Arte moderna peça por peça. Primitivismo, Fauvismo
Esta tendência surgiu nas artes plásticas do fim XIX-início século 20 É diferente deliberar simplificação meios visuais e o apelo dos artistas às formas de arte primitiva: arte primitiva, medieval, folclórica, infantil.
Geralmente os conceitos de "primitivismo" e "arte ingênua" são equacionados. Mas discordamos categoricamente disso, porque a arte ingênua é a arte dos não profissionais, e o primitivismo é algum grau estilização. Vemos pinturas "primitivas" de muitos artistas que tiveram uma educação artística acadêmica ou passaram pela escola de pintura de vários mestres. Eles tinham experiência em outros estilos também. Estes são, por exemplo, Paul Gauguin, Mikhail Larionov, Pablo Picasso, Natalia Goncharova, Paul Klee, Kliment Redko, Yuri Vasnetsov e muitos outros. Talvez as obras de tais grandes mestres não estejam inteiramente corretas em chamar de "estilização", este é o seu próprio estilo, que se baseia na plasticidade da arte primitiva. Mas seu trabalho também não pode ser chamado de ingênuo, porque eles escolheram formas primitivas de auto-expressão criativa conscientemente, e não por falta de Educação Artistica. Por exemplo, artista profissional Sergey Zagraevsky desde o início de sua atividade criativa mantém o mesmo estilo característico. Chamaremos esse estilo de primitivismo. E alguém, talvez, discuta conosco e atribua suas pinturas à arte ingênua.
Sergei Zagraevsky "Pomar de Maçãs" (1992)
Claro, é impossível colocar a variedade de formas criativas de auto-expressão, caligrafia e técnicas em um determinado estilo. Nunca pensamento artístico não se limita ao escopo do estilo, de uma vez por todas a direção escolhida.
A este respeito, gostaria de recordar o trabalho de M. Chagall.
M. Chagall "Crucificação Branca" (1938). Óleo sobre tela, 254,3 x 139,7 cm. Art Institute (Chicago)
A pintura foi criada pelo artista sob a influência de impressões da perseguição aos judeus na Central e Europa Oriental. Ela é alegórica. A imagem de Jesus crucificado para Chagall é um novo símbolo - os judeus experimentando tormentos mortais.
Simbolismo, historicismo e a seriedade ingênua do primitivismo se misturam nesse quadro.
Marc Chagall (1887-1985) 
Nasceu em Vitebsk. Ele recebeu uma educação tradicional judaica em casa. Estudou na Escola de Desenho da Sociedade para o Incentivo às Artes, com L.S. Bakst na escola de arte privada de E. N. Zvantseva, depois continuou sua educação artística em Paris, onde conheceu artistas e poetas de vanguarda.
Onde quer que viveu: em São Petersburgo, Paris, EUA - em todos os lugares permaneceu filho do povo judeu, mas sempre guardou sua cidade natal em seu coração, desenhando suas ruas tranquilas e casas baixas. Vitebsk é chamado de segundo "modelo" mais importante do artista. E a primeira foi Bella, esposa e musa - de 1909 até o fim de sua vida.
M. Chagall "Sobre a cidade" (1918)
Em Chagall, a primitivização consciente da linguagem plástica é claramente visível, somente dessa forma ele pôde (e quis) se expressar. Ele disse isso sobre suas tentativas de se tornar um artista: “Acho que geralmente não sou receptivo ao aprendizado. Ou não souberam me ensinar... Só posso seguir meu instinto. Voce entende? As regras da escola não cabem na minha cabeça.
Chagall estudou não só com artistas de vanguarda - trabalhou também com o mestre dos signos. Em Vitebsk People's escola de Artes Chagall, juntamente com os mestres de letreiros e seus alunos, preparou o projeto da cidade para o 1º aniversário da revolução. O artista estudou criatividade infantil. Em seu livro "Minha Vida" ele escreve: "Não me cansei de admirar seus desenhos, seu balbucio inspirado...". Em seus trabalhos, principalmente em gráficos, apareciam os traços do desenho de uma criança.
M. Chagall adorava cenas cotidianas e as enchia de fantasia, premonição de um milagre, símbolos mitológicos e animais.
Na origem do primitivismo europeu estão as obras de P. Gauguin, A. Matisse, A. Modigliani.
