Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

RUSSIAN OPERA. Ang paaralan ng opera ng Russia - kasama ang Italyano, Aleman, Pranses - ay may kahalagahan sa buong mundo; Pangunahing nauugnay ito sa ilang mga opera na nilikha noong ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo, gayundin sa ilang mga gawa ng ika-20 siglo. Isa sa mga pinakasikat na opera sa entablado ng mundo sa pagtatapos ng ika-20 siglo. – Boris Godunov M.P. Mussorgsky, madalas ding itinanghal reyna ng Spades P.I. Tchaikovsky (mas madalas ang kanyang iba pang mga opera, higit sa lahat Eugene Onegin); tinatangkilik ang mahusay na katanyagan Prinsipe Igor A.P. Borodin; ng 15 opera ni N.A. Rimsky-Korsakov ay regular na lumilitaw Ang Golden Cockerel. Kabilang sa mga opera noong ika-20 siglo. pinaka repertoire Anghel ng Apoy S.S. Prokofiev at Ginang Macbeth Distrito ng Mtsensk D.D. Shostakovich. Siyempre, hindi nito nauubos ang yaman ng pambansang paaralan ng opera. Tingnan din OPERA.

Ang hitsura ng opera sa Russia (ika-18 siglo). Ang Opera ay isa sa mga unang genre ng Kanlurang Europeo na nakakuha ng isang foothold sa lupa ng Russia. Nasa 1730s na, isang korte ang nilikha Italian opera, kung saan isinulat ng mga dayuhang musikero na nagtrabaho sa Russia ( cm. RUSSIAN MUSIC); sa ikalawang kalahati ng siglo, lumitaw ang mga pampublikong palabas sa opera; ang mga opera ay itinanghal din sa mga serf theatre. Ang unang Russian opera ay isinasaalang-alang Miller - mangkukulam, manlilinlang at matchmaker Mikhail Matveevich Sokolovsky sa teksto ng A.O. Ablesimov (1779) - isang pang-araw-araw na komedya na may mga musikal na numero ng kalikasan ng kanta, na naglatag ng pundasyon para sa isang bilang ng mga tanyag na gawa ng genre na ito - maagang comic opera. Kabilang sa mga ito, ang mga opera ni Vasily Alekseevich Pashkevich (c. 1742–1797) ay namumukod-tangi ( Kuripot, 1782; St. Petersburg Gostiny Dvor, 1792; Kasalanan mula sa karwahe, 1779) at Evstigney Ipatovich Fomin (1761–1800) ( Coachmen sa isang stand, 1787; mga Amerikano, 1788). Sa genre ng opera seria, dalawang gawa ang isinulat ng pinakadakilang kompositor ng panahong ito, si Dmitry Stepanovich Bortnyansky (1751–1825), batay sa mga libretto ng Pransya - Falcon(1786) at Ang Karibal na Anak, o Modern Stratonics(1787); May mga kagiliw-giliw na eksperimento sa mga genre ng melodrama at musika para sa mga dramatikong pagtatanghal.

Opera bago ang Glinka (ika-19 na siglo). Sa susunod na siglo, ang katanyagan ng genre ng opera sa Russia ay tumaas pa. Ang Opera ay ang rurok ng mga hangarin ng mga kompositor ng Russia noong ika-19 na siglo, at kahit na ang mga ito na hindi nag-iwan ng isang solong gawain sa genre na ito (halimbawa, M.A. Balakirev, A.K. Lyadov) ay pinag-isipan ang ilang mga operatikong gawa sa loob ng maraming taon. Ang mga dahilan para dito ay malinaw: una, ang opera, gaya ng nabanggit ni Tchaikovsky, ay isang genre na naging posible na "magsalita ng wika ng masa"; pangalawa, ginawang posible ng opera na masining na ipaliwanag ang mga pangunahing problemang ideolohikal, makasaysayan, sikolohikal at iba pang sumakop sa isipan ng mga taong Ruso noong ika-19 na siglo; Sa wakas, sa kabataang propesyonal na kultura ay nagkaroon ng malakas na atraksyon sa mga genre na kasama, kasama ng musika, ang salita, paggalaw sa entablado, at pagpipinta. Bilang karagdagan, ang isang tiyak na tradisyon ay nabuo na - isang pamana na naiwan sa musikal at teatro na genre ng ika-18 siglo.

Sa mga unang dekada ng ika-19 na siglo. namatay ang korte at pribadong teatro

Ang monopolyo ay puro sa kamay ng estado. Ang musikal at teatro na buhay ng parehong mga kabisera ay napakasigla: ang unang quarter ng siglo ay ang kasagsagan ng Russian ballet; noong 1800s, mayroong apat na tropa ng teatro sa St. Petersburg - Ruso, Pranses, Aleman at Italyano, kung saan ang unang tatlo ay nagtanghal ng parehong drama at opera, ang huli - tanging opera; Ilang tropa din ang nagtrabaho sa Moscow. Ang negosyong Italyano ay naging pinaka-matatag - kahit na noong unang bahagi ng 1870s, ang batang Tchaikovsky, na gumaganap sa kritikal na larangan, ay pinilit na lumaban para sa isang disenteng posisyon para sa Moscow Russian opera kumpara sa Italyano; Raek Mussorgsky, sa isa sa mga episode kung saan ang simbuyo ng damdamin ng St. Petersburg publiko at mga kritiko para sa sikat Mga mang-aawit na Italyano, na isinulat din noong 1870s.

Ang Russian opera ay isang pinakamahalagang kontribusyon sa treasury ng world musical theater. Nagmula sa panahon ng classical heyday ng Italyano, French at German opera, Russian opera noong ika-19 na siglo. hindi lamang naabutan ang iba pang mga pambansang paaralan ng opera, ngunit nauuna din sa kanila. Ang multilateral na kalikasan ng pag-unlad ng teatro ng opera ng Russia noong ika-19 na siglo. nag-ambag sa pagpapayaman ng makatotohanang sining ng mundo. Ang mga gawa ng mga kompositor ng Russia ay nagbukas ng isang bagong lugar ng pagkamalikhain ng opera, ipinakilala ang bagong nilalaman dito, mga bagong prinsipyo para sa pagbuo ng dramaturgy ng musika, na inilalapit ang operatic art sa iba pang mga uri ng pagkamalikhain sa musika, lalo na sa symphony.

Ang kasaysayan ng klasikal na opera ng Russia ay hindi mapaghihiwalay na nauugnay sa pag-unlad pampublikong buhay Russia, kasama ang pag-unlad ng advanced na kaisipang Ruso. Ang Opera ay nakikilala sa pamamagitan ng mga koneksyon na ito noong ika-18 siglo, na lumitaw bilang isang pambansang kababalaghan noong 70s, ang panahon ng pag-unlad ng paliwanag ng Russia. Ang pagbuo ng paaralan ng opera ng Russia ay naiimpluwensyahan ng mga ideyang pang-edukasyon, na ipinahayag sa pagnanais na matapat na ilarawan ang buhay ng mga tao.

Kaya, mula sa pinakaunang mga hakbang nito ang Russian opera ay lumitaw bilang isang demokratikong sining. Ang mga balangkas ng unang mga opera ng Russia ay madalas na naglalagay ng mga ideya laban sa serfdom na katangian ng dramatikong teatro ng Russia at panitikang Ruso sa huli XVI II siglo Gayunpaman, ang mga kalakaran na ito ay hindi pa nabuo sa isang magkakaugnay na sistema, ang mga ito ay ipinahayag sa mga eksena mula sa buhay ng mga magsasaka, sa pagpapakita ng kanilang pang-aapi ng mga may-ari ng lupa, sa isang satirical na paglalarawan ng maharlika. Ito ang mga plot ng unang opera ng Russia: "Kasawian mula sa Coach" ni V. A. Pashkevich (c. 1742-1797), libretto ni Ya. "Coachmen on a stand" ni E. I. Fomin (1761-1800). Sa opera na "The Miller - isang mangkukulam, isang manlilinlang at isang matchmaker" na may teksto ni A. O. Ablesimov at musika ni M. M. Sokolovsky (sa ikalawang edisyon - E. I. Fomin), ang ideya ng ​​ang maharlika ng gawain ng nagsasaka ay ipinahayag at ang marangal na pagmamayabang ay kinukutya. Sa opera na "St. Petersburg Gostiny Dvor" ni M. A. Matinsky - V. A. Pashkevich, ang isang usurer at isang opisyal na kumukuha ng suhol ay inilalarawan sa isang satirical form.

Ang mga unang opera ng Russia ay pinatugtog na may mga yugto ng musika sa panahon ng aksyon. Ang mga eksena sa pag-uusap ay napaka mahalaga. Ang musika ng mga unang opera ay malapit na konektado sa mga katutubong kanta ng Russia: malawakang ginagamit ng mga kompositor ang mga melodies ng mga umiiral na katutubong kanta, pinoproseso ang mga ito, na ginagawa itong batayan ng opera. Sa "The Miller," halimbawa, ang lahat ng mga katangian ng mga karakter ay ibinibigay sa tulong ng mga katutubong kanta ng iba't ibang uri. Sa opera na "St. Petersburg Gostiny Dvor" ang folk kasal. Sa "Coachmen on a Stand," nilikha ni Fomin ang unang halimbawa ng folk choral opera, sa gayon ay inilatag ang pundasyon para sa isa sa mga tipikal na Tradisyon ng kalaunang opera ng Russia.

Ang opera ng Russia ay binuo sa pakikibaka para sa pambansang pagkakakilanlan nito. Ang patakaran ng korte ng hari at ang tuktok ng marangal na lipunan, na tumangkilik sa mga dayuhang tropa, ay itinuro laban sa demokrasya ng sining ng Russia. Ang mga figure ng Russian opera ay kailangang matuto ng mga kasanayan sa opera gamit ang mga halimbawa ng Western European opera at sa parehong oras ay ipagtanggol ang kalayaan ng kanilang pambansang direksyon. Itong laban na ito mahabang taon naging kondisyon para sa pagkakaroon ng opera ng Russia, na kumukuha ng mga bagong anyo sa mga bagong yugto.

Kasama ng opera-comedy noong ika-18 siglo. Lumitaw din ang iba pang mga genre ng opera. Noong 1790, isang pagtatanghal ang ginanap sa korte sa ilalim ng pamagat na "Oleg's Initial Management," ang teksto kung saan isinulat ni Empress Catherine II, at ang musika ay pinagsama-sama ng mga kompositor na sina C. Canobbio, G. Sarti at V. A. Pashkevich ay hindi gaanong operatic gaya ng oratorio sa kalikasan, at sa ilang lawak ito ay maituturing na unang halimbawa ng musical-historical na genre, na laganap noong ika-19 na siglo. Sa gawain ng pambihirang kompositor na Ruso na si D. S. Bortnyansky (1751-1825), ang genre ng opera ay kinakatawan ng mga liriko na opera na "Falcon" at "Rival Son", ang musika na kung saan ay lubos na binuo. mga porma ng opera at kasanayan ay maaaring ilagay sa isang par na may modernong mga sample Kanlurang European opera.

Ginamit ang opera house noong ika-18 siglo. sikat na sikat. Unti-unti, ang opera mula sa kabisera ay tumagos sa mga teatro ng ari-arian. Fortress theater sa pagliko ng ika-18 at ika-19 na siglo. nagbibigay ng mga indibidwal na mataas na masining na mga halimbawa ng pagganap ng mga opera at indibidwal na mga tungkulin. Ang mga mahuhusay na mang-aawit at aktor na Ruso ay hinirang, tulad ng mang-aawit na si E. Sandunova, na gumanap sa entablado ng kabisera, o ang serf actress ng Sheremetev Theater P. Zhemchugova.

