Sandro Botticelli calunia a descrição da pintura. Breve descrição da pintura O Nascimento de Vênus de Sandro Botticelli e trabalho nela

Sandro Botticelli. "A calúnia de Apeles." Por volta de 1494.
Madeira, têmpera, 62 x 91. Florença. Galeria Uffizi.

A ideia que Botticelli teve quando iniciou este trabalho era muito inusitada: recriar uma pintura não sobrevivente do famoso artista antigo Apeles, conhecida a partir de uma descrição compilada pelo satírico romano do século II, Luciano. Assim, uma conversa sobre esta obra de Botticelli deve começar com uma história sobre Apeles.
O antigo artista grego Apeles viveu na segunda metade do século IV aC. e.. Autores antigos possuem informações diferentes sobre o local de seu nascimento. O mais extenso léxico grego, o dicionário Suda, afirma que ele era de Colofão. Segundo Estrabão (“Geografia”, XIV, i, 25) e alguns outros autores, Apeles nasceu em Éfeso. Plínio, o Velho (História Natural, XXXV, xxxvi, 79) fala de “Apeles de Cós”, mas isso deve ser entendido não como uma indicação do local de nascimento do artista, mas como o local onde suas famosas pinturas foram localizadas e onde ele é acreditado ter morrido. Apeles foi o pintor da corte de Alexandre, o Grande, para quem criou diversas obras.

Alexandre, o Grande, no estúdio de Apeles. Imagine isso. artista J. Kades. 1782

É sabido que Alexandre confiava apenas nele para escrever sozinho. O artista foi patrocinado pelo rei Ptolomeu I Sóter, com quem em algum momento teve uma briga, que será discutida a seguir. A fama de Apeles reside em suas pinturas como “Afrodite Anadyomene”, um retrato de Alexandre à imagem de Zeus, “Alegoria da Calúnia”.
Várias histórias instrutivas e expressões populares em latim estão associadas ao nome de Apeles. Plínio, o Velho, diz (“História Natural”, XXXV, xxxvi, 84 - 85): “Ele exibia obras concluídas na varanda para os transeuntes verem, e ele próprio, escondido atrás da pintura, ouvia as deficiências notadas, considerando o povo é um juiz mais atento do que ele. E dizem que quando algum sapateiro, que o repreendeu por fazer menos laçadas na parte interna de uma sandália, e no dia seguinte o mesmo sapateiro, orgulhoso da correção feita graças ao comentário de ontem, começou a zombar dele por causa da canela, ele olhou indignado e gritou que o sapateiro não deveria julgar acima das sandálias - e isso também se tornou um provérbio.” Em latim soa assim: Ne sutor supra crepidam [Sapateiro, (juiz) não superior à bota]. Esta história se tornou a base de um epigrama Púchkin em N.I. Nadezhdin, depois que ele falou negativamente sobre “Poltava” de Pushkin.

SAPATEIRO
(Parábola)

Certa vez, um sapateiro procurou a pintura
E apontou o erro nos sapatos;
O artista imediatamente pegou o pincel e se corrigiu.
Então, com os braços na cintura, o sapateiro continuou:
“Acho que o rosto está um pouco torto...
Esses seios não estão muito nus?”...
Aqui Apeles interrompeu com impaciência:
“Juiz, meu amigo, não exagere!”
(…)

Apeles, segundo o testemunho do mesmo Plínio, o Velho, “tinha o hábito, por mais ocupado que estivesse, de não perder um único dia sem praticar a sua arte, traçando pelo menos uma linha; isso serviu de base para o ditado” (“Ciências Naturais”, XXXV, xxxvi, 84). Em latim soa: Nulla dies sine linea [Nem um dia sem linha], que é mais conhecido por nós como: Nem um dia sem linha.
Apeles não assinou suas pinturas, mas, depois de terminá-las, traçou uma linha (daí a expressão - desenhar uma linha, ou seja, completar algo ). Esse recurso, aparentemente elementar, foi executado por ele com tanta habilidade que adquiriu um caráter independente valor artístico. Outra história é conhecida a esse respeito, contada pelo mesmo Plínio (“História Natural”, XXXV, xxxvi, 81 - 83): Certa vez, Apeles visitou seu amigo Protógeno, também artista, e, não o encontrando, deixou um sinal sobre si mesmo, desenhando sua, por assim dizer, linha muito fina de “assinatura” no quadro. Quando seu amigo voltou e viu esta frase, ele imediatamente percebeu que Apeles havia vindo até ele. Então ele desenhou uma linha ainda mais fina no topo desta linha. No dia seguinte, Apeles, visitando novamente o amigo e novamente não o encontrando, “e envergonhado de sua derrota, dividiu as linhas com uma terceira tinta, não deixando mais espaço para sutilezas”. Protogen admitiu-se derrotado. A literatura russa aqui também nos dá uma alusão a Apeles - a história "Traço Apelesiano" Boris Pasternak (um dos seus primeiros contos (1915 - 1917), em que a epígrafe é uma versão desta história em particular).

Nenhuma das pinturas de Apeles sobreviveu. Talvez tenha sido precisamente esta circunstância que permitiu torná-lo uma figura quase mítica; o seu nome tornou-se um nome familiar, simbolizando; perfeição suprema na arte da pintura. Muitos grandes mestres foram chamados de Apeles pelos seus contemporâneos, por exemplo, Durer. Argumentou-se que Rafael se retratou como Apeles no afresco do Vaticano "A Escola de Atenas".
Conhecemos as pinturas de Apeles apenas pelas descrições feitas por autores antigos. Plínio, o Velho, afirma, por exemplo, que Apeles pintou sua Afrodite a partir do famoso modelo de Campaspe (na tradução russa citamos - Manaspe), a concubina de Alexandre o Grande, que, em sinal de sua admiração pela pintura de Apeles , entregou a própria Campaspe ao artista.

Pintura frag. artista Langlois. 1819 "Alexandre cede a Campaspus Apellus."

Ovídio em “A Ciência do Amor” (III, 401 - 402) exclama:

Se Apeles não tivesse exposto sua Vênus às pessoas...
Ela ainda estaria escondida nas profundezas espumosas do mar
(Traduzido por M. Gasparov)

Alguma ideia de “Afrodite Anadyomene” (ou seja, “Afrodite nascida da espuma”; aliás, o nome da deusa vem de aphros, que em grego significa “espuma”; outra opção de tradução: “emergente, flutuante, flutuando do mar”) pode ser obtida se reconhecermos que um dos afrescos sobreviventes de Pompéia reproduz uma pintura de Apeles sobre este assunto.

A descrição da pintura de Apeles levou Botticelli a criar sua Vênus (“Nascimento de Vênus”, 1477-1478. Florença. Galeria Uffizi). Vale ressaltar que na descrição de “Afrodite Anadyomenes” de Apeles nada é dito sobre seu nascimento especificamente de uma concha do mar. A questão permanece em aberto: o que tem precedência em tal interpretação – um afresco pompeiano ou uma imagem ainda anterior? E foi Botticelli o autor desta invenção durante o Renascimento ou ele tinha informações sobre o antigo protótipo?

* * *

Chegamos ao nosso tópico principal- uma pintura de Botticelli, que, segundo o plano do artista, foi concebida como uma reconstrução de outra obra-prima de Apeles - a pintura alegórica “Calúnia”. Como o original de Apeles não sobreviveu, Botticelli utilizou a descrição da pintura de Apeles deixada pelo escritor satírico grego Luciano (Luciano, De calumnia, 5.)
Mas primeiro, sobre o que aconteceu em Apeles com o rei Ptolomeu. A história a seguir está associada a Ptolomeu I Sóter, um notável comandante e guarda-costas de Alexandre o Grande, que após a morte de Alexandre (323 aC) tornou-se governante do Egito e, a partir de 305, declarou-se rei. Apeles foi tido em alta estima por Ptolomeu até ser caluniado por seu rival, o artista Antífilo, que odiava Apeles. Ele afirmou que o artista estava envolvido na conspiração de Teódoto em Tiro contra Ptolomeu. Como resultado, o rei acreditou no caluniador e acusou Apeles de traição. Posteriormente, um dos amigos de Apeles conseguiu convencer o rei da injustiça de sua sentença, após o que o rei, arrependido, retribuiu seu favor ao artista e o recompensou generosamente. Essa história serviu de impulso para Apeles criar a pintura “Calúnia”.
Durante a Renascença, quando o interesse pelas fontes antigas cresceu de forma incomum, as obras de Luciano foram traduzidas para o Língua italiana. Em fragmentos e recontagens, eles encontraram seu caminho nas obras de humanistas italianos.
Por volta da década de 1460 em Pintura italiana um estilo começou a dominar, chamado klassischer Idealstil (estilo clássico [antigo] ideal), quando, como afirma o importante crítico de arte Erwin Panofsky, não apenas temas conhecidos foram repensados all'antica (no estilo antigo), mas também desconhecidos ou assuntos esquecidos na Idade Média (por exemplo, Fastas de Ovídio) foram ilustrados de novo (de uma nova maneira). As pinturas clássicas foram “reconstruídas” com base em descrições de originais antigos. Os artistas se entregavam a variações livres, na maioria das vezes eram alegorias pesadas, que eram usadas como modelos “ Arte antiga“Os empreendedores italianos tentaram interessar os viajantes do norte.
Quanto à história de Luciano sobre a pintura de Apeles, ela é contada em seu “Tratado de Pintura” (c. 1453) de Leon Battista Alberti. Sua tradução da história é assim:

“Esta foto mostrava um homem com orelhas enormes, e ao lado dele, em ambos os lados, estavam duas mulheres; um deles se chamava Ignorância, o outro - Suspeita. A calúnia se aproximou pelo lado. Ela era uma mulher muito bonita na aparência, mas seu rosto era muito astuto; V mão direita ela segurava uma tocha acesa e com a outra arrastava o jovem pelos cabelos, que erguia as mãos para o alto. Havia também um homem pálido, feio, coberto de sujeira, com uma expressão cruel no rosto, que poderia ser comparado a um homem emaciado e exausto pelas longas dificuldades no campo de batalha. Ele liderou a Calúnia e foi chamado de Inveja. Havia outras duas mulheres, companheiras de Calúnia, que arrumavam seus trajes e roupas, e das quais uma se chamava Astuta e a outra Mentira. Atrás deles veio o Arrependimento - uma mulher vestida com roupas funerárias, que ela arrancou de si mesma, e atrás dela seguia uma garota, tímida e casta, chamada Verdade. Se gostamos dessa história recontada, pense só em como ela foi charmosa e charmosa, escrita pela mão de Apeles!

