Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Ang soloista ng Bolshoi Theatre na si Ekaterina Shcherbachenko ay nanalo ng titulo ng pinakamahusay na mang-aawit sa mundo noong 2009 sa kumpetisyon mga mang-aawit ng opera"Singer of the World" sa kabisera ng Welsh na Cardiff
Siya ay mahusay na gumanap ng mga komposisyon sa Pranses ("Faust"), Italyano ("Turandot") at Ingles (aria mula sa opera na "The Rake's Adventures" ni Igor Stravinsky). Ang babaeng Ruso ay ginantimpalaan ng isang bagyo ng palakpakan at isang tseke para sa 15 libong pounds. Ang huling pagkakataong nanalo ang Russia sa kumpetisyon na ito ay 20 taon na ang nakalilipas - noong 1989, kinilala si Dmitry Hvorostovsky sa Cardiff bilang pinakamahusay na mang-aawit sa mundo.

Noong Hunyo 19, mula 16.00 hanggang 17.00, sinagot ng isang artista ng Bolshoi Theater, ang nagwagi sa prestihiyosong kompetisyon ng Singer of the World, na ginanap ng BBC Corporation, ang iyong mga katanungan.

Tanong: Maria, Ottawa 12:34 06/19/2009

Hello Katya!! Kahanga-hanga ka lang kumanta, binabati kita sa iyong tagumpay! Sabihin mo sa akin, pakiusap, alin sa tatlong komposisyon ang mas madali para sa iyo?

Mga sagot:

Ibig kong sabihin, malamang, ang huling programa. Mas madali, malamang, ay ibinigay kay Liu. Isa na itong aria na kinakanta sa entablado sa teatro. Siyempre, si Ann ang pinakamahirap sa sikolohikal, dahil ito ay natutunan partikular para sa kumpetisyon, hindi pa ito nagawa halos kahit saan bago, sa unang pagkakataon na may isang orkestra. Nakakaexcite naman.

site Host ng mga kumperensya 17:19 19/06/2009

Bakit mo pinili ang mga partikular na arias na ito?

Shcherbachenko Ekaterina 17:19 19/06/2009

site Host ng mga kumperensya 17:21 19/06/2009

Shcherbachenko Ekaterina 17:21 19/06/2009

Tanong: Konstantin, Moscow 12:36 19/06/2009

Mga sagot:

Shcherbachenko Ekaterina 17:28 19/06/2009

Ngayon lang ako nagreklamo sa mga mamamahayag na tatlong araw na walang humpay na panayam, sa aking palagay, ang aking boses ay baldado. Wala lang, lilipad na ako papuntang Japan bukas, I think after 9 hours of sleep on the plane everything will be fine. Ang mga performer ng opera at lahat ng performers ay dapat magkaroon ng sapat na lakas ng nerbiyos upang makayanan hindi lamang ang stress, ngunit higit sa lahat sa kanilang sarili bago pumunta sa entablado. Ibig sabihin, sustainable sistema ng nerbiyos ay isang paunang kinakailangan para sa isang propesyon. Lahat ng sinasabi ngayon tungkol sa akin - ang pinakamahusay na mang-aawit sa mundo - ay isang maling salita. Ang kumpetisyon ay tinatawag na "Singer of the World", nanalo ako sa kompetisyong ito, ngunit hindi ito nangangahulugan na ako ang naging pinakamahusay na mang-aawit sa mundo. Nakakatawa iyan. Dahil ito ay isang kompetisyon para sa mga baguhan na mang-aawit. At napakarangal na manalo sa kompetisyong ito, nagbubukas ito ng magagandang prospect para sa isang karera sa hinaharap na nagsisimula pa lang. Sa pangkalahatan, ang paghahanap ng pinakamahusay na mang-aawit sa mundo ay, sa palagay ko, isang imposibleng gawain, dahil maraming magagandang mang-aawit at mang-aawit. Hindi lang isa, sigurado yun. Naramdaman ko na ang mga prospect sa career ko pagkatapos manalo sa kompetisyon. Hindi ako mahilig umasa, kaya sasabihin ko na lang ang naramdaman ko. Kailangan nating magtrabaho, matuto ng mga bagong bagay, pagbutihin ang ating sarili. Sa anumang aktibidad, hindi ka madaling makalabas ng isda mula sa lawa.

Tanong: Daria, Moscow 12:39 19/06/2009

Hello Katherine. Patawarin mo ako sa hindi maingat na tanong, ngunit sa sobrang abalang iskedyul, mayroon bang puwang para sa isang personal na buhay?

Mga sagot:

Labi. Kaunti, ngunit ito ay nananatili.

website Conference host 17:29 19/06/2009

Ang iyong asawa ay kumakanta sa Helikon Opera. Sa gabi din ba kayo kumakanta?

Shcherbachenko Ekaterina 17:29 19/06/2009

Hindi. Ito ay isang propesyon. Sa gabi gusto kong magpahinga. Nagbabahagi kami ng propesyonal na payo, siyempre.

Tanong: Alena, Moscow 12:40 19/06/2009

Sa tingin mo, bakit mas sikat ang mga Russian opera performers sa Kanluran kaysa dito? Iba ba ang mentality, musical tastes?

Mga sagot:

Shcherbachenko Ekaterina 17:31 19/06/2009

hindi ko alam. magaling na mang-aawit, tila sa akin, sa lahat ng dako ay hinihiling at kawili-wili. Kaya lang siguro mas malawak ang field of activity doon, mas maraming opera houses per capita, so there mas maraming trabaho. Sa personal, susubukan kong manahimik tungkol sa pangangailangan sa ngayon. Hayaan ang lahat ng ito sa kanyang kurso, hayaan itong maging mabuti.

Tanong: Anton, Pedro 12:49 06/19/2009

Kamusta! Sabihin mo sa akin, anong uri ng musika ang pinapakinggan mo sa kalsada, sa kotse, sa pangkalahatan sa iyong libreng oras. Hindi lang opera?

Mga sagot:

Hindi lang opera. Ang jazz radio o Classic radio o Relax FM ay madalas na tumutugtog sa kotse. Gusto ko ng kalmadong musika sa background.

site Host ng mga kumperensya 17:33 19/06/2009

May musical idols ka ba noong bata ka?

Shcherbachenko Ekaterina 17:33 19/06/2009

Hindi, upang masaktan ng ganoon dahil sa kung saan ang pop singer - ang Diyos ay naawa.

Tanong: Slava, Moscow 12:51 19/06/2009

Hello Ekaterina. At paano sila nagiging mga opera performer sa pangkalahatan, maaari ba nilang ituro ito sa isang music school o sa ibang lugar?

Mga sagot:

Shcherbachenko Ekaterina 17:35 19/06/2009

Natural, kailangan mong mag-aral. Tila sa akin na dapat sa una ay isang panloob na pagnanais at ilang mga kakayahan, at pagkatapos ang lahat ay kailangang iproseso. Kailangan mong isipin ang tungkol sa opera na mas malapit sa pagtanda. Magkaroon ng boses, well, kailangan mong kumanta, sa mga choir ng mga bata, sa mga ensemble, solo. Ang boses ay nagbabago pa rin sa panahon ng pagdadalaga. Tila sa akin na ito ay dapat na isang malay-tao na pagnanais ng isang medyo may sapat na gulang, may kamalayan sa sarili na tao. Tulad ng anumang propesyon.

Tanong: Garik, Alexandrov 13:46 19/06/2009

Kung hindi ako nagkakamali, ang unang specialty mo ay choir conductor. Ano ang nagawa mong kumanta?

Mga sagot:

Shcherbachenko Ekaterina 17:36 19/06/2009

Konduktor ng koro - napili lamang ang espesyalidad na ito dahil malapit ito sa mga vocal. Dahil wala lang vocal department sa Ryazan school. Lahat ng pinakamalapit sa pagkanta ay ang conductor-choir department.

Tanong: Evgenia, Moscow 13:47 19/06/2009

Anong mga stereotype tungkol sa mga mang-aawit ng opera ang pinaka nakakainis sa iyo?

Mga sagot:

site Host ng mga kumperensya 17:37 19/06/2009

Halimbawa, mayroong isang stereotype na mga mang-aawit ng opera dapat napakalakas...

Shcherbachenko Ekaterina 17:37 19/06/2009

website Conference host 17:38 19/06/2009

Nangyayari ba na pinapakanta ka ng mga kaibigan?

Shcherbachenko Ekaterina 17:38 19/06/2009

Oo. Ito ay mula sa parehong serye na parang kumakanta ka sa bahay pagkatapos ng trabaho. Habang ang ilang tao ay nagtatrabaho bilang turner sa isang pabrika, inaanyayahan nila siyang bumisita at sabihin: narito, ibigay mo sa amin ang isang bahagi, sa halip na tratuhin siya ng tsaa. Depende sa mood. May mood - pwede kang kumanta. Depende ito sa tiyak na sandali.

site Host ng mga kumperensya 17:45 19/06/2009

Interesado ang aming mga mambabasa kung nagkrus ang landas mo kay Dmitry Hvorostovsky o iba pang mga bituin sa opera, naimpluwensyahan ba nila ang iyong pag-unlad bilang isang mang-aawit?

Shcherbachenko Ekaterina 17:45 19/06/2009

Sa Dmitry Hvorostovsky, ito ay lubos na kaaya-aya, noong isang araw lamang na nagkita kami, at binati niya ako sa aking tagumpay. Napakaganda, hindi kapani-paniwalang pakiramdam, maraming salamat para doon. Maraming atensyon sa kumpetisyon na ito ang nangyari pagkatapos ng katotohanan. Pagpunta sa entablado, hindi ko naramdaman ang isang partikular na mabigat na pasanin ng responsibilidad. Nagkaroon ng excitement, ang pagpunta sa kompetisyon ay personal kong desisyon. Napagtanto ko ang lahat ng ito, bago pumunta sa Moscow, bilang isang natural na resulta ng maraming trabaho. At dito, lumalabas na ... Napakaganda. Ngunit kung hindi ako nanalo, walang sinuman ang makakagalit sa akin sa publiko, gaya ng papuri ng lahat ngayon. Ito ay hindi napapansin. Kaya wala akong naramdaman na anumang kahila-hilakbot na responsibilidad. Hindi ito ang Olympics. Nalaman ko ang tungkol sa audition nang hindi sinasadya. Noong inalok ako na lumahok (alam ko ang tungkol sa kompetisyong ito, alam ito ng lahat sa mundo ng opera, ito ang pinakamahalagang kompetisyon sa opera sa mundo), natural akong pumayag. Ang audition sa Moscow ay medyo pangmundo, sinubukan ko lang gawin ang aking makakaya. Nang, pagkatapos ng 2 buwan, dumating ang sagot na inalis ako sa Russia, pagkatapos ay naging nakakatakot. Ang buong saklaw ng trabaho ay ipinakita mismo. Nakakaexcite naman. Pagkatapos, tulad ng sinasabi nila, ang mga mata ay natatakot - ginagawa ito ng mga kamay. Nang magsimula ang buong proseso, nakibahagi ako.

site Host ng mga kumperensya 17:46 19/06/2009

Shcherbachenko Ekaterina 17:46 19/06/2009

site Host ng mga kumperensya 17:47 19/06/2009

Sino ang paborito mong classical composer?

Shcherbachenko Ekaterina 17:47 19/06/2009

Talagang gusto kong kantahin ang musika ng Tchaikovsky, si Tatyana ang aking masayang partido.

Mayroon ka bang oras para sa ilang libangan?

Ngayon ay walang oras para sa libangan. Ngayon gagawin ko ang lahat ng kailangang gawin at kumanta nang mahusay sa paglilibot. At kapag ako ay higit pa o hindi gaanong libre, kapag ako ay nasa isang paglalakbay, pagkatapos ay sinubukan mong makakita ng isang lugar, isang bagong lungsod, pagkatapos ito ay napaka-interesante.

website Conference host 17:48 19/06/2009

Ang mundo ng teatro ay puno ng intriga. Naranasan mo na ba ito?

Shcherbachenko Ekaterina 17:48 19/06/2009

Hindi, kahit papaano ay hindi ako nakatagpo. Dumating ka lang, subukan mong gawin ang iyong trabaho hangga't maaari at iyon na. Hindi ko alam kung anong klaseng intriga.

site Host ng mga kumperensya 17:53 19/06/2009

Nagtatanong ang mga mambabasa kung bakit sa palagay mo ay naging hindi gaanong sikat ang opera ngayon?

Shcherbachenko Ekaterina 17:53 19/06/2009

Ito ay malamang na isang reciprocal move. Marahil ay may higit na diin sa media sa ilang uri ng sining ng libangan. Sinabi sa akin ng aking mga lolo't lola na ang ilang seryosong musikal at mga akdang pampanitikan ay narinig sa radyo at telebisyon, ang mga tao ay alam lamang ang mga opera. Napakasikat ng lahat. Tila sa akin na ito ay dapat na isang kapwa kilusan. Noon pa man ay masuwerte ako sa mga konduktor at direktor. Mayroon kaming mga mahuhusay na musikero, napaka-kagiliw-giliw na mga tao.

Shcherbachenko Ekaterina 17:57 19/06/2009

Malinaw na ang musika, mula pagkabata ay isang paaralan ng musika, pagkatapos ay iniisip mo kung saan pupunta, isang paaralan ng musika. Ito ay hangal na sabihin na mula pagkabata ay nais niyang maging isang mang-aawit sa opera. Hindi, wala. Ang pagbabagong punto ay isang paglalakbay sa kumpetisyon sa St. Petersburg, hindi pa rin alam kung paano, ipinadala mula sa Ryazan Institute. At doon ko nakita kung paano nangyayari ang lahat. Hindi mo maaaring hangarin ang hindi mo alam. Doon ko nakita at natutunan ito, at pagkatapos nito napagtanto ko: ito ang gusto kong gawin. Nagkaroon ako ng sariling pagnanais na gawin ito. Kapag mayroon kang sariling pagnanais, ang makinang ito, maraming nangyayari.

site Host ng mga kumperensya 17:57 19/06/2009

Bakit mo naisipang pumunta sa opera?

site Host ng mga kumperensya 18:00 19/06/2009

Kailangan mo bang magsakripisyo para matupad ang hiling na ito?

Shcherbachenko Ekaterina 18:00 19/06/2009

Siyempre, kailangan mong magsakripisyo palagi. Wala pa akong masyadong isakripisyo. Subukan mo lang sundin ang pangkalahatang linya, iyon lang.

site Host ng mga kumperensya 18:01 19/06/2009

Shcherbachenko Ekaterina 18:01 19/06/2009

site Host ng mga kumperensya 18:03 19/06/2009

Ang mga mambabasa ay nagtataka kung paano pinamamahalaan ng mga mang-aawit ng opera na panatilihing mas mahaba ang kanilang boses kaysa sa mga mang-aawit na pop?

Shcherbachenko Ekaterina 18:03 19/06/2009

Sa tingin ko ang punto ay nasa isang espesyal na setting ng boses, na nagsasamantala sa boses sa pinaka banayad na paraan. Ang mga mang-aawit ng pop ay kadalasang kailangang baguhin nang kaunti ang kanilang kalikasan para sa kapakanan ng kulay sa isang partikular na kanta. At ang mang-aawit ng opera ay may tungkuling kumanta sa kanyang kalikasan. Kaya lang siguro.

site Host ng mga kumperensya 18:06 19/06/2009

Ano ang pakiramdam mo tungkol sa katotohanan na ang ilang mga mang-aawit ng opera ay nagsisikap na pumasok sa entablado?

Shcherbachenko Ekaterina 18:06 19/06/2009

Ito ay isang personal na bagay para sa lahat. Ang isang tao ay may isang buhay, lahat ay itinatayo ito ayon sa kanyang nakikitang angkop, kung itatayo niya ito sa lahat, at hindi sumasabay sa agos. Kaya kailangan. Bakit hindi? Hindi pa ako inalok na magsalita sa mga corporate party. Ang sumang-ayon o hindi ay isang personal na usapin para sa lahat. Ito ay nagdudulot sa kanya ng kasiyahan, marahil. At mahusay.

site Host ng mga kumperensya 18:08 19/06/2009

Ekaterina Shcherbachenko - Russian opera singer (soprano), soloista ng Bolshoi Theater.

Si Ekaterina Nikolaevna Shcherbachenko (nee Telegina) ay ipinanganak noong Enero 31, 1977 sa Ryazan. Noong 1996 nagtapos siya sa Ryazan Musical College. G. at A. Pirogov, na natanggap ang espesyalidad na "konduktor ng koro". Noong 2005 nagtapos siya sa Moscow State Tchaikovsky Conservatory. P.I. Tchaikovsky (guro - Propesor Marina Alekseeva) at ipinagpatuloy ang kanyang postgraduate na pag-aaral doon.

Sa opera studio ng conservatory ay kinanta niya ang bahagi ni Tatiana sa opera na "Eugene Onegin" ni P. Tchaikovsky at ang bahagi ni Mimi sa opera na "La Boheme" ni G. Puccini.

Noong 2005 siya ay isang trainee soloist ng Opera Company ng Moscow Academic Musical Theatre. K.S. Stanislavsky at V.I. Nemirovich-Danchenko. Sa teatro na ito ay ginampanan niya ang mga bahagi ng Lidochka sa operetta na "Moscow, Cheryomushki" ni D. Shostakovich at ang bahagi ng Fiordiligi sa opera na "All Women Do This" ni W. A. ​​​​Mozart.

Noong 2005 sa Bolshoi ginampanan niya ang bahagi ng Natasha Rostova sa premiere ng S. Prokofiev's War and Peace (pangalawang bersyon), pagkatapos nito ay nakatanggap siya ng isang imbitasyon sa Bolshoi Theater bilang isang permanenteng miyembro ng opera troupe.

Kasama sa kanyang repertoire sa Bolshoi Theater ang mga sumusunod na tungkulin:
Natasha Rostova ("Digmaan at Kapayapaan" ni S. Prokofiev)
Tatiana ("Eugene Onegin" ni P. Tchaikovsky)
Liu ("Turandot" ni G. Puccini)
Mimi ("La Boheme" ni G. Puccini)
Michaela ("Carmen" G. Bizet)
Iolanta ("Iolanta" ni P. Tchaikovsky)

Noong 2004 ginampanan niya ang bahagi ng Lidochka sa operetta Moscow, Cheryomushki sa Lyon Opera (conductor Alexander Lazarev). Noong 2007, sa Denmark, lumahok siya sa pagganap ng cantata ni Rachmaninov na "The Bells" kasama ang Danish National Radio Symphony Orchestra (conductor Alexander Vedernikov). Noong 2008 kinanta niya ang bahagi ng Tatiana sa Cagliari Opera House (Italy, conductor Mikhail Yurovsky, mga direktor na si Moshe Leiser, Patrice Corrier, na itinanghal ng Mariinsky Theatre).

Noong 2003 nakatanggap siya ng diploma mula sa International Competition na "New Voices" sa Gütersloh (Germany).
Noong 2005 nanalo siya ng 3rd Prize sa Shizuoka International Opera Competition (Japan).
Noong 2006 - III na premyo ng International Vocal Competition na pinangalanan. Francisco Viñas sa Barcelona (Spain), kung saan nakatanggap din siya ng espesyal na premyo bilang "Best performer of Russian music", ang "Friends of the Opera Sabadell" award at ang award ng Musical Association of Catania (Sicily).
Noong 2009, nanalo siya sa kumpetisyon ng BBC Singer of the World sa Cardiff, at iginawad din ang Triumph Youth Grant Award.

