Em 2015, uma conferência científica e prática internacional sobre o tema “Arte e Poder” foi realizada em Saratov;
No contexto de artigos à la Raikin: como os artistas sofriam com o totalitarismo na época e como sofrem com a “censura” e o “estado necrófilo” agora, o relatório de um artista comunista (do Partido Comunista da Federação Russa) soou inesperadamente prazeroso. Curto e preciso, como um tiro entre choramingos.
Apresento-o aqui na íntegra, complementado com ilustrações.

Genady Vasilievich Zhivotov
Professor, Artista Homenageado da Federação Russa
Universidade Estatal Humanitária Russa

Artista e poder: retrospectiva histórica

Defendo que não existe história da arte, mas existe uma história do cliente.
Todos admiramos os grandes escultores da Grécia Antiga e parece-nos que foram eles que deram origem ao milagre grego. Mas de alguma forma esquecemos que naquela época a estátua era discutida por toda a cidade, e o nome de Fídias está intimamente ligado ao nome de Péricles. Assim que as cidades-estado gregas caíram em desuso, o arte grega, e nenhum novo fidia, mesmo que fosse mil vezes mais talentoso que seus eminentes ancestrais, poderia criar algo assim. A ligação entre arte e poder, arte e Estado é muito mais forte do que às vezes pensamos.

Não consideraremos manifestações de poder administrativo e penitenciário: prisões, polícia, tribunais, etc. Para nós, o principal num Estado é a sua ideologia, a sua significados mais elevados, e gostaria de me deter no mais importante: a relação entre ideologia e arte.

Na Idade Média, o expoente mais importante da ideologia do Estado era a igreja. A Igreja foi o ímpeto para a criação das maiores obras-primas, isso não pode ser negado. Durante o Renascimento, tanto a igreja como a autoridades seculares foram clientes de muitos grandes artistas. Basta recordar a família Médici, à qual pertenciam Lorenzo, o Magnífico, governante de Florença, e vários papas. E ao lado estão os nomes de Leonardo da Vinci, Michelangelo, Rafael.

Outro exemplo marcante é o Império Napoleônico. Grande arte, grandes nomes. Depois tudo ruiu e a burguesia chegou ao poder e banalizou tudo. A troca esmagou Van Gogh, Cézanne, Monet, criou mitos a partir deles, pendurou rótulos e etiquetas de preços neles.

Na Rússia nunca existiu uma burguesia, no sentido pleno da palavra. Durante séculos, a arte russa esteve inextricavelmente ligada à Igreja Ortodoxa. Mas a partir da era de Pedro I, o domínio do Ocidente começou na arte secular. Afinal, o que é l'Hermitage? Estas são obras de obras holandesas, francesas, italianas e outras coletadas por Catarina II Artistas europeus. Até a famosa galeria de retratos de líderes militares de 1812 foi encomendada pelo Estado! - foi criado pelo artista inglês Dow.

Mas no século 19, Tretyakov apareceu na Rússia. E devemos o florescimento da arte russa a esta pessoa - um cliente particular. O estado, na pessoa do czar e dos grão-duques, caiu em si e, alguns anos após a inauguração da Galeria Tretyakov, fundou o Museu Russo. Além de Semiradsky, o estado começou a encorajar Surikov e sua ideia estatal imperial. “A Conquista da Sibéria por Ermak”, “A Travessia dos Alpes de Suvorov” - essas pinturas de Surikov foram compradas pelo imperador. O principal administrador do Museu Russo foi o Grão-Duque.

No século 20 começou nova era. A elite ocidentalizante de liberais e generais derrubou a monarquia em Fevereiro de 1917 e, continuando a Primeira Guerra Mundial para deleite dos seus patronos da Entente, derrubou o Estado em seis meses. As antigas fundações foram destruídas, mas depois de outubro de 1917, o governo soviético começou imediatamente a projetar novas. Parece que o Estado ainda não existe, está apenas começando a surgir, mas já formulou claramente as suas tarefas: um plano de propaganda monumental, uma revolução cultural. Não existem células administrativas, mas a ideologia já está criada. O resultado foi um aumento sem precedentes na energia popular, no auge do qual - maiores nomes e as maiores obras-primas. Esta não foi uma era de escolas, mas de revelações. O símbolo daquela época pode ser considerado o escultor Dmitry Filippovich Tsaplin, um camponês russo da província de Saratov.

Mas gradualmente o elemento revolucionário penetrou nas margens graníticas do “Grande Estilo” da era Estaline. Foi criada uma relação vertical poderosa e funcional entre artistas e governo. Nem todos os artistas da revolução se enquadraram neste sistema, mas muitos deles “pentearam os cabelos” e tornaram-se realistas. As escolas acadêmicas começaram a desempenhar um papel importante. Eles ensinaram excelentemente e, no início do Grande Guerra Patriótica A União Soviética produziu excelentes artistas. Recentemente, ao fazer um desenho para o Dia da Vitória, folheei os álbuns e vi uma pintura de Pyotr Krivonogov: fogos de artifício em homenagem à captura do Reichstag. É incrível! Mas hoje poucos se lembram desse artista do ateliê Grekov, que passou toda a guerra no exército ativo.

É bom que o nome de Arkady Plastov não tenha sido esquecido. Stalin levou consigo sua pintura “O Fascista Voou” para a Conferência de Teerã. Plastov foi um académico, um mestre reconhecido e ao mesmo tempo profundamente enraizado no povo, glorificando a aldeia nos seus trabalhos e feriados.

Gerasimov Alexander e Sergei, Boris Ioganson, Alexander Laktionov são grandes nomes do realismo socialista. A ideologia era clara, o Estado expressava claramente a sua vontade.


Ioganson Boris Vladimirovich,Construção de ZAGES

Laktionov Alexander Ivanovich - Cadetes publicam um jornal de parede

Foi assim em todos os tipos de arte – vamos apenas citar a tríade de grandes nomes do cinema soviético: Sergei Eisenstein, Grigory Alexandrov, Ivan Pyryev. Arte soviética criou imagens de sonho: “Futuros pilotos” de Deineka, e “ Cossacos Kuban" Pyryeva - que o conto de fadas se tornará realidade...

Mas com a morte de Estaline, e especialmente depois do discurso de Khrushchev no XX Congresso do Partido com a sua “exposição do culto à personalidade”, veio um choque, o colapso dos santuários. O "degelo" começou. Um “estilo severo” apareceu - Nikonov retratou geólogos infelizes morrendo nas montanhas, Popkov começou a falar muito sobre a aldeia, sobre seu sofrimento, etc.

