Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

MGA BABAENG MUSICIAN Ang pinakamasamang sitwasyon, mula sa pananaw ng mga kababaihan, ay ang Vienna Philharmonic Orchestra, na hanggang 1997 ay isang all-male ensemble, ngunit sa wakas, na may mabigat na puso, ay sumunod. opinyon ng publiko. Simula noon, naroroon na ang mga babae, ngunit pumasok pa rin

Saang bansa nakatira ang mga musikero ng Bremen? Ang Alemanya bilang isang bansa ay lumitaw sa mapa ng mundo lamang na may kalagitnaan ng ika-19 siglo. Hanggang sa oras na ito, maraming maliliit na pamunuan ang umiiral sa teritoryo nito, kung saan mayroong mga "libreng lungsod". Mula noon, ang Bavaria ay nanatili sa mapa ng bansa,

Mga walang armas na musikero Kabilang sa mga sikat na artistang walang armas ay mayroong mga hindi gaanong sikat bilang mga musikero. Kabilang sa kanila ay si Jean de Ono mula sa Brussels, na isang bihasang manlalaro ng mandolin at may mahusay na kontrol sa brush, hawak ito sa mga daliri: At si Gottfried Dietze, mabuti

Walang kapagurang musikero – mga tipaklong Sino ang hindi pamilyar sa mga tipaklong! Maaari silang matagpuan sa lahat ng dako: sa kagubatan, sa bukid o sa parang. Kilala sila bilang walang sawang mga musikero, na nagpapasigla sa kalikasan sa buong tag-araw sa kanilang masasayang huni, at bilang mahusay na mga tumatalon. Ang mga tipaklong ay kayang tumalon

Teknolohiya, pag-unlad" www.methodkabinet.rf

Iovenko Yulia Evgenievna, guro ng piano na MAOUK DOD Paaralan ng musika ng mga bata ng Komsomolsk-on-Amur, Khabarovsk Territory

Akingproyektomay kinalaman sa mga problema sa interpretasyon musikang piano.

Sa loob nito ay hahawakan ko ng kaunti ang paksa ng kasaysayan ng piano performing art, at hawakan din ang isyu ng mga uso sa modernong pianismo ng pagganap, pag-uusapan ko ang ilang mga pianista sa ating panahon na, sa aking palagay, ay ang pinakamahusay na mga interpreter ng ito o ang kompositor na iyon.

Ang musika ay kabilang sa mga sining espesyal na lugar sa pamamagitan ng pagiging tiyak nito. Sa layuning umiiral sa anyo ng musikal na notasyon, kailangan ng musika ang pagkilos ng muling pagtatayo ng tagapalabas, ang masining na interpretasyon nito. Sa likas na katangian ng musika mayroong isang diyalektikong pagkakaisa ng komposisyon at pagganap ng musikal.

Ang pagtatanghal ng musika ay palaging kontemporaryong pagkamalikhain, ang pagkamalikhain ng isang partikular na panahon, kahit na ang gawain mismo ay pinaghihiwalay mula dito ng isang malaking yugto ng panahon.

Depende sa panahon ng pag-unlad ng piano music, ang mga pianista ay bumuo ng isang tiyak na istilo ng pagganap, isang tiyak na paraan ng pagtugtog.

Panahon ng keyboard ay isang prehistory para sa piano performance. Sa oras na ito, ang uri ng pagsasanay na musikero, ang "naglalaro ng kompositor", ay nahuhubog. Ang batayan ng mga kasanayan sa pagganap ay malikhaing improvisasyon. Ang birtuosidad ng naturang musikero ay bumaba hindi gaanong sa teknikal na pagiging perpekto, ngunit sa kakayahang "magsalita" sa madla gamit ang instrumento.

Ang isang bagong mahalagang yugto sa pagtatanghal ng musika ay bukang-liwayway sa pagtatapos ng ika-18 siglo sa pagsulong ng bagong solong instrumento - ang hammer piano. Komplikasyon nilalamang musikal kinakailangan ang pangangailangan para sa tumpak na notasyon ng musika, pati na rin ang pagtatala ng mga espesyal na tagubilin sa pagganap.

Ang pagganap ng piano ay nakakakuha ng emosyonal na kayamanan at dynamism.

Sa pagtatapos ng ika-18 siglo, lumitaw ang isang bagong anyo ng paggawa ng musika - isang pampubliko, bayad na konsiyerto. Mayroong dibisyon ng paggawa sa pagitan ng kompositor at tagapalabas.

Maagang ika-19 na siglo Isang bagong uri ng musikero ang nabubuo - ang "composing virtuoso". Bagong spatial-acoustic na kondisyon (malaki mga bulwagan ng konsiyerto) ay humingi ng mas malaking sound power mula sa mga performer. Para lumakas sikolohikal na epekto ipinakilala ang mga elemento ng libangan. Ang "laro" ng mukha at mga kamay ay nagiging isang paraan ng spatial na "sculpting" musikal na imahe. Ang madla ay naiimpluwensyahan ng virtuosic na saklaw ng laro, ang matapang na paglipad ng pantasya, at ang makulay na hanay ng mga emosyonal na lilim.

At sa wakas sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo at binubuo ang isang musikero-interpreter, isang interpreter ng gawa ng kompositor ng ibang tao. Para sa interpreter, ang eksklusibong subjective na katangian ng pagganap ay nagbibigay-daan sa interpretasyon, na nagtatakda sa harap niya ng mga layunin ng masining na gawain - ang pagsisiwalat, interpretasyon at paghahatid ng makasagisag na istraktura ng gawaing musikal at ang intensyon ng may-akda nito.

