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13 de maio. /ITAR-TASS/. Um dos cinemas mais antigos de São Petersburgo, o Rodina, comemora seu centenário em maio de 2014.

O prédio onde hoje está localizado o centro de cinema foi construído em 1914-1915 na Praça Manezhnaya de acordo com o projeto dos graduados da Academia Imperial de Artes, os arquitetos K. S. Pokrovsky e B. Ya. Botkin.

Inicialmente foi concebido como local para abrigar a Sociedade Provincial de Crédito de Petrogrado, que até 1918 ocupava os andares superiores do edifício. O mezanino foi reservado para a demonstração da “fotografia viva”, como era chamada a cinematografia da época.

Em 1917, foi inaugurado no edifício o cinema “Splendid Palace” (“Palácio Brilhante”), assim denominado pelo esplendor da sua decoração.

Shostakovich, o seringueiro e as primeiras estreias soviéticas

Um ano depois, o cinema acolheu a estreia do primeiro filme soviético longa metragem“Compactação”, filmado segundo roteiro do Comissário do Povo para a Educação Lunacharsky. No hall de entrada encontra-se uma placa comemorativa em mármore dedicada a esta estreia.

A partir de 1924, em sinal de solidariedade à classe trabalhadora alemã, o cinema foi rebatizado de "Rot-Front" e durou até o final da Grande Guerra Patriótica. Guerra Patriótica.

Em 1930, o primeiro filme sonoro soviético, “A Start to Life”, estreou aqui. Antes desse evento, as imagens dos filmes eram acompanhadas pela atuação de um seringueiro. Um estudante do conservatório, o jovem D.D., trabalhou aqui como pianista. Shostakovich.

De 1929 a 1934 Vários teatros funcionavam no pequeno salão do cinema: “Espelho Curvo”, “Teatro de Pequenas Formas”, bem como o grupo de teatro “Comédia” sob a direção do diretor Ya.B.

O primeiro cinema infantil do país

Em 1937, por decreto do Presidium do Soviete Supremo da URSS, o cinema Rot-Front recebeu o status de primeiro cinema infantil do país.

Em 1942, durante o bloqueio, foi instalada no cinema uma árvore de Natal para crianças de orfanatos, Festas de ano novo. E no final de 1945, após a Vitória na Grande Guerra Patriótica, o cinema recebeu um novo nome - “Pátria”.

Atualmente, o Centro de Cinema Infantil da cidade de Rodina hospeda festivais de cinema, exibindo filmes originais não comerciais, de festivais, de não ficção e de animação. O centro cinematográfico recebeu a “Medalha de Ouro” da Lenfilm e da Federação de Imprensa Cinematográfica de São Petersburgo “Por muitos anos de atividades educacionais através do cinema”, e também recebeu numerosos agradecimentos de organizações infantis, públicas e de caridade.

Em 2009, por decisão do Conselho Público Municipal, o Rodina Cinema Center foi incluído na “Lista de objetos imobiliários localizados no território de São Petersburgo, cuja finalidade é valiosa para os residentes de São Petersburgo e é recomendada para preservação.”
Na elaboração do material foram utilizadas informações fornecidas pelo Rodina Film Center.
Fonte -

Infância e família de Dmitry Shostakovich

Dmitry Shostakovich nasceu em São Petersburgo em 1906. Seus pais eram da Sibéria, para onde o avô paterno do futuro compositor foi exilado por participar do movimento Vontade do Povo.

O pai do menino, Dmitry Boleslavovich, era engenheiro químico e um apaixonado amante da música. Mãe, Sofya Vasilievna, que já estudou no conservatório, era uma boa pianista e professora de piano para iniciantes.

Além de Dmitry, havia mais duas meninas na família. Irmã mais velha Mitya - Maria mais tarde tornou-se pianista e a mais nova Zoya tornou-se veterinária. Quando Mitya completou 8 anos, o Primeiro começou Guerra Mundial. Ouvindo as constantes conversas dos adultos sobre a guerra, o menino escreveu sua primeira peça musical, “Soldado”.

Em 1915, Mitya foi enviado para estudar no ginásio. No mesmo período, o menino ficou seriamente interessado em música. Sua mãe se tornou sua primeira professora e, poucos meses depois, o pequeno Shostakovich começou a estudar na Escola de música famoso professor I. A. Glyasser.

Em 1919, Shostakovich ingressou no Conservatório de Petrogrado. Seus professores de piano foram A. Rozanova e L. Nikolaev. Dmitry se formou no conservatório em duas turmas ao mesmo tempo: em 1923 em piano e dois anos depois em composição.

Atividade criativa do compositor Dmitry Shostakovich

Primeiro trabalho significativo A Sinfonia nº 1 de Shostakovich foi o trabalho de tese de um graduado do conservatório. Em 1926, a sinfonia estreou em Leningrado. Críticos musicais começaram a falar de Shostakovich como um compositor capaz de compensar a perda da União Soviética de Sergei Rachmaninoff, Igor Stravinsky e Sergei Prokofiev que emigraram do país.

O famoso maestro Bruno Walter ficou encantado com a sinfonia e pediu a Shostakovich que lhe enviasse a partitura da obra para Berlim.

Em 22 de novembro de 1927, a sinfonia estreou em Berlim e um ano depois na Filadélfia. As estreias estrangeiras da Sinfonia nº 1 tornaram o compositor russo mundialmente famoso.

Inspirado pelo sucesso, Shostakovich escreveu a Segunda e Terceira Sinfonias, as óperas “The Nose” e “Lady Macbeth” Distrito de Mtsensk"(baseado nas obras de N.V. Gogol e N. Leskov).

Shostakovich. Valsa

Os críticos saudaram a ópera “Lady Macbeth de Mtsensk” de Shostakovich com quase entusiasmo, mas o “líder dos povos” não gostou. Naturalmente, um artigo fortemente negativo é publicado imediatamente - “Confusão em vez de música”. Poucos dias depois, aparece outra publicação - “Ballet Falsity”, na qual o balé de Shostakovich “The Bright Stream” é submetido a críticas devastadoras.

Shostakovich foi salvo de mais problemas pelo aparecimento da Quinta Sinfonia, sobre a qual o próprio Stalin comentou: “Responda Artista soviéticoà crítica justa."

Sinfonia de Leningrado de Dmitri Shostakovich

A guerra de 1941 encontrou Shostakovich em Leningrado. O compositor começou a trabalhar na Sétima Sinfonia. A obra, chamada Sinfonia de Leningrado, foi apresentada pela primeira vez em 5 de março de 1942 em Kuibyshev, para onde o compositor foi evacuado. Quatro dias depois, a sinfonia foi apresentada no Salão das Colunas da Câmara dos Sindicatos de Moscou.

Sinfonia de Leningrado de Dmitri Shostakovich

Em 9 de agosto, a sinfonia foi apresentada na sitiada Leningrado. Esta obra do compositor tornou-se um símbolo da luta contra o fascismo e da resiliência dos leningrados.

As nuvens estão se reunindo novamente

Até 1948, o compositor não teve problemas com as autoridades. Além disso, recebeu vários prêmios Stalin e títulos honorários.

Mas em 1948, na Resolução do Comitê Central do Partido Comunista dos Bolcheviques de Toda a União, que falava da ópera “A Grande Amizade” do compositor Vano Muradeli, a música de Prokofiev, Shostakovich, Khachaturian foi reconhecida como “alienígena para o povo soviético.”

Submetendo-se aos ditames do partido, Shostakovich “percebe os seus erros”. Obras de cunho militar-patriótico aparecem em sua obra e cessa o “atrito” com as autoridades.

Vida pessoal de Dmitry Shostakovich

Segundo lembranças de pessoas próximas ao compositor, Shostakovich era tímido e inseguro em suas interações com as mulheres. Seu primeiro amor foi uma menina de 10 anos, Natasha Kube, a quem Mitya, de treze anos, dedicou um breve prelúdio musical.

Em 1923, o aspirante a compositor conheceu sua colega Tanya Glivenko. Um garoto de dezessete anos se apaixonou perdidamente por uma garota linda e bem-educada. Os jovens iniciaram um relacionamento amoroso. Apesar de seu amor ardente, Dmitry não pensou em propor casamento a Tatyana. No final, Glivenko casou-se com outro admirador. Apenas três anos depois disso, Shostakovich convidou Tanya a deixar o marido e se casar com ele. Tatyana recusou - ela estava esperando um filho e pediu a Dmitry que a esquecesse para sempre.

Percebendo que não poderia devolver sua amada, Shostakovich casou-se com Nina Varzar, uma jovem estudante. Nina deu ao marido uma filha e um filho. Eles viveram casados ​​por mais de 20 anos, até a morte de Nina.

Após a morte de sua esposa, Shostakovich casou-se mais duas vezes. O casamento com Margarita Kayonova durou pouco, e a terceira esposa, Irina Supinskaya, cuidou do grande compositor até o fim de sua vida.

Afinal, a musa do compositor passou a ser Tatyana Glivenko, a quem dedicou sua Primeira Sinfonia e Trio para piano, violino e violoncelo.

Os últimos anos da vida de Shostakovich

Na década de 70 do século XX, o compositor escreveu ciclos vocais baseados em poemas de Marina Tsvetaeva e Michelangelo, quartetos de cordas 13, 14 e 15 e Sinfonia nº 15.

O último ensaio A obra do compositor foi Sonata para Viola e Piano.

No final da vida, Shostakovich sofreu de câncer de pulmão. Em 1975, uma doença levou o compositor ao túmulo.

Shostakovich foi enterrado no cemitério Novodevichy, em Moscou.

