Teatros de países de língua inglesa. O primeiro teatro de Londres
As origens da arte teatral da Inglaterra remontam aos antigos jogos rituais que sobreviveram nas aldeias inglesas até o século XIX. Entre os mais populares estavam os “Jogos de Maio” - celebrações rituais em homenagem à chegada da primavera, cujos personagens constantes são desde o século XV. eram Robin Hood e seus temerários. Na Idade Média, os gêneros de drama religioso - peças de mistério e moralidade - se espalharam pela Inglaterra. Nesses gêneros, em particular, manifestou-se o gosto característico inglês pelo humor e pelos detalhes vívidos da vida. Assim, a principal figura das peças morais inglesas - peças alegóricas religiosas - foi o brincalhão Sin, um alegre glutão e bêbado, um dos ancestrais do Falstaff de Shakespeare. Durante a Renascença, o drama renascentista na Inglaterra, ao contrário de vários outros países europeus, não rompeu com as tradições medievais. Tendo surgido na primeira metade do século XVI, rapidamente emergiu das escolas e universidades para o palco do teatro público e contou com a sua experiência (ver teatro medieval, teatro renascentista, W. Shakespeare).
Teatro Globo". Aparência.
David Garrick como Ricardo III na tragédia homônima de William Shakespeare. Teatro Drury Lane. Londres. De uma gravura do século XVIII.
Rua Drury. Edifício do teatro. De uma gravura do século XVIII.
Rua Drury. Auditório. De uma gravura do século XVIII.
George Bernard Shaw.
Charles Laughton como Galileu na peça “A Vida de Galileu” de B. Brecht. 1947
Laurence Olivier como Ricardo III na tragédia homônima de William Shakespeare.
“The Importance of Being Earnest” de O. Wilde no palco do Old Vic Theatre em Londres.
Paul Scofield (à esquerda) como Salieri na peça “Amadeus” de P. Schaeffer.
No final do século XVI - início do século XVII. A arte teatral da Inglaterra vive uma era de rápida prosperidade. Em Londres, uma após a outra, apareceram trupes de atuação, tocando para pessoas comuns primeiro nos pátios dos hotéis e depois em edifícios especiais de teatro, o primeiro dos quais foi construído em 1576 e foi denominado “Teatro”. Depois surgiram outros teatros com nomes sonoros na capital inglesa - “Swan”, “Fortune”, “Nadezhda”. As peças de William Shakespeare foram encenadas no famoso Globe, e o trágico Richard Burbage (c. 1567-1619) tornou-se o primeiro Hamlet, Otelo e Lear na arte mundial.
W. Shakespeare é o maior dos dramaturgos ingleses da Renascença. Mas seria errado considerá-lo um gênio solitário. A sua obra foi precedida pelas peças de um grupo de dramaturgos (J. Lily, R. Green, T. Kyd, C. Marlowe), em cujas comédias, crónicas históricas e tragédias as ideias do humanismo renascentista foram combinadas com as tradições do folclore óculos. Ao lado de Shakespeare estavam o mestre da sátira social B. Johnson, o autor das tragédias filosóficas J. Chapman e os criadores das tragicomédias românticas F. Beaumont e J. Fletcher. Os contemporâneos mais jovens de Shakespeare foram J. Webster, que escreveu tragédias sangrentas de terror, e J. Shirley, autor de comédias cotidianas da vida londrina.
Nos anos 20-30. Século XVII Artes performáticas Renascença Inglesa está a entrar num momento de crise, e durante a revolução burguesa, em 1642, por ordem do parlamento, os teatros foram fechados. Eles retomaram suas atividades somente após a restauração da monarquia, em 1660. Mas agora, em vez do palco aberto do teatro quadrado, apareceu um palco fechado em três lados (modelado no italiano e Teatros franceses), que ainda existe no teatro.
Dos gêneros dramáticos, a comédia desenvolveu-se de forma mais frutífera durante a restauração da monarquia. Os escritores de comédia W. Congreve, W. Wycherley e J. Farquer criaram obras efetivamente construídas, cheias de humor brilhante, embora um tanto cínico. Sob a pena desses dramaturgos surgiu um gênero tipicamente inglês - a “comédia de inteligência”, onde o diálogo, paradoxal e rápido, como uma troca de golpes de espada, torna-se quase mais importante que o curso da trama; estava destinado a renascer dois séculos depois nas obras de O. Wilde e B. Shaw.
A comédia continuou a ser um dos principais gêneros do drama inglês no século XVIII, durante o Iluminismo. The Beggar's Opera (1728), de John Gay (1685–1732), combina paródia literária e musical com sátira política. Os primeiros trabalhos de Henry Fielding (1707-1754) incluíam peças políticas comoventes escritas na década de 1730. e contendo críticas à nobreza e ao governo (“O Juiz em Sua Própria Armadilha”, “Dom Quixote na Inglaterra”, etc.). Em resposta ao surgimento dessas ousadas comédias acusatórias, os círculos dominantes da Inglaterra introduziram uma censura teatral estrita. G. Fielding é autor de resenhas políticas em forma de comédia (“Calendário histórico de 1736”, 1737; etc.). Brilhantes em forma, as comédias de Oliver Goldsmith (1728–1774; “A Noite dos Erros”, 1773) e Richard Sheridan (1751–1816; “Os Rivais”, 1775; “A Escola do Escândalo”, 1777; etc.) são dirigidos contra a imoralidade do mundo “alto”, a hipocrisia das relações burguesas, combinam a sátira social com o brilho realista dos personagens.
Os princípios do classicismo (ver Classicismo) não foram estabelecidos em Palco inglês gravitando em direção à autenticidade realista. Em contraste com a tragédia classicista, o drama burguês de J. Lillo e J. Moore, que retratava a vida dos círculos burgueses-filisteus, desenvolveu-se no drama inglês. O realismo iluminista no teatro inglês atingiu seu auge na obra do ator David Garrick (1717-1779), que não apenas surpreendeu seus contemporâneos com a perspicácia e o psicologismo de sua atuação em papéis de Shakespeare, mas também realizou uma série de reformas no campo. de encenar performances e organizar a trupe. Ele considerava o teatro um educador da sociedade.
O século 19 foi uma época de declínio do drama inglês e de ascensão do romance inglês. A lacuna entre o nível do romance e do drama, geralmente inerente Literatura XIX c., na Inglaterra revelou-se especialmente óbvio. A base do repertório dos maiores atores ingleses do século XIX. E. Kean (ver Edmund Kean), W. Macready, Ch. Kean, E. Terry, G. Irving compuseram as peças de Shakespeare. No século 19 No palco inglês, desenvolveu-se um tipo de performance shakespeariana, baseada no uso de cenários historicamente precisos, cenas folclóricas detalhadas e uma abundância de efeitos técnicos. Produções de peças de Shakespeare de Charles Kean no Princess Theatre, S. Phelps no Sadler's Wells Theatre e G. Irving no Lyceum Theatre aproximaram o surgimento da arte da direção. No entanto, quando em virada do século XIX e séculos XX Nasceu a direção de arte inglesa, que antes de tudo tentou romper com o cotidiano histórico do teatro do século passado em nome da natureza inerente Artes performáticas poesia e convenções. Por exemplo, o famoso diretor Gordon Craig (1872–1966) procurou construir uma performance teatral como um movimento de metáforas poéticas desdobradas no tempo, corporizadas na cor, na luz e nas transformações do espaço teatral.