Halos lahat ika-19 na siglo nailalarawan sa pamamagitan ng isang malakas na pag-unlad ng pagganap ng piano. Ang pagtatanghal ay naging pangalawang paglikha, kung saan ang interpreter ay natagpuan ang kanyang sarili sa isang pantay na katayuan sa kompositor. Ang pangunahing pigura sa performing sphere ay ang gumagala-gala na birtuoso sa lahat ng kanyang mga uri - mula sa piano "acrobats" hanggang sa mga tagapalabas ng propaganda. Ang gawain nina Chopin, Liszt, at ang magkapatid na Rubinstein ay pinangungunahan ng ideya ng pagkakaisa ng masining at teknikal na mga prinsipyo, sa kabilang banda, itinakda nina Kalkbrenner at Laugier ang pangunahing layunin ng pagtuturo ng isang birtuoso na estudyante. Ang estilo ng maraming mga masters ng ika-19 na siglo ay napuno ng gayong masining na pagkukusa na isasaalang-alang namin itong ganap na walang lasa at hindi katanggap-tanggap.

XX siglo ay ligtas na matatawag na siglo ng mga dakilang pianista: napakarami sa isang yugto ng panahon, tila hindi pa nagkaroon ng mga ito noon pa man. Paderewski, Hoffmann, Rachmaninov, Schnabel - sa simula ng siglo, Richter, Gilels, Kempff - sa ikalawang kalahati. Ang listahan ay maaaring palawakin nang walang hanggan...

Sa pagliko ng XX-X ako mga siglo Ang iba't ibang mga interpretasyon ay napakahusay na kung minsan ay hindi madaling maunawaan ang mga ito. Ang ating panahon ay isang pagkakaiba-iba ng mga istilo ng pagganap.

Modernong sining ng pagtugtog ng piano. Ano ito? Ano ang nangyayari dito, ano ang namatay at ano ang ipinanganak?

Sa pangkalahatan, ang trend sa piano performance art ngayon, hindi tulad, sabihin, kung ano ito kahit na 50 taon na ang nakaraan, ay ang priyoridad ng mga detalye kaysa pangkalahatang konsepto. Ito ay nasa iba't ibang pagbabasa ng mga micro-detail mga kontemporaryong tagapalabas gustong hanapin ang kanilang pagkatao.

Nariyan din ang pagkakaroon ng hindi sinasabing tuntunin ng pagpapatupad: “walang homophony. Ang buong texture ng piano ay palaging ganap na polyphonic, at kahit stereophonic. Ang isang pangunahing prinsipyo ay konektado dito: ang bawat daliri ay isang hiwalay at buhay at tiyak na instrumento, na responsable para sa tagal at kalidad ng tunog" (sipi mula sa isang panayam - aralin ni Mikhail Arkadyev).

“Ang pinakatiyak at pinakamataas na lunas

serbisyo sa mga mahuhusay na kompositor

ay binubuo sa pagdadala sa kanila ng kumpleto

sinseridad ng artista"

(Alfred Cortot).

Mula nang lumitaw ang isang gawaing pangmusika na naitala sa isang tiyak na sistema ng notasyon, ang mga malikhaing relasyon sa pagitan ng mga pangunahing tagadala ng musika - mga kompositor at tagapalabas - ay nasa proseso ng patuloy na pagbabago. Sa komunidad na ito, dalawang tendensya ang naglalaban - ang pagnanais na sumanib sa pagnanais para sa pagpapahayag ng sarili. Mula noong kalagitnaan ng ika-19 na siglo, ang pianismo ng Russia ay naging isa sa mga pinaka-progresibong grupo sa mundo na gumaganap ng sining. Sa Russia, mas maaga kaysa sa kahit saan pa, naunawaan nila ang pangangailangan para sa isang maingat na pag-aaral ng teksto ng may-akda kasama ang isang malikhaing saloobin patungo dito. Ang unang apat na dekada ng ika-20 siglo ay ang panahon ng pinaka maayos na paglutas ng isyu ng saloobin sa teksto ng may-akda; Ang mga pianista ay nagsimulang maunawaan nang mas malalim ang kakanyahan ng akda at ang istilo ng lumikha nito. Ang mga musikero ng Sobyet ay gumawa ng isang karapat-dapat na kontribusyon sa mundo na gumaganap ng Bahian. Sinamba ni M.V Yudina si Bach sa buong buhay niyang malikhain. Ito ay pinatunayan ng bilang (mga walumpu) ng kanyang mga gawa na ginampanan ng pianista - halos kakaiba para sa mga artista ng kanyang henerasyon. Sa repertoire ni Bach, tinalikuran niya ang maraming nagpapahayag na romantikong paraan, kabilang ang partikular na mga piano; ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang mas makasaysayang, sa paghahambing sa mga interpretasyon ng mga romantiko, pagbabasa ng Bach. Si Yudina ay isa sa mga unang natanto na ang gawa ni Bach at ang modernong piano ay nabibilang sa iba't ibang panahon bilang buhay masining na katotohanan, na nagpapahirap sa interpreter. TUNGKOL SA makabagong mga tampok Ang istilo ni Yudina ay maaaring hatulan sa pamamagitan ng kanyang pagganap ng Chromatic Fantasy at Fugue, na nakikilala sa pamamagitan ng mga linear figurations, ascetic coloring at masiglang harpsichord-like dismemberment ng articulation. Kapansin-pansin ang "pagpaparehistro" sa lumang keyboard spirit, na may touch ng organ, pati na rin ang mabagal, "sovereign" na tempo at mahigpit na agogics. Ang pagnanais ng pianista para sa istilo ay hindi kailanman naging parang museo na "tuyo" na pagganap. Sa mga interpretasyon ni Yudina, ang kakayahang magpahayag ng pangmatagalang paglulubog sa isang emosyonal na estado, nawala sa mga romantikong pagbabasa, ay nagsimulang bumalik sa mga gawa ni Bach: ang muling pagkabuhay ng mga prinsipyo ng pagpaparehistro ng keyboard-organ; ang pagkawala ng diminuendo sa mga huling bar; pagtanggi sa tradisyon ng unti-unting pagtaas ng lakas ng tunog sa fugues mula sa kanilang simula hanggang sa wakas, ang kawalan ng impulsive rubato. Ito ay nagkakahalaga ng pagpuna ng isa pang tampok na "clavier" sa pagganap ng mga desisyon ni Yudina - ang pagtaas ng kahalagahan ng artikulasyon.