Mga artistikong tagumpay ng opera ng Russia noong ika-18 siglo. nagbigay ng impetus sa mabilis na pag-unlad ng musical theater sa Russia noong unang quarter ng ika-19 na siglo.

Ang mga koneksyon ng Russian musical theater na may mga ideya na tumutukoy sa espirituwal na buhay ng panahon ay lalo na pinalakas sa mga taon Digmaang Makabayan 1812 at sa mga taon ng kilusang Decembrist. Ang tema ng pagkamakabayan, na masasalamin sa makasaysayang at modernong mga balangkas, ay nagiging batayan ng maraming dramatiko at musikal na pagtatanghal. Ang mga ideya ng humanismo at protesta laban sa hindi pagkakapantay-pantay ng lipunan ay nagbibigay-inspirasyon at nagpapataba sa sining ng teatro.

Sa simula ng ika-19 na siglo. hindi pa natin mapag-usapan ang tungkol sa opera buong kahulugan itong salita. Ang magkahalong genre ay may malaking papel sa Russian musical theater: trahedya sa musika, vaudeville, komiks opera, opera-ballet. Bago ang Glinka, hindi alam ng Russian opera ang mga gawa na ang dramaturgy ay batay lamang sa musika nang walang anumang sinasalitang yugto.

Ang isang natatanging kompositor ng "trahedya sa musika" ay si O. A. Kozlovsky (1757-1831), na lumikha ng musika para sa mga trahedya nina Ozerov, Katenin, at Shakhovsky. Ang mga kompositor na sina A. A. Alyabyev (1787-1851) at A. N. Verstovsky (1799-1862) ay matagumpay na nagtrabaho sa genre ng vaudeville, na bumubuo ng musika para sa isang bilang ng mga vaudeville na may nakakatawa at satirical na nilalaman.

Opera noong unang bahagi ng ika-19 na siglo. binuo ang mga tradisyon ng nakaraang panahon. Isang tipikal na kababalaghan ang pang-araw-araw na pagtatanghal na sinasaliwan ng mga awiting bayan. Ang mga halimbawa ng ganitong uri ay ang mga pagtatanghal: "Yam", "Gatherings", "Bachelorette Party", atbp., ang musika kung saan isinulat ng baguhang kompositor na si A. N. Titov (1769-1827). Ngunit ito ay malayo sa naubos ang mayamang buhay teatro noong panahon. Ang pagkahumaling sa mga romantikong uso na karaniwan sa panahong iyon ay ipinahayag sa pagkahumaling ng lipunan sa mga pagtatanghal ng engkanto at pantasiya. Ang Dnieper Mermaid (Lesta), na may ilang bahagi, ay nagtamasa ng partikular na tagumpay. Ang musika para sa mga opera na ito, na nabuo tulad ng mga kabanata ng isang nobela, ay isinulat ng mga kompositor na sina S. I. Davydov at K. A. Kavos; ilang musika ang ginamit Austrian kompositor Kauera. Ang "Dnieper Mermaid" ay hindi umalis sa entablado sa loob ng mahabang panahon, hindi lamang dahil sa nakakaaliw na balangkas, na sa mga pangunahing tampok nito ay inaasahan ang balangkas ng "Sirena" ni Pushkin, hindi lamang dahil sa marangyang produksyon, kundi dahil din sa melodic, simple at accessible na musika.

Ang kompositor ng Italyano na si K. A. Cavos (1775-1840), na nagtrabaho sa Russia mula sa isang murang edad at naglagay ng maraming pagsisikap sa pagbuo ng pagganap ng opera ng Russia, ay gumawa ng unang pagtatangka na lumikha ng isang makasaysayang-bayanihang opera. Noong 1815, itinanghal niya ang opera na "Ivan Susanin" sa St. Petersburg, kung saan, batay sa isa sa mga yugto ng pakikibaka ng mga mamamayang Ruso laban sa pagsalakay ng Poland sa simula ng ika-17 siglo, sinubukan niyang lumikha ng isang pambansang -makabayang pagganap. Ang opera na ito ay tumugon sa mood ng isang lipunan na naranasan digmaan sa pagpapalaya laban sa opera ni Napoleon Kavos ay namumukod-tangi sa mga modernong gawa dahil sa husay ng isang propesyonal na musikero, pag-asa sa alamat ng Russia, at kasiglahan ng pagkilos. Ngunit hindi ito umaangat sa antas ng maraming "mga opera ng kaligtasan" Mga kompositor ng Pranses, naglalakad sa parehong entablado; Hindi nagawang likhain ni Kavos dito ang trahedya na katutubong epiko na nilikha ni Glinka pagkalipas ng dalawampung taon, gamit ang parehong balangkas.

Ang pinakamalaking kompositor ng unang ikatlong bahagi ng ika-19 na siglo. Dapat kilalanin si A. N. Verstovsky, na binanggit bilang may-akda ng musika para sa mga vaudeville. Ang kanyang mga opera na "Pan Tvardovsky" (post, 1828), "Askold's Grave" (post, 1835), "Vadim" (post, 1832) at iba pa ay binubuo bagong yugto pag-unlad ng Russian opera bago ang Glinka. Sinasalamin ang gawa ni Verstovsky katangian ng karakter Ang romantikong Ruso. Sinaunang Ruso, mga alamat ng patula Kievan Rus, ang mga engkanto at alamat ay naging batayan ng kanyang mga opera. Ang mahiwagang elemento ay may mahalagang papel sa kanila. Ang musika ni Verstovsky, na malalim na nakaugat sa katutubong sining, ay nakakuha ng mga katutubong pinagmulan sa pinakamalawak na kahulugan. Ang kanyang mga bayani ay tipikal ng katutubong sining. Ang pagiging master operatic dramaturgy, lumikha si Verstovsky ng mga romantikong makulay na eksena ng kamangha-manghang nilalaman. Ang isang halimbawa ng kanyang istilo ay ang opera na "Askold's Grave," na nanatili sa repertoire hanggang ngayon. Nagpakita ito pinakamahusay na mga tampok Verstovsky - isang melodic na regalo, mahusay na dramatikong likas na talino, ang kakayahang lumikha ng masigla at katangian na mga larawan ng mga character.

Ang mga gawa ni Verstovsky ay nabibilang sa pre-classical na panahon ng Russian opera, kahit na ang kanilang makasaysayang kahalagahan ay napakahusay: sila ay pangkalahatan at bumuo ng lahat ng mga pinakamahusay na katangian ng nakaraan at kontemporaryong panahon ng pag-unlad ng Russian opera music.

Mula noong 30s. XIX na siglo Ang Russian opera ay nagkakaproblema klasikal na panahon. Ang nagtatag ng mga klasikong opera ng Russia na si M.I. Glinka (1804-1857) ay lumikha ng makasaysayang at trahedya na opera na "Ivan Susanin" (1830) at ang fairy-tale-epic opera na "Ruslan at Lyudmila" (1842). Ang mga haliging ito ang naglatag ng pundasyon para sa dalawang pinakamahalagang uso sa teatro ng musikal ng Russia: makasaysayang opera at mahiwagang-epikong opera; Ang mga malikhaing prinsipyo ni Glinka ay ipinatupad at binuo ang susunod na henerasyon Mga kompositor ng Russia.

Si Glinka ay binuo bilang isang artista sa isang panahon na natabunan ng mga ideya ng Decembrism, na nagpapahintulot sa kanya na itaas ang ideolohikal at artistikong nilalaman ng kanyang mga opera sa isang bago, makabuluhang taas. Siya ang unang kompositor ng Ruso na kung saan ang imahe ng mga tao, pangkalahatan at malalim, ay naging sentro ng buong gawain. Ang tema ng pagkamakabayan sa kanyang akda ay walang kapantay na nauugnay sa tema ng pakikibaka ng mamamayan para sa kalayaan.

Ang nakaraang panahon ng Russian opera ay naghanda ng hitsura ng Glinka's operas, ngunit ang kanilang qualitative difference mula sa mga naunang Russian operas ay napakahalaga. Realismo sa mga opera ni Glinka masining na pag-iisip hindi nagpapakita ng sarili sa mga partikular na aspeto nito, ngunit kumikilos bilang isang holistic na malikhaing pamamaraan na nagpapahintulot sa amin na magbigay ng musikal at dramatikong paglalahat ng ideya, tema at balangkas ng opera. Naunawaan ni Glinka ang problema ng nasyonalidad sa isang bagong paraan: para sa kanya ito ay nangangahulugang hindi lamang ang pag-unlad ng musikal ng mga katutubong kanta, kundi pati na rin ang isang malalim, multifaceted na pagmuni-muni sa musika ng buhay, damdamin at kaisipan ng mga tao, ang paghahayag ng mga tampok na katangian. ng kanilang espirituwal na anyo. Hindi nililimitahan ng kompositor ang kanyang sarili sa pagsasalamin ng katutubong buhay, ngunit isinama sa musika ang mga tipikal na katangian ng pananaw sa mundo ng mga tao. Ang mga opera ni Glinka ay mahalagang musikal at dramatikong mga gawa; hindi naglalaman ang mga ito ng pasalitang diyalogo, ang nilalaman ay ipinahayag sa pamamagitan ng musika. Sa halip na mga indibidwal, hindi pa nabuong solo at choral na numero ng isang comic opera, ang Glinka ay gumagawa ng malalaki at detalyadong operatic form, na nagpapaunlad ng mga ito nang may tunay na symphonic mastery.

Sa "Ivan Susanin" niluwalhati ni Glinka ang kabayanihan na nakaraan ng RUSSIA. Ang mga tipikal na larawan ng mga taong Ruso ay nakapaloob sa opera na may mahusay na artistikong katotohanan. Ang pag-unlad ng musikal na dramaturhiya ay batay sa pagsalungat ng iba't ibang pambansang larangan ng musika.

Ang "Ruslan at Lyudmila" ay isang opera na minarkahan ang simula ng mga folk-epic na Russian opera. Ang kahalagahan ng "Ruslan" para sa musikang Ruso ay napakahusay. Naimpluwensyahan ng Opera hindi lamang ang mga theatrical genre, kundi pati na rin ang symphonic genre. Ang maringal na kabayanihan at misteryosong mahiwagang, pati na rin ang mga makukulay na oriental na imahe ng "Ruslan" ay nagpasigla sa musikang Ruso sa mahabang panahon.

Pagkatapos ng Glinka, nagsalita si A. S. Dargomyzhsky (1813-1869), isang tipikal na artista ng panahon ng 40-50s. XIX na siglo Si Glinka ay may malaking impluwensya kay Dargomyzhsky, ngunit sa parehong oras, lumitaw ang mga bagong katangian sa kanyang trabaho, na ipinanganak ng mga bagong kondisyon sa lipunan, mga bagong tema na dumating sa sining ng Russia. Ang mainit na pakikiramay para sa isang napahiya na tao, ang kamalayan sa pinsala ng hindi pagkakapantay-pantay sa lipunan, isang kritikal na saloobin sa kaayusan ng lipunan ay makikita sa gawain ni Dargomyzhsky na nauugnay sa mga ideya. kritikal na pagiging totoo sa panitikan.

