Foto de Viktor Bazhenov
	Alena Karas. . Uma peça de Eugene Ionesco foi encenada na Oficina Pyotr Fomenko ( RG, 07/03/2006). Alexandre Sokolyansky. .). “Oficina P.N. Fomenko" lançou "Rhinoceros" de Ionesco ( Hora das Notícias, 07/03/2006). Gleb Sitkovsky. . A Oficina P. Fomenko encenou uma peça de Eugene Ionesco ( Jornal, 07/03/2006, 07.03.2006 ). Olga Egoshina. . Há uma invasão de rinocerontes no teatro Moscou ( Novas notícias). Marina Davidova. "Rinoceronte" de Eugene Ionesco ( Izvestia, 03/06/2006). Oleg Zintsov. . A oficina de P. Fomenko conhece bem o absurdo moderado ( Vedomosti, 10/03/2006). Maya Stravinskaia. ( Kommersant, 10/03/2006). Marina Zayonts. . Ivan Popovski encenou "Rhinoceros" de Eugene Ionesco no "Pyotr Fomenko Workshop" Resultados, 13/03/2006).

Grigory Zaslavsky. . Ivan Popovski encenou o drama de Eugene Ionesco no Pyotr Fomenko Workshop (

NG, 15/03/2006

Rinoceronte. Oficina de P. Fomenko. Pressione sobre o desempenho

RG, 7 de março de 2006

Alena Karas

Vírus influenza rinoceronte

No final do ano, no teatro "At the Nikitsky Gate", o seu diretor Mark Rozovsky encenou "Rhinoceros" de Ionesco, uma parábola filosófica sobre o fascismo, a estupidez das massas e a liberdade pessoal. Seguindo-o, "Lenkom" e Alexander Morfov apresentaram a estreia da peça baseada no romance cult de Ken Kesey "One Flew Over the Cuckoo's Nest" e a chamaram de "Eclipse", definindo seu tema como o eclipse da mente, que desprezava liberdade, sucumbindo à “norma”, mediunidade, poder anônimo, trabalhadores de colarinho branco. Morfov e Abdulov contaram uma história simples e pouco heróica sobre aqueles que estão mortalmente cansados, que, numa série de ganhos e derrotas, jogaram o suficiente e não sabem mais o que querer. Sobre aqueles em quem não resta desejo de revoluções e motins, mas apenas o mais simples e elementar senso de justiça e desprezo pela violência. Sobre aqueles que se esqueceram descuidadamente que seus avós já haviam passado por tal história e, quando se lembraram, já era tarde.

Agora mesmo - com uma diferença de duas semanas - Yuri Pogrebnichko no teatro Okolo contou a história do suicídio de Kirillov em "Demônios" ("Estudante Russo..."), e Kama Ginkas apresentou suas fantasias sobre os temas "Lenda do Grande Inquisidor" de "Irmãos Karamazov" ("Poema Ridículo"). Tanto ali como ali - a ideia de liberdade, de que não é um fetiche ideológico barato, mas uma difícil tarefa espiritual para um adulto.

Em todas estas performances, a severidade da expressão pública é quase crítica. Seus diretores, de uma forma ou de outra, sobreviveram ao degelo, depois a novos resfriados e a novos aquecimentos. Mas era difícil imaginar que Ivan Popovsky, desde a época da famosa “Aventura”, fosse um “esteta” incondicional, um “especialista” no teatro poético dos simbolistas russos, autor de óperas sutis, apresentações musicais

, também dirigirá a longa parábola filosófica e social de Eugene Ionesco. Que ele também descobrirá sua atual atualidade.

No papel de Ivan Popovsky Beranger é interpretado por Kirill Pirogov, o principal neurastênico da trupe Fomenkov. Tendo começado a peça como um sujeito alegre e despreocupado a partir de uma farsa excêntrica-fantástica sobre o tema de transformar pessoas em rinocerontes, seu Beranger adquire entonações completamente diferentes no final - um herói romântico solitário e um intelectual atormentado pela reflexão. Variações de drama heróico, romântico, existencial e psicológico acontecem uma após a outra ao longo de todo o segundo ato.

Sua amada Daisy se torna sua parceira digna, temperamental e heróica (Natalia Vdovina foi especialmente convidada para este papel do Satyricon, onde há muito tempo não interpretava nada dessa magnitude). Até o último minuto ela se comporta como uma personagem heróico-romântica.

O espaço de fachadas brancas e céu sem nuvens se estreita em duas paredes nas quais estão trancados Beranger-Pirogov e Daisy-Vdovina.

As últimas pessoas da matilha dos rinocerontes estão prontas para suportar a solidão e a sanidade até o fim. Mas agora Daisy foi derrotada e, envolvida numa epidemia de gripe aviária - desculpe-me - rinoceronte, corre para “o seu próprio povo”, deixando Bérenger a lamentar-se da sua lentidão.

“É tarde demais, eu deveria ter pensado antes!” - exclama ele, enquanto um rinoceronte nada majestosamente por suas paredes, como uma divindade. (A propósito, a peça de Popovski se chama “Rinoceronte”, singular). Assim como Mac Murphy em Lenkom, ele não aceitou organicamente o “vírus”, não teve tempo de se infectar, insistindo em sua aparência humana, ou seja, individual, não em massa.

O programa cita Ionesco dizendo: “Fui criticado por esta peça [...] Porque não ofereci uma saída. Mas não precisei de mostrar porque é que a mutação é possível. na consciência coletiva e como isso acontece eu simplesmente descrevi - fenomenologicamente - o processo de renascimento coletivo."

Popovski realiza precisamente esta fenomenologia em sua nova performance.

Vremya Novostei, 7 de março de 2006

Alexandre Sokolyansky Bactéria rinocerite“Oficina P.N. Fomenko" lançou "Rhinoceros" de Ionesco

O papel do personagem principal, o bêbado Beranger, a única pessoa que não se tornou rinoceronte, é interpretado por Kirill Pirogov.

Ele não precisa explicar nada sobre a honra e a dignidade do individualismo frágil e fraco, ele mesmo sabe tudo; Ótimo e inteligente ator. Eles trabalharam bem junto com Ivan Popovski em “A Túnica Envenenada” (2002), e foi uma atuação muito boa. O que poderia dar errado agora?

Aparentemente, as tarefas erradas foram definidas. Vamos tentar entendê-los.

A performance começa com três pessoas idênticas (não-humanas) atravessando lentamente o palco, da esquerda para a direita, como se fossem pintadas por René Magritte, irmão mais velho de Eugene Ionesco, o mestre belga do “realismo mágico”. Ternos formais, chapéus-coco, sob os chapéus-coco há rostos (não-rostos) envoltos em pano branco. Já está claro: se Magritte der o tom, então no “Rinoceronte” de Popovsky não haverá politização, nem denúncias, mas isso está correto! O próprio Ionesco não se cansou de repetir que o seu “Rinoceros” não é fascista, nem comunista e nem apoiante das ideias Juche, mas todos ao mesmo tempo, incluindo o actual membro da Rússia Unida, e não se trata de política: “Rinoceros é um homem de ideias prontas. Na peça eu só queria falar sobre contaminação ideológica.” A doença rinocerite, ou seja, “rinocerite”, é muito diversa, e as bactérias da rinocerite já se enraizaram em todos os corpos humanos, como o bacilo de Koch.

É muito interessante, e também importante, estudar a natureza da doença em

visão geral

, sem se distrair com casos clínicos particulares.

No papel, tudo ainda parece correto e tranquilo, mas no palco começam as inconsistências.

O teatro de “fomenki”, tocando em ritmo lento, sempre foi um teatro de incrível sofisticação espiritual, profundo e iridescente. Fazia sentido olhar atentamente para a atuação no palco. Eu queria admirá-la;

O ator principal poderia saturar a atuação com ansiedade, sofrimento real e profunda seriedade, mas isso, ao que parece, não está exatamente ao alcance de Kirill Pirogov.

Ele capta perfeitamente a textura: o nervosismo e a frouxidão de Bérenger são tão bons quanto a destruição estilizada de Imr em “Tunica” foi boa, mas é aqui, em geral, que terminam os méritos de sua peça. Pode-se supor que tocar em dueto ou trio (em geral em combinação) é mais conveniente e correto para ele do que tocar sozinho; que graças a esta propriedade de atuação muito orgânica, ele se juntou a ela com facilidade e alegria em 1993. As melhores atuações da “Oficina”, do “Grau Vladimir III” às “Três Irmãs”, sempre foram policêntricas: o ar nelas ressoava com conexões complexas e intrincadamente tecidas entre personagens iguais. Drama em que há apenas um herói, rodeado por “todos os outros” (este é “Hamlet” e “Édipo Rei”, e quase todo o teatro

era romântica

), os alunos de Fomenko de alguma forma não se saem muito bem. Lembremos: nem “Chichikov” com Yuri Stepanov, nem “A Month in the Country” com Galina Tyunina se tornaram sucessos significativos. “Aventura”, dirigida por Ivan Popovski há quinze anos, foi mais que sorte. Foi uma obra-prima, mas ao mesmo tempo “todos os outros” e “todo o resto” eram muito mais interessantes e importantes na peça do que a figura central do Casanova de Tsvetaevsky. Os atuais "Jourdain-Jourdain" e "Rhinoceros" são, obviamente, o teatro de um herói. As conclusões são óbvias.

Jornal, 7 de março de 2006

Gleb Sitkovsky

Somos todos pequenos rinocerontes

Uma peça de Eugene Ionesco foi encenada na Oficina de P. Fomenko O macedônio Ivan Popovski é dono de si para os Fomenki, e o público moscovita está convencido de seu talento como diretor desde aqueles tempos gloriosos quando, em seu terceiro ano no GITIS, em 1991, encenou “Aventura” de Tsvetaev com os alunos de Pyotr Fomenko. . sem rostos, como se tivessem acabado de sair das pinturas de Malevich; às vezes, olhando para o cenário (cenografia de Angelina Atlagic), você pode pensar no surrealista Magritte, e no segundo ato uma projeção de vídeo do rinoceronte blindado de Durer flutua no cenário.

Ionesco disse em 1959 que cada um de nós tem seu próprio rinoceronte, pronto para saltar na oportunidade certa e rugir rumo à liberdade nos pampas. Na maioria das vezes, os diretores consideravam sua peça uma lembrança do fascismo, com a qual o próprio dramaturgo não gostou nada. "Fomenki" para sociologismo vulgar

eles não os perseguiram, e a história deles é sobre algo completamente diferente - sobre quanto tempo uma pessoa sã e fraca pode resistir à insanidade coletiva.