Sa mga musikero ng Sobyet, si Svyatoslav Teofilovich Richter ay naging isang klasiko ng post-romantic na yugto ng kasaysayan ng pianismo, isang artista na ang trabaho ay nakatuon sa mga nangungunang uso ng bagong panahon ng pagganap. Gumawa siya ng mga interpretasyon kung wala ang kasaysayan ng pagganap ng musika ni Bach ay hindi maiisip. Mapagpasyahang lumabag sa mga tendensya ng isang romantikong interpretasyon ng gawain ng kompositor na ito, tinawid ni Richter ang mga transkripsyon mula sa kanyang mga programa. Sa Preludes and Fugues mula sa HTC, na sumasakop sa pangunahing lugar sa Richter's Bach discography, inihahambing niya ang romantikong kalayaan at subjectivity ng mga interpretasyon sa pagnanais para sa maximum na objectivity at, kumbaga, "pumupunta sa mga anino," nais na hayaan ang " ang musika mismo” tunog. Ang mga interpretasyong ito ay puno ng maingat, malinis na saloobin sa may-akda. Ang pagsipsip sa sarili dito ay ganap na nangingibabaw sa mga panlabas na pagpapakita ng mga damdamin; ang emosyonal na intensidad ay makikita lamang sa napakalaking intelektwal na pag-igting. Ang kanyang kakaibang kasanayan ay makikita sa kanyang pagiging invisibility, sa laconicism at asceticism ng kanyang pianistic na paraan. Naririnig natin sa Richter ang posibilidad ng organ, vocal, orchestral, orchestral-choral at harpsichord sound at bell sound. "Kumbinsido ako na ang Bach ay maaaring laruin nang mahusay sa iba't ibang paraan, na may iba't ibang mga artikulasyon at may iba't ibang dynamics. Hangga't ang kabuuan ay napanatili, hangga't ang mahigpit na mga balangkas ng estilo ay hindi baluktot, hangga't ang pagpapatupad ay sapat na kapani-paniwala" (S.T. Richter).

Ang malalim at komprehensibo, tunay na masining na diskarte sa ikot ng HTC ay katangian ng Richter. Sa pakikinig sa pagganap ni Richter, hindi mahirap tuklasin ang dalawang pangunahing tendensya sa kanya, na kung minsan ay nag-aaway sa isa't isa. Sa isang banda, ang kanyang pagganap ay tila nasa loob ng mga hangganan na itinakda ng mga kakaiba ng clavier art ng panahon ni Bach. Sa kabilang banda, palagi itong tumatalakay sa mga phenomena na lumalampas sa mga hangganang ito. "Sa loob nito, kumbaga, ang harpsichord, clavichord, at organ sympathies ni Bach, at ang kanyang makikinang na mga pananaw sa hinaharap ay" soldered "sama-sama" (Ya. Milshtein). Pinagsasama nito ang nagpapahayag, nakabubuo at mga linear na elemento sa isang kabuuan. Iyon ang dahilan kung bakit sa iba pang mga preludes at fugues Richter ay dinadala sa unahan ang intelektwal, constructive-polyphonic na prinsipyo at nag-uugnay sa kanilang matalinghagang istraktura dito; sa iba – binibigyang-diin lalim ng pilosopikal Ang musika ni Bach at ang nauugnay na organikong balanse ng lahat ng paraan ng pagpapahayag. Minsan siya ay naaakit sa pamamagitan ng pagpapahayag ng maayos na pag-agos ng mga melodic na linya (coherent legato articulation), kung minsan, sa kabaligtaran, sa pamamagitan ng talas at kalinawan ng ritmo, ang paghihiwalay ng artikulasyon. Kung minsan ay nagsusumikap siya para sa romantikong lambot at kaplastikan ng paglalaro, kung minsan para sa matalas na binibigyang-diin na mga dynamic na kaibahan. Ngunit siya, siyempre, ay hindi nailalarawan sa pamamagitan ng "sensitibo" na pag-ikot ng mga parirala, maliit mga dynamic na shade, hindi makatarungang mga paglihis mula sa pangunahing bilis. Lubhang alien din ito sa mataas na nagpapahayag, mapusok na interpretasyon ng Bach, mga asymmetrical accent, matalim na diin sa mga indibidwal na tala at motif, biglaang "spasmodic" na acceleration ng tempo, atbp. Ang kanyang pagpapatupad ng HTC ay matatag, malaki sa plano, organic at walang putol. "Ang kanyang pinakamataas na kaligayahan ay ang matunaw sa kalooban ng kompositor na kanyang pinili" (Ya. Milshtein).