Henri Matisse (1869-1954)
A. Matisse - artista francês e escultor, líder da corrente fauvista. Ele estava procurando seu próprio caminho: primeiro pintou no espírito do impressionismo, depois trabalhou na técnica do pontilhismo (no artigo "Pós-Impressionismo") e depois criou novo estilo, entrou para a história da arte com o nome de "fauvismo". Por suas pinturas do período do início do século XX. caracterizada por formas planas, linhas claras e pontilhismo menos estrito.
Em 1906, Matisse visitou a Argélia e descobriu a escultura dos povos da África, interessou-se pelo primitivismo e pela xilogravura japonesa clássica.
A. Matisse "Natureza morta com laranjas" (1912)
Amedeo Modigliani (1884-1920)
Pintor e escultor italiano que trabalhou principalmente no estilo expressionista. Mas, tendo experimentado a influência de muitos artistas da escola parisiense (Toulouse-Lautrec, Cézanne, Picasso, Renoir), ele absorveu seus traços. Há também ecos de primitivismo e abstração em sua obra.
A. Modigliani "Retrato de Maria Vasilyeva" (1918)
No entanto, alguns críticos de arte consideram o primitivismo um disfarce estilístico para o expressionismo. Por exemplo, as criações do brilhante expressionista austríaco Oskar Kokoschka apenas lembram os especialistas de imagens folclóricas.
Pintura de Oskar Kokoschka
Alguns artistas do início do século XX, pertencentes a vários direções artísticas e estilos, há obras no estilo do primitivismo. Aqui estão alguns exemplos desses trabalhos.
P. Picasso "Dançarino" (1907-1908)
M. Larionov "cabeleireiro oficial" (1909)
P. Klee "Acrobacias" (1923)
P. Gauguin "Cristo Amarelo" (1889). Lona, óleo. 91,1 x 74,3 cm. Galeria Albright-Knox (Búfalo)
Esta pintura de P. Gauguin é considerada uma das obras-chave do simbolismo, mas executada no estilo do primitivismo.
O tormento sem limites aceito por Cristo contradiz a "invisibilidade" desse sacrifício pelas pessoas. O artista volta-se para o tema "eterno", tentando compreender e explicar a si mesmo e aos outros em suas obras o significado do serviço sacrificial. tópico principal imagens - alienação humana de Deus e do céu. Mas mesmo na expressão do rosto do próprio Cristo, não se lê tanto amor pela humanidade, mas dúvidas sobre se seu sacrifício foi em vão - Seu rosto reflete aquela fase de sofrimento que beira a apatia, a indiferença a tudo ao redor.
"Vênus" de M. Larionov (1912), criado no estilo do primitivismo, parece um desenho em cima do muro e até com uma inscrição. Claro, não pode haver nenhuma questão de arte ingênua aqui - esta é uma estilização óbvia e deliberada, uma zombaria.
N. Goncharova "Dança redonda" (1910)
Mas o primitivismo de N. Goncharova exprime-se na rude monumentalidade das figuras camponesas. Apesar da natureza estática artificial de suas imagens, as pinturas de N. Goncharova estão cheias de movimento perpétuo poderoso. Seu primitivismo é uma variante do expressionismo.
E agora os artistas costumam recorrer a esse estilo. O primitivo não está preso à tradição da "escola", está livre de cânones, daí seu imediatismo.
Duas variedades de primitivos: impressão popular e romântico-idílico - acabaram por ter vida longa. Eles continuam a viver no primitivo de nossos dias.
D. Zavgorodniy "Touro estranho"
D. Zavgorodniy "Luzes do Norte"
2 de agosto de 2016, 09:38Neste, nas postagens anteriores e posteriores, utilizo material do livro "Arte Incompreensível" de Will Gompertz, uma série de palestras no Garage Museum de Irina Kulik, palestras de Dmitry Gutov, livro de Susie Hodge "Modern Art in Detail", documentários BBC, etc
PRIMITIVISMO, FAVISMO
Em um post anterior, falei sobre o cubismo de Picasso e Braque. Uma das fontes de inspiração de Picasso foi uma exposição de arte africana. A simplicidade e, ao mesmo tempo, o poder primitivo e a majestade das máscaras de madeira impressionaram o artista. E não só ele.