Além disso, na era de Stalin, o método da brigada apareceu na arte. As convenções foram sorteadas em equipes e todos receberam bônus. E mais tarde, durante o “degelo” e mais tarde, na época de Brejnev, a era da grande ordens governamentais, que significa muito dinheiro. Os artistas criaram boas obras de arte porque foram bem ensinados. Mas muito dinheiro deu origem ao clã: nem sempre os mais talentosos tinham acesso à ordem.

O que foi dito acima não significa que o estado soviético não apoiasse outros artistas. Lembremos como se organizava a vida no Sindicato dos Artistas: foram criadas comissões - navais, desportivas, militares, etc. Artistas foram enviados para todos os pontos União Soviética como uma espécie de desembarque: nos grandes canteiros de obras, nos postos de fronteira, nos artéis de pesca, no sertão rural. E eles pintaram quadros no local. Foi assim que meu amigo Gennady Efimochkin, da mesma idade do Sindicato dos Artistas de Moscou, trabalhou durante toda a vida. É inconveniente escrever em uma tela grande em algum lugar de um penhasco acima do Angara, então ele pintou pequenos esboços. Com base nessas aquarelas, ele pinta há vinte anos, recriando a imagem da Atlântida Soviética... E isso é uma arte maravilhosa. Efimochkin pintará suas pinturas até último suspiro, porque ele está em guerra - uma guerra contínua de imagens. Era uma vez, perdemos a batalha decisiva desta guerra e perdemos a nossa pátria - a União Soviética.

Mas a guerra não acabou, embora muitos nem pensem nisso. Os artistas pensaram nisso antes, na época soviética? Quando procurávamos um cliente entre diplomatas estrangeiros e percorríamos embaixadas, você pensou nisso? E quando amigos eram convidados para “exposições de escavadeiras”, o que eles pensavam? Olhamos para o Ocidente - de lá vazaram revistas pela Polônia e Hungria, a chamada “arte moderna” escorregou por lá na pessoa de Warhol, Pollock, Beuys e outros. Sonharam com Montmartre, esquecendo que Montmartre é um refúgio para artistas pobres. Na União Soviética, os artistas sonhavam com isso, ter comida, oficinas, encomendas e assim por diante.

Por quê isso aconteceu? O fato é que existe uma luta de significados e existe uma luta de imagens. Na luta pelos significados, éramos muito mais fortes do que o Ocidente; o nosso governo pensava principalmente nos significados. E naquela época nossas imagens eram criadas por... Hollywood. Ao mesmo tempo, a cesura soviética lançou os melhores filmes americanos, franceses e italianos. E a pessoa teve a sensação: “Eles não nos mostram tudo, e provavelmente nem mostram o melhor. Mas lá, no Ocidente, que arte, que cinema, a gente deveria ir lá e dar uma olhada pelo menos! com um olho!”

Hollywood criou e continua a criar imagens da civilização americana e as lança ao redor do mundo. E revelam-se mais fortes do que o exército americano e as sanções americanas. E agora na nossa televisão, depois dos programas mais patrióticos, são exibidos regularmente filmes americanos. Surge a pergunta: nosso estado tem uma ideologia hoje?

O futuro da nossa arte depende da resposta a esta questão, porque, como já disse, não existe história da arte, mas existe a história do cliente.

Uma ideia simples e óbvia. Não há nada a acrescentar. E não importa quantos queiram, não há lugar sem ideologia. Tudo começa com ela e tudo termina sem ela.
Enquanto isso, seu estabelecimento em nível estadual, lembro a vocês, é proibido pela Constituição da Federação Russa...

Tópico: "O poder de influência da arte. Arte e poder."

Um padrão curioso é constantemente observado no desenvolvimento da cultura humana. A arte, como manifestação dos poderes livres e criativos do homem, a fuga de sua imaginação e espírito, era frequentemente usada para fortalecer o poder, secular e religioso.

Graças às obras de arte, as autoridades reforçaram a sua autoridade e as cidades e estados mantiveram o seu prestígio. A arte incorporou as ideias da religião em imagens visíveis, heróis glorificados e imortalizados. Escultores, artistas, músicos em tempos diferentes criou imagens majestosas idealizadas de governantes e líderes. Eles receberam qualidades extraordinárias, heroísmo e sabedoria especiais, o que, é claro, despertou respeito e admiração nos corações das pessoas comuns. Estas imagens demonstram claramente tradições que remontam aos tempos antigos - o culto a ídolos, divindades, que despertavam admiração não só em todos que se aproximavam, mas também em quem olhava de longe. O valor dos guerreiros e comandantes é imortalizado por obras de arte monumental. Estátuas equestres são erguidas, arcos triunfais e colunas são construídas para comemorar vitórias.

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Legendas dos slides:

O poder de influência da arte. Arte e poder. Lição nº 1 Arte Professora de Belas Artes do 9º ano Somko E.V.

A arte, como manifestação dos poderes livres e criativos do homem, a fuga de sua imaginação e espírito, era frequentemente usada para fortalecer o poder, secular e religioso.

"Cavaleiro de Bronze" Estátua equestre Petra foi feita pelo escultor E. Falcone em 1768-1770.

Graças às obras de arte, as autoridades reforçaram a sua autoridade e as cidades e estados mantiveram o seu prestígio. A arte incorporou as ideias da religião em imagens visíveis, heróis glorificados e imortalizados. "Napoleão no São Bernardo Pass"

O valor dos guerreiros e comandantes é imortalizado por obras de arte monumental. Estátuas equestres são erguidas, arcos triunfais e colunas são construídas para comemorar vitórias. Arco do Triunfo de Constantino, Roma, Itália.

Por decreto de Napoleão I, que queria imortalizar a glória de seu exército, a Porta do Triunfo foi construída em Paris. Os nomes dos generais que lutaram ao lado do imperador estão gravados nas paredes do arco. França, Paris, Arco do Triunfo

Em 1814, na Rússia, para as boas-vindas solenes do exército libertador russo que retornava da Europa após a vitória sobre Napoleão, o Portão do Triunfo de madeira foi construído no Posto Avançado de Tverskaya. Por mais de 100 anos, o arco ficou no centro de Moscou e em 1936 foi demolido. Somente na década de 60. Século XX O arco triunfal foi recriado na Praça da Vitória, perto de Poklonnaya Gora, no local onde o exército de Napoleão entrou na cidade.