Oscar Wilde (1854–1900) teve um desempenho brilhante no drama inglês com suas comédias irônicas ridicularizando a respeitabilidade hipócrita das classes altas (“Lady Windermere's Fan”, 1892; “An Ideal Husband”, 1895; “The Importance of Being Earnest”, 1899 ) e Bernard Shaw (1856–1950), cujo trabalho, cheio de ideias sociais ousadas e críticas antiburguesas assassinas, tornou-se um clássico dramático do nosso século (The Widower's House, 1892; Mrs. Warren's Profession, 1894; Major Barbara , 1905; Pigmalião), 1913; “Carrinho com Maçãs”, 1929;
Nas primeiras décadas do século XX. Na Inglaterra, estava surgindo um sistema de teatro comercial, que ainda está em vigor e é inteiramente voltado para o entretenimento do público burguês. Mas as explorações teatrais mais frutíferas ocorreram na Inglaterra, fora do teatro comercial - nos palcos dos teatros de repertório de Birmingham, Manchester, no Shakespeare Memorial Theatre em Stratford-upon-Avon, e especialmente no Old Vic Theatre em Londres, que sofreu uma grande revolução na década de 1930. uma época de rápida prosperidade. Durante esses anos, toda uma constelação de atores apareceu no palco do Old Vic: John Gielgud, Laurence Olivier, Peggy Ashcroft e outros. Eles criaram um estilo de palco baseado nas tradições nacionais da arte teatral, mas ao mesmo tempo expressavam a visão de mundo dramática dos britânicos que sobreviveram aos horrores da Primeira Guerra Mundial (1914-1918). Essa atitude foi expressa de forma mais consistente na atuação de D. Gielgud no papel de Hamlet e nas imagens que ele criou nas obras de Chekhov: as peças de A. P. Chekhov, especialmente “The Cherry Orchard”, tornaram-se parte integrante do repertório teatral inglês.
Na década de 30. Na Inglaterra e no exterior, as peças de John Boynton Priestley (1894–1984) ganharam popularidade, combinando a nitidez da trama com um significado socialmente acusatório (“A Dangerous Turn”, “Time and the Conway Family”).
Após a Segunda Guerra Mundial, o teatro inglês passou por um período de crise. Sua saída da crise dos anos 50. associado às atividades de um grupo de escritores ingleses conhecido como Angry Young Men. Expressaram a insatisfação da geração mais jovem com a realidade burguesa. Este grupo inclui os dramaturgos D. Osborne (“Look Back in Anger”, 1956), S. Delaney (“A Taste of Honey”, 1958) e outros. Nos anos 60-70. os princípios do drama sócio-psicológico começaram a ser desenvolvidos por D. Arden (Sergeant Musgrave's Dance, 1961), D. Mercer (Flint, 1970), H. Pinter (The Watchman, 1960; No Man's Land, 1975).
Após a renovação da dramaturgia veio a renovação do palco inglês. Chegado novo palco história teatral Shakespeare. A peça "King Lear", encenada por P. Brooke, com Paul Scofield em papel de liderança, transmitiu a visão de mundo trágica e sóbria da humanidade moderna, que viveu os horrores da guerra e do fascismo. As Crônicas de Shakespeare no palco do Royal Shakespeare Theatre (como ficou conhecido o Memorial Theatre em Stratford-upon-Avon desde 1961), dirigido por P. Hall, expôs as raízes sociais da história inglesa com clareza implacável.
Nos anos 60-70. Um movimento de teatro juvenil denominado “franja” (“linha lateral”) e associado à busca por uma arte politicamente ativa diretamente envolvida na luta social se espalhou por toda a Inglaterra. No quadro da periferia formou-se uma nova geração de atores ingleses que então na década de 80 subiram ao palco do Royal Shakespeare Theatre e Teatro nacional(criado em 1963). Talvez esta geração tenha de dizer uma nova palavra na arte teatral inglesa.
Se você tiver a oportunidade de visitar a cidade inglesa de Stratford, não deixe de visitar o Royal Shakespeare Theatre.
Teatro Shakespeariano O Globe é um dos teatros mais antigos da Inglaterra. O Globe está localizado na margem sul do Tâmisa. A fama do teatro foi trazida, em primeiro lugar, pelas primeiras apresentações das obras de Shakespeare. O prédio foi reconstruído três vezes por diversos motivos, o que compõe a rica história do teatro de Shakespeare.
O surgimento do Teatro Shakespeare
A história do Globe Theatre remonta a 1599, quando em Londres, onde a arte teatral sempre foi amada, edifícios de teatros públicos foram construídos um após o outro. Para a construção da nova arena foram utilizados materiais de construção - estruturas de madeira que sobraram de outro edifício - o primeiro teatro público com o nome lógico de “Teatro”.
Os proprietários do edifício original do Teatro, a família Burbage, construíram-no em Shoreditch em 1576, onde alugaram o terreno.
Quando os aluguéis dos terrenos aumentaram, eles desmontaram o antigo prédio e transportaram os materiais para o Tâmisa, onde ergueram um novo prédio - o Shakespeare's Globe Theatre. Quaisquer teatros foram construídos fora da influência do município de Londres, o que foi explicado pelas opiniões puritanas das autoridades.
Durante a era de Shakespeare, houve uma transição da arte teatral amadora para a arte profissional. Surgiram trupes de atuação, inicialmente levando uma existência errante. Eles viajaram pelas cidades e se apresentaram em feiras. Representantes da aristocracia começaram a ter atores sob seu patrocínio: eles os aceitaram nas fileiras de seus servos.
Isto deu aos atores uma posição na sociedade, embora fosse muito baixa. As trupes eram frequentemente nomeadas com base neste princípio, por exemplo, “Servos de Lord Chamberlain”. Mais tarde, quando Jaime I chegou ao poder, apenas membros da família real começaram a patrocinar os atores, e as trupes começaram a ser renomeadas como “Sua Majestade, os Homens do Rei” ou outros membros da família real.
A trupe do Teatro Globus era uma parceria de atores em ações, ou seja. os acionistas recebiam rendimentos de taxas de desempenho. Os irmãos Burbage, assim como William Shakespeare, o principal dramaturgo da trupe, e três outros atores eram acionistas do Globe. Atores coadjuvantes e adolescentes eram assalariados no teatro e não recebiam renda com apresentações.
O Shakespeare Theatre em Londres tinha o formato de um octógono. O auditório Globe era típico: uma plataforma oval sem teto, cercada por um grande muro. A arena ganhou esse nome graças à estátua de Atlas, que sustentava o globo, localizada na entrada. Esta bola ou globo estava rodeada por uma fita com a ainda famosa inscrição “ O mundo inteiro é um teatro”(tradução literal - “O mundo inteiro está agindo”).
O teatro de Shakespeare acomodava de 2 a 3 mil espectadores. Por dentro no alto da parede havia camarotes para representantes da aristocracia. Acima deles havia uma galeria para pessoas ricas. O restante estava localizado ao redor da área do palco, que se projetava para o auditório.
Esperava-se que os espectadores ficassem de pé durante a apresentação. Algumas pessoas especialmente privilegiadas estavam sentadas diretamente no palco. Os ingressos para pessoas ricas dispostas a pagar por assentos na galeria ou no palco eram muito mais caros do que assentos nas arquibancadas – ao redor do palco.
O palco era uma plataforma baixa elevada cerca de um metro. Havia uma escotilha no palco que conduzia sob o palco, de onde fantasmas apareciam à medida que a ação avançava. No palco em si raramente havia móveis e nenhuma decoração. Não havia cortina no palco.
Havia uma varanda acima dos bastidores, onde ficavam os personagens que apareciam no castelo da peça. Havia uma espécie de plataforma no palco superior, onde também aconteciam as ações cênicas.
Ainda mais acima havia uma estrutura semelhante a uma cabana onde as cenas eram exibidas do lado de fora da janela. É interessante que quando a apresentação começou no Globe, uma bandeira estava pendurada no telhado dessa cabana, que era visível de longe e era um sinal de que estava acontecendo uma apresentação no teatro.
A pobreza e certo ascetismo da arena determinaram que o mais importante que acontecia no palco era a atuação e a força do drama. Não houve adereços para uma compreensão mais completa da ação;
Um fato digno de nota é que os espectadores nas barracas durante a apresentação comiam frequentemente nozes ou laranjas, o que foi confirmado por achados arqueológicos durante as escavações. O público pôde discutir em voz alta alguns momentos da performance e não esconder suas emoções da ação que viu.
O público também aliviou suas necessidades fisiológicas logo no salão, então a ausência de teto foi uma espécie de salvação para o olfato dos amantes do teatro. Portanto, imaginamos aproximadamente a grande parcela de dramaturgos e atores realizando performances. 
Fogo
Em julho de 1613, durante a estreia da peça Henrique VIII de Shakespeare sobre a vida do monarca, o edifício Globe pegou fogo, mas o público e a trupe não ficaram feridos. De acordo com o roteiro, um dos canhões deveria disparar, mas algo deu errado e as estruturas de madeira e o telhado de palha acima do palco pegaram fogo.
O fim do edifício original do Globe marcou uma mudança nos círculos literários e teatrais: Shakespeare parou de escrever peças nessa época.
