Ang klasiko ng musika at ang mga pangunahing yugto ng pag-unlad nito

Classicism (mula sa Latin classicus - huwaran) - istilo sa sining XVII- XVIII na siglo Ang pangalang "classicism" ay nagmula sa isang apela sa classical antiquity bilang pinakamataas na pamantayan ng aesthetic perfection. Ang mga kinatawan ng klasisismo ay nakuha ang kanilang aesthetic ideal mula sa mga halimbawa sinaunang sining. Ang klasisismo ay batay sa paniniwala sa rasyonalidad ng pagkakaroon, sa pagkakaroon ng kaayusan at pagkakaisa sa kalikasan at panloob na mundo tao. Ang aesthetics ng klasisismo ay naglalaman ng isang kabuuan ng ipinag-uutos na mahigpit na mga patakaran na dapat matugunan piraso ng sining. Ang pinakamahalaga sa mga ito ay ang pangangailangan para sa balanse ng kagandahan at katotohanan, lohikal na kalinawan, pagkakatugma at pagkakumpleto ng komposisyon, mahigpit na proporsyon, at isang malinaw na pagkakaiba sa pagitan ng mga genre.

Mayroong 2 yugto sa pagbuo ng klasisismo:

Klasisismo noong ika-17 siglo, na bahagyang umunlad sa paglaban sa sining ng Baroque, na bahagyang sa pakikipag-ugnayan dito.

Pang-edukasyon klasisismo XVIII siglo.

Ang klasisismo ng ika-17 siglo ay sa maraming paraan ang kabaligtaran ng Baroque. Natatanggap nito ang pinakakumpletong pagpapahayag sa France. Ito ang kasagsagan ng ganap na monarkiya, na nagbigay ng pinakamataas na pagtangkilik sa sining ng korte at humihingi ng karangyaan at karangyaan mula rito. Sa itaas Klasisismo ng Pranses sa larangan ng sining sa teatro ay ang mga trahedya nina Corneille at Racine, pati na rin ang mga komedya ng Moliere, kung saan ang gawain ni Lully ay umasa. Ang kanyang "lirikal na mga trahedya" ay nagtataglay ng marka ng impluwensya ng klasisismo (mahigpit na lohika ng konstruksyon, kabayanihan, patuloy na karakter), bagama't mayroon din silang mga tampok na baroque - ang karangyaan ng kanyang mga opera, ang kasaganaan ng mga sayaw, prusisyon, at koro.

Ang klasisismo noong ika-18 siglo ay kasabay ng Panahon ng Enlightenment. Ang Enlightenment ay isang malawak na kilusan sa pilosopiya, panitikan, sining, na sumasaklaw sa lahat mga bansang Europeo. Ang pangalang "Enlightenment" ay ipinaliwanag sa pamamagitan ng katotohanan na ang mga pilosopo sa panahong ito (Voltaire, Diderot, Rousseau) ay naghangad na paliwanagan ang kanilang mga kapwa mamamayan at sinubukang lutasin ang mga isyu sa istruktura. lipunan ng tao, kalikasan ng tao, ang kanyang mga karapatan. Ang mga Enlightenmentist ay nagpatuloy mula sa ideya ng omnipotence ng isip ng tao. Ang pananampalataya sa tao, sa kanyang isip, ay tumutukoy sa maliwanag, optimistikong saloobin na likas sa mga pananaw ng mga pigura ng Enlightenment.

Ang Opera ay nasa sentro ng musikal at aesthetic na mga debate. Itinuring ito ng mga French encyclopedist na isang genre kung saan dapat ibalik ang synthesis ng mga sining na umiral sa sinaunang teatro. Ang ideyang ito ang naging batayan ng reporma sa opera ni K.V. Gluck.

Ang mahusay na tagumpay ng pang-edukasyon na klasiko ay ang paglikha ng genre ng symphony (sonata-symphonic cycle) at sonata form, na nauugnay sa gawain ng mga kompositor ng Mannheim school. Mannheim School, nabuo sa Mannheim (Germany) noong kalagitnaan ng ika-18 siglo siglo batay sa kapilya ng korte, kung saan nagtatrabaho ang mga musikero ng Czech ( pinakamalaking kinatawan- Czech Jan Stamitz). Sa gawain ng mga kompositor ng paaralan ng Mannheim, ang 4-movement na istraktura ng symphony at ang klasikal na komposisyon ng orkestra ay itinatag.

Ang Mannheim School ay naging hinalinhan ng Viennese Classical School - Direksyon sa musika, na nagsasaad ng gawain ni Haydn, Mozart, Beethoven. Sa pagkamalikhain Mga klasikong Vienna Sa wakas ay nabuo ang sonata-symphonic cycle, na naging klasikal, pati na rin ang mga genre ng chamber ensemble at concert.