Si Salomeya Amvrosievna Krushelnitskaya ay isang sikat na Ukrainian opera singer (soprano), guro. Kahit na sa kanyang buhay, si Salomea Krushelnitskaya ay kinilala bilang isang natatanging mang-aawit sa mundo. Siya ay may namumukod-tanging boses sa mga tuntunin ng lakas at kagandahan ng isang malawak na hanay (mga tatlong octaves na may libreng gitnang rehistro), isang musikal na memorya (maaari siyang matuto ng mga bahagi ng opera sa loob ng dalawa o tatlong araw), at isang maliwanag na dramatikong talento. Kasama sa repertoire ng mang-aawit ang higit sa 60 iba't ibang bahagi. Sa kanyang maraming mga parangal at pagkakaiba, lalo na, ang pamagat ng "Wagner prima donna ng ikadalawampu siglo." Ang Italyano na kompositor na si Giacomo Puccini ay nagpakita sa mang-aawit ng kanyang larawan na may inskripsiyon na "maganda at kaakit-akit na Paru-paro". Si Salomeya Krushelnytska ay ipinanganak noong Setyembre 23, 1872 sa nayon ng Belyavintsy, na ngayon ay distrito ng Buchatsky ng rehiyon ng Ternopil, sa pamilya ng isang pari. Nagmula sa isang marangal at sinaunang pamilyang Ukrainian. Mula noong 1873, lumipat ang pamilya nang maraming beses, noong 1878 lumipat sila sa nayon ng Belaya malapit sa Ternopil, kung saan hindi sila umalis. Nagsimula siyang kumanta mula pagkabata. Bata pa lang si Salome, marami nang alam mga awiting bayan na direktang natutunan niya mula sa mga magsasaka. Natanggap niya ang mga pangunahing kaalaman sa pagsasanay sa musika sa Ternopil gymnasium, kung saan kumuha siya ng mga pagsusulit bilang isang panlabas na estudyante. Dito siya naging malapit musikal na bilog mga mag-aaral sa high school, kung saan si Denis Sichinsky ay miyembro din - kalaunan ay isang sikat na kompositor, ang unang propesyonal na musikero sa Kanlurang Ukraine. Noong 1883, sa konsiyerto ng Shevchenko sa Ternopil, ang una pampublikong pagsasalita Salome, na kumanta sa choir ng Russian conversation society. Sa Ternopil, nakilala ni Salomea Krushelnytska ang teatro sa unang pagkakataon. Dito, pana-panahon, gumanap ang teatro ng Lvov ng lipunan ng pag-uusap ng Russia. Noong 1891, pumasok si Salome sa Lviv Conservatory. Sa conservatory, ang kanyang guro ay ang sikat na propesor noon sa Lviv, si Valery Vysotsky, na nagpalaki ng isang buong kalawakan ng mga sikat na Ukrainian at Polish na mang-aawit. Habang nag-aaral sa konserbatoryo, naganap ang kanyang unang solo na pagtatanghal, noong Abril 13, 1892, ginampanan ng mang-aawit ang pangunahing bahagi sa oratorio na "Messiah" ni G. F. Handel. Ang unang operatic debut ng Salome Krushelnitskaya ay naganap noong Abril 15, 1893, ginampanan niya ang papel ni Leonora sa pagganap ng "Paborito" ng kompositor ng Italyano na si G. Donizetti sa entablado ng Lviv City Theater. Noong 1893 nagtapos si Krushelnytska mula sa Lvov Conservatory. Sa diploma ng pagtatapos ni Salome, nakasulat: "Ang diplomang ito ay natanggap ni Panna Salomea Krushelnitskaya bilang isang sertipiko edukasyon sa sining , na natanggap sa pamamagitan ng huwarang kasipagan at pambihirang tagumpay, lalo na sa isang pampublikong kumpetisyon noong Hunyo 24, 1893, kung saan siya ay ginawaran ng pilak na medalya. "Kahit na habang nag-aaral sa konserbatoryo, nakatanggap si Salomea Krushelnytska ng isang alok mula sa Lviv Opera House, ngunit siya Nagpasya siyang ipagpatuloy ang kanyang pag-aaral. Sa kanyang desisyon na naimpluwensyahan ng sikat na mang-aawit na Italyano na si Gemma Bellinchoni, na naglilibot sa Lviv noong panahong iyon. Noong taglagas ng 1893, umalis si Salomea upang mag-aral sa Italya, kung saan naging guro niya si Propesor Fausta Crespi. proseso ng pag-aaral, mga pagtatanghal sa mga konsyerto kung saan siya kumanta ng opera arias ay isang magandang paaralan para sa Salomea Noong ikalawang kalahati ng 1890s, nagsimula ang kanyang matagumpay na pagtatanghal sa mga entablado ng mga teatro sa buong mundo: Italy, Spain, France, Portugal, Russia, Poland, Austria, Egypt, Argentina, Chile sa mga opera na "Aida", "Il trovatore" ni D. Verdi, " Faust" ni C. Gounod, "The Terrible Yard" ni S. Moniuszko, "African" ni D. Meyerbeer , "Manon Lescaut" at "Cio-Cio-San" ni G. Puccini, "Carmen" ni J. Bizet, "Electra" ni R. Strauss a, “Eugene Onegin” at “The Queen of Spades” ni P.I. Kailanman ay hindi naging sigurado ang kompositor sa tagumpay... ngunit galit na galit ang mga manonood sa opera. Nadurog ang kilalang maestro. Hinikayat ng mga kaibigan si Puccini na muling gawin ang kanyang trabaho, at anyayahan si Salome Krushelnitskaya sa pangunahing bahagi. Noong Mayo 29, sa entablado ng Grande Theater sa Brescia, naganap ang premiere ng na-update na Madama Butterfly, sa pagkakataong ito ay matagumpay. Pitong beses na tinawag ng madla ang mga aktor at ang kompositor sa entablado. Matapos ang pagtatanghal, naantig at nagpapasalamat, ipinadala ni Puccini kay Krushelnitskaya ang kanyang larawan na may inskripsiyon: "Sa pinakamaganda at kaakit-akit na Paru-paro." Noong 1910, pinakasalan ni S. Krushelnitskaya ang alkalde ng lungsod ng Viareggio (Italya) at ang abogadong si Cesare Riccioni, na isang connoisseur ng musika at isang erudite na aristokrata. Ikinasal sila sa isa sa mga templo ng Buenos Aires. Pagkatapos ng kasal, sina Cesare at Salome ay nanirahan sa Viareggio, kung saan bumili si Salome ng isang villa, na tinawag niyang "Salome" at nagpatuloy sa paglilibot. Noong 1920, umalis si Krushelnitskaya sa entablado ng opera sa tugatog ng kanyang katanyagan, na gumanap sa huling pagkakataon sa Naples Theatre sa kanyang mga paboritong opera na Lorelei at Lohengrin. Inilaan niya ang kanyang karagdagang buhay sa aktibidad ng konsiyerto sa silid, na gumaganap ng mga kanta sa 8 wika. Nilibot niya ang Europa at Amerika. Sa lahat ng mga taon na ito hanggang 1923 siya ay patuloy na dumating sa kanyang tinubuang-bayan at gumanap sa Lvov, Ternopil at iba pang mga lungsod ng Galicia. Nagkaroon siya ng matibay na ugnayan ng pakikipagkaibigan sa maraming tao sa Kanlurang Ukraine. Ang isang espesyal na lugar sa malikhaing aktibidad ng mang-aawit ay inookupahan ng mga konsyerto, nakatuon sa memorya T. Shevchenko at I. Ya. Frank. Noong 1929, ang huling tour concert ng S. Krushelnitskaya ay naganap sa Roma. Noong 1938, namatay ang asawa ni Krushelnitskaya na si Cesare Riccioni. Noong Agosto 1939, binisita ng mang-aawit ang Galicia at, dahil sa pagsiklab ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig, ay hindi nakabalik sa Italya. Sa panahon ng pananakop ng Aleman sa Lviv, si S. Krushelnytska ay napakahirap, kaya nagbigay siya ng pribadong mga aralin sa boses. Sa panahon ng post-war, nagsimulang magtrabaho si S. Krushelnytska sa Lviv State Conservatory na pinangalanang N.V. Lysenko. Gayunpaman, ang kanyang karera sa pagtuturo ay halos hindi nagsimula, halos natapos. Sa panahon ng "paglilinis ng mga tauhan mula sa mga nasyonalistang elemento" siya ay inakusahan ng walang diploma ng konserbatoryo. Nang maglaon, natagpuan ang diploma sa mga pondo ng museo ng kasaysayan ng lungsod. Ang pamumuhay at pagtuturo sa Unyong Sobyet, si Salomeya Amvrosievna, sa kabila ng maraming apela, sa mahabang panahon ay hindi nakakuha ng pagkamamamayan ng Sobyet, na nananatiling paksa ng Italya. Sa wakas, sa pagsulat ng isang pahayag tungkol sa paglipat ng kanyang Italian villa at lahat ng pag-aari sa estado ng Sobyet, si Krushelnitskaya ay naging isang mamamayan ng USSR. Ang villa ay agad na naibenta, na binayaran ang may-ari para sa isang maliit na bahagi ng halaga nito. Noong 1951, si Salome Krushelnitskaya ay iginawad sa titulong Honored Art Worker ng Ukrainian SSR, at noong Oktubre 1952, isang buwan bago ang kanyang kamatayan, natanggap ni Krushelnitskaya ang titulo ng propesor. Noong Nobyembre 16, 1952, tumigil sa pagtibok ang puso ng mahusay na mang-aawit. Siya ay inilibing sa Lviv sa Lychakiv cemetery sa tabi ng libingan ng kanyang kaibigan at tagapagturo, si Ivan Franko. Noong 1993, isang kalye ang pinangalanan sa S. Krushelnytska sa Lviv, kung saan siya nanirahan sa mga huling taon ng kanyang buhay. Ang memorial museum ng Salomea Krushelnytska ay binuksan sa apartment ng mang-aawit. Ngayon, ang pangalan ng S. Krushelnytska ay dinadala ng Lviv Opera House, ang Lviv Musical sekondaryang paaralan, Ternopil Musical College (kung saan inilathala ang pahayagan na "Salomeya"), 8 taong gulang na paaralan sa nayon ng Belaya, mga kalye sa Kyiv, Lvov, Ternopil, Buchach (tingnan ang Salomeya Krushelnytska Street). Sa Mirror Hall ng Lviv Opera and Ballet Theater mayroong isang tansong monumento kay Salome Krushelnytska. Maraming mga gawang masining, musikal at cinematographic ang nakatuon sa buhay at gawain ni Salomea Krushelnytska. Noong 1982, sa studio ng pelikulang A. Dovzhenko, kinunan ng direktor na si O. Fialko ang makasaysayang at talambuhay na pelikula na "The Return of the Butterfly" (batay sa nobela ng parehong pangalan ni V. Vrublevskaya), na nakatuon sa buhay at gawain ng Salomea Krushelnitskaya. Ang larawan ay batay sa mga tunay na katotohanan ng buhay ng mang-aawit at itinayo bilang kanyang mga alaala. Ang mga bahagi ng Salome ay ginanap ni Gisela Zipola. Ang papel ni Salome sa pelikula ay ginampanan ni Elena Safonova. Bilang karagdagan, ang mga dokumentaryo ay nilikha, sa partikular, "Salome Krushelnitskaya" (itinuro ni I. Mudrak, Lvov, "Most", 1994) "Two Lives of Salome" (directed by A. Frolov, Kyiv, "Contact", 1997) , isang telecast mula sa cycle na "Names" (2004), documentary film na "Solo-mea" mula sa cycle na "Game of Fate" (director V. Obraz, VIATEL studio, 2008). Marso 18, 2006 sa entablado ng Lviv National Academic Opera and Ballet Theater na pinangalanang S. Ang Krushelnitskaya ay nag-host ng premiere ng ballet ni Miroslav Skorik na "The Return of the Butterfly", batay sa mga katotohanan mula sa buhay ni Salomea Krushelnitskaya. Ang ballet ay gumagamit ng musika ng Giacomo Puccini. Noong 1995, ang premiere ng dula na "Salome Krushelnytska" (may-akda B. Melnichuk, I. Lyakhovsky) ay naganap sa Ternopil Regional Drama Theater (ngayon ang akademikong teatro). Mula noong 1987, ang Salomea Krushelnytska Competition ay ginanap sa Ternopil. Bawat taon Lviv ay nagho-host ng internasyonal na kumpetisyon na pinangalanang Krushelnytska; naging tradisyonal ang mga pagdiriwang ng sining ng opera.

Sumi Cho (Jo Sumi) - Korean opera singer, coloratura soprano. Ang pinakatanyag na mang-aawit ng opera ay nagmula sa Timog-silangang Asya. Ipinanganak si Sumi Cho noong Nobyembre 22, 1962 sa Seoul, South Korea. Tunay na pangalang Sudzhon Cho (Jo Sugyeong). Ang kanyang ina ay isang baguhang mang-aawit at pianista, ngunit hindi nakatanggap ng propesyonal na edukasyong pangmusika dahil sa sitwasyong pampulitika sa Korea noong 1950s. Determinado siyang bigyan ang kanyang anak na babae ng magandang edukasyon sa musika. Sinimulan ni Sumi Cho ang mga aralin sa piano sa edad na 4 at pagsasanay sa boses mula sa edad na 6, kahit na noong bata pa ay kailangan niyang gumugol ng hanggang walong oras sa mga aralin sa musika. Noong 1976, pumasok si Sumi Cho sa Seoul School of the Arts (pribadong akademya) na "Sang Hwa", kung saan nagtapos siya noong 1980 na may mga diploma sa vocal at piano. Mula 1981-1983 ipinagpatuloy niya ang kanyang edukasyon sa musika sa Seoul National University. Habang nag-aaral sa unibersidad, ginawa ni Sumi Cho ang kanyang unang propesyonal na debut, gumanap sa ilang mga konsiyerto na inorganisa ng telebisyon sa Korea, at kinanta ang papel ni Suzanne sa "The Marriage of Figaro" sa Seoul Opera. Noong 1983, nagpasya si Cho na umalis sa Seoul University at lumipat sa Italya upang mag-aral ng musika sa pinakamatandang paaralan ng musika - Pambansang Akademya San Cecilia sa Roma, nagtapos ng may karangalan. Kasama sa kanyang mga gurong Italyano sina Carlo Bergonzi at Gianella Borelli. Sa kanyang pag-aaral sa akademya, madalas na maririnig si Cho sa mga konsyerto sa iba't ibang lungsod ng Italya, gayundin sa radyo at telebisyon. Sa panahong ito napagpasyahan ni Cho na gamitin ang pangalang "Sumi" bilang kanyang pangalan sa entablado upang mas maunawaan ng mga madlang Europeo. Noong 1985 nagtapos siya sa akademya na may major sa piano at vocals. Pagkatapos ng akademya, kumuha siya ng mga vocal lessons mula kay Elisabeth Schwarzkopf at nanalo ng ilang mga vocal competition sa Seoul, Naples, Barcelona, ​​​​Pretoria at ang pinakamahalaga noong 1986, isang internasyonal na kompetisyon sa Verona, kung saan nagwagi lamang ng iba pang makabuluhang internasyonal na kumpetisyon, kaya upang magsalita, ang pinakamahusay sa pinakamahusay na mga batang mang-aawit. Ginawa ni Sumi Cho ang kanyang European operatic debut noong 1986 bilang Gilda sa Rigoletto sa Giuseppe Verdi Theater sa Trieste. Ang pagtatanghal na ito ay nakakuha ng atensyon ni Herbert von Karajan, na nag-imbita sa kanya na gampanan ang bahagi ng pahinang Oscar sa Un ballo sa maschera kasama si Plácido Domingo, na itinanghal sa Salzburg Festival noong 1987. Sa mga sumunod na taon, patuloy na lumipat si Sumi Cho patungo sa operatic na Olympus, patuloy na pinalawak ang heograpiya ng kanyang mga pagtatanghal at binabago ang kanyang repertoire mula sa maliliit na tungkulin patungo sa mga pangunahing. Noong 1988, ginawa ni Sumi Cho ang kanyang debut sa La Scala at Bavarian State Opera, noong 1989 - sa Vienna State Opera at Metropolitan Opera, noong 1990 - sa Chicago Lyric Opera at Covent Garden. Si Sumi Cho ay naging isa sa mga pinakahinahangad na soprano sa ating panahon at nananatili sa ganitong katayuan hanggang ngayon. Gustung-gusto siya ng madla dahil sa kanyang magaan, mainit, nababaluktot na boses, gayundin sa kanyang optimismo at magaan na katatawanan sa entablado at sa buhay. Siya ay magaan at malaya sa entablado, na nagbibigay sa bawat pagganap ng banayad na oriental na pattern. Bumisita si Sumi Cho sa lahat ng mga bansa sa mundo kung saan gusto nila ang opera, kabilang ang ilang beses sa Russia, ang huling pagbisita ay noong 2008, nang sila, sa isang duet kasama si Dmitry Hvorostovsky, ay naglakbay sa ilang mga bansa bilang bahagi ng isang paglilibot. Siya ay may abalang iskedyul ng trabaho, kabilang ang mga palabas sa opera, mga programa sa konsiyerto, nagtatrabaho sa mga kumpanya ng rekord. Ang discography ni Sumi Cho ay kasalukuyang mayroong mahigit 50 recording, kabilang ang sampung solo album at crossover style disc. Ang kanyang dalawang album ay pinakamahusay na kilala - noong 1992 siya ay iginawad sa Grammy Award sa nominasyon na "Best Opera Recording" para sa opera ni R. Wagner na "Woman Without a Shadow" kasama sina Hildegard Behrens, Jose van Dam, Giulia Varadi, Placido Domingo, conductor na si Georg Solti, at isang album na may opera na "Un Ballo in Maschera" ni J. Verdi, na nakatanggap ng premyo mula sa Deutsche Gramophone.

Si Montserrat Caballe (buong pangalan: Maria de Montserrat Viviana Concepcion Caballe i Folch) ay isang Spanish Catalan opera na mang-aawit, soprano. Siya ay sikat sa kanyang bel canto technique at ang kanyang interpretasyon sa pagganap ng mga papel sa mga klasikal na Italian opera nina Rossini, Bellini at Donizetti Ipinanganak si Montserrat Caballé sa Barcelona noong Abril 12, 1933. Nag-aral siya ng 12 taon sa Higher Conservatory of Music ng Barcelona Lyceum at nagtapos ng gintong medalya noong 1954. Noong 1957 ginawa niya ang kanyang debut sa entablado ng opera bilang Mimi sa La bohème. Mula 1960 hanggang 1961 kumanta siya sa Bremen Opera, kung saan lubos niyang pinalawak ang kanyang repertoire. Noong 1962, bumalik siya sa Barcelona at ginawa ang kanyang debut sa Arabella ni Richard Strauss. Noong 1964, pinakasalan niya si Bernab Marty. sa New York sa Carnegie Hall, nang napilitan siyang palitan ang may sakit na si Marilyn Horne at gumanap sa papel sa Lucrezia Borgia ni Donizetti. Wala pang isang buwan ang kanyang papel. Ang kanyang pagganap ay naging isang sensasyon sa mundo ng opera, ang madla ay nagpalakpakan sa loob ng 25 minuto. Kinabukasan, lumabas ang New York Times na may headline na: "Callas + Tebaldi = Caballe." Sa parehong taon, ginawa ni Caballe ang kanyang debut sa entablado sa Glyndebourne sa The Knight of the Rose, at di-nagtagal pagkatapos noon sa Metropolitan Opera bilang Marguerite sa Faust. Simula noon, ang kanyang katanyagan ay hindi kailanman kumupas - ang pinakamahusay na mga yugto ng opera sa mundo ay bukas sa kanya - New York, London, Milan, Berlin, Moscow, Roma, Paris. Noong Setyembre 1974, sumailalim siya sa isang malaking operasyon at dumanas ng kanser sa tiyan. Nakabawi siya at bumalik sa entablado noong unang bahagi ng 1975. Ginawa niya ang kanyang ika-99 na pagtatanghal at huling sa Metropolitan Opera noong Enero 22, 1988, bilang si Mimi sa La bohème ni Puccini, sa tapat ni Luciano Pavarotti (Rodolfo). Noong 1988, kasama ang Queen vocalist na si Freddie Mercury, naitala niya ang album na "Barcelona", ang pangunahing kanta na may parehong pangalan ay naging isang super hit noong unang bahagi ng 90s at kinuha ang unang lugar sa European pop chart. Ang solong ito ay naging awit ng 1992 Summer Olympics. Matapos ang pagkamatay ni Freddie Mercury, narinig ang kanyang boses sa recording, at tumanggi si Montserrat Caballe na kantahin ang kantang ito sa isang duet kasama ang iba pang mga mang-aawit. Hanggang kamakailan lang, siya aktibong larawan buhay, at walang mga palatandaan ng pagkapagod, tulad ng sa malikhaing plano gayundin sa publiko. Inialay ni Caballe ang sarili mga gawaing pangkawanggawa, siya ay isang UNESCO Goodwill Ambassador at nag-set up ng isang pondo upang matulungan ang mga bata.

