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Capítulo V

“A forma é uma forma de existência e expressão de conteúdo... A unidade de conteúdo e forma de uma obra de arte não significa identidade absoluta, mas apenas um certo grau correspondência mútua... O grau de correspondência... depende... do talento e habilidade do artista.”

Estética. Dicionário

Concerto [de lat. concerto - competir] - falar em público artistas de acordo com um determinado programa pré-compilado.

Enciclopédia de teatro

Sem nos desviarmos neste capítulo da posição de explorar apenas o que diz respeito diretamente à criatividade do diretor no palco, não precisamos revelar plenamente as peculiaridades da criatividade de cada uma das formas de programas de variedades. É importante para nós revelar aqui apenas o que distingue o trabalho de um diretor de variedades do de um diretor de teatro quando ele encena um programa de variedades.

Via de regra, nenhuma das formas de programas de variedades é importante para diretor de teatro, já que praticamente ele não precisa encontrá-los ao encenar uma peça, pois elas (essas formas) pertencem apenas à pop art.

Antes de falar sobre uma ou outra forma de programa pop:

concerto, performance, é útil determinar o significado...... da palavra “concerto” (além de esta palavra denotar uma determinada ação cênica, consistindo na soma dos números que a compõem).

Então, a palavra “concerto” [lat. concerto] traduzido do latim significa competição, competição.

Na verdade, em qualquer concerto, incluindo os concertos pop, existe uma espécie de competição, uma competição entre intérpretes e números nos seus Criatividade artística: pela habilidade de atuação, pelo sucesso com o público, etc. Além disso, é no concerto (a competição perante o público) que o ato de variedades recebe a sua finalização artística.

Naturalmente, um concerto pop, como qualquer concerto, não é apenas um conjunto mecânico, mas uma fusão de diferentes gêneros de números em uma única performance, da qual nasce uma nova obra de arte, cujo nome é o show.

É justamente a criação de um concerto a partir de números por vezes diferentes em gêneros, personagens e conteúdos - outra diferença importante entre o trabalho de um diretor pop e de um diretor de teatro, que, via de regra, trata de uma obra (peça). do mesmo gênero, com um enredo único e um desenvolvimento único que se desenvolve do início ao fim da ação de ponta a ponta.

Um concerto pop é um espetáculo efetivamente dinâmico, é um mundo imaginativo especial em que prevalece o princípio do entretenimento, revestido de uma forma luminosa e nítida, de uma atmosfera festiva, permitindo ao espectador perceber facilmente o seu conteúdo.

Claro, o sucesso de um concerto depende de muitas razões: aqui estão os intérpretes, e a qualidade dos seus números, e a sua novidade, e a construção da ordem dos números (composição), e a coerência das transições de número para número , e seu gênero e seus tipos, etc.

Se abrirmos a página 95 do Volume VIII da III edição do Bolshoi Enciclopédia Soviética, então podemos ler: “Um concerto é uma apresentação pública de artistas de acordo com uma programação específica. Tipos de concerto: musical (sinfônico, de câmara, piano, violino, etc.), literário (leitura artística), pop (música leve vocal e instrumental, histórias humorísticas, paródias, atos de circo etc.)" Podemos ler quase a mesma coisa na "Enciclopédia Teatral": "Tipos de concertos: musicais (sinfônicos, de câmara, piano, violino, etc.), literários (leitura artística), mistos (números musicais, leitura artística , cenas de peças de teatro, balés, etc.), variedade (música leve vocal e instrumental, histórias humorísticas, paródias, números circenses, etc.)"

Sem contestar a opinião de duas fontes autorizadas, notamos que este conceito da palavra “concerto” não revela uma circunstância muito importante. Nomeadamente, que todos os tipos de concertos, segundo a natureza e o conteúdo dos números neles executados, segundo a forma como são expressos (mesmo que se trate de um “concerto misto”) se dividem em dois tipos principais: filarmónicos e pop. Partimos do facto de que funcional e psicologicamente os concertos filarmónicos e pop estão separados uns dos outros. Apesar de ambas as funções, sem se desviarem da resolução de determinados problemas gerais (estéticos, ideológicos, educativos), satisfazem as diversas necessidades do espectador (ouvinte).

Salas de concertos para cumprir a cota mensal de apresentações.

Não poderia haver qualquer lógica na construção de tal concerto. Foi aqui que o artista teve que “se libertar”.

Talvez a última circunstância tenha desempenhado, em certa medida, um papel no desaparecimento dos concertos coletivos do palco: os principais artistas pop começaram a preferir concertos solo ou apresentações de grande variedade às equipes, pois com o aumento quantitativo do número de concertos regulares, seu nível criativo, foi esmagadoramente inferior à média

Outra razão importante para o desaparecimento dos concertos coletivos nos nossos dias foi o baixíssimo nível artístico das pessoas que se consideravam artistas profissionais. Artistas genuínos que sabem como criar uma variedade de atos a partir de vários gêneros diferentes praticamente desapareceram por vários motivos. A televisão também desempenhou um papel significativo no desaparecimento dos concertos nacionais, em cujos ecrãs brilham constantemente “estrelas” pop, especialmente em vários vídeos publicitários. Por que pagar muito (para não dizer muito dinheiro) por um show quando seus artistas favoritos podem ser vistos na tela da TV?

Uma pesquisa com muitos potenciais espectadores realizada pelo autor da obra indica não apenas a coincidência de seu ponto de vista com a opinião de V. Kalish, mas também que a moda dos espetáculos grandiosos, por mais que o show business a inculque, vai passar , e ao palco os concertos colectivos regressarão iguais ao espectáculo, ainda que com uma qualidade diferente e, sobretudo, espectacular, mas constituídos por números de vários géneros. Isso é confirmado pela prática da música pop ocidental atualmente e por uma série de concertos anteriores no Teatro de Variedades de Moscou, pela vida atual das sociedades filarmônicas regionais e regionais e pelo fato de que mesmo em concertos solo seu herói convida artistas de outros gêneros para participar, porque ele subconscientemente sente que a percepção psicológica humana inerente é o desejo de uma variedade de impressões.

EM últimos anos em cartazes anunciando shows pop, podemos encontrar na maioria das vezes nomes como “show de variedades”, “cabaré”, mas na maioria das vezes - “show”. Embora cada um destes concertos se baseie num conjunto de números de vários géneros (como numa selecção nacional), cada um deles tem características bastante óbvias.

Se considerarmos um “show de variedades” como uma forma especial de concerto pop, então na maioria das vezes esse nome esconde uma performance leve e divertida que consiste em apresentações de cantores, dançarinos, músicos, parodistas, acrobatas, mágicos, etc.

Normalmente, um programa de variedades é um caleidoscópio de números, muitas vezes realizado com participação mínima do artista, sem mencionar outros gêneros de conversação.

Se falamos da diferença entre espetáculos de variedades e cabaré, já a partir de meados do século XX a linha entre eles, tanto no conteúdo como na forma, praticamente começou a desaparecer. Hoje é muito difícil discernir a diferença entre eles.

Cabaré [fr. - abobrinha] não é tanto o público sentado às mesas, mas o estilo, a forma e o conteúdo do show pop, que depende muito do ambiente em que ele acontece.

Em sua essência, um programa de cabaré também é um conjunto de várias apresentações (números). Mas esses programas tinham vários recursos significativos.

Em primeiro lugar, passeavam pelas tabernas, pelos cafés, onde o público, sentado às mesas, olhava para os oradores. No início, eram uma espécie de clubes artísticos e literários, onde poetas, artistas, escritores e artistas se reuniam depois do meio-dia. Via de regra, quem vinha aqui para relaxar e se divertir subia a um pequeno palco localizado no meio ou na lateral do salão, cantando músicas e lendo poesias. Até certo ponto, o que acontecia nessas tabernas era um reflexo dos processos que aconteciam na esfera artística.

Em segundo lugar, o espetáculo era variado e de natureza improvisada. Os performers procuraram agitar emocionalmente o público. Explosões de risadas, aplausos e gritos de “bravo” eram a atmosfera habitual de um programa de cabaré. No cabaré daquela época reinavam a emoção e a competição, o que criava um ambiente de descontração, alegria e liberdade de criatividade, festividade. No cabaré, a linha entre o palco e o auditório parecia confusa.

Terceiro, pré-requisito As atividades de cabaré caracterizavam-se pela intimidade do ambiente, permitindo aos intérpretes estabelecer um contacto próximo com o público. E embora os programas de cabaré consistissem e consistam em várias canções humorísticas e líricas, danças solo, números satíricos, paródias, etc. e assim por diante., papel principal são interpretados por um apresentador que se encarrega de criar uma atmosfera íntima e de confiança, conduzindo uma conversa casual, muitas vezes causando uma reação imediata (o que é muito importante em um programa de cabaré)

O volume dos programas de cabaré aumentou significativamente e tornou-se uma espécie de caleidoscópio de números característico do cabaré. Ao mesmo tempo, os métodos do grotesco, da excentricidade, da bufonaria e da estilização irônica foram utilizados em sua solução. Começaram a ser amplamente utilizadas paródias, nas quais eram ridicularizadas apresentações e acontecimentos ocorridos no país. este momento no palco do teatro.