Existem, no entanto, mais alguns episódios grotescos encantadores. Galina Tyunina, que desempenhou apenas alguns pequenos papéis aqui, em “Rhinoceros”, por exemplo, não é nada reconhecível. No início, usando uma peruca loira, ela interpretará uma dona de gato lânguida, e algumas cenas depois ela interpretará uma criatura completamente diferente, de pele muito mais grossa. A barriga larga Madame Beuf, interpretada por Galina Tyunina (a atriz, que antigamente respirava exclusivamente perfumes e névoas nas performances de Ivan Popovsky, colocava perfumes “grossos” sempre que possível e colocava meias de cinco centímetros de espessura nas panturrilhas ) avança, derrubando tudo em seu caminho, e fica claro que sua transformação em rinoceronte não está longe.

O grotesco primeiro ato é substituído por um segundo de câmara, onde, tendo como pano de fundo um rugido geral de rinoceronte, as três pessoas restantes conversam e a performance de repente se torna entediante. Acho que cortes radicais no texto só teriam beneficiado este “Rinoceronte”, mas o diretor não concordou com eles. Ah, em vão.

Novas notícias, 7 de março de 2006

Olga Egoshina

Exótico com chifres

No teatro Moscou há uma invasão de rinocerontes

A estreia da peça mais famosa de Eugene Ionesco, "Rinoceronte", aconteceu no teatro Pyotr Fomenko Workshop. Esta é a segunda produção desta peça na capital russa neste inverno. É verdade que, ao contrário da versão de Mark Rozovsky, que mostrava apenas o chifre do animal, o animal selvagem “Fomenki” apareceu no palco completamente como um animal real. É verdade que ele ficou nas patas traseiras.

Após o primeiro ato da peça de Ionesco, os visitantes do café argumentaram acaloradamente: “O rinoceronte asiático tem um chifre e o africano tem dois.

É preciso dizer que a peça de Ionesco foi levada mais do que a sério nos anos 60, e está sendo levada igualmente a sério com o seu inesperado retorno aos palcos (em três meses, duas produções de sua peça apareceram na capital). Quando o principal tratou Ionesco com mais respeito do que o experiente artista de vanguarda Mark Rozovsky, isso é compreensível. Mas o fato de o jovem Ivan Popovsky, que apresentou a performance no palco da Oficina Fomenko, tratar “Rinoceronte” com respeito e carinho, acabou sendo uma surpresa.

A cenógrafa Angelina Atlagic construiu até três estruturas volumosas giratórias e rolantes no palco que movem cuidadosamente os trabalhadores do palco com os rostos envoltos em gaze branca. Eles se transformam em uma praça de igreja com três casas elegantes, depois no escritório onde o herói trabalha ou no apartamento de Beranger. É preciso dizer que uma longa permanência em um espaço pequeno dificulta muito o domínio dos diretores de oficina em um espaço grande.

A performance é repleta de algum tipo de mobiliário, que os atores movimentam constantemente para frente e para trás, objetos desnecessários “para o entorno”, que sobrecarregam muito o ritmo já muito lento da performance.

Mas a parte “séria” da performance acabou sendo bastante chata. O diretor construiu detalhadamente todas as transformações em rinocerontes, mas quanto mais natural e fisiológico o processo acontecia, mais pouco convincente se tornava tudo o que acontecia no palco. O rugido e o gesso em ruínas não ajudavam mais. E mesmo um rinoceronte em tamanho natural que apareceu (embora andasse sobre as patas traseiras) não acrescentou qualquer credibilidade ao que estava acontecendo. Portanto, foi muito difícil para os atores carregarem a “linha dramática” da peça. Em primeiro lugar, Kirill Pirogov, que interpreta o tranquilo alcoólatra Beranger, que permaneceu a única pessoa no contexto do cataclismo geral. Mesmo esse ator sutil não conseguiu convencer o espectador da seriedade do perigo ou da necessidade de resistência.

Quase meio século desde o aparecimento da peça de Ionesco mostrou-nos que não devemos ter medo dos rinocerontes exóticos fictícios que ninguém nunca viu. Se há algo em que os seus concidadãos correm o risco de se transformar, é em cabras completamente nativas, das quais, por alguma razão, há cada vez mais pessoas por aí todos os anos. Infelizmente, ainda não foi encontrado Ionesco para descrever este interessante processo.

Izvestia, 6 de março de 2006

Marina Davidova

Chifre de rinoceronte está chegando

"Rinoceronte" de Eugene Ionesco apareceu na "Oficina de Pyotr Fomenko". Foi dirigido por Ivan Popovski, conhecido na Oficina e fora dela como o principal especialista em drama poético.

O famoso francês de origem romena escreveu peças enfadonhas na forma e simples na essência. Na peça "Rinoceronte", por exemplo, ele insiste veementemente na necessidade de manter a aparência humana numa situação em que todos ao seu redor decidiram perdê-la. Como se costuma dizer, você não pode contestar essa ideia.

Devo agradecer especialmente a Ivan Popovski: não há atualização barata em sua produção. Há também indícios da triste experiência do totalitarismo. A ação se passa em uma cidade provinciana francesa, como nos aparece em nossos sonhos. Aqui o céu é azul a azul, as árvores emolduram cuidadosamente a limpa Place de PEglise, intermináveis ​​​​canções francesas soam do “caixão com música” que fica bem na praça, e os habitantes da cidade elegantemente vestidos quase começam a dançar. Popovski sentiu-se atraído pela forma muito complexa com que Ionesco encerrava uma ideia simples.

Os queridos burgueses franceses, padeiros e senhoras sensíveis desta peça não perdem apenas a aparência humana. Eles estão enlouquecendo diante de nossos olhos. Havia um homem, ele se tornou um rinoceronte. Por que não uma transformação teatral?

O melhor da peça é a cena em que Jean (Oleg Niryan), amigo do personagem principal, primeiro chia, depois rosna, depois se despe até a indecência, depois, com a ajuda de um aquário e de plantas da casa, cria uma espécie de pântano em o apartamento e, rolando na lama, foge para a liberdade Mas e antes disso... ah, quantas oportunidades charmosas de demonstrar tudo o que os artistas da “Oficina” são dadas ao diretor pelo inventivo. absurdista. O pathos social de sua peça é tentador para ser submetido à sublimação teatral. O que vale a morte de um gato sob os cascos de um ungulado de dedos estranhos, encenado por Popovski, um verdadeiro esboço. a própria Galina Tyunina apareceria no palco no papel de dona do gato?

O palco é um lugar onde os milagres são possíveis. Este é o significado da filosofia teatral de Fomenko, adotada pelos seus alunos. Porém, a transformação aconteceu, o turbilhão acabou e de repente você entende claramente que não haverá mais magia. O Rinoceronte, a princípio pacificado, parte para a ofensiva. Ele esmaga com pathos, grita sobre o óbvio, arromba portas. Bons artistas são afogados numa nuvem de retórica que pouco transmite à mente e nada diz ao coração. Você olha e secretamente espera: e se o persistente Beranger finalmente parar de querer ser homem e começar a se transformar. Eu gostaria de poder descobrir como Kirill Pirogov consegue gritar como um rinoceronte...

Vedomosti, 10 de março de 2006

Oleg Zintsov

Rinocerontes são perturbadores

A aparição de “Rinoceronte” na Oficina de P. Fomenko pode surpreender. A última coisa que se espera deste teatro são declarações sociais - e a peça de Eugene Ionesco, não importa como você a diga, é um diagnóstico. O desempenho como tal é menos surpreendente.

Aliás, a coincidência com os modismos teatrais de Moscou também não está nas regras do Workshop. E “Rhinoceros” é claramente um agravamento sazonal: não faz muito tempo, este texto foi encenado no Nikitsky Gate Theatre por Mark Rozovsky. Também não é inteiramente apropriado que a estreia tenha sido lançada pelo diretor Ivan Popovski. Talvez ele estivesse cansado de ser conhecido como um esteta e um mestre do teatro poético, mas em “Rhinoceros” seu requintado estilo de direção parece uma caligrafia comum.

“Rinoceronte” é uma peça de uma ideia: o dramaturgo apresenta-nos uma matriz, mecanismo e tipos de transmissão de infecção social que podem ser especificados (fascismo, comunismo, etc.), mas Ivan Popovski, seguindo Ionesco, entende bem que isso não deve ser feito - o esquema É melhor continuar sendo um esquema; as dicas reais são inúteis.

As alusões culturais são mais apropriadas. Por exemplo, o pessoal de Magritte com chapéus-coco e sem rosto, aparecendo logo no início da performance para ecoar imediatamente a paisagem estilizada de “querida ao coração da França” com um rugido de rinoceronte com uma pequena praça e casas elegantes tendo como pano de fundo um céu anormalmente azul (cenógrafa Angelina Atlagic).

O desfile dos personagens da peça que se seguiu teria sido encantador se não fosse o ritmo do diretor: subindo ao palco para jogar uma moeda na jukebox, os atores atuam como se todos ainda nos restasse a eternidade.

Pela abertura deste diretor é claramente visível que o maestro estava sentado ao piano. Mas quanto mais a apresentação se prolonga, mais forte fica a suspeita de que ele já disse tudo com a abertura. Uma imagem serena e um fundo sonoro perturbador são uma ilustração impecável à qual Ivan Popovski não tem mais nada a acrescentar.

As três horas e meia restantes são enfadonhas, não porque algo seja encenado ou interpretado de maneira errada, mas simplesmente porque o diretor eleva pedantemente a estranheza original e completamente autossuficiente à categoria de repetição monótona e mecanicista.

Isso é muito bom no sentido de analisar o texto de Ionesco - a performance nos apresenta exatamente o mundo que é descrito pelas mentalidades do lógico (Karen Badalov): “Todos os gatos são mortais, Sócrates é mortal, portanto, Sócrates é um gato”.

O problema é que com uma compreensão tão sutil da essência do assunto, toda surpresa é inadvertidamente subtraída da ação teatral: a bidimensionalidade dos personagens de Ionesco é regularmente transferida para o palco, e já 15 minutos após o início não temos motivo para ficar surpreso.

Simplificando, não há mais nada para tocar e não há necessidade de jogar e, portanto, a performance começa a se assemelhar à prova de um axioma.