Ang pangunahing impetus para sa mga kahanga-hangang interpretasyon ni Glen Gould, na sumakop sa mundo, ay ang kamangha-manghang intuwisyon, ang hindi mapaglabanan na puwersa ng mga musikal na emosyon na nabubuhay sa loob niya. Ang Gould's Bach ay ang pinakadakilang tugatog ng sining ng pagganap sa ikalawang kalahati ng ika-20 siglo. Ang harpsichord palette ng pianism ni Gould, ang kanyang melismatics at marami pang iba ay nagpapatotoo sa talino at pinakamalalim na pagtagos sa kultura ng panahon ni Bach. Ang mga interpretasyon ni Gould sa mga imbensyon, partitas, mga pagkakaiba-iba ng Goldberg at iba pang mga gawa ni Bach ay naging isang masining na kayamanan, na napagtanto ng ating mga kontemporaryo bilang mga obra maestra ng sining ng pagtatanghal, bilang isang pangkakanyahan na pamantayan na naalis sa lahat ng naipon na mga layer. Gayunpaman, ang malikhaing nangingibabaw ng master ay hindi kailanman imitasyon kay Bach. Sinusunod niya ang kanyang intuwisyon, ngunit hindi nag-atubiling baguhin ang direktang data ng "puting" teksto ni Bach. Si Gould ay gumaganap ng mga gawa ni Bach na may iba't ibang antas ng artistikong paniniwala. Hindi lahat ng fugues mula sa Volume I ng HTC ay ginagawa sa karaniwan ni Gould antas ng sining. Sa paglalaro ng master ay madalas na may direktang paglihis mula sa teksto, ang mga pagkakaiba-iba ng ritmo at pitch nito.

Ang paglalaro ni Gould ay kamangha-mangha sa orihinal at napakapahayag nitong kalidad ng melismatik. Ang kanilang lokasyon ay orihinal din - marami ang naidagdag, ang iba ay hindi naisakatuparan. Kung wala sila, ang mga interpretasyon ng Bach ng artist ay mawawalan ng maraming. Ang artist ay madalas na gumagamit ng mga ritmikong pagkakaiba-iba ng teksto. Ngunit kung ang nabanggit na mga tampok ng paglalaro ng master ay hindi nagpapakilala ng malalayong pagbabago sa karakter at kahulugan ng mga akda, kung gayon ang iba pang pagbabago ni Gould ay sumasalakay sa pinakabuod ng mga gawa. Ang mga interpretasyon ng Canadian master ay sumasaklaw sa isang mayamang figurative spectrum. Gumaganap siya ng maraming bagay na may malalim na liriko, ritmikong kalayaan na hindi karaniwan para kay Bach, at maikling parirala. Ang kanyang pagtugtog ay namamangha sa pagiging perpekto at kasikatan ng kanyang boses. Ang buong tela ng musika ay malinaw "sa isang sulyap." Ang musika ay tila pinayaman ng nagpapahayag na intonasyon ng lahat ng boses.

Ang pagpipinta ng linya ng master ng laro ay napaka-develop, iba-iba, at pino. Ang kanyang mga pagpindot ay nagbibigay sa motivic structure ng mga melodies ni Bach ng pinaka-iba't ibang anyo. Ang hindi pangkaraniwang pamamaraan ng iba't ibang mga stroke sa parehong melodies, kabilang ang mga tema ng fugues, imbensyon at iba pang mga gawa, ay partikular na interes at nagbubukas ng mga bagong problema sa pagganap. Nag-aaral mga orkestra na gawa Ang Bach, kung saan mayroong isang tiyak na bilang ng mga liga ng may-akda - mga stroke, ay nagpapakita ng posibilidad ng gayong halimbawa. Ang mahusay na kompositor mismo ay nag-iba-iba ng kanyang mga stroke, at hindi gaanong bihira. Ang Canadian freethinker ang lumikha ng pinaka-nakakahimok na Bach sa ating panahon. Siya ay isang iba't ibang Bach: hindi ang isa na sa panahon ng kanyang buhay, at hindi ang isa na, nagbabago, lumitaw iba't ibang henerasyon, ngunit siya ay tila sa mga kasabayan ni Gould ang pinaka-tunay na Bach.

Sa larangan ng instrumental na musika, ang gawain ni J. S. Bach ay nagbukas ng isang buong bagong panahon, ang mabungang impluwensya nito ay umaabot hanggang ngayon at hinding-hindi matutuyo. Hindi napigilan ng ossified dogma ng isang relihiyosong teksto, ang musika ay malawak na nakatuon sa hinaharap, direkta totoong buhay. Ito ay malapit na konektado sa mga tradisyon at pamamaraan sekular na sining at nagpapatugtog ng musika.

Ang tunog ng mundo ng instrumental na musika ni Bach ay minarkahan ng kakaibang pagka-orihinal nito. Ang mga gawa ni Bach ay naging matatag na nakabaon sa ating kamalayan at naging isang mahalagang aesthetic na pangangailangan, bagama't ang mga ito ay tinutugtog sa mga instrumentong naiiba sa mga panahong iyon.

