Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Sa Pransya at noong ikadalawampu siglo, ang mga sinehan sa libangan ang unang puwesto. Sa Paris, ito ay mga teatro sa boulevard na nawala ang kanilang dating demokrasya. Ang kanilang mga may-ari ay hinabol ang mga layuning pangkomersiyo at binibilang sa burges na madla. Mayroon ding mga di-permanenteng tropa na nagtipon upang itanghal ang alinmang dula, at pagkatapos ay binuwag sa sandaling tumigil ang dula sa paggawa ng mga koleksyon.

Kasabay nito, ang mga state-owned stationary theater na may mataas na antas ng kanilang mga kasanayan sa pagdidirekta at pag-arte ay may mahalagang papel sa buhay teatro ng France.

Sa pagtatapos ng ika-19 na siglo, tulad ng alam mo, nagsimula ang mga masining na paghahanap sa teatro ni Antoine. At kahit na limitado sila sa theatrical aesthetics ng naturalism, lumitaw ang mga batang aktor sa kanyang teatro at sa Odeon theater, nang pinamunuan niya ito, na kalaunan ay nagbago sa French theater.

Ito ang una sa lahat Charles Dullin (1885-1949). Ang kanyang pinakamahusay na mga tungkulin ay Harpagon (“The Miser” ni Molière), Smerdyakov (“The Brothers Karamazov” ni Dostoevsky), Mercade (“The Dealer” ni Balzac).

Pero hindi lang nasiyahan si Dullen sa acting work. Nag-isip siya ng malawak na reporma ng sining sa teatro at noong 1921 ay nagbukas ng kanyang sariling teatro na "Atelier", na umiral sa ilalim ng kanyang pamumuno hanggang 1940. Kasama sa repertoire sina Aristophanes, Moliere, Calderon, Shakespeare, Ben Jonson, at mga modernong may-akda - Pirandello at Salacru at iba pa Sinubukan ni Dullin na bumuo ng mga bagong pamamaraan ng pagpapahayag ng entablado, na sumasalungat sa nakapirming klasikong paraan ng Comédie Francaise. Sa disenyo ng mga pagtatanghal, sa halip na ang tradisyonal na tanawin ng Comédie Francaise o ang photographically detalyadong naturalistic na tanawin ng Antoine, ipinakilala niya ang isang laconic na disenyo kung saan ang pangunahing papel ay ibinigay sa kulay at liwanag (ang liwanag ay maraming kulay at nagpapahayag); ang lahat ng ito ay lumikha ng tamang kapaligiran.

Hindi nag-iisa si Dullen sa kanyang mga gawaing masining. Noong 20-30s. sa Paris, ang mga avant-garde na direktor ay nakikibahagi sa pag-update ng sining sa teatro - Louis Jouvet (Teatro "Ateney"), Gaston Bathy (Theater "Montparnasse") at). Georges At Ludmila Pitoeva (Theater Mathurin). Ito ay iba't ibang mga direktor sa kanilang mga aesthetic na pananaw. Binigyang-pansin ni Bati ang pagiging sopistikado ng anyo ng pagtatanghal. Interesado si Jouvet sa panloob na pagkasira ng mga bayani. Ang mga Pitoev ay sumunod sa realismo sa kanilang repertoire at pagtatanghal, na ipinakilala ang mga dula ni Chekhov sa mga Parisian. Sa pananalapi, ang mga sinehan na ito ay may mahirap na buhay, upang mapadali ang kanilang pag-iral, noong 1926 sila ay nagkaisa sa "Cartel".

Noong 1936, inanyayahan ang Cartel sa Comedy Française academic theater. Ngunit si Dullen lamang ang nakapagtanghal ng Le nozze di Figaro. Ang pagkakaiba sa pagitan ng mga masining na prinsipyo ng Cartel at ng Comédie Francaise ay masyadong naiiba, kaya't wala nang malikhaing gawain ang naganap.

Noong 1920 ang direktor Firmin Gemier (1869-1933) isa pang teatro ng estado ang itinatag - ang National People's Theater (TNP). Sinasakop nito ang isang makabuluhang lugar sa buhay kultural ng France. Ito ang pangalawang teatro pagkatapos ng Comedie Francaise. Sinimulan ni F. Gemier ang kanyang karera sa Antoine, gumanap ng mga katangiang tungkulin. Noong 1911, inorganisa niya ang National Travelling Theater upang maglingkod sa masa. Ngunit ang teatro ay tumagal lamang ng dalawang taon, hindi ito makaligtas sa ekonomiya. Ngunit ang ideya ng isang teatro para sa masa ay isinama noong 1920 sa teatro ng TNP. Nakatanggap ang teatro na ito ng subsidy ng estado at isang malaking silid sa Palasyo ng Trocadero. Kasama sa repertoire ang mga monumental na produksyon ng mga klasiko ("Oedipus Rex" sa pagproseso ng de Buelier), mga kakaibang kasiyahan na nagpatuloy sa mga tradisyon ng Great French Revolution at ng Paris Commune ("La Marseillaise", "Apotheosis of Peace", "Mga Kanta ng Rebolusyon”, “Mabuhay ang kalayaan!”) . Ito ay mga panoorin sa masa kung saan nakilahok ang mga propesyonal na aktor at mga amateur na grupo. Pinangunahan ni Gemier ang teatro hanggang sa katapusan ng kanyang buhay, na gumaganap bilang isang artista sa iba't ibang mga sinehan sa Paris. Noong 1926, pinasimulan niya ang organisasyon ng World Theater Society, na dapat magsulong ng cultural rapprochement sa pagitan ng mga bansa.

Matapos ang pagkamatay ni Gemier, ang TNP ay pinamumunuan ng direktor na si Andre Lesueur, na nagdirekta noong 1937-1938. "Wolves" ni R. Rolland, "Sheep Spring" ni Lope de Vega at "Mother" ni Gorky.

Ang bisperas ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig ay labis na nadama ng mga artista sa lahat ng mga bansa sa Europa. Ang mga teatro na paghahanap, sa isang paraan o iba pa, ay nagpapakita ng pagkabalisa para sa kapalaran ng mundo. Ang teatro at dula ay kailangang tumugon sa mga nagaganap na kaganapan sa buhay panlipunan at pampulitika. Sa simula pa lamang ng ika-20 siglo, sinabi ni Bernard Shaw na ang modernong drama ay isang drama ng mga ideya, isang drama-discussion, i.e. ang tinatawag nating intelektwal na drama.

Ang mga tampok ng intelektwal na drama ay, bilang panuntunan, walang mga panlabas na kaganapan na nagaganap dito. Lahat ng mga ito ay ginaganap sa labas ng entablado, at ang mga tauhan sa entablado ay tinatalakay ang mga ito. Ang bayani sa isang matinding sitwasyon ng krisis ay dapat pumili kung ano ang gagawin. Walang sapat na sikolohikal na bisa dito. Dito ang pagpili ay ideolohikal, intelektwal, at hindi sikolohikal.

Sa simula ng Pransesintelektwal na dramagastosJean Girodou(siya ay pinag-aralan sa Sorbonne at Cambridge). Ito ay isang mahusay na manunulat, playwright. Sa unang bahagi ng kanyang trabaho, nanaig ang mga mood ng pagkabalisa at pagkalito. Naramdaman niya ang hindi pagkakasundo na naghahari sa mundo. Tinukoy ng mga kaganapan sa Unang Digmaang Pandaigdig ang pagtanggi ni Girodou sa isang abstract-romantic na saloobin sa realidad, isang apela sa socio-historical at etikal na mga salungatan. Naakit niya ang isip at damdamin ng mga tao. Marami sa kanyang mga dula ang nakatanggap ng isang trahedya na tunog. Nagsusulat siya ng nobela"Siegfried",na kasunod na ginawang isang dula (1928). Sinasalamin nito ang pagtanggi sa nakaraang digmaan. At nasubaybayan din ang ideya ng relasyon at mutual na dignidad ng mga kulturang Pranses at Aleman. Ang unang play ni Girodou ay"drama ng mga ideya".Ang lahat ng mga panlabas na kaganapan ay naganap sa likod ng mga eksena. Isang tuluy-tuloy at maigting na talakayan ang bumungad sa harap ng madla, na hindi huminto kahit sa liriko na mga eksena. Nagkaroon ng espirituwal na pakikibaka - para kay Siegfried at Jacques, para sa isang tamang pag-unawa sa makasaysayang layunin ng mga Aleman, para sa kahulugan ng mismong konsepto ng "bansa". Totoo, si Giraudoux ay hindi nagbigay ng tiyak na sagot sa alinman sa mga tanong na ibinibigay, ngunit nanawagan siya para sa isang pag-unawa sa katotohanan, ginising ang civic conscience, nanawagan para sa pagsusuri ng mga aksyon mula sa pananaw ng mataas na mga kinakailangan sa moral.

Noong 1935, lumabas ang isang pamplet na drama"Walang Trojan War"kung saan ang foreboding ng nalalapit na World War II tunog alarmaly. Dito niya ginamit ang balangkas ng Iliad ni Homer. Ang dula ay idinirehe niLouis Jouvet . Ang mga antigong, mitolohikong eksena ay ginagamit bilang isang alegorikal na anyo ng muling paglikha ng isang modernong banggaan.

Tinatalakay ng dula ang suliranin ng kalagayang moral ng isang tao: isang kalunos-lunos na pagmuni-muni kay Hector (alam natin kung paano natapos ang digmaang ito); isang nakakatawang pagmumuni-muni sa matatanda, uhaw sa digmaan. Ang pagkauhaw sa digmaan ay ang pagkauhaw sa kamatayan. Umaasa si Hector na may lalabas na abogado na hahatol sa hindi pagkakaunawaan (ang salungatan sa pagitan ng nakasulat at hindi nakasulat na batas). Lumilitaw ang Abogado (isang uri ng alegorya). Sinasabi niya na ang digmaan ay hindi maiiwasan. Ngunit nag-aalok sa kanya si Hector ng bayad, at pinatunayan niya sa parehong mga argumento na dapat ibalik si Elena nang walang aksyong militar. Lumilitaw si Ulysses. Si Hector ay nagsasalita sa ngalan ng isang batang ama, isang batang ina, sa ngalan ng ibang tao, ang kanyang posisyon ay laban sa digmaan. At si Ulysses ay nagsasalita sa ngalan ng matatalinong tao. Ang mga argumento ng katwiran at ang mga argumento ng karanasan ay hindi nagtutugma. Ngunit ang tao ay may kapangyarihan sa buhay. Naiintindihan ito ni Ulysses, at pinipigilan niya itong magtiwala kay Hector. Sa timbangan ng hustisya, mas matimbang ang mga argumento ni Hector. At puro pagkakataon ang nagsisimula ng digmaan.

At binigay ni Elena ang kanyang pagmamahal kay Minelaus, pagkatapos ay sa Paris, pagkatapos ay sa nakababatang kapatid ng Paris. Worth it ba ang magsimula ng digmaan?

Ang manunulat ng dula ay nagpahayag ng kanyang pagkasuklam para sa mga batayang hilig, para sa mga bisyo ng isang indibidwal na tao, para sa moralidad at pilosopiya ng mga "makapangyarihan".

Isang bagong salungatan ang iginiit ni Girodou - sa pagitan ng indibidwal at intelektwal na kalooban ng isang tao at buhay, ang mundo, kapalaran.

Ang salungatan na ito ay kalunos-lunos, hindi ito malalampasan; ito ay nakamamatay: ang kapalaran ay paunang natukoy.

Ang dulang ito ay nagbunga ng isang buong kalakaran. Ngunit ang kontrobersya tungkol dito ay hindi humupa hanggang ngayon. Sa French dramaturgy noong 1930s, mahirap makahanap ng isang dula kung saan iba ang kanilang isusulat at sasabihin. Inaakusahan ng ilan si Giraud bilang walang kibo, pinag-uusapan ang digmaan bilang isang makasaysayang pagkamatay. Ang iba, sa kabaligtaran, ay kumbinsido na walang fatalismo sa dula, na ang mga digmaan ay nagsisimula hindi dahil ang walang talo na kapalaran ay naghahari sa mundo, ngunit dahil ang digmaan ay kapaki-pakinabang sa isang tao. Inaakusahan ng iba si Giroda na nasa gilid ng burgesya, na nagdedeklara ng digmaan na hindi maiiwasan. At, sa wakas, mayroong isang opinyon tungkol sa dula bilang isang obra maestra, na nagmamarka ng isang uri ng "politikal na teatro", na humihiling ng paglaban.

Nagbago ang panahon, nagbago ang pananaw. Ngunit ang polarity ng mga pagtatasa ay sanhi din ng panloob na hindi pagkakapare-pareho ng dula. Papalapit na ang digmaan, at naiintindihan ito ni Girodou nang mas mahusay kaysa sa sinuman, na inilalantad ang mga tiyak na dahilan - nasyonalismo, mandaragit na pagnanais para sa mga pananakop at pagnanakaw, militarismo na lumalason sa kamalayan ng mga tao, ang katangahan ng mga pinuno, ang kanilang mapanlinlang na patakaran, na kadalasang binubuo ng mga provokasyon. .

Ang panoorin ay isang pag-aalsa laban sa duwag at alipin na nabubuhay sa tao, laban sa kapangyarihan ng mga likas na hilig ng hayop, laban sa kapangyarihan ng nakamamatay at hindi maintindihan, na lumalapit na parang hindi maiiwasan.

Oo, si Hector ay napapaligiran ng mga bulag, mga taong makasarili, mga demagogue, at mahirap para sa kanya na lumaban sa kanila. Ngunit nalampasan niya ang karamihan sa mga hadlang: Si Helen, na ang kagandahan ay ang pang-akit ng mga nakamamatay na instinct na humahantong sa digmaan, ay sumang-ayon na bumalik sa Greece kasama ang lahat ng kanyang kawalan ng puso. Ang pagiging makasarili at kawalang-galang ng Paris, ang militansya ni Haring Priam ay yumuko sa mapilit na kalooban ng kanyang nakatatandang kapatid na lalaki at anak. Kahit na ang lasing na katangahan ng Greek envoy na si Ajax ay hindi makalaban sa kagandahan at pagkakawanggawa ni Hector. Pinamamahalaan niyang pigilan ang provocation ng "diplomatic consultant" na si Buziris (bawat pangungusap ay parang topical at pinatunayan na hindi ang mga Diyos ang nagsisimula ng mga digmaan, ngunit ang mga naghaharing bilog na may kawalang-interes at walang katwiran ng mga tao).

Ang eksena ng pakikipagkita ni Hector sa embahador ng Greece na si Ulysses ay umabot sa isang trahedya na kapangyarihan. Nang hindi tumitingin, nakatingin sila sa isa't isa. Si Ulysses ay isang makaranasang politiko, alam ang sakim na pagnanasa ng kanyang estado, na nauunawaan na halos imposibleng maiwasan ang digmaan, siya ang pinakamatalino at pinaka tuso sa mga Griyego; at Hector - bata, walang karanasan sa diplomasya, madamdamin, aktibo, matapang. Alam nila na ang bawat salita na kanilang sinasabi ay tumitimbang sa timbangan ng kasaysayan, na ang mga utos ng mga diyos ay maling salita, ang imbensyon ng mga taong may balak gamitin ito. Nakatayo sila laban sa backdrop ng mabibigat, sarado pa na "mga pintuan ng digmaan" at alam na ang pinakamaliit na kawalang-ingat, anumang di-sinasadyang pagpukaw ay hahantong sa pagdanak ng dugo, sa pagpatay. Ang eksenang ito ang naging kasukdulan ng dula.

Gayunpaman, ang lahat ng pagsisikap nina Hector at Ulysses ay walang kabuluhan. Sa huling sandali, ang namamatay na Demokos, na tinusok ng sibat ni Hector, ay namamahala upang pukawin ang pagpatay kay Ajax. Ngayon ang digmaan ay hindi maiiwasan. "Patay na ang makata ng Trojan... Nagsasalita ang makata ng Griyego" - Ang hindi mapakali na hula ni Cassandra ay nagtapos sa dula, na naglalarawan sa pagkawasak ng Troy.

Ang dulang ito ay itinanghal sa kakaibang paraan: isang walang laman na entablado, kulay-pilak sa likod ng entablado, isang tarangkahan lamang sa gitna ng entablado (ang tarangkahan ng digmaan). Ang lahat ng mga karakter ay nakasuot ng iba't ibang kasuotan: Sina Hector at Andromache ay mga antigong kasuotan, si Hecuba ay nakasuot ng ika-18 siglong kasuutan, si Ulysses ay naka tailcoat, ang Abogado ay nakasuot ng modernong kasuutan. (Naka-istilo ang mga costume noong panahon, maliban sa mga tailcoat at moderno). Ang eclecticism ay hindi lamang sa mga costume, kundi pati na rin sa disenyo. Para saan? Ang punto ay ang mga problemang tinalakay sa dula ay tipikal sa anumang oras, sa anumang panahon. Ang buhay ng tao ay itinakda ng tadhana. Gayunpaman, si Louis Jouvet ay nagtanghal ng pagtatanghal hindi bilang isang trahedya ng nakamamatay na kamatayan. Ang buong harmonic na istraktura ng pagtatanghal, ang kahanga-hangang cast, na ipinanganak ng espirituwal na komunidad ng mga kalahok nito, ay sumalungat sa mapanirang ideya ng isang hindi maiiwasang digmaan.

Louis Jouvet, na nagtanghal ng pagtatanghal na ito (at ginampanan ang papel ni Hector mismo dito), binibigyang-kahulugan ang intelektwal na dramang ito bilang isang drama sa lahat ng panahon, ng lahat ng mga tao.

Ang intelektwal na tradisyon sa drama ay pinagtibay.

Sartre, Camus, Anouille - ito rin ay mga phenomena na may likas na intelektwal sa teatro.

Jean-Paul Sartre umunlad mula sa isang miyembro ng French Resistance tungo sa isang ultra-kaliwang kilusan na sumuporta sa Maoismo.

Nagsimula siya bilang isang existentialist noong mga taon ng Resistance.

Eksistensyalismo – pilosopikal na direksyon, ang pinakasikat sa Kanluran (mga pilosopo na sina Martin Heidegger, Karl Jaspers). Sa mga manunulat, ibinahagi siya, maliban kay Sartre, ni Hemingway, Camus, Anouilh.

pag-iral – pag-iral. Sinasabi ng eksistensyalismo na mayroong komprehensibong pag-unawa sa tao, personalidad, sa mundong ginagalawan ng tao. Ang tao ay itinapon sa mundong ito, pinilit na umiral dito. Ang sentral na kababalaghan - pagkakaroon (umiiral - pagkakaroon) - ang tanging parameter. Ang pag-iral ay ang unang bagay na ibinigay sa tao. At ang pangalawa - mga batas, mga entidad.

Ang tao ay isang kalunos-lunos na nilalang: siya ay pinagkalooban ng katwiran at alam ang tungkol sa hangganan ng kanyang pag-iral. At ang pag-iral ay walang katotohanan sa ugat: bakit umiiral kung ang isang tao ay kailangang mamatay pa rin. Ito ang kalunos-lunos na kalungkutan ng tao. Ang isang tao ay ipinanganak para sa pagdurusa (ipinanganak siya na may sigaw, nilalabanan niya ang kanyang pag-iral - ito ang sinasabi ni N. Berdyaev).

Ang kakanyahan ng pagkakaroon ng lipunan, ang kakanyahan ng buhay ay ang isang tao ay hindi nais na harapin ang katotohanan, i.e. ng kamatayan. Siya ay lumalawak sa kanyang pag-iral, at kung siya ay tumakas mula dito, pagkatapos ay siya ay tumakas mula sa kanyang pagkatao. At hindi iyon totoong buhay. Ang takot, pagkabalisa, pagkabalisa ng isang tao ay impormasyon tungkol sa kanyang mga paa. At ang totoong tao na hindi natatakot na sumabak sa trahedyang ito. (Ito ay makikita sa anumang gawa ng sining).

Ang eksistensiyalistang pananaw sa mundo ni Sartre ay ipinahayag sa kontekstong moral. Ang kanyang artikulong "Being and non-being" (1942) ay tumutukoy sa kanyang saloobin sa problema ng pagkakaroon (existence:

Ang isang tao na natagpuan ang kanyang sarili sa ganito o ganoong sitwasyon ay dapat gumawa ng isang pagpipilian, kahit na ito ay mapanganib para sa kanyang sarili. Ang kadakilaan ng isang tao ay kung siya ay pipili ayon sa kanyang sariling kalikasan; at kadalasang kailangang gumawa ng pagpili sa kabila ng sitwasyon (ito ay partikular na may kaugnayan at kataasan sa moral noong mga taon ng pananakop ng France).

Sa kanyang mga dula siya naglalarawan mga pahayag mula sa kanyang pilosopiya.

Maglaro"langaw"(1943), itinanghalCharles Dullinsa Sarah Bernhardt theater sa inookupahang Paris, ay batay din sa isang sinaunang kuwento.

(Sa pamamagitan ng paraan, hiniling ng mga sumasakop na awtoridad na palitan ang pangalan ng teatro na ito, pinuntahan ito ni Charles Dullin: ang teatro ay tinawag na City Theater sa loob ng ilang panahon. Ngunit sa mismong teatro, ang lahat ng konektado sa pangalan ni Sarah Bernhardt ay sagradong pinarangalan: Dullin nakolekta ang lahat ng mga costume, lahat ng mga bagay na may ilang uri ng o ang saloobin kay Sarah Bernhardt, sa kanyang dating dressing room sa teatro - ito ay naging isang uri ng alaala.)

Dumating si Orestes sa Argos, kung saan naghahari ang paniniil, usurpation, upang palayain si Argos mula sa Clytemnestra, mula sa usurpation, mula sa mga langaw. Ang Orestes ay kahawig ng isang bayani ng paglaban. Naiintindihan niya na dapat niyang iligtas ang kanyang bayan. Pero paano? (Ayon sa mitolohiya, dapat niyang palayain si Argos, sa gayon ay ginagampanan ang kanyang tungkulin. Ngunit ang paraan para dito ay pagpatay, ibig sabihin, katulad ng sa langaw at Clytemnestra). Ngunit nagdududa si Orestes kung may karapatan ba siyang pumatay, sa karahasan. Ngunit wala siyang ibang paraan, at napilitan siyang kunin ang espada. Ngunit ngayon ay dala na niya ang selyo ng isang rapist. Kaya naman, iniwan niya si Argos na may mabigat na pakiramdam.

Sa pampublikong buhay ng France, ang parehong mga tanong ay pinagtatalunan: "Posible ba ang karahasan?" Maraming nagsalita para sa katahimikan, para sa hindi pagtutol, upang hindi maging katulad ng mga Aleman sa anumang kaso. Ito, pinaniniwalaan, ang magiging kadakilaan ng France.

Sa kabilang banda, iba ang paglalagay ng tanong ni Sartre: kailangang humawak ng armas, bagama't masakit ito para sa konsensya, ibig sabihin, kailangan ang paglaban sa kaaway.

Nilulutas ni Sartre ang mga intelektwal na problema. Walang sapat na sikolohikal na bisa dito. Dito ang pagpili ay ideolohikal, intelektwal, at hindi sikolohikal.

Ang "langaw" ay isa sa mga unang manifesto ng eksistensyalistang kalayaan, na nauunawaan bilang isang pahayag ng karapatan ng indibidwal na gumawa ng isang malayang pagpili ng landas ng buhay.

Nahiwalay sa karaniwang buhay ng tao, ang isang tao ay maaaring pumili ng landas na patungo sa kabutihan, o maaari siyang tumahak sa landas ng kasamaan. Sa pormal at abstract na pormulasyon na ito ng tanong, ang humanistic na esensya ng tungkulin ay hindi itinakda sa anumang paraan at ang panlipunang aktibidad ng indibidwal ay hindi ibinigay para sa. Ngunit hindi siya nagtanong sa ganitong paraan.

Nabigo si Orestes na "baligtarin ang lahat sa Argos". Pinalaya niya ang mga Argives mula sa malupit, ngunit hindi niya ginising ang kanilang mga kaluluwa. Nanatili silang bulag, duwag na mandurumog, handang batuhin ang kanilang tagapagligtas. Si Electra ay umatras din mula sa Orestes, na namuhay sa loob ng maraming taon na may mga pangarap ng paghihiganti at mortal na natatakot sa responsibilidad kapag nakamit ang paghihiganti. Si Sartre ay hindi nabubuhay: mahirap ipaliwanag kung bakit ang mga Langaw - Erinyes, ang mga tagapaglingkod ni Jupiter, na nagpahirap sa mga Argos, na pinahirapan ng takot at pagsisisi, ay lumipad palayo sa ulap pagkatapos ni Orestes, na hindi nakakaalam ng takot, kumbinsido sa katuwiran ng kanyang kilos.

Ngunit si Dullen ay hindi ibinigay sa abstract theorizing. Nakita niya sa dula ang pinakamalaking problema sa moral ng ating panahon. May iba rin siyang naintindihan - ang kalabuan ng kahulugan ay magliligtas sa seditious na dula, mag-alis ng mga hinala ng mga mananakop mula dito - hayaan, sabi nila, ang mga Pranses ay magsaya sa mga pilosopikal na abstraction. Umaasa si Dullin na mas mauunawaan ng mga Pranses ang mga metapora ni Sartre kaysa sa mga pasistang awtoridad. Mahirap bang kilalanin ang napako sa krus na tinubuang lupa sa Argos na ito, na lumubog sa putik, kung saan ang mga kulupon ng sobrang timbang na mga langaw ay dumarami? Hindi ba nahirapan ang mga Pranses sa pag-iisip na sila, na pinahintulutan ang pagtataksil sa kanilang kawalang-ingat at kawalang-interes, ay sadyang kasangkot sa krimen? Ang pagganap ni Dullen ay umaakit sa budhi, sa pangangatuwiran, sa pakiramdam ng moral na pananagutan ng madla.

Gumawa si Dullin ng isang pagganap na kakaiba upang lituhin ang mga awtoridad na sumasakop, at malinaw na malinaw para sa madla. Sa malaking entablado ng Sarah Bernard Theatre, ilang sloping looms ang inilagay, na naging posible upang makabuo ng dynamic at iba't ibang mise-en-scenes na nagbigay sa pagganap ng isang epic na lawak. Ang walang hugis na estatwa ni Jupiter, ang mga pangit na maskara ng mga Argives na may malalaki at namamaga na mga ulo, at ang walang tigil, masakit, nakakabigla na hugong ng mga langaw ay lumikha ng isang mapanglaw, nagbabala na kapaligiran ng isang lungsod na nabaon sa kakila-kilabot na kasawian.

Sa buong takbo ng aksyon, kumbinsido si Dullen na ang "order" ng mga alipin - Aegisthus at Jupiter - ay isang napakagandang blackmail.

At gaano man kaabtik ang eksistensyalistang argumentasyon ni Sartre, ang pangunahing moral na aral ng pagganap ay sa mga salita ni Orestes, sinabi bago ang pagpatay kay Aegisthus:“Ang hustisya ay gawain ng mga tao, at hindi ko kailangan ng mga Diyos na malaman kung ano ito. Makatarungang durugin ka, hamak na hamak, patas na ibagsak ang iyong kapangyarihan sa mga naninirahan sa Argos, patas na ibalik ang kanilang dignidad sa kanila.

Gaano man kalituhan ang labirint ng pilosopikal na kaisipan ni Sartre, sinabi ng kanyang dula: ang mga tao ay naging alipin dahil hinayaan nilang takutin, yumukod sa karahasan. Dapat tayong kumilos, lumaban, lumaban. Noong 1943 ang paglalaro ni Sartre ay nakita bilang isang manifesto ng Resistance. Ginampanan ni Dullin si Jupiter: ang pagsira sa diyos ay lantarang anti-pasista sa kanyang interpretasyon. Ang katawa-tawa ni Dullen ay katulad ng The Dictator ni Chaplin. Ang tagumpay ng "Flies" ay halos hindi kapani-paniwala para sa lungsod na nakuha ng mga kaaway. Bilang karagdagan sa pinakadakilang pampublikong misyon, natuklasan ni Dullen ang isa sa mga pinakadakilang manunulat ng dula sa ating panahon.

Albert Camus nagsimula ang kanyang aktibidad noong 1937, ay kilala bilang isang miyembro ng Resistance, bukod pa rito, isa sa mga pinuno ng Resistance. Siya ay isang Nobel laureate. Namatay sa isang aksidente sa sasakyan noong 1959

Ang kanyang mga dula ay madalas na binuo batay sa isang balangkas ng Russia. Ang kanyang idolo ay si Dostoevsky. Itinanghal niya ang nobelang "Mga Demonyo". Noong 1970s, ang pagtatanghal na ito ay itinanghal sa Poland ni Andrzej Wajda. Marami siyang dula sa tema ng mga populist, ngunit hindi pa ito naisalin sa Russian.

Noong mga taon ng digmaan, lumitaw ang kanyang dulang "Caligula". Antique na kwento. Sa gitna ay ang imahe ng Romanong diktador at ang kanyang panloob na pagbagsak: natunton kung paano napupunta ang isang tao sa paniniil at kung paano siya bumagsak.

Maglaroayitinanghal noong 1952 sa TNP theater kasama si Gerard Philip sa pamagat na papel. Ang ideya ay ipinahayag dito: ang mga tao ay nagnanais ng isang diyus-diyosan, at tinanggap niya ito. Ibig sabihin, ang punto ay hindi lamang sa maniniil mismo, kundi pati na rin sa kanyang kapaligiran. .

Pagsakop sa karamihan ng tao, nawala mo ang iyong personal. Itinanghal ng Polish na direktor na si Axer ang dulang ito kasama si Tadeusz Lomnicki sa Sovremennik Theater sa Warsaw.(At sa Leningrad, sa Bolshoi Theater, sa parehong ugat, itinanghal niya ang Brecht's The Career of Arturo Ui kasama si E.A. Lebedev. Totoo, medyo may iba't ibang mga punto dito: Si Arturo ay hinihimok sa kapangyarihan sa pamamagitan ng mahusay na ambisyon.) Iba si Lomnitsky: natatakot siya sa kapangyarihang ito, at itinutulak siya sa kapangyarihan. At ang lahat ay nagiging mas nakakatakot. Lumalabas na ang punto ay hindi sa personalidad mismo, ngunit sa sitwasyon.

Si Camus Caligula ay hindi nagsusumikap para sa kapangyarihan, at ang sitwasyon ay nagtutulak sa kanya sa tuktok ng paniniil. Ang katotohanan ay nagdidikta ng gayong balangkas: ang mga Aleman ay naglagay ng isang malupit. At sinisira ng kapangyarihan ng kapangyarihan ang taong nagtataglay nito. Konklusyon: hindi ang indibidwal ang dapat sisihin, ngunit ang kanyang kapaligiran.

Iba pang mga pag-play sa pamamagitan ng Camus galugarin ang parehong problema; halimbawa: may karapatan bang armasan ang mga rebolusyonaryo ng Narodnik. Mula sa pananaw ng rebolusyon, ang landas na ito ay hindi maiiwasan, ngunit sa moral na pananaw, ang gayong landas ay hindi makatao at humahantong sa paniniil.

Sa treatise "Galit na Lalaki" pinagtitibay niya ang maraming mga prinsipyo ng absurdismo: ang mundo ay walang katotohanan, imposibleng malaman ang mga batas nito, at ang mga aksyon ng tao na naglalayong radikal na baguhin ang mundong ito ay walang kabuluhan. Ang isang tao ay maaaring magagalit lamang sa mga pribadong isyu.

Ang gawaing ito ay naglalaman din ng pagpuna sa USSR. Sa kanyang iba pang mga dula, ang mga kaisipang ito ay ipinahayag sa isang paraan o iba pa.

Tinutulan ng mga intelektwalista ang kapangyarihan ng pag-iisip ng tao at ang halaga ng isang malayang pagkatao ng tao sa pasistang isterismo at ang malawakang paghuhugas ng utak ng milyun-milyong naninirahan. Ang partikular na talamak sa kanilang mga dula ay ang problema ng relasyon sa pagitan ng isang taong pinalaya sa pamamagitan ng isang magiting na aksyon at isang hindi gumagalaw na pulutong ng mga taong-bayan na mas gusto ang maginhawa at nakagawiang pagsunod kaysa paniniil kaysa kalayaan.

Isinasaalang-alang ng mga manunulat ng dula ang problema ng indibidwal na kalayaan sa dalawang aspeto:

1) sa konkretong pampulitika (labanan ang pasismo, reaksyon para sa pagpapalaya at humanismo); tinutukoy ng aspetong ito ang lakas ng mga intelektwal na manunulat ng dula;

2) sa abstract-timeless (paggigiit sa walang hanggang paghaharap sa pagitan ng malayang bayani at ng passive mass); ito ay nagpapatotoo sa pagiging makitid ng kanilang mga konseptong sosyolohikal.

Sa mga playwright ng pangalawang direksyon, namumukod-tangi ang pagkamalikhainJean Anuya.

Jean Anouille(ipinanganak noong 1910) nagsimula ang kanyang aktibidad sa mga taon bago ang digmaan, ang kanyang trabaho ay nagbubukas sa mga taon ng digmaan. Tinawag niya ang kanyang mga trahedya na gawa na The Black Pieces (1942) at The New Black Pieces (1947). Kabilang dito ang "Antigone", "Medea", "Romeo at Jeanette" at iba pa. Sa mga dulang "itim", ipinarating ni Anouil ang persepsyon ng buhay bilang walang pag-asa na kadiliman at kawalan ng pag-asa.

"Antigone" (1942) – muling pag-iisip ng sinaunang trahedya ni Sophocles. Nang mapangalagaan ang sinaunang balangkas, makabuluhang binago ni Anouil ang katangian ng mga bayani, pangunahin ang Creon at Antigone. Si Creon at Anouil ay isang liberal at mapagkunwari na pinuno na lubos na nagbibigay-katwiran sa modernong paniniil. Ang liriko na katangian ng Antigone ay pinagsama sa walang humpay na kalooban ng manlalaban. Ipinagtatanggol ni Antigone ang kanyang mga likas na pangangailangan. Ang gawaing ito (ang paglilibing sa kanyang kapatid) ay hindi kailangan ng sinuman, kundi ng kanyang sarili.

Ang pagtatanghal ay itinanghal sa Paris sa Atelier Theater ni Andre Barsac, kasama si Suzanne Flon bilang Antigone. Ang mismong katotohanan ng pagtatanghal sa sinakop na Paris noong 1942 ay isang gawa ng pinakamataas na katapangan. Ang pagtatanghal ay nanawagan ng paglaban sa mga mananakop.

Bilang karagdagan sa mga "itim" na dula, lumikha si Anouilh ng isang cycle ng "pink" na mga dula, na nakikilala sa pamamagitan ng isang mas maliwanag na pang-unawa sa mundo. Kabilang sa mga ito ang "Thieves' Ball" (1932), "Invitation to the Castle" (1947), "Rendezvous in Senlis" (1941). Ang mga sitwasyon ng anti-burges na "pink" na mga komedya ay higit na inuulit ang mga banggaan ng "itim" na mga drama - hindi kapani-paniwalang masasayang pagtatapos ay hindi maaaring matakpan ang malupit na katotohanan ng katotohanan.

Sa mga unang dula, ang tema ng hindi malulutas na kalungkutan ng tao at pesimismo ay tunog. Tila ang mga pangyayari ay pinapaboran ang kaligayahan ng mga bayani, ngunit kusang-loob nilang tinatanggihan ito ("Noong unang panahon ay may isang convict", "Savage", "Eurydice").

"Lark"(1953) ay itinuturing na pinakamahusay na dula ni Anuya at sa parehong oras ay isa sa mga natitirang likha ng modernong European drama. Ito ay isang dula tungkol sa pambansang Pranses na pangunahing tauhang si Joan of Arc. Itinanghal ang dula"Old Dovecote Theater" pinagbibidahan ni Susanna Flon. Sa mga dulang ito, magkatulad ang mga pangunahing ideya: ginagawa ito ng isang tao hindi dahil sa kanyang isip, kundi dahil sa kanyang likas, moral na kakanyahan.

Ang pangunahing tauhang babae ay hindi naglalagay ng mga hinihingi ng isip, ngunit ito ang tinig ng kanyang kaluluwa. Hindi niya maiwasang gawin ito, dahil ipagkakanulo niya ang kanyang kalikasan.

Ang tema ng natural na kagandahan at ang tema ng buhay na binuo sa mga prinsipyo ng katwiran kaibahan sa bawat isa. Anui - para sa isang natural na magandang pakiramdam, at hindi para sa isang makatwirang simula na nagdidikta ng masasamang gawa.

Intelektwal na teatrosa France ay nagkaroon ng ibang anyo. Hindi lang nito dramaturgy characterized sa kanya, ngunit din kanilang mga trick sa pagtatanghal.

Palaging sikat ang France sa malaking bilang ng mga sinehan. Ngunit sa kalagitnaan ng ikadalawampu siglo, isang malaking bilang ng mga maliliit na teatro ang lumitaw: sa Paris mayroong 64 sa kanila, hindi binibilang ang mga cabarets, restaurant) para sa 200-300 na upuan. Isang theater TopO g - 72 na upuan (pocket theater).

Ang mga teatro na ito ay itinatag ang kanilang mga sarili sa panahonteatro ng walang katotohanan(50s) .

Ang simula ng teatro ng walang katotohanan ay inilatag ng dulaEugene Ionesco "Kalbong Mang-aawit".

Kaagad at tiyak na tinanggihan namin ang teatro ng walang katotohanan at ang dramaturhiya ng walang katotohanan. Siyempre, hindi matatanggap ang pilosopiya ng kalokohan (life is nonsense). Ngunit mayroong maraming mga bagay sa teatro ng walang katotohanan na dapat ay pinag-aralan. Halimbawa, ang pagpapakita ng kahangalan ng pag-iral ng burges. Ang kritikal na kalunos-lunos na ito ay halatang interes.

Ang teatro ng walang katotohanan ay ipinanganak bilang isang parody ng intelektwal na drama.

"Rhino" Ionesco - protesta laban sa pasistang prinsipyo.

Sa mga dula ng teatro ng walang katotohanan - ang hindi inaasahan ng dramatikong lohika at ang hindi inaasahan ng poetics.

"Deliryo ng dalawa" Ionesco- narito ang isang makatotohanan, kahit na naturalistic na setting (at hindi "lahat ng bagay ay may kondisyon", tulad ng dati nilang nakikita ang kahangalan). May ibang bagay na mahalaga: kondisyonal na sitwasyon sa isang walang kondisyong setting.

Sinabi niya sa kanya na ang isang suso ay hindi katulad ng isang pagong. Inaangkin niya ang kabaligtaran. At sinisiraan ng bawat isa ang isa na gusto niyang makipagtalo. At lumalabas na ang kanilang buong buhay ay ginugol sa walang laman, hindi kinakailangang mga pagtatalo. Ang plaster ay gumuho, isang piraso ay nahulog mula sa kisame. Nagtago sila sa ilalim ng kama ngunit patuloy pa rin sa pagtatalo. At isang hindi lahat ng walang katotohanan na ideya ay sumusunod: ang mundo ay gumuguho, at sila ay abala sa isang hindi gaanong pagtatalo.

"Bagong Residente" Ionesco. Isang ganap na walang laman na silid na may bintana at pinto. Nagdadala sila ng bagong nangungupahan. Inihahatid ng concierge ang kanyang monologo (isang lantarang nakakatawang eksena). Hinihikayat niya siyang tanggapin ang kanyang mga serbisyo, tumanggi siya. Pagkatapos ay taimtim na pumasok ang loader at ibinalita na dumating na ang mga bagay. Ang pangalawang loader ay pumasok na may isang piraso ng tisa, gumagawa ng isang bilog sa sahig. Ang isang armchair ay inilagay sa isang bilog, at si Monsieur ay nakaupo dito. Pagkatapos ay nagsimula silang magdala ng mga kasangkapan, na pinipilit ang buong silid.Ang mga muwebles ay dinadala din sa pamamagitan ng kisame. Pagkatapos ay lilitaw ang isang loader na may kasamang bulaklak, nagtatanong "Ngayon na ba ang lahat?" Sumagot si Monsieur: "Ngayon na." Inihagis niya ang bulaklak sa direksyon kung saan siya nalunod sa dagat ng mga gamit ni Monsieur. Nananatili ang kanyang sumbrero, na isinusuot at iniiwan ng loader. Ang ideya ay ang mga bagay ay dumurog sa isang tao, siya ay namamatay sa mundong ito ng mga bagay.

Para sa kasaysayan ng French opera, ang kalagitnaan ng ika-19 na siglo ay naging isang punto ng pagbabago, isang panahon ng pagbabago ng mga direksyon, estilo, isang panahon ng reorientation ng genre. Sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, ang genre ng "grand opera" ay nangingibabaw dito, na nauugnay sa estilo ng mga nobela ni V. Hugo, kasama ang dramaturhiya ng E. Scribe, na kinakatawan ng gawa ni J. Meyerbeer. Ang mga plot na katangian ng "grand opera" ay unti-unting nawawalan ng kaugnayan, ay nagsisimula nang maisip bilang stilted. Ang isang bago ay ipinanganak sa France paaralang pampanitikan, ito ay tinatawag na "school of nervous sensitivity" - ito ang mga gawa ni A. Dumas-son ("Lady of the Camellias", "Lady of the Half World", "Diana de Liz"), ang Goncourt brothers (" Rene Mauprin"), A. Daudet ("Sappho "). Sa mga akdang ito, ang lahat ng atensyon ng mga may-akda ay nakatuon sa pagpapakita ng panloob na mundo ng mga karakter. At kadalasan - mga pangunahing tauhang babae, kababaihan, madalas - ang mga kababaihan ay kinakabahan, nahuhumaling, marupok, mapusok. Ang isang tipikal na imahe ay isang "nagsisisi na makasalanan", isang demi-monde na babae na nangangarap ng kaligayahan, ngunit napipilitang isuko ang mga pangarap at pag-ibig. Kaya, pagkatapos ng mga monumental na makasaysayang drama ng Hugo, ang love-lyrical na drama at melodrama ay naging isang bagong sentro ng atraksyon para sa French theater.

Sa panitikan na ito, isang bagong genre ang lumitaw sa French musical theater - lyrical opera (tandaan na ang opera ni Verdi na "La Traviata" ay naging isang uri ng pag-asa sa genre na ito). Nagbago siya, ngunit hindi kinansela ang genre ng "grand opera". Parehong sina Gounod at Bizet (ang pinakamalaking Pranses na kompositor ng opera noong ika-2 kalahati ng ika-19 na siglo) ay bumaling din sa engrandeng opera genre, ngunit ito ay isang parangal sa mga yumao. At ang lyric opera ang uso sa bagong panahon. Ang Grand Opera theater mismo ay nakita sa mga taong ito bilang isang tanggulan ng gawain. Lahat ng bago ay nangyari sa Teatrolyrical Opera, na umiral sa Paris mula 1851 hanggang 1870.

Ang Faust ni Charles Gounod (1859) ay itinuturing na unang nakumpletong halimbawa ng isang liriko na opera. Si Gounod ang nakagawa ng bagong istilo ng opera, at ito ang makasaysayang kahalagahan ng kanyang gawain. Siya ang may-akda ng 12 opera, naiiba sa mga tuntunin ng genre. Ito ang comic opera na The Doctor Willy-nilly (1858), at ang opera sa istilo ni Meyerbeer na The Queen of Sheba (1862). Ngunit ang pinakamaganda ay ang mga gawang nauugnay sa lyrical genre: Faust (1859), Mireil (1864) at Romeo and Juliet (1867). Dagdag pa, si Thomas (“Mignon”, 1866, “Hamlet”, 1868), J. Bizet (“The Pearl Fishers”, 1863, “The Beauty of Perth”, 1867), Delibes (“Lakme”, 1883) ay bumaling sa genre ng lyric opera. Ang huling maliwanag na mga halimbawa ng genre na ito ay ang mga gawa ni Jules Massenet, pagkatapos ni Bizet, ang pinakamatalino na kompositor ng opera sa France noong ika-2 kalahati ng ika-19 na siglo. Tinawag ng mga kontemporaryo si Massenet na "ang makata ng babaeng kaluluwa." Bilang may-akda ng higit sa 20 opera, ganap niyang natagpuan ang kanyang sarili sa mga liriko na opera - Manon (1881-84, batay sa nobela ni Abbé Prevost) at Werther (1886, Goethe's The Sufferings of Young Werther).

Ang liriko na opera ay lumago sa parehong romantikong pinagmulan ng grand opera. Ang grand opera ay naging isang pagpapahayag ng kalunos-lunos na romantikismo, ang oryentasyong kritikal sa lipunan. Ito ay isang opera batay sa pagbuo ng isang linya ng aksyong masa. Ang liriko na opera ay ang kabilang panig ng romanticism: intimacy, intimacy, psychologism.

Salamat sa lyrical opera, lumilitaw ang mga bagong plot sa musical at theatrical stage, o ang mga klasikal na plot ay ipinahayag sa isang ganap na bagong paraan. Ang mga kompositor ay madalas na bumaling kay Shakespeare ("Romeo at Juliet", "Hamlet"), kay Goethe ("Faust", "Werther"). Ang pilosopikal na nilalaman ng orihinal na mapagkukunan sa opera ay nabawasan, ang mga klasikal na plot ay pinagkaitan ng kanilang pangkalahatang kapangyarihan, nakakakuha sila ng pang-araw-araw na hindi mapagpanggap na hitsura. Ang isa pang mahalagang bahagi ng mga plot ay ang pag-alis mula sa romantikong kagalakan at pagiging eksklusibo. Bilang isang patakaran, ang mga pangunahing tauhan ay mga mahilig sa liriko, iyon ay, ang anumang balangkas ay pangunahing itinuturing bilang isang liriko na drama, o kahit isang melodrama. Tulad ng sa kontemporaryong panitikang Pranses (ang "paaralan ng nerbiyos na pakiramdam") ay nagbabago ang atensyon mula sa bayani patungo sa pangunahing tauhang babae. Halimbawa, sa opera na "Faust" ni Gounod, na isinulat ayon sa unang bahagi ng nobela ni Goethe, ang pilosopikal na nilalaman ng gawa ni Goethe ay halos hindi apektado, ang balangkas ay binibigyang kahulugan sa isang liriko-araw-araw na aspeto. Ang imahe ni Margarita ay nagiging sentro (kahit na ang mga kontemporaryo ay tinawag ang opera mismo na "Margarita", at hindi "Faust").

Ang isa pang direksyon sa French lyric opera ay nauugnay sa mga plot ng banyagang pinagmulan, na may oriental, kakaibang lasa. Sa pagtatapos ng 50s, lumitaw ang symphony ni David na "The Desert" - isa sa mga unang "oriental" na gawa sa musikang pranses, ang oriental na tema ay nagiging sunod sa moda.