Arco Triunfal de Alexandre. É também chamada de “Porta Real”. Originalmente construído em 1888 em homenagem à chegada do Imperador Alexandre III e sua família a Yekaterinodar. Em 1928, por decisão das autoridades locais Poder soviético o arco foi demolido sob o pretexto de que a estrutura da era czarista estava impedindo o tráfego de bondes, embora desde 1900 os bondes tenham circulado com bastante sucesso logo abaixo do arco. Os desenhos não foram preservados; foram restaurados a partir de fotografias. Anteriormente, o Arco estava localizado no cruzamento das ruas Ekaterininskaya (agora Mira) e Kotlyarevskaya (Sedina). Recriado em 2009 no cruzamento das ruas Krasnaya e Babushkina.

Os czares de Moscou consideravam-se herdeiros das tradições romanas, e isso se refletia nas palavras: “Moscou é a Terceira Roma, mas nunca haverá uma quarta”.

A capela do coro com o nome de M.I. Glinka é um majestoso monumento da cultura russa, famoso em todo o mundo. A capela ajuda a manter a ligação dos tempos e a continuidade das tradições.

Mosteiro da Ressurreição Novo-Jerusalém - monumento.

No século XX, durante a era do stalinismo em nosso país, a arquitetura pomposa e magnífica enfatizou a força e o poder do Estado, reduzindo-o a um nível insignificante. personalidade humana, ignorou a singularidade individual de cada pessoa

Projetos não realizados de arquitetos moscovitas dos anos 30-50.

Lição 1. “Arte e Poder”

I. Saudações. Palavra introdutória do professor.

Hoje na lição teremos que compreender a relação, e talvez a oposição, de dois conceitos como “arte” e “poder”. Primeiro você precisa encontrar respostas para as perguntas: (SLIDE 1)

O que é arte?

O que é poder? (respostas dos alunos).

Arte - o processo e resultado de uma expressão significativa de sentimentos em uma imagem. Arte é parte integral cultura da humanidade.
Poder - esta é a oportunidade e a capacidade de imporvai , influenciam as atividades e o comportamento de outras pessoas, mesmo apesar de sua resistência.

O poder surgiu com o surgimento da sociedade humana e sempre acompanhará o seu desenvolvimento de uma forma ou de outra.

Quando a arte apareceu? (respostas dos alunos)

O nascimento da arte e os primeiros passos desenvolvimento artístico a humanidade remonta ao sistema comunal primitivo, quando foram lançadas as bases da vida material e espiritual da sociedade.

Que conclusão podemos tirar de tudo o que foi dito acima?

Conclusão: arte e poder surgiram e se desenvolveram simultaneamente e são parte integrante da formação da vida social.

II. Aprendendo novo material.

Muitas vezes o governo utiliza o ambiente cultural da sociedade para influenciar a consciência de massa. Com a ajuda da arte, o poder secular ou religioso foi fortalecido.

A arte incorporou as ideias da religião em imagens visíveis, glorificou governantes e perpetuou a memória dos heróis.

Um dos primeiros exemplos da influência do poder na arte podemos considerar o aparecimento de ídolos de pedra ou madeira criados por povos primitivos. E não importa se era a imagem de uma pessoa ou de um animal. Na maioria das vezes, esses ídolos monumentais inspiravam admiração em uma pessoa, mostrando sua insignificância diante das forças da natureza e dos deuses. Durante o mesmo período, completamente lugar especial Na sociedade antiga, os xamãs e os sacerdotes detinham um enorme poder. (SLIDE 2)

Como a arte do antigo Egito difere da arte das tribos primitivas?

Na arte do antigo Egito, junto com imagens de deuses, encontramos imagens do faraó. Filho do deus sol Rá. Sua encarnação terrena. Ele é igual aos deuses e domina as pessoas. E mais uma vez a arte vem em auxílio do poder. Imortalizar os nomes dos faraós em afrescos, preservar seus traços faciais em máscaras funerárias, falar de sua grandeza com a ajuda de monumentos monumentais como pirâmides, palácios e templos. (SLIDE 3,4)

Mas aqui está a questão: a arte é personificada neste momento?

As imagens que vemos neste período são canônicas, são generalizadas e idealizadas. Podemos observar isso de forma especialmente clara na arte da Roma Antiga e da Grécia Antiga. Lembre-se da descrição da aparência de Hércules: “Hércules era muito mais alto do que todos os outros, e sua força excedia a de um homem. Os olhos brilhavam com uma luz divina incomum. Ele manejava o arco e a lança com tanta habilidade que nunca errava”, não é esta a imagem ideal de um herói imortalizado nos mitos? (SLIDE 5)

A Roma Antiga, sendo em muitos aspectos herdeira da Grécia, continuou a idealizar as imagens de seus heróis, imperadores e deuses. Mas cada vez mais a atenção da arte está voltada para para uma pessoa específica, os retratos transmitem cada vez mais de forma clara e escrupulosa as características da pessoa retratada. Muitas vezes isso se devia ao aumento do interesse pelo indivíduo, com a ampliação do círculo de retratados.

Durante a República, tornou-se costume erguer estátuas em tamanho real de funcionários políticos ou comandantes militares em locais públicos. Tal honra foi concedida por decisão do Senado, geralmente para comemorar vitórias, triunfos e conquistas políticas. Tais retratos eram geralmente acompanhados de uma inscrição dedicatória contando sobre os méritos. Se uma pessoa cometesse um crime, suas imagens eram destruídas, enquanto as estátuas dos governadores simplesmente tinham suas “cabeças” trocadas. Com o advento do Império, o retrato do imperador e sua família tornou-se um dos mais poderosos meios de propaganda. (SLIDE 6)

Diante de nós está um retrato do imperador Otaviano Augusto na forma de um comandante. Ele faz um discurso para o exército. A armadura do imperador lembra suas vitórias. Abaixo está uma imagem de cupido em um golfinho (significando a origem divina do imperador).

É claro que tanto o rosto quanto a figura do imperador são idealizados e correspondem plenamente aos cânones da imagem da época.

Uma das formas de afirmar o poder é construir palácios magníficos. O luxo do design muitas vezes inspirado para o homem comum sentimento de insignificância diante de um nobre. Mais uma vez, enfatizando as diferenças de classe e indicando pertencer a uma casta superior.

Na mesma época, arcos e colunas triunfais começaram a ser erguidos para comemorar as vitórias. Na maioria das vezes eram decorados com imagens escultóricas de cenas de batalha e pinturas alegóricas. Muitas vezes você pode ver os nomes dos heróis gravados nas paredes dos arcos triunfais. (SLIDE 7)

No século XV, após a queda de Bizâncio, considerada a sucessora do Império Romano e chamada de “segunda Roma”, Moscou tornou-se o centro da cultura ortodoxa. Os czares de Moscou consideravam-se herdeiros das tradições bizantinas. Isto reflecte-se nas palavras: “Moscou é a Terceira Roma, mas nunca haverá uma quarta”.