Restaurando o teatro após o incêndio
Em 1614, o edifício da arena foi restaurado e foi utilizada pedra na construção. A cobertura do palco foi substituída por uma de telha. A trupe de teatro continuou a atuar até o fechamento do Globe em 1642. Então o governo puritano e Cromwell emitiram um decreto proibindo todas as apresentações de entretenimento, inclusive teatrais. O Globe, como todos os teatros, fechou.
Em 1644, o prédio do teatro foi demolido e em seu lugar foram construídos prédios de apartamentos. A história da Globo ficou interrompida por quase 300 anos.
A localização exata do primeiro Globe em Londres era desconhecida até 1989, quando suas fundações foram encontradas na Park Street, sob um estacionamento. Seu contorno agora está marcado na superfície do estacionamento. Ali também podem existir outros vestígios do “Globo”, mas agora esta zona está incluída na lista de valores históricos e, portanto, não podem ser realizadas escavações ali.
Palco do Globe Theatre
O surgimento do teatro shakespeariano moderno
A moderna reconstrução do edifício do Globe Theatre foi proposta não pelos britânicos, o que é surpreendente, mas pelo diretor, ator e produtor americano Sam Wanamaker. Em 1970, organizou o Globus Trust Fund, que pretendia restaurar o teatro e abrir centro educacional e uma exposição permanente.
O próprio Wanamaker morreu em 1993, mas a inauguração ainda ocorreu em 1997 sob o nome moderno de Shakespeare's Globe Theatre. Este edifício está localizado a 200-300 metros da antiga localização do Globe. O edifício foi reconstruído de acordo com as tradições da época e foi o primeiro edifício autorizado a ser construído com telhado de palha após o Grande Incêndio de Londres em 1666.
As apresentações são realizadas apenas na primavera e no verão, porque... o prédio foi construído sem telhado. Em 1995 o primeiro diretor artistico tornou-se Mark Rylance, que foi substituído em 2006 por Dominic Dromgoole.
Passeios pelo teatro moderno acontecem diariamente. Mais recentemente, um parque-museu temático inteiramente dedicado a Shakespeare foi inaugurado próximo ao Globe. Além de lá você poder ver a maior exposição dedicada ao dramaturgo mundialmente famoso, você pode participar de eventos de entretenimento: assistir a uma luta de espadas, escrever um soneto ou participar da produção de uma das peças de Shakespeare.
Teatro inglês
O teatro inglês do século XVIII desempenhou um papel muito notável na história do desenvolvimento de tudo Teatro europeu. Ele não apenas se tornou o fundador da dramaturgia iluminista, mas também deu uma contribuição significativa para ela. Apesar disso, a tragédia no teatro inglês do Iluminismo foi substituída por uma nova gênero dramático- drama burguês, ou, como também foi chamado, tragédia burguesa. Foi na Inglaterra que surgiram os primeiros exemplos de drama burguês, que mais tarde penetraram nos teatros da Alemanha, França e Itália. Não último lugar A comédia também fez parte do repertório. A sua forma e conteúdo foram reformados da forma mais radical desde o Renascimento.
A transição do teatro da Renascença para o teatro do Iluminismo foi longa, turbulenta e bastante dolorosa. O Teatro Renascentista desapareceu gradualmente, mas não o deixaram morrer de morte natural. O golpe final contra ele foi desferido pela revolução puritana consumada. Suas antigas tradições da chamada vida estrita adaptavam-se perfeitamente às condições dos tempos modernos. A Inglaterra, que recentemente era brilhante, colorida e cheia de vida, tornou-se piedosa, piedosa e vestida com uniformes de cor escura. Simplesmente não havia lugar para teatro em tal vida. Todos os teatros foram fechados e pouco depois queimados.
Em 1688-1689, ocorreu a chamada Revolução Gloriosa na Inglaterra. Depois disso, ocorreu uma transição no desenvolvimento do teatro do Renascimento ao Iluminismo. Os Stuarts, voltando ao poder, restauraram o teatro, que apresentava diferenças significativas em relação ao teatro da época anterior.
O período da Restauração permaneceu na história da Inglaterra como um momento de desvalorização de todos os valores morais e éticos. Os aristocratas, tendo tomado o poder e tudo relacionado a ele, entregaram-se à folia completa. É bastante natural que o teatro refletisse o novo estado de moral. Os heróis das peças apresentadas no palco não tinham permissão para uma coisa: serem pelo menos de alguma forma semelhantes aos odiados puritanos.
À medida que o regime da Restauração declinava, a posição dos dramaturgos começou a mudar dramaticamente. Elementos do drama burguês e representações satíricas de seus contemporâneos começaram a aparecer em suas obras. A fonte dos quadrinhos eram os desvios da norma humana que existiam na sociedade.
O fundador da comédia educacional foi William Congreve. Ele ficou famoso depois de escrever sua primeira comédia, “The Old Bachelor” (1692).
Arroz. 45. George Farquer
Ainda mais próximo do Iluminismo estava George Farquer (1678-1707) ( arroz. 45). Começou seu trabalho escrevendo peças alinhadas com a comédia da Restauração. Mas então houve uma virada em seu trabalho em direção à sátira política e social.
A comédia de Farquer, The Recruiting Officer (1706), criticou os métodos de recrutamento de soldados para o exército inglês. A comédia “O Astuto Plano dos Almofadinhas” (1707) foi o resultado de todo o desenvolvimento da comédia de costumes do século XVII. O dramaturgo pintou quadros tão interessantes e verdadeiros moral provincial que sua comédia foi a fonte do realismo do século 18, e os nomes de muitos personagens tornaram-se nomes conhecidos.
No início da década de 1730, surgiu um gênero chamado drama burguês. Seu surgimento acabou sendo um forte golpe na estética de classe dos gêneros. As pessoas comuns começaram a conquistar o palco do teatro. Um pouco mais tarde ele se tornou seu único proprietário. O estabelecimento da tragédia burguesa no palco foi ajudado pelo impressionante sucesso da peça de George Lillo (1693-1739) “O Mercador de Londres, ou a História de George Barnwell” (1731). Outra peça de Lillo, uma tragédia em verso, tornou-se objeto de imitação. Curiosidade fatal"(1736). Às vezes esteve perto de mostrar o crime em suas obras como norma da sociedade burguesa. Mas a tendência idealizadora excede a tendência crítica. Os intermináveis sermões do exemplar comerciante virtuoso Thorogood em O Mercador de Londres e o chamado para carregar a cruz sem reclamar, com o qual termina Fatal Curiosity, dão às peças de Lillo um tom bastante hipócrita. O dramaturgo, é claro, abordou o “homenzinho”, mas apenas para alertá-lo contra maus pensamentos e ações.
Mais de vinte anos após a escrita de O Mercador de Londres, outra famosa tragédia burguesa foi criada na Inglaterra - O Jogador (1753). Seu autor foi Edward Moore (1712-1757). Esta peça teve muitos méritos dramáticos, mas foi simplesmente distinguida pela incrível estreiteza do seu horizonte social. O autor estabeleceu para si o único objetivo - afastar seus contemporâneos da paixão destrutiva pelos jogos de cartas. A crítica social subsequente no palco foi associada, na primeira metade do século XVIII, aos nomes de outros dramaturgos.
A parte mais radical dos escritores ingleses via nos vícios humanos não apenas o legado do passado, mas também o resultado de uma nova ordem de coisas. O líder reconhecido desta tendência foi o grande satírico inglês Jonathan Swift, e seus seguidores mais fiéis no teatro foram John Gay (1685-1732) (Fig. 46) e Henry Fielding (1707-1754).
Arroz. 46. João Gay
No século XVIII, pequenos gêneros começaram a florescer no teatro inglês. Pantomima, ópera balada e ensaio são extremamente populares. Os dois últimos gêneros expressaram a atitude mais crítica em relação à ordem existente.
O apogeu da ópera balada e, na verdade, do movimento crítico associado aos gêneros menores, começou com a produção de The Beggar's Opera, de John Gay, em 1728. A apresentação foi um sucesso impressionante. As letras das músicas da peça foram penduradas nas vitrines das lojas, escritas em leques e cantadas nas ruas. Há um caso conhecido em que duas atrizes lutaram pelo direito de interpretar o papel de Polly Peachum. Na entrada do teatro, durante mais de dois meses seguidos, houve um verdadeiro pandemônio todos os dias.
