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Objetivo: familiarizar os alunos com a vida e obra do dramaturgo francês E. Ionesco; dar o conceito de “drama do absurdo”; revelar o significado simbólico da trama do drama “Rinoceronte”; Comente episódios principais dramas com expressão da própria avaliação da pessoa neles retratada; fomentar o desejo de preservar a individualidade; enriquecer a experiência espiritual e moral e ampliar os horizontes estéticos dos alunos. equipamento: retrato de E. Ionesco, texto do drama “Rinoceronte”. Projetado

Resultados: os alunos conhecem as principais etapas da vida e obra de E. Ionesco, o conteúdo da dramatização em estudo; definir o conceito de “drama do absurdo”; explique o significado da sequência de ação; comentar os principais episódios do drama expressando sua própria avaliação da pessoa neles retratada; formular os problemas colocados pelo dramaturgo. tipo de aula: aprendendo novo material.

DURANTE AS AULAS

EU. Estágio organizacional

II. Atualização de conhecimento de referência

Ouvindo vários trabalhos criativos(cm. Trabalho de casa lição anterior)

III. Definir a meta e os objetivos da aula.

Motivação para atividades de aprendizagem

Professor. O escritor francês Eugene Ionesco é um famoso dramaturgo, um dos os representantes mais brilhantes movimento teatral do absurdo. As obras dramáticas de Eugene Ionesco estão repletas de imagens abstratas, a maioria delas incorporando a ideia de rejeição do totalitarismo e da opressão do indivíduo.

Apesar da óbvia originalidade e originalidade das imagens, personagens, ideias e enredos, o próprio Ionesco afirmou que as suas peças eram completamente reais. são reais na mesma medida em que a vida retratada nessas peças é absurda. A abordagem deste autor mostra-nos de forma convincente quão filosóficas são as opiniões. Entre os mais trabalho famoso escritor - peças “Cantor Careca”, “Rinocerontes”, “Assassino Desinteressado”, “Pedestre Aéreo”, “Desespero a Dois”, “Sede e Fome”, “Homem com Malas”. E. Ionesco também é autor de muitas histórias, ensaios, memórias e artigos sobre arte.

Muitas das peças de Eugene Ionesco são difíceis de interpretar e podem igualmente ser vistas com completa atenção. pontos diferentes visão. no entanto, cada obra dramática de E. Ionesco é dedicada à vida como tal, à sua complexidade, completude e diversidade. E hoje na aula você verá isso.

4. Trabalhando no tópico da lição

1. introdução professores

dramaturgo francês Origem romena E. Ionesco (1909-1994) ficou na história da literatura mundial como o mais brilhante teórico e praticante do “teatro do absurdo”. O termo “teatro do absurdo” foi introduzido por Martin Esslin em 1962, querendo dar nome ao drama com enredo ilógico e sem sentido, apresentando ao espectador uma combinação de coisas incompatíveis. muitos críticos literários do século XX. viu as origens do gênero em movimentos literários e filosóficos de vanguarda, em particular no dadaísmo. Os principais fundamentos do dadaísmo foram a promoção do assistemático e a negação de quaisquer ideais estéticos. o teatro do absurdo tornou-se uma nova força que destruiu os cânones teatrais e não reconheceu nenhuma autoridade. o teatro do absurdo desafiou não apenas tradições culturais, mas também, em certa medida, ao sistema político e social.

Os acontecimentos de qualquer peça absurda estão longe da realidade e não procuram se aproximar dela. O incrível e o inimaginável podem se manifestar tanto nos personagens quanto nos objetos circundantes e nos fenômenos ocorridos. local e hora de ação em tal obras dramáticas, via de regra, é bastante difícil de determinar, principalmente porque a ordem e a lógica do que está acontecendo podem não ser observadas. Não há lógica nas ações dos personagens ou em suas palavras. Autores absurdos criam imagens absurdamente fantásticas que surpreendem, assustam e às vezes divertem com sua flagrante incongruência. A irracionalidade é o que o teatro do absurdo busca.

Eugene Ionesco considerou o termo “teatro do absurdo” pouco apropriado. Em seu discurso, conhecido como “Existe futuro para o teatro do absurdo?”, ele propôs outro – “o teatro do ridículo”. Nele, segundo o dramaturgo, todas as leis psicológicas e físicas são violadas, e os personagens são simplesmente palhaços. Maioria obras clássicas E. Ionesco não os considerou menos absurdos que as amostras nova dramaturgia, ao qual pertenciam suas peças. Afinal, o realismo no teatro é condicional e subjetivo, pois em qualquer caso é fruto da imaginação e da criatividade do escritor.

2. apresentação pelos alunos de “cartões de visita literários” sobre a vida e obra de E. Ionesco

(Os alunos compõem tabela cronológica vida e obra de E. Ionesco.)

Eugene Ionesco é um dramaturgo, escritor e pensador francês, um clássico da vanguarda teatral. Eugene nasceu em 26 de novembro de 1909 em Slatina, Romênia; V primeira infância seus pais o levaram para a França. Até os onze anos, Eugene viveu na aldeia de La Chapelle-antenaise. A vida na aldeia foi feliz para ele; foram as lembranças dela que se materializaram na obra do amadurecido Ionesco.

Em 1920, Eugene mudou-se para Paris, mas viveu lá por não mais que dois anos. Aos treze anos, Ionesco regressou à Roménia e viveu em Bucareste até aos vinte e seis. A influência das culturas francesa e romena na visão de mundo do futuro escritor e dramaturgo foi contraditória e ambivalente.

A primeira língua de Eugene foi o francês. As memórias da infância são refletidas de forma vívida e completa em suas obras. No entanto, a mudança subsequente para sua terra natal, na Romênia, aos treze anos, fez com que Eugene começasse a esquecer seu amado francês. Escreveu seu primeiro poema em língua romena, seguido por poemas franceses e novamente romenos.

Primeira etapa criatividade literária Ionesco ficou marcado por um ousado panfleto “Não!” com espírito niilista. Nele, Eugene mostrou a unidade dos opostos, primeiro condenando e depois elogiando três escritores romenos.

