Kharkov. Geralmente estavam localizados em porões e semi-subsolos com um pequeno palco.

Já no início dos anos noventa do século XX, muitos cabarés perderam as suas características genéricas: as mesas desapareceram, a estrutura e o conteúdo dos programas mudaram.

Os teatros cabaré passaram a utilizar técnicas teatrais: cortinas, rampas, decoração de palco.

Mostrar [Inglês] - 1. Espetáculo; 2. Show] - um tipo de programa de entretenimento pop muito comum, principalmente nos dias de hoje, com a participação obrigatória de pelo menos uma “estrela” pop.

O show é um programa de variedades brilhante e emocionalmente rico que não possui um enredo sólido, baseado em números e atrações aparentemente espetaculares, conectados em um único todo por transições e conexões inesperadas; construído em ação de palco em ritmo acelerado, com caráter próximo ao music hall. Com a mesma elegância do music hall dos números coreográficos, com o mesmo colorido e esplendor, com uma dinâmica de andamento deslumbrante, que permite saturar a programação do espetáculo com um grande número de números variados, mas sem a obrigatoriedade de um programa de music hall, embora um enredo primitivo e “pontilhado”. Ao mesmo tempo, a programação do espetáculo não exclui a ousadia de apresentar números. Pelo contrário, quanto mais variados forem os métodos de apresentação dos números incluídos na programação, mais brilhante será a forma cênica do espetáculo.

Deve-se notar que o show não é apenas uma categoria de gênero. A forma do show pode incluir apresentações de um artista pop popular, diversas competições, apresentações, leilões teatrais, etc.

Um programa de espetáculo é um espetáculo de grande porte, cuja cenografia é criada na vida real. espaço de palco e depende em grande parte das capacidades técnicas do palco e do seu equipamento. O espetáculo não limita a imaginação do cenógrafo. É importante que a sua invenção seja tecnicamente viável.

E embora hoje seja muitas vezes possível observar como um cenógrafo atua como encenador, parece-nos que esse fenômeno é resultado de uma escassez de uma direção pop genuína. Eles podem nos objetar: dizem que muitos artistas mais tarde se tornaram diretores. Por exemplo, Gordon Craig, Nikolai Pavlovich Akimov e outros. Na verdade, seus vida criativa começou com a profissão de artista. Mais tarde, porém, sua profissão criativa passou a ser a direção, como base de suas atividades teatrais. Talvez o destino criativo de B. Krasnov, que se autodenomina um “diretor e cenógrafo”, seja o mesmo.

É claro que um cenógrafo, até certo ponto, como um diretor, sente o drama na dinâmica, no movimento. Mas isso significa que, ao fazê-lo, ele poderá substituir o diretor. Infelizmente, é exatamente isso que vemos hoje na produção de diversos programas de espetáculos. Por conta disso, a atuação cênica do artista passa a depender do projeto, e não vice-versa, quando o artista, o conteúdo de seu programa, sua atuação determina solução diferente cenografia. Muitas vezes vemos como o desenho de um cenário, com todos os truques modernos de brincar com luz, fumaça, uso de eletrônica e outros efeitos especiais, não funciona para o artista, mas se torna um cenário pomposo. Por exemplo, como já dissemos no capítulo anterior, isto foi claramente demonstrado na última produção de A.B. Pugacheva “Reuniões de Natal” em 1998 (artista B. Krasnov).

Revisão [frag. - pantomima, crítica] surgiu pela primeira vez na França no primeiro terço do século XIX (1830) como um gênero teatral satírico. Assim, a “Revista Anual”, popular na época, era uma revisão atual da vida parisiense. Mesmo assim, o conteúdo da revista consistia em números alternados de vários gêneros. Ou seja, em essência, a revista trazia todas as principais características de um programa de variedades.

Uma revista (revisão) é uma forma de performance variada em que números individuais são conectados por um enredo que permite que a cena de ação “mude” constantemente à medida que se desenvolve. Por exemplo, um palco, às vezes sem alteração do projeto (usando apenas detalhes), torna-se uma passagem subterrânea para um ato, um banco de parque para outro, uma arquibancada de estádio para um terceiro, etc. Na maioria das vezes, o movimento da trama é baseado na necessidade do herói (heróis) fazer uma “viagem” ou “procurar” alguém ou algo, ou o movimento da trama pode ser o lançamento de uma versão teatral do jornal, como em a mesma revisão de variedade “Evening Moscow”. Numa revista, cada número é percebido pelo espectador não como uma obra isolada, mas como um episódio luminoso, uma ação luminosa em composição geral show. Ou seja, revista (resenha) é um programa de variedades sobre um tema concebido e expresso por meio da trama, composta por diferentes números combinados em episódios.

