Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

sining ng Renaissance sa Italya (XIII-XVI siglo).

SA COMPILATION NG PAGE, ANG MGA MATERYAL AY GINAMIT MULA SA RESOURCE http://artclassic.edu.ru

Mga tampok ng sining ng Renaissance sa Italya.

Ang sining ng Renaissance ay bumangon batay sa humanismo (mula sa Latin na humanus - "makatao") - isang kilusan ng panlipunang pag-iisip na nagmula noong ika-14 na siglo. sa Italya, at pagkatapos noong ikalawang kalahati ng ika-15 at ika-16 na siglo. kumalat sa ibang bansa sa Europa. Ipinahayag ng humanismo ang tao at ang kanyang kabutihan bilang pinakamataas na halaga. Ang mga tagasunod ng kilusang ito ay naniniwala na ang bawat tao ay may karapatang malayang umunlad bilang isang indibidwal, na napagtatanto ang kanilang mga kakayahan. Ang mga ideya ng humanismo ay lubos at malinaw na nakapaloob sa sining, Pangunahing tema na naging isang kahanga-hanga, maayos na binuo na tao na may walang limitasyong espirituwal at malikhaing mga posibilidad. Ang mga humanist ay binigyang inspirasyon ng sinaunang panahon, na nagsilbi para sa kanila bilang isang mapagkukunan ng kaalaman at isang modelo ng artistikong pagkamalikhain. Ang mahusay na nakaraan ng Italya, na patuloy na nagpapaalala sa sarili nito, ay nakita sa oras na iyon pinakamataas na pagiging perpekto, habang ang sining ng Middle Ages ay tila walang kakayahan at barbaric. Ang terminong "renaissance", na lumitaw noong ika-16 na siglo, ay nangangahulugan ng pagsilang ng isang bagong sining na muling binuhay ang klasikal na sinaunang kultura. Gayunpaman, ang sining ng Renaissance ay may malaking utang sa masining na tradisyon ng Middle Ages. Ang luma at ang bago ay nasa hindi malulutas na koneksyon at paghaharap. Sa lahat ng magkasalungat na pagkakaiba-iba ng mga pinagmulan nito, ang sining ng Renaissance ay minarkahan ng malalim at pangunahing bagong bagay. Inilatag nito ang mga pundasyon ng kulturang Europeo ng Bagong Panahon. Ang lahat ng mga pangunahing uri ng sining - pagpipinta at mga graphic, eskultura, arkitektura - ay nagbago nang malaki.
Sa arkitektura, naitatag ang malikhaing muling ginawang mga prinsipyo ng sinaunang arkitektura. sistema ng order , lumitaw ang mga bagong uri ng pampublikong gusali. Ang pagpipinta ay pinayaman ng linear at aerial na pananaw, kaalaman sa anatomy at proporsyon ng katawan ng tao. Ang makalupang nilalaman ay tumagos sa tradisyonal na relihiyosong mga tema ng mga gawa ng sining. Nadagdagan ang interes sa sinaunang mitolohiya, kasaysayan, pang-araw-araw na eksena, tanawin, at larawan. Kasama ang mga monumental na wall painting na pinalamutian mga istrukturang arkitektura, lumitaw ang isang larawan; Lumitaw ang pagpipinta ng langis.
Ang sining ay hindi pa tumigil na maging isang bapor, ngunit ang malikhaing sariling katangian ng artist, na ang aktibidad sa oras na iyon ay napaka-magkakaibang, ay nauna na. Ang unibersal na talento ng mga masters ng Renaissance ay kamangha-mangha - madalas silang nagtrabaho nang sabay-sabay sa larangan ng arkitektura, iskultura at pagpipinta, pinagsasama ang kanilang pagkahilig sa panitikan, tula at pilosopiya sa pag-aaral ng eksaktong mga agham. Ang konsepto ng isang malikhaing mayaman, o personalidad na "Renaissance" ay naging isang sambahayan na salita.
Sa sining ng Renaissance, ang mga landas ng siyentipiko at masining na pag-unawa sa mundo at tao ay malapit na magkakaugnay. Ang nagbibigay-malay na kahulugan nito ay hindi mapaghihiwalay na nauugnay sa napakagandang patula na kagandahan; sa pagnanais nito para sa pagiging natural, hindi ito yumuko sa maliit na pang-araw-araw na buhay. Ang sining ay naging isang pangkalahatang espirituwal na pangangailangan.
Ang pagbuo ng kultura ng Renaissance sa Italya ay naganap sa mga lungsod na malaya sa ekonomiya. Sa pag-usbong at pamumulaklak ng sining ng Renaissance, isang malaking papel ang ginampanan ng Simbahan at ng mga kahanga-hangang korte ng mga hindi nakoronahan na mga soberanya - ang namumunong mayayamang pamilya na siyang pinakamalaking patron at kostumer ng mga gawa ng pagpipinta, eskultura at arkitektura. Ang mga pangunahing sentro ng kultura ng Renaissance ay una ang mga lungsod ng Florence, Siena, Pisa, pagkatapos ay Padua, Ferrara, Genoa, Milan, at mas huli kaysa sa lahat, sa ikalawang kalahati ng ika-15 siglo, ang mayamang mangangalakal na Venice. Noong ika-16 na siglo Ang Roma ay naging kabisera ng Italian Renaissance. Mula sa panahong ito, nawala ang dating kahalagahan ng lahat ng iba pang sentrong pangkultura, maliban sa Venice.
Sa panahon ng Renaissance ng Italya, kaugalian na makilala ang ilang mga panahon:

Proto-Renaissance (ikalawang kalahati ng XIII-XIV na siglo),

Maagang Renaissance (XV siglo),

Mataas na Renaissance (katapusan ng ika-15 - unang ikatlong bahagi ng ika-16 na siglo)

Huling Renaissance (huling dalawang katlo ng ika-16 na siglo).

Proto-Renaissance

Sa kulturang Italyano noong XIII-XIV na siglo. Laban sa backdrop ng malakas pa ring tradisyon ng Byzantine at Gothic, nagsimulang lumitaw ang mga tampok ng isang bagong sining, na sa kalaunan ay tatawaging sining ng Renaissance. Samakatuwid, tinawag ang panahong ito ng kasaysayan nito Proto-Renaissance(mula sa Greek na "protos" - "una", i.e. inihanda ang opensiba ng Renaissance). Walang katulad na panahon ng paglipat sa alinman sa mga bansang Europeo. Sa Italya mismo, ang sining ng proto-Renaissance ay lumitaw at umunlad lamang sa Tuscany at Roma.
Ang kulturang Italyano ay pinagsama ang mga katangian ng luma at bago. Ang huling makata ng Middle Ages at ang unang makata ng bagong panahon, si Dante Alighieri (1265-1321), ay lumikha ng wikang pampanitikan ng Italyano. Ang sinimulan ni Dante ay ipinagpatuloy ng iba pang mahusay na Florentine noong ika-14 na siglo - Francesco Petrarch (1304-1374), ang nagtatag ng European tula ng liriko, at Giovanni Boccaccio (1313-1375), ang nagtatag ng genre ng novella (maikling kuwento) sa panitikang pandaigdig. Ang ipinagmamalaki ng panahon ay ang mga arkitekto at iskultor na sina Niccolo at Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio at ang pintor. Giotto di Bondone .
Arkitektura
Ang arkitektura ng Italyano sa loob ng mahabang panahon ay sumunod sa mga tradisyon ng medieval, na ipinahayag pangunahin sa paggamit malaking dami Mga motif ng Gothic. Kasabay nito, ang Italian Gothic mismo ay ibang-iba sa arkitektura ng Gothic ng hilagang Europa: ito ay nakahilig sa kalmado. malalaking anyo, kahit na magaan, pahalang na mga dibisyon, malalawak na ibabaw ng dingding. Noong 1296, nagsimula ang pagtatayo sa Florence Katedral ng Santa Maria del Fiore. Nais ni Arnolfo di Cambio na koronahan ng malaking simboryo ang bahagi ng altar ng katedral. Gayunpaman, pagkatapos ng pagkamatay ng arkitekto noong 1310, ang pagtatayo ay naantala; natapos na ito sa panahon ng Maagang Renaissance. Noong 1334, ayon sa disenyo ni Giotto, nagsimula ang pagtatayo sa bell tower ng katedral, ang tinatawag na campanile - isang slender rectangular tower na may floor-by-floor horizontal divisions at magagandang Gothic windows, ang matulis na arko na hugis nito ay nanatili sa Italian architecture para sa mahabang panahon.
Kabilang sa mga pinakatanyag na palasyo ng lungsod ay ang Palazzo Vecchio (Palazzo della Signoria) sa Florence. Ito ay pinaniniwalaang itinayo ni Arnolfo di Cambio. Ito ay isang mabigat na kubo na may mataas na tore, na may linya ng rusticated na matigas na bato. Ang tatlong palapag na façade ay pinalamutian ng mga nakapares na bintana na nakalagay sa kalahating bilog na mga arko, na nagbibigay sa buong gusali ng impresyon ng pinigilan na kalubhaan. Tinukoy ng gusali ang hitsura ng lumang sentro ng lungsod, na pumapasok sa parisukat na may mahigpit na bulk nito.
Paglililok
Mas maaga kaysa sa arkitektura at pagpipinta, ang mga artistikong pakikipagsapalaran ay lumitaw sa iskultura, at higit sa lahat sa paaralan ng Pisan, ang nagtatag nito ay si Niccolò Pisano (sa paligid ng 1220 - sa pagitan ng 1278 at 1284). Si Niccolò Pisano ay ipinanganak sa Puglia, timog Italya. Ito ay pinaniniwalaan na siya ay nag-aral ng sculpting sa katimugang mga paaralan, kung saan ang diwa ng muling pagkabuhay ng mga klasikal na tradisyon ng unang panahon ay umunlad. Walang alinlangan, pinag-aralan ni Niccolo ang sculptural design ng late Roman at early Christian sarcophagi. Ang pinakaunang kilalang gawa ng iskultor ay isang heksagonal marmol na pulpito, na ginawa niya para sa baptistery sa Pisa (1260), ay naging isang natatanging gawain ng Renaissance sculpture at nagkaroon ng malaking impluwensya sa karagdagang pag-unlad nito. Ang pangunahing tagumpay ng iskultor ay nagawa niyang magbigay ng lakas ng tunog at pagpapahayag sa mga anyo, at ang bawat imahe ay may kapangyarihan sa katawan.
Mula sa pagawaan ng Niccolò Pisano ay dumating ang mga kahanga-hangang masters ng Proto-Renaissance sculpture - ang kanyang anak na si Giovanni Pisano at Arnolfo di Cambio, na kilala rin bilang isang arkitekto. Arnolfo di Cambio (circa 1245 - pagkatapos ng 1310) gravitated patungo sa monumental na iskultura, kung saan ginamit niya ang kanyang mga obserbasyon sa buhay. Isa sa pinakamagagandang obra na natapos niya kasama ang mag-amang Pisano ay fountain sa Piazza Perugia(1278). Ang Fonte Maggiore, na pinalamutian ng maraming estatwa at relief, ay naging pagmamalaki ng lungsod. Ipinagbabawal na magbigay ng tubig sa mga hayop mula dito, kumuha ng tubig sa mga bariles ng alak o sa mga pinggan na hindi nahuhugasan. Ang museo ng lungsod ay nagpapanatili ng mga fragment ng reclining figure na ginawa ni Arnolfo di Cambio para sa fountain. Sa mga figure na ito, naihatid ng iskultor ang lahat ng kayamanan ng mga paggalaw ng katawan ng tao.
Pagpipinta
Sa sining ng Italian Renaissance, ang pagpipinta sa dingding ay sinakop ang isang nangingibabaw na lugar. Ginawa ito gamit ang fresco technique. Gamit ang mga pintura na inihanda sa tubig, pininturahan nila ang alinman sa basang plaster (fresco mismo) o sa dry plaster - ang pamamaraang ito ay tinatawag na "a secco" (isinalin mula sa Italyano bilang "sa tuyo"). Ang pangunahing panali ng plaster ay dayap. kasi Tumagal ng kaunting oras para matuyo ang dayap; ang pagpipinta ng fresco ay kailangang gawin nang mabilis, madalas sa mga bahagi, kung saan nanatili ang mga pinagdugtong na tahi. Mula sa ikalawang kalahati ng ika-15 siglo. ang pamamaraan ng fresco ay nagsimulang dagdagan ng isang secco painting; ang huli ay pinapayagan para sa mas mabagal na trabaho at pinapayagan para sa pagtatapos ng mga bahagi. Ang trabaho sa mga kuwadro na gawa ay nauna sa paggawa ng synopias - mga pantulong na guhit na inilapat sa ilalim ng fresco sa unang layer ng plaster. Ang mga guhit na ito ay ginawa gamit ang pulang okre, na nakuha mula sa luwad malapit sa lungsod ng Sinop, na matatagpuan sa baybayin ng Black Sea. Batay sa pangalan ng lungsod, ang pintura ay tinawag na Sinope, o sinopia, at nang maglaon ang mga guhit ay nagsimulang tawaging pareho. Ginamit ang mga synopia sa Pagpipinta ng Italyano mula XIII hanggang kalagitnaan ng ika-XV na siglo. Gayunpaman, hindi lahat ng pintor ay gumamit ng synopia - halimbawa, Giotto di Bondone, ang pinakakilalang kinatawan ng panahon ng Proto-Renaissance, ay ginawa nang wala sila. Unti-unti, inabandona ang synopia. Mula sa kalagitnaan ng ika-15 siglo. Mga karton - mga guhit ng paghahanda na ginawa sa papel o tela sa laki ng mga gawa sa hinaharap - ay naging laganap sa pagpipinta. Ang mga contour ng disenyo ay inilipat sa wet plaster gamit ang coal dust. Ito ay tinatangay ng mga butas na nabutas sa tabas at idiniin sa plaster gamit ang ilang matutulis na instrumento. Minsan ang mga synopias mula sa isang sketch ay naging isang tapos na monumental na pagguhit, at nakuha ng mga karton ang kahalagahan ng mga independiyenteng gawa ng pagpipinta.

Si Cimabue (talagang Cenni di Pepo, c. 1240 - c. 1302) ay itinuturing na tagapagtatag ng bagong istilong Italyano ng pagpipinta. Si Cimabue ay sikat sa Florence bilang isang dalubhasa sa mga solemne na pagpipinta at mga icon sa altar. Ang kanyang mga imahe ay nailalarawan sa pamamagitan ng abstraction at staticity. At bagama't sinunod ni Cimabue ang mga tradisyon ng Byzantine sa kanyang trabaho, sa kanyang mga gawa ay sinubukan niyang ipahayag ang mga damdamin sa lupa at pinalambot ang katigasan ng kanon ng Byzantine.
Si Piero Cavallini (sa pagitan ng 1240 at 1250 - mga 1330) ay nanirahan at nagtrabaho sa Roma. Siya ang may-akda ng mga mosaic ng simbahan ng Santa Maria sa Trastevere (1291), pati na rin ang mga fresco ng simbahan ng Santa Cecilia sa Trastevere (circa 1293). Sa kanyang mga gawa, nagbigay si Cavallini ng mga hugis ng dami at tangibility.
Ang mga nagawa ni Cavallini ay pinagtibay at ipinagpatuloy Giotto di Bondone(1266 o 1267 - 1337), ang pinakadakilang pintor ng Proto-Renaissance. Ang pangalan ng Giotto ay nauugnay sa isang turn sa pag-unlad ng Italian painting, ang break nito sa medieval artistic canons at mga tradisyon ng Italo-Byzantine art noong ika-13 siglo. Ang pinakasikat na mga gawa ni Giotto ay ang mga painting ng Arena Chapel sa Padua (1304-06). Ang mga fresco ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang kalinawan, hindi kumplikadong pagkukuwento, at pagkakaroon ng mga pang-araw-araw na detalye na nagdaragdag ng sigla at pagiging natural sa mga eksenang inilalarawan. Tinatanggihan ang canon ng simbahan na nangibabaw sa sining noong panahong iyon, inilalarawan ni Giotto ang kanyang mga karakter bilang katulad ng mga totoong tao: may proporsyonal, squat na katawan, bilog (sa halip na pahabang) mukha, regular na hugis ng mata, atbp. Ang kanyang mga banal ay hindi umaaligid sa ibabaw ng lupa, ngunit matatag na nakatayo dito gamit ang dalawang paa. Mas iniisip nila ang mga bagay sa lupa kaysa sa mga bagay sa langit, na nararanasan ang ganap na damdamin at emosyon ng tao. Sa kauna-unahang pagkakataon sa kasaysayan ng pagpipinta ng Italyano, ang estado ng pag-iisip ng mga bayani ng isang pagpipinta ay ipinapahiwatig ng mga ekspresyon ng mukha, kilos, at pustura. Sa halip na tradisyonal na ginintuang background, ang mga fresco ni Giotto ay naglalarawan ng isang landscape, interior o mga pangkat ng eskultura Basil sa mga facade.
Sa ikalawang kalahati ng ika-14 na siglo. Nauna ang pictorial school ng Siena. Ang pinakamalaki at pinakapinong master ng Siena painting noong ika-14 na siglo. ay si Simone Martini (c. 1284-1344). Ang brush ni Simone Martini ay ang una sa kasaysayan ng sining na naglalarawan ng isang kongkreto makasaysayang pangyayari na may larawan ng isang kontemporaryo. Ang larawang ito" Condotiera Guidoriccio da Fogliano"sa Hall of Mappamondo (Map of the World) sa Palazzo Publico (Siena), na naging prototype para sa maraming hinaharap na mga equestrian portrait. Ang altarpiece na "The Annunciation" ni Simone Martini, na ngayon ay itinatago sa Uffizi Gallery sa Florence, ay tinatangkilik ang karapat-dapat na katanyagan.

Mga tampok ng Renaissance. Proto-Renaissance

Mga tampok ng Renaissance

Maagang Renaissance

Noong ika-15 siglo Ang sining ng Italyano ay nakakuha ng isang nangingibabaw na posisyon sa masining na buhay ng Europa. Ang mga pundasyon ng makatao na sekular (i.e., hindi eklesiastiko) na kultura ay inilatag sa Florence, na nagtulak sa Siena at Pisa sa background. Ang kapangyarihang pampulitika dito ay pag-aari ng mga mangangalakal at artisan; ilang mayayamang pamilya, na patuloy na nakikipagkumpitensya sa isa't isa, ay may pinakamalakas na impluwensya sa mga gawain sa lungsod. Ang pakikibaka na ito ay natapos sa pagtatapos ng ika-14 na siglo. tagumpay ng Medici banking house. Ang ulo nito, si Cosimo de' Medici, ay naging hindi opisyal na pinuno ng Florence. Ang mga manunulat, makata, siyentipiko, arkitekto, at artista ay dumagsa sa korte ng Cosimo de' Medici. Ang kultura ng Renaissance ng Florence ay umabot sa tugatog nito sa ilalim ni Lorenzo de' Medici, na tinawag na Magnificent. Si Lorenzo ay isang mahusay na patron ng sining at agham, ang lumikha ng Plato's Academy, kung saan nagtipon ang mga namumukod-tanging isipan ng Italya, mga makata at pilosopo, kung saan ginanap ang mga pinong debate, na nagpapataas sa diwa at isipan.

Arkitektura

Sa ilalim ng Cosimo at Lorenzo de' Medici, isang tunay na rebolusyon ang naganap sa arkitektura ng Florence: malawak na konstruksyon ang naganap dito, na makabuluhang nagbabago sa hitsura ng lungsod. Ang nagtatag ng arkitektura ng Renaissance sa Italya ay Filippo Brunelleschi(1377-1446) - arkitekto, iskultor at siyentipiko, isa sa mga tagalikha ng siyentipikong teorya ng pananaw. Ang pinakadakilang tagumpay ng inhinyero ni Brunelleschi ay ang pagtatayo ng simboryo Katedral ng Santa Maria del Fiore sa Florence. Salamat sa kanyang henyo sa matematika at teknikal, nalutas ni Brunelleschi ang pinakamahirap na problema para sa kanyang panahon. Pangunahing kahirapan, na nakatayo sa harap ng master, ay sanhi ng napakalaking sukat ng span ng gitnang krus (42 m), na nangangailangan ng mga espesyal na pagsisikap upang mapadali ang pagpapalawak. Nalutas ni Brunelleschi ang problema sa pamamagitan ng paggamit ng isang mapanlikhang disenyo: isang magaan na guwang na simboryo na binubuo ng dalawang shell, isang frame system ng walong load-bearing ribs na konektado sa pamamagitan ng nakapalibot na mga singsing, isang skylight na nagsasara at naglo-load sa vault. Ang simboryo ng Katedral ng Santa Maria del Fiore ay naging hinalinhan ng maraming mga domed na simbahan sa Italya at iba pang mga bansa sa Europa.

Si Brunelleschi ay isa sa mga una sa arkitektura ng Italyano na malikhaing umunawa at orihinal na binibigyang kahulugan ang sinaunang sistema ng kaayusan ( Ospedale degli Innocenti (foundling shelter), 1421-44), naglatag ng pundasyon para sa paglikha ng mga domed na simbahan batay sa sinaunang kaayusan ( Simbahan ng San Lorenzo ). Ang isang tunay na perlas ng Maagang Renaissance ay nilikha ni Brunelleschi sa kahilingan ng isang mayamang pamilyang Florentine. Pazzi Chapel(nagsimula noong 1429). Ang humanismo at tula ng pagkamalikhain ni Brunelleschi, ang maayos na proporsyonalidad, kagaanan at kagandahan ng kanyang mga gusali, na nagpapanatili ng mga koneksyon sa mga tradisyon ng Gothic, ang kalayaan ng malikhain at bisa ng siyentipiko ng kanyang mga plano ay nagpasiya ng malaking impluwensya ni Brunelleschi sa kasunod na pag-unlad ng arkitektura ng Renaissance.

Isa sa mga pangunahing tagumpay ng arkitektura ng Italyano noong ika-15 siglo. ay ang paglikha ng isang bagong uri ng mga palasyo ng lungsod-palazzos, na nagsilbing modelo para sa mga pampublikong gusali sa mga huling panahon. Mga tampok ng 15th century palazzo ay isang malinaw na dibisyon ng saradong dami ng gusali sa tatlong palapag, bukas looban na may mga arcade sa sahig ng tag-init, ang paggamit ng rustication (bato na may halos bilugan o matambok na ibabaw sa harap) para sa pagharap sa harapan, pati na rin ang isang malakas na pinalawak na pandekorasyon na cornice. Ang isang kapansin-pansing halimbawa ng istilong ito ay ang kabisera na pagtatayo ng estudyante ni Brunelleschi na si Michelozzo di Bartolommeo (1396-1472), arkitekto ng korte ng pamilya Medici, - Palazzo Medici - Riccardi (1444-60), na nagsilbing modelo para sa pagtatayo ng maraming palasyo ng Florentine. Malapit sa likha ni Michelozzo Palazzo Strozzi(itinatag noong 1481), na nauugnay sa pangalan ng arkitekto at iskultor na si Benedetto da Maiano (1442-97).

Ang isang espesyal na lugar sa kasaysayan ng arkitektura ng Italyano ay sumasakop Leon Battista Alberti(1404-72). Isang komprehensibong likas na matalino at malawak na pinag-aralan na tao, isa siya sa mga pinakamatalino na humanista sa kanyang panahon. Ang kanyang hanay ng mga interes ay hindi pangkaraniwang magkakaibang. Sinasaklaw niya ang moralidad at batas, matematika, mekanika, ekonomiya, pilosopiya, tula, musika, pagpipinta, iskultura, at arkitektura. Isang napakatalino na estilista, nag-iwan si Alberti ng maraming mga gawa sa Latin at Italyano. Sa Italya at sa ibang bansa, nakakuha si Alberti ng katanyagan bilang isang natatanging teorista ng sining. Ang mga sikat na treatise na "Ten Books on Architecture" (1449-52), "On Painting", "On the Statue" (1435-36) ay nabibilang sa kanyang panulat. Ngunit ang pangunahing bokasyon ni Alberti ay arkitektura. Sa kanyang gawaing arkitektura, nahilig si Alberti sa matapang, pang-eksperimentong mga solusyon, sa makabagong paggamit ng sinaunang artistikong pamana. Nilikha ni Alberti bagong uri palasyo ng lungsod ( Palazzo Rucellai ). Sa relihiyosong arkitektura, nagsusumikap para sa kadakilaan at pagiging simple, ginamit ni Alberti ang mga motif ng mga Romanong triumphal arches at arcade sa disenyo ng mga facade ( Simbahan ng Sant'Andrea sa Mantua, 1472-94). Ang pangalang Alberti ay nararapat na ituring na isa sa mga una sa mga dakilang tagalikha ng kultura ng Renaissance ng Italya.

Paglililok

Noong ika-15 siglo Ang iskulturang Italyano, na nakakuha ng isang independiyenteng kahulugan na independiyente sa arkitektura, ay yumayabong. Ang pagsasagawa ng artistikong buhay ay nagsisimula na isama ang mga order para sa dekorasyon ng mga pampublikong gusali; ginaganap ang mga paligsahan sa sining. Ang isa sa mga kumpetisyon na ito - para sa paggawa ng tanso ng pangalawang hilagang pintuan ng Florentine Baptistery (1401) - ay itinuturing na isang makabuluhang kaganapan na nagbukas ng isang bagong pahina sa kasaysayan ng iskultura ng Italian Renaissance. Ang tagumpay ay napanalunan ni Lorenzo Ghiberti (1381-1455).

