Ajuda sobre Tele2, tarifas, perguntas

Hora mais recente inclui o dia da era artística: vanguarda e realismo. originalidade dessas épocas reside no fato de que elas não se desenvolvem sequencialmente, mas historicamente em paralelo.

grupos de arte de vanguarda n uy ( pré-modernismo, modernismo, neomodernismo, pós-modernismo) desenvolver em paralelo com o grupo realista (realismo crítico do século XIX, realismo socialista, prosa de aldeia, neorrealismo, realismo mágico, realismo psicológico, realismo intelectual). Neste desenvolvimento paralelo de épocas parece aceleração geral do movimento da história.

Uma das principais disposições do conceito artístico de tendências de vanguarda: caos, desordem "A lei da vida moderna da sociedade humana. A arte se torna caosologia, estudando as leis da desordem mundial.

Todas as tendências vanguardistas restringem o consciente e aumentam o inconsciente começando tanto no processo criativo quanto no processo de recepção. Essas áreas prestam muita atenção à arte de massa e aos problemas da formação da consciência do indivíduo.

Características que unem os movimentos artísticos de vanguarda: um novo visual sobre a posição e destino do homem no universo, a rejeição de regras e normas previamente estabelecidas, tradições e

destreza, experimentação no campo da forma e do estilo, busca de novos meios e técnicas artísticas.

pré-modernismo - primeiro (inicial) período desenvolvimento artístico era da vanguarda; um conjunto de tendências artísticas da cultura da segunda metade do século XIX, abrindo todo um palco (o palco das ilusões perdidas) do desenvolvimento artístico mais recente.

O naturalismo é uma direção artística, cuja invariante da concepção artística era a afirmação de um homem carnal no mundo material-material; uma pessoa, mesmo tomada apenas como um indivíduo biológico altamente organizado, merece atenção em todas as manifestações; apesar de todas as suas imperfeições, o mundo é estável e todos os detalhes sobre ele são de interesse geral. No conceito artístico de naturalismo, desejos e possibilidades, ideais e realidade se equilibram, sente-se uma certa complacência da sociedade, sua satisfação com sua posição e falta de vontade de mudar qualquer coisa no mundo.

O naturalismo afirma que todos mundo visível- faz parte da natureza e pode ser explicada por suas leis, e não por causas sobrenaturais ou paranormais. O naturalismo nasceu da absolutização do realismo e sob a influência das teorias biológicas darwinianas, dos métodos científicos de estudo da sociedade e das ideias deterministas de Taine e outros positivistas.

Impressionismo - direção artística (segunda metade do século XIX - início do século XX), cuja invariante do conceito artístico era a afirmação de uma personalidade refinada, liricamente responsiva e impressionável, admiradora da beleza do mundo. O impressionismo abriu um novo tipo de percepção da realidade. Ao contrário do realismo, que é focado na transmissão do típico, o impressionismo é focado no especial, no individual e em sua visão subjetiva do artista.

O impressionismo é o domínio da cor, claro-escuro, a capacidade de transmitir a diversidade, a vida multicolorida, a alegria de ser, de capturar momentos fugazes de iluminação e o estado geral do mundo em mudança ao redor, de transmitir o ar livre - o jogo de luz e sombras em torno de uma pessoa e coisas, o ambiente de ar, iluminação natural, dando uma aparência estética ao objeto que está sendo retratado.

O impressionismo se manifestou na pintura (C. Monet, O. Renoir, E. Degas, A. Sisley, V. Van Gogh, P. Gauguin, A. Matisse, Utrillo, K. Korovin) e na música (C. Debussy e M Ravel, A. Scriabin) e na literatura (parcialmente G. Maupassant, K. Hamsun, G. Kellermann, Hofmannsthal, A. Schnitzler, O. Wilde, A. Simone).

Ecletismo- direção artística (que se manifestou principalmente na arquitetura), o que implica, ao criar obras, qualquer combinação de quaisquer formas do passado, qualquer tradições nacionais, franco decorativismo, intercambiabilidade e equivalência de elementos em uma obra, violação da hierarquia no sistema artístico e enfraquecimento da consistência e integridade.

O ecletismo é caracterizado por: 1) superabundância de decorações; 2) igual importância de vários elementos, todas as formas de estilo; 3) perda de distinção entre um edifício maciço e único em um conjunto urbano ou uma obra de literatura e outras obras do processo literário; 4) falta de unidade: a fachada se separa do corpo do edifício, o detalhe - do todo, o estilo da fachada - do estilo do interior, os estilos dos vários espaços do interior - uns dos outros ; 5) composição simétrico-axial opcional (afastamento da regra de um número ímpar de janelas na fachada), uniformidade da fachada; 6) o princípio do "non-finito" (incompletude da obra, abertura da composição); 7) fortalecimento

pensamento associativo do autor (artista, escritor la, arquiteto) e visualizador; 8) libertação da tradição antiga e confiança em culturas de diferentes épocas e povos diferentes; desejo pelo exótico; 9) multiestilo; 10) personalidade desregulada (ao contrário do classicismo), subjetivismo, livre manifestação de elementos pessoais; 11) democratismo: a tendência de criar um tipo de habitação urbana universal e não classista.

Funcionalmente, o ecletismo na literatura, arquitetura e outras artes visa servir ao "terceiro estado". O edifício-chave do barroco é uma igreja ou palácio, o edifício-chave do classicismo é edifício do governo, o edifício-chave do ecletismo é um prédio de apartamentos (“para todos”). O decorativismo eclético é um fator de mercado que surgiu para atrair uma ampla clientela para um prédio de apartamentos para aluguel. Casa lucrativa - um tipo de habitação em massa.

Modernismo- era artística, que une movimentos artísticos, cuja concepção artística reflete a aceleração da história e o fortalecimento de sua pressão sobre a pessoa (simbolismo, rayonismo, fauvismo, primitivismo, cubismo, acmeísmo, futurismo); o período da personificação mais completa da vanguarda. Durante o período do modernismo, o desenvolvimento e a mudança das tendências artísticas ocorreram rapidamente.

As tendências artísticas modernistas são construídas pela desconstrução da estrutura tipológica de uma obra clássica - alguns de seus elementos tornam-se objetos de experimentos artísticos. EM arte clássica esses elementos são equilibrados. O modernismo perturbou esse equilíbrio ao fortalecer alguns elementos e enfraquecer outros.

Simbolismo- a direção artística da era do modernismo, que afirma o conceito artístico: o sonho do poeta é cavalheirismo e uma bela dama. Sonhos de

cavalheirismo, adoração de uma bela dama preenchem a poesia simbolismo.

simbolismo surgiu na França. Seus mestres foram Baudelaire, Mallarmé, Verlaine e Rimbaud.

Acmeism é uma direção artística da literatura russa do início do século 20, que surgiu na "Idade de Prata", existia principalmente na poesia e afirmava: o poeta- um feiticeiro e orgulhoso governante do mundo, desvendando seus mistérios e superando seu caos.

Ao acmeísmo pertenciam: N. Gumilyov, O. Mandelstam, A. Akhmatova, S. Gorodetsky, M. Lozinsky, M. Zenkevich, V. Narbug, G. Ivanov, G. Adamovich e outros Futurismo- a direção artística da era do modernismo, afirmando uma personalidade agressivamente militante no caos urbano organizado do mundo.

Definindo artístico fator de futurismo - dinâmica. Os futuristas implementaram o princípio da experimentação ilimitada e alcançaram soluções inovadoras na literatura, pintura, música e teatro.

primitivismo- uma direção artística que simplifica o homem e o mundo, buscando ver o mundo pelos olhos das crianças, com alegria e simplicidade, fora do "adulto» dificuldades. Este desejo dá origem a fortes e lados fracos primitivismo.

O primitivismo é uma nostalgia atávica do passado, ansiando por um modo de vida pré-civilizado.

O primitivismo procura captar os principais contornos mundo complexo procurando nele cores e linhas alegres e compreensíveis. O primitivismo é uma contraposição à realidade: o mundo torna-se mais complexo e o artista simplifica-o. No entanto, o artista então simplifica o mundo para lidar com sua complexidade.

Cubismo - uma variedade geometrizada de primitivismo que simplifica a realidade, percebendo-a com olhos infantis ou "selvagens".

o antigo caráter de primitivização: a visão do mundo através das formas de figuras geometricamente regulares.

O cubismo na pintura e na escultura foi desenvolvido pelos artistas italianos D. Severini, U. Boccione, K. Kappa; Alemão - E.L. Kirchner, G. Richter; Americano - J. Pollock, I. Rey, M. Weber, mexicano Diego Rivera, argentino E. Pettoruti, etc.

No cubismo, as construções arquitetônicas são sentidas; as massas são mecanicamente acopladas umas às outras e cada massa mantém sua independência. O cubismo abriu uma direção fundamentalmente nova na arte figurativa. As obras condicionais do cubismo (Braque, Gris, Picasso, Léger) mantêm sua conexão com o modelo. Os retratos correspondem aos originais e são reconhecíveis (um crítico americano em um café parisiense reconheceu um homem que ele conhecia apenas por um retrato de Picasso, composto de figuras geométricas).

Os cubistas não retratam a realidade, mas criam uma “realidade diferente” e transmitem não a aparência de um objeto, mas seu design, arquitetura, estrutura, essência. Eles não reproduzem um "fato narrativo", mas incorporam visualmente seus conhecimentos sobre o assunto retratado.

abstracionismo- direção artística da arte do século XX, cujo conceito artístico afirma a necessidade do indivíduo de escapar da realidade banal e ilusória.

As obras de arte abstrata são separadas das formas da própria vida e incorporam as impressões subjetivas de cores e fantasias do artista.

Existem duas correntes no abstracionismo. primeira corrente lírico-emocional, abstracionismo psicológico - uma sinfonia de cores, harmonização de combinações de cores disformes. Essa tendência nasceu da diversidade impressionista de impressões sobre o mundo, incorporada nas telas de Henri Matisse.

O criador da primeira obra do abstracionismo psicológico foi V. Kandinsky, que pintou a pintura "Montanha".

A segunda corrente o abstracionismo geométrico (lógico, intelectual) ("neoplasticismo") é o cubismo não figurativo. P. Cézanne e os cubistas desempenharam um papel significativo no nascimento desta tendência, criando um novo tipo de espaço artístico ao combinar vários formas geométricas, planos coloridos, linhas retas e quebradas.

suprematismo(o autor do termo e o fenômeno artístico correspondente Kazimir Malevich) - para o abstracionismo, aguçando e aprofundando suas feições. Malevich abriu a tendência do “Suprematismo” em 1913 com a pintura “Quadrado Negro”. Mais tarde, Malevich formulou seus princípios estéticos: a arte é duradoura devido ao seu valor atemporal; pura sensibilidade plástica - "a dignidade das obras de arte". A estética e a poética do suprematismo afirmam fórmulas e composições pictóricas universais (suprematistas) - construções ideais de elementos geometricamente regulares.

O raionismo é uma das tendências quase abstracionistas que afirmavam a dificuldade e a alegria da existência humana e a incerteza do mundo, em que todos os objetos iluminados por diferentes fontes de luz acabam sendo dissecados pelos raios dessa luz e perdem sua clara figuratividade .

O luquismo se originou em 1908 - 1910 gg. na obra dos artistas russos Mikhail Larionov e sua esposa Natalia Goncharova.

Durante neomodernismo, todos os movimentos artísticos de vanguarda vêm de tal compreensão da realidade: uma pessoa não consegue suportar a pressão do mundo e se torna um neo-humano. Nesse período, o desenvolvimento

Existem movimentos artísticos de vanguarda que afirmam conceitos artísticos pessimistas e tristes do mundo e da personalidade. Entre eles Dadaísmo, construtivismo, surrealismo, existencialismo, neo-abstracionismo, etc.

