Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

"Ang musika ay dapat mag-apoy mula sa dibdib ng tao" - ito ang mga salita ng Aleman na kompositor na si Ludwig van Beethoven, na ang mga gawa ay nabibilang sa pinakamataas na tagumpay ng kultura ng musika.

Ang pananaw sa mundo ni Beethoven ay nabuo sa ilalim ng impluwensya ng mga ideya ng Enlightenment at mga pamantayang mapagmahal sa kalayaan ng Rebolusyong Pranses. Sa musika, ang kanyang trabaho, sa isang banda, ay nagpatuloy sa mga tradisyon ng Viennese classicism, sa kabilang banda, nakuha ang mga tampok ng bagong rum. sinaunang sining. Mula sa klasisismo sa mga gawa ni Beethoven ay mayroong kadakilaan ng nilalaman, magandang kasanayan sa mga anyo ng musikal, at isang apela sa mga genre ng symphony at sonata. Mula sa romanticism, matapang na pag-eksperimento sa larangan ng mga genre na ito, sigasig para sa vocal at piano miniatures.

Si Ludwig van Beethoven ay ipinanganak sa Alemanya sa pamilya ng isang musikero sa korte. Nagsimula siyang mag-aral ng musika mula pagkabata sa ilalim ng direksyon ng kanyang ama. Ngunit ang tunay na tagapagturo ni Beethoven ay ang kompositor, konduktor at organista na si K.G. Nefe. Mula sa edad na labing-isang, si Beethoven ay nagsilbi bilang isang assistant organist sa simbahan, kalaunan bilang isang court organist, at bilang isang accompanist sa Bonn Opera House.

Noong 1792 Lumipat si Beethoven sa Vienna. Kumuha siya ng mga aralin sa musika mula sa mga pinakadakilang musikero noong panahong iyon. Kaya naman ang maningning na kaalaman ng kompositor sa mga anyo ng musikal, pagkakatugma at polyphony. Hindi nagtagal ay nagsimulang magbigay ng mga konsiyerto si Beethoven; naging sikat. Nakilala siya sa mga lansangan at inanyayahan sa mga maligaya na pagtanggap sa mga tahanan ng mga matataas na tao. Marami siyang naimbento: nagsulat siya ng mga sonata, concerto para sa piano at orkestra, mga symphony.

Sa loob ng mahabang panahon, walang napagtanto na si Beethoven ay tinamaan ng isang malubhang sakit - nagsimula siyang mawalan ng pandinig. Kumbinsido sa kawalan ng lunas ng sakit, nagpasya ang kompositor na mamatay noong 1802. naghanda ng isang testamento, kung saan ipinaliwanag niya ang mga dahilan para sa kanyang sariling desisyon. Ngunit nagawa ni Beethoven na mapagtagumpayan ang kawalan ng pag-asa at natagpuan ang lakas upang magpatuloy sa pagsusulat ng musika. Ang daan palabas sa krisis ay ang Ikatlong (“Heroic”) Symphony.

Noong 1803-1808 nagtrabaho din ang kompositor sa paglikha ng mga sonata; sa partikular, ang Ikasiyam para sa byolin at piano, ito ay nakatuon sa Parisian violinist na si Rudolf Kreutzer, at samakatuwid ay natanggap ang pamagat na "Kreutzer"; Dalawampu't tatlo (“Appassionata”) para sa piano, Ikalima at Ikaanim na symphony.

Ang ikaanim (“Pastoral”) symphony ay may subtitle na “Memories of Rural Life.” Ang gawaing ito ay naglalarawan ng iba't ibang estado kaluluwa ng tao, inalis sandali mula sa mga panloob na karanasan at pakikibaka. Ang symphony ay naghahatid ng mga damdamin na nagmumula sa pakikipag-ugnay sa natural na mundo at buhay sa kanayunan. Ang istraktura nito ay hindi pangkaraniwan - limang bahagi sa halip na apat. Ang symphony ay naglalaman ng mga elemento ng figurativeness at onomatopoeia (kumanta ng mga ibon, dagundong ng kulog, atbp.). Ang mga natuklasan ni Beethoven ay kalaunan ay ginamit ng maraming romantikong kompositor.

Sa itaas symphonic na pagkamalikhain Ninth Symphony ni Beethoven. Ito ay ipinaglihi noong 1812, ngunit ang kompositor ay nagtrabaho dito mula 1822 hanggang 1823. Ang simponya ay engrande sa sukat; Ang finale ay lalong hindi karaniwan, na kumakatawan sa isang bagay tulad ng isang malaking cantata para sa koro, soloista at orkestra, na isinulat sa teksto ng ode na "To Joy" ni J.F. Schiller.

Sa unang bahagi, ang musika ay malupit at dramatiko: mula sa kaguluhan ng mga tunog, isang tiyak at ganap na malakihang tema ay ipinanganak. Ang pangalawang bahagi, isang scherzo, ay katulad ng karakter sa una. Ang ikatlong bahagi, ginanap sa sa mabagal na takbo, ay ang kalmadong tingin ng isang naliwanagan na kaluluwa. Dalawang beses na pumapasok ang mga tunog ng fanfare sa masayang daloy ng musika. Pinapaalalahanan ka nila ng mga bagyo at labanan, ngunit hindi nila mababago ang pangkalahatang pilosopikal na imahe. Ang musikang ito ang rurok ng mga liriko ni Beethoven. Ang pang-apat na bahagi ay ang pangwakas. Ang mga tema ng mga naunang bahagi ay lumulutang sa harap ng nakikinig na parang lumilipas ang nakaraan. At dito lumitaw ang paksa ng kagalakan. Ang panloob na istraktura ng tema ay kamangha-mangha: nanginginig at mahigpit na pagpigil, mahusay na panloob na lakas, na inilabas sa isang napakagandang himno sa kabutihan, katotohanan at kagandahan.

Ang premiere ng symphony ay naganap noong 1825. sa Vienna Opera House. Upang maipatupad ang plano ng may-akda, ang isang orkestra sa teatro ay hindi sapat na mag-imbita ng mga baguhan: dalawampu't apat na violin, sampung violin, labindalawang cello at double bass. Para sa isang Viennese classical orchestra, ang naturang komposisyon ay hindi pangkaraniwang napakalaking. Bilang karagdagan, ang anumang bahagi ng koro (bass, tenor, alto at soprano) ay kasama ang dalawampu't apat na mang-aawit, na lumampas din sa karaniwang mga pamantayan.

Sa panahon ng buhay ni Beethoven, ang Ninth Symphony ay nanatiling hindi maintindihan ng marami; hinahangaan lamang ito ng mga taong lubos na nakakakilala sa kompositor, ng kanyang mga mag-aaral at mga tagapakinig na naliwanagan sa musika, ngunit sa paglipas ng panahon, sinimulang isama ng mga sikat na orkestra sa buong mundo ang symphony sa kanilang repertoire.

Ang mga gawa ng huling panahon ng akda ng kompositor ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagpigil sa damdamin at lalim ng pilosopikal, na nagpapakilala sa kanila mula sa madamdamin at dramatikong maagang mga gawa. Sa kanyang buhay, sumulat si Beethoven ng 9 na symphony, 32 sonata, 16 string quartets, opera Fidelio, Solemn Mass, 5 piano concerto at isa para sa violin at orchestra, overtures, at indibidwal na mga piyesa para sa iba't ibang instrumento.

Nakapagtataka, isinulat ng kompositor ang marami sa kanyang mga gawa (kabilang ang Ninth Symphony) habang ganap na bingi. Kundi pati siya pinakabagong mga gawa- piano sonatas at quartets - hindi maunahang mga masterpieces ng chamber music.

Ryabchinskaya Inga Borisovna
Titulo sa trabaho: guro ng piano, accompanist
Institusyon ng edukasyon: MBU DO Children's Music School na pinangalanang D.D. Shostakovich
Lokasyon: lungsod ng Volgodonsk, rehiyon ng Rostov
Pangalan ng materyal: pag-unlad ng pamamaraan
Paksa: "Mga makasaysayang panahon. Mga istilo ng musika" (classicism, romanticism)
Petsa ng publikasyon: 09.16.2015

I-text ang bahagi ng publikasyon

Institusyon ng badyet ng munisipyo ng karagdagang edukasyon Paaralan ng musika ng mga bata na pinangalanang D. D. Shostakovich, Volgodonsk
Pag-unlad ng metodolohikal sa paksa:

"Mga makasaysayang panahon.

Mga istilo ng musika »
classicism, romanticism
) Ang pag-unlad ay isinagawa ni Inga Borisovna Ryabchinskaya, guro ng unang kategorya, kasama ng pinakamataas na kategorya
Ang istilo at panahon ay dalawang magkaugnay na konsepto. Ang bawat istilo ay hindi mapaghihiwalay na nauugnay sa makasaysayang at kultural na kapaligiran kung saan ito nabuo. Ang pinakamahalagang mga usong pangkakanyahan ay lumitaw, umiral at nawala sa makasaysayang pagkakasunud-sunod. Sa bawat isa sa kanila, malinaw na ipinakita ang mga pangkalahatang masining at matalinghagang prinsipyo, paraan ng pagpapahayag, at malikhaing pamamaraan.
KLASISISMO
Ang mga salitang "classic", "classicism", "classical" ay nagmula sa salitang Latin - classicus, iyon ay, huwaran. Kapag tinawag nating klasiko ang isang artista, manunulat, makata, kompositor, ang ibig sabihin natin ay nakamit niya ang pinakamataas na kahusayan at pagiging perpekto sa sining. Ang kanyang trabaho ay lubos na propesyonal at para sa amin
sample.
Mayroong dalawang makasaysayang yugto sa pagbuo at pag-unlad ng klasisismo.
Unang yugto
itinayo noong ika-17 siglo. Lumalago mula sa sining ng Renaissance klasisismo XVII V. binuo nang sabay-sabay sa Baroque, bahagyang sa pakikibaka, bahagyang sa pakikipag-ugnayan dito, at sa panahong ito natanggap nito ang pinakamalaking pag-unlad nito sa France. Para sa mga klasiko ng panahong ito, ang hindi maunahang mga halimbawa ng artistikong pagkamalikhain ay mga gawa ng sinaunang sining, kung saan ang ideal ay kaayusan, katwiran, at pagkakaisa. Sa kanilang mga gawa ay hinahangad nila ang kagandahan at katotohanan, kalinawan, pagkakaisa, pagkakumpleto ng konstruksiyon.
Pangalawang yugto
- huli na klasiko, mula sa kalagitnaan ng ika-18 hanggang sa simula ng ika-19 na siglo, ay pangunahing nauugnay sa
Viennese classical na paaralan
. Pumasok siya sa kasaysayan ng kulturang Europeo bilang
Panahon ng Enlightenment
o ang Edad ng Dahilan. Ang tao ay nagbigay ng malaking kahalagahan sa kaalaman at naniniwala sa kakayahang ipaliwanag ang mundo. Ang pangunahing karakter ay isang tao na handa para sa mga kabayanihan na gawa, na nagpapasakop sa kanyang mga interes - pangkalahatan, espirituwal
klasisismo

klasisismo

malinaw

pagkakaisa

malinaw

pagkakaisa

mahigpit

mga form

mahigpit

mga form

balanse

damdamin

balanse

damdamin

Ang mga impulses ay ang tinig ng katwiran. Ang pinagkaiba niya ay moral na katatagan, katapangan, katapatan, debosyon sa tungkulin. Ang makatwirang aesthetics ng klasisismo ay makikita sa lahat ng uri ng sining.
Arkitektura
Ang panahong ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng kaayusan, pag-andar, proporsyonalidad ng mga bahagi, isang pagkahilig sa balanse at simetrya, kalinawan ng mga plano at konstruksyon, mahigpit na organisasyon. Mula sa puntong ito, ang simbolo ng classicism ay ang geometric na layout ng royal park sa Versailles, kung saan matatagpuan ang mga puno, shrubs, sculptures at fountain ayon sa mga batas ng simetrya. Ang Tauride Palace, na itinayo ni I. Starov, ay naging pamantayan ng mahigpit na mga klasiko ng Russia.
Sa pagpipinta
Ang lohikal na pag-unlad ng balangkas, isang malinaw na balanseng komposisyon, isang malinaw na paglipat ng lakas ng tunog, sa tulong ng chiaroscuro ang subordinate na papel ng kulay, at ang paggamit ng mga lokal na kulay ay nakuha ang pangunahing kahalagahan (N. Poussin, C. Lorrain, J. David).
Sa sining ng patula
Nagkaroon ng dibisyon sa mga genre na "mataas" (trahedya, ode, epiko) at "mababa" (komedya, pabula, satire). Namumukod-tanging kinatawan ng panitikang Pranses na sina P. Corneille, F. Racine, J. B. Moliere ay nag-ambag malaking impluwensya sa pagbuo ng klasisismo sa ibang bansa. Ang isang mahalagang punto ng panahong ito ay ang paglikha ng iba't ibang mga akademya: mga agham, pagpipinta, eskultura, arkitektura, mga inskripsiyon, musika at sayaw.
Estilo ng musikal ng klasiko
Ang classicism sa musika ay naiiba sa classicism sa mga kaugnay na sining at nabuo noong 1730 - 1820. Sa iba't ibang pambansang kultura, naging laganap ang mga istilo ng musika sa iba't ibang panahon; Ang hindi mapag-aalinlanganan ay na sa kalagitnaan ng ika-18 siglo, ang klasisismo ay nagtagumpay halos lahat ng dako. Ang nilalaman ng mga musikal na komposisyon ay konektado sa mundo ng mga damdamin ng tao, na hindi napapailalim sa mahigpit na kontrol ng isip. Gayunpaman, ang mga kompositor ng panahong ito ay lumikha ng isang napaka-maayos at lohikal na sistema ng mga patakaran para sa pagbuo ng isang akda. Sa panahon ng klasisismo, ang mga genre tulad ng opera, symphony, at sonata ay nabuo at nakamit ang pagiging perpekto. Ang tunay na rebolusyon ay ang operatikong reporma ni Christophe Gluck. Ang kanyang malikhaing programa ay batay sa tatlong magagandang prinsipyo - pagiging simple, katotohanan, pagiging natural. Sa musical drama hinanap niya ang kahulugan, hindi ang tamis. Mula sa opera, inalis ni Gluck ang lahat ng kalabisan: mga dekorasyon, magagandang epekto, binibigyan ang tula ng higit na nagpapahayag na kapangyarihan, at ang musika ay ganap na napapailalim sa pagsisiwalat ng panloob na mundo ng mga bayani. Ang opera na "Orpheus at Eurydice" ay ang unang gawain kung saan ipinatupad ni Gluck ang mga bagong ideya at minarkahan ang simula ng reporma sa opera. Kahigpitan, proporsyonalidad ng anyo, marangal na pagiging simple nang walang pagpapanggap, pakiramdam
Ang masining na sukat sa mga gawa ni Gluck ay kahawig ng pagkakatugma ng mga anyo antigong iskultura. Ang Arias, recitatives, at chorus ay bumubuo ng isang malaking komposisyon ng opera. Ang kasagsagan ng musical classicism ay nagsimula noong ikalawang kalahati ng ika-18 siglo sa Vienna. Ang Austria noong panahong iyon ay isang makapangyarihang imperyo. Naapektuhan din ng multinasyonalidad ng bansa ang kulturang sining nito. Ang pinakamataas na pagpapahayag ng klasisismo ay ang gawain ni Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, na nagtrabaho sa Vienna at bumuo ng isang direksyon sa kultura ng musika - ang Viennese classical na paaralan.
Ang mga nagtatag ng Viennese classicism sa

musika

W. Mozart

J. Haydn L.

Beethoven
Ang aesthetics ng klasisismo ay batay sa paniniwala sa katwiran at pagkakaisa ng kaayusan ng mundo, na ipinakita sa atensyon sa balanse ng mga bahagi ng trabaho, maingat na pagtatapos ng mga detalye, at pag-unlad ng mga pangunahing canon ng musikal na anyo. Sa panahong ito sa wakas ay nabuo ang anyo ng sonata, batay sa pagbuo at pagsalungat ng dalawang magkasalungat na tema, at natukoy ang klasikal na komposisyon ng mga bahagi ng sonata at simponya.
Vienna

klasisismo

Vienna

klasisismo

Ang anyo ng sonata
Ang Sonata - (mula sa Italian sonare - to sound) ay isa sa mga anyo ng chamber instrumental music, na may ilang bahagi. Sonatina - (Italian sonatina - diminutive ng sonata) - isang maliit na sonata, mas maigsi ang sukat, mas simple sa nilalaman at mas madali sa teknikal. Ang mga instrumento kung saan orihinal na binubuo ang mga sonata ay kinabibilangan ng violin, flute, clavier - ang pangkalahatang pangalan para sa lahat ng instrumento sa keyboard - harpsichord, clavichord, piano. Ang genre ng clavier (piano) sonata ay umabot sa pinakadakilang pamumulaklak nito sa panahon ng klasisismo. Sa panahong ito, sikat ang pagtugtog ng musika sa bahay. Ang unang bahagi ng sonata, na ipinakita sa anyo ng sonata, ay nakikilala sa pamamagitan ng pinakamalaking pag-igting at talas. Ang unang bahagi (sonata allegro) ay binubuo ng tatlong mga seksyon: Ang unang seksyon ng sonata allegro ay kinabibilangan ng pangunahin at pangalawa, pagkonekta at panghuling mga bahagi: reprise, development, exposition
Ang pangalawang seksyon ng sonata allegro - pag-unlad Ang ikatlong seksyon ng sonata allegro - reprise:
paglalahad

bahay

ang padala

Pangunahing

susi

gilid

ang padala

Susi

nangingibabaw

pag-unlad

pag-unlad

pagsalungat

mga partido

pagsalungat

mga partido

pagbabago

mga partido

pagbabago

mga partido

"habi"

mga partido

"habi"

mga partido

Posibleng seksyon ng sonata allegro code:
Ikalawang bahagi
anyong sonata - mabagal. Ang musika ay naghahatid ng masayang daloy ng pag-iisip, niluluwalhati ang kagandahan ng mga damdamin, at nagpinta ng magandang tanawin.
Ang ikatlong bahagi
sonatas (pangwakas). Ang mga finale ng sonata ay kadalasang ginaganap sa isang mabilis na tempo at may karakter sa sayaw, halimbawa, isang minuet. Kadalasan ang mga finale ng mga klasikal na sonata ay nakasulat sa anyo
rondo
(mula sa Italian rondo - bilog). Paulit-ulit na bahagi -
A
-
umiwas
(Pangunahing tema),
B, C, D
- contrasting
mga episode
.
muling pagbabalik

bahay

ang padala

Pangunahing

susi

gilid

ang padala

Pangunahing

susi
nagbubuklod na batch huling batch
code

code

ang tonality ay naayos

ang tonality ay naayos

inalis ang mga contrast

inalis ang mga contrast

tunog ng mga pangunahing tema

tunog ng mga pangunahing tema

Joseph Haydn

"Haydn, na ang pangalan ay kumikinang nang napakaliwanag sa templo ng pagkakaisa..."
Si Joseph Haydn ay ang nagtatag ng Viennese classicism, isang kilusan na pumalit sa Baroque. Ang kanyang buhay ay lilipas pa rin pangunahin sa hukuman ng mga sekular na pinuno, at ang mga bagong prinsipyo ng musika ay mabubuo sa kanyang trabaho, ang mga bagong genre ay lilitaw. Lahat ito
napapanatili ang kahalagahan nito sa ating panahon... Tinaguriang tagapagtatag ng klasikal na instrumental na musika si Haydn, ang nagtatag ng modernong orkestra ng symphony at ang ama ng symphony. Itinatag niya ang mga batas ng klasikal na symphony: binigyan niya ito ng isang maayos, kumpletong hitsura, tinukoy ang pagkakasunud-sunod ng kanilang pag-aayos, na napanatili sa mga pangunahing tampok nito hanggang sa araw na ito. Ang classical symphony ay may apat na digit na cycle. Ang unang bahagi ay napupunta sa isang mabilis na bilis at kadalasan ay parang masigla at nasasabik. Ang pangalawang bahagi ay mabagal. Ang kanyang musika ay naghahatid ng liriko na mood ng isang tao. Ang ikatlong bahagi - minuet - ay isa sa mga paboritong sayaw ng panahon ni Haydn. Ang pang-apat na bahagi ay ang pangwakas. Ito ang resulta ng buong cycle, isang konklusyon mula sa lahat ng ipinakita, naisip, nadama sa mga nakaraang bahagi. Ang musika ng finale ay karaniwang nakadirekta sa itaas; Sa klasikal na simponya ay natagpuan ang isang perpektong anyo na maaaring maglaman ng napakalalim na nilalaman. Sa akda ni Haydn, itinatag din ang uri ng klasikal na three-movement sonata. Ang mga gawa ng kompositor ay nailalarawan sa kagandahan, kaayusan, banayad at marangal na pagiging simple. Ang kanyang musika ay napakaliwanag, magaan, karamihan ay nasa pangunahing susi, puno ng kagalakan, kahanga-hangang kagalakan sa lupa at hindi mauubos na katatawanan. Ang kanyang mga ninuno ay mga magsasaka at manggagawa, na ang pag-ibig sa buhay, tiyaga at optimismo ay minana ng klasiko. "Ang aking yumaong ama ay isang gumagawa ng karwahe ayon sa propesyon, isang paksa ng Count Harrach, at likas na isang masigasig na mahilig sa musika." Natuklasan na ni Haydn ang isang interes sa musika bilang isang bata. Napansin ang talento ng kanilang anak, ipinadala siya ng kanyang mga magulang upang mag-aral sa ibang lungsod - doon nakatira ang bata sa ilalim ng pangangalaga ng kanyang kamag-anak. Pagkatapos ay lumipat si Haydn sa ibang lungsod, kung saan kumanta siya sa koro. Sa katunayan, mula sa edad na 6 si Joseph Haydn ay humantong sa isang malayang buhay. Masasabi natin na siya ay itinuro sa sarili, dahil wala siyang pera o koneksyon para sa sistematikong pag-aaral sa mga sikat na guro. Habang siya ay tumatanda, ang kanyang boses ay naging magaspang at ang napakabatang Haydn ay natagpuan ang kanyang sarili sa kalye na walang bubong sa kanyang ulo. Nabuhay siya sa pagtuturo ng mga aral na naibigay na niya sa kanyang sarili. Nagpapatuloy ang sariling pag-aaral: Maingat na pinag-aralan ni Haydn ang musika ng C.F.E. Si Bach (ang anak ni J.S. Bach), ay nakikinig sa mga kanta na tumutunog mula sa mga lansangan (kabilang ang Slavic melodies), at nagsimulang mag-compose si Haydn. Napapansin siya. Sa Europa, hinangad ng mga maharlika na malampasan ang isa't isa sa pamamagitan ng pagkuha ng pinakamahuhusay na musikero. Ang mga taon na ginugol ng batang Haydn bilang isang libreng artista ay mabunga, ngunit ito ay isang mahirap na buhay. Ang kasal na Haydn (lahat ay naglalarawan sa kasal bilang lubhang hindi matagumpay) ay tinanggap ang imbitasyon ni Prinsipe Esterhazy. Sa katunayan, sa korte ng Esterhazy, Haydn
tatagal ng 30 taon. Kasama sa kanyang mga responsibilidad ang pag-compose ng musika at pagdidirekta sa princely orchestra. Si Prince Esterhazy (o Esterhazy) ay, sa lahat ng mga account, isang disenteng tao at isang mahusay na mahilig sa musika. Magagawa ni Haydn ang gusto niya. Ang musika ay isinulat ayon sa pagkakasunud-sunod - walang "malikhaing kalayaan", ngunit ito ay karaniwang kasanayan noong panahong iyon. Bilang karagdagan, ang pag-order ay may malaking kalamangan: ang iniutos na musika ay tiyak na gumanap kaagad. Walang nakasulat sa mesa.
Mula sa unang opisyal na kasunduan sa pagitan ni Prince Esterhazy at

