noong ika-16 na siglo, malayo na ang narating nito at sa ngayon ay naging tanyag na sa buong mundo. Maraming mga ballet school at theater troupes, na ang bilang ay tumataas bawat taon, ay parehong klasiko at moderno.

Ngunit kung mayroong dose-dosenang mga sikat na ballet ng palabas, at, sa katunayan, naiiba sila sa iba mga ensemble ng sayaw ang antas lamang ng kasanayan, kung gayon mga pambansang sinehan mabibilang sa isang banda ang balete na may isang siglong gulang na kasaysayan.

Russian Ballet: Bolshoi at Mariinsky Theaters

Ikaw at ako ay may maipagmamalaki, dahil ang Russian ballet ay isa sa pinakamahusay sa mundo. " Swan Lake", "The Nutcracker", ang sikat na plastic ballet na lumitaw sa ating bansa sa simula ng ika-20 siglo, ginawa ang Russia ang pangalawang tinubuang-bayan ng sining na ito at binigyan ang aming mga sinehan ng walang katapusang stream ng nagpapasalamat na mga manonood mula sa buong mundo.

Sa ngayon, ang mga tropa ng mga teatro ng Bolshoi at Mariinsky ay nakikipagkumpitensya para sa pamagat ng pinakamahusay, na ang mga kasanayan ay nagpapabuti araw-araw. Ang parehong mga tropa ay pumipili ng mga mananayaw mula sa mga mag-aaral ng St. Petersburg Academy na pinangalanang A. Ya, at mula sa mga unang araw ng pagsasanay, ang lahat ng mga mag-aaral ay nangangarap ng isang araw na gumanap ng isang solong bahagi pangunahing yugto mga bansa.

French Ballet: Grand Opera

Ang duyan ng world ballet, na ang saloobin sa mga produksyon ay hindi nagbabago sa loob ng tatlong siglo, at kung saan tanging klasikal na akademikong sayaw ang umiiral, at lahat ng iba pa ay itinuturing na isang krimen laban sa sining, ay ang tunay na pangarap para sa lahat ng mananayaw sa mundo.

Taun-taon ang komposisyon nito ay pinupunan na may tatlong mananayaw lamang na pumasa sa higit pang mga seleksyon, kumpetisyon at pagsubok kaysa sa pangarap ng mga astronaut. Ang mga tiket sa Paris Opera ay hindi mura, at tanging ang pinakamayayamang art connoisseurs ang makakabili sa kanila, ngunit ang bulwagan ay puno sa bawat pagtatanghal, dahil bilang karagdagan sa mga Pranses mismo, ang lahat ng mga Europeo ay pumupunta dito na nangangarap na humanga sa klasikal na ballet.

Estados Unidos: American Ballet Theater

Pinasikat sa pagpapalabas ng Black Swan, ang American Ballet Theater ay itinatag ng isang soloista sa Russian Bolshoi Theatre.

Ang pagkakaroon ng sariling paaralan, ang ballet ay hindi kumukuha ng mga mananayaw mula sa labas at may kakaibang istilong Russian-American. Pinagsasama ng mga produksyon ang mga klasikong tema, tulad ng sikat na "Nutcracker," at mga bagong istilo ng sayaw. Maraming mga ballet connoisseurs ang nagsasabing nakalimutan ng ABT ang tungkol sa mga canon, ngunit ang katanyagan ng teatro na ito ay lumalaki bawat taon.

UK: Birmingham Royal Ballet

Pinangangasiwaan ng Queen mismo, ang London Ballet ay may maliit na bilang ng mga mananayaw, ngunit nakikilala sa pamamagitan ng mahigpit na pagpili ng mga kalahok at repertoire. Hindi ka makakahanap ng mga modernong trend o paglihis ng genre dito. Marahil ito ang dahilan kung bakit, hindi makatiis sa malupit na mga tradisyon, maraming mga batang bituin ng ballet na ito ang umalis dito at nagsimulang lumikha ng kanilang sariling mga tropa.

Hindi madaling makapunta sa isang pagtatanghal ng Royal Ballet; tanging ang pinakasikat at pinakamayayamang tao sa mundo ang iginawad nito, ngunit isang beses bawat tatlong buwan sila ay nag-oorganisa mga gabi ng kawanggawa na may bukas na pasukan.

Austrian Ballet: Vienna Opera

Ang kasaysayan ng Vienna Opera ay bumalik sa isang siglo at kalahati, at sa lahat ng oras na ito ang mga unang soloista ng tropa ay mga mananayaw na Ruso. Kilala para sa kanya taunang bola, na hindi lamang naganap noong Ikalawang Digmaang Pandaigdig, Vienna Opera ay ang pinaka-binibisitang atraksyon sa Austria. Ang mga tao ay pumupunta dito upang humanga sa mga mahuhusay na mananayaw at upang tingnan ang kanilang mga kababayan sa entablado at magsalita ng kanilang sariling wika nang may pagmamalaki.

Napakadaling makakuha ng mga tiket dito: salamat sa malaking bulwagan at kawalan ng mga reseller, magagawa mo ito sa araw ng ballet, na ang tanging pagbubukod ay ang mga araw ng mga premiere at ang pagbubukas ng season.

Kaya, kung gusto mong makita ang klasikal na ballet na ginagampanan ng pinaka mahuhusay na mananayaw, pumunta sa isa sa mga sinehan na ito at tamasahin ang sinaunang sining.

Mga publikasyon sa seksyong Mga Sinehan

Mga sikat na ballet ng Russia. Top 5

Klasikong ballet - kamangha-manghang tanawin sining, ipinanganak sa Italya sa panahon ng mature Renaissance, "lumipat" sa France, kung saan ang kredito para sa pag-unlad nito, kabilang ang pagtatatag ng Academy of Dance at ang codification ng maraming mga paggalaw, ay pagmamay-ari ni Haring Louis XIV. Ini-export ng France ang sining ng theatrical dance sa lahat ng bansang Europeo, kabilang ang Russia. Sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo, ang kabisera ng European ballet ay hindi na Paris, na nagbigay sa mundo ng mga obra maestra ng romanticism na La Sylphide at Giselle, ngunit St. Eksakto sa Hilagang kabisera Sa loob ng halos 60 taon, nagtrabaho ang mahusay na koreograpo na si Marius Petipa, ang tagalikha ng klasikal na sistema ng sayaw at ang may-akda ng mga obra maestra na hindi umalis sa entablado. Pagkatapos Rebolusyong Oktubre gusto nilang "ihagis ang balete sa barko ng modernidad," ngunit nagawa nilang ipagtanggol ito. panahon ng Sobyet ay minarkahan ng paglikha ng isang malaking bilang ng mga obra maestra. Nagpapakita kami ng limang nangungunang ballet ng Russia - sa magkakasunod na pagkakasunud-sunod.

"Don Quixote"

Eksena mula sa balete na Don Quixote. Isa sa mga unang produksyon ni Marius Petipa

Premiere ng balete ni L.F. Minkus "Don Quixote" sa Bolshoi Theater. 1869 Mula sa album ng arkitekto na si Albert Kavos

Mga eksena mula sa balete na Don Quixote. Kitri - Lyubov Roslavleva (gitna). Itinanghal ni A.A. Gorsky. Moscow, Bolshoi Theatre. 1900

Musika ni L. Minkus, libretto ni M. Petipa. Unang produksyon: Moscow, Bolshoi Theater, 1869, choreography ni M. Petipa. Kasunod na mga produksyon: St. Petersburg, Mariinsky Theatre, 1871, koreograpia ni M. Petipa; Moscow, Bolshoi Theater, 1900, St. Petersburg, Mariinsky Theater, 1902, Moscow, Bolshoi Theater, 1906, lahat - choreography ni A. Gorsky.

Ang Don Quixote ballet ay isang theatrical performance na puno ng buhay at kagalakan, isang walang hanggang pagdiriwang ng sayaw na hindi napapagod sa mga matatanda at kung saan ang mga magulang ay masaya na dalhin ang kanilang mga anak. Bagama't ipinangalan ito sa bayani ng sikat na nobela ni Cervantes, ito ay batay sa isa sa kanyang mga yugto, "The Wedding of Quiteria and Basilio," at nagkukuwento tungkol sa mga pakikipagsapalaran ng mga batang bayani, na ang pag-ibig sa huli ay nagwawagi, sa kabila ng pagsalungat ng ang matigas na ama ng pangunahing tauhang babae, na gustong pakasalan siya sa mayamang Gamache.

Kaya halos walang kinalaman ang Don Quixote dito. Sa buong pagtatanghal, isang matangkad, payat na pintor, na sinamahan ng isang maikli, malapot na kasamahan na naglalarawan kay Sancho Panza, ang naglalakad sa paligid ng entablado, kung minsan ay nagpapahirap na panoorin ang magagandang sayaw na binubuo nina Petipa at Gorsky. Ballet, sa esensya, ay isang konsiyerto sa kasuutan, isang pagdiriwang ng klasikal at character na sayaw, kung saan ang lahat ng mga mananayaw ng anumang kumpanya ng ballet ay may trabaho.

Ang unang paggawa ng ballet ay naganap sa Moscow, kung saan bumisita si Petipa paminsan-minsan upang itaas ang antas ng lokal na tropa, na hindi maihahambing sa napakatalino na tropa ng Mariinsky Theatre. Ngunit sa Moscow mayroong higit na kalayaan upang huminga, kaya ang koreograpo, sa esensya, ay nagtanghal ng isang balete-alaala ng mga magagandang taon ng kanyang kabataan na ginugol sa isang maaraw na bansa.

Naging matagumpay ang ballet, at pagkaraan ng dalawang taon ay inilipat ito ni Petipa sa St. Petersburg, na nangangailangan ng mga pagbabago. doon katangiang sayaw ay hindi gaanong interesado kaysa sa mga purong classic. Pinalawak ng Petipa ang "Don Quixote" sa limang akto, binubuo ang "white act", ang tinatawag na "Don Quixote's Dream", isang tunay na paraiso para sa mga mahilig sa ballerina sa tutus at may-ari ng magagandang binti. Ang bilang ng mga kupido sa "Pangarap" ay umabot sa limampu't dalawa...

Ang "Don Quixote" ay dumating sa amin sa isang rework ng Moscow choreographer Alexander Gorsky, na masigasig sa mga ideya ni Konstantin Stanislavsky at nais na gawing mas lohikal at kapansin-pansing nakakumbinsi ang lumang ballet. Sinira ni Gorsky ang simetriko na komposisyon ni Petipa, inalis ang tutus sa eksenang "Dream" at iginiit ang paggamit ng dark makeup para sa mga mananayaw na naglalarawan ng mga babaeng Espanyol. Tinawag siya ni Petipa na isang "baboy," ngunit nasa unang pagbagay ni Gorsky ang ballet ay ginanap sa entablado ng Bolshoi Theater 225 beses.