Na Rússia, os primeiros cabarés surgiram no início do século XX. Entre eles, os mais famosos foram: “The Bat” em Moscou - inicialmente um cabaré de atores moscovitas Teatro de Arte, que mais tarde se tornou o N.F. Balieva, “Crooked Mirror”, “Stray Dog”, “Comedians’ Halt” em São Petersburgo e outros. Logo apareceram cabarés em Odessa, Kiev, Baku e Kharkov. Geralmente estavam localizados em porões e semi-subsolos com um pequeno palco.

Já no início dos anos noventa do século XX, muitos cabarés perderam as suas características genéricas: as mesas desapareceram, a estrutura e o conteúdo dos programas mudaram.

Os teatros cabaré passaram a utilizar técnicas teatrais: cortinas, rampas, decoração de palco.

Mostrar [Inglês] - 1. Espetáculo; 2. Show] - um tipo de programa de entretenimento pop muito comum, principalmente nos dias de hoje, com a participação obrigatória de pelo menos uma “estrela” pop.

O show é um programa de variedades brilhante e emocionalmente rico que não possui um enredo sólido, baseado em números e atrações aparentemente espetaculares, conectados em um único todo por transições e conexões inesperadas; construído em ação de palco em ritmo acelerado, com caráter próximo ao music hall. Com a mesma elegância do music hall dos números coreográficos, com o mesmo colorido e esplendor, com uma dinâmica de andamento deslumbrante, que permite saturar a programação do espetáculo com um grande número de números variados, mas sem a obrigatoriedade de um programa de music hall, embora uma linha de enredo primitiva e “pontilhada”. Ao mesmo tempo, a programação do espetáculo não exclui a ousadia de apresentar números. Pelo contrário, quanto mais variados forem os métodos de apresentação dos números incluídos na programação, mais brilhante será a forma cênica do espetáculo.

Deve-se notar que o show não é apenas uma categoria de gênero. A forma do show pode incluir apresentações de um artista pop popular, diversas competições, apresentações, leilões teatrais, etc.

Um programa de espetáculo é um espetáculo de grande envergadura, cuja cenografia é criada num espaço cénico real e depende em grande medida das capacidades técnicas do palco e dos seus equipamentos. O espetáculo não limita a imaginação do cenógrafo. É importante que a sua invenção seja tecnicamente viável.

E embora hoje seja muitas vezes possível observar como um cenógrafo atua como encenador, parece-nos que esse fenômeno é resultado de uma escassez de uma direção pop genuína. Eles podem nos objetar: dizem que muitos artistas mais tarde se tornaram diretores. Por exemplo, Gordon Craig, Nikolai Pavlovich Akimov e outros. Na verdade, seus vida criativa começou com a profissão de artista. Mais tarde, porém, sua profissão criativa passou a ser a direção, como base de suas atividades teatrais. Talvez o destino criativo de B. Krasnov, que se autodenomina um “diretor e cenógrafo”, seja o mesmo.

É claro que um cenógrafo, até certo ponto, como um diretor, sente o drama na dinâmica, no movimento. Mas isso significa que, ao fazer isso, ele pode substituir diretor de palco. Infelizmente, é exatamente isso que vemos hoje na produção de diversos programas de espetáculos. Por isso, a cenografia do artista passa a depender do desenho, e não vice-versa, quando o artista, o conteúdo do seu programa, da sua performance determina diferentes soluções cenográficas. Muitas vezes vemos como o desenho de um cenário, com todos os truques modernos de brincar com luz, fumaça, uso de eletrônica e outros efeitos especiais, não funciona para o artista, mas se torna um cenário pomposo. Por exemplo, como já dissemos no capítulo anterior, isto foi claramente demonstrado na última produção de A.B. Pugacheva “Reuniões de Natal” em 1998 (artista B. Krasnov).

Revisão [frag. - pantomima, revisão] apareceu pela primeira vez na França no primeiro terço do século XIX (1830) como um satírico gênero teatral. Assim, a “Revista Anual”, popular na época, era uma revisão atual da vida parisiense. Mesmo assim, o conteúdo da revista consistia em números alternados de vários gêneros. Ou seja, em essência, a revista trazia todas as principais características de um programa de variedades.

Uma revista (revisão) é uma forma de performance variada em que números individuais são conectados por um enredo que permite que a cena de ação “mude” constantemente à medida que se desenvolve. Por exemplo, um palco, às vezes sem alteração do projeto (usando apenas detalhes), torna-se uma passagem subterrânea para um ato, um banco de parque para outro, uma arquibancada de estádio para um terceiro, etc. Na maioria das vezes, o movimento da trama é baseado na necessidade do herói (heróis) fazer uma “viagem” ou “procurar” alguém ou alguma coisa, ou o movimento da trama pode ser o lançamento de uma versão teatral do jornal, como em a mesma revisão de variedade “Evening Moscow”. Numa revista, cada número é percebido pelo espectador não como uma obra isolada, mas como um episódio luminoso, uma ação luminosa em composição geral show. Ou seja, revista (crítica) é um programa de variedades sobre um tema concebido e expresso por meio do enredo, composto por diferentes números combinados em episódios.

Programa de salão de música"

Normalmente “Music Hall” é definido de duas maneiras: a primeira definição é uma espécie de teatro que oferece apresentações de concertos pop, a segunda – como uma espécie de programa de variedades, uma performance cujo conteúdo é construído na alternância de vários números, atrações, demonstrações de técnicas de execução virtuosas, truques de palco, movimentos cimentados por um enredo ( "pontilhado") e números de dança de balé, como regra, grupo de mulheres("garotas")

Desde o início, os programas de music hall, ao contrário dos cabarés, não pretendiam ser atuais. Em primeiro plano em tais programas não estava tanta relevância quanto o brilho da forma externa e a sofisticação do desempenho.

As condições dos programas de music hall, sua saturação com diversos efeitos de produção e atrações, também mudaram a natureza do comportamento público. “Em vez de ser cúmplice (como em outras formas de entretenimento), no music hall o público tornou-se, como no teatro, um público de espectadores.”

O destino do Moscow Music Hall foi bastante difícil. Ou foi perseguido e deixou de existir, depois surgiu novamente. No início dos anos 20, o teatro não contava com trupe permanente. A programação incluía artistas convidados, inclusive estrangeiros, que chegavam quase no dia da apresentação. Naturalmente, os diretores raramente conseguiram criar um único filme unido por um conceito comum.

Mas mais significativos se tornaram os sucessos, exigindo um abismo de invenção e habilidade.”

A programação do music hall é uma produção única de um espetáculo de crítica brilhante, colorido, às vezes excêntrico, composto por cenas encantadoras que rapidamente se substituem, repletas de variedade e atrações circenses; espetáculo-resenha em que números e episódios de primeira linha com a participação de “estrelas” pop são conectados pelo chamado enredo de “linha pontilhada”. Um lugar muito significativo nos programas de music hall é ocupado por números de dança de massa inventivamente coreografados por “meninas” com perfeita sincronização de movimentos. Trata-se de um programa do qual participa uma orquestra pop, geralmente localizada no palco. São trajes sempre brilhantes e cativantes de artistas (especialmente balé). Este é o brilho das cores, o jogo de luzes e sombras. Esta é uma transformação de design. Por exemplo, à medida que o programa avança, as estalactites de gelo transformam-se subitamente em flores; ou voa pelo corredor até o palco e pousa nave espacial(como no Alcazar parisiense); ou de repente surge uma enorme piscina de vidro no centro do palco, onde meninas em trajes de banho nadam junto com crocodilos, realizando uma rotina esportiva de nado sincronizado debaixo d’água (“Palácio de Friedrichstatt”). Estes são vários tipos de efeitos de palco. Este é o uso de uma ampla variedade de meios técnicos modernos de design.

Na arte da variedade existe uma forma de performance variada chamada “miniaturas de equipe”.

No nosso entendimento, a palavra “teatro” enfatiza os seus princípios criativos e organizacionais, pois neste caso a palavra “teatro” não equivale ao conceito “Teatro”, quando por esta palavra entendemos um organismo criativo, cujo repertório é baseado em drama ou apresentações de balé. Por outro lado, nos teatros em miniatura a sua programação baseia-se nos mesmos atos de variedades, diferenciando-se dos espetáculos de variedades e dos cabarés apenas na escala dos números que os compõem. Quanto à divisão das miniaturas de espectadores e performers nos teatros (separando os espectadores destes por uma rampa e outros elementos cénicos) e ao desaparecimento das mesas da sala, o aparecimento de rampas e mesas também ocorreu nos cabarés posteriores.

O teatro de miniaturas não é apenas uma certa forma e um certo conteúdo, mas também um estilo e modo de pensar especiais, um modo de vida.

Foi isso que assustou os detentores do poder, que viam nela (especialmente nas décadas de 20 e 30) uma arte burguesa alheia ao proletariado. Tal atitude em relação à arte das pequenas formas não poderia deixar de desacelerar o desenvolvimento da pop art.

