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Aqueles que amam a pintura russa devem ter visitado o Museu Russo em São Petersburgo (inaugurado em 1897). Claro que sim. Mas é no Museu Russo que as principais obras-primas de artistas como Repin, Bryullov, Aivazovsky são mantidas.

Se pensarmos em Bryullov, imediatamente pensamos em sua obra-prima “O Último Dia de Pompéia”. Se for sobre Repin, então a imagem “Barge Haulers no Volga” surge na minha cabeça. Se nos lembrarmos de Aivazovsky, vamos nos lembrar da "Nona Onda".

E esse não é o limite. “Night on the Dnieper” e “Merchant's Wife”. Essas pinturas icônicas de Kuindzhi e Kustodiev também estão no Museu Russo.

Qualquer guia mostrará essas obras. E é improvável que você mesmo os ignore. Então, eu só tenho que contar sobre essas obras-primas.

Adicionando alguns dos meus favoritos, embora não os mais "badalados" ("Akhmatova" Altman e "A Última Ceia" Ge).

1. Bryullov. O último dia de Pompéia. 1833 g.

Karl Bryullov. O último dia de Pompéia. Museu Estatal Russo de 1833

4 anos de preparação. Mais 1 ano de trabalho contínuo com tintas e pincéis. Vários desmaios na oficina. E aqui está o resultado - 30 metros quadrados, que retrata os últimos minutos da vida dos habitantes de Pompéia (no século 19, o nome da cidade era fêmea).

Não foi em vão para Bryullov. Acho que não havia tal artista no mundo cuja pintura, apenas uma pintura, teria feito tanto barulho.

As pessoas correram para a exposição em massa para ver a obra-prima. Bryullov foi literalmente carregado nos braços. Ele foi batizado revivido. E Nicholas I homenageou o artista com um público pessoal.

O que tanto surpreendeu os contemporâneos de Bryullov? E mesmo agora não vai deixar o espectador indiferente.

Vemos um momento muito trágico. Em alguns minutos, todas essas pessoas morrerão. Mas isso não nos desliga. Porque somos fascinados por ... Beleza.

A beleza das pessoas. A beleza da destruição. A beleza de um desastre.

Veja como tudo está harmonioso. O céu avermelhado vai bem com o vestido vermelho das meninas da direita e da esquerda. E como duas estátuas caem espetacularmente sob um raio. Não estou falando sobre a figura atlética de um homem montado em um cavalo.

Por um lado, a imagem é sobre um desastre real. Bryullov copiou as poses das pessoas que morreram em Pompéia. A rua também é real, ainda pode ser vista na cidade limpa das cinzas.

Mas a beleza dos personagens faz com que pareça mito antigo... Como se os belos deuses estivessem zangados com pessoas bonitas... E não estamos tão tristes.

2. Aivazovsky. A nona onda. 1850 g.

Ivan Aivazovsky. A nona onda. 221 x 332 cm.1850 Museu Russo, São Petersburgo. Wikipedia.org

Esta é a pintura mais famosa de Aivazovsky. Que até as pessoas que estão longe da arte sabem. Por que ela é tão famosa?

As pessoas estão sempre fascinadas pela luta de uma pessoa com os elementos. Desejável com final feliz.

Há mais do que suficiente disso na imagem. Não há nenhum lugar mais cheio de ação. Os seis sobreviventes se agarram desesperadamente ao mastro. Rolls perto uma grande onda, o nono eixo. Ela é seguida por outra. As pessoas enfrentam uma longa e terrível luta pela vida.

Mas já está amanhecendo. O sol rompendo as nuvens irregulares é a esperança da salvação.

O elemento de Aivazovsky, como o de Bryullov, é incrivelmente belo. Claro, os marinheiros não são doces. Mas não podemos deixar de admirar as ondas transparentes, brilho do sol e o céu lilás.

Portanto, esta pintura produz o mesmo efeito da obra-prima anterior. Beleza e drama em uma garrafa.

3. Ge. A última Ceia. 1863 g.

Nikolay Ge. A última Ceia... 283 x 382 cm Museu do estado russo de 1863. Tanais.info

As duas obras-primas anteriores de Bryullov e Aivazovsky foram recebidas com entusiasmo pelo público. Mas com a obra-prima de Ge, tudo ficou mais complicado. Dostoiévski, por exemplo, não gostava dela. Ela parecia muito mundana para ele.

Mas, acima de tudo, os clérigos estavam infelizes. Eles até conseguiram proibir a produção de reproduções. Ou seja, o público em geral não conseguia ver. Até 1916!

