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MHC 8ª série LIÇÃO Nº _5_

Assunto: Símbolos artísticos povos do mundo.

Metas: 1) Apresentar aos alunos os símbolos artísticos dos povos do mundo, revelar o significado da imagem da bétula russa na poesia, pintura e música

2) Melhore seu senso de linguagem e habilidades de leitura expressiva.

3) Cultive o amor por palavra poética, a capacidade de tratar a palavra com cuidado e consideração ao ler obras poéticas, cultivar um sentimento de amor pela pátria e pela natureza.

Durante as aulas:

Tempo de organização

Atualizando o conhecimento dos alunos sobre o tema:

Na verdade

A) O romance “Vida e aventuras incríveis Robinson Crusoé" escreveu Escritor inglês D. Defoe? (Sim).

B) a palavra “civilização” traduzida do grego antigo soa como “civil, público, estatal”? (não, do latim e de outros romanos).

C) Civilização - o nível de desenvolvimento material e espiritual da sociedade (sim).

D) Cultura está associada à palavra “culto” e significa veneração, adoração (sim).

E) No dicionário de Ozhegov, a palavra “cultura” tem o seguinte significado: Processamento, cuidado, cultivo” e “educação mental e moral” (não, no dicionário de V. Dahl)

E) O conceito de “civilização” é mais amplo que o conceito de “cultura” (sim)

G) A cultura é um conceito temporário, mas a civilização é universal (não, pelo contrário)

H) Chamamos de pessoa culta aquela que age de acordo com as normas de pensamento e comportamento aceitas na sociedade (sim)

e) Imagem pessoa culta na antiguidade, Pitágoras tentou recriá-lo (não, Platão)

K) Confúcio é um pensador japonês? (chinês não)

K) O artista Hieronymus Bosch viveu no século XV na Holanda? (Sim)

Defina o conceito de MHC

Qual deus era o patrono das artes, quais eram os nomes de seus assistentes?

Mensagens dos alunos sobre I. Bosch

III. Estudo novo topico:

Não consigo imaginar a Rússia sem bétula, -
ela é tão brilhante em eslavo,
que talvez em outros séculos
da bétula - toda a Rus nasceu.
Oleg Shestinsky

1. Comunique o tema e os objetivos da aula. Hoje na lição faremos uma pequena viagem ao redor do mundo e conheceremos os símbolos artísticos dos povos do mundo, passearemos pelo “país da chita de bétula” e, claro, mergulharemos em nossas extensões nativas de Kalmyk que são familiares para nós desde a infância.

2. Aprendendo novo material.

Professor: Existem mais de 250 países em nosso planeta, onde vivem vários milhares de pessoas. vários povos, cada um dos quais tem suas próprias tradições e características. Você provavelmente já ouviu as seguintes combinações mais de uma vez: “limpeza alemã”, “galanteria francesa”, “temperamento africano”, “frieza dos britânicos”, “temperamento explosivo dos italianos”, “hospitalidade dos georgianos”, etc. deles são características e traços que se desenvolveram entre certas pessoas ao longo dos anos.

Bem, e a cultura artística? Existem semelhantes imagens estáveis e recursos? Sem dúvida. Cada nação tem seu próprio simbois, refletindo ideias artísticas sobre o mundo.

Imagine que você chegou país desconhecido. O que irá interessar principalmente a você? Claro, que língua é falada aqui? Quais atrações serão mostradas primeiro? O que eles adoram e acreditam? Que histórias, mitos e lendas são contadas? Como eles dançam e cantam? E muitos outros.

O que, por exemplo, eles lhe mostrarão se você visitar o Egito?

Estudante: Pirâmides antigas, consideradas uma das maravilhas do mundo e há muito que se tornaram um símbolo artístico deste país.

Estudante: No planalto rochoso do deserto, projetando sombras nítidas na areia, há mais de quarenta séculos existem três enormes corpos geométricos - pirâmides tetraédricas impecavelmente regulares, os túmulos dos faraós Quéops, Khafre e Mikerin. Seu revestimento original foi perdido há muito tempo, as câmaras mortuárias com sarcófagos foram saqueadas, mas nem o tempo nem as pessoas conseguiram perturbar sua forma idealmente estável. Os triângulos das pirâmides contra o fundo do céu azul podem ser vistos de todos os lugares, como uma lembrança da Eternidade.

Professor: Se você tiver um encontro com Paris, com certeza vai querer subir ao topo do famoso Torre Eiffel, que também se tornou um símbolo artístico desta cidade incrível. O que você sabe sobre ela?

Estudante: Construído em 1889 como decoração Feira mundial, ela inicialmente causou indignação e indignação entre os parisienses. Contemporâneos competindo entre si gritaram:

Estudante: Aliás, naquela época era o prédio mais alto do mundo, tinha 320 metros de altura! Os dados técnicos da torre ainda hoje surpreendem: quinze mil peças metálicas conectadas por mais de dois milhões de rebites formam uma espécie de “renda de ferro”. Sete mil toneladas repousam sobre quatro suportes e não exercem mais pressão no solo do que uma pessoa sentada numa cadeira. Foi planejado para ser demolido mais de uma vez, mas ergue-se orgulhosamente acima de Paris, proporcionando a oportunidade de admirar os pontos turísticos da cidade a partir de uma vista aérea...

Professor: Quais são os símbolos artísticos dos EUA, China, Rússia?

Estudante: A Estátua da Liberdade para os EUA, o Palácio Imperial "Cidade Proibida" para a China, o Kremlin para a Rússia.

Professor: Mas muitos povos também têm seus próprios símbolos poéticos especiais. Conte-nos sobre um deles?

Estudante: Os galhos elegantemente curvos de uma cerejeira de baixo crescimento - sakura - são um símbolo poético do Japão.

Se você perguntar:

Qual é a alma

Ilhas do Japão?

No aroma das cerejas da montanha

Ao amanhecer.

Professor: O que há de tão atraente em flores de cerejeira Japonês? Talvez uma abundância de pétalas de sakura brancas e rosa claro em galhos nus que ainda não tiveram tempo de ficar cobertos de vegetação?

A beleza das flores desapareceu tão rapidamente!

E o encanto da juventude foi tão passageiro!

A vida passou em vão...

Eu olho para a longa chuva

E penso: como no mundo nem tudo dura para sempre!

Komati (tradução de A. Gluskina)

Estudante: O poeta é atraído pela beleza da impermanência, da fragilidade e da fugacidade da vida. As flores de cerejeira desaparecem rapidamente e a juventude é passageira.

Professor: Que técnica artística o autor utiliza?

Estudante: Personificação. Para o poeta, a flor de sakura é um ser vivo capaz de vivenciar os mesmos sentimentos que uma pessoa.

Professor:

Névoa de primavera, por que você se escondeu

Flores de cerejeira que agora estão voando

Nas encostas das montanhas?

Não só o brilho é caro para nós, -

E o momento do desbotamento é digno de admiração!

Tsurayuki (tradução de V. Markova)

Professor: Comente as linhas.

Estudante: As pétalas de Sakura não desaparecem. Girando alegremente, voam para o chão ao menor sopro de vento e cobrem o chão com flores que ainda não tiveram tempo de murchar. O momento em si, a fragilidade da floração, é importante. Esta é precisamente a fonte da Beleza.

Professor: Artístico símbolo poético A Rússia tornou-se a bétula de tronco branco.

Eu amo bétula russa
Às vezes brilhante, às vezes triste,
Em um vestido de verão branqueado,
Com lenços nos bolsos,
Com lindos fechos
Com brincos verdes.
Eu amo o quão elegante ela é
Então claro, efervescente,
Então triste, chorando.
Eu amo a bétula russa.
Curva-se baixo com o vento
E dobra, mas não quebra!
A. Prokofiev.

Professor: Já na idade adulta, Igor Grabar disse: “O que poderia ser mais bonito do que a bétula, a única árvore da natureza cujo tronco é deslumbrantemente branco, enquanto todas as outras árvores do mundo têm troncos escuros. Árvore fantástica e sobrenatural, árvore de conto de fadas. Apaixonei-me apaixonadamente pela bétula russa e durante muito tempo escrevi quase exclusivamente sobre ela.”

Professor: O tema da Pátria está intimamente ligado à imagem da bétula. Cada linha de Yesenin é aquecida por um sentimento de amor sem limites pela Rússia.

bétula

bétula branca

Abaixo da minha janela.

Coberto de neve

Exatamente prata.

Sobre galhos fofos

Fronteira de neve

Os pincéis floresceram

Franja branca.

E a bétula fica

Em um silêncio sonolento,

E os flocos de neve estão queimando

Em fogo dourado.

E o amanhecer é preguiçoso

Andando por aí

Derramando galhos

Prata nova. 1913

Professor. As bétulas brancas tocam a alma não só dos nossos, mas também dos estrangeiros. Depois de visitar Moscou, perguntaram ao famoso jogador de futebol Pelé o que mais o impressionou e gostou na Rússia. Ele respondeu: “Bétulas”.

Professor: Centenas de anos se passarão, mas a bétula simbolizará nossa pátria imortal e poderosa.

E agora vamos nos voltar para os símbolos artísticos de nossa pequena pátria - Calmúquia.

Qual você acha que será o símbolo de Kalmyka?...

Rosa Cáspio da Rússia

2010 foi declarado o Ano da Saiga na Calmúquia

Tabela: preenchida à medida que a lição avança.

Um país

Símbolo artístico

Trabalho de casa – escrever uma mensagem sobre qualquer imagem artística dos povos do mundo.

PIRÂMIDES

Aluno: No planalto rochoso do deserto, projetando sombras nítidas na areia, há mais de quarenta séculos existem três enormes corpos geométricos - pirâmides tetraédricas impecavelmente regulares, os túmulos dos faraós Quéops, Khafre e Mikerin. Seu revestimento original foi perdido há muito tempo, as câmaras mortuárias com sarcófagos foram saqueadas, mas nem o tempo nem as pessoas conseguiram perturbar sua forma idealmente estável. Os triângulos das pirâmides contra o fundo do céu azul podem ser vistos de todos os lugares, como uma lembrança da Eternidade.

TORRE EIFFEL 1

Aluno: Construído em 1889 como decoração da Exposição Mundial, inicialmente causou indignação e indignação entre os parisienses. Contemporâneos competindo entre si gritaram:

“Protestamos contra esta coluna coberta de chapas de ferro aparafusadas, contra esta ridícula e vertiginosa chaminé de fábrica instalada na glória do vandalismo industrial. A construção desta inútil e monstruosa Torre Eiffel no centro de Paris nada mais é do que uma profanação...”

Curiosamente, este protesto foi assinado por muitos figuras famosas culturas: compositor Charles Gounod, escritores Alexandre Dumas, Guy de Maupassant... O poeta Paul Verlaine disse que esta “torre esquelética não durará muito”, mas sua previsão sombria não estava destinada a se tornar realidade. A Torre Eiffel ainda está de pé e é uma maravilha da engenharia.

TORRE EIFFEL 2

Aluno: Aliás, naquela época era o prédio mais alto do mundo, tinha 320 metros de altura! Os dados técnicos da torre ainda hoje surpreendem: quinze mil peças metálicas conectadas por mais de dois milhões de rebites formam uma espécie de “renda de ferro”. Sete mil toneladas repousam sobre quatro suportes e não exercem mais pressão no solo do que uma pessoa sentada numa cadeira. Foi planejado para ser demolido mais de uma vez, mas ergue-se orgulhosamente acima de Paris, proporcionando a oportunidade de admirar os pontos turísticos da cidade a partir de uma vista aérea...