A questão de saber se Apeles realmente pintou um quadro sobre este assunto, estritamente falando, permanece em aberto. É muito duvidoso um grande número de figuras alegóricas da história de Luciano: Verdade, Arrependimento, Engano, Calúnia, Mentira, Inveja, Ignorância, Suspeita e, por fim, o juiz em forma de rei com orelhas de burro, o que alude claramente a Midas. Consequentemente, esta figura pode ser considerada uma alegoria da Estupidez. Esse uso generalizado de figuras alegóricas personificando ideias abstratas (em oposição a imagens de deuses) era extremamente raro antes do início da era cristã. A presença de tais alegorias é muito mais típica dos temas cristãos, como, por exemplo, em “A Natividade Mística” do mesmo Botticelli, onde três anjos no telhado de uma cabana, vestidos de branco, vermelho e verde, personificam a Graça, Verdade e Justiça.

Descrições literárias como as de Luciano (e ele compilou todo um ciclo delas, e presumia-se que caracterizavam várias obras muito específicas) certamente não pretendiam servir de exemplo. crítica de arte. Tratava-se, antes de mais, de exercícios literários de retórica, obrigatórios no programa de formação do futuro escritor. Ciclos semelhantes das chamadas descrições foram criados por outros autores gregos, por exemplo, ambos Filóstratos - o Velho e o Jovem, que foram aproximadamente contemporâneos de Luciano. E nenhum de seus ensaios foi definitivamente correlacionado com qualquer trabalho famoso arte. No entanto, a descrição clássica ou ekphrasis, que foi revivida pelos humanistas no século XIV, tornou-se popular entre início do XVI séculos de artistas em busca de temas antigos.
Alberti aconselhou os pintores que desejassem pintar um quadro sobre um tema secular (na época era equivalente a um antigo) a recorrerem aos humanistas. E então lhes foi oferecido o enredo da pintura “Calúnia” de Apeles como exemplo. Deve-se notar que a apresentação da história por Alberti difere tanto do original grego quanto da tradução de Luciano feita por Guarino Guarini em 1408.

Em uma obra de pequeno porte, Botticelli, com a sutileza de um miniaturista, cria sua própria versão da lendária pintura do famoso artista antigo.

Antes de caracterizar cada uma das alegorias, prestemos atenção a um detalhe que escapou à atenção de todos que escreveram sobre esta pintura de Botticelli. A descrição de Lucian diz que Slander segura uma tocha acesa na mão direita e arrasta um jovem inocente com a mão esquerda. Em Botticelli, ao contrário, Slander tem uma tocha na mão esquerda e a figura de um jovem na direita. Se assumirmos que a pintura de Apeles tinha uma composição semelhante, então ela deveria ter sido desdobrada em um espelho, e toda a ação deveria ter sido direcionada na direção oposta. Do ponto de vista da lógica e da ação cênica - e a pintura de Botticelli nada mais é do que uma mise-en-scène teatral - a descrição de Luciano faz mais sentido, pois fala da Verdade como a última alegoria a aparecer, enquanto em Botticelli, se sua pintura foram lidas como um texto - da esquerda para a direita - A verdade vem primeiro. James Hall, autor do clássico Dicionário de Tramas e Símbolos na Arte, afirma este ponto de passagem: "As duas últimas figuras (Arrependimento e Verdade) parecem ter chegado tarde demais para salvar a Inocência."
Assim, querendo explicar cada figura da pintura de Botticelli, devemos mover o olhar da direita para a esquerda.
[Estupidez]. À direita, num estrado, o rei está sentado num trono (identificamo-lo pela coroa na cabeça). Ele tem orelhas de burro, o que a princípio faz pensar no famoso personagem mitológico - Rei Midas. Segundo o mito da competição musical entre Apolo e Pã, Midas deu preferência ao Pã; por essa sua decisão estúpida ele foi dotado de orelhas de burro. Na literatura há frequentemente uma afirmação de que o rei de Botticelli nesta imagem é Midas. Sim, de fato, esta é a aparência dele. Mas, desde a pintura de Botticelli, recriando, repetimos, a pintura de Apeles, concebida como ilustração alegórica de um episódio de Vida real Segundo o antigo artista, o rei estúpido deveria ser “lido”, em primeiro lugar, entre outras figuras alegóricas da imagem, ou seja, como uma alegoria da Estupidez, e em segundo lugar, como o rei egípcio Ptolomeu, que tolamente acreditou na calúnia. A propósito, nas histórias antigas sobre o mitológico Midas não existe tal história com calúnia. Suspeita e Ignorância. Eles cercaram o rei-juiz de ambos os lados e sussurraram suas calúnias diretamente nos ouvidos de seu burro. Elas se parecem com irmãs em seus traços faciais, comportamento e roupas.

Inveja. Foi por inveja que Apeles foi caluniado pelo seu rival, também artista, Antífilo. A inveja está aqui em um manto escuro e esfarrapado com capuz, como um manto monástico. Sua aparência corresponde à descrição de Lucian dada acima. Botticelli a faz parecer o Arrependimento. A consequência natural da inveja é a calúnia, portanto também aqui a Inveja leva a calúnia ao rei. Estendida em direção ao rei, a mão reta da Inveja parece uma espada, pronta para atingir o rei na cabeça.
Calúnia. Ela aparece, como na descrição de Lucian, na forma de uma jovem. Na frente de Botticelli estava tarefa difícil escreva uma mulher muito bonita (além disso, estamos falando sobre especificamente sobre um rosto bonito), mas ao mesmo tempo deve expressar toda a sua insidiosidade.
Engano e mentiras . Assim como no caso do rei, dois vícios acompanham a Estupidez - Suspeita e Ignorância, assim a Calúnia é acompanhada por seus dois companheiros - Astúcia e Mentiras. Eles embelezam a calúnia para torná-la mais atraente. Eles tecem fitas brancas e flores no cabelo de Slander, usando insidiosamente símbolos de pureza para tornar Slander mais convincente.
[Inocência] . Novamente, devido ao caráter autobiográfico da pintura de Apeles, que Botticelli “reconstrói”, no jovem que é arrastado pelos cabelos até o czar por calúnia, deveríamos ver o próprio Apeles (não como um retrato, mas como um personagem). O artista não é culpado perante o rei, portanto sua imagem neste contexto pode ser lida como uma alegoria da Inocência. Ela (ele) não tem nada a esconder, sua (sua) figura, como a figura da Verdade, está nua (apenas de tanga.
Arrependimento. Esta é uma figura feminina vestida com um manto monástico esfarrapado. Segundo a descrição, ela rasgou as roupas. Botticelli desviou-se desta descrição: na imagem esta figura fica imóvel e apenas olha para a Verdade. Seu olhar questionador e malvado não se enquadra bem na ideia de arrependimento, pelo contrário, esta figura está mais próxima da Inveja;

É verdade. Lucian compara Truth a uma garota tímida e casta. Botticelli retrata a Verdade na forma de uma figura feminina nua em uma pose que na iconografia está associada à antiga deusa Vênus - Vênus Pudica (Vênus Casta). A figura feminina nua era a personificação da pureza (cf. a expressão - “verdade pura (nua)”). Aqui a Verdade aponta o dedo para o céu como a única fonte de justiça suprema.

Um dos mais pinturas interessantes a grande "calúnia" florentina. Botticelli queria recriar uma pintura sobrevivente do antigo artista Apeles, conhecida pela descrição de Luciano.

O “Tratado de Pintura” de Leon Batista Alberti cita a história de Luciano: “Esta imagem representava um homem com orelhas enormes, e ao lado dele, em ambos os lados, estavam duas mulheres; um deles se chamava Ignorância, o outro - Suspeita.

A calúnia se aproximou pelo lado. Ela era uma mulher muito bonita na aparência, mas seu rosto era muito astuto; na mão direita segurava uma tocha acesa e com a outra arrastava pelos cabelos um jovem, que erguia as mãos ao céu. Havia também um homem pálido, feio, coberto de sujeira, com uma expressão cruel no rosto, que poderia ser comparado a um homem emaciado e exausto pelas longas dificuldades no campo de batalha.

G. S. Dunaev Sandro Botticelli

Segundo Giorgio Vasari, Botticelli pintou esta pintura para seu amigo Antonio Segni. Ele emprestou o enredo do artista grego Apeles, que viveu no século IX aC. A história do original é a seguinte: um pintor rival acusou Apeles de traição contra seu patrono, o rei egípcio Ptolomeu IV Filopator.

Apeles decidiu resistir à calúnia meios artísticos, tendo pintado o quadro “Calúnia”.

A Samara-bota de Apeles não sobreviveu, mas a sua descrição detalhada feita por Luciano (ts. 120 - ca. 190) era bem conhecida. Esta descrição foi utilizada por Botticelli ao criar seu “remake”.

Vamos comentar seu enredo. No trono está o rei Mi-das, que recebeu suas orelhas de burro como vingança de Apolo por conceder a vitória em uma competição musical a Pan, e não a ele. Suspeita e Ignorância próximas sussurram algo para o rei.