O dadaísmo é um movimento artístico que afirma um conceito artístico; mundo- loucura sem sentido, revisando a razão e a fé.

Os princípios do Dadaísmo eram; romper com as tradições da cultura mundial, incluindo as tradições da língua; fuga da cultura e da realidade, a ideia do mundo como um caos de loucura, no qual é lançada uma pessoa indefesa; pessimismo, descrença, negação de valores, sentimento de perda geral e insignificância do ser, destruição de ideais e propósito de vida. O dadaísmo é uma expressão da crise dos valores clássicos da cultura, da busca de uma nova linguagem e de novos valores.

O surrealismo é um movimento artístico que se concentra em uma pessoa confusa em um mundo misterioso e incognoscível. O conceito de personalidade no surrealismo poderia ser resumido na fórmula do agnosticismo: “Eu sou um homem, mas os limites da minha personalidade e do mundo se confundiram. Não sei onde meu "eu" começa e onde termina, onde está o mundo e o que é?

O surrealismo como direção artística foi desenvolvido por: Paul Eluard, Robert Desnos, Max Ernst, Roger Vitran, Antonin Artaud, Rene Char, Salvador Dali, Raymond Quenot, Jacques Prevert.

O surrealismo surgiu do dadaísmo, originalmente como direção literária, que mais tarde encontrou a sua expressão na pintura, mas também no cinema, no teatro e, em parte, na música.

Para o surrealismo, o homem e o mundo, o espaço e o tempo são fluidos e relativos. Eles perdem seus limites. Proclama-se o relativismo estético: tudo flui, tudo é

parece estar misturado, borrado; Nada é certo. O surrealismo afirma a relatividade do mundo e dele valores. Não há fronteiras entre felicidade e infelicidade, indivíduo e sociedade. caos do mundo causa caos pensamento artístico - este é o princípio da estética do surrealismo.

O conceito artístico do surrealismo afirma o mistério e a incognoscibilidade do mundo, em que o tempo e a história desaparecem, e a pessoa vive no subconsciente e fica impotente diante das dificuldades.

expressionismo- uma direção artística que afirma: alienada, a pessoa vive em um mundo hostil. Como o herói da época, o expressionismo apresentou uma personalidade inquieta, dominada pelas emoções, [incapaz de trazer harmonia a um mundo dilacerado pelas paixões. -

O expressionismo como movimento artístico surgiu a partir de relações com várias áreas atividade científica: com a psicanálise de Freud, a fenomenologia de Husserl, a epistemologia neokantiana, a filosofia do Círculo de Viena e a psicologia da Gestalt.

O expressionismo se manifestou em tipos diferentes arte: M. Chagall, O. Kokotka, E. Munch - na pintura; A. Rimbaud, A. Yu. Strindberg, R. M. Rilke, E. Toller, F. Kafka - na literatura; I. Stravinsky, B. Bartok, A. Schoenberg - na música.

Expressionismo com base na cultura do século XX. revive o romantismo. expressionismo medo inerente do mundo e contradição entre dinamismo externo e a ideia da essência imutável do mundo (descrença na possibilidade de sua melhoria). De acordo com artístico conceitos do expressionismo, as forças essenciais da personalidade são alienadas em oposição homem e instituições públicas hostis: tudo é inútil. Ek expressionismo é uma expressão da dor de um artista humanista,

causado a ele pela imperfeição do mundo. Conceito expressionista de personalidade: Humano- um ser emocional, “natural”, alheio ao mundo urbano industrial e racional em que é forçado a viver.

Construtivismo- direção artística (década de 20 do século XX), cuja invariante conceitual é a ideia- a existência do homem ocorre em um ambiente de forças industriais alienadas dele; e o herói do tempo- racionalista da sociedade industrial.

Os princípios neopositivistas do cubismo, tendo nascido na pintura, estenderam-se de forma transformada à literatura e outras artes e consolidaram-se numa nova direção, convergindo com as ideias do tecnicismo - o construtivismo. Esta última considerava os produtos da indústria como independentes, alienados do indivíduo e contrários aos seus valores. O construtivismo surgiu no alvorecer da revolução científica e tecnológica e idealizou as ideias do tecnicismo; ele valorizava as máquinas e seus produtos acima do indivíduo. Mesmo nas obras mais talentosas e humanísticas do construtivismo, os fatores alienantes do progresso tecnológico são dados como certos. O construtivismo está cheio de pathos de progresso industrial, conveniência econômica; é tecnocrático.

A estética do construtivismo desenvolveu-se entre os extremos (às vezes caindo em um deles) - o utilitarismo, exigindo a destruição da estética, e o esteticismo. Nas artes visuais e na arquitetura, os princípios criativos do construtivismo são os mais próximos possíveis da engenharia e incluem: cálculo matemático, laconicismo dos meios artísticos, esquematismo da composição, logicização.

Na literatura, o construtivismo como direção artística se desenvolveu (1923 - 1930) na obra do grupo

LCC (Centro Literário Construtivista): I.L. Selvinsky, B. N. Agapov, V. M. Inber, H. A. Aduev, E.Kh. Bagritsky, B.I. Gabrielovich, K.L. Zelinsky (teórico do grupo) e outros. O construtivismo também influenciou o teatro (o trabalho de direção de Vsevolod Meyerhold, que desenvolveu os princípios da biomecânica, engenharia teatral e introduziu elementos de um espetáculo de circo na ação do palco. As ideias do construtivismo abrangeram vários tipos da arte, mas teve a maior influência na arquitetura Isso afetou especialmente o trabalho de Le Corbusier, I. Leonidov, VA Shchuko e VG Gelfreich.

Existencialismo- o conceito da existência humana, seu lugar e papel neste mundo, relacionamento com Deus. A essência do existencialismo- a primazia da existência sobre a essência (o próprio homem forma sua existência e, escolhendo o que fazer e o que não fazer, traz a essência à existência). O existencialismo afirma uma personalidade egoísta e auto-valorizada no mundo do absurdo. Para o existencialismo, o indivíduo está acima da história.

Em seu conceito artístico, o existencialismo (J.P. Sartre, A. Camus) afirma que os próprios fundamentos da existência humana são absurdos, até porque o homem é mortal; a história vai de mal a pior e de volta ao mal novamente. Não há movimento ascendente, há apenas esquilo roda história em que a vida da humanidade gira sem sentido.

A solidão fundamental, afirmada pelo conceito artístico do existencialismo, tem a consequência lógica oposta: a vida não é absurda onde a pessoa continua a si mesma na humanidade. Mas se uma pessoa é solitária, se ela é o único valor no mundo, então ela é socialmente desvalorizada, ela não tem futuro, e então a morte é absoluta. Ele risca uma pessoa e a vida se torna sem sentido.

Neo-abstracionismo(abstracionismo de segunda onda) - auto-expressão espontânea-impulsiva; uma rejeição fundamental da figuratividade, da representação da realidade, em nome da pura expressividade; fluxo de consciência capturado em cores.

O neo-abstracionismo foi criado por uma nova geração de abstracionistas: J. Paul Lak, De Kuhn e Yig, A. Manisirer e outros, que dominaram a técnica surreal e os princípios do "automatismo mental". Paul Lak enfatiza no ato criativo não a obra, mas o próprio processo de sua criação. Este processo torna-se um fim em si mesmo e aqui se formam as origens da “pintura-ação”.

Os princípios do neo-abstracionismo foram substanciados por M. Brion, G. Reid, Sh.-P. Brew, M. Raton. O teórico italiano D. Severini instou a esquecer a realidade, pois ela não afeta a expressão plástica. Outro teórico, M. Zefor, considera que o mérito da pintura abstrata é que ela não carrega nada do ambiente normal da vida humana. A fotografia tirou a figuratividade da pintura, deixando esta última apenas possibilidades expressivas revelar o mundo subjetivo do artista.

O elo fraco na teoria do abstracionismo e do neoabstracionismo é a ausência de critérios de valor claros para distinguir a criatividade da especulação, a seriedade da piada, o talento da mediocridade, a habilidade da malandragem.

Soluções artísticas de abstracionismo e neo-abstracionismo (harmonização de cor e forma, criação de "equilíbrio" de planos de tamanhos diferentes devido à intensidade de sua cor) são usadas na arquitetura, design, artes decorativas, teatro, cinema e televisão.

pós-modernismo como uma era artística carrega um paradigma artístico que afirma que uma pessoa não pode suportar a pressão do mundo e se torna um pós-humano. Todas as direções artísticas deste

período permeados por esse paradigma, manifestando-o e refratando-o por meio de suas concepções invariantes de mundo e personalidade: pop art, sonopucmuka, aleatoriedade, pontilhismo musical, hiper-realismo, happenings, etc.

Arte pop- nova arte figurativa. A pop art contrapôs a rejeição abstracionista da realidade com o mundo bruto das coisas materiais, às quais é atribuído um estatuto artístico e estético.

Os teóricos da arte pop argumentam que, em um determinado contexto, cada objeto perde seu significado original e se torna uma obra de arte. Portanto, a tarefa do artista é entendida não como a criação de um objeto artístico, mas como dar qualidades artísticas a um objeto comum, organizando um determinado contexto para sua percepção. A estetização do mundo material torna-se o princípio da pop art. Os artistas se empenham em alcançar cativação, visibilidade e inteligibilidade de suas criações, utilizando para isso a poética dos rótulos e da publicidade. Pop art é uma composição de objetos do cotidiano, às vezes combinados com um modelo ou escultura.

Carros amassados, fotografias desbotadas, pedaços de jornais e cartazes colados em caixas, um frango recheado sob uma jarra de vidro, pintado de branco Pintura a óleo um sapato rasgado, motores elétricos, pneus velhos ou fogões a gás - essas são as exposições de arte da pop art.

Entre os artistas da pop art podem ser identificados: E. Warhol, D, Chamberlain, J. Dine e outros.

A pop art como direção de arte tem várias variedades (tendências): op art (artística efeitos óticos organizados, combinações geometrizadas de linhas e pontos), env-apm(composições, organização artística do ambiente que envolve o espectador), e-mail(objetos se movendo com a ajuda de motores elétricos

e construções, essa tendência da pop art se destacou como uma direção artística independente - cinetismo).

A pop art apresentou o conceito de identidade do consumidor da sociedade de "consumo de massa". A personalidade ideal da pop art é um consumidor humano, para quem as naturezas-mortas estetizadas de composições de mercadorias deveriam substituir a cultura espiritual. Palavras substituídas por mercadorias, literatura substituída por coisas, beleza substituída por utilidade, ganância por material, consumo de mercadorias, substituindo necessidades espirituais, são características da pop art. Essa direção é fundamentalmente focada em uma personalidade de massa, não criativa, privada de pensamento independente e emprestando "seus" pensamentos da publicidade e da mídia. comunicação em massa, uma personalidade manipulada pela televisão e outras mídias. Essa personalidade é programada pela pop art para cumprir os papéis dados do adquirente e do consumidor, demolindo obedientemente o efeito alienante. civilização moderna. Personalidade Pop Art - Zumbi da Cultura de Massa.

Hiper-realismo ~ um movimento artístico cuja concepção artística é invariante: impessoal sistema vivo em um mundo cruel e rude.

Hiperrealismo - cria obras pitorescas sobrenaturais que transmitem os menores detalhes do objeto representado. As tramas do hiper-realismo são deliberadamente banais, as imagens são enfaticamente "objetivas". Esta direção faz com que os artistas retornem às formas e meios usuais da arte plástica, em particular à tela de pintura, rejeitada pela pop art. O hiper-realismo faz da natureza morta, feita pelo homem, uma "segunda" natureza do ambiente urbano, os principais temas de suas pinturas: postos de gasolina, carros, vitrines, prédios residenciais, cabines telefônicas, que são apresentados como alienados dos humanos.