Vice Kapellmeister Joseph Haydn:
"Sa unang pagkakasunud-sunod ng Kanyang Panginoon, ang Grand Duke, ang vice-kapellmeister (Haydn) ay nangakong gumawa ng anumang musika na nais ng kanyang Panginoon, na hindi magpakita ng mga bagong komposisyon sa sinuman, at higit na hindi pinapayagan ang sinuman na kopyahin ang mga ito, ngunit upang panatilihin ang mga ito para lamang sa kanyang Panginoon at nang walang kanyang kaalaman at mapagbiyayang pahintulot na hindi gumawa ng anuman para sa sinuman. Obligado si Joseph Haydn na humarap sa bulwagan araw-araw (sa Vienna man o sa alinman sa mga princely estate) bago at pagkatapos ng hapunan at iulat ang kanyang sarili kung sakaling ang kanyang panginoon ay mag-utos ng pagtatanghal o komposisyon ng musika. Maghintay, at pagkatanggap ng order, dalhin ito sa atensyon ng iba pang mga musikero. Dahil sa ganoong pagtitiwala, binibigyan siya ng Kanyang Serene Highness, ang vice-kapellmeister, ng taunang allowance na 400 Rhine guilder, na matatanggap niya kada quarter sa pangunahing treasury. Bukod dito, siya, si Joseph Haydn, ay may karapatang tumanggap ng kosht mula sa mesa ng opisyal o kalahating guilder bawat araw na pera sa mesa sa gastos ng master. (Ang suweldo ay pagkatapos ay nadagdagan ng maraming beses). Itinuring ni Haydn na ang kanyang tatlumpung taon ng paglilingkod sa mga prinsipe ng Esterhazy ay isang magandang panahon sa kanyang buhay. Gayunpaman, siya ay palaging isang optimista. Bilang karagdagan, si Joseph Haydn ay nagkaroon ng bawat pagkakataon na gumawa, at palagi siyang sumulat nang mabilis at marami. Sa panahon ng kanyang paglilingkod sa korte ng mga prinsipe ng Esterhazy na si Haydn ay nakakuha ng katanyagan. Ang relasyon sa pagitan nina Esterhazy at Haydn ay perpektong inilalarawan ng sikat na kaso ng Farewell Symphony. Ang mga miyembro ng orkestra ay bumaling kay Haydn na may kahilingan na maimpluwensyahan ang prinsipe: ang kanilang mga apartment ay naging napakaliit upang ilipat ang kanilang mga pamilya. Na-miss ng mga musikero ang kanilang mga pamilya. Naimpluwensyahan ni Haydn ang musika: nagsulat siya ng isang symphony na may isa pang paggalaw. At kapag tumunog ang bahaging ito, unti-unting umalis ang mga musikero. Dalawang biyolinista ang nananatili, ngunit pinapatay din nila ang mga kandila at umalis. Naunawaan ng prinsipe ang pahiwatig at tinupad ang "mga kahilingan" ng mga musikero.
Noong 1790, namatay si Prinsipe Esterhazy, si Miklos the Magnificent. Ang bagong prinsipe, si Anton, ay wala sa mood para sa musika. Hindi, iniwan ni Anton ang mga musikero ng regimental, ngunit binuwag ang orkestra. Nanatiling walang trabaho si Haydn, kahit na may malaking pensiyon na itinalaga sa kanya ni Miklos. At nagkaroon pa rin ng maraming malikhaing enerhiya. Kaya muling naging malayang artista si Haydn. At siya ay pupunta sa England sa pamamagitan ng paanyaya. Si Haydn ay malapit nang maging 60 taong gulang, hindi siya marunong ng mga wika! Ngunit umalis siya papuntang England. At muli - tagumpay! "Ang aking wika ay lubos na nauunawaan sa buong mundo," sabi ng kompositor tungkol sa kanyang sarili. Sa England, hindi lamang nagkaroon ng nakamamanghang tagumpay si Haydn. Mula roon ay nagdala siya ng 12 pang symphony at oratorio. Nasaksihan ni Haydn ang kanyang sariling kaluwalhatian - at ito ay napakabihirang. Ang tagapagtatag ng Viennese classicism ay nag-iwan ng napakalaking bilang ng mga gawa, at ito ay nagpapatibay sa buhay, balanseng musika. Ang oratorio na "The Creation" ay isa sa mga pinakatanyag na gawa ni Haydn. Ito ay monumental na musikal na pagpipinta, pagmumuni-muni ng sansinukob, kumbaga... Haydn ay may higit sa 100 symphony na tinawag sila ni Hoffmann na "Children's joy of the soul." Ang isang malaking bilang ng mga sonata, concerto, quartets, opera... Si Joseph Haydn ang may-akda ng pambansang awit ng Aleman.

Wolfgang Amadeus Mozart

Enero 27, 1756 – Disyembre 5, 1791
Ang sining ni Haydn ay nagkaroon ng napakalaking epekto sa pagbuo ng symphonic at chamber style ni Wolfgang Mozart. Umaasa sa
Ang kanyang mga tagumpay sa larangan ng sonata at symphonic music na si Mozart ay nag-ambag ng maraming bago, kawili-wili, orihinal na mga bagay. Ang buong kasaysayan ng sining ay hindi nakakaalam ng isang mas kapansin-pansin na personalidad kaysa sa kanya. Si Mozart ay nagkaroon ng kahanga-hangang memorya at pandinig, may makikinang na mga kasanayan bilang isang improviser, mahusay na tumugtog ng violin at organ, at walang sinuman ang maaaring hamunin ang kanyang primacy bilang isang harpsichordist. Siya ang pinakasikat, ang pinaka kinikilala, ang pinakamamahal na musikero sa Vienna. Ang kanyang mga opera ay may malaking halaga sa sining. Sa loob ng dalawang siglo, "The Marriage of Figaro" (isang buffa opera, ngunit makatotohanan at may mga liriko na elemento) at "Don Giovanni" (isang opera na tinukoy bilang isang "merry drama" - ito ay parehong isang komedya at isang trahedya na may napakalakas. at kumplikadong mga larawan) ay nagtatamasa ng tagumpay sa kaakit-akit na eleganteng melody, pagiging simple, marangyang pagkakaisa. At ang "The Magic Flute" (isang opera - isang singspiel, ngunit sa parehong oras ay isang pilosopikal na engkanto tungkol sa pakikibaka sa pagitan ng mabuti at masama) ay bumagsak sa kasaysayan ng musika bilang "swan song" ni Mozart, bilang isang gawa na ganap na ganap. at malinaw na ibinubunyag ang kanyang pananaw sa mundo, ang kanyang mga iniisip. Ang sining ni Mozart ay perpekto sa kasanayan at ganap na natural. Binigyan niya tayo ng karunungan, kagalakan, liwanag at kabutihan. Si Johann Chrysostom Wolfgang Theophile Mozart ay ipinanganak noong Enero 27, 1756 sa Salzburg. Ang Amadeus ay ang Latin na analogue ng Griyegong pangalan na Theophilus - "paborito ng diyos." Ang Mozart ay karaniwang tinatawag sa pamamagitan ng dalawang pangalan. Si Wolfgang Amadeus ay isang child prodigy. Ang ama ni Mozart - si Leopold Mozart - ay siya mismo sikat na musikero- isang guro at isang napakaraming kompositor. 7 anak ang ipinanganak sa pamilya, dalawa ang nakaligtas: si Nannerl, ang nakatatandang kapatid na babae ni Mozart, at si Wolfgang mismo. Sinimulan ni Leopold ang pagtuturo sa parehong mga bata mula sa maagang pagkabata, at sumama sa kanila sa paglilibot. Ito ay isang tunay na panahon ng pagala-gala. Mayroong ilang mga paglilibot, sa kabuuan ay tumagal sila ng higit sa 10 taon (na may mga pahinga para sa pag-uwi o mga sakit sa pagkabata). Hindi lamang ipinakita ng ama ang mga bata sa Europa, kabilang ang mga monarko. Naghahanap siya ng mga koneksyon na magbibigay-daan sa kanyang matured na anak na makakuha ng trabaho sa hinaharap alinsunod sa kanyang maliwanag na talento. Nagsimulang mag-compose si Mozart sa pinakadulo maagang pagkabata, at ang kanyang maagang musika ay ginaganap halos kasingdalas ng kanyang mature na musika. Bilang karagdagan, habang naglalakbay, tinanggap ng ama ang pinakamahusay na mga guro sa Europa para sa kanyang anak (sa England ito ang bunsong anak ni J. S. Bach - "London Bach", sa Italya - ang sikat na Padre Martini, kung saan siya nag-aral, sa pamamagitan ng paraan , at isa sa mga tagapagtatag ng mga paaralan ng propesyonal na komposisyon sa Russia Maxim Berezovsky). Sa parehong Italya, ang napakabatang si Mozart ay nakagawa ng isang "kakila-kilabot na kasalanan", na kasama sa lahat ng mga talambuhay: sa Sistine Chapel, nang marinig ito nang isang beses, ganap niyang naalala at isinulat ang binabantayan.
Ang gawa ng Vatican na "Miserere" ni Allegri. "At dito pumasa si Wolfgang sa sikat na "pagsusulit" para sa kahusayan ng pandinig at katumpakan ng memorya. Mula sa memorya, isinulat niya ang sikat na "Miserere" ni Gregorio Allegri na kanyang narinig. Ang gawaing ito ay malawak na itinuturing na korona ng genre nito at ang rurok ng musika ng papa para sa Biyernes Santo. Hindi kataka-taka na ang kapilya ay nag-ingat nang husto upang protektahan ang gawaing ito mula sa hindi inanyayahang mga tagakopya. Ang nagawa ni Wolfgang ay natural na lumikha ng isang mahusay na sensasyon. Nagawa ng ama na pakalmahin ang kanyang ina at kapatid na babae sa Salzburg, na natakot na sa pamamagitan ng pag-record ng "Miserere" si Wolfgang ay nagkasala at maaaring magkaroon ng gulo. Si Mozart ay hindi lamang nakapagtapos sa unibersidad, hindi rin siya nag-aral. Tinuruan din siya ng kanyang ama ng pangkalahatang edukasyon (matematika, mga wika). Ngunit sila ay lumaki nang maaga noon, at sa lahat ng strata ng lipunan. Walang oras para sa malabata subculture. Ang mga bata, siyempre, ay pagod na pagod. Sa wakas, sila ay lumaki, na nangangahulugan na sila ay tumigil sa pagiging mga kababalaghan, na ang publiko ay nawalan ng interes sa kanila. Sa katunayan, kinailangan ni Mozart na "manakop" muli ang publiko, na bilang isang adult na musikero. Noong 1773, nagsimulang magtrabaho ang batang Mozart para sa Arsobispo ng Salzburg. Nagawa niyang magpatuloy sa paglalakbay at, siyempre, magtrabaho nang husto. Sa ilalim ng susunod na arsobispo, iniwan ni Mozart ang kanyang posisyon sa korte at naging isang libreng artista. Pagkatapos ng isang pagkabata na binubuo ng tuluy-tuloy na paglilibot sa Europa at serbisyo kasama ang arsobispo, lumipat si Mozart sa Vienna. Patuloy siyang naglalakbay sa pana-panahon sa iba pang mga lungsod sa Europa, ngunit ang kabisera ng Austria ay magiging kanyang permanenteng tahanan. "Si Mozart ang una sa mga pangunahing musikero na nananatiling isang libreng artist at siya ang unang kompositor sa kasaysayan - isang kinatawan ng artistikong bohemia. Siyempre, ang pagtatrabaho para sa libreng merkado ay nangangahulugan ng kahirapan." Ang buhay "sa libreng tinapay" ay hindi kasing simple at mala-rosas na tila. Sa musika ng mature na si Mozart, ang trahedya ng kanyang napakatalino na kapalaran ay nararamdaman sa pamamagitan ng kinang at kagandahan ng musika, ang kalungkutan at pag-unawa, pagpapahayag, pagsinta at drama ay naka-highlight. Umalis si Wolfgang Mozart para sa kanya maikling buhay higit sa 600 mga gawa. Kailangan mong maunawaan na pinag-uusapan natin ang mga malalaking gawa: mga opera, konsyerto, symphony. Si Mozart ay isang unibersal na kompositor. Sumulat siya ng parehong instrumental at vocal na musika, iyon ay, sa lahat ng mga genre at anyo na umiiral sa kanyang panahon. Sa hinaharap, ang gayong unibersalismo ay magiging isang bihirang kababalaghan. Ngunit ang Mozart ay unibersal hindi lamang para sa kadahilanang ito: "Ang kanyang musika ay naglalaman ng isang malaking mundo: naglalaman ito ng langit at lupa, kalikasan at tao, komedya at trahedya, pagnanasa sa lahat ng anyo nito at malalim.
kapayapaan sa loob" (K. Barth). Sapat na alalahanin ang ilan sa kanyang mga gawa: mga opera, symphony, konsiyerto, sonata. Ang mga gawa ni Mozart sa piano ay malapit na konektado sa kanyang pagtuturo at pagsasanay sa pagganap. Siya ang pinakadakilang pianista sa kanyang panahon. Noong ika-18 siglo Mayroong, siyempre, mga musikero na hindi mas mababa sa Mozart sa birtuosidad (sa bagay na ito, ang kanyang pangunahing karibal ay si Muzio Clementi), ngunit walang sinuman ang maaaring ihambing sa kanya sa malalim na kahulugan ng kanyang pagganap. Ang buhay ni Mozart ay naganap noong panahong ang harpsichord, clavichord, at pianoforte (tulad ng tawag sa piano noon) ay karaniwan sa buhay musikal. At kung may kaugnayan sa unang bahagi ng trabaho ni Mozart ay kaugalian na pag-usapan ang tungkol sa estilo ng clavier, pagkatapos ay mula sa huling bahagi ng 1770s ang kompositor ay walang alinlangan na sumulat para sa piano. Ang kanyang pagbabago ay pinaka-malinaw na ipinakita sa kanyang mga gawa sa keyboard ng isang kalunus-lunos na plano. Si Mozart ay isa sa mga pinakadakilang melodista. Pinagsasama ng kanyang musika ang mga tampok ng Austrian at German folk songs na may melodiousness ng Italian songs. Sa kabila ng katotohanan na ang kanyang mga gawa ay nakikilala sa pamamagitan ng tula at banayad na biyaya, madalas silang naglalaman ng mga melodies na may mahusay na mga dramatikong pathos at magkakaibang mga elemento. Ang pagiging instrumental ng kamara ni Mozart ay kinakatawan ng iba't ibang mga ensemble (mula sa mga duet hanggang sa mga quintet) at gumagana para sa piano (sonatas, variations, fantasies). Ang istilo ng piano ni Mozart ay nakikilala sa pamamagitan ng kagandahan, kalinawan, at maingat na pagtatapos ng melody at saliw. Sumulat si V. Mozart ng 27 concerto para sa piano at orchestra, 19 sonata, 15 variation cycle, 4 na pantasya (dalawa sa C minor, isa sa C major, pinagsama sa fugue, at isa pa sa D minor). Kasama ng mga malalaking cycle, ang gawa ni Mozart ay naglalaman ng maraming maliliit na dula, kung saan siya mismo ay hindi palaging naglalagay ng nararapat na kahalagahan. Ito ay mga hiwalay na minuet, rondos, Adagios, fugues. Ang Opera ay isang makabuluhang sining sa lipunan. SA siglo XVIII maliban sa mga courtier mga opera house Mayroon nang dalawang uri ng mga pampublikong opera house: seryoso at komiks - araw-araw (seria at buffa). Ngunit sa Germany at Austria ay umunlad ang Singspiel. Kabilang sa malaking bilang ng mga gawa na nilikha ng henyo ni Mozart, ang mga opera ay ang kanyang mga paboritong likha. Ang kanyang trabaho ay nagpapakita ng isang mayamang gallery ng mga larawan ng buhay ng mga opera - seria, buffa at singspiel, kahanga-hanga at komiks, banayad at malikot, matalino at simpleng - lahat ng mga ito ay inilalarawan nang natural at sikolohikal na tunay. Ang musika ni Wolfgang Amadeus Mozart ay magkakatugmang pinagsasama ang kulto ng katwiran, ang ideal ng marangal na pagiging simple at ang kulto ng puso, ang ideal ng isang malayang personalidad. Ang istilo ni Mozart ay palaging itinuturing na personipikasyon ng biyaya, kagaanan, kasiglahan ng pag-iisip at tunay na aristokratikong pagiging sopistikado.
Isinulat ni P.I. Tchaikovsky: "Ang Mozart ay ang pinakamataas, ang pinakamataas na punto kung saan naabot ang kagandahan sa larangan ng musika... ang tinatawag nating perpekto."
Ludwig van Beethoven