Prêmios Dmitry Shostakovich

Shostakovich não foi apenas repreendido. De vez em quando ele recebia prêmios do governo. Ao final da vida, o compositor acumulou um número significativo de encomendas, medalhas e títulos honoríficos. Ele foi um herói do Trabalho Socialista, teve três Ordens de Lenin, bem como a Ordem da Amizade dos Povos, Revolução de outubro e a Bandeira Vermelha do Trabalho, a Cruz de Prata da República da Áustria e a Ordem Francesa das Artes e Letras.

O compositor recebeu o título de Artista Homenageado da RSFSR e da URSS, Artista do Povo A URSS. Shostakovich recebeu os Prêmios Lenin e cinco Stalin, Prêmios de Estado da RSS da Ucrânia, da RSFSR e da URSS. Ele foi laureado com o Prêmio Internacional da Paz e com o Prêmio que leva seu nome. J. Sibelius.

Shostakovich foi doutor honorário em música pelas universidades de Oxford e Evanston Northwestern. Foi membro das Academias de Belas Ciências da França e da Baviera, da Real Academia Inglesa e Sueca academias de música, Academia de Artes "Santa Cecília" na Itália, etc. Todos esses prêmios e títulos internacionais falam de uma coisa - a fama mundial do grande compositor do século XX.

Dmitry Dmitrievich Shostakovich (12 (25) de setembro de 1906, São Petersburgo - 9 de agosto de 1975, Moscou) - Compositor russo soviético, pianista, professor e figura pública, um dos compositores mais importantes do século 20, que teve e continua ter uma influência criativa nos compositores. EM primeiros anos Shostakovich foi influenciado pela música de Stravinsky, Berg, Prokofiev, Hindemith e, mais tarde (em meados da década de 1930), Mahler. Estudando constantemente as tradições clássicas e de vanguarda, Shostakovich desenvolveu sua própria linguagem musical, carregada de emoção e tocando os corações de músicos e amantes da música em todo o mundo.

Na primavera de 1926, a Orquestra Filarmônica de Leningrado, dirigida por Nikolai Malko, tocou pela primeira vez a Primeira Sinfonia de Dmitri Shostakovich. Numa carta ao pianista de Kiev L. Izarova, N. Malko escreveu: “Acabei de voltar de um concerto. Regeu pela primeira vez a sinfonia do jovem Leningrado Mitya Shostakovich. Eu sinto que abri nova página na história da música russa".

A recepção da sinfonia pelo público, pela orquestra e pela imprensa não pode ser considerada simplesmente um sucesso, foi um triunfo. O mesmo foi sua procissão pelos palcos sinfônicos mais famosos do mundo. Otto Klemperer, Arturo Toscanini, Bruno Walter, Hermann Abendroth e Leopold Stokowski debruçaram-se sobre a partitura da sinfonia. Para eles, pensadores-regentes, a correlação entre o nível de habilidade e a idade do autor parecia implausível. Fiquei impressionado com a total liberdade com que o compositor de dezenove anos dispôs de todos os recursos da orquestra para concretizar suas ideias, e as próprias ideias atingiram um frescor primaveril.

A sinfonia de Shostakovich foi verdadeiramente a primeira sinfonia do novo mundo, sobre a qual varreu a tempestade de outubro. O contraste era marcante entre a música, cheia de alegria, o florescimento exuberante das forças jovens, as letras sutis e tímidas e a arte expressionista sombria de muitos dos contemporâneos estrangeiros de Shostakovich.

Ignorando o estágio habitual da juventude, Shostakovich atingiu a maturidade com confiança. Esta excelente escola deu-lhe essa confiança. Natural de Leningrado, foi educado dentro dos muros do Conservatório de Leningrado nas aulas do pianista L. Nikolaev e do compositor M. Steinberg. Leonid Vladimirovich Nikolaev, que criou um dos ramos mais frutíferos da escola pianística soviética, como compositor, foi aluno de Taneyev, por sua vez ex-estudante Tchaikovsky. Maximilian Oseevich Steinberg é aluno de Rimsky-Korsakov e seguidor de seus princípios e métodos pedagógicos. De seus professores, Nikolaev e Steinberg herdaram um ódio total pelo amadorismo. Nas suas aulas havia um espírito de profundo respeito pelo trabalho, pelo que Ravel gostava de designar com a palavra métier – artesanato. É por isso que a cultura da maestria já estava tão elevada na primeira grande obra do jovem compositor.

Muitos anos se passaram desde então. Mais quatorze foram adicionados à Primeira Sinfonia. Surgiram quinze quartetos, dois trios, duas óperas, três balés, dois concertos para piano, dois para violino e dois para violoncelo, ciclos de romance, coleções de prelúdios e fugas para piano, cantatas, oratórios, músicas para muitos filmes e performances dramáticas.

O período inicial da criatividade de Shostakovich coincide com o final dos anos 20, uma época de discussões acaloradas sobre questões cardeais da cultura artística soviética, quando os fundamentos do método e estilo da arte soviética se cristalizaram - realismo socialista. Como muitos representantes dos jovens, e não apenas da geração mais jovem da intelectualidade artística soviética, Shostakovich presta homenagem à sua paixão pelos trabalhos experimentais do diretor V. E. Meyerhold, pelas óperas de Alban Berg (Wozzeck), Ernst Kshenek (Jumping Over the Shadow , Johnny), apresentações de balé Fedora Lopukhov.

A combinação do grotesco agudo com a tragédia profunda, típica de muitos fenômenos da arte expressionista vindos do exterior, também chama a atenção jovem compositor. Ao mesmo tempo, a admiração por Bach, Beethoven, Tchaikovsky, Glinka e Berlioz sempre vive nele. Ao mesmo tempo, ele estava preocupado com o grandioso épico sinfônico de Mahler: a profundidade dos problemas éticos nele contidos: o artista e a sociedade, o artista e a modernidade. Mas nenhum dos compositores de épocas passadas o choca tanto quanto Mussorgsky.

Bem no início da carreira criativa de Shostakovich, em um momento de buscas, hobbies e disputas, nasceu sua ópera “O Nariz” (1928) - uma das obras mais polêmicas de sua juventude criativa. Nesta ópera baseada no enredo de Gogol, através das influências tangíveis de “O Inspetor Geral” de Meyerhold, eram visíveis características musicais excêntricas e brilhantes que tornam “O Nariz” semelhante à ópera “Casamento” de Mussorgsky. “The Nose” desempenhou um papel significativo na evolução criativa de Shostakovich.

O início da década de 30 é marcado na biografia do compositor por uma série de obras de diversos gêneros. Aqui estão os balés “The Golden Age” e “Bolt”, música para a produção de Meyerhold da peça “The Bedbug” de Mayakovsky, música para várias apresentações do Teatro da Juventude Trabalhadora de Leningrado (TRAM) e, finalmente, a primeira entrada de Shostakovich na cinematografia, a criação de músicas para os filmes “Alone”, “Golden Mountains”, “Counter”; música para variedades e apresentações circenses do Leningrad Music Hall “Conditionally Killed”; comunicação criativa com artes afins: balé, teatro dramático, cinema; o surgimento do primeiro ciclo de romance (baseado em poemas de poetas japoneses) evidencia a necessidade do compositor de concretizar a estrutura figurativa da música.

O lugar central entre as obras de Shostakovich da primeira metade dos anos 30 é ocupado pela ópera “Lady Macbeth de Mtsensk” (“Katerina Izmailova”). A base de sua dramaturgia é a obra de N. Leskov, cujo gênero a autora designou com a palavra “ensaio”, como se assim enfatizasse a autenticidade, confiabilidade dos acontecimentos, retratos personagens. A música de “Lady Macbeth” é uma história trágica sobre uma era terrível de tirania e ilegalidade, quando tudo o que há de humano em uma pessoa, sua dignidade, pensamentos, aspirações, sentimentos, foi morto; quando os instintos primitivos eram impostos e governavam as ações e a própria vida, algemada, caminhava pelas intermináveis ​​​​estradas da Rússia. Em um deles, Shostakovich viu sua heroína - esposa do ex-comerciante, uma condenada que pagou o preço total por sua felicidade criminosa. Eu vi e contei com entusiasmo o destino dela na minha ópera.

O ódio ao velho mundo, o mundo da violência, da mentira e da desumanidade, manifesta-se em muitas das obras de Shostakovich, em diferentes géneros. Ela é a antítese mais forte das imagens positivas, ideias que definem o credo artístico e social de Shostakovich. Crença no poder irresistível do Homem, admiração pela riqueza paz de espírito, simpatia pelo seu sofrimento, uma sede apaixonada de participar na luta pelos seus ideais brilhantes - estas são as características mais importantes deste credo. Ela se manifesta de maneira especialmente plena em suas obras-chave e marcantes. Entre elas está uma das mais importantes, a Quinta Sinfonia, surgida em 1936, que começou novo palco biografia criativa compositor, novo capítulo histórias Cultura soviética. Nesta sinfonia, que pode ser chamada de “tragédia otimista”, o autor aborda o profundo problema filosófico da formação da personalidade de seu contemporâneo.

A julgar pela música de Shostakovich, o gênero sinfônico sempre foi para ele uma plataforma a partir da qual apenas os discursos mais importantes e ardentes deveriam ser proferidos, visando atingir os mais elevados objetivos éticos. A plataforma sinfônica não foi erguida para eloquência. Este é um trampolim para o pensamento filosófico militante, lutando pelos ideais do humanismo, denunciando o mal e a baixeza, como se mais uma vez afirmasse a famosa posição goethiana:

Só ele é digno de felicidade e liberdade,
Quem vai batalhar por eles todos os dias!
É significativo que nenhuma das quinze sinfonias escritas por Shostakovich se afaste da modernidade. O Primeiro foi mencionado acima, o Segundo é uma dedicatória sinfônica a outubro, o Terceiro é “Primeiro de Maio”. Neles, o compositor recorre à poesia de A. Bezymensky e S. Kirsanov para revelar mais claramente a alegria ardente e a solenidade das festividades revolucionárias neles.

