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Em um verão rural sufocante ou em uma nevasca prolongada. Sem sair de casa, você pode encontrar inspiração em frutas comuns ou flores inusitadas. O sujeito não tenta virar a cabeça, como num retrato, e não transforma sombras em luz a cada segundo, como numa paisagem. Isso é o que há de bom no gênero de natureza morta. E “natureza morta” traduzida do francês, ou “ vida calma coisas" na versão holandesa, realmente anima o interior. Natalya Letnikova apresenta as 7 melhores naturezas mortas de artistas russos.

"Violetas da floresta e miosótis"

Violetas da floresta e miosótis

A pintura de Isaac Levitan é como um céu azul e uma nuvem branca - do cantor da natureza russa. Somente na tela não há espaços abertos nativos, mas um buquê de flores silvestres. Dentes-de-leão, lilases, centáureas, imortais, samambaias e azáleas... Depois da floresta, a oficina do artista se transformou em “uma estufa ou uma floricultura”. Levitan adorava naturezas mortas de flores e ensinou seus alunos a ver tanto as cores quanto as inflorescências: “Elas não deveriam cheirar a tinta, mas a flores”.

"maçãs e folhas"

Maçãs e folhas

As obras de Ilya Repin realçam organicamente o cenário brilhante do Museu Russo. O artista itinerante compôs uma composição para seu aluno Valentin Serov. Ficou tão pitoresco que o próprio professor pegou o pincel. Seis maçãs de um jardim comum - machucadas e com “barris”, e um monte de folhas esfarrapadas cores do outono, como fonte de inspiração.

"Buquê de flores. Floxes"

Buquê de flores. Floxes

Pintura de Ivan Kramskoy. “Uma pessoa talentosa não perderá tempo retratando, digamos, bacias, peixes, etc. É bom fazer isso para pessoas que já têm tudo, mas temos muito o que fazer”, escreveu Kramskoy a Vasnetsov. E, no entanto, no final da vida, o famoso retratista não ignorou o gênero da natureza morta. Buquê de floxes em vaso de vidro foi apresentado na XII exposição itinerante. A pintura foi comprada antes do dia da inauguração.

"Natureza morta"

Natureza morta

Kazimir Malevich a caminho do “Quadrado Negro” através do impressionismo e do cubismo, contornando o realismo. Uma tigela de frutas é fruto de buscas criativas, mesmo dentro de uma mesma imagem: linhas pretas grossas da técnica cloisonné francesa, pratos planos e frutas volumosas. Todos os componentes da imagem são unidos apenas pela cor. A característica de um artista é brilhante e rica. Como um desafio às cores pastel Vida real.

"Arenque e Limão"

Arenque e limão

Quatro filhos e pintura. Essa combinação na vida de um artista dita inequivocamente o gênero. Foi o que aconteceu com Zinaida Serebryakova. Numerosos retratos de família e naturezas mortas a partir das quais você pode criar um menu: “Cesta de Frutas”, “Espargos e Morangos”, “Uvas”, “Peixe com Verduras”... Nas mãos de um verdadeiro mestre, “arenque e limão” se tornará um trabalho de arte. Poesia e simplicidade: casca de limão em espiral e peixe sem frescuras.

"Natureza morta com samovar"

Natureza morta com samovar

Aluno de Serov, Korovin e Vasnetsov, “Valete de Ouros” - Ilya Mashkov adorava retratar o mundo ao seu redor e de forma mais vívida. Estatuetas de porcelana e begônias, abóboras... Carne, caça - no espírito dos antigos mestres, e pão de Moscou - esboços do mercado de Smolensk, na capital. E de acordo com a tradição russa, onde estaríamos sem um samovar? Uma natureza morta da área da vida festiva com frutas e pratos coloridos é complementada por uma caveira - uma lembrança da fragilidade da vida.