Por que existe uma reação tão ambígua à imagem?

Lembre-se de como a Última Ceia foi retratada antes de Ge. Pelo menos . A mesa junto à qual Cristo e os 12 apóstolos se sentam e comem. Judas está entre eles.

Com Nikolai Ge, tudo é diferente. Jesus se reclina. Que era apenas a Bíblia. É assim que os judeus se alimentavam há 2.000 anos, à maneira oriental.

Cristo já fez sua terrível predição de que um dos discípulos o trairia. Ele já sabe que será Judas. E pede que ele faça o que planejou, sem demora. Sai de Judas.

E bem na porta, parece que colidimos com ele. Ele coloca uma capa para escapar na escuridão. E em linha reta, e figurativamente... Seu rosto está quase invisível. E sua sombra sinistra cai sobre o resto.

Ao contrário de Bryullov e Aivazovsky, existem emoções mais complexas aqui. Jesus experimenta profunda mas humildemente a traição de seu discípulo.

Peter está indignado. Ele tem um temperamento forte, deu um pulo e olhou espantado para o rastro de Judas. John não consegue acreditar no que está acontecendo. Ele é como uma criança que enfrentou a injustiça pela primeira vez.

E há menos de doze apóstolos. Aparentemente, para Ge não era tão importante caber em todos. Para a igreja, isso era essencial. Daí as proibições da censura.

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4. Repin. Carregadores de barcaças no Volga. 1870-1873

Ivan Repin. Carregadores de barcaças no Volga. 131,5 x 281 cm. 1870-1873 Museu Estatal Russo. Wikipedia.org

Ilya Repin viu pela primeira vez os caminhões-barcaça do Niva. E fiquei tão impressionado com sua aparência miserável, especialmente em contraste com os residentes de verão que descansavam nas proximidades, que a decisão de pintar um quadro amadureceu imediatamente.

Repin não escreveu sobre os elegantes residentes de verão. Mas o contraste ainda está presente na imagem. Os trapos sujos dos transportadores de barcaças contrastam com a paisagem idílica.

Talvez para o século 19 não parecesse tão desafiador. Mas pelo homem moderno esse tipo de trabalhador parece deprimente.

Além disso, Repin retratou um navio a vapor ao fundo. Que poderia ser usado como um puxão, para que as pessoas não fossem torturadas.

Na realidade, os caminhões-barcaças não eram tão destituídos. Eles estavam bem alimentados, depois do jantar sempre podiam dormir. E durante a temporada eles ganhavam tanto que no inverno podiam se alimentar sem trabalhar.

Repin pegou uma tela que estava bem esticada horizontalmente para a foto. E ele escolheu bem o ângulo de visão. Os caminhões-barcaça vêm em nossa direção, mas ao mesmo tempo não bloqueiam uns aos outros. Podemos facilmente considerar cada um deles.

E a mais importante barcaça com cara de sábio. E um jovem que não consegue se ajustar à correia. E o penúltimo grego olhando para o caso perdido.

Repin conhecia pessoalmente todos na equipe. Tive longas conversas com eles sobre a vida. Portanto, eles acabaram sendo tão diferentes, cada um com seu próprio caráter.

5. Kuindzhi. Noite de luar no Dnieper. 1880 g.

Arkhip Kuindzhi. Noite de luar no Dnieper. 105 x 144 cm.1880 Museu estatal russo. Rusmuseum.ru

"Noite enluarada no Dnieper" - o mais trabalho famoso Kuindzhi. E não é surpreendente. O próprio artista a apresentou ao público de maneira muito eficaz.

Ele organizou uma exposição individual. V showroom estava escuro. Apenas uma lâmpada foi direcionada para a única imagem da exposição, "Moonlit Night on the Dnieper".

As pessoas olhavam para a pintura com fascinação. A luz esverdeada brilhante da lua e do caminho lunar era hipnotizante. Os contornos de uma aldeia ucraniana são visíveis. Apenas parte das paredes, iluminadas pela lua, sobressaem da escuridão. A silhueta da usina no contexto do rio iluminado.

O efeito de realismo e de fantástico ao mesmo tempo. Como o artista conseguiu esses “efeitos especiais”?

Além da maestria, Mendeleev também colocou a mão aqui. Ele ajudou Kuindzhi a criar uma composição de tinta, especialmente uma que brilha no crepúsculo.

Parece que o artista tem uma qualidade incrível. Ser capaz de promover o seu próprio trabalho. Mas ele fez isso inesperadamente. Quase imediatamente após essa exposição, Kuindzhi passou 20 anos recluso. Ele continuou a pintar, mas não mostrou suas pinturas a ninguém.