Ang landas ni Dargomyzhsky bilang isang kompositor ng opera ay nagsimula sa paglikha ng opera na "Esmeralda", batay kay V. Hugo (nai-post noong 1847), at ang sentral na operatikong gawain ng kompositor ay dapat ituring na "The Mermaid" (batay sa drama ni A. S. Pushkin) , na itinanghal noong 1856 Sa opera na ito, ang talento ni Dargomyzhsky ay ganap na nahayag at ang direksyon ng kanyang trabaho ay natukoy. Ang drama ng hindi pagkakapantay-pantay sa lipunan sa pagitan ng anak na babae ng miller na si Natasha at ang Prinsipe, na nagmamahalan sa isa't isa, ay umaakit sa kompositor dahil sa kaugnayan ng tema. Pinahusay ni Dargomyzhsky ang dramatikong bahagi ng balangkas sa pamamagitan ng pagpapaliit sa kamangha-manghang elemento. Ang "Rusalka" ay ang unang Russian araw-araw na lyric-psychological opera. Ang kanyang musika ay malalim na katutubong; Sa batayan ng kanta, ang kompositor ay lumikha ng mga buhay na larawan ng mga bayani, bumuo ng isang declamatory na istilo sa mga bahagi ng mga pangunahing tauhan, at bumuo ng mga eksena ng ensemble, na makabuluhang isinadula ang mga ito.

Ang huling opera ni Dargomyzhsky, "The Stone Guest," ayon kay Pushkin (nai-post noong 1872, pagkatapos ng kamatayan ng kompositor), ay nabibilang na. isa pang panahon sa pagbuo ng Russian onera. Itinakda ni Dargomyzhsky dito ang gawain ng paglikha ng isang makatotohanan wikang musikal, na sumasalamin sa mga intonasyon ng pagsasalita. Ang kompositor dito ay inabandona ang mga tradisyonal na operatic form - aria, ensemble, chorus; mga bahagi ng boses ang mga opera ay nanaig sa bahaging orkestra, ang "The Stone Guest" ay minarkahan ang simula ng isa sa mga direksyon ng kasunod na panahon ng Russian opera, ang tinatawag na chamber recitative opera, na kalaunan ay kinakatawan ng "Mozart at Salieri" ni Rimsky-Korsakov, " The Miserly Knight” ni Rachmaninov at iba pa. Ang kakaiba ng mga opera na ito ay ang lahat ng ito ay naitala sa hindi nabago buong teksto"maliit na trahedya" ng Pushkin.

Noong 60s Ang opera ng Russia ay pumasok sa isang bagong yugto ng pag-unlad nito. Ang mga gawa ng mga kompositor mula sa bilog ng Balakirev ay lumilitaw sa entablado ng Russia (" Makapangyarihang grupo") at Tchaikovsky. Sa mga parehong taon na ito, nabuo ang pagkamalikhain nina A. N. Serov at A. G. Rubinstein.

Ang operatic work ni A. N. Serov (1820-1871), na naging sikat bilang kritiko ng musika, ay hindi mabibilang sa mga napaka makabuluhang phenomena ng teatro ng Russia. Gayunpaman, sa isang pagkakataon ang kanyang mga opera ay gumaganap ng isang positibong papel. Sa opera na "Judith" (post, 1863), lumikha si Serov ng isang gawa ng isang kabayanihan-makabayan na kalikasan batay sa kuwento sa Bibliya; sa opera na "Rogneda" (op. at post. noong 1865), lumingon siya sa panahon ng Kievan Rus, na gustong ipagpatuloy ang linya ng "Ruslan". Gayunpaman, ang opera ay hindi sapat na malalim. Malaking interes ang ikatlong opera ni Serov, "The Power of the Enemy," batay sa drama ni A. N. Ostrovsky na "Don't Live the Way You Want" (nai-post noong 1871). Nagpasya ang kompositor na lumikha ng isang opera ng kanta, na ang musika ay dapat na batay sa mga pangunahing mapagkukunan. Gayunpaman, ang opera ay walang isang solong dramatikong konsepto, at ang musika nito ay hindi umaangat sa taas ng makatotohanang paglalahat.

Nagsimula si A. G. Rubinstein (1829-1894) bilang isang kompositor ng opera sa pamamagitan ng pagbubuo ng makasaysayang opera na "Labanan ng Kulikovo" (1850). nilikha niya ang lyrical opera na "Feramors" at ang romagic opera na "Children of the Steppes". Ang pinakamahusay na opera ni Rubinstein, "The Demon" pagkatapos ng Lermontov (1871), ay napanatili sa repertoire na ito ay isang halimbawa ng lyric na opera ng Russia, kung saan ang mga pinaka mahuhusay na pahina ay nakatuon sa pagpapahayag ng mga damdamin ng mga eksena ng Genre "Demonyo" kung saan ginamit ng kompositor katutubong musika Transcaucasia, magdala ng lokal na lasa. Ang opera na "The Demon" ay isang tagumpay sa mga kontemporaryo, na nakita sa pangunahing karakter ang imahe ng isang tao ng 40s at 50s.

Ang operatic work ng mga kompositor na "The Mighty Handful" at Tchaikovsky ay malapit na konektado sa mga bagong aesthetics ng panahon ng 60s. Ang mga bagong kondisyon sa lipunan ay naglalagay ng mga bagong gawain para sa mga artistang Ruso. Ang pangunahing problema ng panahon ay ang problema ng pagmuni-muni sa mga gawa ng sining buhay bayan sa lahat ng pagiging kumplikado at hindi pagkakapare-pareho nito. Ang impluwensya ng mga ideya ng mga rebolusyonaryong demokrata (higit sa lahat Chernyshevsky) ay makikita sa larangan ng musikal na pagkamalikhain sa pamamagitan ng isang grabitasyon patungo sa unibersal na mga tema at mga plot, ang humanistic na oryentasyon ng mga gawa, at ang pagluwalhati sa mataas na espirituwal na kapangyarihan ng mga tao. Ang makasaysayang tema ay may espesyal na kahalagahan sa oras na ito.

Ang interes sa kasaysayan ng isang tao sa mga taong iyon ay karaniwang hindi lamang para sa mga kompositor. Malawak na umuunlad sa sarili agham pangkasaysayan; ang mga manunulat, makata at manunulat ng dula ay bumaling sa mga makasaysayang tema; Ang pagpipinta ng kasaysayan ay umuunlad. Ang mga panahon ng mga rebolusyon, pag-aalsa ng mga magsasaka, at mga kilusang masa ay pumukaw ng pinakamalaking interes. Ang problema ng relasyon sa pagitan ng mga tao at ng maharlikang kapangyarihan ay sumasakop sa isang mahalagang lugar. Ang mga makasaysayang opera ng M. P. Mussorgsky at N. A. Rimsky-Korsakov ay nakatuon sa paksang ito.

Ang mga opera ng M. P. Mussorgsky (1839-1881) na "Boris Godunov" (1872) at "Kovanshchina" (natapos ni Rlmsky-Korsakov noong 1882) ay kabilang sa sangay ng historikal-trahedya ng klasikal na opera ng Russia. Tinawag sila ng kompositor na "mga katutubong musikal na drama", dahil ang parod ay nasa gitna ng parehong mga gawa. pangunahing ideya"Boris Godunov" (batay sa trahedya ni Pushkin ng parehong pangalan) - salungatan: ang hari - ang mga tao. Ang ideyang ito ay isa sa pinakamahalaga at talamak sa panahon pagkatapos ng reporma. Nais ni Mussorgsky na makahanap ng pagkakatulad sa modernidad sa mga kaganapan ng nakaraan ni Rus. Ang kontradiksyon sa pagitan ng mga popular na interes at awtokratikong kapangyarihan ay ipinapakita sa mga eksena kilusang popular nagiging bukas na paghihimagsik. Kasabay nito, binibigyang pansin ng kompositor ang "trahedya ng budhi" na naranasan ni Tsar Boris. Ang multifaceted na imahe ni Boris Godunov ay isa sa pinakamataas na tagumpay ng pagkamalikhain sa mundo.

Ang pangalawang musikal na drama ni Mussorgsky, ang Khovanshchina, ay nakatuon sa mga pag-aalsa ng Streltsy sa huli XVII V. Ang elemento ng popular na kilusan sa lahat ng marahas na puwersa nito ay kahanga-hangang ipinahayag ng musika ng opera, batay sa isang malikhaing muling pag-iisip ng sining ng katutubong awit. Ang musika ng "Kovanshchina," tulad ng musika ng "Boris Godunov," ay nailalarawan sa pamamagitan ng mataas na trahedya. Ang batayan ng melodic na tema ng parehong mga opera ay ang synthesis ng kanta at mga prinsipyo ng declamation. Ang inobasyon ni Mussorgsky, na isinilang ng isang bagong konsepto, at isang malalim na orihinal na solusyon sa mga problema ng musikal na drama, ay pumipilit sa amin na ranggo ang dalawa sa kanyang mga opera sa mga pinakamataas na tagumpay ng musikal na teatro.

Ang opera na "Prince Igor" ni A. P. Borodin (1833-1887) ay kabilang din sa pangkat ng makasaysayang mga gawang musikal(Ang Tale of Igor's Campaign ang nagsilbing plot nito). Ang ideya ng pag-ibig sa inang bayan, ang ideya ng pagkakaisa sa harap ng kaaway ay ipinahayag ng kompositor na may mahusay na drama (mga eksena sa Putivl). Pinagsama ng kompositor ang monumentalidad sa kanyang opera epikong genre na may simulang liriko. Ang mga utos ni Glinka ay ipinatupad sa patula na sagisag ng kampo ng Polovtsian; sa turn nito, mga musical painting Ang Silangan ng Borodin ay nagbigay inspirasyon sa maraming kompositor ng Ruso at Sobyet upang lumikha ng mga imaheng oriental. Ang kahanga-hangang melodic na regalo ni Borodin ay ipinakita sa malawak na istilo ng pag-awit ng opera. Si Borodin ay walang oras upang tapusin ang opera; Ang "Prince Igor" ay nakumpleto nina Rimsky-Korsakov at Glazunov at, sa kanilang edisyon, ay itinanghal sa entablado noong 1890.

Ang genre ng makasaysayang musikal na drama ay binuo din ni N. L. Rimsky-Korsakov (1844-1908). Ang Pskov freemen na nagrerebelde laban kay Ivan the Terrible (opera "Pskov Woman", 1872) ay inilalarawan ng kompositor na may epikong kadakilaan. Ang imahe ng hari ay isang canopy ng tunay na drama. Ang liriko na elemento ng opera, na nauugnay sa pangunahing tauhang si Olga, ay nagpapayaman sa musika, na nagpapakilala ng mga katangian ng kahanga-hangang lambing at lambot sa marilag na trahedya na konsepto.

Si P. I. Tchaikovsky (1840-1893), na pinakasikat sa kanyang mga sikolohikal-sikolohikal, ay ang may-akda ng tatlong makasaysayang opera. Ang mga opera na "The Oprichnik" (1872) at "Mazeppa" (1883) ay nakatuon sa mga dramatikong kaganapan mula sa kasaysayan ng Russia. Sa opera Kasambahay ng Orleans"(1879) ang kompositor ay bumaling sa kasaysayan ng France at nilikha ang imahe ng pambansang Pranses na pangunahing tauhang si Joan of Arc.

Ang kakaiba ng mga makasaysayang opera ni Tchaikovsky ay ang kanilang pagkakamag-anak sa kanyang mga liriko na opera. Inihayag sa kanila ng kompositor ang mga tampok na katangian ng itinatanghal na panahon sa pamamagitan ng kapalaran ng mga indibidwal na tao. Ang mga imahe ng kanyang mga bayani ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang lalim at pagiging totoo sa paghahatid ng kumplikadong panloob na mundo ng isang tao.