SAKURA

Aluno: Os galhos elegantemente curvos de uma cerejeira rasteira - sakura - são um símbolo poético do Japão.

Se você perguntar:

Qual é a alma

Ilhas do Japão?

No aroma das cerejas da montanha

Ao amanhecer.

Norinaga (tradução de V. Sanovich)

BÉTULA

Eu amo bétula russa
Às vezes brilhante, às vezes triste,
Em um vestido de verão branqueado,
Com lenços nos bolsos,
Com lindos fechos
Com brincos verdes.
Eu amo o quão elegante ela é
Então claro, efervescente,
Então triste, chorando.
Eu amo a bétula russa.
Curva-se baixo com o vento
E dobra, mas não quebra!

A. Prokofiev.

BÉTULA

bétula branca

Abaixo da minha janela.

Coberto de neve

Exatamente prata.

Em galhos fofos

Fronteira de neve

Os pincéis floresceram

Franja branca.

E a bétula fica

Em um silêncio sonolento,

E os flocos de neve estão queimando

Em fogo dourado.

E o amanhecer é preguiçoso

Andando por aí

Derramando galhos

Prata nova.

TULIPAS

Venha para a Calmúquia em abril e você verá como a estepe floresce. É coberto por um tapete contínuo de tulipas. Amarelo, vermelho, rosa e até preto! E o cheiro... estonteante.

Como dizem os moradores locais: “As tulipas são como cavalos; elas não crescem em um lugar aqui, no ano que vem em outro lugar.

O Festival das Tulipas é o despertar da estepe. Este feriado é muito curto: as tulipas florescem por 10 dias, não mais, e então começa o verão escaldante e abafado.

Na Calmúquia, abril é a época das tulipas. A terra ganha força, ganha vida, enche-se de novas cores e sons.

A vitória do sol e do calor foi coroada com uma coroa de tulipa escarlate.

LÓTUS

É uma coisa incrível, quando sempre falam do Lótus, acreditam que é uma flor do Egito, e existe até uma lenda de que o Deus Sol Rá surgiu da flor do Lótus, dando luz e calor à Terra. As lendas sobre o lótus baseiam-se nas ideias da humanidade sobre fertilidade e vida, longevidade e saúde. Mesmo assim, a Calmúquia pode se orgulhar de possuir vastos espaços onde e a “rainha dos rios” Volga, onde esta flor, chamada de “rosa do Cáspio”, floresce lindamente e agrada aos olhos.

Lótus

Pendurando minha cabeça sonolenta
Sob o fogo dos raios do dia,
Lótus silenciosamente perfumado
Esperando pelas noites cintilantes.

E simplesmente flutua
A lua gentil está no céu,
Ele levanta a cabeça
Acordando do sono.

Brilha em folhas perfumadas
Seu orvalho são lágrimas puras,
E ele treme de amor,
Olhando tristemente para o céu.

G. Heine

SAIGAS

Na Calmúquia, 2010 FOI declarado o Ano da Saiga. O decreto sobre isso foi assinado no último dia do outono pelo chefe da república, Kirsan Ilyumzhinov.
O objetivo é preservar a população da saiga europeia - um dos mais antigos representantes sobreviventes da fauna relíquia, intensificar as atividades das estruturas ambientais no território da República da Calmúquia, bem como desenvolver um conjunto de medidas para aumentar a eficácia da proteção saiga.

Calmúquia - o centro do budismo na Europa

Em 27 de dezembro de 2005, um novo templo budista com a estátua mais alta do Buda Shakyamuni da Europa foi inaugurado no centro de Elista. Este templo, construído graças aos esforços do chefe da República da Calmúquia, Kirsan Ilyumzhinov, do Shajin Lama da Calmúquia, Telo Tulku Rinpoche, bem como de todo o povo da Calmúquia, nos próximos anos se tornará um centro de estudo do Budismo Tibetano, bem como local de peregrinação para numerosos seguidores desta religião na Rússia e em países europeus. O templo foi erguido em um local abençoado por Sua Santidade o Dalai Lama durante sua visita à Calmúquia em novembro de 2004.

Uma variedade essencial, ou modificação semântica, de uma imagem artística, mas também o seu núcleo espiritual, é símbolo artístico, atuando na estética de uma das categorias significativas. Dentro da imagem, representa aquele componente essencial, difícil de isolar no nível analítico, que propositalmente ergue espírito do destinatário realidade espiritual, não está contido na própria obra de arte. Por exemplo, nos já mencionados “Girassóis” de Van Gogh, a própria imagem artística é formada principalmente em torno da imagem visual de um buquê de girassóis em um jarro de cerâmica, e para a maioria dos espectadores pode estar limitada a isso. Num nível mais profundo de percepção artística em destinatários com elevada sensibilidade artística e estética, esta imagem primária começa a desdobrar-se num símbolo artístico que desafia completamente a descrição verbal, mas é aquele que abre as portas do espírito do espectador para algumas outras realidades, completamente implementando evento de percepção estética desta foto. Símbolo como conclusão profunda de uma imagem, o seu conteúdo artístico e estético essencial (não verbalizável!) atesta o elevado significado artístico e estético da obra, o elevado talento ou mesmo a genialidade do mestre que a criou. Inúmeras obras de arte de nível médio (embora bom), via de regra, possuem apenas uma imagem artística, mas não um símbolo. Eles não levam o destinatário a níveis mais altos realidade espiritual, mas estão limitados aos níveis emocionais, psicológicos e até fisiológicos da psique do destinatário. Praticamente a maioria das obras dos movimentos realistas e naturalistas, comédias, operetas e toda a arte de massa estão neste nível - têm imagens artísticas, mas são desprovidas de simbolismo artístico. É típico apenas para alto qualquer tipo de arte e culto sagrado obras de alta qualidade artística.

Junto com isso, na arte mundial existem classes inteiras de obras de arte (e às vezes grandes eras inteiras - por exemplo, a arte Antigo Egito), em que a imagem artística se reduz praticamente ao simbólico. Exemplos absolutos de tal arte são a arquitetura gótica, bizantino-russa ícone o período de seu apogeu (séculos XIV-XV para a Rússia) ou a música de Bach. Pode-se citar muitas outras obras de arte específicas de quase todos os seus tipos e períodos da história em que imagem artística simbólica, ou símbolo artístico. Aqui representa uma realidade concretamente moldada e percebida sensualmente, mais direcionada do que uma imagem, remetendo o destinatário à realidade espiritual no processo de contemplação não utilitária e espiritualmente ativa da obra. No processo de comunicação estética com um símbolo, surge uma substância figurativo-semântica superdensa única de consciência de ser estética, que tem a intenção de se desdobrar em outra realidade, em um cosmos espiritual integral, em um multi- nível de espaço semântico, campo próprio de significados para cada destinatário, imersão no qual lhe proporciona prazer estético, alegria espiritual, uma sensação de prazer pela sensação de uma fusão profunda e não fundida com este campo, dissolução nele mantendo a autoconsciência pessoal e distância intelectual.

No campo artístico-semiótico, um símbolo está em algum lugar entre uma imagem artística e um signo. A sua diferença é observada nos graus de isomorfismo e liberdade semântica, na orientação para os diferentes níveis de percepção do destinatário, no nível de energia espiritual e estética. O grau de isomorfismo diz respeito principalmente à forma externa das estruturas semânticas correspondentes e diminui do mimético (em no sentido estrito prazo mimese) imagem artística (aqui atinge o seu limite máximo no que se designa por semelhança) passando de um símbolo artístico a um signo convencional, que, via de regra, é geralmente desprovido de isomorfismo em relação ao significado. O grau de liberdade semântica é o mais alto para um símbolo e é determinado em grande parte por uma certa “identidade” (Schelling), “equilíbrio” (Losev) da “ideia” e pela “imagem” externa do símbolo. Num signo e numa imagem artística é inferior, porque num signo (= num símbolo filosófico, e ao nível da arte - numa função idêntica a um signo alegorias)é essencialmente limitado por uma ideia abstrata, abstrata, que prevalece sobre a imagem, e na imagem artística é o contrário. Em outras palavras, num signo (igual a uma alegoria) há uma ideia racional, e nas imagens da arte (clássica), um grau bastante elevado de isomorfismo com o protótipo limita a liberdade semântica dessas formações semióticas em comparação com um símbolo artístico.

Assim, estão orientados para diferentes níveis de percepção: um signo (alegoria) - para o puramente racional, e uma imagem e símbolo artístico - para o espiritual-estético. Neste caso, o símbolo (em todos os lugares, como no caso da imagem, estamos falando artístico símbolo) tem um foco mais nítido nos níveis mais elevados da realidade espiritual do que uma imagem, cujo campo artístico e semântico é muito mais amplo e diversificado. Finalmente, o nível de energia espiritual-estética (meditativa) de um símbolo é superior ao de uma imagem; é como se ele estivesse acumulando a energia do mito, uma das emanações da qual, via de regra, aparece. O símbolo é mais pensado para destinatários com maior sensibilidade espiritual e estética, o que foi bem sentido e expresso em seus textos pelos teóricos do simbolismo e pensadores religiosos russos do início do século XX, que já vimos repetidamente e nos quais nos deteremos aqui.

O símbolo contém em si de forma colapsada e revela à consciência algo que em si é inacessível a outras formas e métodos de comunicação com o mundo, estando nele. Portanto, não pode de forma alguma ser reduzido aos conceitos de razão ou a quaisquer outros métodos (diferentes de si mesmo) de formalização. O significado de um símbolo é inseparável de sua forma, só existe nele, brilha através dele, se desdobra a partir dele, porque somente nele, em sua estrutura, contém algo organicamente inerente (pertencente à essência) do simbolizado. Ou, como A.F. formulou Losev, “o significante e o significado são mutuamente reversíveis aqui. A ideia é dada de forma concreta, sensual, não há nada nela visualmente que não esteja na imagem, e vice-versa” 276.

Se um símbolo artístico difere de um símbolo filosófico (= signo) no nível semântico, então é, até certo ponto, diferente dos símbolos culturais, mitológicos e religiosos em essência ou substancialmente. Um símbolo artístico ou estético é um mediador dinâmico e criativo entre o divino e o humano, verdade e aparência (aparência), ideia e fenômeno no nível da experiência espiritual e estética, consciência estética (ou seja, no nível semântico). À luz de um símbolo artístico, os mundos espirituais integrais são revelados à consciência, não explorados, não revelados, não falados e não descritos de qualquer outra forma.

Por sua vez, os símbolos religioso-mitológicos (ou culturais gerais, arquetípicos) têm, além disso, substancial ou pelo menos energia semelhança com o simbolizado. O pensamento cristão aproximou-se da essência desta compreensão do símbolo desde os tempos da patrística, mas foi mais claramente expresso e formulado pelo Pe. Pavel Florensky, apoiando-se na experiência da patrística, por um lado, e nas teorias de seus contemporâneos simbolistas, especialmente de seu professor Vyach. Ivanov, por outro.