Kabilang sa mga instrumental na genre, ang iba't ibang uri ng musikang pang-aliw sa sambahayan ay lalong sikat - mga harana, divertissement, pinatunog sa labas sa gabi. Divertimento (French entertainment) - gumagana ang instrumental na multi-movement para sa isang chamber ensemble o orchestra, na pinagsasama ang mga tampok ng isang sonata at suite at malapit sa isang harana at nocturne.

K. V. Gluck - ang dakilang repormador ng opera house

Christoph Willibald Gluck (1714 - 1787) - German sa pamamagitan ng kapanganakan (ipinanganak sa Erasbach (Bavaria, Germany)), gayunpaman, ay isa sa mga natitirang kinatawan ng Viennese classical na paaralan.

Ang mga aktibidad sa reporma ni Gluck ay naganap sa Vienna at Paris at isinagawa alinsunod sa mga estetika ng klasisismo. Sa kabuuan, sumulat si Gluck ng mga 40 opera - Italyano at Pranses, buffa at seria, tradisyonal at makabagong. Ito ay salamat sa huli na siya ay nakakuha ng isang kilalang lugar sa kasaysayan ng musika.

Ang mga prinsipyo ng reporma ni Gluck ay itinakda sa kanyang paunang salita sa marka ng opera na Alceste. Sila ay bumagsak sa mga sumusunod:

Dapat ipahayag ng musika tekstong patula opera, hindi ito maaaring umiral nang mag-isa, sa labas ng dramatikong pagkilos. Kaya, makabuluhang pinatataas ni Gluck ang papel ng pampanitikan at dramatikong batayan ng opera, na nagpapasakop sa musika sa drama.

Ang Opera ay dapat magkaroon ng moral na epekto sa isang tao, kaya ang apela sa mga sinaunang kwento sa kanilang mataas na kalunos-lunos at maharlika ("Orpheus at Eurydice", "Paris at Helen", "Iphigenia sa Aulis"). Tinawag ni G. Berlioz si Gluck na "Aeschylus of music."

Dapat sumunod ang Opera sa "tatlong mahuhusay na prinsipyo ng kagandahan sa lahat ng anyo ng sining" - "pagiging simple, katotohanan at pagiging natural." Kinakailangang alisin sa opera ang labis na birtuosidad at vocal ornamentation (likas sa Italian opera), at masalimuot na mga plot.

Hindi dapat magkaroon ng matinding kaibahan sa pagitan ng aria at ng recitative. Pinapalitan ni Gluck ang secco recitative ng isang sinamahan, bilang isang resulta kung saan ito ay lumalapit sa isang aria (sa tradisyonal na opera seria, ang mga recitative ay nagsisilbi lamang bilang isang link sa pagitan ng mga numero ng konsiyerto).

Binibigyang-kahulugan din ni Gluck ang arias sa isang bagong paraan: ipinakilala niya ang mga tampok ng improvisational na kalayaan, at nag-uugnay sa pagbuo ng musikal na materyal na may pagbabago sa sikolohikal na kalagayan ng bayani. Ang Arias, recitatives at chorus ay pinagsama sa malalaking dramatikong eksena.

Dapat na asahan ng overture ang nilalaman ng opera at ipakilala ang mga tagapakinig sa kapaligiran nito.

Ang ballet ay hindi dapat isang insert number na hindi konektado sa aksyon ng opera. Ang pagpapakilala nito ay dapat na nakakondisyon ng kurso ng dramatikong aksyon.

Karamihan sa mga prinsipyong ito ay nakapaloob sa opera na "Orpheus and Eurydice" (premiere noong 1762). Ang opera na ito ay nagmamarka ng simula ng isang bagong yugto hindi lamang sa gawain ni Gluck, kundi pati na rin sa kasaysayan ng buong European opera. "Orpheus" ay sinundan ng isa pa makabagong opera- "Alceste" (1767).

Sa Paris, sumulat si Gluck ng iba pang mga repormang opera: Iphigenia sa Aulis (1774), Armida (1777), Iphigenia sa Tauris (1779). Ang paggawa ng bawat isa sa kanila ay naging isang napakagandang kaganapan sa buhay ng Paris, na nagdulot ng mainit na kontrobersya sa pagitan ng "Gluckists" at "Piccinists" - mga tagasuporta ng tradisyunal na opera ng Italyano, na pinakilala ng Neapolitan na kompositor na si Nicolo Piccini (1728 - 1800). ). Ang tagumpay ni Gluck sa kontrobersyang ito ay minarkahan ng tagumpay ng kanyang opera na Iphigenia sa Tauris.

Kaya, ginawa ni Gluck ang opera bilang isang sining ng mataas na mga ideyal na pang-edukasyon, nilagyan ito ng malalim na nilalamang moral, at nagpahayag ng tunay na damdamin ng tao sa entablado. Reporma sa opera Si Gluck ay nagkaroon ng mabungang impluwensya sa kanyang mga kapanahon at mga susunod na henerasyon mga kompositor (lalo na ang mga klasikong Viennese).

