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Olga Makeenko
"Decorativo Artes Aplicadas como forma de apresentar às crianças cultura popular»

Introdução

Cultura popularé um dos elementos importantes de qualquer nação, pois carrega em si a experiência das gerações passadas, que se desenvolveu ao longo dos séculos. Cultura popular reflete a vida e as habilidades de nossos ancestrais, que se refletem de uma forma ou de outra artes.

Estudo cultura popular deveria fazer parte do currículo obrigatório crianças. Afinal, é desde a infância que as pessoas desenvolvem hábitos e habilidades. Para que o conceito de mundo se desenvolva corretamente, arte necessário desde o início primeiros anos formar na mente das crianças ideias sobre o mundo que as rodeia, bem como falar sobre a história do país como um todo e da região em que vivem. As crianças são a nossa continuação; o futuro da família, da cidade, do país e do mundo como um todo depende de como as educamos.

"Guias" neste caso, tanto os pais como os professores falarão. Os futuros professores de escolas pedagógicas, diretores de jardins de infância e metodologistas da educação pré-escolar precisam conhecer os métodos e técnicas básicas de gestão dos diversos tipos de atividades. crianças idade pré-escolar. Entre Destes tipos de atividades, as artes visuais ocupam um lugar de destaque.

A cultura popular é a cultura tradicional, que inclui camadas culturais de diferentes épocas, desde os tempos antigos até o presente, cujo tema é pessoas cultural conexões e mecanismos da vida. Tal cultura não alfabetizada, por isso a tradição tem grande importância nele como forma de transmissão de informações vitais para a sociedade.

Existem várias maneiras pelas quais o aprendizado é possível cultura popular infantil. Isso inclui literatura, cinema e contos de fadas. Isso inclui pinturas, jogos e muito, muito mais.

Neste trabalho consideraremos artes decorativas e aplicadas como meio de apresentar as crianças à cultura popular. Para atingir um determinado objetivo, primeiro você precisará considerar os conceitos básicos deste tópico. Este conceito, suas principais direções e tipos; conceito cultura popular; E meio de apresentar as crianças à cultura popular.

Representa uma seção Artes decorativas, que abrange vários ramos da criatividade, dedicado à criação produtos artísticos e destinados principalmente ao uso diário. Funciona artes e ofícios podem ser: utensílios diversos, móveis, armas, tecidos, ferramentas, bem como outros produtos que não funcionam de acordo com sua finalidade original arte, Mas adquirir qualidade artística devido ao trabalho do artista que lhes é aplicado; roupas e todos os tipos de joias.

Desde a segunda metade do século XIX, a classificação das indústrias está consolidada na literatura científica Artes e Ofícios:

1. Dependendo do material utilizado (cerâmica, metal, têxteis, madeira);

2. Dependendo da técnica de execução (escultura, material impresso, fundição, relevo, bordado, pintura, intarsia).

A classificação proposta está associada ao importante papel do design e dos princípios tecnológicos na artes decorativas e aplicadas e seu imediato ligação com a produção.

Pertence simultaneamente às esferas de criação de valores materiais e espirituais. Funciona Artes e Ofícios inseparável do material culturaépoca de sua era contemporânea, estão intimamente ligados ao modo de vida que lhe corresponde, com um ou outro de seus aspectos étnicos e sociais locais. características nacionais, grupo social e diferenças de classe.

Funciona Artes e Ofícios formam uma parte orgânica do assunto ambiente, com os quais uma pessoa entra em contato diário, e com seus méritos estéticos, estrutura figurativa e caráter influenciam constantemente Estado de espirito uma pessoa, seu humor, são fonte importante emoções que influenciam sua atitude em relação ao mundo ao seu redor. Funciona Artes e Ofícios saturar e transformar esteticamente Quarta-feira, cercando uma pessoa e, ao mesmo tempo, parecem ser absorvidos por ela, pois geralmente são percebidos em conexão com seu desenho arquitetônico e espacial, com outros objetos nele incluídos ou seus complexos (um conjunto de móveis ou serviço, um terno ou um conjunto de joias). Devido a isso, significado ideológico funciona Artes e Ofícios só pode ser compreendido mais plenamente com uma compreensão real dessas relações entre o sujeito e meio ambiente e homem.

Artes decorativas e aplicadas surgiu no máximo estágios iniciais desenvolvimento da sociedade humana, e por muitos séculos tem sido o mais importante, e para uma série de tribos e nacionalidades a principal área da criatividade artística.

De acordo com outra fonte, Artes e Ofícios- trata-se da criação de produtos artísticos com finalidade prática (utensílios domésticos, pratos, tecidos, brinquedos, joias, etc., bem como o processamento artístico de objetos antigos (móveis, roupas, armas, etc.). Além disso, como na designação anterior, os mestres Artes e Ofícios uma grande variedade de materiais é usada - metal (prata, ouro, platina, bronze, bem como várias ligas, madeira, argila, vidro, pedra, têxteis (naturais e tecidos artificiais) e etc.

A fabricação de produtos de argila é chamada de cerâmica, de pedras e metais preciosos - joias arte. No processo de criação de obras artísticas em metal, são utilizadas técnicas de fundição, forjamento, cinzelamento e gravura; os têxteis são decorados com bordados ou estampados (uma placa de madeira ou cobre pintada é colocada sobre o tecido e batida com um martelo especial, obtendo-se uma impressão); objetos de madeira – esculturas, incrustações e pinturas coloridas. Pintar pratos de cerâmica é chamado de pintura de vasos.

Os produtos artísticos estão intimamente relacionados com o quotidiano e os costumes de uma determinada época, pessoas ou grupo social (nobres, camponeses, etc.). Os artesãos já primitivos decoravam pratos com padrões e entalhes e faziam joias primitivas com presas, conchas e pedras de animais. Esses objetos incorporavam as ideias dos povos antigos sobre a beleza, a estrutura do mundo e o lugar do homem nele.

Tradições do antigo arte continuam a aparecer no folclore e em produtos artesanato popular.

Assim, com base no exposto, observemos os pontos principais. Então o termo Artes e Ofícios combina convencionalmente dois gêneros amplos artes: decorativo e aplicado. Ao contrário de obras finas arte, destinado ao prazer estético e relacionado ao puro arte, inúmeras manifestações decorativamente-a criatividade aplicada tem principalmente uso prático em Vida cotidiana. Esse característica distintiva deste tipo arte.

Funciona Artes e Ofícios tenho certeza características: qualidade estética, projetada para efeito artístico e utilizada para decoração de casas e interiores.

Tipos Artes decorativas: costura, tricô, queima, tecelagem de tapetes, tecelagem, bordados, processamento artístico de couro, patchwork (costura a partir de retalhos, talha artística, desenho, etc. Por sua vez, deve-se destacar que alguns tipos Artes e Ofícios estão sujeitos à sua própria classificação. Por exemplo, queimar é a aplicação de um padrão na superfície de qualquer material orgânico usando uma agulha quente, e Acontece: queima de madeira, queima de tecido (guilhochê, aplicação por queima em máquina especial, hot stamping.

2. Cultura popular

Anteriormente, uma definição do conceito já foi fornecida cultura popular. Eu repito, cultura popular é cultura tradicional, que inclui cultural camadas de diferentes épocas - desde os tempos antigos até o presente, cujo tema é pessoas- personalidade coletiva, o que significa a unificação de todos os indivíduos do coletivo por uma comunidade cultural conexões e mecanismos da vida. Esse cultura não alfabetizada, e por isso a tradição tem grande importância nele, como forma de transmissão de informações vitais para a sociedade. Esta definição é bastante abrangente, mas não a única. Vamos recorrer a outras fontes.

Sob cultura compreender a atividade humana nas suas mais diversas manifestações, incluindo todas as formas e métodos de autoexpressão e autoconhecimento humano, o acúmulo de competências e habilidades pelo homem e pela sociedade como um todo. Culturaé um conjunto de formas estáveis atividade humana, sem o qual não pode se reproduzir e, portanto, não pode existir. A cultura é um conjunto de códigos, que prescrevem a uma pessoa um determinado comportamento com suas experiências e pensamentos inerentes, influenciando-a assim influência gerencial. Fonte de origem cultura a atividade humana é concebida.

Conceito " pessoas"nas línguas russas e europeias é uma população, um conjunto de indivíduos. Além disso, pessoasé entendida como uma comunidade de pessoas que se reconheceram como comunidade étnica ou territorial, classe social, grupo, por vezes representando toda a sociedade, por exemplo, em algum momento histórico decisivo (guerras de libertação nacional, revoluções, restauração do país, e assim por diante, com semelhantes (em geral) crenças, ideias ou ideais.

Esta comunidade atua como sujeito e portadora de uma visão holística especial cultura, excelente por sua visão de mundo, formas de incorporação em diversas formas de folclore e direções próximas ao folclore prática cultural, que muitas vezes remonta à antiguidade. No passado distante, toda a comunidade (clã, tribo, mais tarde etnia) era seu portador. (pessoas) .

No passado, cultura popular determinou e consolidou todos os aspectos da vida, costumes, rituais, relações regulamentadas entre os membros da comunidade, tipo de família, educação crianças, a natureza da casa, formas de desenvolver o espaço envolvente, tipo de roupa, atitude perante a natureza, o mundo, lendas, crenças, linguagem, criatividade artística. Por outras palavras, foi determinado quando semear cereais e colher colheitas, expulsar o gado, como construir relações na família, na comunidade, e assim por diante. Actualmente, num período de crescente complexidade das relações sociais, surgiram muitos grandes e pequenos grupos sociais de tipos formais e informais, uma estratificação de grupos sociais e sociais prática cultural, cultura popular tornou-se um dos elementos do moderno multicamadas cultura.