Ele estava convencido “de que num nome há o que é nomeado, num símbolo há o que é simbolizado, numa imagem há a realidade do que é representado”. presente, e é por isso que o símbolo Há simbolizado" 277. Na obra "Imeslavie como premissa filosófica" Florensky deu uma das definições mais sucintas de um símbolo, que mostra sua dupla natureza: "Ser que é maior que ele mesmo - esta é a principal definição de um símbolo. símbolo é algo que representa algo que ele próprio não é, maior que ele, mas essencialmente manifestado através dele. Ampliemos esta definição formal: um símbolo é uma essência cuja energia, fundida ou, mais precisamente, dissolvida com a energia de. alguma outra, mais valiosa neste aspecto, essência, é assim transportada em ti” 278.

Um símbolo, segundo Florensky, é fundamentalmente antinômico, aqueles. reúne coisas que se excluem do ponto de vista do pensamento discursivo unidimensional. Portanto, a sua natureza é difícil de compreender por uma pessoa de cultura europeia moderna. Porém, para o pensamento dos povos antigos, o símbolo não apresentava nenhuma dificuldade, sendo muitas vezes o principal elemento desse pensamento. Aquelas personificações da natureza na poesia popular e na poesia da antiguidade, que agora são percebidas como metáforas, não o são de forma alguma, acreditava Florensky, são precisamente símbolos no sentido acima, e não “enfeites e temperos de estilo”, não figuras retóricas. “...Para o poeta antigo, a vida dos elementos não era um fenômeno estilístico, mas uma expressão profissional da essência.” Para um poeta moderno, apenas em momentos de inspiração especial “essas camadas profundas de vida espiritual rompem a crosta da visão de mundo estranha de nossa modernidade, e em linguagem inteligível o poeta nos fala sobre uma vida que é incompreensível para nós com todas as criaturas da nossa própria alma” 279 .

O símbolo, no entendimento do Pe. Paulo tem “dois limiares de receptividade” - superior e inferior, dentro dos quais ele ainda permanece um símbolo. O superior protege o símbolo do “exagero do misticismo natural da matéria”, do “naturalismo”, quando o símbolo é completamente identificado com o arquétipo. A antiguidade muitas vezes caiu neste extremo. A Nova Era é caracterizada por ir além do limite inferior, quando a conexão objetiva entre o símbolo e o arquétipo é quebrada, sua substância-energia comum é ignorada e o símbolo é percebido apenas como um signo do arquétipo, e não um material- portador de energia.

Um símbolo, Florensky está convencido, é “a aparência fora da essência mais íntima”, a descoberta do próprio ser, sua incorporação no ambiente externo. É neste sentido que, por exemplo, no simbolismo sagrado e secular, a roupa funciona como símbolo do corpo. Bem, a manifestação máxima de tal símbolo na arte é, de acordo com Florensky e os antigos Padres da Igreja, ícone como um fenômeno artístico-sagrado ideal dotado da energia de um arquétipo.

O resultado no campo das buscas filosóficas pela compreensão do símbolo artístico foi resumido em diversas obras A.F. Losev, assim como Florensky, que se considerava simbolista. Em “Dialética da Forma Artística” ele mostra, como vimos, a ontologia do desdobramento de uma série expressiva do Primeiro ao eidos – mito – símbolo – personalidade etc. O símbolo, portanto, no início do Losev aparece como uma emanação, ou expressão, mito. “Finalmente, sob símbolo Eu entendo esse lado mito, que é especificamente expressando. Um símbolo é a expressividade semântica de um mito, ou face externamente revelada do mito"280. Com a ajuda de um símbolo, a expressão essencial pela primeira vez atinge o nível de manifestação externa. O mito como base e vida profunda da consciência se manifesta externamente no símbolo e realmente o constitui (o símbolo) base de vida, seu significado, sua essência. Losev sente profundamente essa dialética entre mito e símbolo e se esforça para captá-la com a maior precisão possível no nível verbal. “O símbolo é o eidos do mito, o mito como eidos, a face da vida. O mito é a vida interior de um símbolo – o elemento da vida que dá origem à sua face e aparência externa” 281. Assim, no mito, o significado essencial, ou eidos, encontrou profunda encarnação no “elemento da vida”, e no símbolo adquiriu uma expressão externa expressão, aqueles. realmente se revelou em realidade artística.

Losev lidou com o problema do símbolo ao longo de sua vida. Em uma de suas últimas obras, “O Problema do Símbolo e da Arte Realista” (1976), ele dá o seguinte resumo detalhado de sua pesquisa:

"1) O símbolo de uma coisa é realmente o seu significado. Porém, este é o significado que o constrói e o gera em um modelo. Ao mesmo tempo, também é impossível insistir no fato de que o símbolo de uma coisa é seu reflexo, ou no fato de que o símbolo de uma coisa gera a própria coisa. E em ambos os casos, a especificidade do símbolo se perde, e sua relação com a coisa é interpretada no estilo do dualismo metafísico ou do logicismo, que. há muito que entrou na história. O símbolo de uma coisa é o seu reflexo, porém, não passivo, nem morto, mas aquele que carrega força e poder a própria realidade, pois uma vez recebido o reflexo, ele é processado na consciência, analisado no pensamento. , despojado de tudo que é aleatório e insignificante e atinge o reflexo não apenas da superfície sensorial das coisas, mas de seus padrões internos. Nesse sentido, devemos entender que o símbolo de uma coisa dá origem a uma coisa. significa “compreende a mesma coisa objetiva, mas em sua regularidade interna, e não no caos das acumulações aleatórias”. Esta geração é apenas uma penetração na base profunda e natural das mesmas coisas, apresentada na reflexão sensorial, apenas muito vaga. vago e caótico.

2) O símbolo de uma coisa é a sua generalização. No entanto, esta generalização não é morta, nem vazia, nem abstrata e nem estéril, mas sim aquela que permite, ou melhor, até comanda o retorno às coisas que estão sendo generalizadas, introduzindo nelas um padrão semântico. Em outras palavras, a comunidade que está no símbolo já contém implicitamente tudo o que é simbolizado, mesmo que seja infinito.

3) O símbolo de uma coisa é a sua lei, mas tal lei que dá origem às coisas de forma semântica, deixando intacta toda a sua concretude empírica.

4) O símbolo de uma coisa é a ordem natural de uma coisa, mas dada na forma princípio geral construção semântica, na forma de um modelo que a gera.

5) O símbolo de uma coisa é sua expressão interna-externa, mas desenhada de acordo com o princípio geral de seu desenho.

6) O símbolo de uma coisa é a sua estrutura, mas não solitária ou isolada, mas carregada de uma série finita ou infinita de correspondentes manifestações individuais desta estrutura.

7) O símbolo de uma coisa é o seu signo, porém, não morto e imóvel, mas dando origem a numerosas, e talvez incontáveis, estruturas regulares e individuais, por ela designadas em visão geral como uma imagem ideológica dada abstratamente.

8) O símbolo de uma coisa é o seu signo, que nada tem a ver com o conteúdo direto das unidades aqui designadas, mas essas unidades designadas diferentes e opostas são aqui definidas pelo princípio construtivo geral que as transforma em uma única totalidade , dirigido de uma certa maneira.

9) O símbolo de uma coisa é a identidade, a interpenetração da coisa significada e do imaginário ideológico que a significa, mas esta identidade simbólica é uma totalidade única, definida por um ou outro princípio único que a gera e a transforma em um ser finito ou séries infinitas de diferentes unidades obtidas naturalmente, que se fundem na identidade geral do princípio ou modelo que lhes deu origem como algo comum a elas limite ". 282

Na história do pensamento estético, o conceito clássico de símbolo foi desenvolvido de forma mais completa pelos simbolistas do final do século XIX e início do século XX, como já discutimos acima. No século 20 o conceito de símbolo ocupa um lugar de destaque na estética hermenêutica. Em particular, G.G. Gadamer acreditava que o símbolo era até certo ponto idêntico jogo; não remete o observador a outra coisa, como muitos simbolistas acreditavam, mas ele próprio incorpora o seu significado, ele próprio revela o seu significado, como a obra de arte baseada nele, ou seja, representa um “aumento no ser”. Assim, Gadamer marca a destruição da compreensão clássica tradicional do símbolo e delineia novas abordagens não clássicas, em cujas variações semânticas se baseará a estética do pós-modernismo e muitas práticas artísticas da segunda metade do século XX.

Na estética não clássica, as categorias tradicionais de arte imagem E símbolo são muitas vezes completamente suplantados e substituídos pelo conceito simulacro- “semelhança”, que não possui nenhum protótipo, arquétipo. Alguns pensadores de orientação pós-moderna retêm os conceitos de símbolo e simbólico, mas os preenchem com conteúdo não convencional no espírito da teoria psicanalítica estrutural. Em particular, J. Lacan compreende o simbólico como universal primário em relação ao ser e à consciência, gerando todo o universo semântico do discurso simbólico, como o único real e acessível à percepção humana, gerando a própria pessoa pelo ato de nomeá-la.

Cânone

Durante uma série de épocas e movimentos artísticos, onde predominava o símbolo artístico em vez da imagem, o pensamento artístico canónico, a normatização da criatividade e a canonização do sistema de meios e princípios visuais e expressivos desempenharam um papel proeminente na criatividade. processo. Portanto, em primeiro lugar, ao nível da estética implícita cânone tornou-se uma das categorias essenciais da estética clássica, definindo toda uma classe de fenômenos na história da arte. Geralmente significa um sistema de regras e normas criativas internas que dominam a arte num determinado período histórico ou numa determinada direção artística e que estabelecem os padrões estruturais e construtivos básicos de tipos específicos de arte.

A canonicidade é principalmente inerente aos antigos e arte medieval. Na arte plástica do Antigo Egito estabeleceu-se um cânone de proporções do corpo humano, que foi reinterpretado pelos antigos clássicos gregos e consolidado teoricamente pelo escultor Policleto (século V a.C.) no tratado “Cânon” e praticamente concretizado na estátua “Doriphoros”, também chamado de “Cânon” " O sistema de proporções ideais do corpo humano desenvolvido por Policleto tornou-se a norma para a antiguidade e, com algumas mudanças, para os artistas do Renascimento e do classicismo. Vitrúvio aplicou o termo “cânone” a um conjunto de regras para a criatividade arquitetônica. Cícero usou a palavra grega "cânon" para denotar uma medida de estilo discurso oratório. Na patrística cânone foi o nome dado ao conjunto de textos da Sagrada Escritura, legitimados pelos concílios da igreja.

Nas artes plásticas da Idade Média Oriental e Europeia, especialmente no culto, estabeleceu-se um cânone iconográfico. Os principais esquemas composicionais e os correspondentes elementos da imagem de determinadas personagens, suas roupas, poses, gestos, detalhes paisagísticos ou arquitetônicos foram desenvolvidos no processo de uma prática artística secular desde o século IX. foram consagrados como canônicos e serviram de modelo para artistas dos países da área cristã oriental até o século XVII. A canção e a criatividade poética de Bizâncio também obedeceram aos seus cânones. Em particular, uma das formas mais complexas da hinografia bizantina (século VIII) foi chamada de “cânon”. Consistia em nove músicas, cada uma com uma estrutura específica. A primeira estrofe de cada música (irmos) era quase sempre composta a partir de temas e imagens retiradas de Antigo Testamento, nos restantes versos os temas dos Irmos foram desenvolvidos poética e musicalmente. Na música da Europa Ocidental dos séculos XII-XIII. sob o nome de “cânone” é desenvolvida uma forma especial de polifonia. Seus elementos foram preservados na música até o século XX. (em P. Hindemith, B. Bartok, D. Shostakovich e outros). A normatização canônica da arte na estética do classicismo é bem conhecida, muitas vezes evoluindo para a formalização do academicismo.