Perm State University

Kagawaran ng Bago at Kontemporaryong Kasaysayan

Abstract sa paksa

Musika ng France sa panahon ng Enlightenment

Nakumpleto ni: 3rd year student

1 pangkat ng IPF

Efimova Marina

Panimula

Enlightenment - isang intelektwal at espirituwal na kilusan ng huling bahagi ng ika-17 - unang bahagi ng ika-19 na siglo. sa Europa at Hilagang Amerika. Ito ay isang likas na pagpapatuloy ng humanismo ng Renaissance at ang rasyonalismo ng maagang modernong panahon, na naglatag ng mga pundasyon ng pananaw sa mundo ng paliwanag: ang pagtanggi sa isang relihiyosong pananaw sa mundo at isang apela sa pangangatuwiran bilang ang tanging pamantayan para sa kaalaman ng tao at lipunan. .

Noong ika-18 siglo, naging sentro ng kilusang pang-edukasyon ang France. Sa unang yugto ng French Enlightenment, ang mga pangunahing tauhan ay sina Montesquieu (1689 - 1755) at Voltaire (1694 - 1778). Sa mga gawa ni Montesquieu natanggap niya karagdagang pag-unlad Doktrina ni Locke sa pamamahala ng batas. Si Voltaire ay sumunod sa iba mga pananaw sa pulitika. Siya ay isang ideologist ng naliwanagan na absolutismo at naghangad na itanim ang mga ideya ng Enlightenment sa mga monarka ng Europa. Siya ay nakikilala sa pamamagitan ng kanyang malinaw na ipinahayag na mga aktibidad na anti-klerikal, sumasalungat sa panatisismo at pagkukunwari ng relihiyon, dogmatismo ng simbahan at ang supremacy ng simbahan sa estado at lipunan. Sa ikalawang yugto ng French Enlightenment, ang pangunahing papel ay ginampanan ni Diderot (1713 - 1784) at ng mga ensiklopedya. Ang Encyclopedia, o Explanatory Dictionary of Sciences, Arts and Crafts, 1751-1780 ay ang unang siyentipikong encyclopedia, na nagbalangkas ng mga pangunahing konsepto sa larangan ng pisikal at matematikal na agham, natural na agham, ekonomiya, politika, inhinyero at sining. Sa karamihan ng mga kaso, ang mga artikulo ay masinsinan at ipinapakita ang pinakabagong estado ng kaalaman.

Ang ikatlong yugto ay nagdala ng pigura ng J.-J. Rousseau (1712 - 1778). Siya ang naging pinakakilalang popularizer ng mga ideya ng Enlightenment. Iminungkahi ni Rousseau ang kanyang sariling paraan ng istrukturang pampulitika ng lipunan. Ang mga ideya ni Rousseau ay natagpuan ang kanilang karagdagang pag-unlad sa teorya at praktika ng mga ideologo ng Great French Revolution.

Ang Enlightenment ay lubos na nakaimpluwensya sa sining at kultura ng buong Europa, at sa partikular ang musika ng France bilang sentro ng Enlightenment.

Ang layunin ng abstract na ito ay pangkalahatang pagsusuri musika ng France noong panahong iyon.

XVII at simula siglo XVIII- isa sa mga makabuluhan at makikinang na panahon sa kasaysayan ng musikang Pranses. Ang isang buong panahon ng pag-unlad ng musikal na sining na nauugnay sa "lumang rehimen" ay nagiging isang bagay ng nakaraan; ang edad ng huling Louis, ang edad ng klasisismo at rococo ay malapit nang magwakas. Nagsimula ang Panahon ng Enlightenment. Ang mga istilo, sa isang banda, ay pinaghiwalay; sa kabilang banda, sila ay nagpatong at nagsanib sa isa't isa, na bumubuo ng mga kakaibang hybrid na mahirap suriin. Ang hitsura ng intonasyon at makasagisag na istraktura ng musikang Pranses ay nababago at iba-iba. Ngunit ang nangungunang kalakaran, na tumatakbo sa direksyon ng nalalapit na rebolusyon, ay lumitaw nang may hindi maaalis na kalinawan 1 .

Sa pagtatapos ng ika-17 - simula ng ika-18 siglo. bakuran at naging pangunahing kostumer para sa pagsusulat at pagtanghal ng musika (lumalabas ang isang monopolyo), at bilang resulta, pangunahing tungkulin Ang musikang Pranses noong panahon ng Enlightenment ay upang magsilbi sa mga pangangailangan ng korte ng Pransya - mga sayaw at iba't ibang pagtatanghal.

