Ajuda na Tele2, tarifas, dúvidas

Tempos modernos inclui o dia das eras artísticas: vanguarda e realismo. Originalidade Uma dessas eras é que elas não se desenvolvem sequencialmente, mas historicamente em paralelo.

Grupos artísticos de vanguarda nº ( pré-modernismo, modernismo, neomodernismo, pós-modernismo) desenvolver paralelamente ao grupo realista (realismo crítico do século XIX, realismo socialista, prosa da aldeia, neorrealismo, realismo mágico, realismo psicológico, realismo intelectual). Neste desenvolvimento paralelo de épocas se manifesta aceleração geral do movimento da história.

Uma das principais disposições do conceito artístico dos movimentos de vanguarda: caos, desordem "A lei da vida moderna na sociedade humana. A arte torna-se caosologia, estudando as leis da desordem mundial.

Todos os movimentos de vanguarda restringem o consciente e aumentam o inconsciente tanto no processo criativo como no processo de recepção. Essas direções prestam grande atenção à arte de massa e aos problemas de formação da consciência do indivíduo.

Características que unem os movimentos artísticos de vanguarda: Um novo visual sobre a posição e propósito do homem no universo, a rejeição de regras e normas previamente estabelecidas, de tradições e estabelecidas

competências, experiências no domínio da forma e do estilo, procura de novos meios e técnicas artísticas.

Pré-modernismo - primeiro período (inicial) desenvolvimento artístico eras de vanguarda; um conjunto de movimentos artísticos da cultura da segunda metade do século XIX, abrindo toda uma fase (a fase das ilusões perdidas) do mais recente desenvolvimento artístico.

O naturalismo é um movimento artístico cujo conceito artístico invariável era a afirmação do homem da carne no mundo das coisas-materiais; uma pessoa, mesmo tomada apenas como indivíduo biológico altamente organizado, merece atenção em todas as manifestações; apesar de todas as suas imperfeições, o mundo é estável e todos os detalhes sobre ele são de interesse geral. No conceito artístico do naturalismo, desejos e possibilidades, ideais e realidade são equilibrados, sente-se uma certa complacência da sociedade, a sua satisfação com a sua posição e a relutância em mudar qualquer coisa no mundo.

O naturalismo afirma que tudo mundo visível- faz parte da natureza e pode ser explicada pelas suas leis, e não por causas sobrenaturais ou paranormais. O naturalismo nasceu da absolutização do realismo e sob a influência das teorias biológicas darwinianas, dos métodos científicos de estudo da sociedade e das ideias deterministas de Taine e de outros positivistas.

Impressionismo - movimento artístico (segunda metade do século XIX - início do século XX), cujo conceito artístico invariável era a afirmação de uma personalidade sofisticada, liricamente responsiva, impressionável, admiradora da beleza do mundo. O impressionismo abriu um novo tipo de percepção da realidade. Ao contrário do realismo, que se concentra em transmitir o típico, o impressionismo se concentra no especial, no individual e na visão subjetiva do artista.

O impressionismo é um domínio magistral da cor, do claro-escuro, da capacidade de transmitir a diversidade, o multicolorido da vida, a alegria de ser, de capturar momentos fugazes de iluminação e o estado geral do mundo em mudança circundante, de transmitir plein air - o jogo de luz e sombras ao redor das pessoas e coisas, o ar ambiente, a iluminação natural, que confere uma aparência estética ao objeto retratado.

O impressionismo manifestou-se na pintura (C. Monet, O. Renoir, E. Degas, A. Sisley, V. Van Gogh, P. Gauguin, A. Matisse, Utrillo, K. Korovin) e na música (C. Debussy e M . Ravel, A. Scriabin) e na literatura (parcialmente G. Maupassant, K. Hamsun, G. Kellerman, Hofmannsthal, A. Schnitzler, O. Wilde, A. Simone).

Ecletismo- direção artística (que se manifestou principalmente na arquitetura), que envolve, na criação de obras, qualquer combinação de quaisquer formas do passado, qualquer tradições nacionais, decorativoismo absoluto, intercambialidade e equivalência de elementos de uma obra, violação da hierarquia do sistema artístico e enfraquecimento da sistematicidade e integridade.

O ecletismo é caracterizado por: 1) excesso de decorações; 2) igual importância dos vários elementos, de todas as formas de estilo; 3) perda de distinção entre uma estrutura maciça e única em um conjunto urbano ou uma obra literária e outras obras do processo literário; 4) falta de unidade: a fachada é separada do corpo do edifício, o detalhe é separado do todo, o estilo da fachada é separado do estilo do interior, os estilos dos vários espaços interiores são separados uns dos outros ; 5) composição axial simétrica opcional (desvio da regra do número ímpar de janelas na fachada), uniformidade da fachada; 6) o princípio do “non-finito” (incompletude da obra, abertura da composição); 7) fortalecimento

compreender a associatividade do pensamento do autor (artista) la, arquiteto) e visualizador; 8) libertação da tradição antiga e confiança em culturas de diferentes épocas e nações diferentes; desejo pelo exótico; 9) multiestilo; 10) personalidade desregulada (em contraste com o classicismo), subjetivismo, livre manifestação do elemento pessoal; 11) democracia: a tendência de criar um tipo de habitação urbana universal e sem classe.

Funcionalmente, o ecletismo na literatura, arquitetura e outras artes visa servir o “terceiro estado”. A estrutura chave do Barroco é uma igreja ou palácio, a estrutura chave do Classicismo é edifício do governo, a estrutura chave do ecletismo é um prédio de apartamentos (“para todos”). O decorativoismo eclético é um fator de mercado que surgiu com o objetivo de atrair uma ampla clientela para um prédio onde se alugam apartamentos. Um prédio de apartamentos é um tipo de habitação em massa.

Modernismo- era artística, unindo movimentos artísticos, cujo conceito artístico reflete a aceleração da história e o fortalecimento da sua pressão sobre o homem (simbolismo, raionismo, fauvismo, primitivismo, cubismo, acmeísmo, futurismo); o período da personificação mais completa do vanguardismo. Durante o período do modernismo, o desenvolvimento e a mudança nas direções artísticas ocorreram rapidamente.

Os movimentos artísticos modernistas constroem-se a partir da desconstrução da estrutura tipológica de uma obra clássica – alguns de seus elementos tornam-se objetos de experimentações artísticas. EM arte clássica esses elementos estão equilibrados. O modernismo perturbou este equilíbrio, fortalecendo alguns elementos e enfraquecendo outros.

Simbolismo- um movimento artístico da era modernista que afirma o conceito artístico: o sonho do poeta é a cavalaria e uma bela dama. Sonhos de

cavalaria, a adoração de uma bela dama preenche a poesia simbolismo.

O simbolismo surgiu na França. Seus mestres foram Baudelaire, Mallarmé, Verlaine e Rimbaud.

Acmeísmo é um movimento artístico da literatura russa do início do século XX, que surgiu na “Idade da Prata”, existiu principalmente na poesia e afirmou: poeta- um feiticeiro e orgulhoso governante do mundo, desvendando seus segredos e superando seu caos.

Os seguintes pertenciam ao Acmeísmo: N. Gumilyov, O. Mandelstam, A. Akhmatova, S. Gorodetsky, M. Lozinsky, M. Zenkevich, V. Narbug, G. Ivanov, G. Adamovich e outros.- movimento artístico da era do modernismo, afirmando uma personalidade agressiva e militante no caos urbano organizado do mundo.

Definindo artístico o fator do futurismo é a dinâmica. Os futuristas implementaram o princípio da experimentação ilimitada e alcançaram soluções inovadoras na literatura, pintura, música e teatro.

Primitivismo- um movimento artístico que simplifica o homem e o mundo, buscando ver o mundo através dos olhos das crianças, com alegria e simplicidade, fora do “adulto”» dificuldades. Este desejo dá origem a fortes e lados fracos primitivismo.

O primitivismo é uma nostalgia atávica do passado, ansiando por um modo de vida pré-civilizado.

O primitivismo se esforça para capturar os contornos principais mundo complexo, procurando nele cores e linhas alegres e compreensíveis. O primitivismo é oposição à realidade: o mundo torna-se mais complexo, mas o artista simplifica-o. No entanto, o artista simplifica o mundo para lidar com a sua complexidade.

Cubismo - uma variedade geometrizada de primitivismo que simplifica a realidade, percebendo-a com olhos infantis ou “selvagens”.

a verdadeira natureza da primitivização: ver o mundo através das formas de figuras geometricamente regulares.

O cubismo na pintura e na escultura foi desenvolvido pelos artistas italianos D. Severini, U. Boccione, C. Kappa; Alemão - E.L. Kirchner, G. Richter; Americano - J. Pollock, I. Rey, M. Weber, mexicano Diego Rivera, argentino E. Pettoruti e outros.

No cubismo, as estruturas arquitetônicas são sentidas; as massas estão mecanicamente acopladas umas às outras e cada massa mantém a sua independência. O cubismo abriu uma direção fundamentalmente nova na arte figurativa. Obras convencionais do Cubismo (Braque, Gris, Picasso, Léger) mantêm uma ligação com o modelo. Os retratos correspondem aos originais e são reconhecíveis (um crítico americano num café parisiense reconheceu um homem que conhecia apenas por um retrato de Picasso composto por figuras geométricas).

Os cubistas não retratam a realidade, mas criam uma “realidade diferente” e transmitem não a aparência de um objeto, mas seu design, arquitetura, estrutura, essência. Eles não reproduzem um “fato narrativo”, mas incorporam visualmente seu conhecimento sobre o assunto retratado.

Abstracionismo- direção artística de arte do século XX, cujo conceito artístico afirma a necessidade do indivíduo escapar da realidade banal e ilusória.

As obras de arte abstrata estão separadas das próprias formas de vida e incorporam as impressões subjetivas de cores e fantasias do artista.

Duas tendências surgiram na arte abstrata. Primeira corrente abstracionismo lírico-emocional, psicológico - uma sinfonia de cores, harmonização de combinações de cores informes. Este movimento nasceu da diversidade impressionista de impressões do mundo, materializadas nas pinturas de Henri Matisse.

O criador da primeira obra do abstracionismo psicológico foi V. Kandinsky, que pintou o quadro “Montanha”.

Segunda corrente - o abstracionismo geométrico (lógico, intelectual) (“neoplasticismo”) é o cubismo não figurativo. No nascimento deste movimento, um papel significativo foi desempenhado por P. Cézanne e pelos cubistas, que criaram um novo tipo de espaço artístico combinando vários formas geométricas, planos coloridos, linhas retas e quebradas.

Suprematismo(autor do termo e fenômeno artístico correspondente Kazimir Malevich) - o movimento do abstracionismo, que aguçou e aprofundou suas feições. Malevich abriu o movimento “Suprematismo” em 1913 com a pintura “Quadrado Negro”. Mais tarde, Malevich formulou os seus princípios estéticos: a arte é duradoura devido ao seu valor intemporal; a pura sensualidade plástica é a “dignidade das obras de arte”. A estética e a poética do Suprematismo afirmam fórmulas e composições pictóricas universais (suprematistas) - estruturas ideais a partir de elementos geometricamente corretos.

O raísmo é um dos movimentos quase abstracionistas que afirmaram a dificuldade e a alegria da existência humana e a incerteza do mundo, em que todos os objetos iluminados por diferentes fontes de luz se encontram desmembrados pelos raios dessa luz e perdem sua figuratividade nítida.

O raísmo surgiu em 1908 - 1910 obg. nas obras dos artistas russos Mikhail Larionov e sua esposa Natalia Goncharova.

Durante neomodernismo, todos os movimentos artísticos de vanguarda vêm de tal compreensão da realidade: uma pessoa não consegue suportar a pressão do mundo e se torna um neo-humano. Durante este período, o desenvolvimento

Existem movimentos artísticos de vanguarda que afirmam conceitos artísticos sombrios e pessimistas do mundo e da personalidade. Entre eles Dadaísmo, construtivismo, surrealismo, existencialismo, neo-abstracionismo, etc.

