Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Ang unang bahagi ng ika-15 siglo ay nakakita ng malalaking pagbabago sa buhay at kultura sa Italya. Ang mga taong-bayan, mangangalakal at artisan ng Italya ay nagsagawa ng isang magiting na pakikibaka laban sa pyudal na pag-asa mula noong ika-12 siglo. Sa pagpapaunlad ng kalakalan at produksyon, unti-unting yumaman ang mga taong-bayan, ibinagsak ang kapangyarihan ng mga panginoong pyudal at inorganisa ang mga malayang lungsod-estado. Ang mga ito ay libre Italyano mga lungsod naging napakalakas. Ipinagmamalaki ng kanilang mga mamamayan ang kanilang mga pananakop. Ang napakalaking kayamanan ng mga independiyenteng lungsod ng Italya ang dahilan ng kanilang masiglang kasaganaan. Ang Italian bourgeoisie ay tumingin sa mundo na may iba't ibang mga mata, matatag silang naniniwala sa kanilang sarili, sa kanilang lakas. Sila ay dayuhan sa pagnanais ng pagdurusa, pagpapakumbaba, at pagtalikod sa lahat ng makalupang kagalakan na ipinangaral sa kanila hanggang ngayon. Ang paggalang sa makalupang tao na tinatamasa ang kagalakan ng buhay ay lumago. Ang mga tao ay nagsimulang gumawa ng isang aktibong diskarte sa buhay, masigasig na pag-aralan ang mundo, at humanga sa kagandahan nito. Sa panahong ito, isinilang ang iba't ibang agham at nabuo ang sining.

Ang Italya ay napanatili ang maraming monumento ng sining Sinaunang Roma, samakatuwid, ang sinaunang panahon ay muling nagsimulang igalang bilang isang modelo, ang sinaunang sining ay naging isang bagay ng pagsamba. Ang imitasyon ng sinaunang panahon ay nagbunga ng pagtawag sa panahong ito sa sining - Renaissance, na nangangahulugang sa Pranses "Renaissance". Siyempre, hindi ito isang bulag, eksaktong pag-uulit ng sinaunang sining, ito ay bagong sining, ngunit batay sa mga sinaunang halimbawa. Italian Renaissance nahahati sa 3 yugto: VIII - XIV siglo - Pre-Renaissance (Proto-Renaissance o Trecento)- ito.); XV siglo - maagang Renaissance (Quattrocento); katapusan ng ika-15 - simula ng ika-16 na siglo - Mataas na Renaissance.

Sa buong Italy meron archaeological excavations, naghanap ng mga sinaunang monumento. Ang mga bagong natuklasang estatwa, barya, pinggan, at armas ay maingat na iniingatan at kinolekta sa mga museo na espesyal na nilikha para sa layuning ito. Natuto ang mga artista mula sa mga halimbawang ito ng unang panahon at ipininta ang mga ito mula sa buhay.

Trecento (Pre-Renaissance)

Ang tunay na simula ng Renaissance ay nauugnay sa pangalan Giotto di Bondone (1266? - 1337). Siya ay itinuturing na tagapagtatag ng pagpipinta ng Renaissance. Ang Florentine Giotto ay may magagandang serbisyo sa kasaysayan ng sining. Siya ay isang renovator, ang nagtatag ng lahat ng European painting pagkatapos ng Middle Ages. Si Giotto ay nagbigay ng buhay sa mga eksena ng Ebanghelyo, lumikha ng mga imahe totoong tao, espirituwal, ngunit makalupa.

Unang gumawa si Giotto ng mga volume gamit ang chiaroscuro. Mahilig siya sa malinis mapusyaw na kulay cool shades: pink, pearl grey, pale purple at light lilac. Ang mga tao sa mga fresco ni Giotto ay matipuno at mabigat sa paglalakad. Mayroon silang malalaking facial features, malawak na cheekbones, singkit na mata. Ang kanyang tao ay mabait, matulungin, at seryoso.

Sa mga gawa ni Giotto, ang mga fresco sa mga templo ng Padua ang pinakamahusay na napreserba. Iniharap niya ang mga kuwento ng Ebanghelyo dito bilang umiiral, makalupa, totoo. Sa mga gawaing ito, pinag-uusapan niya ang tungkol sa mga problema na nag-aalala sa mga tao sa lahat ng oras: tungkol sa kabaitan at pag-unawa sa isa't isa, panlilinlang at pagkakanulo, tungkol sa lalim, kalungkutan, kaamuan, kababaang-loob at walang hanggang pag-ibig ng ina.

Sa halip na naka-disconnect ang mga indibidwal na figure, as in pagpipinta ng medyebal, nagawa ni Giotto na lumikha ng magkakaugnay na kuwento, isang buong salaysay tungkol sa masalimuot na panloob na buhay ng mga bayani. Sa halip na ang maginoo ginintuang background Mga mosaic ng Byzantine, ipinakilala ni Giotto ang background ng landscape. At kung sa pagpipinta ng Byzantine ang mga pigura ay tila lumutang at nakabitin sa kalawakan, kung gayon ang mga bayani ng mga fresco ni Giotto ay nakahanap ng matibay na lupa sa ilalim ng kanilang mga paa. Ang paghahanap ni Giotto para sa paglipat ng espasyo, ang plasticity ng mga figure, at ang pagpapahayag ng paggalaw ay ginawa ang kanyang sining ng isang buong yugto sa Renaissance.

Isa sa mga sikat na master Pre-Renaissance -

Simone Martini (1284 - 1344).

Ang kanyang mga pagpipinta ay nagpapanatili ng mga tampok ng Northern Gothic: Ang mga figure ni Martini ay pinahaba, at, bilang isang panuntunan, sa isang ginintuang background. Ngunit si Martini ay gumagawa ng mga larawan gamit ang chiaroscuro, binibigyan sila ng natural na paggalaw, at sinusubukang ihatid ang isang tiyak na sikolohikal na kalagayan.

Quattrocento (maagang Renaissance)

Malaki ang papel ng sinaunang panahon sa pagbuo ng sekular na kultura ng unang bahagi ng Renaissance. Ang Platonic Academy ay bubukas sa Florence, ang Laurentian Library ay naglalaman ng isang mayamang koleksyon ng mga sinaunang manuskrito. Lumilitaw ang mga una mga museo ng sining, puno ng mga estatwa, mga fragment ng sinaunang arkitektura, mga marmol, mga barya, at mga keramika. Sa panahon ng Renaissance, lumitaw ang mga pangunahing sentro masining na buhay Italya - Florence, Roma, Venice.

Ang Florence ay isa sa pinakamalaking sentro, ang lugar ng kapanganakan ng bago, makatotohanang sining. Noong ika-15 siglo, maraming sikat na mga master ng Renaissance ang nanirahan, nag-aral at nagtrabaho doon.

Arkitekturang sinaunang Renaissance

Ang mga naninirahan sa Florence ay nagkaroon ng isang mataas masining na kultura, aktibong lumahok sila sa paglikha ng mga monumento ng lungsod at tinalakay ang mga opsyon para sa pagtatayo ng magagandang gusali. Inabandona ng mga arkitekto ang lahat na kahawig ng Gothic. Sa ilalim ng impluwensya ng sinaunang panahon, ang mga gusaling pinatungan ng simboryo ay nagsimulang ituring na pinakaperpekto. Ang modelo dito ay ang Roman Pantheon.

Ang Florence ay isa sa pinakamagandang lungsod sa mundo, isang museo ng lungsod. Napanatili nito ang arkitektura nito mula pa noong unang panahon na halos buo, ang pinakamagagandang gusali nito ay pangunahing itinayo noong Renaissance. Nakataas sa itaas ng mga pulang ladrilyo na bubong ng mga sinaunang gusali ng Florence ay ang malaking gusali ng katedral ng lungsod. Santa Maria del Fiore, na kadalasang tinatawag na Florence Cathedral. Ang taas nito ay umabot sa 107 metro. Ang isang kahanga-hangang simboryo, ang pagkakaisa nito ay binibigyang-diin ng mga buto-buto ng puting bato, ang nagpuputong sa katedral. Ang simboryo ay kamangha-mangha sa laki (ang diameter nito ay 43 m), kinokoronahan nito ang buong panorama ng lungsod. Ang katedral ay makikita mula sa halos lahat ng kalye sa Florence, malinaw na nakasilweta laban sa kalangitan. Ang kahanga-hangang istrakturang ito ay itinayo ng isang arkitekto

Filippo Brunelleschi (1377 - 1446).

Ang pinakakahanga-hanga at sikat na domed na gusali ng Renaissance ay Basilika ni San Pedro sa Roma. Ito ay tumagal ng higit sa 100 taon upang maitayo. Ang mga lumikha ng orihinal na proyekto ay mga arkitekto Bramante at Michelangelo.

Ang mga gusali ng Renaissance ay pinalamutian ng mga haligi, pilaster, ulo ng leon at "putti"(hubad na mga sanggol), plaster wreath ng mga bulaklak at prutas, mga dahon at maraming detalye, ang mga halimbawa nito ay natagpuan sa mga guho ng sinaunang mga gusali ng Romano. Dumating muli sa fashion kalahating bilog na arko. Ang mayayamang tao ay nagsimulang magtayo ng mas maganda at mas komportableng mga bahay. Sa halip na mga bahay na malapit na magkadikit, ang mga mararangya ang lumitaw mga palasyo - palazzos.

Eskultura ng maagang Renaissance

Noong ika-15 siglo sa Florence mayroong dalawa sikat na iskultor -Donatello at Verrocchio.Donatello (1386? - 1466)- isa sa mga unang iskultor sa Italya na gumamit ng karanasan ng sinaunang sining. Nilikha niya ang isa sa magagandang gawa maagang Renaissance - rebulto ni David.

Ayon sa alamat sa Bibliya, isang simpleng pastol, tinalo ng binatang si David ang higanteng si Goliat, at sa gayo'y iniligtas ang mga naninirahan sa Judea mula sa pagkaalipin at nang maglaon ay naging hari. Si David ay isa sa mga paboritong larawan ng Renaissance. Siya ay inilalarawan ng iskultor hindi bilang isang mapagpakumbabang santo mula sa Bibliya, ngunit bilang batang bayani, nagwagi, tagapagtanggol ng kanyang bayan. Sa kanyang sculpture, niluluwalhati ni Donatello ang tao bilang ideal ng isang magandang heroic personality na lumitaw sa panahon ng Renaissance. Si David ay nakoronahan ng laurel wreath ng nanalo. Hindi natakot si Donatello na ipakilala ang gayong detalye bilang isang sumbrero ng pastol - isang tanda ng kanyang simpleng pinagmulan. Noong Middle Ages, ipinagbawal ng simbahan ang paglalarawan ng hubad na katawan, na isinasaalang-alang ito na isang sisidlan ng kasamaan. Si Donatello ang unang master na matapang na lumabag sa pagbabawal na ito. Iginiit niya dito na maganda ang katawan ng tao. Ang estatwa ni David ay ang unang bilog na iskultura ng panahong iyon.