A pintura foi comprada pelo Grão-Duque Konstantin Konstantinovich (neto de Nicolau I) antes mesmo da exposição. Ele ficou tão apegado à pintura que a levou em uma viagem ao redor do mundo. O ar úmido e salgado contribuiu para o escurecimento da tela. Infelizmente, esse efeito hipnótico não pode ser devolvido.

6. Altman. Retrato de Akhmatova. 1914 g.

Nathan Altman. Retrato de Anna Akhmatova. 123 x 103 cm. 1914 Museu estatal russo. Rusmuseum.ru

“Akhmatova” de Altman é muito brilhante e memorável. Falando sobre a poetisa, muitos se lembrarão deste retrato particular dela. Surpreendentemente, ela mesma não gostava dele. O retrato parecia estranho e "amargo" para ela, a julgar por seus poemas.

Na verdade, até a irmã do poeta admitia que naqueles anos pré-revolucionários Akhmatova era assim. Um verdadeiro representante da Art Nouveau.

Jovem, magro, alto. Sua figura angular é perfeitamente reproduzida por "arbustos" no estilo do cubismo. Um vestido azul brilhante é combinado com sucesso com um joelho afiado e um ombro saliente.

Ele conseguiu transmitir a aparência de uma mulher elegante e extraordinária. No entanto, ele mesmo era assim.

Altman não entendia artistas que podem trabalhar em uma oficina suja e não perceber as migalhas em sua barba. Ele mesmo estava sempre vestido com agulha. E ele até costurou sua cueca sob encomenda, de acordo com seus próprios desenhos.

Também era difícil para ele recusar a originalidade. Depois de pegar baratas em seu apartamento, ele as pintou em cores diferentes. Ele pintou um deles de ouro, chamou-o de "laureado" e o deixou ir com as palavras "Aqui sua barata vai se surpreender!"

7. Kustodiev. A esposa do comerciante no chá. 1918 g.

Boris Kustodiev. A esposa do comerciante no chá. 120 x 120 cm.1918 Museu estatal russo. Artchive.ru

"The Merchant's Wife", de Kustodiev, é um filme alegre. Nele vemos o mundo de boa qualidade e bem alimentado dos mercadores. A heroína com a pele mais clara que o céu. Um gato com focinho semelhante ao rosto da dona. Um samovar polido barrigudo. Melancia em uma travessa rica.

O que poderíamos pensar do artista que pintou tal quadro? Que o artista sabe muito sobre uma vida bem alimentada. Que ele adora mulheres curvas. E que ele é claramente um amante da vida.

E foi assim que realmente aconteceu.

Se você prestar atenção, o quadro foi pintado durante os anos revolucionários. O artista e sua família viviam muito mal. Pensamentos apenas sobre o pão. Vida difícil.

Qual é a utilidade de tal abundância quando há caos e fome por toda parte? Então, Kustodiev tentou capturar os irrevogavelmente perdidos vida linda.

Que tal o ideal beleza feminina? Sim, o artista disse que mulheres magras ele não está inspirado para ser criativo. No entanto, na vida ele preferia exatamente isso. Sua esposa também era esguia.

Kustodiev estava alegre. O que te espanta, já que na época em que o quadro foi pintado, ele estava acorrentado a cadeira de rodas... Ele foi diagnosticado com tuberculose óssea em 1911.

A atenção do guardião aos detalhes é muito incomum em uma época em que a vanguarda floresceu. Vemos todas as secadoras na mesa. Walkers em Gostiny Dvor... E um sujeito tentando manter o cavalo correndo. Tudo isso parece um conto de fadas, uma fábula. Que uma vez foi, mas acabou.

Resumir:

Se você quiser ver as principais obras-primas de Repin, Kuindzhi, Bryullov ou Aivazovsky, vá ao Museu Russo.

“The Last Day of Pompeii” de Bryullov é sobre a beleza da catástrofe.

"The Ninth Wave" de Aivazovsky é sobre a escala dos elementos.

A “Última Ceia” de Ge é sobre a realização de uma traição iminente.

“Barge Haulers” de Repin é sobre um funcionário do século XIX.

“Moonlit Night on the Dnieper” é sobre a alma da luz.

O “Retrato de Akhmatova” de Altman é sobre o ideal de uma mulher moderna.

"Esposa do comerciante" de Kustodiev é sobre uma era que não pode ser devolvida.