O dadaísmo é um movimento artístico que afirma um conceito artístico; mundo- loucura sem sentido que testa a razão e a fé.

Os princípios do dadaísmo tornaram-se; uma ruptura com as tradições da cultura mundial, incluindo as tradições linguísticas; fuga da cultura e da realidade, da ideia do mundo como um caos de loucura no qual é lançada uma pessoa indefesa; pessimismo, descrença, negação de valores, sentimento de perda geral e falta de sentido da existência, destruição de ideais e do propósito da vida. O dadaísmo é uma expressão da crise dos valores culturais clássicos, da busca de uma nova linguagem e de novos valores.

O surrealismo é um movimento artístico que se concentra em uma pessoa confusa em um mundo misterioso e incognoscível. O conceito de personalidade no surrealismo poderia ser brevemente expresso na fórmula do agnosticismo: “Eu sou um homem, mas os limites da minha personalidade e do mundo se confundiram. Não sei onde começa e onde termina o meu “eu”, onde está o mundo e o que é?

O surrealismo como movimento artístico foi desenvolvido por: Paul Eluard, Robert Desnos, Max Ernst, Roger Vitran, Antonin Artaud, Rene Char, Salvador Dali, Raymond Queneau, Jacques Prévert.

O surrealismo surgiu com base no dadaísmo, inicialmente como direção literária, que mais tarde encontrou expressão na pintura, bem como no cinema, no teatro e em parte na música.

Para o surrealismo, o homem e o mundo, o espaço e o tempo são fluidos e relativos. Eles estão perdendo limites. Proclama-se o relativismo estético: tudo flui, tudo se esgota.

parece estar confuso” borrões; Nada é certo. O surrealismo afirma a relatividade do mundo e dele valores. Não há fronteiras entre felicidade e infelicidade, entre o indivíduo e a sociedade. Caos do mundo causa caos pensamento artístico - Este é o princípio da estética do surrealismo.

O conceito artístico do surrealismo afirma o mistério e a incognoscibilidade de um mundo em que o tempo e a história desaparecem, e a pessoa vive no subconsciente e se encontra indefesa diante das dificuldades.

Expressionismo- um movimento artístico que afirma: alienado, o homem vive num mundo hostil. Tal como o herói da época, o expressionismo apresentava uma personalidade inquieta, dominada pelas emoções, [incapaz de trazer harmonia a um mundo dilacerado pelas paixões. -

O expressionismo como movimento artístico surgiu a partir das relações com várias áreas atividade científica: com a psicanálise de Freud, a fenomenologia de Husserl, a epistemologia neokantiana, a filosofia do “Círculo de Viena” e a psicologia da Gestalt.

O expressionismo se manifestou em tipos diferentes arte: M. Chagall, O. Kokotka, E. Munch - na pintura; A. Rimbaud, A. Yu. Strindberg, R. M. Rilke, E. Toller, F. Kafka - na literatura; I. Stravinsky, B. Bartok, A. Schoenberg - na música.

Expressionismo baseado na cultura do século XX. revive o romantismo. Expressionismo medo inerente do mundo e contradição entre dinamismo externo e a ideia da essência imutável do mundo (descrença na possibilidade de sua melhoria). De acordo com a arte conceitos do expressionismo, as forças essenciais da personalidade são alienadas em oposição pessoa e instituições sociais hostis a ele: tudo está sem esperança. Ek impressionismo - uma expressão da dor de um artista humanista,

causado a ele pela imperfeição do mundo. Conceito expressionista de personalidade: Humano- um ser emocional, “natural”, alheio ao mundo industrial e racional, urbano em que é forçado a viver.

Construtivismo- movimento artístico (década de 20 do século XX), cujo invariante conceitual é a ideia- a existência humana ocorre no ambiente de forças industriais alienadas dele; e o herói do tempo- racionalista da sociedade industrial.

Os princípios neopositivistas do cubismo, tendo nascido na pintura, foram estendidos de forma transformada à literatura e outras artes e consolidados numa nova direção, convergindo com as ideias do tecnicismo - o construtivismo. Este último via os produtos da indústria como independentes, alienados do indivíduo e dos valores que se lhe opunham. O construtivismo surgiu no alvorecer da revolução científica e tecnológica e idealizou as ideias do tecnicismo; ele valorizava as máquinas e seus produtos acima dos indivíduos. Mesmo nas obras mais talentosas e humanísticas do construtivismo, os factores alienantes do progresso tecnológico são tidos como certos. O construtivismo está repleto do pathos do progresso industrial e da viabilidade económica; é de orientação tecnocrática.

A estética do construtivismo desenvolveu-se entre extremos (às vezes caindo em um deles) - o utilitarismo, que exige a destruição da estética, e o esteticismo. Nas artes plásticas e na arquitetura, os princípios criativos do construtivismo estão o mais próximos possível da engenharia e incluem: cálculo matemático, laconismo dos meios artísticos, composição esquemática, lógica.

Na literatura, o construtivismo como movimento artístico desenvolveu-se (1923 - 1930) na obra do grupo

LCC (Centro Literário de Construtivistas): I.L. Selvinsky, B. N. Ágapov, V.M. Inber, H. A. Aduev, E. Kh. Bagritsky, B.I. Gabrielovich, K.L. Zelinsky (teórico de grupo) e outros também influenciaram o teatro (trabalho do diretor Vsevolod Meyerhold, que desenvolveu os princípios da biomecânica, engenharia teatral e introduziu elementos do espetáculo circense na ação cênica. As ideias do construtivismo cobriram vários tipos de arte com seus. influência, mas teve maior influência na arquitetura. Isso afetou especialmente o trabalho de Le Corbusier, I. Leonidov, V.A Shchuko e V.G.

Existencialismo- o conceito de existência humana, o seu lugar e papel neste mundo, a sua relação com Deus. A essência do existencialismo- a primazia da existência sobre a essência (a própria pessoa molda a sua existência e, ao escolher o que fazer e o que não fazer, traz a essência à existência). O existencialismo afirma uma personalidade solitária, egoísta e auto-valorizada num mundo de absurdo. Para o existencialismo, o indivíduo está acima da história.

Em seu conceito artístico, o existencialismo (J.P. Sartre, A. Camus) afirma que os próprios fundamentos da existência humana são absurdos, até porque o homem é mortal; a história vai de mal a pior e volta a mal novamente. Não há movimento ascendente, há apenas movimento de esquilo roda história, na qual a vida da humanidade gira sem sentido.

A solidão fundamental afirmada pelo conceito artístico do existencialismo tem a consequência lógica oposta: a vida não é absurda onde uma pessoa continua a existir na humanidade. Mas se uma pessoa é solitária, se é o único valor no mundo, então ela é socialmente desvalorizada, não tem futuro e então a morte é absoluta. Isso risca uma pessoa e a vida perde o sentido.

Arte neo-abstrata(arte abstrata da segunda onda) - autoexpressão espontânea-impulsiva; uma rejeição fundamental da figuratividade, da representação da realidade, em nome da pura expressividade; fluxo de consciência capturado em cores.

O neoabstracionismo criou uma nova geração de abstracionistas: J. Paul Lak, De Kuhn e Ig, A. Manisirer e outros. Eles dominaram a técnica surrealista e os princípios do “automatismo mental”. Na obra de Pol Lak, o ato criativo é enfatizado não pela obra em si, mas pelo próprio processo de sua criação. Este processo torna-se um fim em si mesmo e aqui se formam as origens da “action painting”.

Os princípios do neo-abstracionismo foram fundamentados por M. Brion, G. Reed, Sh.-P. Brew, M. Raton. O teórico italiano D. Severini defendeu o esquecimento da realidade, pois esta não afeta a expressão plástica. Outro teórico, M. Zefor, considera que o mérito da pintura abstrata é que ela não traz nada do ambiente normal da vida humana. A fotografia tirou a qualidade visual da pintura, deixando esta apenas capacidades expressivas revelar o mundo subjetivo do artista.

O elo fraco na teoria do abstracionismo e do neo-abstracionismo é a falta de critérios de valor claros para distinguir a criatividade da especulação, a seriedade das piadas, o talento da mediocridade, a habilidade da malandragem.

Soluções artísticas de abstracionismo e neo-abstracionismo (harmonização de cor e forma, criação de “equilíbrio” de planos de diferentes tamanhos devido à intensidade de sua cor) são utilizadas em arquitetura, design, design art, teatro, cinema e televisão.

Pós-modernismo como uma era artística carrega em si um paradigma artístico que afirma que uma pessoa não consegue suportar a pressão do mundo e se torna um pós-humano. Todas as direções artísticas deste

período estão permeados por esse paradigma, manifestando-o e refratando-o por meio de seus conceitos invariantes de mundo e de personalidade: pop art, sonopucmuka, aleatória, pontilhismo musical, hiperrealismo, acontecimentos, etc.

Arte pop- nova arte figurativa. A pop art contrastou a rejeição abstracionista da realidade com o mundo áspero das coisas materiais, ao qual é atribuído status artístico e estético.

Os teóricos da pop art argumentam que, em determinado contexto, todo objeto perde seu significado original e se torna uma obra de arte. Portanto, a tarefa do artista é entendida não como a criação de um objeto artístico, mas como conferir qualidades artísticas a um objeto comum, organizando um determinado contexto de sua percepção. A estetização do mundo material torna-se o princípio da pop art. Os artistas se esforçam para alcançar atratividade, clareza e clareza em suas criações, usando para isso a poética dos rótulos e da publicidade. A pop art é uma composição de objetos do cotidiano, às vezes combinados com um manequim ou escultura.

Carros amassados, fotografias desbotadas, pedaços de jornais e cartazes colados em caixas, um frango recheado sob uma tampa de vidro, pintado de branco Pintura a óleo sapato rasgado, motores elétricos, pneus velhos ou fogões a gás - essas são as exposições artísticas da pop art.

Dentre os artistas da pop art podemos destacar: E. Warhol, D. Chamberlain, J. Dine e outros.

A pop art como movimento artístico tem uma série de variedades (tendências): op art (artisticamente efeitos ópticos organizados, combinações geométricas de linhas e pontos), env-apm(composições, organização artística do ambiente do espectador), el-at(objetos movendo-se com a ajuda de motores elétricos

e designs, este movimento pop art surgiu como um movimento artístico independente - o cinetismo).

A pop art apresentou o conceito de personalidade consumidora de uma sociedade de “consumo de massa”. A personalidade ideal da pop art é uma pessoa consumidora para quem naturezas mortas estetizadas de composições mercantis deveriam substituir a cultura espiritual. Palavras substituídas por bens, literatura substituída por coisas, beleza substituída por utilidade, ganância por materiais, consumo de mercadorias substituindo necessidades espirituais são características da arte pop. Esta direção visa fundamentalmente a personalidade de massa e pouco criativa, privada de pensamento independente e que toma emprestado “seus” pensamentos da publicidade e da mídia. comunicação em massa, uma personalidade manipulada pela televisão e outras mídias. Essa personalidade é programada pela pop art para cumprir os papéis determinados de adquirente e consumidor, suportando obedientemente a influência alienante. civilização moderna. A personalidade da pop art é o zumbi da cultura de massa.

Hiperrealismo ~ um movimento artístico cujo conceito artístico invariante é: impessoal sistema vivo em um mundo cruel e áspero.

Hiperrealismo - cria obras pitorescas sobrenaturalistas que transmitem os mínimos detalhes do objeto retratado. Os temas do hiperrealismo são deliberadamente banais, as imagens são enfaticamente “objetivas”. Esta direção devolve os artistas às formas e meios habituais das belas-artes, em particular à tela, rejeitada pela pop art. O hiperrealismo faz dos temas principais de suas pinturas a natureza morta, artificial, “segunda” do ambiente urbano: postos de gasolina, carros, vitrines, prédios residenciais, cabines telefônicas, que são apresentados como alienados do homem.