Na verdade, o desejo por essa simplicidade corre como um fio vermelho por toda a história. arte contemporânea. Por um lado, os artistas tentaram copiar o estilo de trabalho das tribos primitivas da África, Austrália e América do Sul e, por outro, desenhos infantis.
Em geral, a alegre expectativa de mudança, associada ao rápido desenvolvimento da indústria na França, foi rapidamente substituída pelo cansaço do ritmo que a vida havia adquirido.
Já no final do século XIX, o movimento de "retorno às origens" era generalizado.
Na pintura, como escrevi anteriormente, foi Gauguin, com seu tema "taitiano", imagem plana e rico simbolismo.
Paul Gauguin, Velhos Tempos, 1892
O movimento para a simplificação da arte assumiu muitas formas. Por exemplo, as obras do famoso pintor austríaco e principal membro da sociedade da Secessão de Viena, Gustav Klimt (1862-1918), são muito mais refinadas e decorativas do que as do mesmo Gauguin. Klimt adorava ornamentos, cores bronze e ouro, roupas ricamente decoradas. Com a mesma simplicidade de linha e bidimensionalidade da imagem, o primitivismo de Klimt é luxuoso.
Gustav Klimt, Expectativas, 1909
Gustav Klimt, macieira, 1912
Gustav Klimt, Garota com um leque, 1918
No entanto, aqueles que são considerados os fundadores do primitivismo no século 20 viveram na França. Maurice de Vlaminck (1876-1958), Henri Matisse () e Henri Derain (1880-1954) também admiravam a arte africana e compartilhavam a paixão pelas cores ricas, como nas obras de Van Gogh. Eles também estavam ligados ao holandês pela convicção de que as emoções na imagem são mais importantes do que o objeto retratado.
O resultado da combinação da simplicidade da arte tribal e cores ricas e puras, eles criaram obras incrivelmente brilhantes e alegres. Neles, a cor é uma forma de transmitir uma emoção, e não de descrever um objeto real.
Maurice de Vlaminck, Pomar, 1905
Maurice de Vlaminck, Ponte em Chatou, 1907
André Derain, Estac, 1905
André Dören, Charing Cross Bridge, 1906
Henri Matisse, Laço Vermelho, 1906
Henri Matisse, Harmonia em Vermelho, 1908
"Traduzi para a linguagem da cor o que vi instintivamente sem nenhum método para dizer a verdade não como artista, mas como pessoa. Apertando até o fim, quebrando tubos de água-marinha e cinábrio" - assim descreve Maurice de Vlaminck sua obras desse período. De fato, é a cor que logo se tornará cartão de chamada esta trindade de artistas. Eles decidiram expor no Salão de 1905. Como sempre, as críticas foram ferozes. Louis Vossel (um crítico influente da época) brincou que as pinturas foram pintadas por "animais selvagens" (les fauves fr.)
E embora nem Matisse, nem Vlaminck, nem Derain fossem se vincular à estrutura de qualquer direção, eles gostavam da palavra.
O fauvismo estava em ação direta e figurativamente um flash brilhante no céu da arte. De fato, essa ideia de usar grandes manchas de cor não diluída dentro de uma moldura de forma simples encontrou sua continuação lógica no trabalho de muitos artistas do século XX.
Friedensreich Hundertwasser, Way to you, 1966
Roy Lichtenstein, Natureza morta com vaso de cristal, 1973
Willem de Kooning, Sem título 5, 1983
No entanto, em 1905, o público ainda não havia se recuperado dos neo-impressinistas, e então Matisse chegou a tempo com sua famosa "Mulher de chapéu".
Henri Matisse, Mulher com chapéu, 1905
Não sei se Madame Matisse ficou feliz naquele momento por ter se casado com o artista, porque o retrato acabou sendo polêmico. Um rosto amarelo-esverdeado reduzido a algumas pinceladas simples e toques alaranjados de cabelo não agrada a todos. No entanto, ela era do gosto de Leo Stein - colecionador e patrono artistas contemporâneos. Comprou A mulher do chapéu e menos de um ano depois comprou A alegria da vida, outra pintura famosa do período fauvista de Matisse.