Mas já a partir da Quarta Sinfonia, escrita em 1936, alguma força estranha e maligna entra no mundo da alegre compreensão da vida, da bondade e da amizade. Ela assume diferentes disfarces. Em algum lugar ela pisa rudemente no chão coberto de vegetação primaveril, com um sorriso cínico ela contamina a pureza e a sinceridade, ela está com raiva, ela ameaça, ela prenuncia a morte. Está internamente próximo dos temas sombrios que ameaçam a felicidade humana nas páginas das partituras das três últimas sinfonias de Tchaikovsky.

Tanto no quinto como no segundo movimentos da Sexta Sinfonia de Shostakovich, esta força formidável faz-se sentir. Mas somente na Sétima Sinfonia de Leningrado ela atinge seu auge. De repente, uma força cruel e terrível invade o mundo dos pensamentos filosóficos, dos sonhos puros, do vigor atlético e das paisagens poéticas de estilo levitano. Ela veio para varrer este mundo puro e estabelecer a escuridão, o sangue, a morte. Insinuantemente, de longe, vem o farfalhar quase inaudível de um pequeno tambor, e em seu ritmo claro emerge um tema duro e angular. Repetindo-se onze vezes com mecanicidade monótona e ganhando força, adquire sons roucos, rosnados e um tanto desgrenhados. E agora, em toda a sua terrível nudez, o homem-fera pisa na terra.

Em contraste com o “tema da invasão”, o “tema da coragem” emerge e ganha força na música. O monólogo do fagote está extremamente saturado com a amargura da perda, fazendo lembrar os versos de Nekrasov: “Estas são as lágrimas das pobres mães, elas não esquecerão seus filhos que morreram no campo sangrento”. Mas por mais tristes que sejam as perdas, a vida se afirma a cada minuto. Essa ideia permeia o Scherzo – Parte II. E a partir daqui, através da reflexão (Parte III), leva a um final que soa triunfante.

O compositor escreveu sua lendária Sinfonia de Leningrado em uma casa constantemente abalada por explosões. Em um de seus discursos, Shostakovich disse: “Olhei para minha amada cidade com dor e orgulho. E ele ficou, chamuscado pelo fogo, endurecido pela batalha, tendo experimentado o profundo sofrimento de um lutador, e era ainda mais bonito em sua severa grandeza. Como não amar esta cidade, construída por Pedro, e não contar ao mundo inteiro sobre a sua glória, sobre a coragem dos seus defensores... A minha arma foi a música.”

Odiando apaixonadamente o mal e a violência, o compositor cidadão denuncia o inimigo, aquele que semeia guerras que mergulham as nações no abismo do desastre. É por isso que o tema da guerra prende por muito tempo o pensamento do compositor. Soa na Oitava, grandiosa na escala, na profundidade dos conflitos trágicos, composta em 1943, nas Décima e Décima Terceira sinfonias, no trio de piano, escrita em memória de I. I. Sollertinsky. Este tema penetra também no Oitavo Quarteto, na música dos filmes “A Queda de Berlim”, “Encontro no Elba”, “Jovem Guarda”. Num artigo dedicado ao primeiro aniversário do Dia da Vitória, Shostakovich escreveu: “ A vitória obriga nada menos do que a guerra travada em nome da vitória. A derrota do fascismo é apenas uma etapa no movimento ofensivo imparável do homem, na implementação da missão progressista do povo soviético.”

A Nona Sinfonia, a primeira obra de Shostakovich no pós-guerra. Foi apresentada pela primeira vez no outono de 1945, até certo ponto, esta sinfonia não correspondeu às expectativas; Não há nele nenhuma solenidade monumental que possa incorporar na música as imagens do fim vitorioso da guerra. Mas há algo mais nisso: alegria imediata, piadas, risos, como se um peso enorme tivesse caído dos ombros, e pela primeira vez em tantos anos fosse possível acender a luz sem cortinas, sem escurecer, e todas as janelas das casas se iluminaram de alegria. E só na penúltima parte aparece uma dura lembrança do vivido. Mas a escuridão reina por um curto período de tempo - a música retorna ao mundo da luz e da diversão.

Oito anos separam a Décima Sinfonia da Nona. Nunca houve tal ruptura na crônica sinfônica de Shostakovich. E mais uma vez temos diante de nós uma obra cheia de colisões trágicas, problemas ideológicos profundos, cativante com suas narrativas patéticas sobre uma era de grandes convulsões, uma era de grandes esperanças para a humanidade.

A Décima Primeira e a Décima Segunda ocupam um lugar especial na lista das sinfonias de Shostakovich.

Antes de passar à Décima Primeira Sinfonia, escrita em 1957, é necessário relembrar Dez Poemas para coro misto (1951) baseados nas palavras do revolucionário poetas do século XIX- início do século XX. Os poemas de poetas revolucionários: L. Radin, A. Gmyrev, A. Kots, V. Tan-Bogoraz inspiraram Shostakovich a criar música, cada compasso foi composto por ele, e ao mesmo tempo semelhante às canções do revolucionário no subsolo, reuniões de estudantes, que se ouviam nas masmorras de Butyrok, e em Shushenskoye, e em Lynjumo, em Capri, ao som de canções que também eram tradição familiar na casa dos pais do compositor. Seu avô, Boleslav Boleslavovich Shostakovich, foi exilado por participar do levante polonês de 1863. Seu filho, Dmitry Boleslavovich, pai do compositor, anos de estudante e depois de se formar na Universidade de São Petersburgo, ele esteve intimamente associado à família Lukashevich, um de cujos membros, junto com Alexander Ilyich Ulyanov, estava preparando uma tentativa de assassinato contra Alexandre III. Lukashevich passou 18 anos na fortaleza de Shlisselburg.

Uma das impressões mais poderosas de toda a vida de Shostakovich data de 3 de abril de 1917, dia da chegada de V.I. Lenin a Petrogrado. É assim que o compositor fala sobre isso. “Presenciei os acontecimentos da Revolução de Outubro, estive entre aqueles que ouviram Vladimir Ilyich na praça em frente à estação Finlyandsky no dia da sua chegada a Petrogrado. E, embora eu fosse muito jovem, isso ficou gravado para sempre na minha memória.”

O tema da revolução entrou na carne e no sangue do compositor ainda na infância e nele amadureceu junto com o crescimento da consciência, tornando-se um de seus alicerces. Este tema cristalizou-se na Décima Primeira Sinfonia (1957), denominada “1905”. Cada parte tem seu próprio nome. A partir deles você pode imaginar claramente a ideia e dramaturgia da obra: “Praça do Palácio”, “9 de janeiro”, “Memória Eterna”, “Alarme”. A sinfonia é permeada pelas entonações de canções do underground revolucionário: “Ouça”, “Prisioneiro”, “Você foi vítima”, “Rage, tyrants”, “Mulher de Varsóvia”. Eles conferem à rica narrativa musical uma emoção especial e a autenticidade de um documento histórico.

Dedicada à memória de Vladimir Ilyich Lenin, a Décima Segunda Sinfonia (1961) – uma obra de poder épico – continua a história instrumental da revolução. Tal como no Décimo Primeiro, os nomes dos programas das partes dão uma ideia completamente clara do seu conteúdo: “Petrogrado Revolucionária”, “Razliv”, “Aurora”, “Amanhecer da Humanidade”.

A Décima Terceira Sinfonia de Shostakovich (1962) tem um gênero próximo ao oratório. Foi escrito para uma composição incomum: Orquestra Sinfónica, coro baixo e solista baixo. A base textual dos cinco movimentos da sinfonia são os versos de Evg. Yevtushenko: “Babi Yar”, “Humor”, “Na Loja”, “Medos” e “Carreira”. A ideia da sinfonia, o seu pathos é a denúncia do mal em nome da luta pela verdade, pelo homem. E esta sinfonia revela o humanismo ativo e ofensivo inerente a Shostakovich.

Após uma pausa de sete anos, em 1969, foi criada a Décima Quarta Sinfonia, escrita para orquestra de câmara: cordas, um pequeno número de percussão e duas vozes - soprano e baixo. A sinfonia contém poemas de Garcia Lorca, Guillaume Apollinaire, M. Rilke e Wilhelm Kuchelbecker. Dedicada a Benjamin Britten, a sinfonia foi escrita, segundo seu autor, sob a influência de “Canções e Danças da Morte” de M. P. Mussorgsky. No magnífico artigo “From the Depths of the Depths”, dedicado à Décima Quarta Sinfonia, Marietta Shaginyan escreveu: “... a Décima Quarta Sinfonia de Shostakovich, o culminar de sua obra. A Décima Quarta Sinfonia - gostaria de chamá-la de as primeiras “Paixões Humanas” da nova era - fala de forma convincente de quanto nosso tempo precisa tanto de uma interpretação aprofundada das contradições morais quanto de uma compreensão trágica das provações espirituais (“paixões”) por onde passa a humanidade.”