Isa sa mga pinaka-edukadong tao sa kanyang panahon, ang unang mananalaysay ng sining ng Italyano, isang napakatalino na draftsman, inilaan ni Ghiberti ang kanyang buhay sa isang uri ng iskultura - kaluwagan. Itinuring ni Ghiberti ang pangunahing prinsipyo ng kanyang sining na balanse at pagkakaisa ng lahat ng elemento ng imahe. Ang tugatog ng pagkamalikhain ni Ghiberti ay silangang mga pintuan ng Florentine Baptistery (1425-52), immortalizing ang pangalan ng master. Kasama sa dekorasyon ng mga pinto ang sampung parisukat na komposisyon na gawa sa ginintuan na tanso (" Paglikha nina Adan at Eba"), kasama ang kanilang pambihirang pagpapahayag na nakapagpapaalaala sa mga kuwadro na gawa. Nagawa ng artist na ihatid ang lalim ng espasyo, puspos ng mga larawan ng kalikasan, mga pigura ng tao, at mga istruktura ng arkitektura. Sa magaan na kamay ni Michelangelo, nagsimulang tawagin ang silangang pintuan ng Florentine Baptistery. "Ang Mga Pintuan ng Langit"

Ang workshop ni Ghiberti ay naging isang paaralan para sa isang buong henerasyon ng mga artista, lalo na, ang sikat na Donatello, ang mahusay na repormador ng Italian sculpture, ay nagtrabaho doon. Ang gawain ni Donatello (c. 1386-1466), na sumisipsip ng mga demokratikong tradisyon ng kultura ng Florence noong ika-14 na siglo, ay kumakatawan sa isa sa mga tuktok ng pag-unlad ng sining ng Maagang Renaissance. Nilalaman nito ang paghahanap ng bago, makatotohanang paraan ng paglalarawan ng realidad, katangian ng sining ng Renaissance, at malapit na atensyon sa tao at sa kanyang espirituwal na mundo. Ang impluwensya ng gawa ni Donatello sa pag-unlad ng sining ng Renaissance ng Italya ay napakalaki.

Ang ikalawang henerasyon ng mga Florentine sculptor ay nahilig sa isang mas liriko, mapayapang, sekular na sining. Ang nangungunang papel dito ay kabilang sa della Robbia na pamilya ng mga iskultor. Ang pinuno ng pamilya, si Lucca della Robbia (1399/1400 - 1482), ay naging tanyag sa kanyang paggamit ng mga pamamaraan ng glaze sa pabilog na iskultura at relief. Ang pamamaraan ng glaze (majolica), na kilala mula noong sinaunang panahon sa mga tao ng Kanlurang Asya, ay dinala sa Iberian Peninsula at sa isla ng Majorca (kung saan nagmula ang pangalan nito) noong Middle Ages, at pagkatapos ay malawak na kumalat sa Italya. Lumikha si Lucca della Robbia ng mga medalyon na may mga relief sa isang malalim na asul na background para sa mga gusali at altar, mga garland ng mga bulaklak at prutas, mga majolica na bust ng Madonna, Kristo at mga santo. Ang masayahin, matikas, mabait na sining ng master na ito ay nakatanggap ng karapat-dapat na pagkilala mula sa kanyang mga kontemporaryo. Ang kanyang pamangkin na si Andrea della Robbia (1435-1525) ay nakamit din ang mahusay na pagiging perpekto sa majolica technique ( mga relief sa harapan ng Ospedale degli Innocenti).

Pagpipinta

Ang malaking papel na ginampanan ni Brunelleschi sa arkitektura ng Early Renaissance, at Donatello sa iskultura, ay pag-aari ni Masaccio (1401-1428) sa pagpipinta. Si Masaccio ay namatay nang bata, hindi umabot sa edad na 27, ngunit marami pa ring nagawa sa pagpipinta. Sikat na mananalaysay Sinabi ng art Whipper: "Si Masaccio ay isa sa mga pinaka-independyente at pare-parehong mga henyo sa kasaysayan ng pagpipinta ng Europa, ang tagapagtatag ng bagong realismo ..." Sa pagpapatuloy ng paghahanap para kay Giotto, matapang na nakipaghiwalay si Masaccio sa mga tradisyon ng medieval na artistikong. Sa fresco "Trinity"(1426-27), nilikha para sa simbahan ng Santa Maria Novella sa Florence, ginamit ni Masaccio ang buong pananaw sa unang pagkakataon sa pagpipinta sa dingding. Sa mga kuwadro na gawa ng Brancacci Chapel ng Simbahan ng Santa Maria del Carmine sa Florence (1425-28) - ang pangunahing paglikha ng kanyang maikling buhay - Binibigyan ni Masaccio ang mga imahe ng walang uliran na buhay-tulad ng panghihikayat, binibigyang diin ang pisikal at monumentalidad ng kanyang mga karakter, masterfully conveys ang emosyonal na estado at sikolohikal na lalim ng mga imahe. Sa fresco "Expulsion from Paradise" nilulutas ng artista ang pinakamahirap na gawain para sa kanyang oras ng paglalarawan ng isang hubad na pigura ng tao. Ang mahigpit at matapang na sining ng Masaccio ay nagkaroon ng malaking epekto sa masining na kultura ng Renaissance.

Ang pag-unlad ng pagpipinta ng Early Renaissance ay hindi maliwanag: sinundan ng mga artista ang kanilang sariling, kung minsan ay naiiba, mga landas. Ang sekular na prinsipyo, ang pagnanais para sa isang kaakit-akit na salaysay, at isang liriko na makalupang damdamin ay natagpuan ng matingkad na pagpapahayag sa mga gawa ni Fra Filippo Lippi (1406-69), isang monghe ng Carmelite Order. Isang kaakit-akit na master, ang may-akda ng maraming komposisyon ng altar, kung saan ang pagpipinta ay itinuturing na pinakamahusay « Pagsamba sa Bata » , nilikha para sa kapilya sa Palazzo Medici - Riccardi, nagawa ni Filippo Lippi na ihatid sa kanila ang init ng tao at mala-tula na pagmamahal sa kalikasan.

Sa kalagitnaan ng ika-15 siglo. Ang pagpipinta sa Gitnang Italya ay nakaranas ng mabilis na pag-unlad, isang kapansin-pansing halimbawa nito ay ang pagkamalikhain Piero della Francesca(1420-92), ang pinakadakilang artist at art theorist ng Renaissance. Ang pinakakahanga-hangang paglikha ng Piero della Francesca - cycle ng mga fresco sa Church of San Francesco sa Arezzo, na batay sa alamat ng Puno ng Buhay ng Krus. Ang mga fresco, na nakaayos sa tatlong tier, ay sumusubaybay sa kasaysayan krus na nagbibigay buhay sa simula pa lamang, nang mula sa binhi ng puno ng paraiso ng kaalaman ng mabuti at masama ay tumubo ang isang sagradong puno sa libingan ni Adan ("Kamatayan ni Adan") at hanggang sa katapusan, nang taimtim na ibinalik ng Byzantine Emperor Heraclius ang Christian relic sa Jerusalem (« Labanan sa pagitan ni Heraclius at Khosroes » ). Ang gawain ni Piero della Francesca ay lumampas sa mga lokal na paaralan ng pagpipinta at tinukoy ang pag-unlad ng sining ng Italyano sa kabuuan.

Sa ikalawang kalahati ng ika-15 siglo, maraming mahuhusay na manggagawa ang nagtrabaho sa Hilagang Italya sa mga lungsod ng Verona, Ferrara, at Venice. Kabilang sa mga pintor sa panahong ito, ang pinakatanyag ay si Andrea Mantegna (1431-1506), isang master ng easel at monumental na pagpipinta, draftsman at engraver, sculptor at arkitekto. Ang istilo ng larawan ng artist ay nakikilala sa pamamagitan ng paghabol sa mga anyo at disenyo, ang higpit at pagiging totoo ng mga pangkalahatang larawan. Salamat sa spatial depth at sculptural nature ng mga figure, naabot ni Mantegna ang impresyon ng isang tunay na eksenang nagyelo saglit - ang kanyang mga karakter ay mukhang three-dimensional at natural. Nabuhay si Mantegna sa halos buong buhay niya sa Mantua, kung saan nilikha niya ang kanyang pinakatanyag na gawa - "Camera degli Sposi" pagpipinta sa country castle ng Marquis L. Gonzaga. Gamit lamang ang paraan ng pagpipinta, nilikha niya dito ang isang marangyang interior ng Renaissance, isang lugar para sa mga seremonyal na pagtanggap at pista opisyal. Ang sining ni Mantegna, na lubhang sikat, ay nakaimpluwensya sa lahat ng pagpipinta ng Northern Italy.

Ang isang espesyal na lugar sa pagpipinta ng Early Renaissance ay nabibilang sa Sandro Botticelli(talagang si Alessandro di Mariano Filipepi), na isinilang noong 1445 sa Florence sa pamilya ng isang mayamang tanner ng balat. Noong 1459-64. ang binata ay nag-aaral ng pagpipinta mula sa sikat na Florentine master na si Filippo Lippi. Noong 1470 nagbukas siya ng sarili niyang workshop sa Florence, at noong 1472 naging miyembro siya ng Guild of St. Luke.

Ang unang nilikha ni Botticelli ay ang komposisyon na "Force", na kanyang natapos para sa commercial court ng Florence. Ang batang artista ay mabilis na nakakuha ng tiwala ng mga customer at nakakuha ng katanyagan, na nakakuha ng atensyon ni Lorenzo the Magnificent, ang bagong pinuno ng Florence, at naging kanyang court master at paborito. Nakumpleto ni Botticelli ang karamihan sa kanyang mga pintura para sa mga bahay ng Duke at iba pang marangal na pamilyang Florentine, pati na rin para sa mga simbahan, monasteryo at pampublikong gusali sa Florence.

Ikalawang kalahati ng 1470s at 1480s. naging panahon ng malikhaing pag-unlad para sa Botticelli. Para sa pangunahing harapan ng Simbahan ng Santa Maria Novella isinulat niya ang komposisyon na " Pagsamba sa mga Mago" - isang uri ng mythologised group portrait ng pamilya Medici. Pagkalipas ng ilang taon, nilikha ng artist ang kanyang sikat na mythological alegory na "Spring".

Noong 1481, inutusan ni Pope Sixtus IV ang isang grupo ng mga pintor, na kabilang sa kanila ay si Botticelli, na palamutihan ang kanyang kapilya ng mga fresco, na nang maglaon ay tumanggap ng pangalang “Sistine.” Si Botticelli ay nagpinta ng mga fresco sa Sistine Chapel " Tukso ni Kristo », « Mga eksena mula sa Buhay ni Moses », « Parusa kina Kora, Datan at Abiron" Sa susunod na ilang taon, nakumpleto ni Botticelli ang isang serye ng 4 na fresco batay sa mga maikling kwento mula sa Decameron ni Boccaccio, at nilikha ang kanyang pinakasikat na gawang mitolohiko (“Birth of Venus”, “ Pallas at Centaur"), pati na rin ang ilang komposisyon ng altar para sa mga simbahan ng Florentine (" Koronasyon ng Birheng Maria », « Altar ng San Barnaba"). Maraming beses na bumaling siya sa imahe ng Madonna (“ Madonna del Magnificat », « Madonna na may granada », « Madonna na may dalang libro"), nagtrabaho din sa portrait genre (" Larawan ni Giuliano Medici", "Larawan ng isang kabataang babae", "Larawan ng isang binata").

Noong 1490s, sa panahon ng mga kilusang panlipunan at mystical na mga sermon ng monghe na si Savonarola na yumanig kay Florence, ang mga tala at drama sa moral ay lumitaw sa sining ni Botticelli ("Slander", " Panaghoy ni Kristo », « Mistikong Pasko"). Sa ilalim ng impluwensya ni Savonarola, sa isang angkop na relihiyosong kadakilaan, sinira pa ng artista ang ilan sa kanyang mga gawa. Noong kalagitnaan ng 1490s, sa pagkamatay ni Lorenzo the Magnificent at sa pagpapatalsik sa kanyang anak na si Pietro mula sa Florence, nawala ang katanyagan ni Botticelli bilang isang mahusay na artista. Nakalimutan, tahimik niyang isinasabuhay ang kanyang buhay sa bahay ng kanyang kapatid na si Simon. Noong 1510 namatay ang artista.

Ang katangi-tanging sining ni Botticelli na may mga elemento ng stylization (i.e. generalization ng mga imahe gamit ang conventional techniques - simplification of color, shape and volume) ay itinuturing na isa sa mga pinnacle ng pag-unlad ng painting. Ang sining ni Botticelli, hindi tulad ng karamihan sa mga master ng Early Renaissance, ay batay sa personal na karanasan. Pambihirang sensitibo at taos-puso, si Botticelli ay dumaan sa isang mahirap at trahedya na landas ng malikhaing paghahanap - mula sa isang mala-tula na pang-unawa sa mundo sa kanyang kabataan hanggang sa mistisismo at relihiyosong kadakilaan sa pagtanda.

MAAGANG RENAISSANCE

MAAGANG RENAISSANCE

Mataas na Renaissance

Ang Mataas na Renaissance, na nagbigay sa sangkatauhan ng mga dakilang panginoon gaya ng Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Giorgione, Titian, Bramante, ay sumasaklaw sa medyo maikling panahon - ang katapusan ng ika-15 at ang unang ikatlong bahagi ng ika-16 na siglo. Sa Venice lamang nagpatuloy ang pamumulaklak ng sining hanggang sa kalagitnaan ng siglo.

Ang mga pangunahing pagbabago na nauugnay sa mga mapagpasyang kaganapan ng kasaysayan ng mundo at ang mga tagumpay ng advanced na pag-iisip na siyentipiko ay walang katapusang pinalawak ang mga ideya ng mga tao tungkol sa mundo - hindi lamang tungkol sa mundo, kundi pati na rin sa kalawakan. Ang pang-unawa sa mundo at sa pagkatao ng tao ay tila naging mas malaki; sa artistikong pagkamalikhain ito ay makikita hindi lamang sa maringal na sukat ng mga istruktura ng arkitektura, monumento, solemne fresco cycle at pagpipinta, kundi pati na rin sa kanilang nilalaman at pagpapahayag ng mga imahe. Ang sining ng High Renaissance ay kumakatawan sa isang makulay at kumplikado masining na proseso na may nakasisilaw na maliwanag na ups at kasunod na mga krisis.

Donato Bramante.

Sentro para sa Arkitektura Mataas na Renaissance naging Roma, kung saan, sa batayan ng mga naunang pagtuklas at tagumpay, isang solong klasikal na istilo ang lumitaw. Malikhaing ginamit ng mga master ang sinaunang sistema ng pagkakasunud-sunod, na lumilikha ng mga istruktura na ang marilag na monumentalidad ay naaayon sa panahon. Ang pinakamalaking kinatawan ng arkitektura ng High Renaissance ay si Donato Bramante (1444-1514). Ang mga gusali ng Bramante ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang monumentalidad at kadakilaan, maayos na pagiging perpekto ng mga proporsyon, integridad at kalinawan ng mga komposisyon at spatial na solusyon, at libre, malikhaing paggamit ng mga klasikal na anyo. Ang pinakamataas na malikhaing tagumpay ni Bramante ay ang muling pagtatayo ng Vatican (ang arkitekto ay talagang lumikha ng isang bagong gusali, na organikong isinasama ang mga nakakalat na lumang gusali dito). Si Bramante din ang may-akda ng disenyo ng St. Peter's Cathedral sa Roma. Sa kanyang trabaho, tinukoy ni Bramante ang pag-unlad ng arkitektura noong ika-16 na siglo.

Leonardo da Vinci.

Sa kasaysayan ng sangkatauhan hindi madaling makahanap ng ibang tao na kasingtalino ng tagapagtatag ng sining ng High Renaissance. Leonardo da Vinci(1452-1519). Ang komprehensibong katangian ng gawain ng mahusay na pintor, iskultor, arkitekto, siyentipiko at inhinyero na ito ay naging malinaw lamang nang suriin ang mga nakakalat na manuskrito mula sa kanyang pamana, na may bilang na higit sa pitong libong mga sheet na naglalaman ng mga proyektong pang-agham at arkitektura, mga imbensyon at sketch. Mahirap pangalanan ang isang lugar ng kaalaman na hindi hawakan ng kanyang henyo. Ang unibersalismo ni Leonardo ay hindi maintindihan na ang sikat na biographer ng Renaissance figure na si Giorgio Vasari ay hindi maipaliwanag ang hindi pangkaraniwang bagay na ito maliban sa pamamagitan ng makalangit na interbensyon: "Anuman ang bumaling sa taong ito, ang kanyang bawat aksyon ay may tatak ng pagka-diyos."

Sa kanyang sikat na "Treatise on Painting" (1498) at iba pang mga tala, binigyang-pansin ni Leonardo ang pag-aaral ng katawan ng tao, impormasyon sa anatomy, proporsyon, ang relasyon sa pagitan ng mga paggalaw, ekspresyon ng mukha at emosyonal na estado ng isang tao. Interesado rin si Leonardo sa mga problema ng chiaroscuro, volumetric modeling, linear at aerial na pananaw. Nagbigay pugay si Leonardo hindi lamang sa teorya ng sining. Gumawa siya ng maraming magagandang larawan at larawan ng altar. Ang brush ni Leonardo ay kabilang sa isa sa mga pinakatanyag na gawa ng pagpipinta sa mundo - "Mona Lisa" ("La Gioconda"). Gumawa si Leonardo ng mga monumental na sculptural na imahe, nagdisenyo at nagtayo ng mga istrukturang arkitektura. Si Leonardo ay nananatiling isa sa mga pinakakarismatikong personalidad ng Renaissance hanggang ngayon. Ang isang malaking bilang ng mga libro ay nakatuon sa kanya, nang mas detalyado napag-aralan ang kanyang buhay. Gayunpaman, marami sa kanyang trabaho ang nananatiling isang misteryo at patuloy na nagpapasigla sa isipan ng mga tao.

Rafael Santi.

Ang sining ni Raphael Santi (1483-1520) ay kabilang din sa mga taluktok ng Renaissance ng Italya. Sa kasaysayan ng sining ng mundo, ang gawain ni Raphael ay nauugnay sa ideya ng napakagandang kagandahan at pagkakaisa. Karaniwang tinatanggap na sa konstelasyon ng mga makikinang na master ng High Renaissance, si Raphael ang pangunahing tagapagdala ng pagkakaisa. Ang walang pagod na pagsusumikap para sa isang maliwanag, perpektong simula ay tumatagos sa lahat ng gawain ni Raphael at bumubuo sa panloob na kahulugan nito. Ang kanyang mga gawa ay hindi pangkaraniwang kaakit-akit sa kanilang likas na biyaya (“ Sistine Madonna"). Marahil ito ang dahilan kung bakit nakakuha ng pambihirang katanyagan ang master sa publiko at nagkaroon ng maraming tagasunod sa mga artista sa lahat ng oras. Si Raphael ay hindi lamang isang kamangha-manghang pintor at pintor ng portrait, ngunit isa ring monumentalista na nagtrabaho sa mga diskarte sa fresco, isang arkitekto, at isang master ng palamuti. Ang lahat ng mga talentong ito ay nagpakita ng kanilang sarili nang may partikular na puwersa sa kanyang mga pagpipinta ng mga apartment ni Pope Julius II sa Vatican ("School of Athens"). Sa sining ng napakatalino na artista, ipinanganak ang isang bagong imahe ng taong Renaissance - maganda, maayos, perpekto sa pisikal at espirituwal.

Michelangelo Buonarotti.

Magkapanabay Leonardo da Vinci at si Raphael ang kanilang walang hanggang karibal - Michelangelo Buonarroti, ang pinakadakilang master ng High Renaissance - iskultor, pintor, arkitekto at makata. Ang titan na ito ng Renaissance ay nagsimula sa kanyang malikhaing landas sa iskultura. Ang kanyang malalaking estatwa ay naging simbolo ng isang bagong tao - isang bayani at manlalaban ("David"). Ang master ay nagtayo ng maraming mga istrukturang arkitektura at iskultura, ang pinakasikat na kung saan ay ang Medici Chapel sa Florence. Ang ningning ng mga gawang ito ay nabuo sa napakalaking tensyon ng damdamin ng mga karakter ( Sarcophagus ng Giuliano Medici). Ngunit ang mga kuwadro na gawa ni Michelangelo sa Vatican, sa Sistine Chapel, ay lalong sikat, kung saan pinatunayan niya ang kanyang sarili na isang napakatalino na pintor. Marahil walang sinuman sa sining ng mundo, bago man o pagkatapos ni Michelangelo, ang lumikha ng mga karakter na napakalakas sa katawan at espiritu (“ Paglikha ni Adan"). Ang napakalaking, hindi kapani-paniwalang kumplikadong fresco sa kisame ay pininturahan ng artist lamang, nang walang mga katulong; nananatili hanggang ngayon ang isang hindi maunahang monumental na gawa ng pagpipinta ng Italyano. Ngunit bilang karagdagan sa pagpipinta sa kisame ng Sistine Chapel, ang master, na nasa katandaan na, ay lumikha ng mabangis na inspirasyon na "Huling Paghuhukom" - isang simbolo ng pagbagsak ng mga mithiin ng kanyang dakilang panahon.

Si Michelangelo ay nagtrabaho ng maraming at mabunga sa arkitektura, lalo na, pinangangasiwaan niya ang pagtatayo ng St. Peter's Cathedral at ang grupo. Capitol Square sa Roma. Ang gawain ng dakilang Michelangelo ay bumubuo ng isang buong panahon at nauna sa panahon nito; ito ay may malaking papel sa sining ng mundo, lalo na, naimpluwensyahan nito ang pagbuo ng mga prinsipyo ng Baroque.

Giorgione at Titian.

Ang Venice, kung saan umunlad ang pagpipinta, ay nagdagdag ng maliwanag na pahina sa kasaysayan ng sining ng High Renaissance. Si Giorgione ay itinuturing na unang master ng High Renaissance sa Venice. Ang kanyang sining ay ganap na espesyal. Ang diwa ng malinaw na pagkakaisa at ilang espesyal na matalik na pagmumuni-muni at panaginip ay naghahari dito. Madalas siyang nagpinta ng mga magagandang dilag, mga tunay na diyosa. Kadalasan ito ay isang patula na kathang-isip - ang sagisag ng isang hindi maisasakatuparan na panaginip, paghanga sa isang romantikong pakiramdam at isang magandang babae. Ang kanyang mga kuwadro ay naglalaman ng isang pahiwatig ng senswal na pagnanasa, matamis na kasiyahan, hindi makalupa na kaligayahan. Sa sining ng Giorgione, ang pagpipinta ng Venetian ay nakakuha ng pan-Italian na kahalagahan, na nagtatag ng mga artistikong katangian nito.

Pumasok si Titian bumaba sa kasaysayan ng sining ng Italyano bilang isang titan at pinuno ng paaralang Venetian, bilang isang simbolo ng kasaganaan nito. Ang hininga ng isang bagong panahon - mabagyo, trahedya, senswal - ay ipinakita nang may partikular na puwersa sa gawain ng artist na ito. Ang gawa ni Titian ay nakikilala sa pamamagitan ng napakalawak at iba't ibang saklaw nito sa mga uri at genre ng pagpipinta. Si Titian ay isa sa mga nagtatag ng monumental na pagpipinta ng altar, landscape bilang isang malayang genre, at iba't ibang uri ng mga larawan, kabilang ang mga seremonyal. Sa kanyang trabaho, ang mga perpektong imahe ay magkakasamang nabubuhay sa mga maliliwanag na karakter, mga trahedya na salungatan sa mga eksena ng masayang kagalakan, mga komposisyon sa relihiyon na may mga mitolohiko at makasaysayang pagpipinta.

Gumawa si Titian ng isang bagong pamamaraan ng pagpipinta na may pambihirang impluwensya sa karagdagang pag-unlad ng sining ng mundo hanggang sa ika-20 siglo. Ang Titian ay kabilang sa mga pinakadakilang colorist ng pagpipinta sa mundo. Ang kanyang mga kuwadro na gawa ay kumikinang sa ginto at isang kumplikadong hanay ng mga nanginginig, maningning na mga tono ng kulay. Si Titian, na nabuhay ng halos isang siglo, ay nakaranas ng pagbagsak ng mga ideyal ng Renaissance; ang kalahati ng trabaho ng master ay kabilang sa Late Renaissance. Ang kanyang bayani, na pumapasok sa paglaban sa mga kaaway na pwersa, ay namatay, ngunit nananatili ang kanyang kadakilaan. Ang impluwensya ng mahusay na pagawaan ng Titian ay nakaapekto sa lahat ng sining ng Venetian.