Na Universidade de Bucareste, Eugene estudou Francês e literatura francesa para adquirir a habilidade de escrever em francês. Desde 1929, Eugene começou a ensinar francês. Nesse período, seu domínio literário começou a surgir.

Aos vinte anos, E. Ionesco regressou a Paris, desta vez com a intenção de aí viver por muito tempo. Em 1938, defendeu sua dissertação filosófica de doutorado na Sorbonne, “Sobre os motivos do medo e da morte na poesia francesa depois de Baudelaire”.

Mesmo enquanto estudava na Universidade de Bucareste, Eugene encontrou a manifestação dos sentimentos nacionalistas e pró-fascistas que reinavam na sociedade jovem. Com o seu trabalho, Ionesco tentou mostrar a sua rejeição a esta tendência “da moda”. o jovem escritor odiava qualquer manifestação de totalitarismo e pressão ideológica sobre as pessoas. Ele incorporou essa ideia na peça “Rinoceronte”, que mais tarde se tornou uma das mais populares.

Em 1970, Eugene Ionesco tornou-se membro da Academia Francesa de Ciências. Naquela época, Eugene já tinha muitas peças, além de coleções de contos, ensaios e memórias biográficas: “Fotografia de um Coronel” (1962), “Migalhas de um Diário” (1967), “Passado Presente, Presente Passado” ( 1968) e muitos outros. Em 1974, Ionesco criou o famoso “Eremita”.

2 1994 Eugene Ionesco morreu em Paris de uma doença grave e dolorosa.

3. conversa analítica

Š o que levou o dramaturgo a criar o drama “Rinoceronte”?

Š Que outras interpretações pode ter o enredo sobre a “concepção”?

Š Reconte brevemente o enredo desta peça dramática (“em cadeia”).

Š Qual o significado da “concepção” de massa na obra e a principal resistência? O que Yonesco esconde por dentro?

Š Como o problema da originalidade humana se relaciona com a ideia da peça?

Š Comente os principais episódios do drama, expressando sua própria avaliação do que está retratado neles.

4. Questão problemática (em pares)

Š O que você acha que E. Ionesco quis dizer quando afirmou: “o teatro do absurdo sempre viverá!”? Você concorda com a previsão dele?

V. Reflexão. Resumindo a lição generalização do professor

O drama se passa em um pequeno cidade provincial, seus habitantes são representados pelos donos da loja e do café, pela dona de casa, pelos funcionários do escritório que publica literatura jurídica, pelo lógico e por um certo senhor idoso, provavelmente constituindo “ elite intelectual" No primeiro ato, o quadro da vida comum e miserável da cidade é interrompido pelo repentino aparecimento barulhento de um rinoceronte na rua; logo, também com um rugido, em uma nuvem de poeira, um rinoceronte volta a correr - ou; o mesmo ou outro, o que só dá origem a uma disputa entre os personagens sobre quantos chifres o(s) alienígena(s) tinha(m)? Os habitantes da cidade choram por um gato morto por um enorme animal, a caixa com seu corpo é acompanhada por uma espécie de cortejo fúnebre; Um efeito igualmente cômico é produzido no segundo ato por uma discussão no escritório sobre se um rinoceronte apareceu na cidade, e pela transformação de uma de suas funcionárias, Beth, em rinoceronte - com um rugido suave e triunfante, ele leva embora a esposa que veio do escritório. Mas no segundo e terceiro atos, a atmosfera sinistra cresce cada vez mais - à medida que os trabalhadores de escritório e em geral todos os moradores da cidade, com exceção de um, se transformam em rinocerontes. Nem a dúvida nem a compaixão penetrarão na sua pele dura. Nisso eles são todos iguais, diferem apenas no tamanho e no número de chifres na cabeça - um ou dois chifres...

Quando a Segunda Guerra Mundial terminou, as pessoas de todo o mundo começaram a perguntar-se como foi possível que o fascismo tivesse surgido no meio da Europa civilizada. Acima de tudo, a humanidade estava preocupada com a questão de como pessoas inteligentes, educadas e gentis permitiram o extermínio de milhões de concidadãos apenas porque eram de origem diferente.

Uma das primeiras tentativas de explicar movimentos semelhantes foi feita por Eugene Ionesco. “Rinoceronte” (em outra tradução “Rinoceronte”) é uma peça em que descreve o mecanismo de surgimento de um fenômeno estranho na sociedade, que gradualmente se transforma em norma.

Biografia de Eugênio Ionesco

O dramaturgo nasceu na Romênia em 1909, já que seu pai era de lá e sua mãe era francesa. Desde criança, o menino falava vários idiomas, inclusive francês. Com a eclosão da Primeira Guerra Mundial, o relacionamento entre os pais do menino deteriorou-se e eles se separaram. A mãe pegou os filhos e partiu para sua terra natal, a França.

Quando Eugene Ionesco cresceu, tentou morar com o pai na Romênia. Aqui ele ingressou na Universidade de Bucareste, planejando ensinar francês. Mas em 1938 ele retornou à terra natal de sua mãe e ficou morando em Paris para sempre.

Ionesco escreveu os seus primeiros poemas e, ao longo dos anos em que viveu na Roménia, começou a esquecer o francês, de modo que, quando regressou a França, teve de reaprender a sua segunda língua materna.

A formação de um dramaturgo

Enquanto ainda estudava em Bucareste, Eugene viu o surgimento da popularidade dos movimentos pró-fascistas. Porém, para o próprio dramaturgo, esta paixão daqueles que o rodeavam parecia selvagem; mais tarde esta experiência tornou-se o tema de “Rinoceronte” e suas outras obras.

Retornando a Paris, Ionescu escreve uma dissertação sobre Charles Baudelaire e também está ativamente empenhado na escrita de suas próprias obras. Ionesco era mais famoso por suas peças, mas também escreveu contos e ensaios.

Eugene estreou como dramaturgo em 1950 com a peça “The Bald Singer”, que escreveu sob a influência de um tutorial de língua inglesa. Foi esta obra que se tornou um exemplo clássico do “teatro do absurdo” - direção literária, que Ionesco aderiu em seu trabalho.