Ang instrumental na musika, lalo na si Köthen, ay nagsilbi kay Bach bilang isang "pang-eksperimentong larangan" para sa pagpapabuti at pagpapahusay ng kanyang komprehensibong pamamaraan ng komposisyon. Ang mga gawaing ito ay may pangmatagalang masining na halaga, sa pangkalahatan malikhaing ebolusyon Ang Bach ay isang kinakailangang link. Ang clavier ay naging para kay Bach ang pang-araw-araw na batayan para sa musikal na pag-eeksperimento sa larangan ng istruktura, pagkakatugma, at pagbuo ng anyo, at mas malawak na nag-uugnay sa iba't ibang genre ng sphere ng gawa ni Bach sa isa't isa. Pinalawak ni Bach ang matalinghaga at nagpapahayag na globo ng clavier at binuo para dito ang isang mas malawak, sintetikong istilo, na isinama ang mga nagpapahayag na paraan, pamamaraan, at tematik na natutunan mula sa organ, orchestral, at vocal literature - German, Italian, French. Sa lahat ng versatility ng matalinghagang nilalaman, na nangangailangan ng ibang paraan ng pagganap, ang istilo ng keyboard ni Bach ay nakikilala ng ilang pangkalahatang katangian: energetic at marilag, nilalaman at balanseng emosyonal na istraktura, kayamanan at iba't ibang texture. Ang tabas ng melody ng keyboard ay malinaw na malambing, na nangangailangan ng isang cantabile na istilo ng pagtugtog. Ang prinsipyong ito ay higit na nauugnay sa pag-fingering at paglalagay ng kamay ni Bach. Ang isa sa mga tampok na katangian ng estilo ay ang kayamanan ng pagtatanghal na may mga harmonic figurations. Sa pamamagitan ng pamamaraang ito, hinangad ng kompositor na "itaas sa ibabaw ng tunog" ang malalim na mga layer ng mga magarang harmonies na iyon, na sa pinagsamang texture sa clavier noong panahong iyon ay hindi ganap na maihayag ang mga kayamanan ng kulay at pagpapahayag na nakapaloob sa kanila.

Ang mga gawa ni Bach ay hindi lamang nakakamangha at hindi mapaglabanan na nakakaakit: ang kanilang epekto ay nagiging mas malakas kapag mas madalas nating marinig ang mga ito, mas nakikilala natin sila. Salamat sa napakalaking kayamanan ng mga ideya, palagi tayong nakatuklas ng bago sa mga ito na nagdudulot ng paghanga. Pinagsama ni Bach ang isang marangal at kahanga-hangang istilo na may pinakamahusay na pagtatapos, matinding pangangalaga sa pagpili ng mga detalye ng kabuuan ng komposisyon, dahil kumbinsido siya na "ang kabuuan ay hindi maaaring maging perpekto kung ang mga detalye ng kabuuan na ito ay hindi "nakakabit" sa isa't isa nang tumpak. ” (I. Forkel).

Ang isang malawak at napaka-kaakit-akit na konsepto para sa marami, ang mga tagasunod nito ay naniniwala na ang isang piraso ng musika ay isang paraan ng pagpapahayag ng sarili para sa tagapalabas. Ang konseptong ito ay umiikot kahit mula pa noong Liszt. Ibinahagi ito ng ilang kritiko sa musika, habang ang iba ay nagpoprotesta. Ako mismo ay kumbinsido na ang mga kompositor, kapag nagsusulat ng dula, ay may isang napakalinaw na ideya kung paano ito dapat tunog, at sila, siyempre, ay may higit na mga dahilan upang maging tama kaysa sa iba. Ang mga nakadokumentong pahayag ng ito o ang kompositor na iyon ay maaaring sa una ay napagtanto namin bilang hindi maliwanag, o kahit na malinaw na salungat sa bawat isa. Upang maiwasan ang mga ganitong paghatol na malito tayo, kinakailangang isaalang-alang ang mga pangyayari kung saan ginawa ang mga ito. Sa pamamagitan ng pagtingin sa isang seleksyon ng mga dokumento mula sa pamana ni Sergei Koussevitzky, makikita natin dito ang isang telegrama mula kay Igor Stravinsky, na nagsasabing: "Salamat sa mahusay na pagganap ng aking Ode." Ang mga salita ni Stravinsky ay parang tahasang papuri. Ngunit, tulad ng minsang iniulat ni Robert Kraft, sa katunayan ang telegrama ay ipinadala upang ipahayag ang pasasalamat sa isang tapat na tagasuporta, na ang kompositor sa isang makitid na bilog ay mahigpit na pinuna dahil sa kanyang sinasadyang interpretasyon ng mga dulang ipinagkatiwala sa kanya.

Noong unang bahagi ng 1920s, narinig ko ang isang pahayag ni Richard Strauss na tila pinabulaanan ang sinusubukan kong ipaglaban dito. Ang panahon ng Republika ng Weimar ay nagsilang ng maraming iba't ibang pang-eksperimentong malikhaing komunidad, kabilang ang democratically organized at touring opera troupe na Wanderbühne 1 . Ang pangunahing inobasyon na ipinakilala ng tropa ay isang sistema ng pamamahagi ng mga tungkulin, ayon sa kung saan ang mang-aawit na abala noong Martes sa papel ng Countess Almaviva ay maaaring maging isang bridesmaid sa Miyerkules, habang ang gumaganap ngayon ng isang pangalawang tungkulin, sa bisa ng parehong prinsipyo, naging prima donna kinabukasan. Ang sistema ay gumana nang ilang panahon, ngunit pagkatapos ay kinailangan itong iwanan - ang kapalaran ng lahat ng gayong mga gawain batay sa isang kathang-isip na pagkakapantay-pantay ng talento at pag-uugali. Naganap ang mga pag-eensayo sa isang gusaling tumataas sa isa sa mga burol ng Bavaria malapit sa Garmisch, kung saan