Lyubov Yurievna Kazarnovskaya - Soprano na mang-aawit ng opera ng Sobyet at Ruso. Doktor ng Musical Sciences, Propesor. Si Lyubov Yuryevna Kazarnovskaya ay ipinanganak noong Mayo 18, 1956 sa Moscow, ina, Kazarnovskaya Lidia Aleksandrovna - philologist, guro ng wikang Ruso at panitikan, ama, Kazarnovsky Yuri Ignatievich - reserve general, mas matandang kapatid na babae - Bokadorova Natalya Yuryevna - philologist, propesor Pranses at panitikan. Palaging kumanta si Lyuba, pagkatapos ng paaralan ay nagsumikap siyang mag-aplay sa Gnessin Institute - sa faculty ng mga aktor ng teatro sa musika, kahit na naghahanda siyang maging isang mag-aaral sa faculty ng mga wikang banyaga. Ang mga taon ng mag-aaral ay nagbigay kay Lyuba ng maraming bilang isang artista, ngunit ang pagpupulong kay Nadezhda Matveevna Malysheva-Vinogradova, isang kahanga-hangang guro, bokalista, accompanist ng Chaliapin, isang mag-aaral ni Stanislavsky mismo, ay mapagpasyahan. Bilang karagdagan sa napakahalagang mga aralin sa pag-awit, si Nadezhda Matveevna, ang balo ng Pushkin literary critic Academician VV Vinogradov, ay nagsiwalat kay Lyuba ng lahat ng kapangyarihan at kagandahan ng mga klasikong Ruso, itinuro sa kanya na maunawaan ang pagkakaisa ng musika at mga salita na nakatago dito. Ang pagpupulong kay Nadezhda Matveevna sa wakas ay natukoy ang kapalaran ng batang mang-aawit. Noong 1981, sa edad na 21, habang nag-aaral pa rin sa Moscow Conservatory, ginawa ni Lyubov Kazarnovskaya ang kanyang debut bilang Tatyana (Eugene Onegin ni Tchaikovsky) sa entablado ng Stanislavsky at Nemirovich-Danchenko Musical Theater. Nagwagi ng All-Union Competition na pinangalanang Glinka (II na premyo). Simula noon, si Lyubov Kazarnovskaya ay nasa sentro ng buhay musikal ng Russia. Noong 1982 nagtapos siya mula sa Moscow State Conservatory, noong 1985 - postgraduate na pag-aaral sa klase ng Associate Professor Shumilova Elena Ivanovna. 1981-1986 - soloista ng musical academic theater na pinangalanang Stanislavsky at Nemirovich-Danchenko, sa repertoire ng "Eugene Onegin" ni Tchaikovsky, "Iolanta", "May Night" ni Rimsky-Korsakov, "Pagliacci" ni Leoncavallo, "La Boheme" ni Puccini. 1984 - sa imbitasyon ni Svetlanov, ginampanan niya ang bahagi ng Fevronia sa bagong produksyon "Tales of the Invisible City of Kitezh" ni Rimsky-Korsakov, at pagkatapos ay noong 1985 - ang bahagi ng Tatiana ("Eugene Onegin" ni Tchaikovsky) at Nedda ("The Pagliacci" ni Leoncavallo) sa State Academic Theater ng Russia. 1984 - Grand Prix ng UNESCO Young Performers Competition (Bratislava). Laureate ng Kumpetisyon na si Mirjam Hellin (Helsinki) - III na premyo at isang honorary diploma para sa pagganap ng isang Italian aria - personal mula sa chairman ng kumpetisyon at ang maalamat na Swedish opera singer na si Birgit Nilsson. 1986 - Nagwagi ng Lenin Komsomol Prize. 1986 -1989 - Nangungunang soloista ng Kirov State Academic Theatre: Leonora (“Force of Destiny” ni Verdi), Margarita (“Faust” ni Gounod), Donna Anna at Donna Elvira (“Don Giovanni” ni Mozart), Leonora (“Troubadour” ni Verdi), Violetta ( "La Traviatte") ni Verdi, Tatiana ("Eugene Onegin" ni Tchaikovsky), Lisa ("The Queen of Spades" ni Tchaikovsky), Soprano ("Verdi's Requiem"). Malapit na pakikipagtulungan sa mga konduktor tulad ng Janssons, Temirkanov, Kolobov, Gergiev. Ang unang dayuhang tagumpay - sa Covent Garden Theater (London), sa bahagi ni Tatiana sa opera ni Tchaikovsky na "Eugene Onegin" (1988) 1989. - "Maestro of the World" Herbert von Karajan nag-imbita ng isang batang mang-aawit sa "kanyang" festival - isang summer festival sa Salzburg. Noong Agosto 1989 - isang matagumpay na pasinaya sa Salzburg (Verdi's Requiem, conductor Ricardo Muti). Napansin at pinahahalagahan ng buong mundo ng musika ang pagganap ng batang soprano mula sa Russia. Ang kahindik-hindik na pagganap na ito ay minarkahan ang simula ng isang nakahihilo na karera, na kalaunan ay humantong sa kanya sa mga opera house tulad ng Covent Garden, Metropolitan Opera, Lyric Chicago, San Francisco Opera, Wiener Staatsoper, Teatro Colon, Houston Grand Opera. Ang kanyang mga kasosyo ay sina Pavarotti, Domingo, Carreras, Araiza, Nucci, Cappuccili, Cossotto, von Stade, Baltza. Setyembre 1989 - pakikilahok sa world gala concert sa entablado ng Bolshoi Theater ng Russia bilang suporta sa mga biktima ng lindol sa Armenia, kasama ang Kraus, Bergonzi, Prey, Arkhipova. Oktubre 1989 - pakikilahok sa paglilibot sa Milan Opera House "La Scala" sa Moscow (G. Verdi's "Requiem"). 1991 - Salzburg. 1992-1998 - Malapit na pakikipagtulungan sa Metropolitan Opera. 1994-1997 - malapit na pakikipagtulungan sa Mariinsky Theatre at Valery Gergiev. Noong 1996, ginawa ni Lyubov Kazarnovskaya ang kanyang matagumpay na pasinaya sa entablado ng La Scala Theater sa opera ni Prokofiev na The Gambler, at noong Pebrero 1997 ay matagumpay niyang kinanta ang papel ni Salome sa Rome Theater of Santa Cecilia. Ang mga nangungunang masters ng opera art sa ating panahon ay nagtatrabaho sa kanya - tulad ng mga conductor tulad ng Muti, Levine, Thielemann, Barenboim, Haitink, Temirkanov, Kolobov, Gergiev, mga direktor - Zefirelli, Egoyan, Wikk, Taymor, Dew. .. "La Kazarnovskaya", gaya ng tawag dito ng Italian press, ay may higit sa limampung bahagi sa repertoire nito. Siya ay tinawag na pinakamahusay na Salome sa ating mga araw, ang pinakamahusay na tagapalabas ng mga opera ni Verdi at mga verista, hindi banggitin ang bahagi ni Tatyana mula kay Eugene Onegin, ang kanyang calling card. Ang partikular na tagumpay ay nagdala sa kanyang pagganap ng mga pangunahing tungkulin sa mga opera na "Salome" ni Richard Strauss, "Eugene Onegin" ni Tchaikovsky, "Manon Lescaut" at "Tosca" ni Puccini, "Force of Destiny" at "La Traviata" ni Verdi. 1997 - Lumikha si Lyubov Kazarnovskaya ng kanyang sariling organisasyon sa Russia - ang Lyubov Kazarnovskaya Foundation, upang suportahan ang sining ng opera sa Russia: nag-imbita ng mga nangungunang masters sining ng boses sa Russia para sa mga konsyerto at master class, tulad ng, halimbawa, Renata Scotto, Franco Bonisolli, Simon Estes, José Cura, atbp., ay nagtatatag ng mga scholarship upang matulungan ang mga batang Ruso na mang-aawit. * 1998-2000 - malapit na pakikipagtulungan sa Bolshoi Theatre ng Russia. 2000 - tinatangkilik ng mang-aawit ang nag-iisang Children's Opera Theater sa buong mundo na pinangalanang Lyubov Kazarnovskaya (Dubna). Sa teatro na ito Lyubov Kazarnovskaya ay nagpaplano ng mga kagiliw-giliw na proyekto sa Russia at sa ibang bansa. 2000 - pinuno ang malikhaing coordinating Council ng Cultural Center na "Union of Cities", na nagsasagawa ng isang malaking gawaing pangkultura at pang-edukasyon sa mga lungsod at rehiyon ng Russia. 12/25/2000 - isa pang premiere ang naganap sa concert hall na "Russia" - ang napakatalino na palabas sa opera na "Faces of Love", na isinahimpapawid sa mabuhay sa buong mundo. Ang tatlong oras na pagtatanghal sa musika, na ipinakita sa unang pagkakataon sa mundo ng isang nangungunang mang-aawit sa opera, ay naging isang kaganapan noong nakaraang taon ng papalabas na siglo at nagdulot ng masigasig na mga tugon sa Russia at sa ibang bansa. 2002 - Si Lyubov Kazarnovskaya ay nasa gitna ng isang aktibo mga gawaing panlipunan, nahalal na Chairman ng Commission for Cultural and Humanitarian Cooperation of Municipalities of the Russian Federation, ay ang Chairman ng Board ng Russian Musical Educational Society. Si Lyubov Kazarnovskaya ay ginawaran ng diploma mula sa isang prestihiyosong sentro sa Cambridge (England) bilang isa sa 2000 na pinakatanyag na musikero noong ika-20 siglo. malikhaing buhay Lyubov Kazarnovskaya - isang serye ng mabilis at hindi mapigilan na mga tagumpay, pagtuklas, tagumpay, na may kaugnayan sa kung saan ang epithet na "una" ay angkop sa maraming aspeto: *Grand Prix sa UNESCO vocal competition. *Ang Kazarnovskaya ay ang unang Russian soprano na inimbitahan sa Salzburg ni Herbert von Karajan. *Ang tanging Russian na mang-aawit na gumanap ng mga bahagi ni Mozart sa tinubuang-bayan ng kompositor sa Salzburg sa kanyang ika-200 kaarawan. *Ang una at ang tanging Ruso na mang-aawit na gumanap ng pinakamahirap na bahagi ng Salome (Salome ni Richard Strauss) sa pinakamalaking yugto ng opera sa mundo na may malaking tagumpay. Si L. Kazarnovskaya ay itinuturing na pinakamahusay na Salome sa ating panahon. *Ang unang mang-aawit na nag-record (sa CD) ng lahat ng 103 Tchaikovsky romances. * Gamit ang mga disc na ito at ang kanyang maraming mga konsyerto sa lahat ng mga sentro ng musika sa mundo, si Lyubov Kazarnovskaya ay nagbubukas sa publiko ng Kanluran pagkamalikhain sa musika Mga kompositor ng Russia. *Ang unang mang-aawit ng opera sa isang pang-internasyonal na saklaw, na gumawa ng isang walang uliran na palabas sa mga tuntunin ng kanyang hanay - opera, operetta, romansa, chanson ... *Ang una at tanging mang-aawit na gumanap ng dalawang tungkulin sa isang gabi (sa opera na "Manon Lescaut" ni Puccini) sa dulang "Portrait of Manon sa entablado ng Bolshoi Theater ng Russia. Kamakailan lamang, si Lyubov Kazarnovskaya, bilang karagdagan sa kanya internasyonal na aktibidad, ay nagbibigay ng maraming oras at pagsisikap sa pag-unlad ng buhay musikal sa mga rehiyon ng Russia. Walang alinlangan, siya ang pinaka-kapansin-pansin na kababalaghan sa vocal at musikal na buhay ng Russia, at ang press na nakatuon sa kanya ay walang uliran sa genre at dami. Kasama sa kanyang repertoire ang higit sa 50 bahagi ng opera at isang malaking repertoire musika sa silid. Ang kanyang mga paboritong tungkulin ay Tatiana, Violetta, Salome, Tosca, Manon Lescaut, Leonora ("Force of Destiny"), Amelia ("Masquerade Ball"). Ang pagpili ng isang programa para sa mga solong gabi, iniiwasan ni Kazarnovskaya ang isang magkakaibang pagpili ng kahit na panalo, kaakit-akit na mga bagay, mas pinipili ang mga orihinal na cycle na kumakatawan sa gawain ng iba't ibang mga may-akda. Ang pagiging natatangi ng mang-aawit, ang ningning ng interpretasyon, ang banayad na kahulugan ng istilo, ang indibidwal na diskarte sa sagisag ng mga pinaka-kumplikadong larawan sa mga gawa ng iba't ibang panahon ay ginagawa ang kanyang mga pagtatanghal na tunay na mga kaganapan sa buhay kultural. Maraming audio at video recording ang binibigyang-diin ang malalaking posibilidad ng boses, mataas na istilo at ang pinakadakila talento sa musika ang napakatalino na mang-aawit na ito, na aktibong nagpapakita sa buong mundo ng tunay na antas ng kulturang Ruso. Ang kumpanyang Amerikano na VAI (Video Artists International) ay naglabas ng isang serye ng mga video cassette na may partisipasyon ng Russian diva, kasama ang "Great Singers of Russia 1901-1999" (dalawang cassette), " pag-ibig ng gypsy"(pag-record ng video ng konsiyerto ng Lyubov Kazarnovskaya sa Malaking bulwagan Moscow Conservatory). Kasama sa discography ng Lyubov Kazarnovskaya ang mga pag-record ng DGG, Philips, Delos, Naxos, Melodia. Sa kasalukuyan, naghahanda si Lyubov Kazarnovskaya ng mga bagong programa para sa mga solong konsiyerto, mga bagong bahagi ng opera (Carmen, Isolde, Lady Macbeth), ay nagpaplano ng maraming paglilibot sa ibang bansa at sa Russia, at kumikilos sa mga pelikula. Ikinasal kay Robert Roscik mula noong 1989, noong 1993 ay ipinanganak ang kanilang anak na si Andrey. Ang ilang mga quote na ito ay isang maliit na bahagi lamang ng mga masigasig na tugon na kasama ng mga pagtatanghal ni Lyubov Kazarnovskaya: "Ang kanyang boses ay malalim at mapang-akit na insinuating ... Ang nakakaantig, magandang naisagawa na mga eksena ng liham ni Tatyana at ang kanyang huling pagpupulong kay Onegin ay walang pag-aalinlangan tungkol sa pinakamataas. kasanayan ng mang-aawit ("Metropolitan Opera", " New York Times") "Isang makapangyarihan, malalim, napakahusay na kontroladong soprano, nagpapahayag sa buong hanay ... Ang hanay at ningning ng mga katangian ng boses ay lalo na kahanga-hanga" (Lincoln Center, solo konsiyerto, "New York Times") "Ang boses ni Kazarnovskaya ay nakatuon, malalim sa gitnang rehistro at maliwanag sa itaas ... Siya ang nagliliwanag na Desdemona" (France, "Le Monde de la Musique") "... Lyuba Naakit ni Kazarnovskaya ang madla sa kanyang sensual, mahiwagang tunog na soprano sa lahat ng mga rehistro" ("Muenchner Merkur") "Ang Russian Diva ay napakaliwanag sa papel ni Salome, - nagsimulang matunaw ang yelo sa mga lansangan nang kantahin ni Lyuba Kazarnovskaya ang huling eksena ng "Salome" ... "(" Cincinnati Enquirer ") Infor mation at larawan mula sa opisyal na site: http://www.kazarnovskaya.com Isang bagong site tungkol sa magagandang bulaklak. mundo ni Iris. Pag-aanak, pangangalaga, paglipat ng mga iris.

Si Yulia Novikova ay isang Russian opera singer at soprano. Si Yulia Novikova ay ipinanganak sa St. Petersburg noong 1983. Nagsimula siyang tumugtog ng musika sa edad na 4. Nagtapos siya ng mga karangalan mula sa isang paaralan ng musika (piano at plauta). Sa loob ng siyam na taon siya ay miyembro at soloista ng Children's Choir of Television and Radio of St. Petersburg sa ilalim ng direksyon ni S.F. Gribkov. Noong 2006 nagtapos siya ng mga parangal mula sa St. Petersburg State Conservatory. SA. Rimsky-Korsakov sa vocal class (guro O.D. Kondina). Sa kanyang pag-aaral sa conservatory, ginanap niya sa opera studio ang mga bahagi ng Suzanne ("The Marriage of Figaro"), Serpina ("Madame Mistress"), Martha (" maharlikang nobya ") at Violetta (La Traviata). Ang propesyonal na debut ni Yulia Novikova ay naganap noong 2006 sa Mariinsky Theater bilang Flora sa opera ni B. Britten na The Turn of the Screw (konduktor V. A. Gergiev at P. A. Smelkov). Natanggap ni Julia ang kanyang unang permanenteng kontrata sa Dortmund Theater noong siya ay mag-aaral pa sa conservatory. Noong 2006-2008, ginanap ni Julia sa Dortmund Theater ang mga bahagi ng Olympia ("The Tales of Hoffmann"), Rosina ("The Barber of Seville"), Shemakhanskaya Queen (" The Golden Cockerel") at Gilda ("Rigoletto"), pati na rin ang bahagi ng Queen of the Night ("The Magic Flute") sa Frankfurt Opera. Noong 2008-2009 season, bumalik si Julia kasama ang bahagi ng Queen of the Night sa Frankfurt Opera, at gumanap din ang bahaging ito sa Bonn. Oscar ("Un ballo in maschera"), Medoro ("Furious Orlando" ni Vivaldi), Blondchen ("Pagdukot mula sa Seraglio") sa Bonn Opera , Gilda - sa Lübeck, Olympia - sa Komisch Opera (Berlin) ay ginanap ngayong season. Nagsimula ang 2009-2010 sa matagumpay na pagganap bilang Gilda sa premiere production ng Rigoletto sa Burghley Nsky Komishe opera. Sinundan ito ng Reyna ng Gabi sa Hamburg at Vienna State Operas, sa Berlin Staatsoper, Gilda at Adina ("Love Potion") sa Bonn Opera, Zerbinetta ("Ariadne auf Naxos") sa Strasbourg Opera, Olympia sa Komisch Opera, at Rosina sa Stuttgart . Noong Setyembre 4 at 5, 2010, ginampanan ni Julia ang bahagi ni Gilda sa isang live na TV broadcast ng "Rigoletto" mula Mantua sa 138 bansa (producer A. Andermann, conductor Z. Meta, director M. Belocchio, Rigoletto P. Domingo, atbp. .). Noong 2010-2011 season Si Yuliya ay gaganap kasama si Amina (Sleepwalker) sa Bonn, Norina (Don Pasquale) sa Washington, Gilda sa Komisch Opera Berlin, Olympia sa Frankfurt Opera at Oscar, Queen of the Night, Zerbinetta at Adina sa Vienna State Opera. Lumilitaw din si Yulia Novikova sa mga konsyerto. Si Julia ay nagtanghal kasama ang Duisburg Philharmonic Orchestra (na pinangunahan ni J. Darlington), kasama ang Deutsche Radio Philharmonie (na ginanap ni Ch. Poppen), gayundin sa Bordeaux, Nancy, Paris (Champs Elysees Theatre), Carnegie Hall (New York) . Naganap ang mga solo concert sa Grachten Festival sa Amsterdam at sa Muziekdriedaagse Festival sa The Hague, isang gala concert sa Budapest Opera. Kasama sa pinakamalapit na mga plano ang isang konsiyerto kasama ang Bern Chamber Orchestra at isang konsiyerto ng Bagong Taon sa Vienna. Yulia Novikova - nagwagi at nagwagi ng ilang mga internasyonal na kumpetisyon sa musika: - Operalia (Budapest, 2009) - unang gantimpala at award ng madla; - Musical debut (Landau, 2008) - nagwagi, nagwagi ng Emmerich Resin Prize; - New Voices (Gütersloh, 2007) - Audience Choice Award; - International Competition sa Geneva (2007) - Audience Choice Award; - Pandaigdigang Kumpetisyon. Wilhelm Stenhammar (Norrköpping, 2006) - ikatlong premyo at premyo para sa pinakamahusay na pagganap kontemporaryong Swedish na musika. Impormasyon mula sa opisyal na website ng mang-aawit na si Yulia Novikova http://www.julianovikova.com/

Galina Pavlovna Vishnevskaya (Oktubre 25, 1926 - Disyembre 11, 2012) - mahusay na Russian, Soviet opera singer (lyric-dramatic soprano). People's Artist ng USSR. Commander ng French Order of the Legion of Honor, honorary doctor ng ilang unibersidad. Si Galina Pavlovna Vishnevskaya ay ipinanganak noong Oktubre 25, 1926 sa Leningrad (ngayon ay St. Petersburg), ngunit ginugol niya ang karamihan sa kanyang pagkabata sa Kronstadt. Muling nakaiskedyul Pagbara sa Leningrad , sa edad na labing-anim ay nagsilbi siya sa mga air defense unit. Nagsimula ang kanyang malikhaing aktibidad noong 1944 bilang isang soloista ng Leningrad Operetta Theater, at nagsimula ang kanyang karera sa malaking entablado noong ikalimampu. Sa kanyang unang kasal, ikinasal siya sa isang marino ng hukbong-dagat na si Georgy Vishnevsky, na hiwalayan niya pagkaraan ng dalawang buwan, ngunit pinanatili ang kanyang apelyido; sa pangalawang kasal - kasama ang direktor ng teatro ng operetta na si Mark Ilyich Rubin. Noong 1955, apat na araw pagkatapos nilang magkita, ikinasal siya sa ikatlong pagkakataon sa sikat na cellist na si M.L. Rostropovich, sa isang ensemble kung saan (M.L. Rostropovich - una bilang isang pianist, at kalaunan bilang isang konduktor) ay gumanap sa pinaka-prestihiyosong mga lugar ng konsiyerto sa mundo. Mula 1951 hanggang 1952, nang umalis sa teatro ng operetta, kinuha ni Vishnevskaya ang mga aralin sa pag-awit mula kay V.N. Garina, pinagsasama ang mga klasikal na klase ng boses sa mga pagtatanghal bilang isang pop singer. Noong 1952, nakibahagi siya sa kumpetisyon para sa grupong nagsasanay ng Bolshoi Theatre, ay tinanggap, sa kabila ng kakulangan ng isang konserbatoryong edukasyon, at sa lalong madaling panahon (ayon sa makasagisag na pagpapahayag ng B.A. Pokrovsky) ay naging "isang trump card sa Bolshoi Theatre. deck", ang nangungunang soloista ng pangunahing opera house ng bansa. Sa kanyang 22 taon ng artistikong karera sa Bolshoi Theater (mula 1952 hanggang 1974), si Galina Vishnevskaya ay lumikha ng maraming (higit sa tatlumpu!) Hindi malilimutang mga imahe ng babae sa mga obra maestra ng Russian at Western European. Ang pagkakaroon ng napakatalino na ginawa ang kanyang debut sa papel ni Tatiana sa opera na Eugene Onegin, ginampanan niya ang mga bahagi ng Aida at Violetta (Aida at La Traviata ni Verdi), Cio-Cio-san (Cio-Cio-san ni Puccini), Natasha Rostova (“War and Peace” ni Prokofiev), Katharina (“The Taming of the Shrew” ni Shebalin, unang performer, 1957), Lisa (“The Queen of Spades” ni Tchaikovsky), Kupava (“The Snow Maiden” ni Rimsky- Korsakov), Martha ("The Tsar's Bride" ni Rimsky-Korsakov) Korsakov) at marami pang iba. Nakibahagi si Vishnevskaya sa mga unang paggawa sa yugto ng Russia ng opera ni Prokofiev na The Gambler (1974, bilang Polina), ang mono-opera ni Poulenc na The Human Voice (1965). Noong 1966, nag-star siya sa nangungunang papel sa film-opera na "Katerina Izmailova" ni D.D. Shostakovich (sa direksyon ni Mikhail Shapiro). Siya ang unang performer ng ilang komposisyon na inialay sa kanya ni D.D. Shostakovich, B. Britten at iba pang mga natitirang kontemporaryong kompositor. Sa ilalim ng impresyon ng pakikinig sa kanyang pag-record, isinulat ang tula ni Anna Akhmatova na "Boses ng Babae". Sa panahon ng Sobyet, si Galina Vishnevskaya, kasama ang kanyang asawa, ang dakilang cellist at conductor na si Mstislav Rostropovich, ay nagbigay ng napakahalagang suporta sa kilalang manunulat na Ruso at aktibista ng karapatang pantao na si Alexander Solzhenitsyn, at ito ay naging isa sa mga dahilan ng patuloy na atensyon at presyon mula sa ang mga lihim na serbisyo ng USSR. Noong 1974, sina Galina Vishnevskaya at Mstislav Rostropovich ay umalis sa Unyong Sobyet at noong 1978 ay binawian ng pagkamamamayan, karangalan at mga parangal ng gobyerno. Ngunit noong 1990, ang utos ng Presidium ng Kataas-taasang Konseho ay nakansela, bumalik si Galina Pavlovna sa Russia, ibinalik sa kanya ang honorary title ng People's Artist. Uniong Sobyet at ang Order of Lenin, siya ay naging isang honorary professor sa Moscow Conservatory. Sa ibang bansa, nanirahan sina Rostropovich at Vishnevskaya sa Estados Unidos, pagkatapos ay sa France at Great Britain. Si Galina Vishnevskaya ay umawit sa lahat ng mga pangunahing yugto ng mundo (Covent Garden, Metropolitan Opera, Grand Opera, La Scala, Munich Opera, atbp.), Na gumaganap kasama ang mga pinakatanyag na masters ng mundo ng musikal at theatrical na kultura. Ginampanan niya ang bahagi ng Marina sa isang natatanging pag-record ng opera na si Boris Godunov (conductor Herbert von Karajan, soloists Gyaurov, Talvela, Spiess, Maslennikov), noong 1989 ay kinanta niya ang parehong bahagi sa pelikula ng parehong pangalan (direktor A. Zhulavsky , konduktor M. Rostropovich). Kabilang sa mga pag-record na ginawa sa panahon ng sapilitang paglipat ay ang kumpletong bersyon ng opera ni S. Prokofiev na "Digmaan at Kapayapaan", limang mga disc na may mga romansa ng mga kompositor ng Russia na sina M. Glinka, A. Dargomyzhsky, M. Mussorgsky, A. Borodin at P. Tchaikovsky. Ang buong buhay at gawain ni Galina Vishnevskaya ay naglalayon sa pagpapatuloy at pagluwalhati sa pinakadakilang tradisyon ng opera ng Russia. Matapos ang pagsisimula ng perestroika, noong 1990, sina Galina Vishnevskaya at Mstislav Rostropovich ay naibalik sa pagkamamamayan. Noong unang bahagi ng 1990s, bumalik si G. Vishnevskaya sa Russia at naging honorary professor sa Moscow Conservatory. Inilarawan niya ang kanyang buhay sa aklat na "Galina" (nai-publish sa Ingles noong 1984, sa Russian - 1991). Si Galina Vishnevskaya ay isang honorary na doktor ng isang bilang ng mga unibersidad, sa loob ng maraming taon ay nagtrabaho siya sa mga malikhaing kabataan, na nagbibigay ng mga master class sa buong mundo at kumikilos bilang isang miyembro ng hurado ng mga pangunahing internasyonal na kumpetisyon. Noong 2002, binuksan ang Galina Vishnevskaya Opera Singing Center sa Moscow, ang paglikha kung saan matagal nang pinangarap ng mahusay na mang-aawit. Sa gitna, ipinasa niya ang kanyang naipon na karanasan at natatanging kaalaman sa mga mahuhusay na kabataang mang-aawit upang sapat silang kumatawan sa paaralan ng opera ng Russia sa internasyonal na entablado. Ang aspeto ng misyonero ng gawain ni Galina Vishnevskaya ay binibigyang diin ng pinakamalaking pederal at rehiyonal na mass media, mga pinuno ng mga sinehan at mga organisasyon ng konsiyerto, at ng pangkalahatang publiko. Si Galina Vishnevskaya ay iginawad sa pinaka-prestihiyosong mga parangal sa mundo para sa kanyang napakahalagang kontribusyon sa mundo ng musikal na sining, maraming mga parangal ng gobyerno. iba't-ibang bansa: medalya "Para sa Depensa ng Leningrad" (1943), Order of Lenin (1971), Diamond medal ng lungsod ng Paris (1977), Order "For Merit to the Fatherland" III degree (1996), II degree (2006) . Galina Vishnevskaya - Grand-officer ng Order of Literature and Art (France, 1982), Knight of the Order of the Legion of Honor (France. 1983), Honorary Citizen ng lungsod ng Kronstadt (1996).