O problema do cânone foi elevado a um nível teórico na pesquisa estética e histórica da arte apenas no século XX; mais produtivamente nas obras de P. Florensky, S. Bulgakov, A. Losev, Yu Lotman e outros cientistas russos. Florensky e Bulgakov consideraram o problema do cânone em relação à pintura de ícones e mostraram que o cânone iconográfico consolidou a experiência espiritual-visual secular da humanidade (a experiência coletiva dos cristãos) na penetração no mundo divino, que libertou ao máximo “o energia criativa do artista para novas conquistas, para surtos criativos” 283 . Bulgakov via o cânon como uma das formas essenciais da “Tradição da Igreja”.

Losev definiu o cânone como “um modelo quantitativo e estrutural de uma obra de arte de tal estilo, que, sendo um certo indicador sócio-histórico, é interpretado como um princípio para a construção de um conjunto conhecido de obras” 284. Lotman estava interessado no aspecto semiótico da informação do cânone. Ele acreditava que o texto canonizado é organizado não segundo o modelo da linguagem natural, mas “de acordo com o princípio da estrutura musical” e, portanto, atua não tanto como fonte de informação, mas sim como fonte de informação. O texto canônico reorganiza de uma nova forma as informações à disposição do sujeito, “recodifica sua personalidade” 285.

O papel do cânone no processo de existência histórica da arte é duplo. Sendo portador das tradições de um determinado pensamento artístico e da correspondente prática artística, o cânone a nível estrutural e construtivo expressava o ideal estético de uma determinada época, cultura, povo, movimento artístico, etc. Este é o seu papel produtivo na história da cultura. Quando, com a mudança das épocas culturais e históricas, o ideal estético e todo o sistema de pensamento artístico mudaram, o cânone da época passada tornou-se um travão ao desenvolvimento da arte, impedindo-a de expressar adequadamente a situação espiritual e prática da sua. tempo. No processo de desenvolvimento cultural e histórico, esse cânone é superado por novas experiências criativas. Numa obra de arte específica, o esquema canônico não é o portador do próprio significado artístico que surge a partir dele (nas artes “canônicas” - graças a ele) em cada ato de criatividade artística ou percepção estética, no processo de formação de uma imagem artística.

O significado artístico e estético do cânone reside no fato de que o esquema canônico, fixado de alguma forma materialmente ou existindo apenas na mente do artista (e na percepção dos portadores de uma determinada cultura), sendo a base construtiva de um símbolo artístico, como se provocasse um mestre talentoso a superá-lo concretamente dentro de si pelo sistema de desvios pouco perceptíveis, mas artisticamente significativos, nas nuances de todos os elementos da linguagem figurativa e expressiva. Na psique de quem percebe, o esquema canônico despertou um complexo estável de informações tradicionais para seu tempo e cultura, e variações específicas artisticamente organizadas dos elementos da forma o levaram a olhar em profundidade para uma imagem aparentemente familiar, mas sempre um tanto nova, esforçar-se para penetrar nos seus fundamentos essenciais e arquetípicos, para a descoberta de algumas profundezas espirituais ainda desconhecidas.

A arte dos tempos modernos, a partir do Renascimento, tem se afastado ativamente do pensamento canônico em direção a um tipo de criatividade pessoal e individual. A experiência “conciliar” está sendo substituída pela experiência individual do artista, sua visão pessoal original do mundo e a capacidade de expressá-la em formas artísticas. E só em rápido-cultura, começando pela pop art, conceitualismo, pós-estruturalismo e pós-modernismo, princípios próximos aos canônicos são estabelecidos no sistema de pensamento artístico e humanitário, alguns simulacro cânone ao nível dos princípios convencionais de criatividade, quando nas esferas da produção artística e sua descrição verbal (a mais nova hermenêutica da arte) tomam forma técnicas e tipos canônicos únicos de criação de produtos artísticos e seu suporte verbal. Hoje poderíamos falar de “cânones”, mais precisamente quase-cânones da arte pop, do conceitualismo, da “música nova”, da crítica de arte “avançada”, do discurso filosófico e estético, etc., cujo significado é acessível apenas aos “iniciados”. ”nos jogos de “regras”” dentro desses espaços canônico-convencionais e é fechado a todos os outros membros da comunidade, não importa em que nível de desenvolvimento espiritual-intelectual ou estético eles estejam.

Estilo

Outra categoria significativa na filosofia da arte e na história da arte é estilo. Na verdade é mais livre em formas de manifestação e modificação peculiar cânone, mais precisamente - bastante estável para um determinado período da história da arte, uma direção, movimento, escola ou artista específico, difícil de descrever sistema multinível de princípios de pensamento artístico, métodos de expressão figurativa, técnicas visuais e expressivas, estruturas construtivas e formais e assim por diante. Nos séculos XIX-XX. esta categoria foi desenvolvida energicamente por muitos historiadores e teóricos da arte, estetas e filósofos. A escola de historiadores da arte G. Wölfflin, A. Riegl e outros entendiam o estilo como um sistema bastante estável de características formais e elementos de organização de uma obra de arte (planicidade, volume, pitoresco, grafismo, simplicidade, complexidade, forma aberta ou fechada , etc.) e com base nisso acreditava ser possível considerar toda a história da arte como uma história supraindividual dos estilos (“história da arte sem nomes” - Wölfflin). A.F. Losev definiu estilo como “o princípio de construção de todo o potencial de uma obra de arte com base nos seus vários pré-requisitos supraestruturais e extra-artísticos e nos seus modelos primários, que, no entanto, são sentidos imanentes nas próprias estruturas artísticas do trabalho” 286 .

VOCÊ. Spengler em “O Declínio da Europa” prestou especial atenção ao estilo como uma das características principais e essenciais da cultura, as suas certas fases épicas. Para ele, o estilo é um “sentido metafísico da forma”, que é determinado pela “atmosfera de espiritualidade” de uma determinada época. Não depende de personalidades, nem de materiais ou tipos de arte, nem mesmo de movimentos artísticos. Como uma espécie de elemento metafísico de um determinado estágio da cultura, o próprio “grande estilo” cria personalidades, tendências e épocas na arte. Ao mesmo tempo, Spengler entende o estilo num sentido muito mais amplo do que o significado artístico e estético. "Os estilos se sucedem, como ondas e batidas pulsantes. Eles não têm nada em comum com a personalidade de cada artista, sua vontade e consciência. Pelo contrário, é o estilo que cria mais tipo artista. O estilo, como a cultura, é um fenômeno primário no sentido goetheano mais estrito, mesmo assim, o estilo das artes, das religiões, dos pensamentos ou o próprio estilo de vida. Assim como a “natureza”, o estilo é uma experiência sempre nova de uma pessoa desperta, seu alter ego e imagem espelhada no mundo circundante. É por isso que no quadro histórico geral de qualquer cultura só pode haver um estilo - estilo desta cultura" 287 . Ao mesmo tempo, Spengler não concorda com a classificação bastante tradicional de “grandes estilos” na história da arte. Ele, por exemplo, acredita que o gótico e o barroco não são estilos diferentes: “são a juventude e a velhice do mesmo conjunto de formas: o estilo maduro e amadurecido do Ocidente” 288. O crítico de arte russo moderno V.G. Vlasov define estilo como “o significado artístico da forma”, como sentimento“um artista e espectador da integridade abrangente do processo de formação artística no tempo e no espaço históricos. O estilo é uma experiência artística do tempo.” Ele entende o estilo como uma “categoria de percepção artística” 289. E esta série de definições e entendimentos bastante diferentes de estilo pode ser continuada 290.

Cada um deles tem algo em comum e algo que contradiz outras definições, mas em geral considera-se que todos os investigadores são bastante adequados sentir(compreender internamente) a essência profunda desse fenômeno, mas não consegue expressá-lo com precisão em palavras. Isto demonstra mais uma vez que o estilo, como muitos outros fenómenos e fenómenos da realidade artística e estética, é uma questão relativamente subtil para que possa ser definido de forma mais ou menos adequada e inequívoca. Aqui apenas são possíveis algumas abordagens descritivas circulares, que acabarão por criar na percepção do leitor uma ideia bastante adequada do que realmente se trata. estamos falando sobre.

No nível eras culturais e tendências artísticas, os pesquisadores falam sobre os estilos de arte do Antigo Egito, Bizâncio, Românico, Gótico, Classicismo, Barroco, Rococó e Moderno. Durante os períodos de indefinição dos estilos globais de uma época ou de um movimento importante, eles falam sobre os estilos de escolas individuais (por exemplo, para o Renascimento: os estilos de Siena, Veneziano, Florentino e outras escolas) ou os estilos de artistas específicos (Rembrandt, Van Gogh, Gauguin, Bergman, etc.).

Na história da arte, os principais estilos surgiram, via de regra, em eras sintéticas, quando as principais artes foram formadas, em certa medida, com base no princípio de algum tipo de unificação em torno e com base na arte principal, que geralmente era a arquitetura. Pintura, escultura, Artes Aplicadas, às vezes a música era orientada para isso, ou seja, sobre o sistema de princípios de trabalho com a forma e a imagem artística (princípios de organização do espaço, em particular), emergente na arquitetura. É claro que o estilo na arquitetura e em outras formas de arte (assim como um estilo de vida ou um estilo de pensamento - eles também falam sobre esses estilos) foi formado histórica e intuitivamente, inconscientemente. Ninguém jamais se propôs uma tarefa específica: criar tal ou tal estilo, que se distinguisse por tais ou tais características e características. Na verdade, o estilo “grande” é um ótimo mediado complexamente representação e expressão artística no nível macro (o nível de uma época inteira ou de um grande movimento artístico), certas características espirituais, estéticas, ideológicas, religiosas, sociais e práticas disciplinares essenciais de uma determinada comunidade histórica de pessoas, um estágio etno-histórico específico da cultura; uma espécie de macroestrutura de pensamento artístico, adequada a uma determinada comunidade sociocultural e etno-histórica de pessoas. Materiais artísticos específicos, técnicas e tecnologia para processá-los no processo criativo também podem ter alguma influência no estilo.

O estilo é, até certo ponto, um sistema materialmente fixo e relativamente definido de princípios visuais e expressivos de pensamento artístico, bem e com bastante precisão percebido por todos os destinatários que possuem um certo nível de talento artístico, sensibilidade estética, “senso de estilo”; esta é uma certa tendência mais ou menos claramente sentida para a formação artística holística, expressando profundas intuições espiritual-plásticas (inconsciente artístico coletivo, arquétipos plásticos, protótipos, experiências catedrais, etc.) de uma época específica, período histórico, direção, personalidade criativa que passou a sentir o espírito da época; isto é, figurativamente falando, estilo estético eras; ótimo para uma determinada época (direção, escola, personalidade) modelo de exibição estética(sistema de característica princípios de organização meios artísticos e métodos de expressão), internamente espiritualizado princípios, ideais, ideias e impulsos criativos não verbalizados dos níveis mais elevados da realidade que são vitais para uma determinada época. Se esta espiritualidade estiver ausente, o estilo desaparece. Restam apenas seus vestígios externos: maneira, sistema de técnicas.