Incapazes de proibi-lo (por razões que não são objeto do nosso estudo), apenas o toleraram. Não havia dúvida de que as palavras “show de variedades”, muito menos “cabaré”, apareciam em cartazes anunciando shows pop. Foi encontrada uma solução, como se viu, aceitável para todos: a arte das pequenas formas passou a ser chamada de “variedade”, embora antes a palavra “variedade” significasse área de palco, palco de palco e pequenos teatros teatros de forma miniaturas, que não contavam com equipe permanente e eram essencialmente uma plataforma de aluguel.

Miniatura [fr. miniatura] - palavra que antes significava apenas uma decoração desenhada e pintada em antigos livros manuscritos (esses desenhos receberam esse nome em homenagem à tinta preparada a partir da miniatura), também sentido figurado: algo reduzido em tamanho. Este último determina o repertório do Teatro de Miniaturas. Aqui você pode ver vários espetáculos variados: uma pequena peça de piada, vaudeville, um esquete, uma miniatura coreográfica, uma cena de pantomima e até cinema. Isto é, como se costuma dizer, obras de pequenas formas.

O Teatro de Miniaturas de Moscou sob a direção de Vladimir Polyakov, o Teatro de Miniaturas Saratov (diretor artístico Lev Gorelik) e, claro, o mais famoso por muitos anos foi o Teatro de Miniaturas de Leningrado sob direção artística artista único Arkady Raikin.

Mas, além dos tipos de programas de que estamos falando, na pop art existem formas de performance pop que diferem daquelas que consideramos. Este é um show de variedades, uma performance.

Mantendo todas as características principais de um programa de variedades e, sobretudo, a presença de diferentes géneros nos mesmos, estes trabalhos de arte em certa medida, também sintetizam os signos da ação teatral. A dramaturgia de um programa de variedades é baseada em um enredo detalhado com personificação do papel e do destino dos heróis. Eles utilizam amplamente os meios expressivos inerentes ao teatro: ação cênica, mise-en-scène, atmosfera cênica, etc.

Não é por acaso que separamos um show de variedades do conceito geral de “concerto de variedades”. Se o conceito de “performance” não precisa ser explicado (talvez não haja um único trabalho sobre arte teatral onde este conceito não tenha sido exaustivamente estudado), então “performance” tem muitas definições, às vezes contraditórias. Muitas vezes antes da palavra “performance” é escrita ou pronunciada a palavra “teatral”, ou seja, chamam essencialmente o óleo de óleo, porque o próprio conceito de “performance” é idêntico ao conceito de “teatralização”.

Dado que este conceito (“teatralização”) tem sido interpretado de forma diferente até hoje, consideramos necessário neste trabalho revelá-lo a partir da posição dos praticantes que encenaram mais de uma performance de variedade, especialmente porque um concerto teatral é o precursor de um desempenho da variedade, no nosso entendimento o último. O conceito de “teatralização” em relação a um concerto significa que ao encenar tal concerto, além de todos aqueles pop meios expressivos, de que falamos ao analisar as características de um concerto coletivo, num concerto teatral são utilizados meios expressivos característicos do teatro e da ação teatral. A saber: ação cênica (como se sabe, o principal meio expressivo do teatro), mise-en-scène (quando tal combinação de poses, movimentos dos performers é introduzida na estática inerente ao gênero do ato, que em o momento expressa a essência do conteúdo do ato e a relação entre os performers), atmosfera cênica (para sua criação, como no teatro, utiliza iluminação de jogo, ruído, música de fundo e outros elementos que criam um determinado ambiente em que o ação da performance se desenvolve), figurino e design.

Assistindo a várias apresentações pop, você pode facilmente descobrir que o enredo de tal performance obriga o público não apenas a acompanhar o desenvolvimento da trama, mas também a compreender e aceitar a lógica de construção da performance, e às vezes a perceber um ou outro número (ou todos os números) sob uma luz inesperada.

Uma performance variada, ao contrário de um concerto teatral, é caracterizada pelo papel de personificação do artista (o apresentador ou apresentadores). Ou seja, ele ou eles, dotados de determinados traços e características de caráter (profissão, idade, posição social, hábitos, etc.), tornam-se ativamente personagem atuante representações, pois é ele (eles) quem encarna o movimento da trama.

No processo de realização de uma performance, o diretor não pensa em quais “condições de jogo” - teatrais ou pop - determinam sua decisão de direção sobre um ou outro momento da performance. A síntese dessas “condições de jogo” para o diretor ocorre em um nível subconsciente, e na hora dos ensaios o diretor não percebe o que está vindo do palco e o que vem do teatro. Esta habilidade, embora inconscientemente, depende de dois tipos diferentes Artes performáticas.

Como vemos, mesmo em tal performance, aparentemente próxima dos gêneros da arte teatral, como uma performance variada, uma performance variada tem suas especificidades, seus próprios métodos de direcionamento da criatividade. E, no entanto, apesar da complexidade deste programa de variedades, no nosso entendimento, confirmado pela prática moderna, o futuro do palco está ligado às performances de enredo. Quando, por meio da pop art, é criada uma performance em que tudo - entretenimento, efeitos cênicos, jogo de luz e cor, cenografia e, o mais importante, a seleção de números - está subordinado ao pensamento, enredo, conflito, e mais importante - imagem artística desempenho. Basta relembrar alguns dos últimos programas apresentados no palco da Sala de Concertos Rossiya.

Claro, o desempenho é o mais aparência complexa programa de variedades, pois nele, como escreveu o destacado diretor Fyodor Nikolaevich Kaverin: “há um certo material textual, com enredo próprio, com um certo, embora muito pequeno número de personagens, e seus personagens e destinos (na maioria das vezes seus cômicos aventuras) se tornam o centro inevitável. Números puramente pop são intercalados em momentos separados no decorrer da peça... Desenvolvendo na ação a ideia de tal performance, o diretor se depara com tarefas completamente especiais, completamente diferentes daquilo que determina seu trabalho no teatro em geral . Ele precisa estabelecer o princípio pelo qual os números são inseridos em tais programa de jogo, encontre e estabeleça as proporções corretas em sua quantidade em relação ao enredo, determine seu caráter…. A preocupação especial do diretor ao trabalhar em tal performance é a busca e definição do estilo de toda a performance, da forma de atuação, que, quando combinada com peças pop convencionais... “Também requer seu próprio curso interno e um relacionamento claramente estabelecido (não importa se é coordenado ou conscientemente contrastante) dentro da performance.”

Dentre o conjunto de características específicas da pop art, as mais significativas para o espectador são a simplicidade e acessibilidade e a clareza artística. Um visitante frequente de programas de variedades está sempre inclinado a esperar que o intérprete estabeleça com ele um contacto forte e natural desde os primeiros minutos.

Um pianista, violinista ou vocalista pode contar com o fato de que aos poucos, de passagem em passagem, à medida que executa suas obras, conseguirá conquistar o público. “O animador estabelece um contato imediato, sincero e aberto. A observação educada do espectador sobre o que está acontecendo no palco equivale ao fracasso.”34

Na história do desenvolvimento da pop art, há muitos exemplos de perda de simplicidade de percepção, levando a uma ruptura no contato aberto e sincero com o público, que custou caro a gêneros inteiros. Isso se aplica principalmente a esse tipo de arte pop, que é a música jazz. Nas décadas anteriores à guerra, o jazz no nosso país (e não só aqui - processos semelhantes podem ser observados no estrangeiro, na sua terra natal, os EUA) estava intimamente ligado à música ligeira, ao canto de massa. Nossos cantores populares, incluindo Leonid Utesov, cantaram suas famosas canções acompanhados por conjuntos de jazz. A música instrumental jazz (A. Tsfasman, V. Knushevitsky) também foi construída sobre melodias e ritmos acessíveis ao ouvinte médio.

Gradualmente, a música jazz tornou-se mais complexa, emprestando as conquistas do sinfonismo moderno em harmonia e estruturas rítmicas e melódicas. Do estilo “be-bop” dos anos do pós-guerra até ao “fusion” moderno, o jazz desenvolve-se na verdade em linha com a música “séria”, apostando num ouvinte preparado, desfrutando da compreensão e do amor de nem todos, como era antes. Hoje, uma característica específica da arte jazzística é que a estreita ligação entre o jazz e a canção e a música “light” enfraqueceu, se não quebrou.

As características específicas da arte pop – acessibilidade e simplicidade – estão estreitamente relacionadas com outra característica específica – o seu apelo de massa 35 . Hoje já não é possível ignorar o facto de a grande maioria dos telespectadores conhecer a obra dos seus melhores mestres apenas através de reuniões “ausentes”. “Mesmo sem dados sociológicos precisos, podemos afirmar com segurança que pelo menos 90 por cento do público, que ama e conhece o repertório de Alla Pugacheva ou Valery Leontyev, nunca assistiu às suas apresentações numa sala de concertos. Para eles, o auditório, de tamanho ilimitado, é a tela da TV” 36 .

Variedade de televisão arte- um tema especial de investigação digno de atenção especial. O processo de regulação social das audiências modernas não pode ser totalmente compreendido sem ter em conta os processos que ocorrem na transmissão de entretenimento televisivo 37 .