A décima quinta sinfonia de D. Shostakovich foi composta no verão de 1971. Após uma longa pausa, o compositor retorna a uma partitura puramente instrumental para a sinfonia. A coloração clara do “scherzo de brinquedo” do primeiro movimento está associada a imagens da infância. O tema da abertura “Guilherme Tell” de Rossini “se encaixa” organicamente na música. A música triste do início da Parte II no som sombrio de uma banda de música dá origem a pensamentos de perda, da primeira dor terrível. A música da Parte II é repleta de fantasia sinistra, de certa forma uma reminiscência do mundo dos contos de fadas de O Quebra-Nozes. No início da Parte IV, Shostakovich recorre novamente à citação. Desta vez é o tema do destino da Valquíria, que predetermina o trágico clímax do desenvolvimento posterior.

Quinze sinfonias de Shostakovich são quinze capítulos da crônica épica do nosso tempo. Shostakovich juntou-se às fileiras daqueles que estão transformando o mundo ativa e diretamente. Sua arma é a música que se tornou filosofia, a filosofia que se tornou música.

As aspirações criativas de Shostakovich cobrem tudo gêneros existentes música - desde a canção de massa de “O Balcão” ao monumental oratório “Canção das Florestas”, óperas, sinfonias, concertos instrumentais. Uma parte significativa da sua obra é dedicada à música de câmara, uma de cujas obras, “24 Prelúdios e Fugas” para piano, ocupa um lugar especial. Depois de Johann Sebastian Bach, poucos ousaram tocar num ciclo polifónico deste tipo e escala. E não se trata da presença ou ausência de tecnologia adequada, de um tipo especial de habilidade. Os “24 Prelúdios e Fugas” de Shostakovich não são apenas um corpo de sabedoria polifónica do século XX, são o indicador mais claro da força e da tensão do pensamento, penetrando nas profundezas dos fenómenos mais complexos. Este tipo de pensamento é semelhante ao poder intelectual de Kurchatov, Landau, Fermi e, portanto, os prelúdios e fugas de Shostakovich surpreendem não só pelo alto academicismo de revelar os segredos da polifonia de Bach, mas sobretudo pelo pensamento filosófico que verdadeiramente penetra no “profundezas das profundezas” de seu contemporâneo, as forças motrizes, as contradições e o pathos da era das grandes transformações.

Perto de sinfonias ótimo lugar A biografia criativa de Shostakovich inclui seus quinze quartetos. Neste conjunto, modesto em número de intérpretes, o compositor recorre a um círculo temático próximo daquele de que fala nas suas sinfonias. Não é por acaso que alguns quartetos surgem quase em simultâneo com as sinfonias, sendo os seus “companheiros” originais.

Nas sinfonias, o compositor dirige-se a milhões, continuando neste sentido a linha do sinfonismo de Beethoven, enquanto os quartetos se dirigem a um círculo de câmara mais restrito. Com ele compartilha o que excita, agrada, deprime, o que sonha.

Nenhum dos quartetos possui um título especial que ajude a compreender seu conteúdo. Nada além de um número de série. E, no entanto, o seu significado é claro para todos os que amam e sabem ouvir música de câmara. O primeiro quarteto tem a mesma idade da Quinta Sinfonia. Em sua estrutura alegre, próxima do neoclassicismo, com uma sarabande pensativa do primeiro movimento, um final cintilante de Haydn, uma valsa esvoaçante e um coro de viola russa comovente, prolongado e claro, pode-se sentir a cura dos pensamentos pesados ​​​​que dominaram o herói da Quinta Sinfonia.

Lembramos a importância do lirismo nos poemas, nas canções, nas cartas durante os anos de guerra, como se multiplicou força mental o calor lírico de algumas frases comoventes. A valsa e o romance do Segundo Quarteto, escritos em 1944, estão imbuídos disso.

Quão diferentes são as imagens do Terceiro Quarteto. Contém o descuido da juventude e as visões dolorosas das “forças do mal”, e o campo de tensão da resistência, e letras adjacentes à reflexão filosófica. Quinto Quarteto (1952), precedendo a Décima Sinfonia, e em outra em maior medida O oitavo quarteto (1960) está repleto de visões trágicas - memórias dos anos de guerra. Na música desses quartetos, como na Sétima e Décima sinfonias, as forças da luz e as forças das trevas opõem-se fortemente. Sobre folha de rosto O oitavo quarteto diz: “Em memória das vítimas do fascismo e da guerra”. Este quarteto foi escrito durante três dias em Dresden, onde Shostakovich foi trabalhar na música do filme Five Days, Five Nights.

Junto com os quartetos, que refletem “ Mundo grande“Com seus conflitos, acontecimentos, colisões de vida, Shostakovich tem quartetos que parecem páginas de um diário. No Primeiro eles são alegres; na Quarta falam sobre auto-absorção, contemplação, paz; na Sexta - revelam-se imagens de unidade com a natureza e profunda tranquilidade; na Sétima e Décima Primeira - dedicada à memória dos entes queridos, a música atinge expressividade quase verbal, principalmente nos clímax trágicos.

No Décimo Quarto Quarteto o traços de caráter Melos russos. Na Parte I imagens musicais Eles cativam pela maneira romântica de expressar os mais diversos sentimentos: desde a admiração sincera pela beleza da natureza até explosões de turbulência mental, retornando à paz e tranquilidade da paisagem. O Adagio do Décimo Quarto Quarteto faz recordar o espírito russo do coro de viola do Primeiro Quarteto. Na III – parte final – a música é delineada por ritmos dançantes, soando mais ou menos nítidos. Avaliando o Décimo Quarto Quarteto de Shostakovich, D. B. Kabalevsky fala do “início de Beethoven” de sua alta perfeição.

O décimo quinto quarteto foi apresentado pela primeira vez no outono de 1974. Sua estrutura é incomum; consiste em seis partes, uma após a outra sem interrupção. Todos os movimentos são em ritmo lento: Elegia, Serenata, Intermezzo, Noturno, Marcha Fúnebre e Epílogo. O décimo quinto quarteto surpreende pela profundidade do pensamento filosófico, tão característico de Shostakovich em muitas obras do gênero.

A obra do quarteto de Shostakovich representa um dos ápices do desenvolvimento do gênero no período pós-Beethoven. Tal como nas sinfonias, um mundo de ideias elevadas, reflexões, generalizações filosóficas. Mas, ao contrário das sinfonias, os quartetos têm aquela entonação de confiança que desperta instantaneamente uma resposta emocional do público. Esta propriedade dos quartetos de Shostakovich os torna semelhantes aos quartetos de Tchaikovsky.

Ao lado dos quartetos, um dos lugares mais altos do género camerístico é justamente ocupado pelo Quinteto para Piano, escrito em 1940, uma obra que combina um profundo intelectualismo, especialmente evidente no Prelúdio e na Fuga, e uma emocionalidade subtil, que faz lembrar em algum lugar a obra de Levitan. paisagens.

Para a câmara Música vocal o compositor recorre cada vez mais anos pós-guerra. Seis romances aparecem baseados nas palavras de W. Raleigh, R. Burns, W. Shakespeare; ciclo vocal “Da Poesia Popular Judaica”; Dois romances com poemas de M. Lermontov, Quatro monólogos com poemas de A. Pushkin, canções e romances com poemas de M. Svetlov, E. Dolmatovsky, o ciclo “Canções Espanholas”, Cinco sátiras às palavras de Sasha Cherny, Cinco humorísticos às palavras da revista “Crocodile” ", Suíte baseada em poemas de M. Tsvetaeva.

Tal abundância de música vocal baseada em textos de clássicos da poesia e poetas soviéticos atesta a ampla gama de interesses literários do compositor. Na música vocal de Shostakovich, ficamos impressionados não apenas com a sutileza do senso de estilo e caligrafia do poeta, mas também com a capacidade de recriar as características nacionais da música. Isto é especialmente evidente nas “Canções Espanholas”, no ciclo “Da Poesia Popular Judaica”, nos romances baseados em poemas de poetas ingleses. As tradições das letras de romance russas, vindas de Tchaikovsky, Taneyev, são ouvidas nos Cinco Romances, “Cinco Dias” baseados nos poemas de E. Dolmatovsky: “O Dia do Encontro”, “O Dia das Confissões”, “O Dia dos Ressentimentos”, “O Dia da Alegria”, “O Dia das Memórias” .

Um lugar especial é ocupado por “Sátiras” baseadas nas palavras de Sasha Cherny e “Humoresques” de “Crocodile”. Refletem o amor de Shostakovich por Mussorgsky. Originou-se em primeiros anos e apareceu primeiro em seu ciclo “Fábulas de Krylov”, depois na ópera “O Nariz”, depois em “Katerina Izmailova” (especialmente no Ato IV da ópera). Três vezes Shostakovich recorre diretamente a Mussorgsky, reorquestrando e editando “Boris Godunov” e “Khovanshchina” e orquestrando “Songs and Dances of Death” pela primeira vez. E mais uma vez a admiração por Mussorgsky se reflete no poema para solista, coro e orquestra - “A Execução de Stepan Razin” aos versos de Evg. Yevtushenko.

Quão forte e profundo deve ser o apego a Mussorgsky, se, possuindo uma individualidade tão brilhante, que pode ser inequivocamente reconhecida por duas ou três frases, Shostakovich tão humildemente, com tanto amor - não imita, não, mas adota e interpreta o estilo de escrever à sua maneira um grande músico realista.

