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Cravo(do francês clavecin; italiano cembalo, clavicembalo; cravo inglês) é um instrumento musical de cordas de teclado com um método dedilhado de produção de som. Um músico que executa obras no cravo e suas variedades é chamado de cravista.

Dispositivo

Inicialmente, o cravo tinha formato quadrangular, mas no século XVII adquiriu formato de asa, cordas metálicas oblongas passaram a ser utilizadas em vez de cordas de tripa. Suas cordas são dispostas horizontalmente, paralelas às tonalidades, geralmente em forma de vários coros, com grupos de cordas de diferentes manuais localizados em diferentes níveis de altura. Externamente, os cravos costumavam ter acabamento elegante: o corpo era decorado com desenhos, incrustações e entalhes. Durante a época de Luís XV, a decoração do cravo combinava com o mobiliário elegante da época. Nos séculos XVI-XVII destacaram-se pela qualidade sonora e pela sua decoração cravos dos mestres Rukkers de Antuérpia.

História

A menção mais antiga de um instrumento do tipo cravo (clavicembalum, do latim clavis - “chave” e címbalo - “prato”) aparece em uma fonte de 1397 de Pádua (Itália). A imagem mais antiga está no altar catedral na cidade alemã de Minden, que remonta a 1425. A primeira descrição prática de um instrumento semelhante ao cravo (um clavicórdio com mecanismo dedilhado) com desenhos foi dada pelo holandês Arno de Zwolle por volta de 1445.

Os cravos do século XV não sobreviveram. A julgar pelas imagens, estas eram ferramentas curtas com um corpo pesado. A maioria dos cravos sobreviventes do século XVI foram fabricados na Itália, onde Veneza era o principal centro de produção. Eles tinham um registro de 8` (menos frequentemente dois registros de 8` e 4`) e se distinguiam por sua graça. Seu corpo era geralmente feito de cipreste. O ataque a estes cravos era mais claro e o som mais abrupto do que o dos instrumentos flamengos posteriores. O mais importante centro de produção de cravos em Norte da Europa foi Antuérpia, onde representantes da família Rückers trabalharam desde 1579. Seus cravos têm cordas mais longas e corpo mais pesado que Instrumentos italianos. A partir da década de 1590, cravos com dois manuais foram produzidos em Antuérpia.

CLAVISIN, címbalo (francês clavecin, do latim tardio clavicymbalum - “dulcimer de teclado”; italiano cembalo), musical instrumento de teclado de cordas. Segundo a classificação aceita, é um instrumento de teclado dedilhado da classe dos cordofones. O mecanismo de transmissão da chave para a corda consiste em um chamado empurrador (uma placa estreita de 10-25 cm de comprimento) e uma língua fixada em sua parte superior por uma palheta (“pena”; no passado era esculpida em uma pena de corvo), que envolve a corda. Conhecida desde o século XV (as primeiras descrições e desenhos pertencem a Arno de Zwolle, por volta de 1445), desde o século XVI está difundida em todos os países Europa Ocidental; A cultura do cravo floresceu no final do século XVI - meados do século XVIII.

Normalmente, o termo “cravo” é aplicado a instrumentos grandes com corpo em forma de asa (daí o nome alemão do instrumento Flügel - “asa”), com 1,5-2,5 m de comprimento. O teclado tem a mesma estrutura de outros instrumentos musicais de teclado. , no entanto, em instrumentos do século 16 - início do século 18, a ordem de alternância de teclas “diatônicas” e “cromáticas” na parte baixo do teclado é frequentemente interrompida devido ao uso da chamada oitava curta (com notas saltadas) . Um cravo pode ter 1 ou 2 (menos frequentemente 3) teclados - manuais. As cordas são esticadas ao longo do corpo perpendicularmente ao teclado, dispostas em fileiras horizontais (geralmente 2-3). Nos séculos XVI e XVII, os cravos eram construídos com teclado de pedal (pé), composto por 9 a 12 teclas conectadas à oitava baixo do manual (não possuíam cordas próprias). Cada manual controla 1-2 linhas de strings, que podem ser usadas juntas ou separadamente.

Diferentes fileiras de cordas, juntamente com a mecânica que as controla, chamadas registros, diferem em timbre e volume, e às vezes em altura. Os registros cuja altura corresponde ao valor das tonalidades e à notação musical são geralmente chamados, por analogia com os registros de um órgão, de 8 pés (designação abreviada 8’). Os registros que soam uma oitava acima do escrito são chamados de 4 pés (4’) (as cordas de um registro de 4 pés são aproximadamente 2 vezes mais curtas). A operação de troca de registros geralmente é realizada manualmente (por meio de alavancas) durante o jogo. Os cravos dos séculos XVII e XVIII que possuem mais de um teclado costumam apresentar a cópula, dispositivo que proporciona o intertravamento mecânico entre os teclados (assim, ao tocar um deles, os registros pertencentes ao outro podem ser acionados). O registo (a escolha dos registos e suas combinações) é menos importante do que num órgão, o que se deve a um conjunto de registos mais modesto. No século XVIII, porém, o princípio da dinâmica “em forma de terraço”, geralmente característico do género de concerto instrumental (por exemplo, o Concerto Italiano de J. S. Bach, 1735), foi amplamente utilizado: o efeito é conseguido pela justaposição do maciço sonoridade dos registros do manual inferior e do transparente do superior.