HIGH RENAISSANCE

HIGH RENAISSANCE

Huling Renaissance

Sa ikalawang kalahati ng ika-16 na siglo. sa Italya, ang paghina ng ekonomiya at kalakalan ay tumataas, ang Katolisismo ay pumasok sa paglaban sa kulturang makatao, ang sining ay dumaranas ng malalim na krisis. Pinalakas nito ang mga anti-Renaissance tendencies, na nakapaloob sa mannerism. Gayunpaman, ang Mannerism ay halos hindi nakakaapekto sa Venice, na sa ikalawang kalahati ng ika-16 na siglo ay naging pangunahing sentro ng sining ng Late Renaissance. Alinsunod sa mataas na humanistic na tradisyon ng Renaissance, sa mga bagong makasaysayang kondisyon, ang gawain ng mga dakilang masters ng Late Renaissance, na pinayaman ng mga bagong anyo, na binuo sa Venice - Palladio, Veronese, Tintoretto.

Andrea Palladio

Ang gawain ng hilagang Italyano na arkitekto na si Andrea Palladio (1508-80), batay sa isang malalim na pag-aaral ng sinaunang at Renaissance na arkitektura, ay kumakatawan sa isa sa mga tuktok sa sining ng Late Renaissance. Binuo ni Palladio ang mga prinsipyo ng arkitektura na binuo sa arkitektura ng European classicism noong ika-17-18 na siglo. at natanggap ang pangalang Palladianism. Inilarawan ng arkitekto ang kanyang mga ideya sa teoretikal na gawaing "Apat na Aklat sa Arkitektura" (1570). Ang mga gusali ng Palladio (pangunahin ang mga palasyo at villa ng lungsod) ay puno ng magagandang kagandahan at pagiging natural, maayos na pagkakumpleto at mahigpit na kaayusan, ay nakikilala sa pamamagitan ng kalinawan at katumpakan ng pagpaplano at organikong koneksyon sa kapaligiran ( Palazzo Chiericati). Ang kakayahang maayos na ikonekta ang arkitektura sa nakapaligid na tanawin ay ipinakita nang may partikular na puwersa sa mga villa ng Palladio, na puno ng elegiacally enlightened pakiramdam ng kalikasan at minarkahan ng klasikal na kalinawan at pagiging simple ng anyo at komposisyon ( Villa Capra (Rotunda)). Ginawa ni Palladio ang unang monumental gusali ng teatro sa Italy - Teatro Olimpico. Napakalaki ng impluwensya ni Palladio sa pag-unlad ng arkitektura sa mga sumunod na siglo.

Sina Veronese at Tintoretto...

Ang maligaya, nagpapatibay sa buhay na katangian ng Venetian Renaissance ay pinaka-malinaw na ipinakita sa gawain ni Paolo Veronese. Isang muralist, lumikha siya ng mga kahanga-hangang pandekorasyon na ensemble ng mga kuwadro na gawa sa dingding at kisame na may maraming mga character at mga kagiliw-giliw na detalye. Si Veronese ay lumikha ng kanyang sariling istilo: ang kanyang kamangha-manghang, kamangha-manghang mga pintura ay puno ng damdamin, pagnanasa at buhay, at ang mga bayani, ang maharlikang Venetian, ay karaniwang matatagpuan sa mga palasyo ng patrician o laban sa backdrop ng marangyang kalikasan. Dinadala sila ng mga magagarang kapistahan o kaakit-akit na pagdiriwang (“Kasal sa Cana”). Si Veronese ang master ng masayang Venice, ang mga tagumpay nito, ang makata ng ginintuang karilagan nito. Si Veronese ay may pambihirang regalo bilang colorist. Ang kanyang mga kulay ay natatakpan ng liwanag, matinding at hindi lamang nagbibigay ng kulay sa mga bagay, ngunit ang kanilang mga sarili ay nagbabago sa isang bagay, nagiging mga ulap, tela, isang katawan ng tao. Dahil dito, ang tunay na kagandahan ng mga figure at mga bagay ay pinarami ng kagandahan ng kulay at texture, na nagbubunga ng malakas na emosyonal na epekto sa manonood.

Ang ganap na kabaligtaran ng Veronese ay ang kanyang kontemporaryong Tintoretto (1518-94), ang huling pangunahing master ng Italian Renaissance. Ang kasaganaan ng panlabas na artistikong impluwensya ay natunaw sa kakaibang pagiging malikhain ng Tintoretto. Sa kanyang trabaho siya ay isang napakalaking pigura, ang lumikha ng isang bulkan na ugali, marahas na mga hilig at kabayanihan intensity. Ang kanyang trabaho ay isang mahusay na tagumpay sa kanyang mga kontemporaryo at kasunod na mga henerasyon. Si Tintoretto ay nakilala sa pamamagitan ng isang tunay na hindi makatao na kapasidad para sa trabaho at walang kapagurang paghahanap. Nadama niya ang trahedya ng kanyang panahon nang mas matindi at malalim kaysa sa karamihan ng kanyang mga kontemporaryo. Ang master ay nagrebelde laban sa mga itinatag na tradisyon sa sining - pagsunod sa mahusay na proporsyon, mahigpit na balanse, staticity; pinalawak ang mga hangganan ng espasyo, pinunan ito ng dinamika, dramatikong aksyon, at nagsimulang magpahayag ng damdamin ng tao nang mas malinaw. 1590 g . Ang sining ng mannerism ay umaalis sa mga ideyal ng Renaissance ng isang maayos na pang-unawa sa mundo. Nasusumpungan ng isang tao ang kanyang sarili sa awa ng mga supernatural na puwersa. Ang mundo ay tila hindi matatag, nanginginig, sa isang estado ng pagkabulok. Ang mga mannerist na imahe ay puno ng pagkabalisa, pagkabalisa, at pag-igting. Ang artista ay lumayo sa kalikasan, nagsisikap na malampasan ito, na sinusundan sa kanyang trabaho ang isang subjective na "panloob na ideya", ang batayan kung saan ay hindi ang tunay na mundo, ngunit ang malikhaing imahinasyon; ang paraan ng pagpapatupad ay "magandang paraan" bilang kabuuan ng ilang mga pamamaraan. Kabilang sa mga ito ay ang di-makatwirang pagpahaba ng mga numero, isang kumplikadong ritmo ng serpentine, ang hindi katotohanan ng kamangha-manghang espasyo at liwanag, at kung minsan ay malamig, butas na mga kulay.

Ang pinakamalaki at pinakamagaling na master ng mannerism, isang pintor ng kumplikadong malikhaing kapalaran, ay si Jacopo Pontormo (1494-1556). Sa kanyang sikat na pagpipinta " Pagbaba mula sa Krus» ang komposisyon ay hindi matatag, ang mga figure ay mapagpanggap na sira, mapusyaw na kulay pagputol Francesco Mazzola, na pinangalanang Parmigianino (1503-40), gustong humanga ang manonood: halimbawa, isinulat niya ang kanyang " Self-portrait sa isang convex mirror" Ang sadyang deliberateness ay nagpapakilala sa kanyang sikat na pagpipinta " Madonna na may mahabang leeg ».

Ang pintor ng hukuman ng Medici na si Agnolo Bronzino (1503-72) ay sikat sa kanyang mga larawang seremonyal. Inulit nila ang panahon ng madugong kalupitan at pagbaba ng moralidad na bumalot matataas na bilog lipunang Italyano. Ang mga mararangal na kostumer ni Bronzino ay tila nahihiwalay sa manonood ng hindi nakikitang distansya; ang tigas ng kanilang mga pose, ang kawalang-sigla ng kanilang mga mukha, ang kayamanan ng kanilang mga damit, ang mga kilos ng kanilang magagandang seremonyal na mga kamay - ang lahat ng ito ay tulad ng isang panlabas na shell na nagtatago ng isang panloob na may depektong buhay. Sa larawan ni Eleanor ng Toledo kasama ang kanyang anak (c. 1545), ang hindi naa-access ng malamig, malayong imahe ay pinahusay ng katotohanan na ang atensyon ng manonood ay ganap na hinihigop ng patag na malaking pattern ng kahanga-hangang damit na brocade ng dukesa. Ang uri ng court portrait na nilikha ng Mannerists ay nakaimpluwensya sa portrait art noong ika-16-17 na siglo. sa marami pang ibang bansa sa Europa.

Ang sining ng mannerism ay transisyonal: ang Renaissance ay lumilipas, ang oras ay darating para sa isang bagong pan-European artistikong istilo- barok.

Art Hilagang Renaissance.

Ang mga bansa sa Hilagang Europa ay walang sariling sinaunang nakaraan, ngunit ang panahon ng Renaissance ay namumukod-tangi sa kanilang kasaysayan: mula sa paglikoXV – XVIsa pamamagitan ng ikalawang kalahatiXVIIsiglo. Ang oras na ito ay nakikilala sa pamamagitan ng pagtagos ng mga ideyal ng Renaissance sa iba't ibang larangan ng kultura at ang unti-unting pagbabago sa istilo nito. Tulad ng sa lugar ng kapanganakan ng Renaissance, sa sining ng Northern Renaissance, ang interes sa totoong mundo ay nagbago ng mga anyo ng artistikong pagkamalikhain. Gayunpaman, ang sining ng mga hilagang bansa ay hindi nailalarawan sa pamamagitan ng mga pathos ng pagpipinta ng Italyano, na niluluwalhati ang kapangyarihan ng titanic na tao. Ang mga burghers (kung tawagin sa mga mayayamang taong-bayan) ay pinahahalagahan ang integridad, katapatan sa tungkulin at salita, at ang kabanalan ng panata ng mag-asawa at tahanan. Sa burgher circles, nabuo ang sarili nilang ideal ng isang tao - malinaw, matino, makadiyos at mala-negosyo. Tinutula ng sining ng mga burgher ang ordinaryong karaniwang tao at ang kanyang mundo - ang mundo ng pang-araw-araw na buhay at mga simpleng bagay.

Masters ng Renaissance sa Netherlands.

Ang mga bagong tampok ng sining ng Renaissance ay lumitaw pangunahin sa Netherlands, na isa sa pinakamayaman at pinaka-industriyalisadong bansa sa Europa. Dahil sa malawak na internasyonal na koneksyon nito, mas mabilis na nakuha ng Netherlands ang mga bagong tuklas kaysa sa ibang mga bansa sa Nordic.

Nagbukas ang istilo ng Renaissance sa Netherlands Jan Van Eyck(1390-1441). Ang kanyang pinakatanyag na gawa ay Ghent Altarpiece, kung saan nagsimulang magtrabaho ang artista kasama ang kanyang kapatid, at nagpatuloy na magtrabaho nang nakapag-iisa pagkatapos ng kanyang kamatayan para sa isa pang 6 na taon. Ang altarpiece ng Ghent, na nilikha para sa katedral ng lungsod, ay isang two-tier fold, sa 12 boards kung saan mayroong mga larawan ng pang-araw-araw, pang-araw-araw na buhay (sa mga panlabas na board, na nakikita nang sarado ang fold) at maligaya, masayang-masaya, nagbagong buhay (sa mga panloob na pintuan, na tila bukas sa panahon ng bakasyon sa simbahan). Ito ay isang monumento ng sining na niluluwalhati ang kagandahan ng buhay sa lupa. Ang emosyonal na pakiramdam ni Van Eyck - "ang mundo ay parang paraiso", bawat butil nito ay maganda - ay ipinahayag nang malinaw at malinaw. Ang artista ay umasa sa maraming mga obserbasyon mula sa kalikasan. Ang lahat ng mga figure at bagay ay may tatlong-dimensional na dami at timbang. Ang magkapatid na Van Eyck ay kabilang sa mga unang nakatuklas ng mga posibilidad ng oil painting; mula sa oras na ito, nagsisimula itong unti-unting palitan ang tempera.

Sa ikalawang kalahati ng XVsiglo, puno ng alitan sa pulitika at relihiyon, kumplikado, kakaibang sining ang namumukod-tangi sa sining ng Netherlands Hieronymus Bosch(1450?-1516). Ito ay isang napaka-curious na artista na may pambihirang imahinasyon. Nabuhay siya sa kanyang sarili at kakila-kilabot na mundo. Sa mga kuwadro na gawa ni Bosch mayroong isang condensation ng medieval folklore na mga ideya, mga kakatwang montages ng buhay at mekanikal, ang kakila-kilabot at ang komiks. Sa kanyang mga komposisyon, na walang sentro, walang pangunahing tauhan. Ang espasyo sa ilang mga layer ay puno ng maraming grupo ng mga figure at mga bagay: napakalaking pinalaking reptilya, toads, spider, kakila-kilabot na mga nilalang kung saan ang mga bahagi ng iba't ibang mga nilalang at bagay ay pinagsama. Ang layunin ng mga komposisyon ni Bosch ay moral edification. Ang Bosch ay hindi nakatagpo ng pagkakaisa at pagiging perpekto sa kalikasan; ang kanyang mga demonyong imahe ay nagpapaalala sa sigla at omnipresence ng kasamaan sa mundo, ang ikot ng buhay at kamatayan.

Nakakaawa at mahina ang lalaki sa mga painting ni Bosch. Kaya, sa triptych " Isang kariton ng dayami"Ipinahayag ng artista ang kasaysayan ng sangkatauhan. Ang kaliwang pakpak ay nagsasabi sa kuwento ng pagbagsak nina Adan at Eba, ang kanan ay naglalarawan ng Impiyerno at lahat ng mga kakila-kilabot na naghihintay sa mga makasalanan dito. Ang gitnang bahagi ng larawan ay naglalarawan ng tanyag na kasabihan na "Ang mundo ay isang haystack, lahat ng tao ay tumatagal mula dito kung ano ang kanyang pinamamahalaang agawin." Ipinapakita ng Bosch kung paano nakikipaglaban ang mga tao sa isang piraso ng dayami, namamatay sa ilalim ng mga gulong ng isang kariton, at sinusubukang umakyat dito. Sa ibabaw ng cart, nang tinalikuran ang mundo, ang mga mahilig ay kumanta at naghahalikan. May isang anghel sa isang tabi nila, at isang demonyo sa kabilang panig: sino ang mananalo? Kinaladkad ng mga nakakatakot na nilalang ang cart papunta sa underworld. Tinitingnan ng Diyos ang lahat ng kilos ng mga tao nang may pagkalito. Ang pagpipinta ay napuno ng isang mas madilim na kalooban. Pagpasan ng krus": Pinasan ni Kristo ang kanyang mabigat na krus na napapaligiran ng mga kasuklam-suklam na tao na may nakaumbok na mata at nakanganga ang mga bibig. Para sa kanilang kapakanan, isinakripisyo ng Panginoon ang kanyang sarili, ngunit ang kanyang kamatayan sa krus ay mag-iiwan sa kanila na walang malasakit.

Namatay na si Bosch nang ipanganak ang isa pang sikat na Dutch artist - Pieter Bruegel ang Matanda(1525-1569), pinangalanang Muzhitsky para sa kanyang maraming mga pintura na naglalarawan sa buhay ng mga magsasaka. Kinuha ni Bruegel ang mga katutubong kasabihan at ang pang-araw-araw na alalahanin ng mga ordinaryong tao bilang batayan para sa marami sa kanyang mga nasasakupan. Ang pagkakumpleto ng mga larawan ng mga kuwadro na gawa " Kasal ng magsasaka"At" Sayaw ng magsasaka"nagtataglay ng kapangyarihan ng elementong bayan. Maging ang mga paintings sa mga kuwento sa Bibliya sa mga gawa ni Bruegel ay pinaninirahan ng Netherlands, at ang mga kaganapan sa malayong Judea ay nagaganap sa likuran ng mga lansangan na nababalutan ng niyebe sa ilalim ng madilim na kalangitan ng kanyang sariling bansa (“ Sermon ni Juan Bautista"). Ang pagpapakita ng tila hindi mahalaga, pangalawa, ang artista ay nagsasalita tungkol sa pangunahing bagay sa buhay ng mga tao, muling nililikha ang diwa ng kanyang panahon.

Maliit na canvas" Mga mangangaso sa niyebe"(Enero) mula sa seryeng "Seasons" ay itinuturing na isa sa mga hindi maunahang obra maestra ng pagpipinta sa mundo. Ang mga pagod na mangangaso na may kasamang mga aso ay umuwi. Kasama nila, ang manonood ay pumasok sa burol, kung saan bubukas ang isang panorama ng isang maliit na bayan. Ang mga pampang ng ilog na nababalutan ng niyebe, mga matinik na punong nagyelo sa malinaw na nagyelo na hangin, lumilipad ang mga ibon, nakaupo sa mga sanga ng puno at bubong ng mga bahay, abala ang mga tao sa kanilang pang-araw-araw na gawain. Ang lahat ng tila maliliit na bagay na ito, kasama ang asul na kalangitan, mga itim na puno, at puting niyebe, ay lumikha sa larawan ng isang panorama ng mundo na gustung-gusto ng artista.

Ang pinaka-trahedya na pagpipinta ni Bruegel " Parabula ng Bulag"Isinulat ng artista bago siya mamatay. Inilalarawan nito ang kuwento ng ebanghelyo "kung ang isang bulag ay umakay sa isang bulag, sila ay parehong mahuhulog sa hukay." Marahil ito ay isang imahe ng sangkatauhan, na binulag ng mga pagnanasa nito, na lumilipat patungo sa pagkawasak nito. Gayunpaman, hindi hinuhusgahan ni Bruegel, ngunit, naiintindihan ang mga batas ng mga relasyon sa pagitan ng mga tao sa isa't isa, na may kapaligiran, tumatagos sa kakanyahan ng kalikasan ng tao, ay nagpapakita sa mga tao mismo, ang kanilang lugar sa mundo.

Pagpipinta ng Alemanya sa panahon ng Renaissance.

Ang mga tampok ng Renaissance sa sining ng Alemanya ay lumilitaw sa ibang pagkakataon kaysa sa Netherlands. Ang pamumulaklak ng German humanism, sekular na agham at kultura ay bumagsak sa mga unang taonXVIV. Ito ay maikling panahon, sa panahon kung saan kulturang Aleman nagbigay sa mundo ng pinakamataas na halaga ng sining. Kabilang dito, una sa lahat, ang gawain Albrecht Durer(1471-1528) - ang pinakamahalagang pintor ng Renaissance ng Aleman.

Si Dürer ay isang tipikal na kinatawan ng Renaissance; siya ay isang pintor, isang engraver, isang matematiko, at isang inhinyero, at nagsulat ng mga treatise sa fortification at art theory. Naka-on self-portraits siya ay lumilitaw na matalino, marangal, nakatutok, puno ng malalim na mga kaisipang pilosopikal. Sa kanyang mga pagpipinta, si Dürer ay hindi kontento sa pormal na kagandahan, ngunit nagsusumikap na magbigay ng simbolikong pagpapahayag ng mga abstract na kaisipan.

Ang isang espesyal na lugar sa creative heritage ni Dürer ay kabilang sa seryeng "Apocalypse", na kinabibilangan ng 15 malalaking woodcuts. Inilalarawan ni Dürer ang mga hula mula sa “Revelation of John the Evangelist”, halimbawa, ang dahon “ Apat na Mangangabayo"Sinisimbolo nito ang kakila-kilabot na mga sakuna - digmaan, salot, taggutom, hindi makatarungang paghatol. Ang premonisyon ng pagbabago, mahihirap na pagsubok at mga sakuna na ipinahayag sa mga ukit ay naging makahula (ang Repormasyon at ang mga Digmaang Magsasaka at Relihiyoso na sumunod dito ay nagsimula).

Ang isa pang kahanga-hangang artista noong panahong iyon ay Lucas Cranach ang Matanda(1472-1553). Ang kanyang mga ipininta ay nakatago sa Hermitage " Madonna at Bata sa ilalim ng Apple Tree"At" Larawan ng babae" Sa kanila nakikita natin ang mukha ng isang babae, na inilalarawan sa marami sa mga pagpipinta ng master (tinatawag pa itong "Cranach's"): isang maliit na baba, singkit na mga mata, ginintuang buhok. Ang artist ay maingat na nagdidisenyo ng mga alahas at damit, ang kanyang mga kuwadro ay isang kapistahan para sa mga mata. Ang kadalisayan at kawalang-muwang ng mga imahe ay muling nagpapatingin sa mga kuwadro na ito. Si Cranach ay isang kahanga-hangang pintor ng portrait; lumikha siya ng mga larawan ng maraming sikat na kontemporaryo - Martin Luther (na kanyang kaibigan), Duke Henry ng Saxony at marami pang iba.

Ngunit ang pinakasikat na pintor ng portrait ng Northern Renaissance, nang walang pag-aalinlangan, ay maaaring makilala bilang isa pang pintor ng Aleman Hans Holbein ang Nakababata (1497-1543). Sa mahabang panahon siya ang pintor sa korte ng haring Ingles na si HenryVIII. Sa kanyang larawan, perpektong inihahatid ni Holbein ang mapanghamak na katangian ng hari, na hindi pamilyar sa pagdududa. Ang maliliit, matalinong mga mata sa isang mataba na mukha ay nagpapakita sa kanya bilang isang malupit. Larawan ni Henry VIII ay napaka maaasahan kaya natakot ang mga taong nakakakilala sa hari. Ipininta ni Holbein ang mga larawan ng marami mga sikat na tao noong panahong iyon, partikular na ang estadista at manunulat na si Thomas More, ang pilosopo na si Erasmus ng Rotterdam at marami pang iba.

Ang pag-unlad ng kultura ng Renaissance sa Germany, Netherlands, at ilang iba pang bansa sa Europa ay naantala ng Repormasyon at mga digmaang pangrelihiyon na sumunod dito. Kasunod nito, dumating ang oras para sa pagbuo ng mga bagong prinsipyo sa sining, na pumasok sa susunod na yugto ng pag-unlad nito.

Ang pagpaplano ng lunsod at ang lungsod bilang isang bagay ng espesyal na pananaliksik ay umaakit sa interes ng maraming nangungunang arkitekto. Ang hindi gaanong kabuluhan ay itinuturing na kontribusyon ng Italya sa larangan ng praktikal na pagpaplano ng lunsod. Sa simula ng ika-15 siglo. Ang mga komune ng lungsod ng Central at Northern Italy ay matagal nang itinatag na mga organismo sa arkitektura. Bilang karagdagan, ang mga republika at paniniil noong ika-15 at ika-16 na siglo. (hindi kasama ang pinakamalaki - tulad ng Florence, Milan, Venice at, siyempre, papal Rome) ay walang sapat na pondo upang lumikha ng mga bagong malalaking ensemble, lalo na dahil ang lahat ng pansin ay patuloy na binabayaran sa pagtatayo o pagkumpleto ng mga katedral bilang pangunahing relihiyon. sentro ng lungsod. Ilang holistic na mga hakbangin sa pagpapaunlad ng lunsod, tulad ng sentro ng lungsod ng Pienza, ang pinagsama ang mga bagong uso sa mga tradisyon ng gusali sa medieval.

Gayunpaman, ang pangkalahatang tinatanggap na pananaw ay medyo minamaliit ang mga pagbabagong naganap noong ika-15-16 na siglo. sa mga lungsod ng Italyano. Kasama ng mga pagtatangka na teoretikal na unawain kung ano ang halos nagawa na sa larangan ng pagpaplano ng lunsod, maaari ding tandaan ang mga pagtatangka na isabuhay ang mga umiiral na teoretikal na ideya sa pagpaplano ng lunsod. Halimbawa, sa Ferrara ito itinayo bagong lugar na may regular na network ng kalye; isang pagtatangka na sabay-sabay na lumikha ng isang mahalagang organismo sa lunsod ay ginawa sa mga lungsod ng Bari, Terra del Sole, Castro, gayundin sa ilang iba pa.

Kung sa Middle Ages ang hitsura ng arkitektura ng lungsod ay nabuo sa proseso ng pagkamalikhain at mga aktibidad sa pagtatayo ng buong populasyon ng lungsod, kung gayon sa Renaissance, ang pagtatayo ng lunsod ay higit na sumasalamin sa mga hangarin ng mga indibidwal na customer at arkitekto.

Sa lumalagong impluwensya ng pinakamayayamang pamilya, ang kanilang mga personal na pangangailangan at panlasa ay lalong nakaapekto sa hitsura ng arkitektura ng lungsod sa kabuuan. Ang malaking kahalagahan sa pagtatayo ng mga palasyo, villa, simbahan, libingan, loggias ay ang pagnanais na ipagpatuloy at luwalhatiin ang sarili, o kumpetisyon sa kayamanan at karilagan sa mga kapitbahay (Gonzaga - d'Este, d'Este - Sforza, atbp.) at ang patuloy na pagnanasa ay namumuhay nang marangya. Kasabay nito, ang mga customer ay nagpakita ng isang tiyak na pag-aalala para sa pagpapabuti ng lungsod, paglalaan ng mga pondo para sa muling pagtatayo ng mga ensemble nito, para sa pagtatayo ng mga pampublikong gusali, fountain, atbp.

Ang isang makabuluhang bahagi ng pagtatayo ng palasyo at templo ay nahulog sa mga taon ng krisis sa ekonomiya na nauugnay sa pagkawala ng mga silangang pamilihan at isinagawa sa gastos ng nakolektang yaman, na hindi produktibong kapital sa panahon ng pagbaba ng mga crafts at kalakalan. Ang pinakatanyag at kilalang mga arkitekto, artista, at iskultor ay kasangkot sa pagtatayo, na nakatanggap ng malaking pondo upang maisakatuparan ang gawaing itinalaga sa kanila at nagawa, sa pamamagitan ng pagbibigay-kasiyahan sa mga personal na pangangailangan ng mga customer, upang ipakita ang kanilang pagiging malikhain sa mas malaking lawak. .