Binuksan ng opera ni Bizet na The Pearl Seekers (1863) ang listahan ng mga liriko na "exotic" na opera. Ang aksyon ay nagaganap sa isla ng Ceylon, kasama ng mga maninisid ng perlas, laban sa background ng mga nakamamanghang kanta at sayaw, ipinakita ang pagmamahal ng mangangaso na sina Nadir at Leila. Ang mga kaganapan ng isa pang "exotic" na opera ni Bizet, "Jamile" (1872), ay nagaganap sa Cairo, sa harem ng Gartsia. Sa gawaing ito, ang kompositor ay gumagamit ng ilang tunay na Arabic melodies at sensitibong bumuo ng kanilang mga maindayog na intonasyon.

Noong 1864, lumilitaw ang opera na Mireil ni Gounod, ang balangkas kung saan ay konektado sa Provence, ang pinaka makulay at archaic na rehiyon ng France, kung saan napanatili ang mga sinaunang kaugalian at mores. Ang lasa na ito ay naroroon din sa musika ng opera.

Sa opera ni Saint-Saens na Samson at Delilah (1866-1877), ang balangkas ay kapareho ng sa sikat na oratorio ni Handel, ngunit sa isang ganap na naiibang interpretasyon. Naakit si Handel ng kabayanihan na diwa ng kuwento sa Bibliya. Sa Saint-Saens, ang opera ay isang serye ng mga makukulay na oriental na pagpipinta, sa gitna ng opera ay ang babaeng imahe ng mapanlinlang na seductress na si Delilah.

Ang oriental na lasa ay banayad na inihahatid sa opera ng Delibes na Lakme (mula sa buhay ng mga Indian).

Dapat pansinin na ang mga imahe ng Silangan sa ikalawang kalahati ng ika-19 at unang bahagi ng ika-20 siglo ay sinakop ang isang makabuluhang lugar sa mga opera ng iba pang mga kompositor. mga pambansang paaralan: Russian (Glinka, Borodin, Rimsky-Korsakov), Italyano ("Aida" ni Verdi, "Cio-Cio-San" at "Turandot" ni Puccini), at natagpuan din ang isang kakaibang pagmuni-muni sa musika ng mga French Impressionist ( Debussy, Ravel).

Ang French lyric opera ay hindi lamang tungkol sa pag-update ng mga plot. Nagiiba ang istilo ng musika ng opera mismo.

Una, upang bigyang-diin ang pagiging simple at katapatan ng mga plot, ang ordinaryong damdamin ng mga character, ang mga kompositor ay nagsusumikap na "pasimplehin" ang musikal na wika ng opera, upang mailapit ito sa pang-araw-araw na kultura ng musika sa kanilang panahon. Kaya ang elemento ng romansa ay tumagos sa yugto ng opera ng Pransya. Ang pagmamahalan ay ipinakilala sa opera hindi lamang bilang solong numero. Minsan ang dramatikong linya ng balangkas ay nabuo sa pamamagitan ng pagbabago ng simula ng pag-iibigan (ito ay sa pagsasadula ng melody ng romansa na ang pagbuo ng imahe ni Margarita sa Faust, ang tanging imahe ng opera na ibinigay sa dinamika, ay batay: mula sa isang walang muwang. paggising ng mga damdamin sa isang madamdamin na pagkalasing dito at higit pa - sa isang trahedya denouement, ang kabaliwan ng pangunahing tauhang babae) .

Pangalawa, sa mga opera na may "exotic" na mga plot, ang lahat ng uri ng mga oriental na intonasyon, na hindi direktang napansin, sa pamamagitan ng European vision, ay nagsisimulang gamitin. Ngunit sa ilang sandali ay umabot pa ito sa orihinal na pagpaparami ("Jamile" ni Bizet).

Ito ang dalawang pangunahing paraan upang i-update ang istilo ng musika French opera.

Ang lyric opera bilang isang malayang genre sa halip ay mabilis na naubos ang sarili nito. Nagawa na ni J. Bizet, sa kanyang pinakamahusay na opera, "Carmen", na malampasan ang makitid na limitasyon ng liriko na opera, na umabot sa taas ng realismo ng opera (1875). Noong 1990s, ang modernong tema ay lalong iginiit sa French theater. Sa mga akda ni Alfred Bruno (ang opera na The Dream batay sa nobela ni E. Zola, 1891, ang opera na The Siege of the Mill batay sa Maupassant, 1893) at Charpontier (ang opera Louise, 1900), kapansin-pansin ang mga katangian ng naturalismo. . Noong 1902, ang paggawa ng opera ni C. Debussy na "Pelleas et Mélisande" ay nagbukas ng bagong panahon sa musikal at teatro na kultura ng France.

G. Verdi.

Opera "Troubadour". 1 act (No. 2 scene and Leonora's cavatina, No. 3 scene and romance by Manrico); 2 act (No. 6 Azucena's song, No. 7 scene at Azucena's story); 3 act (No. 13 scene at aria ni Manrico); 4 act (No. 14 scene and aria of Leonora and chorus "Miserere").

Opera "Rigoletto" 1 act (No. 1 prelude and introduction, No. 2 Duke's ballad "this or that", No. 7 scene and duet of Rigoletto and Gilda, No. 9 Gilda's aria "The heart is full of joy", No. 10 scene at koro "Hush, hush"); 2 act (No. 12 scene at Rigoletto's aria "Curtisans ...", No. 13, 14 scene at duet nina Gilda at Rigoletto "Pumasok ako sa templo nang mapagpakumbaba"); 3 act (No. 15 Duke's song "The Heart of Beauties", No. 16 Quartet).

Opera "La Traviata" 1 act (Introduction, ang inuman ni Alfred na kanta na "We will raise the cup of fun high", ang huling eksena at ang aria ni Violetta na "Wouldn't you tell me"); 2 act (eksena at duet nina Violetta at Germont); Act 3 (orchestral prelude, Violetta's aria "Forgive you forever", eksena at duet nina Violetta at Alfred "We will leave Paris", finale).

Opera Aida» orchestral prelude, 1 act (No. 2 recitative and romance by Radamès "Sweet Aida", chorus "To the sacred banks of the Nile", No. 5 solo scene of Aida, No. 6 initiation scene and finale); 2 act (No. 8 scene at duet ng Amneris at Aida, finale - choir "Glory to Egypt", choir "Laurel wreaths", martsa); 3 act (No. 10 introduction, choral prayer at romance ni Aida "Azure Sky", No. 12 duet nina Radames at Aida); Act 4 (duet nina Amneris at Radames "Lahat ng mga pari ay nagtipon doon", duet nina Aida at Radames na "Patawarin ang lupa").

Opera "Tannhäuser": overture, 2 act (contest scene - kanta ni Wolfram); Act 3 (Wolfram's romance "To the Evening Star", Elizabeth's prayer).

Opera Lohengrin: 1 act (orchestral introduction, kwento ni Elsa tungkol sa isang panaginip na "Naaalala ko kung paano ako nanalangin", koro ng mga tao "Narito! Narito! Oh, anong himala!"); act 2 (orchestral introduction, Friedrich Telramund's arioso "You killed me", Friedrich and Ortrud's oath of vengeence, Elsa's arioso "O light-winged wind"); Act 3 (orchestral introduction, wedding choir "Our Lord is Blessed", Elsa and Lohengrin's love duet "Wonderful Fire", kuwento ni Lohengrin "In the Holy Land").

Opera "Tristan at Isolde": symphonic introduction to act 1; 1 act - ang eksena ng pag-inom ng love drink; 2 act, 2 scene - love duet nina Tristan at Isolde; 3 act (pagpapakilala at himig ng mga pastol, ang pinangyarihan ng pagkamatay ni Isolde).

Opera "Rhine Gold": orkestra na pagpapakilala, interlude sa pagitan ng mga eksena 2 at 3 (pagbaba sa Nibelheim), eksena 4.

Opera "Valkyrie": 1 act (pagpapakilala at unang eksena nina Sigmund at Sieglinde); 3 aksyon ("flight of the Valkyries", scene three - paalam ni Wotan kay Brunnhilde at fire spells).

Opera "Siegfried": 1 act (ang unang kanta ni Siegfried "Notung, Notung, ang magiting na espada" at ang pangalawang kanta ni Siegfried "Ang aking malakas na espada ay sumuko sa martilyo"); 2 act (ikalawang eksena, "ang kaluskos ng kagubatan").

Opera "Kamatayan ng mga Diyos": isang symphonic episode ng paglalakbay ni Siegfried sa kahabaan ng Rhine mula sa prologue; Act 3 (Kuwento ni Siegfried at martsa ng libing).

Opera Faust: 1 gawa (mga talata ng Mephistopheles "Sa lupa ang buong sangkatauhan"); 2nd act (Siebel's couplets "Tell me," Faust's cavatina "Hello, sacred shelter", Marguerite's aria "with pearls"); Act 3 (Mephistopheles' serenade "Lumabas ka, mahal kong kaibigan").

Symphonic suite mula sa musika hanggang sa isang drama ni Daudet "Arlesian".

Opera "Carmen": overture (3 tema), 1 act (martsa at koro ng mga lalaki No. 2, koro ng mga manggagawa "Tingnan kung paano lumipad ang usok", ang unang labasan ng Carmen No. 3, Carmen habanera "Sa pag-ibig ..." Hindi 4, eksena No. 5 - ang hitsura ni Jose , ang tema ng nakamamatay na pagsinta, ang tema ng pag-ibig ni Jose Duet nina Michaela at Jose No. 6. Ang eksena ni Carmen kasama ang mga sundalo - isang kanta tungkol sa matandang asawa, si Carmen seguidilla); 2 act (symphonic intermission, gypsy dance at Carmen's song, Escamillo's verses No. 13, scene of Carmen and Jose, Jose's aria with a flower); act 3: symphonic intermission, sextet at smugglers' choir no. 18, Carmen's divination scene no. 19; Act 4 - symphonic intermission, Choir No. 24 - Square sa Seville, magtatapos ang duet. Koro Blg. 26

Pranses na teatro

Sa mga pagtatanghal ng huling bahagi ng ika-18 - ang unang kalahati ng ika-19 na siglo, may posibilidad na palawakin ang mga hangganan ng tunay na pagkilos, mayroong pagtanggi sa mga batas ng pagkakaisa ng oras at lugar.

Ang mga pagbabago na nakaapekto sa dramatikong sining ay hindi maaaring makaapekto sa dekorasyon ng entablado: hindi lamang ang mga kagamitan sa entablado, kundi pati na rin ang mga lugar ng teatro ay nangangailangan ng isang radikal na muling pagsasaayos, ngunit sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo ay napakahirap na gumawa ng gayong mga pagbabago.

Ang mga pangyayaring ito ay nagpapahintulot sa mga kinatawan ng mga amateur pantomime na paaralan na kumuha ng kanilang nararapat na lugar sa mga aktor ng Bagong Panahon, sila ay naging pinakamahusay na gumaganap ng mga gawa ng makabagong dramaturhiya.

Unti-unti, naging laganap ang mga magagandang panorama, diorama at neorama sa mga sining ng pagtatanghal noong ika-19 na siglo. Si L. Daguerre ay isa sa pinakasikat na master decorator sa France noong panahong sinusuri.

Sa pagtatapos ng ika-19 na siglo, naapektuhan din ng mga pagbabago ang teknikal na muling kagamitan ng yugto ng teatro: noong kalagitnaan ng 1890s, ang revolving stage, na unang ginamit noong 1896, sa panahon ng paggawa ni K. Lautenschläger ng opera ni Mozart na Don Giovanni, ay malawakang ginamit. .

Ang isa sa mga pinakatanyag na artistang Pranses noong ika-19 na siglo ay ang ipinanganak sa Paris na si Catherine Josephine Rafin Duchenois (1777-1835). Ang kanyang debut sa entablado ay naganap noong 1802. Sa mga taong iyon, ang 25-taong-gulang na artista ay unang lumitaw sa entablado ng teatro ng Comedie Francaise, noong 1804 ay nakapasok na siya sa pangunahing bahagi ng troupe ng teatro bilang isang societaire.

Sa mga unang taon ng trabaho, si Catherine Duchenois, na gumanap ng mga trahedya na tungkulin sa entablado, ay kailangang patuloy na lumaban para sa palad kasama ang aktres na si Georges. Hindi tulad ng laro ng huling pagtatanghal, naakit ni Duchenois ang atensyon ng madla na may init at liriko, ang kanyang matalim at taimtim na malambot na boses ay hindi makapag-iiwan ng sinuman na walang malasakit.

Noong 1808, umalis si Georges patungong Russia, at si Catherine Duchenois ang naging nangungunang trahedya na artista ng Comédie Française.

Kabilang sa mga pinakamahalagang tungkulin ng aktres ay maaaring mapansin si Phaedra sa paglalaro ng parehong pangalan ni Racine, Andromache sa Hector ni Luce de Lancival, Agrippina sa Germanica ni Arnaud, Valeria sa Sulla ni Jouy, Mary Stuart sa dula ng parehong pangalan. ni Lebrun, atbp.

Partikular na kapansin-pansin ang dula ng aktres na si Marie Dorval (1798-1849), na may inspirasyon, na may pambihirang kasanayan, na nakapaloob sa entablado ng mga larawan ng kababaihang humahamon sa lipunan sa pakikibaka para sa kanilang pagmamahalan.

Si Marie Dorval ay ipinanganak sa isang pamilya ng mga aktor, ang kanyang pagkabata ay ginugol sa entablado. Kahit na noon, natuklasan ng batang babae ang hindi pangkaraniwang kakayahan sa pag-arte. Sa maliliit na tungkuling ipinagkatiwala sa kanya ng direktor, sinubukan niyang isama ang buong imahe.

Noong 1818, pumasok si Marie sa Paris Conservatory, ngunit umalis pagkatapos ng ilang buwan. Ang dahilan para sa pagkilos na ito ay ang hindi pagkakatugma ng sistema ng pagsasanay ng mga aktor sa institusyong pang-edukasyon na ito na may malikhaing sariling katangian ng isang batang talento. Di-nagtagal si Marie Dorval ay naging miyembro ng acting troupe ng isa sa pinakamahusay na boulevard theaters na Port-Saint-Martin. Dito ginampanan ang papel ni Amalia sa melodrama ni Ducange na "Thirty Years, or the Life of a Gambler", na nagpasikat sa aktres. Sa pagtatanghal na ito, ang napakalaking talento ni Marie ay ipinahayag, ipinakita niya ang kanyang mahusay na paglalaro sa madla ng metropolitan: na pinamamahalaang lumampas sa melodramatic na imahe at makahanap ng tunay na damdamin ng tao dito, inihatid sila ng aktres sa madla na may espesyal na pagpapahayag at emosyonalidad.

Noong 1831, ginampanan ni Dorval ang papel ni Ardel d'Hervey sa romantikong drama na Antony ni A. Dumas, at pagkaraan ng ilang buwan, ginampanan niya ang pamagat na papel sa drama ni V. Hugo na Marion.

Sa kabila ng katotohanan na ang mga patula na dula ay ibinigay sa aktres na may kahirapan, dahil ang taludtod ay isang uri ng kombensiyon na sumasalungat sa kanyang agarang emosyonalidad, matagumpay na nakayanan ni Marie ang mga tungkulin. Ang Marion na isinagawa ni Dorval ay nagdulot ng isang bagyo ng kasiyahan hindi lamang sa madla, kundi pati na rin sa may-akda ng akda.

Noong 1835, ginawa ng aktres ang kanyang debut sa drama ni Vigny na si Chatterton na isinulat lalo na para sa kanya. Si Kitty Bell, na ginanap ni Dorval, ay nagpakita sa harap ng madla bilang isang tahimik, marupok na babae na naging may kakayahang magmahal.

Si Marie Dorval - isang artista na may paos na boses at hindi regular na mga katangian - ay naging simbolo ng pagkababae para sa mga manonood noong ika-19 na siglo. Ang paglalaro ng emosyonal na aktres na ito, na may kakayahang ipahayag ang malaking lalim ng damdamin ng tao, ay gumawa ng isang hindi malilimutang impresyon sa kanyang mga kontemporaryo.

Ang sikat na Pranses na aktor na si Pierre Bocage (1799-1862), na naging sikat bilang tagapalabas ng mga pangunahing tungkulin sa mga drama nina Victor Hugo at Alexandre Dumas-son, ay nagtamasa ng espesyal na pagmamahal sa publiko.

Si Pierre Bocage ay ipinanganak sa isang pamilya ng isang simpleng manggagawa, ang isang pabrika ng paghabi ay naging isang paaralan ng buhay para sa kanya, kung saan ang batang lalaki ay pumasok sa pag-asa na kahit papaano ay matulungan ang kanyang mga magulang. Kahit na sa kanyang pagkabata, naging interesado si Pierre sa gawain ni Shakespeare, na nagsilbing isang katalista para sa kanyang pagkahilig sa entablado.

Si Bocage, na nabuhay sa pangarap ng isang teatro, ay naglakad patungo sa kabisera upang makapasok sa konserbatoryo. Ang mga tagasuri, na namangha sa kamangha-manghang hitsura at hindi pangkaraniwang pag-uugali ng binata, ay hindi naglagay ng anumang mga hadlang.

Gayunpaman, ang kanyang pag-aaral sa Paris Conservatory ay naging panandalian: Si Pierre ay walang sapat na pera hindi lamang upang magbayad para sa mga klase, kundi pati na rin para mabuhay. Di-nagtagal, napilitan siyang umalis sa institusyong pang-edukasyon at pumasok sa acting troupe ng isa sa mga teatro ng boulevard. Sa loob ng ilang taon, gumala siya sa mga sinehan, unang nagtrabaho sa Odeon, pagkatapos ay sa Porte Saint-Martin at marami pang iba.

Ang mga imaheng nilikha ni Bocage sa entablado ay walang iba kundi isang pagpapahayag ng saloobin ng aktor sa nakapaligid na realidad, ang kanyang pahayag ng hindi pagkakasundo sa kagustuhan ng mga nasa kapangyarihan na sirain ang kaligayahan ng tao.

Pumasok si Pierre Bocage sa kasaysayan ng teatro ng Pransya bilang pinakamahusay na gumaganap ng mga tungkulin ng mga bayaning rebelde sa mga social drama nina Victor Hugo (Didier sa Marion Delorme), Alexandre Dumas na anak (Antoni sa Antony), F. Pia (Ango sa Ango) at atbp.

Si Bocage ang nagkusa na lumikha sa entablado ng imahe ng isang malungkot, bigo sa buhay na romantikong bayani, na napapahamak sa kamatayan sa paglaban sa naghaharing piling tao. Ang unang papel ng naturang plano ay si Anthony sa drama ng parehong pangalan ni A. Dumas na anak; Ang mga biglaang pagbabago mula sa kawalan ng pag-asa tungo sa kagalakan, mula sa pagtawa hanggang sa mapait na hikbi ay nakakagulat na epektibo. Matagal na naalala ng madla ang imahe ni Anthony na ginanap ni Pierre Bocage.

Ang aktor ay naging aktibong kalahok sa mga rebolusyonaryong kaganapan noong 1848 sa France. Sa paniniwala sa tagumpay ng hustisya, ipinagtanggol niya ang kanyang mga demokratikong adhikain na may hawak na mga armas.

Ang pagbagsak ng mga pag-asa para sa tagumpay ng hustisya sa modernong mundo ay hindi pinilit si Bocage na baguhin ang kanyang pananaw sa mundo, sinimulan niyang gamitin ang yugto ng Odeon Theater bilang isang paraan ng paglaban sa arbitrariness at despotism ng mga awtoridad ng estado.

Di-nagtagal ang aktor ay inakusahan ng mga aktibidad na anti-gobyerno at tinanggal mula sa kanyang posisyon bilang direktor ng teatro. Gayunpaman, hanggang sa pagtatapos ng kanyang mga araw, patuloy na naniniwala si Pierre Bocage sa tagumpay ng hustisya at ipagtanggol ang kanyang mga mithiin.

Kasama ng mga artista noong unang kalahati ng ika-19 na siglo bilang C. Duchenois at M. Dorval, ay ang sikat na Louise Rosalie Allan-Depreo (1810-1856). Ipinanganak siya sa Mons, sa pamilya ng isang direktor ng teatro. Ang sitwasyong ito ay nagtakda ng buong hinaharap na kapalaran ni Louise Rosalie.

Ang kapaligiran ng buhay teatro ay pamilyar sa sikat na artista mula pagkabata. Nasa edad na sampung taong gulang, ang isang mahuhusay na batang babae ay nakatanggap ng pagkilala sa kapaligiran ng pag-arte, ang mga tungkulin ng mga bata na ginampanan niya sa teatro ng Parisian Comedie Francaise ay hindi nag-iwan ng sinuman na walang malasakit.

Noong 1827, pagkatapos ng pagtatapos mula sa klase ng drama ng konserbatoryo, nakatanggap si Louise Allan-Depreo ng isang propesyonal na edukasyon sa pag-arte. Sa oras na iyon, ang batang aktres ay medyo sikat na, at hindi siya nagulat sa alok na sumali sa acting troupe ng Comedie Francaise theater, kung saan siya nagtrabaho hanggang 1830. Sa panahon mula 1831 hanggang 1836, nagningning si Allan-Depreo sa entablado ng Gimnaz Theater.

Isang mahalagang papel sa buhay acting Si Louise Rosalie ay naglaro ng isang paglalakbay sa Russia: dito, sa French troupe ng St. Petersburg Mikhailovsky Theater, gumugol siya ng sampung taon (1837-1847), na pinahusay ang kanyang mga kasanayan sa pag-arte.

Pagbalik sa kanyang tinubuang-bayan, muling sumali si Allan-Depreo sa troupe ng Comedie Francaise, na naging isa sa mga pinakamahusay na artista sa papel ng grand coquette. Ang kanyang laro ay nakakaakit ng pansin ng maharlikang strata ng lipunang Pranses at Ruso: pino at matikas na pag-uugali, ang kakayahang magsuot ng isang teatro na kasuutan na may espesyal na biyaya - ang lahat ng ito ay nag-ambag sa paglikha ng mga imahe ng walang kabuluhang sekular na mga coquette.

Si Louise Rosalie Allan-Depreo ay naging tanyag bilang gumaganap ng mga papel sa mga romantikong dula ni Alfred de Musset. Kabilang sa mga pinakatanyag na papel ng aktres na ito ay si Madame de Lery sa Caprice (1847), ang Marquise sa dulang The Door Must Be Open or Closed (1848), ang Countess Vernon sa trahedya na You Can't Foresee Everything (1849), ang Duchess Bouillon sa "Adrienne Lecouvreur" (1849), Jacqueline sa "The Candlestick" (1850), ang Countess d'Autret sa "The Ladies' War" (1850) at iba pa.

Sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, nagsimulang magkaroon ng malawak na katanyagan ang mga pantomime theater. Ang pinakamahusay na kinatawan ng genre na ito ay si Jean Baptiste Gaspard Debureau (1796-1846).

Ipinanganak siya sa pamilya ng pinuno ng tropa ng teatro, at ang masayang kapaligiran ng teatro mula pagkabata ay napuno sa kanyang buong buhay. Hanggang 1816, si Jean Baptiste Gaspard ay nagtrabaho sa pangkat ng kanyang ama, at pagkatapos ay lumipat sa Rope Dancers troupe, na nagtrabaho sa Funambul Theater, isa sa mga pinaka-demokratikong grupo ng entablado sa kabisera ng Pransya.

Bilang bahagi ng Rope Dancers troupe, ginampanan niya ang papel ni Pierrot sa pantomime na Harlequin Doctor, na nagdala sa dalawampung taong gulang na aktor sa kanyang unang tagumpay. Nagustuhan ng madla ang bayani ni Debureau kaya kinailangan ng aktor na isama ang imaheng ito sa maraming iba pang pantomime: "The Raging Bull" (1827), "The Golden Dream, or Harlequin and the Miser" (1828), "The Whale" (1832) at "Pierrot sa Africa" ​​(1842).

Sa simula ng ika-19 na siglo, ang masayang genre ng folk buffooner ay nangingibabaw pa rin sa farcical theater. Si Jean Baptiste Gaspard Debureau ay nagdala ng kahulugan sa farcical pantomime, na inilalapit ang walang salita na katutubong pagganap sa malalim na makabuluhang mga produksyon ng modernong propesyonal na teatro.

Ipinapaliwanag nito ang katanyagan ng Pierrot ni Deburov, na kalaunan ay naging isang bayani ng katutubong komiks. Sa larawang ito natagpuan ang karaniwang ekspresyon pambansang katangian French character - enterprise, talino sa paglikha at mapang-uyam na panunuya.

Si Pierrot, na sumasailalim sa hindi mabilang na mga pambubugbog, pag-uusig at kahihiyan, ay hindi nawawala ang kanyang pag-iingat, nagpapanatili ng isang hindi maiiwasang kawalang-ingat, na nagpapahintulot sa kanya na lumabas na matagumpay mula sa alinman, kahit na ang pinaka masalimuot na mga sitwasyon.

Ang karakter na ito, na ginampanan ni Debureau, ay galit na tinanggihan ang umiiral na kaayusan, sinalungat niya ang mundo ng kasamaan at karahasan na may sentido komun ng isang simpleng naninirahan sa lungsod o magsasaka.

Sa mga pantomimic na pagtatanghal ng isang mas maagang panahon, ang gumaganap ng papel ni Pierrot ay kinakailangang inilapat ang tinatawag na farcical makeup: pinaputi niya ang kanyang mukha, binuburan ito ng makapal na harina. Nang mapangalagaan ang tradisyong ito, ginamit ni Jean-Baptiste Gaspard ang tanyag na kasuutan ng Pierrot sa mundo upang lumikha ng imahe: mahabang puting harem na pantalon, isang malawak na blusang walang kwelyo at isang simbolikong itim na bendahe sa kanyang ulo.

Nang maglaon, sa kanyang pinakamahusay na mga pantomime, sinubukan ng aktor na ipakita ang paksa ng trahedya na kapalaran ng mahihirap sa isang hindi makatarungang mundo, na may kaugnayan sa mga taong iyon. Salamat sa kanyang birtuoso na kasanayan, na magkakasuwato na pinagsama ang napakatalino na eccentricity at isang malalim na pagmuni-muni ng panloob na kakanyahan ng karakter, lumikha siya ng mga magagandang imahe.

Ang laro ni Debureau ay nakakuha ng atensyon ng mga progresibong artistic intelligentsia noong ika-19 na siglo. Ang mga sikat na manunulat - C. Nodier, T. Gauthier, J. Janin, J. Sand at iba pa ay masigasig na nagsalita tungkol sa aktor na ito. Sa mga aristokratikong saray ng lipunang Pranses, walang mga hinahangaan ang talento ni Debureau, ang kanyang matalas na panlipunang mga imahe, na itinatanggi ang umiiral na order, na pumukaw sa galit ng mga awtoridad.

Gayunpaman, si Jean-Baptiste Gaspard Debureau ay pumasok sa kasaysayan ng sining ng teatro sa mundo hindi bilang isang manlalaban para sa hustisya, ngunit bilang isang tagapalabas lamang ng papel ng isang tanyag na karakter ng alamat. Ang pinakamahusay na mga tradisyon ng trabaho ni Debureau bilang isang aktor ay naipakita sa kalaunan sa gawain ng mahuhusay na Pranses na aktor na si M. Mars.

Isang kahanga-hangang artista sa unang kalahati ng ika-19 na siglo ay si Virginie Dejazet (1798-1875). Siya ay ipinanganak sa isang pamilya ng mga artista, ang pagpapalaki na natanggap sa entablado ay nag-ambag sa maagang pag-unlad ng kanyang talento sa entablado.

Noong 1807, isang talentadong babae ang nakakuha ng atensyon ng isang negosyante sa Vaudeville theater sa Paris. Tinanggap ni Virginie ang proposal na sumali sa acting troupe nang may sigasig, matagal na niyang gustong magtrabaho sa teatro ng kabisera.

Ang trabaho sa Vaudeville ay nag-ambag sa pag-unlad ng mga kasanayan ng batang aktres, ngunit unti-unting tumigil siya upang masiyahan siya. Umalis sa teatro na ito, nagsimulang magtrabaho si Virginie sa Variety, na sinundan ng mga imbitasyon sa Gimnaz at Nuvota, kung saan gumanap ang aktres hanggang 1830.

Ang kasagsagan ng kanyang malikhaing aktibidad ay dumating noong 1831-1843, nang sumikat si Virginie Dejazet sa entablado ng Palais Royal Theater. Sa mga sumunod na taon, ang aktres, na nakakaabala sa kanyang pakikipagtulungan sa mga grupo ng teatro ng Paris, ay madalas na naglibot sa bansa, kung minsan ay nananatili ng isang panahon o dalawa sa mga sinehan sa probinsiya.

Bilang isang dalubhasa sa pag-arte, matagumpay na gumanap si Dejaze bilang isang drag queen, na ginagampanan ang mga papel ng rake boys, pampered marquises, mga batang babae at matatandang babae. Ang pinakamatagumpay na tungkulin ay ginampanan niya sa vaudeville at mga farces ni Scribe, Bayard, Dumanoir at Sardou.

Madalas na itinuro ng mga kasabayan ni Virginie Dejazet ang pambihirang biyaya ng aktres, ang kanyang kagalingan sa pag-uusap sa entablado, at ang kanyang kakayahan para sa tumpak na mga parirala.

Ang masayahin at nakakatawang mga pangunahing tauhang babae ni Dejaze, na madaling gumanap ng mga taludtod sa vaudeville, ay tiniyak ang tagumpay ng aktres, sa loob ng mahabang panahon ay ginawa siyang paborito ng demanding metropolitan public. At ito sa kabila ng katotohanan na ang repertoire ni Virginie ay hindi tumutugma sa tradisyonal na panlasa ng mass audience.

Ang birtuosidad ng aktres at ang malalim na pambansang katangian ng kanyang pagganap ay pinakamalinaw na ipinakita sa pagganap ng mga kanta ni Béranger (sa monologo ni Beranger na "Lisette Béranger", sa vaudeville na "Mga Kanta ng Béranger" nina Clairville at Lambert-Tibout).

Ang isa sa mga pinakatanyag na artista sa Pransya na nagtrabaho sa panahon ng romantikismo sa isang trahedya na papel ay si Eliza Rachel (1821-1858). Ipinanganak siya sa Paris, sa pamilya ng isang mahirap na Hudyo na nagbebenta ng iba't ibang maliliit na bagay sa mga lansangan ng lungsod. Nakapasok na maagang pagkabata natuklasan ng batang babae ang mga pambihirang kakayahan: ang mga kanta na kanyang ginawa ay umaakit ng maraming mamimili sa tray ng kanyang ama.

Ang likas na talento sa sining ay nagpapahintulot sa labing pitong taong gulang na si Eliza na sumali sa acting troupe ng sikat na French theater na "Comedy Francaise". Ang kanyang debut role sa yugtong ito ay si Camille sa dulang Horace ni Corneille.

Dapat pansinin na noong 30s ng ika-19 na siglo, ang repertoire ng karamihan sa mga teatro sa metropolitan ay batay sa mga gawa ng mga nobelista (V. Hugo, A. Vigny, atbp.). Sa paglitaw lamang sa mundo ng teatro ng isang maliwanag na bituin bilang Eliza Rachel, ang mga paggawa ng mga nakalimutang klasiko ay ipinagpatuloy.

Sa oras na iyon, ang imahe ni Phaedra sa dula ng parehong pangalan ni Racine ay itinuturing na pinakamataas na tagapagpahiwatig ng mga kasanayan sa pag-arte sa trahedya na genre. Ang papel na ito ang nagdala sa aktres ng isang matunog na tagumpay at pagkilala sa madla. Si Phaedra, na ginampanan ni Eliza Rachel, ay ipinakita bilang isang mapagmataas, rebeldeng personalidad, ang sagisag ng pinakamahusay na mga katangian ng tao.

Ang kalagitnaan ng 1840s ay minarkahan ng mga aktibong aktibidad sa paglilibot ng mahuhusay na aktres: ang kanyang mga paglalakbay sa buong Europa ay niluwalhati ang French school of theatrical art. Minsan ay bumisita pa si Rachel sa Russia at Hilagang Amerika, kung saan ang kanyang pagganap ay lubos na pinapurihan ng mga kritiko sa teatro.

Noong 1848, isang pagtatanghal batay sa dula ni J. Racine "Gofalia" ay itinanghal sa entablado ng Comedie Francaise, kung saan si Eliza Rachel ang gumanap sa pangunahing papel. Ang imahe na nilikha niya, na naging simbolo ng kasamaan, mapanirang pwersa, na unti-unting sinusunog ang kaluluwa ng pinuno, ay pinahintulutan ang aktres na muling ipakita ang kanyang natitirang talento.

Sa parehong taon, nagpasya si Eliza na basahin sa publiko ang Marseillaise ni Rouget de Lisle sa entablado sa kabisera. Ang resulta ng pagtatanghal na ito ay ang galak ng gallery at ang galit ng mga manonood na nakaupo sa mga stall.

Pagkatapos nito, ang talentadong artista ay walang trabaho nang ilang panahon, dahil itinuturing ni Eliza ang repertoire ng karamihan sa mga modernong sinehan na hindi karapat-dapat sa kanyang mataas na talento. Gayunpaman, naakit pa rin ng stage craft ang aktres, at hindi nagtagal ay nagsimula siyang mag-ensayo muli.

Ang aktibong theatrical na aktibidad ay nagpapahina sa mahinang kalusugan ni Rachel: ang tatlumpu't anim na taong gulang na aktres ay nagkasakit ng tuberculosis at namatay pagkaraan ng ilang buwan, na nag-iwan ng mayamang pamana ng kanyang hindi matatawaran na kasanayan sa nagpapasalamat na mga inapo.

Ang isa sa mga pinakasikat na aktor ng ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo ay maaaring tawaging talentadong aktor na si Benoit Constant Coquelin (1841-1909). Ang interes sa sining ng teatro, na ipinakita niya sa kanyang maagang kabataan, ay naging isang bagay ng buhay.

Ang pag-aaral sa Paris Conservatory kasama ang sikat na aktor na si Renier noong mga taong iyon ay nagbigay-daan sa talentadong binata na umakyat sa entablado at matupad ang kanyang dating pangarap.

Noong 1860, ginawa ni Coquelin ang kanyang debut sa entablado ng Comedie Francaise theater. Ang papel ni Gros Rene sa dula na batay sa dula ni Molière na Love Annoyance ay nagdala ng katanyagan sa aktor. Noong 1862, sumikat siya bilang gumaganap ng papel ni Figaro sa dula ni Beaumarchais na The Marriage of Figaro.

Gayunpaman, ginampanan ni Coquelin ang kanyang pinakamahusay na mga tungkulin (Sganarelle sa The Unwilling Doctor, Jourdain sa The Tradesman in the Nobility, Mascarille sa The Funny Cossacks, Tartuffe sa Molière play na may parehong pangalan) pagkatapos umalis sa Comédie Française noong 1885.

Kinilala ng maraming kritiko ang pinakamatagumpay na larawang nilikha ng isang mahuhusay na aktor sa mga paggawa ng mga gawa ni Molière. Sa huling yugto ng pagkamalikhain sa repertoire ng Coquelin, nanaig ang mga tungkulin sa mga dula ng Rostand.

Ang mahuhusay na aktor ay naging tanyag din bilang may-akda ng isang bilang ng mga teoretikal na treatise at artikulo sa problema ng pag-arte. Noong 1880, ang kanyang aklat na "Art and Theater" ay nai-publish, at noong 1886 ay inilathala ang isang manwal sa pag-arte na tinatawag na "The Art of the Actor".

Sa loob ng labing-isang taon (mula 1898 hanggang 1909) nagtrabaho si Coquelin bilang direktor ng teatro na "Port-Saint-Martin". Malaki ang ginawa ng taong ito para sa pagpapaunlad ng sining sa teatro sa France.

Ang pagpapabuti ng mga kasanayan sa pag-arte ay sinamahan ng pag-unlad ng dramaturhiya. Sa oras na ito, ang paglitaw ng mga sikat na manunulat tulad ng O. de Balzac, E. Zola, A. Dumas-son, ang Goncourt brothers at iba pa, na gumawa ng isang makabuluhang kontribusyon sa stage art ng panahon ng romanticism at realism.

Sikat na Pranses na manunulat at manunulat ng dula Honore de Balzac(1799-1850) ay ipinanganak sa Paris, sa pamilya ng isang opisyal. Ang mga magulang, na nagmamalasakit sa kinabukasan ng kanilang anak, ay nagbigay sa kanya ng legal na edukasyon; gayunpaman, ang jurisprudence ay nakaakit sa binata nang mas mababa kaysa sa aktibidad na pampanitikan. Sa lalong madaling panahon ang mga likha ng Balzac ay nakakuha ng malawak na katanyagan. Sa buong buhay niya, sumulat siya ng 97 nobela, maikling kwento at maikling kwento.

Si Honore ay nagsimulang magpakita ng interes sa theatrical art sa kanyang pagkabata, ngunit ang unang mga dramatikong obra maestra ay isinulat lamang niya noong unang bahagi ng 1820s. Ang pinakamatagumpay sa mga gawaing ito ay ang trahedya na Cromwell (1820) at ang melodrama na The Negro at The Corsican (1822). Ang mga malayo sa perpektong dula ay matagumpay na naitanghal sa entablado ng isa sa mga teatro sa Paris.

Sa mga taon ng pagiging malikhain, lumikha si Balzac ng isang bilang ng mga dramatikong gawa na kasama sa mga repertoire ng maraming mga teatro sa mundo: The School of Marriage (1837), Vautrin (1840), Kinola's Hopes (1842), Pamela Giraud (1843). ), The Dealer "(1844) at" Stepmother "(1848). Ang mga dulang ito ay napakapopular.

Ang mga tipikal na larawang nilikha ng playwright ng mga bangkero, stockbroker, tagagawa at pulitiko ay naging nakakagulat na kapani-paniwala; ibinunyag ng mga akda ang mga negatibong aspeto ng daigdig ng burges, ang predasyon nito, imoralidad at anti-humanismo. Sa pagsisikap na labanan ang kasamaan sa lipunan sa pamamagitan ng pagiging perpekto sa moral ng mga positibong karakter, ipinakilala ni Balzac ang mga melodramatikong tampok sa kanyang mga dula.

Karamihan sa mga dramatikong gawa ni Balzac ay nailalarawan sa matinding tunggalian, batay sa mga kontradiksyon sa lipunan, puspos ng malalim na drama at konkretong pangkasaysayan.

Sa likod ng mga kapalaran ng mga indibidwal na karakter sa mga drama ng Honore de Balzac, palaging may malawak na background sa buhay; ang mga bayani, na hindi nawala ang kanilang sariling katangian, ay lumitaw sa parehong oras sa anyo ng mga pangkalahatang imahe.

Hinahangad ng manunulat ng dula na gawing parang buhay ang kanyang mga gawa, upang ipakilala sa kanila ang mga katangian ng buhay ng isang tiyak na panahon, upang magbigay ng tumpak na mga katangian ng pagsasalita ng mga karakter.

Ang mga drama ng Balzac, na nag-iwan ng kapansin-pansing marka sa dramaturhiya noong ika-19 na siglo, ay may malaking epekto sa pag-unlad ng sining ng teatro sa mundo.

Kabilang sa mga pinakatanyag na dula ng mahuhusay na manunulat ng dulang Pranses, ito ay nagkakahalaga ng pagbanggit sa Stepmother, Kinola's Hopes, na kasama sa mga repertoires ng mga sinehan sa ilalim ng pangalang Storm Harbor, Kinola's Dreams; "Eugene Grande" at "Kasaysayan ng Panlalawigan", na isinulat batay sa nobelang "Buhay ng Isang Batsilyer".

Si Honore de Balzac ay naging tanyag hindi lamang bilang isang playwright at manunulat, kundi bilang isang art theorist. Marami sa mga artikulo ni Balzac ang nagpahayag ng kanyang mga ideya tungkol sa bagong teatro.

Galit na nagsalita ang playwright tungkol sa censorship, na nagpataw ng bawal sa kritikal na pagmuni-muni ng kontemporaryong katotohanan sa entablado. Bilang karagdagan, si Balzac ay dayuhan sa komersyal na batayan ng teatro noong ika-19 na siglo kasama ang tipikal na ideolohiyang burgis at malayo sa mga realidad ng buhay.

Si Benjamin Antier (1787-1870), isang mahuhusay na French playwright, may-akda ng maraming melodramas, comedies at vaudevilles, ay nagtrabaho sa isang bahagyang naiibang direksyon kaysa sa Balzac.

Ang mga dula ng playwright na ito ay kasama sa repertoire ng maraming metropolitan boulevard theaters. Bilang isang tagasuporta ng mga ideyang demokratiko at republikano, sinubukan ni Antje na ihatid ang mga ito sa madla, samakatuwid ang mga tala ng accusatory ay tunog sa kanyang mga gawa, na ginagawa itong nakatuon sa lipunan.

Sa pakikipagtulungan sa sikat na Pranses na aktor na si Frederic Lemaitre, isinulat ng manunulat ng dulang ang isa sa mga pinakasikat na dula - "Robert Maker", na itinanghal noong 1834 sa entablado ng teatro ng Paris na "Foli Dramatic". Sa malaking lawak, ang tagumpay ng dulang ito ay dahil sa kahanga-hangang pagganap ng paboritong madla na si Frederic Lemaitre at ng buong tropa ng gumaganap.

Sa iba pang mga dula ni Benjamin Anttier, na naging matagumpay sa metropolitan public, ang The Carrier (1825), The Masks of Resin (1825), The Rochester (1829) at The Firestarter (1830) ay nararapat na espesyal na pansin. Sinasalamin din nila ang mga talamak na suliraning panlipunan ng modernong mundo.

Isang innovator sa French drama sa unang kalahati ng ika-19 na siglo ay ang mahuhusay na manunulat na si K. Asimir Jean Francois Delavigne(1793-1843). Sa edad na labing-walo, pumasok siya sa mga bilog na pampanitikan ng France, at pagkalipas ng walong taon ay ginawa niya ang kanyang dramatikong debut.

Noong 1819, nagsimulang magtrabaho si Casimir Delavigne sa Odeon Theater, sa entablado kung saan ang isa sa kanyang mga unang trahedya, Sicilian Vespers, ay itinanghal. Dito, tulad ng sa maraming iba pang mga naunang gawa ng batang manunulat ng dula, maaaring matunton ang impluwensya ng mga sikat na theatrical classics ng nakaraan, na hindi pinahintulutan ang kaunting paglihis mula sa kinikilalang mga canon ng klasisismo sa kanilang mga likha.

Sa parehong mahigpit na tradisyon, isinulat ang trahedya na "Marino Faglieri", na ipinakita sa unang pagkakataon sa teatro na "Port-Saint-Martin". Sa paunang salita sa dulang ito, sinubukan ni Delavigne na bumalangkas ng mga pangunahing prinsipyo ng kanyang mga aesthetic na pananaw. Naniniwala siya na sa modernong drama ay may pangangailangan na pagsamahin ang mga masining na pamamaraan ng klasikong sining at romantikismo.

Dapat pansinin na sa oras na iyon maraming mga literatura na numero ang sumunod sa isang katulad na pananaw, na tama ang paniniwala na ang isang mapagparaya na saloobin lamang sa iba't ibang mga uso sa dramaturhiya ay magpapahintulot sa mundo na theatrical art na mabisang umunlad sa hinaharap.

Gayunpaman, ang kumpletong pagtanggi sa mga halimbawa ng klasikal na sining, lalo na sa larangan ng pampanitikang patula na wika, ay maaaring maging sanhi ng paghina ng literatura sa kabuuan.

Ang mahuhusay na manunulat ng dula ay naglalaman ng mga makabagong tendensya sa kanyang mga huling gawa, na ang pinakamahalaga ay ang trahedya na "Louis XI", na isinulat noong 1832 at itinanghal pagkalipas ng ilang buwan sa entablado ng Comedie Francaise theater.

Ang trahedya ni C. J. F. Delavigne, na nailalarawan sa pamamagitan ng romantikong poetics, matingkad na dinamismo ng mga imahe at banayad na lokal na kulay, ay makabuluhang naiiba sa mga tradisyonal na klasikal na dula.

Ang imahe ni Haring Louis XI, na paulit-ulit na kinakatawan sa entablado ng pinakamahusay na aktor ng Pransya at iba pang mga bansa sa Europa, ay naging isa sa pinakamamahal sa kapaligiran ng pag-arte. Kaya, sa Russia, ang papel na ginagampanan ni Ludovic ay perpektong ginampanan ng mahuhusay na aktor na si V. Karatygin, sa Italya - ni E. Rossi.

Sa buong buhay niya, si Casimir Jean-Francois Delavigne ay sumunod sa mga anti-klerikal na pananaw ng mga tagasuporta ng kilusang pambansang pagpapalaya, habang hindi lumalampas sa katamtamang liberalismo. Tila, tiyak na ang pangyayaring ito ang nagbigay-daan sa mga gawa ng mahuhusay na manunulat ng dula na magkaroon ng malawak na katanyagan sa mga naghaharing pili ng panahon ng Pagpapanumbalik at hindi mawala ito kahit na sa mga unang taon ng Monarkiya ng Hulyo.

Kabilang sa mga pinakatanyag na gawa ni Delavigne, ang mga trahedya na "Pariah" (1821) at "Edward's Children" (1833) ay dapat banggitin, ang mga komedya na gawa ng may-akda ("School for the Old Men" (1823), "Don Juan of Austria" (1835) ay hindi gaanong sikat noong ika-19 na siglo. ) at iba pa).

Hindi gaanong sikat kaysa sa mga dula ni O. de Balzac at iba pang sikat na pigura ng sining sa teatro, noong ika-19 na siglo, ang mga dramatikong gawa ng sikat Anak ni Alexandre Dumas (1824—1895).

Ipinanganak siya sa pamilya ng sikat na manunulat na Pranses na si Alexandre Dumas, may-akda ng The Three Musketeers at The Count of Monte Cristo. Ang propesyon ng ama ay paunang natukoy landas buhay anak, gayunpaman, hindi tulad ng kanyang tanyag na magulang, si Alexander ay mas naaakit sa drama.

Ang tunay na tagumpay ay dumating kay Dumas na anak lamang noong 1852, nang ang dulang The Lady of the Camellias, na ginawa niyang muli mula sa isang naunang nakasulat na nobela, ay ipinakita sa pangkalahatang publiko. Ang produksyon ng dula, na puno ng sangkatauhan, init at malalim na pakikiramay para sa courtesan na tinanggihan ng lipunan, ay naganap sa entablado ng Vaudeville Theater. Masigasig na binati ng audience ang The Lady of the Camellias.