Programa de salão de música"

Normalmente “Music Hall” é definido de duas maneiras: a primeira definição é uma espécie de teatro que oferece apresentações de concertos pop, a segunda – como uma espécie de programa de variedades, uma performance cujo conteúdo é construído na alternância de vários números, atrações, demonstrações de técnicas de execução virtuosas, truques de palco, movimentos cimentados por um enredo ( "pontilhado") e números de dança de balé, como regra, grupo de mulheres("garotas").

Desde o início, os programas de music hall, ao contrário dos cabarés, não pretendiam ser atuais. Em primeiro plano em tais programas não estava tanta relevância quanto o brilho da forma externa e a sofisticação do desempenho.

As condições dos programas de music hall, sua saturação com diversos efeitos de produção e atrações, também mudaram a natureza do comportamento público. “Em vez de ser cúmplice (como em outras formas de entretenimento), no music hall o público tornou-se, como no teatro, um público de espectadores.”

O destino do Moscow Music Hall foi bastante difícil. Ou foi perseguido e deixou de existir, depois surgiu novamente. No início dos anos 20, o teatro não contava com trupe permanente.A programação incluía artistas convidados, inclusive estrangeiros, que chegavam quase no dia da apresentação. Naturalmente, os diretores raramente conseguiram criar um único filme unido por um conceito comum.

Mas quanto mais significativos se tornavam os sucessos, exigindo um abismo de invenção e habilidade.”

A programação do music hall é uma produção única de um espetáculo de crítica brilhante, colorido, às vezes excêntrico, composto por cenas encantadoras que rapidamente se substituem, repletas de variedade e atrações circenses; espetáculo-resenha em que números e episódios de primeira linha com a participação de “estrelas” pop são conectados pelo chamado enredo de “linha pontilhada”. Um lugar muito significativo nos programas de music hall é ocupado por números de dança de massa inventivamente coreografados por “meninas” com perfeita sincronização de movimentos. Trata-se de um programa do qual participa uma orquestra pop, geralmente localizada no palco. São trajes sempre brilhantes e cativantes de artistas (especialmente balé). Este é o brilho das cores, o jogo de luzes e sombras. Esta é uma transformação de design. Por exemplo, à medida que o programa avança, as estalactites de gelo transformam-se subitamente em flores; ou voa pelo corredor até o palco e pousa nave espacial(como no Alcazar parisiense); ou de repente uma enorme piscina de vidro surge no centro do palco, onde meninas em trajes de banho nadam junto com crocodilos, realizando uma rotina esportiva de nado sincronizado debaixo d’água (“Palácio de Friedrichstatt”). Estes são vários tipos de efeitos de palco. Este é o uso de uma ampla variedade de meios técnicos modernos de design.

Na arte da variedade existe uma forma de performance variada chamada “miniaturas de equipe”.

No nosso entendimento, a palavra “teatro” enfatiza os seus princípios criativos e organizacionais, pois neste caso a palavra “teatro” não equivale ao conceito “Teatro”, quando por esta palavra entendemos um organismo criativo cujo repertório é baseado em dramaturgia ou apresentações de balé. Por outro lado, nos teatros em miniatura a sua programação baseia-se nos mesmos atos de variedades, diferenciando-se dos espetáculos de variedades e dos cabarés apenas na escala dos números que os compõem. Quanto à divisão das miniaturas de espectadores e performers nos teatros (separando os espectadores destes por uma rampa e outros elementos cénicos) e ao desaparecimento das mesas da sala, o aparecimento de rampas e mesas também ocorreu nos cabarés posteriores.

O teatro de miniaturas não é apenas uma certa forma e um certo conteúdo, mas também um estilo e modo de pensar especiais, um modo de vida.

Foi isso que assustou os detentores do poder, que viam nela (especialmente nas décadas de 20 e 30) uma arte burguesa alheia ao proletariado. Tal atitude em relação à arte das pequenas formas não poderia deixar de desacelerar o desenvolvimento da pop art.

Incapazes de proibi-lo (por razões que não são objeto do nosso estudo), apenas o toleraram. Não havia dúvida de que as palavras “show de variedades”, muito menos “cabaré”, apareciam em cartazes anunciando shows pop. Foi encontrada uma solução, como se viu, aceitável para todos: a arte das pequenas formas passou a ser chamada de “variedade”, embora antes a palavra “variedade” significasse área de palco, palco de palco e pequenos teatros teatros de forma miniaturas, que não contavam com equipe permanente e eram essencialmente uma plataforma de aluguel.

Miniatura [fr. miniatura] - uma palavra que antigamente significava apenas uma decoração desenhada e pintada livros manuscritos(esses desenhos receberam o nome da tinta feita a partir do mini), tem e sentido figurado: algo reduzido em tamanho. Este último determina o repertório do Teatro de Miniaturas. Aqui você pode ver diversas performances: uma pequena peça de piada, vaudeville, um esquete, uma miniatura coreográfica, uma cena de pantomima e até cinema. Isto é, como se costuma dizer, obras de pequenas formas.