EM criatividade da cultura popular anonimamente, uma vez que a autoria pessoal não se concretiza e prevalece invariavelmente o objetivo de seguir o modelo adotado pelas gerações anteriores. Esta amostra é, por assim dizer, “propriedade” de toda a comunidade e do indivíduo (contador de histórias, mestre artesão, mesmo muito hábil, percebendo padrões e padrões herdados dos ancestrais, identifica-se com a comunidade, percebe seu pertencimento à cultura local, grupo étnico, subgrupo étnico.

Manifestações cultura popularé a identificação de si mesmo com o seu próprio pelas pessoas, suas tradições em estereótipos de comportamento e ação social, ideias cotidianas, escolha cultural padrões e normas sociais, orientações para certas formas de lazer, práticas artísticas e criativas amadoras.

Uma qualidade importante cultura popular em todos os períodos há tradição. A tradicionalidade determina seu conteúdo valor-normativo e semântico cultura popular, mecanismos sociais de sua transmissão, herança em direto comunicação cara a cara, de mestre para aluno, de geração em geração.

Por isso, cultura popular é cultura, criado ao longo de milhares de anos, através da seleção natural, por criadores anônimos - trabalhadores, representantes pessoas, sem especial e Educação vocacional. A cultura popular consiste: religioso (cristão, moral, cotidiano, trabalhista, recreativo, jogos, entretenimento subsistemas culturais. Esse cultura registrado no folclore, artesanato popular, existe nos costumes e no modo de vida, na decoração da casa, na dança, na música, no vestuário, na natureza da alimentação e da educação crianças(pedagogia popular) .Cultura popular existe uma base para o nacional cultura, pedagogia, caráter, autoconsciência. Apresentando às crianças as origens da cultura popular significa preservar tradições pessoas, continuidade das gerações, crescimento do seu espírito.

3. Meios de apresentar as crianças à cultura popular.

Devido às características da idade, por comunhão Uma criança precisa de uma abordagem especial para qualquer uma das habilidades. Basicamente, para isso, utiliza-se um jogo, por ser mais interessante para as crianças. Durante a brincadeira, as crianças interessam-se pelo assunto, o que lhes permite revelar os elementos mais significativos sem os impor à criança, mas de forma fácil e não forçada. Os jogos são selecionados tendo em conta a sua informação útilÓ cultura do povo, em cujo território ele mora, ou aquele sobre o qual precisa conversar. Os recursos são explicados durante o jogo nacionalidades, eles também podem ser estabelecidos nas regras. Por exemplo, você pode organizar um jogo - concorrência: quem notará mais detalhes, quem listará cores, tonalidades ou objetos mais familiares apresentados na imagem e assim por diante. Este jogo estimula a sua atividade cognitiva, desenvolve a capacidade de observação das crianças e ensina-as a formular e expressar os seus pensamentos.

Além do jogo, é possível utilizar desenho e pintura. Pintura de paisagemé um dos gêneros mais líricos e emocionais das belas artes arte, este é o mais alto nível de exploração artística da natureza, recriando com inspiração e imaginação a sua beleza. Este gênero promove emoção e desenvolvimento estético crianças, promove uma atitude gentil e carinhosa com a natureza, sua beleza, desperta um sentimento sincero de amor pela sua terra, pela sua história. A pintura de paisagem desenvolve a imaginação e o pensamento associativo da criança, a esfera sensual, emocional, a profundidade, a consciência e a versatilidade de percepção da natureza e sua representação nas obras. arte, a capacidade de simpatizar com a imagem artística de uma paisagem, a capacidade de correlacionar o seu humor com o seu.

Identificação de habilidades crianças e o seu correto desenvolvimento é uma das tarefas pedagógicas mais importantes. E deve ser decidido levando em consideração a idade crianças, desenvolvimento psicofísico, condições educacionais e outros fatores. Desenvolvimento de habilidades crianças às artes plásticas Só então dará frutos quando o ensino do desenho for realizado pelo professor de forma sistemática e sistemática. Caso contrário, esse desenvolvimento seguirá caminhos aleatórios e as habilidades visuais da criança poderão permanecer na infância.

As crianças adoram experimentar coisas novas. É importante não prejudicar a atitude do seu filho em relação à criatividade, pois isso pode afetar a sua vida posterior. Você precisa permitir que ele revele suas capacidades e não repreendê-lo se algo não der certo. Afinal, as pessoas foram programadas desde a infância preferências: algumas pessoas gostam de desenhar, algumas se dedicam à música, outras se tornarão humanitárias. Levando isso em consideração, é necessário utilizar diferentes métodos no ensino crianças, para que eles próprios determinem por si próprios o que gostam, caso contrário, no futuro, na escolha de uma profissão, serão decisivos fatores impostos de fora, e não o que é realmente interessante e a que vale a pena dedicar a vida. Tome posse de todo o valor fundos e os métodos de representação que compõem a alfabetização visual, a criança não consegue. O conhecimento do professor sobre as características da expressão significa que cada arte ajuda a estabelecer, quais deles podem ser realizados e dominados pela criança e quais são inacessíveis para ela.

Assim, o principal objetivo do desenvolvimento da educação pré-escolar é a formação da personalidade da criança, o desenvolvimento da sua criatividade. Nas aulas com crianças, a principal tarefa do professor é atrair a atenção delas para a imagem, escultura ou outro trabalho e segure-o. As crianças ficam mais dispostas a se interessar pelas pinturas se o professor conseguir despertar a imaginação delas e incluir as crianças na brincadeira. Por exemplo, você pode pedir-lhes que se imaginem no lugar dos personagens da imagem, discutam o que cada um deles faria no lugar do personagem retratado, que emoções experimentariam e com que palavras descreveriam seu estado. . Em geral, peça à criança que lhe fale sobre si mesma na situação retratada.

Conclusão

Apresentando as crianças às artes e ofícios Esta é uma introdução aos utensílios domésticos tradicionais. As crianças aprendem como e por que esta ou aquela coisa foi usada e tentam usá-la elas mesmas. Além disso, as crianças são incentivadas a considerar padrões decorativos, explica o significado simbólico de elementos individuais do ornamento. É importante chamar a atenção da criança para a repetibilidade de padrões e elementos individuais em diferentes objetos e dizer quais formas tradicionais de decorar coisas são características de diferentes regiões da Rússia.

Nas aulas dedicadas ao tradicional artesanato popular, as crianças aprendem os princípios básicos da construção de um enfeite e aprendem a executar corretamente os elementos repetidos. Amostras para modelagem e pintura infantil podem ser pratos tradicionais, brinquedos e outros utensílios domésticos.

A fim de apresentando as crianças à arte cognitivo e atividades criativas que envolve visitar diversas exposições de pintura, esculturas, arte popular e assim por diante. Passeios podem ser realizados, mas são destinados crianças, maiores de cinco anos de idade. As exposições expositivas, cuja visualização é acompanhada de explicações do guia, consolidam os conhecimentos e competências adquiridos nas aulas de educação estética.

Artes decorativas e aplicadas está em estreita relação com cultura popular. Esse tipo a arte incorpora a cultura popular. Usando artes e ofícios, você pode estudar a cultura popular.

Artes decorativas e aplicadas contém uma grande quantidade de informações úteis para crianças no processo de estudo da história do próprio ou de outro país, nação ou comunidade. Como artes decorativas e aplicadas como meio de introdução da cultura popularé um dos mais eficazes e interessantes.

DPI - o mais Arte antiga. Surgiu nos tempos primitivos. Inclui: móveis, utensílios, roupas - o mundo das coisas que uma pessoa usa no dia a dia. O DPI cria o ambiente em que as pessoas vivem, decora a vida cotidiana e ajuda a tornar a vida mais atraente e festiva. Mas o mais importante é que a arte organize a comunicação entre as pessoas e construa seus relacionamentos.

O DPI é enorme e diversificado, como o mundo que nos rodeia. Cada nação desenvolveu suas próprias formas de objetos, ornamentos, imagens e motivos e combinações de cores. Uma variedade de materiais foi usada para criar objetos: argila, pedra, tecido, metal e, posteriormente, vidro.

A arte decorativa tem uma linguagem figurativa muito especial. Dominá-lo permite ver e compreender a beleza especial de um objeto, sua decoração e pensar no significado que ele expressa.

A linguagem figurativa do DPI é caracterizada pela generalidade e planicidade das imagens, convenção artística e ornamentação. Aqui, os meios artísticos são utilizados de forma diferente: forma, volume, linha, ritmo, cor, textura. Todos os motivos naturais – pássaros, flores, plantas, animais, humanos, etc. – na arte decorativa eles parecem diferentes da realidade. São sempre transformados pela imaginação do artista em uma imagem expressiva e generalizada, sem pequenos detalhes e detalhes.

Para entender o conceito de DPI, você deve antes de tudo encontrar a principal diferença entre o DPI e outras áreas atividade criativa pessoa. Compositores, escritores, pintores, ao criarem suas obras, transmitem o conteúdo principal em imagens artísticas concretas e sensuais, nascidas a partir de observações de vida. O compositor transmite a sua ideia de mundo, os sentimentos e pensamentos que o entusiasmaram, com a ajuda de sons; um escritor - com palavras, um pintor - com tintas sobre tela.