Ang dramatikong gawain ng anak na si Dumas, na isinalin sa maraming wika, ay pumasok sa repertoire mga pangunahing sinehan kapayapaan. Sa iba't ibang panahon, ginampanan ni S. Bernard, E. Duse at iba pang sikat na artista ang nangungunang papel sa The Lady of the Camellias. Batay sa dulang ito, noong 1853 isinulat ni Giuseppe Verdi ang opera na La traviata.

Sa kalagitnaan ng 1850s problema sa pamilya naging nangungunang tema sa akda ni A. Dumas na anak. Ito ang kanyang mga dula na "Diana de Lis" (1853) at "Half Light" (1855), "Money Question" (1857) at "Bad Son" (1858), na itinanghal sa entablado ng teatro na "Gimnaz". Ang playwright ay bumaling sa tema ng isang malakas na pamilya sa kanyang mga huling gawa: "The Views of Madame Aubrey" (1867), "Princess Georges" (1871), atbp.

Maraming mga kritiko sa teatro noong ika-19 na siglo na tinawag na anak na si Alexandre Dumas ang tagapagtatag ng genre ng paglalaro ng problema at ang pinakakilalang kinatawan ng makatotohanang dramaturhiya ng Pransya. Gayunpaman, ang isang mas malalim na pag-aaral ng creative heritage ng playwright na ito ay ginagawang posible upang matiyak na ang pagiging totoo ng kanyang mga gawa ay sa karamihan ng mga kaso ay panlabas, medyo isang panig.

Kinondena ang ilang mga aspeto ng kontemporaryong katotohanan, pinatunayan ng anak ni Dumas ang espirituwal na kadalisayan at malalim na moralidad ng istraktura ng pamilya, at ang imoralidad at kawalang-katarungan na umiiral sa mundo ay lumitaw sa kanyang mga gawa bilang mga bisyo ng mga indibidwal na indibidwal. Kasama ang pinakamahusay na mga gawa ni E. Ogier, V. Sardou at iba pang mga manunulat ng dula, ang mga dula ni Alexandre Dumas na anak ay naging batayan ng repertoire ng maraming mga teatro sa Europa sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo.

Ang magkapatid ay mga tanyag na manunulat, manunulat ng dula, at teorista ng sining sa teatro. Edmond (1822-1896) at Jules (1830-1870) Goncourt. Pumasok sila sa mga bilog na pampanitikan ng France noong 1851, nang mailathala ang kanilang unang akda.

Kapansin-pansin na nilikha ng magkapatid na Goncourt ang kanilang mga obra maestra sa panitikan at dramatikong sa co-authorship lamang, na tama ang paniniwala na ang kanilang magkasanib na gawain ay makakahanap ng masigasig na mga admirer.

Sa unang pagkakataon, ang gawain ng magkapatid na Goncourt (ang nobelang Henriette Marechal) ay itinanghal sa entablado ng teatro ng Comedie Francaise noong 1865. Pagkalipas ng maraming taon, sa entablado ng Libreng Teatro, itinanghal ni Henri Antoine ang drama na Fatherland in Danger. Itinanghal din niya ang mga nobela ni Goncourt na Sister Philomena (1887) at The Maiden Eliza (1890).

Bilang karagdagan, hindi pinansin ng maunlad na publikong Pranses ang pagtatanghal ng mga nobelang Germinie Lacerte (1888) sa Odeon Theater, Charles Damilly (1892) sa Gymnase.

Ang paglitaw ng isang bagong genre ay konektado sa aktibidad na pampanitikan ng magkapatid na Goncourt: sa ilalim ng impluwensya ng kanilang masarap na panlasa ng artistikong, tulad ng isang kababalaghan bilang naturalismo ay naging laganap sa teatro ng Europa.

Ang mga sikat na manunulat ay nagsusumikap para sa detalyadong katumpakan sa paglalarawan ng mga kaganapan, na may malaking kahalagahan sa mga batas ng pisyolohiya at impluwensya ng panlipunang kapaligiran, habang binibigyang pansin ang isang malalim na sikolohikal na pagsusuri ng mga karakter.

Ang mga direktor na nagsagawa sa pagtatanghal ng mga dula ni Goncourt ay kadalasang gumagamit ng magagandang tanawin, na ibinigay sa parehong oras ng mahigpit na pagpapahayag.

Noong 1870, namatay si Jules Goncourt, ang pagkamatay ng kanyang kapatid ay gumawa ng isang mahusay na impresyon kay Edmond, ngunit hindi siya pinilit na talikuran ang kanyang mga aktibidad sa panitikan. Noong 1870s - 1880s ay sumulat siya ng isang bilang ng mga nobela: "The Zemganno Brothers" (1877), "Faustina" (1882) at iba pa, na nakatuon sa buhay ng mga aktor ng Parisian theaters at circus performers.

Bilang karagdagan, si E. Goncourt ay bumaling sa genre ng mga talambuhay: ang mga gawa tungkol sa mga sikat na artistang Pranses noong ika-18 siglo (Mademoiselle Clairon, 1890) ay lalong popular.

Hindi gaanong kaakit-akit sa mga mambabasa ang "Diary", na nagsimula sa buhay ni Jules. Sa napakaraming gawaing ito, sinubukan ng may-akda na magpakita ng isang malaking pampakay na materyal sa relihiyon, kasaysayan at dramatikong kultura ng France noong ika-19 na siglo.

Gayunpaman, sa kabila ng kanyang espesyal na interes sa mga isyu sa teatro, itinuring ito ni Edmond Goncourt na isang endangered art form, hindi karapat-dapat sa atensyon ng isang tunay na manunulat ng dula.

Sa mga huling gawa ng manunulat, ang mga anti-demokratikong tendensya ay tumunog, gayunpaman, ang kanyang mga nobela ay puno ng banayad na sikolohiya, katangian ng mga bagong uso ng modernong panitikang Pranses.

Kasunod ng mga Impresyonistang artista, itinuring ni Edmond Goncourt na kinakailangang ipakita sa mga gawa ng anumang genre ang pinakamaliit na lilim ng damdamin at mood ng mga karakter. Marahil sa kadahilanang ito, si E. Goncourt ay itinuturing na tagapagtatag ng impresyonismo sa panitikang Pranses.

Ang ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo, na minarkahan ng pag-unlad ng isang bagong kalakaran sa kultura - kritikal na pagiging totoo, nagbigay sa mundo ng maraming mahuhusay na manunulat ng dula, kabilang ang mga sikat Émile Edouard Charles Antoine Zola(1840-1902), na nakakuha ng katanyagan hindi lamang bilang isang matalinong manunulat, kundi pati na rin bilang isang kritiko sa panitikan at teatro.

Si Emile Zola ay ipinanganak sa pamilya ng isang inhinyero na Italyano, isang inapo ng isang matandang pamilya. Ang mga taon ng pagkabata ng hinaharap na manunulat ng dula ay ginugol sa maliit na bayan ng Pransya ng Aix-en-Provence, kung saan nagtrabaho si Zola na ama sa disenyo ng kanal. Dito nakatanggap ang batang lalaki ng isang disenteng edukasyon, nakipagkaibigan, ang pinakamalapit sa kanila ay si Paul Cezanne, isang sikat na artista sa hinaharap.

Noong 1857, namatay ang ulo ng pamilya, ang pinansiyal na kagalingan ng pamilya ay lumala nang husto, at ang balo at ang kanyang anak ay napilitang umalis patungong Paris. Dito, sa kabisera ng Pransya, nilikha ni Emile Zola ang kanyang unang gawa ng sining - ang komedya na The Fooled Mentor (1858), na isinulat sa pinakamahusay na mga tradisyon ng kritikal na realismo ng Balzac at Stendhal.

Pagkalipas ng dalawang taon, ipinakita ng batang manunulat sa madla ang isang dula na hango sa pabula ni La Fontaine na "The Milkmaid and the Jug". Ang pagtatanghal ng dulang ito, na tinatawag na "Pierrette", ay medyo matagumpay.

Gayunpaman, bago makilala ng mga bilog na pampanitikan capital, kinailangan munang makuntento ni Emil sa mga kakaibang trabaho, na hindi nagtagal ay nagbigay daan sa isang permanenteng trabaho sa Ashet publishing house. Kasabay nito, sumulat si Zola ng mga artikulo para sa iba't ibang pahayagan at magasin.

Noong 1864, ang kanyang unang koleksyon ng mga maikling kwento, na pinamagatang The Tales of Ninon, ay nai-publish, at pagkaraan ng isang taon ay nai-publish ang nobelang Claude's Confession, na nagdala ng malawak na katanyagan sa may-akda. Hindi rin umalis si Zola sa dramatic field.

Kabilang sa kanyang mga unang gawa ng genre na ito, ang one-act vaudeville sa taludtod na "Ang mamuhay kasama ang mga lobo ay parang lobo na alulong", ang sentimental na komedya na "Ugly Girl" (1864), pati na rin ang mga dulang "Madeleine" (1865) at Ang "Mga lihim ng Marseille" (1867) ay nararapat na espesyal na pansin.

Ang unang seryosong gawain ni Emile Zola, maraming mga kritiko ang tinawag na drama na "Thérèse Raquin", batay sa nobela ng parehong pangalan sa Renaissance Theater noong 1873. Gayunpaman, ang makatotohanang balangkas ng dula at ang panahunan na panloob na salungatan ng pangunahing tauhan ay pinasimple ng isang melodramatic denouement.

Ang drama na "Thérèse Raquin" ay kasama sa repertoire ng pinakamahusay na mga teatro ng Pransya sa loob ng ilang dekada ng ika-19 na siglo. Ayon sa maraming mga kontemporaryo, ito ay "isang tunay na trahedya kung saan si E. Zola, tulad ng Balzac sa Père Goriot, ay sumasalamin sa kuwento ni Shakespeare, na kinilala si Teresa Raquin kay Lady Macbeth."

Habang nagtatrabaho sa susunod na gawain, ang playwright, na dinala ng ideya ng naturalistic na panitikan, ay itinakda bilang kanyang layunin ang paglikha ng isang "pang-agham na nobela", na magsasama ng data mula sa mga natural na agham, medisina at pisyolohiya.

Sa paniniwalang ang karakter at pagkilos ng bawat tao ay tinutukoy ng mga batas ng pagmamana, ang kapaligiran kung saan siya nakatira, at ang makasaysayang sandali, nakita ni Zola ang gawain ng manunulat sa isang layunin na paglalarawan ng isang partikular na sandali ng buhay sa ilalim ng ilang mga kundisyon.

Ang nobelang "Madeleine Ferat" (1868), na nagpapakita ng mga pangunahing batas ng pagmamana sa pagkilos, ay naging unang tanda sa isang serye ng mga nobela na nakatuon sa buhay ng ilang henerasyon ng isang pamilya. Pagkatapos isulat ang gawaing ito, nagpasya si Zola na bumaling sa paksang ito.

Noong 1870, pinakasalan ng tatlumpung taong gulang na manunulat si Gabrielle-Alexandrine Mel, at pagkaraan ng tatlong taon ay naging may-ari ng isang magandang bahay sa mga suburb ng Paris. Di-nagtagal, ang mga batang manunulat, mga tagasuporta ng naturalistic na paaralan, na aktibong nagsusulong ng mga radikal na reporma sa modernong teatro, ay nagsimulang magtipon sa sala ng mga asawa.

Noong 1880, sa suporta ni Zola, ang mga kabataan ay naglathala ng isang koleksyon ng mga kuwento na "Medan Evenings", theoretical works na "Experimental Novel" at "Natural Novelists", ang layunin kung saan ay ipaliwanag ang tunay na kakanyahan ng bagong dramaturgy.

Kasunod ng mga tagasuporta ng naturalistic na paaralan, si Emil ay bumaling sa pagsulat ng mga kritikal na artikulo. Noong 1881, pinagsama niya ang magkahiwalay na publikasyon sa teatro sa dalawang koleksyon: Our Playwrights and Naturalism in the Theatre, kung saan sinubukan niyang magbigay ng historikal na paliwanag ng mga indibidwal na yugto sa pagbuo ng French drama.

Naipakita sa mga gawang ito ang mga malikhaing larawan nina V. Hugo, J. Sand, A. Dumas na anak, Labiche at Sardou, sa isang pagtatalo kung saan ang teoryang aesthetic, hinangad ni Zola na ipakita ang mga ito nang eksakto kung ano sila sa buhay. Bilang karagdagan, ang mga koleksyon ay may kasamang mga sanaysay sa mga theatrical na aktibidad ng Dode, Erkman-Chatrian at ang Goncourt brothers.

Sa teoretikal na bahagi ng isa sa mga libro, ang mahuhusay na manunulat ay nagpakita ng isang bagong programa ng naturalismo, na sumisipsip ng pinakamahusay na mga tradisyon ng mga panahon ng Molière, Regnard, Beaumarchais at Balzac - mga manunulat ng dulang na may mahalagang papel sa pag-unlad ng sining sa teatro hindi lamang sa France, ngunit sa buong mundo.

Sa paniniwalang ang mga tradisyon sa teatro ay nangangailangan ng seryosong rebisyon, nagpakita si Zola ng bagong pag-unawa sa mga gawain ng pag-arte. Pagkuha ng direktang bahagi sa mga pagtatanghal sa teatro, pinayuhan niya ang mga aktor na "isabuhay ang dula sa halip na gawin ito."

Hindi sineseryoso ng playwright ang mapagpanggap na istilo ng paglalaro at declamation; hindi siya kaaya-aya para sa hindi natural na teatro ng mga pose at kilos ng mga aktor.

Ang partikular na interes kay Zola ay ang problema sa disenyo ng entablado. Sa pagsasalita laban sa hindi maipahayag na tanawin ng klasikal na teatro, kasunod ng tradisyon ng Shakespearean, na naglaan para sa isang walang laman na entablado, nanawagan siya para sa pagpapalit ng mga tanawin na "hindi nakikinabang sa dramatikong aksyon."

Ang pagpapayo sa mga artista na mag-apply ng mga pamamaraan na totoong naghahatid ng "kapaligiran ng lipunan sa lahat ng pagiging kumplikado nito", ang manunulat sa parehong oras ay nagbabala sa kanila laban sa simpleng "pagkopya ng kalikasan", sa madaling salita, mula sa pinasimple na naturalistic na paggamit ng mga tanawin. Ang mga ideya ni Zola tungkol sa papel ng theatrical costume at make-up ay batay sa prinsipyo ng rapprochement sa realidad.

Sa kritikal na paglapit sa mga problema ng modernong French dramaturgy, hiniling ng tanyag na manunulat mula sa mga aktor at mga direktor na ang aksyon sa entablado ay dapat na mas malapit sa katotohanan, at ang iba't ibang mga karakter ng tao ay pag-aralan nang detalyado.

Bagama't itinaguyod ni Zola ang paglikha ng "mga buhay na larawan" na kinunan sa "mga tipikal na posisyon", pinayuhan din niya na huwag kalimutan ang pinakamahusay na mga tradisyon ng dramaturhiya ng mga sikat na classic gaya ng Corneille, Racine at Moliere.

Alinsunod sa mga prinsipyong itinaguyod, maraming mga gawa ng mahuhusay na manunulat ng dula ang naisulat. Kaya, sa komedya na The Heirs of Rabourdain (1874), nang ipakita ang mga nakakatawang pilistang probinsyal na naghihintay sa pagkamatay ng kanilang mayamang kamag-anak, ginamit ni Zola ang storyline ng Volpone ni B. Johnson, gayundin ang mga sitwasyong komedya na tipikal sa mga dula ni Molière.

Ang mga elemento ng paghiram ay matatagpuan din sa iba pang mga dramatikong gawa ni Zola: sa dulang The Rosebud (1878), ang melodrama na Rene (1881), ang mga liriko na drama na The Dream (1891), Messidor (1897) at The Hurricane (1901).

Kapansin-pansin na ang mga liriko na drama ng manunulat, kasama ang kanilang kakaibang ritmikong wika at kamangha-manghang balangkas, na ipinahayag sa hindi katotohanan ng oras at lugar ng pagkilos, ay malapit sa mga dula nina Ibsen at Maeterlinck at may mataas na halaga ng masining.

Gayunpaman, ang mga kritiko sa teatro at ang metropolitan na publiko, na dinala sa "mahusay na ginawa" na mga drama ni V. Sardou, E. Ogier at A. Dumas-son, ay walang pakialam na sinalubong ang mga paggawa ng mga gawa ni Zola, na isinagawa kasama ang direktang pakikilahok ng mga may-akda ng mahuhusay na direktor na si V. Byuznak sa maraming yugto ng teatro sa Paris.

Kaya, sa iba't ibang panahon, ang mga dula ni Zola na The Trap (1879), Nana (1881) at Scum (1883) ay itinanghal sa Ambigu Comedian Theater, at The Womb of Paris (1887) ay itinanghal sa Theater de Paris. ), sa ang Libreng Teatro - "Jacques d'Amour" (1887), sa "Chatelet" - "Germinal" (1888).

Sa panahon mula 1893 hanggang 1902, kasama sa repertoire ng Odeon Theater ang "Pahina ng Pag-ibig", "Earth" at "The Misdemeanor of the Abbé Mouret" ni Emile Zola, at medyo matagumpay sila sa entablado sa loob ng ilang taon. .

Ang mga tauhan sa teatro noong huling bahagi ng ika-19 na siglo ay nagsalita nang may pag-apruba sa huling panahon ng akda ng sikat na manunulat, na kinikilala ang kanyang mga merito sa pagkapanalo ng kalayaan sa mga dula sa entablado "na may iba't ibang mga plot, sa anumang paksa, na naging posible upang magdala ng mga tao, manggagawa, sundalo. , mga magsasaka sa entablado - lahat ng ito ay maraming tinig at kahanga-hangang pulutong."

Ang pangunahing monumental na gawain ni Emile Zola ay ang serye ng mga nobela ng Rougon-Macquart, na ginawa sa loob ng ilang dekada, mula 1871 hanggang 1893. Sa mga pahina ng dalawampu't-volume na gawaing ito, sinubukan ng may-akda na kopyahin ang larawan ng espirituwal at panlipunang buhay ng lipunang Pranses sa panahon mula 1851 (ang kudeta ni Louis Napoleon Bonaparte) hanggang 1871 (ang Paris Commune).

Sa huling yugto ng kanyang buhay, ang sikat na playwright ay nagtrabaho sa paglikha ng dalawang epikong siklo ng mga nobela, na pinagsama ng mga paghahanap sa ideolohiya ni Pierre Froment, ang kalaban ng mga gawa. Ang una sa mga siklong ito (Tatlong Lungsod) ay kinabibilangan ng mga nobelang Lourdes (1894), Rome (1896) at Paris (1898). Ang susunod na serye, "The Four Gospels", ay ang mga aklat na "Fecundity" (1899), "Labor" (1901) at "Truth" (1903).

Sa kasamaang palad, ang "Apat na Ebanghelyo" ay nanatiling hindi natapos, hindi nakumpleto ng manunulat ang ikaapat na volume ng gawain, na nagsimula sa huling taon ng kanyang buhay. Gayunpaman, ang pangyayaring ito ay hindi nabawasan ang kahalagahan ng gawaing ito, ang pangunahing tema kung saan ay ang mga ideyang utopia ng may-akda, na sinubukang mapagtanto ang kanyang pangarap ng tagumpay ng katwiran at paggawa sa hinaharap.

Dapat pansinin na si Emile Zola ay hindi lamang aktibong nagtrabaho sa larangan ng panitikan, ngunit nagpakita din ng interes sa buhay pampulitika ng bansa. Hindi niya binalewala ang sikat na Dreyfus affair (noong 1894, isang opisyal ng French General Staff, ang Jew Dreyfus, ay hindi makatarungang nahatulan ng espiya), na, ayon kay J. Guesde, ay naging "pinaka-rebolusyonaryong gawa ng siglo" at nakahanap ng mainit na tugon mula sa progresibong Pranses na publiko.

Noong 1898, sinubukan ni Zola na ilantad ang isang halatang miscarriage of justice: isang liham ang ipinadala sa Pangulo ng Republika na may pamagat na "I accuse".

Gayunpaman, ang resulta ng aksyon na ito ay malungkot: ang sikat na manunulat ay nahatulan ng "paninirang-puri" at sinentensiyahan ng isang taon sa bilangguan.

Kaugnay nito, napilitang lumikas ng bansa si Zola. Siya ay nanirahan sa Inglatera at bumalik sa France noong 1900, pagkatapos ng pagpapawalang-sala kay Dreyfus.

Noong 1902, ang manunulat ay namatay nang hindi inaasahan, ang opisyal na sanhi ng kamatayan ay pagkalason sa carbon monoxide, ngunit marami ang itinuturing na ang "aksidente" na ito ay binalak nang maaga. Sa isang talumpati sa libing, tinawag ni Anatole France ang kanyang kasamahan na "konsensya ng bansa."

Noong 1908, ang mga labi ni Emile Zola ay inilipat sa Pantheon, at makalipas ang ilang buwan ang sikat na manunulat ay iginawad sa posthumously ng pamagat ng miyembro ng French Academy of Sciences (tandaan na sa kanyang buhay ang kanyang kandidatura ay iminungkahi ng halos 20 beses).

Kabilang sa mga pinakamahusay na kinatawan ng French drama sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo, maaaring pangalanan ng isang mahuhusay na manunulat, mamamahayag at manunulat ng dula. Patlang ng Alexis(1847-1901). Nagsimula siyang makisali sa pagkamalikhain sa panitikan nang maaga, ang mga tula na isinulat niya habang nag-aaral sa kolehiyo ay naging malawak na kilala.

Sa pagtatapos, nagsimulang magtrabaho si Paul sa mga pahayagan at magasin, bilang karagdagan dito, naaakit din siya sa drama. Noong huling bahagi ng dekada 1870, isinulat ni Alexis ang kanyang unang dula, ang Mademoiselle Pomme (1879), na sinundan ng iba pang mga dramatikong obra maestra.

Ang theatrical activity ni Paul Alexis ay pinaka malapit na nauugnay sa Free Theater ng natitirang direktor at aktor na si Andre Antoine. Sa pagsuporta sa mga malikhaing hangarin ng isang mahuhusay na direktor, ang playwright ay nagtanghal pa para sa kanya ng kanyang pinakamahusay na maikling kuwento, The End of Lucy Pellegrin, na inilabas noong 1880 at itinanghal sa Paris Theater noong 1888.

Bilang isang masigasig na tagahanga ng naturalismo sa sining ng pagtatanghal, sinalungat ni Paul Alexis ang pagpapalakas ng mga anti-realist na tendensya sa French theater.

Ang pagnanais para sa naturalismo ay ipinahayag sa dulang "The Servant about Everything", na isinulat noong 1891 at itinanghal sa entablado ng Variety Theater makalipas ang ilang buwan. Maya-maya, sa ilalim ng direksyon ni Alexis, ang teatro na "Gimnaz" ay itinanghal ang nobela ng magkapatid na Goncourt na "Charles Demailli" (1893).

Ang mga motibong makatao ay puno ng mga gawa ng isa pa, hindi gaanong sikat na French playwright, Edmond Rostand(1868-1918). Ang kanyang mga dula ay sumasalamin sa mga romantikong mithiin ng pananampalataya sa espirituwal na kapangyarihan ng bawat indibidwal. Ang mga marangal na kabalyero, mga mandirigma para sa kabutihan at kagandahan, ay naging mga bayani ng mga gawa ni Rostanov.

Ang debut ng playwright sa entablado ay naganap noong 1894, nang ang kanyang komedya na The Romantics ay ibinigay sa Comédie Française. Sa gawaing ito, hinangad ng may-akda na ipakita ang kadakilaan ng taos-pusong damdamin ng tao, upang ipakita sa madla ang kalungkutan at panghihinayang para sa walang muwang na romantikong mundo na nawala sa nakaraan. Ang Romantics ay isang matunog na tagumpay.

Lalo na sikat ang heroic comedy ni Rostand na si Cyrano de Bergerac, na itinanghal sa Porte Saint-Martin Theater sa Paris noong 1897. Nagawa ng playwright na lumikha ng isang matingkad na imahe ng isang marangal na kabalyero, isang tagapagtanggol ng mahina at nasaktan, na kalaunan ay nakatanggap ng isang tunay na sagisag sa pagganap ng mga pinakamahusay na aktor ng French theater school.

Ang katotohanan na ang maganda, marangal na kaluluwa ng pangunahing tauhan ay nagtatago sa likod ng isang pangit na anyo, na nagpipilit sa kanya na itago ang kanyang pag-ibig sa magandang Roxanne sa loob ng ilang taon, ay lalong nagpaparamdam sa masining na konsepto ng dula. Bago lamang siya mamatay, ipinahayag ni Cyrano ang kanyang damdamin sa kanyang minamahal.

Ang kabayanihang komedya na "Cyrano de Bergerac" ang pinakatuktok ng akda ni Edmond Rostand. Sa huling taon ng kanyang buhay, sumulat siya ng isa pang dula, na tinawag na "Ang Huling Gabi ni Don Juan" at nagpapaalala sa katangian ng pagtatanghal at ang pangunahing kahulugan ng isang pilosopikal na treatise.

Ang isang mahalagang papel sa sining ng entablado ng France noong huling bahagi ng ika-19 - unang bahagi ng ika-20 siglo ay ginampanan ng tinatawag na Antoine Theater, na itinatag sa Paris ng natitirang direktor, aktor at teatro na si Andre Antoine.

Sinimulan ng bagong teatro ang trabaho nito sa lugar ng isa sa mga salon ng Menu-Pleisir. Ang kanyang repertoire ay batay sa mga gawa ng mga kabataang kababayan at ang pinakamahusay na mga halimbawa ng bagong dayuhang drama. Inanyayahan ni Antoine ang mga aktor sa kanyang tropa, kung saan nagtrabaho siya sa loob ng ilang taon sa Free Theater (ang huli ay tumigil na umiral noong 1896).

Ang premiere productions ng Theater Antoine ay medyo matagumpay na pagtatanghal ng mga dula ng mga batang French playwright na sina Briet at Courteline.

Sa paglikha ng kanyang teatro, hinangad ng direktor na lutasin ang parehong mga gawain na iniharap sa kanya habang nagtatrabaho sa Free Theater.

Ang pag-apruba sa mga ideya ng naturalistic na paaralan ng French theatrical art, hindi lamang itinaguyod ni Antoine ang mga gawa ng mga batang manunulat na Pranses, ngunit ipinakilala din ang mga madla ng kapital sa bagong dayuhang drama, na bihirang tumama sa yugto ng Pransya (sa oras na iyon, walang laman, walang kahulugan na mga dula sa pamamagitan ng mga naka-istilong ang mga may-akda ay itinanghal sa mga yugto ng maraming mga teatro sa Paris) .

Bilang karagdagan, ang direktor ay nakipaglaban sa craft at "cash plays" na nangako ng malaking kita; sa unang lugar para sa kanya ay ang sining.

Sa pagsisikap na lumikha ng bago, naiiba sa Libreng Teatro, na ang mga pagtatanghal ay maa-access lamang ng mga may-ari ng mamahaling mga subscription, nagbigay si Antoine ng mga bayad na pagtatanghal na idinisenyo para sa malawak na madla. Sa layuning ito, ang mga katamtamang presyo ng tiket ay ipinakilala sa teatro, at ang malawak na repertoire ay madalas na ina-update upang makaakit ng malawak na hanay ng mga manonood.

Kasama sa playbill ng Antoine Theater ang mga dula ng mga kabataang kababayan gaya nina A. Brie, E. Fabre, P. Loti, L. Benière, J. Courteline, L. Decave at iba pa. Mga pagtatanghal batay sa mga gawa ni Maupassant, Zola, Balzac ay lalo na sikat. Bilang karagdagan, ang mga pag-play ng mga dayuhang may-akda - Ibsen, Hauptmann, Zudeoman, Heyermans, Strindberg - ay nagtagal sa repertoire ng teatro sa loob ng mahabang panahon.

Noong 1904, itinanghal ang King Lear ni Shakespeare sa entablado ng Antoinov Theatre. Ang pagtatanghal na ito ay gumawa ng isang hindi maaalis na impresyon sa madla, sa hinaharap, maraming mga direktor ng Pransya, na napagtanto kung gaano kataba ang lupang ito, ang bumaling sa walang hanggang dramaturhiya ng Shakespearean.

Sa simula ng 1905, walang bakas ng dating progresibo ni Andre Antoine, walang malasakit na binati ng metropolitan audience at mga kritiko sa teatro ang mga paggawa ng mga pagtatanghal batay sa mga dula ng reaksyunaryong manunulat ng dulang si de Curel at mga pelikulang aksyon na uso noong panahong iyon isang sikat na baluktot na balangkas. Noong 1906, napilitang iwanan ng direktor ang kanyang ideya at lumipat sa isa pa, na pantay na tanyag sa mga taga-Paris, ang teatro ng Odeon.

Si Firmin (Tonnerre) Gemier (1869-1933), isang mahuhusay na estudyante ni Andre Antoine, isang sikat na aktor, direktor at masiglang theatrical figure, ay inilagay sa pinuno ng Antoinov Theater. Siya ay ipinanganak sa pamilya ng isang mahirap na innkeeper. Dahil maagang nawalan ng ina, napilitan si Firman na huminto sa pag-aaral at magtrabaho.

Noong 1887, pagkatapos makapagtapos ng mga pribadong kurso sa drama, si Gemier ay nakakuha ng trabaho bilang dagdag sa Free Theater, ngunit sa lalong madaling panahon siya ay tinanggal sa utos ng direktor, na hindi nasisiyahan sa kanyang trabaho.

Gayunpaman, ang trabaho sa ilalim ng direksyon ni Andre Antoine ay may malaking epekto sa pag-unlad ng kasanayan ng batang aktor. Sa hinaharap, higit na inulit ni Gemier ang mga ideya ng guro, na nagpapalaganap ng pagtanggi sa "nakasanayan, sira-sira at nakakapinsalang mga pananaw." Nakita niya ang layunin ng dramatic theatrical art sa paglilingkod sa mga tao, at ang lahat ng kanyang trabaho ay nasa ilalim ng pagtataguyod ng mga prinsipyo ng realismo.

Kasabay nito, ang pagtatanggol sa mataas na humanistic ideals, si Gemier ay mahigpit na pinuna ang mga phenomena ng pang-araw-araw na buhay na humahadlang sa progresibong pag-unlad ng lipunan at kultura ng mundo sa kabuuan.

Noong 1898, nang makatanggap ng isang imbitasyon mula sa pamunuan ng Belleville Theater, ang aktor ay masigasig na nagsimulang magtrabaho; nanatili siya sa Belleville hanggang 1890. Kasabay nito, tatlong beses sinubukan ni Gemier na pumasok sa klase ng drama ng Paris Conservatoire, ngunit hindi ito nagtagumpay.

Sa loob ng tatlong taon (1892-1895), ang aktor ay naglaro sa entablado ng Libreng Teatro, pagkatapos ay nagsimula ang isang panahon ng paggala para sa kanya: Si Gemier ay nagtrabaho sa iba't ibang mga grupo ng teatro sa Paris, ang pinakasikat kung saan sa oras na iyon ay ang mga teatro ng Gimnaz , Pagkamalikhain, Ambigu ”, Antoine Theater, Renaissance at Chatelet.

Sa simula ng 1904, na nakatanggap ng isang imbitasyon mula sa pamumuno ng tropa ng Pransya ng Mikhailovsky Theatre, si Gemier, kasama ang kanyang asawa, ang aktres na si A. Megar, ay pumunta sa St. Sa kanyang pagbabalik sa kanyang tinubuang-bayan noong 1906, nakatanggap siya ng isang paanyaya na pamunuan ang pangkat ng Antuanov Theatre at hinawakan ang posisyon ng direktor sa loob ng labinlimang taon.

Matapos ang pag-alis ni Gemier noong 1921, nawala ang dating kahalagahan ng Antoine Theater bilang isang advanced artistic group, isang muog ng mga batang manunulat at progresibong intelihente, at naging isang ordinaryong metropolitan na teatro.

Sinimulan ni Firmin Gemier ang kanyang karera sa pagdidirekta noong 1900 habang nagtatrabaho sa Zhimnaz Theatre. Ginagabayan ng pinakamahusay na mga tradisyon ng makatotohanang sining, ang progresibong direktor ay matapang na nag-eksperimento, na naglalahad ng mga bagong anyo ng aksyon sa entablado sa madla, kung saan sinubukan niyang pagsamahin ang theatrical showiness sa unprepossessing katotohanan ng buhay.

Tinatanggihan ang "frozen classicism" kasama ang hindi napapanahong mga panuntunan sa pagdidirekta, hinangad ni Gemier na ipakita sa publiko ang isang makulay at dinamikong pagganap, na umakit ng malaking bilang ng mga manonood sa "Gimnaz".

Naniniwala ang direktor na ang apela sa mga ideya Ang mga kontemporaryong Pranses na manunulat ay ang tanging tamang direksyon sa usapin ng pag-update ng French drama.

Itinanghal ng Antoine Theater at ng Renaissance Gemier ang mga dulang "Public Life" ni Fabre (1901), "Parisian" ni Beck (1901), "Thérèse Raquin" ni Zola (1902), "Hulyo 14" ni Rolland (1902), " Kasal ni Krechinsky" Sukhovo-Kobylin (1902), "Anna Karenina" ni Tolstoy (1907), "Mga Nanalo" ni Fabre (1908).

Naakit din ang direktor ng pamana ng Shakespearean, ang mga produksyon ng Hamlet (1913), The Merchant of Venice (1916), Antony at Cleopatra (1917), The Taming of the Shrew (1918) ay masigasig na tinanggap ng Parisian public.

Sa direktang pakikilahok ni Firmin Gemier noong 1916, ang Shakespeare Society ay inorganisa sa France, ang layunin nito ay i-popularize ang mga gawa ng sikat na English classic. Maya-maya, sa inisyatiba ng taong ito, nilikha ang isang unyon ng mga gumaganap na artista.

Noong 1920, natupad ang matagal nang pangarap ni Gemier na lumikha ng isang tunay na katutubong teatro na mapupuntahan ng masa. Sa Paris, sa magandang bulwagan ng Palasyo ng Trocadero, na maaaring upuan ng 4,000 manonood, binuksan ang National People's Theater. Di-nagtagal ay natanggap niya ang katayuan ng estado (ang Grand Opera, Comedie Francaise at Odeon ay iginawad din ng katulad na karangalan).

Kasabay ng pamumuno ng kanyang minamahal na brainchild, nagsagawa si Gemier ng mga produksyon sa mga yugto ng mga sinehan ng Comedy Montaigne at Odeon.

Itinanghal ng National People's Theater ang mga dula ni R. Rolland "July 14" at "Wolves", "The Marriage of Figaro" ni P. O. Beaumarchais. Ang pagtatanghal ng mga dula ni Shakespeare ay nagpatunay sa kadakilaan ng indibidwal at, kasabay nito, ang trahedya ng isang tao na nagsimula sa landas ng mga krimen ("The Merchant of Venice", "Richard III").

Gayunpaman, ang mga pagtatanghal ng mga tanyag na panoorin sa masa, na pinangarap ni Gemier sa paglikha ng kanyang teatro, ay napigilan ng mga paghihirap na materyal at ang hindi angkop sa lugar kung saan ipinakita ang mga pagtatanghal.

Matapos ang pagkamatay ni Gemier noong 1933, ang National People's Theatre ay nahulog sa pagkabulok, natagpuan niya ang isang bagong buhay lamang sa pagdating ni Jean Vilar, na ilalarawan sa ibaba, sa koponan noong 1951.

Si Firmin Gemier ay nagbigay ng espesyal na pansin sa edukasyon ng hinaharap na henerasyon ng mga aktor. Sa layuning ito, noong 1920, sa kanyang inisyatiba, ang Drama Conservatory ay binuksan sa Antoine Theater, kung saan natutunan ng mga batang talento ang mga pamamaraan ng modernong pag-arte.

Kabaligtaran sa Paris Conservatoire, kung saan ang declamation ang batayan ng pagtuturo, ang Gemier school ay nagbigay-diin sa pagtanggi sa mga lumang tradisyon sa teatro na nawala ang kanilang posibilidad.

Noong 1926, sinubukan ng sikat na aktor at direktor na magtatag ng World Theatre Society, na ang mga pag-andar ay isasama ang samahan ng mga internasyonal na pagdiriwang, paglilibot at lahat ng uri ng malikhaing kumperensya, ngunit walang pakinabang.

Noong 1928, bumisita si Gemier sa Russia sa pangalawang pagkakataon. Ang mga pagpupulong sa Moscow kasama ang mga kasamahan mula sa mga tropa ng kabisera ay nagpakita sa kanya ng mataas na antas ng kasanayan ng mga aktor at direktor ng Russia. Ang paglalakbay ay naging napaka-edukasyon.

Ang mature na panahon ng trabaho ni Firmin Gemier ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagpapatupad ng mga progresibong ideya at matapang na adhikain, na napanatili mula sa mga araw ng kanyang trabaho sa Free Theatre.

Ang maraming nalalaman na talento ay nagpapahintulot sa aktor na maglaro sa mga produksyon ng iba't ibang mga genre, upang lumikha ng matalas na katangian, trahedya o liriko na mga imahe sa entablado, at gampanan din ang papel ng mga komedyang karakter sa mga satirical na dula.

Kinilala ng mga kritiko sa teatro ang pinakamatagumpay na tungkulin ni Gemier bilang Patlen sa komedya na "Abogado Patlen" at Philip II sa drama ni Schiller na "Don Carlos".

Hindi gaanong kaakit-akit ang mga larawan ni Ubu sa King Ubu ni Jarry, ang walang kaluluwang nagseselos na Karenin sa paggawa ni Tolstoy ng Anna Karenina, ang masayang Jourdain sa The Tradesman in the Nobility ni Molière, Shylock sa The Merchant of Venice ni Shakespeare, Philippe Brido sa The Bachelor's Life. O. Balzac.

Gayunpaman, itinuring mismo ni Gemier ang mga larawan ng mga ordinaryong tao sa pagtatanghal ng mga gawa bilang ang kanyang pinakamahusay na mga likha, isang mahusay na malikhaing tagumpay. mga kontemporaryong manunulat ng dula(manggagawa Baumert sa "The Weavers", stonemason ni Papillon sa dulang "Papillon, the Fair Lyon" ni Hauptmann, atbp.). Isang hindi maunahang master ng make-up, nagawa ni Firmin Gemier na baguhin ang kanyang hitsura nang hindi nakikilala. Ang kanyang katangian na birtuosidad at mahusay na teknikal na kasanayan ay naging posible upang lumikha ng emosyonal na mga dynamic na imahe sa entablado, kung saan ang mga character ng mga character ay makikita sa mga banayad na nuances.

Ang mga galaw at kilos ni Gemier ay hindi gaanong nagpapahayag kaysa sa mga intonasyon. Ayon sa mga kasamahan, ang aktor na ito "ay ang pagiging natural." Si Firmin Gemier ay hindi nawala ang mga tampok na ito ng kanyang laro sa sinehan, kung saan nagsimula ang kanyang karera noong 1930, pagkatapos umalis sa Odeon Theatre.

Ang malaking kahalagahan para sa kasaysayan ng French stage art ay ang aktibidad ng talentadong aktres na si Sarah Bernhardt (1844-1923). Dinala ng teatro bilang isang bata, ginawa niya ang entablado bilang pangunahing negosyo ng kanyang buhay.

Matapos makapagtapos ng mga klase sa pag-arte sa Paris Conservatory, nagsimulang magtrabaho si Sarah Bernard sa entablado.

Ang pasinaya ng isang mahuhusay na batang aktres sa propesyonal na entablado (sa Comedie Francaise theater) ay naganap noong 1862. Sa pagtatanghal batay sa dula ni Racine "Iphigenia in Aulis" ginampanan niya ang papel ng pangunahing tauhan. Gayunpaman, isang hindi matagumpay na pagganap ang nagpilit kay Bernard na umalis sa Comédie Francaise. Sinundan ito ng panahon ng malikhaing paghahanap, na tumagal mula 1862 hanggang 1872. Sa panahong ito, nagtrabaho si Sarah sa Gimnaz, Port Saint-Martin at Odeon. Ang pinakamatagumpay na papel na ginampanan ng aktres sa mga entablado ng mga sinehang ito ay si Zanetto sa dula ni Coppe na Passerby, ang reyna sa Ruy Blas ni Victor Hugo at si dona Sol sa Hernani ng parehong may-akda.

Noong 1872, nakatanggap si Sarah Bernard ng isang alok mula sa pamamahala ng Comédie Française at muling nagsimulang gumanap sa entablado ng teatro na ito. Dito, sa loob ng walong taon, ginampanan ng aktres ang mga nangungunang papel sa mga komedya ng Racine at Voltaire, na nangangarap na lumikha ng kanyang sariling teatro.

Noong 1880, umalis si Sarah Bernhardt sa Comédie Francaise sa pangalawang pagkakataon at, pinamumunuan ang mga kumikilos na tropa, una sa teatro ng Porte Saint-Martin at pagkatapos ng Renaissance, sinubukang ayusin ang kanyang sariling teatro. Ang kanyang mga pangarap ay nakatakdang matupad lamang noong 1898, nang lumitaw ang mga poster ng bagong Sarah Bernard Theater sa mga lansangan ng Paris.

Ang walang katulad na kasanayan ng isang mahuhusay na artista, ang susi kung saan, una sa lahat, mahusay na panlabas na pamamaraan, ay nag-ambag sa paglago ng kanyang karera sa entablado. Dito nakita ng mga kritiko sa teatro ang dahilan ng matunog na tagumpay ng sikat na Sarah.

Mahusay na nakayanan ang mga papel ng babae sa mga produksyon ng kanyang teatro, gayunpaman ay ginusto ng aktres ang mga papel na lalaki, lalo na ang papel ng Hamlet sa dula ni Shakespeare na may parehong pangalan. Gayunpaman, ang tugatog ng husay sa pag-arte ni Sarah Bernhardt ay ang papel ni Marguerite Gauthier sa dula ni Alexandre Dumas na anak na "The Lady of the Camellias". Hindi gaanong hindi malilimutan ang pangunahing tauhang si Bernard sa melodrama na "Adrienne Lecouvreur" ni E. Scribe.

Maraming mga playwright ang lumikha ng kanilang mga dula na partikular para kay Bernard, sa pag-asang ang mahuhusay na aktres, sa kanyang napakagandang dula, na nagpapadama sa mga manonood sa kapalaran ng mga karakter, ay magagawang luwalhatiin ang mga pangalan ng mga may-akda. Kaya, ang mga melodramas na "Cleopatra" at "Phaedra", na isinulat ng manunulat ng dulang si Sardou partikular para sa Sarah Bernard Theater, ay idinisenyo para sa pakikilahok sa mga produksyon ni Sarah mismo.

Noong kalagitnaan ng 1890s, ang repertoire ng aktres ay may kasamang malaking bilang ng mga tungkulin, ang pinakamatagumpay kung saan tinawag ng mga kritiko sa teatro ang mga larawang nilikha ni Sarah sa mga neo-romantic na dula ni Rostand (Princess Melissande, Duke of Reichstadt sa The Eaglet, Lorenzaccio sa dula. ng parehong pangalan).

Si Sarah Bernhardt, na bumaba sa kasaysayan ng sining sa teatro sa mundo bilang isang mahuhusay na tagapalabas ng magkakaibang mga tungkulin, ay mananatiling isang mataas na halimbawa ng mga kasanayan sa pag-arte, isang hindi matamo na ideal.

Ang mga unang dekada ng ika-20 siglo, na minarkahan ng magulong mga kaganapan sa buhay pampulitika ng karamihan sa mga bansa sa mundo, ay may medyo negatibong epekto sa buhay pangkultura ng mga estadong ito, lalo na sa sining ng teatro.

Ang panahon ng pansamantalang pagpapapanatag na sumunod pagkatapos ng pagtatapos ng Unang Digmaang Pandaigdig ay nag-ambag sa muling pagkabuhay ng aktibidad sa teatro sa France.

Ang mga repertoires ng karamihan sa mga teatro ng Pransya noong ika-20 siglo ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang pambihirang lawak ng saklaw: ang mga obra maestra ng klasikal na trahedya, romantikong drama at komedya ng medyebal na panahon ay muling nakapaloob sa entablado. Ngunit iyon ay kalaunan, ngunit sa ngayon ang teatro ng Pransya ay nanatiling nakaaaliw.

Sa panahon ng post-war sa France, nagkaroon ng muling pagkabuhay ng komersyal na teatro, na nakatuon sa mga interes ng publikong metropolitan at iginiit ang sining ng mga ligal na selyo, katangi-tanging mise-en-scenes.

Noong 1920s, sa mga commercial boulevard theaters ng Paris, ang prinsipyo ng isang dula ay ipinahayag bilang isang pinuno, na tumatakbo sa entablado para sa ilang mga gabi hangga't ang pagtatanghal ay popular. Sa hinaharap, ang dula ay tinanggal mula sa repertoire ng teatro, pinalitan ito ng bago, na itinanghal din tuwing gabi.

Sa kanilang pagnanais na aliwin ang publiko ng Paris, ang mga aktor ng mga teatro ng boulevard na Gimnaz, Renaissance, Porte Saint-Martin, Héberto, Vaudeville at iba pa ay hindi umiwas sa anumang paraan, kahit na ang mga malalaswang plot at murang mga panlilinlang sa teatro ay ginamit. .

Napakahusay na kasanayan sa mga lihim ng mga kasanayan sa teatro, mga kakaibang selyo na minana mula sa mga nakaraang henerasyon ng mga aktor, ang susi sa matagumpay na pagtatanghal sa entablado noong ika-20 siglo. Ang plasticity, expressiveness, mahusay na diction at mahusay na utos ng boses ay naging layunin ng kumikilos na pagkamalikhain.

Kasabay nito, sa mga aktor ng tabloid mayroon ding mga mataas na propesyonal na masters, na ang pag-arte ay nakikilala sa pamamagitan ng isang mataas na pakiramdam ng estilo. Kabilang sa mga pinaka-kapansin-pansing figure ng French artistic world noong unang kalahati ng 20th century, ang ama at anak ni Guitry ay nararapat na espesyal na atensyon.

Sikat na artista at playwright Lucien Guitry(1860-1925) ay ipinanganak sa Paris. Matapos makapagtapos mula sa konserbatoryo noong 1878, sumali siya sa tropa ng Zhimnaz Theater - ganito nagsimula ang kanyang aktibidad sa entablado.

Ang labing-walong taong gulang na aktor ay gumawa ng kanyang debut sa papel ni Armand sa dula batay sa dula ni A. Dumas-son na "The Lady of the Camellias". Ang matagumpay na pagganap ni Lucien ay napansin ng pamumuno ng tropang Pranses ng Mikhailovsky Theater, at sa lalong madaling panahon ang batang talento ay nagmamadali na sa St.