Bilang karagdagan sa mga katutubong makasaysayang musikal na drama sa opera ng Russia noong ika-19 na siglo. Ang isang mahalagang lugar ay inookupahan ng mga folk fairy-tale opera, na malawak na kinakatawan sa mga gawa ni N. A. Rimsky-Korsakov Ang pinakamahusay na fairy-tale opera ng Rimsky-Korsakov ay "The Snow Maiden" (1881), "Sadko" (1896), "Kashey the Immortal" (1902) at " Golden Cockerel" (1907). Ang isang espesyal na lugar ay inookupahan ng opera na "The Legend of the Invisible City of Kitezh and the Maiden Fevronia" (1904), na isinulat batay sa mga materyales mula sa mga alamat ng katutubong tungkol sa pagsalakay ng Tatar-Mongol.

Ang mga opera ni Rimsky-Korsakov ay humanga sa iba't ibang interpretasyon ng genre ng folk fairy tale. Alinman ito ay isang patula na interpretasyon ng mga sinaunang katutubong ideya tungkol sa kalikasan, na ipinahayag sa kahanga-hangang engkanto tungkol sa Snow Maiden, o isang malakas na larawan ng sinaunang Novgorod, o isang imahe ng Russia sa simula ng ika-20 siglo. sa alegoriko na imahe ng malamig na kaharian ng Kashcheev, pagkatapos ay tunay na pangungutya sa bulok na autokratikong sistema sa mga tanyag na imahe ng engkanto ("The Golden Cockerel"). Sa iba't ibang mga kaso, ang mga pamamaraan ng musikal na paglalarawan ng mga character at ang mga diskarte ng musikal na dramaturhiya ni Rimsky-Korsakov ay iba. Gayunpaman, sa lahat ng kanyang mga opera ay mararamdaman ng isang kompositor ang malalim na malikhaing pananaw sa mundo ng mga katutubong ideya, katutubong paniniwala, at pananaw sa mundo ng mga tao. Ang batayan ng musika ng kanyang mga opera ay ang wika ng katutubong awit. Ang pag-asa sa katutubong sining, ang paglalarawan ng mga karakter sa pamamagitan ng paggamit ng iba't ibang mga katutubong genre ay isang tipikal na tampok ng Rimsky-Korsakov.

Ang tuktok ng pagkamalikhain ni Rimsky-Korsakov ay ang marilag na epiko tungkol sa pagkamakabayan ng mga tao ng Rus sa opera na "The Legend of the Invisible City of Kitezh and the Maiden Fevronia," kung saan naabot ng kompositor ang napakalaking taas ng musical at symphonic generalization ng tema.

Sa iba pang mga uri ng Russian classical opera, ang isa sa mga pangunahing lugar ay kabilang sa lyrical-psychological opera, na nagsimula sa "Rusalka" ni Dargomyzhsky. Pinakamahusay na Kinatawan ang genre na ito sa musikang Ruso ay si Tchaikovsky, ang may-akda ng mga makikinang na gawa na kasama sa repertoire ng opera sa mundo: "Eugene Onegin" (1877-1878), "The Enchantress" (1887), " reyna ng Spades"(1890), "Iolanta" (1891). Ang inobasyon ni Tchaikovsky ay nauugnay sa direksyon ng kanyang trabaho, na nakatuon sa mga ideya ng humanismo, protesta laban sa kahihiyan ng tao, at pananampalataya sa isang mas mahusay na hinaharap para sa sangkatauhan. Ang panloob na mundo ng mga tao, ang kanilang mga relasyon, ang kanilang mga damdamin ay ipinahayag sa mga opera ni Tchaikovsky sa pamamagitan ng pagsasama-sama ng pagiging epektibo ng teatro sa pare-parehong symphonic na pag-unlad ng musika. Ang operatic work ni Tchaikovsky ay isa sa pinakadakilang phenomena ng mundong musikal at theatrical art noong ika-19 na siglo.

Ang comedy opera ay kinakatawan ng isang mas maliit na bilang ng mga gawa sa mga operatikong gawa ng mga kompositor ng Russia. Gayunpaman, kahit na ang ilang mga sample ay naiiba pambansang pagkakakilanlan. Walang nakakaaliw na gaan o komedya sa kanila. Karamihan sa kanila ay batay sa mga kuwento ni Gogol mula sa "Evenings on a Farm near Dikanka". Ang bawat isa sa mga opera-comedy ay sumasalamin indibidwal na katangian mga may-akda. Sa opera ni Tchaikovsky na "Cherevichki" (1885; sa unang edisyon - "Panday Vakula", 1874) ang lyrical element ay nangingibabaw; sa "May Night" ni Rimsky-Korsakov (1878) - hindi kapani-paniwala at ritwal; V" Sorochinskaya fair"Mussorgsky (70s, hindi pa tapos) - puro comedic. Ang mga opera na ito ay mga halimbawa ng kasanayan sa realistikong pagsasalamin sa buhay ng mga tao sa genre ng komedya ng mga tauhan.

Ang mga klasikong opera ng Russia ay sinamahan ng isang bilang ng mga tinatawag na parallel phenomena sa Russian musical theater. Ang ibig naming sabihin ay ang gawain ng mga kompositor na hindi lumikha ng mga gawa ng pangmatagalang kahalagahan, kahit na ginawa nila ang kanilang magagawang kontribusyon sa pag-unlad ng Russian opera. Dito dapat nating pangalanan ang mga opera ng C. A. Cui (1835-1918), isang miyembro ng Balakirev circle, isang kilalang kritiko ng musika noong 60-70s. Ang mga opera ni Cui na "William Ratcliffe" at "Angelo", na hindi umaalis sa tradisyonal na romantikong istilo, ay walang drama at, kung minsan, maliwanag na musika. Ang mga huling suporta ni Cui ay hindi gaanong mahalaga ("The Captain's Daughter", "Mademoiselle Fifi", atbp.). Kasama sa klasikal na opera ang pagkamalikhain ng konduktor at direktor ng musika opera sa St. Petersburg ni E. F. Napravnik (1839-1916). Ang pinakatanyag ay ang kanyang opera na Dubrovsky, na binubuo sa tradisyon ng mga liriko na opera ni Tchaikovsky.

Ng mga kompositor na gumanap sa huli XIX V. sa yugto ng opera, dapat nating pangalanan si A. S. Arensky (1861-1906), may-akda ng mga opera na "Dream on. Volga", "Raphael" at "Nal at Damayanti", pati na rin ang M. M. Ishyulitova-Ivanova (1859-1935), na ang opera na "Asya", ayon kay I. S. Turgenev, ay isinulat sa liriko na paraan ng Tchaikovsky. Ang hiwalay sa kasaysayan ng Russian opera ay ang "Oresteia" ni S. I. Taneyev (1856-1915), ayon kay Aeschylus, na maaaring ilarawan bilang isang theatrical oratorio.

Kasabay nito, si S. V. Rachmaninov (1873-1943) ay kumilos bilang isang kompositor ng opera, na, sa pagtatapos ng conservatory (1892), ay binubuo ng isang one-act oneru "Aleko", sa tradisyon ng Tchaikovsky. Ang mga huling opera ni Rachmaninov - Francesca da Rimini (1904) at The Miserly Knight (1904) - ay isinulat sa istilo ng mga cantata opera; sa kanila ang aksyon sa entablado ay pinakamataas na naka-compress at ang musikal-symphonic na elemento ay napaka-develop. Ang musika ng mga opera na ito, may talento at maliwanag, ay nagtataglay ng selyo ng natatanging istilo ng malikhaing may-akda.

Sa mga hindi gaanong makabuluhang phenomena ng opera art sa simula ng ika-20 siglo. pangalanan natin ang opera ni A. T. Grechaninov (1864-1956) na "Dobrynya Nikitich", kung saan ang mga katangian ng isang fairy-tale-epic na klasikal na opera ay nagbigay-daan sa mga liriko ng romansa, pati na rin ang opera ni A. D. Kastalsky (1856-1926) "Klara Milich", kung saan pinagsasama ang mga elemento ng naturalismo sa taos-puso, kahanga-hangang liriko.

Ang ika-19 na siglo ay ang panahon ng mga klasikong opera ng Russia. Ang mga kompositor ng Russia ay lumikha ng mga obra maestra sa iba't ibang genre ng opera: drama, epiko, kabayanihan na trahedya, komedya. Lumikha sila ng makabagong dramaturhiya sa musika, na ipinanganak na may malapit na koneksyon sa makabagong nilalaman ng mga opera. Ang mahalagang, pagtukoy ng papel ng mga mass folk scene, ang multifaceted characterization ng mga character, isang bagong interpretasyon ng mga tradisyonal na opera form at ang paglikha ng mga bagong prinsipyo ng musikal na pagkakaisa ng buong trabaho ay mga katangian ng katangian ng Russian opera classics.

Ang klasikal na opera ng Russia, na nabuo sa ilalim ng impluwensya ng pilosopiko at aesthetic na progresibong pag-iisip, sa ilalim ng impluwensya ng mga kaganapan sa pampublikong buhay, ay naging isa sa mga kahanga-hangang aspeto ng pambansang kultura ng Russia noong ika-19 na siglo. Ang buong landas ng pag-unlad ng Russian operatic creativity sa huling siglo ay tumakbo parallel sa dakilang kilusang pagpapalaya ng mamamayang Ruso; Ang mga kompositor ay binigyang inspirasyon ng matayog na ideya ng humanismo at demokratikong kaliwanagan, at ang kanilang mga gawa ay para sa atin ng mga dakilang halimbawa ng tunay na makatotohanang sining.

Opera(Italian opera - negosyo, paggawa, trabaho; mula sa Latin opera - trabaho, produkto, trabaho) - isang genre ng musikal at dramatikong sining kung saan ang nilalaman ay kinakatawan sa pamamagitan ng musikal na dramaturhiya, pangunahin sa pamamagitan ng vocal music. Ang pampanitikan na batayan ng opera ay ang libretto.

Kasaysayan ng genre

Lumitaw ang Opera sa Italya, sa mga misteryo, iyon ay, mga espirituwal na pagtatanghal kung saan ang paminsan-minsang pagpapakilala ng musika ay nasa mababang antas. Espirituwal na komedya: “Pagbabalik-loob ng St. Paul" (1480), Beverini, ay kumakatawan sa isang mas seryosong gawain kung saan sinamahan ng musika ang aksyon mula simula hanggang katapusan. Sa kalagitnaan ng ika-16 na siglo, ang mga pastoral o laro ng pastol, kung saan ang musika ay limitado sa mga koro, sa likas na katangian ng isang motet o madrigal, ay napakapopular. Sa "Amfiparnasso", Orazio Vecchi pag-awit ng koro sa likod ng entablado, sa anyo ng isang limang boses na madrigal, ito ay nagsilbi upang samahan ang pagganap ng mga aktor sa entablado. Ang Commedia armonica na ito ay ibinigay sa unang pagkakataon sa Korte ng Modena noong 1597.

Sa pagtatapos ng ika-16 na siglo, ang mga pagtatangka na ipakilala ang monophonic na pag-awit (monody) sa naturang mga gawa ay nagdala ng opera sa landas kung saan ang pag-unlad nito ay mabilis na sumulong. Tinawag ng mga may-akda ng mga pagtatangka na ito ang kanilang mga musikal at dramatikong gawa na drama sa musica o drama per musica; ang pangalang "opera" ay nagsimulang ilapat sa kanila noong unang kalahati ng ika-17 siglo. Nang maglaon, ang ilang mga kompositor ng opera, halimbawa Richard Wagner, ay muling bumalik sa pangalang "musical drama".