"Swan Lake"

Tanawin para sa unang pagtatanghal. Malaking teatro. Moscow. 1877

Eksena mula sa balete na "Swan Lake" ni P.I. Tchaikovsky (choreographers Marius Petipa at Lev Ivanov). 1895

Musika ni P. Tchaikovsky, libretto ni V. Begichev at V. Geltser. Unang produksyon: Moscow, Bolshoi Theater, 1877, choreography ni V. Reisinger. Kasunod na produksyon: St. Petersburg, Mariinsky Theater, 1895, koreograpia ni M. Petipa, L. Ivanov.

Ang minamahal na balete, ang klasikong bersyon kung saan ay itinanghal noong 1895, ay aktwal na ipinanganak labing walong taon na ang nakaraan sa Bolshoi Theater ng Moscow. Ang marka ni Tchaikovsky, na ang katanyagan sa mundo ay darating pa, ay isang uri ng koleksyon ng "mga kanta na walang salita" at tila masyadong kumplikado para sa oras na iyon. Ang balete ay isinagawa nang halos 40 beses at lumubog sa limot.

Matapos ang pagkamatay ni Tchaikovsky, ang Swan Lake ay itinanghal sa Mariinsky Theatre, at ang lahat ng kasunod na paggawa ng ballet ay batay sa bersyon na ito, na naging isang klasiko. Ang aksyon ay binigyan ng higit na kalinawan at lohika: sinabi ng balete ang tungkol sa kapalaran ng magandang prinsesa na si Odette, na naging isang sisne sa pamamagitan ng kalooban ng masamang henyo na si Rothbart, tungkol sa kung paano nilinlang ni Rothbart si Prince Siegfried, na umibig sa kanya, sa pamamagitan ng paggamit sa mga alindog ng kanyang anak na si Odile, at tungkol sa pagkamatay ng mga bayani. Ang marka ni Tchaikovsky ay pinutol ng humigit-kumulang isang ikatlo ng konduktor na si Riccardo Drigo at muling inayos. Nilikha ni Petipa ang koreograpia para sa una at pangatlong mga gawa, Lev Ivanov - para sa pangalawa at ikaapat. Ang dibisyong ito ay perpektong tumugon sa tawag ng parehong makikinang na koreograpo, ang pangalawa sa kanila ay kailangang mabuhay at mamatay sa anino ng una. Si Petipa ay ang ama ng klasikal na ballet, ang lumikha ng hindi nagkakamali na magkatugma na mga komposisyon at ang mang-aawit ng babaeng engkanto, ang laruang babae. Si Ivanov ay isang makabagong koreograpo na may hindi pangkaraniwang sensitibong pakiramdam para sa musika. Ang papel ni Odette-Odile ay ginampanan ni Pierina Legnani, "ang reyna ng Milanese ballerinas", siya rin ang unang Raymonda at ang imbentor ng 32nd fouetté, ang pinakamahirap na uri ng spin sa pointe shoes.

Maaaring wala kang alam tungkol sa ballet, ngunit alam ng lahat ang Swan Lake. SA mga nakaraang taon pag-iral Uniong Sobyet, kapag ang mga matatandang pinuno ay madalas na pinalitan ang isa't isa, ang madamdaming himig ng "puting" duet ng mga pangunahing tauhan ng balete at ang mga splashes ng may pakpak na mga kamay mula sa screen ng TV ay nagpahayag ng isang malungkot na kaganapan. Gustung-gusto ng mga Hapon ang "Swan Lake" kaya handa silang panoorin ito umaga at gabi, na ginagampanan ng anumang tropa. Hindi isang solong tour troupe, kung saan marami sa Russia at lalo na sa Moscow, ang magagawa nang walang "Swan".

"Nutcracker"

Eksena mula sa ballet na "The Nutcracker". Unang produksyon. Marianna - Lydia Rubtsova, Klara - Stanislava Belinskaya, Fritz - Vasily Stukolkin. Mariinskii Opera House. 1892

Eksena mula sa ballet na "The Nutcracker". Unang produksyon. Mariinskii Opera House. 1892

Musika ni P. Tchaikovsky, libretto ni M. Petipa. Unang produksyon: St. Petersburg, Mariinsky Theater, 1892, choreography ni L. Ivanov.

Mayroon pa ring maling impormasyon na lumulutang sa mga libro at website na ang "The Nutcracker" ay itinanghal ng ama ng classical ballet na si Marius Petipa. Sa katunayan, isinulat lamang ni Petipa ang script, at ang unang paggawa ng ballet ay isinagawa ng kanyang subordinate, si Lev Ivanov. Si Ivanov ay nahaharap sa isang imposibleng gawain: ang script, na nilikha sa istilo ng noon ay naka-istilong extravaganza ballet na may kailangang-kailangan na pakikilahok ng isang Italian guest performer, ay malinaw na salungat sa musika ni Tchaikovsky, na, kahit na ito ay isinulat nang mahigpit alinsunod sa Petipa's. mga tagubilin, ay nakikilala sa pamamagitan ng mahusay na pakiramdam, dramatikong intensidad at kumplikado pag-unlad ng symphonic. Bilang karagdagan, ang pangunahing tauhang babae ng ballet ay isang tinedyer na babae, at ang star ballerina ay nakalaan para lamang sa pangwakas na pas de deux (isang duet na may isang kapareha, na binubuo ng isang adagio - isang mabagal na paggalaw, mga pagkakaiba-iba - solong sayaw at mga code (virtuoso finale)). Ang unang produksyon ng The Nutcracker, kung saan ang unang gawa ay nakararami sa isang pantomime act, na naiiba nang husto mula sa pangalawang gawa, isang divertissement act, ay hindi isang mahusay na tagumpay na napansin ng mga kritiko lamang ang Waltz of the Snowflakes (64 na mananayaw ang nakibahagi dito) at ang Pas de deux ng Sugar Plum Fairy at ang Prince of Whooping Cough , ang pinagmulan ng inspirasyon kung saan ay ang Adagio with a Rose ni Ivanov mula sa The Sleeping Beauty, kung saan sumasayaw si Aurora kasama ang apat na ginoo.

Ngunit noong ikadalawampu siglo, na nagawang tumagos sa kailaliman ng musika ni Tchaikovsky, ang "The Nutcracker" ay nakalaan para sa isang tunay na kamangha-manghang hinaharap. Mayroong hindi mabilang na mga produksyon ng ballet sa Unyong Sobyet, mga bansa sa Europa at USA. Sa Russia, ang mga produksyon ni Vasily Vainonen sa Leningrad State Academic Opera and Ballet Theater (ngayon ay Mariinsky Theater sa St. Petersburg) at Yuri Grigorovich sa Moscow Bolshoi Theater ay lalong sikat.

"Romeo at Juliet"

Ballet "Romeo at Juliet". Juliet - Galina Ulanova, Romeo - Konstantin Sergeev. 1939

Gng. Patrick Campbell bilang Juliet sa Romeo and Juliet ni Shakespeare. 1895

Finale ng ballet na "Romeo and Juliet". 1940

Musika ni S. Prokofiev, libretto ni S. Radlov, A. Piotrovsky, L. Lavrovsky. Unang produksyon: Brno, Opera at Ballet Theatre, 1938, koreograpia ni V. Psota. Kasunod na produksyon: Leningrad, State Academic Opera at Ballet Theater na pinangalanan. S. Kirov, 1940, koreograpia ni L. Lavrovsky.

Kung ang isang pariralang Shakespearean sa isang sikat na pagsasalin ng Ruso ay nagbabasa "Walang mas malungkot na kwento sa mundo kaysa sa kwento ni Romeo at Juliet", pagkatapos ay sinabi nila tungkol sa ballet na isinulat ng mahusay na Sergei Prokofiev sa balangkas na ito: "Walang mas malungkot na kwento sa mundo kaysa sa musika ni Prokofiev sa ballet". Tunay na kamangha-mangha sa kagandahan nito, kayamanan ng mga kulay at pagpapahayag, ang marka ng Romeo at Juliet sa oras ng hitsura nito ay tila masyadong kumplikado at hindi angkop para sa ballet. Tumanggi lang ang mga mananayaw ng ballet na sumayaw dito.

Isinulat ni Prokofiev ang marka noong 1934, at orihinal itong inilaan hindi para sa teatro, ngunit para sa sikat na Leningrad Academic Choreographic School upang ipagdiwang ang ika-200 anibersaryo nito. Ang proyekto ay hindi ipinatupad dahil sa pagpatay kay Sergei Kirov sa Leningrad noong 1934, naganap ang mga pagbabago sa nangungunang teatro ng musikal ng pangalawang kabisera. Ang plano na itanghal ang "Romeo at Juliet" sa Moscow Bolshoi ay hindi rin natupad. Noong 1938, ang premiere ay ipinakita ng teatro sa Brno, at pagkalipas lamang ng dalawang taon ang ballet ni Prokofiev ay sa wakas ay itinanghal sa tinubuang-bayan ng may-akda, sa noon ay Kirov Theatre.

Ang choreographer na si Leonid Lavrovsky, sa loob ng balangkas ng genre ng "drama ballet" (isang anyo ng choreographic drama na katangian ng ballet noong 1930s-50s), na lubos na tinatanggap ng mga awtoridad ng Sobyet, ay lumikha ng isang kahanga-hanga, kapana-panabik na palabas na may maingat na sculpted crowd. mga eksena at pinong binalangkas sikolohikal na katangian mga karakter. Sa kanyang pagtatapon ay si Galina Ulanova, ang pinaka-sopistikadong ballerina-aktres, na nanatiling hindi maunahan sa papel ni Juliet.

Ang marka ni Prokofiev ay mabilis na pinahahalagahan ng mga koreograpo sa Kanluran. Ang mga unang bersyon ng ballet ay lumitaw na noong 40s ng ika-20 siglo. Ang kanilang mga tagalikha ay sina Birgit Kullberg (Stockholm, 1944) at Margarita Froman (Zagreb, 1949). Mga kilalang produksyon Ang "Romeo and Juliet" ay pag-aari ni Frederick Ashton (Copenhagen, 1955), John Cranko (Milan, 1958), Kenneth MacMillan (London, 1965), John Neumeier (Frankfurt, 1971, Hamburg, 1973).I. Moiseeva, 1958, koreograpia ni Yu Grigorovich, 1968.

Kung walang Spartak, ang konsepto ng "Soviet ballet" ay hindi maiisip. Ito ay isang tunay na hit, isang simbolo ng panahon. panahon ng Sobyet bumuo ng iba pang mga tema at larawan, na lubhang naiiba sa tradisyonal na klasikal na balete na minana mula kay Marius Petipa at sa Imperial Theaters ng Moscow at St. Petersburg. Ang mga fairy tale na may happy endings ay nai-archive at napalitan ng mga kuwentong kabayanihan.