Era uma vez, admirando o gênio de Chopin, que acabava de surgir no horizonte musical europeu, Robert Schumann escreveu: “Se Mozart estivesse vivo, ele teria escrito um concerto de Chopin”. Parafraseando Schumann, podemos dizer: se Mussorgsky tivesse vivido, teria escrito “A Execução de Stepan Razin” de Shostakovich. Dmitri Shostakovich - excelente mestre música teatral. Perto dele gêneros diferentes: ópera, balé, comédia musical, espetáculos de variedades (Music Hall), teatro dramático. Eles também incluem música para filmes. Citemos apenas algumas obras desses gêneros de mais de trinta filmes: “As Montanhas Douradas”, “O Contador”, “A Trilogia Maxim”, “A Jovem Guarda”, “Encontro no Elba”, “A Queda de Berlim ”, “The Gadfly”, “Cinco” dias - cinco noites", "Hamlet", "Rei Lear". Da música para performances dramáticas: “The Bedbug” de V. Mayakovsky, “The Shot” de A. Bezymensky, “Hamlet” e “King Lear” de V. Shakespeare, “Salute, Spain” de A. Afinogenov, “The Human Comedy” de O. Balzac.

Não importa quão diferentes sejam em gênero e escala o trabalho de Shostakovich no cinema e no teatro, eles estão unidos por uma característica comum - a música cria sua própria, por assim dizer, “série sinfônica” de incorporação de ideias e personagens, influenciando a atmosfera do filme ou performance.

O destino dos balés foi infeliz. Aqui a culpa recai inteiramente sobre o roteiro inferior. Mas a música, dotada de imagens vívidas e de humor, soando brilhantemente na orquestra, foi preservada em forma de suítes e ocupa lugar de destaque no repertório concertos sinfônicos. Com grande sucesso em muitos palcos da música soviética os teatros estão ligados balé “A Jovem e o Hooligan” com música de D. Shostakovich baseado no libreto de A. Belinsky, que baseou o roteiro do filme de V. Mayakovsky.

Dmitri Shostakovich deu uma grande contribuição ao gênero do concerto instrumental. O primeiro a ser escrito foi um concerto para piano em dó menor com trompete solo (1933). Com sua juventude, travessura e angularidade jovem e encantadora, o concerto lembra a Primeira Sinfonia. Quatorze anos depois, surge um concerto para violino, de pensamento profundo, escopo magnífico e brilho virtuoso; seguiu-se, em 1957, o Segundo Concerto para Piano, dedicado ao seu filho, Maxim, destinado à performance infantil. A lista de literatura de concerto da pena de Shostakovich é completada pelos concertos para violoncelo (1959, 1967) e pelo Segundo Concerto para Violino (1967). Esses concertos são, menos ainda, projetados para “intoxicar-se com brilho técnico”. Em termos de profundidade de pensamento e drama intenso, eles estão próximos das sinfonias.

A lista de obras apresentada neste ensaio inclui apenas as obras mais típicas dos principais gêneros. Dezenas de títulos em diferentes seções de criatividade permaneceram fora da lista.

Seu caminho para a fama mundial é o caminho de um dos maiores músicos século XX, estabelecendo corajosamente novos marcos no mundo cultura musical. O seu caminho para a fama mundial, o caminho de uma daquelas pessoas para quem viver significa estar no meio dos acontecimentos de cada um do seu tempo, aprofundar-se no sentido do que se passa, assumir uma posição justa nas disputas, embates de opiniões, em luta e para responder com todas as forças dos seus gigantescos dons por tudo o que se expressa numa grande palavra – Vida.

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Dmitry Dmitrievich Shostakovich(12 de setembro, São Petersburgo - 9 de agosto, Moscou) - Compositor russo e soviético, pianista, figura musical e pública, doutor em história da arte, professor, professor. Em 1957-1974 - Secretário do Conselho do Sindicato dos Compositores da URSS, em 1960-1968 - Presidente do Conselho do Sindicato dos Compositores da RSFSR.

Em Yekaterinburg, Pyotr Shostakovich ascendeu ao posto de assessor colegiado; em 1858 a família mudou-se para Kazan. Aqui, ainda nos anos de ginásio, Boleslav Petrovich tornou-se próximo dos líderes da “Terra e Liberdade”. Depois de se formar no ginásio, no final de 1862, foi para Moscou, seguindo os “landers” de Kazan Yu. trabalhou na gestão da Ferrovia Nizhny Novgorod, participou ativamente na organização da fuga da prisão do revolucionário Yaroslav Dombrowski. Em 1865, Boleslav Shostakovich retornou a Kazan, mas já em 1866 foi preso, transportado para Moscou e levado a julgamento no caso de N. A. Ishutin - D. V. Karakozov. Depois de quatro meses na Fortaleza de Pedro e Paulo, foi condenado ao exílio na Sibéria; viveu em Tomsk, em 1872-1877 - em Narym, onde em 11 de outubro de 1875 nasceu seu filho, chamado Dmitry, então em Irkutsk, era gerente da filial local do Siberian Trade Bank. Em 1892, na época já cidadão honorário de Irkutsk, Boleslav Shostakovich recebeu o direito de viver em qualquer lugar, mas optou por ficar na Sibéria.

O túmulo da mãe de Shostakovich na Literatorskie Mostki em São Petersburgo.

Dmitry Boleslavovich Shostakovich (1875-1922) foi para São Petersburgo em meados dos anos 90 e ingressou no departamento de ciências naturais da Faculdade de Física e Matemática da Universidade de São Petersburgo, após o que, em 1900, foi contratado pela Câmara de Pesos e Medidas, pouco antes criados por D.I. Em 1902 foi nomeado verificador sênior da Câmara, e em 1906 - chefe da Tenda de Verificação da Cidade. A participação no movimento revolucionário da família Shostakovich já havia se tornado uma tradição no início do século 20, e Dmitry não foi exceção: segundo depoimentos da família, em 9 de janeiro de 1905, ele participou de uma procissão até o Palácio de Inverno, e proclamações posteriores foram impressas em seu apartamento.

O avô materno de Dmitry Dmitrievich Shostakovich, Vasily Kokoulin (1850-1911), nasceu, como Dmitry Boleslavovich, na Sibéria; Depois de se formar na escola municipal de Kirensk, no final da década de 1860 mudou-se para Bodaibo, onde muitos foram atraídos pela “corrida do ouro” daqueles anos, e em 1889 tornou-se gerente de um escritório de mina. A imprensa oficial notou que ele “encontrou tempo para se aprofundar nas necessidades dos empregados e trabalhadores e satisfazer as suas necessidades”: introduziu seguros e cuidados médicos para os trabalhadores, estabeleceu o comércio de produtos mais baratos para eles e construiu quartéis aquecidos. Sua esposa, Alexandra Petrovna Kokoulina, abriu uma escola para filhos de trabalhadores; Não há informações sobre sua formação, mas sabe-se que em Bodaibo organizou uma orquestra amadora, muito conhecida na Sibéria.

O amor pela música foi herdado de sua mãe pela filha mais nova dos Kokoulins, Sofya Vasilievna (1878-1955): ela estudou piano sob a orientação de sua mãe e no Instituto de Donzelas Nobres de Irkutsk, e depois de se formar, seguindo seu irmão mais velho Yakov, ela foi para a capital e foi aceita no Conservatório de São Petersburgo, onde estudou primeiro com S. A. Malozemova e depois com A. A. Rozanova. Yakov Kokoulin estudou no departamento de ciências naturais da Faculdade de Física e Matemática da Universidade de São Petersburgo, onde conheceu seu compatriota Dmitry Shostakovich; O amor pela música os uniu. Yakov apresentou Dmitry Boleslavovich a sua irmã Sophia como uma excelente cantora, e o casamento deles ocorreu em fevereiro de 1903. Em outubro do mesmo ano, o jovem casal teve uma filha, Maria, em setembro de 1906, um filho chamado Dmitry, e três anos depois, uma filha mais nova, Zoya.

Infância e juventude

Dmitry Dmitrievich Shostakovich nasceu na casa nº 2 da rua Podolskaya, onde D. I. Mendeleev alugou o primeiro andar para a Tenda de Calibração da Cidade em 1906.

Em 1915, Shostakovich ingressou no Ginásio Comercial Maria Shidlovskaya, e suas primeiras impressões musicais sérias datam dessa época: depois de assistir a uma apresentação da ópera “O Conto do Czar Saltan” de N. A. Rimsky-Korsakov, o jovem Shostakovich declarou seu desejo de estudar música seriamente. Suas primeiras aulas de piano foram dadas a ele por sua mãe e, após vários meses de aulas, Shostakovich pôde começar a estudar na escola particular de música do então famoso professor de piano I. A. Glyasser.

Enquanto estudava com Glasser, Shostakovich obteve algum sucesso na execução de piano, mas não compartilhou o interesse de seu aluno pela composição e, em 1918, Shostakovich deixou a escola. Próximo verão jovem músico ouviu A.K. Glazunov, que falou com aprovação sobre seu talento como compositor. No outono de 1919, Shostakovich ingressou no Conservatório de Petrogrado, onde estudou harmonia e orquestração sob a direção de M. O. Steinberg, contraponto e fuga com N. A. Sokolov, enquanto também estudava regência. No final de 1919, Shostakovich escreveu seu primeiro grande composição orquestral - Scherzo fis-moll.

No ano seguinte, Shostakovich ingressou na aula de piano de L. V. Nikolaev, onde entre seus colegas estavam Maria Yudina e Vladimir Sofronitsky. Nesse período, foi formado o “Círculo Anna Vogt”, que se concentrava nas últimas tendências da música ocidental da época. Shostakovich também se tornou um participante ativo neste círculo; conheceu os compositores B.V. Asafiev e V.V. Shcherbachev, o maestro N.A. Shostakovich escreveu "Duas Fábulas de Krylov" para mezzo-soprano e piano e "Três Danças Fantásticas" para piano.