Calúnia de Apeles. Detalhe

Botticelli nasceu na família do curtidor Mariano di Giovanni Filipepi e sua esposa Smeralda no bairro de Santa Maria Novella, em Florença. O apelido de "Botticelli" (barril) veio de seu irmão mais velho, Giovanni, que era um homem gordo. Botticelli não começou a pintar de imediato: no início foi aprendiz do ourives Antonio durante dois anos.

Em 1462 começou a estudar pintura com Fra Filippo Lippi. Passei cinco anos em cuja oficina. Em conexão com a saída de Lippi para Spoleto, mudou-se para a oficina de Andrea Verrocchio.

As primeiras obras independentes de Botticelli - diversas imagens de Madonas - em sua forma de execução demonstram proximidade com as obras de Lippi e Masaccio, os mais famosos:

"Madonna e o Menino, dois anjos e o jovem João Batista"

(1465-1470), “Madona e o Menino com Dois Anjos” (1468-1470), “Madona no Roseiral” (c. 1470), “Madona da Eucaristia” (c. 1470).

Sandro Botticelli

1 Biografia

1.1 Origem e formação
1.4 Pintor de retratos talentoso
1.3 Tribunal de Lourenço de Médici
1.2 Primeiros trabalhos
1.6 "Primavera" ou "Primavera".
1.7 Morte
1.5 “Vignanka” de Botticelli

2 Artista esquecido

3 O retorno do artista à história da arte

4 Trabalhos selecionados Botticelli em museus ao redor do mundo

5 ilustrações selecionadas de Botticelli Divina Comédia Fontes de Dante (italiano)

Breve descrição da pintura O Nascimento de Vênus de Sandro Botticelli e trabalho nela

aparece diante do público espaço aberto, mar e céu, o artista retratou de manhã cedo, quando a escuridão da noite já havia se dissipado e o mundo viu a bela Vênus, que acabara de nascer da espuma do mar.

Sandro Botticelli; 1º de março de 1444 ou 1445 - 17 de maio de 1510) - Pintor italiano da escola florentina. Nome verdadeiro - Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi (Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi) Nascido em uma família de artesãos, seu pai processava couro. Botticelli é um apelido, um dos irmãos mais velhos do Sandro era muito fofo, e o apelido dele passou para o Sandro.

Esta deusa da Beleza está em uma concha do mar, e o deus do vento Zéfiro a empurra ao longo das ondas e a ajuda a nadar até a costa.

A aparição desta deusa na terra é triunfante - rosas voam até seus pés, e a deusa Ora presenteia a jovem deusa da Beleza com um manto precioso para cobri-la. E a capa é decorada com delicadas flores bordadas. A imagem da heroína é apresentada pelo pintor com traços idealmente belos, que impressionam pela impecabilidade e harmonia. O rosto da deusa parece coberto por uma sombra de tristeza e mansidão; longos fios de lindos cabelos dourados, soprados pelo vento, caem sobre seus ombros.

A pintura tem uma composição clara e precisa.

Botticelli nasceu na família do curtidor Mariano di Giovanni Filipepi e sua esposa Smeralda no bairro de Santa Maria Novella, em Florença.

O apelido de "Botticelli" (barril) veio de seu irmão mais velho, Giovanni, que era um homem gordo.

A partir de 1470 teve sua própria oficina perto da Igreja de Todos os Santos.

A pintura “Alegoria da Força” (Fortitude), pintada em 1470, marca a aquisição do estilo próprio de Botticelli. Em 1470-1472 ele escreveu um díptico sobre a história de Judith. "O Retorno de Judite" e "A Descoberta do Corpo de Holofernes".

Na festa em homenagem ao santo de 20 de janeiro de 1474, a pintura de São Sebastião foi colocada com grande solenidade em um dos pilares da igreja florentina de Santa Maria Maggiore.

o que explica seu formato alongado. Por volta de 1475, o pintor pintou o famoso quadro “A Adoração dos Magos” para o rico citadino Gaspare del Lama, no qual, além de representantes da família Médici, também se retratou.

Pintura de Sandro Botticelli

O início da trajetória criativa do artista da época Renascença italiana Sandro Botticelli.

Estudando na oficina de Fra Filippo Lippi, a influência da obra de Andrea Verrocchio e dos primeiros trabalhos. Temas das pinturas do artista: “Primavera”, “Nascimento de Vênus”, “Madona com Romã”. , a sutileza e expressividade de seu estilo. Sombras ocres energéticas para um tom de pele característica estilo do artista. Um início sensual em três pinturas representando Vênus, glorificando pureza e pureza. Análise caminho da vida e atividade criativa de Sandro Botticelli - famoso Artista italiano.

A composição e características da pintura “Vénus Adormecida”, que está associada tanto ao tema cristão do Baptismo como ao enredo de “A Coroação da Virgem”. Neoplatonismo florentino. A obra de Sandro Botticelli.

Descrição da pintura difamação de Sandro Botticelli

Sandro Botticelli (italiano Sandro Botticelli. 1 de março de 1445 - 17 de maio de 1510) é o apelido do artista florentino Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi (italiano.

Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi), que levou a arte do Quattrocento ao limiar da Alta Renascença.

Profundo pessoa religiosa, Botticelli trabalhou em todas as principais igrejas de Florença e na Capela Sistina do Vaticano. no entanto, permaneceu na história da arte principalmente como autor de pinturas poéticas de grande formato sobre temas inspirados na antiguidade clássica - “Primavera” e “Nascimento de Vênus”.

Por muito tempo Botticelli esteve à sombra dos gigantes da Renascença que trabalharam depois dele até sua chegada. meados do século XIX século redescoberto pelos pré-rafaelitas britânicos. que reverenciava a frágil linearidade e o frescor primaveril de suas telas maduras como o ponto mais alto no desenvolvimento da arte mundial.

Botticelli Sandro (1445-1510)

Nasceu em Florença no seio de uma família de curtidor. Inicialmente foi aprendiz de um certo Botticelli, ourives, de quem Alessandro Filipepi recebeu o sobrenome.

Mas o desejo pela pintura o forçou, em 1459-65, a estudar com o famoso artista florentino Fra Philippe Lippi. Trabalhos iniciais Botticelli ("Adoração dos Magos", "Judith e Holofernes" e especialmente as Madonas - "Madonna Corsini", "Madonna com uma Rosa", "Madonna com Dois Anjos") foram escritas sob a influência deste último. Mais tarde Botticelli juntou-se à direção A.

Verrocchio e A. Pollaiuolo, como evidencia sua alegoria “Força” (c. 1469), executada junto com outras sete pinturas para decorar as costas das cadeiras dos juízes do Tribunal do Tribunal Comercial, e a tela “S.

, Florença

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"Calúnia"(Italiano: Calunnia) - uma pintura do famoso artista renascentista italiano Sandro Botticelli, pintada por ele em 1495.

"Slander" foi escrita originalmente para Antonio Segna, amigo de Sandro. O enredo da imagem vem do tratado de Lucian chamado “On Slander”. O tratado descreve uma pintura do antigo artista grego Apeles. Seu enredo é simples e alegórico: duas figuras sussurram para o Rei Midas sentado no trono em suas orelhas de burro - imagens alegóricas Ignorância e Suspeita. Calúnia - uma linda garota com aparência de inocência - e sua instigadora Inveja arrastam o acusado até o rei. Perto da Calúnia, seus companheiros são a Astúcia e o Engano, apoiando-a e exaltando-a. Ao longe, o artista retrata as figuras do Arrependimento - uma velha vestida com roupas de luto e uma Verdade nua olhando para cima.

Fragmentos da imagem

Sandro Botticelli 023.jpg

Rei Juiz Midas como uma alegoria de estupidez cercada por suspeitas e ignorância semelhantes

Sandro Botticelli 022.jpg

Calúnia, puxando os cabelos da Inocência, acompanhada de seus companheiros - Astúcia e Mentiras

Sandro Botticelli 024.jpg

A Verdade, que personifica a pureza com sua nudez, e o Arrependimento, que com seu questionamento e olhar maligno é antes Inveja

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Literatura

Giorgio Vasari. Vite de" mais excelentes arquitetos, pittori, e escultores italianos, de Cimabue insino a" tempi nostri, 1568.
G. Cornini, Botticelli, em Arte e Dossiê, n. 49, setembro de 1990, pp. 3-47.
F. Strano, Botticelli, em Gedea Le Muse, VI, Novara, Ist. Geográfico De Agostini, 2004.
Sandro Botticelli e a cultura da cerchia medicea, Storia dell’arte italiana, II, diretta de Carlo Bertelli, Giuliano Briganti e Antonio Giuliano, Milano, Electa, 1990, pp. 292-299.
Ilária Taddei, Botticelli, Florença, Ministero per i Beni e le Attività culturali, 2001.
Bruno Santi, Botticelli, em Os protagonistas da arte italiana, Grupo Scala, Florença 2001. ISBN 8881170914

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Trecho caracterizando Calúnia (pintura de Botticelli)