"Estude com medalhas"

Estude com medalhas

Natureza morta em estilo soviético. O artista do século 20, Anatoly Nikich-Krilichevsky, mostrou em uma pintura toda a vida da primeira campeã mundial soviética de patinação de velocidade, Maria Isakova. Com xícaras, atrás de cada uma delas estão anos de treinamento; medalhas conquistadas em uma luta acirrada; cartas e buquês enormes. Linda foto para o artista e uma crônica artística de sucessos esportivos. Ainda história de vida.

Natureza morta (francês nature morte - “natureza morta”) é um gênero Artes visuais, que retrata objetos ao nosso redor que possuem uma conexão semântica entre si. Esse tipo de arte atrai pelas grandes possibilidades visuais, que contribuem para o desenvolvimento de habilidades composicionais e de construção de cores.

A natureza morta nos transmite certas imagens e símbolos do mundo que nos rodeia. Envolve-nos no mundo da comunicação entre objetos, proporcionando a oportunidade de estarmos no papel de interlocutor. Um verdadeiro artista organiza a oportunidade para o espectador ver significado secreto objetos ao nosso redor. Pré-selecionando e organizando certos atributos em uma composição específica que carrega uma tarefa semântica específica.

A natureza morta teve origem na Europa durante os séculos XVI-XVII, mas a sua pré-história surgiu muito antes. Em pé de igualdade com gênero cotidiano A natureza morta por muito tempo não conseguiu assumir uma posição de liderança na pintura. Visto que era considerado impossível transmitir ideias sociais básicas através deste tipo de pintura. Graças aos grandes mestres, o gênero foi reconhecido como perfeitamente capaz de transmitir diversas condições sociais, afetando assim diversas virtudes sociais. Com a ajuda de vários atributos, foi criada uma ou outra imagem que reflete o significado da ideia principal. Itens domésticos classificados status social, o estilo de vida de seu dono, significativo para transmitir imagens de camadas sociais.

Voltando-se para a cronologia da história da arte, pode-se acompanhar a sequência de ascensão e queda de um gênero tão único como a natureza morta.

“O surgimento da natureza morta como gênero independente de pintura ocorreu graças à criatividade dos holandeses e flamengos artistas XVII século. O século XVII na Europa foi marcado como o século do apogeu da natureza morta. Durante este período, todas as principais variedades de natureza morta foram criadas.

Desenvolvimento progressivo da natureza morta na Europa Ocidental pintura XVII século pode ser amplamente explicado pelas peculiaridades da situação cultural e ideológica geral, em particular, pela extrema diluição e, ao mesmo tempo, personificação mútua de categorias como material e espiritual, individual e universal. A natureza morta afirmou artisticamente a mais concreta de todas as especificidades deste mundo - uma coisa, produto de uma atividade humana muito concreta, ao mesmo tempo, essas coisas terrenas feitas pelo homem eram dotadas de um significado alegórico, emblemático, percebido como sinais de valores imateriais e espirituais, como reflexão personificada sobre o significado vida humana. Uma coisa, tendo perdido seu significado alegórico, deixa de ser um objeto ótima arte. O gênero de natureza morta está gradualmente se tornando obsoleto.

O seu renascimento ocorreu no final do século XIX - início do século XX. Graças ao seu enredo e, até certo ponto, à esterilidade semântica, a natureza morta nestas décadas turbulentas para o desenvolvimento da arte revela-se especialmente conveniente para a experimentação criativa. Uma das mais conservadoras, do ponto de vista da iconografia, uma das mais consagradas em termos composicionais, a natureza morta permitiu aos artistas cometerem as mais ousadas, por vezes até paradoxais, violações das leis do género, mantendo-se no mesmo tempo dentro de seus limites. A maior parte das experiências nesta área teve como tarefa a trama mais completa e a desmaterialização figurativa das coisas.