Nasa 1941 ang isa sa mga nangungunang Mga kompositor ng Sobyet Nagsalita si Aram Khachaturian tungkol sa kanyang intensyon na magsulat ng musika para sa isang monumental, kabayanihan na pagganap, na dapat itanghal sa entablado ng Bolshoi Theater. Ang tema para dito ay isang episode mula sa kasaysayan ng sinaunang roman, isang pag-aalsa ng alipin na pinamunuan ni Spartacus. Gumawa si Khachaturian ng makulay na marka, gamit ang mga motif ng Armenian, Georgian, Russian at puno ng magagandang melodies at maapoy na ritmo. Ang produksyon ay isasagawa ni Igor Moiseev.

Kinailangan ng maraming taon para maabot ng kanyang trabaho ang madla, at hindi ito lumitaw sa Bolshoi Theater, ngunit sa Theatre. Kirov. Ang choreographer na si Leonid Yakobson ay lumikha ng isang nakamamanghang makabagong pagganap, na iniwan ang mga tradisyonal na katangian ng klasikal na ballet, kabilang ang pagsasayaw sa pointe na sapatos, gamit ang libreng plasticity at ang mga ballerina na may suot na sandal.

Ngunit ang ballet na "Spartacus" ay naging isang hit at simbolo ng panahon sa mga kamay ng koreograpo na si Yuri Grigorovich noong 1968. Namangha si Grigorovich sa manonood sa kanyang perpektong pagkakagawa ng dramaturgy, banayad na paglalarawan ng mga karakter ng mga pangunahing tauhan, mahusay na pagtatanghal ng mga eksena sa karamihan, at ang kadalisayan at kagandahan ng mga liriko na adagio. Tinawag niya ang kanyang trabaho na "isang pagtatanghal para sa apat na soloista na may isang corps de ballet" (ang corps de ballet ay mga artistang kasangkot sa mga yugto ng mass dance). Ang papel ng Spartacus ay ginampanan ni Vladimir Vasiliev, Crassus - Maris Liepa, Phrygia - Ekaterina Maksimova at Aegina - Nina Timofeeva. Ang ballet ay higit sa lahat ay lalaki, na ginagawang ang ballet na "Spartacus" ay isa sa isang uri.

Bilang karagdagan sa mga sikat na pagbabasa ng Spartacus nina Jacobson at Grigorovich, may mga 20 pang produksyon ng balete. Kabilang sa mga ito ay ang bersyon ni Jiří Blazek para sa Prague Ballet, László Szeregi para sa Budapest Ballet (1968), Jüri Vamos para sa Arena di Verona (1999), Renato Zanella para sa Vienna State Opera Ballet (2002), Natalia Kasatkina at Vladimir Vasiliev para sa State Academic Theatre na pinamunuan nila ng klasikal na ballet sa Moscow (2002).

Ballet ay tinatawag na isang mahalagang bahagi ng sining ng ating bansa. Ang Russian ballet ay itinuturing na pinaka-makapangyarihan sa mundo, ang pamantayan. Ang pagsusuri na ito ay naglalaman ng mga kwento ng tagumpay ng limang mahuhusay na ballerina ng Russia na tinitingala pa rin hanggang ngayon.

Anna Pavlova

Pambihirang ballerina Anna Pavlova ay ipinanganak sa isang pamilyang malayo sa sining. Nabuo niya ang pagnanais na sumayaw sa edad na 8 matapos makita ng batang babae pagganap ng ballet"Sleeping Beauty". Sa edad na 10, tinanggap si Anna Pavlova sa Imperial Theatre School, at pagkatapos ng graduation, tinanggap siya sa tropa ng Mariinsky Theatre.

Ang nakakapagtaka ay hindi inilagay sa corps de ballet ang aspiring ballerina, ngunit agad na nagsimulang magbigay sa kanya ng mga responsableng tungkulin sa mga produksyon. Si Anna Pavlova ay sumayaw sa ilalim ng direksyon ng maraming koreograpo, ngunit ang pinakamatagumpay at mabungang tandem, na may pangunahing impluwensya sa kanyang istilo ng pagganap, ay kasama si Mikhail Fokin.

Sinuportahan ni Anna Pavlova ang matapang na ideya ng koreograpo at kaagad na sumang-ayon sa mga eksperimento. Miniature "The Dying Swan", na kalaunan ay naging business card Ang Russian ballet, ay halos impromptu. Sa produksyon na ito, binigyan ni Fokine ang ballerina ng higit na kalayaan, na nagpapahintulot sa kanya na malayang madama ang mood ng "The Swan" at mag-improvise. Sa isa sa mga unang pagsusuri, hinangaan ng kritiko ang kanyang nakita: "Kung ang isang ballerina sa entablado ay maaaring gayahin ang mga paggalaw ng pinakamarangal ng mga ibon, kung gayon ito ay nakamit:."

Galina Ulanova

Ang kapalaran ni Galina Ulanova ay paunang natukoy mula pa sa simula. Ang ina ng batang babae ay nagtrabaho bilang isang guro ng ballet, kaya't si Galina, kahit na talagang gusto niya, ay hindi nalampasan ang ballet barre. Ang mga taon ng nakakapagod na pagsasanay ay humantong sa Galina Ulanova na naging pinaka may pamagat na artista ng Unyong Sobyet.

Matapos makapagtapos mula sa choreographic technical school noong 1928, si Ulanova ay tinanggap sa ballet troupe ng Leningrad Opera and Ballet Theater. Mula sa pinakaunang mga pagtatanghal, ang batang ballerina ay nakakuha ng atensyon ng mga manonood at kritiko. Pagkalipas ng isang taon, si Ulanova ay ipinagkatiwala sa pagsasagawa ng nangungunang papel ng Odette-Odile sa Swan Lake. Si Giselle ay itinuturing na isa sa mga matagumpay na tungkulin ng ballerina. Sa pagsasagawa ng eksena ng kabaliwan ng pangunahing tauhang babae, ginawa ito ni Galina Ulanova nang buong kaluluwa at walang pag-iimbot na kahit na ang mga lalaki sa madla ay hindi napigilan ang kanilang mga luha.

Galina Ulanova naabot . Ginaya nila siya, hiniling ng mga guro ng nangungunang mga paaralan ng ballet sa mundo na ang kanilang mga estudyante ay gumawa ng mga hakbang "tulad ng Ulanova." Ang sikat na ballerina ay ang tanging isa sa mundo kung saan itinayo ang mga monumento sa kanyang buhay.

Si Galina Ulanova ay sumayaw sa entablado hanggang siya ay 50 taong gulang. Siya ay palaging mahigpit at hinihingi sa kanyang sarili. Kahit na sa katandaan, ang ballerina ay nagsimula tuwing umaga sa mga klase at tumitimbang ng 49 kg.

Olga Lepeshinskaya

Para sa madamdamin na ugali, kumikinang na pamamaraan at katumpakan ng mga paggalaw Olga Lepeshinskaya binansagang "Dragonfly Jumper". Ang ballerina ay ipinanganak sa isang pamilya ng mga inhinyero. Mula sa maagang pagkabata, ang batang babae ay literal na nagmamadali tungkol sa pagsasayaw, kaya't ang kanyang mga magulang ay walang pagpipilian kundi ipadala siya sa paaralan ng ballet sa Bolshoi Theater.

Si Olga Lepeshinskaya ay madaling nakayanan ang parehong mga klasiko ng ballet ("Swan Lake", "Sleeping Beauty") at modernong mga produksyon(“Red Poppy”, “Flame of Paris”.) Sa Panahon ng Dakila Digmaang Makabayan Walang takot na gumanap si Lepeshinskaya sa harapan, na nagpapataas ng moral ng mga sundalo.

Title="Olga Lepeshinskaya -
ballerina na may madamdamin na ugali. | Larawan: www.etoretro.ru." border="0" vspace="5">!}

Olga Lepeshinskaya -
ballerina na may madamdamin na ugali. | Larawan: www.etoretro.ru.

Sa kabila ng katotohanan na ang ballerina ay paborito ni Stalin at may maraming mga parangal, napaka-demanding niya sa kanyang sarili. Nasa isang advanced na edad, sinabi ni Olga Lepeshinskaya na ang kanyang koreograpia ay hindi matatawag na pambihirang, ngunit ang kanyang "natural na pamamaraan at nagniningas na pag-uugali" ay ginawa siyang walang katulad.

Maya Plisetskaya

Maya Plisetskaya- isa pa natatanging ballerina, na ang pangalan ay nakasulat sa mga gintong titik sa kasaysayan ng Russian ballet. Nang ang hinaharap na artista ay 12 taong gulang, siya ay pinagtibay ni Tiya Shulamith Messerer. Ang ama ni Plisetskaya ay binaril, at ang kanyang ina at nakababatang kapatid na lalaki ay ipinadala sa Kazakhstan sa isang kampo para sa mga asawa ng mga traydor sa Inang-bayan.

Si Tiya Plisetskaya ay isang ballerina sa Bolshoi Theater, kaya nagsimula rin si Maya na dumalo sa mga klase ng choreography. Nakamit ng batang babae ang mahusay na tagumpay sa larangang ito at pagkatapos ng pagtatapos sa kolehiyo ay tinanggap siya sa tropa ng Bolshoi Theatre.

Ang likas na kasiningan ni Plisetskaya, nagpapahayag ng kaplastikan, at kahanga-hangang pagtalon ay ginawa siyang prima ballerina. Si Maya Plisetskaya ay gumanap ng mga nangungunang tungkulin sa lahat ng mga klasikal na produksyon. Siya ay lalo na mahusay sa trahedya mga imahe. Gayundin, ang ballerina ay hindi natatakot sa mga eksperimento sa modernong koreograpia.

Matapos mapatalsik ang ballerina mula sa Bolshoi Theater noong 1990, hindi siya nawalan ng pag-asa at nagpatuloy sa pagbibigay ng solong pagtatanghal. Ang nag-uumapaw na enerhiya ay nagbigay-daan kay Plisetskaya na gumawa ng kanyang debut sa produksyon ng "Ave Maya" sa kanyang ika-70 kaarawan.

Lyudmila Semenyaka

Ang ganda ng ballerina Lyudmila Semenyaka gumanap sa entablado ng Mariinsky Theater noong siya ay 12 taong gulang pa lamang. Ang mahuhusay na talento ay hindi mapapansin, kaya pagkaraan ng ilang oras ay inanyayahan si Lyudmila Semenyaka sa Bolshoi Theatre. Si Galina Ulanova, na naging kanyang tagapagturo, ay may malaking impluwensya sa gawain ng ballerina.

Kinaya ni Semenyaka ang anumang bahagi nang natural at walang kahirap-hirap na mula sa labas ay tila hindi siya nagsusumikap, ngunit simpleng nag-eenjoy sa sayaw. Noong 1976, si Lyudmila Ivanovna ay iginawad sa Anna Pavlova Prize mula sa Paris Academy of Dance.