Um artista pode expressar em seu trabalho o que considera significativo e interessante. Portanto, pintura, gráfica, escultura são classificadas como artes plásticas. A imagem artística nele contida é construída a partir de uma imagem da realidade. O criador das obras DPI está privado desta oportunidade. Ele não retrata o que viu na vida, mas cria objetos que ninguém jamais viu. Esta é uma diferença significativa entre a arte aplicada e outras áreas da criatividade artística.

A natureza do DPI não é figurativa. A arte aplicada desenvolve-se de acordo com certas regras e tem princípios próprios de construção imagem artística. Esses princípios foram desenvolvidos ao longo de milhares de anos, porque... O DPI é um dos mais antigos (sua origem remonta à época Paleolítico Superior ao 40-20 milênio aC)

Princípios de DPI:

1. conveniência ou utilidade. O artista aplicado se depara com a tarefa de criar objetos que sejam convenientes de usar.
2. arte, beleza de uma coisa. Somente móveis, utensílios e roupas feitos artisticamente podem ser classificados como arte. Um sinal de arte em um objeto do cotidiano é a combinação de conveniência e beleza. Essa união se dá na forma de um objeto e no material corretamente escolhido para ele.

Os artistas de arte aplicada sempre apreciaram o material e procuraram mostrar as suas capacidades decorativas. Nunca foi falsificado para parecer uma pedra preciosa ou ouro. O DPI é também um meio de expressão estética das relações sociais, dos ideais de uma determinada classe. A rica história desta forma de arte permite traçar o seu caráter de classe.

As escavações do cientista inglês Carter no Vale dos Reis, no Egito, em 1922, forneceram muitos materiais interessantes sobre a vida, a ideologia e a arte do Egito no século XIV. AC. O cientista descobriu a tumba do faraó Tutancâmon, que não foi saqueada por ladrões e foi preservada em sua forma original.

A expedição descobriu peças feitas de ouro, osso, vidro, decoradas com pedras preciosas e caracterizadas por alta mérito artistico. A maioria dos itens retrata Tutancâmon. A natureza das imagens é interessante. Quase todo o plano é ocupado pela figura do faraó, e nas laterais, em vários níveis, há figuras de guerreiros e escravos. Isso enfatizou a superioridade do faraó sobre aqueles ao seu redor.

Um exemplo igualmente marcante de orientação de classe pode ser o DPI do período do feudalismo e a formação de estados absolutistas. A nobreza e a igreja precisavam de uma arte que pudesse convencer os súditos da riqueza e do poder do rei.

Na Rússia, a vida da corte russa durante o reinado de Elizabeth Petrovna e Catarina II foi particularmente luxuosa. As residências de campo, Tsarskoe Selo e Peterhof surpreendem pela pompa e esplendor da sua decoração e são verdadeiros tesouros do DPI.

Os criadores de todo esse esplendor foram maravilhosos mestres russos de São Petersburgo, Moscou e outras cidades da Rússia. A colaboração de artistas de diferentes profissões e mestres intérpretes foi frutífera para o movimento artístico e criativo russo nos séculos XVIII e segunda metade do século XIX. Esta foi a época de maior florescimento de todos os tipos de arte aplicada.

Durante o período de desenvolvimento do capitalismo, a nova classe dominante, a burguesia, tendo tomado emprestadas formas puramente externas de influência sobre as massas, a pompa, esqueceu-se do conjunto, da sua lógica e beleza internas. As coisas mais caras e únicas foram parar nas mansões, mas não representam o conjunto, porque... o princípio da beleza e da conveniência é violado. O mau gosto que penetrou nas ricas mansões da burguesia espalhou-se por toda parte. O desejo de criar esplendor externo leva à falsificação. Durante o período do capitalismo, o material deixa de ser valorizado.

No final do século XIX. a porcelana é falsificada como malaquita, o metal comum como ouro, o vidro como gemas. Tendo suplantado a produção manual, a indústria não foi capaz de fornecer em troca coisas verdadeiramente bonitas e, no final do século XIX, o DPI Europa Ocidental e a Rússia está num estado de crise profunda. O mercado foi inundado com itens projetados para o mais baixo gosto, caráter produção industrial utensílios domésticos, móveis, roupas exigiam a mente criativa de artistas capazes de criar autênticas obras de artes criativas com grandes réplicas do item. Os artistas do século 20 tiveram que resolver este problema.

Os itens de DPI podem ser divididos em dois grupos relativamente independentes sem limites estritamente definidos entre eles:

1. Utensílios domésticos como móveis, utensílios, roupas. O princípio artístico aqui está diretamente relacionado à conveniência e expressividade da forma do objeto.
2. As peças são predominantemente decorativas, permitindo uma utilização muito mais ampla e livre dos meios composicionais.

As formas intermediárias entre as formas decorativas e aplicadas e as formas de cavalete incluem mosaico, painel, tapeçaria, abajur, estátuas decorativas, que vivem no ambiente arquitetônico, mas também podem ser consideradas independentes. trabalhos de arte.

As características da composição do DPI são em grande parte determinadas pelas capacidades técnicas e artísticas material.

Árvore Desde a antiguidade tem sido utilizado na construção de concreto, mas entrou na vida humana principalmente como material de construção.

A madeira tem propriedades incríveis. A madeira pode ser cortada, serrada, picada, aplainada, furada, usinada, colada, prensada, vaporizada. A elasticidade e a viscosidade da madeira seguram bem os pregos e parafusos. O revestimento com óleos secantes e vernizes torna-o impermeável.

No projeto de uma cabana camponesa do norte, as propriedades mecânicas da madeira são combinadas com seu desenho decorativo. Não há um único detalhe no design que não seja significativo do ponto de vista artístico. Para proteger da umidade, as extremidades das vigas de sustentação da cobertura são revestidas por um pilar, que desempenha dupla função - utilitária e estética (escultura). Os suportes de toras que sustentam a saliência do telhado sobre a empena apresentam uma forma estruturalmente lógica de silhueta elástica, revelando a severidade da carga transportada.

A peculiaridade do desenho composicional e artístico de um objeto através de seu design e material se manifesta claramente no mobiliário.

Diversas técnicas composicionais são utilizadas no design construtivo e decorativo de produtos de madeira. Por exemplo, a composição da pintura ou entalhe na porta de um armário é geralmente simétrica, com centro e periferia claramente definidos. Em objetos feitos de uma única peça de madeira, a composição de pintura ou talha rasa pode enfatizar a integridade da forma, a conexão entre estrutura e decoração.

Textura, cor, textura - essas propriedades da madeira podem ser chamadas de totalmente artísticas, o que significa que influenciam a solução composicional. Ao mesmo tempo, as qualidades artísticas da madeira, associadas à sua origem natural, dependem em grande medida da natureza do corte. Assim, cortar em direção ao centro da crista ao longo do raio ou diâmetro fornece um padrão calmo de camadas anuais. Cortar ao longo da corda revela uma configuração de textura mais complexa. Padrões completamente inesperados são formados por cortes de meia ponta e final.

O padrão de grão e a cor da madeira podem ser realçados ou enfraquecidos usando várias tintas, tinturas, vernizes e outros métodos de acabamento.

A composição de uma escultura decorativa deve caber na peça natural de madeira como um todo, sem colar peças que atrapalhem o padrão rítmico dos anéis anuais. Na escultura decorativa aplica-se a lei da integridade.

Cerâmica permite que você gerencie sua escultura com mais liberdade, trabalhe a forma com mais detalhes e expresse movimentos de forma mais ativa. Os princípios de composição da cerâmica plástica são os mesmos da escultura decorativa feita em outros materiais.

O processamento artístico do osso requer uma composição lacônica, na qual contrastam grandes massas plasticamente generalizadas e detalhes característicos primorosamente elaborados. Esta combinação confere às obras em osso uma silhueta decorativa muito bonita.

No tratamento artístico ossosÉ considerado inadequado reduzir significativamente os elementos da composição. Isso se deve a uma violação da clareza de percepção do que é retratado. O relevo nos produtos ósseos é construído desde o primeiro plano, situado na superfície, até os mais profundos.

Na escultura em osso perfurado, não é recomendado fazer furos grandes, pois eles perturbam a estrutura geral da composição, desmembram a composição e contradizem a lei da integridade. Uma imagem moderadamente lacônica feita de osso ou sobre osso deve aumentar a expressividade da imagem.

O metal, material rico em propriedades técnicas e qualidades artísticas, é há muito utilizado na joalheria, na fabricação de todo tipo de utensílios domésticos, armas, detalhes arquitetônicos e decorativos, e nas artes e ofícios. O metal pode ser forjado, cunhado, transformado em fios ou dobrado em uma estrutura aberta. A valiosa qualidade artística do metal, como a madeira, é a sua cor. Ao criar obras DPI, o metal é frequentemente usado em combinação com esmalte, pedras preciosas e semipreciosas coloridas, vidro, madeira, etc.

No processamento artístico do metal, o princípio fundamental do DPI é a consistência do estético com o utilitário.

Arte vidro, sendo um dos tipos de DPI, baseia-se na natureza funcional do produto e nas propriedades deste material frágil. A renovação radical das formas composicionais não é uma ocorrência comum na arte do vidro. E isso se deve à complexidade da tecnologia de produção de vidro.