Para corresponder a este elevado status, por ordem do Grão-Duque de Moscou Ivan III, a Catedral da Assunção em Moscou foi construída em 1475-1479 pelo arquiteto italiano, o mais habilidoso arquiteto e engenheiro Aristóteles Fioravanti. (SLIDE 8)

A conclusão da construção da primeira igreja de pedra em Moscou - a Catedral da Assunção - tornou-se o motivo da fundação do Coro dos Diáconos Cantores Soberanos. A escala e o esplendor do templo exigiam maior poder musical do que antes. Tudo isso enfatizou o poder do soberano.

Mas vamos voltar ao Grandes vitórias, como na Roma antiga, são construídos arcos triunfais para comemorar as vitórias conquistadas.

1. Arco do Triunfo em Paris - um monumento na Praça Charles de Gaulle, erguido em 1806-1836 pelo arquiteto Jean Chalgrin.Construída por ordem de Napoleão I, que queria imortalizar a glória do seu exército. Os nomes dos generais que lutaram ao lado do imperador estão gravados nas paredes do arco (SLIDE 9)

2. Portão do Triunfo (arco) em Moscou.Inicialmente, o arco foi instalado na Praça Tverskaya Zastava, no local de um arco de madeira construído em 1814 para a reunião cerimonial das tropas russas que retornavam de Paris após a vitória sobre Tropas francesas. Os portões são decorados com cavaleiros russos - imagens alegóricas de Vitória, Glória e Bravura. As paredes do arco foram revestidas com pedra branca da vila de Tatarova, perto de Moscou, as colunas e a escultura foram fundidas em ferro fundido(SLIDE 10, 11)

Podemos observar a celebração do poder na música de forma especialmente clara na música. Por exemplo, no hino nacional Império Russo 1833 (1917) “Deus salve o czar!” Música Príncipe Alexei Fedorovich Lvov, palavras de Vasily Andreevich Zhukovsky “Oração Russa”. Para aquele mesmo “professor” literário de Zhukovsky de Pushkin

- Quem pode dar um exemplo do uso deste tipo de hinos em história moderna? (Deus salve a rainha).

Um exemplo de uso moderno hinos semelhantes pode servir como o hino britânico.

III. Trabalho independente

- Qual é a influência do poder na arte?

- Quão profundos são seus relacionamentos?

Você pode formar sua opinião sobre este assunto respondendo às seguintes perguntas: (SLIDE 12)

1. Para que serviu a arte no desenvolvimento da cultura humana? (para fortalecer o poder – religioso e secular)

2. Como a arte ajudou a fortalecer o poder e a autoridade dos governantes? (a arte incorporou as ideias da religião em imagens visíveis; heróis glorificados e imortalizados; deu-lhes qualidades extraordinárias, heroísmo e sabedoria especiais)

3. Que tradições são evidentes nestas imagens monumentais? (tradições que remontam aos tempos antigos - adoração de ídolos, divindades que evocam admiração)

4. Qual funciona o poder mais claramente fortalecido? (estátuas equestres, arcos e colunas triunfais, catedrais e templos)

5. Qual arco e em homenagem a quais eventos foi restaurado em Moscou na Kutuzovsky Prospekt? ( em 1814 portões triunfais em homenagem ao encontro do exército libertador russo que retornou da Europa após a vitória sobre Napoleão; foi demolido em 1936; em 1960 foi recriado na Praça da Vitória, perto da Colina Poklonnaya, no local onde o exército de Napoleão entrou na cidade)

6. Qual arco está instalado em Paris? (por decreto de Napoleão em homenagem ao seu exército; os nomes dos generais que lutaram ao lado do imperador estão gravados nas paredes do arco)

7. Em que época Moscou se tornou o centro da cultura ortodoxa? (no século 15, após a queda de Bizâncio, que foi considerado o sucessor do Império Romano e foi chamado de Segunda Roma)

8. Como aumentou a imagem cultural do estado moscovita? (o pátio do czar de Moscou se torna o local de residência de muitos educados culturalmente Pessoas ortodoxas, arquitetos, construtores, pintores de ícones, músicos)

9. Por que Moscou foi chamada de “Terceira Roma”? (Os czares de Moscou se consideravam herdeiros das tradições romanas)

10. Qual arquiteto começou a reconstruir o Kremlin de Moscou? (Arquiteto italiano Fiorovanti)

11. O que marcou a conclusão da construção da primeira igreja de pedra em Moscou - a Catedral da Assunção? (a formação de um coro de clérigos cantores soberanos, pois a escala e o esplendor do templo exigiam maior potência no som da música)

Alexandre Alexandrovich Vlaskin

Motivos políticos da arte

A criatividade artística e a auto-expressão, bem como as actividades dos políticos, têm grande influência na sociedade. Muito se tem dito e escrito sobre a estreita ligação entre arte e política; esta ligação foi fortalecida na antiguidade, quando escultores e artistas formavam imagens heróicas de governantes e refletiam as suas façanhas e vitórias. Arte posterior começou não apenas a elogiar, mas também a denunciar e difamar certas figuras ou ideologias. Quais são os motivos políticos da arte e daqueles que a criam?

Os políticos fazem história, permanecem nela, assim como artistas e escritores se esforçam para permanecer nela... Os autores não apenas refletem o mundo para a posteridade, mas também contribuem para a formação da modernidade, avaliam e oferecem sua visão. Ao mesmo tempo, ambos os processos podem ser politicamente tendenciosos, porque o que desperta o interesse do público é benéfico para aqueles que querem ganhar o poder.

A cultura de massa, o progresso no campo da transmissão de informação, o surgimento de meios de comunicação globais, bem como o domínio do modelo de consciência do clipe - tudo isso afetou significativamente a arte e a política. Na verdade, para o homem modernoÉ difícil esconder-se da propaganda e das propostas de opiniões diferentes, e a arte pode transformar algumas ideologias numa forma popular e elegante.

A própria arte contemporânea faz parte do paradigma estético e ético; materializa o espírito da época em certas obras e, portanto, não fica alheia às questões atuais.

A arte contemporânea procura moldar a moda; a moda influencia o estilo de vida e a visão de mundo da sociedade de consumo. O autor, por sua vez, pode se engajar em rotulagens artísticas, demonizar alguns e exaltar outros, e parte do público adota seus pontos de vista sem sequer se interessar pela política como tal. Visto que a arte contemporânea é muitas vezes um protesto, uma rebelião do autor, uma resposta às normas estabelecidas, estereótipos, um teste de moralidade pública, a oposição política também é característica dela. Figuras arte contemporânea em diferentes períodos da história foram cantores e artistas de revoluções, mesmo que mais tarde alguns tenham compreendido a tragédia de tal caminho. No entanto, hoje na Rússia a arte contemporânea é parcialmente utilizada como ferramenta política.