O estilo, apesar de toda a perceptibilidade de um sentido estético altamente desenvolvido da sua presença em certas obras de arte, mesmo para “grandes” fenómenos estilísticos, não é algo absolutamente definido e “puro”. Dada a presença e predominância de um conjunto completo de certas características estilísticas dominantes em quase todas as obras de um determinado estilo, há sempre elementos e características que lhe são aleatórias, estranhas a ele, o que não só não prejudica o “estilismo” de uma determinada obra, mas, pelo contrário, realça a sua actividade de qualidade artística, a sua vitalidade específica como fenómeno estético de um determinado estilo. Por exemplo, a presença de muitos elementos românicos em monumentos de arquitectura gótica apenas realça a expressão da originalidade gótica destes monumentos.

Para encerrar a conversa sobre estilo, tentarei dar descrição breve um dos “grandes” estilos, mostrando ao mesmo tempo a insuficiência de tal descrição verbal. Tomemos por exemplo gótico– um dos maiores estilos internacionais de arte europeia desenvolvida (breves características das características estilísticas classicismo E barroco podem ser encontrados acima (Seção Um. Capítulo I. § 1), onde aparecem como descrições das características da consciência artística e estética das tendências correspondentes na arte).

Gótico (o termo vem de “godos” - nome generalizado dado pelos romanos às tribos europeias que conquistaram o Império Romano nos séculos III-V, sinônimo de “bárbaros”; como característica da arte, os pensadores da Renascença começaram a aplicar-se à arte medieval num sentido zombeteiramente depreciativo), que dominou a arte da Europa Ocidental nos séculos XIII-XV, surgiu como a forma estilística mais elevada, definitiva e adequada de expressão artística do próprio espírito Cultura cristã em sua modificação ocidental (no Oriente - na área ortodoxa - uma expressão semelhante tornou-se o estilo bizantino, que floresceu em Bizâncio e nos países de sua influência espiritual - especialmente ativamente entre os povos eslavos do sul e na Antiga Rus). Formou-se principalmente na arquitetura e se espalhou para outros tipos de arte, principalmente associados ao culto cristão e ao modo de vida dos cidadãos cristãos medievais.

O significado profundo deste estilo é a expressão artística consistente da essência da cosmovisão cristã, que consiste em afirmar a prioridade do princípio espiritual no homem e no Universo sobre o material, com um profundo respeito interno pela matéria como portadora do espiritual, sem e sem o qual não pode existir na Terra. O gótico alcançou a este respeito, talvez, o melhor possível na cultura cristã. A superação da matéria, do material, da coisa pelo espírito, da espiritualidade foi realizada aqui com incrível poder, expressão e consistência. Isto foi especialmente difícil de conseguir na arquitetura de pedra, e foi aqui que os mestres góticos atingiram o auge da perfeição. Através do trabalho meticuloso de muitas gerações de construtores, guiados por uma única mente artística catedrática de seu tempo, foram consistentemente encontradas maneiras de desmaterializar completamente as pesadas estruturas de pedra das abóbadas do templo no processo de transição da abóbada cruzada para a abóbada de costela, em que a expressão da tectónica construtiva foi completamente substituída pela plasticidade artística.

Com isso, o peso do material (pedra) e as técnicas construtivas que visam superar suas propriedades físicas ficam completamente escondidas de quem entra no templo. O templo gótico, por meios puramente artísticos, foi transformado (pela organização do espaço interno e da aparência plástica externa) em um fenômeno escultórico e arquitetônico especial da transformação essencial (transformação) do continuum espaço-tempo terrestre em um espaço completamente diferente - mais sublime, extremamente espiritual, irracional-místico em sua orientação interna. Em última análise, todas as técnicas e elementos artísticos e expressivos básicos (e também construtivos e composicionais) que juntos criam o estilo gótico trabalham para esse fim.

Estes incluem colunas finas, graciosas e de perfis complexos (em oposição aos maciços pilares românicos), elevando-se a alturas quase inacessíveis para abóbadas de lanceta leves e abertas, afirmando a predominância da vertical sobre a horizontal, dinâmica (ascensão, ereção) sobre estática, expressão sobre paz. Num mesmo sentido funcionam inúmeros arcos e abóbadas pontiagudas, a partir dos quais se forma efetivamente o espaço interior do templo; enormes janelas de lanceta cheias de vitrais coloridos, criando uma atmosfera surreal indescritível, constantemente vibrando e mudando de cor clara no templo; naves alongadas conduzindo o espírito do espectador por um caminho estreito, visualmente ascendente e distante até o altar (espiritualmente também contribuem para a ascensão, elevação para outro espaço); altares de fechamento de múltiplas folhas em lanceta esculpida com imagens góticas de eventos e personagens centrais do evangelho e retábulos de lanceta perfurados - retábulos (francês: Retábulo - atrás da mesa). Os assentos do altar e do templo, os objetos de serviço e os utensílios do templo são feitos no mesmo formato pontiagudo e alongado.

As igrejas góticas, por dentro e por fora, são repletas de uma enorme quantidade de esculturas tridimensionais, feitas, como a pintura gótica, de forma próxima do naturalista, o que também foi enfatizado na Idade Média pelo colorido realista das esculturas. Assim, criou-se uma certa oposição espaço-ambiental entre a arquitetura extremamente irracional, que busca distâncias místicas, e a escultura e a pintura terrenas, que nela fluem organicamente de forma construtiva, mas a ela se opõem em espírito. Sobre nível artístico(e este é um traço característico do estilo gótico) foi expressa a antinomia essencial do Cristianismo: a unidade de princípios opostos no homem e no mundo terreno: espírito, alma, espiritual e matéria, corpo, corporal.

Ao mesmo tempo, não se pode falar literalmente sobre o naturalismo da escultura e da pintura gótica. Este é um naturalismo especial, de inspiração artística, repleto de matéria artística sutil, elevando o espírito de quem percebe aos mundos espiritual e estético. Com o naturalismo peculiar das expressões faciais e dos gestos das fileiras de estátuas góticas aparentemente estatuárias, ficamos impressionados com a riqueza e a plasticidade artística das dobras de suas roupas, sujeitas a algumas forças fisicamente incondicionais; ou a curva requintada dos corpos de muitas figuras góticas em pé - a chamada curva gótica (curvatura em forma de S da figura). A pintura gótica está sujeita a algumas leis peculiares de expressão especial de cores e formas. Muitos rostos, figuras e roupas retratados quase naturalistas (ou fotográficos ilusórios) nas pinturas do altar surpreendem com seu poder sobrenatural e sobrenatural. Um exemplo notável nesse sentido é a arte do artista holandês Rogier van der Weyden e de alguns de seus alunos.

As mesmas características estilísticas também são características da aparência externa dos templos góticos: escultural, aspiração ascendente de toda a aparência devido às formas pontiagudas dos arcos, abóbadas, todos os pequenos elementos arquitetônicos e, por fim, enormes flechas coroando os templos abertos, como se tecidos de rendas de pedra, torres que têm fins arquitetônicos puramente decorativos; rosetas de janela geometricamente precisas e decorativas, inúmeras decorações ornamentais, contrastando dentro de um único organismo arquitetônico inteiro com a plasticidade semi-naturalista das esculturas e padrões vegetais frequentes de galhos e folhas. A natureza orgânica e uma forma matematicamente verificada e definida geometricamente formam no gótico uma imagem holística, altamente artística e altamente espiritual que orienta, dirige e eleva o espírito de um crente ou sujeito estético a outras realidades, a outros níveis de consciência (ou ser) . Se somarmos a isto a atmosfera sonora (a acústica nas igrejas góticas é excelente) do órgão e do coro da igreja executando, por exemplo, o canto gregoriano, então a imagem de algumas das características essenciais do estilo gótico será mais ou menos completa. , embora longe de ser suficiente.

Informação sobre o autor

Vafina Oksana Nikolaevna

Local de trabalho, cargo:

MOU"SOSH 28"

Região de Belgorod

Características dos recursos

Níveis de educação:

Educação geral básica

Aulas):

Unid):

Literatura

O público alvo:

Professor professor)

Tipo de recurso:

Material didático

Breve descrição do recurso:

Desenvolvimento da lição

Aula integrada de literatura e MHC.

Tema: Símbolos artísticos dos povos do mundo. "Na terra do chita de bétula."

Metas:1) Apresentar aos alunos os símbolos artísticos dos povos do mundo, revelar o significado da imagem da bétula russa na poesia, pintura e música; mostrar o brilhante talento original de Sergei Yesenin; desenvolver a capacidade de encontrar meios figurativos e expressivos de linguagem, de determinar o seu papel nos textos.

2) Melhore seu senso de linguagem e habilidades de leitura expressiva.

3) Cultivar o amor pela palavra poética, a capacidade de tratar a palavra com cuidado e consideração ao ler obras poéticas, cultivar um sentimento de amor pela pátria e pela natureza.

Durante as aulas

Não consigo imaginar a Rússia sem bétula, -
ela é tão brilhante em eslavo,
que talvez em outros séculos
da bétula - toda a Rus nasceu.
Oleg Shestinsky

1. Atitude psicológica. (A música “Havia uma bétula no campo”)

2. Comunique o tema e os objetivos da aula. Hoje, numa aula de literatura e arte, faremos uma pequena viagem ao redor do mundo e conheceremos os símbolos artísticos dos povos do mundo, passearemos pela “terra do chita de bétula” e revelaremos o significado do símbolo poético da Rússia em poesia, pintura e música.

3. Aprendendo novo material.

Professor:Existem mais de 250 países em nosso planeta, onde vivem vários milhares de povos diferentes,cada um dos quais tem suas próprias tradições e características.Você provavelmente já ouviu essas combinações mais de uma vez: “limpeza alemã”, “galanteria francesa”,“Temperamento africano”, “frieza do inglêsLichan”, “o temperamento explosivo dos italianos”, “a hospitalidade dos georgianos”, etc.Por trás de cada um deles estão características e traços que se desenvolveram entre um determinado povo ao longo de muitos anos.

Bem, e a cultura artística? Existem semelhantesimagens e características estáveis? Sem dúvida. Cada nação tem seu próprio símbolobois, refletindo ideias artísticas sobre o mundo.

Imagine que você chegou a um país desconhecido. O que, em primeiro lugar,você estaria interessado? Claro, que língua é falada aqui? Quais atrações serão mostradas primeiro? O que eles adoram e acreditam? Que histórias, mitos e lendas são contadas? Como dançare cante? E muitos outros.

O que, por exemplo, eles lhe mostrarão se você visitar o Egito?

Estudante: D pirâmides ciumentas, consideradas uma das maravilhas do mundo e que há muito se tornaramEles são o símbolo artístico deste país.

Estudante:Em um planalto rochosodesertos, lançando sombras nítidas na areia, por mais de quarenta séculosexistem três enormes corpos geométricos - impecavelmente corretostetraédrico pirâmides, tumbas dos faraós Quéops, Khafre e MiKerina. Seu forro original foi perdido há muito tempo, eles foram saqueadoscâmaras de remo com sarcófagos, mas nem o tempo nem as pessoas conseguiram perturbar sua forma idealmente estável. Triângulos de pirâmides no contexto deo céu azul é visível de todos os lugares, como uma lembrança da Eternidade.