Henri Matisse, Alegria da Vida, 1906
Inspirado em cenas pastorais, Matisse pintou grupos de pessoas entregando-se a vários prazeres: música, dança, amor. E novamente o personagem principal é a cor. As figuras das pessoas são pintadas de forma descuidada e bidimensional, embora a composição em si seja construída de forma ordenada e harmoniosa.
O enredo em si não é tão novo quanto a maneira de escrever.
Agostinho Caracci, Amor mútuo, 1602
O contraste dessas duas obras revela o quanto mudou a percepção do artista. Tem-se a impressão de que Matisse está se entregando, flertando com o espectador. Sua alegria de viver não está tanto no enredo, mas na própria pintura: linhas, cores.
Matisse, por sua própria admissão, sonhava que a arte deveria ser como "uma boa espreguiçadeira". Mesmo quando o fauvismo permaneceu no passado, o artista continuou trabalhando com o mesmo princípio. A propósito, uma garota de Tomsk, Lydia Deliktorskaya, que permaneceu com ele até o fim de sua vida e depois apresentou várias pinturas (deixadas por Matisse para ela para uma velhice confortável) tornou-se sua musa, namorada e companheira para ele. Museu Pushkin e o Eremitério.
Vou me afastar um pouco: recentemente, a crítica de arte do início do século 20 que li me fez olhar um pouco diferente para as telas de Matisse. Além de avanços no campo técnico, essa época também foi de estagnação nas relações sociais. As formas habituais de vida são obsoletas. A imagem de um burguês bem alimentado de fraque, que era o principal cliente, farto do artista.
O desejo de quebrar tornou-se a principal força motriz. Os cubistas, é claro, incorporaram mais claramente esse princípio, literalmente desmoronando a aparência usual das coisas.
Mas outros artistas, como uma membrana captando o que está acontecendo, refletiam seu descontentamento na pintura. Mudaram tudo o que era familiar ao leigo, destruíram o mundinho pequeno-burguês em suas telas. Voluntária ou involuntariamente, o artista protestou contra as convenções que estavam se tornando obsoletas. Talvez os contrastes fauvistas não sejam uma afirmação da alegria de ser, mas o mesmo desafio à realidade?
Daí os rostos verdes das mulheres, um desenho descuidado/condicional. Deste ponto de vista, a pintura de Matisse "A Alegria da Vida" é bastante ironia ou sátira ao hedonismo da burguesia europeia, cujo prazer na vida se resume ao amor carnal, canções e danças. Um mundo de doces com figuras parecidas com doces justos. Mas este ponto de vista não é muito popular. Ainda mais frequentemente a obra de Matisse é interpretada como uma expressão da alegria e brilho do ser.
A arte como deleite para os olhos e para o coração é um princípio que esteve próximo não só de Matisse. E se ele teve que fazer um esforço para desenhar com facilidade infantil, então Henri Rousseau (1844-1910) o fez porque simplesmente não podia fazer diferente.
Henri Rousseau, autorretrato, 1890
Henri Rousseau é um funcionário da alfândega, um analfabeto que decidiu começar a pintar aos 40 anos sem receber nenhuma educação e formação profissional. Caseiro, não adepto de festas boêmias e distante da comunidade artística, tornou-se um dos mais artista famoso estilo de primitivismo. Rousseau era simplório e ingênuo, talvez por isso seu trabalho tenha a simplicidade dos desenhos infantis. Claro, o público e a crítica a princípio riram do artista.
Henrique Rousseau, Noite de Carnaval, 1886
O encanto da simplicidade e da infantilidade parecia ao então espectador uma banal incapacidade de desenhar, nada mais. No entanto, a falta de técnica de Rousseau é mais do que compensada pela clareza, característica, mais uma vez, da gravura japonesa. O artista iniciante foi muito ajudado pela absoluta imunidade à crítica, o que lhe permitiu continuar fazendo o que amava.
Henri Rousseau
É claro que suas obras não podem ser comparadas em execução com os mestres do passado ou contemporâneos talentosos. Rousseau levou outros. Seus enredos descomplicados fascinaram muitos do mundo artístico da época. Entre os fãs estava, por exemplo, Picasso, dono da famosa frase: "Posso desenhar como Rafael, mas vou levar uma vida inteira para aprender a desenhar como uma criança". Rousseau foi quem fez isso. Picasso até comprou sua pintura "Retrato de uma mulher", que, segundo o espanhol, simplesmente o fascinou.