Iyon ang dahilan kung bakit ang mga lungsod ng Italya ng Renaissance ay mayaman sa orihinal, hindi magkatulad na mga ensemble ng arkitektura. Gayunpaman, bilang mga gawa ng parehong panahon na may mahusay na itinatag na mga aesthetic na pananaw, ang mga ensemble na ito ay batay sa mga karaniwang prinsipyo ng komposisyon.

Ang mga bagong kinakailangan para sa volumetric-spatial na organisasyon ng lungsod at mga elemento nito ay batay sa isang makabuluhan, kritikal na pagdama ng mga tradisyon ng medieval, sa pag-aaral ng mga monumento at komposisyon ng sinaunang panahon. Ang pangunahing pamantayan ay ang kalinawan ng spatial na organisasyon, isang lohikal na kumbinasyon ng pangunahin at pangalawa, ang proporsyonal na pagkakaisa ng mga istruktura at mga puwang na nakapalibot sa kanila, ang pagkakaugnay ng mga indibidwal na espasyo, at lahat ng ito sa isang sukat na naaayon sa mga tao. Ang bagong kultura ng Renaissance, sa una ay bahagyang, at pagkatapos ay higit pa at mas aktibong tumagos sa pagpaplano ng lunsod. Ang medyebal na lungsod, na siyang batayan ng mga lungsod ng Renaissance, ay hindi maaaring mabago nang malaki, samakatuwid, ang gawaing muling pagtatayo ay isinasagawa sa teritoryo nito, ang mga indibidwal na pampubliko at pribadong gusali ay itinayo, na kung minsan ay nangangailangan ng ilang gawain sa pagpaplano; ang paglago ng lungsod, na medyo bumagal noong ika-16 na siglo, ay kadalasang nangyayari dahil sa pagpapalawak ng teritoryo nito.

Ang Renaissance ay hindi gumawa ng mga halatang pagbabago sa layout ng mga lungsod, ngunit makabuluhang binago ang kanilang volumetric-spatial na hitsura, paglutas ng isang bilang ng mga problema sa pagpaplano ng lunsod sa isang bagong paraan.

Fig.1. Ferrara. Eskematiko na plano ng lungsod: 1 - Castle d'Este; 2 - Aristoto Square; 3 - monasteryo ng Carthusian; 4 - Simbahan ng Santa Maria Nuova degli Aldighieri; 5 - Simbahan ng San Giuliano; c - Simbahan ng San Benedetto; 7 - Simbahan ng San Francesco; 8 - Palazzo dei Diamanti; 9 - katedral

Fig.2. Verona. Eskematiko na plano ng lungsod: 1 - Simbahan ng San Zeno; 2 - Simbahan ng San Bernardino; 3 - lugar ng mga ospital at Fort San Spirito; 4 - Gran Guardia Vecchia; 5 - Castello Vecchio; 6 - Palazzo Malfatti; 7 - Piazza delle Erbe; 8 - Piazza dei Signori; 9 - Santa Anastasia Square; 10 - katedral; 11 - palasyo ng obispo; 12 - antigong ampiteatro; 13 - Palazzo Pompeii; 14 - Palazzo Bevilacqua

Isa sa mga unang halimbawa ng isang bagong layout sa pagliko ng XV-XVI siglo. maaaring Ferrara (Larawan 1). Ang hilagang bahagi nito ay itinayo ayon sa proyekto ni Biagio Rossetti (nabanggit 1465-1516). Ang mga pangunahing linya ng bagong network ng kalye ay nag-uugnay sa mga pintuan ng pasukan ng mga kuta na kanyang itinayo. Ang mga intersection ng mga lansangan ay binibigyang diin ng mga palasyo (Palazzo dei Diamanti, atbp.) at mga simbahan, na itinayo ng parehong arkitekto o sa ilalim ng kanyang direktang pangangasiwa. Ang medieval center na may moated Castle d'Este, ang Palazzo del Comune at iba pang mga gusali noong ika-12-15 na siglo, pati na rin ang katabing bahagi ng craft at kalakalan ng lungsod, ay nanatiling hindi nagalaw. Ang bagong bahagi ng lungsod, na itinayo sa direksyon ng d'Este na may mga bahay ng isang tiyak na bilang ng mga palapag, ay nakakuha ng isang mas sekular, aristokratikong katangian at ang mga tuwid, malalawak na kalye nito na may mga palasyo at simbahan ng Renaissance ay nagbigay kay Ferrara ng ibang hitsura mula sa medyebal na lungsod. Hindi nakakagulat na isinulat ni Burckhardt na ang Ferrara ay ang unang modernong lungsod sa Europa.

Ngunit kahit na walang pagpaplano ng mga bagong lugar, ginamit ng mga tagabuo ng Renaissance na may pinakadakilang kasanayan ang lahat ng mga elemento ng pagpapabuti at maliliit na anyo ng arkitektura ng lungsod, mula sa mga kanal hanggang sa mga arcade, fountain at paving ( Ang karaniwang halimbawa noong ika-15 siglo ay ang balon sa plaza ng katedral sa Pienza; noong ika-16 na siglo ang papel ng fountain sa mga ensemble ay nagiging mas kumplikado (halimbawa, ang mga fountain na inilagay ni Vignola sa Roma, Viterbo at sa mga villa na matatagpuan sa kanilang paligid ) - para sa pangkalahatang pagpapabuti at aesthetic na pagpapayaman ng hitsura ng arkitektura ng kahit na maliliit na bayan o indibidwal na mga ensemble. Sa ilang lungsod, gaya ng Milan at Roma, ang mga lansangan ay itinuwid at pinalawak.

Ang mga kanal ay itinayo hindi lamang para sa mga patubig, kundi pati na rin sa mga lungsod (para sa pagtatanggol, transportasyon, suplay ng tubig, proteksyon sa baha, para sa produksyon - paghuhugas ng lana, atbp.), Kung saan sila ay bumuo ng isang mahusay na binalak na sistema (Milan), kadalasang kasama ang mga dam. at mga sluices, at nauugnay sa mga istrukturang nagtatanggol sa lungsod (Verona, Mantua, Bologna, Livorno, atbp., Fig. 2, 3, 5, 21).

Ang mga arcade sa kalye, na matatagpuan din sa Middle Ages, kung minsan ay nakaunat sa buong kalye (Bologna, Fig. 4) o sa mga gilid ng square (Florence, Vigevano, Fig. 7).

Ang Renaissance ay nag-iwan sa amin ng mga kahanga-hangang urban complex at ensemble, na maaaring nahahati sa dalawang pangunahing grupo: mga ensemble na nabuo sa kasaysayan (pangunahin silang nauugnay sa ika-15 siglo), at mga ensemble na nilikha sa parehong oras o sa loob ng ilang mga panahon ng konstruksiyon, ngunit ayon sa mga plano ng isang arkitekto, kung minsan ay ganap na nakumpleto sa panahon ng Renaissance (pangunahin sa ika-16 na siglo).

Ang isang kapansin-pansing halimbawa ng mga ensemble ng unang grupo ay ang ensemble ng San Marco at Piazzetta squares sa Venice.

Sa unang kalahati ng ika-15 siglo. Ang mga bahagi ng Palazzo ng Doge ay itinayo, na tinatanaw ang Piazzetta at ang San Marco Canal. Ang marmol na paving ng Piazza San Marco, na kalaunan ay pinagsama ito sa Piazzetta, ay nagsimula noong simula ng parehong siglo. Sa simula ng ika-16 na siglo. ang gawaing muling pagtatayo ng gitnang parisukat ng lungsod ay umaakit sa mga pinakakilalang arkitekto: Pinapataas ni Bartolomeo Bon ang taas ng campanile mula 60 hanggang 100 m at pinutungan ito ng bubong ng tolda; Si Pietro Lombardo at iba pa ang nagtatayo ng Old Procuration at ng tore ng orasan; noong 1529, ang mga stall ay inalis mula sa Piazzetta, na nagbukas ng mga tanawin ng lagoon at ang monasteryo ng San Giorgio Maggiore. Ang Piazzetta ay gumaganap ng isang mahalagang papel bilang isang spatial na paglipat mula sa kalawakan ng lagoon hanggang sa gitnang parisukat, na nagbibigay-diin sa laki at kahalagahan ng komposisyon sa istraktura ng lungsod. Pagkatapos ay pinalawak ni Sansovino ang parisukat sa timog, inilalagay ang gusali ng Library na itinayo niya sa Piazzetta, 10 m mula sa campanile, at itinayo ang Loggetta tower sa paanan ng tore. Sa pagtatapos ng ika-16 na siglo. Ang Scamozzi ay nagtatayo ng Bagong Procurations. Gayunpaman, ang kanlurang bahagi ng parisukat ay natapos lamang sa simula ng ika-19 na siglo.

Ang pag-unlad ng Piazza San Marco sa baybayin ng lagoon sa bukana ng Grand Canal ay tinutukoy sa parehong functionally - ang kaginhawahan ng paghahatid ng mga kalakal sa lugar ng pangunahing Venetian fairs at pagbaba ng mga pinarangalan na panauhin sa harap ng palasyo at katedral - at artistikong: ang pangunahing, harap na parisukat ng lungsod ay taimtim na inihayag sa mga lumalapit mula sa dagat at parang isang reception hall para sa lungsod; tulad ng grupo ng mga parisukat ng sinaunang Miletus, ipinakita sa mga bisita ng San Marco Square kung gaano kayaman at kaganda ang kabisera ng Venetian Republic.

Ang isang bagong saloobin patungo sa isang gusali bilang bahagi ng isang kabuuan, ang kakayahang ikonekta ang mga gusali sa puwang na nakapaligid sa kanila at makahanap ng isang magkakaibang, kapwa kapaki-pakinabang na kumbinasyon ng iba't ibang mga istraktura na humantong sa paglikha ng isa sa mga pinakamahusay na ensemble hindi lamang ng Renaissance, ngunit gayundin ng arkitektura ng mundo.

Ang mataas na kultura ng arkitektura ng Venice ay maliwanag din sa unti-unting umuusbong na mga ensemble ng Piazza Santi Giovanni e Paolo (na may Colleoni monument ni Verrocchio) at ang shopping center ng lungsod.

Ang isang halimbawa ng sunud-sunod na pag-unlad ng isang ensemble ay ang Piazza della Signoria sa Florence, pati na rin ang kumplikado ng mga gitnang parisukat sa Bologna, kung saan sa oras na ito ay nabuo ang mga kagiliw-giliw na tradisyon sa pagpaplano ng lunsod.

Fig.5. Bologna. Eskematiko na plano ng lungsod: 1 - Malpighi area; 2 - Ravenna Square; 3 - Piazza Maggiore; 4 - lugar ng Neptune; 5 - Arkiginnasio Square; 6 - Simbahan ng San Petronio; 7 - Palazzo Publico; 8 - Palazzo Legata; 9 - Palazzo del Podesta; 10 - portico dei Banchi; 11 - Palazzo dei Notai; 12 - Palazzo Archiginnasio; 13 - Palazzo del Re Enzo; 14 - Mercantia; 15 - Isolani palaces; 16 - Simbahan ng San Giacomo; 17 - Casa Grassi; 18- Palazzo Fava; 19 - Palazzo Armorini; 20-Collegio di Spagna; 21 - Palazzo Bevilacqua; 22 - Palazzo Tanari

Ang layout ng Bologna ay napreserba ang mga imprint ng kasaysayan nitong mga siglo na (Larawan 5). Ang sentro ng lungsod ay nagsimula noong panahon ng kampo militar ng mga Romano. Lumaki ang mga nagniningning na kalye ng silangan at kanlurang rehiyon noong Middle Ages, na nag-uugnay sa mga sinaunang tarangkahan (hindi napanatili) sa mga tarangkahan ng bagong (ika-14 na siglo) na mga kuta.

Ang maagang pag-unlad ng guild production ng fine dark red bricks at terracotta building parts, pati na rin ang paglaganap ng mga arcade sa gilid ng maraming kalye (itinayo sila bago ang ika-15 siglo), ay nagbigay sa urban development ng isang kapansin-pansing communal character. Ang mga tampok na ito ay nabuo din sa panahon ng Renaissance, nang ang Konseho ng Lunsod ay nagbigay ng malaking pansin sa pagtatayo (tingnan ang mga karaniwang disenyo ng mga bahay para sa mga suburb, na binuo sa pamamagitan ng desisyon ng Konseho, na may mga primitive na portico na dapat na bumuo ng mga arcade sa kalye - Fig. 6) .

Ang Piazza Maggiore, na matatagpuan sa gitna ng lumang lungsod, ay tinatanaw ng napakalaking kastilyong Palazzo Publico, na pinagsama ang ilang pampublikong gusali ng medieval commune, at ang katedral - sa buong ika-15 at ika-16 na siglo. nakatanggap ng isang organic na koneksyon sa pangunahing kalye sa pamamagitan ng Neptune Square (ang fountain na nagbigay ng pangalan nito ay itinayo ni G. da Bologna noong ika-16 na siglo) at makabuluhang binago ang hitsura nito sa diwa ng bagong istilo: noong ika-15 siglo. Nagtrabaho rito si Fioravante, muling itinayo ang Palazzo del Podesta, at noong ika-16 na siglo. - Vignola, na pinag-isa ang mga gusali sa silangang bahagi ng plaza na may karaniwang harapan na may monumental na arcade (portico dei Banchi).

Ang pangalawang pangkat ng mga ensemble, na ganap na napapailalim sa isang solong komposisyon na plano, ay kinabibilangan ng pangunahing mga kumplikadong arkitektura ng ika-16 at kasunod na mga siglo.

Ang Piazza Santissima Annunziata sa Florence, sa kabila ng pare-parehong kalikasan ng pag-unlad nito, ay isang halimbawa ng isang ensemble ng isang intermediate na uri, dahil hindi ito ipinaglihi ng isang master. Gayunpaman, ang simple, magaan at kasabay na monumental na arcade ng Brunellesco Orphanage (1419-1444) ang nagpasiya sa hitsura ng parisukat; isang katulad na arcade ang naulit sa kanlurang bahagi sa harap ng monasteryo ng Servi di Maria (Sangallo the Elder at Baccio d'Agnolo, 1517-1525). Ang huling portico sa harap ng simbahan ng Santissima Annunziata (Giovanni Caccini, 1599-1601) ay mas mataas kaysa sa dalawang gilid at, kasama ang equestrian monument kay Ferdinand I (G. da Bologna, 1608) at mga fountain (1629), nagpapatotoo sa isang bagong kalakaran sa mga ensemble ng konstruksiyon: bigyang-diin ang papel ng simbahan at tukuyin ang nangingibabaw na axis ng komposisyon.

Sa akumulasyon ng yaman, ang pinaka-maimpluwensyang mga kinatawan ng kabataang burgesya ay naghangad na makuha ang pagkilala ng kanilang mga kapwa mamamayan sa pamamagitan ng pagpapalamuti sa kanilang bayan, at kasabay nito ay upang ipahayag ang kanilang kapangyarihan sa pamamagitan ng arkitektura, pagtatayo ng kanilang sarili ng mga magagarang palasyo, ngunit din ng pagbibigay ng pera para sa ang muling pagtatayo at maging ang kumpletong muling pagtatayo ng kanilang simbahan ng parokya, at pagkatapos ay pagtatayo ng iba pang mga gusali sa kanyang parokya. Halimbawa, lumitaw ang mga natatanging grupo ng mga gusali sa paligid ng mga palasyo ng Medici at Rucellai sa Florence; ang una ay kasama, bilang karagdagan sa palasyo, ang Simbahan ng San Lorenzo na may kapilya - ang Medici na libingan at ang Laurenziana Library, ang pangalawa ay binubuo ng Rucellai Palace na may loggia sa tapat nito at ang Rucellai Chapel sa Simbahan ng San Pancrazio.

Mula sa pagtatayo ng isang grupo ng mga gusali ng ganitong uri, may isang hakbang na natitira sa paglikha, sa kapinsalaan ng "ama ng lungsod," ng isang buong grupo na magpapalamuti sa kanyang bayan.

Ang isang halimbawa ng naturang muling pagtatayo ay ang Fabriano Center, kung saan lumipat si Pope Nicholas V at ang kanyang mga kasama sa panahon ng epidemya ng salot sa Roma. Ang muling pagtatayo ng Fabriano ay ipinagkatiwala noong 1451 kay Bernardo Rossellino. Nang hindi binabago ang pagsasaayos ng gitnang parisukat, na nanatiling sarado sa istilong medyebal, sinusubukan ni Rosselino na medyo i-streamline ang pag-unlad nito sa pamamagitan ng paglalagay sa mga gilid ng porticos. Ang pag-frame ng parisukat na may mga gallery na nakatuon ang atensyon ng manonood sa mahigpit na Palazzo Podesta na nakoronahan ng mga benteng ay nagpapahiwatig na ang pangunahing bagay dito, sa kabila ng pagdating ng papa sa lungsod, ay nananatiling sinaunang gusaling sibil na ito. Ang muling pagtatayo ng sentro ng Fabriano ay isa sa mga unang pagtatangka sa pagpaplano ng lunsod ng Renaissance upang ayusin ang espasyo ng parisukat ayon sa prinsipyo ng regularidad.

Ang isa pang halimbawa ng isang beses na muling pagtatayo ng gitnang parisukat at sa katunayan ang buong lungsod ay ang Pienza, kung saan bahagi lamang ng gawaing inisip ni Bernardo Rossellino ang isinagawa.

Ang Piazza Pienza, na may malinaw na dibisyon ng mga gusaling matatagpuan doon sa pangunahin at pangalawa, na may regular na balangkas at sinasadyang pagpapalawak ng teritoryo ng parisukat patungo sa katedral upang lumikha ng libreng espasyo sa paligid nito, na may pattern na paving na naghihiwalay sa trapezoidal square mismo mula sa ang kalye na tumatakbo sa kahabaan nito, na may maingat na maalalahanin na scheme ng kulay ng lahat ng mga gusali na nakabalangkas sa parisukat ay isa sa mga pinaka-katangian at kilalang-kilala na mga ensemble noong ika-15 siglo.

Ang isang kawili-wiling halimbawa ay ang regular na pag-unlad ng isang parisukat sa Vigevano (1493-1494). Ang parisukat kung saan nakatayo ang katedral at ang pangunahing pasukan sa Sforza Castle ay napapalibutan ng isang tuluy-tuloy na arcade, sa itaas kung saan nakaunat ang isang solong harapan, pinalamutian ng mga kuwadro na gawa at may kulay na terakota (Larawan 7).

Ang karagdagang pag-unlad ng mga ensemble ay napunta sa direksyon ng pagtaas ng kanilang paghihiwalay mula sa pampublikong buhay ng lungsod, dahil ang bawat isa sa kanila ay nasasakop sa isang pribadong gawain at nalutas na may malinaw na ipinahayag na sariling katangian, na ihiwalay ito mula sa kapaligiran nito. Mga parisukat ng ika-16 na siglo. ay hindi na mga pampublikong parisukat ng mga commune na lungsod maagang Renaissance, nilayon para sa mga seremonyal na prusisyon at mga pista opisyal. Sa kabila ng pagiging kumplikado ng mga spatial na komposisyon at ang malayong bukas na mga pananaw, pangunahin nilang ginampanan ang papel ng isang bukas na vestibule sa harap ng pangunahing istraktura. Tulad ng sa Middle Ages, kahit na may iba't ibang spatial na organisasyon at compositional construction techniques, ang parisukat ay muling isinailalim sa istraktura - ang nangungunang gusali ng ensemble.

Kabilang sa mga unang ensemble ng ika-16 na siglo, kung saan ang mga naunang nakabalangkas na mga diskarte sa komposisyon ay sinasadyang inilapat sa isang solong plano, ay ang Belvedere complex sa Papal Vatican, pagkatapos ay ang parisukat sa harap ng Farnese Palace sa Roma (kasama rin sa plano ng ensemble ang unrealized na tulay sa kabila ng Tiber), ang Roman Capitol at complex ng pinalawak na Pitti Palazzo na may Boboli Gardens sa Florence.

Ang hugis-parihaba na Piazza Farnese, na natapos noong kalagitnaan ng ika-16 na siglo, pati na rin ang palasyo na sinimulan ni Antonio de Sangallo the Younger at natapos ni Michelangelo, ay ganap na napapailalim sa prinsipyo ng axial construction, na hindi pa napatunayan sa ensemble ng Santissima Annunziata.

Tatlong maiikling parallel na kalye ang humahantong sa Piazza Farnese mula sa Campo di Fiori, ang gitna nito ay mas malawak kaysa sa mga gilid, na tila paunang natukoy ang simetrya ng ensemble. Ang portal ng Farnese Palace ay kasabay ng axis ng garden portal at sa gitna ng rear loggia. Ang komposisyon ng ensemble ay nakumpleto sa pamamagitan ng pag-install ng dalawang fountain (si Vignola ay kumuha ng mga tansong paliguan mula sa Baths of Caracalla para sa kanila), inilagay nang simetriko sa pangunahing pasukan at bahagyang lumipat sa silangang bahagi ng parisukat. Ang pag-aayos ng mga fountain na ito ay tila nagpapalaya sa espasyo sa harap ng palasyo, na ginagawang isang uri ng atrium ang plaza ng lungsod sa harap ng tirahan ng isang makapangyarihang pamilya (cf. ang gitnang parisukat sa Vigevano).

Isa sa mga pinaka-kahanga-hangang halimbawa ng isang arkitektural na grupo hindi lamang noong ika-16 na siglo. sa Italya, ngunit sa buong mundo na arkitektura ay ang Capitoline Square sa Roma, na nilikha ayon sa plano ni Michelangelo at nagpapahayag ng sosyo-historikal na kahalagahan ng lugar na ito (Larawan 9).

Ang gitnang lokasyon ng Palasyo ng mga Senador kasama ang tore at dobleng hagdanan nito, ang trapezoidal na hugis ng parisukat at ang hagdanan-rampa na humahantong dito, ang simetrya ng mga palasyo sa gilid, sa wakas, ang paving pattern ng parisukat at ang gitnang lokasyon ng ang eskultura ng equestrian - lahat ng ito ay nagpatibay sa kahalagahan ng pangunahing istraktura at ang nangingibabaw na axis ng ensemble, na binibigyang diin ang kahalagahan at ang sapat na posisyon ng parisukat na ito sa lungsod, kung saan mayroong malawak na tanawin ng Roma na kumalat sa paanan ng burol. Ang pagbubukas ng isang gilid ng parisukat, ang malinaw na tinukoy na oryentasyon nito patungo sa lungsod habang sabay-sabay na isinasailalim ang espasyo ng parisukat sa pangunahing gusali - ito ay isang bagong tampok na ipinakilala ni Michelangelo sa arkitektura ng mga urban ensemble.

Ang mga gawa na makabuluhang binago ang Roma, na muling binuhay ito mula sa mga guho ng Middle Ages, ay may malaking impluwensya sa arkitektura ng Italya at sa buong Europa. Ang Renaissance ensembles, na nakakalat sa buong teritoryo ng sinaunang kabisera, ay mas matagal na niyakap ng lungsod at kasama bilang mga elemento nito sa isang solong sistema, ngunit sila ang gulugod na tumutukoy sa karagdagang arkitektura at spatial na organisasyon ng Roma sa kabuuan.

Ang mga guho ng sinaunang lungsod ay paunang natukoy ang sukat at monumentalidad ng mga kalye at mga gusali ng mga nangungunang ensemble. Pinag-aralan at pinagkadalubhasaan ng mga arkitekto ang mga prinsipyo ng regular na sinaunang komposisyon sa pagpaplano ng lunsod. Ang mga bagong landas sa pagpaplano ng lunsod ay batay sa isang mulat na paghahanap para sa mas mahusay, mas maginhawa at makatuwirang mga layout, sa makatwirang reconstructions ng mga lumang gusali, sa isang maalalahanin na synthesis ng sining at arkitektura (Larawan 9, 10).

Ang mga natitirang arkitekto ng Renaissance - Brunellesco, Alberti, Rossellino, Leonardo da Vinci, Bramante, Michelangelo - ay naglihi ng isang serye ng mga magagandang pagbabago ng mga lungsod. Narito ang ilan sa mga proyektong ito.

Noong 1445, para sa anibersaryo ng 1450, ang makabuluhang gawaing muling pagtatayo ay binalak sa Roma para sa distrito ng Borgo. Ang mga may-akda ng proyekto (Rosselino at, marahil, Alberti) ay tila nag-isip ng mga istruktura ng pagtatanggol at pagpapabuti ng lungsod, muling pagtatayo ng mga tirahan ng Borgo at isang bilang ng mga simbahan. Ngunit ang proyekto ay nangangailangan ng malaking gastos at nanatiling hindi natutupad.

Nasaksihan ni Leonardo da Vinci ang kasawian na nangyari sa Milan - ang epidemya ng salot noong 1484-1485, na pumatay ng higit sa 50 libong mga naninirahan. Ang pagkalat ng sakit ay pinadali ng siksikan, siksikan at hindi malinis na mga kondisyon sa lungsod. Ang arkitekto ay iminungkahi ng isang bagong layout ng Milan sa loob ng lumalawak na mga pader ng lungsod, kung saan ang mga mahahalagang mamamayan lamang ang mananatili, na obligadong itayo muli ang kanilang mga ari-arian. Kasabay nito, ayon kay Leonardo, dalawampung mas maliliit na lungsod na may 30 libong mga naninirahan at 5000 bahay bawat isa ay dapat na itinatag malapit sa Milan. Itinuring ni Leonardo na kinakailangan: "Upang hatiin ang malaking pulutong ng mga tao, na, tulad ng mga tupa sa isang kawan, ay nagkakalat ng masamang amoy at kumakatawan sa isang mayamang lupa para sa mga epidemya at kamatayan." Kasama sa mga sketch ni Leonardo ang mga kalsada sa dalawang antas, mga viaduct sa mga diskarte mula sa mga rural na lugar, isang malawak na network ng mga kanal na nagbibigay ng patuloy na supply ng sariwang tubig sa mga lungsod at marami pang iba (Larawan 11).