Ang French opera sa ilang mga paraan ay isang anak ng klasisismo. Ang kanyang kapanganakan ay mahalagang okasyon sa kasaysayan ng pambansang kultura ng bansa, na hanggang sa ikalawang kalahati ng ika-17 siglo ay halos walang ibang operatic art maliban sa imported na Italyano. Gayunpaman, ang lupa ng Pranses masining na kultura hindi nagpakita sa kanya sa lahat ng dayuhan at baog. Ang opera ay nakabatay sa pambansang genre-makasaysayang lugar at medyo organically assimilated ang kanilang mga acquisition 2 .

Ama French opera Si Jean Baptiste Lully (1632 - 1687) ay nararapat na ituring na isang kompositor, biyolinista, mananayaw, konduktor at guro na may pinagmulang Italyano; Tagapayo at Kalihim ng Hari, ang Royal House at ang Korona ng France; Sur-Intendant of His Majesty's Music.

Noong Marso 3, 1671, ang unang French opera na Pomona, na isinulat ni Pierre Perrin at Robert Cambert, ay pinalabas sa Paris. Ito ay hindi kahit isang opera, ngunit sa halip ay isang pastoral, ngunit ito ay isang kamangha-manghang tagumpay sa mga madla, tumatakbo para sa 146 na pagtatanghal sa Academy of Opera, kung saan si Perrin ay nagkaroon ng 15-taong pribilehiyo ng hari. Sa kabila nito, nabangkarote si Perren at ipinakulong. Si Lully, ang malapit na kasama ng hari, ay napaka-sensitive na naramdaman ang mood ng publiko at, higit sa lahat, ang hari. Inabandona niya si Moliere, noong 1672 ay binili ang pribilehiyo mula kay Perrin at, nang makatanggap ng ilang espesyal na patent mula sa hari, natanggap niya. buong lakas sa yugto ng opera ng Pransya.

Ang unang "trahedya na itinakda sa musika" ay ang trahedya na "Cadmus at Hermione", na isinulat sa mga tula ni Philip Kino. Ang balangkas ay pinili ng hari. Ang premiere ng opera ay naganap noong Abril 27, 1673] sa Palais Royal, pagkamatay ni Moliere, na ibinigay kay Lully. Pangunahing tampok ang kanyang mga opera ay naging partikular na nagpapahayag ng mga melodies: habang binubuo ang mga ito, si Lully ay nagpunta upang panoorin ang mga pagtatanghal ng mga mahusay na trahedya na aktor. Isinulat niya ang kanilang dramatikong pagbigkas at pagkatapos ay i-reproduce ito sa kanyang mga komposisyon. Pinipili niya ang kanyang sariling mga musikero at aktor at sinasanay sila mismo. Siya mismo ang nag-eensayo ng kanyang mga opera at isinasagawa ang mga ito nang may biyolin sa kanyang mga kamay. Sa kabuuan, gumawa siya at nagtanghal ng 13 "trahedya sa musika" sa teatro: "Cadmus and Hermione" (1673), "Alceste" (1674), "Theseus" (1675), "Atis" (1676), "Isis" (1677), Psyche (1678, bersyon ng opera ng comedy-ballet 1671), Bellerophon (1679), Proserpina (1680), Perseus (1682), Phaeton (1683), Amadis (1684 ), "Roland" (1685) at "Armide" (1687). Ang opera na "Achilles and Polyxena" (1687) ay natapos ni Pascal Colas 3 pagkatapos ng kamatayan ni Lully.

Unang ikatlong bahagi ng ika-18 siglo. ay napakahirap para sa opera art. Maaari silang tawaging mga oras ng kawalang-panahon, aesthetic na kalituhan, isang uri ng desentralisasyon ng opera - kapwa sa kahulugan ng pamamahala sa opera house at sa masining. Ang mahuhusay na malikhaing indibidwal ay halos hindi lumilitaw 4 . Sa maraming mga kompositor na gumanap sa opera house, ang pinakamahalaga ay si Andre Campra (1660 - 1744). Pagkatapos ni Lully, siya lang ang kompositor na kahit papaano ay maaaring palitan siya. Tanging ang hitsura lamang ni Rameau ay medyo nag-relegate sa mga gawa ni Kampra sa background. Ang mga pasticcios ng Campra (iyon ay, mga opera na binubuo ng mga sipi mula sa mga opera ng iba't ibang kompositor na may pinakamalaking tagumpay) - "Fragments de Lulli", "Telemaque ou les fragments des modernes" - nagtamasa ng napakalaking tagumpay. Mula sa orihinal na mga gawa Kapansin-pansin ang Campra na “La séyrénade vénétienne ou le jaloux trompé”. Sumulat si Campra ng 28 gawa para sa entablado; Gumawa rin siya ng mga cantata at motet. 5