Henri Rousseau, Retrato de uma mulher, 1895
A obra de Rousseau, por assim dizer, já tem um pé no surrealismo. Eles realmente fascinam não tanto com sua ingenuidade quanto com o subtexto, a ambiguidade, o alegorismo. É como aqueles momentos em filmes de terror quando os balanços em um playground vazio balançam um pouco, como se estivesse ao vento... Ou não? Rousseau deixa essa questão para o espectador.
A maneira de Rousseau era admirada não apenas por Pablo Picasso. Entre seus fãs estava também o escultor romeno Constantin Brancusi (Bryncusi) É verdade que, ao contrário de Rousseau, a comunidade artística de Paris o aceitou com um estrondo. Brancusi escolheu o papel de artista-plebeu: barba larga, tamancos e camisa de linho. Os materiais com os quais o escultor trabalhou foram combinados - madeira e pedra. O mármore não impressionou particularmente o mestre.
Brancusi foi por algum tempo um aprendiz na oficina de Rodin, mas suas abordagens ao trabalho acabaram sendo completamente diferentes.
Auguste Rodin, O Beijo, 1886
Constantin Brancusi, O Beijo, 1912
As imagens falam mais alto do que qualquer explicação. Brancusi acreditava que na escultura se poderia prescindir da modelagem preliminar, trabalhando diretamente com o material. Ele tentou preservar ao máximo a forma original da rocha, deixando sua textura. Sem curvas românticas, linhas simples, sem elementos decorativos, as esculturas de Brancusi são apreciadas justamente por sua simplicidade e originalidade de execução. No início do século XX, este foi mais um desafio à tradição.
Ele foi seguido por outros escultores primitivistas: Modigliani (sim, ele tentou-se na escultura, e com bastante sucesso), Giacometti, Hepworth ..
Amadeo Modigliani, Chefe, 1910
Giacometti, Homem que Anda 1, 1960
Barbara Hepworth, Single Form, 1964
Na Rússia, este é o escultor Vadim Sidur. Na minha opinião, muito legal.
Vadim Sidur
Vadim Sidur
Na Rússia, a propósito, um dos primeiros primitivistas na pintura foram Mikhail Larionov e Natalya Goncharova, que trabalharam na técnica "lubok". Este é um tipo de gráfico caracterizado pela simplicidade e um padrão plano. Goncharova foi inspirado por ícones russos. Em seus trabalhos, ela usou um elemento característico da pintura de ícones - sliders - linhas brancas verticais.
Mikhail Larionov, Vênus judaica, 1912
Natalia Goncharova, cortadores de grama, 1911
Como podemos ver, simplicidade, ordem e estrutura tornaram-se conceitos e objetivos fundamentais dos artistas, começando pelos pós-impressionistas. No entanto, essas aspirações aparentemente inofensivas também tinham potencial destrutivo. Afinal, qualquer desejo de encaixar o mundo em uma estrutura lado reverso- Criação de um sistema rígido. E como a prática tem mostrado, as tentativas de subordinar todas as coisas vivas à lógica rígida subjetiva levam à morte e à destruição. Desenvolvimentos adicionais O século 20 é uma vívida confirmação disso.
Continua)
E um pós-escrito.