Disyembre 16, 1770 – Marso 26, 1827
Si Ludwig van Beethoven ay naging tanyag bilang pinakadakilang symphonist. Ang kanyang sining ay natatakpan ng kalunos-lunos na pakikibaka. Ipinatupad nito ang mga advanced na ideya ng Enlightenment, na nagtatag ng mga karapatan at dignidad ng tao. Siya ay nagmamay-ari ng siyam na symphony, isang bilang ng mga symphonic overtures ("Egmont", "Coriolanus"), at tatlumpu't dalawang piano sonata ay nabuo ang isang panahon sa piano music. Ang mundo ng mga imahe ni Beethoven ay magkakaiba. Ang kanyang bayani ay hindi lamang matapang at madamdamin, siya ay pinagkalooban ng isang pinong binuong talino. Siya ay isang mandirigma at isang palaisip. Sa kanyang musika, ang buhay ay ipinakita sa lahat ng pagkakaiba-iba nito - marahas na mga hilig at hiwalay na pangangarap ng gising, mga dramatikong kalunos-lunos at liriko na pag-amin, mga larawan ng kalikasan at mga eksena ng pang-araw-araw na buhay. Sa pagkumpleto ng panahon ng klasisismo, sabay-sabay na binuksan ni Ludwig van Beethoven ang daan para sa darating na siglo. Si Beethoven ay isang dekada at kalahating mas bata kaysa kay Mozart. Ngunit ito ay may kakaibang musika. Siya ay kabilang sa mga "classics", ngunit sa kanyang mga mature na gawa ay malapit siya sa romanticism. Ang istilo ng musika ni Beethoven ay isang paglipat mula sa klasiko tungo sa romantikismo. Ngunit upang maunawaan ang kanyang trabaho, kailangan munang tingnan ang panorama ng buhay panlipunan at musikal noong panahong iyon. Sa pagtatapos ng ika-18 siglo, lumitaw at umunlad ang kababalaghan ng "Sturm und Drang" (Sturm und Drang) - isang panahon kung kailan nasira ang mga pamantayan.
klasisismo na pabor sa higit na emosyonalidad at pagiging bukas. Ang hindi pangkaraniwang bagay na ito ay nakuha ang lahat ng mga larangan ng panitikan at sining, mayroon pa itong isang kawili-wiling pangalan: kontra-Enlightenment. Ang pinakamalaking kinatawan ng Sturm und Drang ay sina Johann Wolfgang Goethe at Friedrich Schiller, at sa panahong ito mismo ay inaasahan ang paglitaw ng Romantisismo. Ang singil ng enerhiya at intensity ng mga damdamin sa musika ni Beethoven ay hindi mapaghihiwalay na nauugnay sa mga nakalistang phenomena sa buhay panlipunan ng Kanlurang Europa noong panahong iyon at sa mga kalagayan ng personal na buhay ng henyo. Si Ludwig van Beethoven ay ipinanganak sa Bonn. Ang pamilya ay hindi mayaman, Flemings sa pamamagitan ng pinagmulan, musikero sa pamamagitan ng trabaho. Ang ama ay sabik na gawin ang kanyang anak na isang "pangalawang Mozart," ngunit ang isang karera bilang isang konsiyerto na birtuoso bilang isang kababalaghan ng bata ay hindi nagtagumpay, ngunit mayroong patuloy na "pagbabarena" sa instrumento. Bilang isang bata, nagsimulang magtrabaho si Ludwig ng part-time (kinailangan niyang huminto sa pag-aaral), at sa edad na 17 ay kinuha niya ang responsibilidad para sa pamilya: nagtrabaho siya sa isang permanenteng suweldo at nagbigay ng mga pribadong aralin. Ang ama ay nalulong sa alak, ang ina ay namatay nang maaga, at ang mga nakababatang kapatid na lalaki ay nanatili sa pamilya. Gayunpaman, naghahanap ng oras si Beethoven at nag-aaral sa Unibersidad ng Bonn bilang isang boluntaryo. Ang lahat ng kabataan sa unibersidad ay nahuli ng rebolusyonaryong salpok na nagmumula sa France. Hinangaan ng batang henyo ang mga mithiin ng Great French Revolution. Inialay pa niya ang kanyang Ikatlong "Eroic" Symphony kay Napoleon Bonaparte, gayunpaman, tinawid niya ang dedikasyon, na nabigo sa "makalupang sagisag ng mga mithiin", at sa halip ay ipinahiwatig: "Sa memorya ng isang dakilang tao." "Walang kasing maliit na tao" - ang sikat na salita ni Beethoven. Ang mga mithiin ng "kalayaan, pagkakapantay-pantay, kapatiran" ay nanatiling mga mithiin ni Beethoven - at nagpahiwatig din ito ng malalaking pagkabigo sa buhay. Ludwig van Beethoven ay lubusang pinag-aralan at iginagalang ang gawain ni J. S. Bach. Sa Vienna ay gumaganap siya sa harap ni Mozart, na nagbibigay ng mataas na papuri sa batang musikero. Di-nagtagal, ganap na lumipat si Beethoven sa Vienna, at pagkatapos ay tinulungan ang kanyang mga nakababatang kapatid na lumipat doon. Ang kanyang buong buhay ay magkakaugnay sa lungsod na ito. Sa Vienna, kumukuha siya ng mga aralin sa mga espesyal na asignatura, kabilang sa kanyang mga guro ay sina Haydn at Salieri (tatlong Beethoven violin sonatas ang nakatuon kay Salieri). Gumaganap siya sa mga salon ng aristokrasya ng Viennese, at pagkatapos ay sa kanyang sariling mga konsyerto, sa harap ng malawak na madla. Ang kanyang mga daliri sa keyboard ay tinawag na "demonyo." "Gusto kong sunggaban ng lalamunan ang kapalaran; tiyak na hindi nito ako lubos na mabaluktot sa lupa" (mula sa mga sulat ni Beethoven). Sa kanyang kabataan, napagtanto ni Beethoven na siya ay nagbibingi-bingihan ("Sa loob ng dalawang taon, maingat kong iniiwasan ang lahat ng lipunan, dahil hindi ko masabi sa mga tao: "Ako ay bingi!" "Posible pa rin ito kung mayroon tayo
Mayroon akong iba pang propesyon, ngunit sa aking trabaho ay wala nang mas kakila-kilabot" (mula sa mga sulat ni Beethoven). Ang mga pana-panahong interbensyon ng mga doktor ay hindi nagdulot ng lunas, at ang pagkabingi ay umunlad. Sa pagtatapos ng kanyang buhay, wala na siyang narinig. Ngunit nanatili ang panloob na pagdinig - gayunpaman, hindi na posible na marinig ang "personal" kung ano ang narinig sa loob. At ang pakikipag-usap sa mga tao ay napakahirap sa mga kaibigan na nagsanay akong magsulat sa mga notebook na "pag-uusap". The all-hearing deaf - yan ang tawag sa kanya minsan. At narinig niya ang pangunahing bagay: hindi lamang musika, kundi pati na rin ang mga ideya at damdamin. Narinig at naiintindihan niya ang mga tao. "Ang pag-ibig na ito, pagdurusa, pagtitiyaga ng kalooban, ang mga pagbabagong ito ng kawalan ng pag-asa at pagmamataas, mga panloob na drama - lahat ng ito ay matatagpuan natin sa mga dakilang gawa ng Beethoven" ... (Romain Rolland). Ang mga pagmamahal ni Beethoven ay kilala: ang batang Countess na si Giulietta Guicciardi. Ngunit nanatili siyang nag-iisa. Sino ang kanyang "imortal na minamahal", ang liham kung kanino natagpuan pagkatapos ng kamatayan ng kompositor, ay hindi tiyak na kilala. Ngunit itinuturing ng ilang mananaliksik na si Teresa Brunswik, isang mag-aaral ng L. Beethoven, ang "imortal na minamahal". Siya ay may talento sa musika - siya ay tumugtog ng piano nang maganda, kumanta at kahit na nagsagawa. Si Ludwig van Beethoven ay nagkaroon ng mahabang pagkakaibigan kay Teresa. Noong 1814, nakakuha si Beethoven ng katanyagan sa buong mundo. Nagsisimula ang Kongreso ng Vienna - pagkatapos ng tagumpay laban kay Napoleon at ang pagpasok ng mga tropang Ruso, Austrian at Prussian sa Paris - at ang sikat na mapayapang Kongreso ng Vienna ay nagsimula sa opera ni Beethoven na Fidelio. Si Beethoven ay naging isang European celebrity. Inaanyayahan siya sa palasyo ng imperyal para sa isang pagdiriwang bilang karangalan sa araw ng pangalan ng Empress ng Russia, kung kanino siya nagbigay ng regalo: isang Polonaise na isinulat niya. Ludwig van Beethoven ay binubuo ng maraming.
32 piano sonata
Ang sonata ng piano ay para kay Beethoven ang pinakadirektang anyo ng pagpapahayag ng mga kaisipan at damdamin na nagpasigla sa kanya, ang kanyang pangunahing masining na adhikain. Ang kanyang pagkahumaling sa genre na ito ay partikular na malakas. Kung ang mga symphony ay lumitaw bilang isang resulta at pangkalahatan ng isang mahabang panahon ng paghahanap, kung gayon ang piano sonata ay direktang sumasalamin sa buong iba't ibang mga malikhaing paghahanap. Si Beethoven, bilang isang namumukod-tanging piano virtuoso, kahit na madalas ay nag-improvised sa sonata form. Sa nagniningas, orihinal, walang pigil na mga improvisasyon ni Beethoven, ipinanganak ang mga larawan ng kanyang mga dakilang gawa sa hinaharap. Ang bawat Beethoven sonata ay isang kumpletong gawa ng sining; magkasama silang bumubuo ng isang tunay na kayamanan ng klasikal na kaisipan sa musika. Binigyang-kahulugan ni Beethoven ang piano sonata bilang isang komprehensibong genre na may kakayahang ipakita ang pagkakaiba-iba ng mga istilo ng musika sa ating panahon. SA
Sa bagay na ito, maihahambing siya kay Philipp Emanuel Bach (anak ni J.S. Bach). Ang kompositor na ito, halos nakalimutan sa ating panahon, ang unang nagbigay ng sonata sa keyboard ng ika-18 siglo. ang kahalagahan ng isa sa mga nangungunang uri ng musikal na sining, na nagbibigay ng kanyang mga gawa sa keyboard na may malalim na pag-iisip. Si Beethoven ang unang sumunod sa landas ni F. E. Bach, gayunpaman, na nalampasan ang kanyang hinalinhan sa lawak, pagkakaiba-iba at kahalagahan ng mga ideyang ipinahayag sa mga sonata ng piano, ang kanilang artistikong pagiging perpekto at kahalagahan. Isang malaking hanay ng mga imahe at mood - mula sa malambot na pastoral hanggang sa kalunus-lunos na solemnidad, mula sa liriko na pagbubuhos hanggang sa rebolusyonaryong apotheosis, mula sa taas pilosopikal na kaisipan sa mga sandali ng katutubong genre, mula sa trahedya hanggang sa katatawanan - nailalarawan ang tatlumpu't dalawang piano sonata ni Beethoven, na nilikha niya sa loob ng isang-kapat ng isang siglo. Ang landas mula sa una (1792) hanggang sa huli (1822) Beethoven sonata ay nagmamarka ng isang buong panahon sa kasaysayan ng mundo ng piano music. Nagsimula ang Beethoven sa isang katamtaman na classicist na istilo ng piano (na higit na nauugnay sa sining ng pagtugtog ng harpsichord) at nagtapos sa musika para sa modernong piano, na may napakalaking hanay ng tunog at maraming bagong pagpapahayag na mga posibilidad. Tinawag ang kanyang huling sonata na "isang gawa para sa instrumentong martilyo" (Hammerklavier), binigyang-diin ng kompositor ang kanilang modernong
pianistic
pagpapahayag. Noong 1822, natapos ni Beethoven ang kanyang karera sa Thirty-second Sonata. mahabang paghatak sa lugar na ito ng pagkamalikhain. Ludwig van Beethoven ay nagtrabaho nang husto sa mga problema ng piano virtuosity. Sa paghahanap ng kakaibang sound image, walang sawang niyang binuo ang kanyang orihinal na piano style. Ang pakiramdam ng malawak na espasyo ng hangin na nakamit sa pamamagitan ng pagsasama-sama ng mga malalayong rehistro, napakalaking chord, siksik, mayaman, multifaceted texture, timbre-instrumental techniques, mayamang paggamit ng mga pedal effect (sa partikular, ang kaliwang pedal) - ito ang ilan sa mga katangian ng mga makabagong diskarte ng Piano style ni Beethoven. Simula sa unang sonata, inihambing ni Beethoven ang chamber music ng ika-18 siglong keyboard music. ang kanilang mga maringal na sound mural na ipininta sa matapang at malalaking stroke. Ang sonata ni Beethoven ay nagsimulang maging katulad ng isang symphony para sa piano. Hindi bababa sa isang katlo ng 32 piano sonata ay kilala kahit na sa mga taong itinuturing ang kanilang sarili na "hindi amateurs". Sa mga ito: "Pathétique" sonata No. 8. Isang mapang-akit, mapagmataas, trahedya na simula - at umaalingawngaw na mga alon ng musika. Isang buong tula sa tatlong bahagi, bawat isa ay maganda. Kagalakan, pagdurusa, paghihimagsik at pakikibaka - isang tipikal na bilog ng Beethovenian ng mga imahe, na ipinahayag dito kapwa marahas at may mahusay na
maharlika. Ito ay mahusay na musika, tulad ng anumang sonata o symphony ni Beethoven. "Quasi una fantasia", ang tinatawag na "Moonlight" sonata No. 14, na nakatuon sa batang Countess Giulietta Guicciardi, na isang estudyante ng Beethoven. Ang kompositor ay naging interesado kay Juliet at naisip pa ang tungkol sa kasal, ngunit mas gusto niya ang iba. Karaniwang nililimitahan ng mga tagapakinig ang kanilang sarili sa unang bahagi, na hindi alam kung ano ang wakas - "isang talon na nagtataas" - bilang isa sa mga mananaliksik na makasagisag na inilalagay. At mayroon ding "Appassionata" (No. 23), "The Tempest" (No. 17), "Aurora" (No. 21)... Ang mga sonata ng piano ay isa sa pinakamahusay, pinakamahalagang bahagi ng napakatalino na pamana ni Beethoven. Sa isang mahaba at kapana-panabik na string ng kanilang mga kahanga-hangang imahe, ang buong buhay ng isang mahusay na talento, isang mahusay na isip at isang mahusay na puso ay dumaan sa harap natin, hindi dayuhan sa anumang tao, ngunit tiyak na dahil dito, ibinigay niya ang lahat ng kanyang mga tibok sa pinakamamahal. , pinakasagradong mithiin ng advanced na sangkatauhan. L. Beethoven ay isang kahalili sa mga tradisyon ng Mozart. Ngunit ang kanyang musika ay may ganap na bagong mga ekspresyon: ang drama sa musika ay umabot sa punto ng trahedya, ang katatawanan ay umabot sa kabalintunaan, at ang mga liriko ay naging isang paghahayag ng isang nagdurusa na kaluluwa, isang pilosopikal na pagmuni-muni sa kapalaran at sa mundo. Ang piano music ni Beethoven ay isang halimbawa ng artistikong panlasa. Madalas inihambing ng mga kontemporaryo ang emosyonal na kalagayan ng mga sonata ni Beethoven sa mga kalunos-lunos ng mga trahedya ni Schiller. Bilang karagdagan sa 32 sonata para sa piano, mayroon ding mga sonata para sa biyolin. Ang isa ay tiyak na pamilyar sa marami kahit man lang sa pangalan - "Kreutzer Sonata" - Sonata No. 9 para sa byolin at piano. At pagkatapos ay mayroong mga sikat na string quartets ni Beethoven. Sa mga ito, ang "Russian Quartets" ay lalong sikat. Talagang maririnig mo ang mga melodies ng Russia sa kanila ("Ah, talento, ang aking talento," "Glory" - Lalo na pamilyar si Beethoven sa mga kantang ito mula sa koleksyon ni Lvov). Ito ay hindi nagkataon: ang mga quartet ay isinulat sa kahilingan ng Russian diplomat na si Andrei Razumovsky, na nanirahan sa Vienna sa mahabang panahon at naging patron ng Beethoven. Dalawang symphony ng kompositor ay nakatuon kay Razumovsky. Ang Beethoven ay may siyam na symphony, karamihan sa mga ito ay kilala sa publiko. Hayaan mong ipaalala ko sa iyo ang Ikatlong (Kabayanihan) Symphony, ang Fifth Symphony na may sikat na Tema ng Fate. Ang "mga suntok ng kapalaran" na ito ay bumagsak at bumagsak muli, ang kapalaran ay patuloy na kumakatok sa pintuan. At ang pakikibaka ay hindi nagtatapos sa unang bahagi. Ang resulta ay makikita lamang sa finale, kung saan ang tema ng kapalaran ay nagiging pagsasaya ng kagalakan ng tagumpay. Pastoral (ika-6 na symphony) - ang pangalan mismo ay nagmumungkahi ng isang pagdiriwang ng kalikasan. Ang nakamamanghang 7th Symphony ay sa wakas ang pinakasikat,
ang epoch-making Ninth Symphony, ang ideya kung saan ang Beethoven ay namumuo nang mahabang panahon. Nabuhay din si Beethoven bilang isang "malayang artista" (gayunpaman, simula sa Mozart, ito ang naging pamantayan) kasama ang lahat ng paghihirap at kawalan ng katiyakan. Ilang beses sinubukan ni Beethoven na umalis sa Vienna, pagkatapos ay inalok siya ng maharlikang Austrian ng suweldo, kung hindi lang siya aalis. At nanatili si Beethoven sa Vienna. Dito niya nakilala ang kanyang pangunahing tagumpay. Mula sa kailaliman ng kalungkutan, nagpasya si Beethoven na luwalhatiin si Joy. (Rolland). Malubha na ang sakit ni Beethoven. Ito ay hindi lamang ang simula ng pagkabingi, ang kompositor ay nagkakaroon ng malubhang sakit sa atay. Hindi rin sapat ang pera, at may mga problema sa aking personal na buhay (pagpapalaki ng aking pamangkin). Sa ilalim ng mga kondisyong ito, kung minsan ay mahirap isaalang-alang bilang isang nilikha ng tao ay ipinanganak. Yakap, milyon-milyon! (Beethoven. 9th Symphony, finale). Tinatawag din itong Chorale Symphony, dahil sa ang katunayan na sa finale ang kilalang koro na ngayon ay tumunog sa mga salita ni Friedrich Schiller - "Ode to Joy", na pana-panahong naging iba't ibang mga anthem, ngayon ito ay ang Anthem ng European Unyon. Namatay si Beethoven noong Marso 26, 1827. Noong 2007, ang Viennese pathologist at forensic medicine expert na si Christian Reiter (Associate Professor sa Department of Forensic Medicine sa Medical University of Vienna) ay iminungkahi na ang pagkamatay ni Beethoven ay hindi sinasadyang binilisan ng kanyang doktor na si Andreas Wavruch, na paulit-ulit. tinusok ang peritoneum ng pasyente (upang alisin ang likido), pagkatapos ay nag-apply siya ng mga lotion na naglalaman ng lead sa mga sugat. Ang mga pagsusuri sa buhok ni Reuter ay nagpakita na ang mga antas ng lead ni Beethoven ay tumaas nang husto sa tuwing bumibisita siya sa doktor.
Beethoven - guro
Nagsimulang magbigay ng mga aralin sa musika si Beethoven habang nasa Bonn pa. Ang kanyang mag-aaral sa Bonn na si Stefan Breuning ay nanatiling pinaka-tapat na kaibigan ng kompositor hanggang sa katapusan ng kanyang mga araw. Tinulungan ni Breuning si Beethoven sa pagrebisa ng libretto ni Fidelio. Sa Vienna, ang batang Countess Juliet Guicciardi ay naging estudyante ni Beethoven sa Hungary, kung saan nanatili si Beethoven sa Brunswick estate, nag-aral sa kanya si Teresa Brunswik; Si Dorothea Ertmann, isa sa pinakamahusay na pianista sa Germany, ay estudyante rin ni Beethoven. Si D. Ertman ay sikat sa kanyang pagganap sa mga gawa ni Beethoven. Inialay ng kompositor ang Sonata No. 28 nang malaman na namatay ang anak ni Dorothea, naglaro si Beethoven para sa kanya sa mahabang panahon. Nagsimula ring mag-aral si Karl Czerny kay Beethoven. Si Karl marahil ang nag-iisang anak sa mga estudyante ni Beethoven. Siyam na taong gulang pa lamang siya, ngunit nagpe-perform na siya sa mga konsyerto. Nag-aral si Czerny kay Beethoven sa loob ng limang taon, pagkatapos ay binigyan siya ng kompositor ng isang dokumento kung saan nabanggit niya
"Ang mga pambihirang tagumpay ng mag-aaral at ang kanyang kamangha-manghang memorya sa musika." Tunay na kamangha-mangha ang memorya ni Cherny: alam niya ang lahat sa pamamagitan ng puso gumaganang piano mga guro. Maagang nagsimula si Czerny aktibidad ng pedagogical at hindi nagtagal ay naging isa sa mga pinakamahusay na guro sa Vienna. Kabilang sa kanyang mga mag-aaral ay si Theodor Leschetizky, na maaaring tawaging isa sa mga tagapagtatag ng Russian piano school. Si Leshetitsky, na lumipat sa Russia sa St. Petersburg, siya namang guro ng A. N. Esipova, V. I. Safonov, S. M. Maikapara. Nag-aral si Franz Liszt kay K. Czerny sa loob ng isang taon at kalahati. Napakalaki ng kanyang tagumpay kaya pinayagan siya ng kanyang guro na magsalita sa publiko. Naroon si Beethoven sa konsiyerto. Nahulaan niya ang talento ng bata at hinalikan niya ito. Iningatan ni Liszt ang halik na ito sa buong buhay niya. Si Liszt, hindi si Czerny, ang nagmana ng istilo ng paglalaro ni Beethoven. Tulad ni Beethoven, binibigyang-kahulugan ni Liszt ang piano bilang isang orkestra. Habang naglilibot sa Europa, itinaguyod niya ang gawa ni Beethoven, hindi lamang gumaganap ang kanyang mga gawa sa piano, kundi pati na rin ang mga symphony na inangkop niya para sa piano. Noong panahong iyon, ang musika ni Beethoven, lalo na ang symphonic music, ay hindi pa alam ng malawak na madla. Ito ay salamat sa mga pagsisikap ni F. Liszt na ang monumento sa kompositor na si Ludwig van Beethoven ay itinayo sa Bonn noong 1839. Imposibleng hindi makilala ang musika ni Beethoven. Laconism at relief ng melodies, dynamics, malinaw na muscular ritmo - ito ay isang madaling makikilala heroic-dramatic na estilo. Kahit na sa mabagal na paggalaw (kung saan sinasalamin ni Beethoven), ang pangunahing tema ni Beethoven ay tunog: sa pamamagitan ng pagdurusa hanggang sa kagalakan, "sa pamamagitan ng mga tinik sa mga bituin." Itinuring ni M. I. Glinka na si Beethoven ang pinakatuktok ng classicism ng Viennese, ang artist na pinakamalalim na tumagos sa kaibuturan ng kaluluwa ng tao at perpektong ipinahayag ito sa mga tunog. Sinabi ni Beethoven: "Ang musika ay dapat mag-apoy mula sa kaluluwa ng tao!"
Konklusyon
Ang paglago ng kalayaan sa lipunan ay humantong sa paglitaw ng mga unang pampublikong konsiyerto, at ang mga musikal na lipunan at orkestra ay nabuo sa mga pangunahing lungsod ng Europa. Pag-unlad ng isang bagong kultura ng musika sa kalagitnaan ng ika-18 siglo. nagbunga ng paglitaw ng maraming pribadong salon at mga palabas sa opera. Ang musikal na kultura ng klasisismo ay nauugnay sa paglikha ng maraming mga genre ng instrumental na musika - tulad ng sonata, symphony, quartet. Sa panahong ito, ang genre ng klasikal na konsiyerto at ang pagkakaiba-iba ng anyo ay nag-kristal, at isang reporma ng mga genre ng opera ay isinagawa.
Ang mga pangunahing pagbabago ay naganap sa mga orkestra; espesyal na tunog. Ang bagong komposisyon ng orkestra ay humantong sa paglitaw ng symphony, ang pinakamahalagang genre ng musika. Isa sa mga unang kompositor na gumamit ng symphonic format ay ang anak ni I.S. Bach - Carl Philipp Emmanuel Bach. Kasama ang bagong komposisyon ng orkestra, may lilitaw

string quartet na binubuo ng dalawang violin, viola at cello. Ang mga komposisyon ay partikular na nilikha para sa isang string quartet na may sariling pamantayan ng apat na tempo. Isang multi-movement sonata-symphonic form (4-part cycle) ang nabuo, na siyang batayan pa rin ng maraming instrumental na komposisyon. Sa parehong panahon, isang piano ang nilikha, ang disenyo nito noong ika-18 siglo. sumasailalim sa mga makabuluhang pagbabago, ang mekanismo ng keyboard-hammer ay pinabuting, isang cast-iron frame, mga pedal, at isang "double rehearsal" na mekanismo ay ipinakilala, ang pagkakaayos ng mga string ay nagbabago, at ang hanay ay lumalawak. Ang lahat ng ebolusyonaryong inobasyong ito ay nagbigay-daan sa mga pianista na gumanap ng mga virtuoso na gawa nang mas madali. iba't ibang mga pagpipilian, gamit ang iba't ibang paraan ng pagpapahayag at pinayamang dinamika. Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart at Ludwig van Beethoven - tatlong magagandang pangalan, tatlong "Titans" na napunta sa kasaysayan bilang
Vienna

mga klasiko
. Mga kompositor paaralan ng Vienna mahusay na pinagkadalubhasaan ang iba't ibang genre ng musika - mula sa pang-araw-araw na kanta hanggang sa mga symphony. Ang mataas na istilo ng musika, kung saan ang masaganang makasagisag na nilalaman ay nakapaloob sa isang simple ngunit perpektong artistikong anyo, ang pangunahing katangian ng gawa ng mga klasikong Viennese. Ang mga kompositor ng Viennese classical na paaralan ang nagtaas ng genre sonata ng piano, isang klasikal na konsiyerto sa pinakamataas na antas. Ang pagtuklas ng klasisismo ay binubuo sa pagpapahayag ng pagnanais para sa pinakamataas na ideal ng pagiging perpekto, para sa makalangit na istraktura ng kaluluwa at buhay. Sinabi ni Haydn na ang Diyos ay hindi masasaktan sa kanya para sa pagpupuri sa Kanya sa isang bago, maliwanag at malinaw na istilo. Ang musikal na kultura ng klasisismo, tulad ng panitikan, pati na rin ang pinong sining, ay niluluwalhati ang mga aksyon ng tao, ang kanyang mga damdamin at damdamin, kung saan naghahari ang dahilan. Ang mga malikhaing artista sa kanilang mga gawa ay nailalarawan sa pamamagitan ng lohikal na pag-iisip, pagkakaisa at kalinawan ng anyo. Ang klasisismo ay ang istilo ng isang partikular na panahon sa kasaysayan. Ngunit ang kanyang ideal na pagkakaisa at proporsyonalidad ay nananatiling modelo para sa mga susunod na henerasyon.
Samantala, ang mga siglo ng klasisismo ay umuurong na; sa walang uliran na polystylistics ng "Don Juan" at sa mapanghimagsik na diwa ng "Egmont" ay mararamdaman ng isang tao ang siglo ng romantikismo na may kalunos-lunos na kabalintunaan, hindi maayos na artistikong kamalayan, at kalayaan ng liriko na intimacy.
Mga prinsipyo ng klasisismo
1. Ang batayan ng lahat ay dahilan. Tanging kung ano ang makatwiran ay maganda. 2. Ang pangunahing gawain ay palakasin ang ganap na monarkiya, ang monarko ay ang sagisag ng katwiran. 3. Ang pangunahing tema ay ang tunggalian ng personal at sibil na interes, damdamin at tungkulin. 4. Ang pinakamataas na dignidad ng isang tao ay ang pagtupad sa tungkulin, paglilingkod sa ideya ng estado. 5. Pamana ng sinaunang panahon bilang isang modelo. 6. Ang panggagaya sa kalikasang "ginalaman". 7. Ang pangunahing kategorya ay kagandahan.
Panitikan
Keldysh Yu. - Klasisismo. Encyclopedia ng Musika, Moscow: Soviet Encyclopedia, mula sa "Soviet Composer", 1973 - 1982. Classicism - Large Encyclopedic Dictionary, 2000 Yu. A. Kremlev - Beethoven's Piano Sonatas, Soviet Composer Publishing House, Moscow 1970.
Mga kompositor ng Klasikal na Panahon