Sa parehong mga taon, si Leonardo da Vinci ay nagtrabaho sa isang plano para sa muling pagtatayo, o sa halip ay ang radikal na muling pagsasaayos ng Florence, na nakapaloob ito sa isang regular na decahedron ng mga pader at inilalagay sa lapad nito, gamit ang ilog, isang engrandeng kanal, na katumbas ng lapad sa ang Arno (Larawan 12). Ang proyekto ng kanal na ito, na kinabibilangan ng isang serye ng mga dam at mas maliliit na diversion channel na nagsisilbing flush sa lahat ng mga kalye ng lungsod, ay malinaw na utopia sa kalikasan. Sa kabila ng panlipunang (class) na pag-areglo sa lungsod na iminungkahi ni Leonardo, hinangad ng arkitekto na lumikha ng malusog at komportableng kondisyon sa pamumuhay para sa lahat ng residente ng Florence.

Matapos ang sunog na sumira sa merkado malapit sa Rialto Bridge sa Venice noong 1514, lumikha si Fra Giocondo ng isang proyekto para sa muling pagtatayo ng lugar na ito. Ang quadrangular na isla, na naka-frame sa pamamagitan ng mga kanal, ay may isang quadrangular na hugis at itatayo sa paligid ng perimeter na may dalawang palapag na tindahan. Sa gitna ay may isang parisukat na may apat na arched gate sa mga gilid. Ang centricity ng komposisyon ay binigyang diin ng simbahan ng San Matteo na matatagpuan sa gitna.

Ang mga panukala ni Fra Giocondo mula sa pananaw sa pagpaplano ng lunsod ay kawili-wili at bago, ngunit nanatiling hindi natupad.

Si Michelangelo, na nagtatanggol sa kalayaan ng kanyang minamahal na Florence at tila nais na mapanatili ang diwa ng demokrasya na likas na taglay nito kanina, ay nagmungkahi ng isang proyekto para sa muling pagtatayo ng sentro nito. Sa lahat ng posibilidad, ang prototype para sa bagong parisukat ay ang mga pampublikong sentro ng sinaunang panahon, na siyang mga peristyle ng polis.

Inilaan ni Michelangelo na palibutan ang Piazza della Signoria ng mga gallery, itinatago ang lahat ng dating itinayo na mga palasyo, kamara ng komersyo, mga bahay ng guild at guild at binibigyang-diin sa kanilang pagkakapareho ang kadakilaan ng Palasyo ng Signoria. Ang napakalaking sukat ng Loggia dei Lanzi, na magsisilbing motif para sa arcade ng mga gallery na ito, at ang mga monumental na arko na kisame ng mga kalye na bumubukas sa parisukat, ay tumutugma sa sukat ng mga Roman forum. Ang mga Dukes ng Florence ay hindi nangangailangan ng gayong muling pagsasaayos; ang mas mahalaga ay ang pagtatayo ng Uffizi na may mga paglipat mula sa pangangasiwa ng duchy - Palazzo Vecchio - sa mga personal na silid ng mga pinuno - Palazzo Pitti. Hindi rin naipatupad ang proyekto ng dakilang master.

Ang mga halimbawa ng mga ibinigay na proyekto, pati na rin ang gawaing isinagawa, ay nagpapahiwatig na ang isang bagong ideya ng lungsod sa kabuuan ay unti-unting nahihinog: isang kabuuan kung saan ang lahat ng mga bahagi ay magkakaugnay. Ang ideya ng lungsod ay binuo kasabay ng paglitaw ng ideya ng isang sentralisadong estado, ng autokrasya, na maaaring, sa ilalim ng mga bagong makasaysayang kondisyon, ipatupad ang isang makatwirang muling pagpapaunlad ng mga lungsod. Ang pag-unlad ng pagpaplano ng lunsod ay malinaw na nagpahayag ng pagiging tiyak ng kultura ng Renaissance, kung saan ang sining at agham ay pinagsama-sama, na paunang natukoy ang pagiging totoo ng sining ng bagong panahon. Bilang isa sa pinakamahalagang uri ng aktibidad sa lipunan, ang pagpaplano ng lunsod ay nangangailangan ng makabuluhang pang-agham, teknikal at tiyak na kaalaman sa sining mula sa mga arkitekto ng Renaissance. Ang muling pagpapaunlad ng mga lungsod ay higit na nauugnay sa pagbabago ng mga diskarte sa labanan, ang pagpapakilala ng mga baril at artilerya, na pinilit ang muling pagtatayo ng mga nagtatanggol na istruktura ng halos lahat ng mga medieval na lungsod. Ang isang simpleng sinturon ng mga pader, na karaniwang sinusundan ng lupain, ay pinalitan ng mga pader na may mga balwarte, na tumutukoy sa hugis-bituin na perimeter ng mga pader ng lungsod.

Ang mga lungsod ng ganitong uri ay lumitaw simula sa ikalawang ikatlong bahagi ng ika-16 na siglo, at nagpapatotoo sa matagumpay na pag-unlad ng teoretikal na pag-iisip.

Ang kontribusyon ng mga masters ng Italian Renaissance sa teorya ng pagpaplano ng lunsod ay napakahalaga. Sa kabila ng hindi maiiwasang utopianismo sa pagbubuo ng mga problemang ito sa ilalim ng mga kondisyon ng panahong iyon, gayunpaman ay binuo sila nang may malaking tapang at kumpleto sa lahat ng mga treatise at teoretikal na dokumento ng ika-15 siglo, hindi pa banggitin ang mga pantasya sa pagpaplano ng lunsod sa visual arts. Ganito ang mga treatise ng Filarete, Alberti, Francesco di Giorgio Martini, at maging ang kamangha-manghang nobela ni Polifilo na "Hypnerotomachia" (nai-publish noong 1499) kasama ang kanilang mga diagram ng isang perpektong lungsod, pati na rin ang maraming mga tala at mga guhit ni Leonardo da Vinci.

Ang mga treatise ng Renaissance sa arkitektura at pagpaplano ng lunsod ay batay sa pangangailangan upang matugunan ang mga pangangailangan ng muling pagpapaunlad ng mga lunsod at ay batay sa siyentipiko at teknikal na mga tagumpay at aesthetic view ng kanyang panahon, gayundin sa pag-aaral ng mga bagong tuklas na akda mga sinaunang nag-iisip, lalo na si Vitruvius.

Isinasaalang-alang ni Vitruvius ang mga isyu ng pagpaplano at pag-unlad ng lunsod mula sa punto ng view ng kaginhawahan, kalusugan at kagandahan, na medyo pare-pareho sa mga bagong pananaw ng Renaissance.

Ang mga natapos na rekonstruksyon at hindi pa natutupad na mga proyekto sa pagbabago ng lungsod ay nagpasigla din sa pag-unlad ng agham sa pagpaplano ng lunsod. Gayunpaman, ang mga paghihirap ng mga radikal na pagbabagong-anyo sa mga naitatag na lungsod ng Italya ay nagbigay sa mga teorya ng pagpaplano ng lunsod ng isang utopiang katangian.

Ang mga teorya at proyekto sa lunsod ng mga perpektong lungsod ng Renaissance ay maaaring nahahati sa dalawang pangunahing yugto: mula 1450 hanggang 1550 (mula Alberti hanggang Pietro Cataneo), nang ang mga problema sa pagpaplano ng lunsod ay itinuturing na napakalawak at komprehensibo, at mula 1550 hanggang 1615 (mula 1550 hanggang 1615 Bartolomeo Ammanati kay Vincenzo Scamozzi), nang ang mga isyu sa pagtatanggol at sa parehong oras ay nagsimulang manginig ang mga estetika.

Ang mga Treatises at proyekto ng mga lungsod sa unang panahon ay nagbigay ng maraming pansin sa mga isyu ng pagpili ng lupain para sa lokasyon ng mga lungsod, ang mga gawain ng kanilang pangkalahatang muling pag-aayos: resettlement ng mga residente ayon sa mga propesyonal at panlipunang katangian, pagpaplano, pagpapabuti at pag-unlad. Ang hindi gaanong kahalagahan sa panahong ito ay ang solusyon ng mga problema sa aesthetic at arkitektura at spatial na organisasyon ng parehong lungsod sa kabuuan at mga elemento nito. Unti-unti, sa pagtatapos ng ika-15 siglo, higit at higit na kahalagahan ang ibinigay sa mga isyu ng pangkalahatang pagtatanggol at pagtatayo ng mga kuta.

Ang mga makatwiran at nakakumbinsi na mga paghatol tungkol sa pagpili ng lokasyon ng mga lungsod ay ganap na hindi naaangkop sa pagsasanay, dahil ang mga bagong lungsod ay bihirang itayo, bukod pa rito, sa mga lugar na paunang natukoy ng pag-unlad ng ekonomiya o diskarte.

Ang mga treatise ng mga arkitekto at ang kanilang mga proyekto ay nagpapahayag ng bagong pananaw sa mundo ng panahon na nagsilang sa kanila, kung saan ang pangunahing bagay ay ang pag-aalaga sa isang tao, ngunit isang pinili, marangal at mayamang tao. Ang stratification ng uri ng lipunan ng Renaissance ay naaayon na nagbunga ng agham, na nagsilbi sa kapakinabangan ng may-ari ng uri. Ang pinakamahusay na mga lugar ng perpektong lungsod ay inilaan para sa pag-areglo ng mga "maharlika".

Ang pangalawang prinsipyo ng pag-aayos ng lugar ng lunsod ay ang pag-aayos ng propesyonal na grupo ng natitirang populasyon, na nagpapahiwatig ng makabuluhang impluwensya ng mga tradisyon ng medieval sa mga hatol ng mga arkitekto ng ika-15 siglo. Ang mga craftsmen ng mga kaugnay na propesyon ay kailangang manirahan nang malapit sa isa't isa, at ang kanilang lugar ng paninirahan ay tinutukoy ng "maharlika" ng kanilang craft o propesyon. Ang mga mangangalakal, nagpapalit ng pera, alahas, nagpapautang ay maaaring manirahan sa gitnang lugar malapit sa pangunahing plaza; ang mga gumagawa ng barko at mga operator ng lubid ay may karapatang manirahan lamang sa mga panlabas na bahagi ng lungsod, sa likod ng ring street; ang mga mason, panday, saddlers, atbp. ay kailangang magtayo malapit sa entrance gate sa lungsod. Ang mga manggagawa, na kailangan para sa lahat ng bahagi ng populasyon, tulad ng mga tagapag-ayos ng buhok, parmasyutiko, sastre, ay kailangang ipamahagi nang pantay-pantay sa buong lungsod.

Ang ikatlong prinsipyo ng organisasyon ng lungsod ay ang pamamahagi ng teritoryo sa residential, industrial, commercial, at public complex. Nagbigay sila ng isang makatwirang koneksyon sa isa't isa, at kung minsan ay isang kumbinasyon, para sa pinakakumpletong serbisyo ng lungsod sa kabuuan at ang paggamit ng pang-ekonomiya at natural na data nito. Ito ang proyekto ng perpektong lungsod ng Filarete - "Sforzinda".

Ang layout ng mga lungsod, ayon sa urban planning theorists, ay kailangang regular. Minsan ang mga may-akda ay pumili ng isang radial-ring (Filarete, F. di Giorgio Martini, Fra Giocondo, Antonio da Sangallo Jr., Francesco de Marchi, Fig. 13), minsan isang orthogonal (Martini, Marchi, Fig. 14), at ilang mga may-akda ang nagmungkahi ng mga proyekto , pinagsasama ang parehong mga sistema (Peruzzi, Pietro Cataneo). Gayunpaman, ang pagpili ng layout ay karaniwang hindi isang puro pormal, mekanikal na kaganapan, dahil ang karamihan sa mga may-akda ay tinutukoy ito lalo na sa pamamagitan ng natural na mga kondisyon: terrain, ang pagkakaroon ng mga reservoir, ilog, umiiral na hangin, atbp. (Fig. 15).

Karaniwang mayroong pangunahing pampublikong plaza sa gitna ng lungsod, una ay may kastilyo at pagkatapos ay may town hall at katedral sa gitna. Ang mga lugar ng kalakalan at relihiyon na may kahalagahang pangrehiyon sa mga radial na lungsod ay matatagpuan sa intersection ng mga radial na kalye na may isa sa mga singsing ng lungsod o bypass highway (Larawan 16).

Ang teritoryo ng lungsod ay dapat na naka-landscape, ayon sa mga arkitekto na lumikha ng mga proyektong ito. Ang siksikan at hindi malinis na mga kondisyon ng mga lungsod sa medieval, ang pagkalat ng mga epidemya na sumisira sa libu-libong mamamayan, ay nagpilit sa amin na isipin ang tungkol sa muling pagsasaayos ng pag-unlad, tungkol sa pangunahing suplay ng tubig at pagpapanatili ng kalinisan sa lungsod, tungkol sa pinakamataas na pagpapabuti nito, kahit sa loob ng lungsod. mga pader. Ang mga may-akda ng mga teorya at proyekto ay iminungkahi na i-defuse ang pag-unlad, ituwid ang mga kalye, maglatag ng mga kanal sa kahabaan ng mga pangunahing, at inirerekomenda na gawin ang lahat ng posible upang luntian ang mga kalye, mga parisukat at mga pilapil.

Kaya, sa haka-haka na "Sforzinda" ni Filaret, ang mga kalye ay dapat na libis patungo sa labas ng lungsod upang maubos ang tubig-ulan at i-flush ng tubig mula sa isang reservoir sa sentro ng lungsod. Ang mga navigation canal ay ibinigay sa kahabaan ng walong pangunahing radial na kalye at sa paligid ng mga parisukat, na nagsisiguro sa katahimikan ng gitnang bahagi ng lungsod, kung saan ang pagpasok ng mga sasakyang may gulong ay ipinagbabawal. Ang mga radial na kalye ay dapat i-landscape, habang ang mga pangunahing (25 m ang lapad) ay naka-frame sa pamamagitan ng mga gallery sa kahabaan ng mga kanal.

Ang mga ideya sa pagpaplano ng lunsod ni Leonardo da Vinci, na ipinahayag sa kanyang maraming sketch, ay nagsasalita ng isang napakalawak at matapang na diskarte sa mga problema ng lungsod at sa parehong oras ay tumutukoy sa mga tiyak na teknikal na solusyon sa mga problemang ito. Kaya, itinatag niya ang ratio ng mga taas ng mga gusali at ang mga puwang sa pagitan ng mga ito para sa pinakamahusay na insolation at bentilasyon, binuo ang mga kalye na may trapiko sa iba't ibang antas (ang mga nasa itaas - naiilaw ng araw at walang trapiko - ay inilaan para sa "mayaman ”).

Si Antonio da Sangallo the Younger sa kanyang proyekto ay nagmungkahi ng isang perimeter development ng mga kapitbahayan na may mahusay na maaliwalas, berdeng espasyo sa loob. Dito, tila, ang mga ideya ng pagpapabuti at pagpapabuti ng urban area, na ipinahayag ni Leonardo da Vinci, ay binuo.

Ang mga sketch ng mga bahay sa perpektong lungsod ng Francesco de Marchi ay may malinaw na impluwensya ng mga nakaraang panahon, o sa halip, pinapanatili nila ang katangian ng pag-unlad na nangingibabaw sa mga lungsod ng Renaissance, na minana mula sa Middle Ages - makitid, multi-storey na mga bahay na may itaas. mga sahig na dinala pasulong (tingnan ang Fig. 16).

Kasama ang ipinahiwatig na mga problema sa pag-andar at utilitarian, isang makabuluhang lugar sa mga proyekto ng mga perpektong lungsod ng mga arkitekto noong ika-15 at unang bahagi ng ika-16 na siglo. Ang mga aesthetic na isyu ng volume-spatial na organisasyon ng lungsod ay inookupahan din. Sa mga treatise, ang mga may-akda ay paulit-ulit na bumalik sa katotohanan na ang lungsod ay dapat na pinalamutian ng magagandang kalye, mga parisukat at indibidwal na mga gusali.

Sa pagsasalita tungkol sa mga bahay, kalye at parisukat, binanggit ni Alberti nang higit sa isang beses na dapat silang pareho sa laki at katangian. hitsura napagkasunduan ng bawat isa. Isinulat ni F. di Giorgio Martini na ang lahat ng bahagi ng lungsod ay dapat na organisado nang matalino, na dapat silang may kaugnayan sa isa't isa sa mga sukat na katulad ng mga bahagi ng katawan ng tao.

Ang mga kalye ng perpektong mga lungsod ay madalas na naka-frame sa pamamagitan ng mga arcade na may kumplikadong arched passages sa kanilang mga intersection, na, bilang karagdagan sa pagiging functional (silungan mula sa ulan at nakakapasong araw), ay purong din masining na halaga. Ito ay pinatunayan ng mga panukala ni Alberti, ang proyekto ng isang hugis-itlog na lungsod at ang gitnang parihaba na parisukat ng lungsod ni F. de Marchi at iba pa (tingnan ang Fig. 14).

Mula noong katapusan ng ika-15 siglo, ang pamamaraan ng sentrik na komposisyon ng mga lungsod (Fra Giocondo) ay unti-unting nakakuha ng pagtaas ng kahalagahan sa gawain ng mga arkitekto na nagtrabaho sa mga scheme ng mga perpektong lungsod. Ang ideya ng lungsod bilang isang solong organismo, na nasa ilalim ng isang karaniwang plano, sa ika-16 na siglo. nangingibabaw sa teorya ng urban planning.

Ang isang halimbawa ng naturang solusyon ay ang perpektong lungsod ng Peruzzi, na napapalibutan ng dalawang pader at itinayo ayon sa isang radial scheme, na may natatanging dinisenyo na bypass highway sa hugis ng isang parisukat. Ang mga nagtatanggol na tore, na matatagpuan pareho sa mga sulok at sa gitna ng komposisyon, ay nagpapatibay sa sentrisidad ng lokasyon ng hindi lamang ang pangunahing gusali mismo, kundi pati na rin ang buong lungsod sa kabuuan.

Ang pagguhit ng perpektong lungsod ni Antonio da Sangallo the Younger, na may mga dingding na hugis bituin at mga radial na kalye na may karaniwang hugis-singsing na highway, ay kahawig ng lungsod ng Filarete. Gayunpaman, ang bilog na parisukat na may isang bilog na gusali sa gitna ay isang karagdagang pag-unlad ng mga plano ng mga nauna kay Antonio da Sangallo Jr. at, parang, nagpapatuloy sa ideya ng sentrik na komposisyon na may kaugnayan sa lungsod. Hindi ito ang kaso alinman sa radial na lungsod ng Filaret (ang sentro ay isang complex ng asymmetrically located rectangular squares), o sa radial at serpentine na mga lungsod ng Francesco di Giorgio Martini.

Ang huling kinatawan ng mga teorista ng Renaissance na komprehensibong sumaklaw sa lahat ng mga isyu ng pagpaplano ng lunsod ay si Pietro Cataneo, isang sikat na tagabuo ng mga kuta, na noong 1554 ay nagsimulang maglathala ng kanyang treatise sa arkitektura sa mga bahagi. Inililista ni Cataneo ang limang pangunahing kondisyon na, sa kanyang opinyon, ay dapat isaalang-alang kapag nagdidisenyo at nagtatayo ng isang lungsod: klima, pagkamayabong, kaginhawahan, pagkakataon para sa paglago at ang pinakamahusay na depensa. Mula sa punto ng view ng depensa, ang may-akda ng treatise ay isinasaalang-alang ang mga polygonal na lungsod bilang ang pinaka-angkop, arguing na ang hugis ng lungsod ay isang hinalaw ng laki ng teritoryo na kanilang sinasakop (na kung saan mas maliit na lungsod, mas simple ang pagsasaayos nito). Gayunpaman, binubuo ng Cataneo ang panloob na espasyo ng lungsod, anuman ang panlabas na pagsasaayos nito, mula sa hugis-parihaba at parisukat na mga bloke ng tirahan. Ang ideya ng autokrasya ay nangingibabaw din sa kanya: para sa pinuno ng lungsod, inisip ni Cataneo ang paglikha ng isang kalmado at mahusay na protektadong kastilyo, kapwa mula sa panloob at panlabas na mga kaaway.

Mula noong kalagitnaan ng ika-16 na siglo. Ang mga isyu ng urban planning at ideal na mga lungsod ay hindi na paksa ng mga espesyal na gawa, ngunit sakop ng mga treatise sa mga pangkalahatang isyu ng arkitektura. Ang mga treatise na ito ay nag-iiba-iba ng mga kilalang pamamaraan ng pagpaplano at volumetric na komposisyon. Sa ikalawang kalahati ng ika-16 na siglo. ang puro panlabas na bahagi ng disenyo ng proyekto at ang pagguhit ng mga detalye ay naging halos isang wakas sa sarili nito (Buonaiuto Lorini, Vasari). Minsan ang mga indibidwal na elemento lamang ng lungsod ang binuo nang hindi isinasaalang-alang ang pangkalahatang pamamaraan nito (Ammanati). Ang parehong mga uso ay umuusbong sa kalagitnaan ng ika-16 na siglo. at sa pagsasagawa ng urban planning.

Ang treatise ni Palladio sa arkitektura (1570) ay ang huling teoretikal na gawain ng ika-15 siglo, na naglalaman ng maraming kawili-wili at malalim na mga paghatol din tungkol sa pagpaplano ng lunsod. Tulad ni Alberti, hindi nag-iwan si Palladio ng isang proyekto para sa isang perpektong lungsod at sa kanyang treatise ay nagpahayag lamang siya ng mga hangarin tungkol sa kung paano dapat planuhin at itayo ang mga lansangan, kung ano dapat ang mga parisukat ng lungsod at kung ano ang impresyon sa mga indibidwal na gusali at grupo nito. gumawa.

Ang mga huling kinatawan ng Italian urban planning theorists ay sina Vasari the Younger at Scamozzi.

Si Giorgio Vasari the Younger, nang lumikha ng kanyang proyekto sa lungsod (1598), ay naglagay ng mga aesthetic na layunin sa harapan. Sa pangkalahatang plano nito, ang mga prinsipyo ng regularidad at mahigpit na simetrya ay namumukod-tangi sa kaluwagan (Larawan 17).

Sa simula ng ika-17 siglo. (1615) Si Vincenzo Scamozzi ay bumaling sa pagdidisenyo ng mga mainam na lungsod. Maaaring ipagpalagay na kapag nagdidisenyo ng lungsod, siya, hindi katulad ni Vasari, ay nagpatuloy mula sa mga pagsasaalang-alang sa fortification. Kinokontrol ng may-akda sa ilang lawak ang pag-areglo ng lungsod at ang organisasyong pangkalakal at paggawa nito. Gayunpaman, ang layout ng Scamozzi ay mekanikal pa rin at hindi organikong konektado sa hugis ng dodecagonal na plano o sa pamamaraan ng mga istrukturang nagtatanggol. Ito ay isang magandang iginuhit na diagram ng master plan. Ang ratio ng mga sukat ng mga lugar, ang bawat isa ay hiwalay at kung ihahambing sa bawat isa, ay hindi natagpuan. Ang pagguhit ay kulang sa banayad na proporsyon na matatagpuan sa proyekto ni Vasari. Ang mga parisukat ng lungsod ng Scamozzi ay masyadong malaki, dahil sa kung saan ang buong pamamaraan ay nawawala ang sukat, na binalaan ni Palladio, na nagsasabi na ang parisukat sa lungsod ay hindi dapat masyadong maluwang. Dapat pansinin na sa bayan ng Sabbioneta, sa pagpaplano at pag-unlad kung saan ang Scamozzi, sa ngalan ni Gonzago, ay aktibong nakibahagi, ang sukat ng mga kalye at mga parisukat ay napili nang lubos na nakakumbinsi. Ang Scamozzi ay sumusunod sa parehong pamamaraan ng komposisyon ng gitnang parisukat, na binalangkas nina Lupicini at Lorini. Hindi niya ito itinayo, ngunit inilalagay ang mga pangunahing gusali sa teritoryo ng mga bloke na katabi ng parisukat, upang ang kanilang mga pangunahing harapan ay nakaharap sa parisukat. Ang pamamaraan na ito ay tipikal ng Renaissance at ito ay lehitimo ng mga urban planning theorists at sa mga iskema ng mga ideal na lungsod.