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Edifício discreto e elegante Palácio Mikhailovsky, criado inesgotável na imaginação de Rossi, o museu não se tornou imediato. O palácio foi originalmente planejado para se tornar uma residência filho mais novo Paulo I, para o qual quatrocentos mil rublos eram "separados" do tesouro todos os anos. Quando o czarevich atingiu a maioridade, uma quantia decente havia se acumulado, o que possibilitou a construção de uma luxuosa residência com um extenso jardim.

Todos são mortais, até mesmo as crianças reais. O palácio passou para as mãos dos herdeiros, depois dos filhos dos herdeiros, depois dos netos ... Os netos já eram cidadãos da Alemanha, o que não agradava ao imperador Alexandre III, que se distinguia por fortes sentimentos patrióticos. O palácio foi comprado pelo tesouro.

O mesmo alexandre III primeiro expressou a ideia de criar um museu, que irá coletar os melhores exemplos da arte russa por mil anos. A ideia de um museu russo está na sociedade desde meados do século 19, então as aspirações do monarca e do povo coincidiram, e em Em 1898, o Museu Russo foi aberto ao público.

O moderno Museu Estatal Russo oferece aos visitantes uma coleção de pinturas e esculturas russas do século XII ao século XX. Toda a exposição está localizada em dois andares do Palácio Mikhailovsky e Corpo de Benois, construído especificamente para as necessidades do novo museu. Além do edifício principal, o Museu Russo convida os visitantes aos palácios de Stroganov, Mármore e Engenharia. Mas o museu guarda seus principais tesouros na antiga residência do czarevich Mikhail Pavlovich.

No primeiro andar do museu existem:

Exposições russas Arte folclórica(Séculos 17-21), grande coleção pintura e escultura do século XIX. Apresentou talha, cerâmica, tecelagem, pintura de arte... O brilho e a variedade da coleção fazem você girar a cabeça;
- uma vasta e rica coleção de pinturas e esculturas de mestres russos do século XIX.

O segundo andar do museu convida você a ver:

Continuação da exposição de obras-primas do século XIX;
- uma coleção de arte russa do século XVIII.

O edifício Benois de dois andares acolhe principalmente exposições temporárias do museu, bem como salas onde estão localizadas obras de contemporâneos e escultores.

O museu possui uma magnífica coleção de ícones antigos, entre os quais obras de Rublev, Ushakov e Dionisy.

É difícil citar o nome de pelo menos um artista russo famoso, cujo trabalho não teria sido apresentado no Museu Russo. 15 mil peças da coleção de pinturas do museu incluem tudo de melhor que foi criado por mestres russos durante 800 anos.

O museu está localizado não muito longe da Nevsky Prospekt, o que o torna um objeto indispensável para a visita de muitos turistas. Os próprios petersburguenses, aliás, gostam mais de visitar o museu russo, preferindo-o ao magnífico e enorme.

O museu possui uma sala de conferências, cujo programa é variado e interessante.

As exposições temporárias do museu há muito tempo ganharam a fama dos mais visitados da cidade no Neva. Na maioria das vezes, esta é uma coleção de obras-primas dos depósitos do museu, unidas tema comum ou hora de criação. Os hóspedes frequentes do museu são melhores trabalhos armazenados em outros, bem como em coleções particulares.

Uma visita ao Museu Russo não é barata: 350 rublos (para residentes da Rússia e Bielo-Rússia - 250 rublos).

Você pode comprar um ingresso que dá o direito de visitar todas as filiais do Museu Russo, que é válido por três dias. Essa passagem custará 600 e 400 rublos, respectivamente. Um ingresso complexo permite que você economize algum dinheiro.

O Museu Russo está aberto das 10h às 18h. Na quinta-feira, a exposição pode ser visitada das 13h00 às 21h00. Só há um dia de folga - terça-feira.

Uma referência para quem não conhece São Petersburgo é a estação de metrô Nevsky Prospekt.

O Museu Russo é a maior coleção de pinturas e esculturas de autores russos. A exposição do museu está localizada em cinco edifícios. O mais importante é o Palácio Mikhailovsky.

No total, o museu tem cerca de 4 milhões de peças, atualmente, o acervo é constantemente reabastecido.

Dentro do museu, estão sendo realizados muitos trabalhos de pesquisa, palestras e seminários para crianças e adultos.

Você pode comprar uma assinatura.

A propósito, é este museu que os habitantes de São Petersburgo amam mais do que qualquer outra pessoa. Ainda mais do que.