Muitos autores que escrevem sobre os problemas dos programas de entretenimento televisivo reclamam do número insuficiente de tais programas. A Literaturnaya Gazeta, que realizou uma pesquisa entre os jovens sobre sua atitude em relação à televisão, observou que “as sugestões dos telespectadores (“Que programas para jovens, na sua opinião, poderiam aparecer na TV?”) estão claramente subordinadas a dois espíritos - o espírito de entretenimento e o espírito de conhecimento " Ao mesmo tempo, 91 por cento (!!) do público exige o palco! E mesmo aqueles que gostam dos actuais programas de variedades: simplesmente não têm o suficiente – precisam de mais” 38 .

Deve-se dizer que as estimativas quantitativas da arte de variedades televisivas não são inteiramente corretas. Os pesquisadores levam em consideração apenas programas especiais de variedades, enquanto em muitos outros programas todas as “inserções” artísticas (e há muitas delas) são na verdade números de variedades musicais. Hoje, duas tendências podem ser notadas na pop art: o surgimento de programas especiais de entretenimento - como “The Last Hero”, onde, junto com um estreito círculo de “estrelas” pop, também participam artistas desconhecidos da “Star Factory” os programas. Dentre as especificidades da pop art, a moda merece destaque. A moda pode ser para um determinado gênero, para um performer, até mesmo para técnicas externas de apresentação de uma performance, ou para a aparição de um artista em um programa de variedades. É muito difícil estabelecer os padrões de desenvolvimento da moda, e é ainda mais difícil preparar uma peça “personalizada” que ganhe popularidade universal e comece a “dar o tom”.

Danos consideráveis ​​​​são causados ​​​​à educação estética da população (especialmente dos jovens) pela exploração impensada da popularidade de alguns programas de variedades por administradores de organizações de concertos. Numerosos factos têm sido citados na imprensa sobre a forma como os dirigentes individuais das sociedades filarmónicas “promovem” programas de espectáculos em detrimento dos concertos sinfónicos ou de câmara. Como resultado, em muitas cidades anteriormente famosas pelas suas tradições de concertos, todos os locais acabaram por estar completamente entregues ao poder do show business 39 .

Embora seja fácil perceber que este círculo foi ampliado para incluir jovens músicos e cantores talentosos que satisfazem os mais diversos gostos de um amplo público.

A título de exemplo, podemos recordar o trabalho do excelente conjunto de jazz “Arsenal” sob a direcção de A. Kozlov: em busca de um contacto mais forte com o público, estes artistas apostaram numa teatralização ousada e inesperada das suas actuações, criando um novo estrutura de gênero na pop art que excita a imaginação do espectador-ouvinte. Ao iniciar o experimento, os músicos, é claro, correram o risco de que os fãs da improvisação jazzística rejeitassem sua apresentação. Tudo era determinado pela categoria estética da medida e pelo gosto artístico - conceitos aparentemente efêmeros e difíceis de medir.

Tudo isso sugere que a pop art, apesar de sua ampla distribuição, possui características próprias. A compreensão teórica desta arte mostra que em qualquer criatividade existe uma lacuna inevitável entre ideal e realidade, desejo e fato, intenção e implementação, e a análise desta circunstância é de fundamental importância para a compreensão das perspectivas de desenvolvimento artístico da realidade. Conforme observado por I.G. Sharoev, “a interação dos vários tipos de artes em nosso tempo está adquirindo um caráter multivalorado e a dinâmica de violação de seus limites está aumentando. Hoje, a classificação de tipos e gêneros está se tornando uma questão extremamente difícil, porque tipos e gêneros estão tão conectados entre si, intrinsecamente entrelaçados, que a designação de seus limites é muitas vezes bastante arbitrária” 40.

Um processo semelhante leva ao surgimento e estabelecimento de novos gêneros nas diversas formas de arte, sendo especialmente perceptível no palco, que sempre respondeu com muita sensibilidade às novas tendências. Assim, novos gêneros e formas foram estabelecidos, extraordinariamente diversos e flexíveis: ópera rock, ópera zong, rock mass, suíte rock e outros, onde estão presentes elementos de ópera e balé, artes dramáticas e pop.

Uma das especificidades do tipo de arte que analisamos é a unificação de vários géneros, a sua versatilidade.

“A arte variada, pela sua natureza, combina diversas características de gênero de outros tipos de arte, cujo ponto comum reside na fácil adaptabilidade às diversas condições de manifestação pública, na curta duração da ação, na concentração dos seus meios artísticos de expressão, o que contribui para a identificação vívida da individualidade criativa do intérprete, e no campo dos gêneros associados a palavra viva, – na atualidade, aguda relevância sociopolítica dos temas levantados, na predominância de elementos de humor, sátira e jornalismo” 41.

A próxima característica específica da arte pop é que a variedade de gêneros e origens dita a incorporação temporal e espacial da ideia e do significado em um número separado, que forma a base da performance pop.

Apresenta performances individuais completadas por um ou mais artistas e dura apenas 3-5 minutos.

Ao criar uma performance, os artistas podem ou não procurar a ajuda de um diretor, dramaturgo, artista, compositor, coreógrafo, enquanto eles próprios decidem o seu conteúdo. Os meios expressivos do ato estão subordinados à sua ideia e, nesse sentido, tudo deve estar em plena harmonia: figurino, maquiagem, cenário, presença de palco.

A combinação de vários números compõe um programa de variedades, onde todos os tipos de Artes performáticas: intérpretes: cantores, malabaristas, folhetins, encenadores, treinadores de animais, mágicos, cantores, acrobatas, dançarinos, músicos, demonstradores de experiências psicológicas, trapezistas e cavaleiros. Essa amplitude de possibilidades torna a pop art diversa, vibrante, original, com características próprias.

Normalmente os números de um concerto pop são unidos pelo compere ou pela base do enredo. Em seguida, no palco há uma revisão variada, diversa tanto em temas quanto em estrutura.

Outra característica específica da pop art é que seus artistas quase sempre se comunicam diretamente com o público. K. S. Stanislávski formulou a lei do palco, segundo a qual o ator atua em condições de “solidão pública”. “Ao atuar em uma peça, percebendo que centenas de espectadores estão olhando para ele, o ator ao mesmo tempo deve ser capaz de esquecê-los. Um ator não deve imitar a pessoa que interpreta, mas tornar-se uma, vivendo a vida quase real de uma pessoa de palco nas circunstâncias oferecidas pela peça e pela performance” 42.

Assim, o artista, cantor de versos ou cantor dirige-se diretamente ao público. O público acaba por ser o parceiro dos artistas e reage de forma vívida ao que se passa no palco, dando pistas e passando notas aos intérpretes. Mesmo durante o diálogo, os artistas dirigem-se não só uns aos outros, mas também ao público.

Conforme observado por A.V. Lunacharsky: “...na sua vivacidade, na sua capacidade de responder imediatamente aos acontecimentos actuais, na sua agudeza política, o palco tem grandes vantagens sobre o teatro, o cinema, a literatura séria”, uma vez que “...esta última exige muito de tempo para preparar seus produtos, em sua forma básica significativamente mais pesada do que uma vespa, uma canção pop ou uma crônica dística" 43 .

As características qualitativas da pop art listadas acima serviram de critério na seleção dos diversos fenômenos que caracterizam sua experiência criativa.

Durante o seu desenvolvimento, os estilos pop mudaram muitas vezes. Compreender o estilo significa penetrar nos mecanismos ocultos da tecnologia. Afinal, não apenas qualquer gênero pop é importante aqui, mas até mesmo uma entonação separada, um gesto aleatório. São metáforas que amarram em um nó complexo de arte os fios da vida tecidos na vida cotidiana. Só que, ao contrário de outras artes, as metáforas pop não são modelos de longos períodos de tempo; aqui a contagem não é em anos, mas em meses, dias e até minutos. Variety é uma crônica de acontecimentos contemporâneos.

É claro que um período histórico de um quarto de século é um período enorme para qualquer arte. Mas nem na literatura, nem mesmo no teatro e no cinema, o tempo produziu mudanças tão dramáticas como na arte pop. E a questão não é que os novos ídolos tenham expulsado os antigos tanto do palco quanto da memória do público, mas em outra coisa, mais importante. As mudanças afetaram a própria essência desse tipo, a estrutura interna de suas formas e gêneros.

Ainda nos anos 60, a pop art não conhecia, por exemplo, apresentações de gala de uma espécie de “teatro da canção” centrado em torno de uma “estrela” com um corpo de balé e uma magnífica comitiva espetacular, que agora era criada por A. Pugacheva, V. Leontyev, S. Rotaru, L. Vaikule, nem conjuntos vocais e instrumentais dos anos 70 ou bandas de rock dos anos 80.

Os programas das orquestras de jazz desapareceram do palco moderno não porque os fundadores e ídolos - L. Utesov, B. Rensky, E. Rosner - faleceram. Seus sucessores não conseguiram prolongar a vida do jazz. O próprio gênero morreu - o divertissement teatral, que foi recriado com o acompanhamento e participação de músicos de jazz.