Ang unang opera house para sa mga pampublikong pagtatanghal ay binuksan noong 1637 sa Venice; ang dating opera ay inihahatid lamang para sa libangan sa korte. Ang unang pangunahing opera ay maaaring ituring na "Daphne" ni Jacopo Peri, na isinagawa noong 1597. Hindi nagtagal ay kumalat ang opera sa Italya, at pagkatapos ay sa iba pang bahagi ng Europa. Sa Venice, mula nang magbukas ang mga pampublikong panoorin, 7 mga sinehan ang lumabas sa loob ng 65 taon; 357 opera ang isinulat para sa kanila ng iba't ibang kompositor (hanggang 40). Ang mga pioneer ng opera ay: sa Germany - Heinrich Schütz (Daphne, 1627), sa France - Camber (La pastorale, 1647), sa England - Purcell; sa Spain lumitaw ang mga unang opera sa maagang XVIII mga siglo; sa Russia, si Araya ang unang nagsulat ng isang opera (“Mullet and Procris”) batay sa isang independiyenteng tekstong Ruso (1755). Ang unang opera ng Russia na isinulat sa mga kaugaliang Ruso ay "Tanyusha, o Maligayang Pagpupulong," musika ni F. G. Volkov (1756).

Mga uri ng opera

Sa kasaysayan, ang ilang mga anyo ng operatic music ay nabuo. Bagama't may ilang pangkalahatang pattern ng operatic dramaturgy, ang lahat ng mga bahagi nito ay naiiba ang interpretasyon depende sa mga uri ng opera.

grand opera (opera seria - Italyano, trag "edie lyrique, mamaya grand-op" era - French),

semi-comic (semiseria),

comic opera (opera-buffa - Italian, op"era-comique - French, Spieloper - German),

romantikong opera na may romantikong balangkas.

Sa comic opera, German at French, pinapayagan ang dialogue sa pagitan ng mga musical number. Mayroon ding mga seryosong opera kung saan ipinapasok ang diyalogo, halimbawa. "Fidelio" ni Beethoven, "Medea" ni Cherubini, "The Magic Shooter" ni Weber.

Mga Opera para sa pagtatanghal ng mga bata (halimbawa, mga opera ni Benjamin Britten - "The Little Chimney Sweep", "Noah's Ark", mga opera ni Lev Konov - "King Matt the First", "Asgard", "The Ugly Duckling", "Kokinwakashu").

Mga Elemento ng Opera

Ang Opera ay isang sintetikong genre na pinagsasama-sama ang iba't ibang uri ng sining sa iisang theatrical action: drama, musika, visual arts (scenery, costumes), choreography (ballet).

Kasama sa opera ensemble ang: soloista, koro, orkestra, banda ng militar, organ. Mga boses ng Opera: (babae: soprano, mezzo-soprano, contralto; lalaki: countertenor, tenor, baritone, bass).

Ang isang operatikong gawain ay nahahati sa mga kilos, larawan, eksena, at mga numero. Bago ang acts ay may prologue, sa dulo ng opera ay may epilogue.

Mga bahagi ng isang operatic work - recitatives, arioso, kanta, arias, duet, trio, quartets, ensembles, atbp. Mula sa mga anyo ng symphonic- overture, introduction, intermissions, pantomime, melodrama, processions, ballet music.

Ang mga tauhan ng mga tauhan ay lubos na nahayag sa mga solong numero (aria, arioso, arietta, cavatina, monologo, balad, kanta). Ang recitative ay may iba't ibang mga function sa opera - musikal, intonasyon at maindayog na pagpaparami ng pagsasalita ng tao. Kadalasan ay nagkokonekta siya (plotwise at musically) mga indibidwal na nakumpletong numero; ay kadalasang isang mabisang salik sa musikal na dramaturhiya. Sa ilang mga genre ng opera, pangunahin sa komedya, ginagamit ang kolokyal na pananalita sa halip na recitative, kadalasan sa mga diyalogo.

Tumutugma sa diyalogo sa entablado, ang eksena ng isang dramatikong pagtatanghal sa isang opera grupo ng musikal(duet, trio, quartet, quintet, atbp.), ang mga detalye kung saan ginagawang posible na lumikha mga sitwasyon ng salungatan, ipakita hindi lamang ang pagbuo ng aksyon, kundi pati na rin ang pag-aaway ng mga karakter at ideya. Samakatuwid, ang mga ensemble ay madalas na lumilitaw sa climactic o huling sandali ng operatic action.

Ang koro sa opera ay binibigyang kahulugan sa iba't ibang paraan. Maaari itong maging isang background, hindi nauugnay sa pangunahing isa storyline; minsan isang uri ng komentarista sa mga nangyayari; ginagawang posible ng mga artistikong kakayahan nito na magpakita ng mga monumental na larawan ng katutubong buhay, upang ipakita ang ugnayan sa pagitan ng bayani at ng masa (halimbawa, ang papel ng koro sa mga katutubong musikal na drama ng M. P. Mussorgsky "Boris Godunov" at "Khovanshchina") .

Sa musikal na dramaturhiya ng opera, isang malaking papel ang itinalaga sa orkestra na nagsisilbing symphonic na paraan ng pagpapahayag upang mas ganap na ihayag ang mga imahe. Kasama rin sa opera ang mga independiyenteng yugto ng orkestra - overture, intermission (pagpapakilala sa mga indibidwal na kilos). Ang isa pang bahagi ng isang pagtatanghal ng opera ay ballet, mga choreographic na eksena kung saan ang mga plastik na larawan ay pinagsama sa mga musikal.

| |

Mga uri ng opera

Sinimulan ng opera ang kasaysayan nito sa pagliko ng ika-16-17 siglo sa bilog ng mga pilosopo, makata at musikero ng Italyano - ang Camerata. Ang unang gawa sa genre na ito ay lumitaw noong 1600 na ibinatay ng mga tagalikha ang balangkas sa sikat ang kwento nina Orpheus at Eurydice . Maraming siglo na ang lumipas mula noon, ngunit ang mga opera ay patuloy na binubuo ng mga kompositor na may nakakainggit na regularidad. Sa buong kasaysayan nito, ang genre na ito ay dumaan sa maraming pagbabago, mula sa mga tema, mga anyong musikal at nagtatapos sa istraktura nito. Anong mga uri ng opera ang naroroon, kailan sila lumitaw at kung ano ang kanilang mga tampok - alamin natin ito.

Mga uri ng opera:

Seryosong opera(opera seria, opera seria) ay ang pangalan ng opera genre na isinilang sa Italya sa pagliko ng ika-17 - ika-18 na siglo. Ang mga nasabing akda ay binubuo sa mga paksang historikal-bayanihan, maalamat o mitolohiya. Ang isang natatanging tampok ng ganitong uri ng opera ay labis na bombast sa ganap na lahat - ang pangunahing tungkulin ay nakalaan para sa mga virtuoso na mang-aawit, ang pinakasimpleng damdamin at emosyon ay ipinakita sa mahahabang aria, at ang mga mayayabong na dekorasyon ay nangingibabaw sa entablado. Mga konsiyerto ng kasuotan - iyon ang tawag sa opera seria.

Comic opera nagmula sa Italya noong ika-18 siglo. Tinawag itong opera-buffa at nilikha bilang alternatibo sa "nakababagot" na opera seria. Samakatuwid ang maliit na sukat ng genre, isang maliit na bilang ng mga character, mga diskarte sa komiks sa pag-awit, halimbawa, mga twister ng dila, at isang pagtaas sa bilang ng mga ensemble - isang uri ng paghihiganti para sa "mahabang" virtuoso arias. SA iba't-ibang bansa may sariling mga pangalan ang comic opera - sa England ito ay ballad opera, tinukoy ito ng France bilang comic opera, sa Germany tinawag itong singspiel, at sa Spain tinawag itong tonadilla.

Semi-seryosong opera(opera semiseria) ay isang genre ng hangganan sa pagitan ng seryoso at comic opera, na ang tinubuang-bayan ay Italya. Ang ganitong uri ng opera ay lumitaw sa katapusan ng ika-18 siglo;

Grand opera(grand opera) - nagmula sa France sa pagtatapos ng 1st third XIX na siglo. Ang genre na ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng malalaking kaliskis (5 kilos sa halip na karaniwang 4), ang obligadong presensya ng isang aktong sayaw, at isang kasaganaan ng tanawin. Ang mga ito ay nilikha pangunahin sa mga makasaysayang tema.

Romantikong opera - nagmula sa Alemanya noong ika-19 na siglo. Kasama sa ganitong uri ng opera ang lahat ng musikal na drama na nilikha batay sa mga romantikong plot.

Opera-ballet Nagmula ito sa France sa pagliko ng ika-17-18 na siglo. Ang pangalawang pangalan ng genre na ito ay French court ballet. Ang ganitong mga gawa ay nilikha para sa mga pagbabalatkayo, pastoral at iba pang pagdiriwang na ginanap sa maharlika at kilalang mga korte. Ang ganitong mga pagtatanghal ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang ningning at magagandang tanawin, ngunit ang mga numero sa kanila ay hindi konektado sa pamamagitan ng balangkas sa bawat isa.

Operetta- "maliit na opera", lumitaw sa France noong ika-2 kalahati ng ika-19 na siglo. Ang isang natatanging tampok ng genre na ito ay isang komiks, simpleng balangkas, isang katamtamang sukat, mga simpleng hugis, at "madali", madaling kabisado ang musika.

Kasaysayan ng genre

Jacopo Peri

Maaaring isaalang-alang ang mga pinagmulan ng opera sinaunang trahedya. Bilang isang independiyenteng genre, lumitaw ang opera sa Italya sa pagliko ng ika-16-17 siglo sa isang bilog ng mga musikero, pilosopo, at makata sa lungsod ng Florence. Ang bilog ng mga mahilig sa sining ay tinawag na "camerata". Ang mga kalahok ng "camerata" ay pinangarap na muling buhayin ang sinaunang trahedya ng Greek, pagsasama-sama ng drama, musika at sayaw sa isang pagtatanghal. Ang unang gayong pagtatanghal ay ibinigay sa Florence noong 1600 at sinabi ang tungkol kay Orpheus at Eurydice. May isang bersyon na ang una pagganap sa musika na may pag-awit ay itinanghal noong 1594 sa balangkas sinaunang mitolohiyang Griyego tungkol sa pakikibaka ng diyos na si Apollo sa serpent Python. Unti-unti, nagsimulang lumitaw ang mga paaralan ng opera sa Italya sa Roma, Venice, at Naples. Pagkatapos ay mabilis na kumalat ang opera sa buong Europa. Sa pagtatapos ng ika-17 at simula ng ika-18 siglo, lumitaw ang mga pangunahing uri ng opera: opera seria (grand serious opera) at opera buffa (comic opera).

Sa pagtatapos ng ika-18 siglo, binuksan ang Russian Theater sa St. Petersburg. Noong una ay mga dayuhang opera lamang ang ipinakita. Ang mga unang opera ng Russia ay komiks. Si Fomin ay itinuturing na isa sa mga tagalikha. Noong 1836, ang premiere ng opera ni Glinka na "A Life for the Tsar" ay naganap sa St. Ang Opera sa Russia ay nakakuha ng isang perpektong anyo, ang mga tampok nito ay natukoy: maliwanag mga katangiang pangmusika pangunahing tauhan, kawalan ng pasalitang diyalogo. Noong ika-19 na siglo, ang lahat ng pinakamahusay na kompositor ng Russia ay bumaling sa opera.