O hiper-realismo mostra as consequências da urbanização excessiva, a destruição da ecologia do meio ambiente, prova que a metrópole cria um ambiente desumano. O tema principal do hiper-realismo é a vida mecanizada impessoal da cidade moderna.

A base teórica do hiper-realismo - ideias filosóficas Escola de Frankfurt, que afirma a necessidade de se afastar de formas ideologizadas de pensamento figurativo.

obras de arte fotorrealismo são baseados em uma fotografia altamente ampliada e são frequentemente identificados com hiper-realismo. Porém, tanto em termos da tecnologia de criação de uma imagem quanto, mais importante, em termos da invariante da concepção artística do mundo e da personalidade, essas são direções artísticas, embora próximas, mas diferentes. Os hiperrrealistas imitam fotos pintando sobre telas, os fotorrealistas imitam pinturas, processamento (tintas, meios de colagem) de fotografias.

O fotorrealismo afirma a prioridade do documentário e da concepção artística: uma pessoa comum e confiável em um mundo comum e confiável.

O objetivo do fotorrealismo é a imagem da vida cotidiana moderna. Ruas, transeuntes, vitrines, carros, semáforos, casas, utensílios domésticos são reproduzidos nas obras do fotorrealismo de forma autêntica, objetiva e super similar.

As principais características do fotorrealismo: 1) figuratividade, contrapondo-se às tradições do abstracionismo; 2) atração pela trama; 3) o desejo de evitar "clichês realistas" e documentários; 4) confiança nas realizações artísticas da tecnologia fotográfica.

Sonorística- direção na música: o jogo de timbres, expressando o "eu" do autor. Para seus representantes, não é o tom que importa, mas sim o timbre. Eles estão procurando por novos musical cores, sonoridade nada convencional: tocam na bengala, na

serra, pauzinhos nas cordas do piano, tapa no convés, no controle remoto, o som é produzido limpando o bocal com um lenço.

Na música sonora pura, a melodia, a harmonia e o ritmo não desempenham um papel especial, apenas o som do timbre é importante. A necessidade de fixá-lo deu vida a formas gráficas especiais de registro do timbre na forma de linhas finas, arrojadas, onduladas e em forma de cone. Às vezes, também é indicada a faixa em que o artista precisa tocar.

O fundador da música sonora foi o compositor polonês K. Penderecki, e sua iniciativa foi continuada por K. Serocki, S. Bussotti e outros.

pontilhismo musical- direção à vista * cuja característica é a ruptura do tecido musical, sua dispersão em registros, a complexidade do ritmo e das fórmulas de compasso, a abundância de pausas.

O pontilhismo musical se recusa a criar uma linguagem inteligível realidade artística(de uma realidade que poderia ser compreendida a partir da tradição musical e artística mundial e a partir de códigos semióticos musicais tradicionais). O pontilhismo orienta o indivíduo para a emigração para o mundo de sua alma e afirma a fragmentação do mundo circundante.

Aleatorica- direção artística da literatura e da música, com base na noção filosófica de que o acaso reina na vida, e afirmando o conceito artístico: o homem- jogador no mundo de situações aleatórias.

Representantes da aleatoriedade: K. Stockhausen, P. Boulez, S. Bussotti, J. Cage, A. Pusser, K. Serotsky e outros. O acaso se intromete nas obras literárias ou musicais mecanicamente: jogando fichas (dados), jogando xadrez, embaralhando páginas ou fragmentos variados, e também através

improvisação: o texto musical é escrito em “sinais-símbolos” e depois interpretado livremente.

acontecendo- este é um dos tipos de cultura artística moderna no Ocidente. A. Keprou foi o autor das primeiras produções do acontecimento "Pátio", "Criações". As performances happenings envolvem ações misteriosas, às vezes ilógicas, dos performers e são caracterizadas por uma abundância de adereços feitos de coisas que estavam em uso e até retiradas de um aterro sanitário. Os participantes do happening vestem trajes brilhantes e exageradamente ridículos, enfatizando a inanimabilidade dos performers, sua semelhança com caixas ou baldes. Algumas performances consistem, por exemplo, na liberação dolorosa de debaixo de uma lona. Ao mesmo tempo, o comportamento individual dos atores é improvisado. Às vezes, os atores se voltam para o público com um pedido de ajuda. Essa inclusão do espectador na ação corresponde ao espírito do happening.

A concepção de mundo e de personalidade que o acontecimento propõe pode ser assim formulada: o mundo- uma cadeia de eventos aleatórios, uma pessoa deve sentir subjetivamente total liberdade, mas na verdade obedecer a uma única ação, ser manipulada.

Happening usa light painting: a luz muda continuamente de cor e força, é direcionada diretamente ao ator ou brilha através de telas feitas de material diferente. Muitas vezes é acompanhado efeitos sonoros(vozes humanas, música, tilintar, crepitar, triturar). O som às vezes é muito forte, inesperado, projetado para um efeito de choque. A apresentação inclui transparências e fotogramas de filme. Laura também usa substâncias aromáticas. O performer recebe uma tarefa do diretor, mas a duração das ações dos participantes não é determinada. Todos podem sair do jogo quando quiserem.

O happening está organizado em diferentes lugares: em estacionamentos, em pátios cercados por arranha-céus, no subsolo. muralhas, sótãos. O espaço do happening, segundo os princípios desta ação, não deve limitar a imaginação do artista e do espectador.

O teórico do happening M. Kerby refere esse tipo de espetáculo ao campo do teatro, embora observe que o happening difere do teatro pela ausência da estrutura tradicional da performance: enredo, personagens e conflito. Outros pesquisadores associam a natureza do happening à pintura e à escultura, e não ao teatro.

Com suas origens, o happening remonta às buscas artísticas do início do século XX, às tentativas de alguns pintores e escultores de deslocar o foco de uma pintura ou escultura para o próprio processo de sua criação. origens na “pintura de ação”: no “esguicho de gotas” de J. Pollock, nos traços "cortantes" de De Kooning, nas performances pictóricas fantasiadas de J. Mathieu.

arte autodestrutiva- este é um dos estranhos fenômenos do pós-modernismo. Pinturas pintadas com tinta desbotando na frente do público. O livro "Nothing", publicado nos EUA em 1975 e reimpresso na Inglaterra. Tem 192 páginas, e nenhuma delas tem uma única linha. O autor afirma que expressou o pensamento: Não tenho nada para lhe dizer. Todos esses são exemplos de arte autodestrutiva. Também tem sua expressão na música: a execução de uma peça em um piano em ruínas ou em um violino decadente, e assim por diante.

conceitualismo- trata-se de uma tendência artística da arte ocidental, que em seu conceito artístico afirma uma pessoa desvinculada do sentido direto (imediato) da cultura e que está cercada por produtos estetizados da atividade intelectual.

As obras do conceitualismo são imprevisivelmente diferentes em sua textura e aparência: fotos, fotocópias de textos, telegramas, reproduções, gráficos, colunas de números, esquemas. O conceitualismo faz mau uso de um produto intelectual atividade humana: o destinatário não deve ler e interpretar o significado do texto, mas percebê-lo como um produto puramente estético, interessante em sua aparência.

Representantes do conceitualismo; Artistas americanos T. Atkinson, D. Bainbridge, M. Baldwin, X. Harrell, Joseph Kossuth, Lawrence Weiner, Robert Berry, Douglas Huebler e outros.

O realismo crítico do século XIX,- direção artística” que propõe o conceito: o mundo e o homem são imperfeitos; saída- não resistência ao mal pela violência e auto-aperfeiçoamento.

M O realismo socialista é uma direção de arte que afirma o conceito artístico: o indivíduo é socialmente ativo e está incluído na criação da história por meios violentos"

realismo camponês- uma direção artística que afirma que o camponês é o principal portador da moralidade e o suporte da vida nacional.

Realismo camponês (prosa de aldeia) - a direção literária da prosa russa (anos 60 - 80); o tema central é a aldeia moderna, o personagem principal é um camponês - o único verdadeiro representante do povo e portador de ideais.

neorrealismo- a direção artística do realismo do século XX, que se manifestou no cinema italiano do pós-guerra e em parte na literatura. Características: o neorrealismo mostrou grande interesse por um homem do povo, pela vida das pessoas comuns: grande atenção aos detalhes, observação e fixação dos elementos que entraram na vida após a Segunda Guerra Mundial. Produ-

Os ensinamentos do Neorrealismo afirmam as ideias de humanismo, a importância dos valores da vida simples, bondade e justiça nas relações humanas, a igualdade das pessoas e sua dignidade, independentemente de seu status de propriedade.

realismo mágico- a direção artística do realismo, que afirma o conceito: uma pessoa vive em uma realidade que combina modernidade e história, o sobrenatural e o natural, o paranormal e o ordinário.

Uma característica do realismo mágico é que os episódios fantásticos se desenvolvem de acordo com as leis da lógica cotidiana como uma realidade cotidiana.

realismo psicológico- movimento artístico do século XX, propondo o conceito: o indivíduo é responsável; o mundo espiritual deve ser preenchido por uma cultura que promova a fraternidade das pessoas e supere seu egocentrismo e solidão.

realismo intelectual- Essa é a direção artística do realismo, em cujas obras se desenrola um drama de ideias e os personagens nos rostos “encenam” os pensamentos do autor, expressam vários aspectos de sua concepção artística. O realismo intelectual pressupõe uma mentalidade conceitual e filosófica do artista. Se o realismo psicológico busca transmitir a plasticidade do movimento dos pensamentos, revela a dialética da alma humana, a interação do mundo e da consciência, então o realismo intelectual busca resolver problemas reais de forma artística e convincente, para analisar o estado do mundo.

Informações semelhantes.

Inicialmente, na estética e na filosofia da arte moderna, as tentativas de uma definição formal de beleza claramente dominaram suas definições significativas. Mas já depois de Kant, as limitações das definições formais e seu afastamento da prática real da arte tornaram-se bastante óbvias. Com o surgimento no século XIX. as definições formais de beleza da arte moderna começaram a parecer um anacronismo óbvio.

"O Renascimento", escreve G. Wölfflin, "muito cedo desenvolveu uma ideia clara de que o primeiro sinal de perfeição na arte é um sinal de necessidade. Perfeito deve dar a impressão de que não poderia ser de outra forma, que cada mudança em sua menor parte destruiria a beleza e o significado do todo. Essa lei (se é que pode ser chamada de lei), observa Wölfflin, foi adivinhada e expressa já em meados do século XV.

L. B. Alberti em seus "Dez Livros de Arquitetura" escreveu, em particular: "A beleza é uma estrita harmonia proporcional de todas as partes unidas por aquilo a que pertencem - de modo que nada pode ser adicionado, subtraído ou alterado sem piorar. É um coisa grande e divina..." Em outro lugar, Alberti escreve sobre "consonância e consonância das partes", e quando ele fala de uma bela fachada como "música" na qual nem um único tom pode ser mudado, ele não quer dizer nada, mas a necessidade, ou organicidade, da combinação de formas. "Podemos dizer que sim. A beleza é uma certa concordância e consonância das partes daquilo de que fazem parte - correspondendo ao estrito número, limitação e colocação que exige harmonia, aqueles. princípio absoluto e primário da natureza " .

A proporcionalidade, ou proporção, buscada pelos artistas renascentistas torna-se especialmente evidente quando se compara a arte desse período com a arte do estilo artístico que o seguiu - o barroco.

O Barroco, ao contrário do Renascimento, não se baseava em nenhuma teoria. O próprio estilo se desenvolveu sem padrões universalmente reconhecidos, e seus representantes não perceberam que estavam procurando caminhos fundamentalmente novos. Porém, com o tempo, artistas e teóricos da arte passaram a indicar novos traços formais distintivos da beleza, e a exigência de proporcionalidade, ou proporcionalidade, antes considerada fundamental, foi descartada. Podemos dizer que com a mudança no estilo artístico, houve também uma mudança nas ideias sobre beleza. Entre eles, novos sinais formais inalienáveis ​​\u200b\u200bde beleza já são obstinação, ou originalidade e incomum.