O hiperrealismo mostra as consequências da urbanização excessiva, da destruição da ecologia do meio ambiente e prova que a metrópole cria um ambiente desumano. O tema principal do hiperrealismo é a vida mecanizada impessoal de uma cidade moderna.

A base teórica do hiperrealismo - ideias filosóficas a escola de Frankfurt, que afirma a necessidade de se afastar das formas ideológicas de pensamento imaginativo.

Funciona fotorrealismo são baseados em fotografias altamente ampliadas e são frequentemente identificados com hiperrealismo. No entanto, tanto em termos da tecnologia de criação de uma imagem como, mais importante, em termos do conceito artístico invariável do mundo e da personalidade - estas, embora próximas, são direções artísticas diferentes. Os hiperrealistas imitaram fotos usando meios pictóricos na tela; pinturas, processamento (tintas, meios de colagem) de fotografias.

O fotorrealismo afirma a prioridade do conceito documental e artístico: uma pessoa comum e confiável em um mundo comum e confiável.

O objetivo do fotorrealismo é retratar a vida cotidiana moderna. Ruas, transeuntes, vitrines, carros, semáforos, casas e utensílios domésticos são reproduzidos em obras de fotorrealismo de forma autêntica, objetiva e extremamente semelhante.

As principais características do fotorrealismo: 1) figuratividade, contrapondo-se às tradições do abstracionismo; 2) atração pela trama; 3) o desejo de evitar “clichês realistas” e documentalismo; 4) confiança nas realizações artísticas dos equipamentos fotográficos.

Sonorística- direção na música: o jogo de timbres que expressa o “eu” do autor. Para seus representantes, não é a altura do som que importa, mas sim o timbre. Eles estão procurando por novos musical cores, som não convencional: tocado em uma palheta,

serrote, grudar nas cordas do piano, bater no tampo, controle remoto o som é produzido limpando o bocal com um lenço.

Na música sonora pura, a melodia, a harmonia e o ritmo não desempenham um papel especial; apenas o som do timbre importa; A necessidade de registrá-lo deu origem a formas gráficas especiais de registro do timbre na forma de linhas finas, ousadas, onduladas e em forma de cone. Às vezes, a faixa em que o intérprete precisa tocar também é indicada.

O fundador da música sonora foi o compositor polonês K. Penderecki, e sua iniciativa foi continuada por K. Serotsky, S. Bussotti e outros.

Pontilhismo musical- direção à vista * cuja peculiaridade é a fragmentação do tecido musical, sua dispersão nos registros, a complexidade do ritmo e das fórmulas de compasso e a abundância de pausas.

O pontilhismo musical recusa-se a criar um inteligível realidade artística(da realidade, que poderia ser compreendida com base na tradição musical e artística mundial e utilizando códigos semióticos musicais tradicionais). O pontilhismo orienta o indivíduo para a emigração para o mundo da sua alma e afirma a fragmentação do mundo circundante.

Aleatoria- movimento artístico da literatura e da música, baseado na ideia filosófica de que o acaso reina na vida, e afirmando o conceito artístico: homem- um jogador em um mundo de situações aleatórias.

Representantes da aleatória: K. Stockhausen, P. Boulez, S. Bussotti, J. Cage, A. Pusser, K. Serotsky e outros. A aleatoriedade entra mecanicamente nas obras literárias ou musicais: jogando fichas (dados), jogando xadrez, embaralhando páginas ou variando fragmentos, e também

improvisação: o texto musical é escrito com “sinais-símbolos” e depois interpretado livremente.

Acontecendo- Este é um dos tipos de cultura artística moderna do Ocidente. O autor das primeiras produções do acontecimento “The Yard”, “Creations” foi A. Keprow. As produções Happening envolvem ações misteriosas, às vezes ilógicas, dos performers e são caracterizadas por uma abundância de adereços feitos com itens usados ​​​​e até mesmo retirados de aterros sanitários. Os participantes do acontecimento usam trajes brilhantes e exageradamente ridículos, enfatizando a natureza inanimada dos performers, sua semelhança com caixas ou baldes. Algumas performances consistem, por exemplo, numa dolorosa retirada de debaixo de uma lona. Ao mesmo tempo, o comportamento individual dos atores é improvisado. Às vezes, os atores recorrem ao público com um pedido de ajuda. Esta inclusão do espectador na ação corresponde ao espírito do acontecimento.

O conceito de mundo e personalidade apresentado pelo acontecimento pode ser formulado da seguinte forma: mundo- uma cadeia de eventos aleatórios, uma pessoa deve sentir subjetivamente total liberdade, mas na realidade obedecer a uma única ação, ser manipulada.

O acontecimento utiliza light painting: a luz muda continuamente de cor e intensidade, é direcionada diretamente ao ator ou brilha através de telas de materiais diferentes. Muitas vezes é acompanhado efeitos sonoros(vozes humanas, música, tilintar, crepitar, ranger). O som às vezes é muito forte, inesperado, projetado para ter um efeito de choque. A apresentação inclui transparências e stills de filmes. Laura também utiliza substâncias aromáticas. O performer recebe uma tarefa do diretor, mas a duração das ações dos participantes não é determinada. Todos podem sair do jogo quando quiserem.

Os acontecimentos acontecem em diversos locais: em estacionamentos, em pátios cercados por prédios altos, em porões. poços, em sótãos. O espaço de um acontecimento, segundo os princípios desta ação, não deve limitar a imaginação do artista e do espectador.

O teórico do acontecimento M. Kirby refere esse tipo de espetáculo ao campo do teatro, embora observe que os acontecimentos diferem do teatro pela ausência da estrutura tradicional da peça: enredo, personagens e conflito. Outros investigadores associam a natureza do acontecimento à pintura e à escultura, e não ao teatro.

As origens do acontecimento remontam às buscas artísticas do início do século XX, às tentativas de alguns pintores e escultores de deslocar a ênfase de uma pintura ou escultura para o próprio processo de sua criação. também tem origem na “action painting”: no “drop splashing” de J. Pollock, nas pinceladas “cortantes” de De Kooning, nas pinturas fantasiadas de J. Mathieu.

Arte autodestrutiva- este é um dos estranhos fenômenos do pós-modernismo. Pinturas pintadas com tinta que desbota diante dos olhos do público. O livro “Nothing”, publicado nos EUA em 1975 e republicado na Inglaterra. Tem 192 páginas e não há uma única linha nele. O autor afirma ter expressado o pensamento: não tenho nada para lhe contar. Todos esses são exemplos de arte autodestrutiva. Também tem a sua expressão na música: a execução de uma peça num piano em ruínas ou num violino em desintegração, etc.

Conceitualismo- Este é um movimento artístico da arte ocidental, que no seu conceito artístico afirma uma pessoa desligada do sentido direto (imediato) da cultura e rodeada de produtos estetizados da atividade intelectual.

As obras do conceitualismo são imprevisivelmente diferentes em sua textura e aparência: fotografias, fotocópias de textos, telegramas, reproduções, gráficos, colunas de números, diagramas. O conceitualismo usa um produto intelectual para outros fins que não o pretendido. atividade humana: o destinatário não deve ler e interpretar o significado do texto, mas percebê-lo como um produto puramente estético, interessante na sua aparência.

Representantes do conceitualismo; Artistas americanos T. Atkinsoni, D. Bainbridge, M. Baldwin, H. Harrell, Joseph Kosuth, Lawrence Weiner, Robert Berry, Douglas Huebler e outros.

Realismo crítico do século XIX,- direção artística" apresentando o conceito: o mundo e o homem são imperfeitos; saída- não resistência ao mal por meio da violência e do autoaperfeiçoamento.

M O realismo socialista é um movimento artístico que afirma o conceito artístico: o indivíduo é socialmente ativo e incluído na criação da história por meios violentos.”

Realismo camponês- um movimento artístico que afirma que o camponês é o principal portador da moralidade e o sustentáculo da vida nacional.

Realismo camponês (prosa de aldeia) - direção literária da prosa russa (anos 60 - 80); O tema central é a aldeia moderna, o personagem principal é um camponês - único verdadeiro representante do povo e portador de ideais.

Neorrealismo- o movimento artístico do realismo do século XX, que se manifestou no cinema italiano do pós-guerra e em parte na literatura. Características: o neorrealismo mostrou grande interesse pelo homem do povo, pela vida das pessoas comuns: grande atenção aos detalhes, observação e registro de elementos que entraram na vida após a Segunda Guerra Mundial. Produzido

O neorrealismo afirma as ideias do humanismo, a importância dos valores simples da vida, da bondade e da justiça nas relações humanas, da igualdade das pessoas e da sua dignidade, independentemente da sua situação financeira.

realismo mágico- um movimento artístico de realismo que afirma o conceito: uma pessoa vive numa realidade que combina modernidade e história, o sobrenatural e o natural, o paranormal e o quotidiano.

A peculiaridade do realismo mágico é que os episódios fantásticos se desenvolvem de acordo com as leis da lógica cotidiana como realidade cotidiana.

Realismo psicológico- movimento artístico do século XX, propondo o conceito: o indivíduo é responsável; o mundo espiritual deve ser preenchido com uma cultura que promova a fraternidade das pessoas e supere o seu egocentrismo e a solidão.

Realismo intelectual- Esta é a direção artística do realismo, em cujas obras se desenrola um drama de ideias e os personagens em seus rostos “representam” o pensamento do autor, expressam vários aspectos de seu conceito artístico. O realismo intelectual pressupõe o modo de pensar conceitual e filosófico do artista. Se o realismo psicológico se esforça para transmitir a plasticidade do movimento dos pensamentos, revela a dialética da alma humana, a interação do mundo e da consciência, então o realismo intelectual se esforça para resolver de forma artística e convincente os problemas atuais e fornecer uma análise do estado do mundo.

Informação relacionada.

Inicialmente, na estética e na filosofia da arte da Nova Era, as tentativas de uma definição formal da beleza dominaram claramente as suas definições substantivas. Mas já depois de Kant, as limitações das definições formais e o seu distanciamento da prática real da arte tornaram-se bastante evidentes. Com o surgimento no século XIX. Na arte contemporânea, as definições formais de beleza começaram a parecer um claro anacronismo.

“A Renascença”, escreve G. Wölfflin, “desenvolveu desde muito cedo uma ideia clara de que o primeiro sinal de perfeição na arte é um sinal de necessidade. A perfeição deveria dar a impressão de que não poderia ser de outra forma, como se cada mudança, por menor que fosse, deveria dar a impressão de que não poderia ser de outra forma. parte destruiria a beleza e o significado do todo." Esta lei (se é que se pode chamar lei), observa Wölfflin, foi adivinhada e expressa já em meados do século XV.

L. B. Alberti em “Dez Livros sobre Arquitetura” escreveu, em particular: “A beleza é uma harmonia estrita e proporcional de todas as partes, unidas por aquilo a que pertencem, de modo que nada pode ser adicionado, subtraído ou alterado sem piorar. coisa grande e divina...” Em outro lugar Alberti escreve sobre “o acordo e a consonância das partes”, e quando fala de uma bela fachada como “música” na qual nenhum tom pode ser mudado, ele não está falando sério. nada mais do que a necessidade, ou organicidade, da combinação de formas. "Podemos dizer isso. A beleza é uma certa concordância e consonância das partes daquilo de que fazem parte - correspondendo ao estrito número, limitação e posicionamento que é necessário harmonia, aqueles. princípio absoluto e primário da natureza " .

A proporcionalidade, ou proporcionalidade, que os artistas do Renascimento procuravam, torna-se especialmente clara quando a arte deste período é comparada com a arte do estilo artístico que o seguiu, o Barroco.

O Barroco, ao contrário do Renascimento, não se baseava em nenhuma teoria. O próprio estilo se desenvolveu sem modelos geralmente aceitos, e seus representantes não perceberam que estavam procurando caminhos fundamentalmente novos. Porém, com o passar do tempo, artistas e teóricos da arte começaram a indicar novos sinais distintivos formais de beleza, e a exigência de proporcionalidade, ou proporcionalidade, antes considerada fundamental, foi descartada. Podemos dizer que com a mudança do estilo artístico houve uma mudança nas ideias sobre beleza. Entre eles, os novos sinais formais integrais de beleza incluem desobediência, ou originalidade, e incomum.