No conservatório estudou com afinco e especial zelo, apesar das dificuldades da época: Primeira Guerra Mundial, revolução, guerra civil, devastação, fome. Não havia aquecimento no conservatório no inverno, o transporte era precário e muitos desistiram da música e faltaram às aulas. Shostakovich “roeu o granito da ciência”. Ele podia ser visto quase todas as noites nos concertos da Filarmônica de Petrogrado, que reabriu em 1921.

Uma vida difícil com uma existência meio faminta (as rações conservadoras eram muito pequenas) levava à exaustão severa. Em 1922, o pai de Shostakovich morreu, deixando a família sem sustento. Poucos meses depois, Shostakovich foi submetido a uma operação grave que quase lhe custou a vida. Apesar da saúde debilitada, ele procura trabalho e consegue um emprego como pianista-pianista em um cinema. Grande ajuda e apoio durante esses anos foram fornecidos por Glazunov, que conseguiu obter rações adicionais e um estipêndio pessoal para Shostakovich. .

década de 1920

Chostakovitch em 1925

Em 1923, Shostakovich formou-se no conservatório em piano (com L. V. Nikolaev), e em 1925 - em composição (com M. O. Steinberg). Seu trabalho de formatura foi a Primeira Sinfonia. Sua primeira apresentação ocorreu em 12 de maio de 1926 (Shostakovich mais tarde celebraria este dia como seu aniversário). Enquanto estudava no conservatório como estudante de pós-graduação, ele ensinou leitura de partituras na faculdade de música em homenagem a M. P. Mussorgsky. Seguindo uma tradição que remonta a Rubinstein, Rachmaninov e Prokofiev, Shostakovich pretendia seguir uma carreira tanto como pianista concertista como como compositor. Em 1927, no Primeiro Concurso Internacional de Piano Chopin em Varsóvia, onde Shostakovich também executou a sonata composição própria, ele recebeu um diploma honorário. O talento incomum do músico foi percebido ainda antes, durante sua turnê pela URSS, pelo famoso maestro alemão Bruno Walter; depois de ouvir a Primeira Sinfonia, Walter pediu a Shostakovich que lhe enviasse a partitura em Berlim; A estreia estrangeira da sinfonia ocorreu em 22 de novembro de 1927 em Berlim. Seguindo Bruno Walter, a Sinfonia foi executada na Alemanha por Otto Klemperer, nos EUA por Leopold Stokowski (estreia americana em 2 de novembro de 1928 na Filadélfia) e Arturo Toscanini, tornando assim o compositor russo famoso.

Em 1927, mais dois eventos significativos ocorreram na vida de Shostakovich. Visitei Leningrado em janeiro Compositor austríaco Nova Escola de Viena Alban Berg. A chegada de Berg deveu-se à estreia russa de sua ópera "Wozzeck", que foi um grande evento em vida cultural país, e também inspirou Shostakovich a começar a escrever uma ópera "Nariz", baseado na história de N.V. Gogol. Para outros evento importante foi o conhecimento de Shostakovich com I. I. Sollertinsky, que, durante seus muitos anos de amizade com o compositor, enriqueceu Shostakovich com o conhecimento da obra de grandes compositores do passado e do presente.

Ao mesmo tempo, no final da década de 1920 e início da década de 1930, as próximas duas sinfonias de Shostakovich foram escritas - ambas com a participação de um coro: A Segunda ( “Dedicação sinfônica a outubro”, às palavras de A. I. Bezymensky) e Terceiro ( "Pervomaiskaya", às palavras de S. I. Kirsanov).

Em 1928, Shostakovich conheceu V. E. Meyerhold em Leningrado e, a seu convite, trabalhou por algum tempo como pianista e chefe do departamento musical do Teatro V. E. Meyerhold em Moscou. Em 1930-1933 trabalhou como chefe do departamento musical do Leningrad TRAM (hoje Baltic House Theatre).

década de 1930

No mesmo 1936, deveria ocorrer a estreia da Quarta Sinfonia - uma obra de alcance muito mais monumental do que todas as sinfonias anteriores de Shostakovich, combinando o pathos trágico com os episódios grotescos, líricos e íntimos, e, talvez, devesse ter iniciou um período novo e maduro na obra do compositor. Shostakovich suspendeu os ensaios da Sinfonia antes da estreia em dezembro. A Quarta Sinfonia foi executada pela primeira vez apenas em 1961.

Em maio de 1937, Shostakovich completou a Quinta Sinfonia - uma obra cujo caráter dramático, ao contrário das três sinfonias de “vanguarda” anteriores, está externamente “escondido” na forma sinfônica geralmente aceita (4 movimentos: com uma forma sonata do primeiro movimento , um scherzo, um adágio e um final com um final aparentemente triunfante) e outros elementos “clássicos”. Stalin comentou a estreia da Quinta Sinfonia nas páginas do Pravda com a frase: “A resposta criativa e empresarial do artista soviético às críticas justas”.

Desde 1937, Shostakovich deu aulas de composição no Conservatório de Leningrado. Em 1939 tornou-se professor.

década de 1940

	A mensagem de Shostakovich sobre como escrever a Sétima Sinfonia
	Leningrado, transmissão de rádio 1941
Ajuda de reprodução

Imagens externas
	Membro do corpo de bombeiros voluntário do corpo docente do Conservatório D. D. Shostakovich durante o serviço (indefinido) (link indisponível). Recuperado em 26 de maio de 2013. Arquivado em 17 de agosto de 2013.

Para expressar suas idéias, pensamentos e sentimentos mais íntimos, Shostakovich usou os gêneros da música de câmara. Nesta área, criou obras-primas como o Quinteto de Piano (1940), o Segundo Trio de Piano (em memória de I. Sollertinsky, 1944; Prêmio Stalin, 1946), Quartetos de Cordas nº 2 (1944), nº 3 (1946). ) e nº 4 (1949). Em 1945, após o fim da guerra, Shostakovich escreveu a Nona Sinfonia.

Apesar das acusações, Shostakovich visitou os Estados Unidos em 1949 como parte da delegação da Conferência Mundial da Paz, que foi realizada em Nova York, e fez um extenso relatório nesta conferência, e em 1950 recebeu o Prêmio Stalin pela cantata “ Song of the Forests” (escrita em 1949) é um exemplo do patético “grande estilo” da arte oficial da época. [ ]

década de 1950

A década de cinquenta começou muito trabalho importante. Participando como membro do júri do Concurso Bach de Leipzig no outono de 1950, o compositor ficou tão inspirado pela atmosfera da cidade e pela música de seu grande residente - J. S. Bach - que ao chegar a Moscou começou a compor 24 Prelúdios e Fugas para piano.

Em 1952 escreveu um ciclo de peças “Dancing Dolls” para piano sem orquestra.

Muitas obras da segunda metade da década estão imbuídas de otimismo. São eles o Sexto Quarteto de Cordas (), o Segundo Concerto para Piano e Orquestra () e a opereta “Moscou, Cheryomushki”. No mesmo ano, o compositor cria a Décima Primeira Sinfonia, batizando-a de “1905”, e continua trabalhando no gênero concerto instrumental (Primeiro Concerto para Violoncelo e Orquestra). Naqueles mesmos anos, começou a reaproximação de Shostakovich com as autoridades oficiais. Em 1957 tornou-se secretário do Comitê de Investigação da URSS, em 1960 - do Comitê de Investigação da RSFSR (em 1960-1968 - primeiro secretário). Também em 1960, Shostakovich ingressou no PCUS.

década de 1960

Também em 1962, Shostakovich visitou (junto com G. N. Rozhdestvensky, M. L. Rostropovich, D. F. Oistrakh, G. P. Vishnevskaya e outros músicos soviéticos) o Festival de Edimburgo, cujo programa era composto principalmente por suas composições. As apresentações da música de Shostakovich na Grã-Bretanha causaram grande clamor público.

Após a remoção de N. S. Khrushchev do poder, com o início da era de estagnação política na URSS, a música de Shostakovich adquiriu novamente um tom sombrio. Seus quartetos nº 11 () e nº 12 (), concertos Segundo Violoncelo () e Segundo Violino (), Sonata para Violino (), ciclo vocal com palavras de A. A. Blok, estão imbuídos de ansiedade, dor e melancolia inescapável. Na Décima Quarta Sinfonia () - novamente “vocal”, mas desta vez de câmara, para dois cantores solo e uma orquestra composta apenas por cordas e percussão - Shostakovich utilizou poemas de G. Apollinaire, R. M. Rilke, V. K. Kuchelbecker e F. García Lorca, que estão ligados por um tema - a morte (falam de morte injusta, precoce ou violenta).

década de 1970

Durante estes anos, o compositor criou ciclos vocais baseados em poemas de M. I. Tsvetaeva e Michelangelo, 13º (1969-1970), 14º () e 15º () quartetos de cordas e Sinfonia nº 15, obra caracterizada por um clima pensativo, nostalgia , recordações. Nele, Shostakovich recorreu a citações de trabalho famoso passado (técnica de colagem). O compositor utilizou, entre outras coisas, a música da abertura de G. Rossini para a ópera "Guilherme Tell" e o tema do destino da tetralogia da ópera "O Anel do Nibelungo" de R. Wagner, bem como alusões musicais à música de M. I. Glinka, G. Mahler e, finalmente, sua própria música previamente escrita. A sinfonia foi criada no verão de 1971 e estreou em 8 de janeiro de 1972. A última composição de Shostakovich foi a Sonata para viola e piano.