O barroco procura expressar não o ser perfeito, mas o devir, o movimento. Por causa disso, o conceito de proporcionalidade perde seu significado: a conexão entre as formas enfraquece, proporções "impuras" são usadas e dissonâncias são introduzidas na consonância das formas. As proporções tornam-se cada vez mais raras e é cada vez mais difícil para os olhos percebê-las. Freqüentemente, não há apenas uma complicação da percepção das relações harmônicas, mas uma dissonância deliberadamente criada.

Na arquitetura, por exemplo, são sugeridos nichos espremidos, janelas que não correspondem às dimensões das paredes, janelas grandes demais para a superfície da pintura a elas destinada, etc. A tarefa artística não é mais vista em acordo, mas em resolver dissonâncias. Em seu movimento ascendente, os elementos contraditórios se reconciliam, a harmonia das proporções puras nasce das dissonâncias.

A preferência, como no Renascimento, é dada à interpretação formal da beleza. A diferença em suas definições se deve principalmente ao fato de que, se a arte do Renascimento buscava a perfeição e a completude, ou seja, ao fato de que a natureza consegue produzir apenas em casos muito raros, o barroco tenta criar a impressão de informe, que deve ser refreado.

Toda a época dos tempos modernos é marcada por flutuações entre interpretações formais e significativas do belo.

Leibniz define a beleza como "unidade harmoniosamente ordenada na diversidade". Para Baumgarten, a beleza é "a perfeição do manifesto". O artista W. Hogarth tentou identificar algumas "leis da beleza" objetivas: proporções perfeitas e a "linha da beleza" absoluta, que ele via em uma sinusóide. A ideia de uma "linha de beleza" única foi posteriormente levada por F. Schiller.

A partir de Kant, as interpretações significativas do belo vêm à tona, levando em consideração, em particular, o público que faz seu julgamento sobre ele. "Maravilhoso então, diz Kant, “que todo mundo gosta sem a mediação de um conceito”, já que o principal no julgamento do gosto não é o conceito, mas o sentimento interior de “harmonia no jogo força mental", que tem um caráter universal. A beleza é uma forma conveniência objeto, porque é percebido nele sem nenhuma ideia do alvo. A beleza começa com a forma, mas não é reduzida à forma, mas é a forma tomada em unidade com o conteúdo. As tentativas de considerar a beleza apenas como uma forma não são suficientes. Na Crítica do juízo, Kant dá quatro explicações sobre o belo: gostamos dele sem interesse estranho; admiramos o belo sem pensar; beleza é conveniência sem definição de metas; bonito é uma obrigação para todos. O belo acaba sendo, portanto, uma característica não do objeto em si, mas de sua relação definida com o indivíduo que percebe o objeto. Compreendendo a insuficiência de suas definições, que descrevem apenas a aparência externa do belo, ou "pura beleza", Kant também introduz o conceito de "beleza acompanhante". A "beleza pura" na natureza são as flores. A beleza de uma pessoa é "acompanhante" e é definida como "símbolo do moralmente bom".

Introdução. Estética e mentalidade do século XX. Situação sócio-espiritual no início do século XX. As principais tendências artísticas, estéticas e filosóficas. O homem como objeto de análise sociofilosófica (concepções positivista, existencial, psicanalítica, teológica e outras). Filosofia e Literatura. Os principais conceitos do pensamento cultural e filosófico moderno: 3. Freud e o desenvolvimento das questões da teoria da psicanálise; a teoria do "inconsciente coletivo" de C. Jung; M. Heidegger e a formação do conceito existencialista de homem. Compreensão da autoconsciência de crise da cultura por O. Spengler (“O Declínio da Europa”). Mitologema do jogo nas obras de I. Huizinga. Guerra Mundial 1914 como um importante marco histórico e como um dos principais temas da literatura do início do século. Criatividade dos escritores da "geração perdida". A formação de uma nova estética do realismo como variante do pensamento tradicionalista no século XX. O modernismo como categoria cultural e tipo de cosmovisão criativa. Conceito artístico do modernismo. A descoberta do absurdo como qualidade da realidade. Novo conceito personalidade na estética do modernismo. Mitologismo do pensamento. A dialética da relação entre realismo e modernismo.

Um retrato dos estilos e tendências da arte da 2ª metade do século XX. extremamente variegado.

LITERATURA

Na segunda metade do século XX. a gama internacional de literatura está se expandindo rapidamente. Entrando no cenário mundial literaturas nacionais países libertados da Ásia, África e América Latina. Os tesouros de sua antiga cultura, que antes estavam no esquecimento, estão se tornando propriedade pública.

Na 2ª metade do século XX. contatos literários internacionais estão se tornando comuns.

Na literatura ocidental, percebe-se um clima de pessimismo, desgraça e medo do futuro.

Toda a literatura ocidental é dividida em 2 grandes camadas: literatura de "massa" e literatura "grande". Na grande literatura, ocorrem buscas criativas que afetam processo literário, transformar a literatura, desenvolvê-la.

Um fenômeno poderoso na literatura da 2ª metade do século XX. era a literatura do modernismo. Isso ficou especialmente evidente na dramaturgia (o teatro do absurdo ou antiteatro, peças de Ionesco e Beckett) e na poesia. Poetas isolados da realidade, oferecendo-se e um círculo estreito da realidade. Criado por eles.

Nos anos 50-70. em Literatura francesa a prática do "novo romance" ("anti-romance") era generalizada. Os escritores do "novo romance" proclamaram esgotada a técnica da prosa narrativa tradicional e tentaram desenvolver métodos de narração sem enredo e sem herói, ou seja, um romance sem enredo, sem intriga, sem história de vida dos personagens, etc. Os “neorromanistas” partiram do fato de que o próprio conceito de personalidade também está desatualizado, então faz sentido escrever apenas sobre objetos ou algum tipo de fenômenos de massa ou pensamentos sem um enredo específico e sem os personagens dos personagens (“materialismo” de A. Robbe-Grillet, “magma do subconsciente” de N. Sarrot). Em vários casos, representantes dessa tendência se desviaram de seus princípios e suas obras receberam conteúdo significativo.

Literatura da 2ª metade do século XX. Ela foi representada por obras de realismo crítico, neo-romantismo, novo realismo. Literatura fantástica, etc. Cada poder literário (França, Inglaterra, EUA, FRG) desenvolveu-se separadamente, levantando na literatura os problemas candentes característicos dela (nos EUA - o problema dos negros, na FRG - o problema dos neo- fascismo, na Inglaterra - ideias anticoloniais e etc.), mas havia pontos comuns associados aos fenômenos históricos gerais do movimento juvenil dos anos 60, que varreu todos os países, a ameaça de guerra nuclear associada à corrida armamentista, e a disseminação do pessimismo e da descrença no progresso.

O "Novo Realismo" é consumido pela premonição de uma ameaça, a morte de uma pessoa não sob as bombas, mas sob as coisas da padronização da alma, a perda de um começo pessoal.

O herói está insatisfeito consigo mesmo, mas é passivo.

O tema da solidão, o destino trágico de um jovem herói e a falta de espiritualidade da sociedade burguesa moderna se refletem nas obras de Heinrich Böll (“Através dos olhos de um palhaço”, 1963; Hans Schnier sozinho quer combater o clericalismo político da Alemanha Ocidental, tenta defender sua independência. Traído por seus pais e sua amada, ele fica sem trabalho. Ele não vai se curvar a parentes ricos, mas vai para a praça da estação para mendigar. Schnier expressa seu protesto contra pais respeitáveis ​​e uma sociedade próspera.), no romance do escritor americano Jerome Selinger "O Apanhador no Campo de Centeio" (1951). A atmosfera de mentiras e hipocrisia envolve o personagem principal, o adolescente americano Holden Kolfold, de 16 anos. Ele estava farto de tudo. Ele já mudou 4 escolas, onde há muitos alunos desonestos e ladrões, onde o diretor bajula os pais ricos e mal cumprimenta os pobres. Caulfield é um adolescente normal, ele ama seus pais, sua irmã Fibby, mas não quer viver da maneira que todos ao seu redor vivem. Mas como viver de forma diferente, ele não sabe. Mas ele realmente quer salvar as criancinhas do abismo, que brincam ao lado dela no centeio.

França

No início dos anos 1950, uma nova tendência emergiu na arte teatral francesa - a arte do absurdo, apresentada contra o pensamento burguês, o senso comum filisteu. Seus fundadores eram dramaturgos que viviam na França - o romeno Eugene Ionesco e o irlandês Samuel Beckett. Peças dramáticas do absurdo ("anti-peças") foram encenadas em muitos teatros dos países capitalistas.

A arte do absurdo é uma tendência modernista que busca criar um mundo absurdo como reflexo do mundo real, para isso, cópias naturalistas da vida real alinhadas aleatoriamente sem nenhuma conexão.

A base da dramaturgia era a destruição do material dramático. Não há concretude local e histórica nas peças. A ação de parte significativa das peças do teatro do absurdo ocorre em pequenas salas, quartos, apartamentos, completamente isolados do mundo exterior. A sequência temporal dos eventos é destruída. Assim, na peça de Ionesco "O Cantor Careca" (1949), 4 anos após a morte, o cadáver revela-se quente e eles o enterram seis meses após a morte. Dois atos da peça “Esperando Godot” (1952) são separados por uma noite, e “talvez 50 anos”. Os próprios personagens não sabem disso.

A concretude local e o caos temporário são complementados por uma violação da lógica dos diálogos. Aqui está uma anedota da peça “O Cantor Careca”: “Certa vez um certo touro perguntou a um certo cachorro por que ele não havia engolido sua tromba. "Sinto muito", respondeu o cachorro, "pensei que fosse um elefante." O título da peça, O Cantor Careca, também é absurdo: nesse "antidrama" o cantor careca não só não aparece como nem é mencionado.

Os absurdos tomaram emprestado dos surrealistas o absurdo e uma combinação do incompatível e transferiram essas técnicas para o palco.

Com precisão escrupulosa, S. Dali escreveu Vênus em uma de suas pinturas. Com não menos cuidado, ele retrata as caixas localizadas em seu torso. Cada um dos detalhes é semelhante e inteligível. A combinação do torso de Vênus com gavetas priva a imagem de qualquer lógica.

O protagonista de The Car Salon (1952), de Ionesco, prestes a comprar um carro, diz à vendedora: “Mademoiselle, você se importaria de me emprestar seu nariz para eu ver melhor? Vou devolvê-lo a você antes de partir." A vendedora responde com um "tom indiferente". "Aqui está, você pode ficar com ele." Parte das propostas está em uma combinação absurda.

A vida em anti-jogos continua e surge sob o signo da morte. Os heróis da peça "Chairs" (1952) de Ionesco tentam se enforcar duas vezes; o assassinato está no cerne da trama de sua peça Amedee or How to Get Rid of It (1954); 5 cadáveres aparecem na peça The Reward Killer (1957); o quadragésimo aluno é morto pelo herói da peça A Lição (1951).

Uma pessoa no teatro do absurdo é incapaz de ação. Essa ideia é especialmente expressa com franqueza no final da peça de Ionesco "The Killer Without Reward". O herói se depara com um assassino que tem muitas vítimas em sua consciência, incluindo mulheres e crianças. O herói aponta 2 pistolas para o criminoso. O criminoso está armado apenas com uma faca. O herói inicia uma discussão, larga as pistolas, ajoelha-se diante do assassino. E o criminoso enfia uma faca nele. Os heróis das obras de arte do absurdo não conseguem realizar uma única ação, são incapazes de realizar uma única ideia.

Ionesco considerava Bertolt Brecht com seu conceito teatral diametralmente oposto como seu oponente ideológico.