Friedrich Kalkbrenner Joseph Haydn Johann Nepomuk Hummel Jan Vanhal Giovanni Battista Pescetti Dominico Cimarosa Ivan Laskovsky Leopold Mozart Christian Gottlob Nefe Wolfgang Amadeus Mozart Giovanni Battista Grazioli Andre Gretry Johann E. Hummel Daniel Steibelt Ignaz Pleyel Ludòvichl Ludwigl Duwigi Gurniv Lagdivich Antonislav Pagoven L. Jacques Aubert Christoph Willibald Gluck Giovanni Paisiello Alexander Ivanovich Dubuk Lev Stepanovich Gurilev Karl Czerny Daniel Gottlob Türk Wilhelm Friedemann Bach Antonio Salieri Johann Christian Bach Mauro Giuliani Johann Christian Bach Mauro Giuliani Johann Christoph Frederick Bach John Field Carl Philip Emmanuel Bach Alexander Taneyev Frédéric Duvernoy Gaetanoheln Frédéric Duvernoy Gaetanohel Benda Tobias Haslinger Luigi Cherubini Vincenzo Bellini Albert Behrens Johann Philipp Kirnberger Muzio Clementi Henri Jerome Bertini Henri Kramer
Luigi Boccherini Johann Baptiste Kramer Dmitry Bortnyansky Rodolphe Kreutzer Peter Bulakhov Friedrich Kuhlau Carl Maria von Weber Johann Heinrich Leo Henri Lemoine Genishta Joseph Iosifovich Mikhail Cleophas Oginsky Giovanni Battista Pergolesi
ROMANTISMO
Ang Romantisismo ay isang ideolohikal at masining na kilusan na umusbong sa kulturang Europeo at Amerikano sa pagtatapos ng ika-18 siglo. - unang kalahati ng ika-19 na siglo. - ay isang reaksyon sa aesthetics ng classicism, isang kakaibang reaksyon sa Age of Enlightenment kasama ang kulto ng katwiran. Ang paglitaw ng romanticism ay dahil sa iba't ibang dahilan. Ang pinakamahalaga sa kanila
-
pagkabigo sa mga resulta ng Rebolusyong Pranses
,
hindi naabot ang mga inaasahan na inilagay dito. Ang romantikong pananaw sa mundo ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang matalim na salungatan sa pagitan ng katotohanan at mga pangarap. Ang realidad ay mababa at hindi espirituwal, ito ay natatakpan ng diwa ng philistinism, philistinism at karapat-dapat lamang sa pagtanggi. Ang panaginip ay isang bagay na maganda, perpekto, ngunit hindi maabot at hindi kayang unawain ng katwiran. Unang umusbong at umunlad ang romantikismo noong 1790s. sa Alemanya, sa bilog ng mga manunulat at pilosopo ng paaralang Jena, na ang mga kinatawan ay itinuturing na sina W. G. Wackenroder, Ludwig Tieck, Novalis, magkapatid na F. at A. Schlegel). Ang pilosopiya ng romantisismo ay sistematiko sa mga gawa nina F. Schlegel at F. Schelling at mayroong positibong kasiyahan sa maganda, na ipinahayag sa mahinahon na pagmumuni-muni, at mayroong negatibong kasiyahan sa kahanga-hanga, walang anyo, walang katapusan, na nagiging sanhi ng hindi. kagalakan, ngunit pagkamangha at pang-unawa. Ang pag-awit ng kahanga-hanga ay nauugnay sa interes ng romantikismo sa kasamaan, ang pagpaparangal nito at ang dayalektika ng mabuti at masama. Noong ika-18 siglo Ang lahat ng kakaiba, kaakit-akit at umiiral sa mga libro at hindi sa katotohanan ay tinawag na romantiko. Sa simula. XIX na siglo Ang Romantisismo ay naging pagtatalaga ng isang bagong direksyon, kabaligtaran ng klasiko at ang Enlightenment. Mula sa bawat panahon, mula sa istilo hanggang sa kasunod na istilo sa larangan ng sining, maaari kang "magtayo ng tulay" at ipahayag ang kaukulang
kahulugan ng masining na paggalaw: ang baroque ay isang sermon, ang romanticism ay isang pagtatapat. Kaya't sila ay "nakakalat" sa mga panig mula sa maayos at maayos na klasisismo. Sa sining ng Baroque, ang isang tao ay nakipag-usap sa isang tao (nangaral) ng isang bagay na mahalaga sa buong mundo, sa romantikismo, ang isang tao ay tumutugon sa mundo, na ipinapahayag dito na ang pinakamaliit na karanasan ng kanyang kaluluwa ay hindi gaanong mahalaga kaysa sa lahat. At narito hindi lamang ang karapatan sa isang indibidwal na pakiramdam, kundi pati na rin ang karapatang kumilos. Ang Romantisismo, na pinapalitan ang Panahon ng Enlightenment, ay kasabay ng rebolusyong pang-industriya, na minarkahan ng hitsura ng makina ng singaw, makina ng tren, bapor, litrato at labas ng pabrika. Kung ang Enlightenment ay nailalarawan sa pamamagitan ng kulto ng katwiran at sibilisasyon batay sa mga prinsipyo nito, kung gayon ang romantikismo ay nagpapatibay sa kulto ng kalikasan, damdamin at natural sa tao. Ito ay sa panahon ng romanticism na ang mga phenomena ng turismo, pamumundok at piknik ay nabuo, na dinisenyo upang ibalik ang pagkakaisa ng tao at kalikasan. Ang imahe ng isang "noble savage", armado ng "folk wisdom" at hindi pinalayaw ng sibilisasyon, ay hinihiling. Sinasalungat ng Romantisismo ang ideyang pang-edukasyon ng pag-unlad na may interes sa alamat, alamat, mga engkanto, sa karaniwang tao, isang pagbabalik sa mga ugat at kalikasan. Sa karagdagang pag-unlad Romantikismo ng Aleman nakikilala sa pamamagitan ng isang interes sa fairy-tale at mythological motifs, na kung saan ay malinaw na malinaw na ipinahayag sa mga gawa ng magkapatid na Wilhelm at Jacob Grimm, at Hoffmann. Si G. Heine, na sinimulan ang kanyang gawain sa loob ng balangkas ng romantisismo, sa kalaunan ay isinailalim ito sa kritikal na rebisyon. Ang pilosopikal na romantikismo ay nananawagan para sa muling pag-iisip sa relihiyon at sa pagtugis ng ateismo. "Ang tunay na relihiyon ay ang pakiramdam at lasa ng kawalang-hanggan." Nang maglaon noong 1820s ay kumalat ang istilong romantikong sa Inglatera, Pransya at iba pang mga bansa. Kasama sa romantikong Ingles ang mga gawa ng mga manunulat na sina Racine, John Keats, at William Blake. Ang romantikismo sa panitikan ay naging laganap sa ibang bansa sa Europa, halimbawa: sa France - Chateaubriand, J. Stael, Lamartine, Victor Hugo, Alfred de Vigny, Prosper Merimee, Georges Sand, Stendhal; sa Italy - N. U. Foscolo, A. Manzoni, Leopardi, sa Poland - Adam Mickiewicz, Juliusz Słowacki, Zygmunt Krasinski, Cyprian Norwid; sa USA - Washington Irving, Fenimore Cooper, W. C. Bryant, Edgar Allan Poe, Nathaniel Hawthorne, Henry Longfellow, Herman Melville.
Sa romantikong Ruso, lumilitaw ang kalayaan mula sa mga klasikal na kombensiyon, nilikha ang isang balad, romantikong drama. Ang isang bagong ideya ay itinatag tungkol sa kakanyahan at kahulugan ng tula, na kinikilala bilang isang independiyenteng globo ng buhay, isang pagpapahayag ng pinakamataas, perpektong mithiin ng tao. Ang romantikismo ng panitikang Ruso ay nagpapakita ng pagdurusa at kalungkutan ng pangunahing karakter. Sa Russia, ang V. A. Zhukovsky, K. N. Batyushkov, E. A. Baratynsky, N. M. Yazykov ay maaari ding ituring na mga romantikong makata. Ang maagang tula ng A. S. Pushkin ay nabuo din sa loob ng balangkas ng romantikismo. Ang tula ni M. Yu Lermontov ay maaaring ituring na tuktok ng romantikong Ruso. Ang pilosopikal na liriko ng F. I. Tyutchev ay parehong pagkumpleto at pagtagumpayan ng romantikismo sa Russia. Nagsimula ang Romantisismo bilang isang kilusang pampanitikan, ngunit nagkaroon ng makabuluhang impluwensya sa musika at pagpipinta. SA sining Malinaw na ipinakita ang romantikismo sa pagpipinta at mga graphic, mas mababa sa arkitektura. Ang pag-unlad ng romanticism sa pagpipinta ay nagpatuloy sa matalim na polemics sa mga adherents ng classicism. Sinisiraan ng mga Romantiko ang kanilang mga nauna sa "malamig na katwiran" at kawalan ng "paggalaw ng buhay." Noong ika-18 siglo, ang mga paboritong motif ng mga artista ay ang mga tanawin ng bundok at mga nakamamanghang guho. Ang mga pangunahing tampok nito ay dynamic na komposisyon, volumetric spatiality, rich color, chiaroscuro (halimbawa, mga gawa ni Turner, Géricault at Delacroix). Sa 20s at 30s, ang mga gawa ng maraming mga artista ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga kalunos-lunos at nerbiyos na kaguluhan; nagpakita sila ng pagkahilig sa mga kakaibang motif at paglalaro ng imahinasyon, na may kakayahang umakay palayo sa "mapurol na pang-araw-araw na buhay". Ang pakikibaka laban sa mga nakapirming klasiko na pamantayan ay tumagal ng mahabang panahon, halos kalahating siglo. Ang unang nagawang pagsamahin ang bagong direksyon at "bigyang-katwiran" ang romantikismo ay si Theodore Gericault. Mga kinatawan ng pagpipinta: Francisco Goya, Antoine-Jean Gros, Theodore Gericault, Eugene Delacroix, Karl Bryullov, William Turner, Caspar David Friedrich, Carl Friedrich Lessing, Carl Spitzweg, Carl Blechen, Albert Bierstadt, Frederic Edwin Church, Fuseli, Martin.
ROMANTICISMO SA MUSIKA
Ang musika ng panahon ng Romantiko ay isang panahon sa kasaysayan ng musikang Europeo, na halos sumasaklaw sa mga taong 1800 - 1910. Sa musika, ang direksyon ng romantikismo ay lumitaw noong 1820s, ang pag-unlad nito ay tumagal ng buong ika-19 na siglo. - ang siglo ng kasagsagan ng musikal na kultura ng Kanlurang Europa. Ang romantikismo ay hindi lamang mga liriko, ngunit ang pangingibabaw ng mga damdamin, hilig, espirituwal na elemento, na kilala lamang sa mga sulok ng sariling kaluluwa. Kinikilala sila ng isang tunay na artista sa tulong ng napakatalino na intuwisyon.
Ang musika ng panahong ito ay nabuo mula sa mga anyo, genre at mga ideyang pangmusika na itinatag sa mga naunang panahon tulad ng klasikal na panahon. Sinubukan ng mga romantikong kompositor na ipahayag ang lalim at kayamanan ng panloob na mundo ng isang tao sa tulong ng mga musikal na paraan. Ang musika ay nagiging mas prominente at indibidwal. Ang mga genre ng kanta ay binuo, kabilang ang mga ballad. Ang mga ideya at istruktura ng mga akda na itinatag o umuusbong lamang sa mga naunang panahon ay nabuo sa panahon ng romantikismo. Bilang resulta, ang mga akdang may kaugnayan sa Romantisismo ay itinuturing ng mga tagapakinig bilang mas madamdamin at emosyonal na nagpapahayag. Karaniwang tinatanggap na ang mga nauna sa Romantisismo ay si Ludwig van Beethoven - sa Austro - Aleman na musika at Luigi Cherubini - sa Pranses; Itinuring ng maraming romantiko (halimbawa, Schubert, Wagner, Berlioz) ang K.V Gluck bilang kanilang mas malayong hinalinhan. Ang panahon ng paglipat mula sa klasisismo tungo sa romantikismo ay itinuturing na pre-romantic na panahon - isang medyo maikling panahon sa kasaysayan ng musika at sining. Kung sa panitikan at pagpipinta romantikong direksyon karaniwang nakumpleto ang pag-unlad nito sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo, kung gayon ang buhay ng musical romanticism sa Europa ay mas mahaba. Ang musical romanticism bilang isang kilusan ay lumitaw sa simula ng ika-19 na siglo at umunlad na may malapit na koneksyon sa iba't ibang mga paggalaw sa panitikan, pagpipinta at teatro. Ang mga pangunahing kinatawan ng romanticism sa musika ay: sa Austria - Franz Schubert, at ang late romantics - Anton Bruckner at Gustav Mahler; sa Germany - Ernest Theodor Hoffmann, Carl Maria Weber, Richard Wagner, Felix Mendelssohn, Robert Schumann, Johannes Brahms, Ludwig Spohr; sa England - Edward Elgar; sa Hungary - Franz Liszt; sa Norway - Edvard Grieg; sa Italya - Niccolo Paganini, Vincenzo Bellini, maagang Giuseppe Verdi; sa Espanya - Felipe Pedrel; sa France - D. F. Aubert, Hector Berlioz, J. Meyerbeer at ang kinatawan ng late romanticism na si Cesar Frank; sa Poland - Frederic Chopin, Stanislaw Moniuszko; sa Czech Republic - Bedrich Smetana, Antonin Dvorak;
sa Russia, Alexander Alyabyev, Mikhail Glinka, Alexander Dargomyzhsky, Mily Balakirev, N.A. Rimsky-Korsakov, Modest Mussorgsky, Alexander Borodin, Caesar Cui, P.I.

Ito ay hindi nagkataon na ang perpektong anyo ng sining ay idineklara na musika, na, dahil sa pagiging tiyak nito, pinaka-ganap na nagpapahayag ng mga paggalaw ng kaluluwa. Ang musika sa panahon ng romantikismo ang nangunguna sa sistema ng sining. Ang romantikismo sa musika ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang apela sa panloob na mundo ng tao. Ang musika ay may kakayahang ipahayag ang hindi nalalaman, upang ihatid kung ano ang hindi maiparating ng mga salita. Ang romantikismo ay laging nagsusumikap na makatakas sa katotohanan. Upang hawakan ang buhay ng mga ordinaryong tao, upang maunawaan ang kanilang mga damdamin, umaasa sa musika - nakatulong ito sa mga kinatawan ng musical romanticism na gawing makatotohanan ang kanilang mga gawa. Ang pangunahing problema ng romantikong musika ay ang problema ng personalidad, at sa isang bagong liwanag - sa kontrahan nito sa labas ng mundo. Ang isang romantikong bayani ay palaging malungkot kapag siya ay isang pambihirang, likas na matalino na tao. Ang tema ng kalungkutan ay marahil ang pinakasikat sa lahat ng romantikong sining. Ang isang artista, isang makata, isang musikero ay mga paboritong bayani sa mga akda ng mga romantiko ("The Love of a Poet" ni Schumann, "The Symphony Fantastique" ni Berlioz na may subtitle nitong "An Episode from the Life of an Artist"). Ang paghahayag ng personal na drama ay madalas na nakakuha ng isang katangian ng autobiography sa mga romantiko, na nagdala ng espesyal na katapatan sa musika. Halimbawa, marami sa mga gawa ng piano ni Schumann ay konektado sa kuwento ng kanyang pagmamahal kay Clara Wieck. Mariing binigyang-diin ni Richard Wagner ang autobiographical na katangian ng kanyang mga opera. Ang pansin sa mga damdamin ay humahantong sa isang pagbabago sa mga genre - ang mga lyrics, kung saan ang mga imahe ng pag-ibig ay nangingibabaw, ay nakakuha ng isang nangingibabaw na posisyon. Ang tema ng kalikasan ay madalas na magkakaugnay sa tema ng "lyrical confession". Ang pagbuo ng genre at lyric-epic symphonism ay malapit na konektado sa mga imahe ng kalikasan (isa sa mga unang gawa ay ang "mahusay" na symphony sa C major ni F. Schubert). Ang tema ng pantasya ay naging isang tunay na pagtuklas para sa mga romantikong kompositor. Ang musika sa unang pagkakataon ay natutong magsama ng hindi kapani-paniwalang kamangha-manghang mga imahe sa pamamagitan lamang ng mga paraan ng musika. Sa mga opera noong ika-17 - ika-18 siglo. "Hindi makalupa" na mga karakter (gaya ng Queen of the Night mula sa "The Magic Flute" ni Mozart) ay nagsalita sa "conventional"
wikang musikal, hindi gaanong namumukod-tangi sa background ng mga totoong tao. Natutunan ng mga romantikong kompositor na ihatid ang mundo ng pantasiya bilang isang bagay na ganap na tiyak (sa tulong ng hindi pangkaraniwang mga kulay ng orkestra at maharmonya). Ang isang kapansin-pansing halimbawa ay ang "Wolf's Gulch Scene" sa Weber's The Magic Shooter. Ang interes sa katutubong sining ay lubos na katangian ng musical romanticism. Tulad ng mga romantikong makata, na, sa pamamagitan ng alamat, ay nagpayaman at na-update wikang pampanitikan, ang mga musikero ay malawak na bumaling sa pambansang alamat - mga awiting bayan, balad, epiko (F. Schubert, R. Schumann, F. Chopin, J. Brahms, B. Smetana, E. Grieg). Lahat ng narinig ng mga tainga ay agad na isinalin sa pagkamalikhain. Ang alamat - mga kanta, sayaw, alamat - ay pinoproseso, ang mga tema, plot, intonasyon ay kinuha mula doon. Sa mga romantiko, ang kanta (sa Russia - romansa) ay nakakakuha ng espesyal na halaga. Lumilitaw ang mga bagong sayaw - mazurkas, polonaises, waltzes. Naglalagay ng mga larawan pambansang panitikan, kasaysayan, katutubong kalikasan, umasa sila sa mga intonasyon at ritmo ng pambansang alamat, na binubuhay ang mga sinaunang diatonic mode. Sa ilalim ng impluwensya ng alamat, ang nilalaman ng musika sa Europa ay nagbago nang malaki
.
Ang mga bagong tema at larawan ay nangangailangan ng mga romantiko na bumuo ng mga bagong paraan ng musikal na wika at mga prinsipyo ng pagbuo, pagpapalawak ng timbre at harmonic palette ng musika (natural na mga mode, makulay na paghahambing ng major at minor). At sa paraan ng pagpapahayag, ang heneral ay lalong nagbibigay daan sa indibidwal na kakaiba.

Sa orkestra, ang prinsipyo ng mga grupo ng ensemble ay nagbigay daan sa soloing ng halos lahat ng mga tinig ng orkestra. Sa panahon ng kasagsagan ng romantikismo, maraming bagong genre ng musika ang lumitaw, kabilang ang mga genre ng musika ng programa (mga symphonic na tula, ballad, pantasya, genre ng kanta). Ang pinakamahalagang aspeto ng aesthetics ng musical romanticism ay ang ideya ng isang synthesis ng sining, na natagpuan ang pinakamatingkad na pagpapahayag nito sa operatic work ni R. Wagner at sa programa ng musika ni G. Berlioz, R. Schumann, F. .
KONGKLUSYON
Ang paglitaw ng romantikismo ay naimpluwensyahan ng tatlong pangunahing kaganapan: ang Great French Revolution, ang Napoleonic Wars, at ang pag-usbong ng pambansang kilusang pagpapalaya sa Europa. Ang Romantisismo bilang isang paraan at direksyon sa musika at kulturang masining ay isang masalimuot at magkasalungat na kababalaghan. Sa bawat bansa mayroon siyang maliwanag
pambansang pagpapahayag. Ang mga romantiko ay naghimagsik laban sa mga resulta ng burges na rebolusyon, ngunit sila ay naghimagsik sa iba't ibang paraan, dahil ang bawat isa ay may sariling ideyal. Ngunit sa lahat ng maraming mga mukha at pagkakaiba-iba nito, ang romantikismo ay may patuloy na mga tampok: pagkabigo sa mundo sa paligid natin, isang pakiramdam ng pagiging bahagi ng Uniberso, hindi kasiyahan sa sarili, ang paghahanap para sa pagkakaisa, salungatan sa lipunan. Ang lahat ng mga ito ay nagmula sa pagtanggi sa Enlightenment at sa rasyonalistikong mga canon ng klasisismo, na humahadlang sa malikhaing inisyatiba. Interes sa isang malakas na personalidad, na sumasalungat sa sarili sa buong nakapaligid na mundo at umaasa lamang sa sarili nito, at pansin sa panloob na mundo ng isang tao. Ang ideya ng isang synthesis ng sining ay natagpuang ekspresyon sa ideolohiya at kasanayan ng romantikismo. Ang isang indibidwal, personal na pananaw ng mundo ay humantong sa paglitaw ng mga bagong genre ng musika. Kasabay ng trend ng pag-unlad ng home music-making, chamber performance, na hindi idinisenyo para sa mass audience at perpektong performing technique, ito ang nagbigay-daan sa paglitaw ng genre ng piano miniatures - impromptu, musical moments, nocturnes, preludes, many mga genre ng sayaw na hindi pa lumalabas sa propesyonal na musika. Ang mga romantikong tema, motif, at mga diskarte sa pagpapahayag ay pumasok sa sining iba't ibang istilo, direksyon, malikhaing asosasyon. Ang mga puwersang sumasalungat sa romantikismo ay nagsimulang lumitaw sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo (Brahms, Brückner, Mahler). Sa kanilang hitsura, nagkaroon ng tendensiya sa muling pagbabalik sa totoong mundo, pagiging objectivity, at pagtanggi sa subjective. Ngunit, sa kabila nito, ang romantikong pananaw sa mundo o pananaw sa mundo ay naging isa sa pinakamabungang artistikong estilistang paggalaw. Ang Romantisismo bilang isang pangkalahatang saloobin, pangunahing katangian ng mga kabataan, bilang isang pagnanais para sa perpekto at malikhaing kalayaan, ay nabubuhay pa rin sa sining ng mundo.
PANITIKAN
Rapatskaya L. A. Romantisismo sa kulturang sining Europa XIX v.: pagbubukas" panloob na tao" // Sining ng Daigdig.
ika-11 baitang sa 2 bahagi. M.: Vlados, 2008

Wala ni isang larangan ng musikal na sining noong ika-19 na siglo ang nakaligtas sa impluwensya ni Beethoven. Mula sa vocal lyricism ng Schubert hanggang sa mga musikal na drama ni Wagner, mula sa scherzo, kamangha-manghang mga pagpupursige ng Mendelssohn hanggang sa tragic-philosophical symphony ng Mahler, mula sa theatrical program music ng Berlioz hanggang sa psychological depth ng Tchaikovsky - halos lahat ng pangunahing artistikong phenomenon ng binuo ng ika-19 na siglo ang isang aspeto ng multifaceted creativity ni Beethoven. Ang kanyang mataas na etikal na mga prinsipyo, ang sukat ng pag-iisip ni Shakespeare, at ang walang hanggan na artistikong pagbabago ay nagsilbing gabay na bituin para sa mga kompositor ng iba't ibang uri ng mga paaralan at paggalaw. "Isang higante na ang mga hakbang ay palagi nating naririnig sa likod natin," sabi ni Brahms tungkol sa kanya.

Ang mga natitirang kinatawan ng romantikong paaralan sa musika ay naglaan ng daan-daang mga pahina kay Beethoven, na nagpahayag sa kanya bilang kanilang katulad na tao. Sina Berlioz at Schumann, sa magkahiwalay na kritikal na mga artikulo, at Wagner, sa buong volume, ay iginiit ang malaking kahalagahan ni Beethoven bilang unang romantikong kompositor.

Dahil sa inertia ng musicological thought, ang pananaw ni Beethoven bilang isang kompositor na malalim na nauugnay sa romantikong paaralan ay nananatili hanggang ngayon. Samantala, ang malawak na pananaw sa kasaysayan na binuksan noong ika-20 siglo ay nagpapahintulot sa atin na makita ang problema. "Beethoven and the Romantics" sa bahagyang naiibang liwanag. Sa pagtatasa ngayon sa kontribusyon na ginawa ng mga kompositor ng romantikong paaralan sa sining sa daigdig, nakumbinsi tayo na si Beethoven ay hindi makikilala o walang kundisyon na pinagsama sa mga romantikong umiidolo sa kanya. Hindi ito tipikal para sa kanya pangunahin at pangkalahatan, na ginagawang posible na pagsamahin sa konsepto ng isang solong paaralan ang gawain ng magkakaibang mga artistikong indibidwal tulad ng, halimbawa, Schubert at Berlioz, Mendelssohn at Liszt, Weber at Schumann. Hindi sinasadya na sa mga kritikal na taon kung kailan, nang maubos ang kanyang mature na istilo, si Beethoven ay marubdob na naghahanap ng mga bagong landas sa sining, ang umuusbong na romantikong paaralan (Schubert, Weber, Marschner at iba pa) ay hindi nagbukas ng anumang mga prospect para sa kanya. At ang mga bago, engrande sa kanilang kahalagahan, mga sphere na sa wakas ay natagpuan niya sa kanyang gawain sa huling panahon, sa mga mapagpasyang paraan ay hindi nag-tutugma sa mga pundasyon ng musikal na romantisismo.