A pintura em miniatura em papel machê e a pintura em metal proporcionam ao artista muito mais liberdade no campo da criatividade composicional. Esses tipos de arte podem acomodar qualquer conteúdo: temas históricos e cotidianos, contos de fadas, épicos, paisagens, retratos. Naturalmente, a pintura em miniatura baseia-se nas leis de composição comuns às belas-artes.

O miniaturista deve sempre levar em consideração a forma do objeto, sua finalidade e, nesse sentido, organizar a miniatura e a ornamentação dentro de uma determinada superfície. Com base nas peculiaridades da forma do objeto pintado, são utilizadas técnicas de composição específicas, que consistem em permitir alguns desvios das regras estritas da perspectiva linear e aérea: os planos espaciais são aproximados, as figuras e os objetos são localizados principalmente ao longo do superfície, obedecendo a ritmos ornamentais; comparações contrastantes de cores locais melhoram o som das cores; Todos os elementos de uma miniatura, via de regra, são generalizados pela silhueta, observando-se a medida dessa generalização, que confere integridade à composição.

EM Miniatura Fedoskino O papel principal é desempenhado pelo enredo e pela objetividade de sua expressão. As composições são dominadas por uma compreensão volumétrica e plástica da forma, próxima da pintura realista de cavalete. Os mestres Fedoskino inscrevem a miniatura em uma profundidade preta aveludada e ao mesmo tempo introduzem a cor preta da superfície lacada da própria caixa na moldura do campo pictórico.

Miniatura Palekhé construído como se salpicasse partes individuais da composição na superfície preta de um produto de papel machê. Porém, a lei da integridade é preservada: existe uma conexão semântica e lógica que une vários momentos de um evento ou uma série de ações em diferentes momentos em uma composição. Desta forma, simula-se o movimento da vida no tempo. Os mestres Palekh são capazes de mostrar movimentos por meio de gestos e poses dinâmicas dos personagens. Ao mesmo tempo, a combinação contrastante de cores vivas é acentuada por destaques dourados e prateados, “lacunas” e “slides”, enfatizando com pinceladas abruptas as partes mais claras e salientes do objeto retratado.

Miniatura de Mstera pelo contrário, é um painel composicionalmente integral que representa uma paisagem multifacetada tendo como pano de fundo os acontecimentos. O painel, como se estivesse montado na tampa do produto, é emoldurado por uma faixa de enfeites dourados.

Na estrutura composicional da pintura em miniatura Kholuya A cor preta da caixa é introduzida, como em Palekh. Mas os mestres de Kholuy não usam a conhecida gravura em ouro de Paleshan na imagem do objeto. Nas miniaturas Kholuy, um grande lugar é ocupado pela paisagem, interpretada de forma mais decorativa, com contrastes de luz e sombra.

Pintura com pincel Zhostovo em bandejas de metal lacado representando buquês de flores, guirlandas, guirlandas tem formas de composição estáveis, em uma linguagem artística própria e original. A composição da pintura Zhostovo é um motivo que se enquadra em um formato específico de bandeja (retangular, oval, redondo). Quando o motivo pictórico é desenvolvido, o artista desenha os contornos gerais na superfície preta da bandeja, tentando evitar a repetição de linhas, formas e tamanhos. Pensando na composição, o mestre da pintura resolve uma série de questões relacionadas aos contrastes de cores, à silhueta de um buquê de flores com folhas, ao ritmo dos elementos, à relação entre imagem e fundo, formas grandes e pequenas.

A integridade da composição das bandejas Zhostovo é alcançada pela determinação do eixo central da imagem, bem como pela rotação da bandeja durante o processo de pintura.

Uma característica especial da composição da pintura de Zhostovo é também a presença de um padrão de espinha de peixe perfurado que corre ao longo da lateral da bandeja. Este elemento completa o design artístico da bandeja e completa a composição.

Recursos de composição bordado E renda Como os tipos de DPI estão associados principalmente aos meios materiais e técnicos de concretizar o plano do artista. Os fios, assim como os tecidos, podem ser de linho, algodão, lã e seda, com adição de materiais sintéticos; o bordado também utiliza fios de ouro e prata, pedras preciosas, miçangas, contas de vidro, etc. todos esses materiais possuem estrutura própria.

A natureza do padrão e de toda a composição depende da estrutura dos tecidos no bordado, na renda - da qualidade dos fios, e se a renda for aplicada ao tecido, então da estrutura e qualidade do tecido. Ponto cruz, ponto cetim, ponto laço, ponto haste, ponto vazado e suas combinações são amplamente utilizados.

Tapetes E tecidos estampados decorativos(salto estampado) também têm tradições ricas.

A composição do padrão nos tapetes depende da estrutura da urdidura e dos fios, bem como do formato (como o bordado). A disposição do salto depende menos da estrutura do tecido e do seu tamanho, portanto, aqui a composição pode incluir um arranjo livre de elementos multicoloridos e ainda permite transições suaves de uma cor ou tom para outro, assim a composição do calcanhar expande suas capacidades por meio do claro-escuro.

A composição do desenho para impressão em tecido pode ser com centro pronunciado, com padrão construído em círculo, em quadrado, com rapport, ou seja, repetição múltipla de um elemento do enfeite em toda a largura e comprimento do tecido. Mas em todos os casos, a composição deve unir todos os elementos decorativos, evitando cores muito coloridas e com som discordante.

Tópicos abstratos:

1. Pintura Ural-Siberiana
2. Pintura de Gorodets
3. Pintura Khokhloma
4. Gzhel
5. Brinquedo Dymkovo
6. Cerâmica
7. Fio. Brinquedo Bogorodskaya
8. Forjamento. Cunhagem. Fundição
9. tecelagem de vime
10. Mosaico
11. História do traje.

ARTES DECORATIVAS E APLICADAS, tipo de arte, criação de produtos que combinam funções artísticas e utilitárias. As obras de arte decorativa e aplicada estão relacionadas com as necessidades quotidianas das pessoas e são parte integrante do ambiente humano. A base e fonte da arte decorativa e aplicada é a arte popular. A esfera das artes decorativas e aplicadas inclui produtos de artes e ofícios tradicionais, indústria artística e arte de autor profissional. O termo “arte aplicada” surgiu no século XVIII na Inglaterra e era aplicado principalmente à criação de produtos domésticos (pintura de pratos, tecidos, acabamento de armas). No século XX, a história da arte russa adotou o termo “arte decorativa e aplicada” como designação para a seção de artes decorativas, que também inclui arte e design teatral e decorativo.

Uma característica específica das obras de arte decorativa e aplicada é a ligação inextricável entre o utilitário e o artístico, a unidade de utilidade e beleza, função e decoração. O utilitarismo permite-nos classificar as obras de arte decorativa e aplicada de acordo com a sua finalidade prática (ferramentas, móveis, louças, etc.); a função de um objeto determina claramente seu design. A qualidade que confere a um objeto de arte decorativa e aplicada o status de obra de arte é a decoratividade. Realiza-se não só na decoração de um objeto com quaisquer detalhes particulares (decoração), mas também na sua composição geral e estrutura plástica. A decoração tem expressividade emocional, ritmo, proporções próprias; ele é capaz de mudar de forma. A decoração pode ser em relevo escultórico, pintada pictoricamente, esculpida graficamente (ver também Gravura); ele usa tanto ornamentos (incluindo inscrições decorativas - hieróglifos, caligrafia, escrita eslava, etc., revelando o significado das imagens), quanto vários elementos visuais e motivos ("árvore do mundo", pássaros e animais, plantas, etc.) de acordo com um certo sistema decorativo e estilístico (ver também Bucranius, Griffin, Rose, Sphinx). No sistema de placas de arte decorativa e aplicada, existe a possibilidade de utilizar a chamada forma pura como antítese de qualquer decoração: ela pode se manifestar na beleza intrínseca do material, revelando suas qualidades estruturais, plásticas, de cor, harmonia de proporções, graça de silhueta e contornos.

Navio. Cerâmica pintada. 3º milênio AC. Yangshao (China). Museu de Artes Decorativas e Aplicadas (Viena).

Outra característica fundamental das artes decorativas e aplicadas é o sintetismo, que implica a combinação de vários tipos de criatividade (pintura, grafismo, escultura) e diferentes materiais numa só obra. Sintética na sua natureza interna, uma obra de arte decorativa e aplicada está frequentemente envolvida numa síntese de artes, num conjunto de objetos artísticos, podendo depender da arquitetura (móveis, esculturas decorativas, painéis, tapeçarias, tapetes, etc.). Como resultado desta dependência, a arte decorativa e aplicada em todas as épocas acompanhou com sensibilidade e clareza as mudanças de estilo e de moda.

Nas artes decorativas e aplicadas, a imagem de uma coisa é determinada pela ligação entre a sua forma estética e a sua finalidade funcional. Por um lado, existe o conceito da natureza utilitária e não figurativa da arte decorativa e aplicada como “fazer coisas”: puramente problema prático não implica a criação de uma imagem completa (por exemplo, o objetivo da cerâmica ou da cestaria não é a imagem das coisas, mas a criação da própria coisa). No entanto, outros exemplos (cerâmicas antropomórficas, etc.), que carregam um princípio mimético, permitem-nos falar da imagética como tarefa primária da criatividade nas artes decorativas e aplicadas, manifestada principalmente em associações e analogias (a forma de um objeto pode assemelham-se a um botão de flor, uma gota, a figura de uma pessoa ou animal, uma onda do mar, etc.). O dualismo das tarefas estéticas e funcionais determina a especificidade figurativa da arte decorativa e aplicada (limitação da especificidade das imagens, tendência ao abandono do claro-escuro e da perspectiva, utilização de cores locais, planicidade das imagens e silhuetas).