Si Anna Yurievna Netrebko ay isang Russian opera singer at soprano. Si Anna Netrebko ay ipinanganak noong Setyembre 18, 1971 sa Krasnodar. Ama - Netrebko Yuri Nikolaevich (1934), nagtapos mula sa Leningrad Mining Institute, engineer-geologist. Nakatira sa Krasnodar. Ina - Netrebko Larisa Ivanovna (1944-2002), inhinyero ng komunikasyon. Ang nakatatandang kapatid na babae ni Anna, si Natalia (1968), ay nakatira kasama ang kanyang pamilya sa Denmark. Naghangad si Anna Netrebko na makaakyat sa entablado mula pagkabata. Habang nag-aaral sa paaralan, siya ay isang soloista ng ensemble na "Kuban Pioneer" sa Krasnodar Palace of Pioneers. Noong 1988, pagkatapos ng pagtatapos sa paaralan, nagpasya si Anna na pumunta sa Leningrad - upang pumasok sa isang paaralan ng musika, sa departamento ng operetta, upang lumipat sa ibang pagkakataon sa unibersidad sa teatro . Gayunpaman, ang kanyang mga kakayahan sa musika ay hindi napansin ng komite ng pagpasok ng paaralan - si Anna ay tinanggap sa departamento ng boses, kung saan nag-aral siya kasama si Tatyana Borisovna Lebed. Pagkalipas ng dalawang taon, nang hindi nagtapos sa kolehiyo, matagumpay niyang naipasa ang kumpetisyon at pumasok sa St. Petersburg State Conservatory na pinangalanang N.A. Rimsky-Korsakov, kung saan nag-aral siya ng mga vocal kasama si Propesor Tamara Dmitrievna Novichenko. Sa oras na iyon, si Anna ay seryosong interesado sa opera, at ang Mariinsky Theater, na matatagpuan hindi kalayuan sa conservatory, ay naging kanyang pangalawang tahanan. Upang regular na bisitahin ang teatro at mapanood ang lahat ng mga pagtatanghal sa entablado nito, nakakuha ng trabaho si Anna bilang isang tagapaglinis sa teatro at sa loob ng dalawang taon, kasama ang kanyang pag-aaral sa conservatory, naghugas ng mga sahig sa lobby ng teatro. Noong 1993, ang All-Russian Competition of Vocalist na pinangalanang V.I. M.I. Glinka. Ang hurado ng kumpetisyon ay pinamumunuan ng People's Artist ng USSR na si Irina Arkhipova. Bilang isang mag-aaral sa ika-4 na taon sa konserbatoryo, si Anna Netrebko ay hindi lamang nakibahagi sa kumpetisyon, ngunit naging panalo din nito, na natanggap ang 1st prize. Matapos manalo sa kumpetisyon, nag-audition si Anna sa Mariinsky Theatre. Ang artistikong direktor ng teatro, si Valery Gergiev, na naroroon sa audition, ay agad na nagbigay sa kanya ng papel ni Barbarina sa paparating na paggawa ng opera ni Mozart na The Marriage of Figaro. Sa hindi inaasahan, sa isa sa mga pag-eensayo, iminungkahi ng direktor na si Yuri Alexandrov na subukan ni Anna na kantahin ang bahagi ng Suzanne, na ginawa ni Anna doon nang walang isang pagkakamali, at pagkatapos ay naaprubahan para sa pangunahing papel. Kaya noong 1994, ginawa ni Anna Netrebko ang kanyang debut sa entablado ng Mariinsky Theatre. Matapos ang kanyang debut, si Anna Netrebko ay naging isa sa mga nangungunang soloista ng Mariinsky Theatre. Sa panahon ng kanyang trabaho dito, kumanta siya sa maraming mga pagtatanghal. Kabilang sa mga tungkulin sa entablado ng Mariinsky Theatre ay: Lyudmila ("Ruslan at Lyudmila"), Xenia ("Boris Godunov"), Martha ("The Tsar's Bride"), Louise ("Betrothal in a Monastery"), Natasha Rostova ("Digmaan at Kapayapaan") , Rosina ("Ang Barbero ng Seville"), Amina ("Somnambula"), Lucia ("Lucia di Dammermoor"), Gilda ("Rigoletto"), Violetta Valeri ("La Traviata"), Musetta, Mimi ("La Boheme"), Antonia ("Tales of Hoffmann"), Donna Anna, Zerlina ("Don Juan") at iba pa. Noong 1994, nagsimulang maglibot sa ibang bansa si Anna Netrebko bilang bahagi ng Mariinsky Theatre Company. Ang mang-aawit ay gumanap sa Finland (Mikkeli festival), Germany (Schleswig-Holstein festival), Israel, Latvia. Ang una sa mga nakamamatay na dayuhang pagtatanghal ng Anna Netrebko ay naganap noong 1995 sa USA, sa entablado ng San Francisco Opera. Ayon mismo kay Anna, malaki ang naging papel ni Placido Domingo sa American debut. Siyam na pagtatanghal ng "Ruslan at Lyudmila", kung saan kinanta ni Anna ang pangunahing bahagi ng Lyudmila, ay nagdala sa kanya ng unang matunog na tagumpay sa kanyang karera sa ibang bansa. Simula noon, si Anna Netrebko ay gumaganap sa pinakaprestihiyosong yugto ng opera sa mundo. Isang espesyal na lugar sa karera ni Anna ang kinuha noong taong 2002, nang siya ay naging isang opera prima mula sa isang sikat na mang-aawit. Noong unang bahagi ng 2002, si Anna Netrebko, kasama ang Mariinsky Theatre, ay gumanap sa entablado ng Metropolitan Opera sa dulang War and Peace. Ang kanyang pagganap sa bahagi ng Natasha Rostova ay lumikha ng isang sensasyon. "Audrey Hepburn na may boses" - ganito ang tawag kay Anna Netrebko sa American press, na binanggit ang kanyang vocal at dramatic talent, kasama ng isang bihirang kagandahan. Sa tag-araw ng parehong taon, gumanap si Anna bilang Donna Anna sa opera ni W. A. ​​Mozart na Don Giovanni sa Salzburg Festival. Inanyayahan siya ng sikat na konduktor na si Nikolaus Arnoncourt sa papel na ito. Ang pagganap ni Anna sa Salzburg ay gumawa ng splash. Kaya binigyan ng Salzburg ang mundo ng isang bagong superstar. Pagkatapos ng Salzburg, ang katanyagan ng Anna Netrebko ay mabilis na lumalaki mula sa pagganap hanggang sa pagganap. Ngayon, upang lumahok sa mga produksyon ng Anna, sinusubukan nilang makuha ang nangungunang mga opera house sa mundo. Simula noon, ang buhay ng opera diva na si Anna Netrebko ay nagmamadali sa mga gulong ng mga tren, na lumilipad sa mga pakpak ng mga airliner. Mga kumikislap na lungsod at bansa, mga eksena ng mga teatro at concert hall. Pagkatapos ng Salzburg - London, Washington, St. Petersburg, New York, Vienna... Noong Hulyo 2003, sa entablado ng Bavarian Opera sa "La Traviata" kumanta si Anna sa unang pagkakataon kasama ang Mexican tenor na si Rolando Villazon. Ang pagtatanghal na ito ay nagbunga ng pinakasikat at hinahangad na opera duet ngayon, o, kung tawagin, "dream couple" - isang duet ng mga pangarap. Ang mga pagtatanghal at konsiyerto na nilahukan nina Anna at Rolando ay naka-iskedyul para sa maraming mga darating na taon. Ang mga bansa at lungsod ay kumikislap muli. New York, Vienna, Munich, Salzburg, London, Los Angeles, Berlin, San Francisco ... Ngunit ang pinakamahalaga, tunay na matagumpay na tagumpay ay dumating kay Anna noong 2005 sa parehong Salzburg, nang gumanap siya sa makasaysayang produksyon ng Willy Dekker sa La Traviata ni Verdi. Ang tagumpay na ito ay nag-angat sa kanya hindi lamang sa tuktok - itinaas niya siya sa Olympus ng mundo ng opera! Si Anna Netrebko ay gumaganap kasama ang mga nangungunang conductor sa mundo, kabilang sina Valery Gergiev, James Levine, Seiji Ozawa, Nikolaus Arnoncourt, Zubin Mehta, Colin Davis, Claudio Abbado, Daniel Barenboim, Emmanuel Villaum, Bertrand de Builly, Marco Armiliato. Noong 2003, ang sikat na kumpanya ng Deutsche Gramophone ay pumirma ng isang eksklusibong kontrata kay Anna Netrebko. Noong Setyembre 2003 ang unang album ni Anna Netrebko na "Opera Arias" ay inilabas. Ni-record ito ng mang-aawit sa Vienna Philharmonic Orchestra (conductor na si Jeanandrea Noseda). Kasama sa album ang mga sikat na aria mula sa iba't ibang mga opera - "Mermaids", "Faust", "La Bohemes", "Don Giovanni", "Sleepwalkers". Ang pelikulang "The women - the voice" ay isang hindi kapani-paniwalang tagumpay, kung saan nag-star si Anna sa limang opera video na nilikha ng direktor ng Hollywood na si Vincent Patterson, na dating nagtrabaho kasama sina Michael Jackson at Madonna. Noong Agosto 2004, ang pangalawang solo album ng mang-aawit na "Sempre Libera" ay inilabas, na naitala kasama ang Mahler Orchestra at Claudio Abbado. Ang ikatlong solo album, na naitala kasama ang Mariinsky Theater Orchestra at Valery Gergiev, "Russian Album", ay inilabas noong 2006. Ang lahat ng tatlong album ay naging platinum sa Germany at Austria, at ang "Russian Album" ay hinirang para sa isang Grammy. Noong 2008, inilabas ng Deutsche Gramophon ang ikaapat na solo disc ni Anna, Souvenirs, na naitala kasama ang Prague Symphony Orchestra at Emmanuel Villaum. Isang malaking tagumpay ang naghihintay para sa isa pang CD - "Duets", na naitala ni Anna kasama ang kanyang regular na kasosyo na si Rolando Villazon. Sa simula ng 2009, isang CD ang inilabas na may recording ng 2008 Viennese performance na Capuleti at Montecchi, kung saan kumanta si Anna kasama ang isa pang superstar, ang Latvian mezzo-soprano na si Elina Garancha. dalawang natatanging mang-aawit sa opera at magagandang babae - Anna Netrebko at Elina Garancha kamakailan ay tinawag na women dream couple - isang babaeng "dream duet". Ang Deutsche Gramophone, pati na rin ang ilang iba pang mga kumpanya, ay naglabas ng mga video ng ilang mga pagtatanghal ng opera kasama ang paglahok ni Anna Netrebko. Kabilang sa mga ito ay sina Ruslan at Lyudmila (1995), Betrothal in a Monastery (1998), Love Potion (Vienna, 2005), La Traviata (Salzburg, 2005), Puritans (MET, 2007), " Manon" (Vienna, 2007), "Manon" (Berlin, 2007). Noong unang bahagi ng 2008, gumawa ng pelikula ang direktor na si Robert Dornholm - ang opera na "La Boheme" na pinagbibidahan nina Anna Netrebko at Rolando Villazon. Ang pelikula ay premiered sa Austria at Germany noong taglagas 2008. Maraming bansa sa buong mundo ang nakakuha ng karapatang ipakita ang pelikula. Noong Marso 2009, sinimulan ng kumpanya ng "Axiom films" na i-record ang pelikula sa DVD. Nag-star din si Anna Netrebko sa isang cameo role sa Hollywood film na "Princess Diary 2" (Walt Disney Studios, sa direksyon ni Garry Marshall). Ang mga pagtatanghal ng konsiyerto ni Anna Netrebko ay nakakuha ng hindi pangkaraniwang katanyagan. Kabilang sa mga pinakatanyag ay ang konsiyerto sa Carnegie Hall kasama si Dmitry Hvorostovsky noong 2007, sa Royal Albert Hall sa London (Prom BBC concert, 2007), pati na rin ang maalamat na magkasanib na konsiyerto nina Anna Netrebko, Plácido Domingo at Rolando Villazon (Berlin 2006). , Vienna-2008). Ang mga broadcast sa TV, pati na rin ang mga pag-record ng mga konsyerto sa Berlin at Vienna sa DVD, ay isang mahusay na tagumpay. Matapos manalo sa kompetisyon Glinka noong 1993, paulit-ulit na iginawad si Anna Netrebko ng iba't ibang mga premyo, titulo, parangal. Kabilang sa kanyang mga nagawa: - Laureate ng II International Competition para sa Young Opera Singers. N.A. Rimsky-Korsakov (St. Petersburg, 1996) - laureate ng "Baltika" award (1997) - laureate ng Russian music award na "Casta Diva" (1998) - laureate ng pinakamataas na theater award ng St. Petersburg "Golden Soffit " (1999, 2005, 2009). Kabilang sa iba pang mga nagawa ni Anna Netrebko ay ang prestihiyosong German Bambi Award, ang Austrian Amadeus Awards, ang mga titulo ng Singer of the Year at Woman Musician of the Year na natanggap sa UK (Classical BRIT Awards), siyam na Echo Klassik na parangal na iginawad sa Germany , bilang pati na rin ang dalawang Grammy nominations (para sa mga CD na "Violetta" at "Russian Album"). Noong 2005, sa Kremlin, ipinakita ng Pangulo ng Russia na si Vladimir Putin si Anna Netrebko ng State Prize ng Russian Federation, na iginawad sa kanya "para sa kanyang natitirang kontribusyon sa kulturang musikal ng Russia." Noong 2006, iginawad ng gobernador ng Krasnodar Territory, A. Tkachev, si Anna Netrebko ng medalya na "Hero of Labor of the Kuban" para sa kanyang mataas na kontribusyon sa mundo ng opera. Noong 2007, isinama ng Time magazine si Anna Netrebko sa listahan ng "100 pinaka-maimpluwensyang tao sa mundo." Ito ang unang pagkakataon sa kasaysayan na ang isang mang-aawit ng opera ay kasama sa listahan ng "Oras", na kinabibilangan ng "mga kalalakihan at kababaihan na ang kapangyarihan, talento at moral na halimbawa ay nagbabago sa mundo." Natanggap ni Anna Netrebko ang pinakamahalagang titulo sa kanyang karera noong 2008, nang ang pinaka-makapangyarihang American magazine na "Musical America" ​​​​nga pinangalanang Anna Netrebko na "Musician of the Year". Ang parangal na ito ay itinugma hindi lamang ng Oscar, kundi ng Nobel Prize. Bawat taon, mula noong 1960, pinangalanan ng magazine ang pangunahing tao sa musika sa mundo. Sa buong kasaysayan, limang mang-aawit lamang ng opera ang nakatanggap ng ganitong karangalan - Leontine Price, Beverly Sills, Marilyn Horne, Placido Domingo, Carita Mattila. Si Anna Netrebko ay naging pang-anim sa mga pinakatanyag na mang-aawit sa opera. Maraming "makintab" na magazine ang nagtalaga ng malalaking artikulo sa Netrebko - kabilang ang Vogue, Vanity Fair, Town & Country, Harper's Bazaar, Elle, W Magazine, Inquire, Playboy. Siya ay isang panauhin at pangunahing tauhang babae ng mga sikat na programa sa TV tulad ng Good Morning America sa NBC (The Night Show with Jay Leno" sa NBC), 60 minuto sa CBS at German Wetten, dass ..? Ipinakita sa mga TV channel ang mga dokumentaryo tungkol kay Anna. sa Austria, Germany , Russia.Sa Germany, nalathala ang dalawa sa kanyang mga talambuhay.Ayon sa world press, nakipagtipan si Anna Netrebko sa kanyang kasamahan sa opera stage, ang Uruguayan baritone na si Erwin Schrott, sa pagtatapos ng 2007. Noong unang bahagi ng Pebrero 2008, ang mundo at Russian media ay nag-ulat ng isang sensasyon: Inaasahan ni Anna Netrebko ang isang sanggol !Ang huling pagtatanghal ni Anna bago ang break dahil sa panganganak ay naganap noong Hunyo 27, 2008 sa Vienna, Schönnbrunn Palace. Nagtanghal si Anna sa isang konsiyerto kasama ang kanyang tanyag na mga kasosyo na si Placido Domingo at Rolando Villazon. Makalipas ang dalawang buwan at isang linggo, noong Setyembre 5, 2008 sa Vienna, nagkaroon si Anna ng isang anak na lalaki, na tinawag ng masayang mga magulang sa pangalang Latin American - Thiago Arua. Noong Enero 14, 2009, ipinagpatuloy ni Anna Netrebko ang kanyang mga aktibidad sa entablado Th, nagsasalita sa pagganap ng Mariinsky Theater "Lucia di Lammermoor". Noong huling bahagi ng Enero - unang bahagi ng Pebrero, kinanta ni Anna ang bahagi ng Lucia sa entablado ng Metropolitan Opera. Ang huling, ikaapat na pagtatanghal, na naganap noong Pebrero 7, ay na-broadcast nang live sa programang "The MET Live in HD" sa mga screen ng mga sinehan sa America at Europe. Ang broadcast ay napanood ng mga manonood sa 850 na mga sinehan sa 31 bansa. Si Anna Netrebko ay ginawaran ng parangal na ito sa ikatlong pagkakataon. Noong nakaraan, ang mga pagtatanghal ng Metropolitan Opera - "Romeo and Juliet" at "The Puritani" ay nai-broadcast nang live sa mga sinehan sa maraming bansa sa mundo. Noong 2006, natanggap ni Anna Netrebko ang pagkamamamayan ng Austrian, habang pinapanatili ang pagkamamamayan ng Russia. Patuloy na lumilipat sa buong mundo, mula sa isang bansa patungo sa isa pa, si Anna, gayunpaman, ay laging natutuwa na bumalik sa kanyang sariling tahanan. Saan ba talaga? Si Anna ay may mga apartment sa St. Petersburg, Vienna at New York. Ayon mismo kay Anna, "hindi siya nahuhumaling sa opera at sa entablado." Malinaw na sa pagsilang ng isang bata, inilalaan ni Anna ang lahat ng kanyang mga bihirang libreng araw at oras sa kanyang anak, na patuloy na sinasamahan si Anna sa lahat ng kanyang paglalakbay at paglilibot. Ngunit bago maging isang ina, nasiyahan si Anna sa pagpipinta sa kanyang libreng oras, nag-shopping at sa sinehan, at nakinig sa sikat na musika. Paboritong manunulat - Akunin, mga paboritong artista ng pelikula - Brad Pitt at Vivien Leigh. Sa mga sikat na mang-aawit, pinili ni Anna sina Justin Timberlake, Robbie Williams at ang grupong Greenday, at kamakailan lamang, sina Amy Winehouse at Duffy. Si Anna Netrebko ay nakikibahagi sa mga programa at kaganapan sa kawanggawa sa Russia at sa ibang bansa. Kabilang sa mga pinakaseryoso ay ang proyektong SOS-KinderDorf, na nagpapatakbo sa 104 na bansa sa buong mundo. Bilang karagdagan, ang mang-aawit ay nakikilahok sa proyekto ng Anna (isang programa upang matulungan ang mga orphanage sa Kaliningrad at ang rehiyon ng Kaliningrad), tumutulong sa Roerich Heritage international charitable foundation, pati na rin ang Pushkin Children's Orthopedic Institute. G.I.Turner. Pinagmulan: http://annanetrebko-megastar.ru/

Si Joyce DiDonato ay isang American mezzo-soprano at mezzo-soprano. Itinuturing na isa sa mga nangungunang mezzo-soprano sa ating panahon at ang pinakamahusay na interpreter ng mga gawa ni Gioacchino Rossini. Si Joyce DiDonato (née Joyce Flaherty) ay isinilang noong Pebrero 13, 1969 sa bayan ng Prair Village, Kansas, USA sa isang pamilyang may pinagmulang Irish, ay ang ikaanim sa pitong anak. Ang kanyang ama ay ang pinuno ng lokal na koro ng simbahan, si Joyce ay kumanta dito at nangarap na maging isang Broadway star. Noong 1988, pumasok siya sa Wichita State University, kung saan nag-aral siya ng vocals. Pagkatapos ng Joyce University, nagpasya si DiDonato na ipagpatuloy ang kanyang edukasyon sa musika at noong 1992 ay pumasok sa Academy of Vocal Arts sa Philadelphia. Pagkatapos ng akademya, lumahok siya sa loob ng maraming taon sa mga programa sa pagsasanay na "Young Artist" sa iba't ibang mga kumpanya ng opera: noong 1995 - sa "Santa Fe Opera", kung saan nakatanggap siya ng musical practice at ginawa ang kanyang operatic debut sa malaking entablado, ngunit hanggang ngayon. sa mga menor de edad na tungkulin sa mga opera na "Marriage of Figaro" ni W. A. ​​​​Mozart, "Salome" ni R. Strauss, "Countess Maritza" ni I. Kalman; mula 1996 hanggang 1998 - sa Houston Grand Opera at kinilala bilang pinakamahusay na "simulang artista"; sa tag-araw ng 1997 - sa San Francisco Opera sa programa ng pagsasanay na "Merola Opera". Sa kanyang pag-aaral at maagang pagsasanay, nakibahagi si Joyce DiDonato sa ilang sikat mga kompetisyon sa boses . Noong 1996, pumangalawa siya sa Eleanor McCollum competition sa Houston at nanalo sa Metropolitan Opera competition district audition. Noong 1997, nanalo siya ng William Sullivan Award. Noong 1998, nanalo siya ng pangalawang puwesto sa kumpetisyon ng Placido Domingo Operalia sa Hamburg at unang pwesto sa kumpetisyon ng George London. Sa mga sumunod na taon, nakatanggap siya ng marami pang iba't ibang mga premyo at parangal. Sinimulan ni Joyce DiDonato ang kanyang propesyonal na karera noong 1998 kasama ang ilang kumpanya ng opera sa rehiyon sa Estados Unidos, lalo na ang Houston Grand Opera. At nakilala siya sa malawak na madla salamat sa paglabas sa premiere ng mundo ng telebisyon ng opera ni Marc Adamo na "Ang Munting Babae". Noong 2000-2001 season. Ginawa ni DiDonato ang kanyang European debut, na nagsimula kaagad sa La Scala bilang Angelina sa Cinderella ni Rossini. Nang sumunod na season, pinalawak niya ang kanyang exposure sa mga European audience, na lumabas sa Netherlands Opera bilang Sesta "Julius Caesar" ni Handel, sa Paris Opera bilang Rosina sa The Barber of Seville ni Rossini, at sa Bavarian State Opera bilang Cherubino sa Mazart's Marriage of Figaro.at sa mga programang konsiyerto na "Glory" ni Vivaldi kasama si Riccardo Muti at ang La Scala Orchestra at "A Midsummer Night's Dream" ni F. Mendelssohn sa Paris. Sa parehong season, ginawa niya ang kanyang US debut sa Washington State Opera bilang Dorabella sa Mozart's All Women Do It. Sa oras na ito, si Joyce DiDonato ay naging isang tunay na opera star na may katanyagan sa mundo, minamahal ng madla at pinuri ng press. Ang kanyang karagdagang karera ay nagpalawak lamang ng kanyang paglilibot sa heograpiya at nagbukas ng mga pintuan ng mga bagong opera house at festival - Covent Garden (2002), Metropolitan Opera (2005), Bastille Opera (2002), Royal Theater sa Madrid, New National Theater sa Tokyo, Vienna State Opera at iba pa. Si Joyce DiDonato ay nakakolekta ng mayamang koleksyon ng iba't ibang mga parangal at premyo sa musika. Tulad ng sinasabi ng mga kritiko, marahil ito ang isa sa pinakamatagumpay at maayos na karera sa modernong mundo ng opera. At maging ang aksidenteng naganap sa entablado ng Covent Garden noong Hulyo 7, 2009 sa pagtatanghal ng "The Barber of Seville", nang madulas si Joyce DiDonato sa entablado at mabali ang kanyang binti, ay hindi nakagambala sa pagtatanghal na ito, na tinapos niya sa saklay. , o ang mga kasunod na naka-iskedyul na pagtatanghal, na siya ay nag-navigate mula sa isang wheelchair, na labis na ikinatuwa ng mga manonood. Ang "maalamat" na kaganapang ito ay nakunan sa DVD. Sinimulan ni Joyce DiDonato ang kanyang 2010-2011 season sa isang Salzburg Festival debut bilang Adalgiz sa Belinni's Norma kasama si Edita Gruberova bilang Norma, pagkatapos ay sa isang concert program sa Edinburgh Festival. Sa taglagas siya ay lumitaw sa Berlin bilang Rosina sa The Barber of Seville at sa Madrid bilang Octavian sa The Rosenkavalier. Nagtapos ang taon sa isa pang parangal, ang una mula sa German Recording Academy "Echo Classic (ECHO Klassik)", na pinangalanang Joyce DiDonato na "Best Female Singer of 2010". Ang sumunod na dalawang parangal ay mula sa English classical music magazine na "Gramophone", na pinangalanan siyang "Best Artist of the Year" at pinili ang kanyang CD na may Rossini's arias bilang pinakamahusay na "Recital of the Year". Sa pagpapatuloy ng season sa US, gumanap siya sa Houston, at pagkatapos ay may solong konsiyerto sa Carnegie Hall. Tinanggap siya ng Metropolitan Opera sa dalawang tungkulin - ang pahinang Isolier sa "Count Ori" ni Rossini at ang kompositor sa "Ariadne auf Naxos" ni R. Strauss. Nakumpleto niya ang season sa Europa na may mga paglilibot sa Baden-Baden, Paris, London at Valencia. Ang website ng mang-aawit ay nagtatanghal ng isang mayamang iskedyul ng kanyang mga pagtatanghal sa hinaharap, sa listahang ito para sa unang kalahati ng 2012 lamang ay may mga apatnapung pagtatanghal sa Europa at Amerika. Si Joyce DiDonato ay kasal na ngayon sa Italian conductor na si Leonardo Vordoni na kasama nila sa Kansas City, Missouri, USA. Patuloy na ginagamit ni Joyce ang apelyido ng kanyang unang asawa, na pinakasalan niya pagkatapos ng kolehiyo.