Henry Fielding também foi um dramaturgo muito famoso na década de 1730. Ele escreveu 25 peças. Entre eles estão obras como “O Juiz na Armadilha” (1730), “A Ópera da Rua Grub, ou a Mulher Sob o Sapato” (1731), “Dom Quixote na Inglaterra” (1734), “Pasquin” (1736) e “Calendário histórico de 1736” (1737).
Desde a década de 1760, as tendências críticas penetraram cada vez mais na área da chamada comédia correta. Pela primeira vez desde Congreve e Farquer, uma comédia de costumes totalmente realista está sendo recriada. Desde então, a comédia sentimental tem sido contrastada com a comédia alegre.
Este termo foi cunhado por Oliver Goldsmith (1728-1774). É autor do tratado “Um Ensaio sobre o Teatro, ou uma Comparação entre Comédia Alegre e Sentimental” (1772) e duas comédias: “O Bom” (1768) e “A Noite dos Erros” (1773).
Arroz. 47. Richard Brinsley Sheridan
A escola da comédia alegre predeterminou a chegada do maior dramaturgo inglês do século 18 - Richard Brinsley Sheridan (1751-1816) ( arroz. 47). Aos 24 anos dirigiu sua primeira comédia, The Rivals (1775). Seguiram-se várias outras peças, incluindo "Duenna" (1775). Em 1777, Sheridan criou sua famosa peça, The School for Scandal. Dois anos depois, sua última comédia, The Critic, foi lançada. Todo o trabalho de Sheridan como comediante durou menos de 5 anos. Apenas 20 anos depois voltou ao drama e escreveu a tragédia “Pizarro” (1799). Desde o período da Restauração, as artes cênicas inglesas gravitaram em direção ao classicismo. O primeiro, mas muito decisivo passo em direção ao realismo foi dado por Charles Maclean (1699-1797). Ele era um ator de quadrinhos. Em 1741 ele conseguiu o papel de Shylock (na época esse papel era considerado cômico). Mas Maclean desempenhou esse papel de forma trágica. Isto se tornou uma enorme descoberta estética, que foi muito além da interpretação de um único papel. MacLean percebeu que havia chegado a hora do realismo e previu muitas de suas características.
No domínio das artes performativas, as atividades de David Garrick (1717-1779) foram de grande importância. Garrick foi aluno de Maclean, mas um aluno verdadeiramente brilhante. David era filho de um oficial, francês de nacionalidade, e de uma irlandesa. Sua família adorava teatro, mas o filho estava sendo preparado para uma carreira diferente - a carreira de advogado. No entanto, Garrick revelou-se um estudante descuidado. Na primavera de 1741, graças a um feliz acidente, ele apareceu no palco do Goodman's Fields Theatre. Depois disso, participou de turnês com essa trupe, durante as quais seguiu os conselhos de Maclean, e já em outubro desempenhou brilhantemente o papel de Ricardo III, que o tornou famoso ( arroz. 48).
Arroz. 48. David Garrick como Ricardo III
Em 1747, Garrick comprou o Drury Lane Theatre, que dirigiu por quase 30 anos. Todos esses anos ele foi uma figura central no teatro londrino. Em seu teatro ele colecionou melhores atores Capital inglesa. Apesar de todos os atores virem de teatros diferentes, Garrick conseguiu formar uma única trupe. Atribuiu grande importância aos ensaios, durante os quais erradicou diligentemente a declamação, alcançou naturalidade na atuação dos atores e finalizou cuidadosamente o papel. Os personagens criados tiveram que ser tão versáteis quanto possível. Os ensaios de Garrick duraram muitas horas e às vezes dolorosos para os atores, mas os resultados foram simplesmente magníficos.
O diversificado trabalho de atuação e direção de Garrick, que mergulhou nos campos da tragédia e da comédia, foi de grande importância. Permaneceu na história do teatro inglês como seu maior representante.
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Departamento Municipal de Educação da Administração de Polysayevo
Centro de informação e metodológico
Instituição de ensino municipal
"Escola secundária nº 35"
História do teatro na Grã-Bretanha
Projeto de pesquisa
Polisayevo 2007
Departamento Municipal de Administração de Educação de Polysayevo
Centro de informação e metodológico
Instituição de ensino municipal
"Escola secundária nº 35"
História do teatro na Grã-Bretanha
Daria Putintseva,
O artigo de pesquisa proposto descreve a história do teatro na Grã-Bretanha. O projeto de pesquisa caracteriza o teatro inglês desde a Idade Média até a atualidade, seus rumos e tendências. A obra traça a formação e o desenvolvimento das principais tendências teatrais, a originalidade da luta teatral em estágios diferentes desenvolvimento histórico. É dada especial atenção à questão das especificidades nacionais do teatro inglês.
História do teatro na Grã-Bretanha: pesquisar / . – Polysayevo: Centro de Informação e Metodologia, 2007.
Nota explicativa
Objetivo do trabalho: familiarização com uma cultura de língua estrangeira.
Objetivos do trabalho: expandindo o conhecimento cultural da Grã-Bretanha.
O teatro inglês é parte integrante da cultura mundial. As melhores tradições do país Arte inglesa enriqueceu o processo teatral mundial. O trabalho de atores, diretores e dramaturgos ingleses conquistou amor e reconhecimento muito além das fronteiras da Inglaterra.
O trabalho de atores, diretores e dramaturgos da Grã-Bretanha há muito goza de reconhecimento e amor na Rússia.
A história do teatro está há muito associada à história da humanidade. A partir dessa página inicial da história, à medida que a humanidade se lembra de si mesma, também se lembra do teatro, que se tornou seu eterno companheiro.
Você ama teatro tanto quanto eu amo? – perguntou o nosso grande compatriota Vissarion Belinsky aos seus contemporâneos, profundamente convencidos de que uma pessoa não pode deixar de amar o teatro.
Você ama teatro? Há mais de 20 séculos, os grandes pais do teatro antigo Ésquilo e Sófocles, Eurípides e Aristófanes poderiam ter feito a mesma pergunta aos seus espectadores que enchiam os bancos de pedra dos enormes anfiteatros ao ar livre da Hélade.
Seguindo-os, já em outros séculos, outros eras históricas, Shakespeare e Ben Jonson na Inglaterra poderiam ter feito um apelo semelhante aos seus contemporâneos. E todos eles, tendo perguntado às pessoas do seu tempo: “Você gosta de teatro?” - teria o direito de contar com uma resposta afirmativa.
O teatro, a literatura e a música ingleses são parte integrante da cultura mundial. As melhores tradições da cultura inglesa enriqueceram o mundo processo cultural, conquistou amor e reconhecimento muito além das fronteiras da Inglaterra.
O trabalho dos dramaturgos ingleses há muito goza de reconhecimento e amor na Rússia. Os maiores atores do teatro russo atuaram nas tragédias de Shakespeare.
Os seguintes períodos principais distinguem-se na história da cultura inglesa: a Idade Média, o Renascimento, o século XVII, o século XVIII (Idade do Iluminismo), o século XIX (Romantismo, realismo crítico), o período do final do século XIX - início do século XX (1871 - 1917) e do século XX, em que se distinguem dois períodos: 1917 - 1945. e 1945 – presente.
Idade Média anterior ( V – XI séculos)
No século 6 aC, as Ilhas Britânicas foram sujeitas a invasões celtas. No século I DC, a Grã-Bretanha foi conquistada pelos romanos. O domínio do Império Romano continuou até o século V, quando os anglo-saxões e os jutos invadiram a Grã-Bretanha. As tribos anglo-saxãs trouxeram sua língua, cultura e modo de vida para as Ilhas Britânicas.
A história do teatro medieval é a história da luta entre as visões religiosas e idealistas da vida e a visão de mundo realista das pessoas.
Durante muitos séculos, na vida dos povos da Europa feudal, foram preservadas as tradições dos festivais rituais pagãos contendo elementos de teatralidade: o confronto do Inverno e do Verão, os Jogos de Maio, nos quais eram encenadas cenas com a participação do Rei e da Rainha. de maio, etc. etc. Trupes vagaram pela Europa diversões folclóricas - histrions. Sabiam fazer tudo: cantar, dançar, fazer malabarismos, atuar. Ao realizar cenas cômicas, muitas vezes eles não apenas divertiam o público, mas também zombavam daqueles que oprimiam e oprimiam as pessoas comuns. Portanto, a igreja proibiu os jogos rituais e perseguiu os histriões, mas foi impotente para destruir o amor do povo pelas apresentações teatrais.