A arte decorativa e aplicada como tipo de atividade artística está associada ao trabalho manual de um mestre, que se tornou um ramo independente de produção. A maior divisão social do trabalho leva à substituição da produção artesanal pela produção mecanizada (manufaturas, fábricas, fábricas); o design funcional e a decoração passam a ser obra de diversos especialistas. É assim que surge a indústria da arte, onde os métodos de “arte aplicada” encontram o seu lugar - decoração de produtos com pintura, talha, incrustação, relevo, etc.

A questão da relação entre o trabalho manual e o mecanizado na produção de objetos de arte decorativa e aplicada foi especialmente aguda na 2ª metade do século XIX, no contexto do problema da “despersonalização” (nas palavras de W. Morris ) da produção de artesanato artístico e teorias de aplicação limitada, populares nesta época, máquinas como um pré-requisito para o renascimento tradições nacionais. Contrastando o artesanato popular com a produção em massa, Morris sugere ao mesmo tempo formas de sintetizá-los, permitindo a criação de um novo tipo de arte decorativa e aplicada. O design, que se tornou um novo tipo de atividade artística no campo da produção industrial (em massa) em meados do século XIX, limitou as artes decorativas e aplicadas principalmente à criação de pequenas séries de produtos artesanais (ver também Arte Industrial).

Tipologia. Cada campo das artes e ofícios possui uma grande variedade de formas; a sua evolução está diretamente relacionada com o desenvolvimento da tecnologia, a descoberta de novos materiais, a mudança nas ideias estéticas e na moda. As obras de arte decorativa e aplicada variam em funcionalidade, forma e material.

Um dos tipos mais antigos de arte decorativa e aplicada é a baixela. As suas formas variavam consoante o material (madeira, metal, argila, porcelana, cerâmica, vidro, plástico) e a finalidade (ritual, doméstica, de jantar, decorativa; ver também Vasos artísticos). A arte decorativa e aplicada também inclui: acessórios religiosos (estandartes, molduras, lâmpadas - no cristianismo; vasos muçulmanos para ablução, tapetes de oração “namazlik”, etc.; menorá judaica de sete braços; tronos de lótus budistas e queimadores de incenso de templo); artigos de interior (móveis, luminárias, vasos, espelhos, instrumentos de escrita, caixas, ventiladores, caixinhas de rapé, azulejos, etc.); utensílios domésticos artesanais (rodas de fiar, rolos, babados, rublos, fusos, etc.); obras glípticas; Arte em Joalheria; meios de transporte (carretas, carruagens, carruagens, trenós, etc.); arma; têxteis (ver também Batik, Bordados, Rendas, Tecidos Estampados, Tecelagem; os têxteis também incluem tapetes, tapeçarias, tapeçarias, kilims, feltros, etc.); roupas; parcialmente - plástico pequeno (principalmente um brinquedo).

Os materiais utilizados nos produtos de artes decorativas e aplicadas são igualmente diversos. Os mais antigos são pedra, madeira e osso. As madeiras nobres eram utilizadas para a construção de casas, para a fabricação de móveis, produtos domésticos [pinho, carvalho, nogueira (na arte renascentista), bétula da Carélia (na era do classicismo russo e estilo Império), bordo (especialmente no Art Nouveau época), mogno, pêra] ; variedades moles (por exemplo, tília) - para fazer pratos e colheres. A partir do século XVII, madeiras exóticas importadas começaram a ser utilizadas na Europa.

Técnicas de processamento de argila, como modelagem e moldagem à mão livre, foram decisivas na criação de produtos de argila em Estágios iniciais. No 3º milénio a.C. surgiu uma roda de oleiro, que permitia a produção de pratos de paredes finas.

A cerâmica (argila cozida) inclui terracota (lisa e lacada), faiança, semi-faiança, faiança, opaca, porcelana, bisque, a chamada massa de pedra. Os principais métodos de decoração de cerâmica são moldagem, polimento, polimento, pintura colorida, gravura, vitrificação, etc.

Os tecidos têm sido amplamente utilizados desde o Neolítico. Exemplos notáveis ​​​​de arte decorativa e aplicada são os antigos tecidos de linho multicoloridos egípcios, os coptas usando a técnica de impressão batik; Tecidos de seda chinesa, musselinas indianas, damasco veneziano.

Os mestres das artes decorativas e aplicadas costumavam usar pedras ornamentais preciosas, semipreciosas e coloridas: diamantes, rubis, esmeraldas, safiras, jade, lápis-lazúli e cornalina, malaquita, jaspe, etc. (o âmbar também pertence aos materiais ornamentais). Entre os vários tipos de processamento, os cabochões (pedras arredondadas) dominaram por muito tempo, depois surgiram as pedras facetadas. Existem técnicas complexas - o chamado mosaico florentino (imagens feitas de mármore e pedras semipreciosas), mosaico russo (colagem da superfície redonda dos vasos com placas de pedras coloridas), etc.

Caixão com representação de crucifixo e anjos. Madeira, prata, esmalte. 1º quartel do século XIII. Limoges (França). Ermida (São Petersburgo).

Entre os metais estão preciosos (ouro, prata, platina), não ferrosos (cobre, estanho), ligas (bronze, elétrica, estanho), além de aço, ferro fundido e alumínio. Junto com os metais nobres, quase todas as civilizações antigas processaram cobre, bronze e, mais tarde, ferro. O ouro e a prata foram inicialmente os principais metais nas artes decorativas e aplicadas, e a sua escassez foi compensada várias técnicas(prateamento e douramento galvânico; a partir de meados do século XIX - galvanoplastia). As principais técnicas de processamento de metais são niello, granulação, gofragem, shotting, fundição artística, forjamento artístico, basma (um tipo de técnica de joalheria que imita o gofragem), gofragem.

Uma técnica especial e ao mesmo tempo um material é o esmalte, cujos exemplos mais antigos são encontrados na China. O esmalte, via de regra, era utilizado como componente de obras complexas de artes decorativas e aplicadas (por exemplo, a técnica de recobrir imagens gravadas em metal com esmalte transparente multicolorido ou pintura decorativa com tintas esmaltadas).

Cenário do chamado Evangelho de Lorsch. Marfim. século IX Aquisgrano. Museu Victoria e Albert (Londres).

O vidro, de acordo com seus parâmetros tecnológicos, é dividido em transparente e opaco, incolor e colorido, etc. Existem também diferentes formas originais de vidro cortado à mão, vidro soprado (vidros venezianos “alados”), de cristal inglês lapidado, de prensado vidro (surgido em 1820 nos EUA), vidro colorido laminado ou leitoso, filigrana, vidro gravado, esculpido, moído ou colorido. As técnicas de processamento de vidro incluem douramento entre vidros, pintura, millefiori, gravura artística e iridescência.

O berço dos vernizes artísticos é o Antigo Oriente. Na Europa são conhecidos desde o século XVI; no século XVII, artesãos holandeses começaram a pintar caixas de madeira com ornamentos dourados sobre fundo preto. Posteriormente, surgiu a produção de vernizes pintados em vários países. Os produtos feitos de papel machê revestido com verniz surgiram na Europa no século XVIII e atingiram o auge da popularidade no século XIX, especialmente na Inglaterra, Alemanha e Rússia. No século 20, a Rússia tornou-se o principal centro da arte da laca (Fedoskino, Palekh, Kholui e Mstera).

O uso da carapaça de tartaruga e do marfim remonta à antiguidade; então seu uso foi revivido em Arte europeia na Idade Média e especialmente no final do século XVIII (caixas de rapé e bules ingleses e franceses, esculturas em osso de Kholmogory). A madrepérola entrou na moda na primeira metade do século XIX para decoração de produtos de papel machê e verniz e acabamento de talheres.

Esboço histórico. Os primeiros objetos trabalhados artisticamente surgiram no Paleolítico. Durante o período Neolítico, os produtos cerâmicos se difundiram. EM culturas diferentes os vasos são criados com soluções artísticas gráficas magistrais, expressivos enredos sagrado-mitológicos, cerâmicas pintadas com motivos ornamentais e outros (por exemplo, vasos chineses do Neolítico, 5-3º milênio aC; cerâmica de Susa, 4º milênio aC; cerâmica tripiliana, final do terceiro milênio aC).