Intervenção da arte contemporânea e da Rússia pós-soviética

Mayakovsky, que na sua época foi um autor provocador e progressista, falou sobre “um tapa na cara do gosto público”. No final do século XX, as bofetadas transformaram-se numa série de golpes, numa espécie de competição de provocação.

O período da perestroika, e posteriormente a década de 90, é caracterizado pelo facto de vários autores escandalosos terem recebido uma espécie de “passe todo-o-terreno” para todas as esferas da sociedade. A competição pela permissividade resultou em dezenas de exposições, eventos e performances, onde o padrão moral foi rebaixado e os fundamentos e valores tradicionais e conservadores foram atacados.

O acontecimento significativo de que fala Vladimir Salnikov tornou-se muito característico: “A própria arte dos anos 90 nasceu em 18 de abril de 1991, quando na Praça Vermelha o grupo “Estes” de Anatoly Osmolovsky expôs com seus corpos a palavra de suas três letras. ”

Um dos símbolos do fortalecimento e difusão de novas abordagens foi o nu Oleg Kulik, retratando um cachorro. O pano de fundo deste ato, que recebeu reconhecimento mundial, também é indicativo - o artista “virou cachorro” por causa da fome. Ele simplesmente deu aos críticos o que eles apresentaram com sucesso sociedade ocidental, mas isso continua selvagem para a Rússia.

Apesar do facto de a maior parte dos cidadãos ainda aderir a pontos de vista conservadores e estar longe de estudar as subtilezas da história da arte, formou-se uma grande e vibrante comunidade de informais na moribunda União Soviética. Do ambiente informal surgiram dezenas de artistas, poetas e músicos que, durante o período de permissividade e incentivo para ir além das fronteiras morais, receberam oportunidades ilimitadas para experiências criativas.

A nova arte, que recebeu uma espécie de carta branca e apoio de prêmios, não conseguiu reformatar a consciência da geração mais velha, mas influenciar os jovens, principalmente na ausência programas governamentais nesta área, pode ser muito grave.

Como produtos brilhantes, mas artificiais e muitas vezes nocivos, na esteira da perestroika, exemplos de arte ocidental, que antes não eram difundidos, mas passaram a ser chamados de avançados e progressistas, também inundaram nosso país. Aqui há abstração, um desejo de suplantar o realismo, e experiências existenciais, e depressão, e negação dos cânones, e experimentos com o corpo em vez de explorar a alma. E tal produto foi cultivado, assim como a goma de mascar ou o álcool foram cultivados.

No entanto, existem dezenas de exemplos de obras e autores que não tiveram uma influência destrutiva na sociedade, mas os precedentes individuais podem ser considerados servindo a interesses políticos pró-ocidentais. Por exemplo, a figura do estrategista político profissional Marat Gelman, que se tornou maestro da arte moderna. Ele participou ativamente vida politica país nos anos 90 e início dos anos 2000, mas depois de uma série de escândalos, quando suas exposições foram chamadas de ofensivas e atropeladoras dos alicerces da sociedade russa, ele anunciou a redução do mercado de arte contemporânea na Federação Russa, e mais tarde mudou-se para Montenegro, criticando ativamente as políticas de Vladimir Putin.

Alexander Brener também se autodenominava ativista político. Ele ganhou fama aparecendo nu em certos lugares, explicando isso com vários subtextos. Uma de suas ações mais memoráveis ​​foi um show no Campo de Execução, na Praça Vermelha, usando luvas de boxe e desafiando o então presidente Boris Yeltsin para uma luta. É verdade que, neste caso, Brener ainda usava shorts.

Nos processos de promoção da criatividade nova e obscura, ganham destaque os gestores de arte e galeristas, que podem contribuir para o desenvolvimento e a prosperidade do autor. Direcionam as solicitações às suas atividades e, se necessário, introduzem um componente político na encomenda ou seleção das obras.

No início do século 21, formou-se na Rússia uma comunidade engajada não tanto na arte no sentido clássico, mas em experimentos de natureza provocativa. Isso se aplica às artes plásticas, ao cinema e ao teatro. A arte depressiva que rejeitava a autoridade e desprezava os cânones clássicos começou a ser elevada à norma. Aqui também lembramos “Norma”, de Vladimir Sorokin, um escritor cult que ganhou popularidade apenas na virada do século. Não foi à toa que sua prosa foi chamada de “excremental”, pois se dava muita atenção aos excrementos.

Características de posicionamento da arte contemporânea

É claro que nem todos os autores e galeristas perseguem objetivos políticos e aumentar a sua popularidade através de provocações. Por exemplo, o famoso galerista Sergei Popov falou sobre o corte de ícones e outras zombarias nas exposições: “Reagi de forma extremamente negativa à exposição “Cuidado com a Religião” - foi uma provocação em forma pura. E deu origem a uma reacção muito negativa do público conservador à arte contemporânea; ainda estamos a colher os frutos de tais acções idiotas; A arte só pode ser apresentada como uma provocação em países onde estão preparados para isso. Mas os artistas não têm o direito de abater porcos e mostrar imagens de mulheres nuas em países onde a lei Sharia se aplica - as suas cabeças serão cortadas por isso. Mas na Rússia não se pode fazer provocações sobre temas religiosos e ignorar o contexto do país.”

Assim, a provocação não é um pré-requisito para a arte contemporânea. Isto está em em maior medida uma escolha, e uma escolha consciente e motivada. Aqueles que fizeram esta escolha muitas vezes tornam-se participantes não só de processos artísticos, mas também políticos, um instrumento nas mãos de estrategistas políticos.

O acionismo tornou-se uma característica importante do período pós-soviético. Um dos principais artistas, Anatoly Osmolovsky, descreveu este fenômeno da seguinte forma: “Numa sociedade que não é sensível à arte, o artista tem que bater na cabeça dele com um microscópio, em vez de observar alguns bactérias benéficas. A sociedade na Rússia não é sensível à arte, por isso os nossos artistas, desde os anos 90, têm praticado a participação direta na própria sociedade - são ações, intervenções.”

Acionismo, sendo uma saída do habitual espaços de arte, também está próximo da política, e uma série de ações carregam conotações políticas. Esse tipo de atividade também atrai a mídia, que divulga ativamente ações brilhantes e provocativas. Com o desenvolvimento da Internet, os eventos virais e de clipes estão se tornando um produto popular que atinge um grande público. Este é o benefício indubitável de usar a arte moderna para promover a ideologia desejada.