May pangangailangan na linawin ang hangganang naghihiwalay sa Beethoven at ng mga romantiko, upang maitatag ang mahahalagang punto ng pagkakaiba sa pagitan ng dalawang phenomena na ito, malapit sa isa't isa sa oras, tiyak na humahawak sa kanilang mga indibidwal na panig ngunit naiiba sa kanilang aesthetic na kakanyahan.

Una sa lahat, bumalangkas tayo sa mga sandaling iyon ng pagkakapareho sa pagitan ni Beethoven at ng mga romantiko, na nagbigay sa huli ng dahilan upang makita ang kanilang katulad na tao sa napakatalino na artistang ito.

Laban sa background ng musikal na kapaligiran ng post-rebolusyonaryo, iyon ay, ang burges na Europa noong maaga at kalagitnaan ng ika-19 na siglo, ang Beethoven at ang Kanluraning mga romantiko ay pinagsama ng isang mahalagang karaniwang plataporma - pagsalungat sa marangal na karilagan at walang laman na libangan, na nagsimulang nangingibabaw sa mga taong iyon sa entablado ng konsiyerto at opera house.

Si Beethoven ang unang kompositor na nagtanggal sa pamatok ng isang musikero sa korte, ang una na ang mga gawa ay hindi panlabas o mahalagang konektado sa pyudal na prinsipeng kultura o sa mga hinihingi ng sining ng simbahan. Siya, at kasunod niya ang iba pang mga kompositor ng ika-19 na siglo, ay isang "malayang artista" na hindi alam ang nakakahiyang pag-asa sa korte o simbahan, na siyang kapalaran ng lahat ng magagaling na musikero ng mga nakaraang panahon - Monteverdi at Bach, Handel at Gluck, Haydn at Mozart... At gayunpaman, ang napanalunang kalayaan mula sa nakakapigil na mga kahilingan ng kapaligiran ng hukuman ay nagsama ng mga bagong phenomena, hindi gaanong masakit para sa mga artist mismo. Ang buhay musikal sa Kanluran ay tiyak na natagpuan ang sarili sa mga kamay ng isang hindi napaliwanagan na madla, hindi kayang pahalagahan ang mataas na adhikain ng sining at naghahanap lamang ng magaan na libangan dito. Ang kontradiksyon sa pagitan ng paghahanap ng mga advanced na kompositor at ng pilistang antas ng inert burges na publiko ay lubos na humadlang sa artistikong inobasyon noong nakaraang siglo. Ito ang tipikal na trahedya ng artist ng post-rebolusyonaryong panahon, na nagbunga ng imahe na laganap sa Kanluraning panitikan " hindi kinikilalang henyo sa attic." Tinukoy niya ang nagniningas, nakapipinsalang kalunos-lunos ng mga akda sa pamamahayag ni Wagner, na binansagan ang kontemporaryong teatro ng musika bilang "isang baog na bulaklak ng isang bulok na kaayusan sa lipunan." Pinukaw nito ang mapanlinlang na kabalintunaan ng mga artikulo ni Schumann: halimbawa, tungkol sa mga gawa ng kompositor at pianista na si Kalkbrenner, na dumadagundong sa buong Europa, isinulat ni Schumann na una siyang gumawa ng mga virtuoso na sipi para sa soloista, at pagkatapos ay iniisip lamang kung paano punan ang mga puwang. sa pagitan nila. Ang mga pangarap ni Berlioz ng isang perpektong estado ng musika ay lumitaw nang direkta mula sa matinding kawalang-kasiyahan sa sitwasyon na itinatag ang sarili nito sa mundo ng musikal noong kanyang panahon. Ang buong istraktura ng musikal na utopia na kanyang nilikha ay nagpapahayag ng isang protesta laban sa diwa ng komersyal na negosyo at pagtangkilik ng gobyerno sa mga usong paatras, kaya katangian ng France sa kalagitnaan ng huling siglo. At si Liszt, na patuloy na nahaharap sa limitado at atrasadong mga kahilingan ng publiko ng konsiyerto, ay umabot sa isang antas ng pangangati na ang posisyon ng isang medyebal na musikero ay nagsimulang tila perpekto sa kanya, na, sa kanyang opinyon, ay nagkaroon ng pagkakataon na lumikha, na nakatuon lamang. sa sarili niyang mataas na pamantayan.

Sa digmaan laban sa kabastusan, kalakaran, at kawalang-galang, ang pangunahing kaalyado ng mga kompositor ng romantikong paaralan ay si Beethoven. Ang kanyang gawa, bago, matapang, espirituwal, ang naging banner na nagbigay inspirasyon sa lahat ng advanced na kabataan ng kompositor noong ika-19 na siglo sa paghahanap ng seryoso, makatotohanang sining na nagbukas ng mga bagong pananaw.

At sa kanilang pagsalungat sa hindi napapanahong mga tradisyon ng musical classicism, ang Beethoven at ang Romantics ay nakita sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo bilang isang solong kabuuan. Ang break ni Beethoven sa musical aesthetics ng Age of Enlightenment ay para sa kanila ang impetus para sa kanilang sariling paghahanap, na naglalarawan sa sikolohiya ng modernong panahon. Ang hindi pa nagagawang emosyonal na kapangyarihan ng kanyang musika, ang bagong kalidad ng liriko nito, kalayaan ng anyo kumpara sa klasiko noong ika-18 siglo, at sa wakas, pinakamalawak na saklaw masining na ideya at nagpapahayag na paraan- ang lahat ng ito ay pumukaw sa paghanga ng mga romantiko at nakatanggap ng karagdagang multifaceted development sa kanilang musika. Tanging ang versatility ng sining ni Beethoven at ang kanyang pagtutok sa hinaharap ang makapagpapaliwanag ng ganitong kabalintunaan na kababalaghan sa unang sulyap na ang iba't ibang kompositor, kung minsan ay ganap na naiiba sa isa't isa, ay nakita ang kanilang sarili bilang mga tagapagmana at kahalili ni Beethoven, na may tunay na batayan para sa gayong opinyon. At sa katunayan, hindi ba mula kay Beethoven na natanggap ni Schubert ang nakabuo ng instrumental na pag-iisip na nagbunga ng panimulang bagong interpretasyon ng piano plan sa mga pang-araw-araw na kanta? Nakatuon lamang si Berlioz kay Beethoven nang lumikha ng kanyang mga magarang symphonic na komposisyon, kung saan ginamit niya ang mga programming at vocal sound. Ang mga pagpapalabas ng programa ni Mendelssohn ay batay sa mga pagpapasya ni Beethoven. Direktang bumalik ang vocal-symphonic writing ni Wagner sa operatic at oratorio style ng Beethoven. Ang symphonic poem ni Liszt - isang tipikal na produkto ng romantikong panahon sa musika - ay may pinagmulan ng mga binibigkas na tampok ng colorism na lumitaw sa mga gawa ng yumaong Beethoven, isang tendensya sa pagkakaiba-iba at isang libreng interpretasyon ng sonata cycle. Kasabay nito, lumingon si Brahms sa klasikong istruktura ng mga symphony ni Beethoven. Binuhay ni Tchaikovsky ang kanilang panloob na drama, na organikong konektado sa lohika ng pagbuo ng sonata. Ang mga halimbawa ng gayong mga koneksyon sa pagitan ng Beethoven at mga kompositor ng ika-19 na siglo ay mahalagang hindi mauubos.

At sa mas malawak na sukat, may mga katangian ng pagkakamag-anak sa pagitan ni Beethoven at ng kanyang mga tagasunod. Sa madaling salita, inaasahan ng gawa ni Beethoven ang ilang mahahalagang pangkalahatang uso sa sining ng ika-19 na siglo sa kabuuan.

Una sa lahat, ito ay isang sikolohikal na prinsipyo, na kapansin-pansin kapwa sa Beethoven at sa halos lahat ng mga artista ng kasunod na mga henerasyon.

Hindi gaanong mga romantiko, ngunit ang mga artista ng ika-19 na siglo sa pangkalahatan ang nakatuklas ng imahe ng kakaibang panloob na mundo ng tao - isang imahe na parehong holistic at patuloy na paggalaw, lumiko sa loob at nagre-refract ng iba't ibang aspeto ng layunin, panlabas na mundo. Sa partikular, ang pagtuklas at pag-apruba ng makasagisag na globo na ito ay namamalagi, una sa lahat, ang pangunahing pagkakaiba sa pagitan ng sikolohikal na nobela noong ika-19 na siglo at ng mga pampanitikang genre ng mga nakaraang panahon.

Ang pagnanais na ilarawan ang katotohanan sa pamamagitan ng prisma ng espirituwal na mundo ng indibidwalidad ay katangian din ng musika ng buong panahon ng post-Beethoven. Sa pamamagitan ng repraksyon sa pamamagitan ng mga detalye ng instrumental na pagpapahayag, nagbunga ito ng ilang katangian ng mga bagong formative na pamamaraan na pare-parehong lumilitaw kapwa sa mga huling sonata at quartet ni Beethoven, at sa instrumental at gumagana ang opera mga romantiko.

Para sa sining ng "panahong sikolohikal," ang mga klasikong prinsipyo ng pagbuo ng anyo, na nagpapahayag ng mga layunin na aspeto ng mundo, lalo na ang mga natatanging pampakay na pormasyon na malinaw na sumasalungat sa isa't isa, kumpletong mga istruktura, simetriko na dissected at balanseng mga seksyon ng anyo, at ang suite-cyclic na disenyo ng kabuuan, ay nawala ang kanilang kaugnayan. Si Beethoven, tulad ng mga romantiko, ay nakahanap ng mga bagong pamamaraan na nakakatugon sa mga gawain ng sikolohikal na sining. Ito ay isang ugali patungo sa pagpapatuloy ng pag-unlad, patungo sa mga elemento ng isang bahagi sa sukat ng isang sonata cycle, patungo sa libreng pagkakaiba-iba sa pagbuo ng pampakay na materyal, kadalasang batay sa nababaluktot na motivic transition, patungo sa isang two-dimensional - vocal-instrumental - istraktura ng musikal na pananalita, na parang naglalaman ng ideya ng teksto at subtext ng pagbigkas * .

* Para sa karagdagang impormasyon tungkol dito, tingnan ang kabanata na “Romantisismo sa Musika”, seksyon 4.

Ang mga tampok na ito ay pinagsasama-sama ang mga gawa ng yumaong Beethoven at ang mga romantiko, na sa lahat ng iba pang aspeto ay sa panimula ay magkasalungat sa bawat isa. Fantasy "The Wanderer" ni Schubert at "Symphonic Etudes" ni Schumann, "Harold in Italy" ni Berlioz at "Scottish Symphony" ni Mendelssohn, "Preludes" ni Liszt at "Ring of the Nibelung" ni Wagner - gaano kalayo ang mga gawang ito sa kanilang hanay ng mga imahe, mood, panlabas na tunog mula sa mga sonata at quartet ni Beethoven ng huling yugto! Gayunpaman, pareho ang minarkahan ng iisang ugali tungo sa pagpapatuloy ng pag-unlad.

Ang naglalapit sa yumaong Beethoven sa mga kompositor ng romantikong paaralan ay ang pambihirang pagpapalawak ng hanay ng mga phenomena na sakop ng kanilang sining. Ang tampok na ito ay ipinakita hindi lamang sa pagkakaiba-iba ng pampakay mismo, kundi pati na rin sa matinding antas ng kaibahan kapag inihahambing ang mga imahe sa loob ng isang gawa. Kaya, kung ang mga kompositor ng ika-18 siglo ay may mga kaibahan na nagsisinungaling, kumbaga, sa isang eroplano, kung gayon sa huling bahagi ng Beethoven at sa isang bilang ng mga gawa ng romantikong paaralan, ang mga imahe ng iba't ibang mga mundo ay inihambing. Sa diwa ng napakalaking kaibahan ni Beethoven, binangga ng mga romantiko ang makalupa at hindi makamundo, katotohanan at panaginip, espirituwal na pananampalataya at erotikong pagnanasa. Alalahanin natin ang Sonata ni Liszt sa B minor, ang Fantasia ni Chopin sa F minor, ang "Tannhäuser" ni Wagner at marami pang ibang gawa ng musical-romantic school.

Sa wakas, ang Beethoven at ang Romantics ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang pagnanais para sa detalyadong pagpapahayag - isang pagnanais na mataas din ang katangian ng panitikan noong ika-19 na siglo, hindi lamang ng romantiko, kundi pati na rin ng malinaw na makatotohanang eroplano. Ang isang katulad na ugali ay na-refracted sa pamamagitan ng musical specificity sa anyo ng isang multi-element, siksik, at kadalasang multi-faceted (polymelodic) na texture, lubhang naiibang orkestrasyon. Ang napakalaking sonority ng musika ng Beethoven at ang Romantics ay tipikal din. Sa bagay na ito, ang kanilang sining ay naiiba hindi lamang sa silid, transparent na tunog ng mga klasikong gawa ng ika-18 siglo. Ito ay pantay na sumasalungat sa ilang mga paaralan ng ating siglo, na, na lumitaw bilang isang reaksyon sa mga aesthetics ng romantikismo, tinatanggihan ang "makapal" na puno ng sonority ng orkestra o piano ng ika-19 na siglo at nililinang ang iba pang mga prinsipyo ng pag-aayos ng musikal na tela ( halimbawa, impresyonismo o neoclassicism).

Maaari din nating ituro ang ilang mas tiyak na mga punto ng pagkakatulad sa mga prinsipyo ng pagbuo ng Beethoven at ng mga Romantikong kompositor. Gayunpaman, sa liwanag ng ating kasalukuyang artistikong pang-unawa, ang mga sandali ng pagkakaiba sa pagitan ng Beethoven at ng Romantics ay lumitaw na napakahalaga na laban sa background na ito ang mga tampok ng pagkakapareho sa pagitan nila ay tila umuurong sa background.

Ngayon ay malinaw sa atin na ang pagtatasa ng Beethoven ng mga romantikong Kanluranin ay isang panig, sa ilang mga kahulugan kahit na tendentious. "Narinig" lamang nila ang mga aspeto ng musika ni Beethoven na "tumunog sa tono" ng kanilang sariling mga artistikong ideya.

Ito ay katangian na hindi nila nakilala ang mga late quartets ni Beethoven. Ang mga akdang ito, na higit pa sa mga masining na ideya ng romantikismo, ay tila isang hindi pagkakaunawaan sa kanila, ang bunga ng imahinasyon ng isang matandang lalaki na nawala sa kanyang isip. Hindi rin nila pinahahalagahan ang kanyang mga gawa noong unang panahon. Nang i-cross out ni Berlioz, sa isang haplos ng kanyang panulat, ang buong kahalagahan ng akda ni Haydn bilang diumano'y magalang na inilapat na sining, ipinahayag niya sa matinding anyo ang katangiang katangian ng maraming musikero sa kanyang henerasyon. Madaling isinuko ng mga romantiko ang klasisismo noong ika-18 siglo sa hindi na maibabalik na nakaraan, at kasama nito ang gawain ng sinaunang Beethoven, na kung saan sila ay hilig na isaalang-alang lamang bilang isang yugto na nauuna sa aktwal na gawain ng mahusay na kompositor.

Ngunit ang diskarte ng mga romantiko sa gawa ni Beethoven ng "mature" na panahon ay nagpapakita rin ng isang panig. Halimbawa, itinaas nila ang programang "Pastoral Symphony" nang mataas sa isang pedestal, na, sa liwanag ng ating pang-unawa ngayon, ay hindi man lang umaangat sa iba pang mga gawa ni Beethoven sa symphonic genre. Sa Fifth Symphony, na bumihag sa kanila sa kanyang emosyonal na galit at pag-uugali na humihinga ng apoy, hindi nila pinahahalagahan ang natatanging pormal na istraktura nito, na bumubuo sa pinakamahalagang aspeto ng pangkalahatang konsepto ng masining.

Ang mga halimbawang ito ay hindi nagpapakita ng mga partikular na pagkakaiba sa pagitan ng Beethoven at ng Romantics, ngunit isang malalim na pangkalahatang pagkakaiba sa pagitan ng kanilang mga aesthetic na prinsipyo.

Ang pinakapangunahing pagkakaiba sa pagitan nila ay sa kanilang saloobin.

Hindi mahalaga kung paano binibigyang-kahulugan ng mga romantiko ang kanilang gawain, lahat sila, sa isang anyo o iba pa, ay nagpahayag dito ng isang hindi pagkakasundo sa katotohanan. Ang imahe ng isang malungkot na personalidad, nawala sa isang dayuhan at pagalit na mundo, isang pagtakas mula sa madilim na katotohanan patungo sa mundo ng isang hindi matamo na magandang panaginip, isang marahas na protesta sa bingit ng pagkabalisa ng nerbiyos, pagbabago-bago ng isip sa pagitan ng kadakilaan at kapanglawan, mistisismo at ang infernal na prinsipyo - ito mismo ang globo ng mga imahe, na dayuhan sa gawa ni Beethoven, iyon ay V sining ng musika unang natuklasan ng mga romantiko at binuo ng mga ito na may mataas na artistikong pagiging perpekto. Ang kabayanihan na optimistikong pananaw ni Beethoven, ang kanyang balanse sa kaisipan, ang napakagandang paglipad ng pag-iisip na hindi kailanman nagiging pilosopiya ng hindi makamundo - lahat ng ito ay hindi tinanggap ng mga kompositor na itinuturing ang kanilang sarili na mga tagapagmana ni Beethoven. Maging si Schubert, na, sa mas malaking lawak kaysa sa mga romantiko ng susunod na henerasyon, ay nagpapanatili ng pagiging simple, pagiging makalupa, at koneksyon sa sining ng katutubong buhay - kahit na ang kanyang rurok, ang mga klasikal na gawa ay nauugnay pangunahin sa mood ng kalungkutan at kalungkutan. Siya ang una sa "Margarita at the Spinning Wheel", "The Wanderer", ang "Winter Reise" cycle, "The Unfinished Symphony" at maraming iba pang mga gawa upang lumikha ng imahe ng espirituwal na kalungkutan na naging tipikal ng mga romantiko. Si Berlioz, na nakikita ang kanyang sarili bilang isang kahalili sa mga kabayanihan na tradisyon ng Beethoven, gayunpaman ay nakuha sa kanyang mga symphony ang mga larawan ng matinding kawalang-kasiyahan sa totoong mundo, na nananabik sa hindi maisasakatuparan, ang "makamundong kalungkutan" ni Byron. Ang indikasyon sa ganitong kahulugan ay ang paghahambing ng "Pastoral Symphony" ni Beethoven sa "Scene in the Fields" ni Berlioz (mula sa "Fantastique"). Ang gawain ni Beethoven ay nababalot sa isang mood ng maliwanag na pagkakaisa, na puno ng pakiramdam ng pagsasama ng tao at kalikasan - sa Berlioz's mayroong isang anino ng madilim na indibidwalistikong pagmuni-muni. At kahit na ang pinaka-maayos at balanse sa lahat ng mga kompositor ng post-Beethoven era, si Mendelssohn ay hindi lumalapit sa optimismo at espirituwal na lakas ng Beethoven. Ang mundo kung saan naroroon si Mendelssohn ganap na pagkakaisa, ay isang makitid na "maaliwalas" na burgher na mundo na hindi nakakaalam ng mga emosyonal na bagyo o maliwanag na pananaw ng pag-iisip.

Ihambing natin sa wakas ang bayani ni Beethoven sa mga tipikal na bayani sa musika noong ika-19 na siglo. Sa halip na sina Egmont at Leonora - mga kabayanihan, epektibong personalidad, na may mataas na prinsipyo sa moral, nakakatugon tayo sa mga hindi mapakali, hindi nasisiyahang mga karakter, na nag-aalinlangan sa pagitan ng mabuti at masama. Ito ay kung paano napapansin si Max mula sa Weber's The Magic Marksman, Schumann's Manfred, Wagner's Tannhäuser, at marami pang iba. Kung ang Florestan ni Schumann ay kumakatawan sa isang bagay na buo sa moral, kung gayon, una, ang mismong imaheng ito - nagngangalit, galit na galit, nagpoprotesta - ay nagpapahayag ng ideya ng labis na hindi pagkakasundo sa labas ng mundo, ang quintessence ng mismong mood ng hindi pagkakasundo. Pangalawa, sa kabuuan tungkol kay Eusebius, na nadala mula sa katotohanan patungo sa mundo ng isang hindi umiiral na magandang panaginip, siya ay nagpapakilala sa tipikal na split personality ng isang romantikong artista. Dalawang makikinang na martsa ng libing - Beethoven mula sa "Eroica Symphony" at Wagner mula sa "Twilight of the Gods" - sumasalamin, tulad ng isang patak ng tubig, ang kakanyahan ng mga pagkakaiba sa pananaw sa mundo ni Beethoven at ang mga romantikong kompositor. Para kay Beethoven, ang prusisyon ng libing ay isang yugto sa pakikibaka na nagtapos sa tagumpay ng mga tao at tagumpay ng katotohanan; sa Wagner, ang pagkamatay ng bayani ay sumisimbolo sa pagkamatay ng mga diyos at pagkatalo ng kabayanihan na ideya.

Ang malalim na pagkakaibang ito sa pananaw sa mundo ay na-refracted sa isang partikular na anyo ng musika, na bumubuo ng isang malinaw na linya sa pagitan ng artistikong istilo ng Beethoven at ng Romantics.

Ito ay nagpapakita ng sarili lalo na sa matalinghagang globo.

Ang pagpapalawak ng mga hangganan ng musikal na pagpapahayag ng mga romantiko ay sa malaking lawak na konektado sa globo ng fairy-tale at kamangha-manghang mga imahe na kanilang natuklasan. Para sa kanila ito ay hindi isang subordinate, hindi isang random na globo, ngunit ang pinaka tiyak at orihinal- eksakto kung ano, mula sa isang malawak na pananaw sa kasaysayan, ang pangunahing nakikilala ang ika-19 na siglo mula sa lahat ng nauna mga panahon ng musika. Malamang, ang lupain ng magagandang fiction ay nagpakilala sa pagnanais ng artist na makatakas mula sa pang-araw-araw na nakakainip na katotohanan sa mundo ng isang hindi maabot na pangarap. Hindi rin mapag-aalinlanganan na sa sining ng musika, ang pambansang kamalayan sa sarili, na maringal na namumulaklak sa panahon ng romantikismo (bilang resulta ng mga pambansang digmaan sa pagpapalaya sa simula ng siglo), ay nagpakita ng sarili sa isang mas mataas na interes sa pambansang alamat. , na puno ng mahiwagang at fairy-tale motif.