Ang talentadong aktor ay gumugol ng ilang mga yugto ng teatro sa Mikhailovsky Theatre, at sa kanyang pagbabalik sa Paris noong 1891, nagsimula siyang magtanghal sa mga yugto ng iba't ibang mga teatro sa boulevard - tulad ng Odeon, Porte Saint-Martin, at iba pa.

Noong 1898-1900, nagtrabaho si Lucien Guitry kasama ang mahuhusay na aktres na si G. Réjam, ang paglahok ng duet na ito sa dula ni Rostand na "Eaglet" (Lucien ay gumanap bilang Flambeau) ay nagdala ng walang uliran na tagumpay sa produksyon.

Hindi gaanong kawili-wili ang gawain ni L. Guitry sa dulang "Chantecleer", na itinanghal sa entablado ng isa sa mga komersyal na sinehan noong 1910. Bilang isang aktor na may pigil na ugali, gayunpaman ay nagawa ni Lucien na lumikha ng isang matingkad na dynamic na imahe sa entablado.

Pagkalipas ng pitong taon, ipinakita ni L. Guitry sa publiko ang kanyang mga dramatikong gawa na "Grandfather" at "The Archbishop and His Sons", ang mga pagtatanghal kung saan sa entablado ng teatro na "Port-Saint-Martin" ay naging matagumpay.

Noong 1919, ginampanan ni Lucien ang kanyang unang papel sa isang dula batay sa isang dula ni Alexandre Guitry. Sa hinaharap, ang ama ay gumanap ng maraming mga tungkulin sa mga gawa na isinulat ng kanyang anak lalo na para sa kanya - "Pasteur", "Tama ang aking ama", "Beranger", "Jacqueline", "Paano isinulat ang kasaysayan".

Nagpatuloy si Lucien Guitry sa pagtanghal sa entablado hanggang mga huling Araw sariling buhay; ang kanyang laro, na nakikilala sa pamamagitan ng katotohanan, laconism ng mga katangian, dayuhan sa affectation, natutuwa ang mga tao hanggang 1925.

Sa mga huling taon ng kanyang buhay, ang aktor ay lumikha ng matingkad, di malilimutang mga imahe sa mga komedya ni Moliere - Alceste sa The Misanthrope, Tartuffe sa dula ng parehong pangalan at Arnolf sa The School for Wives.

Hindi gaanong sikat kaysa sa kanyang ama, na nasiyahan sa unang kalahati ng XX siglo Sasha (Alexander) Guitry(1885-1957), mahuhusay na Pranses na teatro at artista sa pelikula, sikat na manunulat at manunulat ng dula.

Ang maliwanag na kapaligiran ng buhay sa teatro na sinamahan ng mga taon ng pagkabata ng Guitry-son ay nag-ambag sa kanyang pagkahilig sa teatro, ang larangan ng panitikan ay tila hindi gaanong kaakit-akit sa batang Alexander, lalo na dahil ang mga unang gawa ni Sasha ay isang tagumpay.

Ang kanyang propesyonal na aktibidad sa panitikan ay nagsimula noong 1901, nang ang unang dula na pinamagatang "Ang Pahina" ay inilabas, na itinanghal nang kaunti mamaya sa entablado ng Paris Renaissance Theater. Unti-unti, si Sasha Guitry ay naging isa sa mga nangungunang kinatawan ng "tabloid drama". Halos lahat ng kanyang mga dula, at mayroong higit sa 120 sa kanila, ay kasama sa mga repertoire ng iba't ibang mga teatro sa metropolitan.

Ang mga dula ni Guitry-son na may nakakatawa, medyo mapang-uyam at mababaw, ngunit sa parehong oras nakakaaliw na aksyon ay palaging popular sa karamihan ng metropolitan pampublikong, na nakita sa teatro lamang isang paraan ng entertainment.

Maraming mga dramatikong gawa ni Sasha Guitry ang itinayo sa mga plot ng adultery na may mga nakakatuwang sitwasyon, iba't ibang uri ng mga nakakatuwang kahangalan. Ito ang kanyang mga dulang At the Zoacs (1906), Scandal at Monte Carlo (1908), The Night Watchman (1911), Jealousy (1915), Husband, Wife and Lover (1919), I love you" (1919).

Bilang karagdagan, ang manunulat ng dulang ito ay nagsulat ng isang bilang ng mga akdang talambuhay na tinatawag na "mga dramatikong talambuhay" - "Jean Lafontaine", "Debureau", "Pasteur", "Beranger", "Mozart", atbp.

Noong 1902, nakakuha si Sasha Guitry ng katanyagan bilang isang mahuhusay na artista. Ang kanyang mga pagtatanghal sa Renaissance Theater ay isang hindi pa nagagawang tagumpay. Di-nagtagal, binuo ng aktor ang kanyang istilo ng trabaho sa entablado - ang istilo ng magaan na masayang sining, katamtamang tunay at nakakatuwang, na nagbibigay ng pagkakataon sa madla na magsaya sa teatro.

Si Sasha Guitry ay pinakasikat sa mga tungkulin ng mga kaakit-akit na manliligaw sa kanyang sariling mga dula: ginampanan niya ang mga ito nang may bahagyang kabalintunaan, na parang mula sa gilid na tinitingnan ang kanyang bayani.

Ang isang madilim na lugar sa reputasyon ng Guitry-son ay naglagay ng pakikipagtulungan sa mga Nazi noong Ikalawang Digmaang Pandaigdig. Noong 1945 siya ay nabilanggo, ngunit sa lalong madaling panahon siya ay pinalaya at ipinagpatuloy ang kanyang trabaho bilang isang manunulat ng dula.

Noong 1949, sumulat si Guitry ng dalawang dula - "Toa" at "You Saved My Life", na ipinakita sa ibang pagkakataon sa Variety Theater. Noong 1951, sa entablado ng parehong teatro, naganap ang premiere screening ng "Madness" ni Sasha Guitry, na sa oras na iyon ay dinala ng sinehan (ginampanan niya ang ilang mga tungkulin sa mga pelikula noong 1950s).

Ang kuta ng pang-akademikong yugto sa unang kalahati ng ika-20 siglo ay ang parehong Comedie Francaise na may tradisyonal na mga prinsipyo sa entablado at klasikal na repertoire. Ang sitwasyong ito ay nag-ambag sa pagbabago ng pinakamalaking teatro ng estado sa France sa isang uri ng teatro-museum, na sumasalungat sa mga sikat na teatro sa boulevard, sa isang banda, at ang mga makabagong adhikain ng karamihan sa mga tauhan sa teatro, sa kabilang banda.

Ang panahon mula 1918 hanggang 1945 sa kasaysayan ng Comedie Francaise ay karaniwang nahahati sa tatlong yugto. Ang una sa kanila, mula 1918 hanggang 1936, ay pinamunuan ng pangkalahatang tagapangasiwa na si Emile Fabre, ang pangalawa, mula 1936 hanggang 1940, ay minarkahan ng aktibong gawain ni Edouard Bourdet, ang pangatlo, mula 1940 hanggang 1945, ay minarkahan ng gawain ng unang Jacques Copeau, at pagkatapos ay Jean Louis Vaudoyer.

Ang lahat ng mga pinuno ng Comédie Francaise ay nagsikap na panatilihin ang teatro sa antas ng isang "huwarang yugto", ngunit ang mga bagong panlipunang ideya at paghahanap sa larangan ng sining ng pagtatanghal ay patuloy na tumagos sa panloob na buhay ng teatro.

Noong 1921, sinubukan ng direktor na si Georges Berr na muling itanghal ang Tartuffe ni Molière sa entablado ng Comédie Francaise: ang aksyon ng dula, na nagaganap ngayon sa bahay ni Orgon, ngayon sa kalye, ngayon sa hardin, sinira ang dating umiiral na prinsipyo. ng pagkakaisa ng lugar, at hindi rin pinansin ang pagkakaisa ng panahon .

Gayunpaman, nabigo ang direktor na punan ang klasikal na gawain ng bagong nilalaman na tumutugma sa diwa ng panahon. Bilang isang resulta, ang karanasan ni Burr ay hindi binuo sa karagdagang mga paggawa ng teatro.

Sa pagtatapos ng 1933, itinanghal ni E. Fabre ang Coriolanus ni Shakespeare sa Comédie Francaise. Ang pagganap, na nagpukaw ng mga asosasyon sa mga modernong katotohanan (ang tagumpay ng mga Nazi sa Alemanya), ay nakakuha ng hindi kapani-paniwalang katanyagan. Ito ay higit sa lahat dahil sa mahusay na pagganap ng mga nangungunang aktor na sina Rene Alexander (1885-1945) at Jean Herve (1884-1962), na nagbigay-kahulugan sa imahe ng despotikong pinunong Romano na si Coriolanus sa iba't ibang paraan.

Ang sikat na manunulat ng dula, may-akda ng maraming "comedy of manners" na si Edouard Bourde, na pumalit sa hindi gaanong kilalang si Emile Fabre bilang pinuno ng "Comedy Francaise", ay lubos na nakakaalam na ang pinakalumang teatro ng Pransya ay kailangang i-update ang repertoire, na ipinakilala ito sa ang matinding problema ng ating panahon.

Upang malutas ang mga problemang ito, ang mga advanced na figure ng theatrical art, mga tagasuporta ng makatotohanang teatro, ang direktor na si Jacques Copeau at ang kanyang mga mag-aaral, ang mga tagapagtatag ng Cartel of Four, Charles Dullin, Louis Jouvet at Gaston Baty, ay inanyayahan sa Comédie Francaise.

Ang kilalang direktor, aktor, guro ng teatro, may-akda ng isang bilang ng mga teoretikal na gawa sa teatro, si Jacques Copeau, ay naghangad na iakma ang klasikal na repertoire ng pinakalumang teatro sa mga modernong katotohanan. Nais niyang muling bigyang-kahulugan ang mga pangunahing ideya ng mga gawa ni Molière, Racine, Dumas son at iba pa.

Nagtatrabaho noong 1937 sa paggawa ng "Bayazet" ni Racine, itinuro ni Copeau sa mga aktor ang isang mas pinipigilang pagbigkas, walang labis na melodiousness at sa parehong oras ay hindi nasisira ang kagandahan ng taludtod ni Racine.

Ang mga naka-istilong tanawin at kasuutan, ang pagsasalita ng mga aktor, na nagpapakita hindi lamang ng kasanayan sa pagganap, kundi pati na rin ang kakayahang ipahayag ang malalim na damdamin ng kanilang mga karakter - lahat ng ito ay nagpatotoo sa pagbuo ng mga bagong uso sa tradisyonal na sining ng Comedie Francaise theater. .

Ang pagtatanghal ng The Misanthrope ni Molière ay tumunog din sa isang bagong paraan. Ang apela ni Copeau sa pinakamahusay na mga obra maestra ng French at world classics ay naging posible upang ganap na ipakita ang katotohanan na ang klasikal na sining, na napalaya mula sa mga itinatag na cliché, ay isang mahalagang bahagi ng espirituwal na pamana ng bawat bansa.

Kasabay nito, sinubukan ng bahagi ng mga aktor ng teatro na mapanatili ang tradisyunal na repertoire, upang ilagay sa mga pagtatanghal na nagpapakita lamang ng mga propesyonal na kasanayan ng mga aktor. Kabilang sa mga naturang produksyon ay ang Racine's Phaedra, Molière's School of Husbands, ang anak ni A. Dumas na si Denise, at ilang iba pa.

Ang mga tagasunod ni J. Copeau, na nanguna sa ikatlong direksyon sa malikhaing paghahanap para sa Comédie Francaise, ay nagpahayag ng pagnanais na gawin ang pinakamatandang teatro sa France bilang isang makabuluhang salik sa pakikibaka sa lipunan.

Kaya, sa inisyatiba ng Gaston Baty, ilang mga pagtatanghal ang itinanghal sa entablado ng Comédie Francaise. Kabilang sa mga ito ang "Candlestick" ni A. Musset (1937) at "Samum" ni A. R. Lenormand (1937). Ang mga pagtatanghal na ito ay ang susunod na hakbang sa daan patungo sa isang bagong istilo ng pag-arte, na nag-ambag sa familiarization ng pag-arte sa mga pagtuklas ng sikolohikal na teatro.

Ipinakita ni Charles Dullin ang komedya ni Beaumarchais na The Marriage of Figaro (1937) sa isang bagong paraan sa entablado ng Comédie Française. Sa pagtatanghal na ito, naipamalas ng mga aktor hindi lamang ang kanilang mataas na kasanayan, kundi pati na rin upang ipakita ang malalim na panlipunan at sikolohikal na mga layer ng dula.

Ang pagtatanghal ng "Comic Illusion" ni P. Corneille, na isinagawa sa inisyatiba ni Louis Jouvet noong 1937, ay isang pagtatangka na suriin ang pag-aaway sa pagitan ng philistine at creative consciousness, isang pagnanais na luwalhatiin ang acting profession.

Gayunpaman, ang produksyon ay naging hindi gaanong matagumpay kaysa sa mga gawa nina Bathy at Dullen, dahil hinangad ng mga aktor na ipakita ang kanilang mga propesyonal na kasanayan sa halip na tuparin ang gawain na itinakda ng direktor. Gayunpaman, ang pakikipagtulungan kay Jouvet ay hindi napapansin para sa koponan ng Comédie Francaise. Ganap na napagtanto ng mga aktor ang pangangailangang ilapit ang sining sa teatro sa mga problemang intelektwal sa panahong iyon.

Ang pinakamahirap na panahon sa mga aktibidad ng Comedie Francaise ay ang mga taon ng pagsakop sa Paris. Sa pagtagumpayan ng mga paghihirap, sinubukan ng mga aktor ng teatro na mapanatili ang kanilang mataas na propesyonalismo, at bilang karagdagan, sa kanilang pagganap, hinahangad nilang ipakita ang mga ideyang makatao, pananampalataya sa tao at sa kanyang dignidad.

Sa mga taon ng digmaan, ang mga klasiko ay muling naging batayan ng repertoire ng Comedie Francaise, ngunit ang impluwensya ng oras ay nadama sa mga paggawa. Kaya, ipinakita ni Jean Louis Barraud sa Kornelev's Side (1943) si Rodrigo bilang isang tao na pinamamahalaang mapanatili ang katatagan ng espiritu sa mahirap na mga kondisyon.

Kasama ng mga klasikal na gawa, kasama rin sa repertoire ng Comédie Francaise ang mga gawa ng mga kontemporaryong playwright. Kabilang sa mga ito, ang dula ni P. Claudel na "The Satin Slipper" (1943) ay nagtamasa ng pinakamalaking tagumpay, na tumunog sa sinasakop na kabisera ng Pransya bilang isang tawag sa pagkilos. Gayunpaman, ang pinakalumang teatro sa Paris ay nagpatuloy na maging isang muog ng tradisyon ng pambansang entablado.

Sa unang kalahati ng ika-20 siglo ang pinakamahalagang salik Ang masining na buhay ng France ay avant-garde na sining, laban sa modernong realidad at sa taglay nitong ideolohikal, moral at aesthetic na mga pamantayan.

Ang French theatrical avant-garde ay naging lubhang magkakaiba: kabilang dito ang parehong mga surrealist na tumanggi sa mga itinatag na tradisyon (G. Apollinaire, A. Artaud), at mga pigura ng katutubong teatro na nagpahayag ng mga demokratikong ideyal (F. Gemier, A. Lessuer, na nagbukas noong 1936 sa lugar ng Sarah Theater Bernard People's Theatre), at mga tagasuporta ng makatotohanang sining (J. Copeau at ang mga tagapagtatag ng Cartel of Four).

Ang isang espesyal na papel sa buhay pampanitikan ng France noong huling bahagi ng ika-19 at unang bahagi ng ika-20 siglo ay ginampanan ng mahuhusay na manunulat, makata at manunulat ng dulang si Wilhelm Apollinaris Kostrovitsky (1880-1918), na kilala sa ilalim ng pseudonym na Guillaume Apollinaire. Ang taong ito ay pumasok sa kasaysayan ng teatro ng Pransya bilang tagapagtatag ng surrealismo - isa sa mga uso sa modernong sining.

Si Guillaume Apollinaire ay ipinanganak sa Roma, sa isang pamilya ng mga Polish na maharlika ng isang matandang pamilya. Ang pag-aaral sa pinakamahusay na mga kolehiyo ng Monaco at Cannes ay nagpapahintulot sa binata na makakuha ng kinakailangang base ng kaalaman. Nadala ng aktibidad sa panitikan, pagdating sa Nice, ang labing pitong taong gulang na si Guillaume ay nagsimulang maglathala ng sulat-kamay na pahayagan, The Avenger, na may mga tula at farces ng kanyang sariling komposisyon.

Noong 1900, ang unang one-act comedy ni Apollinaire, The Escape of a Guest, ay inilabas; pagkalipas ng tatlong taon, sinimulan ang susunod na gawain - ang verse drama na Breasts of Tiresias, na natapos pagkalipas lamang ng 14 na taon, noong 1917.

Sa kanyang pampanitikan at dramatikong mga obra maestra, tinutulan ni Apollinaire ang naturalistikong paglalarawan ng nakapaligid na katotohanan, laban sa "pinong kagandahan" ng mga simbolistang produksyon. Sa kanyang opinyon, sa interpretasyon ng iba't ibang mga phenomena, mas kanais-nais na ipakita hindi isang "piraso ng buhay", ngunit ang "drama ng sangkatauhan" sa pangkalahatan.

Ang satirical-buffoon orientation ng Apollinaire dramaturgy kalaunan ay natagpuan ang pagpapahayag sa gawain ng maraming sikat na manunulat ng dula ng ika-20 siglo, kabilang ang mga gawa ni J. Cocteau, J. Giraudoux, A. Adamov.

Gayunpaman, ang panawagan ng manunulat na umangat sa umiiral na katotohanan ay napansin ng maraming mga modernistang artista bilang isang pagtanggi sa totoong buhay at isang pagnanais na bumulusok sa globo ng hindi malay.

Sa direksyong ito nagtrabaho si Antonin Artaud. Hinahangad niya sa kanyang mga teoretikal na artikulo at manifesto, na pinagsama sa aklat na "The Theater and its Double" (1938), at ang poetic work na "The Theater of Alfred Jarry" (kasama si Roger Vitrac) na magtatag ng theatrical art, na may kakayahang, tulad ng isang relihiyosong ritwal o misteryo, upang magsikap sa subconscious ng tao ay may malaking epekto.

Ang mga eksperimento sa entablado ni Artaud ay hindi matagumpay dahil ipinakita nila sa buong sukat ang hindi pagkakatugma ng mga pangunahing probisyon ng surrealismo sa live na pagsasanay ng sining sa teatro.

Partikular na kapansin-pansin ang mga aktibidad ng Cartel of Four, na maikling inilarawan sa itaas. Ang ideya ng paglikha nito ay ipinanganak noong 1926 ng mga progresibong theatrical figure na namuno sa mga batang metropolitan na teatro, Ch. Dullen, L. Jouvet, G. Baty at J. Pitoev, noong 1926.

Ang deklarasyon ng "Cartel", na nilagdaan ng mga miyembro nito noong Hulyo 1927, ay nagsasaad ng pangangailangan na lumikha ng isang administratibong kagamitan upang pamahalaan ang lahat ng mga teatro sa Pransya, at binanggit din ang malikhaing tulong sa isa't isa na kinakailangan upang labanan ang tradisyonal at komersyal na mga sinehan.

Ang pangunguna sa mga sinehan ng iba't ibang mga prinsipyo ng aesthetic, gayunpaman, ang mga miyembro ng "Cartel" ay nakahanap ng karaniwang batayan - ang makatotohanang kalunos-lunos ng pagkamalikhain at mga demokratikong pananaw sa mundo. Ito ay salamat sa pagkakapareho ng pananaw sa mundo na ang Cartel of Four ay nakaligtas sa malupit na mga kondisyon ng unang kalahati ng ika-20 siglo at gumaganap ng isang natitirang papel sa pagbuo ng French stage art sa panahong ito.

Natanggap ng natitirang aktor at direktor na si Charles Dullin (1885-1949). edukasyon sa tahanan, at pagkatapos ay naiintindihan ang "agham ng buhay" sa Lyon, nagsimulang magtanghal sa entablado noong 1905. Noon ay ginawa niya ang kanyang debut sa maliit na teatro na "Nimble Rabbit", na hindi kilala sa pangkalahatang publiko.

Pagkalipas ng dalawang taon, pumasok si Dullin sa Antoine Odeon Theatre, kung saan sinimulan niyang maunawaan ang mga lihim ng mastery ng bagong teatro, at noong 1909 ay sumali siya sa acting troupe ng Theatre of Arts. Ang unang natatanging imahe ni Dullen, na nilikha sa entablado ng teatro na ito, ay si Smerdyakov sa Dostoevsky's The Brothers Karamazov. Ang papel na ito ay minarkahan ang pagtatapos ng pag-aprentis ng aktor.

Ang talento ni Charles ay napansin ng namumukod-tanging aktor at direktor na si J. Copeau. Noong 1913, inimbitahan niya ang isang batang aktor sa kanyang "Old Dovecote Theatre". Ang produksyon ng The Brothers Karamazov ay isang matunog na tagumpay din dito. Hindi gaanong matagumpay ang papel ni Harpagon sa The Miser ni Molière, nagawa ng aktor na ganap na ibunyag ang sikolohikal na lalim at pagiging kumplikado ng katawan na imahe.

Ang mga ideya ni Copeau tungkol sa matayog na espirituwal na misyon ng teatro ay sumasalamin sa kaluluwa ni Düllen. Gayunpaman, hindi tulad ng kanyang sikat na guro, si Charles ay nabighani din sa mga ideya ng katutubong teatro, na naging dahilan ng kanyang paglipat sa tropa ni Firmin Gemier.

Kasabay nito, pinangarap ni Dullin na lumikha ng kanyang sariling teatro, na binuksan noong 1922. Ang iba't ibang mga pagtatanghal ay itinanghal sa entablado ng "Atelier", tulad ng tinawag ng direktor sa kanyang brainchild, na ang ilan ay partikular na isinulat para sa teatro na ito ("Gusto mo bang makipaglaro sa akin" ni M. Ashar at iba pa).

Halos lahat ng mga dulang itinanghal sa entablado ng "Atelier" ay naging malapit sa realidad. Ito ay ang "Volpone" ni B. Jones kasama si Dullen sa title role, "The Birds" ni Aristophanes na binigyang-kahulugan ni B. Zimmer, "Muss, or the School of Hypocrisy" ni J. Roman at iba pa.

Unti-unti, binuo ni Charles Dullin ang kanyang sariling sistema ng pedagogical, batay sa pagsasanay ng mga aktor sa proseso ng mga improvisational na pagtatanghal. Salamat dito, hindi lamang ang mga salita ng papel ang naintindihan, ngunit ang buong imahe sa kabuuan, ang bayani ay lumitaw sa harap ng tagapalabas bilang isang buhay na tao, bilang isang resulta, ang aktor ay naging isang karakter.

Nakikita ang susi sa tagumpay sa mahusay na mastery ng acting technique, binigyang-pansin ni Dullen ang pagsasanay ng mga batang performer. Mula sa "Atelier" ng direktor na ito ay nagmula ang isang buong kalawakan ng mga kapansin-pansin na mga figure sa entablado - M. Jamois, M. Robinson, J. Vilar, J. L. Barro, A. Barsak at iba pa.

Ang paggawa ng dula ni A. Salacru na "The Earth is Round" ay ang huling obra ni Dullen sa Atelier. Noong 1940, nang ibigay ang kanyang brainchild kay André Barsac, nagsimulang magtrabaho ang aging master sa mga sinehan na nakatanggap ng mga subsidyo mula sa estado - sa Theatre de Paris at sa Theatre de la Cité (ang dating Teatro ni Sarah Bernhardt).

Pinamahalaan ni Dullin ang huli sa kanila hanggang 1947, sa entablado ng teatro na ito ay itinanghal ang existentialist na dula ni J. P. Sartre na "The Flies". Sa hinaharap, ang direktor ay naglibot ng maraming, sa oras na ito ay itinanghal niya ang dula ni A. Salacru "The Lenoir Archipelago", kung saan ginampanan ni Dullin ang pangunahing papel.

Ang mga huling taon ng trabaho ni Dullen ay minarkahan ng isang pag-alis mula sa karaniwang mga isyu sa etika at moral at isang kamalayan sa pampulitika at panlipunang mga tungkulin ng teatro. Lalong naging intelektwal ang pagiging totoo ng direktor, at kitang-kita ang impluwensya ng kanyang mga pagtatanghal sa puso at isipan ng mga manonood.

Hindi gaanong kilalang tao sa buhay teatro ng France noong panahong iyon ay si Louis Jouvet (1887-1951). Nagsimula siyang dumalo sa mga klase sa teatro habang nag-aaral pa rin sa Unibersidad ng Paris.

Tulad ng kanyang kasamahan sa Cartel, unang gumanap si Louis sa mga yugto ng maliliit, hindi kilalang mga teatro sa mga suburb, ngunit ang mga cliché sa entablado at mga lumang tradisyon sa teatro ay hindi maaaring masiyahan ang mahuhusay na aktor.

Noong 1911, naging miyembro si Jouvet ng Théâtre des Arts ni Jacques Roucher. Dito niya nakilala sina Dullen at Copeau, pati na rin ang kanyang debut performance sa The Brothers Karamazov (ang papel ng nakatatandang Zosima).

Noong 1913, nagsimulang magtrabaho si Louis sa "Old Dovecote Theatre" ng Copeau; ang mga tungkulin ni Andrew Agjuchik sa Twelfth Night ni Shakespeare, Geronte sa Scapin's Rogues at Sganarelle sa The Unwilling Doctor ni Molière ay nagdala ng katanyagan sa mahuhusay na aktor.

Sa kanyang kabataan, pangunahing ginampanan ni Jouvet ang papel ng mga matatanda, na ipinaliwanag ng kanyang pagnanais na matutunan ang sining ng reinkarnasyon. Ang mga imahe na nilikha niya sa panahong ito ng pagkamalikhain ay naging nakakagulat na parang buhay, sa parehong oras ay lantaran ang mga karakter sa teatro na lumitaw sa harap ng madla.

Kinuha ni Jouvet mula kay Copeau ang kanyang saloobin sa teatro bilang isang paraan ng pag-unawa sa buhay at tao. Nasa 1920s na, tinalikuran niya ang binibigyang diin na panlabas na theatricality. nilikhang mga larawan. Ipinapakita ang panloob na kakanyahan ng bayani, ang kanyang intelektwal na nilalaman - ito ang mga gawain na itinakda mismo ng aktor.

Mula 1922 hanggang 1934, pinamunuan ni Jouvet ang Comedy of the Champs Elysees team, pagkatapos ay lumipat siya sa Antey, na pinamunuan niya hanggang sa mga huling araw ng kanyang buhay.

Isa sa pinakamatagumpay na produksyon ng direktor na ito, ang mga kritiko sa teatro na tinatawag na "Knock, o ang Pagtagumpay ng Medisina" ni J. Roman. Si Jouvet, na naglaro ng Knock sa isang modernong costume at halos walang makeup, ay nagawang lumikha ng isang kahanga-hangang imahe ng isang misanthrope, isang tagasuporta ng pasistang ideolohiya.

Sa mga produksyon ni Jouvet, ang bawat detalye ay nagdadala ng isang tiyak na semantic load, ibig sabihin, ang mahigpit na inayos na mise-en-scenes at ang mga karakter sa entablado ay tinutukoy ang istilo ng pagtatanghal. Noong 1928, nakipagtulungan si Jouvet sa natitirang French playwright na si J. Giraudoux sa pagtatanghal ng dulang Siegfried. Ang resulta ng kanilang karagdagang trabaho ay ang pagtatanghal ng dula na "There will be no Trojan War", na, tulad ng "Knock", ay naglalaman ng isang tiyak na madilim na pag-iisip. Ang eksena ay pinangungunahan ng dalawang kulay - puti at asul, ang madla ay ipinakita ng mga character-ideya na nangunguna sa isang intelektwal na pakikibaka sa kanilang mga sarili.

Kahit sa mga klasikal na dula, nagawa ni Jouvet na i-highlight ang kanilang intelektwal na simula. Halimbawa, si Arnolf sa "School of Wives" ni Moliere ay lumitaw bilang isang palaisip na ang pilosopikal na konsepto ay natalo sa pakikibaka sa totoong buhay, at si Don Giovanni sa dula ng parehong pangalan ay isang lalaking nawalan ng tiwala sa lahat. Ang mga pagtuklas sa teatro ni Louis Jouvet ay nagsilbing batayan para sa pag-unlad ng intelektwal na teatro sa France.

Ang simula ng aktibidad sa teatro ng natitirang aktor at direktor na si Gaston Baty (1885-1952) ay nagsimula noong 1919, ang oras ng kanyang pagkakakilala kay Firmin Gemier at ang pagpirma ng unang kontrata. Si Baty, na nakakuha ng atensyon ng tanyag na estudyante ni Andre Antoine, ay nakakuha ng trabaho bilang isang direktor, pinagkatiwalaan siya sa pagtatanghal ng "Great Pastoral" nina C. Elem at P. D'Estoc at ilang mga kwentong bayan sa Winter Circus sa Paris.

Pagkalipas ng ilang buwan, kinuha ni Bati ang posisyon ng direktor ng Comedy Montaigne theater. Sa limang pagtatanghal na kanyang itinanghal sa yugtong ito, ang "Samum" ni Lenormand ang pinakasikat. Inihayag ng dulang ito ang mga pangunahing uso sa gawain ng direktor, lalo na, ang pagnanais na matuklasan sa trahedya ang mga pangunahing tauhan ng relihiyoso at pilosopikal na kahulugan, na diumano'y katangian ng modernong katotohanan.

Noong taglagas ng 1921, pagkatapos magbukas ng sarili niyang Chimera Theatre, naglathala si Bati ng tatlong artikulo na nagpapaliwanag sa mga pangunahing etikal na prinsipyo ng pagbuo ng isang bagong institusyon (Temples of the Theater, Drama in Need of Reform, His Majesty the Word).

Ang mga publikasyong ito ay nagpapahintulot sa mga kritiko na tawagin si Gaston Baty na "isang idealista at isang militanteng Katoliko". Ang paglalagay ng slogan na "Renovation of the theater is its liberation from the domination of literature", ang direktor, kumbaga, ay hinamon ang mga siglong lumang tradisyon ng Comedy Francaise at boulevard theaters.

Noong 1930, si Baty ay inilagay na namamahala sa koponan ng Montparnasse. Ang unang produksyon ng direktor - "The Threepenny Opera" ni B. Brecht at K. Weill - ay naging matagumpay at agad na pumasok sa repertoire ng teatro.

Noong 1933, ipinakita ni Bati ang kanyang bagong obra, Crime and Punishment ni Dostoevsky, sa madla. Nang hindi itinago ang kanyang interes sa relihiyosong aspeto ng gawain, ang direktor sa parehong oras ay nagbigay-pansin sa personalidad ng tao.

Ang pakikibaka para sa isang tao, sa kanyang pangalan, ay naging mapagpasyahan sa interpretasyon ng ilang mga imahe, lalo na si Sonya Marmeladova (Margaret Jamois). Ang tagumpay ng pangunahing tauhang babae laban kay Porfiry Petrovich (Georges Vitray), ang tagapagsalita para sa konsepto ng estado ng tao, pati na rin ang pagsasakatuparan ni Raskolnikov (Lucien Nata) ng kamalian ng kanyang mga paniniwala, ay ipinakita bilang isang tagumpay para sa humanistic ideals. Ang mga katulad na ideya ay binibigkas sa dulang "Madame Bovary" (1936).

Ang humanistic ideals ng Bati ay nakatanggap ng isang matalim na panlipunang oryentasyon sa bisperas at sa panahon ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig. Noong 1942, sa sinasakop na lungsod, itinala ng direktor si Macbeth. Ayon kay Bati, ang dulang ito, na nagsasabi tungkol sa kapalaran ng isang ambisyosong bayani, ay ganap na tumutugma sa diwa ng panahon, kumbinsido siya sa pagtatagumpay ng hustisya.

Ang ika-apat na tagapagtatag ng "Cartel", si Georges Pitoev (1884-1939), ay isang katutubong ng Tiflis. Noong 1908, pagkatapos ng pagtatapos mula sa Moscow University, St. Petersburg Institute of Communications at Prague University, naging malapit si Pitoev sa teatro ng pinakadakilang artistang Ruso na si V.F. F. Skarskoy.

Noong 1912, binuksan ni Georges ang Our Theater sa St. Petersburg, sa entablado kung saan itinanghal ang ilang mga dula ng mga Ruso at dayuhang may-akda. Pagkalipas ng dalawang taon, umalis si Pitoev sa Russia, kaya natapos ang panahon ng Russia ng kanyang buhay at trabaho. Sa Paris, nakilala ni Georges ang mahuhusay na aktres na si Lyudmila Smanova, na sa lalong madaling panahon ay naging kanyang asawa.

Sa loob ng pitong taon (1915-1922), ang mga Pitoev ay gumanap sa mga yugto ng mga teatro ng Switzerland, lalo na sa Plainpalais, na ang repertoire ay kasama ang mga gawa ni L. N. Tolstoy, A. P. Chekhov, A. M. Gorky, Ibsen, Bjornson, Maeterlinck, Shaw at iba pa. ang inisyatiba ng Pitoev, Shakespeare's Hamlet, Macbeth at Measure for Measure ay itinanghal sa teatro, na isang matunog na tagumpay.

Noong Disyembre 1921, ang mga Pitoev ay nakatanggap ng imbitasyon mula sa sikat na negosyante, ang may-ari ng Champs-Elysées Theatre na si Jacques Heberteau, upang permanenteng magtrabaho sa France. Di-nagtagal, lumipat ang mag-asawa sa Paris at noong Pebrero 1922 ay nagbukas ng kanilang sariling teatro.

Kabilang sa mga produksyon na isinagawa ni Pitoev sa kabisera ng Pransya, ang "Uncle Vanya" at "The Seagull" ni Chekhov ay lalong sikat. Ang kanilang dekorasyon ay medyo katamtaman: ang mabibigat na velvet na kurtina ay naghihiwalay sa harap ng entablado mula sa likod. Napansin ng mga kritiko ang kakayahan ng direktor na ihatid ang kagandahan at tula ng mga dramatikong obra maestra, upang bigyang-diin ang malalim na sikolohiya ng mga kaganapang naganap sa entablado.

Marami ang nag-kredito kay Pitoev sa pagtuklas ng Chekhov para sa publikong Pranses, at sa gayon ay naglalagay ng pundasyon para sa isang bago, tinatawag na Chekhovian trend sa French stage art. Ang mga direktor na nagtrabaho sa direksyon na ito ay naghangad na ipakita ang malalim na mga layer ng buhay ng tao, upang malutas ang masalimuot na gusot ng mga relasyon ng tao.

Si Georges Pitoev ay hindi lamang isang kahanga-hangang direktor, kundi isang mahusay na tagapalabas ng mga tungkulin sa mga dula ni Chekhov. Ang mga larawang ginawa niya ay naging nakakagulat na organic at makatao. ang pinakamatagumpay Mga tungkulin ni Chekhov ang aktor na ito ay kinilala ng mga kritiko bilang Astrov sa Uncle Vanya at Treplev sa The Seagull.

Dapat pansinin na ang maliwanag na hitsura ni Zh. Pitoev (manipis, medyo angular, na may asul-itim na buhok, isang sumbrero na nakabalangkas sa isang malaking maputlang mukha, kung saan ang mga itim na kilay ay nakabitin sa malalaking, maalalahanin na mga mata) ay nagpapahintulot sa kanya na maglaro nang halos walang makeup. .

Ang ikalawang kalahati ng 1920s ay minarkahan ng paglitaw ng mga bagong uso sa gawain ni Georges Pitoev, na sa oras na iyon ay naiimpluwensyahan ng iba't ibang mga artistikong uso. Ito ay nagpakita mismo sa maraming mga produksyon: halimbawa, sa Hamlet (1926), ang kalaban ay lumilitaw bilang isang mahinang tao, walang kakayahang makipaglaban, tiyak na matatalo sa totoong mundo.

Ang dula ni Chekhov na Three Sisters, na itinanghal sa Georges Pitoev Theater noong 1929, ay binigyang-kahulugan sa katulad na paraan. Ang walang saysay na pagtatangka ng magkapatid na Prozorov na umalis sa nakakainip na gawain ng buhay probinsya ay nagiging isang trahedya, ang hininga nito ay nararamdaman sa lahat - kapwa sa tanawin ng pagtatanghal at sa kalunus-lunos na paglalaro ng mga aktor. Kaya, ang trahedya ng pag-iral ng tao ay dinala sa unahan sa dula.

Ang mga huling taon ng buhay ni Pitoev ay napuno ng mga paghihirap ng serbisyo publiko. Noong 1939, itinanghal ng direktor na may karamdaman sa wakas ang dula ni Ibsen na Enemy of the People.

Ang mahigpit na tanawin at modernong mga kasuotan na ginamit sa pagtatanghal na ito ay hindi nakagagambala sa atensyon ng mga manonood mula sa pagkilos na nangyayari sa entablado, at si Dr. Stockman, na ginanap ni Pitoev, ay gumawa ng isang hindi maalis na impresyon. Ang bayani ay lumitaw bilang isang maliwanag na malikhaing sariling katangian, isang mangangaral ng kadakilaan ng tatlong sangkap - Dahilan, Katotohanan at Kalayaan.

Ang isang espesyal na kontribusyon sa pag-unlad ng teatro ng Pransya ay ginawa ni Lyudmila Pitoeva (1895-1951), asawa. sikat na direktor. Ang kanyang kakilala sa sining ng pagganap ay naganap sa Russia. Ang pagkakaroon ng natanggap na mga kasanayan sa pag-arte sa bansang ito, patuloy itong pinagbuti ni Lyudmila sa France.

Isang maikli, balingkinitan, marupok na aktres na may malalaking ekspresyong mga mata sa gumagalaw na mukha ang gumawa ng malaking impresyon sa madla sa kanyang walang arte na laro. Ang bawat imahe na kinakatawan niya sa entablado ay isang maliwanag na personalidad, na nakatingin nang may awa sa mundo sa paligid niya na puno ng trahedya.

Sa isang maagang yugto ng kanyang karera sa pag-arte, hinahangad ni Lyudmila Pitoeva na ipakita sa mga pampublikong bayani na puno ng espirituwal na pagkakaisa at kadalisayan; ganyan ang kanyang Ophelia sa Hamlet ni Shakespeare, si Sonya sa Uncle Vanya ni Chekhov.

Gayunpaman, ang pinakamahalagang papel ng mahuhusay na aktres ay si Jeanne d'Arc sa "Saint John" Shaw. Ang kawalan ng pag-asa ay ipinahayag sa buong hitsura ng mataas, sobrang sensitibong pangunahing tauhang babae na si L. Pitoeva. Ang imahe ni Irina mula sa The Three Sisters ay puno ng isang premonisyon ng isang napipintong sakuna.

Sa ikalawang kalahati lamang ng 1930s, ang aktres ay muling nagsimulang maglaro ng mga pangunahing tauhang babae na naniniwala sa isang mas mahusay na hinaharap. Maraming mga kritiko sa teatro ang tinawag na Nina Zarechnaya ni Lyudmila Pitoeva sa bagong produksyon ng 1939 na "ang apostol ng pag-asa".

"Ang pinakapayat at pinaka-kumplikado sa mga artista ng France," ayon kay A. V. Lunacharsky, ay si Suzanne Despres (Charlotte Bouvalle) (1874-1951). Siya ay ipinanganak sa pamilya ng isang doktor, at, tila, walang naglalarawan sa kanyang kapalaran bilang isang artista.

Ang pagkakakilala sa direktor na si O. M. Lunye Poe ay nagbago nang malaki sa buhay ni Susanna. Noong 1893, pinakasalan niya ang lalaking ito, at makalipas ang isang taon ay ginawa niya ang kanyang debut sa entablado ng Parisian Evre theater, kung saan siya ang direktor at punong direktor.

Sa parehong taon, ang batang aktres ay pumasok sa Paris Conservatory, sa klase ng G. I. Worms. Matapos makumpleto ang kanyang pag-aaral, bumalik muli si Suzanne Despres sa yugto ng Evra, kung saan nilikha niya ang kanyang pinakamahusay na mga imahe: Hilda sa paggawa ng Solnes the Builder, Solveig sa Peer Gynt at Routendelein sa The Sunken Bell. Para sa mga kontemporaryo, si Suzanne Despres ay isa sa pinakamahusay na gumaganap ng mga tungkulin sa mga dula ni G. Ibsen.

Ang isang mahalagang lugar sa French dramaturgy ng unang kalahati ng ika-20 siglo ay inookupahan ng mga aktibidad ng tinatawag na mga may-akda ng repertoryo, na ang gawain ay nailalarawan sa pamamagitan ng komedya na saklaw ng mga kaganapan sa modernong buhay. Ang isa sa mga pinakakilalang kinatawan ng kalakaran na ito ay isang mahuhusay na manunulat at manunulat ng dula Jacques Deval(Bularan) (1890-1971).

Si Jacques ay ipinanganak at lumaki sa isang malaking pamilyang kumikilos. Nagsimula siyang magtanghal sa entablado nang maaga, ngunit ang mga ito ay mga menor de edad na papel ng amateur. Noong 1920, ginawa ni Deval ang kanyang debut sa Femina Theater hindi lamang bilang isang propesyonal na artista, kundi pati na rin bilang isa sa mga direktor ng komedya na The Weak Woman.

Si Jacques Deval ay nakakuha ng higit na katanyagan pagkatapos na magsulat ng ilang mga comedy play na kasama sa mga repertoires ng pinakamahusay na mga grupo ng teatro sa France noong panahong iyon.

Kaya, sa mga yugto ng mga sinehan na "Monte Carlo", "Comédie-Comartin" at "Athenay" ang mga dulang "Devil's Beauty" (1924), "Imaginary Lover" (1925), "September Rose" (1926), "Deboche "(1929), "Mademoiselle" (1932) at "Prayer for Life" (1933) (ang huling dalawang dula ay naganap sa isang makitid na bilog sa tahanan).

Ang mga gawa ni J. Deval, na nakikilala sa pamamagitan ng isang medyo bastos, mabigat na katatawanan, ay nagkaroon ng isang walang uliran na tagumpay sa mga bilog ng pilistino. Kasabay nito, ang mga seryosong figure sa teatro ay sumailalim sa mga komedya ni Devalev sa matalim na pagpuna para sa maraming mga turo, palaging isang masayang pagtatapos sa mga dula, ang balangkas na kung saan ay batay sa mga pag-iibigan ng mga karakter.

Upang masiyahan ang mga panlasa ng isang mahinang edukadong publiko, ang mga dramang Ventos at Comrade ay isinulat: sa una sa mga ito, sinubukan ng may-akda na ipakita ang mga tagasuporta ng demokrasya bilang mga anarkista at maninira ng buhay; ang pangalawang dula ay isang karikatura ng mga Ruso, na sinasabing nagdadalamhati sa kapalaran ng mga inapo ng pamilyang imperyal ng Russia.

Sa mga taon ng post-war, na nagpapatuloy sa mga tradisyon ng kanyang unang bahagi ng trabaho, nagtrabaho si J. Deval sa paglikha ng maraming mga komedya at light vaudeville, ang balangkas na kung saan ay batay sa masasayang pakikipagsapalaran ng matapang na mga adventurer at magagandang courtesan. Ang mga pagtatanghal ng Le Jumper (1957) at Romancero (1957), batay sa mga gawa ng parehong pangalan ni Jacques Deval, ay nagtamasa ng partikular na tagumpay sa mga taong iyon.

Ang ikalawang kalahati ng ika-20 siglo ay minarkahan ng lumalagong katanyagan ng mga gawa ng mahuhusay na manunulat ng dula sa Russia. Noong kalagitnaan ng 1950s, ang isang Panalangin para sa Buhay ay itinanghal sa Moscow Art Theater, kung saan ang mga sikat na Russian aktor na sina Bersenev at Giatsintova ay gumaganap ng mga nangungunang papel.

Noong 1957, nagsimulang makipagtulungan si Deval sa Leningrad Drama Theater. A. S. Pushkin at ang Moscow Theater. M. N. Ermolova. Sa parehong oras, nagsimulang magtrabaho ang French playwright sa sinehan, nagsulat siya ng ilang mga script, at gumawa ng ilang mga independiyenteng paggawa ng pelikula.

Kasama ang repertoire, ang avant-garde dramaturgy ay malawakang binuo sa unang kalahati ng ika-20 siglo, ang pinakakilalang kinatawan nito ay Jules Roman(1885-1966), ang may-akda ng isang bilang ng mga makabuluhang sosyal na satirical na dula ("Knok, o ang Triumph of Medicine", "Monsieur Le Truadec ay masaya", "The Marriages of Le Troadec", atbp.), pati na rin ang ang mga tagalikha ng dalawampu't-volume na akdang "People of Good Will" na sina Charles Vildrac at Jean-Richard Block.

Ang pinakamahusay na play ng isang mahuhusay na playwright, isang aktibong pigura sa French Resistance Charles Vildrac(1884-1971), ang mga kritiko sa teatro na tinawag na "Steamboat Tenesity" (1919), na naging isang kapansin-pansing phenomenon sa theatrical life ng bansa.

Ang isa sa mga unang manunulat ng dula ay bumaling sa paksa ng henerasyong nagdusa sa digmaan at hindi kinakailangan sa post-war France. Ang mga pangunahing tauhan ng dulang "Steamboat Tenesity", sina Bastian at Segar, ay tutol sa isang modernong lipunang binuo sa kasinungalingan at pagkakanulo.

Simboliko ang pamagat ng drama na "Steamboat Tenesity": Si Segar ay sumakay sa isang steamboat ng tiyaga at tiyaga patungo sa malalayong lupain, kung saan naghihintay sa kanya ang mga bagong hinaing at pagkabigo.

Ang isa sa mga tagapagtatag ng realismong Pranses sa larangan ng sining sa teatro ay itinuturing na isang mahuhusay na manunulat, manunulat ng dulang Pranses, mamamahayag, teatro at pampublikong pigura. Jean-Richard Block (1884—1947).

Bilang isang tagasuporta ng mga malikhaing ideya nina R. Rolland at F. Gemier, sa loob ng maraming taon, aktibong nakipaglaban si Blok para sa paglikha ng isang katutubong teatro sa France. Tinatrato niya nang may paghamak ang sining ng teatro noong huling bahagi ng 1920s at unang bahagi ng 1930s, na higit na nakakaaliw.