Os jornalistas trouxeram o accionismo, que muitas vezes se enquadra no artigo do Código Penal da Federação Russa sobre vandalismo, para novo nível popularidade. É estranho por si só que a ação do grupo Voina de capotar um carro da polícia tenha sido geralmente chamada de ato artístico. Mas este grupo também recebeu o prestigioso Prêmio Estadual Kandinsky em 2011, instituído pelo Ministério da Cultura para a ação de desenhar um pênis em uma ponte levadiça em frente ao prédio do FSB em São Petersburgo.

Os atuais “encrenqueiros” que implementam uma mensagem ideologicamente destrutiva - o artista Pavlensky, Pussy Riot, Blue Rider, antigo grupo artístico Voina - todos eles se formaram justamente sob a influência do estilo dos anos 90, o incentivo à permissividade, que tornado sinônimo de liberdade. E esses exemplos podem ser chamados de uma das armas da guerra de informação. Assim como no final dos anos 80, o rock and roll tornou-se uma arma contra o comunismo e o sovietismo. É verdade que, diferentemente dos hinos do rock, as ações que envolvem desenhar enormes falos ou envolvê-los em arame farpado não recebem tantos fãs.

As conotações políticas de Brener ou as provocações de Ter-Oganyan, que cortou ícones com um machado, foram substituídas por uma orgia do grupo artístico “Guerra” no museu, dançando no templo, mas a essência permaneceu a mesma - o o autor recebe fama (embora escandalosa) e citações, e um possível cliente ou patrono – uma metáfora política acessível às massas, que pode ser ativamente utilizada no futuro.

Segundo o artista Nikas Safronov, hoje no mundo cerca de cem pessoas decidem a política de toda arte, e não importa se você sabe desenhar ou não. Se você tem carisma, se faz as pessoas falarem de você, isso já pode fazer parte da arte.

O choque entre provocadores e conservadorismo

Na verdade, como disseram muitos especialistas, inclusive A. Konchalovsky em sua famosa palestra sobre arte contemporânea, o objetivo de provocar muitas vezes substitui a habilidade artística, como pode ser visto nos carros-chefe do gênero.

Com o fortalecimento dos sentimentos conservadores, com o fortalecimento patriotismo civil e o Estado em geral, as ações livres dos artistas provocadores começaram a receber cada vez mais críticas.

No início do novo século, a moda pós-modernista tornou-se mais forte no teatro, na literatura e na belas-Artes, mas o rumo conservador escolhido pelo Estado levou a um choque de interesses e preferências no meio artístico. Alguns procuraram mostrar algo que exigia explicação adicional, algo que repetia em grande parte a tradição ocidental de dez, vinte ou trinta anos atrás. Mas os princípios da terapia de choque na arte, que foram popularizados ao mesmo tempo que a terapia de choque era aplicada na economia a todo o país, não cativaram a maioria dos cidadãos. Chocante, arrogante, obscuro, desafiador, às vezes agressivo e depressivo - tudo isso permaneceu estranho. Percebendo isso, os promotores dessa arte passaram a insistir no elitismo de seu produto, no fato de ser apenas para a elite, instruída e altamente desenvolvida. Essa divisão tornou-se um dos fatores do conflito. Essa característica já se manifestou mais de uma vez na história da Rússia, mas nem todos tiram conclusões. As pessoas chamam de gado, massas cinzentas, jaquetas acolchoadas e assim por diante. A comunidade ortodoxa, que tem sido rotulada como “obscurantista”, recebe epítetos especiais. Com esta abordagem, um pequeno grupo isola-se e também elimina a possibilidade de espalhar popularidade a camadas mais amplas, chamando o seu produto de “arte não para as massas”. Tomemos, por exemplo, a peça “Boris Godunov” de Bogomolov, onde no palco teatro acadêmico a situação no poder é exibida com um toque de modernidade, e nas telonas os créditos “O povo é caipira estúpido” passam constantemente.

Seguir tradições e fundamentos para uma parte da sociedade é retratado como algo vergonhoso e atrasado, e esta é uma das tarefas importantes da ideologia liberal russa. A imagem de um “padre ladrão” aparece em filmes (“Leviatã”), em canções (Vasya Oblomov “Multi-Move”) e no palco (“Boris Godunov”). Tudo isso parece trabalhar em uma tendência e a mais Meios eficazes Contra isto parece estar a criação de um produto artístico alternativo de apelo de massa. Excelentes exemplos nesta área são o filme “A Ilha”, o livro “Unholy Saints”, etc.

Talvez os conflitos mais ressonantes entre provocação e conservadorismo tenham sido a situação recente com a ópera Tannhäuser, bem como os escândalos em torno da exposição “Arte Proibida” em 2006. Aqui já podemos falar do choque de conceitos políticos, do liberalismo e do ocidentalismo contra a conservação, quando há um impacto destrutivo deliberado sobre objetos e objetos de culto religioso.

A Igreja e a Ortodoxia em geral tornam-se um dos alvos da provocação artística, o que pode ser considerado uma forma de influenciar os arquétipos nacionais. Estas são as famosas catedrais de enemas azuis, recortes de ícones e assim por diante.

É verdade que a arte contemporânea pode influenciar a política de uma forma mais direta. A mesma peça “Boris Godunov” é uma caricatura do atual governo com imagens do presidente e do patriarca. Há também produções no “independente” Theatre.doc, onde apareceram as peças “Berlusputin”, “Caso Bolotnaya”, “ATO”, e agora estão preparando uma peça sobre o diretor ucraniano Sentsov, condenado por preparar atos terroristas na Crimeia . Aqui se defende o direito de xingar no palco, o que se denomina dispositivo artístico integral.

Ao mesmo tempo, quando este teatro começou a ter problemas com as instalações, tanto figuras famosas da cultura russa como ocidentais o defenderam ativamente. Inclusão estrelas estrangeiras incluir a cultura na agenda política é uma técnica popular. Eles defenderam Tannhäuser e o mesmo Sentsov. Vale lembrar Madonna, que foi a um dos shows com a inscrição “Russy Riot” nas costas, embora não soubesse realmente nada sobre esse grupo. Tais exemplos demonstram a unidade dos objetivos políticos e das linhas gerais, que diretores, atores e artistas estão dispostos a servir.