Isang bagay ang tiyak: ang isang bagong salita sa sining ng opera noong ika-19 na siglo ay sinabi lamang nang sina Hoffmann, Weber, Marschner, Schumann, at pagkatapos nila - at sa isang partikular na mataas na antas - si Wagner sa panimula ay nakipaghiwalay sa makasaysayang, mitolohikal at komedya. mga plot na hindi mapaghihiwalay sa musical theater classicism, at pinayaman ang mundo ng opera na may kamangha-manghang, hindi kapani-paniwala at maalamat na mga motif. Ang bagong wika ng romantikong symphony ay nagmula rin sa mga gawang hindi maihihiwalay na nauugnay sa mahiwagang fairy-tale na programa - sa "Oberonian" na mga pagpupursige nina Weber at Mendelssohn. Ang pagpapahayag ng romantikong pianismo ay higit na nagmula sa matalinghagang globo ng "Fantastic Pieces" o "Kreisleriana" ni Schumann, sa kapaligiran ng mga ballad ng Mickiewicz - Chopin, atbp., atbp. Ang napakalaking pagpapayaman ng makulay - harmonic at timbre - palette , na isa sa Ang pinakamahalagang tagumpay ng sining ng mundo noong ika-19 na siglo, ang pangkalahatang pagpapalakas ng senswal na kagandahan ng mga tunog, na direktang naghihiwalay sa musika ng klasisismo mula sa musika ng panahon ng post-Beethoven - lahat ng ito ay pangunahing nauugnay. na may kamangha-manghang at kamangha-manghang bilog ng mga imahe, na unang patuloy na binuo sa mga gawa noong ika-19 na siglo. Ito ay kung saan ang pangkalahatang kapaligiran ng tula, ang pagdiriwang ng senswal na kagandahan ng mundo, sa labas kung saan ang romantikong musika ay hindi maiisip, ay nagmula sa malaking lawak.

Para kay Beethoven, ang kamangha-manghang globo ng mga imahe ay lubhang kakaiba. Siyempre, sa mga tuntunin ng kapangyarihan ng patula, ang kanyang sining ay hindi mas mababa sa romantikong. Gayunpaman, ang mataas na ispiritwalidad ng pag-iisip ni Beethoven, ang kakayahang mag-poticize ng iba't ibang aspeto ng buhay ay hindi sa anumang paraan na nauugnay sa mahiwagang, fairy-tale, maalamat, hindi sa daigdig na mystical na mga imahe. Ang mga pahiwatig lamang ng mga ito ay maririnig sa ilang mga kaso, at palagi silang sumasakop sa isang episodiko, at hindi nangangahulugang sentral, na lugar sa pangkalahatang konsepto ng mga gawa - halimbawa, sa Presto mula sa Ikapitong Symphony o ang pangwakas ng Ikaapat. Ang huli (tulad ng isinulat namin sa itaas) ay tila si Tchaikovsky ay isang kamangha-manghang larawan mula sa mundo ng mga mahiwagang espiritu. Ang interpretasyong ito ay walang alinlangan na inspirasyon ng karanasan ng kalahating siglo ng pag-unlad ng musika pagkatapos ng Beethoven; Si Tchaikovsky ay tila pinaplano ang musikal na sikolohiya ng huling bahagi ng ika-19 na siglo sa nakaraan. Ngunit kahit ngayon, tinatanggap ang gayong "pagbabasa" ng teksto ni Beethoven, hindi maaaring hindi makita ng isa kung paano coloristic Ang finale ni Beethoven ay hindi gaanong maliwanag at kumpleto kaysa sa mga kamangha-manghang dula ng mga romantiko, na sa kabuuan ay mas mababa sa kanya sa laki ng talento at kapangyarihan ng inspirasyon.

Ito ang pamantayan ng colorism na partikular na malinaw na nagbibigay-diin sa iba't ibang mga landas na sinusundan ng mga makabagong paghahanap ng Romantics at Beethoven. Kahit na sa mga gawa ng huli na istilo, na sa unang tingin ay ganap na malayo sa klasikong istilo, ang harmonic at instrumental-timbre na wika ni Beethoven ay palaging mas simple, mas malinaw kaysa sa mga romantiko, at higit na nagpapahayag ng lohikal at pang-organisang prinsipyo ng pagpapahayag ng musikal. . Kapag lumihis siya sa mga batas ng classical functional harmony, ang paglihis na ito ay mas malamang na humahantong sa sinaunang, pre-classical na mga mode at polyphonic na istraktura kaysa sa kumplikadong functional na mga relasyon ng harmonya ng mga romantiko at ang kanilang libreng polymelody. Siya ay hindi kailanman nagsusumikap para sa self-sapat na makulay, densidad, karangyaan ng mga maharmonya na tunog na bumubuo sa pinakamahalagang aspeto ng romantikong musikal na wika. Ang coloristic approach ni Beethoven, lalo na sa mga huling piano sonata, ay binuo sa napakataas na antas. Gayunpaman, hindi ito nakakamit ng isang nangingibabaw na kahulugan, hindi kailanman pinipigilan ang pangkalahatang konsepto ng tunog. At ang aktwal na istraktura ng isang gawaing musikal ay hindi nawawala ang kalinawan at kaginhawahan nito. Upang ipakita ang magkasalungat na aesthetic na adhikain ng Beethoven at ng Romantics, muli nating ikumpara sina Beethoven at Wagner, ang kompositor na nagdala sa kulminasyon nito ng mga tipikal na tendensya ng Romantikong paraan ng pagpapahayag. Si Wagner, na itinuturing ang kanyang sarili na tagapagmana at kahalili ni Beethoven, sa maraming paraan ay talagang napalapit sa kanyang ideal. Gayunpaman, ang kanyang sobrang detalyadong musikal na pananalita, na mayaman sa panlabas na timbre at mga kulay ng kulay, maanghang sa kanyang sensual na kagandahan, ay lumilikha ng epekto ng "monotony of luxury" (Rimsky-Korsakov), kung saan ang kahulugan ng anyo at panloob na dinamika ng musika ay nawala. Para kay Beethoven, ang gayong kababalaghan ay sa panimula ay imposible.

Ang napakalaking distansya sa pagitan ng musikal na pag-iisip ng Beethoven at ang Romantics ay ipinahayag nang malinaw sa kanilang saloobin sa genre ng mga miniature.

Sa loob ng balangkas ng mga miniature ng silid, ang mga romantiko ay umabot sa artistikong taas hanggang ngayon ay hindi pa nagagawa para sa ganitong uri ng sining. Ang bagong estilo ng ika-19 na siglo na mga liriko, na nagpapahayag ng direktang emosyonal na pagbubuhos, ang intimate mood ng sandali, dreaminess, ay perpektong nakapaloob sa isang kanta at isang one-movement na piyesa ng piano. Dito na nagpakita ang inobasyon ng mga romantiko lalo na nang nakakumbinsi, malaya, at matapang. Mga Romansa nina Schubert at Schumann, "Musical Moments" at "Impromptu" ni Schubert, "Songs without Words" ni Mendelssohn, nocturnes and mazurkas ni Chopin, one-movement piano pieces ni Liszt, cycles of miniatures ni Schumann at Chopin - lahat sila napakatalino na nagpapakilala sa bago, romantikong pag-iisip sa musika at napakahusay na sumasalamin sa personalidad ng kanilang mga tagalikha. Ang pagkamalikhain alinsunod sa mga sonata-symphonic classicist na tradisyon ay mas mahirap para sa mga romantikong kompositor; Bukod dito, ang mga prinsipyo ng pagbuo ng anyo, tipikal ng mga miniature, ay patuloy na tumagos sa mga symphonic cycle ng Romantics, na radikal na nagbabago ng kanilang tradisyonal na hitsura. Halimbawa, tinanggap ng "Unfinished Symphony" ni Schubert ang mga batas ng pagsulat ng romansa; Ito ay hindi nagkataon na ito ay nanatiling "hindi natapos", iyon ay, dalawang bahagi. Ang "Fantastic" ni Berlioz ay itinuturing bilang isang napakalaking pinalawak na cycle ng mga liriko na miniature. Si Heine, na tinawag si Berlioz na "isang lark na kasing laki ng isang agila," ay sensitibong naunawaan ang likas na kontradiksyon sa kanyang musika sa pagitan ng mga panlabas na anyo ng monumental na sonata at ang pag-iisip ng kompositor, na nakahilig sa miniature. Si Schumann, kapag bumaling sa isang cyclic symphony, higit na nawawala ang sariling katangian ng isang romantikong artista, na malinaw na ipinakita sa kanyang mga piyesa ng piano at romansa. Ang symphonic na tula, na sumasalamin hindi lamang sa malikhaing hitsura ni Liszt mismo, kundi pati na rin sa pangkalahatang artistikong istraktura ng kalagitnaan ng ika-19 na siglo, kasama ang lahat ng malinaw na ipinahayag na pagnanais na mapanatili ang pangkalahatang symphonic na istraktura ng pag-iisip na katangian ng Beethoven, ay pangunahing batay sa isang parte mga disenyo ng mga romantiko, mula sa katangian nitong makukulay-variational na libreng pamamaraan ng pagbuo ng anyo, atbp., atbp.

Sa gawa ni Beethoven ay may diametrically opposite tendency. Siyempre, ang pagkakaiba-iba, pagkakaiba-iba, at kayamanan ng paghahanap ni Beethoven ay napakahusay na hindi mahirap makahanap ng mga gawa sa maliit na anyo sa kanyang pamana. Gayunpaman, hindi maaaring hindi makita ng isang tao na ang ganitong uri ay sumasakop sa isang subordinate na posisyon sa Beethoven, mas mababa, bilang panuntunan, sa masining na halaga malakihan, sonata genre. Ni ang mga bagatel, o ang "German Dances," o ang mga kanta ay hindi makapagbibigay ng ideya ng artistikong indibidwalidad ng kompositor, na nagpakita ng kanyang sarili na isang henyo sa larangan ng monumental na anyo. Ang cycle ni Beethoven na "To a Distant Beloved" ay wastong itinuro bilang isang prototype ng hinaharap na mga romantikong cycle. Ngunit gaano kababa ang musikang ito sa kapangyarihan ng inspirasyon, sa tema na ningning, sa melodic richness, hindi lamang sa mga siklo ni Schubert at Schumann, kundi pati na rin sa mga gawang sonata ni Beethoven mismo! Kamangha-manghang melodiousness mayroon ang ilan sa kanyang mga instrumental na tema, lalo na sa mga gawa ng late style. Alalahanin natin, halimbawa, ang Andante mula sa mabagal na paggalaw ng Ninth Symphony, ang Adagio mula sa Tenth Quartet, ang Largo mula sa Seventh Sonata, ang Adagio mula sa Ikadalawampu't siyam na Sonata, pati na rin ang walang katapusang bilang ng iba pa. Sa vocal miniatures ni Beethoven, halos hindi na matagpuan ang napakaraming melodic na inspirasyon. Ito ay katangian na sa loob ng balangkas ng instrumental cycle, bilang elemento ng istruktura ng sonata cycle at ang dramaturhiya nito Ang Beethoven ay madalas na lumikha ng mga nakumpletong miniature, na namumukod-tangi sa kanilang agarang kagandahan at pagpapahayag. Mayroong hindi mabilang na mga halimbawa ng ganitong uri ng mga miniature na komposisyon na nagsisilbing isang episode sa isang cycle sa mga scherzo at minuet ng mga sonata, symphony, at quartets ni Beethoven.

At higit pa sa huli na panahon ng kanyang pagkamalikhain (at ito mismo ang sinusubukan nilang ilapit sa romantikong sining) Si Beethoven ay nahilig patungo sa engrande, monumental na mga canvases. Totoo, sa panahong ito nilikha niya ang "Bagatelle" op. 126, na sa kanilang mga tula at pagka-orihinal ay tumataas sa lahat ng iba pang mga gawa ng Beethoven sa anyo ng isang maliit na paggalaw. Ngunit hindi maaaring hindi makita ng isang tao na ang mga miniature na ito ay isang natatanging kababalaghan para kay Beethoven, na hindi ipinagpatuloy sa kanyang kasunod na gawain. Sa kabaligtaran, ang lahat ng mga gawa ng huling dekada sa buhay ni Beethoven - mula sa mga sonata ng piano (No. 28, 29, 30, 31, 32) hanggang sa "Solemn Mass", mula sa Ninth Symphony hanggang sa huling quartets - na may maximum ang artistikong kapangyarihan ay nagpapatunay sa kanyang katangian na napakalaki at marilag na pag-iisip, ang kanyang pagkahumaling sa engrande, "kosmiko" na kaliskis, na nagpapahayag ng isang napakahusay na abstract na matalinghagang globo.

Ang paghahambing ng papel ng mga miniature sa gawain ni Beethoven at ang Romantics ay ginagawang mas malinaw kung gaano kaaliwalas sa huli (o nabigo) ang globo ng abstract na pilosopikal na pag-iisip, mataas na katangian ng Beethoven sa pangkalahatan, at lalo na para sa mga gawa ng huli. panahon.

Tandaan natin kung gaano pare-pareho ang pagkahumaling ni Beethoven sa polyphony sa buong karera niya. malikhaing landas. Sa huling panahon ng kanyang pagkamalikhain, ang polyphony ay naging para sa kanya ang pinakamahalagang anyo ng pag-iisip, isang katangian ng istilo. Sa buong pagsang-ayon sa pilosopikal na oryentasyon ng pag-iisip, ang tumaas na interes ni Beethoven sa huling panahon sa quartet ay nakikita - isang genre na, tiyak sa kanyang sariling gawa, ay lumitaw bilang isang exponent ng isang malalim na intelektwal na prinsipyo.

May inspirasyon at lasing sa liriko na damdamin, ang mga yugto ng yumaong Beethoven, kung saan ang mga kasunod na henerasyon, hindi nang walang dahilan, ay nakita ang prototype ng mga romantikong lyrics, bilang panuntunan, ay balanse ng layunin, kadalasang abstractly polyphonic na mga bahagi. Ipahiwatig man lang natin ang relasyon sa pagitan ng Adagio at ng polyphonic finale sa Twenty-ninth Sonata, ang final fugue at lahat ng naunang materyal sa Thirty-first. Ang mga libreng cantilena melodies ng mabagal na paggalaw, kadalasang talagang umaalingawngaw sa liriko na melodiousness ng mga romantikong tema, ay lumilitaw sa huli na Beethoven na napapalibutan ng abstract, puro abstract na materyal. Ascetically malupit, madalas linear sa istraktura, walang kanta at melodic motives, ang mga temang ito, madalas sa polyphonic repraksyon, inilipat ang sentro ng artistikong gravity ng trabaho mula sa mabagal melodic bahagi. At ito lamang ang nakakagambala sa romantikong imahe ng lahat ng musika. Kahit na ang mga huling pagkakaiba-iba ng huling sonata ng piano, na isinulat para sa "Arietta", na sa isang mababaw na impresyon ay napakahawig ng isang romantikong miniature, ay humahantong nang napakalayo mula sa intimate lyrical sphere, na nakikipag-ugnay sa kawalang-hanggan, kasama ang marilag na mundo ng kosmos .

Sa musika ng mga romantiko, ang lugar ng abstractly philosophical ay lumalabas na nasa ilalim ng emosyonal, liriko na prinsipyo. Alinsunod dito, ang mga nagpapahayag na kakayahan ng polyphony ay makabuluhang mas mababa sa harmonic brilliance. Ang mga kontrapuntal na yugto ay karaniwang bihira sa mga gawa ng mga romantiko, at kapag nangyari ang mga ito, mayroon silang ganap na kakaibang hitsura kaysa sa tradisyonal na polyphony, na may katangiang espirituwal na istruktura. Kaya, sa "The Witches' Sabbath" mula sa "Symphony Fantastique" ni Berlioz, sa sonata ni Liszt sa B minor, ang mga fugue technique ay ang nagdadala ng isang Mephistophelian, nakakatakot na sarkastikong imahe, at hindi sa lahat ng napakahusay na pagmumuni-muni na iyon na nagpapakilala sa polyphony ng ang yumaong Beethoven at, napapansin natin sa pagdaan, Bach o Palestrina.

Hindi aksidente na wala sa mga romantiko ang nagpatuloy sa artistikong linya na binuo ni Beethoven sa kanyang quartet writing. Sina Berlioz, Liszt, at Wagner ay "kontraindikado" mula sa genre ng silid na ito mismo, kasama ang panlabas na pagpigil, ang kumpletong kawalan ng "oratorical pose" at iba't-ibang, at ang pagkakapareho ng timbre coloring. Ngunit ang mga kompositor na lumikha ng magagandang musika sa loob ng balangkas ng quartet sound ay hindi rin sumunod sa landas ni Beethoven. Sa mga quartet nina Schubert, Schumann, at Mendelssohn, ang emosyonal at senswal na makulay na pang-unawa sa mundo ay nangingibabaw sa puro pag-iisip. Sa kanilang buong hitsura, mas malapit sila sa pagsulat ng symphonic at piano-sonata kaysa sa pagsulat ng quartet ni Beethoven, na kung saan ay nailalarawan sa pamamagitan ng "hubad" na lohika ng pag-iisip at dalisay na espirituwalidad sa kapinsalaan ng drama at ang agarang accessibility ng thematics.

May isa pang mahalagang tampok na pangkakanyahan na malinaw na naghihiwalay sa mindset ni Beethoven mula sa romantikong isa, katulad ng "lokal na kulay," na unang natuklasan ng mga romantiko at bumubuo ng isa sa mga pinakakapansin-pansin na tagumpay ng musika noong ika-19 na siglo.

Ang tampok na istilo na ito ay hindi kilala sa musikal na pagkamalikhain ng panahon ng klasisismo. Siyempre, ang mga elemento ng alamat ay palaging nakapasok nang malawak sa propesyonal na pagbubuo sa Europa. Gayunpaman, bago ang panahon ng romantikismo, sila, bilang isang patakaran, ay natunaw sa mga unibersal na pamamaraan ng pagpapahayag at sinunod ang mga batas ng pan-European na wikang musikal. Kahit na sa mga kaso kung saan ang mga larawan sa espesipikong yugto ng opera ay nauugnay sa extra-European na kultura at katangiang lokal na kulay (halimbawa, mga larawang "Janissary" sa mga comic opera noong ika-18 siglo o ang tinatawag na "Indian" sa Rameau), ang wikang musikal mismo ay hindi lumampas sa balangkas ng isang pinag-isang istilong European. At simula lamang sa ikalawang dekada ng ika-19 na siglo, ang sinaunang alamat ng mga magsasaka ay nagsimulang patuloy na tumagos sa mga gawa ng mga romantikong kompositor, at sa isang anyo na partikular na binibigyang-diin at lilim ang kanilang mga katangian na pambansa at orihinal na mga tampok.

Kaya, ang maliwanag na artistikong pagka-orihinal ng "Magic Shooter" ni Weber, sa parehong lawak tulad ng sa fairy-tale-fantastic na bilog ng mga imahe, ay nauugnay sa mga katangian na intonasyon ng alamat ng Aleman at Czech. Ang pangunahing pagkakaiba sa pagitan ng mga Italian opera ni Rossini, na kabilang sa klasikong tradisyon, at ang kanyang "William Tell" ay ang musikal na tela ng tunay na romantikong opera na ito ay puno ng lasa ng alamat ng Tyrolean. Sa mga romansa ni Schubert, ang pang-araw-araw na Aleman na kanta ay sa unang pagkakataon ay "nalinis" ng mga layer ng dayuhang Italian operatic na "barnis" at kumikinang sa mga sariwang melodic na liko na hiniram mula sa araw-araw na multinational na mga kanta ng Vienna; Kahit na ang mga symphonic melodies ni Hayd ay umiwas sa kakaibang lokal na kulay na ito. Ano ang magiging Chopin kung walang Polish folk music, Liszt kung wala ang Hungarian na "verbunkos", Smetana at Dvorak kung walang Czech folklore, Grieg na walang Norwegian? Isinasantabi pa natin ngayon ang paaralan ng musika ng Russia, isa sa pinakamahalaga sa musika noong ika-19 na siglo, na hindi mapaghihiwalay sa pambansang pagtitiyak nito. Pangkulay sa mga gawa sa kakaibang paraan Pambansang katangian, ang mga koneksyon sa alamat ay iginiit ang isa sa mga pinaka-katangiang katangian ng romantikong istilo sa musika.

Ang Beethoven ay nasa kabilang panig ng hangganan sa bagay na ito. Tulad ng mga nauna sa kanya, ang prinsipyo ng katutubong sa kanyang musika ay halos palaging lumilitaw na malalim na namamagitan at nagbabago. Minsan sa magkahiwalay, literal na nakahiwalay, mga kaso, si Beethoven mismo ay nagpapahiwatig na ang kanyang musika ay "sa espiritu ng Aleman" (alla tedesca). Ngunit mahirap na hindi mapansin na ang mga gawang ito (o, sa halip, mga indibidwal na bahagi ng mga gawa) ay walang anumang malinaw na nakikitang lokal na lasa. Ang mga tema ng alamat ay hinabi sa pangkalahatang tela ng musikal na ang kanilang mga pambansang natatanging katangian ay napapailalim sa wika ng propesyonal na musika. Kahit na sa tinatawag na "Russian quartets", kung saan tunay katutubong tema, Binubuo ni Beethoven ang materyal sa paraang ang pambansang pagtitiyak ng alamat ay unti-unting natatakpan, na sumasama sa karaniwang "mga pagliko ng pagsasalita" ng istilong European sonata-instrumental.

Kung ang modal originality ng thematicism ay naiimpluwensyahan ang buong istraktura ng musika ng mga bahaging ito ng apat na bahagi, kung gayon ang mga impluwensyang ito ay sa anumang kaso ay malalim na naproseso at hindi direktang nakikita sa tainga, tulad ng kaso sa mga kompositor ng mga romantikong o pambansang demokratikong paaralan ng ika-19 na siglo. At ang punto ay hindi sa lahat na hindi naramdaman ni Beethoven ang pagka-orihinal ng mga temang Ruso. Sa kabaligtaran, ang kanyang mga transkripsyon ng English, Irish, at Scottish na mga kanta ay nagsasalita tungkol sa kamangha-manghang sensitivity ng kompositor sa folk modal thinking. Ngunit sa loob ng balangkas ng kanyang artistikong istilo, hindi mapaghihiwalay mula sa instrumental na pag-iisip ng sonata, ang lokal na kulay ay hindi interesado kay Beethoven at hindi nakakaapekto sa kanyang artistikong kamalayan. At ito ay naghahayag ng isa pang pangunahing mahalagang aspeto na naghihiwalay sa kanyang trabaho mula sa musika ng "romantikong panahon."

Sa wakas, ang pagkakaiba-iba sa pagitan ng Beethoven at Romantics ay nagpapakita rin ng sarili na may kaugnayan sa masining na prinsipyo, na, ayon sa tradisyon, simula sa mga pananaw ng kalagitnaan ng ika-19 na siglo, ay karaniwang itinuturing na pinakamahalagang punto ng pagkakapareho sa pagitan nila. Pinag-uusapan natin ang tungkol sa programming, na siyang pundasyon ng romantikong aesthetics sa musika.

Ang mga romantikong kompositor ay patuloy na tinawag si Beethoven bilang tagalikha ng musika ng programa, na nakikita sa kanya ang kanilang hinalinhan. Sa katunayan, ang Beethoven ay may dalawang kilalang gawa, ang nilalaman kung saan nilinaw mismo ng kompositor sa tulong ng mga salita. Ang mga gawang ito - ang Ika-anim at Ika-siyam na Symphony - na napagtanto ng mga romantiko bilang personipikasyon ng kanilang sariling masining na pamamaraan, bilang bandila ng bagong programa ng musika ng "romantikong edad". Gayunpaman, kung titingnan mo ang problemang ito nang may walang kinikilingan na mata, hindi mahirap makita na ang programa ni Beethoven ay lubos na naiiba sa romantikong paaralan. At una sa lahat, dahil ang kababalaghan, na pribado at hindi tipikal para sa Beethoven, ay naging isang pare-pareho, mahalagang mahalagang prinsipyo sa musika ng romantikong istilo.