O barroco busca expressar não o ser perfeito, mas a formação, o movimento. Por isso, o conceito de proporcionalidade perde o sentido: a ligação entre as formas enfraquece, utilizam-se proporções “impuras” e introduzem-se dissonâncias na consonância das formas. As proporções estão se tornando cada vez mais raras e é cada vez mais difícil para os olhos captá-las. Muitas vezes não há apenas uma complicação na percepção das relações harmônicas, mas uma dissonância criada deliberadamente.

Na arquitetura existem, por exemplo, nichos espremidos, janelas que não condizem com o tamanho das paredes, janelas grandes demais para a superfície pretendida da pintura, etc. A tarefa artística não se vê mais na concordância, mas na resolução de dissonâncias. Em seu movimento ascendente, elementos contraditórios se reconciliam, a harmonia das relações puras nasce das dissonâncias.

A preferência, como no Renascimento, é dada a uma interpretação formal da beleza. A diferença em suas definições se deve principalmente ao fato de que se a arte da Renascença buscava a perfeição e a completude, ou seja, Além do que a natureza só consegue produzir em casos muito raros, o barroco tenta criar a impressão de informe que precisa ser refreado.

Toda a era dos tempos modernos é marcada por flutuações entre interpretações formais e significativas da beleza.

Leibniz define a beleza como “unidade harmoniosamente ordenada na diversidade”. Para Baumgarten, a beleza é “a perfeição do que aparece”. O artista W. Hogarth tentou identificar certas “leis da beleza” objetivas: proporções perfeitas e a “linha de beleza” absoluta que ele viu em uma onda senoidal. F. Schiller mais tarde se interessou pela ideia de uma “linha de beleza” única.

Começando com Kant, interpretações significativas da beleza vêm à tona, levando em conta, em particular, o julgamento que o público faz sobre ela. "Maravilhoso isso”, diz Kant, “é o que todo mundo gosta sem um conceito”, já que o principal no julgamento do gosto não é o conceito, mas o sentimento interno de “harmonia no jogo”. força mental”, que tem caráter universal. A beleza é uma forma conveniência objeto, uma vez que é percebido nele sem senso de propósito. A beleza começa com a forma, mas não se reduz à forma, mas é a forma tomada em unidade com o conteúdo. Tentar olhar a beleza apenas como forma não é suficiente. Na Crítica do Juízo, Kant dá quatro explicações sobre o belo: gostamos dele sem interesse adicional; admiramos a beleza sem pensar; beleza é conveniência sem definição de metas; a beleza é obrigatória para todos. O belo acaba sendo, portanto, uma característica não do objeto em si, mas de sua certa relação com o indivíduo que percebe o objeto. Percebendo a insuficiência de suas definições, que delineiam apenas a aparência externa da beleza, ou “beleza pura”, Kant também introduz o conceito de “beleza acompanhante”. “Pura beleza” na natureza são as flores. A beleza de uma pessoa é “acompanhante” e é definida como “um símbolo do moralmente bom”.

Introdução. Estética e mentalidade do século XX. Situação social e espiritual no início do século XX. Principais direções artísticas, estéticas e filosóficas. O homem como objeto de análise sócio-filosófica (conceitos positivistas, existenciais, psicanalíticos, teológicos e outros). Filosofia e literatura. Conceitos básicos do pensamento cultural e filosófico moderno: 3. Freud e o desenvolvimento de questões na teoria da psicanálise; a teoria do “inconsciente coletivo” de K. Jung; M. Heidegger e a formação do conceito existencialista de homem. Compreendendo a autoconsciência da cultura em crise por O. Spengler (“O Declínio da Europa”). Mitologia do jogo nas obras de I. Huizinga. Guerra Mundial 1914 como um importante marco histórico e como um dos principais temas da literatura do início do século. Criatividade dos escritores da “geração perdida”. A emergência de uma nova estética do realismo como forma de pensamento tradicionalista no século XX. O modernismo como categoria cultural e um tipo de visão de mundo criativa. Conceito artístico do modernismo. Descoberta do absurdo como qualidade da realidade. Novo conceito personalidade na estética do modernismo. Mitologia do pensamento. Dialética da relação entre realismo e modernismo.

Um retrato dos estilos e movimentos artísticos da 2ª metade do século XX. extremamente colorido.

LITERATURA

Na segunda metade do século XX. A gama internacional de literatura está se expandindo rapidamente. Subindo ao cenário mundial literaturas nacionais países libertados da Ásia, África e América Latina. Os tesouros de sua cultura milenar, antes esquecidos, tornam-se propriedade pública.

Na 2ª metade do século XX. Os contactos literários internacionais estão a tornar-se comuns.

Na literatura ocidental pode-se sentir o clima de pessimismo, desgraça e medo do futuro.

Toda a literatura ocidental está dividida em 2 grandes camadas: literatura “de massa” e literatura “grande”. Na grande literatura, ocorrem pesquisas criativas que influenciam processo literário, transformar a literatura, desenvolvê-la.

Um poderoso fenômeno da literatura da 2ª metade do século XX. tornou-se a literatura do modernismo. Isto ficou especialmente evidente no drama (teatro do absurdo ou antiteatro, peças de Ionesco e Beckett) e na poesia. Os poetas isolaram-se da realidade, oferecendo a realidade a si próprios e a um círculo estreito. Criados por eles mesmos.

Nos anos 50-70. em Literatura francesa A prática do “novo romance” (“anti-romance”) foi generalizada. Os escritores do “novo romance” declararam esgotada a técnica da prosa narrativa tradicional e fizeram uma tentativa de desenvolver métodos de narrativa sem enredo e sem heróis, ou seja, um romance sem enredo, sem intriga, sem história de vida dos heróis, etc. Os “neo-romancistas” partiram do fato de que o próprio conceito de personalidade também está desatualizado, por isso faz sentido escrever apenas sobre objetos ou alguns espécie de fenômenos de massa ou pensamentos sem enredo específico e sem personagens dos personagens (“materialismo” de A. Robbe-Grillet, “magma do subconsciente” de N. Sarraute). Em vários casos, os representantes desta tendência desviaram-se dos seus princípios e as suas obras receberam conteúdo significativo.

Literatura da 2ª metade do século XX. Foi representado por obras de realismo crítico, neo-romantismo e novo realismo. Literatura fantástica, etc. Cada potência literária (França, Inglaterra, EUA, Alemanha) desenvolveu-se de maneira especial, suscitando na literatura os problemas candentes que lhe são característicos (nos EUA - o problema dos negros, na Alemanha - o problema dos neo- fascismo, na Inglaterra - ideias anticoloniais e etc.), mas havia pontos comuns relacionados aos fenômenos históricos gerais do movimento juvenil dos anos 60, que varreu todos os países, a ameaça de guerra nuclear associada à corrida armamentista, e a propagação do pessimismo e da descrença no progresso.

O “novo realismo” está absorvido na premonição de uma ameaça, a morte de uma pessoa não sob as bombas, mas sob as coisas da padronização da alma, a perda da origem pessoal.

O herói está insatisfeito consigo mesmo, mas é passivo.

O tema da solidão, o destino trágico do jovem herói e a falta de espiritualidade da sociedade burguesa moderna estão refletidos nas obras de Heinrich Böll (“Através dos Olhos de um Palhaço”, 1963; só Hans Schnier quer combater o clericalismo político da Alemanha Ocidental, tenta defender sua independência. Traído por seus pais e por sua amada, ele se vê sem trabalho. Ele não vai prestar homenagem aos parentes ricos, mas vai à praça da estação para mendigar. contra pais respeitáveis ​​​​e uma sociedade próspera.), no romance do escritor americano Jerome Selinger “O apanhador no campo de centeio” ​​(1951). Uma atmosfera de mentiras e hipocrisia envolve o personagem principal, o adolescente americano Holden Colfold, de 16 anos. Ele está farto de tudo. Ele já mudou 4 escolas, onde há muitos alunos desonestos, ladrões, onde o diretor da escola bajula os pais ricos e mal cumprimenta os pobres. Caulfield é um adolescente normal, ama seus pais, sua irmã Fibby, mas não quer viver como todos ao seu redor vivem. Mas ele não sabe viver de maneira diferente. Mas ele realmente quer proteger do abismo as criancinhas que brincam ao lado dela no campo de centeio.

França

No início dos anos 50, uma nova direção se declarou na arte teatral francesa - a arte do absurdo, apresentada em oposição ao pensamento burguês e ao bom senso filisteu. Seus fundadores foram dramaturgos residentes na França - o romeno Eugene Ionesco e o irlandês Samuel Beckett. Peças de dramaturgia absurdas (“antipeças”) foram encenadas em muitos teatros de países capitalistas.

A arte do absurdo é um movimento modernista que busca criar um mundo absurdo como reflexo do mundo real, para isso foram construídas cópias naturalistas da vida real de forma caótica, sem qualquer conexão;

A base da dramaturgia foi a destruição do material dramático. As peças carecem de especificidade local e histórica. A ação de parte significativa das peças do teatro do absurdo acontece em pequenos espaços, quartos, apartamentos, totalmente isolados de mundo exterior. A sequência temporal de eventos está sendo destruída. Assim, na peça “O Cantor Careca” (1949), de Ionesco, 4 anos após a morte, o cadáver revela-se quente e é enterrado seis meses após a morte. Os dois atos da peça Esperando Godot (1952) são separados pela noite e por “talvez 50 anos”. Os próprios personagens da peça não sabem disso.

A concretude local e o caos temporário são complementados por uma violação da lógica nos diálogos. Aqui está uma anedota da peça “O Cantor Careca”: “Certa vez, um certo touro perguntou a um certo cachorro por que ele não engolia sua tromba. “Desculpe”, respondeu o cachorro, “pensei que era um elefante”. O próprio nome da peça “O Cantor Careca” é um absurdo: neste “antidrama” o cantor careca não só não aparece, como nem sequer é mencionado.

Os absurdistas pegaram emprestado o absurdo e as combinações do incongruente dos surrealistas e transferiram essas técnicas para o palco.

S. Dali pintou Vênus em uma de suas pinturas com escrupulosa precisão. Com não menos cuidado, ele retratou as gavetas localizadas em seu torso. Cada um dos detalhes é semelhante e inteligível. A combinação do torso de Vênus com gavetas priva a imagem de qualquer lógica.

O herói da peça “O Salão do Automóvel” (1952), de Ionesco, prestes a comprar um carro, diz à vendedora: “Mademoiselle, você poderia me emprestar seu nariz para que eu possa ver melhor? Vou devolvê-lo para você antes de partir. A vendedora responde em “tom indiferente”. "Aqui está, você pode ficar com ele." Partes das frases estão em uma combinação absurda.

A vida nas anti-peças vai e aparece sob o signo da morte. Os heróis da peça "Cadeiras" de Ionesco (1952) tentam se enforcar duas vezes; o assassinato constitui a base do enredo de sua peça Amedee or How to Get Off (1954); 5 cadáveres aparecem na peça The Bounty Killer (1957); o quadragésimo aluno é morto pelo herói da peça “A Lição” (1951).

Uma pessoa no teatro do absurdo é incapaz de agir. Esta ideia é expressa de forma especialmente franca no final da peça “Assassino Sem Remuneração” de Ionesco. O herói fica cara a cara com um assassino responsável por muitas vítimas, incluindo mulheres e crianças. O herói aponta 2 pistolas para o criminoso. O criminoso está armado apenas com uma faca. O herói começa a raciocinar, larga as pistolas e se ajoelha diante do assassino. E o criminoso o esfaqueia com uma faca. Os heróis das obras de arte absurda não conseguem realizar uma única ação, são incapazes de realizar um único plano.

Ionesco considerava Bertolt Brecht com seu conceito teatral diametralmente oposto como seu oponente ideológico.