Kaya, sa aklat na "The Fate of the Theater" (1930), ang manunulat ng dula ay kumilos bilang isang madamdamin na naglalantad ng kontemporaryong sining, dito nagkaroon ng panawagan para sa pagtatanghal ng mga dula sa entablado na may kaugnay na nilalaman na pumupukaw ng "mga dakilang kaisipan at hilig" sa ang madla.

Si Jean-Richard Blok ay pumasok sa mundo ng panitikan bilang isang ganap na nabuo na tao: noong 1910 isinulat niya ang dula na "The Restless", na 12 buwan mamaya ay itinanghal sa teatro ng Odeon sa kabisera. Pinilit ng matagumpay na premiere ang Odeon team na bumaling muli sa playwright na may kahilingang lumikha ng bagong play.

Noong 1936, ipinakita ng teatro ang makasaysayang drama ni Blok na The Last Emperor (1919-1920) na itinanghal ni F. Gemier sa publiko. Ang dulang ito ng isang mahuhusay na manunulat ng dula ay kalaunan ay isinama sa repertoire ng National People's Theater sa Trocadero, nang maglaon ay ipinakita ang pagtatanghal sa mga yugto ng teatro ng Geneva at Berlin.

Noong unang bahagi ng 1930s, nagtrabaho si Jean-Richard Blok sa libretto ng ballet at opera performances, kung saan mayroon nang ilang dosena sa pagtatapos ng dekada. Bilang karagdagan, ang manunulat ng dula ay nakibahagi sa organisasyon at kasunod na gawain ng People's Theatre, na binuksan sa Paris noong 1935.

Si Blok ay personal na naroroon sa mga pag-eensayo ng mga pagtatanghal batay sa kanyang mga gawa, pinanood ang mga aktor na naglalaro at binigyan sila nakakatulong na payo. Salamat sa aktibong gawain ng sikat na playwright, noong 1937, nakita ng publiko ng Paris ang isang mass folk performance na "The Birth of a City" sa lugar ng winter velodrome.

Sa mga taon ng pananakop, si J. R. Blok, kasama sina A. Barbusse, R. Rolland at ilang iba pang progresibong pigura ng France, ay bahagi ng anti-pasistang unyon.

Noong 1941 napilitan siyang umalis sa bansa at manirahan sa Unyong Sobyet. Ang apat na taon na ginugol dito ay naging lubhang mabunga: ang mga makabayang dramang A Search in Paris (1941) at Toulon (1943), na sumasalamin sa mga totoong pangyayari sa buhay at itinanghal sa bandang huli sa mga yugto ng maraming mga sinehan, ay nakahanap ng mainit na tugon sa mga puso at mga kaluluwa ng progresibong panahon ng mga tao. Noong 1950, si Jean-Richard Blok ay iginawad sa posthumously ng World Gold Medal.

Hindi gaanong sikat kaysa sa pinangalanang playwright sa itaas, nasiyahan André Gide(1869-1951) - isang mahuhusay na Pranses na simbolistang manunulat, Nobel Prize sa Sining (1947).

Sa mundo ng panitikan, ang kanyang pangalan ay nakilala mula noong 1891. Sumulat si Andre ng ilang maiikling gawa, na nagpakita ng imahe ng isang mapagmataas, taong mapagmahal sa kalayaan na hinahamak ang modernong lipunan, na inilalagay ang mga personal na interes sa itaas ng estado.

Ang pagpapatuloy ng temang ito ay ang mga dulang "Saul" (1898) at "King Kandavl" (1899), kung saan nakuhanan ng may-akda ang mga nakakatuwang larawan ng malupit na mga tyrant at kinatawan ng mga karaniwang tao. Ang matalim na pangungutya sa modernong katotohanan ay napuno ng iba pang mga gawa ni André Gide.

Isa sa mga pinakamatagumpay na gawa, ayon sa mismong may-akda, ay ang dulang "Phioctetes", na inilabas noong 1899, na itinanghal pagkalipas ng dalawang dekada sa entablado ng isa sa mga sinehan ng kabisera.

Gayunpaman, ang mga prinsipyo ng indibidwalismo at ang pangangaral ng imoralismo ay malinaw na narinig sa mga huling gawa ng manunulat - ang mga nobelang The Immoralist (1902), Vatican Dungeons (1914) at The Counterfeiters (1925).

Ang kasagsagan ng trabaho ni A. Gide ay nahulog noong 1930s - 1940s, sa panahong ito ay lumikha siya ng isang bilang ng mga dramatikong obra maestra - ang drama na "Oedipus" (1930), ang libretto para sa dramatikong symphony na "Persephone" (1934), itinanghal sa "Grand Opera" sa musika ni Stravinsky at iba pa.

Ang pag-asa para sa pagpapalaya mula sa isang mabigat na pasanin, na malinaw na ipinakita sa mga gawa noong 1930s, ay pinalitan ng mga pessimistic na pagtataya sa mga akda ng susunod na panahon. Sinubukan ng manunulat ng dulang kahit papaano na makamit ang modernong katotohanan, ngunit, napagtanto ang kawalang-saysay ng mga pagtatangka na ito, nahulog siya sa isang malalim na depresyon.

Isang tugon sa mga pangyayaring nagaganap sa Europa ay ang aklat na "Return from Uniong Sobyet"(1936), kung saan sinubukan ng may-akda na suriin ang hindi makataong ideolohiya ng pasismo.

Ang espirituwal na pagkalito, kahit na ang ilang takot sa isang malakas na puwersa na tumataba sa Europa, ay malinaw na nadarama sa dulang "Robert, o Pampublikong Interes", na isinulat ni A. Gide noong 1940 at itinanghal sa entablado ng isa sa mga teatro ng Paris na anim. taon mamaya.

Ang mga huling gawa ng manunulat ("The Trial", 1947, atbp.) ay isang uri ng interpretasyon ng mga sinaunang alamat at mga balangkas na hiniram mula sa sinaunang kasaysayan at Bibliya. Binuo nila ang pangangaral ng indibidwalismo, na likas sa mga unang dramatikong gawa ng taong ito.

Bilang isang kalaban ng "pampubliko, makabayan na adhikain ng manunulat ng dula", sinikap ni André Gide na lumikha ng isang "dalisay" na sining na hindi nakakaapekto sa mga problema ng ating panahon. Sa kanyang maraming mga gawa na nakatuon sa estado ng modernong drama (ang artikulong "Sa ebolusyon ng teatro", atbp.), Naghanda siya ng isang plataporma para sa pagbuo ng isang eksistensyalistang kalakaran sa sining ng teatro at ang paaralan ng Pranses na "avant- teatro ng garde".

Marahil ang pinakamataas na tagumpay ng makatotohanang sining ng Pransya ay ang pamumulaklak ng intelektwal na drama, na nagpatibay sa makatao na konsepto ng buhay.

Kabilang sa mga pinakamahusay na kinatawan ng genre na ito, sina Armand Salacru, Jean Cocteau, Jean Anouille at Jean Giraudoux (1882-1944) ay nararapat na espesyal na pansin. Ang huli sa mga manunulat ng dulang ito ay ang may-akda ng isang bilang ng mga gawa na humipo sa mahahalagang problemang sosyo-pilosopiko: "Siegfried" (1928), "Amphitrion-38" (1929), "Judith" (1931), "Walang Trojan War" (1935), " Elektra (1937), The Mad Woman of Chaillot (1942), Sodom and Gomorrah (1943) at iba pa. Ang mga pagsasadula ng mga dulang ito ay napakapopular sa publikong Pranses.

Gayunpaman, isa sa ang pinakamahusay na mga gawa Ang mga kontemporaryo ng 1930 ay tinatawag na drama A. Salacru"Ang Earth ay Bilog" (1937). Isinasaalang-alang bilang batayan ang mga makasaysayang kaganapan na nagsasabi tungkol sa buhay ng lipunang Florentine noong 1492-1498, ang manunulat ng dula ay sumasailalim sa walang awa na pagpuna sa relihiyosong panatisismo, moral at politikal na kawalan ng prinsipyo ng mga Florentine, at sa parehong oras ang mga kinatawan ng modernong mundo .

Pinag-uusapan natin hindi lamang ang tungkol sa relihiyosong panatisismo, kundi pati na rin ang tungkol sa anumang iba pang idolatriya, matabang lupa na kung saan ay ang kamalayan ng mga ordinaryong naninirahan, na handang sumunod sa anumang utos na ibinigay sa kanila.

Sa laki ng mga sakuna, tinutumbasan ng manunulat ng dula ang digmaan sa paniniil at panatisismo. Gayunpaman, pinaniniwalaan ni Salacru ang mga manonood sa tagumpay ng pag-unlad: ang balita ng mga mandaragat na naglakbay sa buong mundo ay nakarating sa lahat. Muli nitong pinatutunayan ang kamalian ng mga opinyon ng mga panatikong naninirahan.

Inilalaan ni Salacru ang ilang mga gawa noong mga taon ng digmaan (Marguerite, 1941; Betrothal sa Le Havre, 1942) at ang panahon pagkatapos ng digmaan (Nights of Anger, 1946; Lenoir Archipelago, 1945-1947; Boulevard Duran) sa problema ng pagtatatag mataas na pagpapahalagang moral. , 1960; "Black Street", 1968, atbp.). Sa mga akdang ito, nanatiling tapat ang manunulat ng dula sa matataas na mithiin ng makatao at ang kanyang kritikal na saloobin sa modernong realidad.

Ang isang mahuhusay na makata, playwright, cinematographer ay nag-iwan ng kapansin-pansing marka sa buhay kultural ng France noong ika-20 siglo. Jean Cocteau(1889-1963). Ang pagkakaroon ng kanyang sarili sa mga natitirang manunulat ng France, na naging tanyag bilang isang makata at nobelista (Tom the Pretender, 1923; Difficult Children, 1929), hindi nagtagal ay naging interesado siya sa mga sining ng pagtatanghal.

Isa sa mga una sa kanyang trabaho, ang manunulat ng dulang ito ay bumaling sa mitolohiya, na nagbigay-daan sa kanya na tingnan ang modernong katotohanan, upang tumaas sa matataas na pilosopikal na pangkalahatan. Noong 1922, binigyang-kahulugan ni Cocteau ang trahedya ni Sophocles "Antigone", pagkalipas ng ilang taon ay ipinakita niya sa publiko ang mga libreng adaptasyon ng mga trahedya na "Oedipus Rex" (1925) at "Orpheus" (1926).

Noong 30s - 40s ng ika-20 siglo, ipinagpatuloy ni Cocteau ang interpretasyon ng mga paksang mitolohiya. Ang pagsulat ng mga dramang The Infernal Machine (1932), The Knights of the Round Table (1937), Renault at Armida (1941), The Double-Headed Eagle (1946), Bacchus (1952) ay nabibilang sa panahong ito. Sa kaibahan sa mga naunang gawa, isang bagong motibo ang nakakakuha ng tunog dito - pananampalataya sa tagumpay ng katapangan at tibay ng tao.

Kasabay ng paggawa sa mga dulang mitolohiya, nagtrabaho si Cocteau sa paglikha ng mga gawa na sumasalamin sa estado ng modernong katotohanan (Terrible Parents, 1938; Idols, 1940; Typewriter, 1941). Lalo na sikat ang kanyang mga miniature, o mga kanta na ginanap ng sikat na Edith Piaf, Marianne Oswald, Jean Marais at Bert Bovy (miniature na "The Human Voice", 1930, atbp.).

Ang isang mahalagang lugar sa malikhaing buhay ni Jean Cocteau ay inookupahan ng sinehan. Noong 1930, ayon sa kanyang script, ang pelikulang "The Blood of the Poet" ay itinanghal, gayunpaman, ang hindi kasiya-siyang mga resulta ng trabaho ay pinilit ang screenwriter na bumaling sa independiyenteng aktibidad ng direktoryo: noong 1946 ipinakita niya ang pelikulang "Beauty and the Beast" sa madla, na sinundan ng "The Double-Headed Eagle" (1950), "Orpheus" (1958) at "The Testament of Orpheus" (1960).

Sa loob ng mga dekada, ang pinakasikat na manunulat ng dula sa France ay Jean Anouille(1910-1987). Sinimulan ang kanyang karera sa panitikan noong unang bahagi ng 1930s, sa lalong madaling panahon siya ay naging isang kilalang manunulat. Ang kasagsagan ng kanyang trabaho ay dumating noong 30s - 40s ng XX century. Noong 1932, isinulat ni Anouilh ang kanyang unang dula na pinamagatang "The Ermine", kung saan ang motibo ng pagsalungat sa dalawang polar na mundo - ang mayaman at ang mahirap - ay inilagay sa unang lugar. Pagkalipas ng ilang buwan, ipinakita sa publiko ang comedy-ballet Ball of Thieves (1932), na ang balangkas ay batay sa kuwento ng pag-ibig ng isang mayamang babae para sa isang magnanakaw.

Ang pinakamatagumpay na gawain ng maagang panahon ng pagkamalikhain ni Anuy ay kinilala ng mga kritiko bilang "The Savage Woman" (1934). Sa imahe ng isang dalisay na batang babae na nagngangalang Teresa, minarkahan ng playwright ang pagbubukas ng isang buong gallery ng mga katulad na karakter, na kalaunan ay lumitaw sa marami sa kanyang mga gawa.

Ang hindi gaanong sikat kaysa sa "The Savage Woman" ay mga dula na humipo sa mga isyu sa pamilya at moral. Ang isa sa kanila - "Noong unang panahon ay may isang bilanggo" (1935) - ay nagsasabi tungkol sa kapalaran ng isang bayani na pinalaya mula sa bilangguan pagkatapos ng mahabang panahon bilang isang bagong tao, at ang isa pa - "Isang Manlalakbay na Walang Luggage" (1936) - nagsasabi tungkol sa malungkot na kapalaran ng isang tao sa modernong mundo, na ang memorya ay nabibigatan ng mga alaala ng digmaan.

Ang mga taon ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig ay minarkahan ng simula ng isang bagong yugto sa gawain ni Jean Anouilh, na nailalarawan ng mapait na pagkabigo sa mga lumang mithiin. Gayunpaman, hindi nawala ang dating interes ng playwright sa teatro.

Noong 1942, dalawang cycle ng mga dula, parehong bago at nilikha nang mas maaga, ay inilabas: ang unang koleksyon na pinamagatang "Black Pieces" ay kasama ang mga drama na "Ermine", "Passenger without Luggage", "Savage" at "Eurydice" (1941), na kung saan naging uri ng isang sequel sa "The Wild Ones".

Ang pangalawang koleksyon - "Pink Pieces" - naging hindi gaanong kawili-wili kaysa sa una; kasama dito ang mga gawang "Ball of Thieves", "Leocadia" (1939), "Date in Senlis" (1941).

Ang pinaka makabuluhang mga gawa sa panahong ito ng pagkamalikhain ni Anuyev ay ang mga dulang "Eurydice" at "Antigone", na isinulat sa isang mitolohiyang balangkas at nakakaapekto sa mga problema ng ating panahon. Itinutuon ng may-akda ang lahat ng kanyang atensyon sa malalim na pag-aaway ng ideolohiya ng mga karakter, habang itinataas niya ang mga katotohanan ng buhay sa antas ng mga problemang pilosopikal.

Sa mga taon pagkatapos ng digmaan, patuloy na aktibong nagtatrabaho si Anuy. Noong unang bahagi ng 1950s, ang kanyang bagong koleksyon na pinamagatang "Brilliant Pieces" (1951) ay inilabas, limang taon pagkalipas ng "Prickly Pieces" (1956), at pagkatapos ay "Costume Pieces" (1962) ay ipinakita sa madla, na nagpatuloy sa magpalaganap ng mataas na humanistic ideals.

Ang pagsulat ng mga akdang tulad ng "Beckett, o God's Honor" (1959), "Basement" (1961) at iba pa ay nabibilang sa post-war period ng buhay at gawain ng mahuhusay na manunulat ng dula.

Tinawag ng maraming kritiko ang dulang The Lark (1953), na binuo sa anyo ng pagsubok ng pambansang pangunahing tauhang babae Joan ng Arc. Ang trahedya na salungatan ng trabaho (ang paghaharap sa pagitan ng isang tao at isang inquisitor) ay nakakakuha ng isang matalim na socio-pilosopiko na tunog. Sa pagtatapos, ang mga ideyang makatao ay nagtatagumpay sa mga paniniwala ng kaaway ng sangkatauhan - ang inkisitor.

Ang dramaturhiya ng Anouilh, na pumasok sa mga repertoire ng karamihan sa mga teatro sa Pransya noong kalagitnaan ng dekada 1930, ay hinihiling sa loob ng ilang dekada. Hanggang ngayon, ang mga pagtatanghal ng pinakamahusay na mga gawa ng playwright na ito ay makikita sa mga entablado ng mga teatro sa Paris.

Ang pinakakilalang kinatawan ng French dramaturgy ng digmaan at mga panahon pagkatapos ng digmaan ay ang kinikilalang pinuno ng existentialism Jean Paul Sartre(1905-1980). Ang pilosopiya, na naglalayong bumuo ng mga problema sa moral, ay makikita sa marami sa mga dramatikong obra maestra ni Sartre.

Sa paniniwalang ang isang tao ay malaya sa kanyang pagpili at sa anumang sitwasyon ay lumilitaw na kung ano ang ginawa niya sa kanyang sarili, ang playwright ay bumaling sa pag-aaral ng pag-uugali ng mga bayani na natagpuan ang kanilang sarili sa isang kritikal na sitwasyon. Bilang resulta, ang mga dula ay nakakuha ng katangian ng mga pilosopikal na talinghaga ng moral at nakapagtuturo na nilalaman.

Noong mga taon ng digmaan, ang mga gawa ni Sartre ay tumunog ng isang panawagan na lumaban na may kaugnayan sa panahong iyon. Ito ang kanyang "Flies", na itinanghal ni Dullin noong 1943 sa sinasakop na Paris. Sa mga mythological heroes, ang mga figure ng Resistance (ang imahe ng Orestes), ang mga maydala ng mga ideya ng Nazi (ang imahe ng Aegisthus) at ang mga tagasuporta ng conciliatory na posisyon ng mga collaborator (ang imahe ng Clytemnestra) ay madaling nahulaan.

Sa hinaharap, madalas na bumaling si J.P. Sartre sa mga makasaysayang balangkas ("The Devil and the Lord God", 1951), gayunpaman, ang pagmuni-muni ng modernong socio-political reality ay madalas na sinamahan ng mga eksperimento sa pilosopikal sa diwa ng existentialism (ang mga dula na "Behind ang Closed Door (1944), "Dirty Hands" (1948), "The Dead Without an Executioner" (1946), atbp.).

Ang sikolohikal na drama na The Recluses of Altona (1959) ay isang babala laban sa pag-uulit ng mga pagkakamali ng nakaraan, laban sa muling pagkabuhay ng pasismo sa mundo pagkatapos ng digmaan. Dito, tulad ng sa maraming iba pang mga gawa ni Sartre, ang kalunus-lunos na mga motif ng kalungkutan at takot na takot sa hinaharap ay natagpuang ekspresyon.

Noong 40s-50s ng 20th century, ang mga dramatikong obra maestra ng "absurdists" ay naging katulad ng mood sa mga gawa ni Sartre. Ang sermon ng kapahamakan ng isang tao na, sa paghahanap ng isang paraan mula sa ganoong estado, ay lumiliko sa alogism (isang hindi makatwiran o mystical na pangitain ng mundo sa mga gawa ng Ionesco), isang sunud-sunod na pag-asa ng kamatayan (sa Beckett) o isang mapanirang paghihimagsik na humahantong sa kamatayan (sa gawa ni Genet), ang pangunahing tema ng "drama ng walang katotohanan ".

Isa sa mga pinakasikat na dula Samuel Beckett(1906-1989) ay maaaring isaalang-alang ang akdang "Naghihintay para kay Godot" (1952) - isang madilim na talinghaga kung saan, kasama ang mga motibo sa relihiyon, ang pessimistic na pilosopikal na pangangatwiran at "itim na katatawanan" ay magkakasamang nabubuhay. Tinawag ng maraming kritiko sa teatro ang gawaing ito na "philosophical clowning".

Ang dramatikong pamana ni Beckett ("The End of the Game", 1957; "Oh! Happy Days!", 1961) ay napuno ng kawalan ng pag-asa, ang kanyang mga bayani - bulag, pipi, paralisado at mga freak - ay lumilitaw bilang mga papet na kontrolado ng hindi kilalang pwersa ng kasamaan .

Ang mga gawa ni Jean Genet (1910-1986), na naghangad na gawing kakaibang phantasmagoria ang mga ito (The Maids, 1946; Negroes, 1959; Balcony, 1960; Screens, 1966) ay nakikilala sa pamamagitan ng luntiang libangan at ilang kumplikado ng karaniwang anyo.

Ang pagnanais na gambalain ang publiko mula sa pagpindot sa mga problema, upang ihulog ito sa isang estado ng kawalan ng ulirat ay madalas na nauwi sa poeticization ng malupit na karahasan sa J. Genet (marahil, ito ay dahil sa pamumuhay na pinamunuan ng manunulat bago maging isang tanyag na tao).

Pagtanggi lohikal na pag-iisip ang mga dula ni Eugene Ionesco (1912-1994) ay pinupuno bilang paraan ng pag-alam ng katotohanan. Nasa halos lahat ng mga dramatikong gawa ng may-akda ang mga katawa-tawang larawan at nakakatuwang komedya (The Bald Singer, 1950; Lesson, 1951; Chairs, 1952; Rhinoceros, 1959, atbp.), na natatakpan ng pangangaral ng nihilismo at anarkistang paghihimagsik.

Sa pagsasalita laban sa mga tradisyonal na anyo ng sining, itinanggi ng mga "absurdists" hindi lamang ang modernong teatro, kundi pati na rin ang panitikan at dramaturhiya. Tumanggi silang isaalang-alang ang wika bilang isang paraan para magkaintindihan ang mga tao, kaya ang ilan sa mga intricacies at kumplikado ng mga anyo ng "drama ng walang katotohanan".

Ang isa pang trend sa French stage art ng post-war years ay ang "demokratikong avant-garde", ang pinakakilalang kinatawan kung saan ay Arthur Adamov(1908-1970). Ipinanganak siya sa Kislovodsk. Noong 1914, umalis ang pamilya sa Russia at, pagkatapos ng mahabang paglibot, nanirahan sa France.

Ang mga unang dula, na nagpapatotoo sa kalituhan at espirituwal na kaguluhan ng batang manunulat ng dula, ay isinulat sa ilalim malakas na impluwensya mga ideya ng mga playwright- "absurdists", ngunit kahit na pagkatapos Adamov ay nagsimulang magpakita ng isang espesyal na interes sa kapalaran ng mga tao sa modernong mundo.

Ang anim na buwang ginugol ng isang mahuhusay na manunulat sa isang pasistang kampong piitan ay nag-iwan ng kanilang marka sa kanyang hinaharap na gawain. Sa mga taon pagkatapos ng digmaan, nilikha ng playwright ang kanyang pinakamahusay na mga gawa, na puno ng pananampalataya sa tagumpay ng mga demokratikong ideya at naglalaman ng matalim na pagpuna. modernong lipunan.

Ang mga dula ni A. Adamov na "Invasion" (1950), "Ping-Pong" (1955) at "Paolo Paoli" (1957) ay lalong sikat. Hindi gaanong sikat ang "The Politics of Dregs" (1962), "Mr. Moderate" (1967) at "No Entry" (1969).

Tinawag ng playwright ang kanyang pinakamahusay na mga gawa na satirical at journalistic one-act plays, na tinatawag na "topical scenes" ("I am not a Frenchman", "Intimacy", "Reklamo ng pagtawa").

Bilang karagdagan sa paglikha ng kanyang sariling mga drama, si Arthur Adamov ay nakikibahagi sa mga pagsasalin. Salamat sa taong ito, nakilala ng France ang "Petty bourgeois" at "Vassa Zheleznova" ni A. M. Gorky, ang malikhaing pamana ni A. P. Chekhov.

Ang pagtatapos ng 60s ng XX na siglo ay minarkahan ng isang walang uliran na pagtaas sa interes ng publikong Pranses sa dramaturgy. Ang mga dula ng mga batang may-akda ay nai-publish sa pinakamalaking mga publikasyong Pranses na "Saille" at "Stock", ang mga bagong produksyon ay itinanghal sa mga yugto.

Ang mga gawa ng mga batang manunulat ng dula ay higit na isang tugon sa mga kaganapan ng modernong realidad (“Mga sandata ng suntukan” at “Ang balat ng prutas sa bulok na puno” ni V. Aim), isang repleksyon ng sosyo-politikal na realidad (“ Studio”, “Quarrel”, “Bukas”, “Window on street" ni J.C. Granber).

Ang isang espesyal na lugar sa French dramaturgy noong ika-20 siglo ay inookupahan ng gawain ng mga batang may-akda na nagsimula ng kanilang mga karera sa entablado ng mga teatro ng probinsya. Nakibahagi sila sa Avignon Festival, ang ganitong uri ng "pista para sa isip at puso." Ang kasaysayan ng pagdiriwang ay nagsimula noong 1947 (ang tagapag-ayos ng unang naturang kaganapan ay ang sikat na pigura ng teatro na si Jean Vilar).

Ang tema ng kalungkutan at pag-abandona ng isang tao sa modernong mundo sa pagkamalikhain ay nakatanggap ng isang bagong tunog Barnara Marie Koltesa(ipinanganak noong 1948). Ganito, halimbawa, ang mga dulang "The Night Before the Forest" (ipinakita sa Avignon Festival noong 1977), "The Battle of the Negro and the Dogs" (na itinanghal noong 1983 sa mga suburb ng Paris).

Ang pag-apila sa mga isyung sosyo-politikal at sikolohiya ng tao ay minarkahan ang mga gawa ng naturang mga manunulat ng dula gaya nina Pierre Laville, Daniel Benhard at iba pa.

Mas mabilis kaysa sa dramaturhiya, nabuo ang teatro ng Pransya noong ikalawang kalahati ng ika-20 siglo. Noong unang bahagi ng 1960s, ang mga komersyal na "tabloid" na mga sinehan, na unti-unting lumalapit sa mga cabarets at iba pang entertainment establishments, ay naging isang "arena" para sa pagtatanghal ng adulterous comedies nina Andre Roussin at Roger Ferdinand, para sa pagpapakita ng mga madugong melodramas at action na pelikula ng iba't ibang mga may-akda.

Kasama sa repertoire ng naturang mga sinehan, kasama ang mga pinong mapang-uyam na drama ng Francoise Sagan, ang sira-sira, bahagyang magaspang na mga dula ni Marcel Aimé.

Sa kabila ng lahat, ang mga komersyal na sinehan ay patuloy na nakakaakit ng maraming manonood na gustong makakita ng mga sikat na aktor - sina Jean-Claude Briali at Micheline Prel (parehong nilalaro sa dulang "A Flea in the Ear"), Daniel Ivernel at Paul Meurisse (ang pangunahing mga karakter sa " Hagdan"), Marie Belle (Phaedra sa modernistang produksyon ng trahedya ni Racine), atbp.

Ang mga nagdadala ng pinakamayamang kultural na tradisyon sa ikalawang kalahati ng ika-20 siglo ay ang pinakamatandang teatro sa France, ang Comédie Francaise, at ang mga koponan nina Andre Barsac at Jean Louis Barrot. Ang pag-arte ng Comédie Francaise, na ginawaran ng pinakamataas na papuri ng Italyano na manunulat ng dulang si Carlo Goldoni noong ika-18 siglo, ay namamangha pa rin hanggang ngayon sa hindi matatawaran na husay nito at mataas na propesyonalismo: “Walang napipilitan dito alinman sa kilos o ekspresyon. Bawat hakbang, bawat galaw, sulyap, tahimik na eksena ay maingat na pinag-aaralan, ngunit itinatago ng sining ang pag-aaral sa ilalim ng takip ng pagiging natural. Ang ilang mga tampok ng istilo ng entablado ng pinakalumang teatro ng Pransya ay naroroon sa pagtatanghal ng iba pang mga grupo ng pag-arte. Gayunpaman, ang "Comédie Francaise" hanggang ngayon ay hindi nawawala ang katanyagan at prestihiyo, itinuturing ng maraming aktor na isang karangalan na lumitaw sa entablado ng teatro na ito.

Natutunan ng mga mahuhusay na direktor ng Pranses na sina Jean Louis Barro at Andre Barsac ang mga lihim ng pagdidirekta sa sikat na paaralan ng Cartel, sa ilalim ng sikat na Charles Dullin. Gayunpaman, kinuha ng bawat isa sa kanila ang mga aralin ng master sa kanyang sariling paraan.

Si André Barsac (1909-1973) ay nakakuha ng katanyagan hindi lamang bilang isang direktor-psychologist, kundi pati na rin bilang isang dekorador ng teatro. Nabighani sa teatro sa kanyang pagkabata, pinili niya hindi ang pag-arte bilang kanyang karera, ngunit ang propesyon ng isang artista. Ang mga taon ng pag-aaral sa Paris School of Decorative Arts (1924-1926) ay nagpapahintulot sa kanya na makabisado ang mga pangunahing kaalaman ng kanyang napiling propesyon, at noong 1928 Barsak ay pumasok sa trabaho sa Atelier Theatre ni Ch. Dullen, na sikat sa mga taong iyon.

Ang pasinaya na gawain ng batang artista ay ang tanawin para sa dulang "Volpone" ni B. Johnson, at ang pinakamahusay na mga obra maestra sa larangang ito ay mga sketch ng tanawin at mga kasuotan para sa dulang "The Doctor of His Part" ni Calderon (1935).

Simula noong 1930, sabay-sabay na nagtrabaho si A. Barsak sa ilang mga sinehan - ang Atelier, ang Troupe of Fifteen at sa Opera House, kung saan pinalamutian niya ang Persephone ni Stravinsky.

Noong 1936, pinasimulan ni Andre ang paglikha ng isang bagong teatro na tinatawag na Four Seasons Troupe, na sa lalong madaling panahon ay ipinakita ang unang produksyon nito sa madla - ang The Stag King ni Gozzi (ito ang debut work ni Barsak na direktor).

Sa panahon ng 1937/1938, ang isang bilang ng mga pagtatanghal ay itinanghal sa entablado ng teatro na ito, ang tanawin na kung saan ay ginanap mismo ng direktor - "Jean from the Moon" ni Ashar, "Knock" ni Romain, "Once upon a oras na mayroong isang bilanggo" ni Anui, atbp. Ang matagumpay na pagtatanghal ng tropa ay nagpapahintulot sa kanya na magsimula ng mga paglilibot sa New York, Paris at sa mga lungsod ng probinsiya ng France, Belgium at Brazil.

Noong 1940, si André Barsac ay hinirang na direktor ng Atelier Theatre, sa parehong oras ay nagpatuloy siya sa pagtatrabaho bilang isang set designer at stage director. Sa aktibong pakikilahok ng taong ito, ang Scapin's Tricks (1940), Anui's Eurydice at Romeo and Jeanette (1940), Dostoevsky's The Brothers Karamazov (1946) at maraming iba pang mga pagtatanghal ay itinanghal sa entablado ng Atelier.

Noong 1948, ipinakita ni Barsak ang "Inspector General" ni Gogol sa madla, noong 1940 - ang "The Seagull" ni Chekhov, at noong 1958-1959 - ang dula ni Mayakovsky na "Bug".

Gayunpaman, si Barsak ang direktor ay pinakamahusay na kilala para sa kanyang pagbagay sa nobela ni Dostoevsky na The Idiot, kung saan ang papel ni Nastasya Filippovna ay ginampanan ng sikat na trahedya na aktres na si Catherine Seller.

Ang pagtatanghal ng trabaho ni Turgenev na "Isang Buwan sa Bansa" ay hindi gaanong sikat. Ang pagganap ay naging lubhang patula, ang banayad na sikolohikal na katangian ng mga karakter ay naging posible upang maunawaan ang kanilang tunay na kakanyahan.

Ang isa pang lugar ng trabaho para kay Andre Barsac ay aktibidad sa panitikan. Siya ang may-akda ng komedya na "Agrippa, o Crazy Day", na itinanghal sa "Atelier" noong 1947, at isang bilang ng mga artikulo sa teatro.

Ang mahuhusay na aktor at direktor na si Jean Louis Barrot (1910-1994) ay gumanap ng isang espesyal na papel sa pagbuo ng French stage art. Ipinanganak siya sa pamilya ng isang parmasyutiko at sa kanyang pagkabata ay nagpakita na siya ng pambihirang kakayahan sa pagguhit. Sa pag-abot sa kinakailangang edad, ang batang lalaki ay pumasok sa mga kurso sa pagpipinta sa Louvre School sa Paris. Gayunpaman, si Jean Louis ay hindi nakalaan na magtapos mula sa institusyong pang-edukasyon na ito, ang kanyang pagkahilig sa teatro ay pinilit siyang iwanan ang kanyang karera bilang isang artista at sumali sa tropa ng teatro ng Ch. Dullen "Atelier".

Ang pagkakaroon ng kanyang debut noong 1932 sa isang maliit na papel sa isa sa mga paggawa ng teatro, nagsimulang lumahok si Barro sa halos lahat ng mga pagtatanghal. Ngunit ang kakulangan ng kasanayan ay pumigil sa paglago ng karera, at ang batang aktor ay nagpakita ng pagnanais na makisali sa sining ng pantomime kasama ang sikat na mime na E. Decroux.

Noong 1935, sa entablado ng Atelier Theater, naganap ang premiere screening ng pantomime Near the Mother, batay sa nobelang While I Was Dying ni Faulkner. Sa pagtatanghal na ito, naglaro si Jean Louis ng isang kabayo at isang sakay na nakasakay sa paligid nito. Sa parehong oras, ginawa ni Barro ang kanyang debut sa pelikula (ang pelikulang "Children of Paradise"). Ang isang napakahalagang kaganapan sa kanyang buhay ay ang kanyang pagkakakilala sa mga surrealist at ang troupe ng teatro na "Oktubre".

Di-nagtagal, iniwan ni Jean Louis si Dullin at inayos ang kanyang sariling tropa, na tinawag na Augustine Attic, ngunit hindi tumigil sa pakikipagtulungan sa Atelier. Noong 1939, ginampanan ni Barro ang papel ni Silvio sa anti-pasistang dula ni Salacru na The Earth is Round, na itinanghal sa Dullen Theatre, at nagtanghal ng dula ng Hamsun na Famine sa madla.

Ilang taon bago nito, ginawa ni J. L. Barrot ang kanyang debut sa entablado ng Theater Antoine kasama ang makabayang drama na Numancia (ayon kay Cervantes). Ang pagganap ay isang walang uliran na tagumpay, dahil sa pagiging maagap at kaugnayan ng produksyon (sa oras na iyon, ang buong progresibong publiko ay nag-aalala tungkol sa kahihinatnan ng digmaan sa Espanya).

Noong 1940, inanyayahan si Barraud sa Comedie Francaise theater, kung saan siya nagtrabaho hanggang 1946. Sa pinakatanyag na yugtong ito sa France, gumanap siya ng ilang mga tungkulin, kabilang si Rodrigo sa "Sid" ni Shakespeare at ang desperadong Hamlet sa dula ng parehong pangalan. Bilang karagdagan, muling binigyang-kahulugan ni Jean Louis ang klasikal na repertoire ng teatro: Racine's Phaedra (1942), Claudel's The Satin Slipper (1943) at Shakespeare's Antony at Cleopatra (1945) na itinanghal ni Barrault ay naging napakapopular sa mga sopistikadong madlang metropolitan.

Ang katibayan ng ilang eclecticism sa panlasa ng isang mahuhusay na direktor ay ang kanyang matagumpay na pagtatanghal ng mga gawa ng iba't ibang genre, maging ito man ay komedya o trahedya, operetta o pantomime. Kasabay nito, sinikap niyang lumikha ng isang sintetikong teatro na magkakasuwato na pagsasama-samahin ang pinakamahusay na paraan ng pagpapahayag na likas sa iba't ibang uri ng sining.

Noong 1946, inayos ni Jean Louis ang isang bagong tropa ng pag-arte, na, bilang karagdagan sa kanya, kasama si M. Renault (asawa ng direktor) at maraming iba pang mahuhusay na performer.

Naging si Barro direktor ng sining at ang nangungunang aktor ng tropa na ito, na gumanap sa gusali ng teatro na "Marigny". Ang mga pagtatanghal tulad ng Salacru's Nights of Anger (1946), Kafka's Trial (1947), Molière's Tricks of Scapin (1949), Claudel's Christopher Columbus (1950), Ashar's Malbrook Going on Campaign ay itinanghal dito, The Cherry Orchard ni Chekhov.

Sa ilan sa mga produksyong ito, si Jean Louis ay kumilos hindi lamang bilang isang direktor, kundi pati na rin bilang isang tagapalabas ng mga pangunahing tungkulin (ang anti-pasistang patriot na si Cordo sa Nights of Anger, Christopher Columbus sa paglalaro ng parehong pangalan, Trofimov sa The Cherry Orchard, atbp.).

Noong 1959, si Barraud ay nahalal na pangulo ng Théâtre de France sa Paris. Sa parehong oras, ang kanyang mga produksyon ng mga dulang Rhinos ni Ionesco, Claudel's Golden Head at Anouil's Little Madame Molière ay nabibilang sa parehong panahon.

Bilang karagdagan sa pagdidirekta at pag-arte, nasangkot din si Barro sa mga pampublikong aktibidad: sa loob ng ilang taon siya ang direktor ng School of Dramatic Art, na itinatag niya sa Paris sa tulong nina J. Berto at R. Roulo. Peru Jean Louis Barraud ang nagmamay-ari ng akdang pampanitikan na "Reflections on the Theatre", kung saan ang may-akda ay kumikilos bilang isang naghahanap ng katotohanan at isang makata ng sining sa entablado.

Kaya, ang gawain nina Barrot at Barsac ay nagkaroon ng malaking epekto sa pag-unlad ng teatro ng Pransya sa mga taon pagkatapos ng digmaan. Hindi gaanong kawili-wili ang aktibidad ng mga natitirang master na sina Pierre Franck, Georges Vitali, Jean Meyer sa mga yugto ng mga teatro ng Evre, La Bruyère at Michel.

Ang simula ng 1950s ay nakita ang muling pagkabuhay ng dating kaluwalhatian ng National Folk Theater F. Gemier, dahil sa pagdating ng mahuhusay na direktor na si Jean Vilar (1912-1971) sa tropa. Sa maikling panahon, nagawa ng taong ito na gawing isa sa pinakamahusay na mga sinehan sa France ang National People's Theater.

Itinuloy ni Vilar ang isang layunin: ang gawing accessible ang teatro sa milyun-milyong manonood, "ayon sa matalino at pangunahing pormula ni Stanislavsky." Ang mahuhusay na direktor ng entablado ay ang lumikha ng isang bagong istilo ng entablado: simple at kasabay nito ay maringal, aesthetically perpekto at naa-access, na idinisenyo para sa libu-libong mga manonood.

Lumikha si Vilar ng isang tunay na buhay na teatro kung saan ang madla ay gumaganap ng isang tiyak na papel, pinamamahalaang pukawin ang interes sa sining ng pagganap kahit na sa mga malayo sa teatro. Sa inisyatiba ng taong ito, muling inayos ang sistema ng serbisyo ng madla: dalawang oras bago magsimula ang pagtatanghal, binuksan ang isang cafe sa National Folk Theater kung saan maaari kang kumain pagkatapos ng trabaho, bilang karagdagan, nagsimula ang mga pagtatanghal sa isang maginhawang oras para sa madla.

Unti-unti, ang teatro ay naging isang uri ng House of Folk Culture, na hindi lamang nagpakita ng mga pagtatanghal at pelikula, ngunit inayos din ang mga pampanitikan at musikal na gabi, mga eksibisyon ng iskultura at pagpipinta. Sa mga taong iyon, ang "folk balls" na inorganisa ng pamunuan ng National Folk Theater ay nakakuha ng pinakamalaking katanyagan.

Sa paglalagay sa entablado ng mga gawa ng domestic at dayuhang klasiko, sinubukan ni Jean Vilar na hanapin sa kanila ang mga sagot sa kanyang mga tanong, upang gumuhit ng mga kinakailangang aral mula sa nakaraan. Ganito ang mga produksyon ng Corneille's Cid kasama si Gerard Philippe sa title role (1951), G. Kleist's Prince of Homburg (1952), Molière's Don Giovanni (1953) at Shakespeare's Macbeth (1954).

Ang dulang "Sid" sa interpretasyon ni Vilar ay lumitaw bilang isang tula tungkol sa pag-ibig at maharlika, ang tekstong puno ng simbuyo ng damdamin ay tumunog sa entablado tulad ng isang kolokyal na pananalita na naiintindihan ng bawat naninirahan.

Ang produksyon na ito ay naging isang simbolo ng muling pagkabuhay ng katutubong Pranses na teatro, ang pinakamahusay na mga tao ng France ay nagsalita tungkol dito nang may sigasig. Kaya, tinawag ni Louis Aragon ang "Cid" na "ang pinakamahusay na pagtatanghal na itinanghal sa entablado ng Pransya", at si Maurice Thorez, pagkatapos mapanood ang obra maestra na ito, ay nagsabi: "Atin ang pambansang pamana."

Sa entablado ng National People's Theater, ang mga mahahalagang hakbang ay ginawa tungo sa pag-unawa sa katutubong tema ng kasaysayan, ang mga produksyon ni Mary Tudor ni Hugo (1955) at Lorenzaccio ni Musset (1958) ay naging tunay na sensasyon sa modernong mundo.

Noong 1960-1961, ipinakita ni Vilar sa madla ang mga pagtatanghal ng Antigone ni Sophocles, Arturo Ui's Career ni Brecht, Scarlet Roses for Me ni O'Casey, Alcalde's Salamey ni Calderon at The World ni Aristophanes. Sa mga produktong ito, nabuo ang imahe ng isang bayaning bayan na lumalaban para sa kapayapaan at kalayaan.

Maraming mahuhusay na aktor ang pinarangalan na magtrabaho sa ilalim ng sikat na Jean Vilar. Unti-unti, nabuo ang isang highly professional acting troupe sa National Folk Theater, na kinabibilangan nina Gerard Philip, Daniel Sorano, Maria Cazares, Christian Minazzoli at iba pang aktor. Dumagsa rin dito ang pinakamahuhusay na dekorador, illuminator, costume designer at iba pang stage workers.

Si Gerard Philippe (1922-1959) ay isa sa mga pinakasikat na aktor ng post-war France, ang kinikilalang pinuno sa mga modernong romantikong aktor. Ginawa niya ang kanyang debut sa entablado noong 1942 at hindi nagtagal ay naging sikat.

Maraming mga pagtatanghal na may partisipasyon ng aktor na ito ang pumukaw ng tunay na interes ng publiko. Gumawa si Gerard Philip ng ilang di malilimutang larawan - Rodrigo sa Corneille's Side, ang Prinsipe ng Homburg sa dula ng parehong pangalan, Lorenzaccio sa dula ni Musset, at iba pa. Bilang unang pangulo ng Union of Actors of France, ipinagtanggol niya ang mga karapatan ng mga tao ng propesyon na ito sa modernong mundo.

Si Gerard Philip ay gumanap hindi lamang sa entablado ng teatro, kundi pati na rin sa harap ng mga camera ng pelikula, nag-star siya sa mga pelikulang tulad ng "Parma Convent", "Fanfan-Tulip", "Red and Black", atbp.

Si Maria Cazares (tunay na pangalan na Quiroga) (1922-1996), isang kinatawan ng pamilya ng isang Espanyol na estadista, ay isang natatanging dramatikong artista ng isang trahedya na papel.

Matapos mailipat ang kanyang ama sa Pransya, sinimulan ni Maria ang kanyang pag-aaral sa isa sa mga Parisian lyceum, at pagkatapos, na matagumpay na nagtapos sa institusyong pang-edukasyon na ito, pumasok siya sa Conservatory of Dramatic Art.

Noong kalagitnaan ng 1950s, umalis ang talentadong aktres sa Comedy Francaise, kung saan gumanap siya sa loob ng maraming taon, at sumali sa tropa ng National People's Theatre, sa entablado kung saan lumikha siya ng isang malaking bilang ng mga hindi malilimutang dramatikong mga imahe (Queen Mary sa Mary Tudor ni Hugo at iba pa).

Si Maria Cazares ay nakakuha ng partikular na katanyagan bilang isang artista sa pelikula, ang kanyang debut sa larangang ito ay ang papel sa "Children of Paradise" ni M. Carne (1945), na sinundan ng isang alok mula kay R. Bresson upang magbida sa pelikulang "Ladies of the Bois de Boulogne” (1945). Gayunpaman, ang pinakamatagumpay na papel, na nag-iwan ng maliwanag na marka sa French cinema, ay si Sanseverina sa adaptasyon ng pelikula ni Christian-Jean. monasteryo ng Parma» A. Stendhal.

Noong 1949, ginampanan ng pambihirang dramatikong artista ang papel na Kamatayan sa Orpheus ni Jean Cocteau, at pagkaraan ng sampung taon ay nakatanggap ng imbitasyon sa papel ng prinsesa sa pelikulang Orpheus' Testament (1959). Sina Jean Mare (Orpheus) at Jean Cocteau (makata) ay naging katuwang ni M. Cazares sa set, na ang mahuhusay na paglalaro ang naging susi sa matagumpay na pamamahagi ng larawan.

Ang maliliit na papel na ginampanan ni M. Cazares sa mga pelikulang "Shadow and Light" ni A. Calef (1950), "Reader" ni M. Deville (1987) at "Knights of the Round Table" ni D. Llorca (1990) ay nabanggit nang walang gaanong atensyon ng madla.

Napanatili ng aktres ang magandang espiritu hanggang sa mga huling araw ng kanyang buhay. Halimbawa, ang katotohanang ito ay nagpapahiwatig: noong 1996 (ang taon na siya ay namatay), ang 74-taong-gulang na si Maria Cazares ay aktibong bahagi sa paggawa ng pelikula ng Paskalevich na pelikula na "Someone's America".

Kapansin-pansin na sa buong buhay niya ay hindi nagbigay ng dahilan ang aktres para pagdudahan ang kanyang reputasyon, bukod pa rito, hindi niya pinayagan ang mga mamamahayag at biographer sa kanyang buhay.

Ang isa sa pinakasikat na artistang Pranses sa ating panahon ay si Jean Gabin (totoong pangalan na Jean Alexis Moncorger) (1904-1976). Ipinanganak siya sa pamilya ng isang simpleng manggagawa, at tila walang nagbabadya kay Jean ng ibang kapalaran. Gayunpaman, habang isang apprentice pa rin sa isang construction site at isang assistant worker sa isang foundry, nagpakita siya ng pambihirang kakayahan sa pag-arte.