As mais antigas civilizações orientais no desenvolvimento das artes decorativas e aplicadas alcançaram o mesmo alto nível, bem como no domínio da arquitectura e escultura (tratamento artístico de pedra, metal, madeira, joalharia, talha em marfim, etc.). Os joalheiros do Antigo Egito e da Mesopotâmia dominaram várias técnicas sutis de processamento de metais preciosos. A arte do Antigo Oriente produziu exemplos insuperáveis ​​​​de cerâmica esmaltada policromada; no Egito, foram produzidos produtos de faiança (à base de sílica) - detalhes arquitetônicos, esculturas, colares, tigelas e taças. Os egípcios (junto com os fenícios) também fabricavam objetos de vidro (por volta do terceiro milênio aC); O apogeu das oficinas de vidro, assim como de outros ofícios, ocorreu no Novo Império (vários formatos de vasos em vidro azul ou policromado, etc.). Os móveis egípcios eram feitos de madeira local de ébano (preto) e espécies importadas (cedro, cipreste), decorados com inserções de faiança azul e preta, cobertos com folha de ouro e incrustados com marfim e pintura (algumas de suas formas influenciaram mais tarde o Império Europeu). estilo). Em muitas regiões da China foram descobertos vasos de paredes finas (tigelas, vasos, jarras e taças), que se distinguem pela originalidade estilística, variedade de formas e bizarras imagens zoomórficas. A Índia tem uma civilização urbana altamente desenvolvida Idade do Bronze deixou utensílios domésticos expressivos, cerâmica pintada e tecidos descobertos durante escavações em Mohenjo-Daro e Harappa. No oeste do Irã, no Luristão, desenvolveu-se uma cultura representada pelos bronzes do Luristão.

A originalidade da arte decorativa e aplicada do mundo Egeu (ver cultura Egeu) influenciou a arte de outros países (Egito do Novo Reino, Oriente Médio) - joias, xícaras e tigelas esculpidas, rítons. O principal tipo de artesanato artístico é a cerâmica (policromada com motivos estilizados, motivos vegetalistas, com imagens de animais marinhos e peixes). Entre as maiores conquistas da história das artes decorativas e aplicadas está a cerâmica grega antiga - em primeiro lugar, vasos de figuras vermelhas e pretas revestidos com verniz, onde a forma está organicamente ligada à pintura e ornamento do enredo, tem tectônica clara, um rico ritmo de linhas e proporções (ver pintura em vaso). Cerâmicas e joias feitas na Grécia foram exportadas para muitos países ao redor do mundo, resultando na expansão generalizada da cultura grega. tradições artísticas. Nas artes decorativas e aplicadas das tribos nômades da Ásia e da Europa, dos trácios, dos celtas e de algumas tribos fino-úgricas, Formas diferentes estilo animal; em meados do primeiro milênio dC, sua forma peculiar apareceu entre os alemães, as tradições do estilo animal foram preservadas na arte medieval.

Os etruscos, sob forte influência grega, foram capazes de criar uma cultura igualmente distinta com a sua cerâmica bucchero, terracota pintada e jóias. Seu desejo por luxo demonstrativo, incorporado em objetos de arte decorativa e aplicada, foi transmitido aos seus sucessores - os antigos romanos. Eles pegaram emprestadas cerâmicas em relevo e decoração em tecido dos etruscos, e formas e ornamentos dos gregos. Na decoração romana há muito excesso, desprovido de gosto grego: guirlandas exuberantes, bucranias, grifos, cupidos alados. Durante a era imperial, os vasos feitos de pedras semipreciosas (ágata, sardônia, pórfiro) tornaram-se moda. A maior conquista da arte decorativa e aplicada romana foi a invenção das técnicas de sopro de vidro (século I aC), a produção de vidro transparente, mosaico, gravado, de duas camadas, imitando camafeu e dourado. Entre os produtos de metal estão vasos de prata (por exemplo, um tesouro de Hildesheim), lâmpadas de bronze (encontradas durante escavações na cidade de Pompéia).

A estabilidade das tradições distingue o Extremo Oriente e cultura indiana em geral, onde foram preservados tipos e formas características de artes decorativas e aplicadas da era medieval (cerâmica e vernizes no Japão, madeira, metal e produtos têxteis na Índia, batik na Indonésia). A China é caracterizada por imagens e tradições estáveis ​​​​de lapidação de pedra, cerâmica e joias, uma variedade de materiais: seda, papel, bronze, jade, cerâmica (principalmente a invenção da porcelana), etc.

Na América antiga (pré-colombiana) existiram várias civilizações (olmecas, totonacs, maias, astecas, zapotecas, incas, chimu, mochica, etc.) que possuíam uma elevada cultura material. Os principais ofícios eram a cerâmica, o processamento artístico de pedras, inclusive rochas semipreciosas, utilizando a técnica original do mosaico turquesa em madeira, tecidos e joias. A cerâmica é uma das melhores conquistas da arte antiga americana, ao contrário de outras que não conheciam a roda de oleiro ( urnas funerárias Zapotecas, vasos toltecas, vasos policromados mixtecas, vasos com ornamentos maias gravados, etc.).

Um traço característico da arte medieval dos países do Oriente Médio, Norte da África (Magrebe) e regiões da Europa habitadas por árabes é o desejo pela cor, pela decoração valiosa, pelos padrões geométricos (com motivos vegetalistas estilizados ao ponto da abstração, veja Arabesco); A bela tradição também foi preservada nas artes decorativas e aplicadas do Irão. Os principais tipos de artes decorativas e aplicadas nos países muçulmanos eram a cerâmica, a tecelagem e a produção de armas e artigos de luxo. A cerâmica (principalmente ornamental, revestida com brilho ou pintura policromada sobre fundo branco e colorido) foi produzida no Iraque (Samarra), Irã (Susa, Ray), Egito medieval (Fustat), Síria (Raqqa), Ásia Central (Samarcanda, Bukhara ). A cerâmica hispano-mourisca (faiança valenciana) tinha grande influência sobre a arte decorativa e aplicada europeia dos séculos XV-XVI. A porcelana chinesa azul e branca influenciou a cerâmica da Horda Dourada, do Irã, etc. No século XVI, a faiança policromada turca de Iznik floresceu. A cultura muçulmana também deixou muitos exemplos artísticos de vidro, metal (decorado com gravura, entalhe, esmalte) e armas. O mundo islâmico tem tradicionalmente desfrutado em maior medida tapetes em vez de móveis; foram produzidos em muitos países (no Cáucaso, Índia, Egito, Turquia, Marrocos, Espanha, Ásia Central); O lugar de liderança na tecelagem de tapetes pertence ao Irã. No Egito, eles produziam tecidos de treliça de lã multicoloridos, tecidos de linho e materiais estampados; na Síria, na Espanha durante o califado de Córdoba e mestres árabes na Sicília - seda, brocado; na Turquia (em Bursa) - veludo; no Irã (em Bagdá) - cortinas de seda; em Damasco - os chamados tecidos adamascados.

Bizâncio tornou-se herdeiro de muitos ofícios artísticos da antiguidade: fabricação de vidro, arte em mosaico, escultura em osso, etc., e também dominou com maestria novos - a técnica do esmalte cloisonne, etc. os bens de luxo generalizaram-se; Conseqüentemente, o estilo da arte decorativa e aplicada bizantina era refinado, decorativo e exuberante ao mesmo tempo. A influência desta cultura estendeu-se aos estados da Europa (incluindo a Antiga Rus), também à Transcaucásia e ao Médio Oriente (na Rússia, as reminiscências desta influência persistiram até ao estilo russo-bizantino do século XIX).

Na Europa, novas formas de arte decorativa e aplicada desenvolveram-se durante o Renascimento Carolíngio sob a influência de Bizâncio e dos países do mundo árabe. Na cultura da época românica, os mosteiros e as corporações municipais desempenharam um papel importante: praticava-se a escultura em pedra e madeira, o fabrico de produtos metálicos, portas forjadas e utensílios domésticos. Na Itália, onde as tradições da antiguidade tardia continuaram a ser preservadas, a escultura em osso e pedra, a arte dos mosaicos e glípticos e a joalheria se desenvolveram; Em todas essas áreas, os mestres alcançaram a mais alta perfeição. O gótico herdou muitos dos ofícios característicos daquela época; as características do estilo gótico manifestam-se claramente em produtos de marfim e prata, esmaltes, tapeçarias e móveis [incluindo baús de casamento (na Itália - cassone, decorado com esculturas e pinturas)].

EM Rússia Antiga conquistas especiais pertenceram à joalheria, escultura em madeira e pedra. Os tipos típicos de móveis russos eram caixões, mesas de torre, armários, baús e mesas. Os autores de composições pictóricas em forma de “padrão de grama” eram pintores de ícones, “porta-estandartes”, pintavam também baús, mesas, tabuleiros para bolos de gengibre, xadrez, chocalhos dourados, etc.; A “escultura” decorativa do século XVII era chamada de “ervas Fryazhsky”. Utensílios, pratos, azulejos, objetos religiosos foram produzidos nas oficinas de Kiev, Novgorod, Ryazan, Moscou (oficinas patriarcais, Câmara de Prata, da 2ª metade do século XVII - Câmara de Arsenal do Kremlin de Moscou), Yaroslavl, Kostroma , também nos mosteiros Kirillo-Belozersky, Spaso-Prilutsky, Sergiev Posad. A partir da 2ª metade do século XVII, o rápido desenvolvimento do artesanato popular começou nas artes decorativas e aplicadas russas (produção de azulejos, escultura e pintura em madeira, confecção e tecelagem de rendas, ourivesaria e cerâmica).

Durante o Renascimento, o ofício artístico adquiriu um caráter fundamentalmente autoral e predominantemente secular. Novos tipos de artes decorativas e aplicadas estão surgindo, gêneros e técnicas esquecidos desde a antiguidade estão sendo revividos. As mudanças mais significativas ocorrem na produção de móveis (armários com frontal rebatível, banco-peito com encosto e braços, etc.); A decoração utiliza uma ordem clássica e um ornamento característico - grotescos. Tecelagem de seda de Gênova, Florença e Milão, vidro veneziano, majólica italiana, glíptica, joalheria (B. Cellini), metalurgia artística [“estilo lobado” em prata holandesa e alemã (família Yamnitzer)], esmaltes, vidro e florescimento francês .cerâmica (produzida por Saint-Porcher; mestre B. Palissy).