As coisas parecem ultrapassar seus limites, perder seu significado e deixar de ser iguais a si mesmas. Eles ou se dissolvem em luz e cor, se dispersam na radiação de energias, ou se condensam em coágulos de matéria, formando combinações dos volumes mais simples, ou se espalham em muitos fragmentos - e de tudo isso novas coisas extramateriais ou, inversamente, supermateriais são criado na tela. Tal como nas pinturas do século XVII, têm um significado alegórico, mas, ao contrário das naturezas-mortas clássicas, o papel dos elementos primários nestes criptogramas pictóricos é desempenhado não tanto pelos próprios objectos, mas pelas suas características individuais, pelas suas qualidades. que estão saturados com maior tensão semântica.

Nos primeiros anos do século XX, houve não apenas uma indefinição das fronteiras das coisas dentro da natureza morta, mas também uma indefinição significativa das fronteiras do próprio gênero. Nas telas abertas de Matisse, os objetos que compõem uma natureza morta, permeada pelos ritmos orgânicos da natureza, fundem-se com a paisagem ou transformam-se eles próprios em paisagem, superando a barreira entre o mundo dos vivos e o mundo dos inanimados. Nas paisagens cubistas construídas por Picasso, a própria natureza é objetivada, adquirindo as características de ser feita, como uma coisa, a paisagem é comparada a uma natureza morta.” .

“A natureza morta também ocupou um lugar de destaque na obra dos artistas impressionistas franceses (Manet, Cézanne, Monet, etc.). Eles procuraram incorporar o primeiro novas impressões pelo que ele viu. Suas naturezas mortas, assim como a pintura impressionista em geral, caracterizam-se por: harmonia de cores puras percebidas diretamente na natureza, naturalidade e simplicidade vital de composição.

Um de os melhores mestres a natureza morta era famosa Artista francês Chardin, que conseguiu penetrar vida íntima as coisas mais corriqueiras, para aproximá-las do espectador, e isso é em grande parte facilitado pelo colorido esmaecido de suas pinturas, profundamente pensadas e provenientes da observação da vida, da simplicidade e da naturalidade na disposição dos objetos.

Nas naturezas-mortas de Chardin não há esquemas rígidos desenvolvidos pela escola holandesa, nem monotonia na técnicas composicionais, escolha de objetos, paleta de cores.” .

Na Rússia, a natureza morta é como gênero independente pintura, apareceu em início do XVIII século. A ideia foi inicialmente associada à imagem das dádivas da terra e do mar, ao mundo diverso das coisas que rodeiam o homem. Até final do século XIX natureza morta do século, em oposição ao retrato e pintura histórica, foi considerado um gênero “inferior”. Ele existiu principalmente como produção de treinamento e foi permitido apenas em um sentido limitado como pintura de flores e frutos.

O início do século XX foi marcado pelo florescimento da pintura russa de naturezas mortas, que pela primeira vez ganhou igualdade entre outros gêneros. A busca dos artistas pelo empoderamento linguagem figurativa acompanhado de pesquisas ativas nas áreas de cor, forma, composição. Tudo isso se manifestou de maneira especialmente clara na natureza morta. Enriquecido com novos temas, imagens e técnicas artísticas, a natureza morta russa desenvolveu-se com uma rapidez incomum: em uma década e meia, ela passou do impressionismo à criação de formas abstratas.

Nos anos 30-40 do século 20 este desenvolvimento parou, mas desde meados dos anos 50 a vida ainda tem experimentado Pintura soviética uma nova ascensão e a partir de então está finalmente e firmemente no mesmo nível de outros gêneros.

Roger Fenton. Frutas. 1860 Graham Clarke. A foto. Oxford, 1997

A Enciclopédia de Fotografia de Fred e Gloria McDarr define a palavra "natureza morta" da seguinte forma: " Termo geral para fotografias de objetos inanimados, produtos e mercadorias, muitas vezes para uso em publicidade.” Quando pequenos objetos são colocados na superfície de uma mesa, a fotografia de natureza morta é às vezes chamada de fotografia de “mesa”. Com exceção do último esclarecimento, esta definição bastante consistente com o usado em relação à pintura. Curiosamente, o próprio termo apareceu muito depois da imagem e refere-se a início do século XIX século. A combinação francesa nature morte (natureza morta ou mortificada) difere da natureza morta inglesa e do stilleben alemão (vida calma e tranquila) não apenas na ortografia, mas também no significado. Na Holanda, não existia um termo único: cada especialização (café da manhã, buquês de flores, naturezas mortas de peixes) tinha seu próprio nome.