Você pode, claro, fazer uma piada transformando a nobre Galina Tyunina em uma gorda cômica e forçando-a a correr pelo palco de cueca - mas essa é uma diversão à parte e, em geral, bastante específica. Você pode rolar na lama e nas algas, como Jean, personagem de Oleg Niryan, que se transforma em rinoceronte na frente de seu amigo Beranger (Kirill Pirogov), mas não esperávamos mais nada dele.

Dado este estado de coisas, é completamente normal que quase não haja desenvolvimento no papel principal - Kirill Pirogov interpreta Beranger do início ao fim como um bêbado charmoso e sem escrúpulos, que tenta ao máximo abrir os olhos e compreender o seu lugar. a paisagem, mas não pode fazer isso, graças à qual e permanece humano. Esta, novamente, é uma interpretação bastante apropriada, mas claramente não é uma interpretação que necessariamente valha a pena beber.

Kommersant, 10 de março de 2006

Resistência ao rinoceronte

Primeiro, atores fantasiados no estilo dos anos 1950, com a naturalidade característica de Fomenkovsky, tocam músicas francesas em uma jukebox, dançam e brincam nas mesas do bistrô.

Parece que Ivan Popovsky recorda o contexto da criação do “Rinoceronte” na França do pós-guerra, ainda envergonhado pela facilidade com que se rendeu ao fascismo, não tanto ao seu exército como à sua ordem mental. Misteriosos paquidermes aparecem na cidade, para os quais todos os moradores gradualmente e com crescente disposição se voltam - isso foi justamente visto como uma metáfora para o nascimento do fascismo, uma sociedade totalitária. Mas o realizador evita imediata e demonstrativamente quaisquer alusões políticas, justificando-se com uma citação de Ionesco impressa no programa: “Eu estava simplesmente descrevendo – fenomenologicamente – o processo de renascimento coletivo”.

A canção francesa silencia quando três homens de terno preto e chapéu-coco, com os rostos envoltos em tecido, aparecem no palco como se saíssem diretamente das pinturas de Magritte. Eles rugem nos microfones como os xamãs Buryat. Esta é a última concessão do diretor ao público - depois de dois rinocerontes correrem pela cidade, ou talvez um com um ou dois chifres, africanos ou indonésios, o jogo da França dos anos 50 dá em nada e dá lugar a uma imersão concentrada nos diálogos absurdos dos personagens de Ionesco.

Os moradores da cidade se rendem aos paquidermes, primeiro por desesperança - o rinoceronte se espalha como uma doença, depois se juntam à maioria por solidão. Os últimos solitários são salvos pelo amor, assim como Bérenger e sua namorada Daisy tentam se salvar. Mas logo ela também sucumbe ao encanto do poder animal. Quando o amigo começa, obediente ao instinto geral, a correr em círculos, como um cavalo treinado na arena, Beranger desiste. Ele se pergunta como não percebeu antes que os rinocerontes são lindos. Mas mesmo a rendição não pode transformá-lo em um rinoceronte, por mais que procure o crescimento em sua testa.

Para Ionesco, o pobre Beranger era exemplo de um homem, alheio a qualquer ordem, seja ela natural ou pervertida.

Ivan Popovski faz dele um lutador quase romântico contra a estupidez geral, contra a consciência de massa, quando o deixa sozinho no palco, e inscrições verdes rastejam atrás dele: “rinocerontes, rinocerontes, rinocerontes”.

Surpreendentemente, este personagem dos anos cinquenta franceses e dos anos setenta soviéticos, para quem o principal não é a vitória, mas a não participação, revela-se absolutamente moderno. Somente uma pessoa autista de caráter fraco é a única capaz de resistir à infecção geral.

É uma pena que este pensamento simples tenha sido expresso com tanto pathos.

Resultados, 13 de março de 2006

Marina Zayonts

Ionesco escreveu esta peça em 1958, a memória do fascismo (ou do regime stalinista, bem como de qualquer outro regime totalitário) era, como dizem, fresca, e o autor descreveu de maneira temperamental, maligna e apaixonada o processo de degeneração em massa. Ele queria mostrar como as pessoas perdem fácil e terrivelmente sua aparência humana, tornando-se rinocerontes, fascistas e assim por diante - aqui cada um é livre para imaginar a sua própria. Ivan Popovski, como já foi mencionado, adora teatro poético, por isso privou esta peça ideológica da inequívoca, preenchendo-a com detalhes fofos e detalhes que lhe eram caros (e já familiares neste teatro).

Tive uma ideia, mas não fiz muito. Foram tantos detalhes, vinhetas e pausas psicológicas (a peça dura 3 horas e 40 minutos, e isso definitivamente é em seu detrimento) que o pensamento do autor quase se afogou em toda essa diversidade colorida.

Na peça de Ionesco, todos se transformavam em rinocerontes, exceto uma pessoa, o bêbado descuidado Beranger. Ele poderia querer ser como todo mundo, mas não deu certo para ele. Esses cidadãos irresponsáveis ​​nunca conseguem acompanhar a moda. Na Internet, no fórum “Workshop”, um dos espectadores escreveu que o herói desta peça o lembra o dramaturgo Alexander Volodin. A associação é surpreendentemente precisa, mas, claro, não é a única. Kirill Pirogov joga Beranger geralmente bem, ele joga corretamente, mas não muito. Não quero comparar seu herói com ninguém.

NG, 15 de março de 2006

Grigory Zaslavsky

Rinocerontes estão entre nós

Ivan Popovski encenou o drama de Eugene Ionesco no Pyotr Fomenko Workshop

Na estreia, que aconteceu domingo no Centro.

Meyerhold, um crítico relembrou a diversão de sua infância: após torcer o braço ou causar alguma outra dor, os agressores exigiam que a vítima gritasse a plenos pulmões: “Estou dando à luz um rinoceronte, estou dando à luz um rinoceronte!" Na peça de Ionesco, os rinocerontes não nascem - os rinocerontes são feitos. Essa transformação é quase indolor. E isso é percebido como felicidade. Eu mesmo aparência

as cenas e conversas despreocupadas dos personagens não são um bom presságio. Fachadas brancas e recém-lavadas, ternos e vestidos elegantes combinam bem com figuras jovens em boa forma (cenografia e figurinos de Angelina Atlagic). O grito, ou melhor, o rugido de um rinoceronte, parece um absurdo, ou melhor, mais simplesmente, uma fantasia absurda. Mas não. O trabalho pacífico dos trabalhadores de escritório é interrompido pela notícia da terrível transformação de um colega e, um momento depois, o pânico toma conta de todos. O início parece uma piada, uma farsa, mas depois de um momento há um mergulho acentuado no conjunto de questões filosóficas e existencialistas sobre a liberdade, sobre o significado da liberdade, sobre a sociedade e o indivíduo.

As pessoas se transformam em rinocerontes. No início, um por um, depois o ataque se espalha. Além disso - novamente a princípio - tanto aqueles que transformam quanto aqueles por quem esta taça já passou, experimentam dolorosamente as transformações que ocorrem. Com medo, pigarreando, ouvem os processos que ocorrem no corpo, com medo da rouquidão na voz ou do aparecimento de um caroço na testa.

Vale lembrar que um dos primeiros “Rinocerontes” (geralmente o nome da peça de Ionesco é traduzido no plural) foi dirigido por Jean-Louis Barrault, sua atuação foi antiguerra, antifascista, pois saiu quente em os calcanhares da guerra que acabou de terminar. O próprio Barrault interpretou Bérenger, e era uma história sobre a maldade da capitulação, sobre um tema que talvez fosse especialmente doloroso para os franceses.

Não é coincidência, claro, que Popovski escolha um único rinoceronte entre muitos.

Sua atuação é sobre Beranger (Kirill Pirogov), que não se conecta com os outros, o indivíduo humano com a multidão humana. Sobre o fato de que uma pessoa não é de forma alguma igual à sociedade, e seu valor humano está apenas fora desta mesma sociedade. E não importa que tipo de sociedade seja - de consumo ou de igualdade de oportunidades, totalitária ou democrática... O fascismo não ama “não como todo mundo”?! Você ama a democracia? Acontece muito

conflito romântico

(no sentido de que migrou da era do romantismo para os nossos tempos “práticos”), semelhante ao que Popovsky estava tão cativado antes - nos dramas poéticos de Tsvetaeva ou Bryusov.

No final, Beranger parece estar pronto para experimentar as dores dolorosas e ao mesmo tempo alegres do renascimento, mas não consegue. Esta é a tragédia do não encerramento.

“Rinoceronte” é uma história em que, claro, o protagonista Bérenger está em primeiro plano, mas ao mesmo tempo Popovsky conseguiu distribuir até pequenos papéis entre os melhores atores da “Oficina...”. Várias participações de Galina Tyunina ou Karen Badalov custam caro, e, claro, deve-se destacar a aparição na peça “Workshop...” de Natalia Vdovina, convidada do Satyricon, que recebeu um papel igual em escala aos papéis que ela uma vez tocou no palco do Satyricon para Juliet e Stela de The Magnificent Cuckold. Daisy, sua heroína, não aguenta, foge para o “seu povo”, para o “nosso”, e nesse exato momento Bérenger percebe que estava atrasado para esse trem.

Vale a pena notar: o teatro hoje, inesperadamente, ao que parece, até por si mesmo, voltou à seriedade “primitiva”. Ao contrário da moda, ele começa a falar no palco sobre assuntos complexos – sobre liberdade, sobre o direito à diferença individual, sem medo de parecer chato ou ultrapassado.

Curso de palestras

Fitzgerald foi um dos primeiros na literatura americana a abordar o tema do colapso do “Sonho Americano”.

O crítico literário americano M. Cowley descreveu com muita precisão a técnica de Fitzgerald "visão dupla" Como traço característico este artista das palavras. “Ele desenvolveu uma visão dupla. Ele nunca se cansou de admirar o ouropel dourado da vida em Princeton, na Riviera, na costa norte de Long Island e nos estúdios de Hollywood; ele envolveu seus heróis em uma névoa de adoração, mas ele mesmo dissipou essa névoa.” A perda das ilusões e o choque com a realidade que se transforma em tragédia é descrito em romances, contos e no ensaio “The Crash” (1936), onde diz que em primeiros anos Na minha vida adulta, vi “como coisas incríveis, implausíveis e às vezes impensáveis ​​se tornam realidade”. Os heróis dos romances percorrem o caminho da colisão com a realidade, o caminho da catástrofe espiritual, da perda de ideias idealistas, do desperdício de talentos."O Grande Gatsby"(1925), Tender is the Night (1934), romance inacabado "O Último Magnata". Mas já no início do romance "Este Lado do Céu"(1920) apresentou o tema da “perda”, que envolve idealistas de mentalidade romântica quando confrontados com a dura prosa da realidade.