O alcance do cravo expandiu-se ao longo do tempo, de aproximadamente 3 oitavas no século XV para 5 oitavas em meados do século XVIII. Os sistemas de temperamento são os mesmos do órgão e de outros instrumentos de teclado da época. Além disso, autores dos séculos XVI-XVII (N. Vicentino, M. Mersenne, A. Kircher) descrevem cravos com mais de 12 tonalidades na oitava (tonalidades diferentes para “bemol” e “sustenido”), tornando possível tocar todas as tonalidades em afinações puras e médias (tais cravos não eram amplamente utilizados devido à dificuldade particular de tocá-los).

Notação moderna música de cravo basicamente não é diferente do piano. Nos séculos XV-XVIII, os tipos de notação de teclado (as chamadas tablaturas) eram variados (os mesmos eram usados ​​para todos os instrumentos de teclado), utilizavam notas musicais, bem como letras (o sistema de correspondência de letras com notas coincidiu com o moderno) e números (havia vários sistemas de numeração chave); Havia também sistemas mistos de notas e letras, por exemplo, a “antiga tablatura alemã”, onde a voz superior era escrita em notas e o restante em letras. O arranjo das notas em 2 pautas (para 2 mãos) apareceu por volta de 1400 nas peças do Codex Faenza (Itália). O número de linhas nas pautas não era constante (pode haver de 6 a 8). Um sistema de duas pautas com 5 linhas cada apareceu pela primeira vez na coleção impressa “Frottole intabulate” de A. Antico (1517, Roma), começando com as edições parisienses de P. Attennan (1529) tornou-se predominante na França, e a partir do A 2ª metade do século XVII espalhou-se por outros países europeus, deslocando gradualmente os restantes.

O som do cravo tem um ataque “explosivo”, brilhante quando aparece, mas desaparece rapidamente. O volume do som é praticamente independente da força e do método de pressionar a tecla. As possibilidades limitadas de nuances dinâmicas são compensadas até certo ponto pela variedade de articulação. Os manuais para tocar teclado dos séculos 16 a 18 prestam muita atenção à digitação. Um aspecto essencial de tocar cravo é a execução de melismas (enfeites). O papel dos harmônicos agudos no timbre é grande, o que confere ao som do cravo boa audibilidade em uma sala de concertos de médio porte, mesmo em uma orquestra pequena. As orquestras do século XVIII podem ter usado 2 cravos; O próprio maestro costumava sentar-se ao cravo. Como a maioria dos instrumentos de teclado, o cravo possui ricos recursos de execução polifônica. No passado, a improvisação solo era amplamente praticada. O repertório de cravo nos séculos XVI e XVII era amplamente comum a todos os tipos de teclado (incluindo o órgão). Os maiores cravistas: C. Merulo, G. Frescobaldi, M. Rossi, B. Pasquini, B. Marcello, B. Galuppi, D. Cimarosa (Itália); D. Scarlatti (Espanha); J. Chambonnière, J. A. d'Anglebert, L. e F. Couperin, J. F. Rameau, J. Dufly (França). Um de maiores conquistas mundo cultura musical- Música para teclado alemã dos séculos XVI-XVIII; seus representantes: D. Buxtehude, S. Scheidt, I. Kuhnau, I. Froberger, I. K. Kerl, I. Pachelbel, J. S. Bach e seus filhos. O florescimento da escola inglesa de cravo dos séculos XVI e XVII está associado principalmente ao virginal; Os maiores cravistas do século 18 que trabalharam na Inglaterra foram G. F. Handel e J. K. Bach. O repertório do cravo russo não é rico; o instrumento era usado para acompanhar o canto; 3 sonatas para cravo foram criadas por D. S. Bortnyansky.

Como a maioria dos outros instrumentos musicais dos séculos XVI-XVIII, o cravo não tem uma aparência “clássica” padrão, mas é representado por muitas variantes criadas por mestres de diferentes países, épocas e estilos. Escolas de mestres de importância pan-europeia desenvolveram-se (em diferentes épocas) em Norte da Itália(os maiores centros são Veneza, Milão, Bolonha, Florença, entre os representantes está B. Cristofori), Sul da Holanda (o centro é Antuérpia, maior representante- família Rückers), França (famílias Blanchet, Tusken, irmãos Emsch), Inglaterra (J. Kirkman, família Hitchcock, empresa Chudy e Broadwood), Alemanha (centros - Dresden, Hamburgo; Graebner, Friederici, Silberman, famílias Fleischer, Zell , Haas). O cravo é um objeto de arte decorativa e aplicada; a maioria dos sobreviventes instrumentos históricos pintado, há incrustações de madrepérola e pedras preciosas; às vezes as chaves também eram decoradas.

A partir do último terço do século XVIII, o cravo perdeu rapidamente popularidade devido ao desenvolvimento do piano, mas permaneceu durante muito tempo um instrumento de produção musical doméstica, especialmente na periferia europeia e nos países do Novo Mundo. Continuou a ser usado em italiano no início do século XIX ópera(para acompanhar recitativos).

Desde o final do século 19, a cultura do cravo foi revivida. No início, os instrumentos foram copiados, depois começaram a ser construídos de acordo com as mudanças nos gostos artísticos (um modelo com registro de pedal tornou-se padrão; o registro de 16 pés, raro no passado, soando uma oitava abaixo do normal, foi amplamente usado). Após a Segunda Guerra Mundial, os artesãos voltaram a copiar modelos antigos; muitas vezes um novo cravo é criado de acordo com projeto individual. A moderna escola performática foi fundada em meados do século 20 por V. Landovskaya. Outros cravistas importantes: R. Kirkpatrick, J. Dreyfus, C. Jacote, G. Leonhardt, B. van Asperen, I. Wiuniski, K. Rousset, P. Antai, A. B. Lyubimov. Desde a segunda metade do século 20, os cravistas dominam temperamentos autênticos, formas de articulação e dedilhado. A base do repertório do concerto é a música do século XVIII e mais primeiras eras. O repertório do século XX é representado por obras de F. Poulenc (“Concerto champêtre” para cravo e orquestra, 1926), M. Oana, A. Tisne, A. Louvier, D. Ligeti e outros compositores.