Sa pagtatapos ng 1990s, inihayag ni Lyudmila Semenyaka ang kanyang pagreretiro mula sa kanyang karera sa ballerina, ngunit ipinagpatuloy ang kanyang mga aktibidad bilang isang guro. Mula noong 2002, si Lyudmila Ivanovna ay naging guro-tutor sa Bolshoi Theatre.

Ngunit pinagkadalubhasaan niya ang sining ng ballet sa Russia, at ginugol ang halos lahat ng kanyang buhay sa pagganap sa USA.

Britanya. Bago ang paglilibot ng tropa ng Diaghilev at Anna Pavlova sa London noong 1910-1920s, ang ballet ay kinakatawan sa England pangunahin sa pamamagitan ng mga pagtatanghal ng mga indibidwal na sikat na ballerina sa mga yugto ng music hall, halimbawa ang Danish Adeline Genet (1878-1970). Ang English ballet ay may utang na loob sa dalawang babae na nagtrabaho sa Diaghilev: Marie Rambert (1888-1982), isang katutubong ng Poland, at Ninette de Valois (b. 1898), ipinanganak sa Ireland, ngunit nag-aral sa London. Si Rambert, isang mag-aaral ng musikero at tagalikha ng sistema ng ritmikong himnastiko na si Emile Jacques-Dalcroze, ay inanyayahan ni Diaghilev na tulungan si Nijinsky noong kailangan niyang magtrabaho sa isang napaka-ritmikong kumplikadong marka para sa Spring sagradong Stravinsky. Sa loob ng maraming taon ay sumayaw siya sa corps de ballet ng Russian Ballet troupe, pagkatapos ay bumalik sa England at binuksan ang kanyang sariling paaralan noong 1920. Nagtanghal ang kanyang mga estudyante, na unang tinawag na Marie Rambert Dancers, pagkatapos ay bilang bahagi ng Ballet Club, sa maliit na Mercury Theater, na matatagpuan sa Nottinhill Gate sa London. Sa Rambert na maraming sikat na artistang Ingles ang nagsimula ng kanilang mga karera, kabilang ang mga koreograpo na sina Frederick Ashton at Anthony Tudor. Parehong sumayaw bilang mga young adult, ngunit sa lalong madaling panahon ay nagsimulang magtanghal ng maliliit na ballet kasama si Rambert. Noong 1930s, isang buong henerasyon ng mga batang mananayaw na Ingles ang lumaki na nanonood ng kanilang mga pagtatanghal. Si De Valois, na sumayaw din sa tropa ni Diaghilev, ay umalis sa kanya at nagbukas ng isang paaralan sa London, na sa lalong madaling panahon ay naging bahagi ng teatro ng Sadler's Wells, at noong 1931, ang grupong Vic Wells Ballet ay nabuo mula sa kanyang mga estudyante; noong 1948 natanggap nito ang pangalang "Sadler's Wells Ballet". Nakipagsanib-puwersa si Ashton kay Ninette de Valois upang lumikha ng mga ballet na nagpapakita ng mga talento ng mga batang artista na sinanay ni de Valois: Margot Fonteyn (1919-1991), Beryl Gray (b. 1927), Robert Helpman (1909-1986), Moira Shearer (b. . 1926). Sa kanilang pakikilahok, sa susunod na apatnapung taon, isang tiyak Estilo ng Ingles pagganap at pagganap ng ballet, na kung saan ay nailalarawan sa pamamagitan ng virtuosity, drama at purong klasikal na liriko. Kabilang sa mga produksyon ni Ashton ay puno ng katatawanan (Facade, 1931, musika ni William Walton; A Vain Precaution, 1960, musika ni Ferdinand Herold, inayos ni John Lanchbury) at trahedya (Ondine, 1958, musika ni H.W. Henze; ​​​​A Month in the Country, 1976, sa musika ni F. Chopin), walang plot (Symphonic Variations, 1946, sa musika ni S. Frank; Monotony 1 at Monotony 2, 1965, 1966, sa musika ni E. Satie) at salaysay (Cinderella, 1948 , musika ni Prokofiev, 1964, sa musika ni F. Mendelssohn, inayos ni Lanchbury). Kusang-loob na lumikha si Ashton ng mga ballet batay sa mga akdang pampanitikan: halimbawa, ang kanyang Dream ay batay sa dula ni Shakespeare na A Midsummer Night's Dream, at A Month in the Country ay batay sa dula ni Turgenev na may parehong pangalan. Ang muse ni Ashton ay si Margot Fonteyn, na ang talento bilang isang ballerina ay nabuo nang sabay-sabay sa kanyang mga eksperimento sa koreograpiko. Akin ang huling balete para sa kanya nilikha niya noong 1963: ito ay Marguerite at Armand (batay sa Lady of the Camellias ni Alexandre Dumas fils at sa musika ni F. Liszt). Sa oras na ito, si Fontaine, na higit sa apatnapu, ay nakaranas ng isang uri ng ikalawang yugto ng kabataan, na nakahanap ng bagong kapareha sa katauhan ng mananayaw na si Rudolf Nureyev, na lumipat mula sa Unyong Sobyet. Ang pinagmulan ng inspirasyon para kay Ashton ay ang mga talento ng iba't ibang mga performer: ang tipikal na drama ni Lynn Seymour (b. 1939) o Christopher Gable (1940-1998), napakatalino na pamamaraan at sa parehong oras emosyonalidad, na ipinakita sa duet ni Anthony Dowell (b. 1943) at Antoniet Sibley (b. . 1939). Sa kasamaang palad, pagkatapos ng kamatayan ni Ashton (1988), ang kanyang mga produksyon ay hindi napanatili sa parehong pangangalaga kung saan ang mga ballet ng Balanchine o Tudor ay napanatili sa Amerika. Noong 1930s, inanyayahan ni Ninette de Valois ang direktor ng Mariinsky Theatre na si Nikolai Sergeev (1876-1951), na lumipat mula sa Russia, na magtanghal ng mga klasikal na ballet noong ika-19 na siglo upang pagyamanin ang repertoire at bigyan ang mga artista ng pagkakataon na makabisado ang mga dating hindi pangkaraniwang mga porma ng sayaw. . Noong 1956, naging Royal Ballet ang Sadler's Wells Ballet at gumanap sa Royal Opera House, Covent Garden. Noong 1960s at 1970s, kasama sa kanyang repertoire ang mga dramatikong ballet ni Kenneth MacMillan, kasama ang mga tradisyunal na klasikal na gawa at produksyon ni Frederick Ashton. Ang kanyang mga pagtatanghal ay nakikilala sa pamamagitan ng emphasized drama, ang mga ito ay puno ng mga akrobatikong hakbang at pag-angat na nagsisilbing pagpapahayag ng matinding damdamin. Ang pinakamatagumpay na produksyon ng MacMillan ay ang multi-act Romeo and Juliet (musika ni Prokofiev, 1965) at Manon (1974, musika ni J. Massenet, inayos ni Leighton Lucas), na itinanghal sa maraming bansa. Si Ashton, na nanguna sa Royal Ballet mula noong 1963, ay nagbitiw noong 1970 pagkatapos ng pag-alis ni de Valois Hanggang 1977, ang kumpanya ay nagtrabaho sa ilalim ng Macmillan, pagkatapos ay si Norman Morris (b. 1931), isang dating mananayaw sa Balle Rambert, na lalo na. malapit sa mga ideya sa sayaw ng Amerikanong mananayaw at koreograpo na si Martha Graham (1894-1991). Noong 1986, si Dowell, isang mananayaw na nakatrabaho ni Ashton, ay naging pinuno ng kumpanya, habang si MacMillan ay nanatiling isa sa mga koreograpo ng kumpanya hanggang sa kanyang kamatayan noong 1992. Siya ay pinalitan bilang koreograpo ni David Bintley (b. 1957), na ang mga ballet , minsan dramatic, minsan walang plot, napaka-diverse sa style at genre. Ipinakilala ni Dowell ang mga produksyon nina Balanchine at Robbins sa repertoire, pati na rin ang mga gawa ni W. Forsyth at ilan sa mga mananayaw ng tropa. Inanyayahan niya ang mga mananayaw mula sa Russia, France at USA bilang mga panauhin, ngunit sa parehong oras ay binigyang pansin ang kanyang sariling mga artista: sa ilalim niya, ang mga talento ni Darcey Bussell (b. 1969) Viviana Durante (b. 1967). Bilang tugon sa pagpuna na mayroong kakulangan ng pansin sa pamana ni Ashton, inorganisa ni Dowell ang Royal Ballet Festival noong 1994-1995 season. Sa buong 1940s at 1940s, ang Balle Rambert troupe ay nagpatuloy sa pagtatanghal ng mga bagong ballet, habang pinapanatili sa repertoire nito ang orihinal na classical na mga ballet, na idinisenyo para sa isang maliit na cast. Noong 1966, muling inayos ang tropa, ganap na tinalikuran ang mga tradisyonal na pagtatanghal at pinananatili lamang ang mga gawa sa istilo ng modernong sayaw. Noong 1987, si Richard Alston (b. 1948), na pangunahing naiimpluwensyahan ng istilo ng koreograpong Amerikano na si Merce Cunningham (b. 1919), ay naging direktor nito. Noong 1994, ang post na ito ay kinuha ni Christopher Bruce (b. 1945), ang dating nangungunang mananayaw at koreograpo ng tropa. Kasama sa iba pang mga kumpanya sa Ingles ang English National Ballet, na may direktang hinalinhan nito sa isang kumpanyang itinatag noong 1949 ng dating Diaghilev dancer na sina Alicia Markova at Anton Dolin (1904-1983), na sa loob ng maraming taon ay may pangalang "London Festival Ballet". Noong 1984, ipinagpatuloy ng Dane Peter Schaufus (b. 1949), na namuno sa tropa, ang ballet ni Ashton na Romeo at Juliet, na noong panahong iyon ay halos nakalimutan na. Noong 1990, si Ivan Nagy ay naging direktor ng tropa. Ang Royal Ballet ay palaging nagpapanatili ng pangalawang, mas maliit na kumpanya sa paglalakbay. Noong 1990s nanirahan ito sa Birmingham at ngayon ay kilala bilang Birmingham Royal Ballet.