Uma americana maravilhosa - Granny Moses - uma artista amadora, representante do primitivismo da segunda metade do século 20, simplesmente conquistou meu coração. Ela até me lembrou de alguma forma os holandeses com suas aconchegantes cenas domésticas da vida rural. Por exemplo:
Vovó Moses, início da primavera na fazenda, 1945
Pieter Brueghel, o Velho, Censo, 1566
P.S obrigado a todos que lêem e que estão interessados. Postei esse post atrasado - estava saindo - tive que fazer uma pausa)
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arte ingênua Este conceito é usado em vários sentidos e é de fato idêntico ao conceito "arte primitiva". NO vários idiomas e por diferentes cientistas, esses conceitos são usados com mais frequência para se referir à mesma gama de fenômenos na cultura artística. Em russo (assim como em alguns outros), o termo "primitivo" tem um significado um tanto negativo. Portanto, é mais apropriado focar no conceito arte ingênua. No muito sentido amplo assim denotado arte, que se distingue pela simplicidade (ou simplificação), clareza e imediatismo formal da linguagem pictórica e expressiva, com a ajuda da qual se expressa uma visão especial do mundo não sobrecarregada pelas convenções civilizacionais. O conceito surgiu na nova cultura europeia séculos recentes, portanto, reflete as posições e ideias profissionais dessa cultura, que se considerava o estágio mais elevado de desenvolvimento. Deste ponto de vista, a arte ingênua também se refere à arte arcaica dos povos antigos (antes do Egito ou antes das civilizações gregas antigas), por exemplo, arte primitiva; a arte dos povos atrasados em seu desenvolvimento cultural e civilizacional (a população indígena da África, da Oceania, os índios da América); arte amadora e não profissional em larga escala (por exemplo, os famosos afrescos medievais da Catalunha ou a arte não profissional dos primeiros imigrantes americanos da Europa); muitas obras do chamado "gótico internacional"; Arte folclórica; finalmente, a arte de talentosos artistas primitivistas do século XX,
que não receberam uma educação artística profissional, mas que sentiram um presente em si mesmos Criatividade artística e se dedicaram à sua realização independente na arte. Alguns deles (francês A. Rousseau, C. Bombois, georgiano N. Pirosmanishvili, croata I. Generalich, americano A. M. Robertson etc). apresentação artística de certa forma, aborda a arte das crianças, por um lado, e a criatividade dos doentes mentais, por outro. No entanto, em essência, difere de ambos. O que mais se aproxima em termos de visão de mundo da arte infantil é a arte ingênua dos povos arcaicos e nativos da Oceania e da África. Sua diferença fundamental da arte infantil está em sua profunda sacralidade, tradicionalismo e canonicidade. A ingenuidade das crianças e o imediatismo da percepção do mundo parecem estar congelados para sempre nesta arte, suas formas e elementos expressivos linguagem artística cheio de significado mágico sagrado e simbolismo de culto, que tem um campo bastante estável de significados irracionais. NO arte infantil eles são muito móveis e não carregam uma carga de culto. A arte ingênua, como regra, é otimista em espírito, afirmadora da vida, multifacetada e diversificada, e na maioria das vezes tem um significado estético bastante alto. Em contraste, a arte dos doentes mentais, muitas vezes próxima a ela na forma, é caracterizada por uma obsessão dolorosa pelos mesmos motivos, um humor pessimista-depressivo e um baixo nível de arte. As obras de arte ingênua são extremamente diversas em forma e estilo individual, mas muitas delas são caracterizadas pela ausência de uma perspectiva linear (muitos primitivistas procuram transmitir profundidade com a ajuda de figuras de diferentes escalas, uma organização especial de formas e cores massas), planicidade, ritmo e simetria simplificados e uso ativo de cores locais. , generalização das formas, enfatizando a funcionalidade de um objeto devido a certas deformações, aumento da importância do contorno, simplicidade dos métodos técnicos. Artistas primitivos do século 20, que estão familiarizados com a arte profissional clássica e contemporânea, muitas vezes apresentam ideias interessantes e originais. soluções artísticas ao tentar imitar certas técnicas de arte profissional na ausência de conhecimentos e habilidades técnicas apropriadas. Os artistas da arte ingênua costumam tirar da vida ao seu redor, folclore, mitologia religiosa ou sua própria fantasia. É mais fácil para eles do que para muitos artistas profissionais administrar a criatividade espontânea e intuitiva, não impedida por regras e proibições culturais e sociais. Como resultado, original, surpreendentemente puro, poético e sublime mundos artísticos em que alguma harmonia ingênua ideal prevalece entre a natureza e o homem. Foram essas qualidades da arte ingênua que atraíram a atenção de muitos mestres da arte do século XX, desde os primeiros artistas de vanguarda até conceitualistas e pós-modernistas. Essas ou aquelas técnicas e elementos da linguagem dos primitivistas foram usados em seus trabalhos por muitos grandes artistas século 20 (expressionistas, P.Klee, M.Chagall, J.Miro, P.Picasso e etc). NO Arte ingênua muitos representantes da cultura procuram ver saídas cultura artística dos becos sem saída civilizacionais.