Objetos inanimados estão presentes em obras de arte desde o Paleolítico. EM tempo diferente eles têm seu próprio papel e significado. As obras de Hans Holbein, Caravaggio ou Johannes Vermeer não são naturezas mortas, mas em suas obras ele recebe lugar especial tanto artística quanto semanticamente. A natureza morta surgiu como gênero independente apenas no século XVII.

A fotografia, que emprestou quase todos os gêneros da pintura, não abriu exceção para a natureza morta. Como mostra a história da fotografia, era a natureza morta a menos representada na arte fotográfica, embora esta história na verdade tenha começado com ela. Entre os primeiros experimentos heliográficos de Nicéphore Niépce estava uma natureza morta composta por uma garrafa, uma faca, uma colher, uma tigela e um pedaço de pão sobre uma mesa. Hippolyte Bayard fez uma composição a partir de moldes de gesso em 1839, Jacques-Louis Daguerre fez várias naturezas mortas com moldes de gesso, pequenas esculturas, pinturas e fragmentos de frisos antigos, Henry Fox Talbot - com conchas e fósseis. Vale ressaltar que naturezas mortas com atributos de arte também foram encontradas nas pinturas de Jean Baptiste Chardin.

Os fotógrafos frequentemente repetiam a composição e usavam os mesmos temas que os artistas. A afirmação de Henry Fox Talbot de que "a escola holandesa de pintura é a nossa fonte autorizada na representação de objetos da vida cotidiana" parece não ter passado despercebida, como evidenciado, por exemplo, pelo trabalho de Roger Fenton, William Lake Price e Drew Diamond . Os principais temas dessas naturezas mortas eram flores, frutas ou caça morta. Na França, o trabalho de Adolphe Braun era semelhante a uma versão fotográfica do trabalho de Jean-Baptiste Oudry, um popular pintor da corte do século XIX sobre a caça real de Luís XV.

As naturezas-mortas geralmente eram filmadas em ambientes fechados, mas havia exceções. Devido à baixa fotossensibilidade dos primeiros materiais fotográficos, vários fotógrafos preferiram trabalhar no jardim ou no jardim da frente. Foram utilizados todos os materiais disponíveis (escadas, ancinhos, carrinhos de mão, baldes, etc.), que muitas vezes eram misturados com utensílios domésticos trazidos e árvores frescas eram colocadas lado a lado com objetos inanimados; Tais são, por exemplo, as naturezas mortas de Louis-Rémy Robert, Hippolyte Bayard e Richard Jones.

Naturezas-mortas fotográficas baseadas no tema Vanitas (latim para “fantasmagórico”, “vaidade”), cujo atributo integrante é o crânio, aparecem em meados do século XIX século, por exemplo, por Louis Jules Duboc-Soleil, e aparecem de tempos em tempos no século 20 - Alfred Stieglitz, Irving Penn, Robert Mapplethorpe, etc.

No início do século XX, a fotografia procurava novas formas e objetos para incorporar o gênero natureza morta. Simplesmente capturar objetos organizados juntos não é mais suficiente. Ângulos complexos, fotografia em close-up, fotogramas, paixão pela forma e textura do objeto - tudo isso dá um novo visual ao antigo gênero. A gama de objetos está se expandindo: junto com utensílios domésticos banais como garfos ou copos, aparecem objetos industriais (ferramentas, peças de máquinas e máquinas-ferramentas). Pesquisas semelhantes foram realizadas por Alfred Renger-Patch, Alexander Rodchenko, Andre Kertets, Edward Steichen, Boris Ignatovich, Arkady Shaikhet, fotógrafos da Bauhaus, Edward Weston, William Underhill e outros.