Numerosas variedades de teatros em miniatura - desde o “teatro de dois atores” - M. Mironova e A. Menaker, L. Mirov e M. Novitsky ou o teatro de A. Raikin até um grande número de grupos pop estudantis do final dos anos 50 - início dos anos 60 - um após o outro, por motivos diversos, desapareceram ou foram transformados de forma irreconhecível, como o Teatro Hermitage - ideia de Vl. Poliakova. O Último Teatro as miniaturas desapareceram com o falecimento de A. Raikin. Seu lugar foi ocupado por R. Kartsev e V. Ilchenko, M. Zhvanetsky, bem como “One-Man Theatres” - G. Khazanov, E. Petrosyan, E. Shifrin, V. Vinokur...

Os programas de variedades teatrais sobreviveram de alguma forma até hoje, mas tornaram-se muito diferentes dos anteriores.

O número como unidade de medida em alguns programas cresceu até o tamanho de um episódio, o que é bastante natural, já que a pop art dominou novos espaços - as arenas dos palácios e estádios esportivos. Grandes espaços exigiam a consolidação de todos os elementos da arte pop e da tecnologia para criar e reproduzir novas formas de programas pop.

Nos últimos anos, programas de variedades em grande escala substituíram cada vez mais as apresentações de câmara. O concerto de variedades, que até recentemente era a principal forma de arte pop, tal como uma representação no teatro, um filme no cinema, foi empurrado para a periferia da prática do entretenimento. E o próprio show pop mudou irreconhecível.

Numa retrospectiva histórica, a base do concerto foi determinada pelo princípio da diversidade, segundo o qual a atuação de um gênero foi substituída por outra: um leitor - um malabarista, um ilusionista - um acordeonista, um violonista, etc.

Ao longo do último quarto de século, intérpretes de folhetins musicais, dísticos, esquetes, interlúdios, miniaturas, leitores, contadores de histórias, instrumentistas, etc., de alguma forma saíram imperceptivelmente da cena de concertos pop nacional.

O desempenho individual no palco requer alto autocontrole. Para garantir um alto nível de atividade para um roteirista, diretor ou ator, um sistema detalhado de controle criativo diário é importante, porque você só pode se envolver em entretenimento quando dominar a categoria filosófica de “medida”.

Stanislávski escreveu: “Não digamos que o teatro seja uma escola. Não, teatro é entretenimento. Não nos é lucrativo perder este importante elemento das nossas mãos. Deixe as pessoas sempre irem ao teatro para se divertir. Mas aí vêm eles, fechamos as portas atrás deles (...) e podemos derramar em suas almas o que quisermos” 44. Isso está inteiramente relacionado ao funcionamento da pop art. Em um show pop, quando há um cenário maravilhoso, performers incríveis, iluminação brilhante e cintilante, tudo ativa e surpreende o espectador.

Deve-se notar aqui que uma característica específica da pop art é a abertura da performance. O artista de palco não está separado do público nem por uma cortina nem por um palco; ele é, por assim dizer, “um nativo do povo” e está intimamente ligado ao público. Ele faz tudo abertamente diante do público, tudo perto do público, onde os performers podem ver e ouvir o público e entrar em contato direto com ele.

O resultado das especificidades da pop art discutidas acima é o processo perceptivo-comunicativo que lhe é inerente, em que a estreita aproximação do performer com o público dá origem a um sistema de comunicação completamente especial, ou mais precisamente, comunicação. Durante uma apresentação, um artista pop transforma espectadores e ouvintes atentos em parceiros ativos, permitindo-lhes muito em termos de respostas. O próprio artista pop pode fazer muito mais do que um concerto clássico ou uma apresentação teatral. Este performer assume uma posição de máxima confiança e abertura para com o público.

Em suma, a principal diferença entre a pop art é a especificidade do processo perceptivo-comunicativo, que é facilmente percebido pelo público e ajuda a criar obras únicas.

O processo perceptivo-comunicativo na pop art, apesar da amplitude de sua paleta de gêneros e da influência de muitos fatores sociais e culturais, distingue-se pela dinâmica interna da criatividade.

Os gêneros de arte incluem muitas obras musicais e poéticas das chamadas letras de amor, que trazem uma visão comovente ao palco: são caracterizadas pelo entretenimento e pelo humor.

A resposta deve ser procurada aí, ou seja, no sistema de relações entre as duas partes – performer e espectador, bem como na própria posição de vida do performer, no processo perceptivo-comunicativo. Letras de amor, materializadas em um programa de variedades, pressupõem um altíssimo grau de confiança do intérprete junto ao público, o que permite que surja uma espécie de confissão quando uma pessoa precisa contar a alguém sobre algo bastante íntimo - sobre sua felicidade ou suas tristezas.

Uma característica específica da pop art é a eficiência, a capacidade de responder aos temas “quentes” do dia, de formar e fortalecer o tom emocional positivo do espectador de acordo com o princípio: de manhã - no jornal, à noite - em um verso.

Não é por acaso que todas as situações socialmente agudas estimularam o surgimento, em primeiro lugar, de novas obras de pequenos formatos, que, por sua vez, serviram de fonte de força e inspiração para o público.

Portanto, a característica mais importante da pop art é a sua orientação social. Paralelamente, a música pop desenvolveu-se como a arte do lazer festivo, o que deu origem a uma variedade de géneros pop, à invulgaridade da sua percepção, e respondeu aos desejos das pessoas de preencher o seu lazer de férias, o seu descanso com novas impressões, descobertas artísticas. e emoções positivas. São essas qualidades que distinguem as férias da vida cotidiana. O brilho e a originalidade serviram e servem para atrair a atenção do público para cada número, pois um programa de variedades, mesmo que de curta duração, contém necessariamente um momento de competitividade dos números, pois cada um deles tem que defender o seu direito a um atitude amigável do público.

O público de um show ou peça pop espera de cada número, de cada episódio, algum tipo de novidade, uma reviravolta inesperada na trama, nas técnicas performáticas. “O espectador que vem a um show de variedades costuma pensar que sabe tudo com antecedência - agora vai tocar o prólogo, depois vai aparecer o apresentador no palco, mas devemos nos esforçar para “decepcioná-los” no bom sentido, para agradá-los ( mais de uma vez) com uma surpresa alegre, para “explodir” o fluxo medido do programa” 45.

Subindo em palco perante um público sintonizado com um espectáculo festivo, o intérprete deve, ao mesmo tempo que satisfaz os seus desejos, revelar todas as suas capacidades individuais, provar que é um “pau para toda obra”. Para isso, você deve atualizar constantemente seu repertório, encontrar uma nova reviravolta na solução do ato, levando em consideração as especificidades do processo perceptivo-comunicativo da pop art, inventando um início, um clímax e um final espirituosos para a performance. Portanto, a renovação dos gêneros conhecidos ocorre pela criação de uma imagem artística inesperada e pela natureza de sua execução.

As tentativas mais produtivas e artisticamente convincentes sempre foram complicar o gênero variado em que o intérprete costuma atuar. Certa vez, uma orquestra teatral de jazz apareceu no palco, liderada por Leonid Utesov. As apresentações dos leitores começaram a se transformar em “teatros de um homem só”, cantores solo começaram a dançar e observou-se o nascimento de gêneros completamente novos e até então desconhecidos.

Uma característica específica da pop art é a atmosfera festiva, que corresponde à natureza do próprio processo criativo. O canto e a arte dramática deram origem ao canto teatral, que se somou à arte dos dançarinos de apoio (dançando com pequenas amplitudes de movimentos), e o canto pop moderno tornou-se uma arte ainda mais complexa em estrutura.

Hoje é muito comum encontrar apresentações variadas onde um artista canta, dança, faz um monólogo e atua como parodista. Os instrumentistas pop são capazes de tocar vários instrumentos diferentes, despertando assim um interesse adicional na sua execução.

Conseqüentemente, um artista pop, ao contrário de um artista acadêmico, pode dominar perfeitamente muitas habilidades profissionais que estão “na intersecção” de vários tipos de arte, mas não se esquecer desse estado. Neste caso, o performer entretém e cativa o público, evocando nele emoções positivas não só com o conteúdo da obra, mas também com a sua “festividade”, tendo em conta as especificidades do processo perceptivo-comunicativo da pop art.

Uma sensação de festividade também pode ser criada através de entretenimento puramente externo. Mais frequentemente encontrados em apresentações de revista de music hall, o jogo de luz, a mudança de cenários pitorescos, a mudança na forma da área do palco diante dos olhos do público causam um surto de alegria e bom humor no público.

Sim, muitos gêneros da pop art atraem pela facilidade e concisão de percepção devido a uma certa simplificação da estrutura da obra, iluminando seu conteúdo e forma. Mas isto não pode ser considerado um recuo para temas mesquinhos. O tópico escolhido (abordado) pode ser muito amplo e significativo. Mas por aparecer na obra livre do complexo entrelaçamento de outros temas, a obra será mais fácil de ser percebida. Outra forma de assimilar o conteúdo é selecionar temas que não pretendam ser de grande escala e profundidade, mas que sejam pessoais, corporativos e possam ser de interesse de um determinado círculo de pessoas.

Daí o conceito de “variedade” ser interpretado como uma linguagem específica de meios expressivos que pertence apenas a este tipo de arte.

Variedade é uma característica da técnica e talento artístico de um artista que se apresenta em um palco pop.