Sa panahon ni Louis XV, ang French opera ay naimpluwensyahan ng ganap na naiiba at kahit na magkasalungat na direksyon na pwersa: ang pagkawalang-kilos ng mga bayani na nilikha. klasisismo XVII siglo; ang impluwensya ng katangi-tanging eleganteng, pinong alahas at, madalas, payapa na Rococo; ang bago, civic at polemically didactic classicism ni Voltaire ang playwright at ng kanyang paaralan; sa wakas, aesthetic na mga ideya mga ensiklopedya (D'Alembert, Diderot at iba pa). Ang tinaguriang "Estilo ng Versailles" ay humawak sa teatro ng kabisera, na pinapanatili ang balangkas at pamamaraan ng klasisismo, ngunit natunaw ang mga ito sa isang makinang, eleganteng divertissement at nakikilala sa pamamagitan ng isang partikular na pinong luho ng produksyon: tanawin, props, costume at dekorasyon ng arkitektura auditorium. Isang mahalagang kadahilanan ang pagbuo ng "estilo ng Versailles" na may katangiang hegemonya ng ballet, ay ang pagbuo at pagpapabuti ng bagong paaralan ng Pransya noong unang kalahati ng ika-18 siglo sining ng koreograpiko- isang paaralan na naging lubhang maimpluwensyang kultural at masining na puwersa at nagkaroon ng matinding epekto sa opera house 6.

Isa pa Pranses na kompositor, na makabuluhang nakaimpluwensya sa musika ng France sa panahon ng Enlightenment, ay si Jean Philippe Rameau. Ang uri ng opera ni Rameau ay Pranses, hindi Italyano: ang pag-unlad ng musikal ay hindi naaantala, ang paglipat mula sa mga nakumpletong vocal number patungo sa mga recitatives ay hinihigop. Sa mga opera ni Rameau, ang vocal virtuosity ay hindi sumasakop sa isang sentral na lugar; naglalaman ang mga ito ng maraming mga interlude ng orkestra, at sa pangkalahatan ay binibigyang pansin ang bahaging orkestra sa lahat ng oras; Mahalaga rin ang mga chorus at extended ballet scenes. Kung ikukumpara sa mas huling classical operatic model, mas kaunting vocal ang Rameau at halos pareho ang bilang ng orkestra at koro. Ang himig ni Rameau ay sumusunod sa teksto sa lahat ng oras, na nagbibigay ng kahulugan nito nang mas tumpak kaysa sa Italian aria; kahit na siya ay isang mahusay na melodista, ang vocal line sa kanyang mga opera, sa prinsipyo, ay mas malapit sa recitative kaysa sa cantilena. Pangunahing nagpapahayag na paraan ito ay nagiging hindi isang himig, ngunit isang mayaman at nagpapahayag na paggamit ng pagkakaisa - ito ang pagka-orihinal ng estilo ng opera ni Rameau. Ginamit ng kompositor sa kanyang mga marka ang mga kakayahan ng kontemporaryong orkestra ng Paris Opera: mga string, woodwinds, horns at percussion, at Espesyal na atensyon binigyang-pansin niya ang mga woodwinds, ang mga timbre nito ay lumilikha ng orihinalidad ng pangkulay ng orkestra sa mga opera ni Rameau. Ang pagsulat ng koral ay nag-iiba-iba depende sa mga sitwasyon sa entablado ang mga korido ay palaging dramatiko at kadalasang may karakter sa sayaw. Ang kanyang walang katapusang mga sayaw at ballet na eksena ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang kumbinasyon ng plastik na kagandahan na may emosyonal na pagpapahayag; Ito ay tiyak na ang mga choreographic fragment ng mga opera ni Rameau na agad na bumihag sa nakikinig. Ang mapanlikhang mundo ng kompositor na ito ay napakayaman, at alinman sa mga emosyonal na estado na ibinigay sa libretto ay makikita sa musika. Kaya, ang marubdob na pananabik ay nakukuha, halimbawa, sa keyboard plays Timid (La timide) at Conversation of the Muses (L "Entretien des Muses), pati na rin sa maraming pastoral na eksena mula sa kanyang mga opera at opera-ballets 7.

Karamihan sa mga gawa ng kompositor ay nakasulat sa mga sinaunang anyo, na wala na ngayon, ngunit hindi ito nakakaapekto sa anumang paraan sa mataas na pagtatasa ng kanyang pamana. Maaaring ilagay si Rameau sa tabi ni G. Purcell, at para sa kanyang mga kontemporaryo, siya ay pangalawa lamang kina Bach at Handel. 8

Binubuo ang pamana ni Rameau ng ilang dosenang libro at ilang artikulo sa musika at acoustic theory; apat na volume ng clavier piece (isa sa mga ito, Concert Pieces, para sa clavier at flute na may viola da gamba); ilang motet at solo cantatas; 29 yugto ng mga gawa - opera, opera-ballet at pastoral.