O mundo das coisas comuns floresce novamente em meados do século com as naturezas mortas de Josef Sudek. A luz difusa suave confere a uma flor comum em um copo um clima lírico e melancólico.

Na segunda metade do século passado, a natureza morta é cada vez mais procurada na indústria publicitária. A feliz união do comércio e da arte está materializada nas naturezas mortas de Irving Pena. Clássico, estiloso, irônico, mas sempre simples e sofisticado. Graças a este mestre, pela primeira vez em 1944, uma natureza morta fotográfica apareceu na capa de uma revista de moda.

Entre os fotógrafos russos da segunda metade do século 20 que trabalharam neste gênero, um lugar especial pertence a Boris Smelov. Suas naturezas-mortas clássicas de objetos da vida antiga de São Petersburgo se distinguiam pela composição ideal e técnica impecável. Joel-Peter Witkin é um mestre incomparável da natureza morta “chocante”. A tradução do francês “natureza morta”, neste caso, reflete com precisão as predileções do autor - várias partes corpo humano sozinhos (“Torso”) ou emoldurados por flores e frutas (“Cabeça de Mulher”, “Festa dos Tolos”, etc.).

Em termos quantitativos, a natureza morta fotográfica é muito inferior a outros gêneros, aparecendo apenas esporadicamente na obra de um ou outro autor. Folheando livros sobre história da fotografia e catálogos de coleções principais museus, a chance de encontrar uma seção separada dedicada à natureza morta é praticamente zero.

natureza morta é um gênero de belas artes, principalmente pintura de cavalete, dedicado à representação de objetos inanimados: flores, frutas, caça morta, peixes, atributos de qualquer atividade.

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AINDA VIDA

Francês natureza morte – natureza morta), um dos gêneros da pintura. As naturezas-mortas retratam dádivas da natureza (frutas, flores, peixes, caça), bem como coisas feitas por mãos humanas (talheres, vasos, relógios, etc.). Às vezes objetos inanimados coexistir com os seres vivos - insetos, pássaros, animais e pessoas.

As naturezas-mortas incluídas nas composições temáticas já são encontradas na pintura do Mundo Antigo (pinturas murais em Pompéia). Há uma lenda de que o antigo artista grego Apeles retratou uvas com tanta habilidade que os pássaros as confundiram com uvas reais e começaram a bicá-las. A natureza morta surgiu como um gênero independente no século XVII. e ao mesmo tempo viveu seu apogeu na obra de mestres holandeses, flamengos e espanhóis.

Havia vários tipos de natureza morta na Holanda. Os artistas pintavam “cafés da manhã” e “sobremesas” de tal forma que parecia que a pessoa estava em algum lugar próximo e logo voltaria. Um cachimbo fumega sobre a mesa, um guardanapo está amassado, o vinho na taça não acabou, o limão foi cortado, o pão está quebrado (P. Klas, V. Kheda, V. Kalf). Também foram populares imagens de utensílios de cozinha, vasos com flores e, por fim, “Vanitas” (“vaidade das vaidades”), naturezas-mortas sobre o tema da fragilidade da vida e suas alegrias passageiras, convocando a relembrar valores verdadeiros e cuide da salvação da alma. Os atributos favoritos de “Vanitas” são uma caveira e um relógio (J. van Streck. “Vanity of Vanities”). As naturezas mortas holandesas, assim como as naturezas mortas do século XVII em geral, são caracterizadas pela presença de conotações filosóficas ocultas, complexo simbolismo cristão ou de amor (o limão era um símbolo de moderação, o cachorro - fidelidade, etc.). , artistas com amor e deleite recriaram em naturezas mortas a diversidade do mundo (sedas e veludos cintilantes, toalhas de mesa pesadas, prata cintilante, frutas suculentas e vinho nobre). A composição das naturezas mortas é simples e estável, subordinada à forma diagonal ou piramidal. Nele sempre se destaca o “herói” principal, por exemplo um copo, uma jarra. Os mestres constroem sutilmente relações entre objetos, contrastando ou, inversamente, comparando sua cor, forma, textura de superfície. Os mínimos detalhes são cuidadosamente escritos. De formato pequeno, essas pinturas são projetadas para um exame minucioso, longa contemplação e compreensão de seu significado oculto.