Amplamente conhecido em anos pós-guerra adquiriu o Teatro de Miniaturas de Moscou sob a direção de Vladimir Polyakov, o Teatro de Miniaturas Saratov (diretor artístico Lev Gorelik) e, claro, o mais famoso longos anos foi o Teatro de Miniaturas de Leningrado sob direção artística artista único Arkady Raikin.

Mas, além dos tipos de programas de que estamos falando, na pop art existem formas de performance pop que diferem daquelas que consideramos. Este é um show de variedades, uma performance.

Mantendo todas as características principais de um programa de variedades e, sobretudo, a presença de diferentes gêneros neles, essas obras de arte sintetizam, em certa medida, as características da ação teatral. A dramaturgia de um programa de variedades é baseada em um enredo detalhado com personificação do papel e do destino dos heróis. Eles utilizam amplamente os meios expressivos inerentes ao teatro: ação cênica, mise-en-scène, atmosfera cênica, etc.

Não é por acaso que separamos um show de variedades do conceito geral de “concerto de variedades”. Se o conceito de “performance” não precisa ser explicado (talvez não haja um único trabalho sobre arte teatral onde este conceito não tenha sido exaustivamente estudado), então “performance” tem muitas definições, às vezes contraditórias. Muitas vezes antes da palavra “performance” é escrita ou pronunciada a palavra “teatral”, ou seja, chamam essencialmente o óleo de óleo, porque o próprio conceito de “performance” é idêntico ao conceito de “teatralização”.

Dado que este conceito (“teatralização”) tem sido interpretado de forma diferente até hoje, consideramos necessário neste trabalho revelá-lo a partir da posição dos praticantes que encenaram mais de um espetáculo de variedades, especialmente porque um concerto teatral é o precursor de um desempenho da variedade, no nosso entendimento o último. O conceito de “teatralização” em relação a um concerto significa que ao encenar tal concerto, além de todos aqueles meios expressivos pop de que falamos ao analisar as características de um concerto combinado, o concerto teatral utiliza meios expressivos característicos do teatro e ação teatral. A saber: ação cênica (como se sabe, o principal meio expressivo do teatro), mise-en-scène (quando tal combinação de poses, movimentos dos performers é introduzida na estática inerente ao gênero do ato, que em o momento expressa a essência do conteúdo do ato e a relação entre os performers), atmosfera cênica (para sua criação, como no teatro, utiliza iluminação de jogo, ruído, música de fundo e outros elementos que criam um determinado ambiente em que o ação da performance se desenvolve), figurino e design.

Assistindo a várias apresentações pop, você pode facilmente descobrir que o enredo de tal performance obriga o público não apenas a acompanhar o desenvolvimento da trama, mas também a compreender e aceitar a lógica de construção da performance, e às vezes a perceber um ou outro número (ou todos os números) sob uma luz inesperada.

Uma performance variada, ao contrário de um concerto teatral, é caracterizada pelo papel de personificação do artista (o apresentador ou apresentadores). Ou seja, ele ou eles, dotados de determinados traços e características de caráter (profissão, idade, status social, hábitos, etc.), tornam-se ativamente personagem atuante representações, pois é ele (eles) quem encarna o movimento da trama.

No processo de realização de uma performance, o diretor não pensa em quais “condições de jogo” - teatrais ou pop - determinam sua decisão de direção sobre um ou outro momento da performance. A síntese dessas “condições de jogo” para o diretor ocorre em um nível subconsciente, e na hora dos ensaios o diretor não percebe o que está vindo do palco e o que vem do teatro. Esta habilidade, embora inconscientemente, depende de dois tipos diferentes Artes performáticas.

Como vemos, mesmo em tal performance, aparentemente próxima dos gêneros da arte teatral, como uma performance variada, uma performance variada tem suas especificidades, suas próprias técnicas de criatividade de direção. E, no entanto, apesar da complexidade deste programa de variedades, no nosso entendimento, confirmado pela prática moderna, o futuro do palco está ligado às performances de enredo. Quando, por meio da pop art, é criada uma performance em que tudo - entretenimento, efeitos cênicos, jogo de luz e cor, cenografia e, o mais importante, a seleção de números - está subordinado ao pensamento, enredo, conflito, e o mais importante é a imagem artística da performance. Basta relembrar alguns dos últimos programas apresentados no palco da Sala de Concertos Rossiya.