Ipinaliwanag ni Rameau ang kontemporaryong paggamit ng mga chord sa tulong ng isang maayos na sistema batay sa pisikal na katangian ng tunog, at sa bagay na ito siya ay higit pa kaysa sa sikat na acoustician na si J. Sauveur. Totoo, ang teorya ni Rameau, habang nag-iilaw sa kakanyahan ng katinig, ay nag-iiwan ng hindi maipaliwanag na dissonance, na hindi nabuo mula sa mga elemento ng serye ng overtone, pati na rin ang posibilidad na bawasan ang lahat ng mga tempered na tunog sa isang oktaba.

Ngayong araw mas mataas na halaga Hindi ang teoretikal na pananaliksik ni Rameau ang mahalaga, ngunit ang kanyang musika. Ang kompositor ay nagtrabaho sa parehong oras kasama si J. S. Bach, G. F. Handel, D. Scarlatti at nabuhay silang lahat, ngunit ang gawa ni Rameau ay naiiba sa musika ng kanyang mga dakilang kontemporaryo. Sa ngayon, pinakatanyag ang kanyang mga dula sa keyboard, ngunit ang pangunahing larangan ng aktibidad ng kompositor ay opera. Nakuha niya ang pagkakataong magtrabaho sa mga genre ng entablado na sa edad na 50 at sa 12 taon ay nilikha niya ang kanyang pangunahing mga obra maestra - ang mga liriko na trahedya na "Hippolytus at Arisia" (1733), "Castor and Pollux" (1737) at "Dardan" ( dalawang edisyon - 1739 at 1744); mga opera at ballet na "Gallant India" (1735) at "The Celebrations of Hebe" (1739); lyrical comedy na "Platea" (1745). Gumawa si Rameau ng mga opera hanggang siya ay 80 taong gulang, at bawat isa sa mga ito ay naglalaman ng mga fragment na nagpapatunay sa kanyang katanyagan bilang isang mahusay na manunulat ng dulang musikal 9 .

May papel din ang mga ideya ng mga ensiklopedya malaki ang bahagi bilang paghahanda para sa reporma ng K.V. Gluck, na humantong sa paglikha ng isang bagong istilo ng opera na naglalaman ng mga aesthetic ideals ng ikatlong estate sa bisperas ng Great French Revolution. Ang paggawa sa Paris ng mga opera ni Gluck na Iphigenia sa Aulis (1774), Armida (1777), at Iphigenia sa Tauris (1779) ay nagpatindi ng pakikibaka sa pagitan ng mga direksyon. Ang mga tagasunod ng lumang French opera, pati na rin ang mga tagasuporta ng Italian opera, na sumasalungat kay Gluck, ay ikinumpara siya sa tradisyonal na gawain ni N. Piccinni. Ang pakikibaka sa pagitan ng "Gluckists" at "Piccinnists" (Gluck ay lumitaw na nanalo) ay sumasalamin sa malalim na pagbabago sa ideolohiya na naganap sa France noong ika-2 kalahati ng ika-18 siglo.

Sa mga opera nina Lully at Rameau, isang espesyal na uri ng overture ang nabuo, na kalaunan ay tinawag na Pranses. Ito ay isang malaki at makulay na orkestra na piraso na binubuo ng tatlong bahagi. Ang matinding paggalaw ay mabagal, solemne, na may kasaganaan ng mga maikling sipi at iba pang magagandang dekorasyon ng pangunahing tema. Para sa gitna ng pag-play, bilang isang panuntunan, isang mabilis na tempo ang napili (halata na ang mga may-akda ay may napakatalino na utos ng lahat ng mga diskarte ng polyphony). Ang nasabing overture ay hindi na isang basta-basta na numero kung saan maingay na inuupuan ng mga nahuling dumating, ngunit isang seryosong gawain na nagpakilos sa nakikinig at nagsiwalat ng maraming posibilidad ng tunog ng orkestra. Mula sa mga opera, ang French overture sa lalong madaling panahon ay lumipat sa chamber music at kalaunan ay madalas na ginagamit sa mga gawa ng German composers na sina G. F. Handel at J. S. Bach. Sa larangan ng instrumental na musika sa France, ang mga pangunahing tagumpay ay nauugnay sa clavier. Ang musika sa keyboard ay kinakatawan sa dalawang genre. Ang isa sa mga ito ay mga miniature play, simple, elegante, sopistikado. Mahalaga sila maliliit na bahagi, sumusubok na maglarawan ng tanawin o tanawin na may mga tunog. Ang mga French harpsichordist ay lumikha ng isang espesyal na istilo ng melodic, na puno ng mga katangi-tanging dekorasyon - melismas (mula sa Greek "melos" - "kanta", "melody"), na isang "puntas" ng mga maikling tunog na maaari ring bumuo ng isang maliit na himig. Mayroong maraming mga uri ng melismas; sila ay ipinahiwatig sa musikal na teksto na may mga espesyal na palatandaan. Dahil ang tunog ng isang harpsichord ay hindi tumatagal, ang melismas ay madalas na kinakailangan upang lumikha ng isang tuluy-tuloy tunog ng himig o parirala. Ang isa pang genre ng French keyboard music ay ang suite (mula sa French suite - "row", "sequence"). Ang nasabing gawain ay binubuo ng ilang bahagi - mga piraso ng sayaw, na naiiba sa karakter; sumunod sila sa isa't isa. Para sa bawat suite, apat na pangunahing sayaw ang kailangan: allemande, courante, sarabande at gigue. Ang suite ay maaaring tawaging isang internasyonal na genre, dahil kasama dito ang mga sayaw mula sa iba't ibang pambansang kultura. Allemande (mula sa French allemande - "Aleman"), halimbawa, ng Aleman na pinagmulan, ang chime (mula sa French courante - "tumatakbo") - Italyano, ang lugar ng kapanganakan ng sarabande (Spanish zarabanda) - Spain, jigs (Ingles, jig) - England . Ang bawat isa sa mga sayaw ay may sariling katangian, sukat, ritmo, tempo. Unti-unti, bilang karagdagan sa mga sayaw na ito, nagsimulang magsama ang suite ng iba pang mga numero - minuet, gavotte, atbp. Ang genre ng suite ay natagpuan ang mature na embodiment nito sa mga gawa ng Handel at Bach 10.