Eugene Ionesco morreu em março de 1994. Mais popular entre herança criativa As peças de Ionesco “O Rinoceronte”, “O Cantor Careca”, “Cadeiras”, “O Assassino Desinteressado”, “Macbeth”, “Passagem Aérea” e outras.

As origens da peça "Rinoceronte" ("Rinoceronte")

Após o sucesso de sua primeira peça, o dramaturgo aprimorou ativamente sua habilidade de escrever no gênero do absurdo e do paradoxo. Negando o realismo produções teatrais, ele acreditava que era preciso voltar às origens, quando todas as peças eram repletas de símbolos ocultos e meias dicas. No final dos anos cinquenta, quando a Europa recuperava lentamente da guerra, muitos começaram a pensar nas razões do surgimento do fascismo, temendo a repetição de tal tragédia. Sendo um opositor de qualquer sistema totalitário desde os seus estudos na Roménia, Eugene Ionesco estava mais familiarizado com este tema do que qualquer outra pessoa. “Rinoceronte” (“Rinoceronte”) - era assim que era chamado nova peça, publicado em 1959. No mesmo ano foi encenado no Teatro de Düsseldorf.

Eugene Ionesco “Rinoceronte”: resumo

A peça consiste em três atos. Na primeira, dois camaradas, Jean e Beranger, sentam-se perto de um café na praça. Jean repreende o amigo, que aparentemente bebeu muito ontem e ainda não teve tempo de recuperar o juízo. De repente, um rinoceronte passa correndo por eles. Todos ao redor estão assustados e discutindo esse acontecimento fora do comum, expressando sua indignação. Só Beranger fica indiferente a tudo, até que a charmosa Daisy, por quem o homem está apaixonado, entra no café. Enquanto isso, Jean lê para ele a moral sobre o modo de vida correto e, no final, Beranger concorda em dedicar esta noite ao desenvolvimento cultural.

De repente, ouve-se um estrondo e descobre-se que o rinoceronte acaba de esmagar o gato do dono. Todo mundo discute sobre quantos rinocerontes existiam e como eles eram. Bérenger declara inesperadamente que nada pode ser visto na poeira levantada pelo rinoceronte correndo. Jean se ofende com ele, o insulta e vai embora. E o homem chateado pede um drink e decide abandonar a programação cultural planejada.

O segundo ato da peça "O Rinoceronte" de Ionesco acontece a serviço de Beranger no escritório.

Todos aqui estão discutindo ativamente sobre os rinocerontes e o aumento inexplicável de seu número. Eles discutem, brigam, expressam opiniões diferentes até perceberem que sua colega Beth nunca veio trabalhar.

Logo sua esposa chega e conta com horror sobre o desaparecimento de seu marido, e um rinoceronte gigante vem correndo atrás dela. De repente, Madame reconhece nele seu marido, e a fera atende seu chamado. Sentada de costas, ela sai para casa.

Daisy chama os bombeiros para ajudar os funcionários do escritório a descer, já que o rinoceronte Beth quebrou a escada. Acontece que já existe um grande número de rinocerontes na cidade e seu número está crescendo.

Um dos trabalhadores de Dudar convida Bérenger para tomarem um drink juntos, mas ele recusa, pois decide ir até Jean e fazer as pazes com ele.

Chegando ao apartamento de um amigo, Beranger percebe que ele não está bem. Aos poucos, quase diante dos olhos do herói, seu amigo se transforma em rinoceronte. Um homem assustado pede ajuda ao vizinho, mas ele próprio já se tornou uma fera. Olhando pela janela, Beranger vê que na rua muitos rinocerontes já estão destruindo bancos. Assustado, ele foge para sua casa.

O terceiro ato da peça "Rinoceronte" de Eugene Ionesco acontece no apartamento de Beranger.

Ele passa mal e seu colega Dudar vem vê-lo. Durante a conversa, Beranger sempre parece se transformar em um rinoceronte. Isso o assusta terrivelmente. Porém, o convidado acalma o homem, dizendo que isso é normal, pois os rinocerontes são criaturas muito fofas, embora um pouco rudes. Acontece que muitos moradores respeitados da cidade, em particular o Logic, há muito se tornaram rinocerontes e se sentem bem. Bérenger está horrorizado que cidadãos tão nobres e sensatos tenham escolhido tal caminho.

Enquanto isso, Daisy entra correndo no apartamento. Ela conta aos homens que seu chefe também se tornou um rinoceronte para acompanhar esse fenômeno que está na moda. Bérenger pondera a ideia de que os rinocerontes poderiam de alguma forma ser isolados das pessoas para impedir o crescimento da sua população, mas os convidados o convencem de que os parentes dos rinocerontes serão contra, assim como os ativistas dos direitos dos animais.

Dudar sente-se claramente atraído por Daisy, porém, tem ciúmes dela por Bérenger, então abandona seus interlocutores e se transforma voluntariamente em rinoceronte.

Deixados sozinhos, Daisy e Beranger ficam assustados, pois o rugido dos animais pode ser ouvido de todos os lugares, até no rádio. Logo a menina muda de ideia, decidindo que os rinocerontes são dignos de respeito e, tendo recebido um tapa na cara do indignado Beranger, vai para o rebanho.

O homem fica sozinho, perguntando-se se deveria ser um rinoceronte. Como resultado, ele procura uma arma, preparando-se para se defender até o fim.

O personagem principal da peça é Beranger

Toda a ação que acontece na peça "O Rinoceronte" de Ionesco gira em torno de Bérenger.

Comparado a outros residentes respeitáveis ​​da cidade, ele parece um pária. Desarrumado, pouco pontual, muitas vezes falando fora do lugar, com os outros, até mesmo Melhor amigo Zhana. Ao mesmo tempo, ele não prejudica absolutamente ninguém, exceto talvez a si mesmo.

No entanto, à medida que a acção avança, verifica-se que a principal falha de Beranger é apenas o facto de ele não se esforçar para se conformar às normas ou modas geralmente aceites. Então, quando todos no café estão ocupados observando rinocerontes, o homem pensa na garota que ama. Além disso, ele não tenta mentir para se encaixar na equipe e acidentalmente expõe os outros em mentiras.