Ang isa pang magandang eskultura ng Donatello ay kilala rin - ang estatwa ng isang mandirigma , heneral ng Gattamelata. Ito ang unang equestrian monument ng Renaissance. Nilikha 500 taon na ang nakalilipas, ang monumento na ito ay nakatayo pa rin sa isang mataas na pedestal, pinalamutian ang isang parisukat sa lungsod ng Padua. Sa unang pagkakataon, hindi isang diyos, hindi isang santo, hindi isang marangal at mayamang tao ang na-immortal sa eskultura, ngunit isang marangal, matapang at mabigat na mandirigma na may dakilang kaluluwa, na nakakuha ng katanyagan sa pamamagitan ng mga dakilang gawa. Nakasuot ng antigong baluti, si Gattemelata (ito ang kanyang palayaw, ibig sabihin ay "batik-batik na pusa") ay nakaupo sa isang malakas na kabayo sa isang kalmado at marilag na pose. Ang mga tampok ng mukha ng mandirigma ay nagbibigay-diin sa isang mapagpasyahan, matatag na karakter.

Andrea Verrocchio (1436 -1488)

Ang pinakasikat na estudyante ng Donatello, na lumikha ng sikat na monumento ng equestrian sa condottiere Colleoni, na itinayo sa Venice sa plaza malapit sa Simbahan ng San Giovanni. Ang pangunahing bagay na kapansin-pansin sa monumento ay ang magkasanib na masiglang paggalaw ng kabayo at sakay. Ang kabayo ay tila nagmamadaling lumampas sa marmol na pedestal kung saan nakalagay ang monumento. Si Colleoni, na nakatayo sa kanyang mga stirrups, nakaunat, nakataas ang kanyang ulo, nakatingin sa malayo. Bakas sa mukha niya ang galit at tensyon. Ang isang tao ay maaaring makaramdam ng napakalaking kalooban sa kanyang pose, ang kanyang mukha ay kahawig ibong mandaragit. Ang imahe ay puno ng hindi masisira na lakas, enerhiya, at mahigpit na awtoridad.

Pagpipinta ng maagang Renaissance

Binago rin ng Renaissance ang sining ng pagpipinta. Natutunan ng mga pintor na tumpak na ihatid ang espasyo, liwanag at anino, natural na pose, at iba't ibang damdamin ng tao. Ito ay ang unang bahagi ng Renaissance na ang oras ng akumulasyon ng kaalaman at kasanayang ito. Ang mga kuwadro na gawa ng panahong iyon ay puno ng maliwanag at masiglang kalooban. Ang background ay madalas na ipininta sa mga mapusyaw na kulay, at ang mga gusali at natural na mga motif ay nakabalangkas na may matalim na linya, ang mga purong kulay ay nangingibabaw. Ang lahat ng mga detalye ng kaganapan ay inilalarawan nang may walang muwang na kasipagan;

Ang pagpipinta ng unang bahagi ng Renaissance ay nagsusumikap lamang para sa pagiging perpekto, gayunpaman, salamat sa katapatan nito, naaantig nito ang kaluluwa ng manonood.

Tommaso di Giovanni di Simone Cassai Guidi, kilala bilang Masaccio (1401 - 1428)

Siya ay itinuturing na isang tagasunod ni Giotto at ang unang master ng pagpipinta ng unang bahagi ng Renaissance. Si Masaccio ay nabuhay lamang ng 28 taon, ngunit sa panahon ng kanyang buhay maikling buhay nag-iwan ng marka sa sining na mahirap bigyan ng halaga. Nagawa niyang kumpletuhin ang mga rebolusyonaryong pagbabagong sinimulan ni Giotto sa pagpipinta. Ang kanyang mga pintura ay nakikilala sa pamamagitan ng madilim at malalim na mga kulay. Ang mga tao sa mga fresco ni Masaccio ay mas siksik at mas makapangyarihan kaysa sa mga kuwadro na gawa noong panahon ng Gothic.

Si Masaccio ang unang nag-ayos nang tama ng mga bagay sa kalawakan, na isinasaalang-alang ang pananaw; Sinimulan niyang ilarawan ang mga tao ayon sa mga batas ng anatomya.

Alam niya kung paano ikonekta ang mga figure at landscape sa isang solong aksyon, kapansin-pansing at sa parehong oras medyo natural na conveying ang buhay ng kalikasan at mga tao - at ito ang dakilang merito ng pintor.

Ito ay isa sa ilang easel na gawa ni Masaccio, na inatasan mula sa kanya noong 1426 para sa kapilya sa simbahan ng Santa Maria del Carmine sa Pisa.

Ang Madonna ay nakaupo sa isang trono na itinayo nang mahigpit ayon sa mga batas ng pananaw ni Giotto. Ang kanyang pigura ay pininturahan ng tiwala at malinaw na mga stroke, na lumilikha ng impresyon ng sculptural volume. Ang kanyang mukha ay kalmado at malungkot, ang kanyang hiwalay na tingin ay nakadirekta sa kung saan. Nakabalot sa isang madilim na asul na balabal, hawak ng Birheng Maria sa kanyang mga bisig ang Bata, na ang ginintuang pigura ay namumukod-tangi sa isang madilim na background. Ang malalim na fold ng balabal ay nagpapahintulot sa artist na maglaro ng chiaroscuro, na lumilikha din ng isang espesyal na visual effect. Ang sanggol ay kumakain ng mga itim na ubas - isang simbolo ng pakikipag-isa. Ang mga walang kamali-mali na iginuhit na mga anghel (alam na alam ng artista ang anatomy ng tao) na nakapalibot sa Madonna ay nagbibigay sa larawan ng karagdagang emosyonal na resonance.

Ang tanging panel na pininturahan ni Masaccio para sa isang double-sided triptych. Pagkatapos maagang pagkamatay pintor, ang natitirang bahagi ng trabaho, na inatasan ni Pope Martin V para sa Simbahan ng Santa Maria sa Roma, ay natapos ng pintor na si Masolino. Dito ay itinatanghal ang dalawang mahigpit, monumentally executed figure ng mga santo, nakadamit lahat sa pula. Hawak ni Jerome ang isang bukas na libro at isang modelo ng basilica, na may isang leon na nakahiga sa kanyang paanan. Si Juan Bautista ay inilalarawan sa kanyang karaniwang anyo: siya ay nakayapak at may hawak na krus sa kanyang kamay. Ang parehong mga figure ay humanga sa kanilang anatomical precision at halos sculptural sense of volume.

Ang interes sa tao at paghanga sa kanyang kagandahan ay napakahusay sa panahon ng Renaissance na ito ay humantong sa paglitaw ng isang bagong genre sa pagpipinta - ang portrait genre.

Pinturicchio (bersyon ng Pinturicchio) (1454 - 1513) (Bernardino di Betto di Biagio)

Katutubo ng Perugia sa Italya. Sa loob ng ilang panahon ay nagpinta siya ng mga miniature at tinulungan si Pietro Perugino na palamutihan ang Sistine Chapel sa Roma gamit ang mga fresco. Nakakuha ng karanasan sa pinaka kumplikadong anyo ng pandekorasyon at monumental na pagpipinta sa dingding. Sa loob ng ilang taon, naging malayang muralist si Pinturicchio. Nagtrabaho siya sa mga fresco sa mga apartment ng Borgia sa Vatican. Gumawa siya ng mga wall painting sa library ng Cathedral sa Siena.

Ang artista ay hindi lamang naghahatid ng pagkakahawig ng larawan, ngunit nagsisikap na ipakita ang panloob na estado ng isang tao. Nasa harapan namin ang isang teenager na lalaki, nakasuot ng pormal na pink na damit ng residente ng lungsod, na may maliit na asul na sumbrero sa kanyang ulo. Ang kayumangging buhok ay bumababa hanggang sa mga balikat, binabalangkas ang isang maamong mukha, ang maasikasong titig ng mga brown na mata ay nag-iisip, medyo nababalisa. Sa likod ng batang lalaki ay isang Umbrian landscape na may manipis na mga puno, isang silver river, at isang pinkish na kalangitan sa abot-tanaw. Ang lambing ng tagsibol ng kalikasan, bilang isang echo ng karakter ng bayani, ay naaayon sa tula at alindog ng bayani.

Ang imahe ng batang lalaki ay ibinigay sa harapan, malaki at sumasakop sa halos buong eroplano ng larawan, at ang tanawin ay ipininta sa background at napakaliit. Lumilikha ito ng impresyon ng kahalagahan ng tao, ang kanyang pangingibabaw sa nakapaligid na kalikasan, at nagpapatunay na ang tao ang pinakamagandang nilikha sa mundo.

Narito ang solemneng paglisan ni Cardinal Capranica para sa Konseho ng Basel, na tumagal ng halos 18 taon, mula 1431 hanggang 1449, una sa Basel at pagkatapos ay sa Lausanne. Ang batang Piccolomini ay nasa retinue din ng cardinal. Ang isang pangkat ng mga mangangabayo na sinamahan ng mga pahina at mga tagapaglingkod ay ipinakita sa isang eleganteng frame ng isang kalahating bilog na arko. Ang kaganapan ay hindi masyadong totoo at maaasahan dahil ito ay chivalrously pino, halos hindi kapani-paniwala. Sa harapan, isang makisig na nakasakay sa puting kabayo, nakasuot ng marangyang damit at sombrero, ay lumingon at tumingin sa manonood - ito ay si Aeneas Silvio. Ang artista ay nasisiyahan sa pagpinta ng mga mayayamang damit at magagandang kabayo sa mga kumot na pelus. Ang mga pinahabang proporsyon ng mga figure, bahagyang mannered na paggalaw, bahagyang tilts ng ulo ay malapit sa perpektong korte. Ang buhay ni Pope Pius II ay puno ng maliwanag na mga kaganapan, at nagsalita si Pinturicchio tungkol sa mga pagpupulong ng papa sa Hari ng Scotland, kasama si Emperador Frederick III.