Bertolt Brecht desenvolveu o conceito original de teatro épico antes mesmo da guerra. Mas ele conseguiu implementá-lo somente depois da guerra. Em 1949 Na RDA, Bertolt Brecht fundou o Berliner Ensemble.

O teatro do absurdo foi substituído pelos “happenings” (happening. Do inglês. Happen - acontecer, acontecer), que deu continuidade à sua linha. No palco, não havia lógica interna para o que estava acontecendo; as ações dos personagens eram inesperadas e inexplicáveis. Os acontecimentos surgiram e se tornaram mais difundidos nos Estados Unidos na década de 60.

Aqui está um exemplo de uma das performances de acontecimentos: homens respeitáveis ​​sentam-se no palco, em uma grande mesa, e discutem assuntos sérios. O orador fala monotonamente. Uma jovem nua (uma famosa estrela de cinema) aparece nos bastidores. Ela atravessa o palco passando pelos homens sentados, desce até o auditório, caminha entre as fileiras e senta no colo de um dos espectadores.

Logo os acontecimentos se expandiram para além das instalações do teatro. A ação foi transferida para as ruas, para os pátios das casas. Os acontecimentos foram chamados de anti-arte, não vestindo natureza criativa, que significa “arte popular”.

Que tarefa os acontecimentos resolveram - privar a arte das suas funções, lógica e significado específicos para aproximá-la da vida, bem como eliminar os tabus sexuais.

Anos 50, especialmente anos 70. foram turbulentos para o teatro dos EUA não apenas por causa da experimentação modernista, mas em conexão com o surgimento de verdadeiros dramaturgos interessantes Tennys Williams (1911-1983): A Streetcar Named Desire!, 1947, Cat on a Hot Tall, 1955, 1976, The Bruxas de Salem”, 1953 e outros, levantando problemas de desunião e crueldade.

Teatro inglês Após a Segunda Guerra Mundial, viveu um período de crise. Apenas “jovens raivosos” (D. Osborne, “Look Back in Anger”, 1956, S. Delaney, “A Taste of Honey”, 1956) provocaram isso.

Durante esses mesmos anos, um movimento de teatro juvenil, o “franja” (linha lateral), associado à busca por uma arte politicamente ativa diretamente envolvida na luta social, espalhou-se pela Inglaterra. Os participantes da “franja” subiram ao palco do Royal Shakespeare. Teatro.

Após a derrubada da ditadura fascista na Itália, novas forças chegaram ao teatro deste país, entre elas o ator e diretor Eduardo de Filippo (1900-1984), o Piccolo Teatro e o Teatro de Arte Italiana foram criados em Roma.

O Piccolo Teatro, fundado em 1947, ganhou fama mundial. dirigido por Giorgio Strehler, dirigido por Paolo Grassi. Gerações inteiras de pessoas, graças a Piccolo, adquiriram princípios morais e formaram sua atitude em relação ao mundo e a si mesmos. O teatro não ensinou a viver, mas ajudou a viver, participou da vida das pessoas.

PINTURA

Nos países burgueses da primeira metade do século XX. A arte abstrata começou a perder posição sob a pressão das novas tendências. Por exemplo, “arte óptica” (op art), cujo fundador foi Victor Vasarely, que trabalhou na França. Essa arte consistia em composições de linhas e manchas geométricas, iluminadas com lâmpadas coloridas. Tais composições estavam localizadas em superfícies esféricas planas ou imaginárias. A arte op rapidamente passou para os têxteis, a publicidade e a gráfica industrial, ou serviu como espetáculo de entretenimento.

A Op Art foi rapidamente substituída por “mobiles” – estruturas que giram usando eletricidade. Para atrair a atenção dos telespectadores, alguns “móveis” foram acoplados a dispositivos de reprodução de som, e os “móveis” emitiam um ruído estridente. Essa direção é chamada de arte cinética. As coisas mais incríveis foram selecionadas para fazer pinturas cinéticas. As estruturas começaram a se mover, emitir luz e ranger.

Uma nova onda de tendências foi liderada pela pop art (arte popular, mais precisamente “arte de consumo”), que teve origem nos EUA. Robert Rauschenberg, James Rosenquist, Roy Lichtenberg, Jesper Johns. Andrew Warhol difundiu esta tendência em muitos países ao redor do mundo.

Após o domínio da abstração, a arte deixou de fugir da vida e da atualidade; bomba atômica e psicoses em massa, retratos de políticos e estrelas de cinema, política e erotismo.

O luminar da arte rupestre foi o americano Robert Rauschenberg. Em uma exposição em Nova York em 1963. ele falou sobre a criação de sua primeira pintura, “A Cama”. Ele acordou cedo numa manhã de maio, cheio de vontade de começar a trabalhar. Havia um desejo, mas não havia tela. Tive que sacrificar a colcha - no verão dá para ficar sem ela. Tentar respingar tinta na colcha não surtiu o efeito desejado: a malha da colcha tiraria a tinta. Tive que sacrificar o travesseiro - ele fornecia a superfície branca necessária para realçar a cor. O artista não estabeleceu nenhuma outra tarefa para si.

As salas de exposição na Europa e nos EUA começaram a parecer exposições de artesanato de círculos amadores de artesãos e inventores populares, porque a técnica da pop art era extremamente diversificada: pintura e colagem, projeção de fotografias e slides em tela, pulverização com pistola, combinar desenhos com pedaços de objetos, etc. d.

A arte da pop art estava intimamente ligada à arte da publicidade comercial, que se tornou parte integrante do modo de vida americano. A publicidade promove de forma chamativa e intrusiva um padrão de produto. Assim como na publicidade, os principais temas da pop art eram carros, geladeiras, aspiradores de pó, secadores de cabelo, salsichas, sorvetes, bolos, manequins, etc. Alguns artistas de renome ajudaram a comercializar a mercadoria. Assim, Andy Warhol tornou-se o ídolo dos industriais, elevando a imagem das mercadorias ao nível dos ícones. Para criar suas pinturas, Warhol usou latas, garrafas de Coca-Cola e depois notas. As latas de comida enlatada que ele autografou esgotaram-se instantaneamente. Os mercadores recompensaram generosamente esse zelo.

O hiperrealismo (superrealismo) estava próximo da pop art. Os artistas desse movimento tentaram copiar a realidade com muita precisão, até mesmo usando um manequim. O escultor modernista J. Segal ficou famoso por fazer manequins. Ele inventou sua própria técnica para fazer cópias de pessoas vivas. Seagal enfaixou as pessoas com largas bandagens cirúrgicas, dando-lhes a posição desejada, e encheu-as com gesso. Seagal colocou as figuras resultantes em cadeiras comuns, camas e banheiras. A natureza anêmica dos manequins de Seagal enfatiza o desamparo e a inação das pessoas em relação ao mundo exterior.

Seguindo a pop art, surgiu uma série de movimentos modernistas. Uma dessas inovações é a body art (do inglês “Body”).

Logo a arte corporal mudou sua direção dinâmica. Uma das exposições apresentou uma escultura subterrânea abstrata. O escultor convidou escavadores, eles cavaram um buraco em forma de cova diante dos espectadores no pátio do museu e imediatamente o enterraram. Não existia escultura propriamente dita, mas existia uma “comunicação” entre o artista e o público.

Mas mesmo esta “nova arte realista” não se esgotou. A próxima etapa foi a direção destrutiva. Para visualização, os destrutivistas ofereceram uma demonstração de pedaços de gordura derretida com unhas e cabelos humanos. Outras áreas do modernismo incluem o fotorrealismo - um reflexo da realidade, ou melhor, do seu momento congelado, com a ajuda da fotografia. Fotorrealistas R. Bekhte, B. Schonzeit, D. Parrish, R. McLean e outros. reduziu o processo criativo à cópia mecânica de uma fotografia. Os modernistas também prestaram atenção aos problemas ambientais, criando outra direção - o georrealismo. Para criar suas obras, usaram água, terra, grama, sementes de plantas, areia, etc. Por exemplo, no meio da sala do museu havia um monte de terra; Na entrada do salão havia um saco plástico transparente cheio de água, no qual os visitantes tropeçavam.

A “Arte Ambiental” serviu de trampolim para a introdução da arte psicodélica – obras criadas, e preferencialmente percebidas, sob a influência de drogas. Esta tendência não é muito nova: os modernistas criam obras semelhantes há vários anos, mas não as promovem abertamente.

Não pode ser desconsiderada no panorama das artes da 2ª metade do século XX. surrealismo e choque ativo de seu mestre Salvador Dali (1904-1988).

Sonho e realidade, delírio e realidade misturam-se e são indistinguíveis, de modo que é impossível compreender onde se fundiram e onde se uniram pela mão hábil do artista. Enredos fantásticos, alucinações monstruosas, grotesco combinado com uma técnica de pintura virtuosa - é isso que atrai as pessoas nas obras de Dali.

Muito provavelmente, ao lidar com este artista e pessoa, deve-se partir do fato de que literalmente tudo o que o caracteriza (pinturas, obras literárias, ações públicas e até hábitos cotidianos) devem ser entendidas como atividades surreais. Dali é muito holístico em todas as suas manifestações. Portanto, para compreender e compreender a obra e a personalidade de Salvador Dali é necessário, pelo menos linhas gerais, conheça o que se esconde sob o nome de surrealismo.

O surrealismo (do surrealismo francês - literalmente super-realismo) é um movimento modernista na arte do século XX, que proclamou a fonte da arte como a esfera do subconsciente (instintos, sonhos, alucinações) e seu método de quebrar conexões lógicas, substituídas por associações subjetivas. As principais características do surrealismo são a assustadora antinaturalidade da combinação de objetos e fenômenos, aos quais é dada autenticidade aparente.

O surrealismo surgiu em Paris na década de 1920. Nessa época, várias pessoas com ideias semelhantes agruparam-se em torno do escritor e teórico da arte Andre Breton - artistas Jean Arp, Max Ernst, escritores e poetas - Louis Aragon, Paul Eluard, Philippe Soupault, etc. um novo estilo na arte e na literatura, eles procuraram, antes de tudo, refazer o mundo e mudar a vida. Eles estavam confiantes de que o princípio inconsciente e extra-racional personificava a verdade mais elevada que deveria ser estabelecida na terra. Essas pessoas chamavam suas reuniões de sommeils – que significa “devaneios”. Durante os seus “sonhos acordados”, os surrealistas (como se autodenominavam, tomando emprestada uma palavra de Guillaume Apollinaire) faziam coisas estranhas - brincavam. Eles se interessavam pelas combinações aleatórias e inconscientes de significados que surgem durante jogos como o “burime”: revezavam-se na composição de uma frase, sem saber nada sobre as partes escritas pelos demais participantes do jogo. Assim nasceu um dia a frase “um cadáver requintado beberá vinho novo”. O objetivo desses jogos era treinar o desligamento da consciência e das conexões lógicas. Desta forma, forças caóticas subconscientes profundas foram convocadas do abismo.

Nesta altura (em 1922) foi admitido na Escola Superior de Belas Artes de Madrid, tornou-se amigo do poeta Federico Garcia Lorca e estudou com grande interesse as obras de Sigmund Freud.

Em Paris, o grupo surrealista de A. Breton aliou-se ao grupo do artista André Masson, que buscava criar pinturas e desenhos livres do controle da consciência. A. Masson desenvolveu técnicas psicotécnicas originais destinadas a desligar a “racionalidade” e extrair imagens da esfera do subconsciente. Como resultado desta fusão, em 1924, surge o “Primeiro Manifesto do Surrealismo”, escrito por André Breton e traduzido ao longo do texto. Línguas europeias, também foi fundada a revista "Revolução Surreal". Desde então, o surrealismo tornou-se um movimento verdadeiramente internacional, manifestado na pintura, escultura, literatura, teatro e cinema. Década de 1925 (a primeira exposição geral de surrealistas) a 1936 (“Exposição Surrealista Internacional” em Londres, a exposição “Arte Fantástica, Dadaísmo e Surrealismo” em Nova Iorque e outras) foi marcada pela marcha triunfante do surrealismo pelas capitais mundiais.