Noong 1923, ginawa ni Jean Gabin ang kanyang debut sa entablado ng teatro ng Folies Bergère sa kabisera bilang dagdag. Napansin ang talento at kaakit-akit na anyo ng young actor, at hindi nagtagal ay nakatanggap siya ng imbitasyon na maging artista sa isang variety show. Matapos magtrabaho nang maraming taon sa genre ng musical revue, lumipat siya sa teatro ng operetta, kasabay nito ay naging isang performer ng mga nakakatawang kanta sa mga sinehan ng Vaudeville, Bouffe Parisienne at Moulin Rouge.

Gayunpaman, ang pinakasikat na Jean Gabin ay nagdala ng maraming mga papel na ginampanan sa mga pelikula. Ang debut ng pelikula ay naganap noong 1931 sa pelikulang The Great Illusion.

Ang tagumpay ng pelikula ay nagpilit sa maraming direktor na bigyang pansin ang dalawampu't pitong taong gulang na aktor, na sa lalong madaling panahon ay naging isa sa mga pinaka-imbitado. Ginampanan ni Jean Gabin ang maraming papel sa mga pelikulang tulad ng Quay of the Fog, Heavenly Thunder, At the Walls of Malapaga, Great Families, Powerful Ones, Prairie Street, atbp.

Ang aktor na ito ay pumasok sa kasaysayan ng sining ng teatro at cinematic sa mundo bilang tagalikha ng imahe ng isang taong tapat sa mga ideyal na ideya ng tungkulin at katarungan, na kayang ipagtanggol ang kanyang dignidad at kalayaan sa pakikibaka.

Noong 1949, pagkatapos ng halos dalawampung taong pahinga, bumalik si J. Gabin sa entablado. Sa Ambassador Theatre, ginampanan niya ang isa sa pinakamahusay na mga tungkulin sa entablado - ang pangunahing karakter sa dula ni Bernstein na Thirst.

Matapos ang pagtatapos ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig, hindi lamang ang sining ng entablado ng Paris ang nabuo, kundi pati na rin ang mga panlalawigang sinehan ng France, na matagal nang nasa hibernation.

Matapos ang Unang Festival ng French Dramatic Art sa Avignon ay ginanap noong 1947, pinaigting ng mga theatergoers ang kanilang mga aktibidad sa ibang mga bayan ng probinsiya France. Di-nagtagal sa Strasbourg, Le Havre, Toulouse, Reims, Saint-Etienne, Bourges, Grenoble, Marseille, Colmar, Lille at Lyon, nagsimulang gumana ang mga permanenteng tropa na kumikilos, lumitaw ang mga sentro ng dramatikong sining at Mga Bahay ng Kultura.

Kasunod ni J. Vilar, ang mga panlalawigang teatro ay bumaling sa gawain ng mga namumukod-tanging domestic at foreign classic, na nagbibigay-kahulugan sa mga klasikal na obra maestra sa isang bagong paraan. Nagtanghal ang mga direktor ng probinsiya ng mga pagtatanghal sa mga manonood na tumutugma sa diwa ng panahon.

Kaya, habang pinapanatili ang makatao na tunog ng trahedya ni Corneille na si Horace, ang direktor ng Strasbourg na si Hubert Ginho sa kanyang produksyon noong 1963 ay nakatuon sa mga kahihinatnan ng bulag na pagsunod sa isang utos.

Sa iba't ibang panahon, ang mga paggawa ng mga dula nina Gogol, Chekhov, Gorky, gayundin ni Arbuzov (Irkutsk History sa Strasbourg noong 1964), Schwartz (Dragon sa Saint-Etienne noong 1968) at iba pang mga manunulat ng dulang Ruso ay napakapopular. Ang mga pagsasadula ng mga satirical na komedya ng mga domestic na may-akda - sina Dürrenmatt at Frisch, mga dula nina O'Casey at Bertolt Brecht ay nasiyahan sa pagmamahal ng madla.

Si Roger Planchon (ipinanganak noong 1931), isang mahuhusay na direktor at direktor ng Théâtre de la Cite sa Villeurbanne, ay nag-iwan ng kapansin-pansing marka sa kasaysayan ng mga teatro sa probinsiya ng Pransya. Bilang isang masigasig na tagahanga ng mga gawa nina B. Brecht at J. B. Moliere, sinubukan niyang ihatid ang mga ideya ng mga manunulat na ito sa malawak na madla.

Ang pagbabago ng direktor ay nagpakita mismo sa isang bilang ng kanyang mga pagtatanghal, halimbawa, sa paggawa ng "Schweik sa Ikalawang Digmaang Pandaigdig" ni B. Brecht (1961) R. Planchon ay gumamit ng isang patuloy na umiikot na bilog, na nagpapahintulot sa kanya na makamit ang isang tiyak epekto: sa mga kinakailangang lugar, ang bayani ay maaaring lumapit sa madla, pagkatapos ay lumayo sa kanila.

Sa pagtatanghal ng "Tartuffe" ni Molière (1963), ang pamamaraan ng pagpapalawak ng espasyo sa entablado ay ginamit, dahil sa kung saan ang mga nangyayaring kaganapan ay nakakuha ng mala-avalanche, nagbabantang karakter.

Tamang naniniwala si Planchon na ang direktor ay dapat na isang banayad na psychologist, ito ay magpapahintulot sa kanya na ganap na ibunyag ang "sosyal na sitwasyon", upang galugarin ang kapaligiran sa panahon ng isang tiyak na makasaysayang at pampulitikang sandali.

Sa wastong pagtukoy sa katangian ng isang partikular na dula, tinutukan ito ng direktor. Sa panahon ng screening ng Georges Dandin ni Moliere (1959), ipinadama ni Planchon sa madla ang kalunos-lunos na sitwasyon kung saan natagpuan ang isang mayamang magsasaka, na nawalan ng ugnayan sa pamilyar na mundo at hindi nakatanggap ng pagkilala sa mga maharlika.

Ang mga pagtatanghal na itinanghal ng direktor batay sa kanyang sariling mga dramatikong obra maestra ay nagkaroon ng hindi pa nagagawang tagumpay sa madla. Kabilang sa mga ito ang mga dulang "Debtors" (1962), "White Paw" (1965), "Dishonest" (1969), atbp. Paghahanap ng interes sa iba't ibang dramatic at stage form, gayunpaman hinahangad ni Planchon na makahanap sa kanyang mga produksyon ng solusyon sa isang solong problema - pananaliksik ng mga kontradiksyon sa lipunan ng modernong buhay.

Matibay na rasyonalismo at tumpak na pagkalkula, hindi inaasahang mga desisyon at lantad na pantasya - ito ang mga katangiang katangian ng istilo ng direktor ni Roger Planchon. Ang mga tampok na ito ay pinaka-malinaw na ipinakita sa proseso ng pagtatanghal ng nobela ni A. Dumas père The Three Musketeers (1957), maraming parodic at ironic na mga eksena ang nagpaalala sa amin ng mga produksyon ng mga sikat na Russian director na sina Meyerhold at Vakhtangov.

Kilala si Planchon sa mga pagtatanghal batay sa mga dula ng mga kontemporaryong Pranses na may-akda, mga tagasunod ni Brecht - "Paolo Paoli" ni Arthur Adamov (1957), "The Imaginary Life of a Street Sweeper Auguste Jay" ni Armand Gatti (1962) at iba pa.

Ang dula ni A. Gatti, na itinanghal ni R. Planchon, ay isang magkatugmang pagsasama ng dalawang drama - ang "drama ng mga ideya" at ang "drama ng imahinasyon": ang kasalukuyan at nakaraan, ang katotohanan at mga pangarap ay nalilito sa isipan ng isang taong sugatan. Bago ang madla ay lumilitaw hindi isa, ngunit ilang mga Augustes ng iba't ibang edad nang sabay-sabay - isang batang lalaki, isang binata, isang lalaki, sa gayon ay binibigyang diin ng direktor ang pagnanais na makuha ang bayani sa iba't ibang panahon ng kanyang buhay.

Bilang karagdagan sa mga teatro ng kabisera at panlalawigan, sa France pagkatapos ng digmaan, ang mga teatro ng mga suburb ng Paris ay binuo, ang mga pinuno nito ay hinabol ang layunin na gawing "parliament of social thought" ang mga institusyong ito. Ang mga pagtatanghal-mga korte, mga orihinal na pag-aaral, na nakatuon sa kalunos-lunos na kapalaran ng mga taong inalipin, ay itinanghal sa entablado.

Kaya, sa entablado ng Theater of Nanterre, ang "Running" ni Bulgakov (1971) ay itinanghal, ang tropa na "Guild" ay pinamamahalaang itanghal ang "Macbeth" ni Shakespeare (1965), ang repertoire ng Commune Theater sa Aubervilliers sa loob ng mahabang panahon. pagtatanghal ng "Optimistic Tragedy" ni Vs. Vishnevsky (1961) at The Star Turns Red ni O'Casey (1962), sa Theater. Gerard Philip sa Saint-Denis, ang pinakasikat ay ang "Spring-71" ni A. Adamov.

Bilang karagdagan, ang drama ni A. Gatti na The Stork at ang komedya ni A. Adamov na The Politics of Garbage, The Cherry Orchard ni A.P. Chekhov at mga dula ni B. Brecht (The Threepenny Opera, Saint Joan slaughterhouses", "Dreams of Simone Machar").

Ang ikalawang kalahati ng 1960s, na minarkahan ng paglala ng sitwasyong pampulitika sa buong mundo, kabilang ang France, ay naging isang panahon ng reaksyon sa kasaysayan ng teatro.

Maraming French theater director ang napilitang magbitiw. Ginawa ito ni Jean Vilar noong 1963, at si Georges Wilson (ipinanganak 1921) ay naging kahalili niya bilang direktor ng National People's Theatre.

Bilang isang masigasig na tagahanga ng dramaturhiya ni Brecht at ng kanyang mga tagasunod (Gatti, Dürrenmatt, atbp.), Si Wilson ay nagtanghal ng maraming magagandang dula ng mga may-akda na ito sa entablado ng teatro - ang "Mr. Puntila at ang kanyang lingkod na si Matti" ni Brecht (1964). ), "Luther" ni Osborne (1964), "Romulus the Great" ni Dürrenmatt (1964), "People's Song in front of Two Electric Chairs" ni Gatti (1965), "Turandot, o Congress of Whitewashers" ni Brecht (1971) at iba pa.

Sa kabila ng ilang matagumpay na produksyon, ang National Folk Theater ay unti-unting nawala ang dating katanyagan, ito ay sa ilang lawak dahil sa pag-abandona sa sistema ng pampublikong subscription na ipinakilala ni J. Vilar.

Noong 1971, nang ang National Folk Theater ay hindi na umiral, ang kanyang mga ideya ay kinuha ng lungsod. teatro ng munisipyo Paris - "Theater de la Ville", na pinamamahalaan noong mga taong iyon ni Jean Mercure (ipinanganak noong 1909). Ang isang maraming nalalaman repertoire, na binubuo ng mga obra maestra ng klasikal at modernong drama, ay umakit ng maraming manonood sa teatro.

Ang mga mass performance ni Robert Hossein (ipinanganak noong 1927) ay naging isang bagong trend sa French theatrical art noong ika-20 siglo. Noong 1971, pinamunuan ng sikat na aktor ng pelikula ang People's Theater of Reims; sa kanyang direktang pakikilahok sa teatro, ang Krimen at Parusa ni Dostoevsky, ang Romeo at Juliet ni Shakespeare, ang House of Bernard Alba ni Lorca, ang Gorky's At the Bottom at ilang iba pang makabuluhang pagtatanghal ay itinanghal.

Sa isip ni Hossein, na naniniwala na ang teatro ay dapat maimpluwensyahan ang damdamin ng madla, ang konsepto ng isang "mahusay na katutubong palabas", isang uri ng katutubong holiday, ay unti-unting nabuo.

Ang pagtatanghal na "Battleship Potemkin", na itinanghal noong 1975 sa Sports Palace ng kabisera, ay ang unang matagumpay na gawain sa direksyong ito. Sinundan ito ng mga pagsasadula ng mga dula mula sa klasikal na repertoire - Notre Dame Cathedral (1978) at Les Misérables (1980) ni Hugo, na pumukaw ng hindi gaanong interes ng publiko kaysa sa unang produksyon.

Sa pagtatapos ng 1979, ipinakita ni R. Hossein ang kanyang bagong gawain sa madla - ang makasaysayang drama na "Danton and Robespierre" (1979), at noong 1983 ang premiere ng dula na "A Man Called Jesus", batay sa isang kuwento mula sa Bibliya, naganap.

Ang mga gawa ni R. Hossein ay nakakuha ng pansin hindi lamang para sa kanilang engrande at makulay na panoorin, kundi para sa kanilang mga dynamic na mass scene, hindi pangkaraniwang liwanag at sound effect, pati na rin ang pagiging simple at accessibility ng nilalaman.

Ang isang kapansin-pansing kababalaghan sa buhay teatro ng France noong ika-20 siglo ay ang Bagong Pambansang Teatro ng Marseille, na inayos ng mahuhusay na direktor na si Marcel Marechal (ipinanganak noong 1938), na isa ring kahanga-hangang aktor (lumikha siya ng mga matingkad na larawan ng Falstaff at Tamerlane, Scapin at Lear, Sganarelle at Hamlet sa entablado).

Noong unang bahagi ng 1960s, nag-organisa si Marechal ng isang tropa sa Lyon, na tinatawag na "Company du Cautourne". Ang mga demokratikong adhikain ng advanced theatrical community ay hindi makakaapekto sa mga aktibidad ng talentadong direktor ng probinsiya, ito ay ipinahayag sa pagnanais ni Marechal na gawing House of Popular Culture ang kanyang teatro, na naa-access ng malaking madla.

Sa paniniwalang ang pangunahing suliranin ng sining ng pagtatanghal ay ang kawalan ng "poetic realism", hinangad ni Marcel Marechal na lutasin ito sa pamamagitan ng paggamit ng mga bagong stage form na naa-access sa pang-unawa ng masa.

Sa kanyang trabaho, madalas siyang bumaling sa mga isyung sosyo-politikal: noong 1971, nagtanghal siya ng dula ng Algerian playwright na si Kateb Yasin, The Man in Rubber Sandals, na nakatuon sa mga kaganapan ng Vietnam War.

SA sa susunod na taon isang pagtatanghal ng dula ni Brecht na "Mr. Puntila and his servant Matti" (1972) ay ipinakita sa madla. Ayon sa mga kritiko sa teatro, nagawa ng direktor na turuan ang publiko ng isang aralin "sa pinaka masayang paraan sa mundo - sa ritmo ng isang komedya, kung saan ang magic at katutubong karunungan, masamang pangungutya at tula ay pinagsama."

Kabilang sa mga pinakamatagumpay na gawa ni M. Marechal, ang Moschetta ni Ruzante (1968), Fracasse ni T. Gauthier (1972), ang maraming oras na produksyon ng The Grail Theater (1979), na nakatuon kay King Arthur at sa Knights of the Round Table, nararapat na espesyal na atensyon. Ang mga pagtatanghal na ito ay isang organikong kumbinasyon ng simple at kumplikado, walang muwang at masinop, mga sandali ng matataas na liriko sa mga ito ay sinamahan ng mapaglarong mga nakakatawang eksena; dito ang nakaraan ay nakakatugon sa kasalukuyan, na nagpapaisip sa iyo tungkol sa hinaharap.

Buong pagmamalaking sinabi ni Maréchal na nagawa niyang "i-revive ang theatrical tradition, na ganap na nahuhulog sa elemento ng laro, iyon ay, upang bumalik sa mahusay na mga tradisyon at mga plot ng katutubong laro."

Noong 1975, lumipat ang Marechal troupe sa Marseille, ang pangalawang pinakamalaking lungsod sa France, at dito bumangon ang New National Theatre of Marseille, na naging pinakamalaking sentro ng pakikibaka para sa folk theatrics.

Isang kapansin-pansing marka sa kasaysayan ng modernong teatro ng Pransya ang iniwan ng mga teatro ng kabataan - tulad ng Theater Bule ni Alain Scoff, ang Big Magic Circus ni Jerome Savary, atbp.

Ang pinakamahusay na mga kinatawan ng bagong henerasyon ng mga direktor ng pelikulang Pranses ay sina Patrice Chereau at Ariana Mnushkina, kung saan nabuo ang mga makabagong ideya sa trabaho.

Pinili ni Patrice Chereau (ipinanganak noong 1944) ang estado ng krisis ng isang lipunan na binuo sa kasinungalingan, pagkukunwari at kawalan ng katarungan bilang pangunahing tema ng kanyang gawain. Sa pagbibigay ng malalim na sosyo-historikal na pagsusuri ng akda at ang panahon ng pagsulat nito, ang manunulat ng dulang sa parehong oras ay sumusubok na muling pag-isipan ito mula sa pananaw ng modernong tao.

Tinatawag ng maraming kritiko si P. Chereau bilang tagapagmana ni Roger Planchon. Ang katotohanan ay ang huli, bilang pinuno ng National People's Theatre, na nagbukas sa Villeurbanne batay sa Theater de la Cité, ay nag-imbita batang direktor sa iyong teatro. Dito itinanghal ni P. Chereau ang kanyang mga unang pagtatanghal - "Soldiers" ni Lenz (1967), "Don Giovanni" ni Moliere (1969), "The Imaginary Maid" ni Marivo (1971), "The Paris Massacre" ni Marlo (1972).

Noong 1982, si Patrice Chereau ay hinirang na direktor ng Théâtre des Amandiers, na matatagpuan sa suburb ng Paris ng Nanterre. Ang mga bagong aktibidad ng taong ito ay ang edukasyon at pagsasanay ng mga batang aktor sa isang paaralan ng teatro, pati na rin ang organisasyon ng gawain ng isang studio ng pelikula na dalubhasa sa pagpapalabas ng mga tampok na pelikula. Hindi nakakalimutan ni P. Shero ang gawain ng direktor sa teatro, noong 1980s ay itinanghal niya ang mga dulang "Labanan ng Negro at Mga Aso" ni B. M. Koltes, "Mga Screen" ni Genet.

Si Ariana Mnushkina, ang pinuno ng Theater of the Sun, ay paulit-ulit na nakakaakit ng pansin ng madla sa kanyang mga gawa sa direktoryo, kung saan nararapat ang Gorky's Petty Bourgeois (1966), Shakespeare's A Midsummer Night's Dream (1968), Clowns (1969) at iba pa. espesyal na atensyon.

Ang isang makabuluhang kaganapan sa theatrical life ng France ay ang mga pagtatanghal na "1789" at "1793", na nakatuon sa Great French Revolution at itinanghal ni A. Mnushkina noong 1971 at 1973, ayon sa pagkakabanggit. Nagkomento sa dilogy, sinabi ni Ariana: "Nais naming tingnan ang Rebolusyong Pranses sa pamamagitan ng mga mata ng mga tao," upang ipakita ang papel nito sa kaganapang ito.

Ang isang tampok na katangian ng mga pagtatanghal ay ang pagpapakilala sa aksyon ng kolektibong bayani, ang lumikha ng kasaysayan - ang mga taong Pranses. Bilang karagdagan, ang bawat aktor ay gumanap ng ilang mga tungkulin, limang palaruan ang kasangkot, na pinilit ang madla, lumipat mula sa isang platform patungo sa isa pa, na direktang makibahagi sa aksyon.

Ang mga kanta, sayaw at simbolo ng panahon ng Rebolusyong Pranses ay natagpuan ang pagpapahayag sa mga paggawa ni Mnushkina; bukod dito, ipinakilala niya ang mga makasaysayang dokumento sa salaysay, na naging mahalagang bahagi ng balangkas. Ang aksyon, mapang-akit sa kanyang pambihirang kapangyarihan at kapansin-pansin sa sukat, ay parehong kumplikado at simple; ang kanyang dinamismo, mahusay na emosyonalidad at kasabay ng pambihirang determinasyon ay nakapagbigay ng magandang impresyon sa madla.

Ang susunod na gawain ni A. Mnushkina, ang dula na "The Golden Age" (1975), na nagsasabi tungkol sa buhay ng mga imigranteng manggagawa sa France, ay isang pagpapatuloy ng tema ng pakikibaka sa lipunan, na sinimulan sa pamamagitan ng pagtatanghal ng dilogy.

Kasabay nito, ang repertoire ng Theater of the Sun ay kasama ang isang bilang ng mga klasikal na dula. Kaya, noong 1981/1982 season, ipinakita ng koponan ang "Richard II" at "Twelfth Night" ni Shakespeare sa madla. Ang mga pagtatanghal na ito, na nagkaroon ng hindi pa nagagawang tagumpay, ay ginawaran ng dalawang prestihiyosong parangal - ang Dominique Prize para sa pinakamahusay na pagganap ng taon at ang Grand Prize ng Drama Critics.

Sa simula ng 90s ng XX siglo, lumitaw ang mga paaralan sa teatro sa maraming mga sinehan sa France, na naghahanda ng isang nakababatang henerasyon ng mga aktor. Kabilang sa mga ito, ang pinakatanyag ay ang mga paaralan ng Teatro ng Chaillot, Teatro des Amandieu, Bagong Pambansang Teatro ng Marseille, atbp.

Sa parehong oras, pinalitan ang pamamahala sa ilang metropolitan na mga sinehan: si Jean Pierre Vincent pagkatapos ay naging pangkalahatang tagapangasiwa ng Comédie Francaise, si Jean Pierre Miquel ay naging pinuno ng Paris Conservatory of Dramatic Art, at Antoine Vitez, na dating nagdirekta ng isa. ng mga suburban theater sa Paris.

Sa kasalukuyan sa France mayroong isang yumayabong ng theatrical art. Kasama ang mga luma, kilalang masters ng pagdidirekta, ang mga batang direktor ay aktibong nagtatrabaho sa kabisera at mga teatro ng probinsya, nagsusumikap na magdala ng bago sa sining ng pagtatanghal. Lumilitaw din ang mga batang bituin sa kumikilos na kalangitan. Sa repertoire ng karamihan sa mga teatro sa Pransya, ang mga dula ng domestic at dayuhang klasiko ay mapayapang nabubuhay kasama ang dramaturhiya ng mga batang mahuhusay na manunulat.

Ang France ay nabubuhay sa isang tensiyonal na buhay pampulitika pagkatapos ng pagbagsak ni Napoleon. Ang ika-19 na siglo ay minarkahan ng mga bagong rebolusyonaryong pagsiklab. Ang pagpapanumbalik ng maharlikang kapangyarihan (ang dinastiyang Bourbon) noong 1815 ay hindi nakatugon sa mga interes ng bansa. Ang kapangyarihang ito ay sinuportahan ng landed aristokrasiya at ng Simbahang Katoliko. Ang panlipunang kawalang-kasiyahan ng malaking mayorya ng populasyon ng bansa, ang mga protesta laban sa pamahalaang ito ay nagresulta sa Rebolusyong Hulyo ng 1830. Ang mga panlipunang protesta, pagpuna sa umiiral na kaayusan, lantaran man o patago, ay ipinahayag sa iba't ibang anyo: sa mga artikulo sa pahayagan, sa kritisismong pampanitikan. at, siyempre, sa teatro.

Sa panahon ng 20s. sa France, umuusbong ang romanticism bilang nangungunang artistikong trend: ang teorya ng romantikong panitikan at romantikong drama ay binuo.

Ang mga teorista ng romantisismo ay pumasok sa isang mapagpasyang pakikibaka sa klasisismo, na ganap na nawalan ng ugnayan sa mga advanced na panlipunang pag-iisip at naging opisyal na istilo ng monarkiya ng Bourbon. Ngayon siya ay nauugnay sa reaksyunaryong ideolohiya ng mga Bourbon at itinuturing na nakagawian, hindi gumagalaw, bilang isang hadlang sa pag-unlad ng mga bagong uso sa sining. Nagrebelde sa kanya ang mga romantiko.

Sa romanticism ng panahong ito, kapansin-pansin din ang mga katangian ng realismo na may kritikal na kulay.

Ang mga pangunahing teorista ng romantikismo ay ang "purong" romantikong si V. Hugo at ang realistang Stendhal. Ang mga teoretikal na tanong ng romantisismo ay binuo sa mga polemics sa mga klasiko: Ginagawa ito ni Hugo sa "Preface" sa kanyang drama na "Cromwell", at Stendhal sa artikulong "Racine and Shakespeare".

Ang mga kilalang manunulat sa panahong ito - Mérimée at Balzac - ay kumikilos bilang mga realista, ngunit ang kanilang pagiging totoo ay ipininta sa mga romantikong tono. Ito ay lalong maliwanag sa kanilang mga dula.

Ang romantikong drama ay tumagos sa entablado nang may kahirapan. Naghari ang klasiko sa mga sinehan. Ngunit ang romantikong drama ay may kakampi sa mukha melodrama. Ang melodrama bilang isang dramatikong genre ay itinatag ang sarili sa repertoire ng mga teatro sa boulevard. Malaki ang impluwensya niya sa panlasa ng publiko, sa modernong drama at sa sining ng pagganap sa pangkalahatan.

Ang melodrama ay isang direktang produkto ng romantikismo. Ang kanyang mga bayani ay mga taong tinanggihan ng lipunan at ng batas, na nagdurusa sa kawalan ng katarungan. Sa mga plot ng melodrama mayroong isang matalim na magkakaibang pag-aaway ng mabuti at masama. At ang sigalot na ito, para sa kapakanan ng publiko, ay palaging nareresolba pabor sa kabutihan o sa parusa ng bisyo. Ang pinakasikat na melodramas ay "Victor, o Child of the Forest" ni Pixerekour, "The Thieving Magpie" ni Kenye, "Thirty Years, or the Life of a Gambler" ni Ducange. Ang huli ay pumasok sa repertoire ng mga mahusay na trahedya na aktor noong ika-19 na siglo. Ang balangkas nito ay ang mga sumusunod: ang bayani sa simula ng dula ay isang masigasig na binata na mahilig sa isang laro ng baraha, na nakikita sa loob nito ang ilusyon ng isang pakikibaka at tagumpay laban sa Rock. Ngunit, nahuhulog sa ilalim ng hypnotic na kapangyarihan ng kaguluhan, nawala sa kanya ang lahat, naging isang pulubi. Dahil sa labis na pag-iisip ng mga baraha at panalo, nakagawa siya ng krimen at kalaunan ay namatay, halos patayin ang sarili niyang anak.

Ang lahat ng ito ay sinamahan ng mga epekto sa entablado na nagpapahayag ng katakutan. Ngunit, sa kabila nito, ang melodrama ay nagpapakita ng isang seryoso at makabuluhang tema ng pagkondena ng modernong lipunan, kung saan ang mga hangarin ng kabataan, ang mga kabayanihan ay nagiging masama, makasarili na mga hilig.

Pagkatapos ng rebolusyon ng 1830, ang monarkiya ng Bourbon ay pinalitan ng burges na monarkiya ni Louis Philippe. Hindi huminto ang rebolusyonaryong kalooban at mga rebolusyonaryong talumpati.

Romantisismo 30-40s. patuloy na pinapakain ang mood ng kawalang-kasiyahan sa publiko at nakakuha ng malinaw na oryentasyong pampulitika: tinuligsa niya ang kawalan ng katarungan ng sistemang monarkiya at ipinagtanggol ang mga karapatang pantao. Sa oras na ito (iyon ay, ang 30-40s ng XIX na siglo) na ang kasagsagan ng romantikong teatro. Si Hugo, Dumas père, de Vigny, de Musset ay mga playwright ng romanticism. Ang romantikong paaralan ng pag-arte ay kinatawan ng Bocage, Dorval, Lemaitre.

Victor Hugo(1802-1885) ay ipinanganak sa pamilya ng isang heneral ng Napoleonic army, ang kanyang ina ay mula sa isang mayamang burges na pamilya; Ang mga monarkiya na pananaw sa pamilya ay karaniwan.

Ang mga naunang karanasan sa panitikan ni Hugo ay nagsiwalat sa kanya bilang isang monarkiya at klasiko. Ngunit ang pampulitikang kapaligiran ng 20s. malubhang naimpluwensyahan siya, siya ay naging isang miyembro ng romantikong kilusan, at pagkatapos - ang pinuno ng progresibong romantikismo.

Poot sa panlipunang kawalan ng katarungan, proteksyon ng mga inaapi at disadvantaged, pagkondena sa karahasan, pangangaral ng humanismo - lahat ng mga ideyang ito ay nagpapakain sa kanyang mga nobela, dramaturhiya, pamamahayag, pampulitika na polyeto.

Ang simula ng kanyang drama ay ang drama na "Cromwell" (1827). Sa Preface nito, sinabi niya aesthetic creed ng romanticism. Ang pangunahing ideya dito ay isang paghihimagsik laban sa klasisismo at mga aesthetic na batas nito. Nagprotesta laban sa "mga teorya", "poetics", "mga modelo", ipinahayag niya ang kalayaan ng pagkamalikhain ng artist. Binigyang-diin niya na “ang drama ay isang salamin kung saan naaaninag ang kalikasan. Ngunit kung ito ay isang ordinaryong salamin, na may patag at makinis na ibabaw, ito ay magbibigay ng isang mapurol at patag na pagmuni-muni, totoo, ngunit walang kulay ... ang drama ay dapat na isang concentrating na salamin na nagiging kumikislap sa liwanag, at ang liwanag sa apoy ”( V. Hugo. Mga Piling Drama T.1.-L., 1937, pp. 37.41).

Nagbibigay si Hugo ng mahahalagang milestone mga teorya ng romantikong katawa-tawa, ang pag-unlad at pagkakatawang-tao kung saan - sa lahat ng kanyang gawain.

"Ang grotesque ay isa sa mga kagandahan ng drama." Ito ay sa pamamagitan ng kataka-taka, na nauunawaan niya hindi lamang bilang isang pagmamalabis, ngunit bilang isang kumbinasyon, isang kumbinasyon ng kabaligtaran at, tulad ng, kapwa eksklusibong panig ng katotohanan, na ang pinakamataas na kapunuan ng pagsisiwalat ng katotohanang ito ay nakakamit. Sa pamamagitan ng kumbinasyon ng mataas at mababa, trahedya at nakakatawa, maganda at pangit, naiintindihan natin ang pagkakaiba-iba ng buhay.

Para kay Hugo, si Shakespeare ay isang modelo ng isang artista na mapanlikhang gumamit ng katawa-tawa sa sining. Nakikita niya ang katawa-tawa sa Shakespeare kahit saan. Si Shakespeare ay "nagpapasok sa tradisyon ngayon ng pagtawa, ngayon ay katatakutan. Nag-aayos siya ng mga pagpupulong sa pagitan ng apothecary at Romeo, ang tatlong mangkukulam kasama si Macbeth, ang mga grave-digger kasama si Hamlet.

Ang pagiging mapanghimagsik ni Hugo ay binubuo din ng katotohanan na, nang hindi direktang humipo sa pulitika, sinasalungat niya ang klasisismo, na tinawag itong lumang rehimeng pampanitikan: "Sa kasalukuyan, mayroong lumang rehimeng pampanitikan bilang lumang rehimeng pulitikal". Kaya't iniuugnay niya ang klasisismo sa monarkiya.

Sumulat si Hugo ng 7 romantikong drama: "Cromwell"(1827), "Marion Delorme"(1829), "Ernani"(1830), "Nagsasaya si King"(1832), "Mary Tudor"(1833) "Ruy Blas"(1838). Ngunit ni "Cromwell" o "Marion Delorme" ay hindi makaakyat sa entablado: "Cromwell" - bilang isang "mapangahas na makatotohanang drama", at "Marion Delorme" - bilang isang drama kung saan ang masaklap na tunggalian ng mataas at patula na pag-ibig ng isang walang ugat na kabataan at isang courtesan ay ipinahayag sa hindi makataong mga batas ng royalty; sa loob nito, inilarawan ni Hugo ang hari nang negatibo.

Ang unang drama na nakita ang eksena ay si Ernani (1830). Sa loob nito, inilalarawan ni Hugo ang medyebal na Espanya; ang buong ideolohikal-emosyonal na sistema ay nagpapatunay ng kalayaan sa damdamin, ang karapatan ng isang tao na ipagtanggol ang dangal. Ang mga bayani ay nagpapakita ng kanilang sarili sa mga gawa, at sa sakripisyong pag-ibig, at sa marangal na pagkabukas-palad, at sa kalupitan ng paghihiganti. Sa madaling salita, isa itong tipikal na romantikong drama na may mga pambihirang sitwasyon, pambihirang hilig, mga kaganapang melodramatiko. Ang paghihimagsik ay ipinahayag sa larawan ng magnanakaw na si Ernani, isang romantikong tagapaghiganti. Ang kalunos-lunos na salungatan ay paunang natukoy ng sagupaan ng dakila at maliwanag na pag-ibig sa madilim na mundo ng pyudal-kabalyerong moralidad; idinagdag ang mga sosyal na overtone sa pakikipag-away ni Ernani sa hari.

Ang drama na "Ernani" ay itinanghal sa entablado ng "Comédie Française". Ito ay isang malaking tagumpay para sa romantikismo.

Pagkatapos ng rebolusyon ng 1830, ang romantikismo ang naging nangungunang uso sa teatro. Noong 1831, lumitaw ang "Marion Delorme" sa eksena. Pagkatapos - isa-isa: "The King Amuses" (1832), "Mary Tudor" (1833), "Ruy Blas" (1838). Lahat sila ay isang mahusay na tagumpay dahil sa nakakaaliw na mga plot, maliwanag na melodramatic effect. Pero pangunahing dahilan kasikatan - sa socio-political orientation, demokratikong katangian.

Partikular na binibigkas ang mga demokratikong kalunos-lunos sa dramang Ruy Blas. Ang aksyon ay naganap sa Espanya sa pagtatapos ng ika-17 siglo. Ngunit ang dulang ito, tulad ng iba pang nakasulat sa makasaysayang materyal, ay hindi isang makasaysayang drama. Ito ay batay sa poetic fiction. Si Ruy Blas ay isang romantikong bayani, puno ng mataas na intensyon at marangal na impulses. Pinangarap niya ang kabutihan ng kanyang bansa at naniwala sa kanyang mataas na pagkakatalaga. Ngunit nabigo siyang makamit ang anuman sa buhay at napilitang maging alipin ng isang mayaman at marangal na maharlika, malapit sa korte ng hari. Si Don Sallust de Bazan (ito ang pangalan ng maharlikang ito), malisyoso at tuso, ay gustong maghiganti sa reyna na tumanggi sa kanyang pag-ibig. Para magawa ito, binigay niya kay Ruy Blas ang pangalan at lahat ng titulo ng kanyang kamag-anak - ang dissolute Don Cesar de Bazan. Sa ilalim ng pangalang ito, si Ruy Blas ay magiging manliligaw ng Reyna. Ito ang mapanlinlang na plano ni Sallust: ang mapagmataas na reyna ay ang maybahay ng footman. Lahat ay nangyayari ayon sa plano. Ngunit si Ruy Blas ay naging pinakamarangal, matalino at karapat-dapat na tao sa korte. Sa lahat ng mga maharlika kung kanino pagmamay-ari ang kapangyarihan sa pamamagitan ng pagkapanganay, ang alipures lamang ang lumalabas na isang taong nasa isip ng estadista. Sa isang pulong ng royal council, nagpahayag si Ruy Blas ng mahabang talumpati kung saan inaakusahan niya ang pangkat ng hukuman na sumira sa bansa at nagdala sa estado sa bingit ng kamatayan. Ito ang unang pagkawala ni Sallust, at ang pangalawa ay nabigo niyang ipahiya ang reyna, bagama't umibig ito kay Ruy Blas. Ininom ni Ruy Blas ang lason, inalis ang sikreto ng kanyang pangalan.

Sa dulang ito, ginamit ni Hugo sa unang pagkakataon ang mga pamamaraan ng paghahalo ng trahedya at komiks; higit sa lahat ito ay ipinahayag sa kakatuwa na pigura ng totoong Don Cesar, isang wasak na aristokrata, lasenggo, mapang-uyam, breter.

Ang "Ruy Blas" sa teatro ay isang karaniwang tagumpay. Nagsimulang lumamig ang audience patungo sa romanticism.

Sinubukan ni Hugo na lumikha ng isang bagong uri ng romantikong drama - ang epikong trahedya na The Burgraves (1843). Ngunit ito ay unstaged at hindi lamang hindi nagkaroon ng tagumpay, ngunit nabigo. Pagkatapos nito, lumayo si Hugo sa teatro.

Alexandr Duma(Dumas-ama) (1802-1870) ay ang pinakamalapit na kasama ni Hugo. Noong 20-30s. ay isang aktibong miyembro ng kilusang Romantiko. Bilang karagdagan sa mga nobela (The Three Musketeers, The Count of Monte Cristo, Queen Margo, atbp.), nagsulat siya ng 66 na dula noong 1930s at 1940s. Ang katanyagan sa teatro ay nagdala ng kanyang unang dula na "Henry III at ang kanyang hukuman." Itinatanghal ito sa Odeon Theater noong 1829. Pinagsama-sama ng mga sumusunod na pagtatanghal ang tagumpay na ito: Anthony (1831), Nelskaya Tower (1832), Keane, o Genius and Debauchery (1836) at iba pa. Lahat sila - mga romantikong drama din, ngunit sila huwag magkaroon ng espiritu ng paghihimagsik tulad ng kay Hugo.

Ginamit din ni Dumas ang mga diskarte ng melodrama, na nagbigay sa kanyang mga dula ng isang espesyal na nakakaaliw at presensya sa entablado, ngunit kung minsan ang pag-abuso sa melodrama ay nagdala sa kanya sa bingit ng masamang lasa (ang paglalarawan ng mga kakila-kilabot - mga pagpatay, pagpatay, pagpapahirap ay nasa bingit ng naturalismo. ).

Noong 1847, binuksan ni Dumas ang kanyang Historical Theater na may dulang "Queen Margot", sa entablado kung saan ang mga dula ay ipapakita na nagpapakita ng mga eksena ng pambansang kasaysayan ng France. Kinuha niya ang isang kilalang lugar sa kasaysayan ng mga teatro sa boulevard ng Paris. Ngunit ang kanyang Historical Theater ay tumagal lamang ng 2 taon at isinara noong 1849.

Ang matagumpay na manunulat ng fashion na si Dumas ay lumayo sa romantikismo, tinalikuran ito at naninindigan para sa burges na kaayusan.

Prosper Merimee(1803-1870). Ang mga makatotohanang tendensya ay ipinahayag sa kanyang trabaho. Ang kanyang pananaw ay nabuo sa ilalim ng impluwensya ng pilosopiya ng paliwanag.

Sa kanyang akda, ang romantikong paghihimagsik laban sa realidad ay pinalitan ng isang kritikal at satirikal na paglalarawan ng realidad mismo.

Nakibahagi si Merimee sa pakikibaka laban sa klasisismo, na naglabas noong 1825 ng isang koleksyon ng mga dula na tinatawag na "Theatre of Clara Gasul". Clara Gasul - artistang Espanyol; Sa pangalang ito ay ipinaliwanag ni Merime ang kulay ng mga dulang nakasulat sa paraan ng mga komedya ng lumang teatro ng Espanyol. At ang mga romantiko, tulad ng alam mo, ay nakita sa Spanish Renaissance theater ang mga tampok ng isang romantikong teatro - katutubong, libre, hindi alam ang mga canon ng klasisismo.

Sa Clara Gasoul Theatre, nagbigay si Mérimée ng isang napakatalino na halimbawa ng prinsipyo ng kalayaan ng pagkamalikhain at pagtanggi na sundin ang mga canon ng normative aesthetics ng classicism. Ang ikot ng mga dula sa koleksyong ito ay, kumbaga, isang malikhaing laboratoryo para sa manunulat ng dula, na nakahanap ng bagong diskarte sa paglalarawan ng mga karakter at hilig, mga bagong paraan ng pagpapahayag at mga dramatikong anyo.

Ang koleksyon na ito ay nagpapakita ng isang gallery ng maliwanag, parang buhay, bagama't minsan ay kakaibang mga larawan (ang mga character ay mga tao sa lahat ng klase). Isa sa mga tema ay ang pagtuligsa sa mga klero. At kahit na ang mga bayani ng mga komedya ni Merimee ay malalakas, madamdaming tao na nasa isang pambihirang posisyon, gumagawa ng mga hindi pangkaraniwang bagay, hindi pa rin sila mga romantikong bayani. Dahil sa pangkalahatan ay lumilikha sila ng larawan ng mga kaugaliang panlipunan (na mas malapit sa realismo).

Ang romantikong kulay ng sitwasyon ay nagsisilbing irony (o kahit isang parody ng isang romantikong drama). Halimbawa: "African Love" - ​​​​sa dulang ito, tinatawanan ni Merimee ang kawalan ng posibilidad ng "frantic" na mga hilig ng mga bayani ng dula, na inilalantad ang kanilang teatro at huwad na karakter. Ang isa sa mga bayani ng drama, ang Bedouin Zein, ay umiibig sa alipin ng kanyang kaibigang si Haji Numan, kaya sa pag-ibig na hindi siya mabubuhay kung wala siya. Pero hindi lang pala ito ang mahal niya. Pinatay siya ni Haji Numan, at siya, namamatay, ay namamahala na sabihin na mayroong isang itim na babae na naghihintay ng isang anak mula sa kanya. Nagulat ito kay Haji Numan, at pinatay niya ang isang inosenteng alipin. Sa sandaling iyon, lumitaw ang isang tagapaglingkod at nag-anunsyo na "nakahain na ang hapunan, tapos na ang palabas." Lahat ng "napatay" ay tumayo.

Upang mabawasan ang mga romantikong kalunos-lunos, madalas na ginagamit ni Merimee ang pamamaraan ng pagbangga ng isang mataas, kalunos-lunos na istilo ng pananalita sa karaniwan, kolokyal at maging bulgar na wika sa kalye.

Ang "The Carriage of the Holy Gifts" (isang satirical na komedya mula sa Clara Gasul Theatre) ay kinukutya ang mga kaugalian ng pinakamataas na administrasyon ng estado at ang "mga prinsipe ng simbahan" (ang viceroy, ang kanyang hukuman at ang obispo). Lahat sila ay napupunta sa kamay ng maliksi na young actress na si Pericola.

Pinangarap ni Mérimée na lumikha ng isang pambansang drama sa kasaysayan. Ito ay kung paano lumitaw ang dula na "Jacquerie" (1828), na nakatuon sa pag-aalsa ng mga magsasaka noong siglo XIV. Ang dula ay nilikha sa kapaligiran ng isang rebolusyonaryong pag-aalsa bago ang mga kaganapan noong 1830. Ang inobasyon ni Merimee ay ipinakita sa dulang ito: ang bayani ng dula ay ang mga tao. Ang trahedya ng kanyang kapalaran, ang kanyang pakikibaka at pagkatalo ang bumubuo sa balangkas na batayan ng dula. At dito siya nakikipagtalo sa mga romantiko, na hindi nagpapakita ng katotohanan ng buhay, ngunit ang katotohanan ng tula. Siya ay tapat sa katotohanan ng buhay, nagpapakita ng bastos at malupit na moral, ang pagtataksil ng mayayamang burges na taong-bayan, ang limitado at makitid na pananaw ng mga magsasaka at ang hindi maiiwasang pagkatalo. (Binigyang-kahulugan ni Mérimée ang dula bilang "mga eksena mula sa panahon ng pyudal." Si Pushkin ay may isang hindi natapos na drama na "Mga Eksena mula sa mga chivalrous na panahon." At ang "Boris Godunov" (1825) ay isa ring katutubong makasaysayang drama, tulad ng "Jacquerie" ni Mérimée).

Ngunit ang Jacquerie ay hindi kasama sa repertoire ng mga sinehan.

Alfred de Vigny(1797-1863) - isa rin sa mga kilalang kinatawan ng romantikong drama. Siya ay nagmula sa isang matandang marangal na pamilya. Pero lalaki siya bagong panahon: higit sa lahat inilagay niya ang kalayaan, kinondena ang despotismo ng mga hari at Napoleon. Kasabay nito, hindi niya matanggap ang isang burges na republika, hindi naiintindihan ang kahulugan ng mga rebolusyonaryong pag-aalsa noong 1930s, kahit na alam niya ang makasaysayang kapahamakan ng maharlika. Kaya naman ang pessimistic na katangian ng kanyang romanticism. Ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga motibo ng "kalungkutan sa mundo", ang mapagmataas na kalungkutan ng isang tao sa isang dayuhan sa mundo, ang kamalayan ng kawalan ng pag-asa at trahedya na kapahamakan.

Ang kanyang pinakamahusay na trabaho ay isang romantikong drama "Chutterton" (1835).

Chatterton, ika-18 siglong makatang Ingles Ngunit hindi ito isang talambuhay na dula. Inilalarawan ni De Vigny ang kalunos-lunos na kapalaran ng makata na gustong mapanatili ang kalayaan ng tula, kalayaan ng pagkamalikhain, personal na kalayaan. Ngunit ang mundong ito ay walang kinalaman sa tula o kalayaan. Hinugasan ang dula, gayunpaman, mas malawak at mas malalim. Nakita ng manunulat ng dula ang poot ng bagong panahon sa kalayaan at sangkatauhan. Ang mundo ay hindi makatao, at dito ang tao ay kalunos-lunos na nag-iisa. Puno ng panloob na kahulugan ang love plot ng drama, dahil ang dula ni de Vigny ay isa ring trahedya ng pagkababae at kagandahang ibinigay sa kapangyarihan ng isang mayamang boor.

Ang mga anti-burges na kalunos-lunos ng drama ay pinatitibay ng mahalaga kahulugan ng ideolohiya isang yugto kung saan hinihiling ng mga manggagawa sa tagagawa na bigyan ng lugar ang kanilang kasama, na baldado ng isang makina sa kanyang pabrika. Tulad ni Byron, na nagtanggol sa interes ng mga manggagawa sa House of Lords, ang aristokrata na si de Vigny ay naririto na kaalyado ng kilusang paggawa noong 1930s.

Ang kakaiba ng romantikismo ni de Vigny ay ang kawalan ng galit at kagalakan na katangian nina Hugo at Dumas. Ang mga karakter ay buhay na buhay, tipikal at mahusay na sikolohikal na binuo. Ang finale ng drama - ang pagkamatay nina Chatterton at Kitty - ay inihanda ng lohika ng kanilang mga karakter, ang kanilang relasyon sa mundo at hindi isang melodramatic effect.

Ang drama ay unang ginanap noong 1835 at naging isang mahusay na tagumpay.