Filippo Lippi (1406 - 1469)

Lumitaw ang mga alamat tungkol sa buhay ni Lippi. Siya mismo ay isang monghe, ngunit umalis sa monasteryo, naging isang wandering artist, inagaw ang isang madre mula sa monasteryo at namatay, na nilason ng mga kamag-anak ng isang kabataang babae na minahal niya sa katandaan.

Nagpinta siya ng mga larawan ng Madonna at Bata, na puno ng buhay na damdamin at karanasan ng tao. Sa kanyang mga pagpipinta ay inilarawan niya ang maraming mga detalye: araw-araw na mga bagay, kapaligiran, kaya ang kanyang mga paksa sa relihiyon ay katulad ng mga sekular na pagpipinta.

Domenico Ghirlandaio (1449 - 1494)

Ipininta niya hindi lamang ang mga relihiyosong paksa, kundi pati na rin ang mga eksena mula sa buhay ng maharlikang Florentine, ang kanilang kayamanan at karangyaan, at mga larawan ng mga marangal na tao.

Sa harap namin ay asawa ng isang mayamang Florentine, kaibigan ng artista. Sa hindi masyadong maganda, marangyang bihis na dalaga, ang artista ay nagpahayag ng kalmado, isang sandali ng katahimikan at katahimikan. Ang ekspresyon sa mukha ng babae ay malamig, walang malasakit sa lahat, tila nakikita niya ang kanyang nalalapit na kamatayan: sa lalong madaling panahon pagkatapos ng pagpipinta ng larawan ay mamamatay siya. Ang babae ay inilalarawan sa profile, na karaniwan para sa maraming larawan ng panahong iyon.

Piero della Francesca (1415/1416 - 1492)

Isa sa mga pinakamahalagang pangalan sa pagpipinta ng Italyano noong ika-15 siglo. Nakumpleto niya ang maraming pagbabago sa mga pamamaraan ng pagbuo ng pananaw ng pictorial space.

Ang pagpipinta ay ipininta sa isang poplar board na may egg tempera - malinaw naman, sa oras na ito ay hindi pa pinagkadalubhasaan ng artist ang mga lihim ng oil painting, ang pamamaraan kung saan ang kanyang mga huling gawa ay ipininta.

Nakuha ng artist ang hitsura ng misteryo ng Holy Trinity sa sandali ng Pagbibinyag kay Kristo. Puting kalapati, na naglatag ng mga pakpak sa ulo ni Kristo, ay sumisimbolo sa pagbaba ng Banal na Espiritu sa Tagapagligtas. Ang mga larawan ni Kristo, si Juan Bautista at ang mga anghel na nakatayo sa tabi nila ay pininturahan ng mga pinipigilang kulay.
Ang kanyang mga fresco ay solemne, dakila at marilag. Naniniwala si Francesca sa mataas na tadhana ng tao at sa kanyang mga gawa ang mga tao ay laging gumagawa ng mga kamangha-manghang bagay. Gumamit siya ng banayad, banayad na mga paglipat ng mga kulay. Si Francesca ang unang nagpinta ng en plein air (sa open air).

Ang pagpipinta ng Renaissance ay bumubuo sa ginintuang pondo ng hindi lamang European kundi pati na rin ng sining ng mundo. Pinalitan ng panahon ng Renaissance ang madilim na Middle Ages, na nasasakop sa kaibuturan canon ng simbahan, at nauna sa kasunod na Enlightenment at sa Bagong Panahon.

Ito ay nagkakahalaga ng pagkalkula ng tagal ng panahon depende sa bansa. Ang panahon ng pag-unlad ng kultura, gaya ng karaniwang tawag dito, ay nagsimula sa Italya noong ika-14 na siglo, at pagkatapos ay kumalat sa buong Europa at umabot sa kasagsagan nito sa pagtatapos ng ika-15 siglo. Hinahati ng mga mananalaysay ang panahong ito sa sining sa apat na yugto: Proto-Renaissance, maaga, mataas at mamaya Renaissance. Ang partikular na halaga at interes ay, siyempre, pagpipinta ng Italyano Ang Renaissance, gayunpaman, ay hindi dapat mawala sa paningin ng mga French, German, at Dutch masters. Ito ay tungkol sa kanila sa konteksto ng mga yugto ng panahon ng Renaissance na tatalakayin pa sa artikulo.

Proto-Renaissance

Ang panahon ng Proto-Renaissance ay tumagal mula sa ikalawang kalahati ng ika-13 siglo. hanggang ika-14 na siglo Ito ay malapit na konektado sa Middle Ages, sa huling yugto kung saan ito nagmula. Ang Proto-Renaissance ay ang hinalinhan ng Renaissance at pinagsasama ang mga tradisyon ng Byzantine, Romanesque at Gothic. Bago ang lahat ng uso bagong panahon lumitaw sa iskultura, at pagkatapos lamang sa pagpipinta. Ang huli ay kinakatawan ng dalawang paaralan ng Siena at Florence.

Ang pangunahing pigura ng panahon ay ang pintor at arkitekto na si Giotto di Bondone. Ang kinatawan ng paaralan ng pagpipinta ng Florentine ay naging isang repormador. Binalangkas niya ang landas kung saan ito higit pang umunlad. Ang mga tampok ng pagpipinta ng Renaissance ay nagmula nang eksakto sa panahong ito. Karaniwang tinatanggap na nagtagumpay si Giotto sa istilo ng pagpipinta ng icon na karaniwan sa Byzantium at Italy sa kanyang mga gawa. Ginawa niya ang espasyo na hindi two-dimensional, ngunit three-dimensional, gamit ang chiaroscuro upang lumikha ng ilusyon ng lalim. Makikita sa larawan ang painting na "The Kiss of Judas".

Ang mga kinatawan ng paaralan ng Florentine ay tumayo sa pinagmulan ng Renaissance at ginawa ang lahat upang mailabas ang pagpipinta mula sa mahabang medieval na pagwawalang-kilos.

Ang panahon ng Proto-Renaissance ay nahahati sa dalawang bahagi: bago at pagkatapos ng kanyang kamatayan. Hanggang sa 1337, nagtrabaho ang pinakamaliwanag na mga master at naganap ang pinakamahalagang pagtuklas. Pagkatapos, ang Italya ay tinamaan ng epidemya ng salot.

Renaissance Painting: Maikling tungkol sa Maagang Panahon

Ang Maagang Renaissance ay sumasaklaw sa isang panahon ng 80 taon: mula 1420 hanggang 1500. Sa oras na ito, hindi pa ito ganap na umalis sa mga nakaraang tradisyon at nauugnay pa rin sa sining ng Middle Ages. Gayunpaman, ang hininga ng mga bagong uso ay naramdaman na; Ang mga artista ay tuluyan nang sumusuko istilong medyebal at magsimulang matapang na gamitin ang pinakamahusay na mga halimbawa ng sinaunang kultura. Tandaan na ang proseso ay naging medyo mabagal, hakbang-hakbang.

Maliwanag na kinatawan ng maagang Renaissance

Ang gawa ng Italian artist na si Piero della Francesca ay ganap na nabibilang sa unang bahagi ng panahon ng Renaissance. Ang kanyang mga gawa ay nakikilala sa pamamagitan ng maharlika, marilag na kagandahan at pagkakaisa, tumpak na pananaw, malambot na kulay na puno ng liwanag. Sa mga huling taon ng kanyang buhay, bilang karagdagan sa pagpipinta, nag-aral siya ng matematika nang malalim at kahit na nagsulat ng dalawa sa kanyang sariling mga treatise. Ang kanyang mag-aaral ay isa pang sikat na pintor, si Luca Signorelli, at ang estilo ay makikita sa mga gawa ng maraming Umbrian masters. Sa larawan sa itaas ay isang fragment ng isang fresco sa Church of San Francesco sa Arezzo, "The History of the Queen of Sheba."

Si Domenico Ghirlandaio ay isa pang kilalang kinatawan ng Florentine school of Renaissance painting maagang panahon. Siya ang nagtatag ng isang sikat na artistic dynasty at pinuno ng workshop kung saan nagsimula ang batang si Michelangelo. Si Ghirlandaio ay isang sikat at matagumpay na master na nakikibahagi hindi lamang sa fresco painting (Tornabuoni Chapel, Sistine), kundi pati na rin sa easel painting ("Adoration of the Magi", "Nativity", "Old Man with Grandson", "Portrait of Giovanna Tornabuoni” - nakalarawan sa ibaba).

Mataas na Renaissance

Ang panahong ito, kung saan ang istilo ay nabuo nang napakaganda, ay bumagsak noong 1500-1527. Sa oras na ito, ang sentro ng sining ng Italyano ay lumipat sa Roma mula sa Florence. Ito ay konektado sa pag-akyat sa trono ng papa ng ambisyosong, masigasig na si Julius II, na umakit sa pinakamahusay na mga artista ng Italya sa kanyang korte. Ang Roma ay naging katulad ng Athens noong panahon ni Pericles at nakaranas ng hindi kapani-paniwalang paglago at pagsulong ng konstruksiyon. Kasabay nito, mayroong pagkakaisa sa pagitan ng mga sangay ng sining: iskultura, arkitektura at pagpipinta. Pinagsama-sama sila ng Renaissance. Para silang magkasabay, nagpupuno sa isa't isa at nakikipag-ugnayan.

Ang antiquity ay pinag-aralan nang mas mabuti sa panahon ng High Renaissance at muling ginawa nang may pinakamataas na katumpakan, higpit at pagkakapare-pareho. Pinapalitan ng dignidad at katahimikan ang malandi na kagandahan, at ang mga tradisyon ng medieval ay ganap na nakalimutan. Ang tugatog ng Renaissance ay minarkahan ng gawain ng tatlo sa mga pinakadakilang masters ng Italyano: Raphael Santi (ang pagpipinta na "Donna Velata" sa larawan sa itaas), sina Michelangelo at Leonardo da Vinci ("Mona Lisa" - sa unang larawan).