Na formação do percurso criativo e da personalidade de Dali, bem como na sua influência na arte da pintura, um lugar importante é ocupado pelo movimento que antecedeu o surrealismo - o dadaísmo. O dadaísmo ou a arte dadaísta (esta palavra é um balbucio infantil, ou os delírios de uma pessoa doente, ou um feitiço xamânico) é uma “anti-criatividade” ousada e chocante que surgiu em uma atmosfera de horror e decepção dos artistas no face a uma catástrofe - guerra mundial, revoluções europeias. Essa tendência ocorreu em 1916-1918. perturbou a paz da Suíça e depois varreu a Áustria, a França e a Alemanha. A revolta dadaísta durou pouco e em meados da década de 20 já havia se esgotado. No entanto, o anarquismo boêmio dos dadaístas influenciou muito Dali, e ele se tornou um fiel sucessor de suas travessuras escandalosas.

Segundo Max Ernst (um dos fundadores do surrealismo), um dos primeiros atos revolucionários do surrealismo foi insistir em um papel puramente passivo do chamado autor no mecanismo de inspiração poética e expor todo controle pela razão, moralidade e considerações estéticas.

A transição das técnicas “mecânicas” para as “psíquicas” (ou psicanalíticas) capturou gradualmente todos os principais mestres do surrealismo.

Andre Masson formulou três condições para a criatividade inconsciente:

1 - libertar a consciência das conexões racionais e atingir um estado próximo ao transe;

2 - submeter-se completamente a impulsos internos incontroláveis ​​e irracionais;

3 - trabalhar o mais rápido possível, sem parar para compreender o que foi feito.

O próprio Dali tinha grandes esperanças no poder libertador do sono, por isso começou a pintar telas imediatamente ao acordar pela manhã, quando o cérebro ainda não havia se libertado completamente das imagens do inconsciente. Às vezes ele levantava no meio da noite para trabalhar.

Na verdade, o método de Dali corresponde a uma das técnicas freudianas da psicanálise: registrar os sonhos o mais rápido possível após acordar (acredita-se que o atraso traz consigo a distorção das imagens oníricas sob a influência da consciência).

As visões freudianas foram tão internalizadas por muitos líderes do surrealismo que se tornaram sua forma de pensar. Eles nem sequer se lembravam de que fonte esta ou aquela visão ou abordagem foi tirada. Dali também usou um método puramente “freudiano”, que pintou quadros em um estado ainda não totalmente desperto, estando pelo menos parcialmente sob o poder de um sonho.

Segundo Dali, para ele o mundo das ideias de Freud significava tanto quanto o mundo das Sagradas Escrituras significava para os artistas medievais ou o mundo da mitologia antiga para os artistas da Renascença.

Os próprios conceitos dos surrealistas receberam apoio poderoso da psicanálise e de outras descobertas do freudismo. Tanto diante de si como dos outros, receberam uma confirmação significativa da justeza de suas aspirações. Eles não puderam deixar de notar que os métodos “aleatórios” do surrealismo inicial correspondiam ao método freudiano de “associação livre” usado no estudo do mundo interior do homem. Quando mais tarde na arte de Dali e de outros artistas se estabelece o princípio da “fotografia do inconsciente” ilusionista, não podemos deixar de lembrar que a psicanálise desenvolveu uma técnica de “reconstrução documental” dos sonhos.

A humanidade europeia está há muito imersa em debates sobre a essência e a necessidade da moralidade: o imoralismo de Friedrich Nietzsche deixou poucas pessoas indiferentes. Mas o freudismo teve uma ressonância mais ampla. Não foi apenas uma tese filosófica. Foi um movimento mais ou menos científico, propôs e assumiu a verificabilidade experimental dos seus postulados e conclusões, desenvolveu métodos clínicos de influenciar o psiquismo - métodos que deram sucesso indiscutível. O freudismo enraizou-se não apenas nos departamentos universitários e nas mentes dos intelectuais, mas conquistou incontrolavelmente o seu lugar em esferas mais amplas da vida social. E ele excluiu a moralidade e a razão dos próprios fundamentos da vida humana, considerando-as formações secundárias e, em muitos aspectos, até pesadas da civilização.

Já foi dito acima que Cultura europeia Século XX foi influenciado pela prosa filosófica e artística de Friedrich Nietzsche, que em suas obras ("Além do Bem e do Mal" 1886) criticou a cultura burguesa e pregou o imoralismo estético, uma atitude niilista em relação a todos os princípios morais. No livro "Assim Falou Zaratustra" 1883-84. Nietzsche criou o mito do “super-homem”, enquanto o culto a uma personalidade forte se combinou com o ideal romântico do “homem do futuro”.

Salvador Dali foi um representante consistente do Nietzscheanismo no século XX. Dali leu e reverenciou F. Nietzsche, conduziu diálogos com ele em suas pinturas e escritos.

O destino da arte realista no Ocidente é difícil, mas existe e também atrai jovens artistas.

O colapso do fascismo e a democratização geral do mundo tiveram um impacto significativo no cinema, dando origem a uma série de fenómenos significativos. Um deles foi o neorrealismo italiano.

A primeira obra-prima do neorrealismo foi um filme criado quase em forma de documentário, embora nele tenham participado atores, e foi filmado na Roma ocupada. Foi “Roma – Cidade Aberta” (1945) dirigido por Roberto Rossellini. Katina consistiu em uma série de episódios baseados em fatos reais, entre eles a história da Ferrari comunista, traída e torturada pela Gestapo. Padre Morosini, baleado por ajudar a resistência.

Outro clássico neorrealismo – pintura de Vittorio de Sica (1901-1974) “Ladrões de Bicicleta”. De Sica abandonou os atores profissionais: convidou um verdadeiro desempregado para fazer o papel do personagem principal e convidou um menino que na verdade servia de entregador para fazer o papel de Bruno, de 10 anos.

Os neorrealistas, via de regra, pegaram um fato comum da vida e analisaram na tela as razões de sua ocorrência e suas raízes sociais. O neorrealismo enriqueceu significativamente a estética do cinema mundial. Usando simples histórias da vida, convidando assistentes e filmando na rua começaram a fazer parte do cinema de vários países.

Nas décadas de 50 e 60, Roberto Rossellini (1906-1977) e Luchino Visconti (1906-1976), Michelangelo Antonioni, Federico Fellini - os futuros maiores mestres do cinema mundial - chegaram ao cinema. Foi nos seus filmes que se refletiu uma das principais tendências do cinema da Europa Ocidental dos anos 50 e meados dos anos 60 - o estudo da psicologia do homem moderno, os motivos sociais do seu comportamento, as causas da confusão de sentimentos e da desunião entre pessoas.

Quando os festivais de cinema surgiram no início dos anos 50, os filmes japoneses criaram sensação. Foi a descoberta de um mundo cultural peculiar e incomum. Hoje os diretores Akira Kurosawa, Kaneto Shindo, Tadashi Imai estão entre os melhores artistas de cinema do nosso tempo.

O cinema japonês em suas melhores obras é original e profundamente nacional. Por exemplo, os filmes de Akira Kurosawa se distinguem pela exclusividade brilhante de personagens humanos, conflito dramático agudo, o tema principal do trabalho do diretor os atravessa: o aprimoramento moral e espiritual do indivíduo, a necessidade de fazer o bem (“Rassemon ”, 1950, “Sete Samurais”, 1954, “Dersu Uzala”, 1976, juntamente com a URSS “Sombra de um Guerreiro”, 1980).

A Suécia deu à luz o incrível mestre Ingmar Bergman. Seu trabalho expressou mais claramente as características do pensamento artístico e da visão de mundo escandinavos, típicos não apenas da Suécia, mas, obviamente, de muitos países ocidentais. Em filmes como “O Sétimo Selo”, “Strawberry Field” (ambos de 1957), “Sonata de Outono” (1978), “A Fonte”, “Persona”, “Face” (1958), “Silêncio” (1963), Bergman parece questioná-los, desenvolve o tema da trágica solidão de uma pessoa na sociedade.

A Espanha deu ao mundo um extraordinário artista cinematográfico, Luis Buniel (1900-1983), que se tornou um famoso diretor francês. Ao longo de sua carreira, tornou-se fiel às visões do surrealismo, a partir de 1928, quando, junto com Salvador Dali, realizaram o filme “Un Chien Andalou” e o infame filme “A Idade de Ouro” (1930; a proibição deste filme durou meio século) ao filme de 1977. "Este vago objeto de desejo."

Quando falamos de cinema inglês, lembramos imediatamente de maravilhosas adaptações literárias, assim como dos nomes dos maravilhosos diretores Alfred Hitchcock (1899-1980) e Lindsney Anderson é considerado um dos fundadores dos filmes de terror, filmes que utilizam a mecânica do cinema. psicose em massa, pânico em massa. ("Pássaros").

Os Estados Unidos são uma superpotência cinematográfica, mas a sua indústria cinematográfica respondeu aos movimentos sócio-políticos. Na década de 60 surgiram jovens diretores de cinema F. Coppola, M. Scorsese e outros que desafiaram o conservadorismo da “fábrica de sonhos”. Começaram a aparecer na tela os problemas atuais dos jovens, sua inquietação diante da onipotência do dólar, trevas sem vegetação espiritual, condições cruéis de sobrevivência.

Lugar especial No cinema americano, o tema da Guerra do Vietnã assumiu o controle, dividindo Hollywood em dois campos irreconciliáveis ​​- os defensores da agressão (Boinas Verdes de D. Wayne) e seus oponentes (Coming Home de H. Ashby). O declínio do movimento democrático na América intensificou as tentativas de justificar a agressão no Vietname (série Rimbaud).

O fluxo principal de filmes foi determinado por melodramas, histórias de detetive e filmes sobre espiões. A série sobre o agente 007 James Bond, estrelada por Sean Connery, tornou-se um best-seller mundial.

Nos anos 70-80. A situação do cinema está a mudar devido às políticas neoconservadoras da administração americana, à adesão das grandes empresas cinematográficas aos monopólios transnacionais e, consequentemente, à fusão da indústria cinematográfica com o grande negócio. Os produtores começaram a contar com a produção de um pequeno número de filmes supercaros nos gêneros de filmes de desastre (Aeroporto, Inferno no Céu Alto), fantasia espacial (Guerra nas Estrelas) e atração por filmes de terror (O Iluminado, de S. Kubrick). ) aumentou.

O cinema estrangeiro deu ao mundo maravilhosos artistas-estrelas da tela mundial: Anna Magnani, Sophia Loren, Marcello Mastroianni, Franco Nero, Claudia Cardinale, (Itália), Barbra Streisand, Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor, Richard Burton, Laisa Minnelli, pai e filho Douglas, Dustin Foreman, Jack Nichols (EUA), Catherine Deneuve, Brigitte Bardot, Alain Delon, Gerard Depardieu, Louis de Funes, Jean Paul Belmondo (França), Daniel Olbrychski, Barbara Brylska (Polônia), etc.

Perguntas de autoteste.

1. Básico artístico e estético e direções filosóficas da arte do século XX.

2. Estética do modernismo.

3. Estética do surrealismo.

TÓPICO 10.

Literatura e arte da França.

Literatura 1910-1940

Coordenadas históricas e artísticas da nova era. Revisão das categorias sociológicas e culturais. O dadaísmo e a formação da estética do surrealismo. O surrealismo como forma de pensamento, sistema de mentalidade, forma de interagir com o mundo. Desenvolvimento de estruturas sócio-psíquicas no processo de jogo de modelagem. Nova tecnologia criatividade. Culto do inconsciente.