Malaki rin ang impluwensya ng Rebolusyong Pranses sa musika. Sa mga taong ito naging laganap ito komiks opera(bagaman ang mga unang comic opera ay lumitaw sa katapusan ng ika-17 siglo 11) - karamihan ay isang-aktong pagtatanghal batay sa katutubong musika. Ang genre na ito ay napakapopular sa mga tao - ang mga motibo at salita ng mga talata ay madaling maalala. Ang comic opera ay naging laganap noong ika-19 na siglo. Ngunit gayon pa man, ang pinakasikat na genre ay walang alinlangan ang kanta. Ang bagong panlipunang tungkulin ng musika, na isinilang ng rebolusyonaryong sitwasyon, ay nagbunga ng mga mass genre, kabilang ang mga martsa at kanta (“Awit ng ika-14 ng Hulyo” ni Gossec), mga komposisyon para sa ilang koro at orkestra (Lesueur, Megul). Nalikha ang mga awiting makabayan. Sa mga taon ng rebolusyon (1789 - 1794), mahigit 1,500 bagong kanta ang lumitaw. Ang musika ay bahagyang hiniram mula sa mga comic opera at mga katutubong kanta noong ika-16 hanggang ika-17 siglo. 4 na kanta ang lalo na minamahal: "Saera" (1789), "Marching Song" (1794), "Carmagnola" (1792) - ang pangalan ay malamang na nagmula sa pangalan ng lungsod ng Italya ng Carmagnola, kung saan ang karamihan sa populasyon ay nagtatrabaho. mahirap, "Marseillaise" rebolusyonaryong awit; ngayon ang pambansang awit; binubuo at itinakda sa musika ni Rouget de Lisle sa Strasbourg pagkatapos ng deklarasyon ng digmaan noong Abril 1792. Sa ilalim ng impluwensya ng rebolusyonaryong ideolohiya, lumitaw ang mga bagong genre - mga pagtatanghal ng propaganda gamit ang malalaking masa ng koro (“The Republican Chosen, or the Feast of Reason” ni Grétry, 1794; "The Triumph of the Republic, or Camp at Grandpre" ni Gossec. 1793), gayundin ang "opera of salvation", na kinulayan ng romansa ng rebolusyonaryong pakikibaka laban sa paniniil ("Lodoiska", 1791, at "Water Carrier", 1800, Cherubini; "The Cave" ni Lesueur, 1793) 12. Naapektuhan din ng mga rebolusyonaryong pagbabago ang sistema ng edukasyon sa musika. Ang mga paaralan ng simbahan (metriz) ay inalis noong 1793 sa Paris batay sa pinagsama paaralan ng musika Ang National Music Institute (mula noong 1795 - ang Conservatory of Music and Declamation) ay nilikha ng National Guard at ng Royal School of Singing and Declamation. Ang Paris ay naging pinakamahalagang sentro ng edukasyong pangmusika.

Konklusyon

Ang musikang Pranses ng Enlightenment ay nabuo ayon sa panahon mismo. Kaya, ang French comic opera mula sa isang fairground comedy na may musika ay naging isang itinatag na musikal at theatrical genre malayang kahulugan, ipinakita ng mga pangunahing artistikong pigura ng iba't ibang personalidad, maraming uri ng genre, malaking halaga kawili-wili, maimpluwensyang mga gawa.