História do Museu Russo

O Museu Estatal Russo tornou-se o primeiro local do país onde são guardadas as obras dos maiores pintores e escultores russos.

O edifício principal do museu, o Palácio Mikhailovsky, foi construído para o filho mais novo de Paulo I, Mikhail. Carl Rossi tornou-se o arquiteto. Após a morte do grão-duque, seus herdeiros venderam o palácio ao tesouro da cidade.

Em 1895, o Museu Russo com o nome do Imperador Alexandre III foi instalado no edifício do palácio de acordo com o decreto de Nicolau II. Assim, a gloriosa história do Museu Russo começou.

A coleção permanente é baseada em pinturas que pertenceram ao Hermitage, à Academia de Artes e ao Palácio de Inverno.

Algumas das pinturas foram adquiridas de colecionadores particulares, outras foram doadas por patrocinadores de arte.

O imperador Nicolau II doou seus próprios fundos para comprar novas exposições. Nos primeiros dez anos, a coleção quase dobrou.

Durante os anos da revolução e da guerra, nenhuma das peças expostas foi danificada. Alguns foram evacuados para os Urais, alguns foram escondidos no porão do edifício.

V Atualmente no prédio do museu estão trabalho de pesquisa O Departamento para a Restauração de Tesouros de Museus é considerado o melhor da Rússia. São trazidos objetos de arte de todo o país para restaurar sua aparência anterior.

O que você precisa saber sobre o museu

Todas as pinturas do Museu Estatal Russo foram criadas por artistas russos(ou por artistas que viveram na Rússia) - de antigos ícones pré-mongóis (é claro, por Andrei Rublev, Dionisy e Semyon Ushakov) à pintura do segundo metade do séc. XIX século e arte contemporânea.

Nos maiores salões do Palácio Mikhailovsky, telas de membros da Academia Imperial de Artes são apresentadas, em salões menores você pode ver pinturas dos Itinerantes ( pintura famosa Repin, Surikov, Savrasov, Shishkin, Vasnetsov, Levitan e assim por diante).

A renomada arte de vanguarda russa é mantida na Ala Benois (anexo ao Palácio Mikhailovsky). Infelizmente, é aqui que termina a composição do museu russo.

A equipe do museu costuma organizar palestras, reuniões com historiadores e pessoas interessantes, colabora com as melhores coleções de arte e supervisiona o trabalho de cerca de 700 museus em toda a Rússia.

Informações de contato

Horário de funcionamento do Museu Russo: das 10 às 17, na terça-feira está fechado.

Se você tem medo de filas, é melhor não ir na segunda-feira. Neste dia, o Hermitage está fechado e todos os turistas vêm aqui.

Melhor adiar sua visita para quinta e sexta-feira.

Segundo a equipe do museu, atualmente o fluxo de turistas é menor.

Outro pequeno truque: do lado do corpo de Benois há mais um bilheterias, mas por alguma razão poucas pessoas sabem sobre eles. Há muito menos fila. Mas a exposição do museu terá que ser vista na direção oposta. ordem cronológica(isto é, de ícones de vanguarda a antigos).

O preço do ingresso para cidadãos adultos da Federação Russa é de 250 rublos, para estudantes - 150 rublos.

Por 600 rublos. (concessionária - 300) você pode comprar uma passagem por três dias. Seu preço inclui visitas aos cinco edifícios.

Infelizmente, o site oficial do Museu Russo rusmuseum.ru não é muito informativo e também não há reserva de ingressos. Todos os eventos da vida do museu podem ser encontrados no grupo de mesmo nome " Em contato com ».

Pinturas no Museu Russo

Kazimir Malevich, autorretrato

Reverendo Sergius Radonezhsky, Mikhail Nesterov

Razão, Viggo Wallenskold

Jantar, Ralph Goings

Mãe de Deus, Ternura dos Maus Corações, Petrov-Vodkin

Correndo, Alexander Deineka

O ícone mais antigo da coleção do museu. Supostamente foi escrito no século XII. Seu autor é desconhecido, acredita-se que tenha sido escrito em Novgorod. Recebeu esse nome devido ao fato de que cada fio de cabelo da imagem estava embebido em folha de ouro. Ele apareceu no Museu Russo em 1934, antes de se afastar de Museu Rumyantsev- para o Histórico, daí - para a Galeria Tretyakov.

A pintura mais famosa do artista Karl Bryullov, que se acredita ter começado nosso escola nacional quadro. As escavações em Pompéia começaram exatamente na época em que Bryullov estava estudando na Itália. Então, ele desenhou muitos dos esboços da natureza.