Ang mga romantiko noong ika-19 na siglo ay lubhang nangangailangan ng programming bilang isang salik na mabungang mag-aambag sa pagbuo ng kanilang bagong istilo. Sa katunayan, ang mga overture, symphony, symphonic na tula, cycle ng mga piyesa ng piano - lahat ng isang programmatic na kalikasan - ay bumubuo ng pangkalahatang kinikilalang kontribusyon ng Romantics sa larangan ng instrumental na musika. Gayunpaman, kung ano ang bago at katangiang romantiko dito ay hindi gaanong apela sa mga extra-musical na asosasyon, mga halimbawa nito na tumatagos sa buong kasaysayan ng Europe pagkamalikhain sa musika , Ilan pampanitikan ang kalikasan ng mga asosasyong ito. Lahat ng mga romantikong kompositor ay nahilig modernong panitikan , dahil ang mga partikular na larawan at ang pangkalahatang emosyonal na istraktura ng pinakabagong liriko na tula, fairy-tale-fantastic na epiko, at sikolohikal na nobela ay nakatulong sa kanila na palayain ang kanilang mga sarili mula sa presyon ng hindi napapanahong mga tradisyon ng klasiko at "magkahawak" para sa kanilang sariling mga bagong anyo ng pagpapahayag. Alalahanin man lang natin kung gaano kahalaga ang papel ng mga larawan ng nobela ni De Quincey-Musset na “The Diary of an Opium Smoker”, ang mga eksena ng “Walpurgis Night” mula sa “Faust” ni Goethe, ang kuwento ni Hugo na “The Last Day of a Condemned Man ” at ang iba ay naglaro para sa Symphony Fantastique ni Berlioz. Ang musika ni Schumann ay direktang inspirasyon ng mga gawa nina Jean Paul at Hoffmann, ang mga romansa ni Schubert ng liriko na tula ng Goethe, Schiller, Müller, Heine, atbp. Ang epekto ni Shakespeare, na muling natuklasan ng mga romantiko, sa bagong musika ng ika-19 na siglo ay maaaring halos hindi ma-overestimated. Nararamdaman ito sa buong panahon ng post-Beethoven, simula sa Weber's Oberon, Sleep in gabi ng tag-init"Mendelssohn", "Romeo and Juliet" ni Berlioz at nagtatapos sa sikat na Tchaikovsky overture sa parehong balangkas. Lamartine, Hugo at Liszt; ang hilagang saga ng mga romantikong makata at ang "Ring of the Nibelung" ni Wagner; Byron at "Harold sa Italya" ni Berlioz, "Manfred" ni Schumann; Eskriba at Meyerbeer; Apel at Weber, atbp., atbp. - Ang bawat pangunahing artistikong indibidwal ng henerasyong post-Beethoven ay natagpuan ang bagong istraktura ng mga imahe sa ilalim ng direktang impluwensya ng pinakabago o bukas na modernidad ng panitikan. "Pag-renew ng musika sa pamamagitan ng koneksyon sa tula" - ito ay kung paano Liszt formulated ito pinakamahalagang trend ng romantikong panahon sa musika.

Si Beethoven, sa kabilang banda, ay karaniwang dayuhan sa programming. Maliban sa Sixth at Ninth Symphony, lahat ng iba pang instrumental na gawa ni Beethoven (higit sa 150) ay kumakatawan sa klasikal na tugatog ng musika ng tinatawag na "absolute" na istilo, tulad ng mga quartet at symphony ng mature na Haydn at Mozart. Ang kanilang istraktura ng intonasyon at mga prinsipyo ng pagbuo ng sonata ay nagsasanay sa isa at kalahating siglong karanasan ng nakaraang pag-unlad ng musika. Samakatuwid, ang epekto ng thematism at pag-unlad ng sonata nito ay agaran, naa-access ng publiko at hindi nangangailangan ng mga extra-musical na asosasyon upang ganap na ipakita ang imahe. Kapag si Beethoven ay bumaling sa programming, lumalabas na ito ay ganap na naiiba mula sa mga kompositor ng romantikong paaralan.

Kaya, ang Ninth Symphony, na gumagamit ng patula na teksto ng ode ni Schiller na "To Joy," ay hindi talaga isang symphony ng programa sa tamang kahulugan ng salita. Ito ay isang natatanging gawa sa anyo, na pinagsasama ang dalawang independiyenteng genre. Ang una ay isang malakihang symphonic cycle (nang walang finale), na sa lahat ng detalye ng thematics at form ay katabi ng tipikal na "absolute" na istilo ni Beethoven. Ang pangalawa ay isang choral cantata batay sa teksto ni Schiller, na bumubuo ng isang napakalaking paghantong ng buong gawain. Siya lang ang lilitaw Pagkatapos, dahil ang pag-unlad ng instrumental na sonata ay naubos ang sarili nito. Hindi ito ang landas na sinundan ng mga Romantikong kompositor, kung saan nagsilbing modelo ang Beethoven's Ninth. Ang kanilang vocal music na may mga salita, bilang isang panuntunan, ay nakakalat sa buong balangkas ng trabaho, na gumaganap ng papel ng isang concretizing program. Ito ay kung paano, halimbawa, ang "Romeo at Juliet" ni Berlioz ay binuo, isang natatanging hybrid ng orkestra na musika at teatro. Pareho sa mga symphony ng "Laudatory" at "Reformation" ni Mendelssohn, at nang maglaon sa Ikalawa, Ikatlo at Ikaapat ni Mahler, ang vocal music na may mga salita ay pinagkaitan ng kalayaan ng genre na nagpapakilala sa ode ni Beethoven sa teksto ni Schiller.

Ang "Pastoral Symphony" ay mas malapit sa mga panlabas na anyo ng programming nito sa mga sonata-symphonic na gawa ng mga romantiko. At kahit na si Beethoven mismo ay nagpapahiwatig sa marka na ang "mga alaala ng buhay sa kanayunan" ay "mas isang pagpapahayag ng kalooban kaysa sa tunog na pagpipinta," ang mga partikular na asosasyon ng plot dito ay napakalinaw. Totoo, ang mga ito ay hindi gaanong kaakit-akit kaysa sa opera at magandang kalikasan. Ngunit ito ay tiyak sa malalim na koneksyon sa musikal na teatro na ang lahat ng natatanging pagtitiyak ng programa ng Sixth Symphony ay ipinahayag.

Hindi tulad ng mga romantiko, si Beethoven ay hindi ginagabayan dito ng isang ganap na bagong sistema ng artistikong pag-iisip para sa musika, na, gayunpaman, pinamamahalaang upang ipakita ang sarili sa modernong panitikan. Siya ay umaasa sa "Pastoral Symphony" sa naturang matalinghagang sistema, na (tulad ng ipinakita namin sa itaas) ay matagal nang naka-embed sa kamalayan ng parehong mga musikero at mahilig sa musika.

Bilang isang resulta, ang mismong mga anyo ng musikal na pagpapahayag sa "Pastoral Symphony," para sa lahat ng kanilang pagka-orihinal, ay sa isang malaking lawak ay batay sa matagal nang intonasyon complexes; Ang mga bagong puro Beethovenian thematic formations na nagmumula sa kanilang background ay hindi nakakubli sa kanila. Ang isa ay nakakakuha ng tiyak na impresyon na sa Sixth Symphony Beethoven sadyang nagre-refract sa pamamagitan ng prisma ng kanyang bagong estilo ng symphonic mga larawan at anyo ng pagpapahayag ng musikal na teatro ng Panahon ng Enlightenment.

Sa kakaibang opus na ito, ganap na naubos ni Beethoven ang kanyang interes sa instrumental na programming mismo sa susunod na dalawampung (!) na taon - at halos sampu sa mga ito ay nag-tutugma sa panahon ng huli na istilo - hindi siya lumikha ng isang gawa na may mga tiyak na pamagat at malinaw. extra-musical associations sa paraang "Pastoral Symphony" *.

* Noong 1809-1810, iyon ay, sa panahon sa pagitan ng "Appassionata" at ang una sa mga susunod na sonata, na nailalarawan sa paghahanap ng isang bagong landas sa larangan ng musikang piano, isinulat ni Beethoven ang Dalawampu't-anim na Sonata, na pinagkalooban ng mga pamagat ng programa (“Les Adieux”, “L"absence” , “La Retour”) Ang mga pamagat na ito ay may napakakaunting epekto sa istruktura ng musika sa kabuuan, sa tema at pag-unlad nito, na pinipilit ang isa na alalahanin ang uri ng programa na ay natagpuan sa German instrumental music bago ang crystallization ng classicist na sonata-symphonic na istilo, lalo na sa mga unang quartet at mga symphony ni Haydn.

Mukhang ito ang pangunahing, pangunahing mga punto ng pagkakaiba sa pagitan ng Beethoven at ng mga kompositor ng romantikong paaralan. Ngunit bilang karagdagang pananaw sa problemang iniharap dito, bigyang-pansin natin ang katotohanan na ang mga kompositor noong huling bahagi ng ika-19 na siglo at ang ating panahon ay "narinig" ang mga aspeto ng sining ni Beethoven kung saan ang mga romantiko noong nakaraang siglo ay "bingi."

Kaya naman, ang huli ni Beethoven na turn sa mga sinaunang mode (Op. 132, “Solemn Mass”) ay inaasahang lumampas sa classical major-minor tonal system, na napaka tipikal ng musika ng ating panahon sa pangkalahatan. Ang pagkahilig, katangian ng mga polyphonic na gawa ng yumaong Beethoven, upang lumikha ng isang imahe hindi sa pamamagitan ng pagkakumpleto ng intonasyon at direktang kagandahan ng thematism mismo, ngunit sa pamamagitan ng kumplikadong multi-stage na pag-unlad ng kabuuan, batay sa "abstract" na mga tema, din ipinahayag ang sarili sa marami mga paaralan ng kompositor ating siglo, simula sa Reger. Ang pagkahilig sa linear texture at polyphonic development ay sumasalamin sa mga modernong neoclassical na anyo ng pagpapahayag. Ang istilong quartet ni Beethoven, na hindi ipinagpatuloy ng mga Kanluraning romantikong kompositor, ay kakaibang binuhay sa ating mga araw sa mga gawa nina Bartok, Hindemith, at Shostakovich. At sa wakas, pagkatapos ng kalahating siglo na panahon sa pagitan ng Beethoven's Ninth at ng mga symphony nina Brahms at Tchaikovsky, ang monumental na pilosopiko na symphony, na isang hindi matamo na ideal para sa mga kompositor ng kalagitnaan at ikatlong quarter ng huling siglo, ay "nabuhay." Sa mga gawa ng mga natitirang master ng ika-20 siglo, sa mga symphonic na gawa nina Mahler at Shostakovich, Stravinsky at Prokofiev, Rachmaninov at Honegger, nabubuhay ang isang marilag na espiritu, pangkalahatang pag-iisip, malakihang konsepto na katangian ng sining ni Beethoven.

Sa loob ng isang daan o isang daan at limampung taon, ang hinaharap na kritiko ay mas lubos na makakatanggap ng buong sari-saring aspeto ng akda ni Beethoven at masusuri ang kanyang kaugnayan sa iba't ibang masining na paggalaw ng mga sumunod na panahon. Ngunit kahit ngayon ay malinaw sa atin: Ang impluwensya ni Beethoven sa musika ay hindi limitado sa mga koneksyon sa romantikong paaralan. Kung paanong si Shakespeare, na natuklasan ng mga romantiko, ay lumampas sa mga hangganan ng "romantikong panahon", na nagbibigay-inspirasyon at nagpapabunga ng mga pangunahing malikhaing pagtuklas sa panitikan at teatro hanggang ngayon, gayon din si Beethoven, na itinaas sa kanyang panahon sa kalasag ng mga romantikong kompositor, hindi tumitigil na humanga sa bawat bagong henerasyon sa kanyang pagkakatugma sa mga advanced na ideya at paghahanap ng modernidad.

Ang mga klasikong Vienna ay pumasok sa Kasaysayan ng Mundo musika bilang mga pangunahing repormador Ang kanilang gawain ay hindi lamang natatangi sa sarili nito, ito rin ay mahalaga dahil ito ang nagpasiya sa karagdagang pag-unlad ng musikal na teatro, genre, istilo at direksyon. Ang kanilang mga komposisyon ay naglatag ng pundasyon para sa ngayon ay itinuturing na klasikal na musika.

Pangkalahatang katangian ng panahon

Ang mga may-akda na ito ay nagkakaisa sa pamamagitan ng katotohanan na sila ay lumikha sa turn ng dalawang pangunahing kultural at historikal na panahon: klasiko at romantikismo. Ang mga klasikong Viennese ay nabuhay sa panahon ng paglipat, kung kailan nagkaroon ng aktibong paghahanap ng mga bagong anyo hindi lamang sa musika, kundi pati na rin sa fiction, pagpipinta, at arkitektura. Ang lahat ng ito ay higit na nagtatakda ng direksyon ng kanilang mga gawain at ang mga problema ng kanilang mga isinulat. Ang ika-18 - unang kalahati ng ika-19 na siglo ay minarkahan ng mga seryosong kaguluhan sa pulitika, mga digmaan na literal na nagpabaligtad sa mapa ng Europa at nagkaroon ng malakas na epekto sa isipan ng mga modernong intelihente at mga edukadong lupon ng lipunan. Ang mga klasikong Vienna ay walang pagbubukod. Halimbawa, ito ay isang kilalang katotohanan na ang mga digmaang Napoleoniko ay lubos na nakaimpluwensya sa gawain ni Beethoven, na sa kanyang sikat na ika-9 na symphony ("Choral") ay naghatid ng ideya ng unibersal na pagkakaisa at kapayapaan. Ito ay isang uri ng pagtugon sa lahat ng mga sakuna na yumanig sa kontinente ng Europa noong panahong isinasaalang-alang natin.

Buhay sa kultura

Ang mga klasikong Viennese ay nabuhay sa isang panahon kung kailan ang Baroque ay kumupas sa background, at isang bagong direksyon ang nagsimulang gumanap ng isang nangungunang papel. Nagsumikap ito para sa pagkakaisa ng mga anyo, pagkakaisa ng komposisyon at samakatuwid ay inabandona curvaceous nakaraang panahon. Nagsimulang tukuyin ng Klasisismo ang kultural na anyo ng maraming estado sa Europa. Ngunit sa parehong oras, kahit na noon ay may posibilidad na pagtagumpayan ang mahigpit na anyo ng kilusang ito at lumikha ng makapangyarihang mga gawa na may mga elemento ng drama at kahit na trahedya. Ito ang mga unang palatandaan ng paglitaw ng romantikismo, na tumutukoy sa pag-unlad ng kultura ng buong ika-19 na siglo.

Reporma sa opera

Ang mga klasikong Viennese ay gumanap ng isang mapagpasyang papel sa pagbuo ng lahat ng mga genre ng musika sa panahong sinusuri. Ang bawat isa sa kanila, wika nga, ay nagdadalubhasa sa alinmang istilo o anyo ng musika, ngunit ang lahat ng kanilang mga nagawa ay kasama sa gintong pondo ng musika sa mundo. Si Gluck (composer) ang pinakamalaki at isa sa pinakasikat na may-akda ng kanyang panahon. Mahirap na labis na timbangin ang kanyang papel sa pag-unlad ng teatro: pagkatapos ng lahat, siya ang nagbigay sa genre ng opera ng tapos na anyo kung saan alam natin ito ngayon. Ang merito ni Christopher Gluck ay siya ang unang lumayo sa pag-unawa sa opera bilang isang gawain para sa pagpapakita ng mga kakayahan sa boses, ngunit isinailalim ang prinsipyo ng musika sa dramaturgy.

Ibig sabihin

Si Gluck ang kompositor na ginawang tunay na pagganap ang opera. Sa kanyang mga gawa, pati na rin sa mga gawa ng kanyang mga tagasunod, ang mga vocal ay nagsimulang higit na nakasalalay sa salita. Ang balangkas at komposisyon, at pinaka-mahalaga ang drama, ay nagsimulang matukoy ang pagbuo ng linya ng musikal. Kaya, ang opera ay tumigil na maging isang eksklusibong nakakaaliw na genre, ngunit naging isang seryosong uri ng paglikha ng musika na may kumplikadong dramaturhiya, mga kagiliw-giliw na karakter mula sa isang sikolohikal na pananaw, at isang kamangha-manghang komposisyon.

Mga gawa ng kompositor

Ang Viennese classical school ang naging batayan ng buong mundong teatro ng musikal. Karamihan sa kredito para dito ay napupunta kay Gluck. Ang kanyang opera na "Orpheus at Eurydice" ay naging isang pambihirang tagumpay sa genre na ito. Sa loob nito, ang may-akda ay hindi nakatuon sa birtuosidad ng pagganap, ngunit sa drama ng mga karakter, salamat sa kung saan ang gawain ay nakatanggap ng ganoong tunog at ginagawa pa rin ngayon. Ang isa pang opera, ang Alceste, ay isang bagong salita din sa musika sa mundo. Ang kompositor ng Austrian ay muling nakatuon sa pagbuo ng linya ng kwento, salamat sa kung saan ang gawain ay nakatanggap ng isang malakas na sikolohikal na overtone. Ang gawain ay ginaganap pa rin sa pinakamahusay na mga yugto sa mundo, na nagmumungkahi na ang reporma ng genre ng opera na isinagawa ni Gluck ay may pangunahing kahalagahan para sa ebolusyon ng musikal na teatro sa kabuuan at tinutukoy ang karagdagang pag-unlad ng opera sa direksyon na ito.

Ang susunod na yugto ng pag-unlad

Ang Austrian kompositor na si Haydn ay kabilang din sa sikat na kalawakan ng mga may-akda na gumawa ng malaking kontribusyon sa reporma ng mga genre ng musika. Kilala siya bilang tagalikha ng mga symphony at quartets. Salamat sa kanila, ang maestro ay nakakuha ng malawak na katanyagan hindi lamang sa mga bansa sa Gitnang Europa, kundi pati na rin sa kabila ng kanilang mga hangganan. Ang pinakakilala ay ang kanyang mga gawa, na kasama sa repertoire ng mundo sa ilalim ng pangalang "Twelve London Symphonies". Ang mga ito ay nakikilala sa pamamagitan ng isang pakiramdam ng optimismo at kagalakan, na, gayunpaman, ay katangian ng halos lahat ng mga gawa ng kompositor na ito.

Mga tampok ng pagkamalikhain

Ang isang katangian ng mga gawa ni Joseph Haydn ay ang kanilang koneksyon sa alamat. Sa mga gawa ng kompositor ay madalas marinig ang mga motif ng kanta at sayaw, na naging dahilan upang makilala ang kanyang mga gawa. Sinasalamin nito ang saloobin ng may-akda, na higit na ginaya si Mozart, na isinasaalang-alang siya pinakamahusay na kompositor sa mundo. Mula sa kanya ay humiram siya ng masayang, magaan na melodies, na ginawa ang kanyang mga gawa na hindi pangkaraniwang nagpapahayag at maliwanag sa tunog.

Iba pang mga gawa ng may-akda

Ang mga opera ni Haydn ay hindi kasing sikat ng kanyang mga quartet at symphony. Gayunpaman, ang genre ng musikal na ito ay sumasakop sa isang kilalang lugar sa gawain ng Austrian kompositor, samakatuwid, ang isang bilang ng kanyang mga gawa ng ganitong uri ay dapat na banggitin, lalo na dahil ang mga ito ay isang kapansin-pansing yugto sa kanyang malikhaing talambuhay. Ang isa sa kanyang mga opera ay tinawag na "The Pharmacist" at isinulat para sa pagbubukas ng bagong teatro. Gumawa din si Haydn ng ilang higit pang mga gawa ng ganitong uri para sa mga bagong gusali ng teatro. Sumulat siya pangunahin sa istilo ng Italian opera buffa at kung minsan ay pinagsama ang mga komiks at dramatikong elemento.

Ang pinakasikat na mga gawa

Tamang tawaging perlas ng mundong klasikal na musika ang mga quartet ni Haydn. Pinagsasama nila ang mga pangunahing prinsipyo ng kompositor: kagandahan ng anyo, kagalingan ng pagpapatupad, optimistikong tunog, pagkakaiba-iba ng tema at orihinal na paraan ng pagganap. Ang isa sa mga sikat na cycle ay tinatawag na "Russian" dahil ito ay nakatuon kay Tsarevich Pavel Petrovich, ang hinaharap na Emperador ng Russia na si Paul I. Ang isa pang pangkat ng quartets ay inilaan para sa hari ng Prussian. Ang mga komposisyon na ito ay isinulat sa isang bagong paraan, dahil sila ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang pambihirang flexibility ng tunog at isang kayamanan ng magkakaibang mga musical shade. Ito ay sa ganitong uri ng musikal na genre na ang pangalan ng kompositor ay nakakuha ng kahalagahan sa buong mundo. Dapat pansinin dito na ang may-akda ay madalas na gumagamit ng tinatawag na "mga sorpresa" sa kanyang mga komposisyon, na gumagawa ng hindi inaasahang mga sipi ng musika sa mga lugar kung saan hindi inaasahan ng madla. Ang "Children's Symphony" ni Haydn ay isa sa mga hindi pangkaraniwang gawang ito.

Pangkalahatang katangian ng gawa ni Mozart

Ito ay isa sa mga pinakasikat na may-akda ng musika, na tinatangkilik pa rin ang hindi pangkaraniwang katanyagan sa mga klasikal na tagahanga at minamahal sa buong mundo. Ang tagumpay ng kanyang mga gawa ay ipinaliwanag sa pamamagitan ng katotohanan na sila ay nakikilala sa pamamagitan ng lohikal na pagkakaisa at pagkakumpleto. Sa bagay na ito, maraming mga mananaliksik ang nag-uugnay sa kanyang trabaho sa panahon ng klasisismo. Gayunpaman, naniniwala ang iba na ang kompositor ng Viennese ay naging isang harbinger ng romantikismo: pagkatapos ng lahat, sa kanyang mga gawa ay mayroon nang malinaw na pagkahilig na ilarawan ang malakas, hindi pangkaraniwang mga imahe, pati na rin ang isang malalim na sikolohikal na pag-aaral ng mga character (pinag-uusapan natin ang tungkol sa opera dito. kaso). Magkagayunman, ang mga gawa ng maestro ay nakikilala sa kanilang lalim at sa parehong oras ay hindi pangkaraniwang kadalian ng pang-unawa, drama at optimismo. Ang mga ito ay madali at naa-access sa lahat, ngunit sa parehong oras ay napakaseryoso at pilosopo sa kanilang nilalaman at tunog. Ito ay tiyak na kababalaghan ng kanyang tagumpay.

Mga Opera ng kompositor

Ang Viennese classical school ay gumaganap ng isang mapagpasyang papel sa pagbuo ng genre ng opera. Ang malaking kredito para dito ay kay Mozart. Ang mga pagtatanghal na itinanghal sa kanyang musika ay napakapopular at minamahal hindi lamang ng mga tunay na mahilig sa musika, kundi pati na rin ng publiko. Marahil ito ang nag-iisang kompositor na ang musika ay kilala sa lahat sa isang paraan o iba pa, kahit na mayroon silang pinakamaliwanag na ideya ng kanyang trabaho.