A morte do talento é descrita no romance“Terna é a noite”. Ao trabalhar na obra, o autor enfatizou: “... o colapso será predeterminado não pela falta de caráter, mas por fatores verdadeiramente trágicos, pelas contradições internas do idealista e pelos compromissos que as circunstâncias impõem ao herói”. Na tendência cada vez maior dos artistas de satisfazer as exigências do mercado, de abandonar a arte pelas necessidades dos negócios, Fitzgerald viu uma das manifestações da “tragédia americana”.

O romance de Fitzgerald goza da maior fama e reconhecimento. "O Grande Gatsby". O herói da obra, que enriqueceu com o comércio ilegal de álcool, está pronto para dar tudo de si e todos os seus bens à sua amada Margarida. O sonho de amor e felicidade vive em sua alma. Ele está obcecado por esse sonho. Gatsby invade o mundo da riqueza e do luxo, ao qual pertence Daisy, que não esperou o retorno de Gatsby da guerra e se casou com Tom Buchanan. O dinheiro não traz felicidade para Gatsby. O dinheiro paralisa Daisy, privando-a de todas as ideias sobre o amor verdadeiro, a decência e a moralidade. Ela e o marido são responsáveis ​​pela morte de Gatsby. Viver num mundo de luxo privou-os de culpa e responsabilidade. A grande ternura, o amor e o altruísmo de Gatsby não foram compreendidos por Daisy; ela não conseguia apreciá-los, como faziam todas as pessoas que viviam em seu mundo. Em "O Grande Gatsby" pensamento artístico Fitzgerald recebeu a expressão mais completa. M. Cowley declarou: “Fitzgerald sentiu sua ligação sanguínea com o tempo tão intensamente quanto qualquer outro

Literatura estrangeira. Século XX

escritor de sua época. Ele se esforçou com todas as suas forças para preservar o espírito da época, a singularidade de cada um de seus anos: palavras, danças, canções populares, nomes de ídolos do futebol, vestidos da moda e sentimentos da moda. Desde o início, ele sentiu que tudo o que era típico de sua geração se acumulava nele: ele podia olhar para dentro de si e prever com o que logo estariam ocupadas as mentes de seus contemporâneos. Continuou sempre grato à Era do Jazz porque, nas suas próprias palavras, falando de si na terceira pessoa, “esta época o criou, o lisonjeou e o enriqueceu simplesmente porque disse às pessoas que pensava e sentia o mesmo, como eles."

1. Shablovskaya, I.V. História da literatura estrangeira (século XX, primeira metade) / I.V. Shablovskaia. – Minsk: ed. Centro Economypress,

1998. – pp.

2. Literatura estrangeira do século XX: livro didático. para universidades / L.G. Andreev [e outros]; editado por LG. Andreeva. –M.: Superior. escola: ed. Centro da Academia,

2000. pp.

3. Literatura estrangeira. Século XX: livro didático. para estudantes ped. universidades / N.P. Michalskaya [e outros]; em geral Ed. N.P. Michalska. – M.: Abetarda,

2003. – pp.

Curso de palestras

Palestra nº 14

Teatro do Absurdo

1. "Teatro do Absurdo" Características gerais.

2. Peculiaridades técnica narrativa S. Beckett.

3. Características da técnica narrativa de E. Ionesco.

1. “Teatro do Absurdo”. Características gerais

“Teatro do Absurdo” é um nome geral para a dramaturgia do período pós-vanguarda das décadas de 1950-1970. Este tipo de explosão estava a ser preparada gradualmente, era inevitável, embora em cada país europeu tivesse, para além dos gerais, os seus próprios pré-requisitos nacionais. Os mais comuns são o espírito de complacência, a complacência filisteu e o conformismo que reinou na Europa e nos Estados Unidos após a Segunda Guerra Mundial, quando a rotina e os pés no chão dominaram o palco, que se tornou uma forma única de constrangimento e silêncio no teatro durante a “década assustada”.

Era óbvio que o teatro estava no limiar de um novo período de sua existência, que eram necessárias formas e técnicas de representação do mundo e do homem que atendessem às novas realidades da vida. O teatro pós-vanguarda é o mais barulhento e escandaloso, desafiando a arte oficial com sua chocante técnica artística, varrendo completamente velhas tradições e ideias. Um teatro que assumiu a missão de falar do homem como tal, do homem universal, mas considerando-o como uma espécie de grão de areia na existência cósmica. Os criadores deste teatro partiram da ideia de alienação e solidão sem fim no mundo.

Pela primeira vez, o teatro do absurdo deu-se a conhecer em França através da encenação de uma peça E. Ionesco “O Cantor Careca”(1951). Ninguém imaginava então que um novo movimento estava emergindo no drama moderno. Em um ano

Literatura estrangeira. Século XX

O próprio termo “teatro do absurdo”, que unia escritores de diferentes gerações, foi aceito tanto pelo espectador quanto pelo leitor. No entanto, os próprios dramaturgos rejeitaram-no resolutamente. E. Ionesco disse: “seria mais correto chamar a direção a que pertenço de teatro paradoxal, ou mais precisamente, de “teatro do paradoxo”.

Criatividade de dramaturgos teatro do absurdo foi na maioria das vezes, como observou T. Proskurnikova, “uma resposta pessimista aos fatos da realidade do pós-guerra e um reflexo de suas contradições que influenciaram consciência pública segunda metade do nosso século." Isto manifestou-se principalmente no sentimento de confusão, ou melhor, de perda, que tomou conta da intelectualidade europeia.

A princípio, tudo o que os dramaturgos falavam em suas peças parecia um disparate, apresentado em imagens, uma espécie de “delírio a dois”. Ionesco afirma numa de suas entrevistas: “A vida não é paradoxal, absurda do ponto de vista do bom senso comum? O mundo, a vida são extremamente incongruentes, contraditórios, inexplicáveis ​​​​pelo mesmo bom senso... A pessoa na maioria das vezes não entende, não é capaz de explicar com consciência, mesmo com sentimento, toda a natureza das circunstâncias da realidade dentro que ele vive. E, portanto, ele não entende a sua própria vida, ele mesmo.”

A morte nas peças é um símbolo da destruição humana; ela até personifica o absurdo. Portanto, o mundo em que vivem os heróis do teatro do absurdo é o reino da morte. É intransponível por qualquer esforço humano e qualquer resistência heróica não tem sentido.

A impressionante ilogicidade do que estava acontecendo, a inconsistência deliberada e a falta de motivação externa ou interna para as ações e comportamentos dos personagens nas obras de Beckett e Ionesco criaram a impressão de que a peça envolvia atores que nunca haviam atuado juntos antes e definido tentam derrubar um ao outro a todo custo e, ao mesmo tempo, o espectador fica confuso. Espectadores desanimados às vezes saudavam essas apresentações com vaias e assobios. Mas logo a imprensa parisiense começou a falar do nascimento de um novo teatro, destinado a se tornar a “descoberta do século”.

O apogeu do teatro do absurdo já passou, e os problemas colocados por S. Beckett e E. Ionesco e sua técnica dramática permanecem relevantes até hoje. O interesse pelo teatro do absurdo não apenas não desapareceu, mas, pelo contrário, está em constante crescimento, inclusive na Rússia, como evidenciado pelas produções da peça “Esperando Godot” de S. Beckett no Teatro Dramático Bolshoi de São Petersburgo. (temporada de 2000). Qual a razão do sucesso do teatro do absurdo, que durante muito tempo foi proibido em nosso país? Não é paradoxal que o teatro seja interessante?

Curso de palestras

convidar o público a conhecer uma criatura que apenas superficialmente se assemelha a uma pessoa, uma criatura lamentável e humilhada ou, pelo contrário, contente com as suas limitações e ignorância?

Na obra dos dramaturgos do teatro do absurdo, pode-se sentir o aprofundamento da percepção trágica da vida e do mundo como um todo.

As figuras deste teatro - S. Beckett, E. Ionesco, J. Genet, G. Pinter - escrevem, via de regra, sobre o destino trágico de uma pessoa, sobre a vida e a morte, mas revestem as suas tragédias na forma de uma farsa e uma bufonaria.

2. Características da técnica narrativa de S. Beckett

É neste gênero que a peça de S. Beckett (1909–1989) foi escrita "Esperando Godot"(1953). Depois que a peça foi encenada, o nome de seu autor tornou-se mundialmente famoso. Esta peça é a melhor personificação das ideias do teatro do absurdo.

A base do trabalho estabelece a trágica experiência pessoal e pública do escritor que sobreviveu aos horrores da ocupação fascista da França.

Local da peça– uma estrada rural abandonada com uma árvore solitária e seca. A estrada incorpora o símbolo do movimento, mas não há movimento, assim como ação de enredo, aqui. A natureza estática da trama pretende demonstrar o fato da natureza ilógica da vida.

Duas figuras solitárias e indefesas, duas criaturas perdidas em ambientes alienígenas e mundo hostil, Vladimir e Estragon, aguardam o Sr. Godot, um encontro com quem deverá resolver todos os seus problemas. Os heróis não sabem quem ele é e se pode ajudá-los. Eles nunca o viram e estão prontos para confundir qualquer transeunte com Godot. Mas eles esperam teimosamente por isso, preenchendo o infinito e o tédio da espera com conversas sobre nada e ações sem sentido. Estão sem teto e com fome: dividem os nabos ao meio e comem bem devagar, saboreando-os. O medo e o desespero diante da perspectiva de continuarem a prolongar uma existência insuportavelmente miserável mais de uma vez os levam a pensar em suicídio, mas a única corda se rompe e eles não têm outra. Todas as manhãs eles chegam ao local de encontro combinado e todas as noites saem sem nada. Este é o enredo da peça, composta por dois atos.

Externamente, o segundo ato parece repetir o primeiro, mas isso é apenas na aparência. Embora nada tenha acontecido, muita coisa mudou. “A desesperança aumentou. Um dia ou um ano se passou - não se sabe. Os heróis envelheceram e finalmente perderam o ânimo. Estão todos no mesmo lugar, debaixo da árvore. Vladimir ainda está esperando por Godot, ou melhor, tentando convencer seu amigo (e a si mesmo) disso. Estragon perdeu toda a fé."