Os flamengos, ao contrário, pintaram telas grandes, às vezes enormes, destinadas a decorar os salões do palácio. Eles se distinguem por sua multicolorida festiva, abundância de objetos e complexidade de composição. Essas naturezas mortas eram chamadas de “bancos” (J. Veit, F. Snyders). Eles representavam mesas repletas de caça, frutos do mar, pão e, ao lado delas, proprietários oferecendo seus produtos. A comida farta, como se não coubesse nas mesas, pendurou e caiu direto na plateia.

Os artistas espanhóis preferiram limitar-se a um pequeno conjunto de objetos e trabalharam de forma contida esquema de cores. Pratos, frutas ou conchas nas pinturas de F. Zurbaran e A. Fronts são colocados tranquilamente sobre a mesa. Suas formas são simples e nobres; são cuidadosamente esculpidos com claro-escuro, quase tangíveis, a composição é estritamente equilibrada (F. Zurbaran. “Natureza morta com laranjas e limões”, 1633; A. Pereda. “Natureza morta com relógio”).

No século 18 O mestre francês J.-B. voltou-se para o gênero da natureza morta. S. Chardin. Suas pinturas retratando utensílios simples e de boa qualidade (tigelas, tanque de cobre), legumes, comida simples, são repletas de sopro de vida, aquecidas pela poesia lareira e casa e afirmar a beleza da vida cotidiana. Chardin também pintou naturezas-mortas alegóricas (“Natureza Morta com Atributos das Artes”, 1766).

Na Rússia, as primeiras naturezas mortas surgiram no século XVIII. em pinturas decorativas nas paredes de palácios e pinturas “falsas”, nas quais os objetos eram reproduzidos com tanta precisão que pareciam reais (G. N. Teplov, P. G. Bogomolov, T. Ulyanov). No século 19 as tradições trompe l'oeil foram repensadas. A natureza morta experimenta uma ascensão no primeiro semestre. século 19 nas obras de F. P. Tolstoy, que repensou as tradições dos “truques” (“Bagas de groselha vermelha e branca”, 1818), artistas da escola veneziana, I. T. Khrutsky. Os artistas procuravam ver beleza e perfeição nos objetos do cotidiano.

Um novo florescimento do gênero está chegando no final. 19 – início Século XX, quando a natureza morta se tornou um laboratório de experiências criativas, um meio de expressão da individualidade do artista. A natureza morta ocupa um lugar significativo na obra dos pós-impressionistas - V. Van Gogh, P. Gauguin e, sobretudo, P. Cézanne. A monumentalidade da composição, as linhas esparsas, as formas elementares e rígidas nas pinturas de Cézanne pretendem revelar a estrutura, a base da coisa e lembrar as leis imutáveis ​​​​da ordem mundial. O artista esculpe a forma com cor, enfatizando sua materialidade. Ao mesmo tempo, o jogo sutil de cores, especialmente o azul frio, confere às suas naturezas-mortas uma sensação de ar e amplitude. A linha da natureza morta de Cézanne foi continuada na Rússia pelos mestres do “Valete de Ouros” (I. I. Mashkov, P. P. Konchalovsky, etc.), combinando-a com as tradições da Rússia Arte folclórica. Os artistas de “The Blue Rose” (N. N. Sapunov, S. Yu. Sudeikin) criaram composições nostálgicas de estilo antigo. Generalizações filosóficas imbuído das naturezas mortas de K. S. Petrov-Vodkin. No século 20 P. Picasso, A. Matisse, D. Morandi resolveram seus problemas criativos no gênero natureza morta. Na Rússia os maiores mestres Este gênero incluiu M. S. Saryan, P. V. Kuznetsov, A. M. Gerasimov, V. F. Stozharov e outros.