Ang musika, tulad ng dati, ay binuo nang sabay-sabay sa maraming direksyon - opisyal at katutubong. Absolutism ay parehong isang katalista at isang inhibitor ng pag-unlad ng opisyal - iyon ay, opera, ballet, sa pangkalahatan, theatrical - musika sa isang banda, mayroong isang estado order para sa pagsulat at pagganap ng musika, sa kabilang banda; monopolyo ng estado, na halos hindi pinahintulutan ang mga bagong kompositor at kilusan na bumuo.

Ang katutubong musika ay naging laganap salamat sa Great French Revolution sa mga himno, martsa, at kanta, na halos imposible na ngayong maitatag ang pagiging may-akda, ngunit hindi nawala ang kanilang kultural na halaga.

Listahan ng ginamit na panitikan

1. 
   K. K. Rosenshield Music sa France XVII- simula ng ika-18 siglo, - M.: "Musika", 1979
2. 
   Encyclopedic Dictionary ng Brockhaus at Efron (1890-1907).
3. 
   Great Soviet Encyclopedia

Mga mapagkukunan sa Internet:

35. Sining sa musika sa Panahon ng Enlightenment

Ang sining ng musika ay maaaring mailagay sa isang par sa teatro at sining ng panitikan. Ang mga opera at iba pang mga musikal ay isinulat sa mga tema ng mga gawa ng mga mahuhusay na manunulat at manunulat ng dula.

Ang pag-unlad ng sining ng musika ay pangunahing nauugnay sa mga pangalan ng mga mahusay na kompositor bilang J. S. Bach, G. F. Handel, J. Haydn, W. A. ​​​​Mozart, L. V. Beethoven at iba pa.

Ang Aleman na kompositor, organista at harpsichordist ay isang hindi maunahang master ng polyphony. Johann Sebastian Bach(1685–1750). Ang kanyang mga gawa ay puno ng malalim na pilosopikal na kahulugan at mataas na etika. Nagawa niyang ibuod ang mga tagumpay sa sining ng musika na nakamit ng kanyang mga nauna. Ang kanyang pinakatanyag na mga gawa ay ang "The Well-Tempered Clavier" (1722–1744), "The St. John Passion" (1724), "The St. Matthew Passion" (1727 at 1729), maraming konsiyerto at cantata, at ang Misa menor de edad ( 1747–1749) atbp.

Hindi tulad ni J. S. Bach, na hindi sumulat ng isang solong opera, ang Aleman na kompositor at organista George Frideric Handel (1685–1759) nabibilang sa higit sa apatnapung opera. Pati na rin ang mga gawa sa mga tema ng Bibliya (oratorios “Israel in Egypt” (1739), “Saul” (1739), “Messiah” (1742), “Samson” (1743), “Judas Maccabee” (1747), atbp.) , mga organ concert, sonata, suite, atbp.

Ang mahusay na kompositor ng Austrian ay isang master ng mga klasikal na instrumental na genre tulad ng mga symphony, quartets, pati na rin ang mga sonata form.

Joseph Haydn (1732–1809). Salamat sa kanya na nabuo ang klasikal na komposisyon ng orkestra. Nagmamay-ari siya ng ilang oratorio (“The Seasons” (1801), “The Creation of the World” (1798)), 104 symphony, 83 quartets, 52 piano sonatas, 14 messitas, atbp.

Isa pang Austrian kompositor, Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791), ay isang child prodigy, salamat sa kung saan siya ay naging sikat sa maagang pagkabata. Sumulat siya ng higit sa 20 opera, kabilang ang sikat na "The Marriage of Figaro" (1786), "Don Giovanni" (1787), " mahiwagang plauta"(1791), higit sa 50 symphony, maraming konsiyerto, gumaganang piano(sonatas, fantasies, variations), hindi natapos na "Requiem" (1791), kanta, misa, atbp.

Ang isang mahirap na kapalaran, na nag-iwan ng marka sa lahat ng pagkamalikhain, ay Aleman na kompositor Ludwig van Beethoven (1770–1827). Ang kanyang henyo ay nagpakita na sa kanyang sarili sa pagkabata at hindi siya iniwan kahit na sa kahila-hilakbot na problema para sa sinumang kompositor at musikero - pagkawala ng pandinig. Ang kanyang mga gawa ay may katangiang pilosopiko. Maraming mga gawa ang naimpluwensyahan ng kanyang republikang pananaw bilang isang kompositor. Si Beethoven ay nagmamay-ari ng siyam na symphony, instrumental sonata (Moonlight, Pathétique), labing-anim na string quartets, ensembles, opera Fidelio, overtures (Egmont, Coriolanus), concerto para sa piano at orkestra at iba pang mga gawa.

Ang kanyang sikat na expression: "Music should strike fire from people's hearts." Sinunod niya ang ideyang ito sa buong buhay niya.