Mga uri ng opera

Sa kasaysayan, ang ilang mga anyo ng operatic music ay nabuo. Bagama't may ilang pangkalahatang pattern ng operatic dramaturgy, ang lahat ng mga bahagi nito ay naiiba ang interpretasyon depende sa mga uri ng opera.

• grand opera ( serye ng opera- Italyano, trahedya lyrique, mamaya grand-opera- Pranses),
• semi-comic ( semiseria),
• comic opera ( opera buffa- Italyano, opera-comique- Pranses, Spieloper- Aleman),
• romantikong opera na may romantikong balangkas.
• semi-opera, half-opera, quarter-opera ( semi- lat. kalahati) ay isang anyo ng English baroque opera na pinagsasama ang oral drama (genre) drama, vocal mise-en-scène, govek at symphonic na mga gawa. Ang isa sa mga sumusunod sa semi-opera ay ang Ingles na kompositor na si Henry Purcell /

Sa comic opera, German at French, pinapayagan ang dialogue sa pagitan ng mga musical number. Mayroon ding mga seryosong opera kung saan ipinapasok ang diyalogo, halimbawa. "Fidelio" ni Beethoven, "Medea" ni Cherubini, "The Magic Shooter" ni Weber.

• Mula sa comic opera ay nagmula ang operetta, na naging laganap lalo na sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo.
• Mga Opera para sa pagtatanghal ng mga bata (halimbawa, mga opera ni Benjamin Britten - "The Little Chimney Sweep", "Noah's Ark", mga opera ni Lev Konov - "King Matt the First", "Asgard", "The Ugly Duckling", "Kokinwakashu").

Mga Elemento ng Opera

Ito ay isang sintetikong genre na pinagsasama-sama ang iba't ibang uri ng sining sa iisang theatrical action: drama, musika, visual arts (scenery, costumes), choreography (ballet).

Kasama sa opera ensemble ang: soloista, koro, orkestra, banda ng militar, organ. Mga boses ng opera: (babae: soprano, mezzo-soprano, contralto; lalaki: countertenor, tenor, baritone, bass).

Ang isang operatikong gawain ay nahahati sa mga kilos, larawan, eksena, at mga numero. Bago ang acts ay may prologue, sa dulo ng opera ay may epilogue.

Mga bahagi ng isang operatic work - recitatives, arioso, kanta, arias, duets, trios, quartets, ensembles, atbp. Mula sa symphonic forms - overture, introduction, intermissions, pantomime, melodrama, processions, ballet music.

Ang mga karakter ng mga karakter ay lubos na nahayag sa solong numero(aria, arioso, arietta, cavatina, monologue, ballad, kanta). Ang Opera ay may iba't ibang mga pag-andar recitative- musikal na intonasyon at maindayog na pagpaparami ng pagsasalita ng tao. Kadalasan ay nagkokonekta siya (plotwise at musically) mga indibidwal na nakumpletong numero; ay kadalasang isang mabisang salik sa musikal na dramaturhiya. Sa ilang mga genre ng opera, higit sa lahat ay komedya, sa halip na recitative, nagsasalita, kadalasan sa mga diyalogo.

Tumutugma sa diyalogo sa entablado, ang eksena ng isang dramatikong pagtatanghal sa isang opera grupo ng musikal(duet, trio, quartet, quintet, atbp.), ang pagiging tiyak na ginagawang posible upang lumikha ng mga sitwasyon ng salungatan, upang ipakita hindi lamang ang pag-unlad ng aksyon, kundi pati na rin ang pag-aaway ng mga character at ideya. Samakatuwid, ang mga ensemble ay madalas na lumilitaw sa climactic o huling sandali ng operatic action.

Koro sa opera iba ang interpretasyon nito. Maaari itong maging background, walang kaugnayan sa pangunahing storyline; minsan isang uri ng komentarista sa mga nangyayari; ginagawang posible ng mga artistikong kakayahan nito na magpakita ng mga monumental na larawan ng katutubong buhay, upang ipakita ang ugnayan sa pagitan ng bayani at ng masa (halimbawa, ang papel ng koro sa mga katutubong musikal na drama ng M. P. Mussorgsky "Boris Godunov" at "Khovanshchina") .

Sa musical dramaturgy ng opera, isang malaking papel ang itinalaga sa orkestra, ang symphonic na paraan ng pagpapahayag ay nagsisilbing mas ganap na magbunyag ng mga larawan. Kasama rin sa opera ang mga independiyenteng yugto ng orkestra - overture, intermission (pagpapakilala sa mga indibidwal na kilos). Ang isa pang bahagi ng pagganap ng opera ay balete, mga choreographic na eksena kung saan ang mga plastik na larawan ay pinagsama sa mga musikal.

Opera theater

Ang mga teatro ng opera ay mga gusali ng teatro sa musika na partikular na idinisenyo upang ipakita ang mga paggawa ng opera. Hindi tulad ng mga open-air na sinehan, ang gusali ng opera house ay nilagyan ng malaking entablado na may mamahaling teknikal na kagamitan, kabilang ang hukay ng orkestra at isang auditorium sa isa o ilang tier, na matatagpuan sa itaas ng isa o dinisenyo sa anyo ng mga kahon. Ang modelong ito ng arkitektura ng opera house ang pangunahing isa. Ang pinakamalaking opera house sa mundo ayon sa bilang ng mga upuan para sa mga manonood ay ang Metropolitan Opera sa New York (3,800 upuan), ang San Francisco Opera (3,146 na upuan) at La Scala sa Italya (2,800 na upuan).

Sa karamihan ng mga bansa, ang pagpapanatili ng mga gusali ng opera house ay hindi kumikita at nangangailangan ng mga subsidyo ng gobyerno o mga donasyon mula sa mga parokyano. Halimbawa, ang taunang badyet ng La Scala Theater (Milan, Italy) noong 2010 ay 115 milyong euros (40% subsidyo ng gobyerno at 60% pribadong donasyon at benta ng tiket), at noong 2005 ang La Scala Theater ay nakatanggap ng 25 % ng 464 milyong euros - ang halagang ibinibigay ng badyet sa pagpapaunlad ng Italyano sining. At ang Estonian National Opera ay nakatanggap ng 7 milyong euro (112 milyong korona) noong 2001, na umabot sa 5.4% ng mga pondo ng Estonian Ministry of Culture.

Mga boses ng opera

Sa oras ng kapanganakan ng opera, kapag ang electronic sound amplification ay hindi pa naimbento, teknolohiya pag-awit ng opera binuo sa direksyon ng paggawa ng isang tunog na sapat na malakas upang lunurin ang tunog ng kasamang symphony orchestra. Ang kapangyarihan ng operatic voice, salamat sa coordinated work ng tatlong bahagi (paghinga, ang gawain ng larynx at ang regulasyon ng resonating cavities), umabot sa 120 dB sa layo na isang metro.

Ang mga mang-aawit, ayon sa mga tungkulin sa opera, ay inuri ayon sa uri ng boses (texture, timbre at karakter). Kabilang sa mga boses ng opera ng lalaki ay mayroong:

• kontra-tenor,

at sa mga kababaihan:

• Pinaka sikat mga kompositor ng opera sa parehong panahon ay sina Verdi, Mozart at Puccini - 3020, 2410 at 2294 na pagtatanghal, ayon sa pagkakabanggit.