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Definição incompleta ↓

Nas artes visuais, o termo "natureza morta" refere-se a um gênero específico de pintura que envolve a disposição livre de objetos Vida cotidiana na mesa:

• flores cortadas, especialmente rosas,
• utensílios de cozinha,
• coisas de casa,
• frutas, legumes, frutas,
• produtos alimentícios,
• peixe,
• comida cozida.

O termo é uma tradução direta da palavra holandesa "Stilleven", usada desde 1656 para descrever o gênero da pintura. Anteriormente, tais pinturas eram chamadas simplesmente de “Fruta”, “Flor”, “Rosas”, “Café da Manhã”, “Banquete” ou pronk (ostentação).

Durante a era barroca imagens alegóricas com conotações religiosas recebeu a designação Vanitas (“vaidade”). Um atributo obrigatório e principal destaque nas pinturas era a caveira.

Tipos

Convencionalmente, as naturezas mortas são divididas em quatro grupos principais, incluindo:

• floral;
• pequenos-almoços ou banquetes;
• emocional;
• simbólico.

Alguns trabalhos são feitos para demonstrar o virtuosismo técnico do desenho e a habilidade do artista, ou para demonstrar emoção.

• emocional;
• luxuoso;
• telas de ilusão.

Famosas pinturas de naturezas mortas continham mensagens simbólicas complexas expressas no tipo de objetos. Ao estudar a composição de uma natureza morta, cada elemento exibido era um símbolo e contribuía com um certo significado para a imagem. Como resultado, o gênero de natureza morta, como a paisagem, geralmente não contém formas humanas, mas é capaz de transmitir uma mensagem política, moral ou espiritual. Embora os defensores das belas-artes acadêmicas considerem a natureza morta o mais simples entre os cinco gêneros principais.

Caricatura na pintura

As pinturas simbólicas são uma categoria ampla de qualquer tipo de natureza morta com óbvia natureza religiosa. Um exemplo específico Tal simbolismo é a pintura Vanitas que floresceu entre 1620 e 1650 e continha imagens simbólicas de caveiras velas rosas ampulhetas cartas de jogar, borboletas e outros objetos que devem lembrar ao espectador a transitoriedade e a trivialidade da vida terrena. Imagens simbólicas nas pinturas há outras abertamente religiosas - pão, vinho, água e outros.

Principais características das telas

A magia das naturezas mortas é a capacidade de mostrar sua própria percepção itens comuns em volta de nós. A disposição específica e a representação de objetos usando tinta, nanquim, pastel ou qualquer outro meio conferem aos objetos um significado totalmente novo.

Os objetos escolhidos para as pinturas têm um significado especial a nível pessoal, cultural, social, religioso ou filosófico. Os temas que envolvem as obras de arte provocam introspecção e reflexão sobre o estado de espírito do espectador. Portanto, os objetos retratados evocam uma ampla gama de emoções, dependendo do posicionamento, da escolha da cor e da iluminação.

Alegoria como gênero na pintura

O tema das pinturas de naturezas mortas é determinado pelos objetos representados. O estudo do simbolismo permite compreender o significado da pintura.
emoções e eventos, que se baseia nas qualidades materiais de cor ou textura. Os temas são elegantemente entrelaçados na representação de belos objetos, mas nem todos são capazes de ver o significado de uma obra.

História

A representação da comida era praticada em mundo antigo, mas foi revivido na história da arte como gênero independente no século XVI. Independentemente da formação do nome do gênero, a natureza morta desenvolveu-se ativamente no norte da Europa - na Holanda e na Flandres entre artistas do final Renascença do Norte. Escolas de pintura de natureza morta surgiram em Nápoles, Espanha e França.

Historicamente, as naturezas mortas foram imbuídas de significado religioso e mitológico.
No século 16, a sociedade estava mudando. A ciência e o mundo natural começaram a substituir a religião nas pinturas.
Em meados do século XIX, o mundo natural e as rosas saíram de moda. Nas obras dos pintores surgiu o interesse em estudar nosso mundo interior, humor e emoções.