Bertolt Brecht desenvolveu o conceito original do teatro épico antes mesmo da guerra. Mas ele só conseguiu perceber isso depois da guerra. Em 1949 Na RDA, Bertolt Brecht fundou o Berliner Ensemble.

O teatro do absurdo foi substituído pelos "happenings" (hapenning. Do inglês. Happen - acontecer, acontecer), que continuaram sua linha. No palco, não havia lógica interna no que estava acontecendo, as ações dos personagens eram inesperadas e inexplicáveis. Os happenings surgiram e se tornaram mais difundidos nos Estados Unidos na década de 60.

Aqui está um exemplo de uma das apresentações do Happening: homens respeitáveis ​​sentam-se em uma grande mesa no palco e discutem questões sérias. O orador fala monotonamente. Uma jovem nua (famosa estrela de cinema) aparece nos bastidores. Ela atravessa o palco passando pelos homens sentados, desce para o auditório, abre caminho entre as fileiras e senta no colo de um dos espectadores.

Logo os acontecimentos foram além das instalações do teatro. A ação foi transferida para as ruas, para os pátios das casas. Happings foram chamados de anti-arte, não vestindo personagem criativo, que significa "arte popular".

Que tarefa os happenings resolveram? - despojar a arte de suas funções, lógica e significado específicos para aproximá-la da vida, e também para retirar o tabu sexual.

50, principalmente 70. foram turbulentos para o teatro americano não apenas por causa dos experimentos modernistas, mas em conexão com o surgimento de interessantes dramaturgos verdadeiros Tennis Williams (1911-1983): A Streetcar Named Desire! ”, 1953 e outros, levantando os problemas de desunião e crueldade.

teatro inglês após a Segunda Guerra Mundial está passando por um período de crise. Apenas "jovens zangados" (D. Osborne "Olhe para trás com raiva", 1956, S. Delaney "gosto de mel", 1956) o incitaram.

Nos mesmos anos, difundiu-se na Inglaterra um movimento teatral juvenil - o "fringe" (à beira da estrada), associado à busca por uma arte politicamente ativa e diretamente envolvida na luta social. Teatro Shakespeare.

Após a derrubada da ditadura fascista na Itália, novas forças chegam ao teatro deste país, entre elas o ator e diretor Eduardo de Filippo 1900-1984), é criado o Piccolo Teatro e o Teatro de Arte Italiana em Roma.

O Piccolo Teatro, fundado em 1947, ganhou fama mundial. diretor Giorgio Strehler, diretor Paolo Grassi. Gerações inteiras de pessoas, graças a Piccolo, adquiriram princípios morais, formaram sua atitude para com o mundo e consigo mesmas. O teatro não ensinava a viver, mas ajudava a viver, participava da vida das pessoas.

PINTURA

Nos países burgueses da primeira metade do século XX. a arte abstrata começou a ceder suas posições sob a pressão de novas tendências. Assim, por exemplo, "arte óptica" (op-art), cujo fundador foi Victor Vasarely, que trabalhou na França. Essa arte era uma composição de linhas e pontos geometrizados, iluminados por luzes coloridas. Tais composições foram localizadas em superfícies esféricas planas ou imaginárias. A op art rapidamente mudou para tecidos, publicidade e gráficos industriais, ou então serviu como espetáculos de entretenimento.

A Op-art foi rapidamente substituída por "móveis" - estruturas girando a partir da eletricidade. Para atrair a atenção do público, aparelhos de reprodução de som foram presos a alguns dos "móveis", e os "móbiles" emitiam um guincho. Essa direção é chamada de arte cinética. Para a fabricação de pinturas cinéticas, foram selecionadas as coisas mais incríveis. As estruturas começaram a se mover, emitir luz, guinchar.

Uma nova onda de correntes foi liderada pela pop art (arte popular, mais precisamente "arte de consumo"), que se originou nos Estados Unidos. Robert Rauschenberg, James Rosenquist, Roy Lichtenberg, Jesper Johns. Andrew Warhol espalhou essa direção em muitos países do mundo.

Após o domínio da abstração, a arte deixou de fugir da vida e da atualidade, atraiu tudo o que poderia despertar interesse - bomba atômica e psicoses em massa, retratos de políticos e estrelas de cinema, política a par do erotismo.

O luminar da arte rupestre foi o americano Robert Rauschenberg. Em uma exposição em Nova York em 1963. ele falou sobre a criação de sua primeira pintura "Cama". Ele acordou no início da manhã de maio, ansioso para começar a trabalhar. Havia um desejo, mas não havia tela. Tive que sacrificar um cobertor acolchoado - no verão você pode ficar sem ele. Tentar salpicar a colcha com tinta não teve o efeito desejado: o padrão de malha da colcha tirou a tinta. Tive que sacrificar um travesseiro - deu a superfície branca necessária para realçar a cor. O artista não se propôs nenhuma outra tarefa.

As salas de exposição na Europa e nos Estados Unidos começaram a parecer exposições de artesanato de círculos amadores de artesãos e inventores, porque a técnica da pop art era extremamente diversificada: pintura e colagem, projeção de fotos e slides na tela, pulverização com pistola, combinar uma imagem com pedaços de objetos, etc. d.

A arte da pop art estava intimamente ligada à arte da publicidade comercial, que se tornou parte integrante do modo de vida americano. A publicidade cativante e intrusiva promove o padrão do produto. Assim como na publicidade, carros, geladeiras, aspiradores de pó, secadores de cabelo, salsichas, sorvetes, bolos, manequins, etc. tornaram-se os principais temas da pop art. Alguns grandes nomes de artistas ajudaram a vender o produto. Assim, o ídolo dos industriais era Andy Warhol, que elevou a imagem das mercadorias ao nível dos ícones. Para criar suas pinturas, Warhol usou latas de garrafas de Coca-Cola, depois e cédulas. A comida enlatada assinada por ele esgotou instantaneamente. Os mercadores recompensaram generosamente tal zelo.

Perto da pop art estava o hiper-realismo (super-realismo). Artistas dessa tendência tentavam copiar a realidade com extrema precisão, mesmo usando um manequim. O escultor-modernista J. Segal tornou-se famoso na fabricação de manequins. Ele inventou sua própria técnica para fazer cópias de pessoas vivas. Seagal enfaixou as pessoas com bandagens cirúrgicas largas, dando-lhe a pose desejada, e encheu-o de gesso. Segal colocou as figuras resultantes em cadeiras comuns, em camas e banheiras. O caráter anêmico dos manequins de Seagal enfatiza o desamparo, a inação das pessoas em relação ao mundo exterior.

Após a pop art, surgiram uma série de movimentos modernistas. Uma dessas inovações é a arte corporal (do inglês Body - the body).

A arte corporal logo tomou uma direção dinâmica. Em uma das exposições, foi exibida uma escultura subterrânea abstrata. O escultor convidou os escavadores, eles cavaram um buraco em forma de sepultura diante do público no pátio do museu e imediatamente o enterraram. Não havia escultura propriamente dita, mas acontecia a “comunicação” do artista com o público.

Mas a "nova arte realista" também não se esgotou nisso. O próximo passo foi a direção destrutiva. Para visualização, os destrutivistas ofereceram uma demonstração de pedaços de gordura derretida com unhas e cabelos humanos. Outras áreas do modernismo incluem o fotorrealismo - um reflexo da realidade, ou melhor, seu momento congelado, com a ajuda da fotografia. Fotorrealistas R. Bechte, B. Schonzeit, D. Perrish, R. McLean e outros. reduziu o processo criativo a uma cópia mecânica de uma fotografia. Os modernistas também prestaram atenção aos problemas ambientais, criando outra direção - o georrealismo. Para criar suas obras, eles usaram água, terra, grama, sementes de plantas, areia, etc. Por exemplo, um monte de terra foi empilhado no meio do salão do museu; na entrada do salão, foi coberto um saco plástico transparente com água, sobre o qual os visitantes tropeçaram.

A "Arte Ambiental" serviu de trampolim para a introdução da arte psicodélica - obras criadas e, preferencialmente, percebidas sob a influência de drogas. Essa direção não é muito nova: os modernistas praticam a criação de tais obras há vários anos, mas não as promovem abertamente.

Não pode ser descontada no panorama das artes da 2ª metade do século XX. surrealismo e ousadia ativa de seu mestre Salvador Dali (1904-1988).

Sonho e realidade, delírio e realidade se misturam e se confundem, de modo que não fica claro onde se fundiram por conta própria e onde se uniram pela mão habilidosa do artista. Tramas fantásticas, alucinações monstruosas, grotescas combinadas com técnica de pintura virtuosa - é isso que atrai nas obras de Dali.

Muito provavelmente, ao lidar com este artista e pessoa, deve-se partir do fato de que literalmente tudo o que o caracteriza (pinturas, obras literárias, ações públicas e até hábitos cotidianos) deve ser entendida como uma atividade surrealista. Dali é muito holístico em todas as suas manifestações. Portanto, para entender e compreender a obra e a personalidade de Salvador Dali, é necessário, pelo menos em em termos gerais, para conhecer o que se esconde sob o nome de surrealismo.

Surrealismo (do francês surrealismo - literalmente super-realismo) é uma tendência modernista na arte do século 20, que proclamou a esfera subconsciente (instintos, sonhos, alucinações) como a fonte da arte e seu método para quebrar conexões lógicas , substituído por associações subjetivas. As principais características do surrealismo são a assustadora falta de naturalidade da combinação de objetos e fenômenos, aos quais é dada autenticidade visível.

O surrealismo surgiu em Paris na década de 1920. Neste momento, várias pessoas afins estão agrupadas em torno do escritor e teórico da arte Andre Breton - estes são os artistas Jean Arp, Max Ernst, escritores e poetas - Louis Aragon, Paul Eluard, Philippe Soupault, etc. apenas crie um novo estilo na arte e na literatura, buscavam principalmente refazer o mundo e mudar vidas. Eles tinham certeza de que o princípio inconsciente e extra-racional personifica a mais alta verdade que deve ser afirmada na terra. Essas pessoas chamavam suas reuniões de termo sommeils - que significa "sonhos acordados". Durante seus "sonhos acordados", os surrealistas (como eles se chamavam, emprestando uma palavra de Guillaume Apollinaire) faziam coisas estranhas - eles brincavam. Interessaram-se pelas combinações semânticas aleatórias e inconscientes que surgem no decorrer de brincadeiras como o "burime": revezavam-se para compor uma frase, sem saber nada sobre as partes escritas pelos outros participantes do jogo. Então, um dia, nasceu a frase "um cadáver requintado beberá vinho novo". O objetivo desses jogos era treinar a desconexão da consciência e as conexões lógicas. Desta forma, forças caóticas subconscientes profundas foram chamadas do abismo.

Nessa época (em 1922) foi matriculado na Escola Superior de Belas Artes de Madri, fez amizade com o poeta Federico Garcia Lorca, estudou com grande interesse as obras de Sigmund Freud.

Em Paris, o grupo surrealista de A. Breton se uniu ao grupo do artista André Masson, que buscava criar pinturas e desenhos livres do controle da mente. A. Masson desenvolveu técnicas originais de psicotécnica, projetadas para desligar a "relação" e extrair imagens do subconsciente. Como resultado desta fusão, em 1924, surgiu o "Primeiro Manifesto do Surrealismo", escrito por André Breton e traduzido para todos os línguas europeias, também foi fundada a revista "Revolução Surrealista". Desde então, o surrealismo tornou-se um movimento verdadeiramente internacional, manifestado na pintura, escultura, literatura, teatro e cinema. Década de 1925 (a primeira exposição geral dos surrealistas) a 1936 ("International Surrealist Exhibition" em Londres, exposição "Fantastic Art, Dada and Surrealism" em Nova York e outras) foi marcada pela triunfante procissão do surrealismo pelas capitais do mundo.