Lit.: Neupert N. Das Cembalo. 3. Aufl. Cassel, 1960; Hubbard F. Três séculos de fabricação de cravo. 2º. Camb., 1967; Boalch D. Fabricantes de cravo e clavicórdio, 1440-1840. 2ª edição. Oxf., 1974; Harich-Schneider E. Die Kunst des Cembalo-Spiels. 4. Aufl. Cassel, 1979; Henkel N. Beiträge zum historischen Cembalobau. Lpz., 1979; O cravo histórico. NY, 1984-1987. Vol. 1-2; Kopchevsky N. A. Música para teclado: questões de performance. Moscou, 1986; Mercier-Y thier S. Les clavecins. R., 1990; Bedford F. Cravo e música para clavicórdio do século XX. Berk., 1993; Apel W. Geschichte der Orgel- und Klaviermusik até 1700. Kassel u. uma., 2004; Coleção Druskin M.. op. São Petersburgo, 2007. T. 1: Música para teclado da Espanha, Inglaterra, Holanda, França, Itália, Alemanha séculos XVI-XVIII.

CRAVO

Certamente nos shows você já notou um instrumento musical semelhante a um piano, mas de tamanho bem menor, com vários teclados e um som metálico retumbante completamente diferente? O nome deste instrumento é cravo (derivado da palavra francesa). Em cada país tem um nome diferente: na França e na Rússia é um cravo, na Itália é um címbalo (e às vezes um clavicembalo), na Inglaterra é um cravo. O cravo é um instrumento musical de cordas com teclado em que o som é produzido por dedilhação.

Som, timbre:

O som do cravo é difícil de confundir com qualquer outro instrumento; é especial, brilhante e abrupto. Assim que você ouve esse som, você imediatamente imagina danças antigas, bailes e nobres damas da corte em vestidos magníficos com penteados inimagináveis. A principal diferença entre o cravo é que seu som não pode mudar suavemente a dinâmica, como outros instrumentos. Para solucionar esse problema, os artesãos tiveram a ideia de agregar outros registros que são acionados por meio de interruptores e alavancas manuais. Eles estão localizados nas laterais do teclado. Um pouco mais tarde, os pedais também apareceram para facilitar o jogo.
Fatos interessantes:

• O cravo sempre foi considerado um instrumento aristocrático que adornava salões e salões pessoas mais ricas Europa. É por isso que antigamente era feito de madeiras caras, as chaves eram cobertas com placas de tartaruga, madrepérola e às vezes incrustadas com pedras preciosas.
• Você já percebeu que alguns cravos têm teclas inferiores pretas e teclas superiores brancas - tudo é exatamente o oposto de um piano de cauda ou de um piano vertical? Cravos com cores-chave como esta eram comuns na França do século XVII. Como explicam os historiadores, essa decoração do teclado estava associada ao estilo galante que dominava a arte da época - as mãos brancas como a neve dos cravistas pareciam muito graciosas e proeminentes no teclado preto.
• A princípio, o cravo foi colocado sobre uma mesa; um pouco depois, os artesãos acrescentaram lindas pernas.
• Houve uma época em que o maestro tinha que sentar-se ao cravo e conseguia tocar com a mão esquerda e dirigir os músicos com a direita.
• Tentando recriar o som do cravo, alguns mestres recorreram à malandragem. Assim, no piano de cauda Outubro Vermelho, feito em Hora soviética, o terceiro pedal abaixa um tecido especial sobre as cordas, às quais são fixadas linguetas de metal. Os martelos os atingem e ocorre um som característico. O piano Soviético Accord tem o mesmo design.
• Os pedais no cravo só apareceram em 1750.
• No início, a dinâmica do som foi alterada duplicando e triplicando as cordas, somente nos séculos XVII-XVIII começaram a fazer instrumentos com 2 ou até 3 manuais, localizados um acima do outro com registros diferentes; Neste caso, o manual superior foi afinado uma oitava acima.
• Por muito tempo O cravo mais antigo que sobreviveu até hoje foi considerado o instrumento do mestre italiano Hieronymus em 1521. Porém, mais tarde encontraram um cravo mais antigo, feito em 18 de setembro de 1515 por Vincentius de Livigimeno.
• Os cravos do século XVI eram predominantemente de origem italiana (Veneza) e eram feitos de cipreste. Os instrumentos franceses com dois teclados (manuais) eram feitos de nogueira.
• A maioria dos cravos possui registro de alaúde, caracterizado por um timbre nasal. Para conseguir tal som, as cordas eram abafadas com pedaços de feltro ou couro.
• Na Idade Média, na corte do rei espanhol Filipe II existia um chamado “cravo de gato”. Era um dispositivo composto por um teclado e uma caixa retangular com vários compartimentos onde eram colocados os gatos. Antes disso, os animais eram ouvidos pisando no rabo e classificados de acordo com a voz. Em seguida, as caudas dos infelizes gatos foram presas sob as teclas, quando pressionadas, uma agulha foi perfurada nelas. O animal gritou alto e o artista continuou a tocar sua melodia. Sabe-se que Perth I também encomendou um “cravo de gato” para o seu gabinete de curiosidades.
• O famoso cravista francês F. Couperin tem um tratado “A Arte de Tocar Cravo”, que ainda é usado por músicos de nossa época.
• Foi Couperin quem começou a usar ativamente o polegar (dedo indicador) ao tocar cravo. Antes disso, os músicos tocavam apenas com quatro, e o quinto não era usado; Essa ideia logo foi adotada por outros artistas.
• O famoso intérprete Handel, quando criança, foi obrigado a praticar cravo no sótão, pois seu pai era contra a carreira de músico e sonhava que ele se formasse em direito.
• É interessante que a ação do saltador tenha sido descrita por W. Shakespeare em seu 128º soneto.
• Os músicos que tocavam cravo eram chamados de cravos, pois também tocavam órgão e clavicórdio com sucesso.
• Vale ressaltar que a extensão do cravo de concerto é ser. O século 18 era mais largo que o piano, que o substituiu um pouco mais tarde