Huling Renaissance

Sinasaklaw ng Late Renaissance ang panahon mula 1530s hanggang 1590s hanggang 1620s sa Italy. Binabawasan ng mga kritiko ng sining at istoryador ang mga gawa sa panahong ito sa isang karaniwang denominador na may malaking antas ng kombensiyon. Ang Timog Europa ay nasa ilalim ng impluwensya ng Kontra-Repormasyon na nagtagumpay dito, na napagtanto na may malaking pag-iingat sa anumang malayang pag-iisip, kabilang ang muling pagkabuhay ng mga mithiin ng unang panahon.

Sa Florence, nagkaroon ng pangingibabaw ng Mannerism, na nailalarawan sa pamamagitan ng mga artipisyal na kulay at mga putol na linya. Gayunpaman, naabot niya ang Parma, kung saan nagtrabaho si Correggio, pagkatapos lamang ng pagkamatay ng master. Ang pagpipinta ng Venetian ng Renaissance ay may sariling landas ng pag-unlad late period. Sina Palladio at Titian, na nagtrabaho doon hanggang 1570s, ang pinakamaliwanag na kinatawan nito. Ang kanilang trabaho ay walang kinalaman sa mga bagong uso sa Roma at Florence.

Hilagang Renaissance

Ang terminong ito ay ginagamit upang ilarawan ang Renaissance sa buong Europa, sa labas ng Italya sa pangkalahatan at sa mga bansang nagsasalita ng Aleman sa partikular. Ito ay may isang bilang ng mga tampok. Ang Northern Renaissance ay hindi homogenous at nailalarawan sa pamamagitan ng mga tiyak na tampok sa bawat bansa. Hinahati ito ng mga art historian sa ilang direksyon: French, German, Dutch, Spanish, Polish, English, atbp.

Ang paggising ng Europa ay tumagal ng dalawang landas: ang pag-unlad at paglaganap ng isang makatao na sekular na pananaw sa mundo, at ang pagbuo ng mga ideya ng pagpapanibago. mga relihiyosong tradisyon. Pareho silang hinawakan, kung minsan ay pinagsama, ngunit sa parehong oras sila ay mga antagonist. Pinili ng Italya ang unang landas, at Hilagang Europa- pangalawa.

Ang Renaissance ay halos walang impluwensya sa sining ng hilaga, kabilang ang pagpipinta, hanggang 1450. Mula 1500 ay kumalat ito sa buong kontinente, ngunit sa ilang mga lugar ang impluwensya ng huling Gothic ay nanatili hanggang sa pagdating ng Baroque.

Ang Northern Renaissance ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang makabuluhang impluwensya ng estilo ng Gothic, hindi gaanong pansin sa pag-aaral ng sinaunang panahon at anatomya ng tao, at isang detalyado at maingat na pamamaraan sa pagsulat. Ang Repormasyon ay may mahalagang impluwensyang ideolohikal sa kanya.

French Northern Renaissance

Ang pinakamalapit na bagay sa Italyano ay French painting. Ang Renaissance ay isang mahalagang yugto para sa kulturang Pranses. Sa oras na ito, ang mga relasyon sa monarkiya at burges ay aktibong lumalakas, ang mga ideya sa relihiyon ng Middle Ages ay kumupas sa background, na nagbibigay-daan sa mga hilig ng tao. Mga Kinatawan: Francois Quesnel, Jean Fouquet (nakalarawan ay isang fragment ng master's "Melen Diptych"), Jean Clouse, Jean Goujon, Marc Duval, Francois Clouet.

German at Dutch Northern Renaissance

Ang mga pambihirang gawa ng Northern Renaissance ay nilikha ng mga German at Flemish-Dutch masters. Makabuluhang papel May papel pa rin ang relihiyon sa mga bansang ito, at malaki ang impluwensya nito sa pagpipinta. Ibang landas ang tinahak ng Renaissance sa Netherlands at Germany. Hindi tulad ng mga gawa ng Italian masters, hindi inilagay ng mga artista ng mga bansang ito ang tao sa gitna ng uniberso. Sa buong halos buong ika-15 siglo. inilalarawan nila siya sa istilong Gothic: liwanag at ethereal. Karamihan mga kilalang kinatawan Ang Dutch Renaissance ay sina Hubert van Eyck, Jan van Eyck, Robert Campen, Hugo van der Goes, ang German ay sina Albert Durer, Lucas Cranach the Elder, Hans Holbein, Matthias Grunewald.

Ang larawan ay nagpapakita ng self-portrait ni A. Durer mula 1498.

Sa kabila ng katotohanan na ang mga gawa ng hilagang masters ay naiiba nang malaki mula sa mga gawa ng mga pintor ng Italyano, sa anumang kaso ay kinikilala sila bilang hindi mabibili na mga eksibit ng pinong sining.

Ang pagpipinta ng Renaissance, tulad ng lahat ng kultura sa kabuuan, ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang sekular na karakter, humanismo at tinatawag na anthropocentrism, o, sa madaling salita, isang pangunahing interes sa tao at sa kanyang mga aktibidad. Sa panahong ito, nagkaroon ng tunay na pamumulaklak ng interes sa sinaunang sining, at naganap ang muling pagkabuhay nito. Ang panahon ay nagbigay sa mundo ng isang kalawakan ng mga makikinang na eskultor, arkitekto, manunulat, makata at artista. Kailanman o mula noon ay naging laganap ang pag-unlad ng kultura.

Ang pagpipinta ng unang bahagi ng Renaissance ay dumaan sa parehong ebolusyon bilang eskultura. Pagtagumpayan ang Gothic abstraction ng mga imahe, pagbuo pinakamahusay na mga tampok Ang mga pintura ni Giotto, mga artista ng ika-15 siglo ay nagsimula sa malawak na landas ng realismo. Ang monumento na pagpipinta ng fresco ay nakakaranas ng hindi pa nagagawang pag-usbong.

Masaccio. Pagpatalsik sa Paraiso, 1426–1427
Simbahan ng Santa Maria del Carmine
Brancacci Chapel, Florence

Uccello. Larawan ng isang Babae, 1450
Metropolitan Museum of Art, New York

Castaño. Larawan ng isang Seigneur, 1446
National Gallery, Washington

Masaccio. Ang repormador ng pagpipinta, na gumanap ng parehong papel tulad ng sa pagbuo ng arkitektura ni Brunelleschi at Donatello sa iskultura, ay ang Florentine Masaccio (1401–1428), na namuhay ng maikling buhay at nag-iwan ng mga kahanga-hangang gawa kung saan ang paghahanap para sa isang pangkalahatang kabayanihan na imahe. ng tao at isang makatotohanang representasyon ng paligid ay ipinagpatuloy ang kanyang mundo. Ang mga paghahanap na ito ay pinaka-malinaw na ipinakita sa mga fresco ng Brancacci Chapel sa Church of Santa Maria del Carmine sa Florence, "The Miracle of the Stater" at "The Expulsion from Paradise" (parehong sa pagitan ng 1427–1428).

Masaccio break sa decorativeness at maliit na salaysay na dominado pagpipinta sa ikalawang kalahati ng ika-14 na siglo. Kasunod ng tradisyon ng Giotto, ang artist na si Masaccio ay nakatuon sa imahe ng isang tao, na nagpapahusay sa kanyang malupit na enerhiya at aktibidad, civic humanism. Gumagawa si Masaccio ng isang mapagpasyang hakbang sa pagsasama-sama ng figure at landscape, na nagpapakilala ng aerial perspective sa unang pagkakataon. Sa mga fresco ni Masaccio, ang mababaw na plataporma - ang eksena ng pagkilos sa mga pintura ni Giotto - ay pinalitan ng isang imahe ng tunay na malalim na espasyo; ang plastik ay nagiging mas kapani-paniwala at mas mayaman cut-off modeling figure, ang kanilang konstruksiyon ay mas malakas, ang kanilang mga katangian ay mas iba-iba. At bukod pa, napanatili ni Masaccio ang napakalaking kapangyarihang moral ng mga imahe, na nakakaakit kay Giotto sa sining.

Angelico. Madonna Fiesole, 1430
Monasteryo ng San Domenico, Fiesole

Lippi. Babae at lalaki, 1460s
Metropolitan Museum of Art, New York

Domenico. Madonna at Bata
1437, Berenson Gallery, Florence

Ang pinakamahalaga sa mga fresco ni Masaccio ay ang "The Miracle of the Statir," isang multi-figure na komposisyon na, ayon sa tradisyon, ay kinabibilangan ng iba't ibang yugto ng alamat tungkol sa kung paano, sa pagpasok sa lungsod, si Kristo at ang kanyang mga alagad ay humingi ng bayad - isang statir (barya); kung paano, sa utos ni Kristo, si Pedro ay nakahuli ng isda sa lawa at nakakita ng isang statir sa bibig nito, na ibinigay niya sa bantay. Pareho sa mga karagdagang yugto na ito - pangingisda at ang pagtatanghal ng stater - ay hindi nakakagambala sa atensyon mula sa gitnang eksena - isang grupo ng mga apostol na pumapasok sa lungsod. Ang kanilang mga pigura ay maringal, napakalaking, matapang na mga mukha ay nagtataglay ng mga indibidwal na katangian ng mga tao mula sa mga tao sa lalaki sa dulong kanan, ang ilang mga mananaliksik ay nakakita ng isang larawan ni Masaccio mismo; Ang kahalagahan ng kung ano ang nangyayari ay binibigyang-diin ng pangkalahatang estado ng pigil na kaguluhan. Ang pagiging natural ng mga kilos at galaw, ang pagpapakilala ng isang genre na motif sa eksena ng paghahanap ni Peter para sa barya, at ang maingat na pininturahan na tanawin ay nagbibigay sa pagpipinta ng isang sekular, malalim na makatotohanang karakter.

Hindi gaanong makatotohanan ang interpretasyon ng eksenang "Expulsion from Paradise", kung saan, sa kauna-unahang pagkakataon sa pagpipinta ng Renaissance, ang mga hubad na pigura ay inilalarawan, na malakas na na-modelo ng side light. Ang kanilang mga galaw at ekspresyon ng mukha ay nagpapahayag ng pagkalito, kahihiyan, at pagsisisi. Ang mahusay na pagiging tunay at mapanghikayat ng mga imahe ni Masaccio ay nagbibigay ng espesyal na lakas sa makatao na ideya ng dignidad at kahalagahan. pagkatao ng tao. Sa kanyang mga makabagong pakikipagsapalaran, nagbukas ang artist ng mga paraan para sa karagdagang pag-unlad ng makatotohanang pagpipinta.