Nos últimos anos de vida, o compositor esteve muito doente, sofrendo de câncer de pulmão. Ele tinha uma doença muito complexa associada a danos nos músculos das pernas - esclerose lateral amiotrófica. Em 1970-1971 ele veio três vezes à cidade de Kurgan e passou um total de 169 dias aqui para tratamento no laboratório (no Instituto de Pesquisa de Traumatologia e Ortopedia de Sverdlovsk) do Dr.

Dmitry Shostakovich morreu em Moscou em 9 de agosto de 1975 e foi enterrado no Cemitério Novodevichy (parcela nº 2).

Família

1ª esposa - Shostakovich Nina Vasilievna (nascida Varzar) (1909-1954). Ela era astrofísica de profissão e estudou com o famoso físico Abram Ioffe. Ela abandonou a carreira científica e se dedicou inteiramente à família.

Filha - Galina Dmitrievna Shostakovich.

2ª esposa - Margarita Kaynova, funcionária do Comitê Central do Komsomol. O casamento rapidamente desmoronou.

3ª esposa - Supinskaya (Shostakovich) Irina Antonovna (nascida em 30 de novembro de 1934 em Leningrado). A filha de um cientista reprimido. Editor da editora Compositor soviético" Ela foi esposa de Shostakovich de 1962 a 1975.

O significado da criatividade

Um alto nível de técnica composicional, a capacidade de criar melodias e temas brilhantes e expressivos, o domínio magistral da polifonia e o melhor domínio da arte da orquestração, combinados com emotividade pessoal e eficiência colossal, tornaram suas obras musicais brilhantes, originais e possuidoras de enorme valor artístico. A contribuição de Shostakovich para o desenvolvimento da música do século 20 é geralmente reconhecida como notável; ele teve uma influência significativa sobre muitos de seus contemporâneos e seguidores.

O género e a diversidade estética da música de Shostakovich são enormes; combina elementos da música tonal, atonal e modal, o tradicionalismo, o expressionismo e o “grande estilo” estão interligados na obra do compositor;

Estilo

Influências

Em seus primeiros anos, Shostakovich foi influenciado pela música de G. Mahler, A. Berg, I. F. Stravinsky, S. S. Prokofiev, P. Hindemith, M. P. Mussorgsky. Estudando constantemente as tradições clássicas e de vanguarda, Shostakovich desenvolveu sua própria linguagem musical, carregada de emoção e tocando os corações de músicos e amantes da música em todo o mundo.

Na obra de D. D. Shostakovich, é notável a influência de seus compositores favoritos e reverenciados: J. S. Bach (em suas fugas e passacaglia), L. Beethoven (em seus últimos quartetos), P. I. Tchaikovsky, G. Mahler e parcialmente S V. Rachmaninov (em suas sinfonias), A. Berg (em parte junto com M. P. Mussorgsky em suas óperas, bem como no uso de citações musicais). Dos compositores russos, Shostakovich tinha o maior amor por Mussorgsky; Shostakovich fez novas orquestrações para suas óperas “Boris Godunov” e “Khovanshchina”. A influência de Mussorgsky é especialmente perceptível em certas cenas da ópera" Lady Macbeth de Mtsensk", na Décima Primeira Sinfonia, bem como em obras satíricas.

Gêneros

Os gêneros mais notáveis ​​​​na obra de Shostakovich são sinfonias e quartetos de cordas - ele escreveu 15 obras em cada um deles. Embora as sinfonias tenham sido escritas ao longo da carreira do compositor, Shostakovich escreveu a maioria dos quartetos no final de sua vida. Entre as sinfonias mais populares estão a Quinta e a Décima, e entre os quartetos a Oitava e a Décima Quinta.

Especificidades da linguagem musical

A característica mais reconhecível da linguagem musical de Shostakovich é a harmonia. Embora sempre se baseasse numa tonalidade maior-menor, o compositor utilizou consistentemente, ao longo da sua vida, escalas especiais (modalismos), o que conferiu à tonalidade expandida na execução do autor uma característica específica. Pesquisadores russos (A.N. Dolzhansky, Yu.N. Kholopov e outros) descreveram essa característica de altura geralmente como “modos de Shostakovich”.

D. Shostakovich - clássico da música do século XX. Nenhum de seus grandes mestres esteve tão intimamente ligado aos difíceis destinos de seu país natal, não foi capaz de expressar com tanta força e paixão as gritantes contradições de seu tempo, ou avaliá-lo com um severo julgamento moral. É nesta cumplicidade do compositor com as dores e infortúnios do seu povo que reside o principal significado do seu contributo para a história da música no século das guerras mundiais e das grandiosas convulsões sociais, que a humanidade nunca tinha conhecido antes.

Shostakovich por natureza é um artista de talento universal. Não há um único gênero em que ele não tenha dito sua palavra de peso. Ele também teve contato próximo com aquele tipo de música que às vezes era tratado com arrogância por músicos sérios. Ele é o autor de uma série de músicas que foram escolhidas pelas massas populares, e até hoje suas brilhantes adaptações de música popular e jazz, que ele gostava especialmente durante a formação do estilo - nos anos 20-30. , são admirados. Mas a principal área de aplicação das forças criativas para ele era a sinfonia. Não porque outros gêneros de música séria lhe fossem completamente estranhos - ele era dotado do talento insuperável de um compositor verdadeiramente teatral, e o trabalho no cinema lhe proporcionava o principal meio de subsistência. Mas as críticas rudes e injustas feitas em 1936 num artigo editorial do jornal Pravda sob o título “Confusão em vez de música” desencorajaram-no durante muito tempo de se dedicar ao género operístico - as tentativas feitas (a ópera “Players” de N. Gogol) ficou inacabado e os planos não chegaram à fase de implementação.

Talvez seja precisamente aqui que os traços de personalidade de Shostakovich foram refletidos - por natureza ele não estava inclinado a formas abertas de expressão de protesto, ele cedeu facilmente a nulidades persistentes devido à sua inteligência especial, delicadeza e indefesa contra a tirania grosseira. Mas isso só aconteceu na vida - na sua arte foi fiel aos seus princípios criativos e afirmou-os no género onde se sentia completamente livre. Portanto, a sinfonia conceitual, onde ele poderia dizer abertamente a verdade sobre sua época, sem fazer concessões, tornou-se o centro da busca de Shostakovich. No entanto, não se recusou a participar em empreendimentos artísticos nascidos sob a pressão das estritas exigências à arte impostas pelo sistema de comando-administrativo, como o filme “A Queda de Berlim” de M. Chiaureli, onde o elogio desenfreado da grandeza e a sabedoria do “pai das nações” chegou ao limite. Mas a participação neste tipo de monumentos cinematográficos, ou em outras obras, às vezes até talentosas, que distorceram a verdade histórica e criaram um mito que agradou à liderança política, não protegeu o artista das represálias brutais cometidas em 1948. O principal ideólogo do regime stalinista , A. Zhdanov, repetiu os ataques grosseiros contidos em um antigo artigo do jornal Pravda e acusou o compositor, junto com outros mestres da música soviética da época, de aderir ao formalismo antinacional.

Posteriormente, durante o “degelo” de Khrushchev, tais acusações foram retiradas e as obras notáveis ​​do compositor, cuja execução pública tinha sido proibida, chegaram ao ouvinte. Mas o dramático destino pessoal do compositor, que sobreviveu a um período de perseguição injusta, deixou uma marca indelével na sua personalidade e determinou o rumo das suas buscas criativas, dirigidas a problemas morais existência humana na terra. Esta foi e continua a ser a principal coisa que distingue Shostakovich entre os criadores de música do século XX.

Sua trajetória de vida não foi agitada. Depois de se formar no Conservatório de Leningrado com uma estreia brilhante - a magnífica Primeira Sinfonia, ele começou a vida de compositor profissional, primeiro na cidade do Neva, depois durante a Grande Guerra Patriótica em Moscou. A sua actividade como professor no conservatório foi relativamente curta - não o abandonou por vontade própria. Mas até hoje seus alunos preservaram a memória do grande mestre, que desempenhou um papel decisivo na formação de sua individualidade criativa. Já na Primeira Sinfonia (1925), duas propriedades da música de Shostakovich são claramente perceptíveis. Um deles afetou a formação de um novo estilo instrumental com sua inerente facilidade, a facilidade de competição entre instrumentos de concerto. A outra se manifestou no desejo persistente de dar à música o significado mais elevado, de revelar através de meios gênero sinfônico conceito profundo de significado filosófico.

Muitas das obras do compositor que tiveram um início tão brilhante refletiram a atmosfera turbulenta da época, onde um novo estilo era foi forjada na luta de atitudes contraditórias. Assim, na Segunda e Terceira Sinfonias (“Outubro” - 1927, “Primeiro de Maio” - 1929) Shostakovich prestou homenagem ao cartaz musical, eles refletiam claramente a influência da arte marcial e de propaganda dos anos 20. (não é por acaso que o compositor incluiu fragmentos corais baseados em poemas dos jovens poetas A. Bezymensky e S. Kirsanov). Ao mesmo tempo, mostraram também uma teatralidade brilhante, tão cativante nas produções de E. Vakhtangov e Vs. Meyerhold. Foram suas performances que influenciaram o estilo da primeira ópera de Shostakovich, “The Nose” (1928), escrita com base na famosa história de Gogol. Daí vem não apenas a sátira e a paródia agudas, chegando ao ponto do grotesco na representação de personagens individuais e da multidão crédula que rapidamente entra em pânico e é rápida em ser julgada, mas também aquela entonação comovente de “riso em meio às lágrimas”, que ajuda-nos a reconhecer uma pessoa mesmo em tal vulgaridade e, obviamente, uma nulidade, como o Major Kovalev de Gogol.