Os heróis de Beckett só podem esperar, nada mais. Esta é uma paralisia completa da vontade. Mas esta expectativa está a tornar-se cada vez mais sem sentido,

Literatura estrangeira. Século XX

pois o falso mensageiro (o menino) adia constantemente o encontro com Godot até “amanhã”, sem aproximar os desafortunados um passo do objetivo final.

Beckett sugere que não há nada no mundo de que uma pessoa possa ter certeza. Vladimir e Estragon não sabem se realmente estão no local designado, não sabem que dia da semana ou ano é hoje. A incapacidade de resolver e compreender qualquer coisa na vida que nos rodeia fica evidente pelo menos no segundo ato, quando os heróis, chegando no dia seguinte, não reconhecem o lugar onde esperaram Godot no dia anterior. Estragon não reconhece seus sapatos e Vladimir não consegue provar nada a ele. Não só os heróis, mas junto com eles o público involuntariamente começa a duvidar, embora o lugar de expectativa ainda seja o mesmo. Nada na peça pode ser dito com certeza; tudo é instável e incerto. Um menino vem correndo para Vladimir e Estragon duas vezes com uma missão de Godot, mas na segunda vez o menino diz a eles que nunca esteve aqui antes e vê os heróis pela primeira vez.

Na peça, surge repetidamente a conversa de que os sapatos de Estragon são apertados demais para ele, embora estejam gastos e cheios de buracos. Ele constantemente os coloca e os tira novamente com grande dificuldade. O autor parece estar nos dizendo: durante toda a sua vida você não consegue se libertar das algemas que o privam de movimento. Episódios com sapatos introduzem um elemento cômico e ridículo na peça; são as chamadas “imagens populares” (Koreneva M.), emprestadas por Beckett da tradição da “cultura popular”, em particular do salão musical e palhaçada de circo. Mas, ao mesmo tempo, Beckett traduz o artifício ridículo para um plano metafísico, e os sapatos se tornam um símbolo do pesadelo da existência.

As técnicas de palhaçada estão espalhadas pela obra: por exemplo, a cena em que o faminto Estragon rói avidamente os ossos de galinha que o rico Pozzo atira para ele, Lucky, observa com saudade seu almoço ser destruído; Essas técnicas estão presentes nos diálogos e nas falas dos personagens: quando colocam um chapéu em Lucky, ele vomita um fluxo de palavras completamente incoerente, quando tira o chapéu, o fluxo imediatamente seca; Os diálogos dos personagens são muitas vezes ilógicos e baseiam-se no princípio de que cada um dos locutores fala sobre suas coisas, sem ouvir uns aos outros; às vezes os próprios Vladimir e Estragon se sentem como se estivessem em uma apresentação de circo:

Vl.: Noite maravilhosa. Estr.: Inesquecível. Vl.: E ainda não acabou. Estr.: Aparentemente não.

Vl.: Apenas começou. Estr.: Isso é terrível.

Vl.: Definitivamente estamos no show. Estr.: No circo.

Vl.: No music hall.

Curso de palestras

Estr.: No circo.

O constante malabarismo de palavras e frases preenche o vazio de um insuportável estado de expectativa; esse jogo verbal é o único fio que separa os heróis do esquecimento. Isso é tudo que eles podem fazer. Enfrentamos uma paralisia completa do pensamento.

Baixo e alto, trágico e cômico estão presentes na peça em uma unidade inextricável e determinam a natureza do gênero da obra.

Quem é Godot? Deus (Deus?) Morte (Tod?) Existem muitas interpretações, mas uma coisa é clara: Godot é uma figura simbólica, é completamente desprovida de calor humano e de esperança, é etérea. O que está esperando por Godot? Talvez ela mesma vida humana, que se tornou neste mundo nada mais do que uma expectativa de morte? Quer Godot venha ou não, nada mudará, a vida continuará sendo um inferno.

O mundo na trágica farsa de Beckett é um mundo onde “Deus está morto” e “os céus estão desertos” e, portanto, as expectativas são em vão.

Vladimir e Estragon são viajantes eternos, “toda a raça humana”, e a estrada pela qual eles vagam é a estrada da existência humana, cujos pontos são condicionais e aleatórios. Como já mencionado, não há movimento propriamente dito na peça, há apenas movimento no tempo: no intervalo entre o primeiro e o segundo atos, folhas floresceram nas árvores. Mas este facto não contém nada de concreto - apenas uma indicação da passagem do tempo, que não tem princípio nem fim, tal como não há numa peça, onde o final é completamente adequado e intercambiável com o início. O momento aqui é apenas “envelhecer”, ou seja, nas palavras de Faulkner: “a vida não é movimento, mas uma repetição monótona dos mesmos movimentos. Daí o final da peça:

Vl.: Então, vamos lá.

Estr.: Vamos.

Observação: Eles não se movem.

Os criadores da dramaturgia absurda escolheram o grotesco como principal meio de revelação do mundo e do homem, técnica que se tornou dominante não só na dramaturgia, mas também na prosa da segunda metade do século XX, como evidencia a declaração do suíço dramaturgo e prosaico F. Dürrenmatt: “Nosso mundo chegou ao grotesco, gosto de bomba atômica, assim como as imagens apocalípticas de Hieronymus Bosch são grotescas. O grotesco é apenas uma expressão sensual, um paradoxo sensual, uma forma para algo sem forma, a face de um mundo desprovido de qualquer face.”

Em 1969, o trabalho de S. Beckett recebeu o Prêmio Nobel.

Literatura estrangeira. Século XX

3. Características da técnica narrativa de E. Ionesco

Ionesco Eugene (1912–1994) – um dos criadores do “antidrama” e

para a França, até os 11 anos viveu na aldeia francesa de La Chapelle Antenez, depois em Paris. Mais tarde, ele disse que suas impressões infantis sobre a vida na aldeia foram amplamente refletidas em seu trabalho como memórias de um paraíso perdido. Aos 13 anos regressou à Roménia, a Bucareste, onde viveu até aos 26 anos. Em 1938 regressou a Paris, onde viveu o resto da vida.

Assim, na obra de Ionesco, o sistema de visões filosóficas e estéticas do teatro do absurdo encontrou a sua expressão mais completa. A tarefa do teatro, segundo Ionesco, é dar uma expressão grotesca do absurdo da vida moderna e do homem moderno. O dramaturgo considera a verossimilhança o inimigo mortal do teatro. Ele propõe criar alguns nova realidade, equilibrando-se no limite do real e do irreal, e considera a linguagem o principal meio para atingir esse objetivo. Em nenhum caso a linguagem pode expressar o pensamento.

A linguagem nas peças de Ionesco não só não cumpre a função de ligação, de comunicação entre as pessoas, mas, pelo contrário, agrava a sua desunião e solidão. Diante de nós está apenas a aparência de um diálogo composto por clichês de jornal, frases de um manual de autoinstrução língua estrangeira, ou mesmo fragmentos de palavras e frases presas acidentalmente no subconsciente. Os personagens de Ionesco inarticulam não apenas a fala, mas também o próprio pensamento. Seus personagens têm pouca semelhança pessoas comuns, trata-se de robôs com um mecanismo danificado.

Ionesco explicou sua paixão pelo gênero comédia pelo fato de ser a comédia que expressa mais plenamente o absurdo e a desesperança da existência. Esta é a primeira peça dele "O Cantor Careca" (1951), embora não haja nenhum indício de cantora nela. O motivo de sua escrita foi o conhecimento de Ionesco com um autodidata de língua inglesa, cujas frases absurdas e banais serviram de base para o texto da peça.

Tem um subtítulo - “anti-play”. Não há nada de drama tradicional na obra. Um casal, os Martins, vem visitar os Smiths e ao longo de toda a ação há uma troca de comentários desprovidos de sentido. Não há eventos ou desenvolvimento na peça. Só muda a linguagem: ao final da obra transforma-se em sílabas e sons inarticulados.

O automatismo da linguagem é o tema principal da peça “O Cantor Careca”. Ela expõe o conformismo filisteu do homem moderno,

Curso de palestras

vivendo de ideias e slogans prontos, seu dogmatismo, estreiteza de espírito, agressividade são características que mais tarde o transformarão em rinoceronte.

A trágica farsa “Cadeiras” (1952) mostra o trágico destino de dois idosos, pobres e solitários, que vivem à beira do mundo real e ilusório. O velho psicopata se imagina como uma espécie de messias. Ele convidou convidados para contar-lhes sobre isso, mas eles nunca compareceram. Em seguida, os idosos encenam uma cena de recepção de convidados, em que personagens irreais e fictícios se revelam mais reais do que pessoas reais. Ao final, o velho faz um discurso preparado, e novamente nos deparamos com um fluxo absurdo de palavras – técnica preferida de Ionesco:

Velha: Você chamou os vigias? Bispos? Químicos? Foguistas? Violinistas? Delegados? Presidentes? Policiais? Comerciantes? Pastas? Cromossomos?

Velho: Sim, sim, e funcionários dos correios, e estalajadeiros, e artistas...

Velha: E os banqueiros? Velho: Convidado.

Velha: E os trabalhadores? Funcionários? Militaristas? Revolucionários? Reacionários? Psiquiatras e psicólogos?

E, novamente, o diálogo é construído como uma espécie de montagem de palavras e frases, onde o significado não desempenha um papel. Os idosos cometem suicídio, confiando no orador para falar a verdade por eles, mas o orador acaba sendo surdo e mudo.

A peça Rinoceronte (1959) é uma alegoria universal sociedade humana, onde a transformação de pessoas em animais é mostrada como uma consequência natural de princípios sociais e morais (à semelhança do que acontece no conto “A Metamorfose” de F. Kafka).

Comparada com trabalhos anteriores, esta peça é enriquecida com novos motivos. Preservando alguns elementos de sua poética anterior, Ionesco retrata um mundo afligido por uma doença espiritual - a “concepção”, e pela primeira vez apresenta um herói capaz de resistir ativamente a esse processo.

O cenário da peça é uma pequena cidade do interior, cujos habitantes são acometidos por uma doença terrível: transformam-se em rinocerontes. O personagem principal Beranger enfrenta um “castigo” geral, com a recusa voluntária das pessoas à sua forma humana. Em contraste com suas afirmações anteriores de que a realidade não deveria ser a base da obra, o dramaturgo cria uma sátira ao regime totalitário em Rinocerontes. Ele retrata a universalidade da doença que tomou conta das pessoas. A única pessoa que manteve a sua aparência humana continua sendo Bérenger.