Professor: Se você tiver um encontro com Paris, com certeza vai querer subir ao topo do famoso Torre Eiffel, também se tornouum símbolo orgulhoso desta cidade incrível. O que você sabe sobre ela?

Estudante:Construído em 1889ano como decoração da Exposição Mundial, inicialmente causou indignação e indignação entre os parisienses. Contemporâneos competindo entre si gritaram:

“Protestamos contra esta coluna coberta de chapas de ferro aparafusadas, contra esta ridícula e vertiginosa chaminé de fábrica instalada na glória do vandalismo industrial. A construção desta inútil e monstruosa Torre Eiffel no centro de Paris nada mais é do que uma profanação...”

É interessante que este protesto tenha sido assinado por figuras culturais muito famosas: o compositor Charles Gounod, os escritores Alexandre Dumas, Guy de Maupassant... O poeta Paul Verlaine disse que esta “calancha esquelética não durará muito”, mas sua previsão sombria era não destinado a se tornar realidade. A Torre Eiffel ainda está de pé e é uma maravilha da engenharia.

Estudante:Aliás, naquela época era o prédio mais alto do mundo, tinha 320 metros de altura! Os dados técnicos da torre ainda hoje surpreendem: quinze mil peças metálicas conectadas por mais de dois milhões de rebites formam uma espécie de “renda de ferro”. Sete mil toneladas repousam sobre quatro suportes e não exercem mais pressão no solo do que uma pessoa sentada numa cadeira. Eles iam demoli-lo mais de uma vez, mas ele se ergue orgulhosamente acima de Paris, proporcionando a oportunidade de admirar os pontos turísticos da cidade a partir de uma vista aérea...

Professor:Quais são os símbolos artísticos dos EUA, China, Rússia?

Estudante:A Estátua da Liberdade para os EUA, o Palácio Imperial “Cidade Proibida” para a China, o Kremlin para a Rússia.

Professor:Mas muitos povos também têm seus próprios símbolos poéticos especiais. Conte-nos sobre um deles?

Estudante:Os galhos elegantemente curvos de uma cerejeira de baixo crescimento - sakura - são um símbolo poético do Japão.

Se você perguntar:

Qual é a alma

Ilhas do Japão?

No aroma das cerejas da montanha

Ao amanhecer.

Norinaga (tradução de V. Sanovich)

Professor:O que atrai tanto os japoneses nas flores de cerejeira? Talvez, uma abundância de pétalas de sakura brancas e rosa claro em galhos nus que ainda não tiveram tempo de ficar cobertos de vegetação?

Estudante:A beleza das flores desapareceu tão rapidamente!

E o encanto da juventude foi tão passageiro!

A vida passou em vão...

Eu olho para a longa chuva

E penso: como no mundo nem tudo dura para sempre!

Komati (tradução de A. Gluskina)

Estudante:O poeta é atraído pela beleza da impermanência, da fragilidade e da fugacidade da vida. As flores de cerejeira desaparecem rapidamente e a juventude é passageira.

Professor:Que técnica artística o autor utiliza?

Estudante:Personificação. Para o poeta, a flor de sakura é um ser vivo capaz de vivenciar os mesmos sentimentos que uma pessoa.

Estudante:

Névoa de primavera, por que você se escondeu

Flores de cerejeira que agora estão voando

Nas encostas das montanhas?

Não só o brilho é caro para nós, -

E o momento do desbotamento é digno de admiração!

Tsurayuki (tradução de V. Markova)

Professor:Comente as linhas.

Estudante:As pétalas de Sakura não desaparecem. Girando alegremente, eles voam em direçãoo chão ao menor sopro de vento e cobrir o chão antes mesmo que ele tenha tempo demurchar as flores. O momento em si, a fragilidade da floração, é importante. Nome-mas esta é a fonte da Beleza.

Professor:Belostvol tornou-se um símbolo poético artístico da RússiaNaya bétula.

Eu amo bétula russa
Às vezes brilhante, às vezes triste,
Em um vestido de verão branqueado,
Com lenços nos bolsos,
Com lindos fechos
Com brincos verdes.
Eu amo o quão elegante ela é
Então claro, efervescente,
Então triste, chorando.
Eu amo a bétula russa.
Curva-se baixo com o vento
E dobra, mas não quebra!
A. Prokofiev.

Professor:Provavelmente nunca irá parar Coração russo surpreenda-se com o inesperado e beleza nativa o habitual, ao que parece, bétula. Já na idade adulta, Igor Grabar disse: “O que poderia ser mais bonito do que a bétula, a única árvore da natureza cujo tronco é deslumbrantemente branco, enquanto todas as outras árvores do mundo têm troncos escuros. Árvore fantástica e sobrenatural, árvore de conto de fadas. Apaixonei-me apaixonadamente pela bétula russa e durante muito tempo escrevi quase exclusivamente sobre ela.”

A história de um estudante sobre a pintura “February Azure” de I. Grabar.

Escreveu meu “ Fevereiro azul“I. Grabar no inverno - primavera de 1904, quando estava visitando amigos na região de Moscou. Durante uma das suas habituais caminhadas matinais, ficou impressionado com a festa do despertar da primavera e, posteriormente, já um venerável artista, contou de forma muito vívida a história da criação desta tela. “Eu estava perto de um maravilhoso exemplar de bétula, raro na estrutura rítmica de seus galhos. Olhando para ela, deixei cair o bastão e me abaixei para pegá-lo. Quando olhei para o topo da bétula de baixo, da superfície da neve, fiquei impressionado com o espetáculo de uma beleza fantástica que se abriu diante de mim: alguns sinos e ecos de todas as cores do arco-íris, unidas pelo esmalte azul do céu. A natureza parecia estar celebrando um festival sem precedentes de céus azuis, bétulas peroladas, ramos de coral e sombras de safira na neve lilás.” Não é de surpreender que o artista quisesse transmitir “pelo menos um décimo dessa beleza”.

Professor: Pessoal, não só o Grabar se voltou para a imagem de uma linda bétula, diante de vocês está uma exposição de obras de artistas, onde a heroína é essa linda árvore. Que clima transmitem as reproduções desses artistas?

O que você pode dizer sobre as pinturas dos artistas?

Estudante:São alegres, cheios de luz, a bétula neles é espiritualizada.

Estudante: Kuindzhi “Birch Grove” (1879), - imbuído de otimismo saudável e alegre. O artista capturou a natureza exultante e banhada pela chuva, no seu melhor e mais luxuoso verão. A composição da pintura é original, a harmonia de suas cores puras é incrível.

Professor.Bétula. Que tipo de árvore é essa?

“A bétula é uma árvore com casca branca, madeira dura e folhas em formato de coração”, relata desapaixonadamente o Dicionário Explicativo da Língua Russa.

Talvez, dicionário explicativo Você deveria ser desapaixonado.

Mas quanto à língua russa, então, talvez, nem uma única árvore mereça tal grande quantidade epítetos, comparações, frases afetuosas não combinavam com palavras tão entusiasmadas como bétula. Isso pode ser visto verbalmente. Arte folclórica, e acima de tudo - na poesia russa, onde a bétula se estabeleceu há muito tempo, com firmeza e, ao que parece, para sempre.

O “país da chita de bétula” de Yesenin é excepcionalmente belo e querido ao coração de todos. Um país onde você pode passear por horas floresta de pinheiros, afogando-se em um tapete macio de musgo cinza. Em um país onde crescem altos matagais de zimbro. E nos montes do pântano florescem cranberries e mirtilos. Um país onde lagos misteriosos se escondem nas profundezas da floresta. Um país onde tudo ao seu redor ganha vida. O mundo natural não é apenas repleto de cores, sons, movimentos, mas também animado.

Estudante: Bom dia

As estrelas douradas cochilaram,

O espelho do remanso tremeu,

A luz está nascendo nos remansos do rio

E a grade do céu fica vermelha.

As bétulas sonolentas sorriram,

As tranças de seda estão desgrenhadas,

Brincos verdes farfalham

E o orvalho prateado queima.

A cerca está coberta de urtigas

Vestido com madrepérola brilhante

E, balançando, sussurra de brincadeira:

"Bom dia!"

Professor: Que imagens você viu no poema?

Estudante:Estrela, bétula, urtiga.

Professor:Que meios figurativos e expressivos são utilizados para criar a imagem de uma bétula?

Estudante:personificação (as bétulas sorriam, as tranças estavam desgrenhadas), epítetos (bétulas sonolentas, tranças de seda, orvalho prateado), metáforas (o orvalho queimava, as tranças estavam desgrenhadas).

Professor:A pintura colorida é um dos traços característicos dos poemas de Yesenin. Que cores ele usa para descrever a bétula? Para que são necessárias as “partes coloridas”?

Estudante:Prata, verde, outros - madrepérola. “Detalhes coloridos” ajudam a compreender o humor do poeta, aguçam sentimentos e pensamentos e revelam sua profundidade.

Professor:Com que humor o poema está permeado?

Estudante:Romântico, otimista, alegre, animado.

Professor:No poema "Penteado Verde". (1918) a humanização da aparência da bétula na obra de Yesenin atinge pleno desenvolvimento.

Estudante:Lendo um poema

Professor: Sobre quem é o poema? Qual é a aparência da bétula?

Estudante: A bétula torna-se como uma mulher.

Penteado verde,

Seios de menina,

Ó bétula fina,

Por que você olhou para a lagoa?

Professor: Qual é a bétula simbolizada na poesia russa?

Estudante: Este é um símbolo de beleza, harmonia, juventude; ela é brilhante e casta.

Professor: Nos antigos rituais pagãos muitas vezes servia como um "mastro", um símbolo da primavera. Yesenin, ao descrever o folk férias de primavera, menciona a bétula no significado deste símbolo nos poemas “Trinity Morning...” (1914) e “Os juncos farfalhavam sobre o remanso...” (1914)

Professor: Sobre o que costume popular isso é discutido no poema “Os juncos farfalhavam nos remansos...”

Estudante: O poema “Os juncos farfalhavam no remanso” fala sobre um evento importante e fascinante da semana da Trindade Semítica - a leitura da sorte com coroas de flores.

A linda garota leu a sorte às sete horas.

Uma onda desenrolou uma coroa de cólicas.

As meninas teciam guirlandas e as jogavam no rio. Pela coroa que flutuou ao longe, foi levada à praia, parou ou afundou, eles julgaram o destino que os aguardava (casamento distante ou próximo, infância, morte do noivo).

Oh, uma garota não se casará na primavera,

Ele a intimidou com sinais florestais.

Professor: O que ofusca o encontro da primavera?

Professor: Com a ajuda de quais imagens o motivo do infortúnio é fortalecido?

Tema: Símbolos artísticos dos povos do mundo.

Alvo: Para apresentar aos alunos os símbolos artísticos dos povos do mundo,revelar o significado da imagem da bétula russa na poesia, pintura e música

Tarefas: Desenvolvimento do gosto estético e da criatividade;

Formação de conhecimentos sobre os símbolos dos povos do mundo;

Os alunos adquirem competências na seleção de informação, capacidade de destacar os principais pontos significativos e apresentá-los de forma criativa em trabalhos independentes.