ANDRE BRETON(1896–1966)

Nasceu em 18 de fevereiro de 1896 em Tenchebray (Normandia) na família de um comerciante. Estudou em Paris, na Faculdade de Medicina da Sorbonne. Estreou-se como poeta; considerava-os meus professores Stefan Mallarmé E Valéria Campos(era amigo dele). Em 1915, durante a Primeira Guerra Mundial, foi mobilizado; designado para o Serviço Neuropsiquiátrico do Exército. Estudei seriamente os trabalhos de J.M. Charcot, um dos fundadores da neuropatologia e da psicoterapia, e Z.Freud, fundador da psicanálise. Em 1916, no hospital, conheceu o jovem poeta Jacques Vache, adversário irreconciliável da guerra, que suicidou-se aos 25 anos. Cartas de guerra que teve forte influência no ânimo da intelectualidade artística da época. Após a desmobilização, retornou a Paris e envolveu-se na vida literária. Cercado Guillaume Apollinaire, cuja poesia ele valorizava muito. Em 1919 ele criou junto com Luís Aragão e a revista Philip Soupault "Literatura". Impresso lá Campos magnéticos - o primeiro “texto automático”, escrito por ele em colaboração com F. Supo. No mesmo ano, ele se aproximou de Tristan Tzara e de outros dadaístas que se mudaram da Suíça para a França. Juntamente com amigos, participou de chocantes manifestações dadaístas, em 1922 visitou Viena, encontrou-se com S. Freud; estava interessado em seus experimentos no campo dos sonhos hipnóticos. Em 1923 publicou sua primeira coleção de poesia Luz da terra.

Em 1924 liderou um grupo de jovens poetas e artistas (L. Aragon, F. Supo, Paulo Éluard, Benjamin Peret, Robert Desnos, Max Ernst, Pablo Picasso, Francis Picabia, etc.), que começaram a se autodenominar surrealistas, gozavam de autoridade inquestionável entre eles. Em 1924 publicou o primeiro Manifesto do Surrealismo, onde o surrealismo foi definido como “puro automatismo psíquico, pelo qual o funcionamento real do pensamento deve ser transmitido oralmente, por escrito ou de qualquer outra forma”, como “o ditado do pensamento além de todo controle da razão, sem qualquer estética ou considerações morais.” A. Breton exigia a destruição completa de todos os mecanismos mentais anteriormente existentes e a sua substituição por um mecanismo surreal, o único possível para compreender a realidade mais elevada e para resolver questões fundamentais da existência.

Em dezembro de 1924 ele renomeou a revista “Literatura” para “Revolução Surrealista”. Em 1925 em um ensaio Revolução primeiro e para sempre formulou sua compreensão da atividade surrealista em relação à literatura, arte, filosofia e política. Condenou publicamente a guerra colonial da França em Marrocos, de 1925 a 1926; começou a colaborar com o órgão dos comunistas franceses, Clarte. Em janeiro de 1927 ingressou no Partido Comunista junto com L. Aragon, P. Eluard, B. Pere e Pierre Unique. Em março de 1928 publicou um ensaio sobre a obra de P. Picasso, M.Ernst, Man Ray, André Massona, Giorgio de Chirico sob o título Surrealismo e pintura, separando assim ambos os conceitos: não poderia haver um “estilo surrealista” na arte, porque o surrealismo não era um método artístico, mas uma forma de pensar e um modo de vida. Em junho de 1928 ele publicou um romance Nádia sobre o amor por uma mulher com o dom da clarividência, que terminou seus dias em uma clínica psiquiátrica. Sérias diferenças que surgiram entre os surrealistas o levaram a lançá-lo em 1930 Segundo Manifesto do Surrealismo; mudou o nome da sua revista para “Surrealismo ao Serviço da Revolução”. No mesmo ano, foi coautor de uma coleção de poesia com P. Eluard e Rene Char. Desacelere o trabalho e em colaboração com texto em prosa de P. Eluard Concepção imaculada, onde construiu um modelo surreal de vida humana, desde a concepção até a morte. Em 1932 publicou uma coletânea de poemas Revólver de cabelos grisalhos e pesquisa psicanalítica Navios comunicantes, no qual tentou identificar conexões entre estados de sono e vigília.

No pensamento filosófico do século XVII, o foco está no problema do homem, suas capacidades, qualidades adquiridas e inatas. Além disso, torna-se relevante o problema da aceleração da passagem do tempo, como condição necessária da existência humana, pelo que o mundo está em constante transformação. Os principais estilos artísticos deste período foram o Barroco e o Classicismo. A arte torna-se uma linguagem única da filosofia, que se afastou das construções racionais universais e mergulhou na esfera da experiência emocional. A auto-estima da arte como força criativa da cultura está crescendo.

O objeto da pesquisa muda e, consequentemente, há uma mudança na ênfase nos problemas de percepção, na personalidade do ouvinte, na diversidade de gostos. Começa um novo nível de especificação da percepção do sujeito. Na teoria estética, a atenção passa a ser dirigida não apenas à figura do artista, mas também ao leitor, espectador, ouvinte. A ideia segundo a qual a compreensão de uma obra de arte e, portanto, o futuro destino da sua existência, depende em grande parte de quem a percebe e de como ela é percebida, está a tornar-se relevante. Há uma tendência emergente de interesse em experiências individuais únicas, mundo interior personalidade, que por sua vez contribuiu para a formação de diversos movimentos artísticos.

A estética de Nicolas Boileau apresenta os princípios estéticos gerais do classicismo. Assim, neles ele proclama a prioridade do pensamento sobre as palavras, das ideias sobre expressão artística. É a mente que tem importância decisiva na arte, e o princípio sensual é secundário. Para ter clareza de ideia, que é a chave da beleza, é preciso afastar-se do colorido da vida. Boileau justifica a divisão hierárquica dos gêneros em “alto” e “baixo”, desenvolve a ideia da trindade de tempo, lugar e ação).

As principais ideias dos representantes do Iluminismo sobre teorias do gosto, que é um dos principais para este período de desenvolvimento do pensamento estético, estabelecido na divisão associada ao gosto estético e artístico. Então, vamos dar uma olhada em outras teorias dos filósofos modernos.

Francis Hutcheson, em sua obra “Uma investigação sobre a origem de nossas ideias de beleza e virtude”, analisa o problema da beleza e da harmonia. Nossas ideias sobre harmonia, beleza e ordem baseiam-se em um certo sentimento interior, e não em justificativas racionais. Segundo Hutcheson, a beleza tem um caráter desinteressado e, portanto, o sentimento estético é modelo para o sentimento moral. A arte está subordinada à moralidade, e a beleza e a harmonia são a fonte e os meios de cultivar a virtude. A beleza possui duas variedades: 1) absoluta, onde a beleza é percebida sem comparação com algo externo (a beleza dos fenômenos naturais, leis científicas); 2) relativo ou comparativo, que está associado a tipos de arte sujeitos ao princípio da imitação. A beleza relativa é mais evidente na pintura e na poesia, onde “uma imitação exata será bela mesmo quando o original for completamente desprovido de beleza”. Hutcheson propõe a ideia da natureza objetiva da beleza, mas para ele a universalidade aparece como a mesmice da percepção da beleza.

Edmund Burke, analisando as categorias de beleza e sublime, revela os aspectos psicológicos de sua percepção. No cerne do sublime está o impulso de autopreservação. Esse sentimento surge como resultado do encontro com as forças que causam horror e cautela humana. O belo se baseia no desejo do social, da comunicação. Tudo o que desperta amor, simpatia e nos incentiva a imitar é belo e diz respeito à esfera das relações humanas. É possível que a beleza exista no mundo físico, onde o prazer diz respeito à escolha de determinadas cores, tons e formas. O sentimento de beleza contribui para a unidade das pessoas e a formação de qualidades morais.

Ideias educação estética devido ao problema gênio analisado pelo filósofo francês Claude Adrian Helvetius. Ele acredita que a genialidade é inerente a todas as pessoas, mas é necessária uma educação que possa revelar essa habilidade. A genialidade do artista se manifesta no realismo e no estilo da imagem. O propósito educativo da arte é despertar sensações fortes, proporcionar o que falta na realidade. A forma mais elevada de prazer é proporcionada apenas por meio da imaginação e da fantasia, o que confere à arte o status de meio de entretenimento.

Denis Diderot fundamenta a relação entre arte e moralidade. A arte deve educar, expressar uma certa regra de vida. Verdade, bondade e beleza estão interligadas. Além de desenvolver o conceito de beleza, que ocupa um lugar significativo no conceito estético de Diderot, atribui grande importância à harmonia na arte. A harmonia como interdependência entre os componentes de uma obra permite-nos ver imagem completa. Em seus escritos, Diderot analisa as características das artes musicais, dramáticas, da pintura e da dança, apelando não apenas às leis estéticas gerais, mas também abordando questões especiais da teoria da arte - dos meios de expressividade e modelagem às variedades de gênero.

Jean-Jacques Rousseau, um dos iluministas do século XVIII. compreendeu mais profundamente a música como a arte dos tempos modernos. Os desenvolvimentos teóricos na análise da estrutura dos acordes e o desmascaramento da hipótese sobre a identidade da harmonia grega antiga e dos acordes modernos foram uma importante contribuição de Zhe.-Zhe.Rousseau para o desenvolvimento da teoria musical. Em conexão com a crescente atenção à representação da natureza humana, o problema da representação precisa dos sentimentos e emoções humanas torna-se o mais relevante e característico deste período. A reprodução do afeto nesse período coincide com a representação da natureza. Este ponto de vista foi partilhado por Rousseau durante algum tempo. Ele (em sua obra “Dicionário Musical”) concentra-se no fato de que a música, como outras formas de arte, tem a capacidade de imitar qualquer objeto da natureza. Mais tarde, Rousseau começou a acreditar que o conteúdo da criatividade de um músico reside em sintonizar a alma exatamente com o estado de espírito que ela gostaria.

Alexander Baumgarten determina que o tema da estética é o estudo da lógica do conhecimento sensorial, deve combinar não só a teoria, mas também; prática artística. O princípio do consenso torna-se universal para a estética Filósofo alemão, incorpora a ideia de beleza como uma unidade entre os ricos. Entre os problemas que Baumgarten analisa estão a percepção estética e Criatividade artística. Ambos os processos envolvem um momento de criatividade e incluem um impulso estético. Foi O. Baumgarten quem destacou que o conhecimento estético tem caráter independente, possui leis internas e específicas e é independente da religião ou da moralidade.

Gottgold Ephraim Lessing em suas obras discute a antiga teoria da catarse e a aplica ao moderno teoria do drama. Ele aponta a conexão entre a ideia de catarse e o antigo conceito de medida e a ideia de “meio-termo” de Aristóteles. Além disso, um lugar significativo na estética de Lessing é ocupado pelo problema da relação entre os tipos de arte, que ele divide em espacial (plástica) e temporal. As artes espaciais incorporam uma ação completa e não transmitem mudanças. A situação é diferente nas artes temporárias, que transmitem o desenrolar do tempo e, portanto, são capazes de transmitir a personalidade individual dos heróis e as relações entre eles. Lessing desenvolve todo um sistema de classificação das artes, onde a literatura e a poesia ocupam o lugar mais alto.

O objetivo da arte é revelar a verdade, retratar o belo na realidade. Somente revelando a verdade a arte pode proporcionar prazer, ensinar e educar.

Fundamentos racionalistas da cultura

É impossível traçar uma fronteira totalmente precisa entre as culturas dos séculos XVI e XVII. Já no século XVI, novas ideias sobre o mundo começaram a tomar forma nos ensinamentos dos filósofos naturais italianos. Mas uma verdadeira virada na ciência do universo ocorreu na virada dos séculos XVI e XVII, quando Giordano Bruno, Galileu Galilei e Kepler, desenvolvendo a teoria heliocêntrica de Copérnico, chegaram à conclusão sobre a pluralidade dos mundos, sobre o infinidade do universo, em que a terra não é o centro, mas uma pequena partícula, quando a invenção do telescópio e do microscópio revelou ao homem a existência do infinitamente distante e do infinitamente pequeno.