Soviet Russia at iba pang mga bansa. Sa Russia, hindi nawala ang kahalagahan ng ballet sa mga taon pagkatapos ng Unang Digmaang Pandaigdig at sa ilalim ng pamamahala ng Sobyet, kahit na ang sitwasyong pampulitika at pang-ekonomiya ay tila nagbabanta sa mismong pag-iral ng Bolshoi at Mariinsky (na pagkatapos ng Rebolusyong Oktubre ay tinawag ang pangalan ng ang State Theatre ng Opera at Ballet, GOTOB, at mula noong 1934 - pangalan ng S.M. Kirov) na mga sinehan. Ang 1920s ay isang panahon ng matinding eksperimento sa parehong anyo at nilalaman ng mga pagtatanghal ng ballet. Lumitaw din ang mga produksyon ng Proletkult sa mga temang pampulitika at panlipunan, at sa Moscow ang mga gawa ni Kasyan Goleizovsky (1892-1970), at sa Petrograd (pinangalanang Leningrad noong 1924) iba't ibang mga produksyon ni Fyodor Lopukhov (1886-1973), kasama ang kanyang Kadakilaan ng Uniberso (1922) sa musika ng Beethoven's Fourth Symphony. Ang Red Poppy sa musika ni R.M. Gliere, isang ballet na itinanghal noong 1927 nina Vasily Tikhomirov (1876-1956) at Lev Lashchilin (1888-1955) sa Moscow, ay nagsilbing prototype para sa maraming kasunod na mga ballet ng Sobyet: ito ay isang multi-act pagtatanghal, ang tema kung saan ay marangal na mga hilig at kabayanihan, at ang espesyal na nakasulat na musika ay symphonic sa kalikasan. Ang mga ballet tulad noong 1932 Flames of Paris ni Vasily Vainonen (1901-1964), at noong 1934 The Bakhchisaray Fountain ni Rostislav Zakharov (1907-1984) - parehong may musika ni Boris Asafiev, tulad noong 1939 Laurencia (musika ni Alexander Crane) ni Si Vakhtang Chabukiani (1910-1992) at noong 1940 Romeo at Juliet ni Leonid Lavrovsky (1905-1967) (musika ni Prokofiev), ay maaaring magsilbing halimbawa ng mga iyon. mga prinsipyo ng aesthetic, na sinundan hindi lamang ng mga pangunahing tropa - ang Theater na pinangalanan. S.M. Kirov sa Leningrad at ang Bolshoi Theater sa Moscow - ngunit din ang lahat ng tungkol sa 50 mga sinehan na nagpapatakbo sa bansa. Bagaman napanatili ang ilang mga pagtuklas mula sa 1920s, ang mga pagtatanghal na nakatuon sa ideolohiyang pampulitika ng Sobyet ay nangingibabaw, at ang paraan ng pagganap ay nakikilala sa pamamagitan ng cantilence sa pagpapatupad ng mga paggalaw at kakayahang umangkop (mga tampok sa mga braso at likod), habang sabay-sabay na pagbuo ng mga matataas na pagtalon, mga akrobatikong pag-angat. (halimbawa, mataas na pagtaas sa isang braso ng isang ginoo) at mabilis na pag-ikot, na nagbigay ng mga ballet ng Sobyet ng isang espesyal na dramatikong ekspresyon. Isa sa mga gurong nag-ambag sa pagbuo ng istilong ito ay si Agrippina Vaganova (1879-1951). Isang dating mananayaw sa Mariinsky Theater, nagsimula siyang magturo matapos ang kanyang karera sa pagganap. Ang pagiging isang guro sa Leningrad Choreographic School, si Vaganova ay bumuo ng isang programa at aklat-aralin para sa klasikal na sayaw at sinanay ang kanyang mga mag-aaral upang maisagawa nila ang parehong mahusay na mga romantikong ballet ng nakaraan at ang mga bagong Sobyet, gamit ang kanilang virtuoso technique. Sa buong Unyong Sobyet, gayundin sa Silangang Europa, ang sistema ng Vaganova ay ginamit bilang batayan para sa pagsasanay. Mga manonood sa Kanlurang Europa at ang Estados Unidos ay halos hindi pamilyar sa ballet ng Sobyet hanggang sa kalagitnaan ng 1950s, nang ang mga ballet troupes ng Theater. Si Kirov at ang Bolshoi Theater ay naglibot sa Kanluran sa unang pagkakataon. Ang interes sa kanya ay napukaw ng kamangha-manghang kasanayan ng Bolshoi Theater ballerinas Galina Ulanova (1910-1998), na naghatid ng damdamin nina Giselle at Juliet na may madamdaming liriko, at Maya Plisetskaya (b. 1925), na namangha sa kanyang napakatalino na pamamaraan sa ang papel ni Odette-Odile sa Swan Lake. Habang ang Bolshoi Theater ay naglalaman ng mga pinakakahanga-hangang tampok Estilo ng Sobyet, ang klasikal na kadalisayan ng mga mananayaw ng Kirov Theater ay natagpuang ekspresyon sa mga artista tulad nina Natalya Dudinskaya (b. 1912) at Konstantin Sergeev (1910-1992), na nag-ambag sa muling pagkabuhay ng mga tradisyon ni Petipa. Maraming tagumpay nakamit ng mga sumusunod na henerasyon ng mga artista: Ekaterina Maksimova (b. 1939), Vladimir Vasiliev (b. 1940), Natalya Bessmertnova (b. 1941) at Vyacheslav Gordeev (b. 1948) sa Bolshoi Theater, Irina Kolpakova (b. 1933). ), Alla Sizova (b. 1939) at Yuri Solovyov (1940-1977) sa Kirov Theater. Noong 1961, si Nureyev, isa sa mga nangungunang mananayaw ng Kirov Theater, ay nanatili sa Kanluran sa panahon ng paglilibot ng tropa sa France. Dalawang iba pang kilalang artista ng parehong teatro - sina Natalya Makarova at Mikhail Baryshnikov - ay ginawa ang parehong (Makarova - sa London noong 1970, Baryshnikov - sa Canada noong 1974). Noong dekada 1980, humina ang administratibo at pampulitika na presyon sa sining sa Unyong Sobyet, si Oleg Vinogradov (b. 1937), na nagdirekta tropa ng balete Theater na pinangalanan Kirov mula noong 1977, nagsimulang ipakilala ang mga ballet ni Balanchine, Tudor, Maurice Bejart (b. 1927) at Robbins sa repertoire. Ang hindi gaanong hilig sa pagbabago ay si Yuri Grigorovich (b. 1927), na mula 1964 ay namuno sa Bolshoi Theater ballet. Ang kanyang mga unang produksyon - The Stone Flower (musika ni Prokofiev, 1957) at Spartacus (musika ni A.I. Khachaturian, 1968) - ay tipikal Mga pagtatanghal ng Sobyet. Umaasa si Grigorovich sa mga kamangha-manghang epekto, kumpiyansa na kinokontrol ang isang malaking masa ng masiglang gumagalaw na mananayaw, malawak na gumagamit ng katutubong sayaw, at mas pinipili ang mga bayaning paksa. Sa loob ng maraming taon, ang entablado ng Bolshoi Theater ay gumanap ng halos eksklusibong mga ballet ni Grigorovich o ang kanyang mga adaptasyon ng mga produksyon ng panahon tulad ng Swan Lake. Sa pagtatapos ng 1980s, sina Irek Mukhamedov (b. 1960) at Nina Ananiashvili (b. 1963) mula sa Bolshoi Theater, pati na rin sina Altynai Asylmuratova (b. 1961) at Farukh Ruzimatov (b. 1963) mula sa Theater. Nakatanggap si Kirov ng pahintulot na gumanap sa mga nangungunang kumpanya ng ballet sa Kanluran, at pagkatapos ay naging bahagi ng mga grupong ito. Kahit na sina Vinogradov at Grigorovich ay nagsimulang maghanap ng mga pagkakataon upang ipakita ang kanilang mga talento sa labas ng Russia, kung saan ang pagpopondo ng estado para sa mga sinehan ay makabuluhang nabawasan pagkatapos ng pagbagsak ng USSR noong 1991. Noong 1995, si Grigorovich ay pinalitan bilang direktor ng Bolshoi Theater ballet ni Vladimir Vasiliev . Ang iba pang mga tropa sa St. Petersburg ay ang ballet ng Maly Opera at Ballet Theater. M. P. Mussorgsky (hanggang 1991 ay tinawag na Maly Theater of Opera and Ballet), St. Petersburg "Boris Eifman Ballet Theater", na pinamumunuan ng koreograpo na si Boris Eifman (b. 1946), ang Choreographic Miniatures troupe, na nilikha ni Leonid Yakobson (1904- 1975), na nagtrabaho sa Theater. Kirov noong 1942-1969, na ang mga gawa ay naging tanyag sa Kanluran. Ang tropa ng Musical Theater na pinangalanan. K.S. Stanislavsky at Vl.I.Nemirovich-Danchenko, Classical Ballet Theater. Ang tropa na "Eksperimento", na nilikha sa Perm ni Evgeny Panfilov (b. 1956), ay nararapat pansin. Ang pagbagsak ng Unyong Sobyet at kasunod nito krisis sa ekonomiya nagdulot ng napakalaking kahirapan sa mga kumpanya ng ballet, na dati ay mapagbigay na tinustusan ng estado. Maraming mananayaw at guro ang umalis ng bansa upang manirahan sa USA, England, Germany at iba pang bansa sa Kanluran. Sa panahon ng malamig na digmaan maraming bansa ng Silangang Europa, bahagi ng bloke ng Sobyet, sinunod ang mga prinsipyo ng Sobyet kapwa sa pagsasanay sa mga mananayaw at sa pagtatanghal ng dula. Nang magbukas ang mga hangganan, maraming mga artista mula sa mga bansang ito, lalo na mula sa Hungary at Poland, ang sumali sa mga nagawa ng koreograpia ng mga Western troupes na bumisita sa kanila, at sila mismo ay nagsimulang maglakbay sa labas ng kanilang mga bansa.
France. French ballet sa simula ng ika-20 siglo. ay nasa isang estado ng krisis. Ang mga artistang Ruso na inanyayahan sa Paris Opera, lalo na mula sa tropa ni Diaghilev, ay mas malakas. Mga artistang Pranses. Matapos ang pagkamatay ni Diaghilev, ang nangungunang mananayaw ng kanyang tropa, si Sergei Lifar (1905-1986), na minsang dumating sa France mula sa Ukraine, ay pinamunuan ang Paris Opera Ballet at nanatili sa post na ito noong 1929-1945, pagkatapos noong 1947-1958. Sa ilalim ng kanyang pamumuno, lumaki ang mga magagaling na mananayaw, lalo na ang kahanga-hangang lyrical ballerina na si Ivette Chauvire (b. 1917), na naging tanyag sa kanyang pagganap sa papel ni Giselle. Ang pinaka-kagiliw-giliw na mga eksperimento sa larangan ng koreograpia ay isinagawa sa labas ng Paris Opera, lalo na nina Roland Petit at Maurice Béjart. Umalis si Petit (b. 1924) sa Opera noong 1944 at nilikha ang Ballet des Champs-Élysées, kung saan itinanghal niya, bukod sa iba pang mga pagtatanghal, ang ballet Youth and Death (1946, sa musika ni J. S. Bach) para sa bata at dinamikong mananayaw na si Jean Babile ( b. 1923). Pagkatapos, para sa Ballet of Paris troupe, nilikha niya ang isa sa kanyang pinakasikat at matagal nang mga produksyon - Carmen (1949, sa musika ni J. Bizet) kasama si Rene (Zizi) Jeanmer (b. 1924). Ang pakiramdam ni Petit sa pagiging theatricality ay nagbigay-daan sa kanya na magtrabaho sa iba't ibang uri ng genre at lumahok sa mga komersyal na kaganapan. Noong 1972-1998 pinamunuan niya ang troupe ng Pambansang Ballet ng Marseille, kung saan nagtanghal siya ng maraming naka-istilong at nakakaantig. mga pagtatanghal sa teatro. Kasunod ng Lifar, ang Paris Opera troupe ay pinamunuan ng mga sikat na masters gaya ni Harald Lander (1905-1971), Georges Skibin (1920-1981), Violetta Verdi at Rosella Hightower (b. 1920). Ang repertoire ay pinayaman ng mga gawa nina Petit at Bejart, Balanchine, Robbins, Grigorovich, Glen Tetley, pati na rin ang mga kinatawan ng modernong sayaw ng Amerika na si Paul Taylor (b. 1930) at Merce Cunningham. Noong 1983, si Rudolf Nureyev ay hinirang sa post ng direktor. Binigyan niya ng espesyal na pansin ang pag-unlad ng mga ballerina tulad nina Sylvie Guillem (b. 1965) at Isabelle Guerin (b. 1961), at binigyan ng pagkakataon ang tropa na subukan ang kanilang mga kamay sa mga choreographic na gawa ng iba't ibang uri ng estilo, habang nasa sabay na pinapanatili ang mga klasiko. Pagkaalis ni Nureyev (1989), ang dating nangungunang mananayaw nito, na may titulong "bituin," si Patrick Dupont (b. 1959), ay bumalik sa tropa, ngayon bilang isang direktor. Noong 1970s at 1980s, nagsimulang tumanggap ng suporta ng gobyerno ang mga tropang panlalawigan ng Pransya at nagkamit ng katanyagan sa buong mundo. Ang tropa na "Ballet of the Rhine Departments" ay nararapat na espesyal na pansin, na, sa ilalim ng direksyon ni Jean Paul Gravier, ay nagpakita ng ilang mga muling pagtatayo ng ika-18 siglo na pagtatanghal batay sa maingat pananaliksik sa kasaysayan, na isinagawa ng Swedish choreographer na si Ivo Kramer (b. 1921), sa partikular, ang mga ballet na Dauberval's Vain Precaution at Medea at Jason Noverra (musika ni Jean Joseph Rodolphe). Ang Lyon Opera Ballet ay gumaganap ng stylized dramatic dance performances choreographed by Magi Maren (b. 1947).