Como Baratynsky escreveu mais tarde, "o último dia de Pompéia foi o primeiro dia da escova russa". A enorme tela épica pintada por Bryullov em três anos tornou-se um símbolo da escola de pintura russa emergente. No país, o artista ficava literalmente com as mãos no corpo. E a pintura em si foi pendurada por Nicolau I na Academia de Artes, para que os pintores novatos soubessem em que se orientar.

Ivan Aivazovsky pintou centenas de pinturas com o mar, esta é a mais famosa. Majestoso elemento do mar, tempestade, mar e no contexto de tudo isso - vítimas indefesas de um naufrágio tentando escapar no mastro do navio.

O talento de Aivazovsky ainda é famoso em todo o mundo, suas pinturas, não, não, sim, e vão aparecer em leilões internacionais, e o famoso pintor naval inglês Turner, admirado por nosso artista, escreveu um poema laudatório em sua homenagem.

Uma das pinturas mais famosas do artista Vasnetsov (junto com "Alyonushka" ou "Ivan Tsarevich"). O artista pintou seu cavaleiro várias vezes. No início, a inscrição inteira estava visível - ele a removeu. A princípio, o cavaleiro ficou de frente para o observador - ele o virou, ficou mais monumental. Além disso, havia uma estrada na foto - Vasnetsov também a removeu, para maior desespero.

E até hoje "Vityaz" é considerado um dos melhores Pinturas russas sobre enredos fabulosos e a imagem canônica de nossa pintura da segunda metade do século XIX, junto com pinturas de Repin e Surikov.

“Foi assim que os cossacos lhe responderam, seu miserável. Você nem mesmo alimenta os porcos dos cristãos. Com isso acabamos, já que não sabemos a data e não temos um calendário, um mês no céu, um ano em um livro, e o dia é o mesmo conosco e com você, por isso nos beije * ***! " - esse foi, segundo a lenda, o fim da carta dos cossacos Zaporozhye ao sultão turco. O seu texto chegou até nós em forma de listas (cópias escritas) e acredita-se que tenha sido escrito no século XVII, quando o sultão turco exigiu mais uma vez que os cossacos deixassem de atacar o Sublime Porto e se rendessem.

A cópia foi encontrada pelo historiador ecaterinoslav Novitsky, que a entregou a seu colega Yavornitsky, que, por sua vez, a leu para seus amigos, entre os quais estava o artista Ilya Repin. Ele estava tão interessado no enredo que logo decidiu pintar um quadro baseado nele. O próprio Yavornitsky posou para Repin como modelo para um balconista. Ataman Sirko, o artista pintado a partir do Governador-Geral Dragomirov de Kiev. E o cossaco gordo e sorridente com um cafetã vermelho e chapéu branco é o escritor Gilyarovsky.

A pintura foi posteriormente reconhecida como historicamente não confiável (e houve muitas reclamações sobre a própria carta), mas no final seu sucesso em exposições (inclusive no exterior) foi tão grande que a pintura foi eventualmente comprada pelo próprio imperador Alexandre III para colocação no Museu Russo.

A principal pintura histórica monumental do artista Krasnoyarsk Vasily Surikov, por causa da qual ele viajou para a Suíça. O próprio artista descartou o comandante do professor do ginásio local ou de um oficial cossaco aposentado.

A ordem do governo acabou por acaso: o artista pintou um quadro para o 100º aniversário da campanha alpina de Suvorov em 1899, no final, o imperador Nicolau II gostou tanto que o comprou para o Museu Russo.

Uma das pinturas-chave da obra do artista Vereshchagin, uma das poucas exibidas no Museu Russo (a maior parte da coleção é mantida em Galeria Tretyakov) O artista - como sempre, com um rigor fotográfico impensável para aquela época - criou uma história real digna dos melhores fotojornalistas da atualidade. As luxuosas portas da mesquita da Ásia Central, e na frente delas estão os pobres, para quem este mundo rico está fechado para sempre.

A propósito, esta é uma das poucas pinturas não militares de Vereshchagin: ele se tornou famoso principalmente como um artista de batalha, revelando os horrores da guerra com a compostura de um repórter: Ásia Central, e nos Balcãs. Vereshchagin também morreu na guerra: no encouraçado "Petropavlovsk" em Port Arthur.

Estilo incrível trama antiga artista da era Art Nouveau. Valentin Serov, inspirado nas escavações na ilha de Creta (onde, segundo a lenda, Zeus conquistou a Europa na forma de um touro), pintou não apenas um quadro, mas um grande painel decorativo.