Devo admitir que estou falando do cravo como um assunto profundamente pessoal para mim. Há quase quarenta anos que o toco, desenvolvi um profundo carinho por alguns autores e toquei em concertos ciclos completos de tudo o que escreveram para este instrumento. Isto diz respeito principalmente a François Couperin e Johann Sebastian Bach. O que foi dito, espero, servirá de desculpa pelos meus preconceitos, que receio não ser capaz de evitar.

DISPOSITIVO

É conhecida uma grande família de instrumentos dedilhados com cordas de teclado. Eles variam em tamanho, forma e recursos sonoros (cor). Quase todos os mestres que fabricavam esses instrumentos antigamente tentavam adicionar algo próprio ao seu design.

Há muita confusão sobre como eles eram chamados. Na maioria linhas gerais os instrumentos são divididos de acordo com seu formato em longitudinais (que lembram um pequeno piano, mas com formas angulares - um piano de cauda tem formas arredondadas) e retangulares. É claro que esta diferença não é de forma alguma decorativa: quando locais diferentes cordas em relação ao teclado, o local da corda onde é feita a dedilhação característica de todos esses instrumentos tem um efeito muito significativo no timbre do som.

J. Wermeer de Delft. Mulher sentada ao cravo
OK. 1673-1675. galeria Nacional, Londres

O cravo é o maior e mais complexo instrumento desta família.

Na Rússia desde o século XVIII. O nome francês mais usado para o instrumento é cravo ( clavecina), mas é encontrado principalmente na prática musical e acadêmica, e o italiano - prato ( cembalo; Nomes italianos também são conhecidos clavicembalo, gravicembalo). Na literatura musicológica, especialmente quando se trata de música barroca inglesa, deparamo-nos sem tradução nome inglês esta ferramenta cravo.

A principal característica do cravo na produção sonora é que na extremidade posterior da tecla existe um chamado jumper (também conhecido como empurrador), na parte superior do qual é fixada uma pena. Quando o músico pressiona uma tecla, a parte de trás da tecla sobe (já que a tecla é uma alavanca) e o saltador sobe, e a pena dedilha a corda. Ao soltar a tecla, a pena desliza silenciosamente graças a uma mola que lhe permite desviar ligeiramente.

Tipos diferentes instrumentos de cordas de teclado

É digno de nota que W. Shakespeare deu uma descrição da ação do saltador, e incomumente precisa, em seu 128º soneto. Das muitas opções de tradução, a essência de tocar cravo é transmitida com mais precisão - além do lado artístico e poético - pela tradução de Modest Tchaikovsky:

Quando você, minha música, toca,
Coloque essas chaves em movimento
E, acariciando-os com tanta ternura com os dedos,
A consonância das cordas suscita admiração,
Eu olho para as chaves com ciúme,
Como eles se agarram às palmas das suas mãos;
Os lábios estão queimando e sedentos por um beijo,
Eles olham com inveja para sua audácia.
Oh, se o destino de repente mudasse
Eu me junto às fileiras desses dançarinos secos!
Estou feliz que sua mão deslizou sobre eles, -
A falta de alma deles é mais abençoada do que os lábios dos vivos.
Mas se eles estão felizes, então
Deixe-os beijar os dedos, deixe-me beijar seus lábios.

De todos os tipos de instrumentos de cordas do teclado, o cravo é o maior e mais complexo. É usado tanto como instrumento solo quanto como instrumento de acompanhamento. É indispensável na música barroca como peça de conjunto. Mas antes de falar do enorme repertório deste instrumento, é preciso explicar algo mais sobre seu design.

No cravo, todas as cores (timbres) e dinâmicas (ou seja, a força do som) foram inicialmente estabelecidas no próprio instrumento pelo criador de cada cravo individual. Desta forma, é até certo ponto semelhante a um órgão. Em um cravo, você não pode alterar o som alterando a força com que pressiona a tecla. Em comparação: no piano, toda a arte da interpretação reside na riqueza do toque, ou seja, na variedade de formas de pressionar ou bater a tecla.

Diagrama do mecanismo do cravo

Arroz. A: 1. Passo; 2. Amortecedor; 3. Jumper (empurrador); 4. Barra de cadastro; 5. Passo;
6. Quadro de jumper (empurrar); 7. Chave

Arroz. B. Jumper (empurrador): 1. Amortecedor; 2. Corda; 3. Pena; 4. Língua; 5. Polster; 6. Primavera

É claro que depende da sensibilidade da execução do cravista se o instrumento soa musical ou “como uma panela” (é mais ou menos assim que Voltaire disse). Mas a força e o timbre do som não dependem do cravista, pois entre o dedo do cravista e a corda existe um complexo mecanismo de transmissão em forma de saltador e pena. Novamente, para comparação: num piano, bater numa tecla afeta diretamente a ação do martelo batendo na corda, enquanto num cravo o efeito na pena é indireto.