Também é interessante observar a penetração da arte contemporânea politizada nas regiões. Os liberais têm tradicionalmente tido baixa popularidade nas províncias e através da arte é possível transmitir aqueles pontos que são difíceis de perceber na boca dos políticos visitantes. A experiência de Perm com a introdução massiva de arte moderna e obscura na região dos Urais não se mostrou a melhor. A apoteose da participação da política nesse processo foi a exposição de Vasily Slonov, que retratou os símbolos das Olimpíadas de Sochi de uma forma nojenta e assustadora. Mas apresentações teatrais são mais compreensíveis e com a ajuda deles é mais fácil transmitir uma visão de mundo. É por isso que o Theatre.doc viaja com prazer, é por isso que tentaram encenar a peça escandalosa “The Bath Attendant” em Pskov, é por isso que “The Orthodox Hedgehog” aparece em Tomsk.

Várias figuras culturais juntaram-se às colunas de manifestantes e participantes dos protestos. Isto em si não é novo, uma vez que sempre houve muitos rebeldes na arte, mas a actual situação russa é desprovida de qualquer revolucionismo romântico, é antes um jogo monótono de dissidência, ao qual Ulitskaya, Makarevich, Akhedzhakova, Efremov, em parte Grebenshchikov e outros se juntaram a pessoas talentosas, em sua maioria em idade de aposentadoria. Representantes da velha intelectualidade, que ainda se lembram da política da cozinha e do samizdat, ficam felizes em vê-los, mas os jovens são esses “líderes” opinião pública“De alguma forma não estou impressionado. Entre as jovens figuras da oposição, além de Tolokonnikova e Alyokhina, que são percebidas de forma ambígua até pela oposição, podemos destacar os músicos Vasya Oblomov e Noize MC, que, no entanto, não são tão radicais.

Guardiões na arte contemporânea

Junto com as forças liberais, que veem na arte moderna pró-ocidental e pós-moderna o seu ambiente vivificante, bem como a oportunidade de difundir uma ideologia próxima de si, começaram a aparecer cada vez mais autores, bem como sindicatos criativos, que, utilizando o estilo vanguardista, a pop art, defendem os valores já patrióticos.

Os movimentos artísticos da moda podem e devem ser um meio de autoexpressão e de transmissão das teses necessárias para os guardiões, para aqueles que precisam de uma Rússia independente que honre os valores tradicionais.

Exemplos de proteção política na arte podem ser vistos não apenas em salões e galerias, mas também nas ruas das nossas cidades. Muitas exposições de artistas que apoiam as políticas do Kremlin, bem como performances temáticas, são realizadas sob ar livre, atraindo centenas de espectadores e jornalistas.

Separadamente, podemos observar a cultura de rua - arte de rua, uma das manifestações populares da qual é o graffiti. Em Moscou e em várias outras cidades, começaram a aparecer cada vez mais grafites patrióticos, e em grande escala, cobrindo centenas de metros quadrados de superfície.

Há também artistas que se inspiram em temas patrióticos e em imagens dos líderes do país. Assim, uma descoberta nesta área há vários anos foi o artista de São Petersburgo Alexei Sergienko, que ficou famoso por uma série de retratos de Vladimir Putin. Ele então criou uma série de pinturas no estilo de Andy Warhol, mas apenas com icônicos Símbolos russos, bem como uma coleção de roupas “patrióticas”, em que o enfeite era feito de bonecas e outros elementos clássicos da cultura russa.

Na música e na literatura, uma certa camada patriótica se formou em torno do tema Donbass. Estes são Zakhar Prilepin, que anteriormente foi considerado um oposicionista e colaborou com o NBP, e Sergei Shargunov, e o grupo mais popular“25/17” com letras sinceras e vários outros autores famosos. Estas pessoas e grupos, cada um dos quais com milhares ou dezenas de milhares de fãs, constituem um sério contrapeso à ala liberal das figuras criativas.

Associações inteiras também estão atraindo a atenção. Assim, a fundação Art Without Borders causou enorme ressonância com a exposição “At the Bottom”, que coletou exemplos de cenas imorais e às vezes ofensivas no mundo moderno. Teatro russo. Ao mesmo tempo, notou-se que foram recebidos fundos orçamentais para uma série de produções escandalosas. Este evento causou uma tempestade de indignação na comunidade teatral.

O próprio fundo, no entanto, também é conhecido exibições de arte, em que jovens autores demonstram trabalhos sobre temas políticos atuais no estilo da pop art.

Houve também apresentações teatrais com espírito patriótico. Pode-se lembrar a tentativa do teatro Vladimir de transferir a história da “Jovem Guarda” para a Ucrânia moderna - esta performance recebeu muitas críticas iradas dos críticos.

Há também o projeto “SUP”, que se destacou não só pelas leituras sobre o tema do conflito ucraniano, mas também por uma pequena performance política sobre sonhos de revoluções e experiência histórica que nega essas mesmas revoluções.

Neste início de temporada (política e criativa), devemos esperar um reforço do vínculo protetor, fortalecimento e maior diversidade artística. No mínimo, a perspectiva de atrair público depende da qualidade do produto artístico, da sua originalidade e eficácia, e esta é, de facto, uma luta da intelectualidade, de quem pode ser líder da opinião pública. E a reflexão de opiniões e crenças nos palcos e salas não é menos importante do que as apresentações de rua.

Sobre a situação atual no campo da arte contemporânea

Na temporada 2015-2016, a parte liberal da comunidade artística continuou a falar em “apertar os parafusos” e aumentar a pressão governamental. O escândalo com o prêmio “ Máscara dourada”, que eles decidiram reformatar. O conselho de especialistas existente entre os “nossos” foi alterado, o que indignou muitos críticos e diretores. Kirill Serebrennikov e Konstantin Bogomolov até se recusaram a participar dos próximos eventos. Mas os especialistas simplesmente tornaram-se diferentes, com opiniões e pontos de vista diferentes, e não pessoas do mesmo campo. Mas mesmo isso indignou os liberais, que viam política nesta mudança. Acontece que os chamados “criadores livres” são intolerantes às críticas, e o mais prestigiado prémio de teatro foi usurpado para introduzir no teatro nacional os seus próprios cânones e princípios, que estão longe de ser clássicos e académicos. Os autores dos escândalos do palco principal tornaram-se vencedores deste prêmio. A “Máscara de Ouro”, por sua vez, desempenhou o papel de uma espécie de proteção: “Bom, não dá para repreendê-lo, ele é o laureado da “máscara”.