No século XVII, a compreensão do homem, do seu lugar no mundo e da relação entre o indivíduo e a sociedade mudou. A personalidade do homem renascentista é caracterizada por absoluta unidade e integridade, é desprovida de complexidade e desenvolvimento. A personalidade – o Renascimento – afirma-se em conformidade com a natureza, que representa uma força boa. A energia de uma pessoa, assim como a fortuna, determinam seu caminho de vida. No entanto, este humanismo “idílico” já não era adequado à nova era, quando o homem deixou de se reconhecer como centro do universo, quando sentiu toda a complexidade e contradições da vida, quando teve que travar uma luta cruel contra o reação feudal-católica.

A personalidade do século XVII não tem valor por si só, como a personalidade do Renascimento, depende sempre do ambiente, da natureza e da massa de pessoas, a quem se quer mostrar, surpreender e convencer. Esta tendência, por um lado, de captar a imaginação das massas e, por outro, de convencê-las, é uma das principais características da arte do século XVII.

A arte do século XVII, tal como a arte do Renascimento, é caracterizada pelo culto ao herói. Mas este é um herói que se caracteriza não por ações, mas por sentimentos e experiências. Isto é evidenciado não só pela arte, mas também pela filosofia do século XVII. Descartes cria uma doutrina das paixões e Spinoza considera os desejos humanos “como se fossem linhas, planos e corpos”.

Esta nova percepção do mundo e do homem poderia tomar duas direções no século XVII, dependendo de como fosse utilizada. Neste mundo complexo, contraditório e multifacetado da natureza e da psique humana, poderia ser enfatizado o seu lado caótico, irracional, dinâmico e emocional, a sua natureza ilusória, as suas qualidades sensuais. Este caminho conduziu ao estilo barroco.

Mas a ênfase também poderia ser colocada em ideias claras e distintas que discernem a verdade e a ordem neste caos, no pensamento que luta com os seus conflitos, na razão que supera as paixões. Esse caminho levou ao classicismo.

O barroco e o classicismo, tendo recebido o seu desenho clássico na Itália e na França, respetivamente, espalharam-se, de uma forma ou de outra, por todos os países europeus e foram as tendências dominantes na cultura artística do século XVII.

Princípios estéticos do Barroco

O estilo barroco surgiu na Itália, num país fragmentado em pequenos estados, num país que viveu uma contra-reforma e uma forte reacção feudal, onde os cidadãos ricos se transformaram numa aristocracia fundiária, num país onde a teoria e a prática do maneirismo floresceram em em plena floração e onde, ao mesmo tempo, em todo o seu brilho se preservaram as mais ricas tradições da cultura artística do Renascimento. O Barroco tirou do Maneirismo a sua subjetividade, do Renascimento o seu fascínio pela realidade, mas ambos numa nova refração estilística. E embora os resquícios do maneirismo continuassem a afetar a primeira e até a segunda década do século XVII, em essência, a superação do maneirismo na Itália pode ser considerada concluída em 1600.

Um dos problemas característicos da estética barroca é o problema da capacidade de persuadir, que tem origem na retórica. A retórica não distingue a verdade da plausibilidade; como meios de persuasão, parecem equivalentes - e daí decorre o subjetivismo ilusório, fantástico, da arte barroca, combinado com o sigilo da técnica de “arte” da obra de efeito, criando uma impressão subjetiva e enganosa de verossimilhança .

Partindo do fato de que o conceito principal da estética barroca é a capacidade de persuadir, ela é entendida como a capacidade de convencer o espectador com a ajuda de um instrumento específico de influência, que é uma obra de arte. A retórica decora a fala, dá aos conceitos e objetos formas mais facilmente percebidas. A retórica está inextricavelmente ligada à literatura e à poesia, que muitas vezes se identifica com a retórica. A capacidade de persuasão deve convencer, tocar, surpreender aquele a quem se destina. O autor, portanto, deve conhecer nos mínimos detalhes a quem se destina sua obra, deve estudá-los e guiar-se por esse conhecimento na hora de criar suas obras.

Existem métodos reconhecidos e obrigatórios para persuadir o espectador, leitor ou ouvinte devido à sua eficácia? Todos os métodos são adequados, desde que atinjam o seu objetivo principal - convencer a pessoa a quem se destinam. Nesse sentido, o problema da verdade ou falsidade de uma obra de arte é relegado a segundo plano e torna-se insignificante. A ilusão se torna um princípio. O leitor e o espectador devem antes de tudo ficar atordoados e surpresos, e isso pode ser feito com a ajuda de uma seleção habilidosa de pinturas estranhas e de composição incomum.

A maior parte dos teóricos barrocos eram escritores, mas nas suas afirmações sente-se claramente a tendência principal da época barroca - para a reaproximação Vários tipos arte. Todas as artes estão interligadas e possuem uma essência única. Eles diferem apenas nas formas de expressão.

Racionalismo e normativismo da estética do classicismo

O classicismo é uma das áreas mais importantes da arte. Tendo se estabelecido nas obras e na criatividade de muitas gerações, apresentando uma galáxia brilhante de poetas e escritores, pintores e músicos, arquitetos, escultores e atores, o classicismo deixou marcos no caminho do desenvolvimento artístico da humanidade como tragédias Corneille, Racine, Milton, Voltaire, comédia Molière, música Lully, poesia Lafontaine, parque e conjunto arquitetônico de Versalhes, pinturas de Poussin.

O classicismo inicia a sua cronologia no século XVI, domina no século XVII e afirma-se poderosa e persistentemente no século XVIII e no início do século XIX. A própria história confirma a viabilidade das tradições do sistema artístico classicista e o valor dos conceitos subjacentes do mundo e da personalidade humana, principalmente o imperativo moral característico do classicismo.

A palavra “classicismo” (do latim classicus - exemplar) encarna a orientação estável da nova arte em direção ao antigo “modelo”. No entanto, a lealdade ao espírito da antiguidade não significou para os classicistas nem uma simples repetição desses modelos antigos, nem uma cópia direta de teorias antigas. O classicismo foi um reflexo da era da monarquia absoluta e do sistema nobre-burocrático em que a monarquia se baseava. Voltando-nos para a arte da Grécia e de Roma, que também foi um traço característico do Renascimento, por si só ainda não pode ser chamada de classicismo, embora já contivesse muitas características dessa direção.

Na história da França, a monarquia absoluta desempenhou um papel duplo. A mesma dualidade caracterizou a política cultural da monarquia absoluta e sua doutrina estética - o classicismo. Os tribunais monárquicos caracterizavam-se pelo desejo de subordinar todas as forças artísticas a uma organização centralizadora. O Cardeal Richelieu criou um centro oficial no campo da literatura e da língua - a Academia Francesa. Sob Luís XIV, foi criada a Academia de Artes. Nestes centros de cultura artística, muito trabalho foi feito para criar um ambiente unificado linguagem literária, libertando-o das características provincianas e dos resquícios da antiguidade, desenvolvendo o discurso literário correto, a classificação de gêneros e assim por diante. A Academia de Artes, que reunia os mais proeminentes pintores e teóricos da arte, estava envolvida em atividades semelhantes. Em geral, toda esta atividade teve um significado progressivo.

De acordo com os códigos da arte, primeiro era exigido do artista que tivesse “nobreza de design”. O enredo do quadro deve ter tido um valor edificante. Portanto, todos os tipos de alegorias eram especialmente valorizados, nos quais imagens da vida tiradas de maneira mais ou menos convencional expressavam diretamente ideias gerais. A maioria gênero alto foi considerado “histórico”, que incluía mitologia antiga, enredos de obras literárias famosas, da Bíblia e similares. Retratos, paisagens e cenas da vida real eram considerados “gêneros menores”. O gênero mais insignificante era a natureza morta.

Na poesia, o classicismo destacou o desenvolvimento racional do tema segundo regras bem conhecidas. O exemplo mais marcante disso é a "Arte Poética" Boileau- um tratado apresentado em belos versos e contendo muitas idéias interessantes. Boileau apresentou a exigência da primazia do conteúdo na arte poética, embora esse princípio se expressasse nele de uma forma muito unilateral - na forma de uma subordinação abstrata do sentimento à razão.

Estética do Iluminismo Europeu

As teorias estéticas do Iluminismo foram formadas durante as primeiras revoluções burguesas dos séculos XVII-XVIII e fazem parte da ideologia e da cultura do seu tempo. Os Iluministas acreditavam que a reconstrução de um sistema social ultrapassado deveria ser realizada através da disseminação de ideias avançadas, através da luta contra a ignorância, a droga religiosa, a escolástica medieval, com a moralidade feudal desumana, com arte e estética que atendessem às necessidades da parte superior. estratos do estado feudal-absolutista.

Apesar de toda a sua progressividade, os iluministas não conseguiram ultrapassar as fronteiras da sua época. Nas maquinações de uma sociedade harmoniosa, os iluministas confiaram num certo “cidadão” abstrato, na sua consciência política e moral, e não na pessoa real que realmente se formou sob o capitalismo.

Os iluministas, por meio da educação moral, política e estética, tentaram alcançar uma transformação da sociedade com base nos princípios da igualdade e da justiça. Tinham plena consciência de que existiam contradições entre os interesses privados e públicos, entre as aspirações e os deveres pessoais, entre o indivíduo e a sociedade. Eles esperavam resolver estas contradições em grande parte através da educação estética. Daí surgiu a convicção de que o princípio estético é capaz de amenizar o egoísmo inato das pessoas, transformando a pessoa em um “indivíduo”.

Do ponto de vista de formar um “cidadão”, uma nova pessoa, os iluministas consideraram os conceitos básicos: beleza, sublime, harmonia, graça, sabor ( Burke, Diderot ); Os problemas da essência e das funções sociais da arte, do conflito artístico, do caráter, da verdade na arte e assim por diante foram tratados com o mesmo espírito. O leitmotiv dos conceitos estéticos do Iluminismo foi a defesa da arte de alto pathos cívico, dos princípios do realismo e do humanismo. Ele discutiu a relação entre beleza e moralidade. Shaftesbury .

Ao interpretar as categorias da estética, os iluministas partiram dos princípios do sensacionalismo, que é uma direção da teoria do conhecimento, segundo a qual a sensualidade é a principal forma de conhecimento confiável. A fórmula clássica que caracteriza o sensacionalismo pertence aos estóicos: “Não há nada na mente que não estivesse anteriormente nos sentidos”.

Desenho teórico da disciplina de estética

O fundador da estética alemã do Iluminismo e o “padrinho” de um ramo independente do conhecimento filosófico foi Baumgarten . Seu sistema epistemológico dividia-se em duas seções: estética e lógica. A primeira era uma teoria do conhecimento sensorial “inferior”, a segunda – do conhecimento superior, “intelectual”. Para denotar conhecimento inferior, escolheu o termo “estética”, que era interpretado simultaneamente como sensação, sentimento e cognição. Conseqüentemente, se a lógica é a ciência do conhecimento intelectual, isto é, as leis e formas de pensamento, então a estética é a ciência do conhecimento sensorial. Assim, existem dois tipos de julgamentos: “lógicos” e “sensíveis” (sensuais). Os primeiros baseiam-se em ideias claras, os segundos em ideias vagas. Ele chama aqueles baseados em ideias claras de julgamentos da razão, e aqueles baseados em ideias vagas de julgamentos de gosto. Os julgamentos da razão nos dão a verdade, os julgamentos do gosto nos dão a beleza. A base objetiva do julgamento da razão e do julgamento do gosto é a perfeição, isto é, a correspondência dos objetos ao seu conceito.

A essência e o propósito social da arte na Era do Iluminismo

O iluminista alemão viu a essência da arte na imitação da natureza. Winkelmann. A imitação da beleza na natureza pode ser dirigida a um único objeto ou pode reunir observações de toda uma série de objetos individuais. No primeiro caso, obtém-se uma cópia semelhante, um retrato, no segundo - uma imagem ideal. Winkelmann considera o segundo caminho mais frutífero. Aqui o artista não atua como copista, mas como verdadeiro criador, pois antes de criar uma imagem ele compõe conceito geral sobre beleza e depois segue seu protótipo. A beleza ideal ultrapassa as formas comuns da matéria e supera as suas limitações.