-Você me trouxe de volta, Deus? – perguntou o guerreiro com entusiasmo.
-Quem é você, humano? E por que você me chama de Senhor? – o velho ficou surpreso.
“Quem mais poderia ter feito algo assim?” – o homem sussurrou. – E você vive quase como se estivesse no céu... Isso significa que você é Deus.
- Eu não sou Deus, sou descendente dele... A bênção é verdadeira... Venha, se você veio, ao nosso mosteiro. Com um coração puro e um pensamento puro, você veio jogar fora sua vida... Então eles te devolveram. Alegrar.
– Quem me trouxe de volta, Starce?
“Eles, queridos, são os “pés de Deus”... - apontando para as flores maravilhosas, o Ancião balançou a cabeça.
A partir daí começou a lenda das Flores do Senhor. Dizem que crescem sempre nas moradas de Deus para mostrar o caminho a quem chega...
Perdido em pensamentos, não percebi que estava olhando em volta... e literalmente acordei ali mesmo!.. Minhas incríveis flores milagrosas cresciam apenas em torno de uma fenda estreita e escura que se abria na rocha, como uma quase invisível, “ entrada” natural!!! Um instinto subitamente intensificado me levou exatamente até lá...
Ninguém estava visível, ninguém saiu. Me sentindo desconfortável, vindo sem ser convidado, ainda resolvi tentar e me aproximei da fenda. Mais uma vez, nada aconteceu... Não houve proteção especial ou quaisquer outras surpresas. Tudo permaneceu majestoso e calmo, como desde o início dos tempos... E contra quem havia quem se defender? Somente de pessoas tão talentosas quanto os próprios proprietários?.. De repente estremeci - mas poderia ter aparecido outro “Caraffa” semelhante, que teria sido dotado até certo ponto, e os teria “encontrado” com a mesma facilidade?!
Entrei cuidadosamente na caverna. Mas nada de incomum aconteceu aqui também, exceto que o ar se tornou de alguma forma muito suave e “alegre” - cheirava a primavera e ervas, como se eu estivesse em uma clareira exuberante na floresta, e não dentro de uma pedra nua. poucos metros, de repente percebi que estava ficando mais claro, embora parecesse que deveria ser o contrário. A luz fluía de algum lugar acima, aqui abaixo ela se dispersava em uma iluminação muito suave de “pôr do sol”. Uma melodia estranha e suave começou a soar silenciosa e discretamente em minha cabeça - eu nunca tinha ouvido nada parecido antes... A combinação incomum de sons tornou o mundo ao meu redor leve e alegre. E seguro...

Todos os pressentimentos de Sandro são resolvidos com uma explosão em sua “Calúnia”. Alguns pesquisadores da obra de Botticelli atribuem esta pintura à época feliz da "Primavera" e "Vênus", outros a uma época muito posterior - o ponto de virada para o artista e Florença nos anos noventa, quando seus mitos favoritos foram finalmente dissipados. Assim como “O Nascimento de Vênus”, “Calúnia” está intimamente ligada ao nome do lendário Apeles, que era conhecido naquela época como o deus padroeiro dos pintores toscanos. Somente durante esse período a visão de mundo de Botticelli mudou tragicamente.

A pintura foi doada pelo próprio artista a um de seus amigos, o polímata Antonio Segni. Tendo pretendido que o seu dom fosse um cientista humanista, como se resumisse alguma conclusão importante para si e para os outros, o autor procurou colocar na composição todo o seu conhecimento técnico, artístico e humanitário. Fabio Segni decorou-o com uma poética máxima latina:

“Para que os governantes da terra não ofendam com calúnias,

Este pequeno quadro serve sempre como lembrança.

Foi exatamente isso que Apeles trouxe ao governante do Egito -

O rei era digno do presente, o presente era digno do rei.”

A pintura é, portanto, a última grande obra de Sandro sobre temas seculares, cuja fonte é precisamente conhecida: a descrição da trama de Apeles feita por Luciano em seu tratado “Sobre a Calúnia”. Luciano conta como um certo Antífilo, um rival invejoso, caluniou Apeles diante do governante Ptolomeu, acusando-o de conspirar contra o rei. Apeles mal conseguiu provar sua inocência e então, para edificação de seus juízes, pintou um quadro no qual, em vários personagens vivos, retratou toda a história dos caluniados imerecidamente. Esta obra, nascida na antiguidade como um drama de vida, é citada pelo seu intérprete renascentista Leon Battista Alberti como uma bela ficção, “que nos é cara por si só”.

Botticelli reproduz em sua versão todos os listados tanto por Lucian quanto por Alberti, mas reserva-se a liberdade de tomar a decisão geral final e criar personagens únicos. Neles, ele devolve à história o senso de imediatismo vital perdido por trás da “doce ficção” de Alberti. Como resultado, deixando para trás as descrições de ambas as fontes primárias, o criador da nova “Calúnia” cria sua própria lenda trágica, quebrando de vez em quando o enredo prescrito por elas da maneira que ele mesmo achar melhor. A estrutura rítmica de “Slander”, purificada até a clareza rígida, faz sentir completamente a pessoa como um brinquedo da espontaneidade da natureza, do destino e, acima de tudo, de suas próprias paixões.

Botticelli encarna a questão da moralidade, vital para a revolução ética, para a república teocrática de Savonarola, em imagens polêmicas não-cristãs - “pagãs”. Quase no espírito do sermão do ditador espiritual de 11 de outubro de 1495: “A vida do homem na terra, irmãos, é uma luta constante... Ele deve superar tudo o que impede a liberdade do seu espírito. Ele luta com o mundo, com a carne, com as tentações demoníacas – ele não tem um momento de paz.”

O cenário arquitetônico representa todo um museu vivo com uma vida única, que nem Lucian nem Alberti imaginaram. Nos relevos dourados da base do trono decorado, onde a modernidade se confunde intrinsecamente com a antiguidade, há uma mistura de temas “pagãos” eclesiásticos babilônicos e seculares, nos quais se podem reconhecer réplicas ligeiramente transformadas de pinturas saídas da obra do artista. estúdio nos últimos anos: a lenda de Nastagio degli Onesti baseada no enredo da história de amor de Boccaccio, Centauromaquia e os temas das “Metamorfoses” de Ovídio - Apolo e Daphne, Baco e Ariadne - e a família dos Centauros segundo a descrição de Luciano. Nos nichos erguem-se esculturas de heróis desconhecidos de Apeles ou de Ptolomeu: Judite com cabeça de Holofernes, Davi, os santos apóstolos e profetas.

No estado congelado das esculturas que espreitam de seus nichos contra o pano de fundo de uma parede calmamente insensível, delineia-se uma certa participação excitada na performance trágica, que se desenrola de forma muito cênica ao longo da moldura. Como testemunhas vivas, as estátuas parecem estar discutindo o que está acontecendo e a cada minuto, ao que parece, estão prontas, caindo de seus pedestais, para se envolverem ativamente no conflito.

O juiz tirânico, reinando em seu trono, é adornado com as orelhas de burro do profano Midas - o juiz injusto na arte. Esse caráter negativo é bastante bonito, o que mais uma vez se reflete na ambiguidade humana descoberta por Sandro. Mas a voz questionadora do déspota perde-se nos gritos persistentes de duas criaturas venenosas, personificando a Ignorância e a Suspeita. Há algo quase sinuoso nas cores do arco-íris das roupas, na curva nervosamente longa e caprichosamente móvel da parte de trás de um dos insidiosos fones de ouvido do governante, no rosto estreito, em forma de lâmina, amarelado e exangue do outro.

O dedo indicador do governante, estendido em perplexidade, encontra no ar a mão firme do eremita possuído, a Inveja, alheia à condenação acusadora da dúvida. Este professor de calúnia acusa impiedosamente os inocentes. A interação compacta de todas as quatro figuras se desenvolve em um arabesco central muito mais complexo, intensamente comovente e trêmulo.

A própria Slander é a criatura mais jovem aqui e, em contraste com a Envy, em seu traje azul e branco, quase majestoso, ela parece uma verdadeira princesa de conto de fadas. Mas esta criança meio aérea, de aparência tão inocente, com uma tocha na mão esquerda, a direita agarrou tenazmente pelos cabelos o injustamente acusado e com arrogância descuidada o arrasta impiedosamente até a morte, cercada por assistentes não menos charmosos, que em por sua vez, significa Astúcia e Engano. Ambos exaltam a injustiça de sua amante de todas as maneiras possíveis: Deceit decora seus cabelos exuberantes com um colar de pérolas, Deception a cobre de flores.

Embora o artista, ele próprio flutuando eternamente como o fogo e fluindo como a água, não possa deixar de simpatizar com a Justiça oprimida, a imagem de uma mulher lobisomem com a natureza dupla de um encantador e de uma cobra, com a essência indescritível de um camaleão, atinge especial poder na imagem, mudando de cor de vez em quando.

O encanto infernal das belas sedutoras de “Calúnia” lembra a popularidade especial no final do século XV de tudo que era “satânico”, popularidade que deu origem às visões demoníacas de Bosch, Schongauer e Bruegel nos países alemães e na Itália - a atração especial e inerradicável de excêntricos como Leonardo da Vinci pela imagem de dragões cuspidores de fogo, máquinas semelhantes a aranhas, guerreiros bestiais e monstros malignos. E não foi em vão que Botticelli recebeu o crédito por numerosos desenhos representando várias danças da morte e sábados de bruxas. No entanto, para Sandro, a “demonologia”, o início infernal, estranhamente marcou nele uma dolorosa mudança do paganismo para o cristianismo, para o qual as deusas da antiguidade, queridas ao seu coração, são apenas os demônios demoníacos de Vanitas.

A Justiça Tímida é a única criatura na imagem que compartilha plenamente o sofrimento dos condenados injustamente e simpatiza com ele. No entanto, ela é precisamente a mais indefesa de todas. Tocada pelo desbotamento, a beleza desta mulher emaciada e ofendida é apenas uma tênue centelha do esplendor anterior, jovem e terreno das Vênus de Botticell. Em “Slander”, dois heróis, interligados pela sua nudez e opressão comuns, não são apenas deprimentemente passivos, em contraste com a omnipresente actividade dinâmica dos servos do mal, mas, além disso, também estão separados um do outro na composição. Entre eles há uma lacuna espacial tragicamente falando, que a figura sombria da velha Consciência não esconde de forma alguma, mas enfatiza ao ponto da pungência histérica com a nitidez da silhueta angular, uma mancha escura de roupas pesadas e feias, quase uma lacuna enorme na imagem.

Rara até para Botticelli, a variedade nas menores sutilezas da gama desenvolvida de estados de espírito das figuras e dos intervalos tensos entre elas, sem deixar, em essência, nem um único pedaço do quadro sem carga emocional, torna visível toda a polifonia de vozes animadas soando na imagem.