Ao contrário dos habitantes racionais da cidade, Beranger vive de sentimentos. Ele está apaixonado por Daisy e por causa dela não percebe os problemas ao seu redor. Além disso, um homem que claramente parece um alcoólatra valoriza muito mais a amizade do que Jean, que está correto em todos os aspectos. Afinal, para fazer as pazes com ele, Beranger se recusa até a sair para beber.

Outra diferença é o sentimento de inferioridade. Quando tudo ainda está calmo na cidade, o herói parece disfuncional em comparação com aqueles ao seu redor. E quando todos os moradores, por diversos motivos, se transformam em animais, recusando-se a se tornar rinocerontes, Beranger novamente se sente diferente de todos os outros.

Eugene Ionesco “Rinoceronte”: análise

Se hoje o estilo da peça e as ideias nela expressas parecem comuns, então na época de seu aparecimento, nos anos 60, era algo novo e marcante.

Isso foi facilitado pelo fato de esta peça incluir todas as características do teatro do absurdo, que Eugene Ionesco (Rinoceronte) destacou nessa direção. Os críticos receberam a peça de forma positiva, em particular, consideraram esta obra antifascista. Porém, o próprio autor reagiu negativamente a tal interpretação de sua obra, argumentando que suas ideias eram muito mais amplas, mas cada um é livre para interpretá-las a seu critério.

Em sua obra, o escritor protestou ativamente contra quaisquer ideias totalitárias que transformassem as pessoas em uma massa cinzenta submissa e destruissem a individualidade.

Esta peça mostra claramente características do teatro do absurdo como a negação do realismo - todos os eventos parecem fantásticos e sem sentido. Os espectadores e leitores entendem o que aconteceu, mas ninguém sabe por que as pessoas de repente começaram a se transformar em rinocerontes (punição pelos pecados, truques de OVNIs ou qualquer outra coisa).

O pensamento racional e pragmático, que Ionesco acreditava ser a causa de todos os problemas, também é criticado na peça. O único caráter irracional de Bérenger permanece invulnerável a doença estranha, transformando pessoas em rinocerontes.

É interessante que em sua peça Eugene Ionesco descreveu todas as etapas da tecnologia de legalização de qualquer fenômeno alheio à sociedade, que foi formulada apenas na década de noventa do século XX e chamada de janela de Overton. Segundo ele, qualquer ideia, mesmo a mais selvagem, por exemplo, o canibalismo, pode ser aceita pela sociedade como norma, passando por seis estágios: impensável, radical, aceitável, razoável, padrão e normal.

Destino de palco da peça

Depois de sua magnífica atuação em Teatro parisiense Em 1960, o Odeon encenou o drama Rinocerontes em vários países do mundo. A peça foi inicialmente considerada antifascista, então na estreia alguns dos personagens estavam vestidos de alemão uniforme militar. Mas com o passar dos anos, a sua percepção mudou e os novos diretores usaram técnicas diferentes para transmitir a sua visão.

"Rinoceronte" foi encenado em muitos dos palcos mais famosos do mundo, e os maiores atores do teatro e do cinema consideraram uma honra atuar nesta peça. O papel de Beranger foi interpretado pela primeira vez pelo ator francês Jean-Louis Barrault. Mais tarde, esse personagem foi interpretado por tais artista famoso, como Victor Avilov, Laurence Olivier, Benedict Cumberbatch e outros.

O destino dos rinocerontes na URSS

Tendo se tornado uma obra antifascista reconhecida após sua estreia, Rinocerontes apareceu na URSS apenas cinco anos depois. A peça foi publicada em Literatura Estrangeira. Mas logo foi banido, uma vez que as ideias expressas em “Rhinoceros” criticavam o comunismo e o socialismo. No entanto, isso não impediu que a peça se espalhasse. Seu texto foi reescrito, reimpresso e passado de mão em mão. E a proibição adicionou popularidade sem precedentes a este trabalho.

Em 1982, a peça foi encenada por um dos teatros amadores de Moscou. Porém, quase imediatamente após a estreia, a peça foi encerrada e até a Perestroika não foi autorizada a ser encenada. Contudo, depois de Gorbachev chegar ao poder, os Rinocerontes iniciaram a sua marcha vitoriosa através melhores cenas URSS e depois Rússia.

Citações de "Rinoceronte"

Ionesco considerava o jogo de palavras um dos elementos integrantes do teatro do absurdo. “Rinoceronte” (citações abaixo) continha muitos paradoxos verbais. Por exemplo, a reflexão do Lógico sobre um gato.

Ou um breve diálogo sobre crianças:

- Eu não quero ter filhos. Tão chato.
- Como você vai salvar o mundo então?
- Por que você precisa salvá-lo?

Os pensamentos dos personagens sobre a verdade também são profundos: “Às vezes você causa o mal por acidente, sem querer, ou acidentalmente o encoraja”.

Mais de cinquenta anos após a sua estreia, a peça “Rinoceronte” de Ionesco ainda não perde a sua relevância e é encenada em vários teatros de todo o mundo.