O estilo de Shostakovich não só recebeu influências emanadas da experiência da cultura musical mundial (aqui os mais importantes para o compositor foram M. Mussorgsky, P. Tchaikovsky e G. Mahler), mas também absorveu os sons da vida musical da época - que cultura popular do gênero "light", que controlava a consciência das massas. A atitude do compositor em relação a isso é ambivalente - às vezes exagera, parodia as voltas características das canções e danças da moda, mas ao mesmo tempo as enobrece, elevando-as às alturas da verdadeira arte. Essa atitude foi refletida de maneira especialmente clara nos primeiros balés “A Idade de Ouro” (1930) e “Bolt” (1931), no Primeiro concerto de piano(1933), onde o trompete solo se torna um digno rival do piano junto com a orquestra, e mais tarde no scherzo e no final da Sexta Sinfonia (1939). Virtuosismo brilhante e excentricidades audaciosas combinam-se nesta obra com letras comoventes e a incrível naturalidade do desdobramento da melodia “sem fim” na primeira parte da sinfonia.

E, por último, não se pode deixar de mencionar o outro lado da atividade criativa do jovem compositor - trabalhou muito e com persistência no cinema, primeiro como ilustrador para demonstração de filmes mudos, depois como um dos criadores do cinema sonoro soviético. Sua canção do filme “Oncoming” (1932) ganhou popularidade nacional. Ao mesmo tempo, a influência da “jovem musa” também afetou o estilo, a linguagem, princípios composicionais seus concertos e obras filarmônicas.

O desejo de incorporar os conflitos mais agudos do mundo moderno com suas enormes convulsões e confrontos ferozes de forças opostas refletiu-se especialmente nas principais obras do mestre dos anos 30. Um passo importante Nesse caminho estava a ópera “Katerina Izmailova” (1932), escrita sobre o enredo da história “Lady Macbeth de Mtsensk” de N. Leskov. A imagem do personagem principal revela uma complexa luta interna na alma de uma natureza íntegra e ricamente dotada por natureza - sob o jugo de “ abominações de chumbo vida”, sob o poder de uma paixão cega e irracional, ela comete crimes graves, seguidos de retribuição cruel.

No entanto, o compositor alcançou seu maior sucesso na Quinta Sinfonia (1937) – a conquista mais significativa e fundamental no desenvolvimento da sinfonia soviética na década de 30. (uma virada para uma nova qualidade de estilo foi delineada na Quarta Sinfonia escrita anteriormente, mas não ouvida, - 1936). A força da Quinta Sinfonia reside no facto de as experiências do seu herói lírico se revelarem na mais estreita ligação com a vida das pessoas e, mais amplamente, de toda a humanidade, às vésperas do maior choque já vivido pelos povos do mundo - a Segunda Guerra Mundial. Isso determinou o drama enfatizado da música, sua expressão elevada inerente - o herói lírico não se torna um contemplador passivo nesta sinfonia, ele julga o que está acontecendo e o que está por vir com o mais alto tribunal moral. A indiferença ao destino do mundo foi refletida posição civil o artista, a orientação humanística de sua música. Também pode ser sentido em uma série de outras obras pertencentes aos gêneros da música de câmara. criatividade instrumental, entre os quais se destaca o Quinteto para piano (1940).

Durante a Grande Guerra Patriótica, Shostakovich tornou-se uma das primeiras fileiras de artistas que lutaram contra o fascismo. A sua Sétima Sinfonia (“Leningrado”) (1941) foi percebida em todo o mundo como a voz viva de um povo lutador que entrou numa batalha de vida ou morte em nome do direito de existir, em defesa dos mais elevados valores humanos. . Nesta obra, como na Oitava Sinfonia criada posteriormente (1943), o antagonismo dos dois campos opostos encontrou expressão direta e imediata. Nunca antes na arte da música as forças do mal foram delineadas tão claramente, nunca antes a mecanicidade monótona da ocupada “máquina de destruição” fascista foi exposta com tanta fúria e paixão. Mas a beleza espiritual e a riqueza do mundo interior de uma pessoa que sofre com os problemas de seu tempo são apresentadas com a mesma clareza nas sinfonias “militares” do compositor (como em várias de suas outras obras, por exemplo, no Piano Trio em memória de I. Sollertinsky - 1944).

Nos anos do pós-guerra, a atividade criativa de Shostakovich desenvolveu-se com renovado vigor. Como antes, a linha condutora de sua busca artística foi apresentada em telas sinfônicas monumentais. Depois da Nona (1945), um tanto mais leve, uma espécie de intermezzo, mas não sem claros ecos da guerra recém-terminada, o compositor criou a inspirada Décima Sinfonia (1953), que levantava o tema do trágico destino do artista, o alto nível de sua responsabilidade no mundo moderno. No entanto, o novo foi em grande parte o resultado dos esforços das gerações anteriores - razão pela qual o compositor ficou tão atraído pelos acontecimentos de um ponto de viragem na história russa. A revolução de 1905, marcada pelo Domingo Sangrento em 9 de janeiro, ganha vida no programa monumental da Décima Primeira Sinfonia (1957), e as conquistas do vitorioso 1917 inspiraram Shostakovich a criar a Décima Segunda Sinfonia (1961).

As reflexões sobre o significado da história, sobre o significado dos feitos de seus heróis, também foram refletidas no poema vocal-sinfônico de uma parte “A Execução de Stepan Razin” (1964), que se baseia em um fragmento do livro de E. Yevtushenko. poema “Central Hidrelétrica de Bratsk”. Mas os acontecimentos do nosso tempo, causados ​​​​por mudanças drásticas na vida das pessoas e na sua visão de mundo, anunciadas pelo XX Congresso do PCUS, não deixaram indiferente o grande mestre da música soviética - o seu fôlego vivo é palpável no Décimo Terceiro Sinfonia (1962), também escrita com palavras de E. Yevtushenko. Na Décima Quarta Sinfonia, o compositor recorreu a poemas de poetas de diferentes épocas e povos (F. G. Lorca, G. Apollinaire, V. Kuchelbecker, R. M. Rilke) - foi atraído pelo tema da transitoriedade da vida humana e da eternidade de criações de verdadeira arte, diante da qual até a morte onipotente. O mesmo tema serviu de base para a concepção de um ciclo vocal-sinfônico baseado em poemas do grande artista italiano Michelangelo Buonarroti (1974). E finalmente, na última, Décima Quinta Sinfonia (1971), as imagens da infância voltam à vida, recriadas diante dos olhos de um sábio criador que conheceu uma medida verdadeiramente imensurável do sofrimento humano.

Com todo o significado da sinfonia em criatividade pós-guerra Shostakovich, não esgota todas as coisas mais significativas que foram criadas pelo compositor nos últimos trinta anos de sua vida e trajetória criativa. Ele prestou especial atenção aos gêneros instrumentais de concerto e de câmara. Ele criou dois concertos para violino (e 1967), dois concertos para violoncelo (1959 e 1966) e um segundo concerto para piano (1957). As melhores obras deste género incorporam conceitos profundos de significado filosófico comparáveis ​​àqueles expressos com força impressionante nas suas sinfonias. A severidade do choque entre o espiritual e o não espiritual, os impulsos mais elevados do gênio humano e o ataque agressivo da vulgaridade, o primitivismo deliberado é palpável no Segundo Concerto para Violoncelo, onde uma melodia simples de “rua” é transformada irreconhecível, revelando seu essência desumana.

Contudo, tanto nos concertos como na música de câmara, revela-se a habilidade virtuosa de Shostakovich na criação de composições, abrindo espaço para a livre competição entre artistas musicais. Aqui o principal gênero que atraiu a atenção do mestre foi o tradicional quarteto de cordas (o compositor escreveu tantos quantos sinfonias - 15). Os quartetos de Shostakovich surpreendem pela variedade de soluções, desde ciclos multimovimento (Décimo Primeiro - 1966) até composições de movimento único (Décimo Terceiro - 1970). Em várias das suas obras de câmara (no Oitavo Quarteto - 1960, na Sonata para Viola e Piano - 1975), o compositor regressa à música das suas obras anteriores, conferindo-lhe uma nova sonoridade.

Entre as obras de outros gêneros podemos citar o monumental ciclo de Prelúdios e Fugas para piano (1951), inspirado nas celebrações de Bach em Leipzig, e o oratório “Canção das Florestas” (1949), onde pela primeira vez na música soviética foi levantado o tema da responsabilidade do homem na preservação da natureza ao seu redor. Você também pode citar Dez Poemas para Coro a Cappella (1951), o ciclo vocal “From Jewish Folk Poetry” (1948), ciclos baseados em poemas dos poetas Sasha Cherny (“Sátiras” - 1960), Marina Tsvetaeva (1973).

O trabalho no cinema também continuou nos anos do pós-guerra - a música de Shostakovich para os filmes “The Gadfly” (baseado no romance de E. Voynich - 1955), bem como para as adaptações cinematográficas das tragédias de W. Shakespeare “Hamlet” ( 1964) e “Rei Lear” (1971) tornaram-se amplamente conhecidos).

Shostakovich teve um impacto significativo no desenvolvimento da música soviética. Refletiu-se não tanto na influência direta do estilo do mestre e dos seus meios artísticos característicos, mas no desejo de um elevado conteúdo da música, na sua ligação com os problemas fundamentais da vida humana na terra. Humanista na sua essência, verdadeiramente artístico na forma, o trabalho de Shostakovich ganhou reconhecimento mundial e tornou-se uma expressão clara do novo que a música da Terra dos Sovietes deu ao mundo.