Num esforço para tornar o serviço religioso, a liturgia, mais eficaz, os próprios clérigos começam a usar formas teatrais. Surgiu o primeiro gênero de teatro medieval - o drama litúrgico (séculos IX-XIII). Durante a liturgia, os sacerdotes encenaram histórias das Sagradas Escrituras. Com o tempo, as representações de dramas litúrgicos são transferidas do templo para o alpendre e o cemitério.
XI – XV século
No século 11, as Ilhas Britânicas foram conquistadas pelos normandos. Isso contribuiu Influência francesa sobre vida cultural países.
Nos séculos XIII-XIV. um novo gênero de performance teatral medieval aparece – miraculum (“milagre”). As tramas dos milagres são emprestadas das lendas sobre os santos e a Virgem Maria.
O auge de um teatro medieval – mistério . Desenvolve-se nos séculos XIV-XV, durante o apogeu das cidades medievais. Peças de mistério são jogadas nas praças da cidade. A apresentação do mistério foi massiva - e em termos de número de participantes, a alegoria "href="/text/category/allegoriya/" rel="bookmark">alegórica. Os personagens das peças de moralidade geralmente personificavam várias propriedades do homem, seus vícios e virtudes.
O herói do conto moral é um ser humano em geral. “Every Man” foi o título de uma peça moral inglesa do final do século XV. Nesta peça, a Morte apareceu a cada pessoa e chamou-a para uma “longa viagem”, permitindo-lhe levar consigo qualquer companheiro. O homem recorreu à Amizade, ao Parentesco, à Riqueza, mas foi recusado em todos os lugares. Força, Beleza, Razão, Cinco Sentidos concordaram em acompanhar uma pessoa, mas à beira da sepultura todos o deixaram. Apenas Boas Ações pulou na sepultura com ele. A literatura moral abandonou os assuntos bíblicos, mas manteve a edificação religiosa.
Farsa - o primeiro gênero de teatro medieval que rompeu com a moral religiosa. A farsa, um gênero engraçado e satírico, ridicularizava os conceitos sociais, políticos e morais da sociedade feudal. A farsa apresenta cavaleiros estúpidos, mercadores gananciosos e monges voluptuosos. Mas verdadeiro herói esse gênero, todos os enredos não muito decentes, mas sempre engraçados e farsescos - um malandro alegre das pessoas comuns. Numa farsa, quem engana todo mundo tem razão.
A experiência das performances farsescas foi amplamente utilizada pelo teatro das épocas subsequentes. As comédias de Shakespeare adotaram não apenas as técnicas pastelão da farsa, mas também o espírito do livre-pensamento popular que as preenchia.
Renascimento
Nos séculos XV e XVI, nos países europeus, ocorreu “a maior revolução progressiva de todas as que a humanidade viveu até então” - a transição da Idade Média feudal para os tempos modernos, marcada pelo período inicial do desenvolvimento de capitalismo. Esta era de transição foi chamada de Renascença ou Renascença.
Esta foi a era do surgimento nova cultura, rompendo com os dogmas religiosos, uma era de rápido desenvolvimento da arte e da literatura, revivendo os ideais da antiguidade. Grandes oportunidades para atividade criativa ativa se abrem diante de uma pessoa. Nessa época ocorre a formação da cultura nacional.
O século 16 na Inglaterra foi o apogeu do drama. O teatro inglês respondeu aos interesses do povo e foi extremamente popular num ambiente de ascensão nacional. No final do século XVI havia cerca de vinte teatros em Londres; Entre eles, o James Burbage Theatre e o Philip Henslowe Theatre eram especialmente famosos. Desenvolvimento cultura teatral Não ocorreu sem dificuldades; o principal obstáculo foram as ações dos puritanos, que consideravam o teatro um assunto “demoníaco”.
Os dramaturgos da época incluíam Robert Greene, Thomas Kyd, Christopher Marlowe e outros.
As peças de Beaumont (1584 - 1616) e Fletcher (1579 - 1625) caracterizam uma época diferente na história do teatro inglês. Eles buscaram aristocratizar o teatro e trazer certa sofisticação e decência às apresentações. Ideias nobres e monárquicas tornam-se tema do teatro de Beaumont e Fletcher atenção especial. Pedidos de serviço altruísta ao rei são constantemente ouvidos no palco.
Willian Shakespeare
O teatro da Renascença inglesa deve seu florescimento, em primeiro lugar, a William Shakespeare. A dramaturgia de Shakespeare é o resultado de todo o desenvolvimento anterior do drama, o auge do teatro.
“A tragédia nasceu na praça”, escreveu ele, referindo-se às origens distantes da obra de Shakespeare – o teatro popular das peças de mistério medievais. As tradições do teatro quadrado - uma ampla gama de eventos, a alternância de episódios cômicos e trágicos, a dinâmica da ação - foram preservadas pelos antecessores de Shakespeare - os dramaturgos R. Green, C. Marlowe e outros. Eles trouxeram ao palco ideias amantes da liberdade e mostraram novos heróis - aqueles com uma vontade forte e um caráter íntegro.
No primeiro período “otimista” de sua obra, Shakespeare escreveu comédias, rodeado de climas alegres e alegres. Mas quando um “mar de desastres” se abriu diante do olhar perspicaz do poeta, quando o curso inexorável da história expôs cada vez mais nitidamente as contradições do feudalismo e do capitalismo emergente, o herói ideal em suas obras foi substituído por um sedento de poder, um egoísta e egoísta, e às vezes até um criminoso.
Essa reviravolta foi revelada pela primeira vez na tragédia Hamlet. Mas os heróis de Shakespeare não se curvaram diante do mundo do mal. Entrando na luta e sendo vítimas de seus oponentes todo-poderosos, os heróis das tragédias de Shakespeare, mesmo através de sua própria morte, afirmaram a fé no homem e em seu destino brilhante. Esta é precisamente a imortalidade das tragédias de Shakespeare e do seu som moderno.
O Globe Theatre de Shakespeare estava localizado entre outros teatros na margem sul do Tâmisa, nos arredores de Londres, quando as autoridades proibiram apresentações em
Willian Shakespeare
Teatro Globo". Aparência.
a própria cidade. O prédio era coroado por uma pequena torre, onde uma bandeira tremulava durante a apresentação.
A ação aconteceu ao ar livre - uma massa de gente ficava em frente ao palco, os ricos da cidade se alojavam nas galerias, que circundavam as paredes redondas do teatro em três níveis. O palco foi dividido em 3 partes: a frontal - proscênio, a posterior, separada por duas colunas laterais e coberta por uma cobertura de palha, e a superior - em forma de varanda. O palco foi decorado com tapetes e esteiras, e uma faixa foi suspensa no topo: preta para tragédias e azul para comédias. O local da ação foi indicado por um detalhe (a árvore indicava que a ação estava acontecendo na floresta e o trono indicava que estava no palácio).
A composição da trupe era pequena - apenas 8 a 12 pessoas. Às vezes, cada ator tinha que desempenhar até três ou mais papéis na peça. As heroínas foram interpretadas por jovens bonitos e frágeis. Os maiores atores trágicos foram Edward Alleyn, que interpretou com sucesso especial nas peças de C. Marlowe e Richard Burbage - melhor desempenho papéis de Hamlet, Lear, Otelo e Macbeth. Richard Tarleton e William Kemp estrelaram papéis cômicos.
XVII século
Se durante o Renascimento na Inglaterra o drama e o teatro viveram seu apogeu, a moral teatral em Londres naquela época era bastante livre, a total tranquilidade reinava tanto no palco quanto no auditório, tanto os atores quanto os espectadores não tinham vergonha das expressões, então no século XVII eles foram perseguidos pelos puritanos.
Durante a Renascença, era possível ver um mágico no palco com um cachorro, que representava “o Rei da Inglaterra, o Príncipe de Gales, e quando ele se senta de costas, o Papa e o Rei da Espanha”. Alguma senhora de uma comédia poderia anunciar no palco que é possível adivinhar a sorte pela urina, ou um cavalheiro poderia escrever onde urinou. “Em nosso palco às vezes há a mesma sujeira e fedor que em Smithfield (um subúrbio de Londres onde aconteciam feiras e às vezes hereges eram queimados), diz Ben Jonson. “Tudo lá é chamado pelo nome próprio”, escreveu Voltaire sobre a cena inglesa já no século XVIII.