Denmark. Ang ballet sa Denmark ay pumasok sa ika-20 siglo sa isang estado ng pagwawalang-kilos. Dito, salamat kay Hans Beck, ang pamana ng August Bournonville ay napanatili, ngunit ang kakulangan ng inisyatiba ay humantong sa katotohanan na ang pag-unlad ng Royal Ballet sa Copenhagen ay tumigil. Ang ilang muling pagkabuhay ng kanyang mga aktibidad ay naganap noong panahon ng 1932-1951, nang ang tropa ay pinamumunuan ni Harald Lander (Lanner), isang estudyante ni Beck. Pinapanatili ni Lander ang mga gawa ni Bournonville, hangga't maaari sa kanilang orihinal na edisyon, ngunit nagtanghal din ng kanyang sariling mga ballet: ang pinakasikat sa kanila ay Etudes (1948, sa musika ni K. Czerny, inayos ni Knudoge Risager), kung saan ang mga pangunahing bahagi ng isang ballet ang klase ng pagsasanay ay dinadala sa entablado at pinadulaan. Noong 1951, hinirang ni Lander si Vera Volkova (1904-1975), sa oras na iyon ang pinaka-makapangyarihang eksperto sa sistema ng Vaganova sa Kanluran, bilang artistikong consultant ng tropa. Sa pamamagitan ng kanyang mga pagsisikap, ang mga mananayaw ng Danish ay nakabisado ang isang bagong pamamaraan, na nagbukas ng mga bagong pagkakataon para sa kanila kapag gumaganap ng mga gawa iba't ibang istilo. Ang tropa ay lumabas sa paghihiwalay at naglibot sa Europa, Russia, at kontinente ng Amerika. Ang kagandahan at masayang animation na katangian ng istilo ng Bournonville ay gumawa ng pinakakanais-nais na impresyon, gayundin ang bravura ng sayaw na nagpapakilala sa pagganap ng mga mananayaw na Danish, lalo na si Erik Brun. Ang pagsasanay ng mga lalaking mananayaw ay kinilala bilang isa sa mga pangunahing tagumpay ng paaralang Danish. Noong 1960s at 1970s, ang interes sa kasaysayan ng ballet ay tumaas nang husto, at ang mga pagtatanghal ng Bournonville ay nagsimulang pag-aralan bilang ang pinaka-maaasahang halimbawa ng nakaligtas na mga Romantic ballet na gawa, na nag-udyok sa Royal Danish Ballet na idaos ang Bournonville Ballet Festivals noong 1979 at 1992. Pagkatapos ng Lander, ang koponan ay nagtrabaho sa ilalim ng pamumuno ng maraming mga artista, kabilang ang Flemming Flindt (b. 1936), Henning Kronstam (b. 1934) at Frank Andersen (b. 1954). Noong 1994 ang tropa ay pinamunuan ni Peter Schaufus, at noong 1996-1999 ng Englishwoman na si Maina Gielgud (b. 1945). Ang repertoire ng Royal Danish Ballet ay unti-unting lumawak upang isama ang mga gawa ng mga dayuhang koreograpo, at sa parehong oras ang mga ballet ng Bournonville ay nagsimulang isama sa repertoire mga grupo ng sayaw Sa buong mundo. Noong 1982, itinanghal ng National Ballet of Canada ang buong ballet Naples (musika ni Niels Wilhelm Gade, Edward Mats Ebbe Helsted, Holger Simon Paulli at Hans Christian Lumby), at noong 1985 Balle West sa American city ng Salt Lake City (Utah) . ), sa direksyon ni Bruce Marks at Tony Lander, ay nagpakita ng isang muling pagtatayo ng ballet na Abdallah (musika ni Holger Simon Paulli), na hindi pa naisagawa sa loob ng 125 taon.
Alemanya. Noong unang kalahati ng ika-20 siglo. sa Alemanya ang pinaka makabuluhang kababalaghan ay ang pag-unlad libreng sayaw, na dito natanggap ang pangalang "nagpapahayag" - Ausdruckstanz. Pagkatapos ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig, ang mga pamahalaan ng Federal Republic of Germany at ang German Democratic Republic ay nagbigay ng maraming pansin sa pagsuporta sa mga tropa ng ballet. Sa lahat ng mga pangunahing lungsod ng Kanlurang Alemanya, ang mga independiyenteng grupo ng ballet ay nilikha sa mga opera house, na nagtanghal ng kanilang sariling mga pagtatanghal habang sabay na nakikilahok sa mga opera. Si John Cranko mula sa Inglatera (1927-1973), na gumanap at nagtanghal ng ilang mga pagtatanghal sa tropa ng Ingles ng Sadler's Wells Theater Ballet, ang namuno sa Stuttgart Ballet noong 1961 at bumuo ng isang malawak na repertoire ng kanyang sariling multi-act na mga pagtatanghal, na higit sa lahat ay nakapagpapaalaala sa estilo ng mga ballet ng Sobyet, mayaman sa mga isinadulang sayaw . Ito ay Romeo at Juliet (musika ni Prokofiev, 1962). Onegin (1965, sa musika ni Tchaikovsky, inayos ni K. H. Stolze) at The Taming of the Shrew (1969, sa musika ni A. Scarlatti, inayos ni K. H. Stolze), mga ballet, na ang tagumpay ay nakasalalay nang malaki sa pakikilahok ng ang kahanga-hangang mananayaw na si Marcia Heide sa kanila (b. 1939), Brazilian sa kapanganakan, at ang kanyang American partner na si Richard Cragan (b. 1944). Ang tropa ay nakakuha ng katanyagan sa buong mundo; pagkatapos ng wala sa oras na kamatayan ni Cranko, ito ay pinamumunuan ni Glen Tetley, na nagtanghal ng ballet na Organ Solo (Voluntaries, 1973, sa musika ni F. Poulenc) bilang pag-alaala kay Cranko. Kabilang sa mga pangunahing tagumpay ni Cranko ay ang creative workshop na kanyang nilikha, kung saan maaaring mag-eksperimento ang mga batang koreograpo. Sa partikular, nagsimulang magtrabaho dito ang mga Amerikanong sina William Forsyth at John Neumeier (b. 1942), gayundin ang Czech Jiri Kylian (b. 1947). Lahat sila ay naging nangungunang koreograpo sa mga sinehan ng ballet Europa sa susunod na mga dekada. Pinangunahan ni Neumeier ang ballet sa Hamburg noong 1973 at lumikha ng isang mayamang repertoire doon, parehong mula sa kanyang sariling mga edisyon ng mga klasikal na pagtatanghal at orihinal na mga produksyon sa relihiyon at mga paksang pilosopikal, kung saan ginamit niya ang musika ng Mahler, Stravinsky at Bach. Ang kanyang ballet Passion for St. Si Matthew (1981) ay tumagal ng apat na oras. Si Forsythe ay sumali sa Stuttgart Ballet troupe ilang sandali bago ang kamatayan ni Cranko at sumayaw dito, sabay-sabay na nagtatanghal ng mga pagtatanghal, hanggang 1984, nang siya ay inanyayahan sa post ng direktor ng Frankfurt Ballet. Naimpluwensyahan ng mga ideyang laganap sa makabagong panitikan, Inilapat sila ni Forsythe sa ballet. Ang kanyang koreograpia ay nagpapakita ng parehong pagkapira-piraso na nagpapakilala sa panitikan ng postmodern na panahon ay kadalasang kasama sa sayaw, at ginagamit ang mga teknik na may kaugnayan sa iba pang anyo ng sining. Ang pamamaraan ng sayaw ay batay sa matinding enerhiya, pagkagambala sa natural na balanse, at ang layunin nito ay upang ihatid ang mga romantikong relasyon sa sandali ng pinakamataas na pag-igting. Ganyan ang mga ballet na Love Songs (1979, katutubong musika) at Sa gitna, medyo nakataas, musika ni Leslie Stuck at Tom Willems, na itinanghal ni Forsythe sa imbitasyon ni Nureyev sa Paris Opera noong 1988. Kusang-loob na ginamit ni Forsyth sa kanyang mga produksyon ang malupit na tunog ng elektronikong musika ng Dutchman na si Tom Willems, na nag-ambag sa paglikha ng isang kapaligiran ng alienation at hindi malinaw na pagkabalisa.
Netherlands. Bago ang Ikalawang Digmaang Pandaigdig, ang impluwensya ng libreng sayaw ng Aleman ay pinakamalakas sa Netherlands. Pagkatapos ng digmaan, tumaas ang interes ng madla sa ballet at nilikha ang Dutch National Ballet troupe sa Amsterdam. Noong 1959, ang isang bilang ng mga mananayaw at koreograpo, na umalis sa tropa na ito, ay nagtatag ng "Netherlands Dance Theater", na nanirahan sa The Hague at eksklusibong nakatuon sa modernong koreograpia. Ang dalawang tropa ay madalas na nagpapalitan ng parehong mga artista at mga pagtatanghal. Sina Hans van Manen (b. 1932) at Rudi van Danzig (b. 1933), artistikong direktor ng Dutch National Ballet, kasama si Glen Tetley ay nabuo ang repertoire ng Dutch Dance Theater. Ang gawa ni Tetley ay batay sa iba't ibang impluwensya: Hanja Holm (1898-1992) at Martha Graham, at Jerome Robbins, at ang American Ballet Theater; Ito ay hindi para sa wala na ginagamit niya sa kanyang mga pagtatanghal pareho ang daliri na pamamaraan ng ballet at ang mga liko ng katawan at ang mariin na nagpapahayag na mga kamay na katangian ng modernong sayaw, ngunit hindi gumagamit ng mga jumps at lift na binuo sa klasikal na sayaw. Ang mga ballet ng van Dantzig at van Manen ay katulad ng mga ballet ni Tetley dahil naglalaman ang mga ito ng pinaghalong iba't ibang teknikal na pamamaraan. Ang kahanga-hangang gawa ni Van Dantzig na Monument to a Dead Youth (1965, musika ni Jan Berman) ay ginampanan ng maraming kumpanya ng ballet sa buong mundo. Noong 1978, ang direktor ng Dutch Dance Theater ay si Jiri Kylian, na kadalasang ikinukumpara kay Tudor, dahil pareho silang humipo sa mga paksang may kinalaman sa mga tao at mas gustong gamitin ang musika ng mga kompositor ng Central European. Nagdagdag si Kilian ng mga bagong katangian sa halo-halong istilo ng mga nauna sa kanya: malawakang paggamit ng mga paggalaw na isinagawa na nakahiga sa sahig, mga dramatikong epekto sa eskultura, matataas na pag-angat at pag-ikot. Ang kanyang mga ballet na Return to a Foreign Country (1974 at 1975 - dalawang edisyon) at Sinfonietta (1978), na nilikha sa musika ni L. Janacek at ginanap sa maraming bansa, ay nagpapakita ng mga posibilidad na nagbubukas kapag ang pattern ng sayaw ay itinayo sa mga pigura ng pagsasayaw. malapit sa isa't isa. Interesado sa kultura ng Australian Aboriginals, nilikha ng koreograpo ang mga ballet na Stamping Ground (musika ni Carlos Chavez) at Dreamtime (musika ni Takemitsu) noong 1983. Noong unang bahagi ng 1990s, nagdagdag si Kilian ng isa pang tropa sa pangunahing tropa - Dutch Theater 3. Ang Ballet Scapino, na nakabase sa Rotterdam sa ilalim ng direksyon ni Niels Christe (b. 1946), ay isa pang kumpanyang Dutch na nakakuha ng atensyon para sa mga kontemporaryong produksyon nito.