Na formação da trajetória criativa e da personalidade de Dali, bem como na influência na arte da pintura, um lugar importante é ocupado pelo movimento que precedeu o surrealismo - o dadaísmo. O dadaísmo ou a arte do dada (esta palavra é balbúrdia infantil, ou o delírio de um paciente, ou um feitiço xamânico) é uma "anti-criatividade" ousada e chocante que surgiu em uma atmosfera de horror e decepção de artistas diante de uma catástrofe - guerra mundial, revoluções europeias. Esta tendência em 1916-1918. perturbou a paz da Suíça e depois varreu a Áustria, a França e a Alemanha. A revolta dos dadaístas durou pouco e em meados da década de 1920 havia se esgotado. No entanto, o anarquismo boêmio dos dadaístas influenciou muito Dali, e ele se tornou um fiel sucessor de suas travessuras escandalosas.

De acordo com Max Ernst (um dos fundadores do surrealismo), um dos primeiros atos revolucionários do surrealismo foi que ele insistiu no papel puramente passivo do chamado autor no mecanismo da inspiração poética e expôs todo controle pela razão, moralidade e considerações estéticas.

A transição de técnicas "mecânicas" para "psíquicas" (ou psicanalíticas) conquistou gradualmente todos os principais mestres do surrealismo.

André Masson formulou três condições para a criatividade inconsciente:

1 - libertar a consciência das conexões racionais e atingir um estado próximo ao transe;

2 - submeter-se completamente a impulsos internos descontrolados e extra-racionais;

3 - trabalhe o mais rápido possível, sem parar para compreender o que foi feito.

O próprio Dali tinha grandes esperanças no poder libertador do sono, então ele pegou a tela imediatamente após acordar pela manhã, quando o cérebro ainda não havia se libertado completamente das imagens do inconsciente. Às vezes, ele se levantava no meio da noite para trabalhar.

Na verdade, o método de Dali corresponde a um dos métodos freudianos da psicanálise: anotar os sonhos o mais rápido possível após o despertar (acredita-se que a procrastinação traz consigo uma distorção das imagens dos sonhos sob a influência da consciência).

As visões freudianas foram tão absorvidas por muitos líderes do surrealismo que se tornaram sua maneira de pensar. Eles nem mesmo se lembravam de que fonte esta ou aquela visão ou abordagem foi tomada. Um método puramente "freudiano" também foi usado por Dali, que pintou quadros em um estado que ainda não estava totalmente acordado, estando pelo menos parcialmente sob o poder de um sonho.

Segundo Dali, para ele o mundo das ideias de Freud significava tanto quanto o mundo da Sagrada Escritura significava para os artistas medievais ou o mundo da mitologia antiga para os artistas renascentistas.

Os próprios conceitos dos surrealistas receberam forte apoio da psicanálise e de outras descobertas do freudismo. Tanto na frente de si mesmos quanto na frente dos outros, eles receberam uma confirmação de peso da correção de suas aspirações. Eles não podiam deixar de notar que os métodos "acidentais" do surrealismo primitivo correspondiam ao método freudiano de "associação livre" usado no estudo do mundo interior do homem. Quando, mais tarde, na arte de Dali e de outros artistas, o princípio da "fotografia do inconsciente" ilusionista é afirmado, não se pode deixar de lembrar que a psicanálise desenvolveu a técnica da "reconstrução documental" dos sonhos.

A humanidade européia há muito está imersa em disputas sobre a essência, a necessidade da moralidade: o imoralismo de Friedrich Nietzsche deixou poucas pessoas indiferentes. Mas o freudismo despertou uma ressonância mais ampla. Não era apenas uma tese filosófica. Foi mais ou menos uma tendência científica, propôs e assumiu a verificabilidade experimental de seus postulados e conclusões, desenvolveu métodos clínicos de influenciar a psique - métodos que deram sucesso indubitável. O freudismo se enraizou não apenas nas cadeiras universitárias e nas mentes dos intelectuais, mas conquistou irresistivelmente um lugar para si nas esferas mais amplas da vida social. E ele excluiu a moralidade e a razão dos próprios fundamentos da vida humana, considerando-as secundárias e, em muitos aspectos, até pesadas formações da civilização.

Já foi dito acima que cultura europeia século 20 foi influenciado pela prosa filosófica e artística de Friedrich Nietzsche, que em suas obras ("Além do Bem e do Mal" 1886) criticou a cultura burguesa e pregou o imoralismo estético, uma atitude niilista para com todos os princípios morais. No livro "Assim Falou Zaratustra" 1883-84. Nietzsche criou o mito do "super-homem", enquanto o culto de uma personalidade forte se combinava nele com o ideal romântico do "homem do futuro".

Salvador Dali foi um consistente representante do nietzscheanismo do século XX. Dali leu e reverenciou F. Nietzsche, dialogou com ele em suas pinturas e escritos.

O destino da arte realista no Ocidente é difícil, mas existe e também atrai jovens artistas.

O colapso do fascismo, a democratização geral do mundo teve um impacto significativo no cinema, dando origem a vários fenômenos significativos. Uma delas foi o neorrealismo italiano.

A primeira obra-prima do neorrealismo foi um filme realizado de forma quase documental, embora nele participassem atores, e filmado na Roma ocupada. Foi "Roma - Cidade Aberta" (1945) dirigido por Roberto Rossellini. Katina consistia em uma série de episódios baseados em fatos reais, entre eles a história de uma Ferrari comunista, traída e torturada pela Gestapo. Padre Morosini, que foi baleado por ajudar a resistência.

Outro clássico neo-realismo - uma pintura de Vittorio de Sica (1901-1974) "Ladrões de Bicicletas". De Sica recusou atores profissionais: para o papel de protagonista convidou um verdadeiro desempregado, e para o papel de Bruno, de 10 anos, convidou um menino que realmente servia como mensageiro.

Os neorrealistas, via de regra, pegavam um fato da vida comum e analisavam na tela os motivos de sua ocorrência e raízes sociais. O neorrealismo enriqueceu significativamente a estética do cinema mundial. Usando simples histórias do dia a dia, convidando assistentes, filmando na rua começou a entrar no cinema de muitos países.

Nos anos 50-60, chegaram ao cinema Roberto Rossellini (1906-1977) e Luchino Visconti (1906-1976), Michelangelo Antonioni, Federico Fellini, os futuros maiores mestres do cinema mundial. Foi em suas pinturas que se refletiu uma das principais tendências do cinema da Europa Ocidental dos anos 50 a meados dos anos 60 - o estudo da psicologia do homem moderno, os motivos sociais de seu comportamento, as causas da confusão e desunião entre as pessoas.

Quando os festivais de cinema surgiram no início dos anos 1950, os filmes japoneses causaram sensação. Foi a descoberta de um mundo cultural peculiar e incomum. Hoje, os diretores Akira Kurosawa, Kaneto Shindo e Tadashi Imai estão entre os melhores artistas de cinema de nosso tempo.

O cinema japonês em suas melhores obras é original e profundamente nacional. Por exemplo, os filmes de Akira Kurosawa se distinguem por uma exclusividade brilhante de personagens humanos, um conflito dramático agudo, pelo qual passa o tema principal da obra do diretor: a perfeição espiritual moral do indivíduo, a necessidade de fazer o bem (“Rassemon ”, 1950, “Seven Samurai”, 1954, “Dersu Uzala”, 1976, junto com a URSS "Shadow of a Warrior", 1980).

A Suécia deu à luz o incrível mestre Ingmar Bergman. Seu trabalho expressava com mais clareza as peculiaridades do pensamento e da atitude artística escandinava, típicos não apenas da Suécia, mas, obviamente, de muitos países ocidentais. Em filmes como O Sétimo Selo, Strawberry Glade (ambos de 1957), Autumn Sonata (1978), The Source, Persona, Face (1958), Silence (1963), Bergman como se os questionasse, desenvolve o tema da trágica solidão de uma pessoa na sociedade.

A Espanha deu ao mundo um extraordinário artista de cinema Luis Buniel (1900-1983), que se tornou um famoso diretor francês. Ao longo da sua carreira, tornou-se fiel às visões do surrealismo, desde 1928, quando, juntamente com Salvador Dali, realizaram o filme Cão Andaluz e o infame filme A Idade de Ouro (1930; a proibição deste filme durou meio século) até o filme 1977. "Esse vago objeto de desejo."

Quando falamos de cinema inglês, lembramos imediatamente das maravilhosas adaptações literárias, bem como dos nomes dos maravilhosos diretores Alfred Hitchcock (1899-1980) e Lindsney Anderson, Hitchcock é considerado um dos fundadores do cinema de terror, filmes que utilizam o mecânica da psicose em massa, pânico em massa. ("Pássaros").

Os EUA são uma superpotência do cinema, mas sua indústria cinematográfica respondeu aos movimentos sociais e políticos. Nos anos 60, surgiram os jovens diretores de cinema F. Coppola, M. Scorsese e outros que desafiaram o conservadorismo da "fábrica de sonhos". Problemas reais da juventude começaram a aparecer na tela, sua inquietação diante da onipotência do dólar, escuridão sem vegetação espiritual, condições cruéis de sobrevivência.

Lugar especial no cinema americano, o tema da Guerra do Vietnã assumiu, dividindo Hollywood em 2 campos irreconciliáveis ​​- os defensores da agressão (Boinas Verdes de D. Wayne) e seus oponentes (Regresso a casa de H. Ashby). O declínio do movimento democrático na América intensificou as tentativas de justificar a agressão no Vietnã (a série "Rimbaud").

O fluxo principal de filmes foi determinado por melodramas, histórias de detetive, filmes sobre espiões. A série 007 James Bond estrelada por Sean Connery se tornou um best-seller mundial.

Nos anos 70-80. a situação do cinema está a mudar devido à política neoconservadora da administração americana, à adesão das grandes empresas cinematográficas aos monopólios transnacionais e, consequentemente, à fusão da indústria cinematográfica com o grande capital. Os produtores começaram a confiar na encenação de um pequeno número de filmes supercaros no gênero de filme de desastre (Airport, Hell in the Sky), fantasia espacial (Guerra nas Estrelas) e maior atração por filmes de terror (O Iluminado de S. Kubrick ).

A cinematografia estrangeira deu ao mundo maravilhosos artistas-estrelas da tela mundial: Anna Magnani, Sophia Loren, Marcello Mastroianni, Franco Nero, Claudia Cardinale, (Itália), Barbara Streisand, Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor, Richard Burton, Laiza Minelli, pai e filho Douglas, Dustin Foreman, Jack Nichols (EUA), Catherine Deneuve, Bridget Bordeaux, Alain Delon, Gerard Depardieu, Louis de Funes, Jean Paul Belmondo (França), Daniel Olbrychsky, Barbara Brylska (Polônia) e outros.

Questões para auto-exame.

1. Básico artístico e estético e tendências filosóficas na arte do século XX.

2. A estética do modernismo.

3. Estética do surrealismo.

TEMA 10.

Literatura e arte da França.

Literatura 1910-1940

Coordenadas históricas e artísticas da nova era. Revisão das categorias sociológicas e culturais. O dadaísmo e a formação da estética do surrealismo. O surrealismo como um tipo de pensamento, um sistema de mentalidade, uma forma de interagir com o mundo. Desenvolvimento de estruturas sociopsíquicas no processo de modelagem do jogo. Nova tecnologia criatividade. O culto do inconsciente.