Sobre a moral teatral pode-se concluir a partir do anônimo “Protesto ou reclamação de atores contra a supressão de sua profissão e sua expulsão de vários teatros” (1643). “Prometemos para o futuro nunca admitir em nossas caixas de seis centavos mulheres dissolutas, que lá vão apenas para serem levadas por aprendizes e escriturários de advogados, e nenhum outro tipo de mulher desse tipo, exceto aquelas que vêm com seus maridos ou parentes próximos parentes. A atitude em relação ao tabaco também será mudada: não será vendido... quanto à linguagem chula e outras coisas vis semelhantes que podem escandalizar as pessoas decentes e levar as pessoas más à devassidão, iremos expulsá-las completamente juntamente com autores imorais e rudes e poetas.”
A criação de peças e sua representação foram declaradas atividades pecaminosas; visitar o teatro foi fortemente condenado e considerado uma atividade nociva e prejudicial. Com a chegada dos puritanos ao poder, as apresentações teatrais foram proibidas na Inglaterra. Em 2 de setembro de 1642, o parlamento inglês fechou teatros e proibiu todas as apresentações, citando o fato de que os espetáculos “muitas vezes expressam alegria e frivolidade desenfreadas”, enquanto se deveria direcionar os pensamentos para “arrependimento, reconciliação e voltar-se para Deus”. Cinco anos depois, o parlamento confirmou este decreto, agora em termos mais duros e ordenando que aqueles que desobedecessem (actores) fossem enviados para a prisão como criminosos. A cultura estava passando por uma crise aguda. A Igreja lutou durante muito tempo e com persistência contra os espetáculos teatrais. “Os teatros estão cheios, mas as igrejas estão vazias”, queixam-se os ministros puritanos. No teatro “reinam os gestos livres, os discursos soltos, os risos e o ridículo, os beijos, os abraços e os olhares imodestos”, indignam-se os clérigos. “A palavra de Deus está sendo violada ali e a religião divina estabelecida em nosso estado está sendo profanada”, afirma o prefeito.
O teatro do século XVII foi representado pela burguesia puritana da Inglaterra como um teatro de libertinagem e depravação, um teatro que atendia ao gosto dos aristocratas e dos plebeus corrompidos.
Também havia defensores. O dramaturgo Thomas Nash escreveu em 1592 que os enredos das peças foram emprestados das crônicas inglesas, os grandes feitos dos ancestrais foram recuperados do “túmulo do esquecimento” e assim condenou a “modernidade decadente e estéril”, que as peças “anatomizaram uma mentira, dourada com santidade externa.”
As características da cultura foram determinadas pelos acontecimentos da revolução burguesa. As contradições de classe entre a burguesia e os grandes proprietários de terras intensificaram-se; o governo da república burguesa foi liderado por Oliver Cromwell, depois a monarquia Stuart foi restaurada.
Os Stuarts, que retornaram ao poder, reabriram os teatros em 1660, e a brilhante mas imoral comédia da era da Restauração parecia confirmar a avaliação negativa dada ao teatro pelos associados de Cromwell.
Após o golpe de Estado, Guilherme III de Orange chegou ao poder. O movimento popular cresceu.
Guilherme III não fechou os teatros, mas por decreto de 1º de janeiro de 2001, advertiu estritamente os atores que “se continuarem a representar peças contendo expressões contrárias à religião e à decência, e permitirem a blasfêmia e a imoralidade no palco, então para isso eles eles devem responder com suas cabeças.
No mesmo ano, 1698, um tratado de um certo teólogo puritano chamado Jeremy Collier foi publicado sob o título muito pitoresco “ Breve revisão imoralidade e maldade do palco inglês." O teólogo condenou severamente a prática teatral existente. Ele escreveu que há raiva e malícia no palco. “O sangue e a barbárie estão quase divinizados”, que “o conceito de honra está pervertido, os princípios cristãos são humilhados”, que “demônios e heróis são feitos do mesmo metal”, e exigiu uma reestruturação radical das atividades dos teatros, transformando-os numa espécie de escola de virtude, bons costumes e decência: “O objetivo das peças é encorajar a virtude e expor o vício, mostrar a fragilidade da grandeza humana, as repentinas vicissitudes do destino e as consequências nefastas da violência e da injustiça”.
A burguesia inglesa já não queria fechar os teatros, como antes, mas sim adaptá-los às necessidades da classe. Embora a “revolução gloriosa” de 1688 tenha provocado uma aliança entre a burguesia e a nova nobreza, a hostilidade ainda persistia. As posições dos proprietários de terras ainda eram fortes; os aristocratas, embora se submetessem à situação, não estavam de forma alguma completamente reconciliados. Ataques à aristocracia também foram ouvidos em apresentações teatrais.
Em 1713, Joseph Addison (1672 - 1719) tentou estabelecer a tragédia clássica no palco inglês.
Nessa época surgiu um novo gênero - o drama, mas a comédia não quis abrir mão de seu lugar. O público, que derramou lágrimas copiosas nas apresentações de O Mercador de Londres e ficou horrorizado antes do final sombrio da peça, queria rir de vez em quando. Esta oportunidade foi-lhes proporcionada por Fielding e, mais tarde, por Oliver Goldsmith e Richard Brinsley Sheridan.
Goldsmith queria reviver a "comédia gay" dos tempos de Shakespeare e Ben Jonson. Em seu tratado “Um Ensaio sobre o Teatro, ou Comparação entre Comédia Alegre e Sentimental” (1733), ele falou diretamente sobre isso e escreveu várias peças cômicas sem moralização, sem muita tendenciosidade, zombando alegremente da inexperiência dos jovens que são facilmente enganado. As peças estão cheias de erros engraçados, os personagens são retratados com bastante naturalidade.
No entanto, a maior marca na história do drama inglês deste período foi deixada por Richard Brinsley Sheridan (1751 - 1816). Ele escreveu por pouco tempo. Todas as suas melhores peças foram criadas em cinco anos. O incêndio em seu teatro em Drury Lane desferiu o golpe final no escritor.
O classicismo em sua forma clássica não conseguiu encontrar base sólida na Inglaterra. Houve duas razões para isso: a situação política do país e a autoridade do teatro de Shakespeare.
Quanto a Shakespeare, ele eclipsou tanto as conquistas do drama antigo que depois dele era simplesmente impensável confiar inteiramente no exemplo dos autores gregos antigos. Os dramaturgos ingleses que trabalharam para o teatro não puderam seguir Ésquilo, Sófocles e Eurípides tão incondicionalmente como fizeram os seus colegas franceses. Diante deles estava o exemplo de Shakespeare, que trabalhou de acordo com um sistema completamente diferente e alcançou resultados sem precedentes.
Em 1644, o Globe Theatre de Shakespeare foi demolido, reconstruído após um incêndio em 1613, em 1649 - os teatros Fortune e Phoenix, em 1655 - Blackfriars. Os atores espalhados pelo país tornaram-se soldados e desapareceram, conforme relata um autor anônimo do século XVII (Historia histrionica).
Em 1643, os atores redigiram um documento comovente e anônimo: uma denúncia sobre a supressão de sua profissão. “Recorremos a você, grande Febo, e a você, nove irmãs - musas, padroeiras da mente e protetoras de nós, pobres atores humilhados”, escreveram. “Se, com a ajuda da sua onipotente intervenção, pudéssemos ser reintegrados em nossos antigos teatros e retornar à nossa profissão novamente...” Os atores escreveram que as comédias e tragédias que representavam eram “reproduções vivas das ações das pessoas”, que não havia havia um vício neles foi punido, e a virtude foi recompensada, que " Discurso em inglês foi expresso de forma mais correta e natural.” Febo e nove irmãs - musas, mecenas das artes, não responderam. O teatro sofreu danos irreparáveis.
John Milton, o maior poeta inglês do século XVII, não compartilhava da atitude negativa dos puritanos em relação às apresentações teatrais. Milton se opôs fortemente aos dramaturgos e ao teatro da era da Restauração, que eram enfaticamente divertidos por natureza. Milton considerava a tragédia o principal elemento da arte dramática. desenhos clássicos arte grega antiga. Imitando-os, introduziu um coro comentando o que estava acontecendo e estabeleceu a unidade do tempo: a duração dos acontecimentos da tragédia não ultrapassa 24 horas. A unidade de lugar e ação é rigorosamente mantida.