Os primeiros leitores e espectadores viram na peça principalmente uma obra antifascista, e a própria doença foi comparada à doença nazista

Literatura estrangeira. Século XX

praga (e novamente a analogia é com “A Peste” de A. Camus). Mais tarde, o próprio autor explicou a intenção da sua peça da seguinte forma: “Rinoceronte” é sem dúvida uma obra antinazi, mas antes de mais nada é uma peça contra a histeria colectiva e as epidemias, escondendo-se sob o disfarce da razão e das ideias, mas sem isto tornando-se doenças coletivas menos graves que justificam diversas ideologias”

O herói de Beranger é um perdedor e um idealista, um homem “que não é deste mundo”. Ele despreza tudo o que seus concidadãos honram e que é considerado um indicador do “preço” de uma pessoa: pedantismo, rigor, uma carreira de sucesso, uma forma única e padronizada de pensar, de vida, de gostos e de desejos. Ionesco novamente libera uma série de truísmos e frases vazias para o espectador, mas desta vez por trás deles as pessoas estão tentando esconder suas limitações e vazio.

Beranger tem um antípoda na peça. Este é Jean, satisfeito consigo mesmo, profundamente convencido de sua infalibilidade e correção. Ele ensina sabedoria ao herói e o convida a segui-lo. Diante dos olhos de Beranger, ele se transforma em um rinoceronte, já tinha os pré-requisitos para se tornar uma fera, agora eles foram realizados; No momento da transformação de Jean, ocorre uma conversa entre ele e Beranger que revela a essência misantrópica deste respeitável homem da rua (“Não deixe que eles fiquem no meu caminho”, exclama ele, “ou vou esmagá-los!”) . Ele apela à destruição da civilização humana e à introdução de leis sobre o rebanho de rinocerontes em seu lugar.

Jean quase mata Beranger. Tom tem que se esconder em sua casa. Ao seu redor estão rinocerontes ou pessoas prontas para se transformar neles. Os antigos amigos do herói também se juntam aos rinocerontes. O último e mais esmagador golpe é desferido por seu amado Desi.

A padronização e a falta de rosto possibilitaram que as pessoas ao seu redor se transformassem rápida e sem dor em animais.. A mentalidade de rebanho, o modo de vida e o comportamento prepararam a transição do rebanho humano para o rebanho animal.

Ionesco dá muita atenção ao retratar a tragédia pessoal do herói, que perde não só seus amigos, mas também sua amada. A cena da despedida de Beranger com Desi foi escrita pelo autor com grande lirismo. Transmite o sentimento de um herói que não consegue segurar seu ser mais precioso. Ele está desesperado, completamente sozinho, desesperado pela impossibilidade de se tornar como todo mundo. O monólogo interno de Bérenger deixa uma impressão deprimente do trágico paradoxo de um mundo em que a pessoa sonha em desistir de si mesma, só para não ficar sozinha. Externamente ele permanece humano, mas internamente é pisoteado por uma poderosa manada de rinocerontes.

Objetivo: familiarizar os alunos com a vida e obra do dramaturgo francês E. Ionesco; dar o conceito de “drama do absurdo”; revelar o significado simbólico da trama do drama “Rinoceronte”; comentário episódios principais dramas com expressão da própria avaliação da pessoa neles retratada; fomentar o desejo de preservar a individualidade; enriquecer a experiência espiritual e moral e ampliar os horizontes estéticos dos alunos. equipamento: retrato de E. Ionesco, texto do drama “Rinoceronte”. Projetado

Resultados: os alunos conhecem as principais etapas da vida e obra de E. Ionesco, o conteúdo da dramatização em estudo; definir o conceito de “drama do absurdo”; explique o significado da sequência de ação; comentar os principais episódios do drama expressando sua própria avaliação da pessoa neles retratada; formular os problemas colocados pelo dramaturgo. tipo de aula: aprendendo novo material.

PROGRESSO DA LIÇÃO

EU. Estágio organizacional

II. Atualização de conhecimento de referência

Ouvindo vários trabalhos criativos(cm. Trabalho de casa lição anterior)

III. Definir a meta e os objetivos da aula.

Motivação atividades educativas

Professor. O escritor francês Eugene Ionesco é um famoso dramaturgo, um dos mais brilhantes representantes do movimento teatral do absurdo. As obras dramáticas de Eugene Ionesco estão repletas de imagens abstratas, a maioria delas incorporando a ideia de rejeição do totalitarismo e da opressão do indivíduo.

Apesar da óbvia originalidade e originalidade das imagens, personagens, ideias e histórias, o próprio Ionesco afirmou que suas peças são totalmente reais. são reais na mesma medida em que a vida retratada nessas peças é absurda. A abordagem deste autor mostra-nos de forma convincente quão filosóficas são as opiniões. Entre as obras mais famosas do escritor estão as peças “O Cantor Careca”, “Rinocerontes”, “O Assassino Altruísta”, “Pedestre Aéreo”, “Delírio a Dois”, “Sede e Fome”, “O Homem das Malas” . E. Ionesco também é autor de muitas histórias, ensaios, memórias e artigos sobre arte.

Muitas das peças de Eugene Ionesco são difíceis de interpretar e podem igualmente ser vistas de pontos de vista completamente diferentes. no entanto, cada obra dramática de E. Ionesco é dedicada à vida como tal, à sua complexidade, completude e diversidade. E hoje na aula você verá isso.

4. Trabalhando no tópico da lição

1. observações introdutórias professores

O dramaturgo francês de origem romena E. Ionesco (1909-1994) entrou para a história da literatura mundial como o mais brilhante teórico e praticante do “teatro do absurdo”. O termo “teatro do absurdo” foi introduzido por Martin Esslin em 1962, querendo dar nome à dramaturgia com enredo ilógico e sem sentido, apresentando ao espectador uma combinação de coisas incompatíveis. muitos críticos literários do século XX. viu as origens do gênero em movimentos literários e filosóficos de vanguarda, em particular no dadaísmo. Os principais fundamentos do dadaísmo foram a promoção do assistemático e a negação de quaisquer ideais estéticos. o teatro do absurdo tornou-se uma nova força, destruindo os cânones teatrais, que não reconheciam nenhuma autoridade. o teatro do absurdo desafiou não apenas tradições culturais, mas também, em certa medida, ao sistema político e social.

Os acontecimentos de qualquer peça absurda estão longe da realidade e não procuram se aproximar dela. O incrível e o inimaginável podem se manifestar tanto nos personagens quanto nos objetos circundantes e nos fenômenos ocorridos. O local e o tempo de ação nessas obras dramáticas são, via de regra, bastante difíceis de determinar, especialmente porque a ordem e a lógica do que está acontecendo podem não ser observadas. Não há lógica nas ações dos personagens ou em suas palavras. Autores absurdos criam imagens absurdamente fantásticas que surpreendem, assustam e às vezes divertem com sua flagrante incongruência. A irracionalidade é o que o teatro do absurdo busca.

Eugene Ionesco considerou o termo “teatro do absurdo” pouco apropriado. Em seu discurso, conhecido como “Existe futuro para o teatro do absurdo?”, ele propôs outro – “o teatro do ridículo”. Nele, segundo o dramaturgo, todas as leis psicológicas e físicas são violadas, e os personagens são simplesmente palhaços. Maioria obras clássicas E. Ionesco os considerou não menos absurdos que as amostras nova dramaturgia, ao qual pertenciam suas peças. Afinal, o realismo no teatro é condicional e subjetivo, pois em qualquer caso é fruto da imaginação e da criatividade do escritor.

2. apresentação pelos alunos de “cartões de visita literários” sobre a vida e obra de E. Ionesco

(Os alunos compõem tabela cronológica vida e obra de E. Ionesco.)

Eugene Ionesco é um dramaturgo, escritor e pensador francês, um clássico da vanguarda teatral. Eugene nasceu em 26 de novembro de 1909 em Slatina, Romênia; V primeira infância seus pais o levaram para a França. Até os onze anos, Eugene viveu na aldeia de La Chapelle-antenaise. A vida na aldeia foi feliz para ele; foram as lembranças dela que se materializaram na obra do amadurecido Ionesco.

Em 1920, Eugene mudou-se para Paris, mas viveu lá por não mais que dois anos. Aos treze anos, Ionesco regressou à Roménia e viveu em Bucareste até aos vinte e seis. A influência das culturas francesa e romena na visão de mundo do futuro escritor e dramaturgo foi contraditória e ambivalente.

A primeira língua de Eugene foi o francês. As memórias da infância são refletidas de forma vívida e completa em suas obras. No entanto, a mudança subsequente para sua terra natal, na Romênia, aos treze anos, fez com que Eugene começasse a esquecer seu amado francês. Ele escreveu seu primeiro poema em romeno, seguido por poemas em francês e novamente em romeno.

Estágio inicial criatividade literária Ionesco ficou marcado por um ousado panfleto “Não!” com espírito niilista. Nele, Eugene mostrou a unidade dos opostos, primeiro condenando e depois elogiando três escritores romenos.

Na Universidade de Bucareste, Eugene estudou Francês e literatura francesa para adquirir a capacidade de escrever em francês. Desde 1929, Eugene começou a ensinar francês. Nesse período, seu domínio literário começou a surgir.

Aos vinte anos, E. Ionesco regressou a Paris, desta vez com a intenção de aí viver por muito tempo. Em 1938, defendeu sua dissertação filosófica de doutorado na Sorbonne, “Sobre os motivos do medo e da morte na poesia francesa depois de Baudelaire”.

Mesmo enquanto estudava na Universidade de Bucareste, Eugene encontrou a manifestação dos sentimentos nacionalistas e pró-fascistas que reinavam na sociedade jovem. Com o seu trabalho, Ionesco tentou mostrar a sua rejeição a esta tendência “da moda”. o jovem escritor odiava qualquer manifestação de totalitarismo e pressão ideológica sobre as pessoas. Ele incorporou essa ideia na peça “Rinoceronte”, que mais tarde se tornou uma das mais populares.

Em 1970, Eugene Ionesco tornou-se membro da Academia Francesa de Ciências. Eugene já tinha muitas peças, além de coleções de contos, ensaios e memórias biográficas: “Fotografia de um Coronel” (1962), “Migalhas de um Diário” (1967), “Passado Presente, Presente Passado” (1968) e muitos outros. Em 1974, Ionesco criou o famoso "Eremita".