Os artistas contemporâneos procuram apresentar-se como especiais e marcantes, ao mesmo tempo que ditam as suas próprias opiniões e prestam atenção à política. Os motivos políticos só podem intensificar-se em Próximo ano, que coincide com as eleições parlamentares e, consequentemente, com um aumento da atividade política. Graças à Internet, vários autores e críticos terão acesso a amplos públicos, e obras brilhantes e originais terão como objetivo a divulgação das ideologias necessárias. Mesmo as manifestações de uma nova onda de accionismo político não podem ser excluídas.

Naturalmente, é difícil e irracional suprimir tal onda com proibições e restrições. Mas a prática de respostas simétricas parece bastante viável – algo que já foi testado com sucesso na política externa. Ou seja, no mundo da arte esta será uma resposta de criatividade à criatividade, de criatividade à criatividade, uma batalha pelo público, apesar de a maioria da população ainda se inclinar para o conservadorismo e valores tradicionais, não busca formas de compreender o abstrato, não está preparado para expor seu gosto aos “tapas na cara” dos artistas. Naturalmente, esta afirmação não se aplica a provocações e violações diretas da lei, para as quais existem mecanismos confiáveis ​​completamente diferentes.

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Estudos culturais e história da arte

1. Arte e poder. No desenvolvimento da cultura humana, é constantemente visível um padrão curioso na forma como a arte foi frequentemente utilizada para fortalecer o poder secular e religioso. Graças às obras de arte, o poder fortaleceu sua...

1. Arte e poder.

No desenvolvimento da cultura humana, é constantemente visível um padrão curioso na forma como a arte foi frequentemente utilizada para fortalecer o poder, tanto secular como religioso.

Graças às obras de arte, as autoridades reforçaram a sua autoridade e as cidades e estados mantiveram o seu prestígio.

Arte:

1. incorporou as ideias da religião em imagens visíveis;
2. heróis, governantes e líderes glorificados e imortalizados.

Escultores, artistas e músicos em diferentes épocas criaram imagens idealizadas e majestosas de governantes e líderes. Eles receberam qualidades extraordinárias, heroísmo e sabedoria especiais, o que, é claro, despertou respeito e admiração nos corações das pessoas comuns. Estas imagens demonstram claramente tradições que remontam aos tempos antigos - o culto a ídolos, divindades, que despertavam admiração não só em todos que se aproximavam, mas também em quem olhava de longe.

O valor dos guerreiros e comandantes é imortalizado por obras de arte monumental.

Exemplos:

1. São instaladas estátuas equestres, arcos triunfais e colunas são construídas para comemorar as vitórias.

Por decreto de Napoleão I, que queria imortalizar a glória de seu exército, a Porta do Triunfo foi construída em Paris. Os nomes dos generais que lutaram ao lado do imperador estão gravados nas paredes do arco.

2. 1814 na Rússia, para as boas-vindas solenes do exército libertador russo que retornava da Europa após a vitória sobre Napoleão, o Portão do Triunfo de madeira foi construído no Posto Avançado de Tverskaya. Por mais de 100 anos, o arco ficou no centro de Moscou e em 1936 foi demolido. Somente na década de 60. Século XX O arco triunfal foi recriado na Praça da Vitória, perto de Poklonnaya Gora, no local onde o exército de Napoleão entrou na cidade.

Século XV após a queda de Bizâncio, que foi considerada a sucessora do Império Romano e foi chamada de Segunda Roma,torna-se o centro da cultura ortodoxa Moscou . Durante o período de crescimento econômico e militarEstado de Moscou necessário apropriadoimagem cultural. O pátio do czar de Moscou torna-se o local de residência de muitos ortodoxos com formação cultural. Entre eles estão arquitetos e construtores, pintores de ícones e músicos.

Os czares de Moscou consideravam-se herdeiros das tradições romanas, e isso se refletia nas palavras: “Moscou é a Terceira Roma e nunca haverá uma quarta”. Para viver de acordo com esse status elevado,projetado por um arquiteto italianoFioravanti está reconstruindo o Kremlin de Moscou.Conclusão da construçãoa primeira igreja de pedra em Moscou, a Catedral da Assunção, tornou-se o motivo da fundação do Coro dos Diáconos Cantores Soberanos. A escala e o esplendor do templo exigiam maior poder musical do que antes. Tudo isso enfatizou o poder do soberano.

Na segunda metade do século XVII.Por Grande desenho Sua Santidade o Patriarca Nikon criou lugares sagrados à imagem da Palestina associados a vida terrena e a façanha de Jesus Cristo,Nova Jerusalém foi construída perto de Moscou mosteiro Dele catedral principal semelhante em planta e tamanho à Igreja do Santo Sepulcro em Jerusalém . Esta é a ideia do Patriarca Nikon - o auge do desenvolvimento das antigas tradições da Igreja Russa, que remonta à época do batismo da Rus' (século X).

Século XVIII aberto novo capítulo História russa. Pedro I de acordo com a expressão adequada de Pushkin, “uma janela para a Europa foi aberta”São Petersburgo foi fundada.

Novas ideias são refletidas em todos os tipos de arte. Surgiram a pintura e a escultura seculares, a música mudou para um estilo europeu. O coro dos cantores do soberano foi agora transferido para São Petersburgo e se tornou a Capela Cantante da Corte (o próprio Pedro I cantava frequentemente neste coro). As artes proclamam louvores ao Senhor e brindes ao jovem czar de toda a Rússia.

Agora, a Capela do Coro com o nome de M. I. Glinka é um majestoso monumento da cultura russa, famoso em todo o mundo. A capela ajuda a manter a ligação dos tempos e a continuidade das tradições.

Século 3.XX, durante a era do stalinismo em nosso país, a arquitetura pomposa e magnífica enfatizava a força e o poder do Estado, reduzindo a personalidade humana a um nível insignificante, ignorando a singularidade individual de cada pessoa. O mecanismo sem alma de coerção estatal destaca o elemento grotesco da música (D. Shostakovich, A. Schnittke, etc.).

Os sentimentos democráticos do povo encontram expressão especialmente vívida na arte em momentos decisivos da história. Estas incluem canções e marchas revolucionárias durante a Revolução de Outubro na Rússia (1917);

cartazes, pinturas, composições musicais durante a Grande Guerra Patriótica (19411945). Esta é também uma canção de massa, refletindo o entusiasmo trabalhista dos anos do pós-guerra;

canção do autor da segunda metade do século XX. (uma espécie de folclore urbano), expressando não apenas humores líricos geração mais nova, mas também um protesto contra as restrições à liberdade pessoal, expressas de forma especialmente clara na música rock.

2.Nomeie as estruturas arquitetônicas

Torre Eiffel,

Catedral São Basílio,

Kremlin Cazã,

Catedral da Santa Ascensão Naberezhnye Chelny