Período de restauração
O período da Restauração começou na Inglaterra logo após a morte de Cromwell.
As proibições impostas pelos puritanos às apresentações teatrais e diversos tipos de entretenimento foram suspensas. Os teatros foram reabertos, mas eram muito diferentes do teatro inglês do século XVI e início do século XVII, tanto no design externo como na natureza das peças. Cenários ricos e trajes luxuosos foram usados no palco.
As comédias de William Wycherley (1640 - 1716) e William Congreve (1670 - 1729) tiveram um sucesso particular.
Teatros ingleses Drury Lane e Covent Garden
Vamos agora visitar os teatros de Londres. Em 1663, foi construído em Londres o Drury Lane Theatre, que recebeu o direito ao monopólio na escolha do repertório. Em 1732, outro grande teatro apareceu - Covent Garden. Havia pouca ordem nos teatros de Londres. O público, correndo para o auditório, correu direto pelas arquibancadas para ocupar lugares mais próximos do palco. De vez em quando acontecia uma espécie de “motins teatrais” - espectadores, insatisfeitos com a performance, com o aumento dos preços, ou algum artista, abafavam as vozes dos atores, jogavam frutas neles e às vezes subiam no palco.
Nesta Londres turbulenta do século XVIII, os atores tentavam atuar com calma e falar com vozes comedidas. Porém, o classicismo inglês não era completo, integral - era constantemente “corrigido” pela tradição realista vinda de Shakespeare.
O ator Thomas Betterton (1635 - 1710) desempenhou o papel de Hamlet como Burbage o desempenhou uma vez, tendo recebido instruções do próprio Shakespeare. O ator James Queen (1693 - 1766), que parecia muito clássico aos britânicos, desempenhou o papel de Falstaff de forma bastante realista. Em 1741, Charles Maclean (1697 - 1797) interpretou Shylock de forma realista em O Mercador de Veneza, de Shakespeare. No mesmo ano, David Garrick (1717 – 1779), que se tornou o maior ator realista do século XVIII, atuou como Ricardo III. Garrick desempenhou papéis cômicos e trágicos igualmente bem. Como mímico, Garrick não tinha igual. Seu rosto poderia representar consistentemente todas as tonalidades e transições de sentimentos. Ele sabia ser engraçado, patético, majestoso, assustador. Garrick era um ator muito inteligente, com uma técnica ricamente desenvolvida e precisa e ao mesmo tempo um ator de sentimento. Certa vez, enquanto interpretava o Rei Lear na tragédia de Shakespeare, Garrick ficou tão entusiasmado que arrancou a peruca da cabeça e jogou-a para o lado.
Garrick dirigiu o Drury Lane Theatre por muitos anos, onde montou uma companhia maravilhosa e encenou 25 apresentações de Shakespeare. Antes dele, ninguém havia trabalhado com tanta consciência e persistência nas produções das peças de Shakespeare. Depois de Garrick, as pessoas aprenderam a apreciar Shakespeare muito mais do que antes. A fama deste ator trovejou por toda a Europa.
A obra de Garrick resumiu o desenvolvimento do teatro no século XVIII - do classicismo ao realismo.
Século XVIII
Idade da iluminação
No século XVIII, iniciou-se uma era de transição, que terminou com a França revolução burguesa. O movimento de libertação desenvolveu-se e surgiu a necessidade de destruir o feudalismo e substituí-lo pelo capitalismo.
Literatura inglesa" href="/text/category/anglijskaya_literatura/" rel="bookmark">Literatura inglesa nas décadas de 30 e 40 do século XIX. A Revolução Industrial foi um poderoso impulso para o desenvolvimento do capitalismo no país. O proletariado entrou na arena histórica.
A era turbulenta deu vida ao florescimento da cultura democrática, incluindo a criatividade teatral.
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Século XX
1945 – presente
Após a Segunda Guerra Mundial, em conexão com a formação do sistema socialista mundial e o crescimento da guerra de libertação nacional dos povos, o colapso do Império Britânico tornou-se inevitável e natural. Os teatros representam eventos turbulentos e decisivos e mudanças sociais.
Nos primeiros anos após a Segunda Guerra Mundial, o escritor mais popular da Inglaterra foi John Boynton Priestley. Ele escreveu mais de quarenta peças. Os mais significativos deles são “Dangerous Corner” (1932), “Time and the Conways” (“Time and the Conways”, 1937).
Nas peças de Priestley é perceptível a influência da dramaturgia de Tchekhov. Priestley se esforça para transmitir o drama da vida cotidiana, para mostrar a vida com todas as suas nuances, para revelar os personagens não apenas dos personagens principais, mas também dos secundários.
As peças de John Osborne (John Osborne, 1929) desempenharam um papel importante na cultura inglesa. As peças de John Osborne estimularam o desenvolvimento do drama inglês na década de 60.
Em 1956, a peça Look Back in Anger, de John Osborne, foi encenada no Royal Court Theatre, que foi um sucesso retumbante. O dramaturgo transmitiu com muita precisão o estado de espírito da juventude inglesa da época. Jimmy Porter subiu ao palco - o jovem herói “zangado”, como os críticos o chamavam. Este jovem das classes populares, que se inseriu num ambiente social que lhe era hostil, tinha pouca ideia do que consistia uma existência decente. Ele pegou em armas, sem poupar esforços, contra os valores morais existentes, o modo tradicional de vida social e, em parte, contra as leis sociais. Esses mesmos traços caracterizam alguns personagens, tanto modernos quanto históricos, das peças de John Arden, Sheila Delaney e outros.
Atores e diretores progressistas em alguns países estão melhorando suas habilidades utilizando material dramático clássico e os melhores exemplos de literatura realista. Eles usam os clássicos para apresentar questões contemporâneas urgentes. O ator inglês Laurence Olivier, na imagem de Otelo, transmitiu um protesto furioso contra a emergente civilização burguesa. Hamlet serviu a Paul Scofield para expressar os pensamentos tristes e difíceis da jovem geração de intelectuais europeus do pós-guerra que se sentia responsável pelos crimes cometidos no mundo.
As produções das peças de Shakespeare do diretor inglês Peter Brook desfrutam de um sucesso merecido entre o público.
A arte teatral dos últimos tempos é caracterizada por muitas pequenas trupes profissionais, semiprofissionais e não profissionais, vagando de uma localidade para outra; intensificar as atividades dos teatros estudantis; protesto crescente de atores e diretores contra o comercialismo nas artes. Os jovens costumam usar o palco para discussões políticas acaloradas. O teatro sai para a rua, onde são realizadas apresentações semi-improvisadas.
Quase todos os fenômenos da criatividade teatral na Inglaterra são permeados por graves contradições internas, repletas de choques de tendências ideológicas e estéticas opostas.
John Osborne é um defensor do teatro, que critica as ordens sociais no mundo capitalista, que é a arma mais convincente da época.
As peças de John Osborne determinaram o desenvolvimento do drama inglês nos anos 60.
A originalidade da dramaturgia de Sean O'Casey, notável dramaturgo anglo-irlandês, é determinada pela sua ligação com a tradição do folclore irlandês. Suas peças são caracterizadas por uma combinação bizarra de trágico e
Laurence Olivier como Ricardo III
"Ricardo III" W. Shakespeare
cômico, real e fantástico, cotidiano e patético. Os dramas de O'Casey usam as convenções do teatro expressionista.
O movimento dos teatros folclóricos, com objetivos principalmente educacionais, varreu a Europa. Na Inglaterra, o Workshop Theatre surgiu e ficou muito famoso sob a direção de Joan Littlewood.
Londres é famosa pelos seus museus, edifícios históricos e restaurantes ultramodernos. Mas só a vida teatral que domina a cidade a distingue das outras cidades. Se uma peça fizesse sucesso em Londres, repetiria o sucesso em outros lugares.
O único concorrente de Londres pode ser Nova York com a Broadway, mas mesmo ela não pode se orgulhar de edifícios teatrais com uma longa e rica história. A parte central da cidade, os bairros West End, South Bank e Victoria surpreendem com uma concentração especial de teatros - desde pequenos estúdios para 100 espectadores até grandes templos de Melpomene. Oferecemos uma visão geral dos dez mais grandes teatros Londres.