Resultados de aprendizagem planejados :

Pessoal: mostrar interesse em aprender novos materiais; atividade cognitiva; estão cientes de seus interesses e objetivos, emoções e os expressam adequadamente; entender condição emocional outras pessoas; fazer concessões mútuas em situações diferentes, refletir criticamente sobre seu comportamento.

Assunto: vai aprender instalarconexões figurativas e associativas entre monumentos arquitetônicos, obras musicais, Artes visuais e literatura.

Metassujeito: vai aprender definir o objetivo e o problema em atividades educacionais; observar as normas de comunicação coletiva; planejar atividades em situação educacional; identificar o problema do exagero artístico e as formas de atingir o objetivo; desenvolver a capacidade de discutir, fazer perguntas, argumentar, defender a opinião, a capacidade de trabalhar com a informação: sistematizá-la, estruturá-la; trabalhar de acordo com o plano.

Durante as aulas:

Tempo de organização

Atualizando o conhecimento dos alunos sobre o tema:

Na verdade

A) O romance “A Vida e As Incríveis Aventuras de Robinson Crusoe” foi escrito pelo escritor inglês D. Defoe? (Sim).

B) a palavra “civilização” traduzida do grego antigo soa como “civil, público, estatal”? (não, do latim e de outros romanos).

C) Civilização - o nível de desenvolvimento material e espiritual da sociedade (sim).

D) Cultura está associada à palavra “culto” e significa veneração, adoração (sim).

E) No dicionário de Ozhegov, a palavra “cultura” tem o seguinte significado: Processamento, cuidado, cultivo” e “educação mental e moral” (não, no dicionário de V. Dahl)

E) O conceito de “civilização” é mais amplo que o conceito de “cultura” (sim)

G) A cultura é um conceito temporário, mas a civilização é universal (não, pelo contrário)

H) Chamamos de pessoa culta aquela que age de acordo com as normas de pensamento e comportamento aceitas na sociedade (sim)

I) Pitágoras (não, Platão) tentou recriar a imagem de uma pessoa culta na antiguidade.

K) Confúcio é um pensador japonês? (chinês não)

K) O artista Hieronymus Bosch viveu no século XV na Holanda? (Sim)

III . Aprendendo um novo tópico:

Não consigo imaginar a Rússia sem bétula, -
ela é tão brilhante em eslavo,
que talvez em outros séculos
da bétula - toda a Rus nasceu.
Oleg Shestinsky

Comunique o tema e os objetivos da aula. Quem pode dizer o que essas palavras significam? O que bétula significa para um russo? Hoje na aula faremos uma pequena viagem ao redor do mundo e conheceremos os símbolos artísticos dos povos do mundo, passearemos pelo “país da chita de bétula” e, claro, mergulharemos em nossos espaços nativos que nos são familiares desde infância.

2. Aprendendo novo material .

Professor: Existem mais de 250 países em nosso planeta, onde vivem vários milhares de povos diferentes,cada um dos quais tem suas próprias tradições e características.Você provavelmente já ouviu essas combinações mais de uma vez: “limpeza alemã”, “galanteria francesa”,“Temperamento africano”, “frieza do inglêsLichan”, “o temperamento explosivo dos italianos”, “a hospitalidade dos georgianos”, etc.Por trás de cada um deles estão características e traços que se desenvolveram entre um determinado povo ao longo de muitos anos.

Bem, e a cultura artística? Existem semelhantesimagens e características estáveis? Sem dúvida. Cada nação tem seu próprio simbois que refletiam ideias artísticas sobre o mundo.

Imagine que você chegou a um país desconhecido. O que, em primeiro lugar,você estaria interessado? Claro, que língua é falada aqui? Quais atrações serão mostradas primeiro? O que eles adoram e acreditam? Que histórias, mitos e lendas são contadas? Como dançare cante? E muitos outros.

O que, por exemplo, eles lhe mostrarão se você visitar o Egito?

Estudante: Dpirâmides ciumentas, consideradas uma das maravilhas do mundo e que há muito se tornaramEles são o símbolo artístico deste país.

Estudante: Em um planalto rochosodesertos, lançando sombras nítidas na areia, por mais de quarenta séculosexistem três enormes corpos geométricos - impecavelmente corretospirâmides tetraédricas, tumbas dos faraós Quéops, Khafre e MiKerina. Seu revestimento original foi perdido há muito tempo, saqueadocâmaras de remo com sarcófagos, mas nem o tempo nem as pessoas conseguiram perturbar sua forma idealmente estável. Triângulos de pirâmide no fundoo céu azul é visível de todos os lugares, como uma lembrança da Eternidade.

Professor: Se você tem um encontro com Paris, com certeza vai querer subir ao topo da famosa Torre Eiffel, que também se tornou oum símbolo orgulhoso desta cidade incrível. O que você sabe sobre ela?

Estudante: Construído em 1889ano como decoração da Exposição Mundial, inicialmente causou indignação e indignação entre os parisienses. Contemporâneos competindo entre si gritaram:

“Protestamos contra esta coluna coberta de chapas de ferro aparafusadas, contra esta ridícula e vertiginosa chaminé de fábrica instalada na glória do vandalismo industrial. A construção desta inútil e monstruosa Torre Eiffel no centro de Paris nada mais é do que uma profanação...”

É interessante que este protesto tenha sido assinado por figuras culturais muito famosas: o compositor Charles Gounod, os escritores Alexandre Dumas, Guy de Maupassant... O poeta Paul Verlaine disse que esta “torre esquelética não durará muito”, mas sua previsão sombria era não destinado a se tornar realidade. A Torre Eiffel ainda está de pé e é uma maravilha da engenharia.

Estudante: Naquela época era o prédio mais alto do mundo, sua altura era de 320 metros! Os dados técnicos da torre ainda hoje surpreendem: quinze mil peças metálicas conectadas por mais de dois milhões de rebites formam uma espécie de “renda de ferro”. Sete mil toneladas repousam sobre quatro suportes e não exercem mais pressão no solo do que uma pessoa sentada numa cadeira. Foi planejado para ser demolido mais de uma vez, mas ergue-se orgulhosamente acima de Paris, proporcionando a oportunidade de admirar os pontos turísticos da cidade a partir de uma vista aérea...

Professor: Quais são os símbolos artísticos dos EUA, China, Rússia?

Estudante: A Estátua da Liberdade para os EUA, o Palácio Imperial "Cidade Proibida" para a China, o Kremlin para a Rússia.

Professor : Mas muitos povos também têm seus próprios símbolos poéticos especiais. Conte-nos sobre um deles?

Estudante: Os galhos elegantemente curvos de uma cerejeira de baixo crescimento - sakura - são um símbolo poético do Japão.

Se você perguntar:

Qual é a alma

Ilhas do Japão?

No aroma das cerejas da montanha

Ao amanhecer.

Norinaga (tradução de V. Sanovich)

Professor : O que atrai tanto os japoneses nas flores de cerejeira? Talvez,uma abundância de pétalas de sakura brancas e rosa claro em galhos nus que ainda não tiveram tempo de ficar cobertos de vegetação?

A beleza das flores desapareceu tão rapidamente!

E o encanto da juventude foi tão passageiro!

A vida passou em vão...

Eu olho para a longa chuva

E penso: como no mundo nem tudo dura para sempre!

Komati (tradução de A. Gluskina)

Estudante : O poeta é atraído pela beleza da impermanência, da fragilidade e da fugacidade da vida. As flores de cerejeira desaparecem rapidamente e a juventude é passageira.

Professor : Que técnica artística o autor utiliza?

Estudante: Personificação. A flor de sakura para o poeta é Ser vivo, capaz de experimentar os mesmos sentimentos que uma pessoa.

Professor:

Névoa de primavera, por que você se escondeu

Flores de cerejeira que agora estão voando

Nas encostas das montanhas?

Não só o brilho é caro para nós, -

E o momento do desbotamento é digno de admiração!

Tsurayuki (tradução de V. Markova)

Professor : Comente as linhas.

Estudante: As pétalas de Sakura não desaparecem. Girando alegremente, eles voam em direçãoo solo ao menor sopro de vento e cobrir o solo antes mesmomurchar as flores. O momento em si, a fragilidade da floração, é importante. Nomesmas esta é a fonte da Beleza.

Professor: Belostvol tornou-se um símbolo poético artístico da Rússianaya bétula.

Eu amo bétula russa
Às vezes brilhante, às vezes triste,
Em um vestido de verão branqueado,
Com lenços nos bolsos,
Com lindos fechos
Com brincos verdes.
Eu amo o quão elegante ela é
Então claro, efervescente,
Então triste, chorando.
Eu amo a bétula russa.
Curva-se baixo com o vento
E dobra, mas não quebra!
A. Prokofiev.

Professor : Já na idade adulta, Igor Grabar disse: “O que poderia ser mais bonito do que a bétula, a única árvore da natureza cujo tronco é deslumbrantemente branco, enquanto todas as outras árvores do mundo têm troncos escuros. Árvore fantástica e sobrenatural, árvore de conto de fadas. Apaixonei-me apaixonadamente pela bétula russa e durante muito tempo escrevi quase exclusivamente sobre ela.”

Professor: O tema da Pátria está intimamente ligado à imagem da bétula. Cada linha de Yesenin é aquecida por um sentimento de amor sem limites pela Rússia.

bétula

bétula branca

Abaixo da minha janela.

Coberto de neve

Exatamente prata.

Em galhos fofos

Fronteira de neve

Os pincéis floresceram

Franja branca.

E a bétula fica

Em um silêncio sonolento,

E os flocos de neve estão queimando

Em fogo dourado.

E o amanhecer é preguiçoso

Andando por aí

Derramando galhos

Prata nova. 1913

Professor . As bétulas brancas tocam a alma não só dos nossos, mas também dos estrangeiros. Depois de visitar Moscou, perguntaram ao famoso jogador de futebol Pelé o que mais o impressionou e gostou na Rússia. Ele respondeu: “Bétulas”.

Professor: Centenas de anos se passarão, mas a bétula simbolizará nossa pátria imortal e poderosa.

Agora voltemos aos símbolos artísticos da nossa pequena pátria.

Qual você acha que será o símbolo da região de Varna? Isso mesmo, Torre de Tamerlão.

Estudante. O mausoléu foi construído em uma colina perto de um lago seco próximo ao centro regional de Varna.

A torre foi construída no século XIV. Este é um raro exemplo da arquitetura muçulmana antiga em Sul dos Urais. Além de Kesene, mausoléus semelhantes são conhecidos na Bashkiria: os mausoléus de Turakhan e Husein-Bek. Existem centenas de pequenos montes ao redor do mausoléu.

O próprio edifício do mausoléu está situado numa área retangular, delimitada por um fosso e uma muralha. É construído com tijolos planos quadrados cozidos e parece uma pirâmide de 12 lados montada em um prisma de 12 lados. O prisma repousa sobre um cilindro baixo: abaixo está o edifício principal do mausoléu cúbico. A entrada do lado sul é decorada com portal.

4 . Compreensão e consolidação primária

Caixa de perguntas.