HISTÓRIA

História antiga O cravo remonta a séculos. Foi mencionado pela primeira vez no tratado de John de Muris “O Espelho da Música” (1323). Uma das primeiras representações de um cravo está no Livro das Maravilhas de Weimar (1440).

Por muito tempo acreditou-se que o instrumento mais antigo que sobreviveu foi feito por Hierônimo de Bolonha e datado de 1521. Está guardado em Londres, no Victoria and Albert Museum. Mas em Ultimamente Foi constatado que existe um instrumento vários anos mais antigo, também criado Mestre italiano- Vicente de Livigimeno. Foi apresentado ao Papa Leão X. Sua produção teve início, conforme inscrição na caixa, em 18 de setembro de 1515.

Cravo. Livro dos Milagres de Weimar. 1440

Para evitar a monotonia do som, os fabricantes de cravo, já numa fase inicial de desenvolvimento do instrumento, começaram a fornecer a cada tecla não uma corda, mas duas, naturalmente, de timbres diferentes. Mas logo ficou claro que, por razões técnicas, era impossível usar mais de dois conjuntos de cordas em um teclado. Surgiu então a ideia de aumentar o número de teclados. No século 17 Os cravos musicalmente mais ricos são os instrumentos com dois teclados (também conhecidos como manuais, do lat. Manus- "mão").

Do ponto de vista musical, tal instrumento é o melhor meio para executar um repertório barroco diversificado. Muitas obras dos clássicos do cravo foram escritas especificamente para o efeito de tocar em dois teclados, por exemplo, uma série de sonatas de Domenico Scarlatti. F. Couperin afirmou especificamente no prefácio da terceira coleção de suas peças para cravo que nela colocou peças que ele chama "Pedaços de cruzeiro"(brinca com cruzar [braços]). “Peças com esse nome”, continua o compositor, “devem ser executadas em dois teclados, um dos quais deve soar abafado pela mudança de registros”. Para quem não possui cravo de dois manuais, Couperin dá recomendações sobre como tocar o instrumento com um teclado. Mas, em vários casos, a exigência de um cravo de dois manuais é uma condição indispensável para a plena execução artística de uma composição. Assim, na página de título da coleção que contém a famosa “Abertura Francesa” e “Concerto Italiano”, Bach indicava: “para clavicembalo com dois manuais”.

Do ponto de vista da evolução do cravo, dois manuais acabaram por não ser o limite: conhecemos exemplos de cravos com três teclados, embora não conheçamos obras que necessitassem categoricamente de tal instrumento para a sua execução. Pelo contrário, estes são truques técnicos de cravistas individuais.

Durante o seu brilhante apogeu (séculos XVII-XVIII), o cravo era tocado por músicos que dominavam todos os instrumentos de tecla que existiam naquela época, nomeadamente o órgão e o clavicórdio (por isso eram chamados de cravos).

Os cravos foram criados não apenas por fabricantes de cravos, mas também por construtores de órgãos. E foi natural aplicar na construção do cravo algumas ideias fundamentais que já eram amplamente utilizadas no desenho de órgãos. Em outras palavras, os fabricantes de cravo seguiram o caminho dos construtores de órgãos na expansão dos recursos de registro de seus instrumentos. Se no órgão eram cada vez mais novos conjuntos de flautas distribuídos entre os manuais, então no cravo passaram a ser usados número maior conjuntos de cordas, também distribuídos entre manuais. Esses registros de cravo não diferiam muito no volume do som, mas no timbre - de forma muito significativa.

Página de título da primeira coleção de música
para virginel "Parthenia". Londres. 1611

Assim, além de dois conjuntos de cordas (um para cada teclado), que soavam em uníssono e correspondiam em altura aos sons gravados nas notas, podiam haver registros de quatro pés e dezesseis pés. (Mesmo a designação dos registros foi emprestada pelos fabricantes de cravo dos construtores de órgãos: tubos os órgãos são designados em pés, e os principais registros correspondentes à notação musical são os chamados de oito pés, enquanto os tubos que produzem sons uma oitava acima dos notados são chamados de quatro pés, e aqueles que produzem sons uma oitava abaixo são chamados de dezesseis pés. No cravo, os registros formados pelos conjuntos são indicados nos mesmos compassos cordas.)

Assim, a gama sonora de um grande cravo de concerto de meados do século XVIII. Não só não era mais estreito que um piano, mas ainda mais largo. E isso apesar do fato de que a notação da música para cravo parece mais restrita do que a da música para piano.

MÚSICA

No século 18 O cravo acumulou um repertório invulgarmente rico. Sendo um instrumento extremamente aristocrático, espalhou-se por toda a Europa, tendo os seus brilhantes apologistas por toda a parte. Mas se falamos das escolas mais poderosas do século XVI - início do século XVII, devemos citar antes de tudo os Virginalistas ingleses.

Não contaremos aqui a história do virginel, apenas observaremos que se trata de uma espécie de instrumento de cordas dedilhadas pelo teclado, com sonoridade semelhante ao cravo. Vale ressaltar que em um dos últimos estudos aprofundados sobre a história do cravo ( Kottick E. Uma História do Cravo. Bloomington. 2003) o virginel, assim como a espineta (outra variedade), são considerados alinhados com a evolução do próprio cravo.