2 1994 Eugene Ionesco morreu em Paris de uma doença grave e dolorosa.

3. conversa analítica

Š o que levou o dramaturgo a criar o drama “Rinoceronte”?

Š Que outras interpretações pode ter o enredo sobre a “concepção”?

Š Reconte brevemente o enredo desta peça dramática (“em cadeia”).

Š Qual o significado da “concepção” de massa na obra e a principal resistência? O que Yonesco esconde por dentro?

Š Como o problema da originalidade humana se relaciona com a ideia da peça?

Š Comente os principais episódios do drama, expressando sua própria avaliação do que está retratado neles.

4. Questão problemática (em pares)

Š O que você acha que E. Ionesco quis dizer quando afirmou: “o teatro do absurdo sempre viverá!”? Você concorda com a previsão dele?

V. Reflexão. Resumindo a lição generalização do professor

O drama se passa em um pequeno cidade provincial, seus habitantes são representados pelos donos da loja e do café, pela dona de casa, pelos funcionários do escritório que publica literatura jurídica, pelo lógico e por um certo senhor idoso, provavelmente constituindo “ elite intelectual" No primeiro ato, o quadro da vida comum e miserável da cidade é interrompido pelo repentino aparecimento barulhento de um rinoceronte na rua; logo, também com um rugido, em uma nuvem de poeira, um rinoceronte volta a correr - ou; o mesmo ou outro, o que só dá origem a uma disputa entre os personagens sobre quantos chifres o(s) alienígena(s) tinha(m)? Os habitantes da cidade choram por um gato morto por um enorme animal, a caixa com seu corpo é acompanhada por uma espécie de cortejo fúnebre; Um efeito igualmente cômico é produzido no segundo ato por uma discussão no escritório sobre se um rinoceronte apareceu na cidade, e pela transformação de uma de suas funcionárias, Beth, em rinoceronte - com um rugido suave e triunfante, ele leva embora a esposa que veio do escritório. Mas no segundo e terceiro atos, a atmosfera sinistra cresce cada vez mais - à medida que os trabalhadores de escritório e em geral todos os moradores da cidade, com exceção de um, se transformam em rinocerontes. Nem a dúvida nem a compaixão penetrarão na sua pele dura. Nisso eles são todos iguais, diferem apenas no tamanho e no número de chifres na cabeça - um ou dois chifres...

Assunto : E. Ionesco. A peça “Rinoceronte” como drama do absurdo. O “não nascimento” é um fenômeno despersonalização em massa sociedade.

Alvo : aprofundar e ampliar o conhecimento dos alunos sobre a diversidade da literatura mundial do século XX; apresentar a vida e obra do dramaturgo francês E. Ionesco; continuar a formar e aprofundar o conceito de “teatro do absurdo” a partir do exemplo da peça “Rinoceronte”; revelar o significado simbólico da trama da dramatização, ajudar os alunos a perceberem sua relevância e modernidade; cultivar o desejo de preservar a individualidade, o respeito ao homem como valor máximo.

Equipamento : apresentação, projetor, dicionário explicativo, textos da peça, retrato do escritor, fichas para trabalho em dupla, fragmento do filme “Rinoceronte: Feito à Consciência”, fichas opinião.

Tipo de aula : lição-pesquisa

Resultados educacionais planejados:

Assunto:

Sobre nível básico – deve conhecer a definição de “teatro do absurdo”, o conteúdo da peça “Rinoceronte”; ser capaz de analisar e comentar episódios que expressem a sua própria avaliação.

Em um nível produtivo – deve ser capaz de utilizar os conhecimentos adquiridos para formular os problemas levantados pelo autor na dramatização e defender a sua opinião de forma fundamentada e convincente.

Pessoal: devem encontrar uma conexão entre uma obra literária e a história e sua própria experiência de vida, julgar adequadamente as razões do seu sucesso/fracasso no trabalho da aula, mostrar uma atitude positiva em relação às atividades de aprendizagem, expressar os seus próprios julgamentos sobre o tema da aula e o conteúdo da peça.

Metassujeito:

educacional - educação geral : deve formular perguntas e respostas sobre o tema em estudo; ouça com atenção, construa declarações de discurso;

lógico : demonstrar pensamento independente, capacidade de analisar, generalizar e tirar conclusões sobre questões dramáticas;

regulatório – deveperceber e compreender corretamente tarefa de aprendizagem, planeje suas ações de acordo com ele, exerça o controle mútuo, avalie adequadamente suas atividades e as atividades dos colegas na aula;

comunicativo – deve ser capaz de interagir de forma construtiva no trabalho em pares, aprender a ouvir e compreender uns aos outros e perceber adequadamente elogios e comentários.

Estou impressionado com o sucesso desta peça. As pessoas entendem isso como deveriam? Reconhecerão nele o monstruoso fenómeno da massificação...? E o mais importante, são todos indivíduos com alma, um e único?

E.Ionesco

Progresso da lição.

1. Momento organizacional

Saudação, criação de um clima emocional positivo (preenchimento de fichas de autoavaliação e feedback)

2. Imersão no tema

Antes de passarmos ao tema da nossa lição, sugiro assistir a alguns frames de um filme sobre um dos mais belos animais que vivem na Terra. Têm uma aparência muito bonita, tom de pele agradável, vozes gentis.

Veja um trecho do filme “Rinoceronte: feito com consciência”.

3. Motivação para atividades de aprendizagem

É este o animal que você imaginou? (...) Mas os heróis da obra que consideraremos hoje pensaram exatamente assim.

Não é por acaso que iniciamos nosso trabalho com um fragmento de um filme sobre rinocerontes. Este filme nos ajudará a ver o rumo de todo o nosso trabalho. Então, por que rinocerontes? (Porque é assim que a peça se chama: “Rinoceronte”)

Qual é a atitude dos personagens da peça em relação aos rinocerontes? (eles os admiram, os chamam de lindos, eles próprios querem virar rinocerontes).

Esse desejo não é absurdo do ponto de vista de uma pessoa pensante? O que o próprio Ionesco diz sobre sua peça? (trabalhando com epígrafe)

Pergunta problemática

Se eu morasse nesta cidade, me tornaria um rinoceronte? (escrever no caderno)

4. Formulando o tema da aula

Vamos formular a primeira parte do nosso tópico:E. Ionesco. A peça “Rinoceronte” como drama do absurdo.

Leia a segunda parte do nosso tópico. Qual é a despersonalização em massa da sociedade, como esse processo é chamado na peça? (“Onbearance”) Como será a segunda parte do nosso tópico?“Onbearance” é um fenômeno de despersonalização em massa da sociedade.

4. Definição de metas

Vamos cada um determinar os objetivos da lição e anotá-los na folha de feedback (aprender, aprender, entender, lembrar ). Na sua entrada, use as palavras “teatro do absurdo”, “despersonalização em massa”, “onoração”.

(objetivos de gravação e leitura)

5. Trabalhe no tema da lição

Quem é Eugênio Ionesco? Vamos ouvir nossos “biógrafos”.

( Desempenho do aluno )

Eugene Ionesco é um dramaturgo francês de origem romena, escritor, pensador, clássico da vanguarda teatral. Nasceu em 1909 na Romênia. Alguns anos mais tarde, os seus pais mudaram-se para França, primeiro para a aldeia de La Chapelle-Anthenaise e depois para Paris. Em 1922, Ionesco regressou à Roménia, onde começou a escrever os seus primeiros poemas em romeno e francês. Depois de ingressar na universidade de Bucareste, estudou língua e literatura francesa e em 1929 começou a lecionar. No mesmo ano mudou-se para Paris. Em 1938 defendeu sua tese de doutorado na Sorbonne. Em 1970 tornou-se membro da Academia Francesa de Ciências. Ionesco viveu na França até o fim de sua vida, criando muitas peças, obras em prosa, memórias biográficas. Os mais famosos são o romance “Lonely”, as peças “The Bald Singer”, “The Lesson” e, claro, “Rhinoceros”.

Eugene Ionesco entrou na literatura mundial como teórico e praticante do “teatro do absurdo”. Que obras passaram a ser chamadas assim, que signos têm as peças do “teatro do absurdo”? Vamos ouvir nossos críticos literários.

( Desempenho do aluno )

O termo "teatro do absurdo" foi cunhado por Martin Esslin em 1962. Foi assim que começaram a ser chamadas peças com enredo ilógico e sem sentido, apresentando ao espectador uma combinação de coisas incompatíveis, promovendo comportamentos assistemáticos, negação de ideais estéticos e destruindo cânones teatrais. O teatro do absurdo desafiou as tradições culturais, os sistemas políticos e sociais. Os acontecimentos das peças absurdas estão longe da realidade; o incrível e o inimaginável se manifestam nos personagens e na realidade circundante. É difícil determinar o local e a hora; a ordem e a lógica da ação podem não ser seguidas. Os autores criam imagens absurdas, assustadoras, surpreendentes e às vezes divertidas com sua incongruência. O teatro do absurdo é a irracionalidade que desafia a explicação e a lógica.

Usando o texto deste discurso, escreva a definição de teatro do absurdo em uma frase(trabalhar em pares)

O drama “Rinoceronte” pode ser chamado de drama do absurdo? Justifique sua opinião (enredo fantástico, transformação de pessoas em rinocerontes, motivos de ação incompreensíveis e inexplicáveis)

O drama de Ionesco é uma das peças mais interessantes da literatura mundial moderna. Escrito em 1959, refletia os problemas sociais mais complexos da época: o fenômeno da despersonalização em massa, o choque da personalidade e da individualidade com a ideologia do coletivismo, que mata essa individualidade. Sobre o que é essa peça?

(A peça consiste em três atos. Breve história sobre o conteúdo de cada ação)

Características dos personagens principais - Beranger e Jean (aparência, idade, ocupação, traços de caráter). Quem causa uma impressão favorável e quem perde em comparação? Qual amigo vira rinoceronte, como isso acontece? Que traços de caráter se manifestam em Jean? (Trabalhando com texto, leitura expressiva diálogos (nº 1 cena no café, nº 2 transformação de Jean))

Trabalhe em pares. Preenchendo a tabela. Argumentação com texto.