Primitivismo (neo-primitivismo)
- uma direção que surgiu na arte européia e russa no início do século XX. Seu principal 
o sinal era simplificação de software meios artísticos, apelar para várias formas arte primitiva - arte popular e infantil, arte primitiva e arte medieval etc. Baseava-se no desejo de adquirir a pureza da visão do mundo, inerente à consciência intocada pela civilização.
Na Rússia, o primitivismo é mais claramente representado pelos nomes N.S. Goncharova, M.F. Larionov, K.S. Malevich, artistas dos grupos "Jack of Diamonds", "Donkey's Tail" e alguns mestres da "Blue Rose". A fonte de inspiração para os neo-primitivistas é a arte do Oriente, assim como estampas populares, sinais provincianos, criatividade infantil, brinquedo popular, a arte das culturas primitivas.
"Depois disso, Gurdjieff passou a explicar as várias funções do homem e
centros que gerenciam essas funções. Na mesma ordem, essas ideias são apresentadas em
palestras sobre psicologia. As explicações e discussões relacionadas levaram bastante
muito tempo... não há como transmitir essas conversas na forma em que elas
realmente aconteceu. Portanto, reuni todo o material sobre psicologia e
cosmologia em duas séries de palestras separadas. Deve-se notar aqui que as idéias não foram
que nos são dadas na forma em que são apresentadas nas palestras.
Significado
Eu sei que você existe. Você não é uma invenção da minha imaginação, nem um sonho, nem uma fantasia doentia, nem uma ilusão. Às vezes parece-me que você está muito perto. Quase atrás. Ou junto ao fluxo de pessoas. Basta fechar os olhos no agora fugaz e ouvirei sua voz, ou me transformarei em uma noite negra em uma encruzilhada deserta e encontrarei seu olhar. Mas o tempo passa. Dia após dia. Ano após ano. Como antes. Mas você nao é. Às vezes as mãos caem e não há forças para dar um passo sequer. O desejo de deixar tudo, e assinar com sangue sob sua própria impotência. Arrebata o próprio pensamento de que você ainda está aqui. Mas eu me lembro. Você nunca perdeu. Não saiu primeiro. Então eu também não desisto. Começamos este jogo muito antes do nascimento e dificilmente está destinado a terminar. Não me lembro quanto tempo isso está acontecendo. Eu encontrei seus pensamentos e ações em outros. E acreditou. Eu encontrei. E agarrou-se como um louco a uma esperança ilusória. Você brinca comigo através de pessoas que me eram próximas e queridas. Você sabe que dói. Mas o tempo coloca tudo em seu lugar. E a compreensão é remontada a partir dos fragmentos quebrados do passado distante. Eu sei que pode não ser fácil para você agora também. Tanta coisa se passou, tanta coisa foi encontrada semelhante à sinceridade e à reciprocidade. Mas esse era o meu pensamento também. Eles fisgaram, grudaram no seu coração e fizeram você acreditar que sua busca acabou. Mas o tempo colocou tudo em seu lugar. E você está sozinho novamente. Eu sei que dói. Eu sinto Muito. Só vou dizer uma coisa. Não sou fruto da sua imaginação, nem sonho, nem fantasia doentia, nem ilusão. Eu existo. E um dia nos encontraremos novamente e nunca mais nos perderemos.
Rubinshtein S.L. Ser e consciência
Sobre o lugar do mental na interconexão geral dos fenômenos do mundo material
Para colocar um problema
Um inquisitivo, buscando o pensamento humano, penetrando com crescente paixão e sucesso nas profundezas do universo, conhece o mundo material em sua infinidade - em grande e pequeno, compreende a estrutura do átomo e do Universo, resolve um após o outro o problemas que a natureza coloca diante de si a cada passo. Esse pensamento inquisitivo e perscrutador do homem não podia deixar de se voltar para si mesmo, não podia deixar de insistir na questão da relação entre pensamento e natureza, o espiritual e o material. Esta é a questão básica da filosofia. Sua solução diferenciada separa idealismo e materialismo - as principais tendências que lutam na filosofia. O significado teórico desta questão é óbvio.