Objetivo: Mostrar aos alunos o enredo inusitado do drama “Rinoceronte”; consolidar informações teóricas sobre o “teatro do absurdo”; melhorar a capacidade e habilidade de análise da peça do “teatro do absurdo”; cultivar o desejo de preservar a individualidade; enriquecer a experiência espiritual e moral e ampliar os horizontes estéticos dos alunos. Equipamento: Texto da peça “Rinoceronte” de E. Ionesco, ilustrações da peça, quadro comparativo. Resultados Previstos: Os alunos conhecem o conteúdo da peça teatral em estudo; comentar seus principais episódios, expressando sua própria avaliação do que neles é retratado; formular os problemas colocados pelo dramaturgo; analisar cenas que revelam a psicologia da “multidão”; avaliar a habilidade do dramaturgo; explique o significado do conceito de “drama do absurdo” e observe seus traços característicos a partir do exemplo da peça estudada. Tipo de aula: Combinada (aula reflexiva). PROGRESSO DA LIÇÃO Etapa Organizacional Atualização de Conhecimentos Básicos 1. Conversa ♦ Explique como você entendeu a essência do conceito de “teatro do absurdo”? ♦ Por que o absurdo se torna uma das categorias centrais de muitas obras literatura pós-guerra? ♦ revelar as contradições mais “chamativas” da vida expressadas na peça dramática “Rinoceronte”. 2. Ouvir vários trabalhos criativos (ver. trabalho de casa lição anterior) III. Definindo as metas e objetivos da lição. Motivação para Atividades de Aprendizagem Professor. O famoso dramaturgo francês Eugene Ionesco não pretendia recriar a realidade. As obras deste dramaturgo assemelham-se a um puzzle, pois as situações, personagens e diálogos das suas peças assemelham-se mais a associações e imagens de um sonho do que da realidade. Mas com a ajuda do absurdo, o autor expressa tristeza pelos ideais perdidos, o que torna suas peças humanísticas. O drama de E. Ionesco “Rhinoceros” é um dos as peças mais interessantes não só do seu tempo. Escrito em 1959, refletia as características essenciais do desenvolvimento sociedade humana(além dos limites do tempo e do espaço). Em "Rinoceronte" se desenrola o drama da solidão do indivíduo, da consciência individual em colisão com o mecanismo social. Ionesco argumenta que uma ideia tem valor e significado até capturar a consciência de muitos, porque então se torna uma ideologia. e isso já é perigoso. Ionesco utiliza uma forma peculiar, uma imagem grotesca da transformação de pessoas em rinocerontes. o absurdo dos acontecimentos retratados pelo dramaturgo enfatiza a agudeza do pensamento do autor, que se opõe à despersonalização e à privação da individualidade. 4. Trabalho sobre o tema da aula 1. discurso introdutório do professor - Assim, a partir dos acontecimentos de sua época, Ionesco dá um passo em direção a uma generalização ética geral. Através do aparente absurdo dos acontecimentos descritos em “Rinoceronte”, importantes ideias filosóficas: o sentido do ser, a capacidade de uma pessoa resistir ao mal, de se preservar como indivíduo. A ideia de resistir ao mal é mostrada através da resistência do bêbado e desleixado Beranger à massa em geral. Por que é ele, e não o refinado e correto Jean, que sabe viver, quem consegue isso? Afinal, à primeira vista, Jean é a personificação de todas as virtudes, respeitabilidade e reconhecimento público. no entanto, tudo isto é uma forma de ser como todos os outros, de ter o respeito da sociedade, de viver de acordo com as suas regras. Ele não reconhece pessoas de outras nacionalidades e outros pensamentos, e essa intolerância não lhe permite ver os outros, sentir outra pessoa. uma atitude tolerante em relação aos ideais, gostos, religião, nações de outras pessoas - evidência Alta cultura, paz. Estas são precisamente as características de que Beranger é dotado. Para ele, o sucesso externo que Jean almeja é insignificante. Mas isto lhe dá a liberdade de decidir por si mesmo o que é o mal e de lutar por si mesmo: “Eu último homem e estarei até o fim! Eu não vou desistir!". 2. conversa analítica ### Quem é Jean? Como o dramaturgo pinta essa imagem? ###Quem é Béranger? Qual filosofia de vida ele está promovendo? ### Quem foi o primeiro a se transformar em rinoceronte e por quê? ### Qual é a essência da disputa entre Beranger e Desi? Determine a posição de todos. De que lado está o autor? ### O que indica o monólogo de Béranger após a transformação de Desi em rinoceronte? ### Quais são os motivos das dúvidas de Beranger? Qual é o significado da sua exclamação: “Ai daquele que quiser preservar a sua originalidade”? ### o que faz um herói decidir lutar? Como isso é demonstrado no texto do monólogo de Beranger? O herói vencerá? ### Quem, segundo E. Ionesco, tem chance de preservar rosto humano? ### O que indica o fato de Bérenger não ter se tornado um rinoceronte? ### Como o enredo e a composição da peça contribuem para seu caráter absurdo? 3. Compilação tabela comparativa(ou característica) “O contraste entre externo e mundos interiores Beranger e Jean" (em duplas) Generalização do professor - Pretensioso e confiante em seu direito de ensinar os outros, de pressioná-los com a massa bruta de sua superioridade - na obtenção de sucesso profissional, aparência, riqueza material - o oficial Jean é a personificação de todas as virtudes, respeitabilidade e reconhecimento público. O portador do princípio individual da peça é Beranger, a cuja imagem estão associadas as tentativas do autor de encontrar um herói capaz de resistir ao mal. Embora Bérenger atue no escritório, ele não faz parte do Sistema que absorve o indivíduo. Ele está consumido pelas dúvidas, está sobrecarregado pela solidão, mas a sociedade também é assustadora. Com todas as suas fragilidades humanas, que aparecem claramente já no primeiro ato durante um encontro com o “correto” e respeitável Jean, Beranger atrai com sua sinceridade e espontaneidade na manifestação de sentimentos, enquanto Jean, que se afirma esclarecido e respeitável, na verdade usa uma máscara. Podemos falar do individualismo do herói, que desperta a simpatia do autor, mas o “individualista” Beranger sente-se responsável por Jean, pela sua querida menina Daisy, e tenta ao máximo resistir à sua transformação em rinocerontes; o mais importante é que ele está preocupado com o destino da humanidade, ele quer “salvar o mundo”, o que se manifesta de maneira especialmente clara em seu último diálogo com Daisy. Ao mesmo tempo, ele não tem certeza de si mesmo, às vezes até lamenta não poder se tornar um rinoceronte. Quero enfatizar especialmente essa natureza orgânica interna do herói, sua incapacidade, por sua natureza interna e singularidade humana, de se transformar em uma força monótona e destrutiva. A originalidade do princípio pessoal, diz E. Ionesco em sua peça, torna-se um grande teste para uma pessoa, até um drama, mas é justamente aquele que não sabe “se juntar ao rebanho” que consegue resistir a isso rebanho. É por isso que é Bérenger quem empunha a espingarda para combater os rinocerontes. No entanto, a posição do autor é complexa. O desafio colocado na boca do herói: “Continuarei homem até o fim”, “não capitularei” evoca admiração. Mas é possível “salvar o mundo” confiando apenas na sua solidão? É provável que o autor não coloque esta questão; ele coloca a ênfase em outra coisa – não no problema da luta, mas na ameaça da “onosorose” da sociedade, que facilmente se presta a qualquer tratamento ideológico, como E. O próprio Ionesco disse, “histeria coletiva e epidemias”. tais “epidemias” podem receber a interpretação mais ampla possível. Ao mesmo tempo, há evidências de que o autor tinha em mente o fenômeno mais terrível e repugnante do século XX. - Nazismo. 