Si Angela Gheorghiu (Romanian Angela Gheorghiu) ay isang Romanian opera na mang-aawit, soprano. Isa sa pinakasikat na mang-aawit ng opera sa ating panahon. Si Angela Georgiou (Burlacu) ay ipinanganak noong Setyembre 7, 1965 sa maliit na bayan ng Ajud, Romania. Mula pagkabata ay halata na siyang magiging mang-aawit, ang kanyang kapalaran ay musika. Nag-aral siya sa isang music school sa Bucharest at nagtapos sa National University of Music of Bucharest. Ang kanyang propesyonal na operatic debut ay naganap noong 1990 bilang Mimi sa Puccini's La bohème sa Cluj, at sa parehong taon ay nanalo siya sa Hans Gabor Belvedere international vocal competition sa Vienna. Ang apelyidong Georgiou ay nanatili sa kanya mula sa kanyang unang asawa. Ginawa ni Angela Georgiou ang kanyang internasyonal na debut noong 1992 sa Royal Opera House, Covent Garden, sa La Boheme. Sa parehong taon, ginawa niya ang kanyang debut sa New York Metropolitan Opera at sa Vienna State Opera. Noong 1994, sa Royal Opera House, Covent Garden, kinanta niya ang bahagi ng Violetta sa La Traviata sa unang pagkakataon, sa sandaling ito naganap ang "kapanganakan ng isang bituin", nagsimulang tangkilikin ni Angela Georgiou ang patuloy na tagumpay sa mga opera house at mga concert hall sa buong mundo: sa New York, London, Paris, Salzburg, Berlin, Tokyo, Rome, Seoul, Venice, Athens, Monte Carlo, Chicago, Philadelphia, Sao Paulo, Los Angeles, Lisbon, Valencia, Palermo, Amsterdam, Kuala Lumpur, Zurich, Vienna, Salzburg, Madrid, Barcelona, ​​​​Prague, Montreal, Moscow, Taipei, San Juan, Ljubljana. Noong 1994, nakilala niya ang tenor na si Roberto Alagna, na pinakasalan niya noong 1996. Ang seremonya ng kasal ay ginanap sa Metropolitan Opera sa New York. Ang mag-asawang Alanya-Georgiou ay matagal nang naging pinakamaliwanag na malikhaing unyon ng pamilya sa entablado ng opera, ngayon ay hiwalay na sila. Ang kanyang unang eksklusibong record deal ay nilagdaan noong 1995 kasama si Decca, pagkatapos ay naglabas siya ng ilang mga album sa isang taon, ngayon ay mayroon na siyang mga 50 album, parehong itinanghal na opera at solo na mga konsiyerto. Ang lahat ng kanyang mga CD ay nakatanggap ng kritikal na pagbubunyi at nanalo ng maraming internasyonal na parangal, kabilang ang Gramophone magazine award, ang German Echo Prize, ang French Diapason d'Or at Choc du Monde de la Musique, at marami pang iba. Dalawang beses noong 2001 at 2010, pinangalanan siya ng British na "Classical BRIT Awards" na "Best Female Singer of the Year". Ang hanay ng mga tungkulin ni Angela Georgiou ay napakalawak, lalo na siyang mahilig sa mga opera nina Verdi at Puccini. Ang repertoire ng Italyano, marahil dahil sa kamag-anak na pagkakatulad ng mga wikang Romanian at Italyano, mahusay ang kanyang ginagawa, napansin ng ilang mga kritiko na ang opera ng Pranses, Aleman, Ruso at Ingles ay gumanap nang mas mahina. Ang pinakamahalagang tungkulin ni Angela Gheorghiu: Bellini "Sleepwalker" - Amina Bizet "Carmen" - Michaela, Carmen Cilea "Adriana Lecouvreur" - Adriana Lecouvreur Donizetti "Lucia di Lammermoor" - Lucia Donizetti "Lucrezia Borgia" - Lucrezia Borgia Donizetti "Love Potion " - Adina Gounod "Faust" - Marguerite Gounod "Romeo and Juliet" - Juliet Massenet "Manon" - Manon Massenet "Werther" - Charlotte Mozart "Don Giovanni" - Zerlina Leoncavallo "Pagliacci" - Nedda Puccini "The Swallow" - Magda Puccini "La Boheme" - Mimi Puccini "Gianni Schicchi" - Loretta Puccini "Tosca" - Tosca Puccini "Turandot" - Liu Verdi Troubadour - Leonora Verdi "La Traviata" - Violetta Verdi "Luise Miller" - Luisa Verdi "Simon Boccanegra" - Maria Si Angela Gheorghiu ay patuloy na aktibong gumaganap at matatagpuan sa tuktok ng opera Olympus. Kasama sa mga pakikipag-ugnayan sa hinaharap ang iba't ibang mga konsyerto sa Europe, America at Asia, Tosca at Faust sa Royal Opera House, Covent Garden.

Si Cecilia Bartoli ay isang Italyano na mang-aawit ng opera, coloratura mezzo-soprano. Isa sa mga nangungunang at komersyal na matagumpay na mang-aawit ng opera sa ating panahon. Si Cecilia Bartoli ay ipinanganak noong Hunyo 4, 1966 sa Roma. Ang mga magulang ni Bartoli ay sina Silvana Bazzoni at Pietro Angelo Bartoli, mga propesyonal na mang-aawit, mga empleyado ng Rome Opera. Ang una at pangunahing guro ni Cecilia sa mga vocal ay ang kanyang ina. Sa edad na siyam, unang lumitaw si Cecilia sa "malaking yugto" - lumitaw siya sa isa sa mga mass scene sa Rome Opera sa anyo ng isang batang pastol sa paggawa ng "Tosca". Bilang isang bata, ang hinaharap na mang-aawit ay mahilig sumayaw at nakikibahagi sa flamenco, ngunit hindi nakita ng kanyang mga magulang ang kanyang karera sa pagsasayaw at hindi nasisiyahan sa libangan ng kanyang anak na babae, iginiit nila na ipagpatuloy niya ang kanyang edukasyon sa musika. Binigyan ni Flamenco si Bartoli ng kadalian at pagnanasa kung saan siya gumaganap sa entablado, at ang kanyang pagmamahal sa sayaw na ito ay may kaugnayan pa rin ngayon. Sa edad na 17, pumasok si Bartoli sa Santa Cecilia Conservatory. Noong 1985, gumanap siya sa palabas sa telebisyon na New Talents: kinanta niya ang "Barcarolle" mula sa "Tales of Hoffmann" ni Offenbach, ang aria ni Rosina mula sa "The Barber of Seville" at kahit isang duet na may baritonong Leo Nucci. At bagama't siya ay nakakuha ng pangalawang lugar, ang kanyang pagganap ay gumawa ng splash sa mga mahilig sa opera. Hindi nagtagal ay nagtanghal si Bartoli sa isang konsiyerto na inorganisa ng Paris Opera bilang pag-alaala kay Maria Callas. Pagkatapos ng konsiyerto na ito, tatlong "heavyweights" sa mundo ang nakakuha ng atensyon sa kanya Klasikong musika- Herbert von Karajan, Daniel Barenboim at Nikolaus Harnoncourt. Ang kanyang propesyonal na operatic debut ay naganap noong 1987 sa Arena di Verona. Nang sumunod na taon, kinanta niya ang papel ni Rosina sa The Barber of Seville ni Rossini sa Cologne Opera at ang papel na Cherubino sa tapat ni Nikolaus Harnoncourt sa The Marriage of Figaro ni Mozart sa Zurich, Switzerland. Inimbitahan siya ni Herbert von Karajan na lumahok sa Salzburg Festival at magsagawa ng Misa ni J.S. Bach sa B minor kasama niya, ngunit ang pagkamatay ng maestro ay pumigil sa kanyang mga plano na matupad. Noong 1990, ginawa ni Bartoli ang kanyang debut sa Bastille Opera na may papel na Cherubino, sa Hamburg State Opera bilang Idamante sa Mozart's Idomeneo, at gayundin sa USA sa Mostly Mozart festival sa New York at pumirma ng eksklusibong kontrata sa DECCA. Noong 1991 ginawa niya ang kanyang debut sa La Scala bilang ang pahinang Isolier sa Rossini's La Comte Ori, at mula noon, sa edad na 25, itinatag niya ang kanyang reputasyon bilang isa sa mga nangungunang performer sa mundo ng Mozart at Rossini. Simula noon, mabilis na umunlad ang kanyang karera - ang listahan ng pinakamahusay na mga sinehan sa mundo, ang mga premiere, solo concert, conductor, recording, festival at Chechili Bartoli awards ay maaaring maging isang libro. Mula noong 2005, nakatuon si Cecilia Bartoli sa barok at maagang klasikong musika ng mga kompositor gaya nina Gluck, Vivaldi, Haydn at Salieri, at mas kamakailan sa musika ng romantikong panahon at Italian bel canto. Kasalukuyan siyang nakatira kasama ang kanyang pamilya sa Monte Carlo at nagtatrabaho sa Zurich Opera. Si Cecilia Bartoli ay isang madalas na panauhin sa Russia, mula noong 2001 ay binisita niya ang ating bansa nang maraming beses, ang huling mga paglilibot ay naganap noong Setyembre 2011. Napansin ng ilang kritiko na si Cecilia Bartoli ay itinuturing na isa sa mga pinakamahusay na mezzo-soprano sa ating panahon dahil lamang sa ganitong uri ng boses (hindi tulad ng soprano) kakaunti lang ang mga kakumpitensya niya, gayunpaman, ang kanyang mga pagtatanghal ay nagtitipon ng buong bulwagan ng mga tagahanga, at ang mga disc ay ibinebenta sa milyun-milyong ng mga kopya.. Para sa mga serbisyo sa larangan ng musika, si Cecilia Bartoli ay ginawaran ng maraming parangal ng estado at publiko, kabilang ang French Orders of Merit and Arts and Letters at ang Italian knighthood, at isa rin siyang honorary member ng Royal Academy of Music sa London, atbp. Siya ang may-ari ng limang Grammy awards, ang huli ay nanalo noong 2011 sa nominasyon na "Best Classical pagganap ng boses" kasama ang album na "Sakripisyo" (Sacrificium).

Ekaterina Shcherbachenko - Russian opera singer (soprano), soloista ng Bolshoi Theater. Si Ekaterina Nikolaevna Shcherbachenko (nee Telegina) ay ipinanganak noong Enero 31, 1977 sa Ryazan. Noong 1996 nagtapos siya sa Ryazan Musical College. G. at A. Pirogov, na natanggap ang espesyalidad na "konduktor ng koro". Noong 2005 nagtapos siya sa Moscow State Tchaikovsky Conservatory. P.I. Tchaikovsky (guro - Propesor Marina Alekseeva) at ipinagpatuloy ang kanyang postgraduate na pag-aaral doon. Sa opera studio ng conservatory ay kinanta niya ang bahagi ni Tatiana sa opera na "Eugene Onegin" ni P. Tchaikovsky at ang bahagi ni Mimi sa opera na "La Boheme" ni G. Puccini. Noong 2005 siya ay isang trainee soloist ng Opera Company ng Moscow Academic Musical Theatre. K.S. Stanislavsky at V.I. Nemirovich-Danchenko. Sa teatro na ito ay ginampanan niya ang mga bahagi ng Lidochka sa operetta na "Moscow, Cheryomushki" ni D. Shostakovich at ang bahagi ng Fiordiligi sa opera na "All Women Do This" ni W. A. ​​​​Mozart. Noong 2005 sa Bolshoi ginampanan niya ang bahagi ng Natasha Rostova sa premiere ng S. Prokofiev's War and Peace (pangalawang bersyon), pagkatapos nito ay nakatanggap siya ng isang imbitasyon sa Bolshoi Theater bilang isang permanenteng miyembro ng opera troupe. Kasama sa kanyang repertoire sa Bolshoi Theater ang mga sumusunod na tungkulin: Natasha Rostova ("Digmaan at Kapayapaan" ni S. Prokofiev) Tatiana ("Eugene Onegin" ni P. Tchaikovsky) Liu ("Turandot" ni G. Puccini) Mimi ("La Boheme " ni G. Puccini) Mikaela ("Carmen" ni G. Bizet) Iolanta ("Iolanthe" ni P. Tchaikovsky) Noong 2004 ginampanan niya ang bahagi ng Lidochka sa operetta na "Moscow, Cheryomushki" sa Lyon Opera (conductor Alexander Lazarev ). Noong 2007, sa Denmark, lumahok siya sa pagganap ng cantata ni Rachmaninov na "The Bells" kasama ang Danish National Radio Symphony Orchestra (conductor Alexander Vedernikov). Noong 2008 kinanta niya ang bahagi ng Tatiana sa Cagliari Opera House (Italy, conductor Mikhail Yurovsky, mga direktor na si Moshe Leiser, Patrice Corrier, na itinanghal ng Mariinsky Theatre). Noong 2003 nakatanggap siya ng diploma mula sa International Competition na "New Voices" sa Gütersloh (Germany). Noong 2005 nanalo siya ng 3rd Prize sa Shizuoka International Opera Competition (Japan). Noong 2006 - III na premyo ng International Vocal Competition na pinangalanan. Francisco Viñas sa Barcelona (Spain), kung saan nakatanggap din siya ng espesyal na premyo bilang "Best performer of Russian music", ang "Friends of the Opera Sabadell" award at ang award ng Musical Association of Catania (Sicily). Noong 2009, nanalo siya sa kumpetisyon ng BBC Singer of the World sa Cardiff, at iginawad din ang Triumph Youth Grant Award.

Ang Teatro Massimo (Italyano: Il Teatro Massimo Vittorio Emanuele) ay isang opera house sa Palermo, Italy. Ang teatro ay ipinangalan kay Haring Victor Emmanuel II. Isinalin mula sa Italyano, ang Massimo ay nangangahulugang ang pinakamalaking, ang pinakamalaking - ang arkitektura complex ng teatro ay ang pinakamalaking sa mga gusali ng mga opera house sa Italya at isa sa pinakamalaking sa Europa. Sa Palermo, ang pangalawang pinakamalaking lungsod sa timog Italya, matagal nang pinag-uusapan ang pangangailangan para sa isang opera house sa lungsod. Noong 1864, ang alkalde ng Palermo na si Antonio Rudini, ay nag-anunsyo ng isang pandaigdigang kompetisyon para sa pagtatayo ng isang pangunahing opera house, na dapat ay magpapaganda sa hitsura ng lungsod at itaas ang imahe ng lungsod sa liwanag ng kamakailang pambansang pagkakaisa ng Italya. Noong 1968, isang kilalang arkitekto sa Sicily, si Giovanni Battista Filippo Basile, ang napili bilang resulta ng isang kompetisyon. Para sa bagong teatro, isang lugar ang natukoy kung saan matatagpuan ang simbahan at monasteryo ng San Giuliano, sila, sa kabila ng mga protesta ng mga madre ng Franciscan, ay giniba. Ayon sa alamat, ang "The Last Mother Superior" ay gumagala pa rin sa mga bulwagan ng teatro, at ang mga hindi naniniwala sa kanya ay laging natitisod sa isang hakbang ("nun's step") sa pasukan sa teatro. Nagsimula ang konstruksyon sa isang solemne na seremonya ng paglalagay ng unang bato noong Enero 12, 1875, ngunit dahan-dahang umusad, na may patuloy na kakulangan ng pondo at mga iskandalo, noong 1882 ito ay nagyelo sa loob ng walong taon at ipinagpatuloy lamang noong 1890. Noong 1891, namatay ang arkitekto na si Giovanni Basile bago ang pagbubukas ng kanyang proyekto, ang gawain ay ipinagpatuloy ng kanyang anak na si Ernesto Basile. Noong Mayo 16, 1897, 22 taon pagkatapos ng pagsisimula ng pagtatayo, binuksan ng teatro ang mga pinto nito sa mga mahilig sa opera, ang unang opera na itinanghal sa entablado nito ay ang Falstaff ni Giuseppe Verdi sa direksyon ni Leopoldo Mugnone. Ang Giovani Basile ay inspirasyon ng sinaunang Sicilian na arkitektura at sa gayon ang teatro ay itinayo sa isang simpleng neoclassical na istilo na may mga elemento ng sinaunang mga templong Griyego. Ang monumental na hagdanan patungo sa teatro ay pinalamutian ng mga tansong leon na may dalang mga estatwa ng mga babae sa kanilang mga likuran - ang alegorikong "Opera" at "Trahedya". Ang gusali ay nakoronahan ng isang malaking kalahating bilog na simboryo. Si Rocco Lentini, Ettore de Maria Begler, Michele Cortegiani, Luigi di Giovanni ay nagtrabaho sa interior decoration ng teatro, na idinisenyo sa istilo ng huling Renaissance. Isang maluwag na vestibule ang humahantong sa auditorium, ang mismong bulwagan ay nasa hugis ng horseshoe, dating 7-tiered at idinisenyo para sa higit sa 3000 na mga manonood, ngayon ay may limang tier ng mga kahon at isang gallery na kayang tumanggap ng 1381 na upuan. Naging matagumpay ang mga unang season. Salamat sa pinakamalaking negosyante at senador na si Ignazio Florio, na nag-sponsor ng teatro at naghangad na gawing kabisera ng opera ang Palermo, ang lungsod ay umakit ng maraming panauhin, kabilang ang mga taong nakoronahan na patuloy na bumisita sa teatro. Ang mga nangungunang konduktor at mang-aawit ay nagtanghal sa teatro, simula kay Enrico Caruso, Giacomo Puccini, Renata Tebaldi, at marami pang iba. Noong 1974, ang Massimo Theater ay isinara para sa isang kumpletong pagpapanumbalik, ngunit dahil sa mga iskandalo sa katiwalian at kawalang-tatag sa pulitika, ang pagpapanumbalik ay naantala ng 23 taon. Noong Mayo 12, 1997, apat na araw bago ang sentenaryo, ang teatro ay muling binuksan sa pagtatanghal ng Mahler's Second Symphony, ngunit ang pagpapanumbalik ay hindi pa ganap na nakumpleto at ang unang pagtatanghal ng opera ay ginanap noong 1998 - ang Verdi's Aida, at ang regular na panahon ng opera. nagsimula noong 1999.

Ang Royal Opera House "Covent Garden" (Royal Opera House "Covent Garden") ay isang teatro sa London, United Kingdom, na nagsisilbing venue para sa mga pagtatanghal ng opera at ballet, ang home stage ng London Royal Opera at London Royal Ballet. Ito ay matatagpuan sa lugar ng Covent Garden, pagkatapos nito natanggap ang pangalan nito. Sa una, mayroong ilang mga independiyenteng tropa sa Covent Garden, kasama ang mga dramatikong, musikal at ballet na mga pagtatanghal, ang mga pagtatanghal ng sirko ay inayos. Sa kalagitnaan ng ika-18 siglo, ang pangunahing lugar sa entablado ng teatro ay inookupahan ng mga pagtatanghal sa musika, at mula noong 1847, ang mga opera at ballet lamang ang itinanghal. Ang modernong gusali ng teatro ay ang pangatlo sa isang hilera, na matatagpuan sa site na ito. Ito ay itinayo noong 1858 at sumailalim sa isang radikal na pagsasaayos noong 1990s. Ang Royal Opera Hall ay mayroong 2268 na manonood at binubuo ng apat na tier. Ang lapad ng proscenium ay 12.2 m, ang taas ay 14.8 m. sa inisyatiba ng direktor at impresario na si John Rich at binuksan noong Disyembre 7, 1732 na may pagtatanghal batay sa dula ni William Congreve na "So do the world" (Eng. The Way of ang mundo). Bago ang pagtatanghal, ang mga aktor ay pumasok sa teatro sa isang solemne na prusisyon, dala-dala si Rich sa kanilang mga bisig. Sa loob ng halos isang siglo, ang Covent Garden Theater ay isa sa dalawang drama theater sa London, dahil noong 1660 pinahintulutan ni King Charles II ang pagtatanghal ng mga dramatikong pagtatanghal sa dalawang sinehan lamang (ang isa pa ay ang hindi gaanong sikat na Drury Lane Theatre). Noong 1734, ang unang ballet, Pygmalion, ay itinanghal sa Covent Garden, kasama si Marie Salle sa pangunahing papel, pagsasayaw, salungat sa tradisyon, nang walang korset. Sa pagtatapos ng 1734, nagsimulang itanghal ang opera sa Covent Garden - pangunahin ang mga gawa ni George Frideric Handel, ang dating direktor ng musika ng teatro: ang kanyang maaga, kahit na mabigat na binago, ang opera na The Faithful Shepherd (Italyano: Il pastor fido) ay unang itinanghal, pagkatapos noong Enero 1735 isang bagong opera, Ariodant, at iba pa ang sumunod. Noong 1743, ang oratorio ni Handel na "Messiah" ay ginanap dito, at kalaunan ay ang pagganap ng mga oratorio noong mga tema ng relihiyon noong panahon ng Great Lent naging tradisyon na ito sa teatro. Ang mga opera ng kompositor na si Thomas Arn ay itinanghal dito sa unang pagkakataon, pati na rin ang mga opera ng kanyang anak. Noong 1808 ang unang teatro sa Covent Garden ay nawasak ng apoy. Ang bagong gusali ng teatro ay itinayo sa unang siyam na buwan ng 1809 ayon sa disenyo ni Robert Smork at binuksan noong Setyembre 18 na may produksyon ng Macbeth. Itinaas ng pamunuan ng teatro ang mga presyo ng tiket upang mabawi ang halaga ng bagong gusali, ngunit sa loob ng dalawang buwan ay ginulo ng mga manonood ang mga pagtatanghal sa pamamagitan ng patuloy na pagsigaw, pagpalakpak at pagsipol, bilang resulta kung saan napilitan ang pamunuan ng teatro na ibalik ang mga presyo sa nakaraang antas. Sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, ang mga opera, ballet, mga dramatikong produksyon na may partisipasyon ng mga natitirang trahedya na sina Edmund Keane at Sarah Siddons, pantomime at kahit clowning (ginanap dito sikat na payaso Joseph Grimaldi). Ang sitwasyon ay nagbago pagkatapos, noong 1846, bilang resulta ng isang salungatan sa Her Majesty's Theatre, ang London Opera House, isang mahalagang bahagi ng kanyang tropa, na pinamumunuan ng konduktor na si Michael Costa, ay lumipat sa Covent Garden; ang bulwagan ay muling itinayo, at noong Abril 6, 1847, muling binuksan ang teatro sa ilalim ng pangalan ng Royal Italian Opera na may produksyon ng opera ni Rossini na Semiramide. Gayunpaman, wala pang siyam na taon ang lumipas, noong Marso 5, 1856, nasunog ang teatro sa pangalawang pagkakataon. Ang ikatlong teatro sa Covent Garden ay itinayo noong 1857-1858. dinisenyo ni Edward Middleton Barry at binuksan noong Mayo 15, 1858 na may produksyon ng Les Huguenots ng Meyerbeer. Noong Unang Digmaang Pandaigdig, ang teatro ay na-requisition at ginamit bilang isang bodega. Noong Ikalawang Digmaang Pandaigdig, ang gusali ng teatro ay may bulwagan ng sayaw. Noong 1946, bumalik ang opera sa mga dingding ng Covent Garden: noong Pebrero 20, binuksan ang teatro kasama ang Sleeping Beauty ni Tchaikovsky sa isang labis na produksyon ni Oliver Messel. Kasabay nito, nagsimula ang paglikha ng isang kumpanya ng opera, kung saan ang Covent Garden Theater ay magiging isang home stage, noong Enero 14, 1947, ipinakita ng Covent Garden Opera Company (ang hinaharap na Royal Opera House sa London) ang opera ni Bizet na Carmen dito. .