“Slander” marca não apenas a última e furiosamente incomum afirmação dos afetos, amores e raivas do passado de Sandro Botticelli, mas também o início de sua difícil renúncia a temas e imagens antes amados, como um passo inesperado da estética da “Primavera” com seu “jardim do amor” às alegrias mundanas negativas da ética de Savonarola.

Portanto, em seu discurso de despedida à antiguidade, Botticelli se distancia mais do que em qualquer outro lugar da objetividade, da harmonia sóbria e do equilíbrio dos antigos. O pathos dramático de “Calúnia” encerra o período da arte de Sandro associada à mitologia pagã e traça o caminho para uma direção completamente diferente, mais abertamente confessional e abertamente trágica de sua obra.

Atualizado em 30/09/2014 por Admin

Se você ouvir as declarações de Giorgio Vasari, então o culpado da pintura pintada por Sandro Botticelli foi seu amigo Antonio Segni, que o aconselhou a recriar as imagens perdidas.

O tema da obra foi a obra perdida do artista grego Appeles. Este trabalho não pode simplesmente ser pendurado na parede. Ela deveria ser admirada como uma joia.

No original, Apeles, que era artista da corte, é acusado de traição. Ele supostamente traiu o rei egípcio Ptolomeu IV. Após a lembrança das terríveis masmorras da prisão, para de alguma forma se recuperar da injustiça, o artista grego pintou o quadro Calúnia. E Botticelli criou um remake desta imagem.

Na foto há um trono com o Rei Midas sentado com orelhas de burro, que Apolo lhe deu por causa do anúncio injusto do vencedor. Na verdade, ele venceu a competição, o rei concedeu a vitória a outro. Então ele ficou ofendido.

Em ambos os lados do rei estão imagens de Suspeita e Ignorância. Eles sussurram algo nos ouvidos do rei, e ele os ouve atentamente, com os olhos fechados. E ao mesmo tempo ele pede ajuda Homem feio em uma túnica preta chamada Zloba, que estendeu a mão esquerda ao rei.

A raiva arrasta a calúnia até o rei. O Rei Midas escuta qualquer Calúnia, pois é guiado pelos pensamentos do Rei Malícia. Dois personagens agarraram o cabelo de Slander e estão tentando trançar seu cabelo. Esses dois personagens são Inveja e Mentira. Externamente bonitos, mas astutos, querem se identificar com a pureza com símbolos de beleza: fitas brancas e rosas.

Enquanto isso, a Calúnia agarrou o enganado, nu para ser compreendido, e implorando por misericórdia da vítima na forma de um jovem. Mas tudo é em vão. À esquerda, o artista retratou uma figura nua chamada Verdade, cujo reconhecimento é dado apenas ao Arrependimento, uma velha - uma enlutada.

Na verdade, esta imagem permaneceu um mistério por muitas gerações. Ninguém sabe a verdadeira razão pela qual o mestre pintou este quadro.

descrição-kartin.com

1494-1495. Galeria Uffizi, Florença.

Arte da Itália do século XV. Renascimento.
Pintura do artista Sandro Botticelli “Calúnia”. O tamanho da obra do mestre é 62 x 91 cm, madeira, têmpera. Durante o período em que os florentinos estiveram sob a influência hipnótica dos sermões de Savonarola, Botticelli dedicou-se apenas à pintura religiosa? Os fatos contam uma história diferente. Botticelli manteve fortes laços com seu patrono Lorenzo di Pierfrancesco, decorou suas vilas e escreveu “certas coisas” para ele. (Sua proximidade com seu patrono era amplamente conhecida; por exemplo, em 1496, Michelangelo entregou a Pierfrancesco uma carta através de Sandro). O artista manteve relacionamentos com vários outros adeptos da cultura Mediceana. Em meados da década de 1490, ele não havia rejeitado completamente as imagens antigas, embora sua mentalidade linguagem artística os mestres mudaram. As tendências religiosas e seculares continuaram a coexistir na pintura do artista Sandro Botticelli.

A pintura foi pintada para Antonio Segna, polímata e amigo de Botticelli. Seu enredo remonta ao tratado “Sobre a Calúnia” de Luciano, onde, em particular, é descrita uma pintura do antigo artista grego Apeles; o enredo também é apresentado nos “Três Livros de Pintura” de Alberti, que aconselha os artistas a encontrar temas de poetas e oradores, especialmente os antigos. Um dos primeiros mestres da Renascença a encarnar esta “história” foi Botticelli. Seu enredo é o seguinte. O Rei Midas, sentado no trono, é sussurrado em seus ouvidos de burro por duas figuras insidiosas - Ignorância e Suspeita. E Calúnia - uma linda garota com aparência de inocência - e sua instigadora Inveja são arrastadas até o rei pelos cabelos do acusado. Ao lado da Calúnia estão seus companheiros constantes - Astúcia e Enganação, que a apoiam e exaltam: uma a cobre de flores, a outra tece um colar de pérolas em seus cabelos. Ao longe, aparecem mais duas figuras - Arrependimento, uma velha “vestida com roupas funerárias”, e Verdade nua, voltando o olhar e o gesto com a mão para cima. Combinados com a confusão de figuras no lado direito da composição, esses personagens parecem especialmente solitários.

Botticelli permeia a imagem com uma pulsação nervosa, como se estivesse “falante”. A linha, que perdeu a antiga leveza, desenvolve-se com ímpeto e energia, marcando intervalos significativos na construção. As imagens de personagens mitológicos nas pinturas do artista trazem marcas de sua essência viciosa ou virtuosa. A alegoria dos inocentemente caluniados contém um significado eterno, mas também está associada à Florença do final do século XV, uma época de suspeita, denúncia e crueldade em nome da “verdade”. No entanto, Botticelli interpreta a própria trama antiga. A cena se passa tendo como pano de fundo uma arquitetura fantástica brilhando com mármore. É decorado com estátuas e baixos-relevos, que na sua “vivacidade” estão prontos para sair da parede. Ao retratar os personagens, ele usa motivos de sua pintura “pagã” inicial, mas as formas agora adquiriram secura e quase falta de vida. Pode-se sentir a aproximação de uma crise - uma rejeição da beleza do mundano, à qual o artista logo chegará.

Todos os personagens da imagem são expressivos. O artista transmitiu em cada um deles a essência de diferentes qualidades morais. O rei Midas, que vemos no trono, é um mau juiz: segundo mito antigo, preferiu a atuação deste último na competição musical entre Apolo e Pã, pela qual, sendo ignorante, Apolo o recompensou com orelhas de burro. Assim, em “Calúnia”, ouvindo a calúnia da Ignorância e da Suspeita, duas mulheres com rostos malignos e travessuras artificiais de cobra, ele estende um gesto fraco e incerto ao acusado. As figuras da Verdade e do Arrependimento são dirigidas à mente do espectador. Em sua interpretação, o artista utiliza a linguagem da eloqüência e da retórica. Eles têm como objetivo transmitir a ideia do valor da Verdade, que muitas vezes é negligenciado no mundo. O artista povoou a sala do trono do Rei Midas com muitas figuras e cenas (esculturas em nichos e baixos-relevos) da cultura pagã e cristã. Esta é uma espécie de museu de tramas em temas morais- do mito de Prometeu aos profetas e santos do Antigo Testamento. Botticelli entrega-se com entusiasmo à interpretação destes motivos, que formaram o repertório da arte renascentista. As figuras e cenas escultóricas ganham uma qualidade de vida, como se fossem capazes de levar uma existência separada em um espaço imaginário.

G.S. Dunayev
"Sandro Botticelli"

A difamação de Sandro Botticelli

62x91 cm
Galeria Uffizi, Florença

Esta descrição foi utilizada por Botticelli ao criar seu “remake”. Vamos comentar seu enredo. No trono está o rei Mi-das, que recebeu suas orelhas de burro como vingança de Apolo por conceder a vitória em uma competição musical a Pan, e não a ele. Suspeita e Ignorância próximas sussurram algo para o rei. Ele busca o apoio de Malícia (um homem em farrapos), que conduz a Calúnia pela mão, com a qual a Inveja e a Mentira trançam os cabelos. A calúnia arrasta pelos cabelos a vítima - caluniada, nua, implorando misericórdia. À esquerda está uma figura nua da Verdade.

Ela aponta a mão para o céu, mas só o Arrependimento é capaz de reconhecer a Verdade. A alegoria de Botticelli pode ser considerada apenas parcialmente bem-sucedida, uma vez que as figuras que personificam os vícios (com exceção da Malícia) não parecem menos belas que a Verdade. Os baixos-relevos em miniatura são dedicados a cenas mitológicas e bíblicas, aparentemente sem relação com o enredo principal do quadro. Os críticos de arte estão divididos na interpretação de seu significado - alguns acreditam que sua criação foi provocada por calúnias de que o próprio artista sofreu; outros veem aqui uma alegoria oculta do julgamento de Savonarola.

O arrependimento é retratado na forma de uma velha curvada, que lembra uma pessoa enlutada.

A Mentira e a Inveja trançam as tranças da Calúnia.

Homem feio com com o braço estendido comanda os pensamentos do rei. Esta figura simboliza Malícia.

O rei Midas, dotado de orelhas de burro por Apolo, está pronto para ouvir qualquer calúnia.

www.botticeli.ru

Sandro Botticelli. ‘Calúnia’ de Apeles

Sandro Botticelli. "A calúnia de Apeles." Por volta de 1494.
Madeira, têmpera, 62 x 91. Florença. Galeria Uffizi.