Uma das seis cópias da pintura é mantida no Museu Russo. Uma versão grande está na Galeria Estatal Tretyakov.

Uma das pinturas mais poderosas dedicadas a Guerra civil... Para Petrov-Vodkin, a morte é destituída de qualquer pathos, qualquer pathos. O comissário moribundo e o soldado que o segura não têm no rosto uma expressão de dor e raiva: apenas cansaço, indiferença, falta de vontade de seguir em frente, enquanto o resto dos soldados corre ao som de tambores para a frente para a batalha.

Alexander Deineka pintou este quadro em 1942, literalmente logo após a queda de Sebastopol. Ele viu fotos da cidade destruída, e Deineka decidiu criar uma grande tela heróica sobre aqueles que defendiam Sebastopol. O resultado é um quadro um tanto pretensioso, mas emocionalmente muito forte sobre a coragem e a desesperança da situação de quem decidiu não desistir a qualquer custo.

Foto: Pavel Karavashkin, annaorion.com, echo.msk.ru, ttweak.livejournal.com, HelloPiter.ru, rusmuseumvrm.ru, kraeved1147.ru

O decreto imperial sobre a criação do Museu Russo do Imperador Alexandre III no Palácio Mikhailovsky de São Petersburgo foi assinado há 120 anos, em 13 de abril de 1895.

Atualmente, o Museu Estatal Russo é maior museu Arte russa no mundo. Seu acervo inclui 407,5 unidades de armazenamento. Na véspera de Data memorável o local lembrou 10 obras-primas da pintura que podem ser vistas no Museu Russo.

Arkhip Kuindzhi. "Noite enluarada no Dnieper". 1880

Banco do rio. A linha do horizonte desce. A luz esverdeada prateada da lua é refletida na água. "Moonlit Night on the Dnieper" é uma das mais pinturas famosas Arkhip Kuindzhi.

A magia da paisagem conquistou o Grão-Duque Konstantin Konstantinovich, que a comprou por muito dinheiro diretamente do estúdio do artista. O príncipe não queria se desfazer de sua amada pintura, mesmo durante sua viagem ao redor do mundo. Como resultado, seu capricho quase arruinou a obra-prima de Kuindzhi - por causa da brisa do mar, a composição da tinta mudou, a paisagem começou a escurecer. Mas, apesar disso, a imagem até hoje tem um apelo mágico, obrigando o público a espiar por muito tempo.

A magia da paisagem conquistou o Grão-Duque Konstantin Konstantinovich. Foto: www.russianlook.com

Karl Bryullov. "O último dia de Pompéia". 1830-1833

"O último dia de Pompéia foi o primeiro dia da escova russa!" - é assim que o poeta Yevgeny Baratynsky escreveu sobre esta imagem. UMA Escritor britânico Walter Scott chamou a pintura de "incomum, épica".

A tela de 465,5 x 651 cm foi exibida em Roma e Paris. Ficou à disposição da Academia de Artes graças a Nicolau I. A pintura foi-lhe apresentada pelo famoso patrono Anatoly Demidov, e o imperador decidiu expô-la na Academia, onde poderia servir de guia para pintores novatos.

É importante notar que Karl Bryullov se retratou no contexto de uma cidade em ruínas. O autorretrato da artista pode ser visualizado no canto esquerdo da tela.

Karl Bryullov retratou-se contra o pano de fundo de uma cidade em ruínas. O autorretrato da artista pode ser visualizado no canto esquerdo da tela. Foto: Commons.wikimedia.org

Ilya Repin. "Caminhões de barcaça no Volga". 1870-1873

O verão de 1870, passado pelo artista no Volga, a 15 verstas de Samara, teve grande influência no trabalho de Ilya Repin. Ele começa a trabalhar na tela, na qual muitos mais tarde viram significado filosófico, a personificação da obediência ao destino e a força das pessoas comuns.

Estando entre os transportadores de barcaças, Ilya Efimovich Repin conhece o ex-padre Kanin, de quem ele mais tarde criaria muitos esboços para a pintura.

“Havia algo oriental nele, antigo. E aqui estão os olhos, olhos! Qual a profundidade do olhar levantado para as sobrancelhas, que também tendem para a testa ... E a testa é uma testa grande, inteligente, inteligente; este não é um simplório ”, disse o mestre sobre ele.