Ang La Scala (Italyano: Teatro alla Scala o La Scala) ay isang sikat na opera house sa Milan (Italya). Itinuring ng lahat ng nangungunang opera star sa nakalipas na dalawa at kalahating siglo na isang karangalan ang gumanap sa La Scala. Ang La Scala Theater ay tahanan ng eponymous opera troupe, choir, ballet at symphony orchestra. Kaakibat din siya ng La Scala Theater Academy, na nag-aalok ng propesyonal na pagsasanay sa musika, sayaw at pamamahala sa entablado. Mayroong museo sa lobby ng teatro, na nagpapakita ng mga kuwadro na gawa, eskultura, kasuotan at iba pang mga dokumento na may kaugnayan sa kasaysayan ng opera at teatro. Ang gusali ng teatro ay itinayo sa pamamagitan ng utos ng Empress ng Austria na si Maria Theresa ayon sa proyekto ng arkitekto na si Giuseppe Piermarini noong 1776-1778. sa site ng simbahan ng Santa Maria della Scala, kung saan nagmula ang pangalan ng teatro mismo. Ang simbahan, naman, ay natanggap ang pangalan nito noong 1381 mula sa patroness - isang kinatawan ng pamilya ng mga pinuno ng Verona sa pangalan ng Scala (Scaliger) - Beatrice della Scala (Regina della Scala). Binuksan ang teatro noong Agosto 3, 1778 na may pagtatanghal ng opera ni Antonio Salieri na Recognized Europe. Sa pagtatapos ng ika-18 - simula ng ika-19 na siglo, lumitaw ang mga opera sa repertoire ng teatro Mga kompositor ng Italyano P.Anfossi, P.Guglielmi, D.Cimarosa, L.Cherubini, J.Paisiello, S.Maira. Ang mga opera ni G. Rossini The Touchstone (1812), The Aurelian in Palmyra (1813), The Turk in Italy (1814), The Thieving Magpie (1817) at iba pa (sa isa sa kanila ay si Caroline Unger ay nag-debut sa Italya), gayundin ang mga opera ni J. Meyerbeer na Margaret ng Anjou (1820), The Exile from Grenada (1822) at ilang mga gawa ni Saverio Mercadante. Simula noong 1830s, ang mga gawa ni G. Donizetti, V. Bellini, G. Verdi, G. Puccini ay lumitaw sa repertoire ng teatro, ang "Pirate" ni Bellini (1827) at "Norma" (1831) ay itinanghal dito para sa unang oras, "Lucrezia Borgia" (1833) Donizetti, "Oberto" (1839), "Nabucco" (1842), "Otello" (1887) at "Falstaff" (1893) ni Verdi, "Madama Butterfly" (1904) at " Turandot" ni Puccini. Noong Ikalawang Digmaang Pandaigdig ang teatro ay nawasak. Matapos ang pagpapanumbalik ng orihinal nitong hitsura ng inhinyero na si L. Secchi, muling binuksan ang teatro noong 1946. Ang gusali ng teatro ay naibalik nang maraming beses. Ang huling pagpapanumbalik ay tumagal ng tatlong taon at nagkakahalaga ng higit sa 61 milyong euro. Ang unang piraso ng musika na ipinakita sa inayos na entablado noong Disyembre 7, 2004 ay ang opera ni Antonio Salieri na Recognized Europe. Ang bilang ng mga upuan ay 2030, na kung saan ay mas mababa kaysa bago ang huling pagpapanumbalik, ang bilang ng mga upuan ay nabawasan para sa layunin ng kaligtasan ng sunog at pagtaas ng kaginhawahan. Ayon sa kaugalian, ang bagong season sa La Scala ay nagsisimula sa taglamig - Disyembre 7 (na hindi karaniwan kumpara sa iba pang mga sinehan sa mundo) sa Araw ni St. Ambrose, ang patron saint ng Milan, at magtatapos sa Nobyembre. At ang bawat pagtatanghal ay dapat matapos bago ang hatinggabi, kung ang opera ay napakahaba, pagkatapos ay magsisimula ito nang maaga.

Ang Sydney Opera House ay isa sa pinakasikat at madaling makikilalang mga gusali sa mundo, na isang simbolo ng pinakamalaking lungsod ng Australia, Sydney, at isa sa mga pangunahing atraksyon ng Australia - Ang mga shell na hugis layag na bumubuo sa bubong ay gumagawa ng gusaling ito. hindi katulad ng iba sa mundo. Ang Opera House ay kinikilala bilang isa sa mga natitirang gusali ng modernong arkitektura at mula noong 1973, kasama ang Harbour Bridge, ay naging tanda ng Sydney. Ang Sydney Opera House ay binuksan noong Oktubre 20, 1973 ni Queen Elizabeth II ng England. Matatagpuan ang Sydney Opera House sa Sydney Harbour, sa Bennelong Point. Ang lugar na ito ay nakuha ang pangalan nito mula sa isang Australian aborigine, isang kaibigan ng unang gobernador ng kolonya. Mahirap isipin ang Sydney na walang Opera, ngunit hanggang 1958 mayroong isang ordinaryong tram depot sa lugar nito (bago ang gusali ng opera ay mayroong isang kuta, at pagkatapos ay isang tram depot). Ang arkitekto ng Opera House ay ang Dane Jorn Utzon. Sa kabila ng tagumpay ng konsepto ng mga spherical shell, na nalutas ang lahat ng mga problema ng konstruksiyon, na angkop para sa mass production, tumpak na pagmamanupaktura at kadalian ng pag-install, ang konstruksiyon ay naantala, pangunahin dahil sa interior decoration. Pinlano na ang pagtatayo ng Opera ay tatagal ng 4 na taon at nagkakahalaga ng 7 milyong dolyar ng Australia. Sa halip, ang opera ay tumagal ng 14 na taon upang maitayo at nagkakahalaga ng $102 milyon! Ang Sydney Opera House ay isang Expressionist na gusali na may radikal at makabagong disenyo. Ang gusali ay sumasakop sa isang lugar na 2.2 ektarya. Ang taas nito ay 185 metro at ang maximum na lapad ay 120 metro. Ang gusali ay tumitimbang ng 161,000 tonelada at nakasalalay sa 580 na tambak na lumubog sa tubig sa lalim na halos 25 metro mula sa antas ng dagat. Ang suplay ng kuryente nito ay katumbas ng konsumo ng kuryente ng isang lungsod na may populasyon na 25,000 katao. Ang kuryente ay ipinamamahagi sa 645 kilometrong cable. Ang bubong ng opera house ay binubuo ng 2,194 prefabricated na mga seksyon, ang taas nito ay 67 metro at ang bigat ay higit sa 27 tonelada, ang buong istraktura ay sinusuportahan ng mga bakal na kable na 350 kilometro ang haba. Ang bubong ng teatro ay nabuo sa pamamagitan ng isang serye ng mga "shells" ng isang di-umiiral na kongkretong globo na 492 talampakan ang lapad, karaniwang tinutukoy bilang "mga shell" o "mga layag", bagaman ito ay hindi tama sa mga tuntunin ng arkitektural na kahulugan ng naturang isang istraktura. Ang mga shell na ito ay itinayo mula sa prefabricated, triangular concrete panels na sinusuportahan ng 32 prefabricated ribs ng parehong materyal. Ang lahat ng mga tadyang ay bahagi ng isang malaking bilog, na nagpapahintulot sa mga balangkas ng mga bubong na magkaroon ng parehong hugis, at ang buong gusali ay magkaroon ng isang kumpleto at maayos na hitsura. Ang buong bubong ay natatakpan ng 1,056,006 azulejo tile na puti at matte cream. Bagaman mula sa malayo ang istraktura ay tila ganap na gawa sa mga puting tile, sa ilalim ng iba't ibang mga kondisyon ng pag-iilaw ang mga tile ay lumikha ng iba't ibang mga scheme ng kulay. Salamat kay mekanikal na paraan pagtula ng mga tile, ang buong ibabaw ng bubong ay naging perpektong makinis, na imposible sa manu-manong patong. Ang lahat ng mga tile ay ginawa ng Swedish factory na Höganäs AB gamit ang self-cleaning technology, ngunit sa kabila nito, regular na isinasagawa ang trabaho upang linisin at palitan ang ilan sa mga tile. Ang dalawang pinakamalaking arko ng mga shell ay bumubuo sa kisame ng Concert Hall at ng Opera Theatre. Sa ibang mga silid, ang mga kisame ay bumubuo ng mga kumpol ng mas maliliit na vault. Ang stepped na istraktura ng bubong ay napakaganda, ngunit lumikha ng mga problema sa taas sa loob ng gusali, dahil ang nagresultang taas ay hindi nagbibigay ng tamang acoustics sa mga bulwagan. Upang malutas ang problemang ito, ang mga hiwalay na kisame ay ginawa upang ipakita ang tunog. Sa pinakamaliit na shell, malayo sa pangunahing pasukan at sa pangunahing hagdanan, ay ang Bennelong Restaurant. Ang loob ng gusali ay tapos na may pink na granite na dinala mula sa rehiyon ng Tarana (New South Wales), kahoy at playwud. Para sa proyektong ito, natanggap ni Utzon ang Pritzker Prize, ang pinakamataas na parangal sa arkitektura, noong 2003. Ang parangal ay sinamahan ng mga salitang: "Walang duda na ang Sydney Opera House ang kanyang obra maestra. Isa ito sa mga dakilang iconic na gusali ng ika-20 siglo, isang imahe ng hindi pangkaraniwang kagandahan na naging kilala sa buong mundo - isang simbolo hindi lamang ng lungsod, kundi ng buong bansa at kontinente ." Ang Sydney Opera House ay tahanan ng apat na pangunahing kumpanya ng sining sa Australia - ang Australian Opera, ang Australian Ballet, ang Sydney Theater Company at ang Sydney Symphony Orchestra, pati na rin ang maraming iba pang kumpanya at mga teatro na nakabase sa Sydney Opera House. Ang teatro na ito ay isa sa mga pinaka-abalang sentro para sa sining ng pagtatanghal, na nagho-host ng humigit-kumulang 1,500 na pagtatanghal bawat taon na may kabuuang pagdalo ng higit sa 1.2 milyong tao. Isa rin ito sa pinakasikat na atraksyon ng Australia, na may mahigit pitong milyong turista na bumibisita bawat taon. Mayroong tatlong pangunahing bulwagan ng pagganap sa gusali ng Opera House: - Ang Concert Hall, 2679 upuan, ay ang tahanan ng Sydney Symphony Orchestra, Naglalaman ito ng pinakamalaking gumaganang mekanikal na organ sa mundo, na may higit sa 10,000 mga tubo. - Ang Opera House, 1507 upuan, ay ang tahanan ng Sydney Opera House at ng Australian Ballet. - Drama Theatre, 544 na upuan, ginamit ng Sydney kumpanya ng teatro at iba pang grupo ng sayaw at teatro. Bilang karagdagan sa tatlong bulwagan na ito, ang Sydney Opera House ay naglalaman ng ilang mas maliliit na bulwagan at studio.

Bashkir State Opera and Ballet Theater Ang Bashkir State Opera and Ballet Theater (Ufa, Bashkiria, Russia) ay binuksan noong 1938. Noong Disyembre 14, 1938, pinalabas ang opera ni Giovanni Paisiello na The Beautiful Miller's Woman (sa wikang Bashkir). Ang Bashkir Opera Studio ay itinatag noong 1932 sa inisyatiba ng mang-aawit, kompositor, pampublikong pigura na si G. Almukhametov upang sanayin ang pambansang artistikong at kompositor na mga tauhan ng republika. Sa unang dalawang taon, ang Bashkir Opera Theater ay nagbigay ng 13 premiere, higit sa kalahating milyong manonood ang bumisita sa teatro. Itinampok sa poster ang mga gawa ng mga klasikong Ruso at dayuhan, mga opera ng mga kompositor ng Sobyet: The Secret Marriage ni Cimarosa, Faust ni Gounod, Rigoletto ni Verdi, Eugene Onegin ni Tchaikovsky, Arshin Mal Alan ni U. Gadzhibekov, ang nagtatag ng Azerbaijani national school of mga kompositor, opera na "Er Targyn" ng Kazakh na kompositor na si E. Brusilovsky at "Kachkyn" ng Tatar na kompositor na si N. Zhiganov at iba pa. Noong Pebrero 8, 1940, ang premiere ng unang Bashkir opera, "Khak-mar" ni M. Valeev, ay naganap sa entablado ng teatro, at pagkalipas ng ilang buwan, noong Disyembre, ang opera na "Mergen" ni A. Itinanghal ang Eikhenvald. Sa mga unang taon, ang mga nagtapos ng departamento ng Bashkir sa Leningrad Choreographic School, ang departamento ng ballet ng Bashkir Theatre School at isang grupo ng mga mananayaw ng ensemble ay nagtrabaho sa ballet troupe ng teatro. katutubong sayaw. Kabilang sa mga unang nagtapos ng sikat na Vaganov School ay sina Z. Nasretdinova, Kh. Safiullin, T. Khudaiberdina, F. Sattarov, F. Yusupov, G. Khafizova, R. Derbisheva. Ang unang paggawa ng ballet ng teatro - "Coppelia" ni L. Delibes ay naganap noong 1940. Sa panahon ng Great Patriotic War, ang Kyiv State Opera at Ballet Theatre. T. Shevchenko, na may malaking impluwensya sa proseso ng pagbuo ng Bashkir opera. Kasama sa tropa na dumating sa Ufa ang sikat na conductor ng opera na si V. Yorish, ang mga direktor na si N. Smolich at ang kanyang anak na si D. Smolich, ang mga sikat na mang-aawit na si M. Litvinenko-Wolgemut, I. Patorzhinsky, Z. Gaidai, K. Laptev, A. Ivanov , batang L. Rudenko, I. Maslennikova. Noong Marso 1944, naganap ang premiere ng unang ballet ng Bashkir na "Crane Song" ni L. Stepanov at Z. Ismagilov. Pagkatapos ng digmaan, si G. Khabibullin ay naging artistikong direktor at direktor ng teatro; Ang mga pagtatanghal ay isinagawa ni H. Fayzullin, L. Insarov, H. Khammatov. Ang mga artista na sina G. Imasheva at M. Arslanov ay nagtrabaho dito. Ang isang buong kalawakan ng mga mahuhusay na performer ay lumaki sa teatro. Kasama ang mga mang-aawit ng mas matandang henerasyon - G. Khabibullin, B. Valeeva, M. Khismatullin, M. Saligaskarova, matagumpay ding gumanap ang mga nakababatang performer: Kh. Mazitov, Z. Makhmutov, N. Abdeev, N. Byzina, I. Ivashkov , S. Galimova, N. Allayarova at iba pa. Ang landas ng Bashkir ballet ay inextricably na nauugnay sa mga pangalan ng Z. Nasretdinova, T. Khudaiberdina, G. Suleymanova, F. Nafikova, M. Tagirova, Kh. Safiullina, F. Sattarov. Ang pangalan ng natitirang mananayaw ng ika-20 siglo na si Rudolf Nureyev ay hindi maiiwasang nauugnay sa kasaysayan ng Bashkir State Opera at Ballet Theatre. Sa loob ng apat na taon nag-aral siya sa ballet studio sa teatro (mga guro na sina Zaytuna Bakhtiyarova at Khalyaf Safiullin). Noong 1953, tinanggap si Nureyev sa ballet troupe ng teatro. Sa yugtong ito ay ginawa niya ang kanyang mga unang hakbang patungo sa isang karera sa ballet sa mundo. Sa bahagi ng Djigit sa ballet Crane Song, nakuha ni Rudolf Nureyev ang atensyon ng mga espesyalista sa panahon ng sikat na Dekada ng Bashkir Art sa Moscow noong 1955 at inanyayahan na mag-aral sa Leningrad Choreographic School. Mula noong 1991, ang mga pagdiriwang ng opera art na "Chaliapin Evenings in Ufa" ay ginaganap taun-taon sa Ufa, kasama ang pakikilahok ng mga bituin sa opera Mga teatro ng Russia at dayuhan. Ang ideya ng pagdiriwang ay konektado sa operatic debut ni Fyodor Chaliapin sa Ufa noong Disyembre 18, 1890 (ang bahagi ng Stolnik sa Moniuszko's Pebbles). Sa loob ng balangkas ng pagdiriwang, ang People's Artists ng USSR Irina Arkhipova, Vladislav Piavko at Maria Biesu, mga artista mula sa Latvia, Georgia, Germany, mga soloista ng Bolshoi at Mariinsky Theaters, pati na rin ang mga musikal na sinehan ng Saratov, Samara, Perm at iba pa mga lungsod na gumanap sa entablado ng Bashkir State Opera at Ballet Theater Russia. Noong Disyembre 2001, ginanap ang ika-sampung anibersaryo ng pagdiriwang. Nagbukas ito sa premiere ng La Traviata ni Verdi sa Italyano. Mula noong Marso 1993, ang mga pagdiriwang ng ballet na pinangalanan kay Rudolf Nureyev ay ginanap. Ang unang pagdiriwang ay inorganisa sa mungkahi ng honorary president ng dance committee ng International Theatre Institute sa UNESCO, miyembro ng Paris Academy of Dance, Hero of Socialist Labor, Artist ng Bayan USSR at RB Yuri Grigorovich at ginanap kasama ang pakikilahok ng kanyang tropa na "Grigorovich-ballet". Noong 1993, binuksan ang museo ng teatro para sa ika-55 anibersaryo ng Bashkir State Opera at Ballet Theatre. Matatagpuan ito sa dalawang bulwagan ng unang palapag ng teatro, sa kaliwa ng gitnang hagdanan. Dito mahahanap mo ang mga props at personal na gamit ng mga sikat na artista, mga parangal ng grupo, mga sketch ng tanawin at mga teatro na costume, mga litrato at mga poster para sa mga pagtatanghal ng 30-70s. Ang ipinagmamalaki ng museo ay ang Hermitage Hall, na matatagpuan sa ikalawang palapag. Mula noong 2008, nagkaroon ng paglalahad ng mga personal na gamit ni Rudolf Nureyev. 156 artifact mula sa buhay at gawain ng isang makikinang na mananayaw noong ika-20 siglo - isang regalo sa teatro mula sa International Foundation pinangalanang R. Nureyev (Great Britain). Noong 2004, ang opera ni Zagir Ismagilov na Kahym-Turya ay nanalo ng Golden Mask National Theater Award sa Best Conductor nomination. Noong 2006, ang dulang "The Magic Flute" ni W.-A. Mozart sa direksyon ni W. Schwartz ay hinirang sa tatlong kategorya. "Golden Mask" - "Para sa suporta ng pambansa sining ng teatro» - ipinakita sa Pangulo ng Republika ng Bashkortostan M.G. Rakhimov. Noong 2007 ang opera ni Giuseppe Verdi na Un ballo in maschera ay hinirang para sa parangal sa limang kategorya. Noong 2008, ang People's Artist ng USSR na si Zaytuna Nasretdinova ay iginawad sa Golden Mask Prize sa nominasyon Para sa Karangalan at Dignidad. Para sa kanyang namumukod-tanging kontribusyon sa mga tagumpay sa kultura, ang Konseho ng International Biographical Center (Cambridge, UK) ay iginawad kay Zaytuna Nasretdinova ang honorary title ng "International Professional". Noong 2007 lupon ng editoryal at ang creative council ng Ballet magazine, ginawaran siya ng Soul of Dance prize sa nominasyong Master of Dance. Noong 2008, si Shamil Teregulov, Pinarangalan na Artist ng Russia, People's Artist ng Bashkortostan, ay iginawad sa Soul of Dance prize sa nominasyon na Knight of Dance. Noong 2006, ang teatro ay iginawad sa F.Volkov Prize ng Gobyerno ng Russia sa nominasyon na "The Best Creative Team". Ito ay ipinakita sa VII International Volkov Festival sa Yaroslavl, na binuksan kasama ang ballet na "Arkaim" ni L. Ismagilova. Noong 2008, matagumpay na gumanap ang symphony orchestra sa paglilibot sa South Korea at ginawaran ng mataas na parangal - isang kopya ng Crown I ng Korean Emperor. Noong 2009, binuksan ang Maliit na Bulwagan ng teatro. Nagsisimula na ang mga bagong pagtatanghal sa bagong venue: "Love Potion" ni G. Donizetti, "Bacchanalia" ni C. Saint-Saens, "Walpurgis Night" ni C. Gounod, "Birthday of Leopold the Cat" ni B. Savelyev. Ang mga malikhaing prinsipyo, na nabuo sa loob ng pitong dekada, ay nabubuhay at umuunlad. Paggalang sa mga tradisyong inilatag ng mga nakaraang henerasyon, karanasan, patuloy na pagpapabuti ng mga kasanayan, pagpapalakas ng propesyonalismo. Ang susi sa tagumpay ng teatro ay ang mataas na propesyonal na mga creative team. Ang mga artista ng BGTOiB ay mga nagwagi, mga diplomat ng republikano, Russian at internasyonal na mga kumpetisyon, may hawak ng mga parangal ng estado at republika. Ang mga stage masters ay ginawaran ng mga honorary na titulo, kabilang ang 1 People's Artist ng Russian Federation, 7 - Honored Artists ng Russian Federation, 4 - Honored Artists ng Russian Federation, 15 - People's Artists ng Republic of Belarus, 50 - Honored Artists ng Russian Federation Republic of Belarus, 4 - Mga Pinarangalan na Artist ng Republika ng Belarus. Tulad ng dati, ang koponan ay nakatuon sa pagtatanghal ng pinakamahusay na mga sample ng mga dayuhan at lokal na klasiko, sa entablado na sagisag kung saan ang mga direktor at tagapalabas ay namamahala upang makamit ang tunay na karunungan.

Ang Grand Theater ng Bordeaux (Grand Theater de Bordeaux, France) ay binuksan noong Abril 17, 1780 sa premiere ng Racine's Afalia. Ang gusali ng teatro ay itinayo sa Comedy Square. Sa teatro na ito itinanghal ng batang Marius Petipa ang ilan sa kanyang mga unang ballet. Ang teatro ay dinisenyo ng arkitekto na si Victor Louis (1731-1800), na nanalo sa sikat na Grand Prix ng Roma. Dinisenyo din ni Louis ang mga gallery na nakapalibot sa mga hardin ng Palais Royal at ang teatro na Comédie-Française sa Paris. Ang pagtatayo ng gusali ng Grand Theater ng Bordeaux na may bulwagan para sa 1000 upuan ay naganap mula 1773 hanggang 1780. Ang Grand Theater ng Bordeaux ay inisip bilang isang templo ng sining at liwanag, na may isang neoclassical na façade na pinagkalooban ng portico ng 12 colossal Corinthian-style na mga haligi na sumusuporta sa isang entablature kung saan nakatayo ang 12 estatwa na kumakatawan sa siyam na muse at tatlong diyosa (Juno, Venus at Minerva). Ang taas ng gusali ay 88 metro. Noong 1871, ang teatro ay para sa isang maikling panahon ang upuan ng French Parliament. Ang interior ng teatro ay naibalik noong 1991, ang auditorium ay higit na naayos, ang orihinal na mga kulay ng interior nito ay asul, puti at ginto. Ang mga facade ng gusali ay naibalik at nilagyan ng ilaw. Ngayon, ang teatro ay tahanan ng National Opera of Bordeaux pati na rin ang National Ballet of Bordeaux. Madalas din itong nagho-host ng mga symphony concert na ginaganap ni Pambansang Orchestra Bordeaux at Aquitaine. Ang Grand Theater de Bordeaux ay itinuturing na isa sa pinakamagandang French theater.