O antigo artista grego Apeles viveu na segunda metade do século IV aC. e.. Autores antigos possuem informações diferentes sobre o local de seu nascimento. O mais extenso léxico grego, o dicionário Suda, afirma que ele era de Colofão. Segundo Estrabão (“Geografia”, XIV, i, 25) e alguns outros autores, Apeles nasceu em Éfeso. Plínio, o Velho (História Natural, XXXV, xxxvi, 79) fala de “Apeles de Cós”, mas isso deve ser entendido não como uma indicação do local de nascimento do artista, mas como o local onde suas famosas pinturas foram localizadas e onde ele é acreditado ter morrido. Apeles foi o pintor da corte de Alexandre, o Grande, para quem criou diversas obras.

Várias histórias instrutivas e expressões populares em latim estão associadas ao nome de Apeles. Diz Plínio, o Velho (“História Natural”, XXXV, xxxvi, 84 - 85): “Ele exibia obras concluídas na varanda para os transeuntes verem, e ele próprio, escondido atrás da pintura, ouvia as deficiências notadas, considerando o povo é um juiz mais atento do que ele. E dizem que quando um sapateiro o repreendeu por fazer menos laçadas na parte interna de uma sandália, e no dia seguinte o mesmo sapateiro, orgulhoso da correção feita graças ao comentário de ontem, começou a zombar dele por causa da canela, ele olhou para fora indignado e gritou que o sapateiro não deveria julgar acima das sandálias - e isso também virou provérbio.” Em latim soa assim: Ne sutor supra crepidam [ Sapateiro, (juiz) não superior à bota]. Esta história se tornou a base de um epigrama Púchkin em N.I. Nadezhdin, depois que ele falou negativamente sobre “Poltava” de Pushkin.

Certa vez, um sapateiro procurou a pintura
E apontou o erro nos sapatos;
O artista imediatamente pegou o pincel e se corrigiu.
Então, com os braços na cintura, o sapateiro continuou:
“Acho que o rosto está um pouco torto.
Esses seios não estão muito nus?
Aqui Apeles interrompeu com impaciência:
“Juiz, meu amigo, não exagere!”

Apeles não assinou suas pinturas, mas, depois de terminá-las, traçou uma linha (daí a expressão - desenhar uma linha, ou seja, completar algo). Esse recurso, aparentemente elementar, foi executado por ele com tanta habilidade que adquiriu um significado artístico independente. Outra história é conhecida a esse respeito, contada pelo mesmo Plínio (“História Natural”, XXXV, xxxvi, 81 - 83): Certa vez, Apeles visitou seu amigo Protógeno, também artista, e, não o encontrando, deixou um sinal sobre si mesmo, desenhando sua, por assim dizer, linha muito fina de “assinatura” no quadro. Quando seu amigo voltou e viu esta frase, ele imediatamente percebeu que Apeles havia vindo até ele. Então ele desenhou uma linha ainda mais fina no topo desta linha. No dia seguinte, Apeles, visitando novamente o amigo e novamente não o encontrando, “e envergonhado de sua derrota, dividiu as linhas com uma terceira tinta, não deixando mais espaço para sutilezas”. Protogen admitiu-se derrotado. A literatura russa aqui também nos dá uma alusão a Apeles - a história "Traço Apelesiano" Boris Pasternak(um dos seus primeiros contos (1915 - 1917), em que a epígrafe é uma versão desta história em particular).

Conhecemos as pinturas de Apeles apenas pelas descrições feitas por autores antigos. Plínio, o Velho, por exemplo, afirma que Apeles pintou sua Afrodite a partir do famoso modelo de Campaspe (na tradução russa citamos - Manaspe), a concubina de Alexandre o Grande, que, em sinal de sua admiração pela pintura de Apeles , entregou a própria Campaspe ao artista.

Ovídio em “A Ciência do Amor” (III, 401 - 402) exclama:

Se Apeles não tivesse exposto sua Vênus às pessoas...
Ela ainda estaria escondida nas profundezas espumosas do mar

(Traduzido por M. Gasparov)

A descrição da pintura de Apeles levou Botticelli a criar sua Vênus (“Nascimento de Vênus”, 1477-1478. Florença. Galeria Uffizi). Vale ressaltar que na descrição de “Afrodite Anadyomenes” de Apeles nada é dito sobre seu nascimento especificamente de uma concha do mar. A questão permanece em aberto: que prioridade pertence a tal interpretação – um afresco pompeiano ou uma imagem ainda anterior? E foi Botticelli o autor desta invenção durante o Renascimento ou ele tinha informações sobre o antigo protótipo?

* * *
Chegamos ao nosso tema principal - a pintura de Botticelli, que, segundo o plano do artista, foi concebida como uma reconstrução de outra obra-prima de Apeles - a pintura alegórica “Calúnia”. Como o original de Apeles não sobreviveu, Botticelli utilizou a descrição da pintura de Apeles deixada pelo escritor satírico grego Luciano (Luciano, De calumnia, 5.)

Mas primeiro, sobre o que aconteceu em Apeles com o rei Ptolomeu. A história a seguir está associada a Ptolomeu I Sóter, um notável comandante e guarda-costas de Alexandre o Grande, que após a morte de Alexandre (323 aC) tornou-se governante do Egito e, a partir de 305, declarou-se rei. Apeles foi tido em alta estima por Ptolomeu até ser caluniado por seu rival, o artista Antífilo, que odiava Apeles. Ele afirmou que o artista estava envolvido na conspiração de Teódoto em Tiro contra Ptolomeu. Como resultado, o rei acreditou no caluniador e acusou Apeles de traição. Posteriormente, um dos amigos de Apeles conseguiu convencer o rei da injustiça de sua sentença, após o que o rei, arrependido, retribuiu seu favor ao artista e o recompensou generosamente. Essa história serviu de impulso para Apeles criar a pintura “Calúnia”.

Durante a Renascença, quando o interesse pelas fontes antigas cresceu de forma incomum, as obras de Luciano foram traduzidas para o italiano. Em fragmentos e recontagens, eles encontraram seu caminho nas obras de humanistas italianos.

Por volta da década de 1460, um estilo chamado klassischer Idealstil (estilo clássico [antigo] ideal) começou a dominar a pintura italiana, quando, como afirma o importante crítico de arte Erwin Panofsky, não apenas temas conhecidos foram repensados all'antica (no estilo antigo), mas assuntos desconhecidos ou esquecidos na Idade Média (por exemplo, Fastas de Ovídio) foram ilustrados de novo (de uma nova maneira). As pinturas clássicas foram “reconstruídas” com base em descrições de originais antigos. Os artistas entregavam-se a variações livres, na maioria das vezes alegorias pesadas, com as quais os empreendedores italianos tentavam interessar os viajantes do norte como exemplos de “arte antiga”.

Quanto à história de Luciano sobre a pintura de Apeles, ela é contada em seu “Tratado de Pintura” (c. 1453) de Leon Battista Alberti. Sua tradução da história é assim:

“Esta foto mostrava um homem com orelhas enormes, e ao lado dele, em ambos os lados, havia duas mulheres; um deles se chamava Ignorância, o outro - Suspeita. A calúnia se aproximou pelo lado. Ela era uma mulher muito bonita na aparência, mas seu rosto era muito astuto; na mão direita segurava uma tocha acesa e com a outra arrastava pelos cabelos um jovem, que erguia as mãos ao céu. Havia também um homem pálido, feio, coberto de sujeira, com uma expressão cruel no rosto, que poderia ser comparado a um homem emaciado e exausto pelas longas dificuldades no campo de batalha. Ele liderou a Calúnia e foi chamado de Inveja. Havia outras duas mulheres, companheiras de Calúnia, que arrumavam seus trajes e roupas, e das quais uma se chamava Astuta e a outra Mentira. Atrás deles vinha Arrependimento, uma mulher vestida com roupas funerárias, que ela havia rasgado de si mesma, e atrás dela seguia uma garota, tímida e casta, chamada Verdade. Se gostamos dessa história recontada, pense só em como ela foi charmosa e charmosa, escrita pela mão de Apeles!

A questão de saber se Apeles realmente pintou um quadro sobre este assunto, estritamente falando, permanece em aberto. O grande número de figuras alegóricas na história de Luciano levanta dúvidas: Verdade, Arrependimento, Engano, Calúnia, Mentira, Inveja, Ignorância, Suspeita e, por fim, um juiz em forma de rei com orelhas de burro, o que claramente alude a Midas. Consequentemente, esta figura pode ser considerada uma alegoria da Estupidez. Esse uso generalizado de figuras alegóricas personificando ideias abstratas (em oposição a imagens de deuses) era extremamente raro antes do início da era cristã. A presença de tais alegorias é muito mais típica dos temas cristãos, como, por exemplo, em “A Natividade Mística” do mesmo Botticelli, onde três anjos no telhado de uma cabana, vestidos de branco, vermelho e verde, personificam a Graça, Verdade e Justiça.

Descrições literárias como as de Lucian (e ele compilou todo um ciclo delas, e presumia-se que caracterizavam várias obras muito específicas) certamente não pretendiam ser exemplos de crítica artística. Tratava-se, antes de mais, de exercícios literários de retórica, obrigatórios no programa de formação do futuro escritor. Ciclos semelhantes das chamadas descrições foram criados por outros autores gregos, por exemplo, ambos Filóstratos - o Velho e o Jovem, que foram aproximadamente contemporâneos de Luciano. E nenhum de seus ensaios foi positivamente correlacionado com qualquer obra de arte conhecida. No entanto, a descrição clássica ou ekphrasis, que foi revivida pelos humanistas no século XIV, tornou-se popular a partir do início do século XVI entre os artistas que procuravam temas antigos.

Alberti aconselhou os pintores que desejassem pintar um quadro sobre um tema secular (na época era equivalente a um antigo) a recorrerem aos humanistas. E então lhes foi oferecido o enredo da pintura “Calúnia” de Apeles como exemplo. Deve-se notar que a apresentação da história por Alberti difere tanto do original grego quanto da tradução de Luciano feita por Guarino Guarini em 1408.