No século 20, as naturezas mortas se dissolveram em geometria. No final do milênio, os objetos em pinturas passaram a fazer parte dos movimentos Pop Art e Fotorrealismo. As pinturas hoje incluem uma gama ilimitada de objetos modernos, desde um mictório até latas de cerveja vazias.

Pintura religiosa

Natureza morta da Renascença do Norte e do realismo holandês após 1517

A rica sociedade burguesa dos Países Baixos é caracterizada por uma exibição materialista de consumo conspícuo. Mas foi na pintura da Europa Ocidental que o simbolismo cristão esotérico e a sua Lingua dificil durante a Idade Média e o Renascimento.

A natureza morta começou a ser chamada de “natureza morta ou natureza”, e as pinturas enfatizavam conotações simbólicas inanimadas. O simbolismo desenvolveu-se no maneirismo abstrato e metafísico da Itália e da Espanha no século XVII:

Tromple ou trompe l'oeil

No século 18

Na pintura francesa, J. B. Chardin (1699-1779) foi um mestre em muitos tipos de natureza morta, desde modestos objetos de cozinha até alegorias únicas e transmissão poética de emoções pelo simples arranjo de frutas e rosas. Suas obras se distinguem pelo realismo devido ao jogo de cores e à representação artística da iluminação.

Anna Coster (1744-1818) foi uma seguidora de Chardin. Seu trabalho é muitas vezes confundido com o do mestre. Mas as composições de Koster são mais delicadas e reproduzem objetos muito estranhos.
Coleções extravagantes de corais e conchas em uma prateleira de pedra surpreendem com precisão quase fotográfica.

No século 19

Até meados do século XIX, a natureza morta era considerada um gênero inferior, com potencial limitado para a expressão do tema. A filosofia do realismo e da pintura pura de Courbet (1819-1877) era considerada um meio independente de forma, cor e pintura. Os pintores ignoraram a atitude zombeteira em relação ao gênero.

Pintura mitológica

A revolução na pintura liderada por Manet, Renoir (1841-1919), Cézanne (1839-1906), C. Monet (1840-1926) e Van Gogh (1853-1890) encerrou para sempre o tema desta discussão. Os fãs reconheceram que a natureza morta é um gênero de arte eloqüente, poético e “nobre”.

No século 20

Os objetos inanimados na nova natureza morta expressam o mistério do mundo através da correspondência entre formas e espaço.

Todos admiravam o prato de ostras de Manet, os crânios e relógios de Cézanne ou o vaso de íris de Van Gogh como uma interpretação maravilhosa do mundo ao seu redor.

Cézanne pinta uma maçã como uma mulher ou uma montanha, enquanto J. Braque (1882-1963) retrata uma maçã como um conjunto de faces geométricas sobrepostas.

A transformação da forma e do conteúdo nos mais puros elementos de geometria, cor e simbolismo são visíveis nas composições de G. Chirico (1888-1976) e S. Dali (1904-1989) - este é o início do século XX século.

O enigmático J. Morandi (1890-1964) trouxe para a pintura um estilo próprio - plasticidade com paleta limitada, que lembra a pintura romana.

Pastoral na pintura

Pablo Picasso (1881-1973) explorou o gênero ao máximo, impressionando com formas inimagináveis ​​e uma ampla gama de permutações estilísticas.

A famosa arte pop de Andy Warhol transforma um objeto cotidiano em uma imagem colossal.
Os artistas do século 20 usaram a natureza morta como laboratório para descobrir novas técnicas e testar novas ideias conceituais. Fizeram-no em formatos representacionais e abstratos, expandindo-se para outros géneros, misturando pintura com escultura, colagem, fotografia, vídeo e hologramas, em obras que são classificadas como naturezas-mortas. Você pode ver diferenças nas pinturas hoje.