1 Lit.- naglalakbay na teatro (Aleman).

nabuhay si R. Strauss. Isang araw, habang kinukumpleto ang paghahanda para sa Intermezzo, nagpasya ang mga miyembro ng tropa na anyayahan ang may-akda ng musika sa isang run-through na rehearsal. Ang mga recitative episode na makikita sa score na ito ay nangangailangan ng pinakaperpektong declamatory technique mula sa vocalist, pangalawa sa kumplikado lamang sa mga katulad na episode sa Der Rosenkavalier. Kahit na ang pinaka mahuhusay na mang-aawit ay hindi laging ganap na nagtatagumpay sa mga pinakamahihirap na sipi na ito. parlando. Nalulugod sa pagiging masinsinan ng gawaing ginawa, ang punong konduktor ng tropa, sa isang pakikipag-usap sa kompositor na naganap sa panahon ng pahinga, ay buong pagmamalaking iginiit na ang bawat pantig, bawat nota ay inaawit nang eksakto tulad ng ipinahiwatig sa marka, "na may isang daan. porsyento ng katumpakan." Pagkatapos makinig sa kanya, biglang nagtanong si R. Strauss: “Bakit kailangan mo ng ganoong katumpakan?”

Noong una kong narinig ang kwentong ito bilang isang tinedyer, napagtanto ko retorikang tanong ang may-akda ng "Intermezzo" sa literal na kahulugan, na naniniwala na ang musikal na notasyon ay isang tinatayang salamin lamang ng tunog na larawan, kung saan ang tagapalabas mismo ay nagpapakilala ng iba't ibang mga detalye. Habang natututo ako nang kaunti sa paglipas ng panahon tungkol sa kung paano hatulan ang kahulugan ng mga pahayag batay sa kanilang konteksto, nakita ko ang eksenang inilarawan sa isang bagong liwanag. Ang pagbabarena sa mga mang-aawit, sinusubukang sanayin sila ayon sa napatunayang pamamaraan ni Beckmesser, ang punong konduktor, na maingat na tiniyak ang maingat na pagpaparami ng bawat pantig ng mga diyalogo, ay talagang nag-alis sa mga diyalogong ito ng kanilang likas na pagpapahayag at kasiglahan. Nang, nalulugod sa kanyang sarili, sa panahon ng pahinga sa pagitan ng mga kilos, sinimulan niyang igiit na ang bawat solong nota ay tumpak na nilalaro, nagpasya ang kompositor na harapin siya, ngunit sa paraang hindi siya masaktan. Gayunpaman, sa anong iba pang paraan maipapaliwanag ni R. Strauss, bilang isang matalinong tao at isang insightful psychologist, sa konduktor na ang masipag na solfege ay hindi pa isang tunay na recitative? Paano pa siya makakagawa ng isang konduktor, na puno ng walang kabuluhan ng isang tandang, pakiramdam na, sa pag-aalala tungkol sa mga tala, nawala niya sa paningin ang pinakadiwa ng musika?

Binanggit ni Margarita Long ang isang pahayag ni Maurice Ravel, na sa unang tingin ay sumasalungat sa kahulugan ng mga salitang binigkas ni R. Strauss sa pakikipag-usap sa konduktor ng Wanderbühne. Tulad ng isinulat ng sikat na pianista, palaging hinihiling ni Ravel na ang mga nota lamang ang patugtugin sa kanyang musika at wala nang iba pa - isa pang halimbawa ng aphorism ng isang kompositor, mapanganib sa kalabuan nito para sa mga baguhan. Imposibleng tumugtog lamang ng mga tala, at ito ay lalo na nalalapat sa musika. tauhan ng alamat. Ang ilan sa mga dula ni Ravel ay gumagamit ng mga tradisyunal na ritmo ng sayaw na hindi man lang maitala sa mga recording. Hindi maiisip na kopyahin ang pangunahing ritmikong pattern ng "Bolero" sa eksaktong alinsunod sa notasyong pangmusika nito gaya ng pagpapanatili ng ritmo ng Viennese waltz sa La Valse sa mahigpit na three-beat time. Ang ganitong "literal" na interpretasyon ay sisira sa diwa ng sinuman

ng mga dulang ito, ang kanilang pagiging tunay at kulay, kung ang mga dulang ito ay nasa istilong Espanyol o Viennese. Tulad ni R. Strauss, nais ni Ravel - sigurado ako dito - na ilagay sa kanyang lugar ang mga performer na tiyak na nagsusumikap na mauna at kumbinsido na nauunawaan nila ang intensyon ng kompositor, bagama't hindi sila mabibigo ng espiritung nakapaloob sa kanyang musikal na piraso, o lubusang naiintindihan Wala silang oras para sa kanyang musikal na teksto. Ang problemang ito ay makikita sa isang liham mula kay R. Strauss sa kanyang pamilya, kung saan nagreklamo siya na hindi siya nasisiyahan sa premiere ng Don Juan, na naganap sa ilalim ng direksyon ni Hans von Bülow at naging isang mahusay na tagumpay.

“Ano ang pakinabang ko sa tagumpay na nakabatay sa hindi pagkakaunawaan? Hindi tama ang interpretasyon ni Bülow sa mga tempo at lahat ng iba pa. Nang walang kaunting ideya tungkol sa mala-tula na nilalaman ng musika, ginampanan niya ito bilang isang pirasong pinakinis, na binuo at pinagsama sa isang bagong istilo, na mayamang orkestra. Hindi maitatanggi na siya ay nag-ensayo nang mabuti, namuhunan ng lahat ng kanyang lakas, ngunit labis na kinakabahan at natatakot sa kabiguan (na hindi na niya kayang tiisin, dahil siya ay lubhang walang kabuluhan...); Bilang resulta, ipinakilala niya sa publiko ang isang napaka-kagiliw-giliw na piraso ng musika, ngunit hindi na ito ang aking "Don Juan."