4. Trabalho comparativo em grupos ### Compare as metáforas da transformação de uma pessoa em inseto (F. Kafka “Metamorfose”) e a transformação em massa de pessoas em rinocerontes (E. Ionesco “Rinoceronte”). O que você vê em comum nas obras de F. Kafka e E. Ionesco? Generalização do professor - em dramaturgia e obras em prosa Eugene Ionesco, os pesquisadores literários encontram características que de alguma forma ressoam na obra de Franz Kafka. Comparações de motivos semelhantes foram feitas por estudiosos da literatura nacional mais de uma vez. Ionesco imita em grande parte o dramaturgo austríaco, transportando ao longo de toda a obra visões semelhantes sobre a vida e seus fenômenos. Ambos os escritores - F. Kafka e E. Ionesco - olham para o mundo como algo caótico, mas no seu caos revela uma lógica clara. Enredos As obras de F. Kafka, apesar de toda a sua confusão, paradoxo e versatilidade, revelam ordem e lógica, mas a lógica às vezes é contraditória. Exatamente da mesma forma, são criadas as situações absurdas em que vivem e atuam os heróis das obras de Eugene Ionesco. As obras de Franz Kafka são muito difíceis de interpretar em seu simbolismo e imagens. E, como disse A.. Camus, o símbolo muitas vezes está fora do controle da mente do criador e às vezes o controla. austríaco e Escritores franceses criou obras que impressionam pela versatilidade. O grande número de oportunidades de compreensão que a diversidade de um texto literário proporciona fala do inegável talento mais brilhante dos autores. Nos conceitos linguísticos de F. Kafka e E. Ionesco, pelo contrário, observam-se diferenças. A linguagem escrita de F. Kafka é concisa e lacônica. O escritor utiliza um mínimo de meios verbais expressivos, ao mesmo tempo que brinca com maestria com imagens e símbolos. E. Ionesco, ao contrário, brinca com as palavras. Mas, tendo como pano de fundo o absurdo da existência, os meios verbais e as piadas linguísticas muitas vezes revelam-se escassos. Apesar dos óbvios elementos de semelhança nas obras de F. Kafka e E. Ionesco, o dramaturgo francês não é um continuador das tradições do escritor austríaco e de seu sucessor. A obra de ambos os autores, apesar das semelhanças, é profundamente única e original, mas muito característica de todo o movimento do absurdo. V. Reflexão. Resumindo a Lição 1. “Abdominais” ♦ Você pode argumentar com E. Ionesco, que acreditava que “nem uma vez em minha vida fui atingido por uma mudança brusca no que poderia ser chamado opinião pública, a sua rápida evolução, o poder da sua contagiosidade, comparável a uma verdadeira epidemia. as pessoas de repente começam a professar uma nova fé, a aceitar uma nova doutrina, a sucumbir ao fanatismo... Ao mesmo tempo, vocês estão presentes em uma mutação gradual do Pensamento. Quando as pessoas param de compartilhar a sua opinião, quando não é mais possível chegar a um acordo com elas, você tem a impressão de que está se voltando para monstros...” 2. Palavra final professores - Em “Rhinoceros” E. Ionesco expressou seus sentimentos de longa data associados aos anos 1930-1940, durante o período da formação do fascismo na Europa, quando a intelectualidade de sua Romênia natal começou, como os heróis de sua futura peça, curvar-se à “moda”. O protesto intelectual de E. Ionesco refletiu-se no protesto de seu herói Beranger. Neste protesto está o principal pensamento criativo, ou, mais precisamente, a sua posição principal – o ódio aos regimes totalitários, à despersonalização. Ele proclamou esta posição durante toda a sua vida. vida criativa. E ao longo dos anos não perdeu relevância. As peças de E. Ionesco, escritas, ao que parece, de acordo com as leis do “teatro do absurdo”, superaram a intenção do autor e tornaram-se algo mais do que uma paródia do teatro. Assim, por meio do teatro do absurdo, Eugene Ionesco alerta a humanidade sobre a ameaça da despersonalização e do totalitarismo. E neste significado oculto interpreta "Rinoceronte". Ionesco acreditava que o teatro é um espetáculo onde a pessoa olha para si mesma. Esta é uma série de estados e situações com carga semântica crescente. O objetivo do teatro é mostrar a própria pessoa para libertá-la do medo da sociedade, do Estado e do meio ambiente. VI. Tarefa criativa de lição de casa. Escreva um ensaio-raciocínio (miniatura) “pessoas e rinocerontes - influência mútua, interpenetração ou oposição, rejeição?” Conheça o conteúdo do romance “Cursed and Killed” de V. P. Astafiev (revisão). Tarefa individual. Preparar relatórios sobre a vida e obra de V.P. Astafiev, sobre a história da criação do romance “Amaldiçoado e Morto” (2 alunos).
A peça “Rinoceronte” é um reflexo da sociedade humana, onde a brutalidade das pessoas é um resultado natural da estrutura social. Personagem principal peças - Bérenger testemunha como os habitantes de uma pequena cidade do interior se transformam em rinocerontes. Bérenger perde seu querido Desi, que finalmente se juntou ao rebanho de rinocerontes. Somente o perdedor e idealista Beranger mantém sua semelhança humana até o fim e encontra a coragem de permanecer humano até o fim. Rhinoceros apresenta pela primeira vez o personagem, um herói solitário que enfrenta as forças do totalitarismo. O primeiro público e os críticos viam Rhinoceros principalmente como uma peça antifascista, e a doença dos residentes da pequena cidade estava associada à peste nazista. Com o tempo, Ionesco explicou o conceito de sua obra desta forma: “Rinoceronte” é, sem dúvida, uma obra antinazista, mas antes de tudo é uma peça contra a histeria coletiva e as epidemias, que se escondem sob o disfarce da mente. e ideias, mas isso não as torna doenças coletivas menos graves que justificam ideologias diferentes." Ionesco não objeta que o teatro de vanguarda seja um teatro para a elite, pois é um teatro de busca, um teatro laboratório. Mas o dramaturgo está convencido de que o elitismo de tal teatro não é motivo para impedir a sua existência, pois reflete uma certa necessidade espiritual que surgiu na sociedade. Do ponto de vista de Jonesco, a arte é de natureza nobre porque protege a individualidade do herdismo. Como escreveu Ionesco, “a verdadeira nobreza nada mais é do que o desejo de liberdade”. O dramaturgo falou contra o preconceito da arte”... Ele considerava uma tarefa importante na arte a descoberta de vastos espaços que estão localizados dentro de nós. O exemplo do teatro de Ionesco foi uma partida de futebol com sua imprevisibilidade, dinamismo, drama e o prazer do jogo como tal. A peça certificou o afastamento de Ionesco do enfoque satírico e da relativa concretude da imagem. "Rinoceronte" é a personificação mais completa das ideias pessimistas do dramaturgo, familiar ao leitor e espectador desde sua trabalhos iniciais. Na peça, o dramaturgo criou um quadro de destruição total e repetiu o tradicional tema da inevitabilidade da morte para o teatro do absurdo. Em 1970, Ionesco foi eleito membro da Academia Francesa. Em 1972, sua nova peça “Macbeth” foi encenada. Além de peças teatrais, Ionesco também escreveu um romance e diversas séries de livros infantis. O dramaturgo faleceu em Paris em 28 de março de 1994. Ionesco é um mestre reconhecido Literatura francesa, um dos fundadores do “drama do absurdo”, clássico em que, segundo a expressão Crítico francês S. Dubrovsky, os franceses veem “um observador cáustico, um colecionador implacável da estupidez humana e um conhecedor exemplar de tolos”.