ANDRÉ BRETÃO(1896–1966)

Nasceu em 18 de fevereiro de 1896 em Tenshbre (Normandia) na família de um comerciante. Ele estudou em Paris na faculdade de medicina da Sorbonne. Estreou-se como poeta; considerou seus professores Stephen Mallarmé E Paulo Valéry(era seu amigo). Em 1915 durante a Primeira Guerra Mundial foi mobilizado; designado para o serviço neuropsiquiátrico do exército. Ele estudou seriamente as obras de J.M. Charcot, um dos fundadores da neuropatologia e da psicoterapia, e Z.Freud, fundador da psicanálise. Em 1916, no hospital, conheceu o jovem poeta Jacques Vache, implacável opositor da guerra, que se suicidou aos 25 anos, cartas militares que teve forte influência no humor da intelectualidade artística da época. Após a desmobilização, voltou a Paris e envolveu-se na vida literária. entrou no ambiente Guilherme Apollinaire cuja poesia ele valorizava muito. Em 1919, juntamente com Louis Aragon e a revista "Literatura" de Philippe Soupo. impresso lá Campos magnéticos - o primeiro "texto automático", escrito por ele em colaboração com F. Supo. No mesmo ano, ele se aproximou de Tristan Tzara e outros dadaístas que se mudaram da Suíça para a França. Juntamente com amigos, ele participou de manifestações dadaístas ultrajantes, em 1922 ele visitou Viena, encontrou-se com Z. Freud; estava interessado em seus experimentos no campo dos sonhos hipnóticos. Em 1923 ele publicou sua primeira coleção de poesia Luz da terra.

Em 1924 chefiou um grupo de jovens poetas e artistas (L. Aragon, F. Supo, Paul Eluard, Benjamin Peret, Robert Desnos, Max Ernst, Pablo Picasso, Francis Picabia e outros), que começaram a se autodenominar surrealistas, gozavam de autoridade inquestionável entre eles. Em 1924 publicou o primeiro Manifesto do Surrealismo, onde o surrealismo foi definido como "puro automatismo psíquico, com a ajuda do qual se supõe transmitir, oralmente ou por escrito, ou de qualquer outra forma, o funcionamento real do pensamento", como "o ditado do pensamento além de qualquer controle de a mente, além de quaisquer considerações estéticas e morais”; A. Breton exigiu a destruição completa de todos os mecanismos mentais existentes anteriormente e sua substituição por um mecanismo surrealista, o único possível para compreender a realidade mais elevada e resolver as questões cardeais do ser.

Em dezembro de 1924, ele renomeou a revista Literatura para Revolução Surrealista. Em 1925, em um ensaio Revolução primeiro e para sempre formulou sua compreensão da atividade surrealista em relação à literatura, arte, filosofia e política. Condenou publicamente a guerra colonial da França no Marrocos de 1925 a 1926; começou a cooperar com o órgão dos comunistas franceses "Clarte". Em janeiro de 1927 ingressou no Partido Comunista junto com L. Aragon, P. Eluard, B. Pere e Pierre Yunick. Em março de 1928 publicou um ensaio sobre a obra de P. Picasso, M. Ernst, Man Rey, André Masson, Giorgio de Chirico intitulado surrealismo e pintura, separando assim ambos os conceitos: não poderia haver um “estilo surrealista” na arte, pois o surrealismo não era um método artístico, mas um modo de pensar e um modo de vida. Em junho de 1928, ele publicou um romance Nadia sobre o amor por uma mulher com o dom da clarividência, que terminou seus dias em uma clínica psiquiátrica. Sérias diferenças que surgiram entre os surrealistas o levaram a lançar em 1930 Segundo Manifesto do Surrealismo; mudou o título de sua revista para Surrealismo a Serviço da Revolução. No mesmo ano, em colaboração com P. Eluard e Rene Char, criou uma coleção de poesia desacelerar o trabalho e em colaboração com o texto em prosa de P. Eluard Concepção imaculada, onde desenhou um modelo surrealista da vida humana, desde a concepção até a morte. Em 1932 ele publicou uma coleção de poemas revólver de cabelos grisalhos e pesquisa psicanalítica Navios comunicantes, no qual tentou identificar ligações entre os estados de sono e vigília.

No pensamento filosófico do século XVII, o foco é o problema do homem, suas capacidades, qualidades adquiridas e inatas. Além disso, ganha relevância o problema da aceleração da passagem do tempo, como condição necessária para a existência humana, razão pela qual o mundo está em constante transformação. Os principais estilos artísticos deste período são o Barroco e o Classicismo. A arte se torna uma espécie de linguagem da filosofia que se afastou das construções racionais universais e mergulhou na esfera da experiência emocional. A auto-estima da arte como força criativa da cultura está crescendo.

O objeto de pesquisa está mudando e, portanto, há uma mudança de ênfase nos problemas de percepção, na personalidade do ouvinte, na variedade de gostos. Começa um novo nível de especificação da percepção do sujeito. Na teoria estética, a atenção agora está voltada não apenas para a figura do artista, mas também para o leitor, espectador, ouvinte. A ideia está ganhando relevância, segundo a qual a compreensão de uma obra de arte e, portanto, o futuro destino de sua existência, depende muito de quem a percebe e como. Há uma tendência emergente de interesse em experiências individuais únicas, mundo interior personalidade, que por sua vez contribuiu para a formação de uma variedade de tendências artísticas.

A estética de Nicolas Boileau apresenta os princípios estéticos gerais do classicismo. Assim, neles ele proclama a prioridade do pensamento sobre a palavra, ideias sobre expressão artística. É a mente que tem importância decisiva na arte, e o princípio sensual é secundário. Em nome da clareza da ideia, que é a chave da beleza, é preciso afastar-se do colorido da vida. Boileau fundamenta a divisão hierárquica dos gêneros em "alto" e "baixo", desenvolve a ideia da trindade de tempo, lugar e ação).

As principais ideias dos representantes do Iluminismo sobre teoria do gosto que é um dos principais para este período de desenvolvimento do pensamento estético, enunciado na unidade associada ao gosto estético e artístico. Então, vamos nos deter em outras teorias dos filósofos da Nova Era.

Francis Hutcheson, em "An Inquiry into the Origin of Our Ideas of Beauty and Virtue", analisa o problema da beleza e da harmonia. Nossas ideias sobre harmonia, beleza e ordem são baseadas em um certo sentimento interior, e não em justificativas racionais. Para Hutcheson, a beleza tem um caráter desinteressado e, portanto, o senso estético é um modelo para o senso moral. A arte está sujeita à moralidade, e a beleza e a harmonia são a fonte e o meio de educar a virtude. A beleza tem duas variedades: 1) absoluta, onde a beleza é percebida sem comparação com algo externo (a beleza dos fenômenos naturais, leis científicas); 2) relativo ou comparativo, que está associado a formas de arte sujeitas ao princípio da imitação. A beleza relativa é mais pronunciada na pintura e na poesia, onde "uma imitação precisa será bela mesmo quando o original for completamente desprovido de beleza". Hutcheson oferece a ideia da natureza objetiva do belo, mas a universalidade aparece para ele como a mesmice da percepção da beleza.

Edmund Burke, analisando as categorias belo e sublime, revela os aspectos psicológicos de sua percepção. No coração do sublime está o desejo de autopreservação. Esse sentimento surge como resultado do encontro com aquelas forças que causam horror humano, cautela. O belo baseia-se no desejo de público, de comunicação. Tudo o que desperta amor, simpatia e nos estimula a imitar é belo e diz respeito à esfera das relações humanas. É possível que a beleza exista no mundo físico, onde o prazer diz respeito à escolha de certas cores, tons, formas. O senso de beleza contribui para a unidade das pessoas e a formação de qualidades morais.

Ideias educação estética em conexão com o problema gênio analisado pelo filósofo francês Claude Adrian Helvetius. Ele acredita que o gênio é inerente a todas as pessoas, mas a educação necessária que poderia revelar essa habilidade. A genialidade do artista se manifesta no realismo e no estilo da imagem. A finalidade educativa da arte é o despertar de sensações fortes, a provisão do que está ausente na realidade. A forma mais elevada de prazer é proporcionada apenas por meio da imaginação e da fantasia, o que confere à arte o status de meio de entretenimento.

Denis Diderot fundamenta a relação entre arte e moral. A arte deve educar, expressar uma certa regra de vida. Verdade, bondade e beleza estão interligadas. Além de desenvolver o conceito de beleza, que ocupa um lugar significativo no conceito estético de Diderot, ele atribui grande importância à harmonia na arte. A harmonia como interdependência entre os componentes da obra permite ver imagem holística. Em seus escritos, Diderot analisa as características das artes musicais, dramáticas, pictóricas e dançantes, apelando não apenas para padrões estéticos gerais, mas também referindo-se a questões especiais da teoria da arte - dos meios de expressão e modelagem às variedades de gênero.

Jean-Jacques Rousseau, entre os iluministas do século XVIII. música mais profundamente compreendida como a arte dos tempos modernos. O desenvolvimento teórico da análise da estrutura dos acordes e o desmascaramento da hipótese da identidade da antiga harmonia grega com o acorde moderno foi uma importante contribuição de J.-J. Rousseau para o desenvolvimento da teoria musical. Em conexão com a crescente atenção à representação da natureza humana, o problema da representação correta dos sentimentos e emoções de uma pessoa torna-se o mais relevante e característico deste período. A reprodução do afeto nesse período coincide com a imagem da natureza. Esse ponto de vista foi compartilhado por Rousseau por algum tempo. Ele (na obra "Dicionário Musical") enfoca o fato de que a música, como outras formas de arte, possui meios para imitar qualquer objeto da natureza. Mais tarde, Rousseau começou a acreditar que o conteúdo da obra do músico reside em colocar a alma exatamente no estado de espírito que ela gostaria.

Alexander Baumgarten determina que o objeto da estética é o estudo da lógica da cognição sensorial, deve combinar não apenas a teoria, mas também prática artística. O princípio do consenso torna-se universal para a estética filósofo alemão, incorpora a ideia de beleza como uma unidade em uma ricamente maníaca. Entre os problemas que Baumgarten analisa estão a percepção estética e Criatividade artística. Ambos os processos proporcionam o momento de criatividade, incluem um impulso estético. Foi O. Baumgarten quem apontou que o conhecimento estético tem um caráter independente, tem leis internas e específicas e é independente da religião ou da moralidade.

Gottgold Ephraim Lessing em seus escritos discute a antiga teoria da catarse e a aplica ao moderno teoria do drama. Ele aponta para a conexão da ideia de catarse com o antigo conceito de medida e a ideia de Aristóteles do "meio-termo". Além disso, um lugar significativo na estética de Lessing é ocupado pelo problema da relação entre os tipos de arte, que ele divide em espacial (plástica) e temporal. As artes espaciais incorporam uma ação completa, não transmitem mudanças. Outra situação está nas artes temporais, que transmitem o desenrolar no tempo e, portanto, são capazes de transmitir a personalidade individual dos personagens, a relação entre eles. Lessing desenvolve todo um sistema de classificação das artes, onde o lugar mais alto é ocupado pela literatura e pela poesia.

O propósito da arte é revelar a verdade, retratar o belo na realidade. Só revelando a verdade a arte é capaz de dar prazer, ensinar, educar.

Fundamentos racionalistas da cultura

É impossível traçar uma fronteira perfeitamente precisa entre as culturas dos séculos XVI e XVII. Já no século XVI, novas ideias sobre o mundo começaram a tomar forma nos ensinamentos dos filósofos naturais italianos. Mas a verdadeira virada na ciência do universo ocorre na virada dos séculos XVI e XVII, quando Giordano Bruno, Galileu Galilei e Kepler, desenvolvendo a teoria heliocêntrica de Copérnico, chegam à conclusão sobre a pluralidade dos mundos, sobre o infinito do universo, no qual a terra não é o centro, mas uma pequena partícula quando a invenção do telescópio e do microscópio revelou ao homem a existência do infinitamente distante e do infinitamente pequeno.