Sa dulo ng liham, nagtapos si R. Strauss: “Naniniwala ako na walang sinuman ang may karapatang pangunahan ng kanyang imahinasyon, maging si Bülow, ito ay malinaw na sa akin.” Ang mga salita ng kompositor, na isinulat noong 1890 at nagpapahayag ng kanyang kawalang-kasiyahan, ay tila umaalingawngaw sa isinulat ni Beethoven kay Carl Czerny: “Bukas ay pupunta ako upang makipag-usap sa iyo. Kahapon ako ay hindi napigilan at pagkatapos ay pinagsisihan ko ang nangyari, ngunit dapat mong patawarin ang may-akda na mas gustong marinig ang kanyang musika nang eksakto kung ano ang gusto niya, at walang magagawa tungkol dito, gaano man kaganda ang iyong paglalaro sa sarili nito." * Si Stravinsky at ang iba pang mga kompositor na nabuhay na sa ating panahon ay madalas na nagsasalita nang may kapaitan tungkol sa kanilang "mga santo patron," iyon ay, tungkol sa mga konduktor na sumuporta sa kanila. Bartok ay napunit sa pagitan ng pasasalamat para sa tulong pinansyal at ang galit na nagbaluktot ng mga interpretasyon ng musikang kanyang nilikha ay pumukaw sa kanya. Tulad ni R. Strauss noong 1890, ang mga kompositor mga susunod na henerasyon Kapag nabaluktot ang kanilang mga plano, halos hindi nila maipahayag ang kawalang-kasiyahan o protesta nang hindi nanganganib na mawala ang mga serbisyo at suporta ng mga sikat na konduktor at iba pang performer na pumabor sa kanila 2 .

2 Ang lahat ng ito ay nagpapaalala sa akin ng isang kilalang biro, ang pagiging tunay na kung saan ako, gayunpaman, ay nagdududa. Habang naninirahan sa Paris, nagtalaga si Rossini ng maraming oras sa paghahanda ng mga konsyerto para sa mga sosyal na gabi na ginanap sa mga mayayamang bahay. Karaniwang iniimbitahan ng kompositor ang mga musikero, isinulat ang mga programa at tinitiyak na ang lahat ay nasa lugar at nangyari sa oras. Minsan siya mismo ang lumahok sa mga konsiyerto na ito. Minsan ay sinamahan niya si Adelina Patti, na kumanta ng isa sa kanyang tanyag na aria, na saganang pinalamutian siya ng lahat ng uri ng roulade, cadenza at iba pang palamuti, katulad ng madalas nating marinig mula sa mga mang-aawit na gumaganap ng mga solong numero ng opera. Nang matapos siya at umalingawngaw ang palakpakan, nagtanong si Rossini, na maraming papuri tungkol sa kanyang magandang boses,... sino ang may-akda ng dulang katatapos lamang na gumanap?

Iniuugnay ng kompositor ang hindi kasiya-siyang interpretasyon ni Bülow kay Don Giovanni, kahit sa isang bahagi, sa takot ng konduktor sa pagkabigo, na nag-ugat sa kanyang kawalang-kabuluhan. Sa katunayan, ang vanity ay ang ating numero unong kaaway, dahil ito ay may masamang epekto sa kakayahan ng tagapalabas na makita kung ano ang inilagay ng lumikha sa musika. Freischwebende Aufmerksamkeit 3, ang sine qua non na ito sa pamamaraan ng pagtatasa ng panaginip, ay kumakatawan, sa aking palagay, isang napakahalagang kalidad ng tunay na natatanging interpreter. Sa kasamaang palad, maraming mga tao ang nag-iisip na ang mga musikero na may pinakamataas na ugali sa pagkasira at labis na pag-uugali, na nagpapakita ng walang pigil na ugali, ay tiyak na ang pinaka-talented. Maaari tayong maniwala dito hanggang sa maging pamilyar tayo sa gawa ng mga kompositor na ang musika ay ipinakita sa atin. Kung hindi, ang pseudo-originality at vanity ay agad na lumalabas, tulad ng mga patak ng langis na lumulutang sa ibabaw ng tubig.

Ang katotohanan na ang isang konduktor ay dapat na isang exponent ng mga ideya ng kompositor ay hindi nangangahulugang isang bagong konsepto. Sa treatise ni Johann Matteson na “The Perfect Kapellmeister,” na inilathala noong 1739, nakita namin ang isang kahanga-hangang buod ng esensya ng dilemma ng conductor-composer:

"Ang pinakamahirap na gawain na naghihintay sa gumaganap ng paglikha ng ibang tao ay tunay na nakasalalay sa pangangailangan na idirekta ang lahat ng kapangyarihan ng kanyang isip upang maunawaan ang orihinal na diwa ng mga iniisip ng ibang tao. Ang sinumang hindi alam kung paano tugtugin ito mismo ng lumikha ng musika ay malamang na hindi ito mahusay, ngunit masisira ang kasiglahan at kagandahan nito, at madalas na lumalabas na ang kompositor, kung narinig niya ito ng ganoon, ay hindi makikilala ang kanyang piraso sa lahat."