Em relação ao nome virginel, vale ressaltar que uma das etimologias propostas remonta ao inglês virgem e mais para o latim Virgem, isto é, “virgem”, já que Elizabeth I, a Rainha Virgem, adorava bancar a virginal. Na verdade, virginal apareceu antes mesmo de Elizabeth. A origem do termo “virginel” deriva mais corretamente de outra palavra latina - virgem(“stick”), que indica o mesmo jumper.

É interessante que na gravura que decora a primeira edição impressa de música para o virginal (“Parthenia”), o músico é retratado sob o aspecto de uma donzela cristã - Santa Maria. Cecília. Aliás, o próprio nome da coleção vem do grego. partenos, que significa "donzela".

Para decorar esta edição, uma gravura da pintura do artista holandês Hendrik Goltzius “St. Cecília”. No entanto, o gravador não fez uma imagem espelhada da imagem no quadro, então tanto a própria gravura quanto o intérprete - ela muito mais desenvolvido do que a direita, o que, claro, não poderia ter sido o caso de um virginiano daquela época. Existem milhares desses erros em gravuras. O olho de quem não é músico não percebe isso, mas o músico vê imediatamente o erro do gravador.

O fundador do renascimento do cravo no século XX dedicou várias páginas maravilhosas e cheias de entusiasmo à música dos virginalistas ingleses. maravilhosa cravista polonesa Wanda Landowska: “Transbordando de corações mais dignos que os nossos, e nutridos músicas folk, a antiga música inglesa - apaixonada ou serena, ingênua ou patética - glorifica a natureza e o amor. Ela exalta a vida. Se ela se voltar para o misticismo, ela glorificará a Deus. Inconfundivelmente magistral, ela também é espontânea e ousada. Muitas vezes parece mais moderno do que o mais recente e avançado. Abra o seu coração ao encanto desta música, essencialmente desconhecida. Esqueça que ela é velha e não considere que por isso ela é desprovida de sentimento humano.”

Essas linhas foram escritas no início do século XX. Ao longo do século passado, muito foi feito para revelar e avaliar na sua totalidade o inestimável herança musical virginalistas. E que nomes são esses! Os compositores William Bird e John Bull, Martin Pearson e Gil Farnaby, John Munday e Thomas Morley...

Houve contactos estreitos entre a Inglaterra e os Países Baixos (a gravura de “Parthenia” já o atesta). Os cravos e virgens dos mestres holandeses, especialmente da dinastia Ruckers, eram bem conhecidos na Inglaterra. Ao mesmo tempo, estranhamente, a própria Holanda não pode orgulhar-se de uma escola de composição tão vibrante.

No continente, as escolas de cravo distintas eram a italiana, a francesa e a alemã. Mencionaremos apenas três dos seus principais representantes - François Couperin, Domenico Scarlatti e Johann Sebastian Bach.

Um dos sinais claros e óbvios do dom de um compositor excepcional (o que é verdade para qualquer compositor de qualquer época) é o desenvolvimento de um estilo de expressão próprio, puramente pessoal e único. E na massa total de inúmeros escritores, não haverá tantos verdadeiros criadores. Esses três nomes certamente pertencem aos criadores. Cada um deles tem seu próprio estilo único.

François Couperin

François Couperin(1668–1733) - um verdadeiro poeta cravo. Ele provavelmente poderia se considerar homem feliz: todas (ou quase todas) suas obras para cravo, ou seja, exatamente o que constitui sua glória e significado global, foram publicados por ele e formam quatro volumes. Assim, temos uma ideia abrangente da sua herança no cravo. O autor destas linhas teve a sorte de executar um ciclo completo das obras para cravo de Couperin em oito programas de concertos, que foram apresentados em um festival de sua música realizado em Moscou sob o patrocínio do Sr. Pierre Morel, Embaixador da França na Rússia.

Lamento não poder pegar o meu leitor pela mão, conduzi-lo ao cravo e tocar, por exemplo, “A Máscara Francesa, ou Les Masques dos Dominos” de Couperin. Quanto charme e beleza ela tem! Mas também há muita profundidade psicológica. Aqui, cada máscara tem uma cor específica e – o que é muito importante – caráter. As notas do autor explicam as imagens e cores. São doze máscaras (e cores) no total, e elas aparecem em uma determinada sequência.

Já tive oportunidade de recordar esta peça de Couperin em ligação com a história do “Quadrado Negro” de K. Malevich (ver “Arte” n.º 18/2007). O fato é que o esquema de cores de Couperin, começando com branco(a primeira variação, simbolizando a Virgindade), termina com uma máscara negra (Fúria ou Desespero). Então, dois criadores épocas diferentes E artes diferentes criou obras com um significado profundamente simbólico: em Couperin este ciclo simboliza os períodos vida humana- as idades de uma pessoa (doze meses em número, a cada seis anos - esta é uma alegoria conhecida na época barroca). Como resultado, Couperin tem uma máscara preta, Malevich tem um quadrado preto. Para ambos, o aparecimento do preto é resultado de muitas forças. Malevich afirmou diretamente: “Considero que o branco e o preto derivam da cor e das escamas coloridas”. Couperin apresentou-nos esta gama colorida.

É claro que Couperin tinha à sua disposição cravos incríveis. Isso não é surpreendente - afinal, ele era o cravista da corte de Luís XIV. Os instrumentos, com a sua sonoridade, conseguiram transmitir toda a profundidade das ideias do compositor.