Um artista pop é antes de tudo um mestre em um dos gêneros, e só então pode demonstrar seu talento nos diversos gêneros da arte pop.

Consequentemente, uma característica específica da pop art é a sua natureza multigênero, que combina música, dança, canto, conversação, circo, etc. Apesar do multigênero, cada intérprete tem seu próprio características artísticas e meios expressivos, o palco aberto (palco) em que o ator aparece dita suas próprias condições: contato direto com o público, “abertura” de habilidade, capacidade de transformação instantânea, etc. , ou concerto, é um número - uma apresentação curta e cronometrada (de um ou mais intérpretes), estruturada de acordo com as leis da dramaturgia. O curta-metragem pressupõe extrema concentração de meios expressivos, “atração”, uso do grotesco, da bufonaria e da excentricidade. De particular importância são a presença de uma individualidade brilhante, uma imagem encontrada com sucesso pelo ator (às vezes uma máscara) e energia interna.

Estas são, em nossa opinião, as principais especificidades da pop art moderna.

Variedade é um tipo de arte de entretenimento em que pequenos concertos de um ou mais artistas (contadores de histórias, cantores, dísticos, dançarinos, acrobatas, mágicos, etc.) compõem um programa completo, geralmente projetado para a percepção de massa. O palco é multifacetado e variado. A percepção do público sobre esta arte também é variada. Para alguns, o palco é uma apresentação de músicas e grupos musicais e performers, para outros - uma atuação de comediantes, para outros - palhaços ou artistas de dança moderna. As formas de existência desta arte também são diferentes: um concerto num clube, um cinema e sala de concertos, uma peça estudantil em salão de montagem Instituto, um programa teatral num estádio ou no Palácio dos Desportos, uma actuação no Teatro de Miniaturas, uma actuação no Teatro de Variedades, um concerto a solo, etc. características do programa de variedades ao vivo.

As raízes do palco remontam a um passado distante, podem ser encontradas na arte da antiguidade - Egito, Grécia, Roma, seus elementos estão nas performances de comediantes viajantes - bufões, shpilmans, malabaristas, dândis, etc. formas modernas A arte variada desenvolveu-se na Europa Ocidental ao longo do século XIX. Assim, os visitantes dos cafés parisienses eram entretidos por músicos, cantores, cantores, cujo repertório incluía coisas agudas e atuais. O sucesso de tais cafés deu origem ao surgimento de grandes empresas de entretenimento - cafés-concertos (“Ambassador”, “Eldorado”, etc.). Na Inglaterra, nas pousadas (hotéis) surgiram salas de música- salas de música, onde eram apresentadas danças, canções cômicas e apresentações circenses; O primeiro é considerado o Star Music Hall, fundado em 1832.

Inspirado no music hall londrino Alhambra, o Folies Bergère foi inaugurado em Paris em 1869, e duas décadas depois o Moulin Rouge, que recebeu o nome de “variedade hall” (do francês variété - variedade). Gradualmente, a palavra “show de variedades” começou a ser aplicada não apenas a teatros específicos, mas também a toda uma forma de arte, composta por vários gêneros, a partir dos quais, em última análise, é criada uma performance holística.

Em 1881, um cabaré artístico (do cabaré francês - abobrinha) “Cha Noir” (“Gato Preto”) foi inaugurado em Paris, onde se reuniam jovens artistas, atores e escritores. Problemas sociais e políticos agudos foram frequentemente abordados aqui. Os cabarés eram muito famosos na Alemanha, Áustria e outros países. No nosso tempo, esta forma, separada do café, passou a existir como um teatro político e satírico de pequenas formas (Alemanha) com um nome ligeiramente alterado - cabarette.

Os programas de variedades chegaram à Rússia na virada dos séculos XIX e XX. Após o show de variedades, o cabaré também atraiu a atenção do público. Eles tiveram seus próprios antecessores na Rússia, que determinaram em grande parte a singularidade do cenário russo. São estandes que divertiam a diversificada composição social do público nos feriados, e pequenas diversões programas de concertos, que foram apresentadas nos cinemas antes e depois do final da peça principal. Os programas de diversão incluíam canções e árias russas de óperas, danças clássicas e folclóricas, dísticos de vaudeville, poemas e histórias interpretadas por atores dramáticos. Em geral, o teatro teve uma influência significativa no palco russo, o que determinou a sua originalidade.

Após a Revolução de Outubro, os artistas saíram dos pequenos e apertados salões de cabarés, shows de variedades e teatros em miniatura para as ruas e praças, para o povo. Eles substituíram os oradores em numerosos concertos e comícios, foram com concertos às frentes da guerra civil, apresentaram-se em postos de recrutamento, em quartéis e em clubes de trabalhadores. Foi então que o conceito de “variedade” (do francês estrade - stage) se espalhou por todo o campo da arte.

A base da pop art é um número, uma performance curta e completa (de um ou mais artistas) com dramaturgia própria, na qual, como em uma grande performance, deve haver uma exposição, um clímax e um desfecho. O curta-metragem pressupõe extrema concentração de meios expressivos. Portanto, hipérbole, grotesco, bufonaria e excentricidade são amplamente utilizados no palco; daí o brilho, o exagero dos detalhes e a instantaneidade da transformação do ator. O número mantém seu significado em uma performance variada (show, revista, etc.) criada com base em uma peça (crítica). Nessa performance, os números são unidos pela figura de um observador ou por um simples enredo.

Artistas que atuam no palco usam amplamente a chamada máscara, uma determinada imagem, que se distingue pela constância não só da aparência externa, mas também dos traços de caráter e da biografia. Esta imagem, nascida da imaginação artística, pode nada ter a ver com a personalidade do próprio artista.

Muitas vezes, porém, a máscara de um artista pop torna-se, por assim dizer, uma expressão concentrada de sua própria personalidade. Mas seja qual for a máscara que o artista esconde, ele dirige-se diretamente ao público, esforça-se por incluí-lo na ação, por torná-lo seu “interlocutor”.

No seu caminho, a música pop russa resolveu vários problemas: agitou, convocou, inspirou, educou, iluminou e, claro, entreteve. O entretenimento é característico do palco, como nenhuma outra arte. Mas não é equivalente ao vazio. Por trás da leveza e da alegria externas, muitas vezes se esconde um conteúdo sério, e quanto mais talentoso o artista, quanto maior sua habilidade, melhor ele consegue encerrar um pensamento sério de uma forma leve. Exemplo de cidadania, acuidade de conteúdo social e excelência forma artística serve a arte satírica de A.I.

Tradicionalmente ótimo lugar em nosso palco pertence a gêneros associados a palavras. Esta é uma história, um monólogo, uma pequena esquete, um folhetim, um dístico, uma paródia, um espetáculo. A tarefa de apresentar a cultura às grandes massas nos anos 20-30. Século XX deu vida a uma forma de leitura artística a partir do palco de obras de arte moderna e literatura clássica. Os leitores-artistas se esforçam para revelar o mundo do autor da forma mais completa possível ao público, originalidade artística Suas obras.

O lugar de destaque no palco foi ocupado pelos gêneros musicais e vocais: romance, bardo e canção popular, música pop e rock, jazz, etc. Grandes públicos são atraídos por concertos solo de cantores pop famosos. No processo de desenvolvimento, surgem novas formas e direções estilísticas, que enriquecem o palco musical com novas ideias artísticas e refletem os ritmos do tempo. Os números coreográficos, tanto em conjunto como a solo, estão amplamente representados em palco: danças folclóricas, duetos plásticos, miniaturas de peças, danças em ritmos modernos.

O espetáculo de atos circenses atrai visitantes: malabaristas, ilusionistas, manipuladores, acrobatas, equilibristas, mímicos. Muitas coisas interessantes nascem na intersecção de gêneros: pantomima e acrobacia, pantomima e malabarismo, etc. Muitos artistas usam a excentricidade inerente à própria natureza da pop art.

A arte variada desenvolveu-se amplamente na URSS. Olimpíada All-Union de Teatros e Artes dos Povos da URSS 1930, Festival All-Union dança folclórica 1936, décadas arte nacional Nas repúblicas sindicais, a reportagem de concertos contribuiu para o desenvolvimento deste tipo de criatividade entre povos que antes não a conheciam, exceto nas formas folclóricas. Competições de toda a Rússia e de toda a União para jovens criativos eram realizadas regularmente. De natureza sintética, a música pop sempre esteve associada ao teatro, ao cinema, à literatura e à música. Formas diferentes A interação entre a pop art e outras artes pode ser percebida ao longo de sua história. Jazz e rock estão incluídos na música sinfônica; a dança pop e as acrobacias influenciam a coreografia clássica; volta-se constantemente para o palco do cinema; os críticos escrevem sobre a variedade do teatro. Por sua vez, o palco é capturado pelo processo de teatralização, afeta todos os seus gêneros, a tendência geral para a programação teatral, para a criação de espetáculos e teatros de variedades.

Todo mundo conhece a notável habilidade de K.I. Shulzhenko, que executou canções líricas com alma.



Performance de Tarapunka (Yuri Timoshenko) e Shtepsel (Efim Berezin, à esquerda)./



O ilusionista Harutyun Hakobyan está no palco.