Sa panahon ng pangkalahatang pagbaba ng ekonomiya at krisis sa lipunan noong kalagitnaan ng ika-16 na siglo. sa teorya ng pagpaplano ng lunsod, nagsisimulang manginig ang mga sekundaryang isyu. Ang isang komprehensibong pagsasaalang-alang sa mga problema ng lungsod ay unti-unting nawawala sa larangan ng pananaw ng mga masters. Nalutas nila ang mga partikular na isyu: ang komposisyon ng mga peripheral na lugar (Ammanati), isang bagong sistema ng pag-unlad ng sentro (Lupicini, Lorini), maingat na pag-unlad ng disenyo ng mga nagtatanggol na istruktura at pangkalahatang plano (Maggi, Lorini, Vasari), atbp. Unti-unti, sa pagkawala ng malawak na diskarte sa pag-unlad Habang lumalaki ang mga functional at artistikong gawain sa agham at kasanayan sa pagpaplano ng lunsod, dumarami rin ang propesyonal na pagbaba, na makikita sa aesthetic na pormalismo at ang arbitrariness ng ilang mga desisyon sa pagpaplano.

Ang mga teoretikal na turo ng Renaissance sa pagpaplano ng lunsod, sa kabila ng kanilang likas na utopia, ay may ilang impluwensya pa rin sa pagsasagawa ng pagpaplano ng lunsod. Ito ay lalo na kapansin-pansin sa panahon ng pagtatayo ng mga kuta sa maliit na daungan at hangganan na pinatibay na mga lungsod na itinayo sa Italya noong ika-16 at maging ika-17 siglo. sa napakaikling panahon.

Halos lahat ng pinakakilalang arkitekto ng panahong ito ay nakibahagi sa pagtatayo ng mga kuta na ito: Giuliano at Antonio da Sangallo the Elder, Sanmicheli, Michelangelo at marami pang iba. Kabilang sa maraming mga kuta na itinayo ni Antonio da Sangallo the Younger, ang lungsod ng Castro malapit sa Lake Bolsena, na itinayo noong 1534-1546, ay dapat pansinin. sa utos ni Pope Paul III (Alessandro Farnese). Dinisenyo at ipinatupad ni Sangallo ang buong lungsod, pinatingkad at inilalagay lalo na ang mga palasyo ng papa at ang kanyang mga kasama, mga pampublikong gusali na may maluluwag na mga gallery, isang simbahan, at isang mint. Para sa iba, ayon kay Vasari, nagawa rin niyang lumikha ng sapat na amenities. Si Castro ay nawasak noong 1649 at higit na kilala mula sa mga sketch ng master.

Ang sentrik na komposisyon ng mga ideal na lungsod ay hindi pinansin ng mga arkitekto na lumikha ng malalaking architectural complex kung saan dapat mangibabaw ang tirahan ng pyudal na panginoon. Ito ay kung paano ang bayan ng Caprarola ay nilikha ng Vignola, sa katunayan - lamang ang diskarte sa Farnese Palace. Makitid na kalye, mababang bahay, maliliit na simbahan - tulad ng mga paanan ng kahanga-hangang Farnese Castle. Ang masikip at katamtamang kalikasan ng bayan ay nagbibigay-diin sa kadakilaan at monumentalidad ng palasyo. Ang lohikal na simpleng pamamaraan na ito ay nagpapahayag nang lubos na malinaw ang intensyon ng may-akda, na nagawang gumamit ng magkakaibang kumbinasyon na karaniwan sa arkitektura ng Renaissance upang ipakita ang pangunahin at pangalawa.

Halos sabay-sabay sa Malta, na mula noong 1530 ay kabilang sa Order of the Knights of Malta, itinayo ng mga Italyano ang pinatibay na lungsod ng La Valletta, na itinatag bilang parangal sa tagumpay laban sa mga Turko (1566). Itinatag ang lungsod sa isang kapa, na hinugasan ng mga baybayin na humihiwa nang malalim sa isla at pinoprotektahan ng mga kuta na nagbabalangkas sa mga pasukan sa daungan. Mula sa isang punto ng pagtatanggol, ang teritoryo ng lungsod ay napili nang matalino. Ang fortification belt ay binubuo ng malalakas na pader at matataas na balwarte, na napapaligiran ng malalalim na kanal na inukit sa bato kung saan nakapatong ang lungsod. Ang mga istrukturang nagtatanggol ay may mga labasan nang direkta sa dagat, at sa hilagang-silangang bahagi ay nilikha ang isang artipisyal na panloob na daungan, na nakapaloob sa loob ng isang singsing ng mga pader ng lungsod. Ang unang naisip na hugis-parihaba na plano ay hindi ganap na naisakatuparan, dahil ang lungsod ay may mabato na pundasyon, na nagpahirap sa pagsubaybay sa mga kalye at pagtatayo ng mga bahay mismo (Larawan 18).

Mula sa hilagang-silangan hanggang timog-kanluran, ang lungsod ay pinutol ng isang pangunahing paayon na kalye na tumatakbo mula sa pangunahing gate ng mainland hanggang sa parisukat sa harap ng kuta ng Valletta. Parallel sa pangunahing highway na ito, tatlo pang pahaba na kalye ang inilatag nang simetriko sa magkabilang panig, na intersected ng mga transverse na kalye na matatagpuan patayo sa mga pangunahing; sila ay hindi madadaanan, dahil sila ay mga hagdan na inukit sa bato. Ang layout ng mga kalye ay isinagawa sa paraang mula sa mga longhitudinal highway posible na obserbahan mula sa bawat intersection kasama ang apat na kalye na nagsasalubong sa tamang mga anggulo ang hitsura ng kaaway, ibig sabihin, dito ang isa sa mga pangunahing prinsipyo na pinagbabatayan ng disenyo ng ang mga perpektong lungsod ay ganap na naobserbahan, sa partikular, na tininigan ni Alberti.

Ang geometric na tigas ng plano ay pinalambot kumplikadong hugis nagtatanggol na mga istraktura at ang paglalagay ng isang bilang ng mga maliliit na bloke, ang laki nito ay nakasalalay sa libreng espasyo sa paligid na mga lugar ng lungsod, dahil sa pagiging kumplikado ng coastal terrain at ang lokasyon ng mga pader ng lungsod. Ang Valletta ay halos sabay-sabay na binuo na may halos kaparehong mga gusali ng tirahan na may pantay na taas, na may maliit na bilang ng mga bintana sa anyo ng mga butas. Ang pagtatayo ay naganap sa kahabaan ng perimeter ng mga bloke, at ang natitirang bahagi ng mga bloke ng tirahan ay naka-landscape. Ang mga bahay sa sulok ay kinakailangang may mga residential tower na nilagyan ng mga depensibong plataporma, kung saan mayroong suplay ng mga bato at iba pang paraan ng depensa laban sa isang kaaway na pumasok sa lungsod.

Sa katunayan, ang Valletta ay isa sa mga unang, halos ganap na natanto, perpektong mga lungsod ng Renaissance. Ang pangkalahatang hitsura nito ay nagpapahiwatig na ang mga tiyak na natural na kondisyon, ang mga layunin ng isang tiyak na diskarte, maginhawang komunikasyon sa mga daungan at maraming iba pang mga kondisyon na direktang idinidikta ng buhay, pinilit ang lungsod na itayo hindi sa anyo ng isang abstract scheme na may kakaibang pattern ng mga parisukat at mga intersection, ngunit sa anyo ng isang makatwiran, matipid na pamamaraan, na makabuluhang nababagay ng mga kinakailangan ng katotohanan sa panahon ng proseso ng pagtatayo.

Noong 1564, itinayo ni Bernardo Buontalenti ang pinatibay na lungsod ng Terra del Sole sa hilagang hangganan ng Romagna (malapit sa Forli), isang halimbawa ng pagpapatupad ng isang perpektong lungsod ng Renaissance na may regular na plano. Ang mga balangkas ng mga kuta, ang plano ng lungsod mismo, at ang lokasyon ng sentro ay malapit sa mga guhit ng Cataneo (Larawan 19).

Si Bernardo Buontalenti ay isa sa mga pinakakilalang tagaplano at tagapagpatibay ng lungsod noong kanyang panahon, na nagawang komprehensibong lutasin ang problema sa pagtatayo ng isang pinatibay na lungsod. Ang komprehensibong pagtingin sa lungsod bilang isang solong organismo ay kinumpirma rin ng kanyang trabaho sa Livorno.

Ang hugis-bituin na hugis ng kuta, bypass canals, orthogonal layout, ang axial construction ng pangunahing square, na naka-frame ng mga gallery at pagiging threshold ng katedral - lahat ng ito ay nagpapahiwatig na ang Livorno ay ang pagpapatupad ng perpektong lungsod ng Renaissance. Ang pagkakaroon lamang ng isang paikot-ikot na baybayin at ang istraktura ng port ay medyo lumalabag sa geometric na kawastuhan ng perpektong pamamaraan (Larawan 20, 21).

Fig.22. Sa kaliwa ay Palma Nuova, 1595; sa kanan - Grammichele (aerial photo)

Ang isa sa huling totoong buhay na ideal na lungsod ng Renaissance ay ang hilagang-silangan ng Venetian na pinatibay na lungsod ng Palma Nuova. Ang may-akda ng proyekto ay hindi kilala (siguro Lo Rini o Scamozzi). Ayon kay Merian, isang German geographer ng ika-17 siglo, ang Palma Nuova ay itinatag ng mga Venetian noong 1593 at natapos noong 1595.

Ang pangkalahatang plano ng lungsod, na napapalibutan ng makapangyarihang mga istrukturang nagtatanggol, ay nagpapakita ng radial na diagram ng mga ideal na lungsod ng Renaissance (Larawan 22) at pinakamalapit sa disenyo sa proyekto ng Lorini noong 1592.

Ang plano ng Palma Nuova ay isang hectagon na may labingwalong radial na kalye na humahantong sa isang ring road na matatagpuan napakalapit sa gitna; anim sa kanila ay tinatanaw ang hugis heksagonal na pangunahing parisukat. Ang kakayahan ng may-akda ng proyekto ay makikita sa paglalagay ng mga kalye, salamat sa kung saan ang kumbinasyon ng pentagon ng panlabas na perimeter ng mga pader at ang hexagon ng gitnang parisukat ng lungsod ay tila ganap na organiko.

Labindalawang parisukat ang idinisenyo sa harap ng bawat balwarte at entrance gate, at anim na karagdagang mga parisukat sa loob ng distrito ang nilikha sa intersection ng ikatlong singsing na highway na may mga radial na kalye na hindi pumupunta sa gitnang parisukat.

Kung ang layout ng mga kalye ng Palma Nuova ay isinasagawa nang halos eksakto ayon sa proyekto, kung gayon ang mga nagtatanggol na istruktura ay itinayo nang mas malakas kaysa sa inaasahan. Ang pag-unlad ng lungsod ay hindi ganap na regular at napaka-magkakaibang, ngunit hindi ito lumalabag sa likas na panloob na kaayusan ng Palma Nuova.

Ang sentrisidad ng komposisyon ay binibigyang-diin ng pinakasimpleng paraan: ang hexagonal na parisukat ay may linya na may mga halaman at nasa gitna, sa halip na ang hindi pa naitayong pangunahing gusali, isang flagpole, kung saan ang mga palakol ng lahat ng mga radial na kalye na nakaharap sa parisukat ay nakatuon.

Sa ilalim ng impluwensya ng mga teorya sa pagpaplano ng lunsod ng Renaissance, ang layout ng Grammichele sa Sicily ay nilikha, na inilatag sa hugis ng isang heksagono noong 1693 (Larawan 22).

Sa pangkalahatan, ang kasaysayan ng pagpaplano ng lunsod ng Italya noong ika-15-16 na siglo, na nag-iwan sa amin ng isang bilang ng mga ensemble ng arkitektura ng kahalagahan sa mundo at maraming mas maliliit na complex at mga sentro ng lunsod na puno ng natatanging kagandahan, ay nagpapakita pa rin ng isang medyo motley na larawan.

Hanggang sa ikalawang kalahati ng ika-15 siglo, habang ang mga lungsod ay nagtatamasa pa rin ng ilang kalayaan, ang mga tradisyon ng Middle Ages ay malakas sa pagpaplano ng lunsod, bagaman sinubukan ng mga arkitekto na bigyan ang mga nakatatag na lungsod ng bago, kadalasang mas regular na hitsura.

Mula sa kalagitnaan ng ika-15 siglo. Kasama ng pampublikong customer sa katauhan ng lungsod, ang indibidwal na customer, na may kakayahan, kapangyarihan, indibidwal na panlasa at mga kinakailangan, ay nagiging lalong mahalaga. Ang tagapalabas ay hindi na ang pagawaan, kundi ang arkitekto. Siya, sa isang mas malaking lawak kaysa sa customer, ay nagkaroon ng kanyang sariling indibidwalidad, isang natatanging talento, isang tiyak na kredo ng creative at makabuluhang kapangyarihan mula sa customer. Samakatuwid, sa kabila ng higit na pagkakaisa sa ekonomiya, panlipunan at kultura kaysa noong Middle Ages, ang mga lungsod ng Italya noong panahong iyon ay napaka-indibidwal at hindi magkatulad.

Mula sa ikalawang quarter ng ika-16 na siglo. Sa pag-unlad ng mga sentralisadong estado, kasama ang pag-streamline ng ideya ng autokrasya, ang mga kinakailangan para sa lungsod bilang isang mahalagang organismo ay nagiging mas at mas malinaw na nakabalangkas.

Sa lahat ng oras na ito, kasabay ng mga praktikal na aktibidad ng mga arkitekto, na itinayo lamang sa pamamagitan ng pagkakasunud-sunod ng mga panginoon, ang agham ng pagpaplano ng lunsod ay umuunlad, na ipinahayag, bilang isang patakaran, sa mga treatise sa mga perpektong lungsod, ang kanilang mga kuta, ang kagandahan ng kanilang komposisyon at marami pang kaugnay na isyu. Gayunpaman, ang mga ideyang ito ay hindi palaging isinalin sa katotohanan, kaya ang pagpaplano ng lunsod ay halos nabuo sa dalawang direksyon: ang pagtatayo ng isang bilang ng mga malalaking grupo sa mga umiiral nang lungsod at ang pagtatayo ng mga pinatibay na lungsod sa mga pinaka-mahina na teritoryo ng mga indibidwal na estado at duchies ng Italya. .

Sa simula pa lamang ng Renaissance, ang bawat elemento ng lungsod at grupo ay naisip nang komprehensibo, hindi lamang mula sa functional, kundi pati na rin mula sa artistikong bahagi.

Ang pagiging simple at kalinawan ng spatial na organisasyon - mga hugis-parihaba na lugar na kadalasang maraming ratio, na naka-frame sa pamamagitan ng mga gallery (Carpi, Vigevano, Florence - Piazza Santissima Annunziata); lohikal na pagpili ng pangunahing bagay, kapag, nang hindi nawawala ang kanilang sariling katangian, ang lahat ng mga gusali ng ensemble ay nabuo sa isang mahalagang komposisyon (Pienza, Bologna, Venice); proporsyonal at malakihang pagkakapareho ng mga istruktura at mga puwang na nakapaligid sa kanila, na nagbibigay-diin sa kahalagahan ng isang partikular na istraktura (ang setting ng katedral sa Pienza, ang trapezoidal square sa harap ng katedral sa Venice); paghihiwalay at kumbinasyon ng mga indibidwal na espasyo, magkakaugnay at nasasakupan sa isa't isa (ang gitnang mga parisukat ng Bologna, Piazza della Signoria sa Florence, Piazzatta, Piazza San Marco sa Venice); malawakang paggamit ng mga fountain, sculpture at maliliit na anyo (mga haligi sa Piazzetta, mga palo sa harap ng katedral at ang Colleoni monument sa Venice, ang Gattamelata monument sa Padua, ang Neptune Fountain sa Bologna, ang Marcus Aurelius monument sa Capitol sa Roma) - ito ang mga pangunahing pamamaraan para sa komposisyon ng isang ensemble ng arkitektura, na malawakang ginagamit sa panahon ng Renaissance sa Italya. At, bagaman hindi pinahintulutan ng buhay ang isang radikal na overhaul at muling pagsasaayos ng mga umiiral na lungsod, ang mga sentral na ensemble ng marami sa kanila ay nakatanggap ng isang bago, tunay na hitsura ng Renaissance.

Unti-unti, ang mga masters ng Renaissance ay nagsimulang magsikap para sa pagkakapareho sa pag-unlad ng buong complexes (Florence, Vigevano, Carpi, Venice, Rome) at nagpatuloy, kumplikado ang arkitektura at spatial na komposisyon at paglutas ng mga kumplikadong problema ng pagsasama ng mga bagong kinatawan ng ensemble sa pag-unlad ng lungsod (Capitol, St. Peter's Cathedral ).

Sa ikalawang kalahati ng ika-16 na siglo. isang bagong pag-unawa sa ensemble ang lumitaw: ito ay lumitaw sa paligid ng isang istraktura, kadalasang may simetriko na konstruksyon. Ang pagiging simple at kalinawan ng mga nakaraang komposisyon ay unti-unting napalitan ng mga sopistikadong pamamaraan ng arkitektural at spatial na organisasyon. Ang parisukat ay lalong binibigyang kahulugan bilang isang bukas na vestibule, bilang isang subordinate na espasyo na nagbubukas sa mga kinatawan ng mga gusali ng pyudal na maharlika o simbahan. Sa wakas, mayroong isang pagnanais na isaalang-alang ang paggalaw ng manonood at, nang naaayon, ipakilala ang mga bagong elemento ng dinamikong pag-unlad sa ensemble (Capitol sa Roma) - isang pamamaraan na binuo na sa susunod na panahon.

Nagaganap din ang mga pagbabago sa mga teorya sa pagpaplano ng lunsod na binuo ng mga arkitekto ng Renaissance. Kung sa XV at unang kalahati ng XVI siglo. saklaw ng mga teoryang ito ang problema ng lungsod nang komprehensibo, pagkatapos ay sa ikalawang kalahati ng ika-16 na siglo. ang mga may-akda ay pangunahing nakatuon sa mga pribadong isyu, nang hindi nawawala, gayunpaman, ang ideya ng lungsod bilang isang solong organismo.

Nakita natin na ang Renaissance ay nagbigay ng lakas hindi lamang sa pagbuo ng mga ideya sa pagpaplano ng lunsod, kundi pati na rin sa praktikal na pagtatayo ng mas komportable at malusog na mga lungsod, at naghanda ng mga lungsod para sa isang bagong yugto ng pag-iral, para sa panahon ng kapitalistang pag-unlad. Ngunit ang maikling tagal ng panahong ito, mabilis na pagbaba ng ekonomiya at ang pagpapalakas ng pyudal na reaksyon, ang pagtatatag ng isang monarkiya na rehimen sa ilang mga lugar at mga dayuhang pananakop ay naantala ang pag-unlad na ito.

Kabanata "Mga resulta ng pag-unlad ng arkitektura ng Italyano sa mga siglo ng XV-XVI," seksyon "Renaissance Architecture sa Italya," encyclopedia " Pangkalahatang kasaysayan arkitektura. Tomo V. Arkitektura ng Kanlurang Europa noong siglo XV-XVI. Renaissance". Tagapagpaganap na editor: V.F. Marcuson. Mga May-akda: V.F. Marcuzon (Mga resulta ng pag-unlad ng arkitektura), T.N. Kozina (Pagpaplano ng lungsod, perpektong lungsod), A.I. Opochinskaya (Mga Villa at hardin). Moscow, Stroyizdat, 1967

Ang unang bahagi ng ika-15 siglo ay nakakita ng malalaking pagbabago sa buhay at kultura sa Italya. Ang mga taong-bayan, mangangalakal at artisan ng Italya ay nagsagawa ng isang magiting na pakikibaka laban sa pyudal na pag-asa mula noong ika-12 siglo. Sa pagpapaunlad ng kalakalan at produksyon, unti-unting yumaman ang mga taong-bayan, ibinagsak ang kapangyarihan ng mga panginoong pyudal at inorganisa ang mga malayang lungsod-estado. Ang mga libreng lungsod ng Italya ay naging napakalakas. Ipinagmamalaki ng kanilang mga mamamayan ang kanilang mga pananakop. Ang napakalaking kayamanan ng mga independiyenteng lungsod ng Italya ang dahilan ng kanilang masiglang kasaganaan. Ang Italyano bourgeoisie ay tumingin sa mundo na may iba't ibang mga mata, matatag silang naniniwala sa kanilang sarili, sa kanilang lakas. Sila ay dayuhan sa pagnanais ng pagdurusa, pagpapakumbaba, at pagtalikod sa lahat ng makalupang kagalakan na ipinangaral sa kanila hanggang ngayon. Ang paggalang sa makalupang tao na nagtatamasa ng kagalakan ng buhay ay lumago. Ang mga tao ay nagsimulang gumawa ng isang aktibong diskarte sa buhay, masigasig na pag-aralan ang mundo, at humanga sa kagandahan nito. Sa panahong ito, isinilang ang iba't ibang agham at nabuo ang sining.

Ang Italya ay napanatili ang maraming mga monumento ng sining ng Sinaunang Roma, kaya sinaunang panahon muli silang nagsimulang igalang bilang isang modelo, ang sinaunang sining ay naging isang bagay ng pagsamba. Ang imitasyon ng sinaunang panahon ay nagbunga ng pagtawag sa panahong ito sa sining - Renaissance, na nangangahulugang sa Pranses "Renaissance". Siyempre, hindi ito isang bulag, eksaktong pag-uulit ng sinaunang sining, ito ay bagong sining, ngunit batay sa mga sinaunang halimbawa. Italian Renaissance nahahati sa 3 yugto: VIII - XIV siglo - Pre-Renaissance (Proto-Renaissance o Trecento)- ito.); XV siglo - maagang Renaissance (Quattrocento); katapusan ng ika-15 - simula ng ika-16 na siglo - Mataas na Renaissance.

Ang mga arkeolohikal na paghuhukay ay isinagawa sa buong Italya, naghahanap ng mga sinaunang monumento. Ang mga bagong tuklas na estatwa, barya, pinggan, at armas ay maingat na iniingatan at kinolekta sa mga museo na espesyal na nilikha para sa layuning ito. Natuto ang mga artista mula sa mga halimbawang ito ng unang panahon at ipininta ang mga ito mula sa buhay.

Trecento (Pre-Renaissance)

Ang tunay na simula ng Renaissance ay nauugnay sa pangalan Giotto di Bondone (1266? - 1337). Siya ay itinuturing na tagapagtatag ng pagpipinta ng Renaissance. Ang Florentine Giotto ay may magagandang serbisyo sa kasaysayan ng sining. Siya ay isang renovator, ang ninuno ng lahat ng European painting pagkatapos ng Middle Ages. Si Giotto ay nagbigay ng buhay sa mga eksena ng ebanghelyo, lumikha ng mga larawan ng mga totoong tao, espiritwal ngunit makalupa.

Unang gumawa si Giotto ng mga volume gamit ang chiaroscuro. Gustung-gusto niya ang malinis, mapusyaw na mga kulay sa mga cool shade: pink, pearl grey, pale purple at light lilac. Ang mga tao sa mga fresco ni Giotto ay matipuno at mabigat sa paglalakad. Mayroon silang malalaking facial features, malawak na cheekbones, singkit na mata. Ang kanyang tao ay mabait, matulungin, at seryoso.

Sa mga gawa ni Giotto, ang mga fresco sa mga templo ng Padua ang pinakamahusay na napreserba. Mga kwento ng ebanghelyo ipinakita niya rito bilang umiiral, makalupa, tunay. Sa mga gawaing ito, pinag-uusapan niya ang tungkol sa mga problema na nag-aalala sa mga tao sa lahat ng oras: tungkol sa kabaitan at pag-unawa sa isa't isa, panlilinlang at pagkakanulo, tungkol sa lalim, kalungkutan, kaamuan, kababaang-loob at walang hanggang pag-ibig ng ina.

Sa halip na naka-disconnect ang mga indibidwal na figure, as in pagpipinta ng medyebal, nagawa ni Giotto na lumikha ng magkakaugnay na kuwento, isang buong salaysay tungkol sa masalimuot na panloob na buhay ng mga bayani. Sa halip na ang kumbensyonal na ginintuang background ng Byzantine mosaic, ipinakilala ni Giotto ang isang landscape na background. At kung sa pagpipinta ng Byzantine ang mga pigura ay tila lumutang at nakabitin sa kalawakan, kung gayon ang mga bayani ng mga fresco ni Giotto ay nakahanap ng matibay na lupa sa ilalim ng kanilang mga paa. Ang pagsisikap ni Giotto na ihatid ang espasyo, ang kaplastikan ng mga pigura, at ang pagpapahayag ng paggalaw ay ginawa ang kanyang sining na isang buong yugto sa Renaissance.

Isa sa mga sikat na masters ng Pre-Renaissance -

Simone Martini (1284 - 1344).

Ang kanyang mga pagpipinta ay nagpapanatili ng mga tampok ng Northern Gothic: Ang mga figure ni Martini ay pinahaba, at, bilang isang panuntunan, sa isang ginintuang background. Ngunit si Martini ay gumagawa ng mga larawan gamit ang chiaroscuro, binibigyan sila ng natural na paggalaw, at sinusubukang ihatid ang isang tiyak na sikolohikal na kalagayan.

Quattrocento (maagang Renaissance)

Malaki ang papel ng sinaunang panahon sa pagbuo ng sekular na kultura ng unang bahagi ng Renaissance. Ang Platonic Academy ay bubukas sa Florence, ang Laurentian Library ay naglalaman ng isang mayamang koleksyon ng mga sinaunang manuskrito. Ang mga unang museo ng sining ay lumitaw, na puno ng mga estatwa, mga fragment ng sinaunang arkitektura, mga marmol, mga barya, at mga keramika. Sa panahon ng Renaissance, lumitaw ang mga pangunahing sentro ng buhay-sining sa Italya - Florence, Rome, Venice.