Cada pessoa que se transformou em rinoceronte teve seus próprios motivos para “rinoceronte”. Vamos defini-los (distribuição)

Por que só Bérenger foi capaz de resistir à epidemia da “concepção”? (conclusão: ele valorizou sua individualidade e essência humana)

Qual é o clímax da peça? (Seu final) Por que Ionesco vai embora final aberto: não vemos a luta de Beranger, não sabemos se ele sairá vitorioso? (é importante mostrar não a luta contra a ideologia, mas as “ferramentas” de influência sobre cada pessoa para despersonalizá-la: despertar o interesse, a propaganda, o desejo de ser como todos os outros, o medo da solidão e da diferença, a mudança moral e valores sociais,gradual mudar).

A história de sua escrita nos ajudará a compreender plenamente a profundidade desta peça. Vamos ouvir o discurso dos nossos “historiadores”.

(Discurso dos alunos)

E. Ionesco observou que o ímpeto para escrever a peça foram as impressões do escritor francês Denis de Rougemont. Ele esteve na manifestação nazista liderada por Hitler em Nuremberg em 1936. Essa multidão, segundo o escritor, foi aos poucos sendo capturada por uma espécie de histeria. De longe, as pessoas na multidão gritavam o nome de Hitler como loucas. À medida que ele se aproximava, a onda dessa histeria crescia, capturando cada vez mais gente nova.

Além disso, houve um episódio da vida do próprio autor. Ele testemunhou a histeria em massa no estádio da cidade durante o discurso de Hitler e quase sofreu isso. O que ele viu fez o dramaturgo pensar. Afinal, nem todas essas pessoas eram nazistas, muitas foram simplesmente influenciadas pela multidão. Segundo o próprio Ionesco, ele, como testemunha do surgimento do fascismo na Roménia nos anos 30, procurou realmente descrever este processo.

Em qual episódio da peça Ionesco refletiu suas impressões sobre o que viu? Justifique a sua opinião (monólogo final de Beranger). O que é “concepção”? Por que a peça "Rinoceronte" pode ser chamada de antinazista?

6. Resumo da lição

Reflexão

Vamos repetir os passos da lição e lembrar o que fizemos e por quê.

(conhecemos a biografia de E. Ionesco, encontramos indícios de drama absurdo na peça, examinamos o texto, descobrimos os motivos da “concepção”)

Voltemos à nossa questão problemática. O que ele ajudou você a descobrir?

Como você avaliaria seu trabalho? Qual colega você poderia elogiar? Volte às suas fichas de autoavaliação e diga-me se você alcançou os objetivos traçados no início da aula.

Trabalho de casa

1) Escreva em seus cadernos uma mini-discussão sobre se o drama “Rinoceronte” pode ser considerado moderno.

2) Eugene Ionesco disse: “O teatro do absurdo sempre viverá”. Você concorda com a previsão dele? Escreva um pequeno ensaio sobre isso.

Orçamento municipal instituição educacional

Escola secundária Batalnensky

E. Ionesco. A peça "Rinoceronte"

como um drama do absurdo. O “não nascimento” é um fenômeno

despersonalização em massa

sociedade

Lição aberta literatura no 11º ano

Professor:Chernaya Evgenia Viktorovna

Ano letivo 2014 – 2015

Tabela analítica

Eugene Ionesco (1912–1994; sobrenome verdadeiro Ionescu), um dos líderes reconhecidos teatro do absurdo nascido na Romênia. O seu pai, um romeno, era um advogado que prosperou sob vários regimes reacionários; mãe era francesa. Ionesco passou a adolescência na França e, após o divórcio dos pais, retornou à Romênia, onde recebeu uma boa educação filológica na Universidade de Bucareste. Suas primeiras publicações foram poemas em romeno. Estreou-se também como crítico literário e já nos primeiros discursos declarou-se uma pessoa de pensamento independente que não reconhecia nenhuma autoridade. Seu artigo se tornou uma sensação "Não!", no qual questionou o significado dos clássicos romenos reconhecidos. Fez uma “reavaliação” semelhante em relação ao próprio Victor Hugo. No meio do trabalho na sua dissertação sobre Baudelaire em 1942, ele apressou-se em deixar a Roménia para escapar ao regime fascista opressivo. Com dificuldade mudei-me para o sul da França, para a zona franca. Desde então, a França tornou-se a sua segunda pátria e ele falava perfeitamente a sua língua. Desde a década de 1940, em numerosos ensaios (um dos principais "Notas a favor e contra ", 1962) Ionesco formula seu posições estéticas, realizado mais tarde em suas peças.

Tudo começou com um drama com um título chocante. "O cantor careca ", as apresentações de estreia aconteceram em salas meio vazias. Em geral, a existência em suas peças parecia absurdamente sem sentido, os personagens estavam indefesos, “impenetráveis” e estavam em um estado letárgico e meio adormecido. A comunicação deles lembrava um diálogo dos surdos os acontecimentos não tiveram causas psicológicas, mas foram causados ​​por circunstâncias fortuitas. A essência dos heróis se manifestou em comportamento ilógico, ações ridículas, tentativas indefesas de sair da deprimente rotina diária. Mas entendendo o absurdo como norma, Ionesco não é imparcial. Em suas peças há um elemento cômico e paródico, a parábola e a alegoria são óbvias nelas, geralmente não diretas e inequívocas, mas sugerindo uma variedade de interpretações.

Não se pode negar a Ionesco os títulos paradoxais de cem peças: “Rinoceronte”, “Navalha Juntos”, “Assassino Desinteressado”, "Este bordel incrível" ""Pedestre Celestial" etc. Para combinar as manchetes e as situações em suas peças são paradoxais e inesperadas.

Depois de muitos anos de vida conjugal, marido e mulher tornaram-se tão estranhos que não se entendiam mais. ("O Cantor Careca"). A noiva é um homem (" Uma menina em idade de casar"). Outra garota é valorizada e comprada como um carro (" Showroom de automóveis"). O velho e a velha, preparando-se para a chegada dos convidados, ocupam-se em arrumar as cadeiras, pois determinam o status de uma pessoa, aguardam a chegada do orador que deverá fazer o discurso, e ele acaba sendo surdo e mudo ("Cadeiras"), O líder que o povo saúda é privado da cabeça ("Professor"), O acadêmico descobre que não possui certificado de matrícula e deve fazer o exame escolar correspondente, no qual é reprovado miseravelmente. Aos olhos do público, ele passa de um cientista respeitado a um ignorante desesperado. ("Espaço").

Embora os “absurdistas” declarem a sua rejeição da ideologia, as peças de Ionesco não são de forma alguma curiosidades inofensivas. Ele zomba da vulgaridade da moralidade geralmente aceita, da burocracia, da pseudociência, dos preconceitos da “multidão”, da feiúra da consciência clichê de massa.

Mas ele odeia especialmente a opressão e a violência contra o indivíduo, a sua desumanização, quaisquer formas de sua supressão e regulação. Esta é sua peça mais famosa "Rinocerontes ". Seu título é uma metáfora acertada e acertada, cujo significado ultrapassou o escopo da obra e entrou na consciência de massa, tornando-se comum. Esta é uma metáfora para a submissão estúpida e covarde aos slogans impostos à multidão em condições de a unanimidade totalitária e a adaptação da individualidade a um denominador primitivo comum. É nesta peça que aparece um herói, tão raro para. teatro do absurdo , que se recusa a ser vítima da “concepção” e tenta proteger a sua essência humana. A este respeito, ele pode ser comparado a Winston Smith de outra obra-prima antitotalitária, o romance "1984" de George Orwell.

Uma pessoa genuína não deve se submeter ao sentimento de rebanho e ao fanatismo implantado. O enredo da peça é fantástico e paradoxal. E isso apenas aumenta a impressão e aguça a ideia dramática.

Numa certa cidade do interior, aparece primeiro um rinoceronte, depois vários. Já existe um rebanho deles. Entre as pessoas comuns, e são a maior parte dos habitantes da cidade, estes animais quadrúpedes, comportando-se sem cerimónias de acordo com a sua essência biológica, não causam senão surpresa interessada e ao mesmo tempo a sua aceitação consciente. Os habitantes se transformam interna e externamente, tornando-se cada vez mais parecidos com eles; há um processo de “concepção” de pessoas. O único que tenta evitar isso é um funcionário estranho, um homenzinho Béranger. Dói-lhe especialmente que sua amada seja solidária com os rinocerontes Margarida. Aos olhos da maioria das pessoas, ele é um perdedor. O que move a multidão? Em três atos da peça é mostrado o processo de sua degradação. As primeiras pessoas a se juntarem aos rinocerontes são funcionários, acostumados à lentidão e desacostumados a pensar de forma independente. Em seguida estão os oportunistas, os conformistas, cujo ideólogo é Jacques. Ele expõe toda uma teoria de “bom senso” e essencialmente de ganho pessoal. São aqueles que querem viver “como todo mundo” - o mesmo uma maioria conformista unida, obedecendo à psicologia do “rebanho”, que sempre adere ao poder e à autoridade e está pronta para perseguir pessoas independentes. (Foi Ibsen quem os trouxe à tona no drama “Um Inimigo do Povo”, cujo herói, Dr. Thomas Stockmann, proferiu máximas que causaram acalorada controvérsia: “A maioria está sempre errada” ou “O mais forte é aquele quem está mais sozinho.”) Mas não só obras literárias, e ela mesma história trágica O século XX fornece exemplos das consequências que a despersonalização em massa e a “zombificação” da consciência filisteu podem levar. A peça termina com um monólogo apaixonado de Beranger, que se recusou a não capitular, mesmo estando sozinho contra todos.

Após a tradução da peça para o russo, a controvérsia surgiu nas críticas sobre como entender “onocecação”. Houve opiniões de que Ionesco tinha em mente a fascisação. Contudo, parece que o plano era mais amplo e não “vinculado” a uma situação histórica específica. A peça é dirigida contra o conformismo covarde, o egoísmo, a “zombificação” da psicologia filisteu de massa, que é encorajada e cultivada por regimes autoritários.

E hoje a peça “Rinoceronte” continua de vital relevância, sendo apontada contra o totalitarismo e a falta de liberdade de qualquer nacionalidade e coloração ideológica. Resumindo caminho criativo O dramaturgo A.F. Stroev chega a uma conclusão justa: “Ionesco entrou na literatura como um destruidor do teatro tradicional, um expositor da psicologia burguesa e permaneceu como um reformador artes cênicas, defensor dos valores humanísticos, da dignidade humana."