Famoso Grupo inglês"Os Beatles".

Bilhete número 30. Programas de variedades. Recursos modernos e tendências.

Mostrar - este é um espetáculo especial e encantador, cujo lado semântico e enredo desaparece em favor de uma apresentação espetacular de impressões (o enredo fica “turvo” nos efeitos), o programa do show deve ser construído sobre uma mudança constante de impressões e espetaculares brilhantes técnicas de meios expressivos.

O termo Show Business aparece na literatura especializada desde meados dos anos 80. Século XX e substituiu o conceito anteriormente existente de “fase soviética”. O termo “variedade” surgiu na história da arte russa no início do século passado e uniu todos os tipos de artes de gêneros facilmente percebidos.

A arte variada é caracterizada por abertura, laconicismo,

improvisação, festividade, originalidade, entretenimento. Desenvolvendo-se como a arte do lazer festivo, a música pop sempre buscou a originalidade e a diversidade. A sensação de festa foi criada devido à animação externa, jogo de luzes, mudança de cenário pitoresco, transformação da área do palco, etc.

No contexto da transição para uma sociedade democrática aberta, o consumidor tem a oportunidade de escolher. Tendência O espetáculo moderno é o seguinte: as rápidas mudanças nos gostos do público exigem o trabalho árduo de empresários, artistas e produtores.

O produto da atividade cultural já é objeto de “compra e venda”, ou seja, surgem relações economicamente justificadas, e desde que o palco entra no mundo dos negócios, para isso precisa de profissionais, pessoas que saibam organizar um negócio para que ele traga lucro não só para o artista, grupo, empresa, mas também para o estado ( na forma de impostos). Atualmente, o show business se desenvolve de acordo com as leis do mercado. A resolução de questões relacionadas à gestão de pessoas e ao aproveitamento de seu potencial, que predetermina o sucesso no alcance da meta, é de grande importância.

Então, espetáculo modernoé um magnífico espetáculo de palco com a participação de estrelas pop, circo, esportes, orquestra de jazz, balé no gelo, etc. A ênfase do espetáculo muda para efeitos externos destinados a embelezar o conteúdo dos eventos que ocorrem.

Na gestão do show business são utilizados diversos métodos, abordagens e técnicas, visando criar condições para um trabalho eficaz. Assim, podemos destacar as características do espetáculo moderno:

1. A presença de uma “estrela”.

O conceito de “estrela” surgiu na era do cinema, quando os atores do cinema não tinham nome e os espectadores chamavam os personagens de que gostavam pelos nomes dos filmes, bem como pelas suas características externas (“um homem com olhos tristes”, “ uma menina com cachos”, etc.). Os telespectadores começaram a atacar as produtoras de filmes, pedindo sobrenome, nome e diversas informações biográficas dos atores de que gostavam. O chefe da empresa americana IMP, Carl Laemmle, foi o primeiro a usar a popularidade da atriz Florence Lawrence para atrair o público ao cinema, espalhando rumores sobre sua morte. Assim, despertou grande interesse do público e da noite para o dia transformou a atriz em uma estrela de cinema americana.

Assim, foi lançado o início do “sistema estelar”. Outras empresas cinematográficas seguiram o exemplo da IMP. O número de “estrelas” começou a crescer rapidamente. Eles se tornam iscas de bilheteria tanto para o cinema quanto para indústria da música, teatro, shows de modelagem, etc.

A essência do conceito de “estrela” é que o intérprete de que gostam evoca a simpatia do público e, por isso, querem vê-lo, querem ser como ele. O consumidor (espectador, ouvinte) não se limita apenas a ver o ídolo, ele quer saber tudo sobre ele, inclusive detalhes de sua vida pessoal. Este aspecto é de grande utilidade na criação de “estrelas”, pois é considerado um sinal de grande popularidade, o que significa que os honorários das “estrelas” aumentam. Atrair uma “estrela” para participar de um show, desfile de modelos, filme, musical, produção teatral ou gravação de álbum é garantia de procura e casa cheia.

Se houver algum homem excessivamente alto sentado à minha frente, começo a sentir como se tivesse dificuldade para ouvir. De qualquer forma, essa música deixa de ser música pop para mim. Porém, também acontece que o que está acontecendo no palco é claramente visível, porém, apesar disso, não se torna um fato da pop art; afinal, alguns artistas e diretores concentram todos os seus esforços em agradar aos nossos ouvidos, pouco se importando com os nossos olhos. Você frequentemente encontra uma subestimação do lado do entretenimento da pop art em gêneros musicais, mas sintomas da mesma doença podem ser observados na leitura literária e nas artes cênicas.

“Bem”, você diz, “mais uma vez estamos falando de coisas conhecidas há muito tempo, que muitos artistas pop carecem de cultura de palco, que seus números às vezes são desprovidos de expressividade plástica e visualmente monótonos”.

Na verdade, todas estas graves deficiências, que ainda não foram superadas pela arte da variedade, aparecem frequentemente em resenhas, em artigos problemáticos e em discussões criativas. Até certo ponto, eles serão abordados neste artigo. No entanto, gostaria de colocar a questão de forma mais ampla. A questão aqui, obviamente, não é apenas a falta de habilidade como tal. Essa desvantagem afeta até mesmo os gêneros pop que apelam apenas à visão. Acrobatas, malabaristas, ilusionistas (mesmo os melhores, grandes mestres do seu ofício) pecam na maioria das vezes com a mesma monotonia visual, a falta de cultura plástica. Todas as variedades do gênero se resumem, via de regra, à alternância dentro do ato de aproximadamente um círculo de truques e técnicas executadas. Selos que se desenvolvem ano a ano (por exemplo, um casal masculino acrobático, alto e baixo, trabalhando em em um ritmo lento realizando movimentos de poder, ou um malabarista melancólico vestido de smoking com charuto e chapéu, etc.) apenas reforçam e legitimam a pobreza espetacular dos gêneros pop. As tradições, uma vez vivas, tornam-se obstáculos ao desenvolvimento da arte.

Deixe-me dar um exemplo de dois malabaristas - vencedores do recente 3º Competição totalmente russa artistas pop. I. Kozhevnikov, galardoado com o segundo prémio, exibe o tipo de malabarista que acabamos de descrever: um chapéu-coco, um charuto, uma bengala compõem a paleta de uma performance executada com habilidade impecável. E. Chátov, vencedor do primeiro prêmio, trabalha com um aparelho de circo - um poleiro. Na extremidade dele há um tubo estreito e transparente com o diâmetro de uma bola de tênis. Equilibrando-se na cabeça, Chátov joga bolas no tubo. A cada vez o poleiro cresce, atingindo gradativamente quase dez metros de altura. A cada nova seção da performance, a performance do número torna-se visualmente mais nítida e expressiva. Finalmente, o comprimento do poleiro torna-se tal que não cabe na altura do palco (mesmo tão alto quanto no Teatro de Variedades). O malabarista chega à frente do palco, equilibrando-se sobre as cabeças dos espectadores nas primeiras filas. A bola voa, quase se perde no fundo do teto e vai parar no tubo. Este número, além da extraordinária pureza com que é executado, é notável porque a escala visual, mudando de tempos em tempos, é percebida por quem está sentado em auditório em completa unidade. Isso torna o efeito espetacular extraordinário. Além disso, este é um entretenimento especificamente pop. Imagine o número de Chátov na TV ou no cinema! Sem contar que numa trama televisiva ou cinematográfica filmada antecipadamente se exclui o elemento do imprevisto (por isso o palco e o circo jamais se tornarão orgânicos à tela!), a constância de escala, ditada pelo A constância do tamanho da tela e a distância do espectador em relação a ela privarão o quarto de Chátov e seus encantos.

A arte de Chátov (muito mais do que, digamos, o ato de Kozhevnikov) perde se for transferida para a esfera de outra arte. Esta é a primeira evidência de sua verdadeira variedade. Se tal transferência puder ser facilmente realizada sem perdas óbvias, podemos dizer com segurança que a obra e seu autor estão pecando contra as leis da arte pop. É especialmente revelador para os gêneros musicais e discursivos da rádio pop. Muitos de nossos cantores pop são melhor ouvidos no rádio, onde ficam livres da necessidade de procurar um equivalente plástico da melodia que está sendo tocada. Diante de um microfone de rádio, a cantora, para quem o palco é um verdadeiro tormento, sente-se muito bem. Um cantor pop por natureza, ao contrário, vivencia um certo incômodo no rádio: fica constrangido não só pela falta de contato com o público, mas também pelo fato de que muitas das nuances da performance presentes no lado visual do a imagem estará ausente no som. Isto implica, é claro, um esgotamento do efeito. Lembro-me das primeiras gravações de canções de Yves Montand, trazidas de Paris por Sergei Obraztsov. Quão mais profundo e significativo o próprio artista se revelou quando o vimos cantando no palco: ao encanto da música e da letra juntou-se o encanto de um ator que cria a plasticidade mais expressiva imagem humana. Stanislávski gostava de repetir: o espectador vai ao teatro por causa do subtexto, pode ler o texto em casa. Algo semelhante pode ser dito sobre o palco: o espectador quer ver a performance no palco, pode aprender o texto (e até a música) enquanto fica em casa; Pelo menos quando ouço rádio. Vale a pena, por exemplo, ir a um concerto para ouvir Yuri Fedorishchev, que está tentando com todas as suas forças restaurar a execução da música “Mississippi” de Paul Robeson? Acho que Fedorishchev teria tido muito mais sucesso em atingir seu objetivo no rádio. Ouvindo “Mississippi” no rádio, poderíamos nos maravilhar com a precisão com que as entonações musicais do cantor negro foram captadas e, ao mesmo tempo, não teríamos a oportunidade de perceber a completa inércia plástica de Fedorishchev, que contradiz o original.