Ang Florence ay isa sa pinakamalaking sentro, ang lugar ng kapanganakan ng bago, makatotohanang sining. Noong ika-15 siglo, maraming sikat na mga master ng Renaissance ang nanirahan, nag-aral at nagtrabaho doon.

Arkitekturang sinaunang Renaissance

Ang mga residente ng Florence ay may mataas na artistikong kultura, sila ay aktibong lumahok sa paglikha ng mga monumento ng lungsod, at tinalakay ang mga pagpipilian para sa pagtatayo ng mga magagandang gusali. Inabandona ng mga arkitekto ang lahat na kahawig ng Gothic. Sa ilalim ng impluwensya ng sinaunang panahon, ang mga gusaling pinatungan ng simboryo ay nagsimulang ituring na pinakaperpekto. Ang modelo dito ay ang Roman Pantheon.

Ang Florence ay isa sa mga pinakamagandang lungsod sa mundo, isang museo ng lungsod. Napanatili nito ang arkitektura nito mula pa noong unang panahon na halos buo, ang pinakamagagandang gusali nito ay pangunahing itinayo noong Renaissance. Tumataas sa itaas ng mga pulang brick na bubong ng mga sinaunang gusali ng Florence ay ang malaking gusali ng katedral ng lungsod. Santa Maria del Fiore, na kadalasang tinatawag na Florence Cathedral. Ang taas nito ay umabot sa 107 metro. Ang isang kahanga-hangang simboryo, ang slenderness na kung saan ay binibigyang diin ng puting bato ribs, korona ang katedral. Ang simboryo ay kamangha-mangha sa laki (ang diameter nito ay 43 m), kinokoronahan nito ang buong panorama ng lungsod. Ang katedral ay makikita mula sa halos lahat ng kalye sa Florence, malinaw na silhouette sa kalangitan. Ang kahanga-hangang istrakturang ito ay itinayo ng isang arkitekto

Filippo Brunelleschi (1377 - 1446).

Ang pinakakahanga-hanga at sikat na domed na gusali ng Renaissance ay Basilika ni San Pedro sa Roma. Ito ay tumagal ng higit sa 100 taon upang maitayo. Ang mga lumikha ng orihinal na proyekto ay mga arkitekto Bramante at Michelangelo.

Ang mga gusali ng Renaissance ay pinalamutian ng mga haligi, pilaster, ulo ng leon at "putti"(hubad na mga sanggol), plaster wreath ng mga bulaklak at prutas, mga dahon at maraming detalye, ang mga halimbawa nito ay natagpuan sa mga guho ng sinaunang mga gusali ng Romano. Bumalik sa fashion kalahating bilog na arko. Ang mayayamang tao ay nagsimulang magtayo ng mas maganda at mas komportableng mga bahay. Sa halip na magkadikit ang mga bahay, ang mga mararangya ang lumitaw mga palasyo - palazzos.

Eskultura ng maagang Renaissance

Noong ika-15 siglo sa Florence mayroong dalawa sikat na iskultor -Donatello at Verrocchio.Donatello (1386? - 1466)- isa sa mga unang iskultor sa Italya na gumamit ng karanasan ng sinaunang sining. Nilikha niya ang isa sa mga magagandang gawa ng unang bahagi ng Renaissance - ang estatwa ni David.

Ayon kay alamat sa Bibliya, isang simpleng pastol, tinalo ng binatang si David ang higanteng si Goliat, at sa gayo'y iniligtas ang mga naninirahan sa Judea mula sa pagkaalipin at nang maglaon ay naging hari. Si David ay isa sa mga paboritong larawan Renaissance. Siya ay inilalarawan ng iskultor hindi bilang isang hamak na santo mula sa Bibliya, ngunit bilang isang batang bayani, nagwagi, tagapagtanggol ng kanyang bayan. Sa kanyang sculpture, niluluwalhati ni Donatello ang tao bilang ideal ng isang magandang heroic personality na lumitaw noong Renaissance. Si David ay nakoronahan ng laurel wreath ng nanalo. Hindi natakot si Donatello na ipakilala ang gayong detalye bilang isang sumbrero ng pastol - isang tanda ng kanyang simpleng pinagmulan. Noong Middle Ages, ipinagbawal ng simbahan na ilarawan ang hubad na katawan, na itinuturing itong sisidlan ng kasamaan. Si Donatello ang unang master na matapang na lumabag sa pagbabawal na ito. Iginiit niya dito na maganda ang katawan ng tao. Ang estatwa ni David ay ang unang bilog na iskultura ng panahong iyon.

Ang isa pang magandang eskultura ng Donatello ay kilala rin - ang estatwa ng isang mandirigma , heneral ng Gattamelata. Ito ang unang equestrian monument ng Renaissance. Nilikha 500 taon na ang nakalilipas, ang monumento na ito ay nakatayo pa rin sa isang mataas na pedestal, pinalamutian ang isang parisukat sa lungsod ng Padua. Sa unang pagkakataon, hindi isang diyos, hindi isang santo, hindi isang marangal at mayamang tao ang na-immortalize sa eskultura, ngunit isang marangal, matapang at mabigat na mandirigma na may dakilang kaluluwa, na nakakuha ng katanyagan sa pamamagitan ng mga dakilang gawa. Nakasuot ng antigong baluti, si Gattemelata (ito ang kanyang palayaw, ibig sabihin ay "batik-batik na pusa") ay nakaupo sa isang malakas na kabayo sa isang kalmado at marilag na pose. Ang mga tampok ng mukha ng mandirigma ay nagbibigay-diin sa isang mapagpasyahan, malakas na karakter.

Andrea Verrocchio (1436 -1488)

Ang pinakasikat na estudyante ng Donatello, na lumikha ng sikat na equestrian monument sa condottiere Colleoni, na itinayo sa Venice sa plaza malapit sa Church of San Giovanni. Ang pangunahing bagay na kapansin-pansin sa monumento ay ang magkasanib na masiglang paggalaw ng kabayo at sakay. Ang kabayo ay tila nagmamadali lampas sa marmol na pedestal kung saan nakalagay ang monumento. Si Colleoni, na nakatayo sa kanyang mga stirrups, nakaunat, nakataas ang kanyang ulo, nakatingin sa malayo. Bakas sa mukha niya ang galit at tensyon. May isang pakiramdam ng dakilang kalooban sa kanyang tindig, ang kanyang mukha ay kahawig ng isang ibong mandaragit. Ang imahe ay puno ng hindi masisira na lakas, enerhiya, at mahigpit na awtoridad.

Pagpipinta ng maagang Renaissance

Binago rin ng Renaissance ang sining ng pagpipinta. Natutunan ng mga pintor na tumpak na ihatid ang espasyo, liwanag at anino, natural na pose, at iba't ibang damdamin ng tao. Ito ay ang unang bahagi ng Renaissance na ang oras ng akumulasyon ng kaalaman at kasanayang ito. Ang mga kuwadro na gawa ng panahong iyon ay puno ng maliwanag at masiglang kalooban. Ang background ay madalas na ipininta sa mga mapusyaw na kulay, at ang mga gusali at natural na mga motif ay nakabalangkas na may matalim na linya, ang mga purong kulay ay nangingibabaw. Ang lahat ng mga detalye ng kaganapan ay inilalarawan nang may walang muwang na kasipagan; ang mga character ay madalas na naka-linya at pinaghihiwalay mula sa background sa pamamagitan ng malinaw na mga contour.

Ang pagpipinta ng maagang Renaissance ay nagsusumikap lamang para sa pagiging perpekto, gayunpaman, salamat sa katapatan nito, naaantig nito ang kaluluwa ng manonood.

Tommaso di Giovanni di Simone Cassai Guidi, kilala bilang Masaccio (1401 - 1428)

Siya ay itinuturing na isang tagasunod ni Giotto at ang unang master ng pagpipinta ng unang bahagi ng Renaissance. Si Masaccio ay nabuhay lamang ng 28 taon, ngunit sa kanyang maikling buhay ay nag-iwan siya ng marka sa sining na mahirap bigyang-halaga. Nagawa niyang kumpletuhin ang mga rebolusyonaryong pagbabagong sinimulan ni Giotto sa pagpipinta. Ang kanyang mga pintura ay nakikilala sa pamamagitan ng madilim at malalim na mga kulay. Ang mga tao sa mga fresco ni Masaccio ay mas siksik at mas makapangyarihan kaysa sa mga kuwadro na gawa noong panahon ng Gothic.

Si Masaccio ang unang nag-ayos nang tama ng mga bagay sa kalawakan, na isinasaalang-alang ang pananaw; Nagsimula siyang ilarawan ang mga tao ayon sa mga batas ng anatomya.

Alam niya kung paano ikonekta ang mga figure at landscape sa isang solong aksyon, kapansin-pansing at sa parehong oras medyo natural na conveying ang buhay ng kalikasan at mga tao - at ito ang dakilang merito ng pintor.

Ito ay isa sa ilang easel na gawa ni Masaccio, na inatasan mula sa kanya noong 1426 para sa kapilya sa simbahan ng Santa Maria del Carmine sa Pisa.

Ang Madonna ay nakaupo sa isang trono na itinayo nang mahigpit ayon sa mga batas ng pananaw ni Giotto. Ang kanyang pigura ay pininturahan ng tiwala at malinaw na mga stroke, na lumilikha ng impresyon ng sculptural volume. Ang kanyang mukha ay kalmado at malungkot, ang kanyang hiwalay na tingin ay nakadirekta sa kung saan. Nakabalot sa isang madilim na asul na balabal, hawak ng Birheng Maria sa kanyang mga bisig ang Bata, na ang ginintuang pigura ay namumukod-tangi sa isang madilim na background. Ang malalim na fold ng balabal ay nagpapahintulot sa artist na maglaro ng chiaroscuro, na lumilikha din ng isang espesyal na visual effect. Ang sanggol ay kumakain ng mga itim na ubas - isang simbolo ng pakikipag-isa. Ang mga walang kamali-mali na iginuhit na mga anghel (alam na alam ng artista ang anatomy ng tao) na nakapalibot sa Madonna ay nagbibigay sa larawan ng karagdagang emosyonal na resonance.

Ang tanging panel na pininturahan ni Masaccio para sa isang double-sided triptych. Matapos ang maagang pagkamatay ng pintor, ang natitirang gawain, na inatasan ni Pope Martin V para sa Simbahan ng Santa Maria sa Roma, ay natapos ng pintor na si Masolino. Dito ay itinatanghal ang dalawang mahigpit, monumentally executed figure ng mga santo, nakadamit lahat sa pula. Si Jerome ay may hawak na isang bukas na libro at isang modelo ng basilica, na may isang leon na nakahiga sa kanyang paanan. Si Juan Bautista ay inilalarawan sa kanyang karaniwang anyo: siya ay nakayapak at may hawak na krus sa kanyang kamay. Ang parehong mga figure ay humanga sa kanilang anatomical precision at halos sculptural sense of volume.

Ang interes sa tao at paghanga sa kanyang kagandahan ay napakahusay sa panahon ng Renaissance na ito ay humantong sa paglitaw ng isang bagong genre sa pagpipinta - ang portrait genre.

Pinturicchio (bersyon ng Pinturicchio) (1454 - 1513) (Bernardino di Betto di Biagio)

Katutubo ng Perugia sa Italya. Sa loob ng ilang panahon ay nagpinta siya ng mga miniature at tinulungan si Pietro Perugino na palamutihan ng mga fresco Sistine Chapel sa Roma. Nakakuha ng karanasan sa pinaka kumplikadong anyo ng pandekorasyon at monumental na pagpipinta sa dingding. Sa loob ng ilang taon, naging malayang muralist si Pinturicchio. Nagtrabaho siya sa mga fresco sa mga apartment ng Borgia sa Vatican. Gumawa siya ng mga wall painting sa library ng Cathedral sa Siena.

Ang artista ay hindi lamang naghahatid ng pagkakahawig ng larawan, ngunit nagsisikap na ipakita ang panloob na estado ng isang tao. Nasa harapan namin ang isang binatilyo, nakasuot ng pormal na pink na damit ng residente ng lungsod, na may maliit na asul na sumbrero sa kanyang ulo. Ang kayumangging buhok ay bumababa hanggang sa mga balikat, binabalangkas ang isang magiliw na mukha, ang maasikasong titig ng mga brown na mata ay nag-iisip, medyo nababalisa. Sa likod ng batang lalaki ay isang Umbrian landscape na may manipis na mga puno, isang kulay-pilak na ilog, at isang pinkish na kalangitan sa abot-tanaw. Ang lambing ng tagsibol ng kalikasan, bilang isang echo ng karakter ng bayani, ay naaayon sa tula at alindog ng bayani.

Ang imahe ng batang lalaki ay ibinigay sa harapan, malaki at sumasakop sa halos buong eroplano ng larawan, at ang tanawin ay ipininta sa background at napakaliit. Lumilikha ito ng impresyon ng kahalagahan ng tao, ang kanyang pangingibabaw sa nakapaligid na kalikasan, at nagpapatunay na ang tao ang pinakamagandang nilikha sa mundo.

Narito ang solemneng paglisan ni Cardinal Capranica para sa Konseho ng Basel, na tumagal ng halos 18 taon, mula 1431 hanggang 1449, una sa Basel at pagkatapos ay sa Lausanne. Ang batang Piccolomini ay nasa retinue din ng cardinal. Ang isang pangkat ng mga mangangabayo na sinamahan ng mga pahina at mga tagapaglingkod ay ipinakita sa isang eleganteng frame ng isang kalahating bilog na arko. Ang kaganapan ay hindi masyadong totoo at maaasahan dahil ito ay chivalrously pino, halos hindi kapani-paniwala. Sa harapan, isang makisig na nakasakay sa isang puting kabayo, sa isang marangyang damit at sombrero, ay lumingon at tumingin sa manonood - ito ay si Aeneas Silvio. Ang artista ay nasisiyahan sa pagpinta ng mga mayayamang damit at magagandang kabayo sa mga kumot na pelus. Ang mga pinahabang proporsyon ng mga figure, bahagyang mannered na paggalaw, bahagyang tilts ng ulo ay malapit sa perpektong korte. Ang buhay ni Pope Pius II ay puno ng maliwanag na mga kaganapan, at nagsalita si Pinturicchio tungkol sa mga pagpupulong ng papa sa Hari ng Scotland, kasama si Emperador Frederick III.

Filippo Lippi (1406 - 1469)

Lumitaw ang mga alamat tungkol sa buhay ni Lippi. Siya mismo ay isang monghe, ngunit umalis sa monasteryo, naging isang wandering artist, inagaw ang isang madre mula sa monasteryo at namatay, na nilason ng mga kamag-anak ng isang kabataang babae na minahal niya sa katandaan.

Nagpinta siya ng mga larawan ng Madonna at Bata, na puno ng buhay na damdamin at karanasan ng tao. Sa kanyang mga pagpipinta ay inilarawan niya ang maraming mga detalye: araw-araw na mga bagay, kapaligiran, kaya ang kanyang mga paksa sa relihiyon ay katulad ng mga sekular na pagpipinta.

Domenico Ghirlandaio (1449 - 1494)

Ipininta niya hindi lamang ang mga relihiyosong paksa, kundi pati na rin ang mga eksena mula sa buhay ng maharlikang Florentine, ang kanilang kayamanan at karangyaan, at mga larawan ng mga marangal na tao.

Nasa harap namin ang asawa ng isang mayamang Florentine, kaibigan ng artista. Sa hindi masyadong maganda, marangyang bihis na dalaga, ang artista ay nagpahayag ng kalmado, isang sandali ng katahimikan at katahimikan. Ang ekspresyon sa mukha ng babae ay malamig, walang malasakit sa lahat, tila nakikita niya ang kanyang nalalapit na kamatayan: sa lalong madaling panahon pagkatapos ng pagpipinta ng larawan ay mamamatay siya. Ang babae ay inilalarawan sa profile, na karaniwan para sa maraming mga larawan noong panahong iyon.

Piero della Francesca (1415/1416 - 1492)

Isa sa mga pinakamahalagang pangalan sa pagpipinta ng Italyano noong ika-15 siglo. Nakumpleto niya ang maraming pagbabago sa mga pamamaraan ng pagbuo ng pananaw ng pictorial space.

Ang pagpipinta ay ipininta sa isang poplar board na may egg tempera - malinaw naman, sa oras na ito ang artist ay hindi pa pinagkadalubhasaan ang mga lihim ng oil painting, ang pamamaraan kung saan ang kanyang mga huling gawa ay ipininta.

Nakuha ng artist ang hitsura ng misteryo ng Holy Trinity sa sandali ng Pagbibinyag kay Kristo. Ang puting kalapati na ikinakalat ang mga pakpak nito sa ulo ni Kristo ay sumisimbolo sa pagbaba ng Banal na Espiritu sa Tagapagligtas. Mga Pigura ni Kristo, Juan Bautista at nakatayo sa malapit kasama nila ang mga anghel ay pininturahan ng mga pinipigilang kulay.
Ang kanyang mga fresco ay solemne, dakila at marilag. Naniniwala si Francesca sa mataas na tadhana ng tao at sa kanyang mga gawa ang mga tao ay laging gumagawa ng mga kamangha-manghang bagay. Gumamit siya ng banayad, banayad na mga paglipat ng mga kulay. Si Francesca ang unang nagpinta ng en plein air (sa open air).

Minamahal na mga gumagamit! Ikinalulugod naming tanggapin ka sa website ng Electronic na siyentipikong publikasyon na "Analysts of Cultural Studies".

Ang site na ito ay isang archive. Ang mga artikulo para sa publikasyon ay hindi tinatanggap.

Ang elektronikong publikasyong pang-agham na "Analytics of Cultural Studies" ay ang mga konseptong pundasyon ng mga pag-aaral sa kultura (teorya ng kultura, pilosopiya ng kultura, sosyolohiya ng kultura, kasaysayan ng kultura), ang pamamaraan nito, aksiolohiya, analytics. Ito ay isang bagong salita sa kultura ng siyentipiko at panlipunang siyentipikong dialogue.

Ang mga materyal na inilathala sa elektronikong publikasyong pang-agham na "Analytics of Cultural Studies" ay isinasaalang-alang kapag nagtatanggol sa mga disertasyon (mga tesis ng kandidato at doktoral) sa Higher Attestation Commission ng Russian Federation. Kapag nagsusulat ng mga siyentipikong papel at disertasyon, ang aplikante ay kinakailangang magbigay ng mga sanggunian sa mga gawaing siyentipiko, na inilathala sa mga elektronikong publikasyong siyentipiko.

Tungkol sa magazine

Ang electronic na siyentipikong publikasyon na "Analytics of Cultural Studies" ay isang network electronic publication at nai-publish mula noong 2004. Naglalathala ito mga artikulo sa agham at maiikling komunikasyon na sumasalamin sa mga tagumpay sa larangan ng pag-aaral sa kultura at mga kaugnay na agham.

Ang publikasyong ito ay naka-address sa mga siyentipiko, guro, nagtapos at undergraduate na mga mag-aaral, mga empleyado ng pederal at rehiyonal na awtoridad kontrolado ng gobyerno at mga istruktura ng lokal na pamahalaan, lahat ng kategorya ng mga tagapamahala ng kultura.

Sinusuri ang lahat ng publikasyon. Ang pag-access sa magazine ay libre.

Ang journal ay peer-reviewed, napagmasdan ng mga nangungunang espesyalista ng Russian Academy of Sciences at Moscow State University of Culture and Culture, ang impormasyon tungkol dito ay nai-post sa mga online na database.

Sa mga aktibidad nito, ang elektronikong pang-agham na publikasyon na "Analysts of Cultural Studies" ay umaasa sa potensyal at tradisyon ng Tambov Pambansang Unibersidad sila. G.R. Derzhavina.

Nakarehistro ng Federal Service for Supervision of Mass Communications, Communications and Security pamanang kultural Sertipiko ng pagpaparehistro ng mass media El No. FS 77-32051 na may petsang Mayo 22, 2008.

Sining ng Renaissance

Renaissance- ito ang kasagsagan ng lahat ng sining, kabilang ang teatro, panitikan, at musika, ngunit, walang alinlangan, ang pangunahing isa sa kanila, na lubos na nagpahayag ng diwa ng panahon nito, ay ang pinong sining.

Hindi sinasadya na mayroong teorya na nagsimula ang Renaissance sa katotohanan na ang mga artista ay tumigil na nasiyahan sa balangkas ng nangingibabaw na istilong "Byzantine" at, sa paghahanap ng mga modelo para sa kanilang pagkamalikhain, ang unang bumaling sa sa sinaunang panahon. Ang terminong "Renaissance" ay ipinakilala ng nag-iisip at artist ng panahon mismo, si Giorgio Vasari ("Mga Talambuhay ng Mga Sikat na Pintor, Eskultor at Arkitekto"). Ito ay kung paano niya pinangalanan ang oras mula 1250 hanggang 1550. Mula sa kanyang pananaw, ito ay panahon ng muling pagkabuhay ng sinaunang panahon. Para kay Vasari, lumilitaw ang antiquity bilang isang perpektong imahe.

Kasunod nito, umunlad ang nilalaman ng termino. Ang muling pagbabangon ay nagsimulang mangahulugan ng pagpapalaya ng agham at sining mula sa teolohiya, isang paglamig tungo sa Kristiyanong etika, ang paglitaw ng mga pambansang panitikan, at ang pagnanais ng isang tao para sa kalayaan mula sa mga paghihigpit ng Simbahang Katoliko. Iyon ay, ang Renaissance, sa esensya, ay nagsimulang ibig sabihin humanismo.

REVIVAL, RENAISSANCE(French renais sance - renaissance) - isa sa mga pinakadakilang panahon, turning point sa pag-unlad ng sining ng daigdig sa pagitan ng Middle Ages at modernong panahon. Sinasaklaw ng Renaissance ang XIV-XVI na siglo. sa Italya, XV-XVI siglo. sa ibang bansa sa Europa. Ang panahong ito sa pag-unlad ng kultura ay natanggap ang pangalan nito - Renaissance (o Renaissance) na may kaugnayan sa muling pagkabuhay ng interes sa sinaunang sining. Gayunpaman, ang mga artista sa panahong ito ay hindi lamang kinopya ang mga lumang modelo, ngunit inilagay din sa kanila ang husay na bagong nilalaman. Ang Renaissance ay hindi dapat ituring na isang artistikong istilo o kilusan, dahil sa panahong ito mayroong iba't ibang mga artistikong istilo, direksyon, uso. Ang aesthetic ideal ng Renaissance ay nabuo batay sa isang bagong progresibong pananaw sa mundo - humanismo. Ang tunay na mundo at ang tao ay ipinahayag ang pinakamataas na halaga: Ang tao ang sukatan ng lahat ng bagay. Lalo na tumaas ang papel ng malikhaing personalidad.

Ang mga humanistic pathos ng panahon ay pinakamahusay na nakapaloob sa sining, na, tulad ng sa mga nakaraang siglo, ay naglalayong magbigay ng isang larawan ng uniberso. Ang bago ay sinubukan nilang pagsamahin ang materyal at espirituwal sa isang kabuuan. Mahirap makahanap ng isang taong walang malasakit sa sining, ngunit ang kagustuhan ay ibinigay sa pinong sining at arkitektura.

Pagpipinta ng Italyano noong ika-15 siglo. karamihan ay monumental (mga fresco). Ang pagpipinta ay sumasakop sa isang nangungunang lugar sa mga uri ng sining. Ito ay ganap na tumutugma sa prinsipyo ng Renaissance ng "paggaya sa kalikasan." Isang bagong pictorial system ang ginagawa batay sa pag-aaral ng kalikasan. Ang artist na si Masaccio ay gumawa ng isang karapat-dapat na kontribusyon sa pag-unlad ng pag-unawa sa dami at paghahatid nito sa tulong ng chiaroscuro. Ang pagtuklas at pang-agham na pagbibigay-katwiran ng mga batas ng linear at aerial na pananaw ay makabuluhang nakaimpluwensya sa hinaharap na kapalaran ng pagpipinta ng Europa. Ang isang bagong plastik na wika ng iskultura ay nabuo, ang tagapagtatag nito ay si Donatello. Binuhay niya ang free-standing round statue. Ang kanyang pinakamahusay na gawa ay ang iskultura ni David (Florence).

Sa arkitektura, ang mga prinsipyo ng sinaunang sistema ng kaayusan ay muling nabuhay, ang kahalagahan ng mga proporsyon ay itinaas, ang mga bagong uri ng mga gusali ay nabuo (palasyo ng lungsod, country villa, atbp.), Ang teorya ng arkitektura at ang konsepto ng isang perpektong lungsod ay binuo. . Ang arkitekto na si Brunelleschi ay nagtayo ng mga gusali kung saan pinagsama niya ang sinaunang pag-unawa sa arkitektura at ang mga tradisyon ng huling Gothic, na nakamit ang isang bagong mapanlikhang espirituwalidad ng arkitektura na hindi alam ng mga sinaunang tao. Sa panahon ng mataas na Renaissance, ang bagong pananaw sa mundo ay pinakamahusay na nakapaloob sa gawain ng mga artista na nararapat na tinatawag na mga henyo: Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Giorgione at Titian. Ang huling dalawang-katlo ng ika-16 na siglo. tinatawag na huling Renaissance. Sa oras na ito, nilalamon ng isang krisis ang sining. Nagiging maayos, magalang, at nawawala ang init at pagiging natural nito. Gayunpaman, ang ilang mahuhusay na artista - Titian, Tintoretto - ay patuloy na gumagawa ng mga obra maestra sa panahong ito.