Panitikan

• Si Keldysh Yu. Opera // Musical encyclopedia sa 6 na volume, TSB, M., 1973-1982, T. 4, pp. 20-45.
• Serov A. N., Ang kapalaran ng opera sa Russia, "Russian Stage", 1864, No. 2 at 7, pareho, sa kanyang aklat: Mga napiling artikulo, vol.
• Serov A. N., Opera sa Russia at Russian opera, "Musical Light", 1870, No. 9, pareho, sa kanyang aklat: Mga kritikal na artikulo, tomo 4, St. Petersburg, 1895.
• Cheshikhin V., Kasaysayan ng Russian Opera, St. Petersburg, 1902, 1905.
• Engel Yu., Sa opera, M., 1911.
• Igor Glebov [Asafiev B.V.], Symphonic Etudes, P., 1922, L., 1970.
• Igor Glebov [Asafiev B.V.], Mga liham tungkol sa Russian opera at ballet, "Lingguhan ng Estado ng Petrograd. akademikong mga teatro", 1922, No. 3-7, 9-10, 12-13.
• Igor Glebov [Asafiev B.V.], Opera, sa aklat: Mga sanaysay sa pagkamalikhain ng musikal ng Sobyet, vol.
• Bogdanov-Berezovsky V. M., Soviet Opera, L.-M., 1940.
• Druskin M., Mga tanong ng musikal na dramaturhiya ng opera, Leningrad, 1952.
• Yarustovsky B., Dramaturgy of Russian opera classics, M., 1953.
• Yarustovsky B., Mga sanaysay sa dramaturgy ng 20th century opera, libro. 1, M., 1971.
• Sobyet na opera. Koleksyon ng mga kritikal na artikulo, M., 1953.
• Tigranov G., Armenian musical theater. Mga sanaysay at materyales, vol 1-3, E., 1956-75.
• Tigranov G., Opera at Ballet ng Armenia, M., 1966.
• Arkhimovich L., Ukrainian classical opera, K., 1957.
• Gozenpud A., Musical theater sa Russia. Mula sa pinagmulan hanggang Glinka, L., 1959.
• Gozenpud A., Russian Soviet Opera Theatre, L., 1963.
• Gozenpud A., Russian Opera teatro XIX siglo, tomo 1-3, L., 1969-73.
• Gozenpud A., Russian Opera Theater sa pagliko ng ika-19 at ika-20 siglo at F. I. Shalyapin, L., 1974.
• Gozenpud A., Russian Opera House sa pagitan ng dalawang rebolusyon, 1905-1917, L., 1975.
• Ferman V. E., Opera House, M., 1961.
• Bernandt G., Dictionary of operas unang itinanghal o nai-publish sa pre-revolutionary Russia at USSR (1736-1959), M., 1962.
• Khokhlovkina A., Western European Opera. Ang katapusan ng ika-18 - unang kalahati ng ika-19 na siglo. Sanaysay, M., 1962.
• Smolsky B.S., Belarusian Musical Theatre, Minsk, 1963.
• Livanova T. N., Opera criticism sa Russia, vol 1-2, no. 1-4 (isyu 1 kasama ng V.V. Protopopov), M., 1966-73.
• Konen V., Teatro at Symphony, M., 1968, 1975.
• Mga tanong ng operatic dramaturgy, [collection], ed.-comp. Yu. Tyulin, M., 1975.
• Danko L., Comic opera noong ika-20 siglo, L.-M., 1976.
• Arteaga E., Le rivoluzioni del teatro musicale italiano, v. 1-3, Bologna, 1783-88.
• Clement F., Larousse P., Dictionnaire lyrique, ou histoire des opéras, P., 1867, 1905.
• Dietz M., Geschichte des musikalischen Dramas in Frankreich während der Revolution bis zum Directorium, W.-Lpz., 1885, 1893.
• Riemann H., Opern-Handbuch, Lpz., 1887.
• Bullhaupt H., Dramaturgie der Oper, v. 1-2, Lpz., 1887, 1902.
• Soubies A., Malherbe Ch. Th., Histoire de l'opéra comique, v. 1-2, P., 1892-93.
• Pfohl F., Die moderne Oper, Lpz., 1894.
• Rolland R., Les origines du théâtre lyrique moderne. L'histoire de l'opéra avant Lulli et Scarlatti, P., 1895, 1931.
• Rolland R., L’opéra au XVII siècle en Italie, sa aklat: Encyclopédie de la musique et dictionnaire…, fondateur A. Lavignac, pt. 1, , P., 1913 (pagsasalin ng Ruso - Rolland R., Opera noong ika-17 siglo, M., 1931).
• Goldschmidt H., Studien zur Geschichte der italienischen Oper in 17. Jahrhundert, Bd 1-2, Lpz., 1901-04.
• Solerti A., Le origini del melodrama, Torino, 1903.
• Solerti A., Gli albori del melodrama, v. 1-3, Palermo, 1904.
• Dassori C., Opère e operisti. Dizionario lirico. Genua, 1903.
• Hirschberg E., Die Enzyklopädisten und die französische Oper im 18. Jahrhundert, Lpz., 1903.
• Sonneck O., Catalog ng mga marka ng opera, , 1908.
• Sonneck O., Catalog ng mga opera libretto na inilimbag bago ang 1800, v. 1-2, Hugasan, 1914.
• Sonneck O., Catalog ng 19th century librettos, Wash., 1914.
• Towers J., Dictionary-catalogue ng mga opera at operetta na naitanghal sa pampublikong entablado, Morgantown, .
• La Laurencie L., L'opéra comique française en XVIII siècle, sa aklat: Encyclopédie de la musique et dictionnaire de con-cervatoire, , P., 1913 (Salin ng Ruso - La Laurencie L., French comic opera noong ika-18 siglo, M., 1937).
• Bie O., Die Oper, B., 1913, 1923.
• Kretzschmar H., Geschichte der Oper, Lpz., 1919 (Salin sa Ruso - Kretschmar G., History of Opera, L., 1925).
• Kapp J., Die Oper der Gegenwart, B., 1922.
• Delia Corte A., L'opéra comica Italiana nel" 700. Studi ed appunti, v. 1-2, Bari, 1923.
• Delia Corte A., Tre secoli di opera italiana, Torino, 1938.
• Bücken E., Der heroische Stil in der Oper, Lpz., 1924 (Salin sa Ruso - E. Bukken, Heroic style sa opera, M., 1936).
• Bouvet Ch., L'opéra, P., 1924.
• Prodhomme J. G., L'opéra (1669-1925), P., 1925.
• Abert H., Grundprobleme der Operngeschichte, Lpz., 1926.
• Dandelot A., L"évolution de la musique de théâtre depuis Meyerbeer Jusqu"à nos Jours, P., 1927.
• Bonaventura A., L'opéra italiana, Firenze, 1928.
• Schiedermair L., Die deutsche Oper, Lpz., 1930, Bonn, 1943.
• Becker P., Wandlungen der Oper, Z., 1934.
• Capri A., Il melodrama dalle origini ai nostri giorni, Modena, 1938.
• Dent E.J., Opera, N.Y., 1940.
• Gregor J., Kulturgeschichte der Oper, W., 1941, 1950.
• Brockway W., Weinstock H., Ang opera, isang kasaysayan ng paglikha at pagganap nito, 1600-1941, N.Y., 1941 (karagdagang ed.: The world of opera, N.Y., 1966).
• Skraup S., Die Oper als lebendiges Theater, Würzburg, 1942.
• Mooser R. A., L opéra comique française en Russie durant le XVIIIe siècle, Bale, 1945, 1964.
• Grawt D.J., A maikling kasaysayan ng opera, v. 1-2, N.Y., 1947, Oxf., 1948, N.Y., 1965.
• Cooper M., Opéra comique, N. Y., 1949.
• Cooper M., Russian opera, L., 1951.
• Wellesz E., Mga sanaysay sa opera, L., 1950.
• Oper im XX. Jahrhundert, Bonn, 1954.
• Paul D., De, L'opéra italiana dalle origini all'opera verista, Roma, 1954.
• Sip J., Opera sa Czechoslovakia, Prague, 1955.
• Bauer R., Die Oper, B., 1955, 1958.
• Leibowitz R. L'histoire de l'opéra, P., 1957.
• Serafin T., Toni A., Stile, tradizion at con-venzioni del melodramma italiano del settecento e dell'ottocento, v. 1-2, Mil., 1958-64.
• Schmidt-Garre H., Oper, Köln, 1963.
• Stuckenschmidt H., Oper in dieser Zeit, Hannover, 1964.
• Szabolcsi B., Die Anfänge der nationalen Oper im 19. Jahrhundert, sa: Bericht über den Neunten Internationalen Kongreß Salzburg 1964, Lfg. 1, Kassel, 1964.
• Die moderne Oper: Autoren, Theater, Publikum, ibid., Lfg. 2, Kassel, 1966.

Tingnan din

Mga Tala

Mga link

• Ang pinakakomprehensibong site sa wikang Ruso na nakatuon sa mga kaganapan sa opera at opera
• Direktoryo na "100 opera" na na-edit ni M. S. Druskin. Maikling buod (synopse) ng mga opera

Mga anyo ng musikal
Mga anyo ng tinig	Anyo ng taludtod Anyo ng lead-chorus
Mga simpleng anyo	Panahon Simple two-part form Simple three-part form
Mga kumplikadong hugis	Compound song forms Rondo Variation form Sonata form Rondo-sonata
Mga paikot na anyo	Suite Sonata-symphonic cycle Cantata Oratorio
Mga anyo ng polyphonic	Fugue Canon
Mga tiyak na anyo ng European Middle Ages at Renaissance	Bar Virele ́ Ballata ́ Estampi ́ Le Madrigal
Mga tiyak na anyo ng panahon ng Baroque	Mga simpleng anyo ng panahon ng Baroque Ancient sonata form Compound forms ng Baroque era Ancient concert form Chorale arrangement
Mga tiyak na anyo ng panahon ng romantisismo	Libreng mga form Mga halo-halong anyo Isang bahaging paikot na anyo
Mga anyo ng musikal na teatro	Operetta Ballet
Musika Teoryang Musika