Os diretores do programa em que ouvi Fedorishchev tentaram amenizar a monotonia visual de seu canto. Durante a execução da música francesa “Alone at Night”, antes do verso em que começa o tema civil - o tema da luta pela paz, as luzes do salão se apagam repentinamente, restando apenas a luz de fundo vermelha. Na parte mais patética da música, que exige técnicas de atuação brilhantes, o espectador se vê forçado a se tornar apenas um ouvinte, pois tudo o que vê é uma silhueta preta imóvel sobre um fundo vermelho escuro. Assim, a direção, ao tentar diversificar a atuação para o público, presta um verdadeiro “desserviço” ao intérprete e à obra como um todo. A incrível escassez de técnicas de iluminação, que no caso descrito acima levou a uma mudança de ênfase, é uma das doenças do nosso palco. O sistema de efeitos de iluminação baseia-se num princípio ilustrativo simples (o tema da luta pela paz está certamente associado à cor vermelha, nada menos!), ou no princípio da beleza de salão (o desejo de “apresentar” o performer independentemente do conteúdo artístico do ato, do seu estilo). Como resultado, as possibilidades de iluminação mais interessantes ainda não estão a ser exploradas. O mesmo se pode dizer do figurino: raramente serve para realçar a imagem visual. Se existem boas tradições no uso de um traje como meio de enfatizar as origens de um papel (digamos, uma jaqueta de veludo com laço de N. Smirnov-Sokolsky ou uma fantasia de mímico de L. Engibarov), então um traje simples e ao mesmo tempo, ajudar a revelar a imagem do traje é extremamente raro Recentemente tive a oportunidade de testemunhar como um traje escolhido sem sucesso enfraqueceu significativamente a impressão causada pelo número. Estamos falando de Kapigolina Lazarenko: um vestido vermelho brilhante com grandes anquinhas constrangia a cantora e claramente não correspondia à suave e lírica canção “Come Back”.

Iluminação, figurino e mise-en-scène são os três pilares sobre os quais repousa o lado espetacular de um ato de variedades. Cada um desses tópicos merece uma discussão especial, que meu artigo, naturalmente, não pode reivindicar. Aqui abordarei apenas aquele lado da mise-en-scène pop específica que não pode ser adequadamente recriado nas telas de TV e cinema. O palco tem leis próprias de espaço e tempo: close-up, ângulo de câmera, montagem no cinema (e na televisão), que violam a unidade dessas categorias, ou melhor, sua integridade, criam um novo espaço e um novo tempo, não em todos forma adequada para o palco. O palco lida com um plano constante, já que a distância do performer a cada um dos espectadores varia ligeiramente, apenas na medida em que o ator consegue se mover profundamente no palco. O mesmo deve ser dito sobre a montagem: ela ocorre no palco (se ao menos ocorrer) dentro do todo, que está constantemente presente no palco. Essa montagem pode ser produzida por iluminação (técnica utilizada com sucesso nas performances do estúdio de variedades da Universidade Estadual de Moscou) ou ocorre na mente do espectador. Simplificando, ele destaca certas partes de sua percepção de uma imagem visual, enquanto continua a manter o todo em seu campo de visão.

Para não parecer infundado, darei um exemplo. A peça “Our Home is Your Home” do estúdio de variedades da Universidade Estadual de Moscou. Nesta equipe há muito pesquisas interessantes expressividade do espetáculo. Ao mesmo tempo, é frequente Poesia lírica ou uma alegoria baseada em conexões associativas acaba sendo o elemento principal da história. Mas é importante notar que tanto a poesia quanto a alegoria se transformam na forma de narrativa figurativa e visual nas performances do estúdio (por exemplo, pinturas figuras geométricas em uma das salas eles ajudam a revelar significado satírico muitos conceitos importantes). Na cena que fala sobre a organização do lazer juvenil (“Clube Juvenil”), quatro demagogos-gritadores, empoleirados como numa tribuna, sobre quatro enormes pedestais, pronunciam sucessivamente trechos de frases que juntas constituem um espantoso abracadabra de conversa fiada e burocracia. A atenção do espectador é instantaneamente transferida de um gritador para outro: o locutor acompanha suas palavras com um gesto (às vezes em contraponto complexo com a palavra), enquanto os outros permanecem imóveis. Imagino esta cena filmada em um filme. Seu texto e mise-en-scène parecem antecipar imutavelmente a montagem futura. Cada linha é um close-up. Uma rajada de metralhadora de close-ups, comentários, gestos. Mas então há duas perdas significativas. Em primeiro lugar, a falta de acompanhamento de cada fala: as poses congeladas dos demais personagens. E a segunda é transformar todas as falas em frases alternadas sem transferir nossa atenção de um personagem para outro. O contraponto, que se torna a arma mais forte dos autores nesta cena, desaparece inevitavelmente no filme.

Seria errado dizer que a discrepância, o contraponto entre palavra e imagem, é propriedade apenas da pop art. Ele é conhecido tanto no palco do teatro quanto na tela. Mas as formas de alcançar este efeito são diferentes em todos os lugares. E no palco eles são muito importantes. Aqui o contraponto é exposto, é mostrado como um choque deliberado de opostos, com o propósito de provocar uma faísca de riso. Darei um exemplo de artistas que constantemente, ano após ano, melhoram seu domínio desse tipo de arma. Refiro-me ao quarteto vocal “Yur” (Yu. Osintsev, Yu. Makoveenko, Yu. Bronstein, Yu. Diktovich; diretor Boris Sichkin). Na música “Business Travel”, o quarteto canta, e enquanto isso as mãos dos artistas se transformam em certificados de viagem (palma aberta) e selos institucionais (punho cerrado), selos são afixados, dinheiro é distribuído, etc. na forma de uma ilusão -strações do texto, mas paralelas a ele, às vezes apenas coincidentes, mas principalmente em uma série contrapontística. Como resultado, um significado novo e inesperado surge da colisão inesperada de palavras e gestos. Por exemplo, viajantes de negócios que viajam para direções diferentes não têm nada para fazer a não ser jogar dominó no trem. Mãos embaralhando o dominó “se sobrepõem” ao texto, que diz que o dinheiro das pessoas está sendo gasto de forma imprudente em viagens de negócios. Isso torna muito eloquente o gesto das mãos misturando ossos imaginários no ar.

O último trabalho do quarteto, “Televisão”, é sem dúvida o seu maior sucesso criativo na utilização dos meios de expressividade visual no palco. Aqui os membros do quarteto atuam igualmente como parodistas, como leitores, mímicos e como atores dramáticos. Além disso, demonstram extraordinária habilidade coreográfica: numa palavra, estamos perante um género sintético em que a palavra, a música estão intimamente ligadas à pantomima, à dança, etc. é tão bom quanto só pode ser na pop art. No decorrer da edição, quase todos os gêneros existentes no mundo passam pela paródia.
televisão. A sua mudança, bem como a mudança dos meios utilizados pelos artistas, criam um espetáculo muito pitoresco. A variedade pertence, sem dúvida, às formas espetaculares de arte. Mas Artes performáticas bastante: teatro, cinema, circo e agora também televisão, que revela um potencial estético significativo. Quais são as relações dentro deste grupo de artes? Parece que o teatro pop ainda permanece no âmbito da arte teatral, embora tenha muitas semelhanças com algumas outras formas. Naturalmente, o teatro (entendido em Num amplo sentido palavras) muda constantemente seus limites, que de certa forma se tornam muito rígidos para o palco. No entanto, algumas qualidades da pop art, apesar da evolução significativa, permanecem inalteradas. Estes incluem, em primeiro lugar, o princípio da organização visual da forma de um espetáculo de variedades. E se falamos de forma, então o principal na música pop moderna (incluindo alguns gêneros musicais) continua sendo a imagem.

Neste artigo não foi possível considerar todos os aspectos do tema. Minha tarefa foi mais modesta: chamar a atenção para alguns problemas teóricos da pop art, que em grande parte determinam sua posição entre outras artes e explicam a natureza das buscas criativas de nossos mestres pop. As regras teóricas, como sabemos, permanecem regras que são obrigatórias para todos apenas até o dia em que um artista brilhante e inovador chega e rompe fronteiras que ontem pareciam intransponíveis. Hoje assistimos a géneros sintéticos de arte de entretenimento: os cânones do passado não conseguem resistir à pressão de novas descobertas. É importante notar que as mudanças em curso baseiam-se no princípio em constante mudança, mas fundamentalmente inabalável, do palco como espetáculo.

A. VARTANOV, candidato de história da arte

Revista de Circo Soviético. Março de 1964