Domenico Scarlatti(1685–1757). Este compositor tem um estilo completamente diferente, mas tal como Couperin, uma caligrafia inconfundível é o primeiro e óbvio sinal de genialidade. Este nome está intimamente ligado ao cravo. Embora em sua juventude Domenico tenha escrito música diferente, mais tarde ele se tornou famoso precisamente como o autor de um grande número (555) sonatas para cravo. Scarlatti expandiu extraordinariamente as capacidades de execução do cravo, introduzindo um escopo virtuoso até então sem precedentes na técnica de tocá-lo.

Uma espécie de paralelo com Scarlatti na história posterior música de pianoé obra de Franz Liszt, que, como se sabe, estudou especialmente as técnicas performáticas de Domenico Scarlatti. (Aliás, já que se trata de paralelos com a arte do piano, Couperin também teve, em certo sentido, um herdeiro espiritual - este é, claro, F. Chopin.)

A segunda metade da vida de Domenico Scarlatti (não confundir com seu pai, o famoso italiano compositor de ópera Alessandro Scarlatti foi o cravista da corte da rainha espanhola Maria Bárbara, e a grande maioria de suas sonatas foram escritas especificamente para ela. Pode-se concluir com segurança que ela era uma cravista notável se tocava essas sonatas, às vezes extremamente difíceis do ponto de vista técnico.

J. Wermeer de Delft. Garota na espineta. OK. 1670. Coleção particular

A este respeito, lembro-me de uma carta (1977) que recebi da notável cravista tcheca Zuzanna Ruzickova: “Caro Sr. Majkapar! Eu tenho um pedido para você. Como você sabe, há agora muito interesse em cravos autênticos e há muita discussão em torno disso. Um dos documentos-chave na discussão destes instrumentos em relação a D. Scarlatti é a pintura de Vanloo, que retrata Maria Bárbara de Portugal, esposa de Filipe V. (Z. Ružičkova se enganou - Maria Bárbara era esposa de Fernando VI , filho de Filipe V. - SOU.). Raphael Pouyana (um grande cravista francês contemporâneo - SOU.) acredita que a pintura foi pintada após a morte de Maria Bárbara e, portanto, não pode ser uma fonte histórica. A pintura está em l'Hermitage. Seria muito importante se você me enviasse documentos sobre esta pintura.”

Fragmento. 1768. Ermida, São Petersburgo

A pintura referida na carta é “Sexteto” de L.M. Vanloo (1768).

Encontra-se em l'Hermitage, na despensa do departamento de pintura francesa do século XVIII. Guardião do departamento I.S. Nemilova, sabendo do propósito da minha visita, acompanhou-me até uma grande sala, ou melhor, um salão, onde estão pinturas que não constavam da exposição principal. Acontece que aqui estão guardadas muitas obras de grande interesse do ponto de vista da iconografia musical! Um após o outro, retiramos grandes molduras, nas quais estavam instaladas de 10 a 15 pinturas, e examinamos os assuntos que nos interessavam. E finalmente, “Sexteto” de L.M. Vanloo.

Segundo alguns relatos, esta pintura retrata a rainha espanhola Maria Bárbara. Se esta hipótese fosse comprovada, poderíamos ter um cravo tocado pelo próprio Scarlatti! Quais são os motivos para reconhecer a cravista retratada na pintura de Vanloo como Maria Bárbara? Em primeiro lugar, parece-me que existe realmente uma semelhança superficial entre a senhora aqui retratada e os famosos retratos de Maria Bárbara. Em segundo lugar, Vanloo viveu na corte espanhola durante um tempo relativamente longo e, portanto, poderia muito bem ter pintado um quadro sobre um tema da vida da rainha. Em terceiro lugar, é conhecido outro nome da pintura - “Concerto Espanhol” e, em quarto lugar, alguns musicólogos estrangeiros (por exemplo, K. Sachs) estão convencidos de que a pintura é Maria Bárbara.

Mas Nemilova, tal como Rafael Puyana, duvidou desta hipótese. A pintura foi pintada em 1768, ou seja, doze anos após a saída do artista da Espanha e dez anos após a morte de Maria Bárbara. A história de sua ordem é conhecida: Catarina II transmitiu a Vanloo através do Príncipe Golitsyn o desejo de ter uma pintura dele. Este trabalho chegou imediatamente a São Petersburgo e foi mantido aqui o tempo todo, Golitsyn deu-o a Catarina como um “Concerto”. Quanto ao nome “Concerto Espanhol”, os trajes espanhóis em que os personagens são retratados tiveram um papel na sua origem e, como explicou Nemilova, são trajes teatrais e não aqueles que estavam na moda.

V. Landowska

Na foto, claro, chama a atenção o cravo - um instrumento de dois manuais com uma primeira característica metade do século XVIII V. a coloração das teclas é o inverso da moderna (as que são pretas no piano são brancas neste cravo e vice-versa). Além disso, ainda faltam pedais para troca de registros, embora já fossem conhecidos naquela época. Esta melhoria é encontrada na maioria dos cravos de concerto modernos de dois manuais. A necessidade de trocar os registros manualmente ditou uma certa abordagem na escolha do registro no cravo.

Atualmente, duas direções surgiram claramente na prática performática: os defensores da primeira acreditam que se deve usar todas as capacidades modernas do instrumento (esta opinião foi sustentada, por exemplo, por V. Landovska e, aliás, Zuzanna Ruzickova), outros acreditam que ao executar música antiga em um cravo moderno, não se deve ir além dos meios de execução com os quais os antigos mestres escreveram (esta é a opinião de Erwin Bodki, Gustav Leonhardt, o mesmo Rafael Puiana e outros).