No século XVII, mudou a compreensão do homem, seu lugar no mundo, a relação entre o indivíduo e a sociedade. A personalidade do homem renascentista é caracterizada por absoluta unidade e integridade, é desprovida de complexidade e desenvolvimento. A personalidade - do Renascimento - afirma-se em harmonia com a natureza, que é uma força boa. A energia de uma pessoa, assim como a fortuna, determinam sua trajetória de vida. No entanto, esse humanismo "idílico" já não era adequado para a nova era, quando o homem deixou de se reconhecer como o centro do universo, quando sentiu a complexidade e as contradições da vida, quando teve que travar uma luta feroz contra feudais católicos reação.

A personalidade do século XVII não tem valor em si mesma, como a personalidade do Renascimento, depende sempre do ambiente, da natureza e da massa de pessoas, a quem ela quer se mostrar, impressionar e convencer. Essa tendência, por um lado, de impressionar a imaginação das massas e, de outro, de convencê-las, é uma das principais características da arte do século XVII.

A arte do século XVII, como a arte do Renascimento, caracteriza-se pelo culto ao herói. Mas este é um herói que se caracteriza não por ações, mas por sentimentos, experiências. Isso é evidenciado não apenas pela arte, mas também pela filosofia do século XVII. Descartes cria a doutrina das paixões, enquanto Spinoza considera os desejos humanos “como se fossem linhas, planos e corpos”.

Esta nova percepção do mundo e do homem pode assumir um duplo sentido no século XVII, dependendo da forma como é utilizada. Neste mundo complexo, contraditório e multifacetado da natureza e da psique humana, seu lado caótico, irracional, dinâmico e emocional, sua natureza ilusória, suas qualidades sensuais podem ser enfatizadas. Este caminho levou ao estilo barroco.

Mas a ênfase também poderia ser colocada em ideias claras e distintas que enxergam através da verdade e da ordem neste caos, no pensamento lutando com seus conflitos, na razão superando as paixões. Este caminho levou ao classicismo.

O barroco e o classicismo, tendo recebido seu desenho clássico na Itália e na França, respectivamente, se espalharam em um grau ou outro por todos os países europeus e foram as tendências dominantes na cultura artística do século XVII.

Princípios estéticos do barroco

O estilo barroco tem origem em Itália, num país fragmentado em pequenos estados, num país que conheceu a contra-reforma e uma forte reacção feudal, onde os cidadãos abastados se transformaram numa aristocracia fundiária, num país onde floresceu a teoria e a prática do Maneirismo, e onde, ao mesmo tempo, em todo o seu esplendor, foram preservadas as mais ricas tradições da cultura artística do Renascimento. O barroco tomou sua subjetividade do Maneirismo, sua paixão pela realidade do Renascimento, mas ambos em uma nova refração estilística. E embora os resquícios do maneirismo continuem afetando a primeira e até a segunda década do século XVII, em essência, a superação do maneirismo na Itália pode ser considerada concluída em 1600.

Um dos problemas característicos da estética barroca é o problema da persuasão, que tem origem na retórica. A retórica não distingue a verdade da plausibilidade; como meio de persuasão, eles parecem ser equivalentes - e daí o subjetivismo ilusório, fantástico, da arte barroca, combinado com a classificação da técnica "artística" de produzir um efeito que cria uma impressão subjetiva e enganosa de plausibilidade.

Partindo do fato de que o conceito principal da estética barroca é a capacidade de persuasão, entende-se como a capacidade de convencer o espectador com o auxílio de uma ferramenta específica de influência, que é a obra de arte. A retórica decora a fala, dá aos conceitos e objetos formas mais facilmente percebidas. A retórica está intimamente ligada à literatura e à poesia, que muitas vezes se identifica com a retórica. A capacidade de persuasão deve convencer, tocar, surpreender aquele a quem se destina. O autor, portanto, deve conhecer nos mínimos detalhes aquele a quem sua obra se destina, deve estudá-los e guiar-se por esse conhecimento ao criar suas obras.

Existem métodos reconhecidos e obrigatórios para persuadir o espectador, leitor, ouvinte devido à sua eficácia? Todos os métodos são adequados, desde que atinjam seu objetivo principal - convencer aquele a quem se destinam. Nesse sentido, o problema da verdade ou falsidade de uma obra de arte é relegado para segundo plano, torna-se insignificante. Ilusório torna-se um princípio. O leitor e o espectador devem antes de tudo ficar atordoados, surpresos, e isso pode ser feito com a ajuda de uma seleção habilidosa de imagens estranhas e compostas de maneira incomum.

A maioria dos teóricos barrocos eram escritores, mas em suas declarações pode-se sentir claramente a principal tendência da era barroca - em direção à reaproximação vários tipos arte. Todas as artes estão interligadas e possuem uma única essência. Eles diferem apenas na forma de expressão.

Racionalismo e normativismo da estética do classicismo

Classicismo é uma das áreas mais importantes da arte. Tendo se estabelecido nas obras e na criatividade de muitas gerações, apresentando uma brilhante galáxia de poetas e escritores, pintores e músicos, arquitetos, escultores e atores, o classicismo deixou marcos no caminho do desenvolvimento artístico da humanidade como tragédias Corneille, Racine, Milton, Voltaire, comédia Molière música luly, poesia La Fontaine, parque e conjunto arquitetônico de Versalhes, pinturas de Poussin.

O classicismo começa a ser contado a partir do século XVI, domina no século XVII, afirma-se poderosa e persistentemente no século XVIII e início do século XIX. A própria história confirma a viabilidade das tradições do sistema artístico classicista e o valor das concepções do mundo e da pessoa humana que lhe estão subjacentes, sobretudo o imperativo moral próprio do classicismo.

A palavra "classicismo" (do latim classicus - exemplar) incorporou a orientação constante da nova arte para a antiga "amostra". No entanto, a fidelidade ao espírito da antiguidade não significava para os classicistas nem uma simples repetição desses modelos antigos, nem uma cópia direta de teorias antigas. O classicismo era um reflexo da era da monarquia absoluta e da nobreza e burocracia em que a monarquia se baseava. O apelo à arte da Grécia e de Roma, que também foi uma característica do Renascimento, em si ainda não pode ser chamado de classicismo, embora já contivesse muitos traços dessa tendência.

A monarquia absoluta desempenhou um papel duplo na história da França. A política cultural da monarquia absoluta e a sua doutrina estética - o classicismo - distinguiam-se pela mesma dualidade. As cortes monárquicas caracterizavam-se pelo desejo de subordinar todas as forças artísticas a uma organização centralizadora. O cardeal Richelieu criou o centro oficial no campo da literatura e da linguagem - a Academia Francesa. Sob Louis XIV, a Academia de Belas Artes foi criada. Nesses centros de cultura artística, muito trabalho foi feito para criar um linguagem literária, libertando-o de características provincianas e remanescentes da antiguidade, desenvolvendo o discurso literário correto, classificando gêneros e assim por diante. A Academia de Artes, que reunia os mais proeminentes pintores e teóricos da arte, estava envolvida em atividades semelhantes. Em geral, toda essa atividade foi de significado progressivo.

De acordo com os códigos da arte, exigia-se principalmente que o artista tivesse "nobreza de design". O enredo da imagem deve ter tido valor instrutivo. Portanto, todos os tipos de alegorias eram especialmente valorizados, nas quais imagens da vida tiradas de maneira mais ou menos convencional expressavam diretamente ideias gerais. pelo mais alto gênero foi considerado "histórico", que incluía mitologia antiga, enredos de obras literárias famosas, da Bíblia e afins. Retrato, paisagem, cenas da vida real eram considerados "pequeno gênero". O gênero mais insignificante era a natureza morta.

Na poesia, o classicismo trouxe à tona o desenvolvimento racional do tema de acordo com certas regras. O exemplo mais marcante disso é "Arte Poética" bualo- um tratado elaborado em belos versos e contendo muitas ideias interessantes. Boileau apresentou a demanda pela primazia do conteúdo na arte poética, embora esse princípio seja expresso nele de uma forma muito unilateral - na forma de uma subordinação abstrata do sentimento à razão.

Estética do Iluminismo europeu

As teorias estéticas do Iluminismo foram formadas durante as primeiras revoluções burguesas dos séculos XVII-XVIII e fazem parte da ideologia e da cultura de seu tempo. Os iluministas acreditavam que a reorganização de um sistema social obsoleto deveria ser feita pela difusão de ideias avançadas, pelo combate à ignorância, à droga religiosa, à escolástica medieval, à desumana moral feudal, à arte e à estética, que atendiam às necessidades das camadas superiores da o Estado feudal-absolutista.

Apesar de toda a sua progressividade, os iluministas não conseguiram ir além dos limites de sua época. Nas intrigas de uma sociedade harmoniosa, os iluministas contavam com algum "cidadão" abstrato, com sua consciência política e moral, e de forma alguma com aquela pessoa real que realmente se formou sob o capitalismo.

Os iluministas através da educação moral, política e estética tentaram alcançar a transformação da sociedade nos princípios da igualdade e da justiça. Eles estavam claramente cientes do fato de que existem contradições entre interesses privados e públicos, entre aspirações pessoais e deveres, entre o indivíduo e a sociedade. Eles esperavam resolver essas contradições em grande parte por meio da educação estética. Assim, eles tinham a convicção de que o princípio estético é capaz de mitigar o egoísmo inato das pessoas, de transformar uma pessoa em um "indivíduo".

Do ponto de vista de educar um “cidadão”, uma nova pessoa, os iluministas consideraram os conceitos básicos: belo, sublime, harmonia, graça, bom gosto ( Burke, Diderot ); os problemas da essência e das funções sociais da arte, conflito artístico, caráter, verdade na arte e assim por diante foram tratados com o mesmo espírito. O leitmotiv dos conceitos estéticos do Iluminismo foi a defesa da arte do alto pathos cívico, dos princípios do realismo e do humanismo. Ele falou sobre a relação entre o belo e o moral Shaftesbury .

Ao interpretar as categorias da estética, os iluministas partiram dos princípios do sensacionalismo, que é uma direção na teoria do conhecimento, segundo a qual a sensualidade é a principal forma de conhecimento confiável. A fórmula clássica que caracteriza o sensacionalismo pertence aos estóicos: "Não há nada na mente que antes não estivesse nos sentidos".

Projeto teórico da disciplina de estética

O fundador da estética alemã do Iluminismo e o "padrinho" de uma seção independente do conhecimento filosófico foi Baumgarten . Seu sistema epistemológico foi dividido em duas seções: estética e lógica. A primeira era uma teoria do conhecimento sensorial "inferior", a segunda - superior, "intelectual". Para designar o conhecimento inferior, ele escolheu o termo "estética", que foi interpretado simultaneamente como sensação, sentimento e conhecimento. Portanto, se a lógica é a ciência do conhecimento intelectual, ou seja, das leis e formas de pensar, então a estética é a ciência do conhecimento sensorial. Assim, existem dois tipos de julgamentos: "lógico" e "sensível" (sensorial). As primeiras assentam em ideias distintas, as últimas em ideias vagas. Aqueles baseados em ideias claras ele chama de julgamentos da razão, e aqueles baseados em ideias vagas ele chama de julgamentos de gosto. Os julgamentos da razão nos dão a verdade, os julgamentos do gosto nos dão a beleza. A base objetiva do julgamento da mente e do julgamento do gosto é a perfeição, ou seja, a correspondência dos objetos ao seu conceito.

A essência e o propósito público da arte na era do Iluminismo

A essência da arte foi vista na imitação da natureza pelo iluminista alemão Winkelman. A imitação do belo na natureza pode ser dirigida a um único objeto ou reunir observações sobre vários objetos únicos. No primeiro caso, obtém-se uma cópia semelhante, um retrato, no segundo - uma imagem ideal. Winkelman considera a segunda forma mais frutífera. Aqui o artista não atua como copista, mas como verdadeiro criador, pois antes de criar uma imagem, ele elabora conceito geral sobre beleza e depois segue seu protótipo. A beleza ideal transcende as formas comuns da matéria, supera suas limitações.