Ballet art sa buong mundo. Tulad ng sa kalagitnaan ng ika-20 siglo. Ang papel na ginagampanan ng ballet ay tumaas, ang mga tropa ay nagsimulang malikha sa halos lahat ng mga bansa sa Amerika, Europa, Asya, kabilang sa ilang mga rehiyon. Gitnang Asya at Africa, gayundin ang Australia at New Zealand. Nakahanap na ng lugar ang Ballet kahit sa mga bansang may sariling mayamang tradisyon ng sayaw, tulad ng Spain, China, Japan at Asia Minor. Si Maurice Bejart, na lumaki sa post-war France, ay lumikha ng Twentieth Century Ballet troupe sa Brussels noong 1960. Ang tropa na ito, pati na ang hindi pangkaraniwang paaralan na inorganisa sa ilalim nito na tinatawag na "Mudra", ay may layunin na itaguyod ang sining ng ballet, pagpapakita ng mga dance drama batay sa sikolohiya at modernong mga ideyang pilosopikal. Maraming mga pagtatanghal ang itinanghal sa mga istadyum upang makita sila ng maraming manonood hangga't maaari. Pinabulaanan ni Béjart ang madalas na binabanggit na paninindigan ni Balanchine na "ang ballet ay isang babae" at nagbigay ng pangunahing atensyon sa mga lalaking mananayaw: halimbawa, sa ballet na Firebird (sa musika ng Stravinsky's suite, 1970), pinalitan niya ang performer sa nangungunang papel ng isang binata na naglalarawan ng isang partisan. Gayunpaman, ang nangungunang ballerina ni Balanchine, si Susan Farrell, ay sumayaw sa kanyang tropa sa loob ng limang taon, pansamantalang umalis sa tropa ng New York pagkatapos niyang ikasal. Noong 1987, iminungkahi ni Gerard Mortier, direktor ng Brussels Theater de la Monnaie, kung saan nagtrabaho ang 20th Century Ballet, na bawasan ni Béjart ang mga gastos at bawasan ang laki ng tropa. Si Bejar, na hindi sumang-ayon sa mga kahilingang ito, ay nagsimulang maghanap ng ibang lugar kung saan siya maaaring magpatuloy sa kanyang trabaho. Nakatanggap siya ng maraming alok mula sa iba't ibang bansa sa Europa at pinili ang Lausanne sa Switzerland. Ngayon ang kanyang tropa ay tinatawag na "Béjart Ballet". Sa huling mga dekada ng ika-20 siglo. Ang Italian ballerina na sina Carla Fracci, Alessandra Ferri (b. 1963) at Viviana Durante, nangungunang mananayaw ng English Royal Ballet, ay gumanap nang may mahusay na tagumpay sa labas ng Italya, ngunit sa kanilang tinubuang-bayan ay walang teatro kung saan makikita nila ang karapat-dapat na paggamit ng kanilang mga talento. Sa Espanya, kung saan ang mga tradisyon pambansang sayaw mas malakas pa rin kaysa sa anumang pagbabago, isang lokal na koreograpo na nakatuon sa klasikal na ballet ay lumitaw - si Nacho Duato (b. 1957), na namumuno sa Ballet Lirico Nacional. Si Duato, isang dating miyembro ng Dutch Dance Theatre, ay nag-choreograph ng mga sayaw na pinagsasama ang cantilena ni Kilian na may matinding passion. Noong 1920s, itinatag ng Swedish impresario na si Rolf de Mare (1898-1964) ang Swedish Ballet troupe sa Paris, na ang choreographer ay si Jean Berlin (1893-1930). Ang grupong ito ay nagsagawa ng matapang na mga eksperimento at sa ilang taon ng pagkakaroon nito, mula 1920 hanggang 1925, nakipagkumpitensya sa Russian Ballet ng Diaghilev. Ang Royal Swedish Ballet, na matatagpuan sa gusali ng Royal Opera sa Stockholm mula noong 1773, ay pinamunuan ni Anthony Tudor noong 1950-1953. Noong 1950, naganap dito ang premiere ng ballet ni Birgit Kullberg (b. 1908) na si Freken Julia (musika ni Ture Rangström), na ginagawa pa rin ng maraming kumpanya sa buong mundo. Noong 1963, si Tudor, muling inanyayahan sa Royal Ballet, ay nagtanghal ng Echo of Trumpets (sa musika ni Boguslav Martinu). Si Birgit Kullberg, na nag-aral kasama sina Kurt Jooss at Martha Graham, ay nagtatag ng kanyang sariling kumpanya noong 1967 at nag-eksperimento sa pagsasama ng klasikal na koreograpia at modernong sayaw sa isang pagtatanghal. Ang kanyang anak na si Mats Ek (b. 1945), na namuno sa Kullberg Balle mula noong 1990, ay nagtanghal ng ganap na bagong mga produksyon ng mga ballet na Giselle at Swan Lake doon, na sa anumang paraan ay hindi katulad ng mga tradisyonal. Noong ika-20 siglo Tatlong makabuluhang kumpanya sa Canada ang lumitaw: ang Royal Winnipeg Ballet, na itinatag sa ilalim ng pangalang Winnipeg Ballet Club noong 1938 at naging isang propesyonal na kumpanya noong 1949; "National Ballet of Canada", nilikha sa Toronto noong 1951; at ang Great Canadian Ballet, na nagsimula sa mga aktibidad nito sa Montreal noong 1957. Ang Pambansang Ballet ng Canada ay itinatag ni Celia Franca (b. 1921), na gumanap sa mga tropang Ingles na Balle Rambert at Sadler's Wells Ballet. Batay sa karanasan ng Sadler's Wells Ballet, nagsimula siya sa pamamagitan ng pagtatanghal ng mga klasikal na ballet noong ika-19 na siglo. Pinangunahan ni Franka ang tropa hanggang 1974, pagkatapos ay pinalitan siya ni Alexander Grant (b. 1925). Noong 1994-1996, ang direktor ng tropa ay si Reid Anderson (b. 1949), at noong 1996 si James Kudelka (b. 1955) ay hinirang sa post na ito. Ang ballet ay mabilis na umunlad sa Cuba. Si Alicia Alonso, isa sa pinakatanyag na ballerina ng American Ballet Theater sa Estados Unidos, ay bumalik sa kanyang tinubuang-bayan pagkatapos ng rebolusyon ni Fidel Castro noong 1959 at nilikha ang Pambansang Ballet ng Cuba. Buhay sa entablado Si Alonso mismo ay may napakahabang karera; Sa Buenos Aires sa magkaibang panahon Maraming magagaling na mananayaw at koreograpo ang nagtrabaho, lalo na ang Nijinska at Balanchine. Ang mga Argentine na sina Julio Bocca at Paloma Herrera (b. 1975), na naging nangungunang mananayaw ng American Ballet Theater, ay nagsimulang mag-aral ng sayaw sa Buenos Aires. Pagkatapos ng rebolusyon ng 1917, maraming mananayaw na Ruso ang umalis sa bansa sa kabila ng hangganan ng Asya. Ang ilan sa kanila ay pansamantala o permanenteng nanirahan sa China. Pagkatapos ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig, ang mga guro at koreograpo mula sa USSR ay nagtrabaho sa China. Sa panahon ng Chinese Cultural Revolution noong 1960, humina ang impluwensya ng Sobyet, at pambansang mga gawa, gaya ng Red Women's Battalion o ang Gray Girl (parehong noong 1964). Ang mga pagtatanghal na ito ay mga halimbawa ng isang kalakaran na itinatanggi ang liriko sa balete bilang pagkabulok; mass dances ginagampanan ng corps de ballet sa mga daliri. Habang tumaas ang impluwensya ng dayuhan noong 1970s at 1980s, lumitaw ang mga bagong kumpanya ng ballet sa maraming lungsod sa China. Ang mga ito ay nilikha din sa mga pangunahing lungsod ng maraming iba pang mga bansa sa Asya.
Konklusyon. Sa pagtatapos ng ika-20 siglo. Ang mga problemang kinakaharap ng ballet art ay naging mas malinaw. Noong 1980s, nang mamatay sina Balanchine, Ashton at Tudor (noong 1980s) at nagretiro si Robbins mula sa aktibong trabaho, lumitaw ang isang malikhaing vacuum. Karamihan sa mga batang koreograpo na nagtatrabaho sa huling bahagi ng ika-20 siglo ay hindi masyadong interesado sa pagbuo ng mga mapagkukunan ng klasikal na sayaw. Mas gusto nila ang pinaghalong iba't ibang sistema ng sayaw, at klasikal na sayaw lumilitaw na naghihirap, at modernong sayaw - walang orihinalidad sa pagtukoy ng mga kakayahan ng katawan. Sa pagsisikap na maiparating kung ano ang bumubuo sa isang nilalang modernong buhay, ang mga choreographer ay gumagamit ng mga diskarte sa daliri na parang nagbibigay-diin sa mga kaisipan, ngunit huwag pansinin mga tradisyunal na paggalaw kamay (port de bras). Ang sining ng suporta ay nabawasan sa isang uri ng pakikipag-ugnayan sa pagitan ng mga kasosyo, kapag ang isang babae ay kinaladkad sa sahig, itinapon, pinaikot-ikot, ngunit halos hindi niya sinusuportahan o sinayaw. Karamihan sa mga tropa ay bumubuo ng kanilang repertoire upang isama ang mga klasikong ika-19 na siglo. (La Sylphide, Giselle, Swan Lake, Sleeping Beauty), ang pinakasikat na ballet ng mga masters ng ika-20 siglo. (Fokine, Balanchine, Robbins, Tudor at Ashton), mga sikat na produksyon ni MacMillan, Cranko, Tetley at Kilian at ang gawa ng bagong henerasyon ng mga koreograpo gaya nina Forsyth, Duato, James Kudelka. Kasabay nito, ang mga mananayaw ay tumatanggap ng mas mahusay na pagsasanay dahil... marami pa mga gurong may kaalaman. Ang medyo bagong larangan ng dance medicine ay nagbigay sa mga mananayaw ng access sa mga pamamaraan para maiwasan ang pinsala. May problema sa pagpapakilala sa mga mananayaw sa musika. Karaniwan sikat na musika ay hindi alam ang iba't-ibang mga estilo, sa maraming bansa pagsasanay musical literacy ay nasa mababang antas, kapag ang choreographing dances, phonograms ay patuloy na ginagamit - lahat ng ito ay nakakasagabal sa pag-unlad ng musicality sa mga mananayaw. Isang bagong kababalaghan sa nakalipas na mga dekada ay mga kumpetisyon sa ballet, ang una ay ginanap sa Varna (Bulgaria) noong 1964. Nakakaakit sila hindi lamang ng mga premyo, kundi pati na rin ang pagkakataong humarap sa mga hukom na kumakatawan sa mga pinakaprestihiyosong organisasyon. Unti-unti, nagkaroon ng higit pang mga kumpetisyon, hindi bababa sa sampu sa iba't ibang mga bansa; ang ilan ay nag-aalok ng mga scholarship kasama ng pera. Dahil sa pangangailangan ng mga choreographers, lumitaw din ang mga paligsahan sa koreograpia.