Uccello. Isang eksperimento sa pag-aaral at paggamit ng pananaw ay si Paolo Uccello (1397–1475), ang unang Italyano na pintor ng labanan. Ang Uccello ay nag-iba-iba ng mga komposisyon na may mga yugto mula sa Labanan ng San Romano nang tatlong beses (kalagitnaan ng 1450s, London, National Gallery; Florence, Uffizi; Paris, Louvre), na masigasig na naglalarawan ng maraming kulay na mga kabayo at sakay sa iba't ibang uri ng mga pagbawas at paglaganap ng pananaw.

Castaño. Kabilang sa mga tagasunod ni Masaccio, si Andrea del Castagno (mga 1421 - 1457) ay tumindig, na nagpakita ng interes hindi lamang sa plastik na anyo at mga istraktura ng pananaw na katangian ng pagpipinta ng Florentine noong panahong iyon, kundi pati na rin sa problema ng kulay. Ang pinakamahusay sa mga nilikha na larawan ng magaspang, matapang, hindi pantay na likas na artist na ito ay nakikilala sa pamamagitan ng lakas ng kabayanihan at hindi mapigilan na enerhiya. Ito ang mga bayani ng mga kuwadro na gawa ng Villa Pandolfini (circa 1450, Florence, Church of Santa Apollonia) - isang halimbawa ng solusyon sa isang sekular na tema. Namumukod-tangi ang mga figure laban sa berde at madilim na pulang background mga kilalang tao Renaissance, kasama ng mga ito ang condottieri ng Florence: Farinata degli Uberti at Pippo Spano. Ang huli ay nakatayong matatag sa lupa, nakabukaka ang mga binti, nakasuot ng baluti, na walang takip ang ulo, na may hawak na espada sa kanyang mga kamay; siya ay isang buhay na tao, puno ng galit na galit na enerhiya at pagtitiwala sa kanyang mga kakayahan. Ang makapangyarihang light-and-shadow modeling ay nagbibigay sa imahe ng plastic strength, expressiveness, emphasizes ang sharpness ng mga indibidwal na katangian, at isang maliwanag na portraiture na hindi pa nakikita sa Italian painting.

Kabilang sa mga fresco ng simbahan ng Santa Apollonia, ang "Huling Hapunan" (1445–1450) ay namumukod-tangi para sa saklaw ng imahe nito at ang talas ng mga katangian nito. Ang relihiyosong tanawin na ito - ang hapunan ni Kristo na napapaligiran ng mga alagad - ay ipininta ng maraming artista na palaging sumusunod. isang tiyak na uri mga komposisyon. Hindi lumihis si Castagno sa ganitong uri ng konstruksyon. Sa isang gilid ng mesa na matatagpuan sa tabi ng dingding, inilagay ng pintor ang mga apostol. Kabilang sa kanila, sa gitna ay si Kristo. Sa kabilang panig ng mesa ay ang malungkot na pigura ng taksil na si Judas. Gayunpaman, nakakamit ni Castaño ang mahusay na epekto at makabagong tunog sa kanyang komposisyon; Ito ay pinadali ng maliwanag na katangian ng mga imahe, ang nasyonalidad ng mga uri ng mga apostol at Kristo, ang malalim na dramatikong pagpapahayag ng mga damdamin, at ang mariin na mayaman at magkakaibang scheme ng kulay.

Angelico. Ang katangi-tanging kagandahan at kadalisayan ng mga pinong nagniningning na mga pagkakatugma ng kulay, na nakakuha ng isang espesyal na kalidad ng dekorasyon kasama ng ginto, ay nakakabighani sa sining ni Fra Beato Angelico (1387–1455), na puno ng tula at kamangha-manghang. Mystical sa espiritu, na nauugnay sa walang muwang na mundo ng mga ideya sa relihiyon, ito ay sakop ng tula kuwentong bayan. Ang mga madamdaming larawan ng "Coronation of Mary" (circa 1435, Paris, Louvre), mga fresco ng Monastery of San Marco sa Florence, na nilikha ng natatanging artist na ito - isang Dominican monghe, ay naliwanagan.

Domenico Veneziano. Ang mga problema sa kulay ay naakit din kay Domenico Veneziano (c. 1410 – 1461), isang katutubo ng Venice na pangunahing nagtrabaho sa Florence. Ang kanyang mga relihiyosong komposisyon ("Adoration of the Magi", 1430–1440, Berlin-Dahlem, Gallery ng mga larawan), walang muwang-fairy-tale interpretasyon ng tema, taglay pa rin ang imprint ng tradisyong Gothic. Ang mga tampok ng Renaissance ay lumitaw nang mas malinaw sa mga larawang ginawa niya. Noong ika-15 siglo, ang portrait genre ay nakakuha ng sarili nitong kahalagahan. Ang komposisyon ng profile, na inspirasyon ng mga sinaunang medalya at ginagawang posible na gawing pangkalahatan at luwalhatiin ang imahe ng taong inilalarawan, ay naging laganap. Ang isang tumpak na linya ay nagbabalangkas ng isang matalim na profile sa "Portrait of a Woman" (sa kalagitnaan ng ika-15 siglo, Berlin-Dahlem, Picture Gallery). Ang artist ay nakakamit ng isang buhay na direktang pagkakatulad at sa parehong oras ng isang banayad na coloristic na pagkakaisa sa pagkakaisa ng liwanag na nagniningning na mga kulay, transparent, mahangin, paglambot sa mga contour. Ang pintor ang unang nagpakilala sa mga Florentine masters sa pamamaraan ng oil painting. Sa pamamagitan ng pagpapakilala ng mga barnis at langis, pinahusay ni Domenico Veneziano ang kadalisayan at kayamanan ng kulay ng kanyang mga canvases.

Renaissance (Renaissance). Italya. XV-XVI siglo. Maagang kapitalismo. Ang bansa ay pinamumunuan ng mayayamang bangkero. Interesado sila sa sining at agham.

Ang mayayaman at makapangyarihan ay nagtitipon sa paligid nila ng mga mahuhusay at matatalino. Ang mga makata, pilosopo, pintor at iskultor ay araw-araw na nakikipag-usap sa kanilang mga parokyano. Sa ilang mga punto, tila ang mga tao ay pinamumunuan ng mga matalinong tao, tulad ng gusto ni Plato.

Naalala natin ang mga sinaunang Romano at Griyego. Nagtayo din sila ng isang lipunan ng mga malayang mamamayan, kung saan ang pangunahing halaga ay mga tao (hindi binibilang ang mga alipin, siyempre).

Ang Renaissance ay hindi lamang pagkopya sa sining ng mga sinaunang sibilisasyon. Ito ay isang timpla. Mitolohiya at Kristiyanismo. Realismo ng kalikasan at katapatan ng mga imahe. Kagandahang pisikal at espirituwal.

Isang iglap lang. Ang panahon ng High Renaissance ay humigit-kumulang 30 taon! Mula 1490s hanggang 1527 Mula sa simula ng kasagsagan ng pagkamalikhain ni Leonardo. Bago ang sako ng Roma.

Ang mirage ng isang perpektong mundo ay mabilis na kumupas. Masyadong marupok ang Italy. Hindi nagtagal ay inalipin siya ng isa pang diktador.

Gayunpaman, tinukoy ng 30 taon na ito ang mga pangunahing tampok ng pagpipinta sa Europa para sa darating na 500 taon! Hanggang sa .

Realismo ng imahe. Anthropocentrism (kapag ang sentro ng mundo ay Tao). Linear na pananaw. Mga pintura ng langis. Larawan. Tanawin…

Hindi kapani-paniwala, sa loob ng 30 taon na ito, maraming makikinang na master ang nagtrabaho nang sabay-sabay. Sa ibang pagkakataon sila ay isinilang isang beses bawat 1000 taon.

Sina Leonardo, Michelangelo, Raphael at Titian ay ang mga titans ng Renaissance. Ngunit hindi natin mabibigo na banggitin ang kanilang dalawang nauna: sina Giotto at Masaccio. Kung wala ito ay walang Renaissance.

1. Giotto (1267-1337)

Paolo Uccello. Giotto da Bondogni. Fragment ng painting na "Five Masters of the Florentine Renaissance." Simula XVI siglo. .

XIV siglo. Proto-Renaissance. Ang pangunahing karakter nito ay si Giotto. Isa itong master na nag-iisang nag-rebolusyon sa sining. 200 taon bago ang High Renaissance. Kung hindi dahil sa kanya, halos hindi na darating ang panahon kung saan ipinagmamalaki ng sangkatauhan.

Bago si Giotto ay may mga icon at fresco. Nilikha sila ayon sa mga canon ng Byzantine. Mga mukha sa halip na mga mukha. Mga flat figure. Pagkabigong sumunod sa mga proporsyon. Sa halip na landscape ay may ginintuang background. Tulad, halimbawa, sa icon na ito.

Guido da Siena. Pagsamba sa mga Mago. 1275-1280 Altenburg, Lindenau Museum, Germany.

At biglang lumitaw ang mga fresco ni Giotto. Mayroon silang malalaking pigura. Mga tao marangal na tao. Matanda at bata. Malungkot. Malungkot. Nagulat. Magkaiba.

Mga Fresco ni Giotto sa Church of Scrovegni sa Padua (1302-1305). Kaliwa: Panaghoy ni Kristo. Gitna: Halik ni Judas (fragment). Kanan: Annunciation of St. Anne (Mother Mary), fragment.

Ang pangunahing gawain ni Giotto ay ang cycle ng kanyang mga fresco sa Scrovegni Chapel sa Padua. Nang magbukas ang simbahang ito sa mga parokyano, dumagsa dito ang mga pulutong ng mga tao. Hindi pa sila nakakita ng ganito.

Pagkatapos ng lahat, ginawa ni Giotto ang isang bagay na hindi pa nagagawa. Isinalin niya ang mga kuwento sa Bibliya sa simple, malinaw na wika. At sila ay naging mas naa-access sa mga ordinaryong tao.

Giotto. Pagsamba sa mga Mago. 1303-1305 Fresco sa Scrovegni Chapel sa Padua, Italy.

Ito ay tiyak kung ano ang magiging katangian ng maraming mga masters ng Renaissance. Laconic na mga imahe. Masiglang emosyon ng mga tauhan. Realismo.

Magbasa nang higit pa tungkol sa mga fresco ng master sa artikulo.

Hinangaan si Giotto. Ngunit ang kanyang pagbabago ay hindi na binuo pa. Ang fashion para sa internasyonal na gothic ay dumating sa Italya.