Alfred de Musset(1810-1857) ay sumasakop sa isang espesyal na lugar sa kasaysayan ng romantikong teatro at romantikong drama. Siya ay malapit na nauugnay sa mga tagapagtatag ng romantisismo. Ang romansa niya "Pagtatapat ng isang Anak ng Siglo"- isang pangunahing kaganapan sa buhay pampanitikan ng France. Ang bayani ng nobela ay pumasok sa buhay kapag ang mga kaganapan ng Great French Revolution at ang Napoleonic Wars ay namatay, nang ang mga awtoridad ay "ibinalik, ngunit ang pananampalataya sa kanila ay nawala magpakailanman." Si Musset ay dayuhan sa mga pathos ng pakikibaka para sa mga ideya ng kalayaan at humanismo. Hinimok niya ang kanyang henerasyon na "madala sa kawalan ng pag-asa": "Ang kutyain ang katanyagan, relihiyon, pag-ibig, lahat ng bagay sa mundo ay isang malaking kaaliwan sa mga hindi alam kung ano ang gagawin."

Ang saloobing ito sa buhay ay ipinahayag sa kanyang dramaturhiya. Kasabay ng malakas na liriko at dramatikong sitwasyon, may tawanan dito. Ngunit hindi ito pangungutya, ito ay isang masama at banayad na kabalintunaan na nakadirekta laban sa lahat: laban sa pang-araw-araw na prosa ng buhay na walang kagandahan, laban sa kabayanihan, laban sa mataas na romantikong impulses. Kinukutya pa nga niya ang mismong ipinahayag niya - sa kulto ng kawalan ng pag-asa: "napakasarap sa pakiramdam na hindi masaya, bagama't sa totoo lang ay kahungkagan at pagkabagot ang mayroon ka."

Ang kabalintunaan ay hindi lamang ang prinsipyo ng romantikong komedya, naglalaman din ito ng mga anti-romantic tendencies, lalo na noong 40s at 50s.

Noong 30s. nilikha "Venetian Night", "Whims of Marianna", "Fantasy". Ito ay mga makikinang na halimbawa ng isang bagong uri ng romantikong komedya. Halimbawa, "Gabing Venetian"(1830): Ang tagapagsayaw at sugarol na si Rosetta ay masigasig na nagmamahal kay Lauretta. Ginagantihan niya siya. Ngunit ipinapakasal siya ng kanyang tagapag-alaga sa isang mayamang prinsipe ng Aleman. Ang masigasig na si Razetta ay nagpadala ng isang liham at isang punyal sa kanyang minamahal - dapat niyang patayin ang prinsipe at, kasama si Razetta, tumakas mula sa Venice. Kung hindi, magpapakamatay siya. Ngunit biglang nanalo ang sentido komun: Si Lauretta, pagkatapos na mag-isip tungkol sa kung paano pinakamahusay na kumilos, ay nagpasya na makipaghiwalay sa kanyang galit na galit at, higit pa, nasira ang kasintahan at maging asawa ng isang mayamang prinsipe. Matino ring nakipagtalo si Razetta, itinatapon din niya ang mga kathang-isip tungkol sa pagpatay at pagpapakamatay at, kasama ang isang kumpanya ng batang kalaykay, tumulak sa isang gondola upang kumain ng hapunan. Sa pagtatapos, ipinahayag niya ang pagnanais na ang lahat ng katangahan ay matapos din.

Komedya "Pantasya"(1834) ay napuno ng malungkot na kabalintunaan.

Minsan ang mga komedya ay nagtatapos sa mga kalunus-lunos na pagtatapos. - "Whims of Marianne", "No joking with love" (1834).

Ang panlipunang pessimism ni Musset ay pinaka-binibigkas sa drama "Lorenzaccio"(1834). Isa itong drama na nagpapahayag ng mga pagmumuni-muni sa kalunos-lunos na kapahamakan ng mga pagtatangka na baguhin ang takbo ng kasaysayan sa isang rebolusyonaryong paraan. Sinusubukan ni Musset na unawain ang karanasan ng dalawang rebolusyon at ilang rebolusyonaryong pag-aalsa, na mayaman sa buhay pampulitika ng France noong unang bahagi ng 30s.

Ang balangkas ay batay sa mga kaganapan ng medieval na Florence. Si Lorenzo Medici (Lorenzaccio) ay napopoot sa despotismo. Nangangarap ng gawa ni Brutus, binalak niyang patayin ang malupit na si Alexandro Medici at bigyan ng kalayaan ang amang bayan. Ito gawaing terorista dapat suportahan ng mga Republikano. Pinatay ni Lorenzaccio ang duke, ngunit walang nagbago. Ang mga Republikano ay nag-aalangan na magsalita. At ang mga indibidwal na pagsiklab ng popular na kawalang-kasiyahan ay pinigilan ng mga sundalo. May bounty sa ulo ni Lorenzaccio. At siya'y kanilang pinatay, na may pagtaksil na sinaksak siya sa likod. Ang bangkay ni Lorenzaccio ay itinapon sa lagoon (i.e. hindi inilibing). Ang korona ng Florence ay iniharap sa bagong duke.

Ang drama ay gumagamit ng mga pamamaraan ng romantikismo, ito ay nakasulat sa isang malayang paraan na may kumpletong pagwawalang-bahala sa mga canon ng klasisismo. Ang 39 na maiikling eksena-episode nito ay nagpapalit-palit sa paraang magbibigay sa aksyon ng mabilis at malawak na saklaw ng mga kaganapan. Ang mga pangunahing tauhan ay mahusay na iginuhit.

Ang pangunahing ideya ay tungkol sa imposibilidad ng rebolusyong panlipunan. Ang may-akda ay nagbibigay pugay sa espirituwal na lakas ng bayani, ngunit kinondena ang romantikismo ng isang indibidwal na rebolusyonaryong kilos. Ang mga taong nakikiramay sa ideya ng kalayaan, ngunit hindi nangahas na sumali sa pakikibaka, ay hinahatulan din. Sa drama, kapansin-pansin ang impluwensya ni Shakespeare - isang malawak na paglalarawan ng panahon sa mga kaibahan sa lipunan nito, ang kalupitan ng moral.

Pagkatapos ng Lorenzaccio, hindi bumabaling si Musset sa malalaking paksang panlipunan. Mula sa ikalawang kalahati ng 30s. nagsusulat siya ng matikas at nakakatawang mga komedya mula sa buhay ng sekular na lipunan - "Kandelero" (1835), "Caprice"(1837). Sa kalagitnaan ng 40s. Ang Musset ay bumuo ng isang espesyal na genre ng mga kasabihang komedya, ngunit ang mga ito ay parlor-aristocratic comedies.

Ang kapalaran sa entablado ng drama ni Musset ay napaka katangian ng teatro ng Pransya noong panahon ng Monarkiya ng Hulyo: Ang mga unang dula ni Musset, ang pinakamahalaga sa mga terminong ideolohikal at makabagong anyo, ay hindi tinanggap ng teatro ng Pransya. Ang pagtatanghal ng mga dula ni Musset ay natuklasan sa Russia. Noong 1837, ang komedya na "Caprice" ay itinanghal sa St. Petersburg (sa ilalim ng pamagat na "Ang isip ng isang babae ay mas mahusay kaysa sa anumang mga saloobin"). Ang malaking tagumpay ng dulang ito ay pinilit ang French Theater sa St. Petersburg na bumaling dito: ito ay itinanghal para sa kapakinabangan ng aktres na si Allan, na, bumalik sa France, ay isinama ito sa repertoire ng Comédie Française.

Ngunit sa pangkalahatan, ang mga dula ni Musset ay hindi sumakop sa isang kilalang lugar sa repertoire ng teatro ng Pransya at walang kapansin-pansing impluwensya sa ideolohikal at aesthetic na hitsura nito. Nanatili sila sa kasaysayan bilang isang halimbawa ng makabagong drama na hindi nakahanap ng isang ganap na entablado na sagisag sa teatro ng panahon nito.

Augustin Eugene Scribe(1791-1864) ay isang manunulat ng bourgeoisie. “... mahal niya siya, mahal niya siya, inangkop niya sa kanyang mga konsepto at panlasa upang siya mismo ay nawala ang lahat ng iba; Ang Scribe ay courtier, caresser, preacher, gaer, teacher, jester at makata ng bourgeoisie. Ang burges ay umiiyak sa teatro, naantig ng kanilang sariling birtud, na ipininta ng Scribe, naantig ng kabayanihan ng klerk at ang tula ng counter” (Herzen).

Siya ay isang prolific playwright, nagtataglay ng talento, kasipagan, mahusay na nauunawaan ang "mga tuntunin" ng isang "mahusay na gawa." Sumulat siya ng mga 400 dula. Pinaka sikat "Bertrand at Raton" (1833), "Hagdan ng Kaluwalhatian" (1837), "Baso ng tubig" (1840), "Adrienne Lecouvrere" (1849).

B O Karamihan sa mga dula na walang tigil na tagumpay ay napunta sa entablado ng teatro ng Pransya, nanalo ng katanyagan sa labas ng France.

Mababaw ang nilalaman ng mga dula ng Scribe, ngunit mayroon itong optimistikong diwa at kasiyahan. Ang mga ito ay nilikha para sa burges na publiko, ngunit ang ibang mga uri ay nagkaroon din ng tagumpay. Nagsimula siya sa vaudeville noong 1930s. nagsusulat ng mga komedya ng vaudeville na may masalimuot, mahusay na dinisenyong intriga at ilang banayad na napansing panlipunan at pang-araw-araw na mga tampok ng kanyang panahon.

Ang kanilang simpleng pilosopiya ay bumagsak sa katotohanan na kailangan mong magsikap para sa materyal na tagumpay at kasaganaan, dahil ang kaligayahan lamang ang nakasalalay dito.

Ang kanyang mga bayani ay masayang masiglang burges, hindi nabibigatan sa anumang mga pag-iisip tungkol sa kahulugan ng buhay, tungkol sa tungkulin, tungkol sa mga isyu sa etika at moral. Ang lahat ng ito ay walang laman para sa kanila, wala silang oras, kailangan nilang maayos na ayusin ang kanilang mga gawain: kumikita ang pag-aasawa, bumuo ng isang nakahihilo na karera, at mayroong anumang paraan para dito - upang mag-eavesdrop, subaybayan, magtanim ng isang liham o maharang. isang sulat. Ang lahat ng ito ay ang pamantayan ng pag-uugali at walang oras upang mag-alala.

Ang kanyang pinakamahusay na laro ay "Basa ng Tubig o Sanhi at Epekto"(1840), na naglibot sa mga yugto ng lahat ng mga teatro sa mundo. Ito ay kabilang sa mga makasaysayang dula, ngunit ang kasaysayan ay isang dahilan lamang: binibigyan nito ang may-akda ng mga makasaysayang pangalan, petsa, makatas na mga detalye, at wala nang iba pa. Hindi sinusubukan ng may-akda na ihayag o subaybayan ang mga pattern ng kasaysayan. Ang intriga ay binuo sa pakikibaka ng dalawang kalaban sa pulitika: si Lord Bolingbroke at ang Duchess of Marlborough, ang paborito ni Queen Anne. Ang buong “pilosopiya ng kasaysayan” ng Scribe ay ang mga sumusunod: “... ang mga sakuna sa pulitika, mga rebolusyon, ang pagbagsak ng mga imperyo ay hindi naman sanhi ng malalim at mahahalagang dahilan; ang mga hari, pinuno, heneral ay nasa awa ng kanilang mga hilig, kapritso, kanilang walang kabuluhan, i.e. ang pinakamaliit at pinakamalungkot na damdamin ng tao.

Ang burges na manonood, kung kanino binilang ng Scribe, ay walang katapusan na nambobola na siya ay hindi mas masahol pa sa mga sikat na bayani at mga monarko. Ginawa ng eskriba ang kuwento sa isang napakahusay na pagkakagawa ng yugto ng anekdota. Ang isang baso ng tubig na natapon sa damit ng reyna ng Ingles ay humantong sa pagtatapos ng kapayapaan sa pagitan ng England at France. Nakuha ni Bolingbroke ang ministeryo dahil magaling siyang sumayaw ng sarabande, ngunit nawala ito dahil sa sipon. Ngunit ang lahat ng kahangalan na ito ay binibihisan ng isang napakatalino na anyo ng teatro, binibigyan ito ng isang nakakahawang ritmo, at ang dula ay hindi umalis sa entablado nang higit sa 100 taon.

Felix Pia(1810-1889) - lumikha ng social melodrama. Ayon sa kanyang mga pananaw, siya ay isang Republikano, isang miyembro ng Paris Commune. Naimpluwensyahan ang kanyang trabaho buhay teatro sa panahon ng 1830-1848. (paglago ng rebolusyonaryong damdamin).

Makasaysayang anti-monarchist na drama "ango" itinanghal sa Ambigu-Comic theater noong 1835, ay itinuro laban kay King Francis I, na ang pangalan ay nauugnay sa alamat ng pambansang bayani - ang king-knight, enlightener at humanist. Inilalantad ng drama ang "pinaka-kaakit-akit na monarko".

Social melodrama "The Parisian rag-picker" - ang pinaka makabuluhang gawain Pia. Ito ay itinanghal sa teatro na "Porte Saint-Martin" noong 1847 at naging isang mahusay at pangmatagalang tagumpay. Lubos na pinahahalagahan ni Herzen ang dramang ito, na nagpapahayag ng panlipunang protesta laban sa mataas na lipunan ng Monarkiya ng Hulyo. Ang pangunahing storyline ay ang kwento ng pagtaas at pagbagsak ng banker na si Hoffmann. Sa prologue ng dula, si Pierre Garus, na wasak at ayaw magtrabaho, ay gumawa ng isang pagnanakaw at pagpatay. Sa unang kilos, ang mamamatay-tao at magnanakaw ay isang respetadong tao. Itinago ang kanyang pangalan at nakaraan, mahusay niyang sinamantala ang pagnakawan at ngayon ay isang kilalang bangkero - Baron Hoffman. Ngunit ang rag-picker na ama na si Jean, isang matapat na mahirap na tao, isang kampeon ng hustisya, ay naging isang aksidenteng saksi sa krimen na nagmarka ng simula ng karera ni Harus-Hoffmann. Sa pagtatapos ng dula, si Hoffmann ay nalantad at pinarusahan. At kahit na ang finale ay hindi tumutugma sa katotohanan ng buhay, ipinahayag nito ang optimismo na likas sa melodrama - pananampalataya sa batas ng tagumpay ng mabuti.

Honore da Balzac(1799-1850). Sa kanyang trabaho, ang makatotohanang mga hangarin ng French drama noong 30s at 40s ay ipinakita nang may pinakamalaking puwersa at pagkakumpleto.

Ang gawain ni Balzac ay ang pinakamahalagang yugto sa pagbuo at teoretikal na pag-unawa sa pamamaraan ng kritikal na realismo.

Maingat na pinag-aralan ni Balzac ang mga katotohanan ng buhay, ang batayan ng mga social phenomena, sinuri ang mga ito upang makuha ang kanilang pangkalahatang kahulugan at magbigay ng isang larawan ng "mga uri, hilig at mga kaganapan."

Siya ay kumbinsido na ang manunulat ay dapat maging isang tagapagturo at tagapagturo. At ang paraan para dito ay ang teatro, ang accessibility nito at ang kapangyarihan ng impluwensya sa manonood.

Si Balzac ay kritikal sa kontemporaryong teatro. Tinuligsa niya ang romantikong drama at melodrama bilang mga dulang malayo sa buhay. Sinikap niyang dalhin sa teatro ang mga prinsipyo ng kritikal na realismo, ang katotohanan ng buhay. Ngunit ang landas sa paglikha ng isang tunay na dula ay mahirap. Sa kanyang maagang mga dula, mayroong pag-asa sa romantikong teatro. Noong 40s. nagsisimula ang pinakamabunga mature period kanyang pagkamalikhain.

Sumulat siya ng 6 na dula: The School of Marriage (1839), Vautrin (1839), Hopes of Kinola (1841), Pamela Giraud (1843), Businessman (1844), Stepmother (1848).

Komedya "Negosyante"- ito ay isang makatotohanan at matingkad na satirical na imahe ng kontemporaryong moral. Ang lahat ng mga bayani ng komedya ay uhaw sa pagpapayaman, at lahat ng paraan ay mabuti para dito. Kung ang isang tao ay manloloko at kriminal o isang respetadong negosyante ay napagdesisyunan ng tagumpay o kabiguan ng kanyang scam.

Ang pangunahing karakter ay isang negosyanteng si Mercade. Siya ay matalino, insightful, malakas ang loob at napaka-charming. Samakatuwid, madaling makawala sa mahirap at kahit na walang pag-asa na mga sitwasyon. Alam ng mga nagpapautang ang kanyang presyo at handang ilagay siya sa bilangguan, ngunit sumuko sila sa kanyang kalooban, kagandahan, at handa na hindi lamang paniwalaan siya, kundi pati na rin upang tumulong sa kanyang mga pakikipagsapalaran. Lubos niyang nauunawaan na sa pagitan ng mga tao ay walang mga ugnayan ng pagkakaibigan, maharlika, ngunit isang mapagkumpitensyang pakikibaka para sa kita. Lahat ay binebenta!

Ang pagiging totoo ni Balzac ay ipinakita sa isang makatotohanang paglalarawan ng mga kaugalian sa lipunan, sa isang walang awa na pagsusuri sa modernong lipunan ng mga negosyante bilang isang panlipunang kababalaghan.

Ang pinakamahalaga sa ideolohikal at masining na mga termino ay ang drama ng Balzac "Madrasta", kung saan napalapit siya sa gawain ng paglikha ng isang "makatotohanan" na dula. Tinawag niyang "drama ng pamilya" ang dula dahil malalim niyang sinuri ang mga relasyon sa pamilya; at ito ay nagbigay sa drama ng isang mahusay na panlipunang kahulugan.

Sa likod ng panlabas na kagalingan at mapayapang katahimikan ng isang maunlad na pamilyang burges, unti-unting nabubunyag ang isang larawan ng pakikibaka ng mga hilig, paninindigan sa pulitika, isang drama ng paninibugho, pagmamahal, poot, paniniil ng pamilya at pagmamalasakit ng ama para sa kaligayahan ng mga bata.

Ang aksyon ng dula ay nagaganap sa bahay ng isang mayamang tagagawa, ang dating Napoleonic general na Comte de Grandchamp. Ang mga pangunahing tauhan ay ang asawa ni Count Gertrude, ang kanyang anak na babae mula sa kanyang unang kasal, si Polina, at ang nasirang Count Ferdinand de Markandal, na ngayon ay manager ng pabrika ng heneral. Mahal nina Polina at Ferdinand ang isa't isa, ngunit may mga hindi malulutas na hadlang sa paraan ng kanilang pagmamahalan. Ang heneral, sa kanyang pampulitikang paniniwala, ay isang masigasig na Bonapartista, kinasusuklaman niya ang lahat na nagsimulang maglingkod sa mga Bourbon. At ganoon din ang ginawa ng ama ni Ferdinand. Namumuhay si Ferdinand sa maling pangalan, dahil alam niyang hinding-hindi ibibigay ng heneral ang kanyang anak na babae sa anak ng isang "traidor". Ang pangalawang balakid ay si Gertrude ang maybahay ni Ferdinand bago pa man ito ikasal. Nang pakasalan niya ang heneral, umaasa siyang matanda na ito at malapit nang mamatay, at siya, mayaman at malaya, ay babalik kay Ferdinand. Ipinaglalaban niya ang kanyang pag-ibig, nangunguna sa isang malupit na intriga para paghiwalayin ang magkasintahan. Ang sikolohikal na drama na ito ay naglalaman ng parehong melodramatic at romantikong elemento: ang pagnanakaw ng mga liham, ang banta ng pagbubunyag ng sikreto ng bayani, ang pagpapakamatay ng mga magkasintahan. Ngunit ang pangunahing bagay ay na sa gitna ng lahat ng mga trahedya na kaganapan ng "Stepmother" ay namamalagi ang phenomena ng panlipunang katotohanan - ang pagkawasak ng isang aristokrata, ang poot ng mga kalaban sa pulitika, isang kasal ng kaginhawahan.

Nais ibunyag ni Balzac ang trahedya sa pang-araw-araw na buhay; ito ay nakapaloob sa dramaturhiya ng huling bahagi ng ika-19 na siglo.

"Nilagay ang madrasta Makasaysayang teatro noong 1848. Sa lahat ng mga dula ni Balzac, siya ang pinakamatagumpay sa publiko.

Buong teksto ng abstract ng disertasyon sa paksang "Mga bagong anyo at genre ng teatro sa France sa pagliko ng ika-19-20 siglo"

Bilang isang manuskrito

Kuzovchikova Tatyana Igorevna

Mga bagong anyo at genre ng teatro sa France sa pagpasok ng ika-19-20 siglo

Specialty 17.00.01 - Sining sa teatro

disertasyon para sa antas ng kandidato ng kasaysayan ng sining

Saint Petersburg 2014

Ang gawain ay ginanap sa Department of Foreign Art ng Federal State Budgetary Educational Institution of Higher Professional Education "St. Petersburg State Academy of Theatre Arts"

Siyentipikong tagapayo: Doktor ng Sining, Propesor Maksimov Vadim Igorevich

Opisyal na mga kalaban:

Gracheva Larisa Vyacheslavovna, Doctor of Arts, Propesor, Associate Professor ng Acting Department ng St. Petersburg State Academy of Theatre Arts

Semenova Marianna Borisovna, Kandidato ng Art History, Associate Professor ng Acting Department ng Baltic Institute of Ecology, Politics and Law (BIEPP)

Nangunguna sa organisasyon:

Federal State Budgetary Research Institution "State Institute of Art Studies"

Dissertation Council D 210.017.01 sa St. Petersburg State Academy of Theatre Arts sa address: 191028, St. Petersburg, Mokhovaya st., 35, room 512.

Ang disertasyon ay matatagpuan sa aklatan ng St. Petersburg State Academy of Theatre Arts (Mokhovaya st., 34) Ang abstract ay ipinadala noong 2014.

Kalihim ng Siyentipiko

konseho ng disertasyon ^

Kandidato ng Art Criticism Nekrasova Inna Anatolyevna

Ang pagliko ng ika-19-20 siglo sa France ay isang panahon ng aesthetic eclecticism, na ipinahayag sa paghaharap ng magkakaibang mga artistikong uso na lumitaw nang halos sabay-sabay. Sa polemics na may mga tradisyong akademiko at komersyal, nabubuo sa teatro ang mga estetika ng naturalismo, simbolismo, neo-romantisismo, at modernidad. Ayon sa kaugalian, ang panahong ito ay karaniwang isinasaalang-alang bilang ang oras ng pagbuo ng teatro ng direktor, na iginiit ang sarili nito nang magkatulad sa dalawang pangunahing artistikong direksyon ng panahon - naturalismo at simbolismo. Ang theatrical practice nina Andre Antoine, Paul Faure, Aurélien-Marie Lugnier-Pau, ang kanilang kontribusyon sa pag-unlad ng world theater ngayon ay pinag-aralan sa ilang detalye ng parehong domestic at foreign theater studies.

Ang pag-unawa sa pagtatanghal bilang isang masining na kabuuan ay nagdala sa unahan ng mga konsepto tulad ng kapaligiran, estilistang pagkakaisa, tula ng may-akda, paghubog. Ang pagnanais para sa pagiging natural, ang katotohanan ng buhay ay sumasalungat sa isang metaporikal, kondisyonal na teatro, ngunit sa pangkalahatan, ang lahat ng makabuluhang mga eksperimentong eksena - pareho ang Libre Theater, at ang Theater d "Ar, at ang Evre Theater ay naglalayong pagtagumpayan ang theatrical model. noong ika-19 na siglo, ang mga tradisyon ng acting theater. Ang ganitong pangangailangan sa maraming paraan ay dahil sa paglitaw ng isang "bagong drama", na, tinatanggihan ang isang panlabas na serye ng kaganapan (ang konsepto ng "static na teatro" ni M. Maeterlinck) , ang karaniwang pag-unawa sa bayani at dramatikong salungatan, ay nangangailangan ng pag-unawa sa direktoryo at gumawa ng mga bagong kahilingan sa teatro.

Kasabay nito, sa France mayroong isa pang makabuluhang layer ng theatrical culture, na nag-aalok ng mga alternatibong paraan ng paglutas ng parehong mga problema. Noong 1894, tinawag ng kritiko na si A. Aderé ang phenomenon na ito na "le théâtre à côté"1, na maaaring isalin bilang "next door theater" o "roadside theater". Ang may-akda ay hindi nagtakda ng isang layunin upang matukoy ang papel na ginagampanan ng ito o ang hindi pangkaraniwang bagay na iyon at isinasaalang-alang ang "teatro sa tabing daan" bilang isang amateur na kapaligiran, isang pansamantalang yugto sa daan patungo sa

1 Aderer A. Le Théâtre à côté. Paris, 1894.

propesyonal na mundo. Gayunpaman, sa pagliko ng ika-19-20 siglo, "ang teatro sa tabing daan" ay lumampas sa kahulugan ng Adére at naging isang independiyenteng artistikong kababalaghan, kung saan ang aesthetic eclecticism ng panahong ito ay ipinahayag sa malapit na relasyon ng disparate artistic. mga konsepto. Dito, nagiging halata ang interweaving at pagkakatulad ng mga creative na paghahanap na nauugnay sa pagbuo ng teatro ng direktor at naglalayong muling pag-isipan ang konsepto ng theatricality. Sa disertasyong ito, ang "teatro sa tabing daan" ay itinuturing bilang isang hanay ng mga bagong anyo at genre na lumitaw sa kurso ng mga amateur na eksperimento at pribadong inisyatiba at naglalaman ng mga bagong teatro na modelo na muling nag-iisip sa mga prinsipyo ng dramaturhiya, pagkakaroon ng aktor, at disenyo. ng isang pagganap. Kabilang sa mga ito, apat na equal-scale phenomena ang namumukod-tangi: cabaret, shadow theater, puppet theater at ang "horror theater" na Grand Guignol.

Nang walang pagsunod sa alinman sa mga masining na paggalaw, ang alternatibong theatrical na kultura ng Belle époque (Belle époque, Belle Epoque) ay naging reaksyon sa kanilang pagkakaiba-iba, na nag-ambag sa pagbabago ng genre at mga tiyak na hangganan. Ang papet na teatro, ang shadow theater, ang mask theater, ang cafe-concert at ang mass entertainment culture ay mayroon nang siglong gulang na kasaysayan o malalim na background sa mga katulad na phenomena ng nakaraan. Palaging umuunlad nang hiwalay, sa anino ng dramatikong teatro, sa pagliko ng ika-19 hanggang ika-20 siglo sila ay naging pantay dito sa mga karapatan, ang unang tumutugon sa mga katotohanan ng panahon at madaling makipag-ugnayan sa isa't isa, paglutas ng mga problema. ng theatrical na wika noong ika-20 siglo. Ang kanilang mga eksperimento sa larangan ng bagong dramaturhiya, mga bagong genre, mga bagong paraan ng pagpapahayag at mga bagong paraan ng paglikha ng isang imahe sa entablado (mask, anino, papet, naturalistic na mga aparato) ay pinalawak at pangunahing binago ang aesthetics ng theatrical naturalism, simbolismo, at modernidad.

Sa kabila ng lumalagong interes ng Western science sa ilang mga theatrical forms at genres ng belle époque, hindi pa sila naging

itinuturing na magkasama bilang mga bahagi ng isang solong artistikong proseso, na nauugnay sa parehong mga uso sa pagbuo ng teatro ng direktor. Simula sa kabaret, na naging kasingkahulugan ng malikhaing kalayaan at pinagkasundo ang mga pwersang antagonistiko sa ilalim ng bubong nito, natapos ang prosesong ito sa tagumpay ng “le théâtre de spécialité” (sa literal: isang teatro na may sariling espesyalisasyon, iyon ay, isang teatro na nakatuon sa ang mga partikular na pangangailangan ng publiko; ang termino ay iminungkahi ng mananaliksik na theatrical culture ng panahong ito, si Agnès Pierron)1, ang pagbuo ng industriya ng sining (sa seryeng ito, tulad ng matagumpay na komersyal na proyekto bilang Moulin Rouge). Ang mga tagalikha ng kabaret sa una ay nakatuon sa isang malawak na madla: habang ang mga pagtatanghal ng mga naturalista at simbolista ay naglubog sa karaniwang tao sa pagkabigla, ang kabaret ay nag-alok sa kanya ng ilusyon ng isang kompromiso, ang pakiramdam na siya ay nililigawan - sa pamamagitan ng puwersang paghila sa kanya sa isang bagong theatricality, bihasa siya sa mga bagong iminungkahing pangyayari. Ang mga pagtuklas na ginawa sa "mga teatro sa tabing daan" sa maraming paraan ay naghanda ng aesthetic base para sa avant-garde ng ika-20 siglo; Kasabay nito, ang mga pundasyon ng industriya ng kulturang masa ay inilatag dito.

Ang layunin ng pananaliksik sa disertasyon ay upang ipakita ang mga pattern ng paglitaw ng mga bagong anyo at genre ng teatro sa France sa pagliko ng ika-19-20 siglo, upang ipakita ang pagkakapareho ng kanilang mga masining na paghahanap, ang kanilang pangunahing pagbabago sa konteksto ng mga pagbabagong sosyo-kultural sa panahong ito.

Kasama sa mga layunin ng pag-aaral ang pag-aaral ng "alternatibong" proseso ng teatro sa pagliko ng ika-19-20 siglo, ang ugnayan ng mga bagong anyo at genre sa mga natuklasan ng teatro ng direktor; pagpapakita ng paghahanap ng mga bagong solusyon sa teatro sa pamamagitan ng mga detalye ng cabaret at "horror theater", sa pamamagitan ng metaporikong katangian ng shadow theater at puppet theater; pagpapasiya ng papel ng mga hindi pangkaraniwang bagay na ito sa ebolusyon ng wikang entablado, ang kanilang kabuuang kontribusyon sa pag-unlad ng sining ng teatro noong ika-20 siglo.

1 Cm.: Pierron A. Préface // Pierron A. Le Grand Guignol: Le Théâtre des peurs de la Belle époque. Paris, 1995. P.X.

Ang isang komprehensibong pag-aaral ng "alternatibong" theatrical forms na lumitaw sa France sa turn ng 19th-20th century at lumampas sa theatrical naturalism at theatrical symbolism, ang kanilang kaugnayan sa pangkalahatang proseso ng theatrical at ang pagpapasiya ng kanilang lugar dito ay isinasagawa para sa sa unang pagkakataon at bumubuo sa maka-agham na bagong bagay sa trabaho. Karamihan sa mga dokumento at materyales na ginamit upang muling likhain ang ipinakita na mga kababalaghan ay hindi dating kasangkot sa mga pag-aaral sa domestic theater; maraming mga pagtatanghal at mga dramatikong teksto ang inilarawan at sinuri sa Russian sa unang pagkakataon.

Ang pag-aaral ng mga bagong porma at genre ng teatro sa pagliko ng ika-19-20 siglo sa konteksto ng pagbuo ng teatro ng direktor ay tila may kaugnayan sa liwanag ng mga katulad na proseso na nagaganap sa teatro ng unang bahagi ng ika-21 siglo, na nailalarawan din. sa pamamagitan ng paglampas sa tradisyunal na mga hangganan ng espasyo ng entablado, ang pagnanais na synthesize ang mga theatrical form (puppet, mask , anino, bagay), mastering ang karanasan ng mga kaugnay na sining. Maraming mga tuklas na ginawa mahigit isang siglo na ang nakalipas ay nabura sa makasaysayang memorya; bumalik sa mga ugat, ang pag-aaral ng karanasan ng nakaraang siglo ay nagpapahintulot sa iyo na muling isaalang-alang ang mga pattern ng pag-unlad ng theatrical art, nag-aambag sa muling pag-iisip ng mga theatrical experiments ngayon.

Ang layunin ng pag-aaral ay ang French theater sa pagliko ng ika-19-20 siglo.

Ang paksa ng pananaliksik ay "alternatibong" mga anyo at genre ng teatro sa France (cabaret, shadow theater, puppet theater, "horror theater") sa konteksto ng theatrical evolution sa pagliko ng ika-19-20 na siglo, ang paglipat sa ang teatro ng direktor.

Ang materyal ng pananaliksik ay:

Theoretical publication at manifestos ng French theatrical figures sa turn ng 19th-20th century;

Mga dramatikong teksto at script para sa mga pagtatanghal (Sha Noir, Petit Theater de Marionette, Grand Guignol), na hindi dating isinalin sa Russian;

Mga pagsusuri, pagsusuri, memoir ng mga kontemporaryo;

iba't ibang makasaysayang at theatrical na mga dokumento ng panahon, mga poster, iconographic na materyales.

Ang pamamaraan ng pananaliksik ay batay sa mga prinsipyo ng pagsusuri at paglalarawan ng theatrical phenomenon na binuo ng Leningrad-Petersburg school of theater studies; iniuugnay ang hindi pangkaraniwang bagay na ito sa kontekstong pangkasaysayan at sosyo-kultural, na tinutukoy ang lugar nito sa pangkalahatang proseso ng teatro.

Ang teoretikal na batayan ng pag-aaral ay: modernong siyentipikong mga gawa sa likas na katangian ng teatro at ang tipolohiya ng mga sistema ng teatro - Yu.M. Barboy, V.I. Maksimova1; pangunahing mga gawa ng mga dalubhasa sa loob at dayuhan na nakatuon sa mga problema ng pagdidirekta at teatro sa Kanlurang Europa (sa partikular, Pranses) sa pagliko ng ika-19-20 siglo (L.I. Gitelman, T.I. Bachelis, V.I. Maksimov2; D. Knowles, J. Robichet , D. Bable3); pananaliksik sa larangan ng mga kaugnay na humanidad, aesthetics at teorya ng sining ng Pransya sa pagliko ng ika-19-20 siglo (Ch. Rerik, R. Shattak4; V.I. Bozhovich, V.I. Razdolskaya5); mga gawa ng dayuhan at modernong domestic na kritiko ng sining sa mga pangkalahatang isyu ng sining ng Kanlurang Europa noong pinag-aralan na panahon6.

1 Barboy Yu.M. Sa teorya ng teatro. St. Petersburg, 2008; Panimula sa mga pag-aaral sa teatro / Comp. at resp. ed. Yu.M. Barboy. St. Petersburg, 2011; Maksimov V.I. Edad ni Antonin Artaud. SPb., 2005.

2 Bachelis T.I. sina Shakespeare at Craig. M., 1983; Gitelman L.I. Mga klasikong Ruso sa entablado ng Pransya. L., 1978; Gitelman L.I. Ideological at malikhaing paghahanap ng French directing ng XX century. L., 1988; Ang Sining ng Pagdidirekta sa Ibang Bansa: (Unang Kalahati ng Ika-20 Siglo): Mambabasa. St. Petersburg, 2004; simbolismong Pranses. Dramaturgy at teatro / Comp., entry. Art., komento. SA AT. Maksimov. SPb., 2000.

3 Knowles D. La Reaction idéaliste au theâtre depuis 1890. Paris, 1934; Robichez J. Le Symbolisme au theâtre: Lugné-Poe et les débuts de l "OEuvre. Paris, 1957; Bablet D. La Mise en scène contemporaine: (1887-1917). Paris, 1968.

4 Rearick Ch. Mga Kasiyahan ng Belle Epoque. Bagong Haven; London, 1985; Shattuck R. Les primitifs de l "Avant-garde: (Henri Rousseau, Erik Satie, Alfred Jarry, Guillaume Apollinaire). (The Banquet years). Paris, 1974.

5 Bozhovich V.I. Mga tradisyon at pakikipag-ugnayan ng sining: (France, huling bahagi ng ika-19 - unang bahagi ng ika-20 siglo). M., 1987; Razdolskaya V.I. Sining ng France sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. L., 1981.

6 Art Nouveau: (1890-1914). London, 2000; German M. Modernism: (Sining ng unang kalahati ng ika-20 siglo). St. Petersburg, 2008; Kirichenko I.E. Moderno. Sa tanong ng mga pinagmulan at typology // Kasaysayan ng sining ng Sobyet "78. Isyu 1. M., 1979. S. 249-283; Sarabyanov D.V. Modern: History of style. M., 2001.

Ang panitikan sa paksa ay maaaring hatiin sa apat na grupo, ayon sa apat na penomena na pinag-aaralan: 1) kabaret; 2) teatro ng anino; 3) papet na teatro; 4) Grand Guignol.

1. Bilang isang tuntunin, sa agham ng Russia, ang cabaret ng pagliko ng ika-19-20 na siglo ay tumutukoy sa mga phenomena ng iba't ibang sining1, na tiyak na totoo sa konteksto ng ebolusyon ng aesthetic nito. Ang Cabaret, na tumangay sa buong Europa sa simula ng ika-20 siglo, ay hindi tumitigil sa pagpukaw ng interes sa mga Kanluraning mananaliksik; gayunpaman, ito ay pangunahing pinag-aaralan bilang isang kultural na penomenon2. Ang isang espesyal na lugar ay ibinibigay sa cabaret Sha Noir3 (Black Cat) - ang unang artistikong kabaret sa Paris, na nakita ng mga kontemporaryo bilang isang modelo.

Isinasaalang-alang ang cabaret bilang isang bagong anyo ng theatricality ay unang iminungkahi ni M.M. Bonch-Tomashevsky sa kanyang artikulo noong 1913 na "The Theater of Parody and Grimace"4, kung saan binuo niya ang mga pangunahing prinsipyo ng kabaret, na kasunod na pinagtibay ng teatro ng direktor. Kabilang sa mga ito: ang pag-aalis ng rampa sa entablado, ang prinsipyo ng kapaligiran ng panoorin, ang paglabas ng aksyon sa bulwagan, improvisasyon at ang katarantaduhan bilang mga bahagi ng istilo ng pagganap, ang "unibersalidad" ng aktor, ang paglikha ng isang maskara bilang isang kinakailangang kondisyon para sa pagkakaroon sa entablado, pagtanggi at pangungutya bilang batayan ng pagiging malikhain ng kabaret.

N.K. Petrova 1985 "Theatrical art of Montmartre (Pagbuo ng mga teatro ng maliliit na anyo

1 Uvarova E.D. Iba't ibang teatro: miniature, review, music hall (1917-1945). M., 1983; Klitin S.S. Kasaysayan ng stage art. SPb., 2008.

2 Astre A. Les cabarets littéraires et artistiques // Les spectacles a travers les ages: (Théâtre. Cirque. Music-Hall. Café-concerts. Cabarets artistiques). Paris, s.a. T. 1. P. 327-364.; Rearick Ch. Mga Kasiyahan ng Belle Epoque; Montmartre at ang paggawa ng kulturang masa. Bagong Brunswick; New Jersey; London, 2001; Appignanesi JI. Cabaret. M., 2010.

3 Le Chat Noir: (1881-1897). Les dossies du Musée d "Orsay. Paris, 1992; Fields A. Le Chat Noir: (Isang Montmartre Cabaret at ang mga Artist nito sa Tum-of-the-Century Paris). Santa Barbara, 1993; Oberthür M. Le cabaret du Chat Noir à Montmartre (1881-1897), Genève, 2007.

4 Bonch-Tomashevsky M.M. Teatro ng parody at pagngiwi. (Cabaret) // Mga maskara. 1912-1913. No. 5. pp. 20-38.

sa French theatrical culture sa pagtatapos ng ika-19 na siglo). Ang mga artistikong cabarets (sa halimbawa ng Cha Noir), ang sining ng Montmartre chansonniers, ang "kusang" teatro ng huling bahagi ng ika-19 na siglo (tinukoy ng may-akda ang mga bola ng Montmartre, halimbawa, Moulin de la Galette) dito ay ipinakita sa magkahiwalay mga kabanata. N.K. Petrova explores hindi lamang ang kabaret, ngunit Montmartre katotohanan sa pangkalahatan; Itinuturing itong repleksyon ng mga pagbabagong sosyo-kultural at bunga ng theatricalization ng buhay na katangian ng panahon. Sa kabila ng hindi maikakaila na halaga ng pag-aaral (paglalarawan ng panahon, ang iba't ibang mga phenomena na ipinakita, ang pagiging bago ng materyal), ang teksto ay naglalaman ng maraming medyo abstract na mga katangian; ang bawat kamangha-manghang kaganapan ay iniuugnay sa teatro, at ang bawat pagtatanghal - sa pagtatanghal, na hindi palaging makatwiran at hindi palaging dokumentado. Una sa lahat, ito ay may kinalaman sa paglalarawan ng mga pagtatanghal ng Sha Noir2.

Natatangi sa uri nito ang monograp ni Harold Segel sa kasaysayan ng cabaret3, na sumasaklaw sa buong kultura ng European cabaret at nagpapakita ng dinamika ng pag-unlad nito. Sa paunang salita na nagbubuod sa pagbuo ng kabaret, sinusuri ng may-akda ang pakikipag-ugnayan nito sa teatro, na gumagawa ng isang pangunahing konklusyon na itinatag ng kabaret ang mga karapatan ng "sining ng maliliit na anyo", kung saan nauunawaan ni Segel ang "sining na binubuo ng mga genre na tradisyonal na itinuturing na pangalawa o hindi gaanong mahalaga kaugnay ng mataas na kultura"4 (kabilang sa mga ito - isang kanta, isang parody, isang papet na teatro, atbp.).

2. Dahil sa katotohanan na sa loob ng sampung taon ay mayroong isang shadow theater sa Cha Noir, ito ay nakatayo bukod sa kultura ng French cabaret. Sa pangkalahatang pananaliksik sa Sha Noir, ang shadow theater ay itinuturing na isa

1 Petrova N.K. Theatrical art of Montmartre (Pagbuo ng mga teatro ng maliliit na anyo sa

kulturang Pranses sa pagtatapos ng ika-19 na siglo). Dis. ...cand. Kasaysayan ng sining. M., 1985. Tingnan: Ibid. pp. 22-32.

3 Segel H.B. Turn-of-the-century na kabaret: (Paris, Barcelona, ​​​​Berlin, Munich, Vienna, Cracow, Moscow, St. Petersburg, Zurich). New York, 1987.

4 Ibidem. P. XVI.

mula sa mga bahagi ng kabaret; hindi nila sinusuri ang mga teknikal na katangian ng teatro, ang pangunahing pagkakaiba nito mula sa nakaraang tradisyon. Sa kabaligtaran, sa mga dalubhasang mga gawa sa kasaysayan ng teatro ng anino1, kung saan nakatuon ang Cha Noir sa magkakahiwalay na mga kabanata, ang pangunahing pansin ay binabayaran sa teknolohiya, na nauugnay sa mga tradisyon ng teatro ng anino ng Silangan at Europa; hindi nito isinasaalang-alang ang konteksto ng kultura ng panahon, ang sariling katangian ng kabaret, ay hindi sinusuri ang independiyenteng artistikong halaga ng mga pagtatanghal ng anino.

Ang isang pagbubukod ay ang monograp ni Paul Jeanne,2 isang kontemporaryo ni Cha Noir, na nagmungkahi ng klasipikasyon ng shadow theater repertoire, na isinasaalang-alang ito bilang bahagi ng kultura ng kabaret. Ang mga detalyadong pagsusuri ng kritiko na si Jules Lemaitre3, mga pagsusuri at mga memoir ng mga kontemporaryo, mga teksto ng mga poster, mga materyal na iconograpiko ay ginagawang posible na muling buuin ang ilang mga pagtatanghal ng anino, upang maiugnay ang mga ito sa mga aesthetics ng simbolismo at modernidad.

3. Ang mga eksperimento sa papet na teatro sa pagliko ng ika-19-20 siglo ay nahulog sa bilog ng siyentipikong interes ng mga dayuhang mananaliksik kamakailan4; sa mga pag-aaral sa teatro ng Russia ay hindi pa rin sila pinapansin. Ang papet bilang kasangkapan sa pagpapatupad ng mga bagong ideya sa teatro na may direktang epekto sa konsepto ng impersonal na teatro ay isinasaalang-alang sa monograp ni Didier Plassard, na nakatuon sa aktor sa sistema ng modernistang sining noong ika-20 siglo5 at sa disertasyon. ng Helene Beauchamp6, na

1 Bordât D., Boucrot F. Les théâtres d "ombres: Histoire et techniques. Paris, 1956; Blackham O.

Shadow puppet. London, 1960; Cook O. Movement in Two Dimensions: (Isang pag-aaral ng animated at projected na mga larawan na nauna sa dimensyon ng cinematography). London, 1963. 1 Jeanne P. Les théâtres d "ombres à Montmartre de 1887 à 1923: (Chat Noir, Quat" z "arts, Lune Rousse). Paris, 1937.

3 Tingnan ang halimbawa: Lemaitre J. Le Chat Noir // Lemaitre J. Impressions de theâtre. Paris, 1888. 2-ème series. P. 319-343; Lemaitre J. Le Chat Noir//Lemaitre J. Impressions de theatre. Paris, 1891. 5-ème series. P. 347-354.

5 Plassard D. L "acteur en effigie. Lausanne, 1992.

6 Beauchamp H. La marionette, conscience critique et laboratoire du theâtre. Mga paggamit théorique et scénique de la marionnette entre les années 1890 et les années 1930. (Belgique, Espagne, France). Ang mga de doctorat en littérature comparée. Paris IV - Sorbonne. 2007.

nag-aaral ng papet na teatro sa France, Belgium at Spain sa pagpasok ng ika-19-20 siglo bilang isang malikhaing laboratoryo para sa mga eksperimentong pandulaan. Ang istraktura ng thesis ni Beauchamp ay binuo sa paraang ang parehong mga phenomena ay paulit-ulit na lumilitaw sa iba't ibang aspeto (sa kanilang relasyon sa relihiyon, tradisyon sa teatro, sitwasyong sosyo-kultural, atbp.), na humahadlang sa pagtatasa ng kanilang pangkalahatang kontribusyon sa karagdagang pag-unlad ng teatro.

4. Ang pinaka-pinag-aralan na kababalaghan ng "alternatibong" proseso ng teatro sa pagliko ng ika-19-20 siglo ay ang "horror theater" ng Grand Guignol. Ito rin ang pinaka-eskematiko sa mga tuntunin ng uri ng pagtatanghal, dahil minarkahan nito ang paglipat sa kulturang masa. Nag-iiwan ng isang kahanga-hangang pamana at nakakaimpluwensya sa industriya ng pelikula, ang Grand Guignol ang tumanggap ng ilang monograp sa Kanluran1; Isang espesyal na kontribusyon sa pag-aaral nito ang ginawa ng French theater researcher na si A. Pieron, na sa ilalim ng kanyang pag-edit ay nailathala ang pangunahing antolohiya ng drama ni Grand Guignol2. Ang mahabang malikhaing buhay ng teatro na ito ay muling nilikha sa paunang salita at mga detalyadong komento.