• - Ang unang pagtatanghal sa Moscow - "The Ballet of Orpheus and Eurydice" ay itinanghal noong 1673 ng Swede N. Lim. Noong 1773, binuksan ang isang departamento sa Moscow Orphanage...

  Moscow (encyclopedia)

• - unang lumitaw ang klasikal sa Japan noong 1912, nang dumating doon ang koreograpong Italyano na si Giovanni Rosi, na nagturo ng sayaw sa Teikoku Gekijo Theater sa loob ng tatlong taon...

  Lahat ng Japan

• - ballet, uri sining ng pagganap: isang musikal at koreograpikong pagtatanghal sa teatro kung saan ang lahat ng mga kaganapan, tauhan at damdamin ng mga tauhan ay inihahatid sa pamamagitan ng sayaw...

  Ensiklopedya ng sining

• - - tanaw sa entablado. demanda; isang pagtatanghal, ang nilalaman nito ay nakapaloob sa musika at koreograpia. mga larawan Batay sa pangkalahatang dramaturgical Plan B. pinagsasama ang musika, koreograpia at pinong sining...

  Encyclopedia ng Musika

• - Buksan natin ang isang dami ng Pushkin: Ang teatro ay puno na; kumikinang ang mga kahon; Ang mga stall at ang mga upuan-lahat ay nasa puspusan; Sa paraiso sila ay walang pasensya, At, tumataas, ang kurtina ay gumagawa ng ingay...

  Diksyonaryo ng musika

• - isang uri ng sining sa teatro kung saan ang pangunahing paraan ng pagpapahayag ay ang tinatawag na "klasikal" na sayaw; isang magandang gawa na kabilang sa sining na ito...

  Collier's Encyclopedia

Ang mga klasiko ay hindi lamang mga symphony, opera, konsiyerto at musika sa silid. Ang ilan sa mga pinakakilalang klasikal na gawa ay lumitaw sa ballet form. Ang ballet ay nagmula sa Italya noong Renaissance at unti-unting nabuo sa isang teknikal na anyo ng sayaw na nangangailangan ng maraming pagsasanay mula sa mga mananayaw. Ang unang kumpanya ng ballet na nilikha ay ang Parisian opera ballet, na nabuo matapos italaga ni Haring Louis XIV si Jean-Baptiste Lully bilang direktor ng Royal Academy of Music. Ang mga komposisyon ni Lully para sa ballet ay itinuturing ng maraming musicologist bilang isang pagbabago sa pag-unlad ng genre na ito. Simula noon, ang katanyagan ng ballet ay unti-unting nawala, "paglalakbay" mula sa isang bansa patungo sa isa pa, na nagbigay ng mga kompositor. iba't ibang nasyonalidad pagkakataon na i-compile ang ilan sa kanilang pinakamarami mga tanyag na gawa. Narito ang pito sa pinakasikat at minamahal na ballet sa mundo.

Isinulat ni Tchaikovsky ang walang hanggang klasikong ballet na ito noong 1891, na siyang pinakasikat nagtanghal ng ballet modernong panahon. Sa Amerika, unang lumabas ang The Nutcracker sa entablado noong 1944 lamang (ito ay ginanap ng San Francisco Ballet). Simula noon, naging tradisyon na ang pagtatanghal ng “The Nutcracker” sa panahon ng Bagong Taon at Pasko. Ang mahusay na ballet na ito ay hindi lamang ang pinaka nakikilalang musika, ngunit ang kanyang kuwento ay nagdudulot din ng kagalakan sa parehong mga bata at matatanda.

Ang Swan Lake ay ang pinaka-technical at emotionally complex na classical ballet. Ang kanyang musika ay mas maaga kaysa sa panahon nito, at marami sa kanyang mga naunang performer ang nagtalo na ang Swan Lake ay napakahirap sumayaw. Sa katunayan, napakakaunti ang nalalaman tungkol sa orihinal na unang produksyon, at kung ano ang nakasanayan ng lahat ngayon ay isang muling paggawa mga sikat na koreograpo Produksyon ng Petipa at Ivanov. Ang Swan Lake ay palaging ituturing na isang pamantayan ng mga klasikal na ballet at gaganapin sa loob ng maraming siglo.

Isang panaginip sa isang gabi ng tag-araw

Ang komedya ni Shakespeare na A Midsummer Night's Dream ay inangkop sa maraming istilo ng sining. Ang unang full-length na ballet (para sa buong gabi) batay sa gawaing ito ay itinanghal noong 1962 ni George Balanchine sa musika ni Mendelssohn. Ngayon, ang A Midsummer Night's Dream ay isang napaka-tanyag na balete na minamahal ng marami.

Ang ballet na Coppelia ay isinulat Pranses na kompositor Leo Deliboe at choreographed ni Arthur Saint-Leon. Ang Coppelia ay isang magaan na kuwento na naglalarawan ng salungatan ng tao sa pagitan ng idealismo at realismo, sining at buhay, na may makulay na musika at masiglang pagsasayaw. Ang premiere nito sa mundo sa Paris Opera ay lubhang matagumpay noong 1871, at ang ballet ay nananatiling matagumpay ngayon, na nasa repertoire ng maraming mga sinehan.

Peter Pan

Peter Pan- isang kahanga-hangang ballet na angkop para sa buong pamilya. Ang mga sayaw, set at costume ay kasingkulay ng kwento mismo. Ang Peter Pan ay medyo bago sa mundo ng ballet, at dahil walang klasikong solong bersyon nito, ang ballet ay maaaring iba-iba ang kahulugan ng bawat choreographer, choreographer at direktor ng musika. Bagama't maaaring magkaiba ang bawat produksiyon sa isa't isa, ang kuwento ay nananatiling halos pareho, kaya naman ang balete na ito ay inuri bilang klasiko.

sleeping Beauty

"Sleeping Beauty" ang una sikat na balete Tchaikovsky. Sa loob nito, ang musika ay hindi gaanong mahalaga kaysa sa pagsasayaw. Ang kwento ng The Sleeping Beauty ay ang perpektong kumbinasyon ng mga pagdiriwang ng ballet-royal sa isang kahanga-hangang kastilyo, ang labanan ng mabuti at masama at ang matagumpay na tagumpay ng walang hanggang pag-ibig. Ang choreography ay nilikha ng sikat na mundo na si Marius Pepita, na nagdirek din ng The Nutcracker at Swan Lake. Ang klasikong ballet na ito ay isasagawa hanggang sa katapusan ng panahon.

Cinderella

Mayroong maraming mga bersyon ng Cinderella, ngunit ang pinaka-karaniwan ay ang bersyon ni Sergei Prokofiev. Sinimulan ni Prokofiev ang kanyang trabaho sa Cinderella noong 1940, ngunit hindi nakumpleto ang marka hanggang 1945 dahil sa World War II. Noong 1948, ang koreograpo na si Frederick Ashton ay nagtanghal ng isang buong produksyon gamit ang musika ni Prokofiev, na naging isang malaking tagumpay.