Opera mga tuntunin

Mga direksyon sa teatro
Teatro

Ang Opera ay ang pinakamataas na genre hindi lamang ng dramatikong pamilya, kundi pati na rin ng buong uri ng nakikipag-ugnayang musika. Pinagsasama nito ang isang potensyal na malaking volume at versatility ng nilalaman sa isang konseptwalidad na ginagawa itong medyo katulad ng isang symphony sa dalisay at programa ng musika o isang oratorio sa pamilya ng musika at mga salita. Ngunit sa kaibahan sa kanila, ang buong pang-unawa at pagkakaroon ng opera ay nagpapahiwatig ng isang materyal at volumetric na yugto ng sagisag ng aksyon.
Ang sitwasyong ito - entertainment, pati na rin ang direktang nauugnay na pagiging kumplikado ng artistikong synthesis sa isang pagganap ng opera, pagsasama-sama ng musika, mga salita, pag-arte at scenography, kung minsan ay pinipilit tayong makita sa opera ang isang espesyal na kababalaghan ng sining na hindi lamang nabibilang sa musika at ginagawa. hindi akma sa hierarchy ng mga musical genre. Ayon sa opinyon na ito, lumitaw ang opera at umuunlad sa intersection iba't ibang uri sining, na ang bawat isa ay nangangailangan ng espesyal at pantay na atensyon8. Sa aming opinyon, ang pagpapasiya ng katayuan ng aesthetic ng opera ay nakasalalay sa punto ng view: sa konteksto ng buong mundo ng sining maaari itong ituring na isang espesyal na sintetikong anyo, ngunit mula sa punto ng view ng musika ito ay tiyak na isang musikal. genre, humigit-kumulang katumbas ng pinakamataas na genre ng iba pang genera at pamilya.
Sa likod ng typological definition na ito ay namamalagi ang pangunahing bahagi ng problema. Ang pananaw ng opera na iminungkahi dito ay isinasaalang-alang ang musika bilang nangingibabaw na elemento ng artistikong interaksyon, na tumutukoy sa pokus ng pagsasaalang-alang nito sa kabanatang ito. "Ang Opera ay una at pangunahin sa isang trabaho
musikal" - ang mga makabuluhang salita na ito ng pinakadakilang opera classic na Rimsky-Korsakov ay kinumpirma ng napakalaking pamana, kasanayan ng ilang siglo, kabilang ang ating siglo, na mayroong isang ganap na pondo ng artistikong karapat-dapat, tunay. mga musikal na opera: sapat na upang maalala ang mga pangalan ng Stravinsky, Prokofiev at Shostakovich, Berg o Puccini.
Kumpirmahin ang nangingibabaw na papel ng musika sa opera at espesyal modernong mga anyo pagkakaroon nito: pakikinig sa radyo, sa tape o gramophone recording, gayundin sa Kamakailan lamang pagtatanghal ng konsiyerto. Hindi sinasadya na ang pananalitang "pakikinig sa opera" ay laganap pa rin sa pang-araw-araw na buhay at itinuturing na tama, kahit na pinag-uusapan natin ang pagbisita sa teatro.
Ang pagka-orihinal ng artistikong synthesis sa opera sa ilalim ng tangkilik ng musika, ayon sa patas na konklusyon ni V. Konen, "ay tumutugma sa ilang pangunahing batas ng sikolohiya ng tao." Ang genre na ito ay nagpapakita ng pangangailangan para sa intonational empathy para sa "subtext ng isang dramatikong balangkas, ang ideolohikal at emosyonal na kapaligiran nito, naa-access para sa maximum na pagpapahayag partikular at sa musika lamang, at ang realidad sa entablado ay nagpapakilala sa isang kongkreto, makabuluhang anyo ng isang mas malawak, pangkalahatang ideya na nakapaloob sa ang marka ng opera”9. Ang primacy ng musical expressiveness ay bumubuo sa aesthetic na batas ng opera sa buong kasaysayan nito. At bagama't sa kuwentong ito maraming iba't ibang variant ng artistikong synthesis na may mas malaki o mas maliit na bigat ng salita at aksyon ang naranasan at lalo na ngayong nililinang, ang mga gawang ito ay makikilala bilang opera sa tiyak na kahulugan lamang kapag ang kanilang dramaturgy ay nakahanap ng isang holistic na sagisag ng musikal. .
Kaya, ang opera ay isa sa mga ganap na genre ng musika. Gayunpaman, hindi malamang na sa buong mundo ng musika ay may isang halimbawa ng isang genre na napakakontrobersyal. Ang parehong kalidad - syntheticity, na nagbibigay ng opera na may kumpleto, versatility at lawak ng epekto, ay nagtatago ng isang orihinal na kontradiksyon kung saan nakasalalay ang mga krisis, pagsiklab ng polemikong pakikibaka, mga pagtatangka sa reporma at iba pang mga dramatikong kaganapan na sagana sa kasaysayan ng musikal na teatro. Ito ay hindi para sa wala na si Asafiev ay labis na nag-aalala tungkol sa kabalintunaan ng kalikasan ng mismong pagkakaroon ng opera; "Paano ipaliwanag ang pagkakaroon ng form na ito, napakapangit sa hindi makatwiran nito, at ang patuloy na panibagong pagkahumaling dito sa bahagi ng pinaka-magkakaibang publiko?"
Ang pangunahing kontradiksyon ng opera ay nakaugat sa pangangailangan sabay-sabay na kumbinasyon dramatikong aksyon at musika, na sa pamamagitan ng kanilang likas na katangian ay nangangailangan ng panimulang iba't ibang artistikong oras. Ang kakayahang umangkop, artistikong pagtugon ng musikal na bagay, ang kakayahang ipakita ang parehong panloob na kakanyahan ng mga phenomena at ang kanilang panlabas, plastik na bahagi ay hinihikayat ang isang detalyadong sagisag sa musika ng buong proseso ng pagkilos. Ngunit sa parehong oras, ang hindi maaaring palitan na aesthetic na bentahe ng musika - ang espesyal na kapangyarihan ng simbolikong pangkalahatan, na pinalakas sa panahon ng pagbuo ng klasikal na opera sa pamamagitan ng progresibong pag-unlad ng homophonic thematicism at symphonism - pinipilit ang isa na abstract mula sa prosesong ito, na nagpapahayag nito. indibidwal na mga sandali sa malawak na binuo at medyo kumpletong mga form, dahil lamang sa Sa mga form na ito ang pinakamataas na aesthetic na pagtawag ng musika ay maaaring maisakatuparan sa maximum.
Sa musicology, mayroong isang opinyon ayon sa kung saan ang generalizing-symbolic na aspeto ng opera, na pinaka-mapagbigay na ipinahayag ng musika, ay bumubuo ng "panloob na aksyon," iyon ay, isang espesyal na repraksyon ng drama. Ang pananaw na ito ay lehitimo at naaayon sa pangkalahatang teorya ng dramaturhiya. Gayunpaman, umaasa sa malawak na aesthetic na konsepto ng lyricism bilang pagpapahayag ng sarili (sa opera, pangunahin sa mga karakter, ngunit bahagyang din ng may-akda), mas mainam na bigyang-kahulugan ang musikal-generalizing na aspeto bilang liriko: ito ay nagpapahintulot sa amin na mas malinaw. maunawaan ang istraktura ng opera mula sa punto ng view ng artistikong oras.
Kapag lumilitaw ang isang aria, ensemble o iba pang generalizing na "numero" sa panahon ng opera, imposibleng aesthetically maunawaan ito kung hindi bilang isang paglipat sa isa pang artistikong-time na eroplano, kung saan ang aksyon mismo ay nasuspinde o pansamantalang naantala. Sa anumang, kahit na ang pinaka-makatotohanang, pagganyak para sa naturang episode, nangangailangan ito ng psychologically different perception, ibang antas ng aesthetic convention kaysa sa aktwal na dramatic opera scenes.
Ang isa pang aspeto ng opera ay konektado din sa pangkalahatang plano ng musika: ang pakikilahok ng koro bilang panlipunang kapaligiran ng aksyon o ang "tinig ng mga tao" na nagkomento dito (ayon kay Rimsky-Korsakov). Dahil sa mga eksena ng karamihan ay inilalarawan ng musika ang kolektibong imahe ng mga tao o ang kanilang reaksyon sa mga kaganapan, na kadalasang nangyayari sa labas ng entablado, ang aspetong ito, na, kung baga, paglalarawan ng musika ang mga aksyon ay nararapat na ituring na epiko. Sa pamamagitan ng aesthetic na katangian nito, ang opera ay potensyal na nauugnay sa isang malaking dami ng nilalaman at multiplicity masining na paraan, ay walang alinlangan na predisposed dito.
Kaya, sa opera mayroong isang kontradiksyon, ngunit natural at mabungang pakikipag-ugnayan ng lahat ng tatlong generic na kategorya ng aesthetic - drama, liriko at epiko. Kaugnay nito, ang malawakang interpretasyon ng opera bilang "isang drama na isinulat ng musika" (B. Pokrovsky) ay nangangailangan ng paglilinaw. Sa katunayan, ang drama ay ang sentral na core ng genre na ito, dahil sa anumang opera mayroong isang salungatan, ang pagbuo ng mga relasyon sa pagitan ng mga character, ang kanilang mga aksyon na tumutukoy sa iba't ibang yugto ng aksyon. At the same time, hindi lang drama ang opera. Ang mga mahalagang bahagi nito ay ang simulang liriko, at sa maraming pagkakataon ay ang epiko. Ito ang tiyak na pangunahing pagkakaiba sa pagitan ng opera at drama, kung saan ang linya ng "panloob na aksyon" ay hindi nakahiwalay, at ang mga eksena sa karamihan, bagama't mahalaga, ay mga pribadong elemento pa rin ng drama sa sukat ng buong genre. Hindi mabubuhay ang Opera nang walang lyrical-epic generalization, na pinatunayan ng kontradiksyon ng mga pinaka-makabagong halimbawa ng musikal na drama sa huling dalawang siglo.
Ang aesthetic complexity ng genre ay bahagyang nauugnay sa pinagmulan nito: ang mga tagalikha ng opera ay ginabayan ng sinaunang trahedya, na, salamat sa koro at mahabang monologue, ay hindi lamang isang drama.
Ang kahalagahan ng liriko-epikong simula para sa opera ay malinaw na inihayag sa akda opera libretto. Ang mga matibay na tradisyon ay nabuo dito. Kapag nagpoproseso sa isang libretto, ang orihinal na pinagmulan ay, bilang panuntunan, nababawasan: ang bilang ng mga character ay nababawasan, ang mga linya sa gilid ay naka-off, ang aksyon ay nakatuon sa sentral na tunggalian at ang end-to-end na pag-unlad nito. At sa kabaligtaran, ang lahat ng mga sandali na nagbibigay sa mga bayani ng pagkakataon para sa pagpapahayag ng sarili ay bukas-palad na ginagamit, gayundin ang mga nagpapahintulot sa pagbibigay-diin sa saloobin ng mga tao sa mga kaganapan ("Hindi ba posible na gawin ito upang ... ang mga tao ay kasalukuyan?" - Ang sikat na kahilingan ni Tchaikovsky kay Shpazhinsky tungkol sa denouement na "Sorceresses"). Para sa kapakanan ng pagkakumpleto ng mga lyrics, ang mga may-akda ng opera ay madalas na gumagamit ng mas makabuluhang mga pagbabago sa orihinal na pinagmulan. Ang isang mahusay na halimbawa ay ang "The Queen of Spades" kasama ang nasusunog, masakit na pakiramdam ng pagdurusa sa pag-ibig, na nagsisilbi, salungat sa Pushkin, bilang paunang stimulus para sa mga aksyon ni Herman, na humahantong sa isang trahedya na denouement.
Ang kumplikadong interweaving ng drama, lyricism at epic ay bumubuo ng isang partikular na operatic synthesis, kung saan ang mga aesthetic na aspeto ay maaaring magbago sa isa't isa. Halimbawa, ang isang labanan na mahalaga sa balangkas ay ibinigay sa anyo symphonic na larawan(“Ang Labanan ng Kerzhenets” sa “The Legend” ni Rimsky-Korsakov): mayroong paglipat mula sa drama patungo sa epiko. O kaya ang pinakamahalagang sandali mga aksyon—pagsisimula, kasukdulan, denouement—na may musikal na nakapaloob sa isang grupo, kung saan ipinapahayag ng mga tauhan ang kanilang damdamin na dulot ng sandaling ito (ang quintet na "Natatakot Ako" sa "The Queen of Spades", ang canon na "What a kahanga-hangang sandali"sa "Ruslan", ang quartet sa huling pelikula na "Rigoletto", atbp.). Sa ganitong mga sitwasyon, ang drama ay nagiging lyrics.
Ang hindi matatakasan na atraksyon ng drama sa opera sa lyrical-epic plane ay natural na nagbibigay-daan para sa isang diin sa isa sa mga aspetong ito ng dramaturgy. Samakatuwid, ang musikal na teatro ay higit pa sa mas malaking lawak kaysa sa dramatic, may mga kaukulang bias sa interpretasyon ng operatic genre. Ito ay hindi nagkataon na ang liriko opera ng ika-19 na siglo. sa France o Russian epic opera ay mga pangunahing makasaysayang phenomena, medyo paulit-ulit at naiimpluwensyahan ang iba pang mga pambansang paaralan.
Ang kaugnayan sa pagitan ng aktwal na dramatiko at liriko-epikong mga plano at ang nauugnay na kalidad ng artistikong oras ay ginagawang posible na makilala ang genre ng opera sa dalawang pangunahing uri - klasikal na opera at musikal na drama. Sa kabila ng relativity ng pagkakaibang ito at ang kasaganaan ng mga intermediate na opsyon (na tatalakayin natin sa ibaba), nananatili itong aesthetically fundamental. Ang klasikal na opera ay may dalawang-plane na istraktura. Ang dramatikong plano nito, na inilalahad sa mga recitatives at sa pamamagitan ng mga eksena, ay isang direktang musikal na pagmuni-muni ng aksyon, kung saan gumaganap ang musika ng isang nagpapahiwatig na function at napapailalim sa prinsipyo ng resonance. Ang pangalawa, lyrical-epic na plano ay binubuo ng mga kumpletong numero na nagsasagawa ng generalizing function at nagpapatupad ng prinsipyo ng awtonomiya ng musika. Siyempre, hindi nito ibinubukod ang kanilang koneksyon sa prinsipyo ng resonance (dahil ang hindi bababa sa isang hindi direktang koneksyon sa aksyon ay napanatili sa kanila) at ang kanilang pagganap ng isang nagpapahiwatig na function, unibersal para sa musika. Ang partikular na theatrical-reproducing function ay kasama rin sa musical-generalizing plan at, sa gayon, ito ay lumalabas na functionally ang pinakakumpleto, na ginagawa itong pinakamahalaga para sa classical na opera. Kapag lumilipat mula sa isang dramatikong plano patungo sa isa pa, ang isang malalim na paglipat ng artistikong oras ay nangyayari, palaging napapansin ng nakikinig.
Ang dramatikong duality ng opera ay sinusuportahan ng espesyal na pag-aari ng artistikong salita sa teatro, na nakikilala ito sa panitikan. Ang salita sa entablado ay laging may dalawahang pokus: kapwa sa kapareha at sa manonood. Sa opera, ang dobleng direksyon na ito ay humahantong sa isang tiyak na dibisyon: sa epektibong eroplano ng dramaturgy, ang vocally intoned na salita ay nakadirekta; higit sa lahat sa kapareha, sa mga pangkalahatang tuntunin sa musika, pangunahin sa manonood.
Ang musikal na drama ay batay sa isang malapit na interweaving, perpektong pagsasanib, ng parehong mga plano ng operatic dramaturgy. Ito ay isang tuluy-tuloy na pagmuni-muni ng aksyon sa musika, kasama ang lahat ng mga elemento nito, at ang kaibahan ng artistikong oras sa loob nito ay sadyang nagtagumpay: kapag lumihis patungo sa lyric-epic na bahagi, ang paglipat sa oras ay nangyayari nang maayos at hindi mahahalata hangga't maaari.
Mula sa paghahambing sa itaas ng dalawang pangunahing uri, nagiging malinaw na ang istraktura ng numero, na tradisyonal na nagsisilbing tanda ng klasikal na opera, ay walang iba kundi isang bunga ng pagkakaiba sa pagitan ng dalawang plano nito, na ang isa ay nangangailangan ng aesthetic na pagkakumpleto nito. link, habang ang tuluy-tuloy na komposisyon ng isang musikal na drama ay ang resulta ng kanyang dramatikong monolitik, patuloy na pagmuni-muni ng aksyon sa musika. Iminumungkahi din ng paghahambing na ang mga operatikong uri na ito ay dapat na makilala sa isa't isa at mula sa kanilang mga bumubuong genre. Tulad ng ipapakita ng karagdagang pagtatanghal, ang pagkakaiba ng genre na ito sa pagitan ng dalawang uri ng opera ay talagang makabuluhan at malapit na magkakaugnay sa kanilang buong istraktura.
O.V. Sokolov.