Os rapazes escrevem perguntas sobre o tema da aula (8 a 10) em pedaços de papel, lêem em voz alta para que não haja repetições, dobram os pedaços de papel e colocam em uma caixa. As crianças saem, pegam um pedaço de papel sem olhar, lêem a pergunta e dizem a resposta. Você pode ajudar a turma.

V . Resumindo. Reflexão

Preenchendo a tabela.

VI . Trabalho de casa – escrever uma mensagem sobre qualquer imagem artística dos povos do mundo.

Tópico 2: MHC. Símbolos artísticos (slide 1)

Descobrimos que a cultura nasce na civilização e pode existir fora dela.

A cultura é dividida em nacional e mundial. (slide 2)

Hoje veremos o que inclui o conceito de cultura artística mundial. (slide 3)

Arte Mundial- Este é um conjunto de culturas dos povos do mundo que se desenvolveram em diversas regiões ao longo do desenvolvimento histórico da civilização humana.

A cultura artística é mais frequentemente representada em obras de arte que reproduzem criativamente a realidade em imagens artísticas. (slide 4)

Um artista é uma pessoa especial; ele cria o mundo de acordo com suas ideias pessoais sobre ele. Sentimentos, pensamentos e experiências, refratados em sua mente, dão origem a imagens artísticas únicas.

Eles são criados como resultado de reflexão, avaliação, seleção o material necessário das muitas coisas vistas e ouvidas. O artista olha a vida de forma tendenciosa, busca nela o que pode despertar sentimentos e experiências recíprocas na alma humana. Sua imaginação não tem limites, é capaz de criar milagres...

No século XV, o artista Hieronymus Bosch viveu na Holanda. (slide 5)

As crianças lêem

1.Tudo o que ele inventou para suas pinturas! (clique)Neles atuam as criaturas mais incríveis: animais com cabeça de pássaro e pernas humanas, alguns até com asas de borboleta. Os heróis de suas obras são pessoas com cabeça humana feita do tronco e galhos de uma árvore ou da casca vazia de alguma fruta misteriosa. (clique)(clique)Dentro de uma cabeça tão fantástica, pequenos festejam com uma garrafa de vinho.

2. Tudo aqui está confuso, confuso, distorcido da maneira mais incrível. Mas ao mesmo tempo parece que alguns a terrível verdade como se fosse tirado da vida. (clique)(clique)Talvez tenha sido exatamente isso que aconteceu? Visto em vida e depois reinterpretado de acordo com as leis da imaginação do artista? Aparentemente, Bosch não gostou de sua época e da má moral da sociedade. Mas ele sabia escrever com amor, lindamente e de acordo com a realidade. (clique)(clique)Ele deu apenas seu amor à natureza, às extensões infinitas de planícies, às superfícies lisas dos lagos e às distâncias montanhosas. Lá ele encontrou descanso e alegria para si mesmo.

Sobre obras pendentes do mundo cultura artística- nossa principal conversa durante o estudo do tema MHC.

Cada nação tem seus próprios símbolos artísticos.

Existem mais de 250 países em nosso planeta, onde vivem vários milhares de povos, cada um com suas próprias tradições e características. Você provavelmente já ouviu mais de uma vez combinações de palavras como “limpeza alemã”, “galanteria francesa”, “cerimônias chinesas”, “temperamento africano”, “frieza dos britânicos”, “temperamento explosivo dos italianos”, “hospitalidade dos os georgianos”, etc. Por trás de cada um deles estão características e traços que se desenvolveram entre um determinado povo ao longo de muitos anos.

-Bem, e a cultura artística?

-Existem imagens e recursos estáveis ​​semelhantes nela?

Sem dúvida. Cada nação tem seus próprios símbolos que refletem ideias artísticas sobre o mundo.

Imagine que você chegou a um país desconhecido.

O que lhe interessará primeiro??

Claro, que língua é falada aqui? Quais atrações serão mostradas primeiro? O que eles adoram e acreditam? Que histórias, mitos e lendas são contadas? Como eles dançam e cantam? E muitos outros.

O que, por exemplo, eles lhe mostrarão se você visitar o Egito?

Claro, as antigas pirâmides (slide 6)) considerada uma das maravilhas do mundo e há muito se tornou um símbolo artístico deste país.

As crianças lêem

3. No planalto rochoso do deserto, projetando sombras nítidas na areia, há mais de quarenta séculos existem três enormes corpos geométricos - pirâmides tetraédricas impecavelmente regulares, os túmulos dos faraós Quéops, Khafre e Mykerin. (clique)

4. Seu revestimento original foi perdido há muito tempo, as câmaras mortuárias com sarcófagos foram saqueadas, mas nem o tempo nem as pessoas conseguiram perturbar sua forma idealmente estável. Os triângulos das pirâmides contra o fundo do céu azul podem ser vistos de todos os lugares, como uma lembrança da Eternidade.

Se você tiver uma reunião com Paris, você definitivamente vai querer subir ao topo da famosa Torre Eiffel, (slide 7) também se tornou um símbolo artístico desta cidade incrível.

As crianças lêem

5. Construída em 1889 como decoração da Exposição Mundial, projetada por Alexandre Gustave Eiffel (clique)a princípio causou indignação e indignação entre os parisienses. Contemporâneos competindo entre si gritaram:

“Protestamos contra esta coluna coberta de chapas de ferro aparafusadas, contra esta ridícula e vertiginosa chaminé de fábrica instalada na glória do vandalismo industrial. A construção desta inútil e monstruosa Torre Eiffel no centro de Paris nada mais é do que uma profanação...” (slide 8)

5. É interessante que este protesto tenha sido assinado por figuras culturais muito famosas: o compositor Charles Gounod, os escritores Alexandre Dumas, Guy de Maupassant... O poeta Paul Verlaine disse que esta “torre esquelética não durará muito”, mas seu sombrio a previsão não estava destinada a se tornar realidade. A Torre Eiffel ainda está de pé e é uma maravilha da engenharia. (clique)Aliás, naquela época era o prédio mais alto do mundo, tinha 320 metros de altura!

6. Os dados técnicos da torre ainda hoje são surpreendentes: quinze mil peças metálicas, (clique)conectados por mais de dois milhões de rebites, formam uma espécie de “renda de ferro”. Sete mil toneladas repousam sobre quatro suportes e não exercem mais pressão no solo do que uma pessoa sentada numa cadeira. (clique)Foi planejado para ser demolido mais de uma vez, mas ergue-se orgulhosamente acima de Paris, proporcionando a oportunidade de admirar os pontos turísticos da cidade a partir de uma vista aérea... (clique)

A Estátua da Liberdade para os EUA há muito se tornou o mesmo símbolo artístico. (slide 9+2cliques) Templo do Céu e Grande Muralha para a China, (slide 10) O Kremlin para a Rússia. (slide 11 + 5 cliques)

Mas muitos povos também têm seus próprios símbolos poéticos especiais.

Ramos estranhamente curvos de uma cerejeira de baixo crescimento - sakura (slide 12)- um símbolo poético do Japão.

Se você perguntar:

Qual é a alma

Ilhas do Japão?(clique)

No aroma das cerejas da montanha

Ao amanhecer.(clique)

Norinaga (Sanovich)

O que atrai tanto os japoneses nas flores de cerejeira? (slide 13) Talvez uma abundância de pétalas de sakura brancas e rosa claro em galhos nus que ainda não tiveram tempo de ficar cobertos de vegetação? Não, eles são atraídos pela beleza da impermanência, pela fragilidade e pela natureza passageira da vida. (clique) Uma flor de sakura é uma criatura viva capaz de experimentar os mesmos sentimentos que uma pessoa.

A beleza das flores desapareceu tão rapidamente?

E o encanto da juventude foi tão passageiro!

A vida passou em vão...

Eu olho para a longa chuva

E eu penso: como no mundo nem tudo dura para sempre!(clique)

Komati (Gluskina)

As pétalas de Sakura não desaparecem. (slide 14) Girando alegremente, voam para o chão ao menor sopro de vento e cobrem o chão com flores que ainda não tiveram tempo de murchar. O momento em si, a fragilidade da floração, é importante. Esta é precisamente a fonte da Beleza. (clique)

Névoa de primavera, por que você se escondeu

Flores de cerejeira que agora estão voando

Nas encostas das montanhas?

Não só o brilho é caro para nós, -

E o momento do desbotamento é digno de admiração!(clique)

Tsurayuki (Markova)

-Um símbolo poético artístico da Rússia?

tornou-se uma bétula de tronco branco (slide 15) Mas não cresce no sopé do Cáucaso e dos Alpes, na nebulosa Inglaterra e no distante Canadá? Está crescendo, é claro. Mas só na Rússia a bétula foi amada e cantada de uma forma especial, com reverência e inspiração. (clique)

Artista I. Grabar () (slide 16) disse:

“O que poderia ser mais bonito que uma bétula,(clique)a única árvore da natureza cujo tronco é deslumbrantemente branco, enquanto todas as outras árvores do mundo têm troncos escuros.(clique)Árvore fantástica e sobrenatural, árvore de conto de fadas. Apaixonei-me apaixonadamente pela bétula russa e durante muito tempo pintei quase só ela.”(clique)

E ele não é o único. A famosa pintura de Kuindzhi (slide 17)"Bosque de Bétulas" (clique) Muitos artistas, poetas e compositores compuseram obras em homenagem à bétula. Ela se tornou a verdadeira personificação e símbolo da Rússia. (slide 18)

Minha Rus', eu amo suas bétulas,

Desde os primeiros anos vivi e cresci com eles,

É por isso que as lágrimas vêm

Nos olhos desmamados das lágrimas!

N. Rubtsov

E a famosa poesia de Sergei Yesenin, (slide 19) você também está, sem dúvida, familiarizado (clique)

As crianças lêem.

7. Mais de uma beldade natalina fez com que aquela de tronco branco e cabelos loiros se apaixonasse (slide 20) bétula para o povo russo. Desde os tempos antigos ela tem sido uma árvore amiga. (clique)Cestos, caixas e sapatilhas eram feitos de casca de bétula pelos camponeses. (clique)A casca de bétula (casca de bétula) foi o principal material na Rússia com o qual aprenderam a escrever cartas, escrever cartas... (slide 21)

8. Depois de um longo inverno, a bétula foi a primeira a acordar, (slide 22) e, portanto, foi percebido como um símbolo de beleza e natureza florescente. Na Rússia, eles acreditavam que a bétula (clique)pode salvá-lo de feitiços de bruxaria em Trinity (slide 23) Eles fizeram joias de bétula para proteger contra o mau-olhado. Dois dias antes de Trinity, em Semik - feriado de menina - as casas eram decoradas com galhos de bétula e enroladas na floresta guirlandas em galhos, (clique)trançaram suas tranças com fitas, amarraram as copas de duas bétulas de tal forma que se formou um portão - um círculo simbólico e mágico. (clique)À sombra das bétulas, dançavam em círculos, cantavam canções, brincavam, jogavam coroas de bétulas na água e usavam-nas para adivinhar a sorte. Onde a guirlanda flutuar, a menina se casará. EM provérbios populares, canções, danças, obras de arte decorativa e aplicada, especialmente muitas vezes voltadas para esta imagem poética.

Produtos feitos de casca de bétula e madeira de bétula. (slide 24 + 19 cliques)

(slide 25) Trabalho de casa:

Conte-nos sobre os símbolos artísticos dos povos do mundo que não foram mencionados em nossa lição.