Sa mga domestic scientist, E.D. Galtsov, na may kaugnayan sa pagtatanghal ng "Mga Tala mula sa Underground" ni F.M. Dostoevsky3. Sa gitna ng pang-agham na interes dito ay ang teksto ng Dostoevsky, na itinanghal sa unang pagkakataon sa entablado ng Pransya, ang interpretasyong Pranses ng klasikong Ruso, ang ugnayan ng pagtatanghal ng dula sa orihinal.

Sa mga modernong pag-aaral sa teatro ng Pransya, ang interes sa ilang maliit na pinag-aralan na mga plot ng teatro sa pagliko ng ika-19-20 siglo ay tumataas: halimbawa, ito ay ipinakita mula sa iba't ibang mga anggulo sa koleksyon ng mga artikulo ng 2006

1 Riviere F., Wittkop G. Grand Guignol. Paris, 1979; Kamay R.J., Wilson M. Grand-Guignol: (Ang French theater of horror). Exeter, 2002.

2 Le Grand Guignol. Le Théâtre des peurs de la Belle Époque / Éd. Talahanayan par A. Pierron. Paris, 1995; Tingnan din ang: Pierron A. Petite scène à grands effets au Grand-Guignol // Le Spectaculaire dans les arts dans la scène: du Romantisme à la Belle Époque. Paris, 2006. P. 134-137.

3 Galtsova E.D. "Mga Tala mula sa Underground" sa Parisian Horror Theater Grand Guignol // Mula sa Teksto hanggang Yugto: Russian-French Theatrical Interactions of the 19th-20th Centuries: Sat. mga artikulo. Moscow, 2006, pp. 29-47.

"The Spectacle of the Performing Arts: (From Romanticism to Belle Epoque)"1. Ang partikular na interes ay ang mga sumusunod na artikulo: "The Small Stage and the Great Effects of the Grand Guignol" ni A. Pieron, "The Temptation of the Shadow Theater in the Age of Symbolism" ni S. Luce, "The Song, the " Pagganap" ng Belle Epoque" ni O. Goetz, "Convulsions of the End of the Century . Panoorin sa labas ng teksto ng pantomime» A. Rikner. Gayunpaman, wala pang pagtatangka upang pagsamahin ang mga ito at isaalang-alang ang mga ito sa isang eroplano. Sa mga pag-aaral sa teatro ng Russia, hanggang ngayon, ang pansin ay binabayaran lamang sa kabaret at bahagyang sa Grand Guignol (dahil din sa katotohanan na sa simula ng ika-20 siglo ay umiral ang analogue nito sa St. Petersburg)2.

Ang praktikal na kahalagahan ng pag-aaral ay natutukoy sa pamamagitan ng katotohanan na ang mga resulta nito ay maaaring magamit sa mga kurso sa panayam sa kasaysayan ng dayuhang teatro noong ika-19 at ika-20 siglo, sa mga espesyal na kurso sa kasaysayan ng pop art, papet na teatro; gayundin sa karagdagang pag-aaral ng teatro ng Pransya ng panahong sinusuri. Bilang karagdagan, ang disertasyon ay maaaring maging interesado sa mga practitioner ng entablado na ang mga interes ay nasa larangan ng eksperimentong teatro.

Pag-apruba ng mga resulta ng pananaliksik. Ang mga resulta ng pananaliksik sa disertasyon ay nai-publish sa isang bilang ng mga artikulo ng may-akda sa mga journal at siyentipikong publikasyon; din sa mga ulat sa siyentipikong postgraduate conference (St. Petersburg, SPbGATI, 2010; Minsk, BGAI, 2010; Brno (Czech Republic), JAMU, 2011); sa International Conference "Art of the Doll: Origins and Innovations" (Moscow, STD RF - S.V. Obraztsov, 2013).

Ang talakayan ng disertasyon ay naganap sa mga pagpupulong ng Department of Foreign Art ng St. Petersburg State Academy of Theatre Arts.

Istruktura ng trabaho. Ang disertasyon ay binubuo ng isang Panimula, apat na kabanata, isang Konklusyon, isang listahan ng mga sanggunian (higit sa 230 mga pamagat) sa Russian, French at English, pati na rin ang dalawang Appendix:

1 Le Spectaculaire dans les arts de la scène: (Du romantisme à la Belle époque). Paris, 2006.

2 Tingnan ang: Tikhvinskaya L.I. Araw-araw na buhay ng theatrical bohemia ng Silver Age. M., 2005.

ang una ay naglalaman ng repertoire ng mga sinehan, mga pagsasalin ng mga script at mga sipi mula sa mga dula, ang pangalawa ay nagtatanghal ng mga iconographic na materyales.

Ang Panimula ay nagpapatunay sa pagpili ng paksa ng pananaliksik at ang kaugnayan nito, tinutukoy ang antas ng pag-unlad ng problema, bumubuo ng mga pangunahing layunin at layunin ng gawain, ang mga prinsipyong pamamaraan nito. Ang pagsusuri ng panitikan sa isyu na inilathala sa Russian, French, at English ay ibinigay.

Sinusuri din ng Introduction ang theatrical at general cultural situation sa France sa pagpasok ng 19th-20th century - Belle Epoque, kapag ang isang pandaigdigang kaguluhan ay nagaganap sa lahat ng larangan ng kultura, agham at sining. Lahat ng uri ng sining sa panahong ito ay pumapasok sa yugto ng "radical restructuring ng kanilang mga figurative structures"1. Ang mga pangunahing pagbabago sa larangan ng teatro ay nauugnay sa paglitaw ng teatro ng direktor, na binuo sa mga polemics na may akademiko at komersyal na tradisyon, na iginiit ang sarili nito nang magkatulad sa dalawang artistikong direksyon - naturalismo at simbolismo. Kasabay nito, nabubuo ang theatrical aesthetics ng neo-romanticism at modernity.

Ang aklat ni A. Aderé "Roadside Theatre", na siyang pinagmulan ng paksang ito, ay sinuri. Sa kabila ng likas na kaalaman nito, dito sa unang pagkakataon ay ginawa ang isang pagtatangka upang magkaisa ang magkakaibang mga phenomena ng prosesong "malapit sa theatrical". Gayunpaman, sa pagpasok ng ika-19 at ika-20 siglo, ang "teatro sa tabing daan" ay nagiging isang independiyenteng artistikong kababalaghan na sumasalamin at nagdagdag sa reporma ng direktor ng teatro. Dagdag pa, ang Panimula ay binabalangkas ang hanay ng mga phenomena na isasaalang-alang sa disertasyon at nagpapatunay sa kanilang pinili, ay nagbibigay ng pangkalahatang paglalarawan ng bawat isa sa kanila.

Sa unang kabanata - "Cabaret", na binubuo ng tatlong mga seksyon, ang cabaret ay ginalugad bilang isang bagong independiyenteng anyo ng epektibong pagkamalikhain, isang alternatibong theatrical venue ng Belle Epoque, na nagtatatag ng sarili nitong

1 Bozhovich V.I. Mga tradisyon at pakikipag-ugnayan ng sining: (France, huling bahagi ng ika-19 - unang bahagi ng ika-20 siglo). C. 4.

ang mga batas ng paglikha ng isang imahe sa entablado, ang relasyon sa pagitan ng entablado at ng madla, ang mga kondisyon para sa pagkakaroon ng tagapalabas at ng publiko.

Sa kabila ng katotohanan na halos sabay-sabay na lumabas ang cabaret at director's theater sa France, hindi sila nagsalubong sa isa't isa. Ang French cabaret ay hindi mismo isang teatro; iminungkahi nito ang landas ng theatricality bilang batayan ng buhay at pagkamalikhain sa entablado, ang kakanyahan nito ay mabubuo mamaya sa konsepto ng H.H. Evreinova: "Ang theatricality ay lumilitaw bilang isang mekanismo ng pagbuo ng anyo, na naglalayong hindi kumatawan sa mga anyo at phenomena ng katotohanan, ngunit sa paglikha ng mga orihinal na aesthetic na anyo, na kung saan ang buhay mismo ay nagpatibay"1. Sa kanyang 1908 Apology for Theatricality, ibinigay ni Evreinov ang sumusunod na kahulugan ng termino: “Sa pamamagitan ng 'theatricality'... Ang ibig kong sabihin ay isang aesthetic monstrosity ng isang malinaw na tendentious nature, na, kahit na malayo sa gusali ng teatro, na may isang kasiya-siyang kilos, na may isang magandang protonated na salita, lumilikha ng mga yugto, tanawin at nagpapalaya sa atin mula sa tanikala ng katotohanan - madali, masaya at walang kabiguan. Ang ganitong pag-unawa sa theatricality ay kabilang sa aesthetics ng modernity; ito ay batay sa thesis ng pagbabago ng buhay sa tulong ng sining, na tumutugma sa direksyon ng pag-unlad ng French cabaret. Tinukoy ni O. Norvezhsky ang kanyang malikhaing paghahanap tulad ng sumusunod: "Hindi gaanong pampanitikan at mas kumikinang, masakit na matalas at kasabay nito ay eleganteng pagmuni-muni ng buong bangungot ng pang-araw-araw na buhay"3. Nasa cabaret sa France na nagsisimula ang pagbuo ng theatrical modernity bilang reaksyon sa simbolismo sa teatro.

Ang seksyong "Origins" ay nagbibigay ng kasaysayan ng paglikha ng pinakasikat na cabaret sa Paris - Chas Noir (1881-1897). Ang aesthetic phenomenon ng Montmartre, ang sentro ng kultura ng Belle Epoque, ay ipinapakita. Ang Cabaret ay nagtatakip sa "trahedya

1 Dzhurova T.S. Ang konsepto ng theatricality sa akda ni H.H. Evreinova. SPb., 2010. S. 15.

2 Evreinov H.H. Teatro tulad nito // Evreinov H.H. Madulang demonyo. M.; SPb., 2002. S. 40-41.

3 Norwegian O. Cabaret // Theater and Art. 1910. Blg. 10. S. 216.

araw-araw na buhay" festive theatricality, ay naging isang simbolo ng Montmartre - ang "libreng lungsod" ng isang batang artistikong bohemia, isang estado sa loob ng isang estado na nabubuhay ayon sa sarili nitong mga batas, alinsunod sa aesthetic na lasa at artistikong lohika. Ang sumusunod ay isang pambihirang personalidad ni Rodolphe Saly (1851-1897) - ang sikat na direktor ng Chas Noir, ang nagpakilalang hari ng Montmartre. Salamat sa administratibong talento at creative flair ni Sali, naging isang cabaret model ang Cha Noir na nagdulot ng malawakang imitasyon sa buong Europa. Ang aesthetic eclecticism na naghari sa Sha Noir ay inaasahang sa buong kultura ng pagliko ng ika-19 at ika-20 siglo. Sa panahon ng muling pag-iisip ng sining, pinagkasundo ng cabaret ang mga kinatawan ng iba't ibang mga artistikong paggalaw sa ilalim ng bubong nito, na naging simbolo ng kalayaang malikhain at isang lugar ng konsentrasyon ng mga puwersang malikhain, ang kanilang malayang pakikipag-ugnayan sa isa't isa. Sa unang pagkakataon, hinahayaan ang madla na pumunta sa likod ng mga eksena ng pagkamalikhain, pinag-isa nito ang mga tradisyon ng salon at booth, nagbigay ng lakas sa mga eksperimento sa mga porma at genre ng teatro na hanggang sa sandaling iyon ay kabilang sa "grassroots culture".

Sinusuri ng seksyong "Komposisyon ng Gabi" ang mga batas kung saan binuo ang isang pagtatanghal ng kabaret, ang kahalagahan ng pigura ng isang entertainer, ang prinsipyo ng pagkakaroon ng isang performer sa entablado.

Ang momentum at improvisation ang mga pangunahing batas ng gabi, ang kabalintunaan at pagtanggi ang pangunahing direksyon; mula sa entertainer (ang lumikha ng tradisyong ito ay si Sali) ang kahusayan sa pagsasalita at pagpapatawa, kamalayan sa mga kontemporaryong isyu, ang kakayahang pagsamahin ang bulwagan at ang entablado, upang bumuo ng lohika ng pagkakasunud-sunod ng mga numero ay kinakailangan. Sariling sariling katangian, na pinarami ng eksaktong artistikong pagkalkula - ito ang pangunahing batas ng paglikha ng imahe ng isang kabaret.

Ang gumaganap na tradisyon ng kabaret ay inihayag lalo na maliwanag sa gawain ng chansonnier; Ang cabaret ay nagiging isang uri ng "chansonnier theater". “Being alone on the stage, the chansonniers were both performers and

mga direktor ng kanilang pagganap. Hindi gaanong napapailalim sa pagbabago kaysa sa mga aktor ... bumuo sila ng isang indibidwal na uri at patuloy na pinahusay ang pisikal na data, asal, kilos, kasuutan. Sa wakas ay nabuo, ang ganitong uri ay naging isang nakapirming imahe, na makikilala sa unang tingin...”1. Ang imahe ng cabareteur ay dinala halos sa antas ng isang maskara, sa likod kung saan ang isang tiyak na plasticity, paraan ng pagsasalita at pag-uugali ay itinalaga. Kabaligtaran sa tradisyon ng teatro, hindi itinago ng maskara ang tagapalabas; sa kabaligtaran, ito ay isang larawan na binago sa entablado ng isang tao kung saan ang mga likas na katangian ay pinalaki. Kasabay nito, ang cabarettiere ay naging hostage ng imahe sa entablado na nilikha niya minsan at para sa lahat. Ang tragic farcical nature ng cabaret, ang indibidwal na maskara bilang batayan ng gumaganap na tradisyon, ay inihayag sa pamamagitan ng gawa ng mga pinakadakilang chansonnier ng panahon - sina Aristide Bruant at Yvette Guilbert, na lumikha ng isang natatanging dramatikong genre ng kanta-maikling kuwento , pati na rin ang isang matingkad na imahe ng tagapalabas, na pumukaw sa madla sa kanyang trabaho.

Ang seksyong "Paglikha ng Atmosphere" ay nakatuon sa mga aksyon at panloloko na lumilikha ng buhay, na kasinghalaga para sa holistic na imahe ng bawat kabaret pati na rin ang istilong pinag-isipang mabuti at mga detalye sa loob.

Sa pangkalahatan, ang French cabaret ay nag-aalok ng isang kumpletong aesthetic na modelo, na sa kalaunan ay pinagkadalubhasaan ng teatro ng direktor sa Germany at Russia: na may isang bagong sistema ng mga relasyon sa pagitan ng entablado at bulwagan, na batay sa theatricality - inalis ng kabaret ang rampa. at kasama ang manonood sa pagganap; isang bagong istilo ng pagganap (cabareteer mask), isang halo ng mga genre (tragifarce) at isang pagbabago sa mga tiyak na hangganan (song-performance). Sa paglipas ng panahon, ang kabaret ay gumagalaw patungo sa sining ng iba't-ibang, kung saan ito ay orihinal na katulad; ngunit ang paglaganap ng mga batas sa teatro sa loob ng kabaret ay hindi rin maaaring humantong sa kanya sa mga independiyenteng mga eksperimento sa teatro, tulad ng nangyari kay Sha Noir.

1 Goetz O. La chanson, "spectacle" de la Belle Epoque // Le spectaculaire dans les arts de la scène (Du romantisme à la Belle Epoque). P. 152-153.

Ang ikalawang kabanata - "Shadow Theatre", na binubuo ng dalawang seksyon, ay nakatuon sa shadow theater sa cabaret Chas Noir, na umiral doon sa halos sampung taon (mula Disyembre 1886 hanggang sa pagsasara ng kabaret sa simula ng 1897), kung saan ito ang pangunahing kaganapan para sa publiko at ang pangunahing negosyo para sa mga empleyado ng Sha Noir, ang lahat ng mga puwersang pang-sining at lahat ng mga gastos sa pananalapi ay nakadirekta dito. Ang pag-uuri ng repertoire ay ibinigay, ang pinakamahalagang pagtatanghal ay nasuri, ang teknikal na pag-aayos ng entablado, ang teknolohiya ng paggawa ng mga figure ng anino ay inilarawan.

Ang mga representasyon ng anino ay matagal nang pinaghihinalaang ng mga Europeo bilang pinakaangkop na anyo para sa pang-unawa ng mga bata. Sa pagtatapos ng ika-19 na siglo, ang katanyagan ng teatro ng anino ay dahil sa maraming mga kadahilanan, bukod sa kung saan ay isang pagtaas ng interes sa Silangan (ang mga pagtatanghal ng Sha Noir ay direktang naiimpluwensyahan ng pag-ukit ng Hapon, na ang tagapagtatag ng teatro na si Henri Rivière ay mahilig sa); kalapitan sa simbolitang theatrical aesthetics (ang ideya ng kuweba ni Plato); sa wakas, ang pagtaas ng mga graphic sa panahong ito (kabilang sa mga lumikha ng shadow theater ay ang mga sikat na graphic artist ng pagliko ng siglo: Rivière, Karan d "Ash, Adolphe Villette, Henri Somme). Ang batayan ng mga unang pagtatanghal ay isang serye ng mga guhit at karikatura na regular na inilathala sa pahayagan ng kabaret1. Kaya, sa bisperas ng kapanganakan ng cinematography, ang sining ng mga animated na imahe ay pumukaw ng espesyal na interes ng madla. Salamat sa kalayaan ng mga may-akda mula sa pangkalahatang proseso ng teatro. , ang kanilang kadalian sa pakikitungo sa tradisyon, nagawa ni Sha Noir na baguhin ang European na tradisyon ng shadow theater: mula sa isang panoorin para sa mga bata, ito ay naging isang pangkalahatan, pilosopiko na sining; ang mga teknikal na inobasyon ay nagdagdag ng kulay at pananaw sa itim-at-puting eroplano ng ang screen canvas.

Ang mga artista ng Sha Noir ay hindi malalim sa kasaysayan ng teatro ng anino, isinasaalang-alang nila ang ibabaw ng screen bilang isang larawan, kung saan idinagdag ang isang pagbabago ng komposisyon, na sa kanyang sarili ay tumutukoy sa mga aesthetics ng modernidad. anyo

1 Kasunod ng Cha Noir, halos lahat ng kabaret ay naglathala ng sarili nitong pahayagan.

Ang mga pagtatanghal ng Cha Noir ay maaaring ituring bilang ang pagsasakatuparan ng ideya ng isang "muling nabuhay na larawan" - na, ayon kay V.I. Maksimov, ay "isang tipikal para sa modernistang pagpapatupad ng synthesis ng sining"1. Ang ritmikong pagbabago ng mga imahe, pagkakaugnay-ugnay ng kolektibong paggalaw ng mga figure, kumbinasyon ng ilang mga plano, linear na pagmomodelo ng mga imahe, stylization ay ang paghubog ng mga prinsipyo ng modernidad, na nakapaloob sa mga pagtatanghal ng Sha Noir.

Ang mga pagtatanghal ay nahahati sa dalawang grupo: "Mga Anino ng Kasaysayan" - malakihang mga komposisyon sa makasaysayang, maalamat, mga paksang biblikal; "Contours of Modernity" - mga sketch at sketch sa mga modernong paksa, madalas na nai-publish mula sa mga pahina ng isang pahayagan ng kabaret.

Sinusuri ng seksyong "Shadows of History" ang malikhaing talambuhay ni Henri Riviera - ang nagpasimula, pinuno, imbentor ng Sha Noir shadow theater. Ang pinakamahalagang pagtatanghal ay inilarawan: "The Epic" (1886), "The Temptation of St. Anthony" (1887), "Behind the Guiding Star" (1890), na binuo sa ugnayan ng mga imahe ng karamihan at ang Bayani na matayog sa itaas nito, itinatakda ang direksyon ng landas. Salamat sa Karan d'Ash's Epic, isang pagtatanghal tungkol sa magarang Napoleonic na mga tagumpay, ang shadow theater ay tumatanggap ng pampublikong pagkilala. Ang isang kapansin-pansing pagsusuri ay isa sa mga tagasuri, na sumulat na ang Epic "ay nagbibigay sa manonood ng isang dating hindi kilalang impression, ang impresyon ng imahe ng masa ng tao sa entablado"2 "... Sa nakalipas na sampung taon, ang pinakamalakas na pagkabigla mula sa realidad ng nangyayari sa entablado ay hindi natanggap mula sa mga tunay na sundalo, armado ng mga tunay na baril at nakasuot ng tunay na tela. , ngunit nilikha gamit ang mga artipisyal na pagkakatulad, ang pinakamarupok at hindi gaanong nakikita sa lahat"3 Ang "mga eksena sa masa" ay naging pinaka-hindi malilimutang: ang pangunahing pagtanggi sa indibidwalisasyon ng mga karakter, ang pagkakaugnay ng kanilang kolektibong kilusan ay lumikha ng isang pakiramdam

1 Maksimov V. Edad ni Antonin Artaud. S. 101.

2 Talmeyr M. La foule en scène: (A propos de l "Epopée de Caran d" Ache) // La Revue d "Art dramatique. 1887. 15 janv. P. 75.

3 Ibidem. P. 78.

na ang lahat ng mga bayaning ito ay pinamumunuan ng iisang espiritu at may napakalaking posibilidad.

Sa paghahanap ng "Super-Hero", ang mga tagalikha ng shadow theater ay bumaling sa kasaysayan ("The Conquest of Algeria", 1889), sa buhay ng mga santo ("Saint Genevieve of Paris", 1893), sa pambansang epiko ("Roland", 1891), sa mitolohiya (" Sphinx", 1896), maging sa hinaharap ("The Night of Times, or the Elixir of Youth", 1889). Sa "Sphinx", isang "maalamat na epiko" sa 16 na mga kuwadro na gawa (mga guhit - Vignola, mga salita at musika - Georges Fragerol), na ipinakita sa isang taon bago ang pagsasara ng teatro, ang bayani ay naging ang kuwento mismo, na pinakilala ng Sphinx. : "Nagtatagumpay ang mga siglo sa isa't isa, dumarating at umaalis ang mga tao; Egyptian, Assyrians, Hudyo, Persians, Greeks, Romans, Arabs; Mga Krusada, hukbong Napoleoniko, hindi mabilang na hanay ng mga sundalong British - lahat sila ay dumaan sa maringal na sinungaling na pigura ng Sphinx, na sa huli ay nananatiling nag-iisa, malamig at misteryoso. Ang prusisyon ng mga tao na ipinakita noong 1896 ay hindi na sinundan " bituin na gumagabay”, gaya noong 1890, hindi man lang ito naghanap ng gabay; ang direksyon ng paggalaw ay itinakda ng kurso ng Kasaysayan, kung saan ang Sphinx ay literal na kumilos bilang Doom.

Ang ganitong uri ng teatro ay naging posible upang magtanghal ng mga malalaking plot. Ang pagdadala ng tema ng kapalaran sa entablado, na inilalantad ang makasaysayang kurso ng mga kaganapan na ipinakita sa pamamagitan ng modernong pananaw sa mundo - lahat ng ito ay nagbigay sa teatro ng isang bagong antas ng generalization at conventionality. Ang mga pagtatanghal ng anino ay tumutugma sa pangkalahatang trend ng teatro na itinakda ng mga Symbolists at binuo ni Pierre Quillard: "Ang teatro ay magiging kung ano ang nararapat: isang dahilan para sa isang panaginip"2.

Kasama sa seksyong Contours of Modernity ang mga pagtatanghal tulad ng The Party in Whist (1887), The Golden Age (1887), Pierrot Pornographer (1893), pati na rin ang dalawang pagtatanghal batay sa mga dula ni M. Donne - Phryne at "Elsewhere" ( pareho -

1 Cook O. Movement in Two Dimensions: (Isang pag-aaral ng animated at projected na mga larawan na nauna sa dimensyon ng cinematography). London, 1963. P. 76.

Cit. Sinipi mula sa: Maksimov V.I. Simbolismong Pranses - Pagpasok sa Ikadalawampung Siglo // Simbolo ng Pranses. Dramaturhiya at teatro. S. 14.

1891). Dito nilikha ang imahe ng isang modernong bayani - nabawasan, katawa-tawa, sadyang "hindi nakasulat" sa pampublikong buhay, na, na may isang ironic na pagtatanghal, ay nakikilala at malapit sa manonood. Sa diwa ng kabaret, ang mga pagtatanghal sa mga kontemporaryong tema ay isang komentaryo sa nakapaligid na katotohanan; sinasalamin nila ang pananaw sa mundo ng pagliko ng siglo, pinagsasama ang matinding pag-aalinlangan at pananabik para sa Ideal.

Ang isang tampok ng mga pagtatanghal ng anino ni Sha Noir ay ang musika at mga salita ay pantulong na paraan na idinisenyo upang pahusayin ang epekto ng sunud-sunod na "mga animated na larawan", na bumubuo ng isang maayos na pagkakaisa. Ang pakiramdam ng pagiging tunay ng kung ano ang nangyayari ay nilikha salamat sa pangkakanyahan integridad ng trabaho, ang pabago-bagong pagkakaugnay ng lahat ng mga elemento ng pagganap. Ang shadow theater ay naging salamin ng kultura ng French cabaret, na hindi sumuporta sa alinman sa mga artistikong kilusan ng turn of the century, na ibinigay sa kanila lahat: Sha Noir performances synthesized the meaningful mystery of symbolism, orientalism and sensuality of modernity, ang kawalang-kinikilingan ng naturalismo at akademikong saklaw, na binabago ang mga ito sa pamamagitan ng mga batas ng "parody theater at grimaces." Kasabay nito, ang mga pagtatanghal ng anino ng Sha Noir ay naging isang independiyenteng theatrical phenomenon na lumampas sa aesthetic na konsepto ng kabaret sa paghahanap ng solusyon sa tamang mga problema sa teatro. Ang metaporikal na katangian ng silweta, ang figure ng anino ay nagsilbi bilang isang mapagkukunan para sa paglikha ng isang modernong yugto ng wika, ang yunit kung saan ay ang imahe sa screen.

Ang ikatlong kabanata - "Puppet Theatre", na binubuo ng dalawang seksyon, ay sinusuri ang pagsasanay ng Petit Theater de Marionette (Little Puppet Theater, 18881894) at ang theatrical experiment ni Alfred Jarry na may guignol (cabaret Katz "Ahr, 1901) - tradisyonal na uri papet na teatro.

Ang karanasan ni Sha Noir ay nagsiwalat ng artistikong potensyal ng tradisyonal na mga anyong teatro ng papet at ipinakita ang kanilang metaporikal na katangian. Isinulat ni J. Sadoul na hindi direktang inihanda ni Cha Noir ang tagumpay ng sinehan, na nagpapatunay na ang "optical performances

ay maaaring maging matagumpay sa publiko gaya ng mga dulang isinagawa ng mga artistang laman-at-dugo. Salamat kay Sha Noir, sa unang pagkakataon, lumitaw ang theatrical form sa sentro ng pampublikong interes, kung saan ang aktor ay hindi ang pangunahing tagapagdala ng kahulugan: ang anino figure sa kasong ito ay isa lamang sa mga elemento ng pagganap. , na nakasulat sa komposisyon ng entablado. Kasunod ng shadow theater, ang iba pang mga papet na sistema ay nakakuha din ng pansin: sa pagpasok ng siglo, ang papet na teatro ay nagsimulang maunawaan bilang isang malayang masining na wika, ang hanay ng mga paraan ng pagpapahayag na may kakayahang lumampas sa mga kakayahan ng teatro ng isang live na artista.

Ang panimula ay nagbibigay ng maikling pangkalahatang-ideya ng kasaysayan ng papet na teatro sa France; ang mga pangunahing teknolohikal na sistema ay isinasaalang-alang, ang bawat isa, hanggang sa 1880s, ay isang anyo ng pagganap na kinokontrol ng tradisyon (na may isang nakapirming repertoire, uri ng platform, paraan ng pagkontrol sa papet).

Noong 1888, dalawang taon bago ang unang mga eksperimento sa teatro ng mga Symbolists, binuksan ang Petit Theater de Marionette sa Paris, na sa maraming paraan ay inaasahan ang mga ideya ng Theater d "Ar (1890-1892). Ang inisyatiba ay kabilang sa isang grupo ng mga manunulat. at mga makata (ang pangunahing mga ideologo ay sina Henri Signoret at Maurice Bouchor ), na nag-alok sa publiko ng isang bagong repertoire, na binubuo ng mga obra maestra ng world dramaturgy. Sa loob ng balangkas ng masining na programang ito, ang mga sumusunod na dula ay itinanghal sa teatro para sa isang season at isang kalahati: "Mga Ibon" ni Aristophanes, ang interlude ni Cervantes na "The Vigilant Guard" (parehong - Mayo 1888), "The Tempest" ni Shakespeare (Nobyembre 1888), ang maagang komedya ni Molière na The Jealousy of Barboulier, at ang medieval na drama ni Abraham the Hermit ni Si Hrothsvita ng Gandersheim (Abril 1889) ay nakaimpluwensya lamang sa karagdagang pag-unlad sining ng papet, ngunit naging

1 Sadul Zh. Pangkalahatang kasaysayan ng sinehan: Sa 6 na tomo M., 1958. T. 1. S. 143.

isang prototype ng impersonal na modelo ng teatro, na ang mga ideya ay bubuo sa modernismo.

Sa lahat ng mga sistema ng papet, ang Petit Theater ay bumaling sa hindi bababa sa dynamic, ang mga automaton puppet, na minana ang tradisyon ng mga crèches (literal, "sabsaban"), Western European Christmas performances na may mga mekanikal na figure. Ang mga manika, na itinulad sa klasikal na iskultura, ay mga miniature na modelo ng tao; sa parehong oras, sila ay pinagkaitan ng isang emosyonal na simula, ang kanilang kaplastikan ay nabawasan sa isang nakapirming kilos. Statue, static mise-en-scenes, na, na sinamahan ng hindi nagmamadaling melodic declamation, ay nagbigay-diin sa kamahalan ng kilusan, nilikha espesyal na istilo pagtatanghal kung saan nakita ng mga kontemporaryo ang sagisag ng mga kombensiyon sa teatro. "Ideograms ng katawan, mekanikal performers binawasan ang yugto ng pagkakaroon ng karakter sa isang minimum, sa ilang mga pangunahing mga palatandaan"1. Batay sa pagsusuri ng mga pagtatanghal, ang pagsasanay ng Petit Theater ay nauugnay sa mga konsepto ng teatro nina M. Maeterlinck at G. Craig.

Noong 1890, ang teatro ay pinamumunuan ng makata na si Maurice Bouchor, na dating nagsalin ng The Tempest. Sa kabila ng katotohanan na si Bouchor ay "nais na lumikha ng isang moderno, bago, teatro ng may-akda"2, sa ilalim niya ang Petit Theater ay lumipat sa modelo ng teatro ng ika-19 na siglo, at ito ay pangunahin dahil sa kanyang dramaturhiya. Sa kabuuan, itinanghal ni Bouchor ang anim sa kanyang mga dula sa mga paksang panrelihiyon sa Petit Theater: Tobias (1890), The Nativity (1890), The Legend of St. Cecilia (1892), Hayyam's Dream, Adoration of St. 1892), "Eleusinian Mga misteryo" (1894). Sa "Tobiah", tulad ng sa pinakaunang dula, nakita na ang mga pagkukulang nito: Sa kalaunan ay napunta si Bushor sa landas ng habituation ng mga diyalogo at sitwasyon, sinusubukang "i-humanize" ang mga karakter at ipasok ang makamundong lohika sa kanilang mga aksyon.

Si Alfred Jarry ay nagpunta sa kabaligtaran patungo sa Bushor - mula sa "marioning" sa mga aktor hanggang sa pagliko sa papet na teatro; kanyang theatrical

1 Plassard D. L "acteur en effigie. P. 32.

2 Le Goffic Ch. Le Petit Theater des Marionnettes // La Revue encyclopédique. 1894. Blg. 85. 15 juin. P. 256.

ang eksperimento ay tinalakay sa seksyong "Guignol at Ubu-King". Naniniwala din si Jarry na ang personalidad ng aktor ay nakakasagabal sa pang-unawa ng akda, ngunit sa una ay itinakda: "Ang dula" na si King Ubyu "ay isinulat hindi para sa mga papet, ngunit para sa mga aktor na naglalaro na parang mga puppet, na hindi pareho"1. Pagkatapos ng sunud-sunod na mga karanasan sa teatro (kabilang ang isang produksyon ng King Ubu sa Théâtre Evre noong 1896), lumipat si Jarry sa guignol, isang uri ng tradisyonal na papet na palabas na may mga glove puppet (pinangalanan para sa bida). Nagtalo si Jarry na ang aktor ay "dapat na espesyal na lumikha para sa kanyang sarili ng isang katawan na angkop para sa kanyang papel"2, at ang papet na teatro ay nagbigay sa kanya ng pagkakataon na maging modelo ng mga karakter mismo. Binigyang-diin niya ang pagtuklas na ito sa isang panayam noong 1902 na ibinigay sa Brussels: "Tanging ang mga manika, ang may-ari, master at Tagapaglikha kung saan ikaw ay (dahil tila kinakailangan na gawin ang mga ito sa iyong sarili), masunurin at simpleng ihatid kung ano ang matatawag na pamamaraan ng katumpakan - ating mga iniisip” 3.

Kaya, noong Nobyembre 1901, sa Parisian cabaret Katz "Ar (cabaret of the Four Arts), kasama ang partisipasyon ng may-akda, "King Ubu" ay nilalaro sa mga puppet; ang teksto ay espesyal na pinaikli (sa dalawang kilos) at inangkop; ang aksyon ay naunahan ng isang prologue na nakasulat sa guignol isang propesyonal na puppeteer mula sa Champs Elysées ay dinala upang idirekta ang mga karakter, at ang papet ni Papa Ubu ay ginawa mismo ng may-akda. mga character kasama ang kanyang club.Sa kasong ito, ang pagpili ng guignol form ay naging mas hindi makatwiran sa pagkilos, na nagpapatibay sa mga kakaibang larawan ng mga character.

1 Binanggit. ni: Plassard D. L "acteur en effigie. P. 43.

2 Jarry A. Sa kawalan ng silbi ng teatro para sa teatro // Gaya ng lagi - tungkol sa avant-garde: (Anthology of the French theatrical avant-garde). M., 1992. S. 19.

Jarry A. Conférence sur les Pantins // Les mains de lumière: (Anthologie des écrits sur l "art de la marionnette) / Textes réunis et présentés par D. Plassard. Charleville-Mézières, 1996. P. 205.

tradisyonal na teatro at bagong dramaturhiya, ay maaaring ituring na isa sa mga tugatog ng "teatro sa tabing daan".

Tulad ng sa Petit Theatre, ang pilosopikal na nilalaman ng tradisyonal na papet na sistema ay nagtatakda ng pananaw para sa persepsyon ng madla. Ang talas, kabastusan sa fairground, maging ang kalupitan ng guignol na organikong pinagsama sa farcical figure ng isang halimaw na pumasok sa theatrical mythology ng ika-20 siglo - Papa Ubu. Sa kabaligtaran, ang mabagal na paggalaw, ang marilag na detatsment ng mga papet ng Petit Theatre, na tumutukoy sa mga relihiyosong pagtatanghal, ay lumikha ng isang kapaligiran ng hindi maintindihan, perpektong katotohanan sa entablado. Ang natuklasan ay ang pagpili ng anyo ay lumikha na ng nilalaman ng entablado sa sarili nito. Inaasahan ng mga papet na pagtatanghal na ito ang simula ng papet na teatro ng direktor, mas malawak, nagiging impetus ang mga ito para sa karagdagang kalayaan sa pagmomodelo ng anyo sa teatro sa pangkalahatan.

Ang ikaapat na kabanata - "Grand Guignol" ay may kasamang dalawang seksyon at nakatuon sa "horror theater" na si Belle Epoque. Ang teatro na ito ay matatagpuan sa gusali ng dating kapilya, sa gitna ng Pigalle quarter, ang pinaka-kriminal na lugar ng Paris. Binuksan noong 1897, ang Grand Guignol ay "nagtukoy ng parehong lugar at isang genre sa parehong oras"1, nakaligtas sa dalawang digmaang pandaigdig na may walang humpay na interes ng publiko, naging isa sa mga pasyalan ng Paris at natapos lamang ang pagkakaroon nito noong 1962, naging isang phenomenon ng kulturang masa. Inilalarawan ng kabanata ang istraktura ng teatro, nagbibigay ng mga pangunahing katangian ng genre, sinusuri ang mga personalidad ng mga tagalikha ng klasikong formula ng horror genre: theater director Max Moret, playwright Andre de Lorde at ang kanyang co-author, psychologist na si Alfred Binet , master ng mga espesyal na epekto Paul Ratineau.

Grand Guignol - guignol para sa mga matatanda, na ipinakita sa entablado ang isang kriminal na salaysay ng pagliko ng siglo. Ang kawalan ng isang kategorya ng moralidad sa likas na katangian ng tradisyonal na guignol, ang landas ng isang kriminal na nakaraan na sumunod sa likod ng pangunahing karakter (ang mga pagtatanghal ng guignol ay kontrolado ng pulisya), ay hindi

1 Pierron A. Préface // Le Grand Guignol: (Le Théâtre des peurs de la Belle époque). P. II.

hindi maimpluwensyahan ang pagpili ng pangalan para sa bagong teatro, na, gayunpaman, ay ganap na walang kinalaman sa papet na teatro. Si A. Pierron, na nagbubuod sa kanyang pananaliksik sa Grand Guignol, ay napagpasyahan na sa kabila ng makasaysayang at pampanitikan na mga kinakailangan, ito ay isang ganap na bagong genre: "Ang teatro ng matinding sitwasyon at transendente na emosyon"1.

Tinatalakay ng seksyong "Drama of the Atmosphere" ang mga pangunahing batas ng pagbuo ng isang mahusay na pagtatanghal ng guignol. Ginamit ni Max Moret ang nahanap na ng kanyang hinalinhan, ang tagapagtatag ng teatro, si Oscar Methenier, na, bilang dating collaborator ni André Antoine, ay tumingin sa unang bahagi ng Théâtre Libre. Pinatalas ni Moret ang bawat bahagi ng pagtatanghal: ang mga drama ng mas mababang antas ng lipunan ay nagbigay-daan sa mga kuwento ng nakagigimbal na mga krimen ng tao. Ang pagtanggal ng kategorya ng moralidad, ipinakilala ni Moret ang kahulugan ng "drama ng kapaligiran", na nakamit ang isang eksklusibong emosyonal na epekto sa manonood - sa pamamagitan ng pagtaas ng kaguluhan at takot (kasama niya, isang full-time na doktor ang lumitaw sa teatro na nasa tungkulin. sa panahon ng pagtatanghal - kung sakaling magkasakit ang madla). Isinalin niya ang pagiging maikli ng dramatikong anyo sa konsepto ng "timekeeping" (ang dula ay dapat tumagal mula sampu hanggang apatnapung minuto), at ang paghalili ng mga drama at komedya sa "contrast shower" na pamamaraan na kinakailangan para sa sikolohikal na pagpapahinga at naging Ang istilo ng lagda ng Grand Guignol. Sa wakas, sa ilalim ng Moret, ang naturalistic na epekto sa teatro ay umabot sa pinakamataas na antas ng pag-unlad nito: kung minsan ay ginulat ni Antoine ang mga manonood sa isang pagpapakita ng mga tunay na bangkay ng karne sa entablado, kung gayon ang madla ng Grand Guignol ay maaaring obserbahan ang pinaka-makatotohanang pinutol na mga paa, duguan. mga sugat, hiwa-hiwalay na mga bangkay, mga mukha na binuhusan ng sulfuric acid ... "Mahalagang bigyang-diin," ang isinulat ni Pierron, "na ang mga manonood ng cul-de-sac Chaptal ay bumisita sa teatro para sa kanilang kasiyahan. Lumabas siya doon na gulat na gulat, nabalisa, nagbagong anyo. Sa halimbawa ng ilang katangian

1 Pierron A. Préface // Le Grand Guignol: (Le Théâtre des peurs de la Belle époque). P. LXIII.

2 Ibidem. P. LXII.

Ang mga dulang guignol, ang estetika ng pagganap, ang mga paraan ng pag-impluwensya sa madla ay sinusuri.

Ang pangalawang seksyon ng kabanata ay tinatawag na "Contrast shower" - isang depinisyon na ibinigay ng mga kontemporaryo at nagpapakilala sa istilo ng mga paggawa ng teatro. Ang pangunahing karakter sa Grand Guignol ay ang genre mismo, at lahat ng elemento ng komposisyon ng pagtatanghal, kabilang ang aktor, dramaturhiya, disenyo ng entablado at mga espesyal na epekto, ay napapailalim sa mekanismo ng pagtaas ng katakutan sa auditorium. Ngunit ang therapeutic effect ay ang sobrang naturalistic na drama ng horror, na umabot sa pinakamataas na tensyon sa finale, ay napalitan ng buffoon comedy na sumunod dito, kung saan ang nakakatakot na epekto ay biglang naging props. Unti-unti, dumarating ang Grand Guignol sa hyperbole, na dinadala ang kapaligiran ng horror at naturalistic na mga diskarte sa punto ng kahangalan; upang madaig ang mga emosyon at sensasyon na ito sa isipan ng manonood sa tulong ng pagkakalantad sa bingit ng lagim at tawanan.

Ang Grand Guignol ay bahagi ng topograpiya at mitolohiya ng Belle Epoque, ang naging resulta nito: ginamit niya ang nakaraang karanasan - ang mga tradisyon ng tabloid melodrama at ang paaralan ng "mahusay na pagkakagawa", ang kabastusan at panoorin ng kultura ng katutubo; modernong mga impluwensya - pinalaki ang mga pamamaraan ng theatrical naturalism, at sa ilang mga lawak simbolismo (ang prinsipyo ng iminungkahing aksyon, karamihan sa mga ito ay nangyayari sa isip ng manonood); gumamit ng mga pamamaraan ng teatro ng direktor sa paglikha ng "drama sa kapaligiran"; isinasaalang-alang ang aesthetics ng silent films. Ang Grand Guignol ay minarkahan ang simula ng pag-aaral ng sikolohiya ng manonood, ang mga posibilidad ng emosyonal na epekto sa kanya. Sa wakas, ang Grand Guignol ay tumayo sa pinagmulan ng horror genre, na kalaunan ay naging pag-aari ng industriya ng pelikula.

Sa Konklusyon, ang mga resulta ng pag-aaral ay summed up at ang mga prospect para sa pagbuo ng mga itinuturing na artistikong proseso ay sinusubaybayan.

Malinaw na ang mga bagong anyo at genre ng teatro na umusbong sa France sa pagliko ng ika-19-20 siglo ay resulta ng reporma sa teatro na nauugnay sa

ang pagbuo ng sining ng pagdidirekta at ang paglipat ng diin sa pagganap mula sa aktor patungo sa artistikong integridad ng lahat ng paraan ng pagpapahayag.

Ang udyok na mag-eksperimento sa mga alternatibong mga porma at genre ng teatro ay ang pagsilang ng kabaret, na, gayunpaman, ay hindi isang teatro sa sarili nito. Ang Cabaret at teatro ng direktor, na lumitaw sa France halos sabay-sabay, ay hindi nakikipag-ugnayan sa isa't isa dito, dahil sila ay nabuo lamang bilang mga phenomena, at nabuo nang magkatulad. Dagdag pa, nang kumalat na sa Germany at Russia bilang isang ready-made aesthetic model, ang cabaret ay umaakit sa atensyon ng mga propesyonal na direktor at playwright at pinagkadalubhasaan nila bilang isang alternatibong palaruan na may sariling mga batas sa entablado.

Ang pag-akit ng mga artista at manunulat ng dula sa pagsisimula ng siglo sa mga tradisyunal na anyo ng papet na teatro, ang aplikasyon ng mga bagong pilosopikal at masining na gawain sa kanila ay nagsiwalat ng kanilang potensyal sa nilalaman, ang kanilang simbolikong at matalinghagang kalikasan, habang inalis ang mga tuntunin ng tradisyon at ginagawa ang puppet isang instrumento sa paglikha ng isang masining na imahe, na nagbigay ng pagkakataon sa teatro ng libreng form na pagmomodelo.

Sa pagdating ng "horror theater", ang pag-aaral ng sikolohiya ng manonood at ang mga posibilidad na maimpluwensyahan siya ay nagsisimula, na kasunod na humahantong sa kababalaghan ng genre ng sinehan.

Ang mga bagong anyo at genre ng teatro na lumitaw sa France sa pagliko ng mga masining na kilusan sa pagliko ng ika-19 at ika-20 siglo ay nagpapakita ng malapit na pagkakaugnay, interweaving at halatang pagkakapareho ng mga malikhaing paghahanap na nauugnay sa proseso ng pagiging isang teatro ng direktor at naglalayong sa muling pag-iisip ng konsepto ng theatricality. Ang mga pagtuklas na ginawa dito ay higit na naghanda ng aesthetic base para sa theatrical avant-garde ng ika-20 siglo; kasabay nito, ang mga pundasyon ng kulturang masa ay inilatag dito.

1. Kuzovchikova T. I. "Roadside theater" sa France sa pagliko ng XIX-XX na siglo // Opinyon ng siyentipiko. - 2013. - No. 11. - S. 116-121. (0.3 p. l.)

2. Kuzovchikova T. I. Guignol at "Ubu-King" // University Scientific Journal = Humanities and Science University Journal. - 2013. - No. 6. (sa produksyon). (0.25 p. l.)

sa iba pang mga edisyon:

3. Kuzovchikova T. I. Parisian shadows ng "Black Cat" // Theater of Miracles. - 2010. - Hindi. 1-2. - S. 34-40; No. 3-4. - S. 46-49. (1 p. l.)

4. Kuzovchikova T. I. Montmartre ay isang libreng lungsod // Personalidad at kultura. -2010. - Hindi. 5. - S. 98-100. (0.2 p. l.)

5. Kuzovchikova T. I. The Little Puppet Theater of Henri Signoret: ang negasyon ng aktor // Ang kababalaghan ng aktor: propesyon, pilosopiya, aesthetics. Mga pamamaraan ng ikaapat na pang-agham na kumperensya ng mga mag-aaral na nagtapos noong Abril 28, 2010. - St. Petersburg: SPbGATI, 2011. - S. 118-123. (0.3 p. l.)

6. Kuzovchikova T. I. Mga manika mula sa Vivienne Street // Teatron. - 2011. - No. 1. -SA. 38^19. (1 p. l.)

7. Kuzovchikova T. I. Cabaret sa France sa pagtatapos ng ika-19 na siglo bilang isang bagong anyo ng theatricality. Sha Noir // Theatron. - 2012. - No. 2. - S. 82-94. (1 p. l.)

Nilagdaan para sa pag-print ng 01/29/14 Format na 60x841Lb Digital Print. l. 1.15 Circulation 100 Order 07/01 print

Printing house na "Falcon Print" (197101, St. Petersburg, Bolshaya Pushkarskaya st., 54, opisina 2)