Pagkatapos lamang ng 100 taon lilitaw ang isang karapat-dapat na kahalili ni Giotto.

2. Masaccio (1401-1428)

Masaccio. Self-portrait (fragment ng fresco "St. Peter on the pulpito"). 1425-1427 Brancacci Chapel sa Simbahan ng Santa Maria del Carmine, Florence, Italy.

Simula ng ika-15 siglo. Ang tinatawag na Early Renaissance. Ang isa pang innovator ay pumapasok sa eksena.

Si Masaccio ang unang artist na gumamit ng linear na pananaw. Dinisenyo ito ng kanyang kaibigan, ang arkitekto na si Brunelleschi. Ngayon ang itinatanghal na mundo ay naging katulad ng tunay. Ang arkitektura ng laruan ay isang bagay ng nakaraan.

Masaccio. Si San Pedro ay nagpapagaling gamit ang kanyang anino. 1425-1427 Brancacci Chapel sa Simbahan ng Santa Maria del Carmine, Florence, Italy.

Pinagtibay niya ang pagiging totoo ni Giotto. Gayunpaman, hindi tulad ng kanyang hinalinhan, alam na niya ang anatomy.

Sa halip na mga blocky na character, maganda ang pagkakagawa ni Giotto ng mga tao. Katulad ng mga sinaunang Griyego.

Masaccio. Binyag ng mga neophyte. 1426-1427 Brancacci Chapel, Simbahan ng Santa Maria del Carmine sa Florence, Italy.
Masaccio. Pagpapaalis sa Paraiso. 1426-1427 Fresco sa Brancacci Chapel, Church of Santa Maria del Carmine, Florence, Italy.

Si Masaccio ay namuhay ng maikling buhay. Namatay siya, tulad ng kanyang ama, nang hindi inaasahan. Sa 27 taong gulang.

Gayunpaman, marami siyang tagasunod. Ang mga master ng mga sumunod na henerasyon ay pumunta sa Brancacci Chapel upang mag-aral mula sa kanyang mga fresco.

Kaya, ang inobasyon ni Masaccio ay kinuha ng lahat ng magagaling na artista ng High Renaissance.

3. Leonardo da Vinci (1452-1519)

Leonardo da Vinci. Self-portrait. 1512 Royal Library sa Turin, Italy.

Si Leonardo da Vinci ay isa sa mga titans ng Renaissance. Siya ay nagkaroon ng napakalaking impluwensya sa pag-unlad ng pagpipinta.

Si da Vinci ang nagtaas ng katayuan ng artist mismo. Salamat sa kanya, ang mga kinatawan ng propesyon na ito ay hindi na lamang mga artisan. Ito ay mga tagalikha at aristokrata ng espiritu.

Si Leonardo ay gumawa ng isang pambihirang tagumpay lalo na sa pagpipinta ng portrait.

Naniniwala siya na walang dapat makagambala sa pangunahing imahe. Ang titig ay hindi dapat gumala mula sa isang detalye patungo sa isa pa. Ito ay kung paano lumitaw ang kanyang mga sikat na portrait. Laconic. Harmonious.

Leonardo da Vinci. Babaeng may ermine. 1489-1490 Czertoryski Museum, Krakow.

Ang pangunahing inobasyon ni Leonardo ay nakahanap siya ng paraan para makagawa ng mga imahe... buhay.

Bago sa kanya, ang mga character sa mga portrait ay mukhang mga mannequin. Ang mga linya ay malinaw. Ang lahat ng mga detalye ay maingat na iginuhit. Ang ipinintang drawing ay hindi posibleng buhay.

Inimbento ni Leonardo ang sfumato method. Ni-shade niya ang mga linya. Ginawa ang paglipat mula sa liwanag patungo sa anino na napakalambot. Ang kanyang mga karakter ay tila natatakpan ng halos hindi mahahalata na manipis na ulap. Nabuhay ang mga karakter.

. 1503-1519 Louvre, Paris.

Ang Sfumato ay isasama sa aktibong bokabularyo ng lahat ng magagaling na artista sa hinaharap.

Kadalasan mayroong isang opinyon na si Leonardo, siyempre, ay isang henyo, ngunit hindi alam kung paano makumpleto ang anuman. At madalas ay hindi ako nakatapos ng mga pagpipinta. At marami sa kanyang mga proyekto ang nanatili sa papel (sa 24 na volume, sa pamamagitan ng paraan). At sa pangkalahatan siya ay itinapon sa gamot o sa musika. Minsan ay interesado pa ako sa sining ng paglilingkod.

Gayunpaman, isipin mo ang iyong sarili. 19 paintings - at siya ang pinakadakilang pintor sa lahat ng panahon. At ang isang tao ay hindi man lang lumalapit sa mga tuntunin ng kadakilaan, ngunit nagpinta siya ng 6,000 canvases sa kanyang buhay. Ito ay malinaw kung sino ang may mas mataas na kahusayan.

Basahin ang tungkol sa pinakasikat na pagpipinta ng master sa artikulo.

4. Michelangelo (1475-1564)

Daniele da Volterra. Michelangelo (fragment). 1544 Metropolitan Museum of Art, New York.

Itinuring ni Michelangelo ang kanyang sarili na isang iskultor. Pero meron unibersal na master. Tulad ng iba niyang kasamahan sa Renaissance. Samakatuwid, ang kanyang pictorial heritage ay hindi gaanong engrande.

Siya ay nakikilala lalo na sa pamamagitan ng kanyang pisikal na binuo na mga karakter. Ipinakita niya ang isang perpektong tao kung saan ang pisikal na kagandahan ay nangangahulugan ng espirituwal na kagandahan.

Kaya naman lahat ng mga bida niya ay matipuno at matatag. Kahit mga babae at matatanda.

Michelangelo. Mga fragment ng fresco na "The Last Judgment" sa Sistine Chapel, Vatican.

Madalas ipininta ni Michelangelo ang karakter na hubad. At pagkatapos ay nagdagdag siya ng mga damit sa itaas. Upang ang katawan ay nililok hangga't maaari.

Ipininta niya mag-isa ang kisame ng Sistine Chapel. Bagaman ang mga ito ay ilang daang mga numero! Ni hindi niya pinahintulutan ang sinuman na magpahid ng pintura. Oo, hindi siya palakaibigan. Siya ay may isang matigas at palaaway na karakter. Ngunit higit sa lahat ay hindi siya nasisiyahan sa... sa kanyang sarili.

Michelangelo. Fragment ng fresco "Ang Paglikha ni Adan". 1511 Sistine Chapel, Vatican.

Si Michelangelo ay nabuhay ng mahabang buhay. Nakaligtas sa paghina ng Renaissance. Para sa kanya ito ay isang personal na trahedya. Ang kanyang mga huling gawa ay puno ng kalungkutan at kalungkutan.

Anyway malikhaing landas Kakaiba si Michelangelo. Ang kanyang mga unang gawa ay isang pagdiriwang ng bayani ng tao. Malaya at matapang. Sa pinakamahusay na mga tradisyon Sinaunang Greece. Ano ang pangalan niya David?

Sa mga huling taon ng buhay ito ay mga trahedya na larawan. Sinadyang magaspang na tinabas na bato. Para tayong tumitingin sa mga monumento ng mga biktima ng pasismo ng ika-20 siglo. Tingnan ang kanyang Pietà.

Ang mga eskultura ni Michelangelo sa Academy of Fine Arts sa Florence. Kaliwa: David. 1504 Kanan: Palestrina's Pietà. 1555

Paano ito posible? Isang artista sa isang buhay ang dumaan sa lahat ng yugto ng sining mula sa Renaissance hanggang sa ika-20 siglo. Ano ang gagawin mga susunod na henerasyon? Pumunta sa sarili mong paraan. Napagtatanto na ang bar ay napakataas.

5. Raphael (1483-1520)

. 1506 Uffizi Gallery, Florence, Italy.

Si Raphael ay hindi nakalimutan. Ang kanyang henyo ay palaging kinikilala: kapwa sa buhay at pagkatapos ng kamatayan.

Ang kanyang mga karakter ay pinagkalooban ng sensual, liriko na kagandahan. Siya ang nararapat na itinuturing na pinakamaganda mga imahe ng babae kailanman nilikha. Ang panlabas na kagandahan ay sumasalamin din sa espirituwal na kagandahan ng mga pangunahing tauhang babae. Ang kanilang kaamuan. Ang kanilang sakripisyo.

Raphael. . 1513 Old Masters Gallery, Dresden, Germany.

Sinabi ni Fyodor Dostoevsky ang mga sikat na salitang "Ang kagandahan ay magliligtas sa mundo" tungkol sa. Ito ang paborito niyang painting.

Gayunpaman, ang mga pandama na imahe ay hindi lamang malakas na punto Raphael. Pinag-isipan niyang mabuti ang mga komposisyon ng kanyang mga painting. Siya ay isang hindi maunahang arkitekto sa pagpipinta. Bukod dito, palagi niyang natagpuan ang pinakasimpleng at pinaka-maayos na solusyon sa pag-aayos ng espasyo. Tila hindi ito maaaring maging sa ibang paraan.

Raphael. paaralan sa Athens. 1509-1511 Fresco sa Stanzas ng Apostolic Palace, Vatican.

Si Raphael ay nabuhay lamang ng 37 taon. Namatay siya bigla. Mula sa isang nahuli na malamig at medikal na pagkakamali. Ngunit ang kanyang legacy ay mahirap i-overestimate. Maraming artista ang umiidolo sa master na ito. At pinarami nila ang kanyang mga sensual na imahe sa libu-libong canvases nila..

Si Titian ay isang hindi maunahang colorist. Marami rin siyang nag-eksperimento sa komposisyon. Sa pangkalahatan, siya ay isang matapang na innovator.

Minahal siya ng lahat dahil sa kaningningan ng kanyang talento. Tinatawag na “hari ng mga pintor at pintor ng mga hari.”

Sa pagsasalita tungkol sa Titian, gusto kong maglagay ng tandang padamdam pagkatapos ng bawat pangungusap. Pagkatapos ng lahat, siya ang nagdala ng dinamika sa pagpipinta. Pathos. Kasiglahan. Matingkad na kulay. Ang ningning ng mga kulay.

Titian. Pag-akyat ni Maria. 1515-1518 Simbahan ng Santa Maria Gloriosi dei Frari, Venice.