Ang ganitong uri ng katibayan, na nagbibigay-liwanag sa saloobin ng mga kompositor sa musika, sa kung ano ang tila hindi katanggap-tanggap sa kanila, ay lalo na kahanga-hanga kapag ito ay nagdadala sa amin ng mga salita ng mga kompositor na mismong mga konduktor. At ito ay natural: ang isang kompositor na isang propesyonal na konduktor ay mas mahigpit sa iba pang mga konduktor kaysa sa kanyang mga kasamahan na alinman ay hindi kumukuha ng baton o ginagawa lamang ito paminsan-minsan. Para sa akin ay napakaangkop na sipiin sa dulo ng pagsusuring ito ang mga salita ni Gustav Mahler, na sinabi niya sa pakikipag-usap kay Nathalie Bauer-Lechner noong tag-araw ng 1896:

“Gaano karaming oras ang lumipas, anong komprehensibong karanasan ang kailangan mong matamo, anong maturity, hanggang sa matutunan mong gawin ang lahat nang simple at natural, sa paraang nakasulat; hindi upang magdagdag o magdala ng anumang karagdagang mula sa aking sarili, dahil ang higit pa sa huli ay nagiging mas kaunti... Ang pagsasagawa ng mga dakilang gawa sa aking kabataan, ako rin, ay hindi natural at hindi katamtaman at nagdagdag ng labis sa aking sarili, bagaman, sa pagkakaroon ng intuwisyon, ginawa ko ito. nang may pang-unawa. Nang maglaon ay mas napalapit ako sa tunay na katotohanan, pagiging simple at sa kaalaman na sa pamamagitan lamang ng pagtatapon ng lahat ng artificiality makakamit ng isang tao ang tunay na sining."

3 Hindi sinasadya (lit.- malayang lumulutang) pansin (Aleman).

Nagmula sa isang musikero na pantay na kompositor at konduktor, ang mga salitang "masyadong marami sa kanyang sarili" ay partikular na matimbang. Gamit ang pinaka-katangiang ekspresyong "mga dakilang gawa" sa talata sa itaas, ang Mahler, dapat ipagpalagay ng isa, ay nangangahulugang ang musika ng mga kompositor gaya ni Beethoven at ng iba pang katulad niya. Sa katunayan, maaaring sinabi ni Mahler: “Hanggang sa narinig ko kung paano aking musika ng iba, malamang na wala akong nagawang mas mahusay kaysa sa kanila, at sinubukan kong ayusin ang interpretasyon ng mga matatandang master sa sarili kong mga ideya tungkol sa perpektong komposisyon.

Sa harap ng aking mga mata, isang katulad na pagbabago sa mga pananaw ng mga musikero ng susunod na henerasyon ang naganap. Noong una akong dumalo sa mga konsiyerto ni Bruno Walter, napansin ko na kapag gumaganap ng Mozart, Haydn at Beethoven, madalas siyang gumawa ng isang uri ng backlash - isang maikling paghinto bago ang isang partikular na mahalagang punto. Ang backlash ay isa sa mga katangiang sandali ng pagbigkas ni Mahler, at samakatuwid sa kanyang mga marka ay madalas kang makakahanap ng isang espesyal na pagtatalaga para dito - isang kuwit. Ang pag-pause na ito ay nagagawa sa pamamagitan ng isang bahagya na kapansin-pansing pagkaantala sa pagpasok ng accented note at, sa parehong oras, sa pamamagitan ng pagpapaikli sa naunang tala. Ang pinakamadaling paraan upang isipin ito ay ang isipin kung paanong ang isang tao, na nag-iindayog ng martilyo, ay humawak dito nang ilang sandali sa itaas lamang ng kanyang ulo upang maghatid ng isa pang suntok na may mas malakas na puwersa. Kapag gumaganap ng mga classics, madalas na ginamit ni Bruno Walter ang backlash na ito ay itinuturing na parehong mannerism, artificiality na sinubukang iwasan ni Mahler sa kanyang mga mature na taon. Sa paglipas ng mga taon, naging mas matipid din si Walter at, tinatanggihan ang labis na mapagbigay at sa ilang mga lawak ng mga nuances ng nerbiyos, unti-unting binago ang kanyang pamamaraan sa pagsasagawa, pinasimple ito nang higit pa.

Ang mga salita ni Mahler na "gaya ng nasusulat" ay maaaring sa unang tingin ay tila isang malinaw na gabay na dapat maghatid sa atin sa ninanais na pagiging simple. Sa katotohanan, ang kanilang kahulugan ay napakalawak at hindi lubos na malabo. Kaya, halimbawa, ang tanong ay nananatili: "Ang lahat ba ay nakasulat sa mga tala?" Ang musikang lumitaw sa isang panahon kung saan ang ilang karaniwang tinatanggap na mga tradisyon ay nagpapanatili ng lahat ng kanilang lakas ay dapat na lapitan nang iba kaysa sa mga musikal na likha na nilikha kapag ang impluwensya ng mga tradisyon ay hindi gaanong mahalaga o hindi naramdaman. (Maglalaan ako ng isang hiwalay na kabanata sa isang talakayan ng mga tradisyon ng musikal, nang walang kaalaman kung saan imposibleng ganap na maunawaan ang intensyon ng kompositor ng klasikal na panahon.)

Ngunit gaano man kabuo ang pagsasaalang-alang ng tagapalabas sa mga tradisyon ng kaukulang panahon, gayundin ang mga intensyon ng kompositor na naitala sa marka, may mga pagkakataon pa rin na napipilitan siyang gabayan lamang ng kanyang sariling instinct at panlasa. Samakatuwid, mahalagang maunawaan nang malinaw kung saan nagsisimula at nagtatapos ang lugar, kung saan hindi dapat pumunta ang interpreter.