"Havia algo oriental nele, antigo. Mas os olhos, os olhos!" Foto: Commons.wikimedia.org

Ilya Repin. "Os cossacos escrevem uma carta ao sultão turco." 1880-1891

"Você é o shaitan turco, o maldito irmão do diabo e o secretário do próprio Lutsyper!" Segundo a lenda, foi assim que começou a carta, que os cossacos Zaporozhye escreveram em 1675 em resposta à proposta do sultão Mahmud IV de ficar sob seu comando. Trama famosa formou a base pintura famosa Ilya Repin.

O famoso enredo serviu de base para a famosa pintura de Ilya Repin. Foto: Commons.wikimedia.org

Viktor Vasnetsov. "Um cavaleiro na encruzilhada". 1878

O espírito poético das lendas folclóricas é transmitido com maestria na obra de Viktor Vasnetsov. Pela primeira vez, a tela foi apresentada ao público em 1878, como parte de uma exposição itinerante.

O artista trabalhou na pintura por vários anos. Nas primeiras versões, o herói ficava de frente para o espectador, mas depois a composição foi alterada. O Museu Russo contém uma versão posterior da pintura - 1882. A primeira versão de 1878 está no Museu de História e Arte de Serpukhov.

É importante destacar que o enredo de "Um Cavaleiro na Encruzilhada" está reproduzido na lápide do artista, que está sepultado no cemitério de Vvedenskoye.

O artista trabalhou na pintura por vários anos. Foto: Commons.wikimedia.org

Ivan Aivazovsky. "A nona onda". 1850

A pintura "A Nona Onda", criada em 1850, foi adquirida por Nicholas I.

A nona onda, na visão dos marinheiros, é a mais esmagadora. É ele quem terá de sobreviver aos heróis do filme, naufragados.

A pintura "A Nona Onda", criada em 1850, foi adquirida por Nicholas I. Foto: Commons.wikimedia.org

Valentin Serov. Retrato de Ida Rubinstein. 1910

A famosa dançarina e atriz Ida Rubinstein inspirou muitos artistas: Kees van Dongen, Antonio de la Gandar, André Dunoyer de Segonzac, Leon Bakst e Valentin Serov.

O pintor russo, considerado um mestre do retrato, a viu pela primeira vez nos palcos parisienses. Em 1910, ele cria um retrato dela.

“Há monumentalidade em cada movimento dela, apenas um baixo-relevo arcaico revivido”, a artista admirava sua graça.

A famosa dançarina e atriz Ida Rubenstein inspirou muitos artistas. Foto: Commons.wikimedia.org

Valentin Serov. Rapto de Europa. 1910

A ideia de escrever "The Rape of Europe" nasceu de Valentin Serov durante uma viagem à Grécia. Uma visita ao Palácio de Knossos, na ilha de Creta, o impressionou muito. Em 1910, a pintura, baseada na lenda do rapto da Europa por Zeus, filha do rei fenício Agenor, foi concluída.

Segundo alguns depoimentos, Serov criou seis versões da pintura.

A ideia de escrever "The Rape of Europe" nasceu de Valentin Serov durante uma viagem à Grécia. Foto: Commons.wikimedia.org

Boris Kustodiev. Retrato de F.I. Chaliapin. 1922

“Eu conhecia muitas pessoas interessantes, talentosas e pessoas boas... Mas se eu já vi um espírito realmente grande em uma pessoa, foi em Kustodiev ”, ele escreveu sobre o artista em seu livro autobiográfico“ Máscara e Alma ” cantor famoso Fyodor Chaliapin.

Os trabalhos de pintura foram realizados no apartamento do pintor. A sala onde Chaliapin posou para Kustodiev era tão pequena que o quadro teve que ser pintado em partes.

O filho do artista mais tarde relembrou o momento engraçado da obra. Segundo ele, para capturar na tela o cachorro querido de Fyodor Ivanovich, era preciso usar um truque: “Para o pug ficar de cabeça erguida, colocaram um gato no armário e Chaliapin fez de tudo para fazer o cachorro olhe para isso. ”

A oficina onde Chaliapin posou para Kustodiev era tão pequena que o quadro teve que ser pintado em partes. Foto: Commons.wikimedia.org

Kazimir Malevich. Círculo preto. 1923

Uma das pinturas mais famosas do fundador do Suprematismo - Kazimir Malevich - tem várias opções. O primeiro deles, criado em 1915, hoje é mantido em um acervo particular. A segunda - criada pelos alunos de Malevich sob sua liderança - está exposta no Museu Russo de São Petersburgo.

Os especialistas observam que o "Círculo Negro" para Kazimir Malevich foi um deles três principais módulos do novo sistema de plástico, o potencial de formação de estilo da nova ideia de plástico - Suprematismo.