Sa pagtatapos ng kanyang buhay siya ay umunlad hindi pangkaraniwang pamamaraan mga titik. Mabilis at makapal ang mga hampas. Inilapat ko ang pintura alinman sa isang brush o sa aking mga daliri. Ginagawa nitong mas buhay at humihinga ang mga imahe. At ang mga plot ay mas dynamic at dramatic.

Titian. Tarquin at Lucretia. 1571 Fitzwilliam Museum, Cambridge, England.

May naaalala ba ito sa iyo? Siyempre, ito ay teknolohiya. At teknolohiya mga artista ng XIX siglo: Barbizonian at. Si Titian, tulad ni Michelangelo, ay dadaan sa 500 taon ng pagpipinta sa isang buhay. Kaya pala genius siya.

TUNGKOL SA sikat na obra maestra Basahin ang master sa artikulo.

Ang mga artista ng Renaissance ay ang mga may-ari ng mahusay na kaalaman. Upang mag-iwan ng gayong legacy, maraming dapat matutunan. Sa larangan ng kasaysayan, astrolohiya, pisika at iba pa.

Samakatuwid, ang bawat larawan ng mga ito ay nagpapaisip sa atin. Bakit ito inilalarawan? Ano ang naka-encrypt na mensahe dito?

Halos hindi sila nagkamali. Dahil pinag-isipan nilang mabuti ang kanilang trabaho sa hinaharap. Ginamit namin ang lahat ng aming kaalaman.

Sila ay higit pa sa mga artista. Sila ay mga pilosopo. Ipinaliwanag nila sa amin ang mundo sa pamamagitan ng pagpipinta.

Iyon ang dahilan kung bakit sila ay palaging magiging malalim na kawili-wili sa atin.

Renaissance, o Renaissance - isang panahon sa kasaysayan ng kulturang Europeo na pumalit sa kultura ng Middle Ages at nauna sa kultura ng modernong panahon. Ang isang natatanging katangian ng Renaissance ay ang sekular na kalikasan ng kultura at ang anthropocentrism nito (iyon ay, interes, una sa lahat, sa tao at sa kanyang mga aktibidad).

Estilo ng Renaissance

Ang mayayamang mamamayan ng Europa ay hindi na kailangang magtago sa likod ng mga pader ng kastilyo. Ang mga ito ay pinalitan ng mga palasyo ng lungsod (palazzos) at mga country villa, na nagpapasaya sa mga may-ari ng kagandahan at kaginhawahan. Ang karaniwang palazzo ay karaniwang may 3-4 na palapag. Sa ibabang palapag ay may mga vestibule, mga silid ng serbisyo, mga kuwadra at mga bodega. Sa susunod na antas - Piano Nobile - may mga maluluwag, pinalamutian nang marangyang mga state room. Minsan ang mga silid-tulugan ng mga miyembro ng pamilya ng may-ari ng bahay ay matatagpuan sa palapag na ito. Ang pribadong kwarto ay ang kwarto at ang "studio," isang silid na ginagamit bilang opisina, workshop, o silid para sa mga pribadong pag-uusap. May malapit na washing room; ang tubig ay kinuha mula sa isang bukal o balon. Ang ikatlong palapag ay madalas na may parehong layout ng piano nobile, na may mga sala na may mas mababang kisame. Sa itaas na palapag ay mas mababa pa ang taas ng mga kisame; Ang mga medyebal na hagdanan ay spiral o kahawig ng makitid na mga puwang na pinutol sa kapal ng mga dingding ngayon ay naging malapad at tuwid at nangingibabaw sa loob. Ang mga karagdagang hagdanan ay madalas na hindi gaanong naiilawan. Ang country villa ay hindi itinayo sa ganitong masikip na mga kondisyon, at samakatuwid ay maaaring mas malaki. Kasabay nito, ang parehong pamamaraan ay pinananatili: ang mga silid ng serbisyo ay matatagpuan sa ibaba, ang mga silid ng estado ay nasa ikalawang palapag, at ang mga silid ng mga tagapaglingkod ay nasa itaas na palapag o sa attic.

Ang mga interior ng Renaissance ay nagsasalita ng pagkahilig sa mga klasiko. Ang simetrya ay higit sa lahat, at ang mga detalye ay hiniram mula sa sinaunang mga disenyo ng Romano. Ang mga dingding ay kadalasang neutral na tono o may mga pattern. Sa mga mayayamang bahay, ang mga dingding ay madalas na pinalamutian ng mga fresco. Ang mga kisame ay beamed o coffered. Ang mga beam at kaban ng kisame ay pininturahan ng maliliwanag na kulay. Ang mga sahig ay pinalamutian ng mga kumplikadong geometric na pattern. Ang mga fireplace, na nagsilbing tanging pinagmumulan ng init, ay natatakpan ng mga ukit. Sa paghusga sa pamamagitan ng mga kuwadro na gawa ng mga artista noong panahong iyon, ang mga kurtina at iba pang mga accessories ay maraming kulay.

Sa panahon ng Renaissance, ang mga muwebles ay mas laganap kaysa sa Middle Ages, ngunit ayon sa modernong mga pamantayan ay mahirap pa rin ito. Ang pag-ukit, inlay at intarsia ay naroroon sa interior, depende sa mga kakayahan sa pananalapi at panlasa ng may-ari ng bahay.

Ang mga interior ng mga simbahan ng Renaissance ay pininturahan sa mga makulay na kulay at pinalamutian nang husto ng mga detalye ng arkitektura na hiniram mula sa mga sinaunang monumento ng Romano. Ang mga stained glass na bintana ay nagbigay daan sa transparent na salamin. Ang pagpipinta ay malawakang ginamit - mga fresco, mga kuwadro na gawa sa altar. Karaniwang inuutusan at ibinibigay ang mga altar sa mga simbahan ng mayayamang mamamayan, na ang mga larawan ay makikita sa harapan. Sa mga interior ng Renaissance, makikita ang isang paglipat mula sa pagiging simple hanggang sa karilagan.

Maagang Renaissance

Ang Palazzo Davanzati sa Florence (huli sa ika-14 na siglo) ay isang mahusay na napreserbang bahay ng lungsod na itinayo sa pagliko ng dalawang panahon. Ang gusali ay nakatayo sa isang makitid, hindi regular na kapirasong lupa, tipikal ng isang medieval na lungsod. Sa ibabang palapag ay may isang loggia na nakaharap sa kalye, na maaaring magsilbi bilang isang bangko. Mula sa patyo, ang mga hagdan ay humahantong sa mga palapag kung saan matatagpuan ang mga tirahan - maluwag at pinalamutian nang sagana, ngunit magulo ang kinalalagyan, tulad ng sa isang medieval na kastilyo. Mula sa labas ng gusali ay simetriko. Ang mga friezes at console na sumusuporta sa mga ceiling beam ay hiniram mula sa klasikal na arkitektura; ngunit ang mga lead window frame at parang tapestry na wall painting ay bumalik sa Middle Ages. Kahit na may mga kasangkapan, ang mga silid ay tila walang laman, at ang medieval asceticism ay kapansin-pansin pa rin.

Tinatayang kronolohikal na balangkas panahon: simula ng XIV - huling quarter XVI siglo at sa ilang mga kaso - ang unang mga dekada ng ika-17 siglo (halimbawa, sa England at, lalo na, sa Espanya). May interes sa sinaunang kultura, mayroong, kumbaga, ang "muling pagsilang" nito - kung paano lumitaw ang termino. Hinati ng mga mananalaysay ang Renaissance sa tatlong panahon:maaga, mataas, mamaya Historians lumang paaralan i-highlight ang matagumpay na panahon ng "High Renaissance", na nagtatapos sa pagtanggi. Itinuturing ng mga modernong siyentipiko na ang bawat panahon ay karapat-dapat sa pag-aaral at paghanga: mula sa matapang na eksperimento hanggang sa isang yugto ng pag-unlad hanggang sa isang huling yugto na nailalarawan ng malaking kalayaan at pagiging kumplikado.

Renaissance sa France

Noong 1515, si Francis I (1515-1547), sa imbitasyon ng papa, ay gumugol ng apat na araw sa Vatican, kung saan maaaring humanga siya sa sining ng High Renaissance. Inimbitahan ni Francis si Leonardo da Vinci na pumunta sa France, na natupad noong 1516. Si Leonardo ay nanirahan sa paligid ng Amboise, kung saan siya nanirahan hanggang sa kanyang kamatayan noong 1519. Ang pakpak ng Francis sa kastilyo ng Blois (1515-1519) kasama ang sikat nito Ang hagdanan ay may tatlong palapag, na pinalamutian ng mga pilaster at pandekorasyon na elemento na hiniram mula sa mga patyo ng mga palasyo ng Florentine. Ang bubong na may mga tubo at dormer na bintana ay ginawa sa istilong tipikal ng France.

Ang pinakakahanga-hanga sa mga unang kastilyo ng Renaissance ay ang malaking palasyo ng Chambord (1519). Ang mga bilog na medieval na tore, moats, at matataas na bubong ay pinagsama sa isang simetriko na layout at mga elemento ng pagkakasunud-sunod. Ang iba't ibang mga chimney, turrets, domes at dormer ay nagpapaalala Italian Renaissance. Sa Chateau de Chambord, ang lobby ay idinisenyo sa anyo ng isang Greek cross. Ang two-flight spiral staircase sa gitna ng lobby ay ang core ng buong komposisyon. Dahil nakatira si Leonardo da Vinci malapit sa Amboise, pinaniniwalaan na ang hagdanan ay nilikha batay sa mga sketch na natagpuan sa kanyang mga notebook. Ang mga tirahan ay puro sa mga sulok ng parisukat, ang mga karagdagang silid, hagdanan at koridor ay matatagpuan sa mga sulok na tore, na ginagawang parang isang malaking labirint ang gusali. Ang mga silid ay mukhang hubad. Noong mga panahong iyon, ang mga muwebles ay inilipat kasama ang royal court sa Paris at pabalik. Ito ay pinaniniwalaan na ang plano para sa kastilyo ay dinisenyo ni Domenico da Cortona (d. 1549), isang estudyante ni Giuliano da Sangallo, na bumisita sa France noong 1495 (si Sangallo ay bumalik sa Italya, habang si Domenico ay nanatili sa France). Ang Pranses na arkitekto na si Pierre Iepvo ay gumanap din ng isang mahalagang papel, ngunit kung siya ang may-akda ng proyekto o isang simpleng mason na nagtatrabaho sa ilalim ng pangangasiwa ng iba pang mga manggagawa ay hindi malinaw.