Mas questões de grande teoria, corretamente colocadas e corretamente compreendidas, são ao mesmo tempo questões práticas de grande significado. Realmente veja grande problemas teóricos- significa vê-los em relação às questões fundamentais da vida.
A questão da conexão entre o mental e o material, da dependência do mental das condições materiais, não é apenas uma questão de cognoscibilidade, mas também sobre capacidade de gerenciamento processos mentais. A solução da questão da dependência de um ou outro curso de processos mentais em condições objetivas determina os modos de formação, mudança dirigida e educação da psicologia das pessoas. Questões de conhecimento do mundo corretamente colocadas estão, em última análise, conectadas com as tarefas de sua transformação revolucionária.
) em suas expressivas obras arrebatadoras conseguiu preservar a transparência da neblina, a leveza da vela, o balanço suave do navio nas ondas.
Suas pinturas surpreendem pela profundidade, volume, saturação, e a textura é tal que é impossível tirar os olhos delas.
Simplicidade quente Valentina Gubareva
Artista primitivo de Minsk Valentin Gubarev não perseguindo a fama e apenas fazendo o que ama. Seu trabalho é incrivelmente popular no exterior, mas quase desconhecido para seus compatriotas. Em meados dos anos 90, o francês se apaixonou por seus esboços cotidianos e assinou um contrato com o artista por 16 anos. As pinturas, que, ao que parece, deveriam ser compreensíveis apenas para nós, os portadores do "encanto modesto do socialismo subdesenvolvido", foram apreciadas pelo público europeu, e as exposições começaram na Suíça, Alemanha, Grã-Bretanha e outros países.
Realismo sensual de Sergei Marshennikov
Sergei Marshennikov tem 41 anos. Ele vive em São Petersburgo e cria nas melhores tradições da escola clássica russa de pintura de retrato. As heroínas de suas pinturas são ternas e indefesas em suas mulheres seminuas. Em muitos dos pinturas famosas a musa e esposa do artista, Natalia, são retratadas.
O mundo míope de Philip Barlow
NO era moderna As fotos alta resolução e no auge do hiper-realismo, o trabalho de Philip Barlow (Philip Barlow) imediatamente atrai a atenção. No entanto, é necessário um certo esforço do espectador para se forçar a olhar as silhuetas borradas e os pontos brilhantes nas telas do autor. Provavelmente, é assim que as pessoas que sofrem de miopia veem o mundo sem óculos e lentes de contato.
Coelhinhos ensolarados de Laurent Parcelier
A pintura de Laurent Parcelier é mundo maravilhoso em que não há tristeza nem desânimo. Você não encontrará nele imagens sombrias e chuvosas. Em suas telas há muita luz, ar e cores brilhantes, que o artista aplica com traços característicos reconhecíveis. Isso cria a sensação de que as pinturas são tecidas a partir de milhares de raios de sol.
Dinâmica urbana nas obras de Jeremy Mann
Óleo sobre painéis de madeira artista americano Jeremy Mann pinta retratos dinâmicos da metrópole moderna. " formas abstratas, linhas, o contraste de pontos claros e escuros - tudo cria uma imagem que evoca a sensação que uma pessoa experimenta na multidão e agitação da cidade, mas também pode expressar a calma que se encontra ao contemplar a beleza tranquila ”, diz o artista .
O mundo ilusório de Neil Simon
Nas pinturas do artista britânico Neil Simone (Neil Simone) nem tudo é o que parece à primeira vista. “Para mim, o mundo ao meu redor é uma série de formas, sombras e limites frágeis e em constante mudança”, diz Simon. E em suas pinturas tudo é realmente ilusório e interligado. As fronteiras são lavadas e as histórias fluem umas para as outras.
O drama amoroso de Joseph Lorasso
O artista americano contemporâneo nascido na Itália Joseph Lorusso transfere para a tela as cenas que viu em Vida cotidiana pessoas comuns. Abraços e beijos, impulsos apaixonados, momentos de ternura e desejo preenchem suas imagens emocionais.
Vida na aldeia de Dmitry Levin
Dmitry Levin é um mestre reconhecido da paisagem russa, que se estabeleceu como um talentoso representante da escola realista russa. A fonte mais importante sua arte é um apego à natureza, que ele ama com ternura e paixão e da qual se sente parte.
Bright East Valery Blokhin