Ang National Center for the Performing Arts (Chinese, National Grand Theatre), na tinatawag na Egg, ay isang modernong opera house sa Beijing, China. Itinuturing na isa sa mga modernong kababalaghan ng mundo, ito ay hugis ellipsoid, gawa sa salamin at titanium at ganap na napapalibutan ng isang artipisyal na lawa. Itinayo noong 2007. Matatagpuan ang National Performing Arts Center sa Beijing, malapit (bahagyang nasa kanluran) ng Tiananmen Square (pangunahing plaza ng Beijing at ang pinakamalaking sa mundo) at ang Great Hall of the People (parliyamento ng Tsino) at hindi kalayuan sa Forbidden Lungsod (makasaysayang palasyo complex). Dinisenyo ng Pranses na arkitekto na si Paul André at naisip na parang isang itlog na lumulutang sa tubig o isang patak ng tubig, ang futuristic na disenyo na ito ay nagdulot ng maraming kontrobersya noong panahong iyon tungkol sa pagtatayo nito sa sentrong pangkasaysayan ng Beijing. Sa katunayan, ang madaling makikilala, iconic na mukha ng National Center for the Performing Arts ay nagpapakita ng lubos na kaibahan sa paligid nito, na ginagawa itong lubhang kaakit-akit. Ang pagtatayo ng Center ay nagsimula noong Disyembre 2001, at noong Disyembre 2007 ito ay binuksan. Ang pinakabagong teatro ng himala ay binuksan sa makasaysayang opera ng Russia na "Prince Igor" ni A.P. Borodin, na ginanap ng orkestra, koro at soloista ng Mariinsky Theatre sa ilalim ng direksyon ni Valery Gergiev. Arkitektural na grupo kabilang ang pangunahing gusali, underground at underwater corridors, underground car park, artipisyal na lawa at mga berdeng espasyo. Ang pangunahing simboryo ay umaabot mula silangan hanggang kanluran at 212 metro ang haba, 144 metro ang lapad at 46 na metro ang taas. Ito ay ginawa mula sa higit sa 18,000 titanium plates at higit sa 1,200 sheet ng malinaw na salamin, na lumilikha ng isang kapansin-pansing visual effect. Ang underground na bahagi ng Center ay umaabot sa lalim na 32.5 metro (tulad ng isang 10 palapag na gusali) at ito ang pinakamalalim sa Beijing. Ang kabuuang lugar ng complex ay 118900 sq.m., ang lugar ng gusali ay 219400 sq.m. Ang sentro ay ganap na napapalibutan ng isang artipisyal na lawa at lahat ng pasukan dito ay nasa ilalim lamang ng lupa, ang paggamit ng mga makabagong teknolohiya ay gumagawa ng lawa na walang yelo at malinis (walang algae) sa buong taon. Mayroong berdeng parisukat sa paligid ng lawa, kung saan makakapagpahinga ang mga tao mula sa ingay ng lungsod. Sa loob ng gusali mayroong tatlong pangunahing bulwagan - opera, konsiyerto at teatro, na konektado sa pamamagitan ng mga air corridors, gayundin sa National Center mayroong isang gallery, isang exhibition hall, conference room, isang library, isang cafe at iba pang lugar. Ang opera hall na may 2416 na upuan ay ang pinaka maganda, dinisenyo para sa opera, pagtatanghal ng ballet at mga palabas sa sayaw, ay may higit na ginintuang kulay. Ang mga dingding nito ay nagbibigay-daan sa iyo na gamitin ang mga ito bilang mga dekorasyon upang isawsaw ang iyong sarili sa isang malikhaing kapaligiran. Ang bulwagan ng konsiyerto ay idinisenyo para sa 2017 na mga upuan para sa mga klasikal na konsiyerto ng symphony orchestra at Chinese. pambansang musika, ay may eleganteng kulay pilak. Ang pinakamalaking organ sa Asya na may 6,500 na tubo ay naka-install sa assembly hall. Ang bulwagan ng teatro na may 1040 na upuan, na walang hukay ng orkestra, ay itinayo sa istilong tradisyonal na Tsino at pangunahing inilaan para sa katutubong drama at pagtatanghal ng musika. Ang lahat ng mga bulwagan ay maingat na idinisenyo upang perpektong pagsamahin ang arkitektura at acoustics.

Ang Novosibirsk Opera and Ballet Theater (Novosibirsk State Academic Opera and Ballet Theatre, NGATOiB) ay ang pinakamalaking teatro sa Siberia, ay may katayuan ng Federal State Cultural Institution. Bilang ng mga upuan (malaking bulwagan) - 1762 na upuan. Ang gusali ng Novosibirsk Theatre ay itinuturing na pinakamalaking theatrical na gusali sa Russia, at pagkatapos ng muling pagtatayo noong 2005 - ang pinaka-modernong kagamitan. Ang malaking bulwagan ng teatro ay idinisenyo para sa 1774 na manonood. Ang disenyo ng gusaling ito (ayon sa orihinal na disenyo ng artist ng Bolshoi Theatre ng USSR M.I. Kurilko, ang arkitekto-artist na si T.Ya. Bardt, ang arkitekto na A.Z. Grinberg) ay nagsimula noong 1928, ang pagtatayo - noong 1931. Sa una, ang teatro ay inisip sa istilong constructivist, ngunit may pagbabago sa mga alituntuning pangkakanyahan noong 1933-35, ang proyekto ay radikal na binago, at ang mga tagabuo ng teatro ay pinigilan noong 1937. Ang huling proyekto ng teatro ay binuo sa ilalim ng direksyon ni V.S. Birkenberg at design engineer L.M. Gokhman. Ang proyekto ng gusali ay ginawaran ng Gold Medal eksibisyon sa mundo sa Paris (1937). Noong mga taon ng digmaan, ang hindi natapos na gusali ng teatro ay ginamit bilang isang lugar ng produksyon at imbakan ng mga inilikas na mahahalagang bagay sa museo. Ang pagbubukas ng teatro ay naganap noong Mayo 12, 1945 kasama ang opera ni M. Glinka na si Ivan Susanin. Noong Disyembre 30, 1963, ang teatro ay pinagkalooban ng katayuang pang-akademiko (ang unang teatro sa akademya sa lalawigan ng Russia). Mahigit sa 350 opera at ballet na pagtatanghal ang itinanghal sa teatro sa paglipas ng higit sa 50 taon ng pag-iral. Ang teatro ay maraming nagwagi ng Golden Mask festival, lumahok sa mga pagdiriwang sa Macau (1996, 1999), Santander (Spain, 1995), Bangkok (Thailand, 2000, 2004), Sintra (Portugal, 1992, 1993, 1994, 1995 , 1996, 1997, 1999) at iba pang mga lungsod sa mundo.

Ang Teatro San Carlo (Real Teatro di San Carlo) ay isang opera house sa Naples, Italy. Isa sa mga pinakalumang operating opera house sa mundo. Isa sa pinakamalaking opera house sa mundo. Ito ay isang UNESCO World Heritage Site. Ang San Carlo Theater ay itinayo sa pamamagitan ng utos ng Neapolitanong hari na si Charles VII (sa Espanya na si Charles III) mula sa sangay ng Espanyol ng dinastiyang Bourbon, na gustong magbigay sa Naples ng bago at mas malaking teatro, sa halip na ang lumang San Bartolomeo na teatro na itinayo noong 1621. Ang San Carlo ay itinayo ng mga arkitekto na sina Giovanni Antonio Medrano at Angelo Carasale at pinasinayaan noong Nobyembre 4, 1737 (41 taong mas matanda kaysa sa La Scala sa Milan at 51 taong mas matanda kaysa sa La Fenice sa Venice). Ang loob ng bagong teatro ay nasa asul at gintong mga kulay (ang opisyal na mga kulay ng Bourbons) at hinahangaan para sa arkitektura nito, ang auditorium ay may limang tier at isang malaking royal box. Ang unang opera na itinanghal sa San Carlo ay ang Achilles auf Skyros ni Domenico Sarro, batay sa dula sikat na makata at playwright na si Pietro Metastasio. Noong Pebrero 12, 1816, ang teatro ng San Carlo ay nawasak ng apoy, gayunpaman, ito ay mabilis, sa siyam na buwan, muling itinayo ayon sa proyekto ng arkitekto na si Antonio Nicolini, at wala pang isang taon, noong Enero 12, 1817, ang pagbubukas ng bagong San Carlo ay naganap sa premiere ng opera Johann Simon Mayr "Partenope's Dream". Ang inagurasyon ay dinaluhan ng sikat na Pranses na manunulat na si Stendhal, na nagpahayag ng kanyang impresyon sa teatro: "Walang anuman sa Europa na maihahambing sa teatro na ito, walang makapagbibigay ng kaunting ideya kung ano ito ..., nakakasilaw. ang mga mata, ito ay nakalulugod sa kaluluwa..." Sa kasaysayan nito, ang San Carlo Theater ay nakaligtaan lamang ng isang buong season ng 1874/75, ang lahat ng iba pang mga pagkukumpuni at muling pagtatayo na ginawang planado o hindi planado, tulad noong 1816 dahil sa isang sunog, o noong 1943 noong World War II, nang ang teatro ay dumanas ng pambobomba, o noong 1969, nang bumagsak ang bahagi ng harapan dahil sa kidlat, mabilis silang nahawakan at ang teatro ay hindi nakaligtaan ang mga panahon. Ang mga mahahalagang yugto sa muling pagtatayo ng teatro ay noong 1844, nang ang interior ay binago at pula at ginto ang naging pangunahing mga kulay, noong 1890, nang ang hukay ng orkestra ay inilagay sa operasyon, at ang mga kasunod, nang ang teatro ay nakuryente at isang bagong nakadikit ang pakpak sa gusali. Sa kamakailang kasaysayan, ang teatro ay patuloy na ina-update, huling mga gawa ay isinagawa noong 2007 at 2008, sa panahon ng mga huling pagpapanumbalik ang lahat ng mga upuan ay ganap na pinalitan, ang air conditioning system ay na-install, ang lahat ng mga pandekorasyon na relief ay ginintuan. Ang bilang ng mga upuan ay 3285. Noong ika-17 at ika-18 siglo, ang Neopolitan operatic school ng mga kompositor ay nagtamasa ng malaking tagumpay sa buong Europa, kapwa sa larangan ng opera buffa at sa serye ng opera. Ang mga kinatawan ng paaralang ito ay ang mga kompositor na sina Francesco Feo (1691-1761), Nicola Porpora (1686-1768), Tommaso Traetta (1727-1779), Niccolò Piccinni (1728-1800), Leonardo da Vinci (iba pa) (1690-1730). ), Pasquale Anfossi (1727-1797), Francesco Durante (1684-1755), Niccolo Iomelli (1714-1774), Domenico Cimarosa (1749-1801), Giovanni Paisiello (1741-1816), Nicolo Zingarelli (1375), Nicolo Zingarelli (1375), Giuseppe Gazzaniga ( 1743-1818) at marami pang iba. Ang Neapolis ay isa sa mga kabisera musikang Europeo at ang ilang mga dayuhang kompositor ay partikular na dumating upang ibigay ang premiere ng kanilang mga gawa sa San Carlo, kasama nila Johann Adolf Hasse (na kalaunan ay nanatili sa Naples), Joseph Haydn, Johann Christian Bach, Christoph Willibald Gluck. Mula 1815 hanggang 1822 Si Gioacchino Rossini ay ang musikal at artistikong direktor ng mga royal opera house, kabilang ang San Carlo. Dito niya ginanap ang premieres ng sampu sa kanyang mga opera: "Elizabeth, Queen of England" (1815), "The Newspaper", "Othello" (1816), "Armida", (1817) "Moses in Egypt", "Ricciardo and Zoraida" (1818), "Hermione", "Bianca at Faliero", "Eduard and Christina", "Lady of the Lake" (1819), "Mohammed II" (1820) at "Zelmira" (1822). Sa Naples, nakilala ni Rossini ang kanyang magiging asawa, si Isabella Colbran, isang mang-aawit sa San Carlo Theatre. Ang isang buong kalawakan ng mga sikat na mang-aawit ay nagtrabaho (o regular na gumanap) sa teatro, kabilang sa kanila si Manuel Garcia, siya mismo ay isang sikat na mang-aawit at guro, siya ang ama ng dalawang maalamat na soprano sa kanyang panahon - sina Maria Malibran at Pauline Viardot. Ang iba pang sikat na mang-aawit ay sina Clorinda Corradi, Maria Malibran, Giuditta Pasta, Giovanni Battista Rubini at dalawang mahusay na Pranses - sina Adolphe Nourri at Gilbert Dupre. Pagkatapos ng Rossini, si Gaetano Donizetti, isa pang bituin ng Italian opera, ay naging artistikong direktor ng mga royal opera house. Nanatili si Donizetti sa posisyong ito mula 1822 hanggang 1838 at sumulat ng labing-anim na opera, kasama sina Mary Stuart (1834), Roberto Devereux (1837), Polyeuct (1838) at ang sikat na Lucia di Lammermoor (1835). Ginanap ni Vincenzo Belini ang premiere ng "Bianca at Fernando" sa San Carlo, ipinakita dito ni Giuseppe Verdi ang "Alzira" (1845) at "Louise Miller" (1849), ang premiere ng kanyang ikatlong opera na "Gustav III" ay pinagbawalan ng mga censor (at hindi kailanman lumabas sa orihinal na anyo, nang maglaon ay ipinakita sa Roma ang isang binagong bersyon sa ilalim ng pangalang "Masquerade Ball"). Noong ikadalawampu siglo, ang mga kompositor at konduktor tulad nina Giacomo Puccini, Pietro Mascagni, Ruggiero Leoncavallo, Umberto Giordano, Francesco Cilea ay nagtrabaho at nagtanghal ng kanilang mga opera sa teatro.

Moscow Novaya Opera Theatre. E.V. Ang Kolobov Theatre ay nilikha noong 1991 sa inisyatiba ng artistikong direktor ng teatro na si Yevgeny Kolobov (1946-2003) at Moscow Mayor Yuri Luzhkov, at sa lalong madaling panahon ay nakakuha ng katanyagan bilang isa sa mga pinakamahusay na kumpanya ng opera sa Russia. Noong 1991, ang punong konduktor ng Stanislavsky at Nemirovich Danchenko MAMT, si Yevgeny Kolobov, dahil sa mga pagkakaiba-iba ng malikhaing, ay umalis sa teatro, kasama ang tropa at ang buong orkestra kasama niya. Nakahanap si Kolobov ng suporta mula sa Moscow Mayor Yuri Luzhkov at itinatag ang Novaya Opera Theater, kung saan siya ay naging punong konduktor at artistikong direktor. Ang asawa ni Kolobov, si Natalya Popovich, ay hinirang sa posisyon ng punong choirmaster. Sa una, ang teatro ay walang sariling lugar, mayroong mga palabas sa konsiyerto ng mga opera, costumed divertissement (Rossini). Noong 1997, lumitaw ang isang gusali sa Hermitage Garden malapit sa Novaya Opera. Ang bagong gusali ng teatro ay isang bulwagan para sa 660 na upuan, na nilagyan ng modernong kagamitan sa pag-iilaw at mga mekanika ng entablado, na nagpapahintulot sa mga pagtatanghal na may kumplikadong mga epekto sa entablado na maitanghal. Ang teatro ay may sariling audio at video studio. Umaasa sa mga marka ng opera na hindi alam sa Russia, ipinakita ni Kolobov sa madla sa Moscow ang mga opera na Two Foscari (Verdi), Maria Stuart (Donizetti), Valli (Catalani), ang kanyang sariling mga bersyon ng Eugene Onegin ni Tchaikovsky, La Traviata ni Verdi. Noong 2000, sa premiere ng opera Rigoletto, ang pangunahing bahagi ay ginanap ni Dmitry Hvorostovsky. Noong 2003, dahil sa pagkamatay ng tagapagtatag, nagsimula ang isang krisis sa teatro. Ang dulang "Pearl Seekers" ni Bizet ay itinuturing na kritikal, at ang "The Tsar's Bride" ay ganap na negatibo. Noong 2005, inaanyayahan ng artistikong pamamahala ng teatro ang mga direktor ng Aleman na sina Yossi Willer at Sergio Morabito (direktor ng musika at konduktor ng produksyon na si Felix Korobov) upang itanghal ang opera ni Bellini na Norma. Ang opera ay pumukaw ng paghanga sa mga Muscovites. At para sa mahirap na bahagi ng soprano, natanggap ni Tatyana Pechnikova ang Golden Mask award. Noong Marso 2006, ang People's Artist ng USSR na si Eri Klas ay naging punong konduktor ng teatro, na nagpakilala ng mga pagtatanghal na may mga comic shade sa repertoire (Mozart's Magic Flute, Donizetti's Love Potion, Rossini's The Barber of Seville, Puccini's Gianni Schicchi, Die Fledermouse » Strauss). Noong 2008, ang opera ni Wagner na Lohengrin ay itinanghal sa teatro ng direktor na si Kasper Holten, at ang napakatalino na maestro na si Jan Latham-Koenig (Great Britain), na naging permanenteng panauhing conductor ng teatro, ay nasa podium ng konduktor. Noong tagsibol ng 2009, ang premiere operetta na The Bat ay nagdulot ng kawalang-kasiyahan sa publiko dahil sa libreng pagsasalin ng mga diyalogo, ngunit ang mga pagsusuri tungkol sa musika ay positibo. Kamakailan, ang teatro ay nagsimulang mag-alok ng mga pagtatanghal ng konsiyerto ng mga madalas na itanghal, ngunit ngayon ay hindi na-claim na mga opera sa Russia: Il trovatore, Prince Igor, The Maid of Orleans, atbp. Mula noong 2005, taun-taon na nagho-host ang teatro ng Epiphany Week International Festival sa Novaya Opera" na nakatuon sa tagapagtatag ng teatro na si Yevgeny Kolobov, na ipinanganak noong Enero 19 sa Epiphany. Mula noong 2006, ang teatro ay ipinangalan sa tagapagtatag nito. Ang buong pangalan ng teatro: Moscow Novaya Opera Theatre. E.V. Kolobov. Kasama sa repertoire ng teatro ang mga obra maestra ng mga klasikong opera; mga gawang opera na dati nang hindi kilala sa Russia (“Hamlet” ni A.Thoma, “Mary Stuart” ni Gaetano Donizetti, “Valli” ni A.Catalani); mga pagtatanghal batay sa orihinal na mga edisyong pangmusika ni E.V. Kolobov ("Oh Mozart!" Mozart, "Ruslan at Lyudmila" ni M. I. Glinka, "La Traviata" ni G. Verdi, "Eugene Onegin" ni P. I. Tchaikovsky). Ang teatro ay nagmamay-ari ng mga unang produksyon sa Russia ng mga opera na Mary Stuart ni G. Donizetti, The Valley ni A. Catalani, The Two Foscari ni G. Verdi, Boris Godunov ni Mussorgsky (sa unang bersyon ng may-akda), Hamlet ni A. Thomas . Ang isang bagong genre ng teatro ay nilikha din - isang uri ng malikhaing larawan ng mga sikat na kompositor at musikero ("Maria Callas", "Viva Verdi!", "Viva Puccini!", " Vincenzo Bellini ”, “Richard Wagner”, “Rossini”, “Bravissimo!”). Sa kabuuan, ang repertoire ng Novaya Opera Theater ay may kasamang higit sa 70 mga gawa ng opera at mga genre ng konsiyerto. Bawat taon sa Enero, ang teatro ay nagdaraos ng internasyonal na pagdiriwang ng Epiphany Week sa Novaya Opera, kung saan nakikilahok ang mga natatanging masters ng kulturang pangmusika. Novaya Opera soloists — People's Artists of Russia Yulia Abakumovskaya, Emma Sargsyan, Honored Artists of Russia Marat Gareev, Marina Zhukova, Elena Svechnikova, Margarita Nekrasova — nakatanggap ng honorary titles para sa mga taon ng trabaho sa teatro. Ang mga batang soloista ng opera, na may permanenteng pakikipag-ugnayan sa teatro, ay mga nagwagi ng mga internasyonal na kumpetisyon sa boses at may-ari ng mga prestihiyosong parangal sa teatro, tulad ng Golden Mask, Casta Diva, Triumph. Maraming mga soloista ng teatro ang maaaring marapat na mai-ranggo sa mga pinakamahusay na boses ng Russia - Tatiana Pechnikova, Elena Popovskaya, Tatiana Smirnova, Elvira Khokhlova, Margarita Nekrasova, Irina Romishevskaya, Alexander Bogdanov, Roman Shulakov, Andrzej Beletsky, Vitaly Bily, Andrey Breus, Vasily Ladyuk, Oleg Didenko , Vladimir Kudashev at iba pa; marami sa kanila ay kasangkot din sa Bolshoi Theater ng Russia, Metropolitan Opera, Arena di Verona, atbp. Ang espesyal na tungkulin na itinalaga sa orkestra ay nauugnay sa pagkakaiba-iba ng mga malikhaing interes ng mga konduktor na nagtatrabaho sa teatro - ang punong konduktor ng teatro, People's Artist ng USSR Eri Klas, People's Artist Russia Anatoly Gus, Honored Artists of Russia Evgeny Samoilov at Sergey Lysenko, Dmitry Volosnikov, Felix Korobov, Valery Kritskov, Nikolai Sokolov. Bilang karagdagan sa pakikilahok sa mga pagtatanghal ng opera, ang orkestra ay gumaganap sa pinakamahusay na mga lugar ng konsiyerto sa Russia na may mga programang symphony: sa Great Hall ng Moscow Conservatory, ang Concert Hall. P. I. Tchaikovsky, sa bulwagan ng St. Petersburg Philharmonic. Ang repertoire ng konsiyerto ng orkestra ay magkakaiba: mga symphonies ni P.I. Tchaikovsky, D.D. Shostakovich, S.V. F. Chopin, E. Lalo, mga programa sa konsiyerto na may pakikilahok ng mga soloista sa teatro, koro at inanyayahan na mga musikero. Sa pamamagitan ng mga independiyenteng paglilibot, binisita ng orkestra ang Espanya (ang mga lungsod ng Zaragoza, Barcelona, ​​​​Coruña, San Sebastian, 1992), Portugal (Porto, 1992), Alemanya (Karlsruhe, 2006). Kasama ang Imperial Russian Ballet, binisita ng orkestra ang Turkey (Istanbul, 2000), Finland (Taunang Ballet Festival sa Mikkele, 2000-2006), Thailand (Bangkok, 2005). Noong 2001, ang orkestra ay nakibahagi sa mga pagtatanghal ng Los Angeles Opera Company na "Don Giovanni" ni V. A. Mozart at "Salome" ni R. Strauss sa Savonlinna Opera Festival sa Finland. Ang koro ng teatro ay palaging kalahok sa lahat ng mga pagtatanghal, isang pangkat ng mga propesyonal na katulad ng pag-iisip. Alinsunod sa mga aesthetics ng teatro, ang koro ay kasangkot sa lahat ng antas ng produksyon. Ang malaking kahalagahan sa propesyonal na edukasyon ng koro ay ibinibigay sa pagganap ng mga programa ng konsiyerto mula sa mga gawa ng Russian at foreign choral classics, espirituwal na mga gawa, malalaking cantata-oratorio form, tulad ng "John of Damascus" ni S. I. Taneyev, "Requiem" ni G. Verdi, "Spring" at "Three Russian Songs" ni S. V. Rachmaninov, "Requiem" ni V. A. Mozart, "Polovtsian Dances" ni A. P. Borodin, "Alexander Nevsky" ni S. S. Prokofiev, "Moscow" ni P. I. Tchaikovsky, " Burana" ni K. Orff. Ang Novaya Opera ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang modernong diskarte sa scenography at pagdidirekta. Ang teatro ay nakikipagtulungan sa mga kilalang masters sa larangan ng theatrical art upang lumikha ng mga pagtatanghal ng iba't ibang direksyon at estilo: ito ang mga direktor - Stanislav Mitin, Sergey Artsibashev, V. Vasiliev [sino?], Valery Belyakovich, Mikhail Efremov, Alla Sigalova, Roman Viktyuk, Yuri Grymov, Andreys Žagars, Yuri Alexandrov, Achim Freier, Yossi Wheeler at Sergio Morabito, Ralph Lyangbaka, K. Heiskanen, Kasper Holten, Elijah Moshinsky, Gennady Shaposhnikov; mga artista — Sergey Barkhin, Alla Kozhenkova, Eduard Kochergin, Ernst Heidebrecht, Victor Gerasimenko, Maria Danilova, Eleonora Maklakova, Marina Azizyan, V. Okunev, S. Pastukh, A. Frayer, A. Fibrok, A. Freibergs, S. Aarfing, E. Tilby. Ang mga natitirang masters ng musical culture ay nagtatrabaho kasama ang Novaya Opera team: mga conductor na sina Yuri Temirkanov, Eri Klas, Gintaras Rinkevicius, Daniel Lipton; instrumentalists Eliso Virsaladze at Nikolai Petrov, Tatyana Sergeeva (piano), Natalia Gutman (cello), Finnish jazzman Antti Sarpila (clarinet, saxophone); mga mang-aawit sa opera na sina José Cura, Placido Domingo, Mario Frangulis, Dmitry Hvorostovsky (mga 10 magkasanib na pagtatanghal), Franz Grundheber, Paata Burchuladze, Ferruccio Furlanetto, Deborah Myers, Lyubov Kazarnovskaya at Anastasia Volochkova; Griyegong kompositor na si Mikis Theodorakis, gayundin ang mga soloista ng New York African-American Opera Company na Ebony Opera. Bagong Opera tour map: Greece (ang pagsasara ng taunang pagdiriwang ng musika sa Odeon ni Herodes Atticus sa Athens kasama ang anibersaryo ng mga konsiyerto ni Mikis Theodorakis noong 2005), Cyprus (sa loob ng ilang taon ang teatro ay nakikilahok sa mga opera festival kasama si Mario Frangoulis at Deborah Myers, at lumahok din sa triumphal concert na nakatuon sa pagdating sa Cyprus ng namumukod-tanging Greek composer na si Mikis Theodorakis noong 2005. ), Italy (Perugia Musicale Umbra Festival), France (Champs-Élysées Theatre, Paris), Germany (Reithalle Hall, Munich), Israel (Rishon Lezion), Finland (Savonlinna Opera Festival, Kuopio Concert Hall, taunang Mikkeli Ballet Festival), USA (14 na pagtatanghal ni Eugene Onegin sa Martin Beck Theater sa Broadway, New York), Estonia (Birgitta Festival sa Tallinn), Spain, Portugal, Yugoslavia, Turkey, Thailand, Belarus, Ukraine , pati na rin sa mga lungsod ng Russia. High performing skills ng tropa, originality mga solusyon sa yugto nagdala ng karapat-dapat na katanyagan ng teatro. Ang pangkat ng teatro ay ang may-ari ng Golden Mask National Theater Award, ang Casta Diva Russian Opera Award, ang Triumph Independent Award, ang Sony BMG Greece Award (Greece), at ang Star of the Week diploma mula sa pahayagang Aleman na Abendzeitung. Noong 1999 ang teatro ay tinanggap sa European Opera Society Opera Europa. Noong 2003, sa pamamagitan ng utos ng Pangulo ng Russian Federation, ang tagapagtatag ng teatro na si Evgeny Kolobov (posthumously), ang direktor ng teatro na si Sergei Lysenko, at ang punong choirmaster na si Natalia Popovich, ay iginawad sa State Prize ng Russian. Federation para sa paglikha ng Novaya Opera Theater. Noong 2006, ang teatro ay pinangalanan sa tagapagtatag nito, si Yevgeny Kolobov.