Ang maliit na kastilyo ng Azay-le-Rideau sa Loire Valley (1518-1527) ay ang paglikha ng mga hindi kilalang arkitekto. Ang gusali sa hugis ng Latin na letrang B, isang moat na may tubig at isang lawa ay bumubuo ng isang kaakit-akit na grupo. Ang mga corner tower at moat ay nakapagpapaalaala sa Middle Ages, ngunit ang likurang harapan, na nakaharap sa moat, ay ganap na simetriko, at ang mga pilasters at friezes ay ginawa sa istilong Renaissance. Ang pangunahing hagdanan ay matatagpuan sa gitna ng pangunahing dami. Isang kakaibang pasukan ang nagmamarka sa lokasyon nito sa labas. Asymmetrical ang facade ng gusali. Sa kabutihang palad, ang mga interior ng Azay-Rideau ay mahusay na napanatili. Nagsisimula ang isang suite ng mga kuwarto mula sa pangunahing hagdanan. Ang mga kahoy na beam ng kisame ay nakalantad, ang mga dingding ay natatakpan ng tela, ang mga malalaking fireplace ay marahil ay gawa ng isang Italyano na master. Ang mga bintana ay naka-recess sa kapal ng mga pader na bato. Dahil ang mga silid ay walang anumang espesyal na layunin, halimbawa, isang kama ay maaaring ilagay sa alinman sa mga ito. Bukod dito, ang bawat silid ay pinalamutian ng isang tiyak na scheme ng kulay.

Brunelleschi

Ang Maagang Renaissance sa Italya ay ang panahon mula humigit-kumulang 1400 hanggang sa katapusan ng ika-15 siglo. Ang unang makabuluhang pigura ay si Filippo Brunelleschi (1377-1446), isang panday-ginto sa Florentine na kalaunan ay naging isang iskultor, geometer at arkitekto. Siya ay isang halimbawa ng isang "Renaissance man." Ang pagkakaroon ng bahagi sa isang kumpetisyon para sa mga disenyo para sa simboryo ng Florence Cathedral, si Brunelleschi ay iminungkahi na magtayo ng isang malaking simboryo na walang mga buttress at walang mga bilog na gawa sa kahoy (sa huling kaso, ito ay kinakailangan upang magtayo ng mamahaling plantsa, na sa kanyang sarili ay isang napakalaking istraktura ng engineering). Noong 1420, sinimulan ni Brunelleschi ang pagtatayo ng engrandeng simboryo, na nasa ibabaw pa rin ng Florence.

Ang dome ni Brunelleschi ay naiiba sa mga Roman domes sa matulis na hugis nito, na akmang-akma sa Gothic cathedral. Ang pagtatayo ng isang simboryo na walang mga panlabas na buttress ay nangangailangan ng panimula ng mga bagong teknolohikal na solusyon. Matatagpuan ang mga tadyang bato sa mga sulok ng octagon, kasama ang dalawang karagdagang tadyang sa bawat gilid ng simboryo. Ang buong espasyo ng katedral ay ginamit sa proseso ng pagtatayo. Ang mga malalaking koneksyon na gawa sa bato, bakal at kahoy ay hindi nakikita, na nag-uugnay sa simboryo sa "mga singsing ng pag-igting" at pinalamig ang tulak, sapat na upang sirain ang buong istraktura. Mayroong isang bilog na bintana sa tuktok ng simboryo. Ang parol ng simboryo, na talagang isang maliit na gusali sa bubong, ay itinayo pagkatapos ng kamatayan ni Brunelleschi, ngunit nasa kanyang istilo at ito lamang ang bahagi ng simboryo na mahigpit na klasikal sa istilo.

Kahit na ang napakalaking simboryo ay ang pinakakahanga-hangang istraktura ng Brunelleschi, ang iba pang mga disenyo ay sumasalamin sa kanyang konsepto ng panloob na disenyo nang mas ganap. Sa mga simbahang Florentine ng San Lorenzo (nagsimula noong c. 1420) at Santo Spirito (nagsimula noong 1435), sinubukan ni Brunelleschi na gawing bago ang basilica gamit ang transept, choir at side naves. Ang plano ng bawat simbahan ay nahahati sa mga parisukat, ang isang parisukat ay isang module para sa buong istraktura sa kabuuan. Ang gitnang nave ay pinaghihiwalay mula sa gilid nave sa pamamagitan ng Roman arches suportado ng Corinthian columns. Ang gilid nave ay natatakpan ng mga vault. Sa mga gusaling Romano, ang arko ay hindi direktang nakasalalay sa haligi, ngunit sa entablature. Sa Brunelleschi nakikita natin ang parehong bagay: ang mga haligi ay laging nagtatapos sa isang fragment ng isang entablature, isang parisukat na slab, na kung minsan ay tinatawag na isang impost.

Ang pinakaunang gawain ni Brunelleschi sa Simbahan ng San Lorenzo ay ang maliit na Sacristy (kilala bilang Old Sacristy, mayroon ding New Sacristy ni Michelangelo, karaniwang tinatawag na Medici Chapel). Ito ay isang parisukat na silid, na may simboryo sa mga layag. Kumokonekta ito sa isang mas maliit na silid kung saan matatagpuan ang altar (ang tinatawag na scarcella).

Ang maliit na Pazzi Chapel sa patyo ng Church of Santa Croce sa Florence (1429-1461) ay karaniwang itinuturing na gawa ni Brunelleschi, kahit na hindi tiyak na itinatag kung ano ang kanyang kontribusyon sa pagtatayo ng kapilya, na natapos. pagkatapos ng kamatayan ng arkitekto, ngunit ito ay sa maraming paraan nakapagpapaalaala sa Sakristiya sa Simbahan ng St. -Lorenzo. Ito ay madalas na itinuturing na unang istraktura ng Early Renaissance, na nailalarawan sa pamamagitan ng simetrya at mga klasikal na elemento kasama ang pagiging sopistikado at pagbabago. Ang parisukat na espasyo ay natatakpan ng simboryo sa mga layag; Ang parisukat na scarcella kasama ang simboryo nito ay nagbabalanse sa plano. Ang kapilya ay itinayo bilang isang monastic chapter hall sa loob ay mayroon pa ring mga bangko na nakapalibot sa perimeter ng silid, na inilaan para sa mga monghe na nakikibahagi sa mga pagpupulong. Ang mga dingding ay pinalamutian ng mga pilaster na gawa sa gray-green na marmol sa itaas na bahagi ng mga dingding ay may mga bilog na niches na may mga relief ni Luca della Robbia (1400-1482). Ang silid ay tila maliit, ngunit sa katunayan ito ay may kahanga-hangang laki. Ito ay maaaring dahil sa hindi ganap na wastong paggamit ng mga klasikal na elemento.

Michelozzo

Ang Palazzo Medici-Riccardi sa Florence (nagsimula noong 1444), na idinisenyo ni Michelozzo di Bartolommeo (1396-1472), na may mga rusticated na pader at maliliit na bintana, ay kahawig ng isang medieval na kastilyo, ngunit ang simetriko na plano at mga elemento ng pagkakasunud-sunod ay nagpapahiwatig ng estilo ng Early Renaissance. Ang gitnang pasukan ay humahantong sa isang maliit na square courtyard na may access sa hardin. Labindalawang hanay ng orden ng Corinto ang sumusuporta sa mga arko, na bumubuo ng isang bukas na gallery. Ang mga arko ay direktang nakasalalay sa mga kapital ng mga haligi, na hindi nakakaakit na kumokonekta sa mga sulok, na nagpapahiwatig na ang arkitekto ay walang sapat na kaalaman sa mga batas ng klasikal na arkitektura. Ang mga interior ay simple at hindi pinalamutian, maliban sa mga kahanga-hangang coffered ceilings, door frames at mantelpieces sa klasikal na istilo. Posible na ang mga tapiserya ay nakabitin sa mga pangunahing silid at nagsilbi bilang dekorasyon sa parehong oras. Ang kapilya ay naglalaman ng mga fresco ni Benozzo Gozzoli (1420-1497), na naglalarawan sa "Adoration of the Magi" - isang linya ng mga taong magagarang bihis na gumagalaw sa maburol na lupain. Ang fresco ay kahawig ng tapiserya. Sa kasunod na muling pagtatayo (1680), ang simetrya ay napanatili, bagaman ang orihinal na simetrya ay nananatili lamang sa kaliwang bahagi. Ang patyo ng palazzo ay isang halimbawa ng arkitektura ng Early Renaissance: ang mga kalahating bilog na arko ay nakasalalay sa manipis na mga haligi ng pagkakasunud-sunod ng Corinthian, ang plano ay mahigpit na simetriko.

Alberti

Si Leon Battista Alberti (1404-1472) ay isang scientist, musikero, artist, art theorist at manunulat. Ang kanyang aklat na De Re Aedificatoria (Sa Gusali), na inilathala noong 1485, ay ang unang pangunahing gawain sa arkitektura mula noong Vitruvius. Ang libro ay nagkaroon malaking impluwensya sa arkitektura ng Italyano. Binabalangkas ng teksto ang mga tuntunin ng mga klasikal na order. Tulad ng sa musika, ang mga prime ratio na 2:3, 3:4 at 3:5 (ang dalas ng vibration na tumutugma sa musical chords) ay maaaring matagumpay na mailapat sa arkitektura.

Ang Simbahan ng Sant'Andrea sa Mantua (nagsimula noong 1471) ay ang pinakamahalagang gawain ni Alberti, na may malaking impluwensya sa arkitektura ng ika-16 na siglo. Ang plano ng simbahan ay cruciform, isang simboryo ay tumataas sa itaas ng gitnang krus, ang gitnang nave, transept at altar ay natatakpan ng mga barrel vault na may mga caisson. Walang mga side naves; sa halip na mga ito, malaki at maliliit na kapilya ang ginawa. Hiwalay nakatayong mga haligi pinalitan ng malalakas na pylon na may mga pilaster. Ang marangyang dekorasyon ng interior ay lumitaw pagkatapos ng kamatayan ni Alberti ang karaniwang simple at marilag na arkitektura ay nagpapatotoo sa impluwensya ng arkitektura ng Romano, lalo na ang mga imperyal na paliguan, sa arkitekto.