O Shaftesbury Theatre, localizado próximo à Holborn Street, está listado entre os edifícios britânicos de valor arquitetônico e histórico. Graças a um pequeno acidente ocorrido com a cobertura do prédio em 1973, foi dada atenção a ele. Desde 1968, o famoso musical “Hair” foi exibido em seu palco 1998 vezes. O show, que promovia o movimento hippie, foi posteriormente encerrado. Quando o musical foi exibido pela primeira vez no palco do West End, o censor de teatro Lord Cameron Fromentil "Kim" Baron Cobbold o proibiu. Os produtores pediram ajuda ao Parlamento, que deu permissão emitindo um projeto de lei que anulava completamente a proibição do barão. Este acontecimento sem precedentes na história da arte teatral pôs fim à censura teatral na Grã-Bretanha - nada mal para um teatro com capacidade para 1.400 espectadores.
A poucos quarteirões de Shaftesbury fica o Palace Theatre, que também pode acomodar 1.400 espectadores. Sua especialidade são musicais, como Singin' in the Rain ou Spamalot. O teatro foi inaugurado em 1891 e ficou conhecido como Royal English Opera House sob o patrocínio de Richard d'Oyly Carte. Recentemente, além de óperas, musicais, filmes e outros espetáculos foram exibidos no palco. Ao longo da década de 1960, o musical “. The Sound of Music” foi exibido no teatro 2.385 vezes. O teatro foi incluído na lista de edifícios da Grã-Bretanha com valor arquitetônico e histórico. Junto com ele, outros edifícios da região foram incluídos na lista.
O Teatro Adelphi comemorou recentemente seu 200º aniversário. Apesar do tamanho modesto do prédio, o teatro pode acomodar 1.500 espectadores. Ele é conhecido por produções como Chicago e Joseph e o Amazing Technicolor Dreamcoat. O edifício Art Déco de 1930 fica ao lado do Strand Palace Hotel. Este é o quarto edifício em toda a história do teatro desde 1809. Uma placa na parede de um bar próximo culpa o teatro pela morte do ator, que já foi apoiado pelo grande Terriss. Mas, na verdade, o príncipe Richard Archer, um ator fracassado que perdeu popularidade e decência devido ao vício do alcoolismo, se declarou culpado do assassinato de seu mentor Terriss em estado de insanidade e foi enviado para tratamento compulsório a um hospital psiquiátrico, onde foi liderou a orquestra da prisão até sua morte. Dizem que o fantasma do não vingado Terriss, chateado com a sentença branda imposta ao seu protegido e assassino, ainda vagueia pelo prédio do teatro à noite.
Alguns shows estão no palco do West End de Londres há décadas, e o Victoria Palace oferece constantemente um repertório novo, como o musical Billy Elliott. Embora esteja no palco desde 2005, o que é muito, como dizem espectadores regulares. O teatro tem uma longa história, que começou em 1832, quando era apenas uma pequena sala de concertos. Hoje o prédio, construído em 1911, tem capacidade para 1.517 espectadores. Está equipado com um teto deslizante, que se abre nos intervalos para ventilar o salão. Houve muitos espetáculos memoráveis no palco do teatro, mas o mais memorável deles foi a peça patriótica "Jovem Inglaterra" de 1934, que recebeu muitos críticas negativas. Durou apenas 278 apresentações.
O Prince Edward Theatre está localizado no coração do Soho e tem capacidade para 1.618 pessoas. Tem o nome do herdeiro do trono da Coroa Britânica, Eduardo VIII, um rei que esteve no trono apenas alguns meses e o abandonou em nome do amor. Tradicionalmente, shows e performances românticas acontecem no palco, por exemplo, “Show Boat”, “Mamma Mia”, “West Side Story”, “Miss Saigon”. O teatro tem uma longa história, que remonta a 1930, quando era apenas cinema e salão de dança. Somente em 1978 foi inaugurado o teatro, programado para coincidir com a estreia do musical “Evita” sobre a mundialmente famosa mulher, esposa do presidente da Argentina. A peça teve 3.000 apresentações, e a atriz Elaine Page, que interpretou Evita, teve um início brilhante em sua carreira teatral e se tornou uma estrela.
Apesar da remodelação da Tottenham Court Road, em Londres, para criar um melhor entroncamento rodoviário, uma coisa permanece inalterada: a estátua gigante de Freddie Mercury com a mão levantada enquanto canta "We Will Rock You" em frente ao Dominion Theatre. O espetáculo está nos palcos desde 2002 e, apesar das críticas desagradáveis da crítica, foi um sucesso de público. O teatro, construído em 1929 no local de uma antiga cervejaria londrina, tem capacidade para 2.000 espectadores. O prédio também abriga a Igreja Dominical Australiana, que utiliza o palco e a iluminação do teatro durante as missas.
Este é um dos maiores teatros de Londres. As colunas que adornam a entrada central datam de 1834, e o próprio edifício foi reconstruído em 1904 em estilo rococó. Ao longo da história da sua existência, que remonta a 1765, teve de tudo menos um teatro, por exemplo, durante 50 anos acolheu jantares da Secret Beef Steak Society. Em 1939, quiseram fechar o prédio, mas devido ao início da construção da estrada, ele foi salvo. Há 14 anos, a peça “O Rei Leão” é encenada no palco do teatro, e a dramatização da Disney parece já estar instalada aqui há muito tempo e traz boas receitas de bilheteria.
Teatro Real, que pode acomodar 2.196 espectadores, é considerado o principal teatro de Londres por esse motivo. Desde 1663, existem vários teatros neste local, e a própria Drury Lane é considerada uma rua teatral. Como muitos outros teatros, o Royal trabalhou sob a direção de Andrew Lloyd Webber, autor dos musicais Evita e Cats. Outras produções que já apareceram no palco incluem Oliver, que virou filme musical de mesmo nome, Os Produtores, Shrek e Charlie e a Fábrica de Chocolate, que ainda está em cartaz. Além de musicais e atores, o teatro é famoso por seus fantasmas, como o fantasma de um homem vestido de terno cinza e chapéu armado. Segundo a lenda, ele foi morto no prédio do teatro nos séculos XVIII e XIX. Outro fantasma é Joseph Grimaldi, um palhaço que supostamente ajuda atores nervosos no palco.
O London Paladium Theatre é famoso não só em Londres, mas em todo o mundo. Fica a poucos passos da Oxford Street. Tornou-se popular graças ao show noturno “Sunday Night at the London Palladium”, que durou de 1955 a 1967. Milhões de espectadores conheceram o palco giratório e ações cênicas de vários tipos. Em 1966, os proprietários do edifício tentaram vendê-lo para posterior reconstrução, mas foi salvo graças a investidores teatrais e ao facto de, além do teatro, em 1973 ter sido inaugurada ali uma sala de concertos para actuações do grupo de rock “Slade ”. As constantes lotações esgotadas e as ações ativas dos fãs da banda quase causaram o desabamento da varanda do salão. Em 2014, o show de talentos “The X Factor: The Musical” foi inaugurado na sala do teatro.
Se o teatro Appollo Victoria não for o mais popular de Londres, então pode ser reconhecido com segurança como o mais alto. Está localizado a poucos metros do Victoria Palace e tem capacidade para 2.500 espectadores. Vários teatros da crítica apresentada estão localizados nas proximidades e criam uma espécie de “país teatral”. Apollo Victoria foi inaugurado em 1930. O edifício é projetado em estilo art déco com temática náutica e fontes e conchas como decoração. Demorou 18 anos para construir estrada de ferro para o musical “Starlight Express”, para que o trem circulasse pelo perímetro do auditório conforme o roteiro. Outro musical popular apresentado no teatro é “Wicked”. A receita de bilheteria da estreia foi de 761 mil libras e, ao longo de 7 anos, a receita da performance é estimada em 150 milhões. Os amantes do cinema afirmam que o teatro irá desaparecer num futuro próximo, mas as estatísticas relacionadas com o número de espectadores em cada musical e a quantidade de receitas de bilheteira indicam o contrário. O cheiro de ruge e cal, o barulho do auditório nunca desaparecerão.
No entanto, Arquitetura moderna em nada inferior à beleza e elegância dos edifícios históricos dos teatros.