Claro, o desempenho é o mais aparência complexa programa de variedades, pois nele, como escreveu o destacado diretor Fyodor Nikolaevich Kaverin: “há um certo material textual, com enredo próprio, com um certo, embora muito pequeno número de personagens, e seus personagens e destinos (na maioria das vezes seus cômicos aventuras) se tornam o centro inevitável. Números puramente pop são intercalados em momentos separados no decorrer da peça... Desenvolvendo na ação a ideia de tal performance, o diretor se depara com tarefas completamente especiais, completamente diferentes daquilo que determina seu trabalho no teatro em geral . Ele precisa estabelecer o princípio pelo qual os números são inseridos em tais programa de jogo, encontre e estabeleça as proporções corretas em sua quantidade em relação ao enredo, determine seu caráter…. A preocupação especial do diretor ao trabalhar em tal performance é a busca e definição do estilo de toda a performance, da forma de atuação, que, quando combinada com peças pop convencionais... “Também requer seu próprio curso interno e um relacionamento claramente estabelecido (não importa se é coordenado ou conscientemente contrastante) dentro da performance.”

Bilhete número 30. Programas de variedades. Recursos modernos e tendências.

Mostrar - este é um espetáculo especial e encantador, cujo lado semântico e enredo desaparece em favor de uma apresentação espetacular de impressões (o enredo fica “turvo” nos efeitos), o programa do show deve ser construído sobre uma mudança constante de impressões e espetaculares brilhantes técnicas de meios expressivos.

O termo Show Business aparece na literatura especializada desde meados dos anos 80. Século XX e substituiu o conceito anteriormente existente de “fase soviética”. O termo “variedade” surgiu na história da arte russa no início do século passado e uniu todos os tipos de artes de gêneros facilmente percebidos.

A arte variada é caracterizada por abertura, laconicismo,

improvisação, festividade, originalidade, entretenimento. Desenvolvendo-se como a arte do lazer festivo, a música pop sempre buscou a originalidade e a diversidade. A sensação de festa foi criada devido à animação externa, jogo de luzes, mudança de cenário pitoresco, transformação da área do palco, etc.

No contexto da transição para uma sociedade democrática aberta, o consumidor tem a oportunidade de escolher. Tendência O espetáculo moderno é o seguinte: as rápidas mudanças nos gostos do público exigem o trabalho árduo de empresários, artistas e produtores.

O produto da atividade cultural já é objeto de “compra e venda”, ou seja, surgem relações economicamente justificadas, e desde que o palco entra no mundo dos negócios, para isso precisa de profissionais, pessoas que saibam organizar um negócio para que ele traga lucro não só para o artista, grupo, empresa, mas também para o estado ( na forma de impostos). Atualmente, o show business se desenvolve de acordo com as leis do mercado. Grande importância adquire soluções para questões relacionadas à gestão de pessoas, aproveitando seu potencial, o que predetermina o sucesso no alcance do objetivo traçado.

Então, espetáculo modernoé um magnífico espetáculo de palco com a participação de estrelas pop, circo, esportes, orquestra de jazz, balé no gelo, etc. A ênfase do espetáculo muda para efeitos externos destinados a embelezar o conteúdo dos eventos que ocorrem.

Na gestão do show business são utilizados diversos métodos, abordagens e técnicas, visando criar condições para um trabalho eficaz. Assim, podemos destacar as características do espetáculo moderno:

1. A presença de uma “estrela”.

O conceito de “estrela” surgiu na era do cinema, quando os atores do cinema não tinham nome e os espectadores chamavam os personagens de que gostavam pelos nomes dos filmes, bem como pelas suas características externas (“um homem com olhos tristes”, “ uma menina com cachos”, etc.). Os telespectadores começaram a atacar as produtoras de filmes, pedindo sobrenome, nome e diversas informações biográficas dos atores de que gostavam. O chefe da empresa americana IMP, Carl Laemmle, foi o primeiro a usar a popularidade da atriz Florence Lawrence para atrair o público ao cinema, espalhando rumores sobre sua morte. Assim, despertou grande interesse do público e da noite para o dia transformou a atriz em uma estrela de cinema americana.

Assim, foi lançado o início do “sistema estelar”. Outras empresas cinematográficas seguiram o exemplo da IMP. O número de “estrelas” começou a crescer rapidamente. Eles se tornam iscas de bilheteria tanto para o cinema quanto para indústria da música, teatro, shows de modelagem, etc.

A essência do conceito de “estrela” é que o intérprete de que gostam evoca a simpatia do público e, por isso, querem vê-lo, querem ser como ele. O consumidor (espectador, ouvinte) não se limita apenas a ver o ídolo, ele quer saber tudo sobre ele, inclusive detalhes de sua vida pessoal. Este aspecto é de grande utilidade na criação de “estrelas”, pois é considerado um sinal de grande popularidade, o que significa que os honorários das “estrelas” aumentam. Atrair uma “estrela” para participar de show, desfile de modelos, filme, musical, produção teatral ou gravação de álbum é garantia de procura e casa cheia.