A arte decorativa e aplicada da época barroca caracteriza-se por uma especial pompa e dinâmica de composições, uma ligação orgânica entre todos os elementos e detalhes (loiças e móveis), sendo dada preferência às formas volumosas e grandes. Na produção de móveis (armários, armários, cômodas, aparadores, etc.) madeira polida, ferragens de bronze dourado e mosaicos florentinos, incrustações (bronze aplicado, marchetaria de ébano, metal, madrepérola, tartaruga, etc. ) foram utilizados - nos produtos da oficina de A. Sh. Bulya). As fábricas de tapeçarias na Europa foram influenciadas pela arte dos tapetes flamengos (fábricas de Bruxelas); Génova e Veneza eram famosas pelos tecidos de lã e pelo veludo estampado. A faiança de Delft surgiu imitando a chinesa. Na França, desenvolve-se a produção de porcelana macia, faiança (Rouen, Moustiers) e cerâmica (Nevers), têxteis (fábricas em Lyon), a produção de espelhos e tapeçarias.

Na época do Rococó (século XVIII), predominavam linhas assimétricas frágeis e sofisticadas nas formas e decorações dos objetos. Na Inglaterra, são produzidos pratos de prata (P. Lameri), candelabros, etc. Na Alemanha, formas exuberantes de rocaille são encontradas entre os produtos de metal (I. M. Dinglinger). Novas formas de mobiliário estão surgindo - cômodas (escrivaninha, cômoda e cômoda-cilindro), vários tipos de mesas, cadeira bergere estofada macia com encosto fechado, penteadeira composta por 2 partes; Painéis pintados, marchetaria e incrustações são usados ​​para decoração. Surgem novos tipos de tecidos (moiré e chenille). Na Inglaterra, T. Chippendale fez móveis em estilo rococó (cadeiras, mesas e estantes), utilizando motivos góticos e chinoiserie. No início do século XVIII, foi inaugurada em Meissen (Saxónia) a primeira fábrica europeia de porcelana (escultor I. Kändler). O estilo Chinoiserie penetra tanto na porcelana europeia (Meissen, Chantilly, Chelsea, Derby, etc.) quanto na russa (Fábrica Imperial de Porcelana perto de São Petersburgo), bem como nos têxteis, vidros e móveis ((lacas francesas dos irmãos Martin). Na década de 1670, o vidro de chumbo com uma nova composição (o chamado cristal inglês) apareceu na Inglaterra; sua técnica de produção se difundiu na República Tcheca, na Alemanha e na França.

As artes decorativas e aplicadas da época clássica da 2ª metade do século XVIII, e posteriormente do estilo Império, foram influenciadas por escavações arqueológicas nas cidades de Herculano e Pompéia (ver estilo pompeiano). O estilo criado pelos irmãos Adam (Inglaterra), que afirmava a unidade da decoração exterior e da decoração interior, deu nova vida às artes decorativas e aplicadas, em particular ao mobiliário (obras de J. Hepwhite, T. Sheraton, T. Hope, irmãos Jacob, J. A Risiner), joias de plástico (bronze dourado francês de P. F. Thomira), prata artística (xícaras e pratos de P. Storr), tapetes e tecidos, joias. Simplicidade e clareza são diferenciadas pelos decantadores de vidro da Cork Glass Company, pelos vasos Baccarat e pelos lustres em cascata de cristal. Na porcelana, no final do século XVIII, Meissen deu lugar ao estatuto de principal fabricante europeu de porcelana à porcelana francesa de Sèvres, exemplares notáveis ​​​​começaram a ser criados em fábricas de Viena, São Petersburgo e Berlim. Na Inglaterra, surgiu a fábrica Etruria de J. Wedgwood, produzindo cerâmicas imitando camafeus e vasos antigos. Na Rússia, muitos grandes arquitetos estiveram envolvidos na criação de obras de arte decorativa e aplicada (A. N. Voronikhin e K. I. Rossi projetaram móveis e vasos, M. F. Kazakov e N. A. Lvov - lustres).

Na era Biedermeier, as obras de arte decorativa e aplicada refletiam o desejo de uma vida confortável, o que levou ao surgimento de móveis simples e confortáveis, com formas arredondadas e simples, feitos de tipos de madeira locais (nogueira, cerejeira, bétula), vidro elegante jarras e copos recortados com pinturas elegantes (obras de A. Kotgasser e etc.). O período do ecletismo (meados do século XIX) manifestou-se na diversidade estilística dos estilos históricos utilizados, bem como na unificação de abordagens e técnicas artísticas. A inspiração para o Neo-Rococó foi a decoração da arte do século XVIII; na Rússia apareceu nos produtos de porcelana da fábrica A.G. Popov com sua pintura floral policromada sobre fundo colorido. O renascimento do gótico (neogótico) foi determinado pelo desejo dos artistas de introduzir um estilo romanticamente sublime na arte decorativa e aplicada e apenas indiretamente reproduzir motivos verdadeiramente góticos; elementos de ornamento foram emprestados em vez de formas de arte gótica (vidro boêmio de D. Beeman, obras em porcelana e vidro para o palácio de Nicolau I “Cottage” em Peterhof). O estilo vitoriano na Inglaterra refletiu-se na criação de móveis pesados ​​e na ampla distribuição de suas “pequenas formas” (estantes, porta-guarda-chuvas, mesas de jogos, etc.). A porcelana não vidrada que imita o mármore voltou a ser popular. Novos tipos e técnicas surgiram em vidro (principalmente boêmio) - vidro “flash” colorido multicamadas, vidro camafeu opaco e vidro preto (hialita), imitando pedras preciosas litialil. A partir de meados da década de 1840, uma nova direção surgiu na França nas fábricas de vidro de Baccarat, Saint-Louis e Clichy, e mais tarde na Inglaterra, Boêmia e EUA (criação de pisa-papéis millefiere, etc.). A fusão de elementos de vários estilos determinou o desenvolvimento do mobiliário e o surgimento de novas tecnologias e materiais industriais: formas em madeira laminada e dobrada (M. Thonet), papel machê, madeira entalhada e ferro fundido.

O protesto contra o ecletismo, iniciado na Grã-Bretanha pela Arts and Crafts Society, contribuiu para a formação do estilo Art Nouveau no final do século XIX; ele confundiu as fronteiras entre decorativo, aplicado e belas-Artes e aceito em muitos países várias formas. A decoração Art Nouveau é mais frequentemente comparada a motivos ornamentais de formas naturais; linhas curvas, contornos ondulados, desenhos assimétricos foram amplamente utilizados (móveis de V. Horta, L. Majorelle, E. Guimard, vidros coloridos artísticos multicamadas com motivos florais e paisagísticos de E. Galle, O. Daum, L. Tiffany, Joia R.Lalika). Os artistas da Secessão de Viena, como o escocês C. R. Mackintosh, ao contrário, usaram simetria e formas retilíneas contidas. As obras de J. Hofmann, muitas vezes executadas em conjunto com G. Klimt (móveis, vidro, metal, joias), distinguem-se pela elegância e sofisticação. Na produção de porcelana europeia, o lugar de destaque foi ocupado pelas obras com pintura sob vidrado da Manufatura Real de Copenhague. Na Art Nouveau russa, em seu ramo nacional-romântico, o estilo neo-russo se manifestou - especialmente nas atividades do círculo artístico de Abramtsevo (obras de V. M. Vasnetsov, M. A. Vrubel, E. D. Polenova), a oficina Talashkino da Princesa M. K. Tenisheva, oficinas da Escola Stroganov.

A história moderna das artes decorativas e aplicadas começa não apenas com o renascimento do artesanato (W. Morris e outros), mas também com o surgimento, na virada dos séculos XIX e XX, em toda a Europa e nos EUA, de um novo tipo de atividade criativa. - design e seu desenvolvimento ativo na década de 1920 (Bauhaus, Vkhutemas). O design Art Déco tornou-se a base de quase todos os interiores de casas, cultivando luxo e conforto discretos ( formas geométricas, ornamentação estilizada e simplificada, móveis folheados exóticos com formas retilíneas, louças funcionais e vasos de flores).

A arte russa depois de 1917 desenvolveu-se sobre uma nova base ideológica e estética.

Os artistas tentaram usar a arte para transmitir o espírito da época (a chamada porcelana de propaganda), para criar um ambiente racional abrangente para amplas camadas da população. Desde o final da década de 1950, nas artes decorativas e aplicadas soviéticas, juntamente com o desenvolvimento ativo da indústria da arte (fábricas de porcelana de Leningrado, Verbilok, fábrica de porcelana Dulevo, fábrica de faiança Konakovo, Leningrado Fábrica de vidro, Fábrica de Cristal Gusevsky, etc.) e artesanato popular (cerâmica Gzhel, pintura Zhostovo, cerâmica Skopin, brinquedos Dymkovo, etc.; ver Artesanato artístico), a arte do autor também atingiu um alto nível.