O absurdo deliberado do que está acontecendo, a falta de sentido dos diálogos nos primeiros dramas de Ionesco são substituídos em “Rinoceronte” por uma ação em desenvolvimento consistente, um único núcleo de enredo. Ao interligar as falas, Ionesco “trai” até certo ponto a forma estática do antidrama e introduz uma ação dinâmica; Os personagens fantoches sem rosto têm nomes: este é Jean Dudard, Beranger. Mas mesmo assim, personagens Os “rinocerontes” continuam a ser máscaras que corporizam vários modelos de comportamento social, que juntos constituem, do ponto de vista de Ionesco, um modelo universal de humanidade.

O cenário é uma pequena cidade provinciana. O nível de interesses dos seus residentes ilustra claramente o pensamento estereotipado, a rotina da existência, o culto ao “bom senso” e ao bem-estar pessoal. Entre os “guardiões” das verdades comuns, destaca-se a figura de Bérenger, que vive na contramão do “senso comum”. Ele despreza o que seus concidadãos reverenciam como um indicador do “preço” de uma pessoa: limpeza enfatizada, pedantismo, incrível semelhança de pensamentos. Suas declarações significativas até mesmo sobre as coisas mais comuns soam como uma repetição monótona de truísmos que foram confirmados de uma vez por todas. Beranger, ao contrário dos seus concidadãos, não se esforça para ter sucesso ou fazer carreira. Ele tem nojo da praticidade, do hábito de obedecer sem pensar.

Do ponto de vista do “senso comum”, Beranger é um perdedor. Ele está na pobreza porque negligencia os padrões de comportamento geralmente aceitos. Jean é o completo oposto de Beranger. Do alto de seu próprio bem-estar, ele ensina seu amigo. O pathos da sua “lição” reside em verdades comuns, “desgastadas” pelo uso demasiado frequente, como diz Bérenger.

A invasão da doença do “rinoceronte” é percebida pelas pessoas comuns como mais uma necessidade que deve ser obedecida, caso contrário podem ser suspeitas de falta de confiabilidade. Todos se esforçam para estar entre os primeiros a “nascer” para testemunhar a sua educação. Entre os primeiros a mudar de pele estavam os funcionários - uma categoria social para quem a capacidade de obedecer sem pensar é a virtude mais elevada. As regras do “jogo” permitem apenas duas escolhas: quem nasceu no tempo prospera, enquanto quem não teve tempo ou não quis está condenado à pobreza. Beranger pertence a esta última categoria; ele resiste ativamente à epidemia, condenando-se ao isolamento e ao exílio. Bérenger diz: “A solidão pesa sobre mim. A sociedade também." O herói de Ionesco liberta-se das amarras do mar

Onetki em sua oposição à onda geral de sentimentos leais.

“Rinoceronte” é um símbolo amplo que permite múltiplos significados: é também o perigo de qualquer recrutamento coletivo que ameace a liberdade; este é também o elemento do conformismo, um terreno fértil para todas as formas de totalitarismo; é também uma metáfora para a praga fascista. Ionesco distanciou-se claramente de qualquer interpretação, dando total liberdade aos leitores/espectadores e principalmente aos diretores. O famoso diretor francês Jean-Louis Barrault, em uma das primeiras produções parisienses em 1969, deu à peça um pronunciado caráter antifascista. No rugido dos rinocerontes ouvido atrás do palco, ouvia-se claramente a música “Lili Marlene”, popular durante a Wehrmacht, e o barulho das botas.

Só depois da produção de Barro é que Ionesco, que havia permanecido em silêncio, finalmente se pronunciou: “Rinoceronte é sem dúvida uma obra antinazista, mas acima de tudo é uma peça contra a histeria coletiva e as epidemias que justificam diversas ideologias”.

A dramaturgia de E. Ionesco, parodiando os aspectos paradoxais e absurdos da existência humana, “ensina à pessoa a liberdade de escolha”, compreendendo própria vida e seu lugar no mundo. “Nós - eu, começamos a mostrar o mundo e a vida em seu paradoxo real, real, e não suavizado, nem revestido de açúcar. O teatro foi projetado para ensinar liberdade de escolha a uma pessoa; ela não entende nem sua própria vida nem a si mesma; É daqui, desta vida tão humana, que nasceu o nosso teatro.”