Ang Mikhailovsky Theater ay isang opera at ballet theater sa St. Petersburg, na matatagpuan sa makasaysayang gusali sa Arts Square. Ang Imperial Mikhailovsky Theatre ay binuksan noong 1833 sa pamamagitan ng utos ni Emperor Nicholas I. Ang teatro ay may utang sa pangalan nito kay Grand Duke Mikhail, ang bunsong anak ni Paul I: Palasyo ni Mikhailovsky, na matatagpuan sa Arts Square, ay nagsilbing tirahan ng Grand Duke, at ang teatro ay naging yugto ng silid , na tumanggap ng mga matataas na panauhin mula sa pamilya ng imperyal at malalapit na kasama. Ang gusali ng teatro ay itinayo ayon sa proyekto ng A.P. Bryullov kasama ang pakikilahok ng A.M. Gornostaev. Ang arkitekto ay pinamamahalaang upang organikong magkasya ang harapan sa ensemble ng parisukat na nilikha ni C. Rossi. Gumawa si Bryullov ng isang magic box: ang katotohanan na ang isang teatro ay nakatago sa likod ng isang maliit na harapan ay maaari lamang hulaan mula sa bubong, kung saan ang isang mataas na yugto ng kahon ay makikita sa likod ng simboryo sa itaas ng auditorium. Ang lahat ng ningning ng imperyal na teatro ay nakapaloob sa loob: pilak at pelus, mga salamin at kristal, pagpipinta at stucco. Noong 1859, bilang isang resulta ng muling pagtatayo ayon sa proyekto ng A. Cavos, ang entablado ay pinalawak at ang awditoryum ay pinalaki ng isang baitang, ang mga interior ng teatro ay dinagdagan ng mga nakamamanghang plafond, rich stucco at mga figure ng caryatids, na pinalamutian. ang portal sa itaas ng proscenium hanggang ngayon. Bago ang rebolusyon, ang Mikhailovsky Theater ay walang permanenteng tropa, at wala rin itong tiyak na repertoire. Ang tropa ng Alexandrinsky Theater ay gumanap sa lugar ng teatro, ang mga Pranses at kung minsan ay mga artistang Aleman ay patuloy na naglilibot. Ang mga pagtatanghal ng Opera ay ginanap din sa loob ng mga dingding nito. Matapos ang muling pagtatayo noong 1859, isang French drama troupe ang nanirahan sa gusali ng teatro sa loob ng maraming dekada hanggang 1918. Ang mga French operetta, tulad ng Offenbach's, ay madalas, ngunit ang mga liriko na pagtatanghal ng opera ay bihira at pangunahing inayos ng Imperial Russian Opera (Mariinsky Theatre). Ang pagbubukod ay ilang taon noong kalagitnaan ng 1890s, nang ang lugar ng Mariinsky ay sarado para sa pag-aayos at ang mga opera sa yugto ng Mikhailovsky ay ginanap lingguhan. Kabilang sa mga gumanap sa entablado ng Mikhailovsky Theater sa iba't ibang taon, mapapansin ang orkestra na isinagawa ni Johann Strauss, Lucien Guitry, Matilda Kshesinskaya, Fyodor Chaliapin, at ang tropa ni Sarah Bernhardt. A.S. Pushkin, V.A. Zhukovsky, L.N. Tolstoy, P.I. Chaikovsky. Mula noong 1918, ang teatro ay may permanenteng tropa. Noong ika-20 siglo, ang mga cultural figure na kilala hindi lamang sa Russia, ngunit sa buong mundo ay nagtrabaho sa teatro. Kabilang sa mga ito ang mga conductor na sina E. Grikurov at Y. Temirkanov; mga direktor V. Meyerhold, B. Zon, N. Smolich, I. Shlepyanov; choreographers F. Lopukhov, J. Balanchine, Yu. Grigorovich, I. Chernyshev, N. Boyarchikov. Sa buong kasaysayan nito, maraming beses na binago ng teatro ang pangalan nito. Maly Opera at Ballet Theatre - Leningrad, at pagkatapos ay Petersburg. Mula noong 1989, ang teatro ay pinangalanang M.P. Mussorgsky, at mula noong 2001 ang teatro ay ibinalik sa makasaysayang pangalan nito - ang Mikhailovsky Theatre. Noong 2007 S.L. Si Gaudasinsky (People's Artist of Russia, laureate ng State Prizes of Russia, propesor sa Conservatory) ay pinalitan ng kilalang negosyanteng Ruso na si V. A. Kekhman - Tagapangulo ng Lupon ng mga Direktor ng kumpanya ng pag-import ng prutas ng JFC. Sinabi rin ni Kekhman na makikipagtulungan siya sa S.L. Gaudasinsky, na mananatiling artistikong direktor ng teatro. Pagkatapos nito, gayunpaman, ipinakilala niya ang mga posisyon ng mga indibidwal na direktor para sa opera at ballet troupes. Ang ballet troupe ay pinamumunuan ng sikat na mananayaw na Ruso na si Farukh Ruzimatov. Ang artistikong direktor ng opera troupe ay si Elena Obraztsova, na umalis sa kanyang post noong Setyembre 2008 upang lumipat sa ibang pagkakataon upang magtrabaho bilang isang tagapayo sa pangkalahatang direktor ng Mikhailovsky Theatre sa mga artistikong isyu: ipinaliwanag ng mang-aawit ang kanyang desisyon sa pamamagitan ng abalang iskedyul ng kanyang sariling mga malikhaing proyekto at mga aktibidad sa paglilibot. Ang pangunahing panauhing konduktor ng teatro ay si Daniele Rustioni. Ang ballet company ng teatro, na ang unang tour sa London ay naganap noong 2008, ay hinirang para sa British Critics' Award sa seksyong Best International Company. Noong 2009, si maestro Peter Feranets ay hinirang na punong konduktor - direktor ng musikal ng teatro, at si Mikhail Messerer ay naging punong koreograpo ng teatro. Noong Oktubre 2009, inihayag ni Farukh Ruzimatov ang pagpapatuloy ng kanyang karera sa pagganap at iniwan ang post ng artistikong direktor ng ballet troupe ng teatro. Noong Hulyo 2010, inihayag na mula Enero 1, 2011, ang koreograpong Espanyol na si Nacho Duato ang mamumuno sa ballet troupe ng teatro.

Ang Mariinsky Theater ay isang opera at ballet theater sa Saint Petersburg, Russia. Binuksan noong 1860, isang pambihirang teatro ng musikal na Ruso. Ang mga premiere ng mga obra maestra nina Tchaikovsky, Mussorgsky, Rimsky-Korsakov at marami pang ibang kompositor ay naganap sa entablado nito. Ang Mariinsky Theater ay tahanan ng mga kumpanya ng opera at ballet at ng Mariinsky Theater Symphony Orchestra. Ang artistikong direktor at punong konduktor na si Valery Gergiev. Sa higit sa dalawang siglo ng kasaysayan nito, ang Mariinsky Theatre ay nagbigay sa mundo ng maraming magagaling na artista: ang natitirang bass, ang nagtatag ng Russian performing opera school, Osip Petrov, ay nagsilbi dito, tulad ng mga mahuhusay na mang-aawit tulad nina Fyodor Chaliapin, Ivan Ershov, Medea at pinahasa ni Nikolai Figner ang kanilang mga kakayahan at naabot ang taas ng kaluwalhatian. , Sofia Preobrazhenskaya. Ang mga mananayaw ng ballet ay nagniningning sa entablado: Sinimulan nina Matilda Kshesinskaya, Anna Pavlova, Vatslav Nijinsky, Galina Ulanova, Rudolf Nureyev, Mikhail Baryshnikov, George Balanchine ang kanyang paglalakbay sa sining. Nasaksihan ng teatro ang pag-usbong ng talento ng mga makikinang na dekorador tulad nina Konstantin Korovin, Alexander Golovin, Alexander Benois, Simon Virsaladze, Fedor Fedorovsky. At marami, marami pang iba. Matagal nang nakaugalian na ang Mariinsky Theatre ay sumusubaybay sa linya nito, na binibilang ang siglo mula 1783, nang noong Hulyo 12 ay inilabas ang isang utos na nag-aapruba sa isang komite ng teatro "upang pamahalaan ang mga panoorin at musika", at noong Oktubre 5 ang Bolshoi Kamenny Theatre sa Carousel Square ay taimtim na binuksan. Ang teatro ay nagbigay ng bagong pangalan sa parisukat - ito ay nakaligtas hanggang ngayon bilang Teatralnaya. Itinayo ayon sa disenyo ni Antonio Rinaldi, ang Bolshoi Theater ay namangha sa imahinasyon sa laki nito, marilag na arkitektura, at isang entablado na nilagyan ng pinakabagong teknolohiya sa teatro noong panahong iyon. Sa pagbubukas nito, ibinigay ang opera ni Giovanni Paisiello na Il Mondo della luna ("Lunar World"). Ang tropang Ruso ay gumanap dito kasabay ng mga Italyano at Pranses, ang mga dramatikong pagtatanghal ay itinanghal, ang mga vocal at instrumental na konsiyerto ay inayos din. Petersburg ay itinayo, ang hitsura nito ay patuloy na nagbabago. Noong 1802-1803, si Thomas de Thomon, isang napakatalino na arkitekto at draftsman, ay nagsagawa ng isang malaking reorganisasyon ng panloob na layout at dekorasyon ng teatro, kapansin-pansing binago ito. hitsura at mga sukat. Ang bago, seremonyal at maligaya na hitsura, ang Bolshoi Theater ay naging isa sa mga arkitektura na tanawin ng kabisera ng Neva, kasama ang Admiralty, Stock Exchange, at Kazan Cathedral. Gayunpaman, noong gabi ng Enero 1, 1811, isang malaking sunog ang sumiklab sa Bolshoi Theater. Isang mayaman ang namatay sa apoy sa loob ng dalawang araw panloob na dekorasyon teatro, at ang harapan nito ay malubhang nasira. Si Thomas de Thomon, na gumawa ng isang proyekto upang maibalik ang kanyang minamahal na utak, ay hindi nabuhay upang makita ang pagpapatupad nito. Noong Pebrero 3, 1818, muling binuksan ang Bolshoi Theater na may prologue na "Apollo and Pallas in the North" at ang ballet ni Charles Didelot na "Zephyr and Flora" sa musika ng kompositor na si Katarino Cavos. Papalapit na tayo sa "gintong panahon" ng Bolshoi Theatre. Kasama sa repertoire ng panahon ng "post-fire" ang The Magic Flute, The Abduction from the Seraglio, Mozart's Mercy of Titus. Ang publikong Ruso ay binihag ng Cinderella, Semiramide, The Thieving Magpie, at The Barber of Seville ni Rossini. Noong Mayo 1824, naganap ang premiere ng Weber's "Free Gunner" - isang gawain na napakahalaga para sa pagsilang ng Russian. romantikong opera. Ang Vaudevilles nina Alyabyev at Verstovsky ay tinutugtog; isa sa mga pinakamamahal at repertoire na opera ay si Ivan Susanin ni Kavos, na nagpunta hanggang sa paglitaw ng opera ni Glinka sa parehong balangkas. MULA SA maalamat na pigura Si Charles Didlot ay konektado sa pagsilang ng katanyagan sa mundo ng ballet ng Russia. Sa mga taong ito na si Pushkin ay isang madalas na taga-St. Petersburg Bolshoi, na kumukuha ng teatro sa mga walang kamatayang tula. Noong 1836, upang mapabuti ang acoustics, ang arkitekto na si Alberto Cavos - ang anak ng isang kompositor at bandmaster - ang simboryo ng kisame bulwagan ng teatro ay pinalitan ng isang patag, at sa itaas nito ay mayroong isang pagawaan ng sining, isang bulwagan para sa pagpipinta ng tanawin. Inalis ni Alberto Cavos ang mga column sa auditorium na humahadlang sa view at nasira ang acoustics, binibigyan ang hall ng karaniwang hugis ng horseshoe, pinapataas ang haba at taas nito, na dinadala ang bilang ng mga manonood sa dalawang libo. Noong Nobyembre 27, 1836, nagpatuloy ang mga pagtatanghal ng itinayong muli na teatro sa unang pagtatanghal ng opera ni Glinka na A Life for the Tsar. Sa pamamagitan ng pagkakataon, at marahil hindi nang walang mabuting hangarin, ang premiere ng Ruslan at Lyudmila, ang pangalawang opera ni Glinka, ay naganap nang eksaktong anim na taon mamaya, noong Nobyembre 27, 1842. Ang dalawang petsang ito ay magiging sapat para sa St. Petersburg Bolshoi Theater na bumaba sa kasaysayan ng kulturang Ruso magpakailanman. Ngunit, siyempre, mayroon ding mga obra maestra ng musikang European: mga opera ni Mozart, Rossini, Bellini, Donizetti, Verdi, Meyerbeer, Gounod, Aubert, Thomas ... Sa paglipas ng panahon, ang mga pagtatanghal ng Russian opera troupe ay inilipat sa entablado ng Alexandrinsky Theater at ang tinatawag na Circus Theater , na matatagpuan sa tapat ng Bolshoi (kung saan nagpatuloy ang mga pagtatanghal ng ballet troupe, pati na rin ang Italian opera). Nang masunog ang Circus Theater noong 1859, isang bagong teatro ang itinayo sa lugar nito ng parehong arkitekto na si Alberto Cavos. Siya ang tumanggap ng pangalang Mariinsky bilang parangal sa naghaharing Empress Maria Alexandrovna, asawa ni Alexander II. Ang unang theatrical season sa bagong gusali ay binuksan noong Oktubre 2, 1860 kasama ang opera na A Life for the Tsar ni Glinka sa ilalim ng baton ng punong bandmaster ng Russian Opera na si Konstantin Lyadov, ama ng hinaharap na sikat na kompositor na si Anatoly Lyadov. Ang Mariinsky Theatre ay pinalakas at binuo ang mahusay na mga tradisyon ng unang yugto ng musikal ng Russia. Sa pagdating ni Eduard Napravnik noong 1863, na pumalit kay Konstantin Lyadov bilang punong bandmaster, nagsimula ang isang pinakamaluwalhating panahon sa kasaysayan ng teatro. Ang kalahating siglo na ibinigay ni Napravnik sa Mariinsky Theater ay minarkahan ng mga premiere ng pinakamahalagang opera sa kasaysayan ng musikang Ruso. Upang pangalanan lamang ang ilan sa kanila - Mussorgsky's Boris Godunov, The Maid of Pskov, May Night, Rimsky-Korsakov's The Snow Maiden, Borodin's Prince Igor, The Maid of Orleans, The Enchantress, The Queen of Spades, Iolanthe » Tchaikovsky, «Demon » Rubinstein, «Oresteya» Taneyev. Sa simula ng ikadalawampu siglo, ang repertoire ng Wagner Opera Theater (kabilang sa kanila ang tetralogy na "Ring of the Nibelungen"), "Electra" ni Richard Strauss, "The Legend of the Invisible City of Kitezh" ni Rimsky-Korsakov, "Kovanshchina" ni Mussorgsky. Si Marius Petipa, na namuno sa ballet troupe ng teatro noong 1869, ay nagpatuloy sa mga tradisyon ng kanyang mga hinalinhan na sina Jules Perrot at Arthur Saint-Leon. Masigasig na pinanatili ni Petipa ang mga klasikal na pagtatanghal tulad ng Giselle, Esmeralda, Le Corsaire, na pinailalim lamang sa maingat na pag-edit. Ang La Bayadère na itinanghal niya ay unang nagdala ng hininga ng isang malaking choreographic na komposisyon sa ballet stage, kung saan "ang sayaw ay naging parang musika." Ang masayang pagkikita nina Petipa at Tchaikovsky, na nagsabing ang "ballet ay ang parehong symphony", ay humantong sa pagsilang ng The Sleeping Beauty, isang tunay na musikal at koreograpikong tula. Sa komunidad ng Petipa at Lev Ivanov, lumitaw ang koreograpia ng The Nutcracker. Matapos ang pagkamatay ni Tchaikovsky, natagpuan ng Swan Lake ang pangalawang buhay sa entablado ng Mariinsky Theatre - at muli sa magkasanib na koreograpia ng Petipa at Ivanov. Pinalakas ni Petipa ang kanyang reputasyon bilang koreograpo at symphonist sa pamamagitan ng pagtatanghal ng balete ni Glazunov na si Raymonda. Ang kanyang mga makabagong ideya ay kinuha ng batang si Mikhail Fokin, na nagtanghal sa Mariinsky Theater Tcherepnin's Pavilion of Armida, Saint-Saens' The Swan, Chopiniana sa musika ng Chopin, pati na rin ang mga ballet na nilikha sa Paris - Scheherazade sa musika ng Rimsky-Korsakov, The Firebird at Petrushka ni Stravinsky. Ang Mariinsky Theatre ay muling itinayo nang maraming beses. Noong 1885, nang ang karamihan sa mga pagtatanghal ay inilipat sa entablado ng Mariinsky bago ang pagsasara ng Bolshoi Theater, si Viktor Schreter, ang punong arkitekto ng mga imperyal na teatro, ay nagdagdag ng isang tatlong palapag na gusali sa kaliwang pakpak ng gusali para sa teatro. workshop, rehearsal room, power plant at boiler room. Noong 1894, sa ilalim ng pamumuno ni Schroeter, ang mga kahoy na rafters ay pinalitan ng bakal at reinforced concrete, itinayo ang mga pakpak sa gilid, at pinalawak ang mga foyer ng manonood. Ang pangunahing façade ay muling itinayo at nakuha ang mga monumental na anyo. Noong 1886, ang mga pagtatanghal ng ballet, na hanggang sa oras na iyon ay patuloy na itinanghal sa Bolshoi Kamenny Theatre, ay inilipat sa Mariinsky Theatre. At sa site ng Bolshoy Kamenny, ang gusali ng St. Petersburg Conservatory ay itinayo. Sa pamamagitan ng isang utos ng gobyerno noong Nobyembre 9, 1917, ang Mariinsky Theater ay idineklara na State Theater at inilipat sa hurisdiksyon ng People's Commissariat of Education. Noong 1920, nagsimula itong tawaging State Academic Opera and Ballet Theater (GATOB), at mula noong 1935 pinangalanan ito sa S. M. Kirov. Kasama ang mga klasiko ng huling siglo, ang mga modernong opera ay lumitaw sa entablado ng teatro noong 20s at unang bahagi ng 30s - The Love for Three Oranges ni Sergei Prokofiev, Wozzeck ni Alban Berg, Salome at Der Rosenkavalier ni Richard Strauss; Ang mga ballet ay ipinanganak na nagpapatunay ng isang bagong koreograpikong direksyon na sikat sa mga dekada, ang tinatawag na drama ballet - The Red Poppy ni Reinhold Gliere, The Flames of Paris at The Fountain of Bakhchisarai ni Boris Asafiev, Laurencia ni Alexander Crane, Romeo and Juliet ni Sergei Prokofiev, atbp. Ang huling pre-war premiere ng opera Ang Kirov Theater ay mayroong Wagner's Lohengrin, ang pangalawang pagtatanghal na natapos sa gabi noong Hunyo 21, 1941, ngunit ang mga pagtatanghal na naka-iskedyul para sa Hunyo 24 at 27 ay pinalitan ni Ivan Susanin. Sa panahon ng Great Patriotic War, ang teatro ay inilikas sa Perm, kung saan naganap ang mga premiere ng ilang mga pagtatanghal, kabilang ang premiere ng ballet na Gayane ni Aram Khachaturian. Sa pagbabalik sa Leningrad, binuksan ng teatro ang panahon noong Setyembre 1, 1944 kasama ang opera ni Glinka na si Ivan Susanin. Noong 50-70s. ang teatro ay nagtanghal ng mga sikat na ballet tulad ng Shurale ni Farid Yarullin, Spartacus ni Aram Khachaturian at The Twelve ni Boris Tishchenko na itinayo ni Leonid Yakobson, The Stone Flower ni Sergei Prokofiev at Legend of Love ni Arif Melikov na choreographed ni Yuri Grigorovich, The Leningrad Symphony ni Dmitry Shostakovich sa koreograpia ni Igor Belsky, kasama ang pagtatanghal ng mga bagong ballet, ang mga klasiko ng ballet ay maingat na napanatili sa repertoire ng teatro. Ang mga opera nina Prokofiev, Dzerzhinsky, Shaporin, Khrennikov ay lumitaw sa opera repertoire kasama sina Tchaikovsky, Rimsky-Korsakov, Mussorgsky, Verdi, Bizet. Noong 1968-1970. Ang isang pangkalahatang muling pagtatayo ng teatro ay isinagawa ayon sa proyekto ng Salome Gelfer, bilang isang resulta kung saan ang kaliwang pakpak ng gusali ay "nakaunat" at nakuha ang kasalukuyang anyo nito. Ang isang mahalagang yugto sa kasaysayan ng teatro noong dekada 80 ay ang paggawa ng mga opera ni Tchaikovsky na "Eugene Onegin" at "The Queen of Spades", na isinagawa ni Yuri Temirkanov, na namuno sa teatro noong 1976. Sa mga produksyong ito, na napanatili pa rin sa repertoire ng teatro, isang bagong henerasyon ng mga artista ang nagpahayag ng sarili. Noong 1988, si Valery Gergiev ay naging punong konduktor ng teatro. Noong Enero 16, 1992, ibinalik ang teatro sa nito makasaysayang pangalan- Mariinsky. At noong 2006, natanggap ng tropa at orkestra ng teatro sa kanilang pagtatapon ang Concert Hall sa Dekabristov Street, 37, na itinayo sa inisyatiba ng artistikong direktor-direktor ng Mariinsky Theatre na si Valery Gergiev.