O desenvolvimento das artes decorativas e aplicadas no século XX foi determinado pela coexistência e interpenetração de princípios tradicionais e vanguardistas. As sutis capacidades expressivas de novos materiais, imitação e citação criativa adquiriram grande importância. Na era do pós-modernismo, surge uma atitude especial em relação ao artefato decorativo como uma entidade autônoma, que demonstrativamente “não está interessada” em servir uma pessoa e está alienada dela. Como resultado, isto levou a uma “crise de auto-identificação” nas artes e ofícios, causada pelo surgimento da concorrência de espécies relacionadas arte (principalmente design). No entanto, esta crise abre paradoxalmente novas perspectivas para a arte decorativa e aplicada no sentido de expandir e rever a sua própria especificidade figurativa, dominando novos géneros e materiais (ceramoplásticos, fibra de vidro, plásticos têxteis, minitapeçarias, mosaicos em molduras de madeira, etc.) .

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T. L. Astrakhantseva.

A maioria das pinturas que você vê são itens de cavalete. Este termo significa que as pinturas foram pintadas em uma máquina especial - um cavalete. Eles podem ser emoldurados, pendurados na parede ou dados de presente. Em outras palavras, cavalete é uma pintura pintada sobre um fundo plano: papel, cartão. Este tipo de pintura é dominado por obras pintadas a óleo, mas também por pinturas em que são utilizados outros materiais - guache e aguarela, pastel, nanquim, carvão, tintas acrílicas, lápis de cor, etc.

Um dos tipos de pintura de cavalete aplicados é a pintura teatral e decorativa - esboços de figurinos de personagens e mise-en-scène.

Pintura monumental - pintura de edifícios

A pintura monumental não pode existir separada do local onde é executada. Este tipo de pintura foi muito popular nos séculos XVI-XIX, quando foram construídos templos majestosos, e melhores artistas pintaram seus cofres. O tipo mais comum de pintura monumental é o afresco, pintura com tintas à base de água sobre gesso úmido.

A pintura em gesso seco - secco - também era comum, mas tais trabalhos sobreviveram menos até hoje. O exemplo mais famoso de pintura monumental é a pintura em grande escala Capela Sistina, da qual Michelangelo participou. Segundo os críticos, os afrescos da capela podem ser considerados a Oitava Maravilha do Mundo.

As obras mais antigas de pintura monumental são pinturas rupestres dos primeiros povos.

Pintura decorativa - arte aplicada

Pintura decorativa intimamente relacionado com artes decorativas e aplicadas. Desempenha antes um papel coadjuvante na decoração de vários objetos. A pintura decorativa é uma variedade de padrões e ornamentos que decoram utensílios domésticos, móveis e arquitetura. Os autores deste tipo de pintura podem ser desconhecidos - pinturas simples de casas e móveis de camponeses também pertencem a este tipo.

Pintura em miniatura - coisinhas fofas

Inicialmente, a pintura em miniatura era a arte de decorar livros. Livros antigos eram feitos com muito cuidado e eram muito caros. Para decorá-los, artesãos especiais foram contratados para desenhar lindamente letras maiúsculas, capas e capacetes entre os capítulos. Essas publicações eram verdadeiras obras de arte. Houve várias escolas que aderiram a cânones rígidos de pintura em miniatura.

Mais tarde, as miniaturas passaram a ser chamadas de pinturas em pequena escala. Eles foram usados ​​como lembranças e presentes memoráveis. Apesar do seu pequeno tamanho, este tipo de pintura exigia grande precisão e habilidade. Os materiais mais populares para miniaturas de souvenirs eram placas de madeira, osso, pedra e metal.

A atividade das pessoas na produção de utensílios domésticos que atendam não apenas aos requisitos de conveniência e comodidade, mas também aos requisitos ordem artística, foram chamados, e ainda são chamados, de forma diferente. Isto é o que eles dizem:

« Artes Aplicadas ", "artes decorativas", "artesanato artístico", "artes e ofícios populares", "indústria da arte".

O que exatamente cada um desses nomes significa? O conceito de arte “aplicada” é literalmente arte “ligada” a objetos do cotidiano. Este é precisamente o significado que este nome teve no século XIX e início do século XX. Nesse sentido, a arte aplicada pode ser chamada de produção de todas aquelas coisas cotidianas para as quais requisitos artísticos. No mesmo sentido, o exemplo mais marcante e mais próximo de arte “aplicada” para nós foi a arte dos camponeses russos, que existia em certas áreas no século XIX. A arte camponesa nasceu no processo de trabalho do camponês nos objetos de sua casa de trabalho. Esta arte não conhece coisas “desnecessárias”, criou apenas o que era necessário ao camponês no seu trabalho e na vida quotidiana. Comparando as coisas criadas pelos camponeses com as feitas nas cidades, especialmente nas grandes que eram centros comerciais, você percebe que os artesãos da cidade tinham uma variedade maior de materiais do que os camponeses. As coisas criadas pelos camponeses nas condições de vida no campo, com algumas exceções, são feitas com materiais que encontraram no local onde viviam, como barro e madeira. Os próprios camponeses produziam outros materiais, cultivando e processando linho para tecidos, transformando pêlos de animais domésticos em fios para tecidos, feltros e outros produtos. Até os corantes eram extraídos principalmente localmente - eram argilas de diversas cores ou corantes vegetais, como cascas de cebola e seiva de algumas árvores.

Os metais, como materiais importados, ocupavam um lugar incomparavelmente menor na vida dos camponeses do que a madeira e o barro.

As coisas feitas pelos artesãos urbanos diferiam daquelas feitas pelos camponeses não apenas porque eram feitas de materiais mais diversos e foram projetadas para uma vida que era em muitos aspectos diferente da dos camponeses, mas também porque novos tipos de coisas surgiram, utilizados apenas para decoração - decorativos, como costumávamos chamá-los, por exemplo, vasos.

Tais coisas vão claramente além do conceito estreito de “arte aplicada”, mas sua criação é determinada pela mesma necessidade das pessoas, o que as obriga a gastar tempo e energia na decoração de objetos do cotidiano que são “inúteis” do ponto de vista do propósito direto desses objetos.

"Ofício artístico." Detalhes de estruturas arquitetônicas, móveis e outros utensílios domésticos feitos por mestres podem ter maiores ou menores qualidades artísticas ou até mesmo não possuir essas qualidades. A ausência ou presença de qualidades artísticas em determinada coisa, é claro, caracteriza o mestre que a fez, seja apenas como técnico ou também como artista.

A. M. Gorky escreveu as seguintes linhas notáveis ​​​​sobre tal “ofício”: “Quem transformou o trabalho árduo e diário em arte, primeiro para si mesmo e depois para seus mestres? Os fundadores da arte foram oleiros, ferreiros e ourives, tecelões e tecelãs, pedreiros, carpinteiros, entalhadores de madeira e osso, armeiros, pintores, alfaiates, costureiras e artesãos em geral, pessoas cujas coisas feitas artisticamente, agradando aos nossos olhos, enchem os museus" ( artigo “Sobre Arte”, publicado pela primeira vez na revista “Our Achievements” nº 5-6 (1935, State Publishing House “Fiction”),

O “artesanato popular e artístico” surgiu a partir da especialização dos fabricantes de utensílios domésticos. O caminho dessa especialização é mais visível no campo: inicialmente, o próprio camponês fazia para si coisas para o trabalho e para uso doméstico. Conforme a necessidade, tornava-se oleiro, carpinteiro ou ferreiro, permanecendo sempre ao mesmo tempo lavrador. Depois a divisão do trabalho por ramos de produção tornou-se uma vantagem óbvia, e apareceu na aldeia um oleiro, um carpinteiro, um ferreiro, etc. Agricultura de subsistência para o artesanato, depois para a especialização na realização de “operações” separadas ao trabalhar em coisas idênticas produzidas para venda.

A presença em determinada área de materiais necessários a uma determinada produção e mercados de produtos contribuiu para o surgimento de um “comércio” de fabricação de utensílios domésticos a partir desses materiais. Por exemplo, a disponibilidade de produtos de alta qualidade argilas de cerâmica na região de Gzhel levou ao surgimento da produção de cerâmica ali.

Entre os produtores de coisas, destacaram-se pessoas que eram capazes de conferir qualidades artísticas às coisas.

Esses mestres trouxeram criatividade para seu trabalho, inventaram novas formas de coisas e procuraram torná-las não apenas convenientes, mas também bonitas.

Com o desenvolvimento da produção, estes artesãos criativos acabavam muitas vezes na oficina do comerciante.

Sob o domínio soviético, os artesãos uniram-se em artels. Dentro dos artels, quase sempre existe um princípio geral de especialização na execução de operações individuais, mas a tarefa de criar coisas de qualidade artística une todos os artesãos e dirige o trabalho de cada um deles.

Atualmente, cada artel continua a trabalhar de forma criativa os melhores mestres, criando as primeiras cópias de novos produtos.

Orientar o trabalho dos artels em relação à qualidade artística dos seus produtos, por um lado, e por outro, comunicar com as organizações comerciais que não só organizam a venda destes produtos, mas também têm em conta os requisitos de consumidores dos produtos, o Instituto de Arte de Moscou existe no sistema de instituições de cooperação industrial da indústria, cuja tarefa é desenvolver designs e modelos de produtos artísticos.

Esses projetos e modelos são transferidos para o artel para implementação em produção.

A "indústria da arte" refere-se à produção em grandes quantidades, em fábricas e fábricas especiais, de acordo com projetos e maquetes criadas por arquitetos ou artistas decorativos, produtos artísticos de materiais diversos. A indústria artística inclui a produção de móveis, cerâmicas, tecidos decorativos e outros, papéis de parede, etc.