Ang pinakasikat na opera ay marahil ang The Marriage of Figaro. Ito na marahil ang pinaka-masayahin at sa parehong oras ay hindi pangkaraniwang nakakatawang gawa ng may-akda. Ang katatawanan ay naririnig sa halos lahat ng bahagi, na nagpasikat sa kanya. Ang sikat na aria ng pangunahing karakter ay naging isang tunay na hit kinabukasan. Ang musika ni Mozart - maliwanag, mapaglaro, mapaglaro, ngunit sa parehong oras ay hindi pangkaraniwang matalino sa pagiging simple nito - agad na nanalo unibersal na pag-ibig at pagkilala.

Ang isa pang sikat na opera ng may-akda ay "Don Giovanni". Sa mga tuntunin ng kasikatan, marahil ay hindi ito mababa sa nabanggit sa itaas: ang mga produksyon ng pagtatanghal na ito ay makikita sa ating panahon. Kapansin-pansin na ipinakita ng kompositor ang medyo kumplikadong kwento ng taong ito sa isang napaka-simple at kasabay na seryosong anyo, sa gayon ay muling ipinapakita ang kanyang malalim na pag-unawa sa buhay. Dito, naipakita ng henyo ang parehong dramatiko at optimistikong mga bahagi, na hindi maihihiwalay sa bawat isa sa lahat ng kanyang mga gawa.

Sa ngayon, ang opera na "The Magic Flute" ay hindi gaanong sikat. Ang musika ni Mozart ay umabot sa sukdulan nito sa pagpapahayag nito. Sa gawaing ito, ito ay magaan, mahangin, masayahin at sa parehong oras ay hindi pangkaraniwang seryoso, kaya't maaari lamang magtaka kung paano naihatid ng may-akda ang isang buong sistemang pilosopikal sa gayong simple, magkatugma na mga tunog. Ang iba pang mga opera ng kompositor ay kilala rin, halimbawa, sa panahong ito, pana-panahong maririnig ang La Clemenza di Titus, kapwa sa mga palabas sa teatro at konsiyerto. Kaya, ang genre ng opera ay sinakop ang isa sa mga pangunahing lugar sa gawain ng napakatalino na kompositor.

Mga piling gawa

Ang kompositor ay nagtrabaho sa iba't ibang direksyon at lumikha ng isang malaking bilang ng mga musikal na gawa. Si Mozart, na ang "Night Serenade", halimbawa, ay matagal nang lumampas sa saklaw ng mga pagtatanghal ng konsiyerto at naging malawak na kilala, ay sumulat sa isang napakasimple at naa-access na wika. Marahil ito ang dahilan kung bakit siya madalas na tinatawag na henyo ng pagkakaisa. Kahit sa mga trahedya na gawa ay may motif ng pag-asa. Sa "Requiem" ipinahayag niya ang kanyang mga saloobin tungkol sa isang mas magandang buhay sa hinaharap, upang, sa kabila ng kalunos-lunos na tono ng musika, ang gawain ay nag-iiwan ng isang pakiramdam ng maliwanag na kapayapaan.

Ang concerto ni Mozart ay nakikilala rin sa maayos na pagkakatugma at lohikal na pagkakumpleto nito. Ang lahat ng mga bahagi ay napapailalim sa isang solong tema at pinagsama ng isang karaniwang motibo, na nagtatakda ng tono para sa buong gawain. Samakatuwid, ang kanyang musika ay pinakikinggan sa isang hininga. Sa ganitong uri ng genre, ang mga pangunahing prinsipyo ng gawain ng kompositor ay kinakatawan: isang maayos na kumbinasyon ng mga tunog at bahagi, isang maliwanag at sa parehong oras na birtuoso na tunog ng orkestra. Walang ibang makakagawa ng kanyang gawaing pangmusika na kasing tugma ni Mozart. Ang "Night Serenade" ng kompositor ay isang uri ng pamantayan para sa maayos na kumbinasyon ng mga bahagi na may iba't ibang tunog. Ang masasayang at maingay na mga sipi na napakaritmo ay nagbibigay daan sa halos hindi maririnig na mga bahagi ng birtuoso.

Ang espesyal na pagbanggit ay dapat gawin tungkol sa mga masa ng may-akda. Sinasakop nila ang isang kilalang lugar sa kanyang trabaho at, tulad ng iba pang mga gawa, ay napuno ng isang pakiramdam maliwanag na pag-asa at naliwanagan na kagalakan. Dapat ding banggitin ang sikat na "Turkish Rondo", na lumampas sa saklaw ng mga pagtatanghal ng konsiyerto, kaya madalas itong marinig kahit sa mga patalastas sa telebisyon. Ngunit ang pinakadakilang pakiramdam ng pagkakaisa, marahil, ay matatagpuan sa konsiyerto ni Mozart, kung saan ang prinsipyo ng lohikal na pagkakumpleto ay umabot sa pinakamataas na antas nito.

Maikling tungkol sa trabaho ni Beethoven

Ang kompositor na ito ay ganap na nabibilang sa panahon ng dominasyon ng romantikismo. Kung si Johann Amadeus Mozart ay nakatayo, tulad ng, sa threshold ng klasisismo at isang bagong direksyon, kung gayon si Ludwig Van Beethoven ay ganap na lumipat sa paglalarawan ng malakas na mga hilig, malakas na damdamin at hindi pangkaraniwang mga personalidad sa kanyang mga gawa. Siya ay naging marahil ang pinakakilalang kinatawan ng romantisismo. Ito ay makabuluhan na, bumaling sa dramatiko, mga trahedya na tema, isang opera lang ang isinulat niya. Ang pangunahing genre para sa kanya ay nanatiling symphony at sonatas. Siya ay kredito sa pagreporma sa mga gawang ito, tulad ng pag-reporma ni Gluck sa pagganap ng opera sa kanyang panahon.

Ang isang kapansin-pansin na tampok ng gawain ng kompositor ay ang pangunahing tema ng kanyang mga gawa ay ang imahe ng makapangyarihan, titanic na kalooban ng isang indibidwal na, na may malaking pagsisikap ng kalooban, ay nagtagumpay sa mga paghihirap at lahat ng mga hadlang. L. V. Beethoven ay naglaan din ng maraming espasyo sa kanyang mga komposisyon sa tema ng pakikibaka at paghaharap, gayundin ang motibo ng unibersal na pagkakaisa.

Ang ilang mga katotohanan sa talambuhay

Siya ay nagmula sa isang pamilya ng mga musikero. Nais ng kanyang ama na ang bata ay maging isang sikat na kompositor, kaya nagtrabaho siya sa kanya gamit ang medyo malupit na pamamaraan. Marahil ito ang dahilan kung bakit ang bata ay lumaking madilim at mahigpit sa likas na katangian, na kasunod na nakakaapekto sa kanyang pagkamalikhain. Si Beethoven ay nagtrabaho at nanirahan sa Vienna, kung saan nag-aral siya kasama si Haydn, ngunit ang mga pag-aaral na ito ay napakabilis na nabigo sa parehong mag-aaral at guro. Ang huli ay nakakuha ng pansin sa katotohanan na ang batang may-akda ay pinangungunahan ng medyo madilim na motibo, na hindi tinanggap sa oras na iyon.

Ang talambuhay ni Beethoven ay maikli ring nagsasabi tungkol sa panahon ng kanyang pagkahilig para sa pakikibaka sa pagpapalaya. Sa una ay tinanggap niya ang mga digmaang Napoleoniko nang may sigasig, ngunit nang maglaon, nang ipahayag ni Bonaparte ang kanyang sarili na emperador, tinalikuran niya ang ideya ng pagsulat ng isang simponya bilang karangalan sa kanya. Noong 1796, nagsimulang mawalan ng pandinig si Ludwig. Gayunpaman, hindi ito napigilan malikhaing aktibidad. Sa pagiging ganap na bingi, isinulat niya ang kanyang sikat na 9th symphony, na naging isang tunay na obra maestra sa mundo musikal na repertoire. (imposibleng pag-usapan ito nang maikli) ay naglalaman din ng impormasyon tungkol sa pakikipagkaibigan ng maestro sa mga kilalang tao sa kanyang panahon. Sa kabila ng kanyang reserbado at malupit na karakter, ang kompositor ay kaibigan ni Weber, Goethe at iba pang mga pigura ng panahon ng klasisismo.

Pinaka sikat na mga gawa

Nasabi na sa itaas na ang isang katangian ng akda ni L. V. Beethoven ay ang pagnanais na ipakita ang malakas, emosyonal na mga karakter, ang pakikibaka ng mga hilig, at ang pagtagumpayan ng mga paghihirap. Kabilang sa mga gawa ng genre na ito, ang "Appassionata" ay namumukod-tangi, na, sa mga tuntunin ng intensity ng mga damdamin at emosyon, ay marahil ang isa sa pinakamakapangyarihan. Nang tanungin ang kompositor tungkol sa ideya sa likod ng paglikha nito, tinukoy niya ang dula ni Shakespeare na "The Tempest," na, ayon sa kanya, ay nagsilbing mapagkukunan ng inspirasyon. Ang may-akda ay gumuhit ng isang parallel sa pagitan ng mga motibo ng mga titanic na impulses sa trabaho ng playwright at ang kanyang musikal na interpretasyon ng temang ito.

Ang isa sa mga pinakasikat na gawa ng may-akda ay " Moonlight Sonata", na, sa kabaligtaran, ay napuno ng isang pakiramdam ng pagkakaisa at katahimikan, na parang kaibahan sa dramatikong himig ng kanyang mga symphony. Kapansin-pansin na ang mismong pangalan ng gawaing ito ay ibinigay ng mga kontemporaryo ng kompositor, marahil dahil ang musika ay kahawig ng kinang ng dagat sa isang tahimik na gabi. Ito ang mga asosasyon na lumitaw sa karamihan ng mga tagapakinig kapag nakikinig sa sonata na ito. Hindi kukulangin, at marahil ay mas sikat pa ang sikat na komposisyon na "Für Eliza," na inialay ng kompositor sa asawa ng Russian Emperor Alexander I, Elizaveta Alekseevna (Louise). Ang gawaing ito ay kapansin-pansin sa kamangha-manghang kumbinasyon ng mga magaan na motibo at seryosong dramatikong mga sipi sa gitna. Ang isang espesyal na lugar sa trabaho ng maestro ay inookupahan ng kanyang nag-iisang opera na "Fidelio" (isinalin bilang "Faithful" na may wikang Italyano). Ang gawaing ito, tulad ng marami pang iba, ay puno ng kalunos-lunos na pag-ibig sa kalayaan at isang panawagan para sa kalayaan. Ang "Fidelio" ay hindi pa rin umaalis sa yugto ng mga nagtatanghal, kahit na ang opera ay hindi agad nakatanggap ng pagkilala, tulad ng halos palaging nangyayari.

Ikasiyam na Symphony

Ang gawaing ito ay marahil ang pinakatanyag sa iba pang mga gawa ng kompositor. Isinulat ito tatlong taon bago siya namatay, noong 1824. Ang Ninth Symphony ay nagtatapos sa mahaba at pangmatagalang paghahanap ng kompositor na lumikha ng perpekto gawaing simponiko. Naiiba ito sa lahat ng mga nauna sa na, una, ipinakilala nito ang isang bahagi ng koro (sa sikat na "Ode to Joy" ni F. Schiller), at pangalawa, sa loob nito binago ng kompositor ang istraktura ng symphonic genre. Ang pangunahing tema ay unti-unting inilalahad sa bawat bahagi ng akda. Ang simula ng symphony ay medyo madilim at mabigat, ngunit kahit na pagkatapos ay isang malayong motibo ng pagkakasundo at paliwanag na tunog, na lumalaki habang ang komposisyon ng musikal ay umuunlad. Sa wakas, sa pinakadulo, medyo malakas na choral vocals ang tunog, na nananawagan sa lahat ng tao sa mundo na magkaisa. Kaya, higit na binigyang diin ng kompositor ang pangunahing ideya ng kanyang trabaho. Nais niyang maipahayag ang kanyang mga saloobin nang malinaw hangga't maaari, kaya't hindi niya nililimitahan ang kanyang sarili lamang sa musika, ngunit ipinakilala din ang pagganap ng mga mang-aawit. Ang symphony ay isang matunog na tagumpay: sa unang pagtatanghal, binigyan ng audience ng standing ovation ang kompositor. Kapansin-pansin na kinatha ito ni L.V. Beethoven noong isa na siyang ganap na bingi.

Ang kahalagahan ng paaralang Viennese

Si Gluck, Haydn, Mozart, Beethoven ay naging mga tagapagtatag ng klasikal na musika, na may malaking impluwensya sa buong kasunod na kasaysayan ng musikal ng hindi lamang Europa, kundi pati na rin sa mundo. Ang kahalagahan ng mga kompositor na ito at ang kanilang kontribusyon sa reporma ng musikal na teatro ay halos hindi matataya. Gumagawa sa iba't ibang genre, nilikha nila ang gulugod at anyo ng mga gawa, sa batayan kung saan ang kanilang mga tagasunod ay binubuo ng mga bagong gawa. Marami sa kanilang mga likha ay matagal nang lumampas sa saklaw ng mga pagtatanghal ng konsiyerto at malawak na naririnig sa mga pelikula at sa telebisyon. Ang "Turkish Rondo", "Moonlight Sonata" at marami pang ibang gawa ng mga may-akda na ito ay kilala hindi lamang sa mga mahilig sa musika, kundi maging sa mga hindi masyadong pamilyar sa klasikal na musika. Tamang-tama na tinawag ng maraming mananaliksik ang yugto ng Vienna ng pag-unlad ng mga klasiko bilang isang pagtukoy sa kasaysayan ng musika, dahil sa panahong ito na inilatag ang mga pangunahing prinsipyo para sa paglikha at pagsulat ng mga opera, symphony, sonatas at quartets.

Si L. V. Beethoven ay isang Aleman na kompositor, isang kinatawan ng Viennese classical na paaralan (ipinanganak sa Bonn, ngunit ginugol ang halos lahat ng kanyang buhay sa Vienna - mula noong 1792).

Ang musikal na pag-iisip ni Beethoven ay isang kumplikadong synthesis:

Ø malikhaing tagumpay ng mga klasikong Viennese (Gluck, Haydn, Mozart);

Ø ang sining ng Rebolusyong Pranses;

Ø bagong umuusbong sa 20s. XIX na siglo masining na kilusan - romanticism.

Ang mga gawa ni Beethoven ay nagtataglay ng imprint ng ideolohiya, aesthetics at sining ng Enlightenment. Ito ay higit na nagpapaliwanag sa lohikal na pag-iisip ng kompositor, ang kalinawan ng mga anyo, ang pagiging maalalahanin ng buong masining na konsepto at mga indibidwal na detalye ng mga gawa.

Kapansin-pansin din na ipinakita ni Beethoven ang kanyang sarili nang lubos sa mga genre sonata at symphony(mga genre na tipikal ng mga classic) . Si Beethoven ang unang gumamit ng tinatawag na "conflict symphonism" batay sa pagkakatugma at banggaan ng maliwanag na magkakaibang mga musikal na imahe. Ang mas dramatic na salungatan, mas kumplikado ang proseso ng pag-unlad, na para sa Beethoven ay nagiging pangunahing puwersang nagtutulak.

Ang mga ideya at sining ng Great French Revolution ay nag-iwan ng marka sa marami sa mga likha ni Beethoven. Mula sa mga opera ni Cherubini ay may direktang daan patungo sa Fidelio ni Beethoven.

Ang mga gawa ng kompositor ay naglalaman ng mga nakakaakit na intonasyon at tumpak na ritmo, malawak na melodic na paghinga at malakas na instrumento ng mga himno ng mga kanta, martsa at opera sa panahong ito. Binago nila ang istilo ni Beethoven. Iyon ang dahilan kung bakit ang musikal na wika ng kompositor, bagaman konektado sa sining ng mga klasikong Viennese, ay sa parehong oras ay malalim na naiiba mula dito. Sa mga gawa ni Beethoven, hindi tulad ni Haydn at Mozart, bihirang makatagpo ang isang tao ng katangi-tanging dekorasyon, makinis na mga pattern ng ritmo, silid, transparent na texture, balanse at simetrya ng mga temang pangmusika.

Isang kompositor ng isang bagong panahon, nakahanap si Beethoven ng iba't ibang mga intonasyon upang ipahayag ang kanyang mga saloobin - pabago-bago, hindi mapakali, malupit. Ang tunog ng kanyang musika ay nagiging mas mayaman, siksik, at kapansin-pansing contrasting. Ang kanyang mga musikal na tema ay nakakuha hanggang ngayon ng walang uliran na laconicism at mahigpit na pagiging simple.

Ang mga tagapakinig na dinala sa klasisismo noong ika-18 siglo ay natigilan at kadalasang nagdulot ng hindi pagkakaunawaan lakas ng damdamin Ang musika ni Beethoven, na ipinakita sa alinman sa marahas na drama, o sa isang engrandeng epikong saklaw, o sa madamdaming liriko. Ngunit tiyak na ang mga katangiang ito ng sining ni Beethoven ang nagpasaya sa mga romantikong musikero. At kahit na ang koneksyon ni Beethoven sa romantikismo ay hindi maikakaila, ang kanyang sining sa mga pangunahing balangkas nito ay hindi nag-tutugma dito. Hindi ito ganap na akma sa balangkas ng klasisismo. Para sa Beethoven, tulad ng ilang iba pa, ay natatangi, indibidwal at multifaceted.

Mga tema ng gawa ni Beethoven:

Ø Tumutok sa Beethoven - ang buhay ng bayani, na nagaganap sa patuloy na pakikibaka para sa isang unibersal, magandang kinabukasan. Ang kabayanihan na ideya ay tumatakbo tulad ng isang pulang sinulid sa buong gawain ni Beethoven. Ang bayani ni Beethoven ay hindi mapaghihiwalay sa mga tao. Sa paglilingkod sa sangkatauhan, sa pagkamit ng kalayaan para sa kanila, nakikita niya ang layunin ng kanyang buhay. Ngunit ang landas patungo sa layunin ay namamalagi sa pamamagitan ng mga tinik, pakikibaka, pagdurusa. Kadalasan ang isang bayani ay namamatay, ngunit ang kanyang kamatayan ay nakoronahan ng tagumpay, na nagdadala ng kaligayahan sa napalayang sangkatauhan. Ang pagkahumaling ni Beethoven sa mga magiting na imahe at ang ideya ng pakikibaka ay dahil, sa isang banda, sa kanyang pagkatao, mahirap na kapalaran, pakikibaka dito, at patuloy na pagtagumpayan ng mga paghihirap; sa kabilang banda, ang impluwensya ng mga ideya ng Great French Revolution sa pananaw sa mundo ng kompositor.

Ø Natagpuan ang pinakamayamang pagmuni-muni sa mga gawa ni Beethoven at tema ng kalikasan(6th symphony "Pastoral", sonata No. 15 "Pastoral", sonata No. 21 "Aurora", 4th symphony, maraming mabagal na paggalaw ng sonata, symphony, quartets). Ang passive na pagmumuni-muni ay kakaiba kay Beethoven: ang kapayapaan at katahimikan ng kalikasan ay nakakatulong upang malalim na maunawaan ang mga kapana-panabik na isyu, magtipon ng mga kaisipan at panloob na lakas para sa pakikibaka sa buhay.

Ø Malalim ang pagpasok ni Beethoven saklaw ng damdamin ng tao. Ngunit, inilalantad ang mundo ng panloob, emosyonal na buhay ng isang tao, iginuhit ni Beethoven ang parehong bayani, na may kakayahang subordinating ang spontaneity ng mga damdamin sa mga hinihingi ng katwiran.

Mga pangunahing tampok ng wikang musikal:

Ø Melodica . Ang pangunahing batayan ng kanyang himig ay sa mga hudyat ng trumpeta at palakpakan, sa pag-aanyaya sa mga oratorical exclamations at pagmamartsa ng mga liko. Madalas na ginagamit ang paggalaw kasama ang mga tunog ng isang triad (G.P. "Eroic Symphony"; tema ng finale ng 5th symphony, G.P. I part 9 ng symphony). Ang mga caesuras ni Beethoven ay mga bantas sa pananalita. Ang mga fermata ni Beethoven ay naka-pause pagkatapos ng mga kalunus-lunos na tanong. Mga tema ng musika Ang mga gawa ni Beethoven ay kadalasang binubuo ng magkakaibang mga elemento. Ang magkakaibang istraktura ng mga tema ay matatagpuan din sa mga nauna kay Beethoven (lalo na sa Mozart), ngunit sa Beethoven ito ay naging isang pattern. Ang kaibahan sa loob ng paksa ay nauuwi sa salungatan G.P. at P.P. sa sonata form, dina-dynamize ang lahat ng seksyon ng sonata allegro.

Ø Metrorhythm. Ang mga ritmo ni Beethoven ay ipinanganak mula sa parehong pinagmulan. Ang ritmo ay may singil sa pagkalalaki, kalooban, at aktibidad.

§ Mga ritmo ng martsa lubhang karaniwan

§ Mga ritmo ng sayaw(sa mga larawan ng katutubong saya - ang pangwakas ng ika-7 symphony, ang pangwakas ng Aurora sonata, kapag pagkatapos ng maraming pagdurusa at pakikibaka ay dumating ang isang sandali ng tagumpay at kagalakan.

Ø Harmony. Sa pagiging simple ng chord vertical (chord ng mga pangunahing pag-andar, laconic na paggamit ng mga di-chord na tunog), mayroong isang contrasting at dramatic na interpretasyon ng harmonic sequence (koneksyon sa prinsipyo ng conflict dramaturgy). Matalim at matapang na mga modulasyon sa malalayong key (kumpara sa mga plastik na modulasyon ni Mozart). Sa kanyang mga huling gawa, inaasahan ni Beethoven ang mga tampok ng romantikong pagkakaisa: polyphonic fabric, isang kasaganaan ng mga non-chord na tunog, katangi-tanging harmonic sequence.

Ø Mga anyo ng musikal Ang mga gawa ni Beethoven ay mga engrandeng konstruksyon. "Ito ang Shakespeare ng masa," sumulat si V. Stasov tungkol kay Beethoven. "Si Mozart ay responsable lamang para sa mga indibidwal... Naisip ni Beethoven ang tungkol sa kasaysayan at lahat ng sangkatauhan." Si Beethoven ang lumikha ng form libreng variation(finale ng piano sonata No. 30, mga variation sa isang tema ni Diabelli, ika-3 at ika-4 na paggalaw ng ika-9 na symphony). Siya ay kredito sa pagpapasok ng variation form sa malaking anyo.

Ø Mga genre ng musika. Binuo ni Beethoven ang karamihan sa mga kasalukuyang genre ng musika. Ang batayan ng kanyang trabaho ay instrumental na musika.

Listahan ng mga gawa ni Beethoven:

Orkestra na musika:

Symphony – 9;

Mga Overture: "Coriolanus", "Egmont", "Leonora" - 4 na pagpipilian para sa opera na "Fidelio";

Concertos: 5 piano, 1 violin, 1 triple – para sa violin, cello at piano.

Piano music:

32 sonata;

22 variation cycle (kabilang ang 32 variation sa c-moll);

Bagatelles (kabilang ang "Fur Elise").

Chamber ensemble music:

Sonatas para sa byolin at piano (kabilang ang "Kreutzerova" No. 9); cello at piano;

16 string quartets.

Vocal na musika:

Opera "Fidelio";

Mga kanta, incl. cycle "Sa Malayong Minamahal", adaptasyon mga awiting bayan: Scottish, Irish, atbp.;

2 Misa: C major at Solemn Mass;

oratorio "Si Kristo sa Bundok ng mga Olibo."