Samuel Beckett (1906 – 1989)

A obra do dramaturgo S. Beckett começa apenas na década de 50. Naquela época, ele havia trabalhado arduamente até a obsessão, o romance “Murphy”, publicado em 1938, um brilhante ensaio sobre M. Proust (1931) e D. Joyce (1929). Na trilogia de romances - "Molloy" (1951), "Malon Dies" (1951), "Nameless" (1953) - são delineadas as principais linhas de desenvolvimento do drama de Beckett.

Até 1939, antes da sua mudança definitiva para Paris, o irlandês Beckett escreveu em língua Inglesa. Durante seu primeiro período em Paris, de 1929 a 1933, foi Secretário pessoal D. Joyce, que teve influência significativa no desenvolvimento criativo do escritor. Depois de 1939, Beckett escreveu em duas línguas - inglês e francês. O bilinguismo determinou a originalidade do estilo de Beckett: um giro especial da palavra, elipticalidade e jogo demonstrativo com consoantes e vogais foram usados ​​​​pelo escritor como meio de inovação linguística. Beckett procurou, como ele disse, “embotar a linguagem”: “Isso torna mais fácil para mim escrever sem estilo”.

O drama, que trouxe fama mundial ao escritor, atraiu-o com a oportunidade de mostrar com clareza a natureza paradoxal da existência humana. A pobreza de vocabulário, o silêncio e as pausas são utilizados por Beckett em seus dramas para expor a contradição entre a “coisa chamada” e a essência. Não admira que ele acreditasse que “a arte não é necessariamente uma expressão”.

A especificidade da evidência substitui a palavra como meio de comunicação. Na peça “Not Me” (1972), num palco vazio sob os holofotes há apenas uma boca, vomitando febrilmente uma torrente de palavras incoerentes: “aqui... para este mundo... bebezinho... prematuro ... no esquecido por Deus .. o quê?... uma menina?... neste... buraco esquecido por Deus, que é chamado... chamado... não importa... os pais são desconhecido quem... nada merecia atenção até completar sessenta anos, quando o quê?... setenta?... Senhor Deus!... alguns passos... depois uma parada... olhando para o espaço... parando e olhando de novo... ela nadou para onde seus olhos olhavam... como de repente... aos poucos tudo se apagou... toda aquela luz de uma manhã de início de abril... e ela se viu em... o que?... quem?... não!... ela! (pausa e movimento)... me encontrei no escuro.” Palavras e pausas são aqui calculadas matematicamente, apagando a diferença entre uma cena ao vivo e uma gravada, entre fala, ruído e silêncio. As palavras de Beckett existem para serem usadas, criando sua própria realidade. A atitude lúdica em relação à realidade está intimamente ligada à ironia, que mina a inequívoca dos julgamentos e avaliações.

Na peça “Happy Days” (1961), tudo é irônico, a começar pelo título. Os heróis da peça - Vinnie e Willie - estão gradualmente mergulhando em um buraco; ao mesmo tempo, Vinnie não se cansa de repetir: “Oh, que dia feliz!”, percebendo o calor escaldante do sol do meio-dia como uma espécie de graça - “Verdadeiramente grandes são as misericórdias para mim”. As palavras “dias felizes”, que aparecem como um refrão ao longo da peça, são uma paráfrase do termo comum Expressão inglesa. Essas palavras do drama não refletem nem o sentimento de felicidade e alegria, nem a beleza do momento vivido. Mas Vinny não sabe “o que fazer até encontrar as palavras”. Evitando pausas indesejadas, ela preenche o vazio com elas.

Os personagens de Beckett são capazes de ridicularizar a natureza tragicômica de sua situação: Winnie e Willie - acima da terra, queimada pelos impiedosos raios do sol; Nell e Nagg (Endgame, 1957) – sobre o luto. Nell diz ao marido: “Não há nada mais engraçado do que a dor. E no começo a gente ri disso, ri com vontade... mas não muda. É como uma boa piada que ouvimos com muita frequência. Ainda achamos que ele é espirituoso, mas não rimos mais."

Nas peças de Beckett não há limites claros entre o riso e as lágrimas. No Endgame, Hamm diz: “Você chora e chora para não rir”. O riso de Beckett é uma máscara trágica por trás da qual se esconde toda a complexidade da vida, que desafia avaliações inequívocas.

A ficção de Beckett se desenvolve apenas na direção de um vazio total cada vez maior, no qual personagens, enredo e linguagem se transformam em nada. A impotência para influenciar o curso dos acontecimentos é registrada em suas peças pela completa imobilidade e estática. Este paradoxo está incorporado em uma imagem visual. O mundo de Beckett é habitado por criaturas aleijadas, incapazes de se moverem de forma independente. Em Endgame, a ação está confinada às quatro paredes de uma sala, os heróis são aleijados e velhos: Hamm está acorrentado a cadeira de rodas, seus pais estão presos lata de lixo. Em “O Jogo” (1963), os personagens sem nome – Zh2, M e Zh1 – estão aprisionados em vasos que simbolizam “urnas de caixão”. Em “Kachi-Kach” (1981), a imagem do “movimento estacionário” é recriada

dado por uma cadeira de balanço que, sem parar um minuto, não se move do lugar.

Mundo da arte Beckett é um mundo de eterna repetição, em que o início coincide com o fim. Dia após dia, a espera por Vladimir e Estragon (“Esperando Godot”) se renova. Em Happy Days, cada novo dia é semelhante ao anterior. Winnie está sendo lentamente engolida pela terra, mas está teimosamente imersa na agitação mesquinha dos hábitos cotidianos: “...tudo é tão estranho aqui. Nunca qualquer mudança."

Beckett tenta “dar voz” à dor universal da desesperança. No Endgame, Hamm diz a Clov: “Esta noite olhei dentro do meu peito. Houve um grande bobo."

"Esperando Godot" - o mais peça famosa Beckett, que estava destinado a grande fama e pelo qual foi premiado em 1969. premio Nobel. Com todo o rigor na avaliação própria criatividade Beckett admitiu numa entrevista: “Escrevi todas as minhas obras num período de tempo muito curto, entre 1946 e 1950. Então, na minha opinião, não havia nada que valesse a pena.” Por “valer a pena” entende-se a nova trilogia e o drama sobre Godot.