Em uma obra de pequeno porte, Botticelli, com a sutileza de um miniaturista, cria sua própria versão da lendária pintura do famoso artista antigo.

Assim, querendo explicar cada figura da pintura de Botticelli, devemos mover o olhar da direita para a esquerda.

[Estupidez]. À direita, num estrado, o rei está sentado num trono (identificamo-lo pela coroa na cabeça). Ele tem orelhas de burro, o que a princípio faz pensar no famoso personagem mitológico - Rei Midas. Segundo o mito da competição musical entre Apolo e Pã, Midas deu preferência ao Pã; por essa sua decisão estúpida ele foi dotado de orelhas de burro. Na literatura há frequentemente uma afirmação de que o rei de Botticelli retratado nesta imagem é Midas. Sim, de fato, esta é a aparência dele. Mas, desde a pintura de Botticelli, que recria, repetimos, a pintura de Apeles, concebida como ilustração alegórica de um episódio da vida real do antigo artista, o rei estúpido deveria ser “lido”, em primeiro lugar, entre outras figuras alegóricas em a pintura, isto é, como uma alegoria da Estupidez, em segundo lugar, como o rei egípcio Ptolomeu, que tolamente acreditou na calúnia. A propósito, nas histórias antigas sobre o mitológico Midas não existe tal história com calúnia. Suspeita e Ignorância. Eles cercaram o rei-juiz de ambos os lados e sussurraram suas calúnias diretamente nos ouvidos de seu burro. Elas se parecem com irmãs em seus traços faciais, comportamento e roupas.

Calúnia. Ela aparece, como na descrição de Lucian, na forma de uma jovem. Botticelli teve a difícil tarefa de pintar uma mulher muito bonita (e estamos falando especificamente de um rosto bonito), mas ao mesmo tempo deveria expressar toda a sua insidiosidade.

Engano e mentiras. Assim como no caso do rei, dois vícios acompanham a Estupidez - Suspeita e Ignorância, também a Calúnia é acompanhada por seus dois companheiros - Astúcia e Mentiras. Eles embelezam a calúnia para torná-la mais atraente. Eles tecem fitas brancas e flores no cabelo de Slander, usando insidiosamente símbolos de pureza para tornar Slander mais convincente.

[Inocência]. Novamente, devido ao caráter autobiográfico da pintura de Apeles, que Botticelli “reconstrói”, no jovem que é arrastado pelos cabelos até o czar por calúnia, deveríamos ver o próprio Apeles (não como um retrato, mas como um personagem). O artista não é culpado perante o rei, portanto sua imagem neste contexto pode ser lida como uma alegoria da Inocência. Ela (ele) não tem nada a esconder, sua (sua) figura, como a figura da Verdade, está nua (apenas de tanga).

Arrependimento. Esta é uma figura feminina vestida com um manto monástico esfarrapado. Segundo a descrição, ela rasgou as roupas. Botticelli desviou-se desta descrição: na imagem esta figura fica imóvel e apenas olha para a Verdade. Seu olhar questionador e malvado não se enquadra bem na ideia de arrependimento, pelo contrário, esta figura está mais próxima da Inveja;

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Sandro Botticelli Botticelli, Alexandre (1445-1510)

Sobre o pintor, sua vida e obra

O pintor renascentista Alessandro Botticelli nasceu em 1445. Seu pai se dedicava ao tratamento de peles de animais em Florença. A família tinha quatro filhos e Alessandro era o mais fraco de todos. O nome verdadeiro do menino era Filipepi, e o apelido "Botticelli" veio de seu irmão mais velho, que era provocado por sua espessura e falta de jeito. Traduzido do italiano, significava “barril”. O menino gostava de fazer desenhos, o pai percebeu isso, primeiro mandou o filho estudar com o joalheiro Antonio (em 1460), e dois anos depois, com o pintor Lippi, o jovem Filipepi aprendeu os meandros da ciência do desenho. E a partir de 1469, Alessandro, já em casa, começou a pintar.

Nesse mesmo ano seu pai faleceu e no ano seguinte Sandro abriu seu próprio ateliê de arte em casa. Logo começaram a chegar encomendas dos ricos florentinos. Mas principalmente foi necessário pintar templos de igrejas. Também houve encomendas privadas. A arte foi apreciada por Lorenzo de' Medici, o governante florentino. A pintura poética de Botticelli, a sutileza de estilo e a expressividade das pinturas agradaram a todos que encomendaram as pinturas. Tendo adquirido um estilo individual na forma de criar pinturas, Sandro transmitiu com primor a transparência das cores, as linhas trêmulas e uma certa musicalidade em suas obras. criações artísticas. Isto é especialmente visível no filme “Primavera”. Desde 1480, a oficina de Sandro Botticelli tornou-se amplamente conhecida em toda a Itália. A família Medici a visitava frequentemente. E assim o artista foi convidado a Roma em 1481 para pintar a Capela Sistina. Botticelli criou três afrescos lá e voltou para sua cidade natal, Florença. E Lorenzo Medici imediatamente encomendou-lhe pinturas murais para sua villa.

Desde 1489, notas místicas aparecem na obra do artista. Isso pode ser visto na pintura “A Anunciação”. Mostra um anjo com asas em um manto translúcido, voando até a Mãe de Deus, como se ela não o visse. Há raios de luz acima do anjo, e Maria curvou-se diante dele com os olhos fechados, como se estivesse cega.

Em 1492, Lorenzo de' Medici, que patrocinava o pintor, morreu, e o estilo de pintura das pinturas de Botticelli mudou. O pessimismo começa a aparecer em suas pinturas, as cores ficam mais saturadas e não há plasticidade. “Abandonado” mostra a desesperança de uma existência futura - uma mulher descalça chora amargamente no portão fechado de um muro de pedra, cobrindo o rosto com as palmas das mãos. Na Lamentação de Cristo, o cadáver do Salvador é segurado nos braços de uma mulher, recém-descida da cruz. Uma tristeza inconsolável emana desta tela artística. O humor de Sandro Botticelli era o mesmo. Embora tenha ficado rico trabalhando de forma criativa, ele não ficou feliz com isso. A partir de 1500, começou a pintar com muito menos frequência e, depois de alguns anos, abandonou completamente esta atividade. Em 1504, Michelangelo esculpiu uma estátua de seu David. Botticelli, junto com Leonardo da Vinci, foi convidado para a comissão de seleção do local para instalação do gigante do mármore.

Sandro morreu em 1510, tendo vivido 65 anos. Deixou muitos estudantes, e as pinturas do pintor tornaram-se muito valiosas com o passar do tempo, e só aumentam de valor ano após ano.

A partir de um autorretrato do artista de 1475, um jovem de cabelos ruivos nos olha. Botticelli ainda tem 30 anos. Nariz adunco e olhar, cabeça meio virada, uma simples capa de pano no ombro - é assim que ele aparece diante de nós, aquele pintor renascentista. A arte é eterna, a vida não.

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BOTTICELLI
Luar para as tintas de Botticelli
Ele deu sua força, e também o amanhecer:
Se for escarlate e verde, é mais fácil alcançar a meta
Vai levar, não é mais complicado.

Perspectiva - quão condicional é! –
Botticelli prova isso para nós.
Contornos, ramificações muito desiguais
As formas se multiplicam, ouvindo os céus.

Existe um cristal de propriedades místicas -
As bordas de cada alinhamento serão explicadas
Alguma gramática do dispositivo
Mira. A luz se alegra e voa.

Se a vida não tem asas - então o túmulo,
Se o pensamento for alado, então é sucesso.
Existe apenas uma força séria no mundo:
Dante entendeu isso melhor do que ninguém.

O chuveiro faz parte da massa universal,

Igualmente seu dia, sua noite,

Suas alegrias e estresses,

A chuva torce as cordas

Dos galhos e da folhagem.

Música seu desenho

Você não verá isso imediatamente.

A chuva vai acabar. Brilha

A luz lança azul,

Tendo soado, o contralto celestial.

E em casa, escondendo o mel das vidas

Incluído na Missa da Paz.

Não deve ser interpretado diretamente

Você teve sonhos.

Vale o dia a dia e a dor.

E então parece ótimo

Cada papel terreno.

Homem na cerca

Lembro-me da velha dacha.

Você provavelmente precisará abrir o código

Todos os segmentos da vida.

E sem ele aberto

Há luz da Missa Ecumênica.

Apresse-se para sentir isso

O auge dos traços espirituais.

Maravilhoso. Muito obrigado ao site.

Simplesmente não tenho palavras para expressar minha admiração por ver esta exposição de Botticelli!

Muito obrigado! Todos os dias espero por esses milagres e aqui está você. Pelo menos saia do seu emprego

Os anjos de Botticelli são algo desconhecido nem antes nem depois. Para retratar a expressão do “rosto” que está aqui, você precisa vivenciar, vivenciar você mesmo o mesmo estado. Uma condição extremamente rara para a Terra.

Infelizmente, o fragmento é espelhado.

Na minha opinião, a imagem é uma imagem espelhada. O Arcanjo deve abençoar Maria com a mão direita.

A partir das propostas do Maligno (não do barbudo), os olhos de Jesus (barrigudo, ruivo) enlouqueceram e cresceram agulhas em suas costas, como as de um porco-espinho. Hum.

E dizem que não existem milagres!
Obrigado a todos aqueles que nos deram um site maravilhoso.

Que cabelo luxuoso. Que penteado requintado.

Muito comovente e lindo. Parece-me que a parte central da imagem já é magnífica

Você é mortal enquanto acreditar
você mesmo apenas como carne, como um ser terreno.
Mas ao reconhecer o Espírito, você ganha
Vida eterna tornando-se um OUTRO ser.

o afresco está localizado na Igreja de Ognissanti / Todos os Santos / cujos paroquianos eram a família do mestre e ele próprio está enterrado aqui. O afresco é enérgico tanto na cor quanto na composição e se beneficia muito do trabalho próximo de Ghirlandaio sobre um assunto semelhante.