Malaki ang impluwensya ng Italian Renaissance sa sining ng France, Spain, Germany, England, at Russia.

Ang pagtaas ng pag-unlad ng sining sa Netherlands, France at Germany (XV-XVI na siglo) ay tinatawag na Northern Renaissance. Ang mga gawa ng mga pintor na sina Jan van Eyck at P. Bruegel the Elder ay ang mga tugatog ng panahong ito ng pag-unlad ng sining. Sa Germany, ang pinakadakilang pintor ng German Renaissance ay si A. Durer.

Ang mga natuklasan sa panahon ng Renaissance sa larangan ng espirituwal na kultura at sining ay may malaking kahalagahan sa kasaysayan para sa pag-unlad ng sining ng Europa sa mga sumunod na siglo. Ang interes sa kanila ay nagpapatuloy sa ating panahon.

Ang Renaissance sa Italya ay dumaan sa ilang yugto: maagang Renaissance, mataas na Renaissance, huling Renaissance. Ang Florence ay naging lugar ng kapanganakan ng Renaissance. Ang mga pundasyon ng bagong sining ay binuo ng pintor na si Masaccio, ang iskultor na si Donatello, at ang arkitekto na si F. Brunelleschi.

Ang unang gumawa ng mga painting sa halip na mga icon pinakadakilang master Proto-Renaissance Giotto. Siya ang unang nagsikap na ihatid ang mga ideyang etikal na Kristiyano sa pamamagitan ng paglalarawan ng tunay na damdamin at karanasan ng tao, na pinapalitan ang simbolismo ng paglalarawan ng tunay na espasyo at mga partikular na bagay. Sa mga sikat na fresco ni Giotto Chapel del Arena sa Padua Makakakita ka ng mga kakaibang karakter sa tabi ng mga santo: mga pastol o spinner. Ang bawat indibidwal na tao sa Giotto ay nagpapahayag ng napakaespesipikong mga karanasan, isang partikular na karakter.

Sa panahon ng maagang Renaissance sa sining, ang sinaunang artistikong pamana ay pinagkadalubhasaan, nabuo ang mga bagong etikal na mithiin, ang mga artista ay bumaling sa mga nagawa ng agham (matematika, geometry, optika, anatomy). Ang nangungunang papel sa pagbuo ng ideolohikal at pangkakanyahan na mga prinsipyo ng maagang sining ng Renaissance ay ginampanan ni Florence. Ang mga imahe na nilikha ng mga masters tulad ng Donatello at Verrocchio ay pinangungunahan ng equestrian statue ng condottiere Gattamelata's David" Donatello's heroic at patriotic principles ("St. George" at "David" ni Donatello at "David" ni Verrocchio).

Ang nagtatag ng Renaissance painting ay si Masaccio(mga kuwadro na gawa ng Brancacci Chapel, "Trinity"), alam ni Masaccio kung paano ihatid ang lalim ng espasyo, ikinonekta ang pigura at tanawin sa isang konsepto ng komposisyon, at nagbigay ng portrait expressiveness sa mga indibidwal.

Ngunit ang pagbuo at ebolusyon ng larawang larawan, na sumasalamin sa interes ng kultura ng Renaissance sa tao, ay nauugnay sa mga pangalan ng mga artista ng paaralan ng Umrbi: Piero della Francesca, Pinturicchio.

Namumukod-tangi ang gawa ng artista sa unang bahagi ng Renaissance Sandro Botticelli. Ispiritwal at patula ang mga imaheng nilikha niya. Pansinin ng mga mananaliksik ang abstraction at pinong intelektwalismo sa mga gawa ng artist, ang kanyang pagnanais na lumikha ng mga mythological composition na may kumplikado at naka-encrypt na nilalaman (“Spring”, “Birth of Venus”). pagkawala, pumukaw sa amin ng isang pakiramdam ng hindi maalis na kalungkutan... Ang ilan sa kanila ay nawalan ng langit, ang iba ay nawalan ng lupa.

"Spring" "Birth of Venus"

Ang paghantong sa pag-unlad ng ideolohikal at masining na mga prinsipyo ng Italian Renaissance ay nagiging Mataas na Renaissance. Si Leonardo da Vinci ay itinuturing na tagapagtatag ng sining ng High Renaissance. dakilang artista at siyentipiko.

Lumikha siya ng maraming mga obra maestra: "Mona Lisa" ("La Gioconda") Sa mahigpit na pagsasalita, ang mismong mukha ni Gioconda ay nakikilala sa pamamagitan ng pagpigil at kalmado, ang ngiti na lumikha ng kanyang katanyagan sa mundo at sa kalaunan ay naging isang kailangang-kailangan na bahagi ng mga gawa ng Halos hindi kapansin-pansin ang paaralan ni Leonardo dito. Ngunit sa mahinang natutunaw na ulap na bumabalot sa mukha at pigura, nagawa ni Leonardo na ipadama sa isa ang walang limitasyong pagkakaiba-iba ng mga ekspresyon ng mukha ng tao. Bagama't ang mga mata ni Gioconda ay maasikaso at mahinahon na nakatingin sa manonood, salamat sa pagtatabing ng kanyang eye sockets, maaaring isipin ng isa na sila ay bahagyang nakasimangot; ang kanyang mga labi ay naka-compress, ngunit malapit sa kanilang mga sulok ay may mga banayad na anino na nagpapapaniwala sa iyo na bawat minuto ay magbubukas, ngumiti, at magsasalita sila. Ang kaibahan sa pagitan ng kanyang titig at ang kalahating ngiti sa kanyang mga labi ay nagbibigay ng ideya ng hindi pagkakapare-pareho ng kanyang mga karanasan. Walang kabuluhan na pinahirapan ni Leonardo ang kanyang modelo sa mahabang session. Tulad ng walang iba, nagawa niyang ihatid ang mga anino, shade at halftones sa larawang ito, at nagbibigay sila ng isang pakiramdam ng masiglang buhay. Naisip ni Vasari na may namumuong ugat sa leeg ni Gioconda.

Sa larawan ni Gioconda, hindi lamang perpektong naihatid ni Leonardo ang katawan at ang nakabalot kapaligiran ng hangin. Inilagay din niya dito ang isang pag-unawa sa kung ano ang kailangan ng mata para sa isang larawan upang makabuo ng isang maayos na impresyon, kung kaya't ang lahat ay tila ang mga anyo ay natural na ipinanganak mula sa isa't isa, tulad ng nangyayari sa musika kapag ang tense dissonance ay nalutas sa pamamagitan ng isang euphonious chord . Si Gioconda ay perpektong nakasulat sa isang mahigpit na proporsyonal na parihaba, ang kanyang kalahating pigura ay bumubuo ng isang bagay na buo, ang kanyang mga nakatiklop na kamay ay nagbibigay sa kanyang pagkakumpleto ng imahe. Ngayon, siyempre, walang tanong tungkol sa mga haka-haka na kulot ng unang bahagi ng "Annunciation". Gayunpaman, gaano man kalambot ang lahat ng mga contour, ang kulot na hibla ng buhok ni Mona Lisa ay naaayon sa transparent na belo, at ang nakasabit na tela na itinapon sa kanyang balikat ay nakatagpo ng alingawngaw sa makinis na paikot-ikot ng malayong kalsada. Sa lahat ng ito, ipinakita ni Leonardo ang kanyang kakayahang lumikha ayon sa mga batas ng ritmo at pagkakaisa. "Mula sa punto ng view ng execution technique, ang Mona Lisa ay palaging itinuturing na isang bagay na hindi maipaliwanag. Ngayon sa tingin ko masasagot ko ang bugtong na ito,” sabi ni Frank. Ayon sa kanya, ginamit ni Leonardo ang "sfumato" technique na kanyang binuo (Italian "sfumato", literal na "naglaho tulad ng usok"). Ang pamamaraan ay ang mga bagay sa mga kuwadro na gawa ay hindi dapat magkaroon ng malinaw na mga hangganan, ang lahat ay dapat na maayos na magbago sa isa't isa, ang mga balangkas ng mga bagay ay dapat na pinalambot sa tulong ng light-air haze na nakapalibot sa kanila. Ang pangunahing kahirapan ng diskarteng ito ay namamalagi sa pinakamaliit na smears (halos isang-kapat ng isang milimetro), na hindi nakikilala alinman sa ilalim ng mikroskopyo o gamit ang X-ray. Kaya, tumagal ng ilang daang sesyon upang ipinta ang pagpipinta ni Da Vinci. Ang imahe ng Mona Lisa ay binubuo ng humigit-kumulang 30 layer ng likido, halos transparent na pintura ng langis. Para sa naturang gawaing alahas, ang artista ay tila kailangang gumamit ng magnifying glass. Marahil ang paggamit ng naturang labor-intensive na pamamaraan ay nagpapaliwanag sa mahabang oras na ginugol sa pagtatrabaho sa portrait - halos 4 na taon.

, "Huling Hapunan" gumagawa ng pangmatagalang impresyon. Sa dingding, na para bang nilalampasan ito at dinadala ang manonood sa isang mundo ng pagkakaisa at marilag na mga pangitain, ang sinaunang drama ng ebanghelyo ng ipinagkanulo na pagtitiwala ay nagbubukas. At nakita ng dramang ito ang resolusyon nito sa isang pangkalahatang salpok na nakadirekta sa pangunahing karakter - isang asawang may malungkot na mukha na tinatanggap ang nangyayari bilang hindi maiiwasan. Sinabi lang ni Kristo sa kanyang mga disipulo, "Isa sa inyo ang magkakanulo sa akin." Ang taksil ay nakaupo sa iba; inilalarawan ng matandang mga guro si Judas na nakaupo nang hiwalay, ngunit mas nakakumbinsi ang ipinakita ni Leonardo ang kanyang madilim na paghihiwalay, na tinatakpan ang kanyang mga tampok sa anino. Si Kristo ay masunurin sa kanyang kapalaran, puno ng kamalayan ng sakripisyo ng kanyang gawa. Ang kanyang nakayukong ulo na may malungkot na mga mata at ang kilos ng kanyang mga kamay ay walang katapusan na maganda at marilag. Isang magandang tanawin ang bumungad sa bintana sa likod ng kanyang pigura. Si Kristo ang sentro ng buong komposisyon, ng lahat ng buhawi ng mga pagnanasa na nagngangalit sa paligid. Ang kanyang kalungkutan at kalmado ay tila walang hanggan, natural - at ito ang malalim na kahulugan ng drama na ipinakita. Naghanap siya ng mga mapagkukunan ng perpektong anyo ng sining sa kalikasan, ngunit siya ang itinuturing ni N. Berdyaev na responsable para sa darating na proseso ng mekanisasyon at mekanisasyon ng buhay ng tao, na naghiwalay sa tao sa kalikasan.

Ang pagpipinta ay nakakamit ng klasikal na pagkakaisa sa pagkamalikhain Raphael. Ang kanyang sining ay nag-evolve mula sa maagang malamig na malayong Umbrian na mga imahe ng Madonnas ("Madonna Conestabile") hanggang sa mundo ng "maligayang Kristiyanismo" ng mga gawang Florentine at Romano. Ang "Madonna with the Goldfinch" at "Madonna in the Armchair" ay malambot, makatao at maging karaniwan sa kanilang pagkatao.

Ngunit ang imahe ng "Sistine Madonna" ay marilag, simbolikong nag-uugnay sa makalangit at makalupang mundo. Higit sa lahat, kilala si Raphael bilang tagalikha ng mga malambot na larawan ng Madonnas. Ngunit sa pagpipinta ay isinama niya ang perpekto ng Renaissance unibersal na tao (portrait of Castiglione) at ang drama ng mga makasaysayang kaganapan. Ang "The Sistine Madonna" (c. 1513, Dresden, Picture Gallery) ay isa sa mga pinaka-inspiradong gawa ng artist. Ipininta bilang imahen ng altar para sa simbahan ng monasteryo ng St. Sixta sa Piacenza, ang pagpipinta na ito sa konsepto, komposisyon at interpretasyon ng imahe ay makabuluhang naiiba sa "Madonnas" ng panahon ng Florentine. Sa halip na isang kilalang-kilala at makalupang imahe ng isang magandang dalagang mapagpakumbaba na nanonood sa mga libangan ng dalawang bata, dito makikita natin ang isang napakagandang pangitain na biglang lumitaw sa langit mula sa likod ng isang kurtinang hinila pabalik ng isang tao. Napapaligiran ng gintong liwanag, ang solemne at marilag na si Maria ay naglalakad sa mga ulap, hawak ang sanggol na si Kristo sa kanyang harapan. Sa kaliwa at sa kanan St. lumuhod sa harap niya. Sixtus at St. Varvara. Ang simetriko, mahigpit na balanseng komposisyon, ang kalinawan ng silweta at ang monumental na generalization ng mga form ay nagbibigay sa "Sistine Madonna" ng isang espesyal na kadakilaan.

Sa pagpipinta na ito, si Raphael, marahil higit sa kahit saan, ay pinamamahalaang pagsamahin ang mahahalagang katotohanan ng imahe sa mga tampok ng perpektong pagiging perpekto. Ang imahe ng Madonna ay kumplikado. Ang nakaaantig na kadalisayan at kawalang-muwang ng isang napakabatang babae ay pinagsama sa kanya ng matatag na determinasyon at kabayanihan na handang magsakripisyo. Ang kabayanihang ito ay nag-uugnay sa imahe ng Madonna sa pinakamahusay na mga tradisyon ng Italian humanism. Ang kumbinasyon ng perpekto at tunay sa larawang ito ay nagpapaalala sa atin ng mga sikat na salita ni Raphael mula sa isang liham sa kanyang kaibigan na si B. Castiglione. “At sasabihin ko sa iyo,” ang isinulat ni Raphael, “na para makapagpinta ng kagandahan, kailangan kong makakita ng maraming dilag... ngunit dahil sa kakulangan... ng magagandang babae, gumamit ako ng ilang ideya na pumapasok sa isip ko. . Hindi ko alam kung ito ay may anumang pagiging perpekto, ngunit sinusubukan ko nang husto upang makamit ito." Ang mga salitang ito ay nagbibigay liwanag sa malikhaing pamamaraan ng artist. Simula mula sa katotohanan at umaasa dito, siya sa parehong oras ay nagsusumikap na itaas ang imahe sa itaas ng lahat ng random at pansamantala.

Michelangelo(1475-1564) ay walang alinlangan na isa sa mga pinakainspiradong artista sa kasaysayan ng sining at, kasama si Leonardo Da Vinci, ang pinakamakapangyarihang pigura ng Italian High Renaissance. Bilang isang iskultor, arkitekto, pintor at makata, si Michelangelo ay nagkaroon ng malaking impluwensya sa kanyang mga kontemporaryo at sa kasunod na sining ng Kanluran sa pangkalahatan.

Itinuring niya ang kanyang sarili na isang Florentine - kahit na siya ay ipinanganak noong Marso 6, 1475 sa maliit na nayon ng Caprese malapit sa lungsod ng Arezzo. Mahal na mahal ni Michelangelo ang kanyang lungsod, ang sining, kultura, at dinala ang pagmamahal na ito hanggang sa katapusan ng kanyang mga araw. Ginugol niya ang karamihan sa kanyang mga taong nasa hustong gulang sa Roma, nagtatrabaho sa mga utos mula sa mga papa; gayunpaman, nag-iwan siya ng isang testamento, alinsunod sa kung saan ang kanyang katawan ay inilibing sa Florence, sa isang magandang libingan sa simbahan ng Santa Croce.

Si Michelangelo ay gumawa ng isang marble sculpture Pieta(Lamentation of Christ) (1498-1500), na matatagpuan pa rin sa orihinal nitong lokasyon - St. Peter's Basilica. Ito ay isa sa mga pinakatanyag na gawa sa kasaysayan ng sining ng mundo. Ang Pieta ay malamang na natapos ni Michelangelo bago siya 25 taong gulang. Ito lang ang trabahong pinirmahan niya. Ang batang si Mary ay inilalarawan kasama ang patay na si Kristo sa kanyang mga tuhod, isang imahe na hiniram mula sa hilagang European art. Ang hitsura ni Mary ay hindi gaanong malungkot kundi ito ay solemne. Ito pinakamataas na punto ang gawa ng batang si Michelangelo.

Ang hindi gaanong makabuluhang gawain ng batang Michelangelo ay isang higanteng (4.34 m) na imaheng marmol David(Accademia, Florence), pinatay sa pagitan ng 1501 at 1504, pagkatapos bumalik sa Florence. Ang bayani ng Lumang Tipan ay inilalarawan ni Michelangelo bilang isang guwapo, matipuno, hubad na binata na mukhang balisa sa malayo, na parang sinusuri ang kanyang kaaway - si Goliath, na kailangan niyang labanan. Ang buhay na buhay, matinding pagpapahayag ng mukha ni David ay katangian ng marami sa mga gawa ni Michelangelo - ito ay tanda ng kanyang indibidwal na istilo ng iskultura. Si David, ang pinakasikat na iskultura ni Michelangelo, ay naging simbolo ng Florence at orihinal na inilagay sa Piazza della Signoria sa harap ng Palazzo Vecchio, town hall ng Florence. Gamit ang estatwa na ito, pinatunayan ni Michelangelo sa kanyang mga kontemporaryo na hindi lamang niya nalampasan ang lahat ng mga kontemporaryong artista, kundi pati na rin ang mga masters ng antiquity.

Pagpinta ng vault ng Sistine Chapel Noong 1505, ipinatawag si Michelangelo sa Roma ni Pope Julius II upang isagawa ang dalawang utos. Ang pinakamahalaga ay ang fresco painting ng vault ng Sistine Chapel. Nagtatrabaho habang nakahiga sa mataas na scaffolding sa ilalim mismo ng kisame, si Michelangelo ay lumikha ng pinakamagagandang ilustrasyon para sa ilang mga kuwento sa Bibliya sa pagitan ng 1508 at 1512. Sa vault ng papal chapel ay inilarawan niya ang siyam na eksena mula sa Aklat ng Genesis, simula sa Paghihiwalay ng Liwanag mula sa Kadiliman at kabilang ang Paglikha ni Adan, ang Paglikha kay Eba, ang Tukso at Pagkahulog nina Adan at Eva, at ang Baha. Sa paligid ng mga pangunahing pagpipinta, ang mga kahaliling larawan ng mga propeta at sibyl sa mga tronong marmol, iba pang mga karakter sa Lumang Tipan at mga ninuno ni Kristo.

Upang maghanda para sa mahusay na gawaing ito, nakumpleto ni Michelangelo ang isang malaking bilang ng mga sketch at karton, kung saan inilarawan niya ang mga pigura ng mga nakaupo sa iba't ibang mga poses. Ang mga regal, makapangyarihang larawang ito ay nagpapakita ng mahusay na pag-unawa ng artist sa anatomy at paggalaw ng tao, na nagbigay ng lakas sa isang bagong kilusan sa sining ng Kanlurang Europa.

Dalawang iba pang magagandang rebulto, Ang Nakagapos na Bilanggo at ang Kamatayan ng Isang Alipin(parehong c. 1510-13) ay nasa Louvre, Paris. Ipinakita nila ang diskarte ni Michelangelo sa iskultura. Sa kanyang opinyon, ang mga figure ay nakapaloob lamang sa loob ng isang bloke ng marmol, at ang gawain ng artist ay palayain ang mga ito sa pamamagitan ng pag-alis ng labis na bato. Kadalasan ay iniwan ni Michelangelo ang mga eskultura na hindi natapos - alinman dahil naging hindi na kailangan, o dahil lang nawalan sila ng interes sa artist.

Library of San Lorenzo Ang proyekto para sa libingan ni Julius II ay nangangailangan ng arkitektural na elaborasyon, ngunit ang seryosong gawain ni Michelangelo sa larangan ng arkitektura ay nagsimula lamang noong 1519, nang siya ay inatasan para sa harapan ng Library of St. Lawrence sa Florence, kung saan bumalik ang artist muli (ang proyektong ito ay hindi kailanman natanto). Noong 1520s din niya idinisenyo ang eleganteng entrance hall ng Library, katabi ng Church of San Lorenzo. Ang mga istrukturang ito ay natapos lamang ng ilang dekada pagkatapos ng kamatayan ng may-akda.

Si Michelangelo, isang tagasunod ng paksyon ng republikano, ay lumahok sa digmaan laban sa Medici noong 1527-29. Kasama sa kanyang mga responsibilidad ang pagtatayo at muling pagtatayo ng mga kuta sa Florence.

Mga Medici Chapel. Ang pagkakaroon ng paninirahan sa Florence sa loob ng mahabang panahon, si Michelangelo ay nagsagawa, sa pagitan ng 1519 at 1534, ang isang utos mula sa pamilyang Medici para sa pagtatayo ng dalawang libingan sa bagong sakristan ng Simbahan ng San Lorenzo. Sa isang bulwagan na may mataas na domed vault, ang pintor ay nagtayo ng dalawang kahanga-hangang libingan laban sa mga dingding, na nilayon para kay Lorenzo De' Medici, Duke ng Urbino at para kay Giuliano De' Medici, Duke ng Nemours. Ang dalawang kumplikadong libingan ay inilaan upang kumatawan sa magkasalungat na mga uri: Si Lorenzo ay isang indibidwal na may sarili, isang halimlim, at umatras na tao; Si Giuliano, sa kabaligtaran, ay aktibo at bukas. Ang iskultor ay naglagay ng mga alegorikong eskultura ng Umaga at Gabi sa ibabaw ng libingan ni Lorenzo, at mga alegorya ng Araw at Gabi sa ibabaw ng libingan ni Giuliano. Ang gawain sa mga libingan ng Medici ay nagpatuloy pagkatapos bumalik si Michelangelo sa Roma noong 1534. Hindi na niya muling binisita ang kanyang minamahal na lungsod.

Huling Paghuhukom

Mula 1536 hanggang 1541, nagtrabaho si Michelangelo sa Roma sa pagpipinta ng dingding ng altar ng Sistine Chapel sa Vatican. Ang pinakamalaking fresco ng Renaissance ay naglalarawan sa araw ng Huling Paghuhukom. Si Kristo, na may nagniningas na kidlat sa kanyang kamay, ay hindi maiiwasang hinati ang lahat ng mga naninirahan sa mundo sa mga ligtas na matuwid, na inilalarawan sa kaliwang bahagi ng komposisyon, at ang mga makasalanang bumababa sa Dante's impiyerno (sa kaliwang bahagi ng fresco). Mahigpit na sumusunod sa kanyang sariling tradisyon, orihinal na ipininta ni Michelangelo ang lahat ng mga figure na hubad, ngunit makalipas ang isang dekada ay isang Puritan artist ang "nagbihis" sa kanila habang ang klima ng kultura ay naging mas konserbatibo. Iniwan ni Michelangelo ang kanyang sariling larawan sa fresco - ang kanyang mukha ay madaling makita sa balat na napunit mula sa Holy Martyr Apostle Bartholomew.

Bagaman sa panahong ito si Michelangelo ay may iba pang mga komisyon sa pagpipinta, tulad ng pagpipinta ng Kapilya ni St. Paul the Apostle (1940), una sa lahat sinubukan niyang italaga ang lahat ng kanyang lakas sa arkitektura.

Dome ng St. Peter's Cathedral. Noong 1546, si Michelangelo ay hinirang na punong arkitekto ng pagtatayo ng St. Peter's Basilica sa Vatican. Ang gusali ay itinayo ayon sa mga plano ni Donato Bramante, ngunit si Michelangelo sa huli ay naging responsable para sa pagtatayo ng altar apse at para sa pagbuo ng engineering at artistikong disenyo ng simboryo ng katedral. Ang pagkumpleto ng pagtatayo ng St. Peter's Cathedral ay ang pinakamataas na tagumpay ng Florentine master sa larangan ng arkitektura. Sa kanyang mahabang buhay, si Michelangelo ay isang matalik na kaibigan ng mga prinsipe at papa, mula kay Lorenzo De' Medici hanggang Leo X, Clement VIII, at Pius III, pati na rin ang maraming kardinal, pintor at makata. Ang karakter ng artista, ang kanyang posisyon sa buhay ay mahirap na malinaw na maunawaan sa pamamagitan ng kanyang mga gawa - ang mga ito ay magkakaibang. Sa tula lamang, sa kanyang sariling mga tula, mas madalas at mas malalim na tinutugunan ni Michelangelo ang mga isyu ng pagkamalikhain at ang kanyang lugar sa sining. Ang isang malaking lugar sa kanyang mga tula ay nakatuon sa mga problema at kahirapan na kinailangan niyang harapin sa kanyang trabaho, at mga personal na relasyon sa mga pinakakilalang kinatawan ng panahong iyon.Isa sa pinakatanyag na makata ng Renaissance, si Lodovico Ariosto, ay sumulat ng isang epitaph para dito sikat na artista: "Higit pa sa mortal si Michele, isa siyang banal na anghel."