Por termos prestado tanta atenção à pintura de Vanloo, notamos que o próprio artista, por sua vez, revelou-se personagem de um retrato musical: a peça para cravo é famosa Compositor francês Jacques Dufly, que se chama “Vanloo”.

Johann Sebastian Bach

Johann Sebastian Bach(1685–1750). Sua herança no cravo é de valor excepcional. Minha experiência de tocar em concertos tudo o que Bach escreveu para este instrumento atesta: seu legado cabe em quinze (!) programas de concertos. Ao mesmo tempo, é necessário considerar separadamente os concertos para cravo e cordas, bem como muitas obras em conjunto que são impensáveis ​​​​sem o cravo.

Deve-se reconhecer que apesar de toda a singularidade de Couperin e Scarlatti, cada um deles cultivou um estilo individual. Bach era universal. Os já mencionados “Concerto Italiano” e “Abertura Francesa” são exemplos do estudo de Bach sobre a música destas escolas nacionais. E estes são apenas dois exemplos, cujos nomes reflectem a consciência de Bach. Aqui você pode adicionar o ciclo dele " Suítes francesas" Poderíamos especular sobre a influência inglesa em suas Suítes Inglesas. Quantas amostras musicais? estilos diferentes naquelas de suas obras que não refletem isso em seus títulos, mas estão contidas na própria música! Não há nada a dizer sobre o quão amplamente a tradição do teclado nativo alemão é sintetizada em seu trabalho.

Não sabemos exatamente quais cravos Bach tocava, mas sabemos que ele se interessava por todas as inovações técnicas (inclusive o órgão). Seu interesse em expandir as capacidades de desempenho do cravo e de outros teclados é mais claramente demonstrado por ciclo famoso prelúdios e fugas em todos os tons "O Cravo Bem Temperado".

Bach foi um verdadeiro mestre do cravo. I. Forkel, o primeiro biógrafo de Bach, relata: “Ninguém poderia substituir as penas de seu cravo que se tornaram inutilizáveis ​​​​por novas para que ele ficasse satisfeito - ele mesmo fez isso. Ele sempre afinava seu cravo e era tão habilidoso nesse aspecto que a afinação nunca demorava mais de um quarto de hora. Com seu método de afinação, todas as 24 tonalidades estavam à sua disposição e, improvisando, ele fazia com elas o que queria.”

Já durante a vida do brilhante criador da música para cravo, o cravo começou a perder posição. Em 1747, quando Bach visitou o rei da Prússia, Frederico, o Grande, em Potsdam, deu-lhe um tema para improvisar, e Bach, aparentemente, improvisou no “pianoforte” (esse era o nome de um instrumento novo na época) - um dos quatorze ou quinze, feitos para o rei pelo amigo de Bach, o famoso fabricante de órgãos Gottfried Silbermann. Bach aprovou seu som, embora não tivesse gostado de piano antes.

Na sua juventude, Mozart ainda escrevia para cravo, mas em geral o seu trabalho para teclado é, claro, dirigido para o piano. Editores trabalhos iniciais Beethoven foi apontado páginas de título, que suas sonatas (pense até na Pathétique, publicada em 1799) são destinadas “para cravo ou piano”. Os editores usaram um truque: não queriam perder aqueles clientes que tinham cravos antigos em casa. Porém, cada vez com mais frequência, apenas o corpo permaneceu dos cravos: o “recheio” do cravo foi removido como desnecessário e substituído por um novo, martelo, isto é, piano, mecânico.

Isto levanta a questão: porque é que este instrumento, que tem uma história tão longa e tão rica património artístico, foi no final do século XVIII. forçado a abandonar a prática musical e substituído pelo piano? E não apenas suplantado, mas completamente esquecido no século XIX? E não se pode dizer que quando começou esse processo de substituição do cravo, o piano estava em suas qualidades a melhor ferramenta. Muito pelo contrário! Carl Philipp Emanuel Bach, um dos filhos mais velhos de Johann Sebastian, escreveu o seu concerto duplo para cravo e piano e orquestra, pretendendo demonstrar com os seus próprios olhos as vantagens do cravo sobre o piano.

A resposta é apenas uma: a vitória do piano sobre o cravo tornou-se possível sob condições de uma mudança radical nas preferências estéticas. A estética barroca, que se baseia em um conceito claramente formulado ou claramente sentido da teoria dos afetos (a essência em resumo: um estado de espírito, afetar, - uma cor sonora), para a qual o cravo era um meio de expressão ideal, deu lugar primeiro à visão de mundo do sentimentalismo, depois a uma direção mais forte - o classicismo e, por fim, o romantismo. Em todos estes estilos, o mais atraente e cultivado era, pelo contrário, a ideia variabilidade- sentimentos, imagens, humores. E o piano foi capaz de expressar isso.

Este instrumento assumiu o pedal com suas fantásticas capacidades e tornou-se capaz de criar incríveis subidas e descidas de sonoridade ( crescendo E diminuendo). O cravo não poderia fazer tudo isso em princípio - devido às peculiaridades de seu design.

Vamos parar e relembrar este momento para que possamos iniciar a nossa próxima conversa com ele - sobre o piano, e especificamente sobre o grande concerto piano, isto é, o “instrumento real”, o verdadeiro governante de toda a música romântica.

A nossa história mistura história e modernidade, pois hoje o cravo e outros instrumentos desta família revelaram-se invulgarmente difundidos e procurados devido ao enorme interesse pela música do Renascimento e do Barroco, ou seja, época em que surgiram e experimentaram sua idade de ouro.