O original está localizado em Varsóvia, em Museu Nacional e parece diferente.

Muito recentemente já falei tudo sobre as ações da administração do site.
Tudo é tão típico do nosso país. Mas você não pode deixar os corcundas bonitos.

Sobre esta foto, Jesus Cristo disse isso melhor para mim. Mas esta Taça não lhe passou despercebida. Em certo sentido, uma situação típica.

Só estou pensando em umas férias rápidas longe de Moscou. A agressividade da administração do site me surpreende.

O site bloqueou a capacidade de edição. Isso é algo novo, não me lembro de tal indignação.
Adoração ao Menino Jesus é Adoração a Cristo, o Cristo. Os bloqueadores ao menos entendem isso? Mas, de modo geral, o site viola suas próprias regras de funcionamento.

Esta é uma peça diferente, semelhante ao Tondo de Varsóvia. Andrei

Sandro Botticelli (1445-1510) é um dos mais destacados artistas florentinos que trabalharam na época Início da Renascença. O apelido Botticelli, que traduzido para o russo significa barril, pertencia originalmente ao irmão mais velho do artista, Giovanni, que tinha um físico grande. O verdadeiro nome do pintor é Alessandro Filipepi.

Infância, adolescência e habilidades de aprendizagem

Botticelli nasceu na família de um curtidor. A primeira menção a ele foi descoberta 13 anos após o nascimento do menino, em 1458. O jovem Botticelli era uma criança extremamente doente, mas fez todos os esforços para aprender a ler. Na mesma época, Sandro começou a trabalhar meio período na oficina de seu outro irmão, Antonio.

Botticelli não estava destinado a se dedicar ao ofício e percebeu isso depois de algum tempo como aprendiz. No início dos anos 60 do século XV, Sandro começou a estudar com um dos maiores artistas da época, Fra Filippo Lippi. O estilo do mestre influenciou o jovem Botticelli, o que mais tarde se manifestou nas primeiras obras do artista.

Já em 1467, o jovem artista florentino abriu uma oficina, e entre as suas primeiras obras estavam “Madona com Crianças e Dois Anjos”, “Madona da Eucaristia” e algumas outras pinturas.

O início de um caminho criativo independente

Sandro concluiu seu primeiro projeto já em 1470, e sua obra foi destinada ao tribunal. As coisas correram muito bem para Botticelli, e ele logo se tornou um mestre requisitado, cuja fama gradualmente começou a chegar ao palácio real.

Botticelli criou sua primeira obra-prima em 1475. Era uma pintura chamada “A Adoração dos Magos”. O cliente era um banqueiro bastante rico e influente, com ligações aos então governantes da cidade, a quem apresentou o talentoso rapaz. Desde então o criador esteve próximo de família governante Medici e executou ordens especificamente para eles. As principais obras deste período podem ser chamadas de pinturas “Primavera” e “Nascimento de Vênus”.

Convite para Roma e pico de glória

Rumores sobre um jovem, mas muito artista talentoso rapidamente se espalhou até Roma, onde foi chamado pelo Papa Sisto IV no início dos anos 80. Botticelli foi encomendado em colaboração com outros personalidades famosas de sua época para realizar o projeto de uma estrutura recentemente erguida, conhecida até hoje - a Capela Sistina. Sandro participou da criação de vários afrescos famosos, incluindo “A Juventude de Moisés” e “A Tentação de Cristo”.

No ano seguinte Botticelli retornou à sua terra natal, Florença, causa provável qual foi a morte de seu pai. Embora ao mesmo tempo estivesse literalmente sobrecarregado de pedidos em sua cidade natal.

Em meados da década de 80 do século XV, Botticelli estava no auge da fama: eram tantas as encomendas que o artista simplesmente não tinha tempo de pintar sozinho todos os quadros. A maior parte do trabalho foi realizada pelos discípulos do notável criador, e o próprio Botticelli estava empenhado apenas em criar o mais elementos complexos composições. Entre as obras mais famosas do artista, que criou na década de 80, estão “A Anunciação”, “Vénus e Marte” e “Magnificat Madonna”.

Criatividade posterior

Graves provações na vida se abateram sobre o criador nos anos 90, quando perdeu seu querido irmão, de quem recebeu um apelido tão engraçado. Um pouco mais tarde, o artista começou a duvidar se todas as suas atividades eram justificadas.

Tudo isso coincidiu com acontecimentos extremamente importantes que levaram à derrubada da dinastia Médici. Savonarola chegou ao poder criticando ferozmente o desperdício e a corrupção dos governantes anteriores. Ele também estava insatisfeito com o papado. O poder deste governante foi garantido pelo apoio popular, Botticelli também passou para o seu lado, mas o governo de Savonarola não durou muito: poucos anos depois ele foi deposto do trono e queimado vivo na fogueira.

Os tristes acontecimentos feriram profundamente o pintor. Muitos naquela época diziam que Botticelli era um dos “convertidos”, como se pode julgar pelos últimos trabalhos do criador. Foi esta década que se tornou decisiva na vida do artista.

Últimos anos de vida e morte

Nos últimos 10-12 anos de sua vida, a fama do grande pintor começou a desaparecer gradualmente e Botticelli só conseguia se lembrar de sua antiga popularidade. Contemporâneos que o viram nos últimos anos de sua vida escreveram sobre ele que era completamente pobre, andava de muletas e ninguém se importava com ele. Últimos trabalhos As pinturas de Botticelli, que incluíam A Natividade Mística de 1500, não eram populares e ninguém o abordou sobre a encomenda de novas pinturas. Outro caso indicativo foi quando a então rainha, ao escolher artistas para cumprir sua encomenda, rejeitou de todas as formas possíveis as propostas de Botticelli.

Morreu uma vez pintor famoso em 1510, completamente sozinho e pobre. Ele foi enterrado em um cemitério perto de uma das igrejas florentinas. Junto com o próprio criador, sua fama morreu completamente, que só foi revivida nas décadas finais do século XIX.

Existem várias pinturas que as pessoas associam ao Renascimento. Estas pinturas são mundialmente famosas e tornaram-se verdadeiros símbolos da época. Para pintar a maior parte das pinturas, os artistas convidaram pessoas cujos nomes não chegaram até nós como modelos. Eles simplesmente pareciam os personagens que o artista precisava e isso é tudo. E, portanto, por mais interessados que estejamos em seu destino, agora praticamente nada se sabe sobre eles.

Sandro Botticelli e sua "Vênus", Simonetta Vespucci

Exemplo disso é a famosa pintura de Michelangelo que adorna o teto da Capela Sistina, “A Criação de Adão”, ou a criação do mesmo autor, a estátua de David. Agora não se sabe mais quem serviu de modelo para a criação dessas obras.

O mesmo acontece com a famosa pintura de Leonardo da Vinci “Mona Lisa”. Existem agora muitos rumores de que o tema da pintura era Lisa Gherardini, mas há mais dúvidas do que certezas sobre esta versão. E o próprio mistério da imagem está mais provavelmente relacionado com a personalidade de Leonard da Vinci e não com o seu modelo.

No entanto, no contexto de toda esta incerteza, a história da criação pintura famosa O "Nascimento de Vênus" de Sandro Botticelli e o modelo que serviu de protótipo para Vênus são bastante claros. Ela era Simonetta Vespucci, uma beleza universalmente reconhecida daquela época. Infelizmente, a pintura não foi pintada em vida, porque a essa altura a musa de Botticelli já estava morta.

Botticelli nasceu em Florença e foi patrocinado durante toda a vida família mais influente na cidade da época - Medici. Simonetta também morava na mesma cidade, seu nome de solteira era Cattaneo, era filha de um nobre genovês. Simonetta, aos dezesseis anos, casou-se com Marco Vespucci, que se apaixonou perdidamente por ela e foi bem recebido pelos pais.

Todos os homens da cidade enlouqueceram com a beleza e o caráter gentil de Simonetta, até os irmãos Giuliano e Lorenzo de' Medici caíram em seu encanto. Simonetta foi proposta como modelo para o artista Sandro Botticelli pela própria família Vespucci. Para Botticelli tornou-se encontro fatídico, ele se apaixonou por sua modelo à primeira vista, ela se tornou sua musa. Ao mesmo tempo, no torneio de cavaleiros realizado em 1475, Giuliano de' Medici se apresentou com uma bandeira na qual a mão de Botticelli também representava um retrato de Simonetta com uma inscrição em Francês, que significa “Incomparável”. Após sua vitória neste torneio, Simonetta foi declarada a “Rainha da Beleza”, e sua fama como a mais linda mulher em Florença espalhou-se por toda a Europa.

E como mencionado acima, infelizmente Simonetta morreu logo depois, em 1476, com apenas 23 anos, provavelmente de tuberculose. Botticelli nunca conseguiu esquecê-la e viveu sozinho durante toda a vida;

Sem dúvida, o artista respeitou o casamento de Simonetta e não demonstrou de forma alguma o seu amor, a não ser pintando muitos quadros com a imagem dela. Assim, na famosa tela “Vênus e Marte”, ele retratou heróis cuja semelhança com Simonetta e com o próprio autor no papel de Marte não é questionada por ninguém.

E em 1485, Botticelli pintou o famoso quadro “O Nascimento de Vênus”, que dedicou à memória de sua amada, nove anos após sua morte. O amor de Botticelli foi tão grande que ele pediu para ser sepultado no túmulo onde Simonetta Vespucci foi sepultada, “aos pés” de seu enterro.

Sabe-se que Botticelli escreveu mais de 150 obras, mas a maioria delas foi destruída por representantes da Igreja Católica, que acusaram as obras de paganismo e secularismo. O Nascimento de Vênus foi milagrosamente salvo, segundo rumores de ter sido protegido por Lorenzo de 'Medici em memória de seu irmão e do amor por Simonetta.

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